Nosolofreakoctubre2014

especial hp lovecraft

NĂşmero 34 Octubre 2014

ENTREVISTAS equipo la isla minima gothicdolls twist comics

cine especial clint eastwood tortugas ninjas

especiales series stephen king i

COMIC the walking dead uncanny avengers

antes de la oscuridad

GOTHAM

Editorial Bienvenidos a Gotham Nosolofreak visita la ciudad de Batman antes de que el caballero oscuro se hiciera dueño de ella, porque estamos en el mes de las series, el mes de los estrenos de la pequeña pantalla que en este Octubre lideran títulos como Gotham, Flash o Arrow, y ellos son también los protagonistas de este nuevo número de Nosolofreak.

Además comenzamos dos increible especiales que terminarán en próximo números, uno de ellos centrado en las series que se basaron en obras del gran Stephen King. Otro que tendrá como protagonista al gran H.P. Lovecraft y su influencia sobre los juegos de mesas actuales.

Entrevistaremos a los componentes de uno de los estrenos españoles del año: La Isla Mínima. También a uno de los miembros de Twist Cómics, como a los integrantes de una de las bandas del panorama actual musical español: GothicDolls.

Encima viene a visitarnos a nuestra redacción unos amigos muy especiales: The Muppets, que nos cuentan todo lo que tenemos que saber sobre cada uno de sus miembros y lo que nos deparará un futuro cercano.

Novedades del cine, anime, series, cómics y todo po...espera, Nosolofreak sigue siendo gratis. ¿A qué esperas? NSF esta hecha por gente como tu para gente como nosotros.

Daniel Ferrer león Director NSF

Daniel Ferrer Leon Director Y Redactor Jefe

Tony Camacho

Director y Coordinador

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Daniel Torrejón Redactor

Jose Luis Soriano Redactor

Cristina Fernández Redactora

Miguel de Andrés Bayón Redactor Jesús de la Fuente Redactor

Toni Serrano Montse N Rios RELATOS

Aida Albiar Redactora

A

destacados 192

42

120

54

Animología:

The Muppets Especial H.P. Lovecraft(I)

ESPECIAL Stephen King (series)

Entrevista GothicDolls

10 Nuevas 120 Las Tortugas Ninjas

76

ENTREVISTA

TWIST COMICS

GOTHAM 62

146

20 ARROW

Entrevistas 126 ESPECIAL: CLINT UNCANNY EASTWOOD La Isla

AVANEGERS

la caja tonta - la caj es e r b m o Mi n ga u r o , a v cal calva

seriando voy seriando vengo El otoño ya ha llegado y con él tuvimos el mes pasado un grupo bastante amplio de series que comenzar a ver dependiendo de nuestros gustos, de hecho para el mes que viene haremos una pequeña valoración antes del parón de navidad sobre todas estas series que ya habrán tenido tiempo de empezar a rodar. No obstante, este mes de octubre, tenemos otras catorce nuevas series y como sabemos, la lucha en las parrillas de estados unidos no nos dejarán indiferente (salvo por el hecho que nuestras cadenas patrias sólo parecen comprar series que o bien van con retraso o ya han sido canceladas y las pueden emitir como si fuesen miniseries de fin de semana)

l a constantine the f lash s m a s e s p e r a d a s

arrow

kingdom

cultura televisiva e

Si sois unos amantes de la visualización en inglés con o sin subtítulos, estos son los estrenos que nos ofrece el mes de octubre; vamos a por ello: El propio día 1 de octubre CBS estrena STALKER, una serie que nos habla de un par de detectives que pertenecen a un grupo especializado en casos de acoso. Protagonizada por Dylan McDermott (American Horror Story) como Jack Larsen y Maggie Q (Nikita) como Beth Davis esta serie tiene pinta de ser una serie más de las que tanto gustaban en USA hace un par de años pero que a día de hoy va a tener difícil competir con las series del mismo estilo que ya están afianzadas entre el público. No sé si será un buen caso a seguir.

El día dos de octubre tenemos varios estrenos. Ante la ausencia de COMO CONCOCÍ A VUESTRA MADRE” y el cierre del proyecto spin off COMO CONOCÍ A VUESTRO PADRE, Cristin Milloti (HIMYM) protagoniza esta comedia romántica basada en una premisa bastante similar y que nos presenta dos personas que se conocen

ja tonta - la caja ton

en bote mensual

por casualidad y que puede que estén juntos por destino. La verdad es que si fuese una película sería una más de tantas pero a ver cómo lo alargan para presentarnos una serie que enganche.

Esta serie se estrenará en la cadena NBC, que también estrena el día dos la serie BAD JUDGE que nos cuenta la historia de una jueza estrambótica con una forma bastante peculiar de juzgar así como una vida privada completamente caótica cuyas prioridades se ven afectadas cuando llega a su vida un niño de 8 años del que se tiene que hacer cargo.

Puede ser divertida y desde luego habrá que darle una oportunidad.

De la mano de FOX llega también el día 2 la serie GRACEPOINT, remake de la inglesa BROADCHURCH protagonizada por nuestro querido por algunos y no tanto por otros, David Tennant. La historia se centra en la investigación de un asesinato que conmueve y revoluciona a un pequeño pueblo costero de estados unidos y que desboca a los medios de comunicación. Un thriller que puede ser interesante según el camino que tome.

Pasamos al día 4 cuando Starz estrenará SURVIVOR’S REMORSE que nos acerca a la vida y problemas de un grupo de famosos de origen humilde y lo que han tenido que luchar para llegar donde están.

No tiene mala pinta pero no creo que me enganche.

El día cinco FOX nos trae MULANEY comedia que nos habla de la vida de un cómico principiante, interpretado por John Mulaney (Saturday Night Live) que trabaja para un cómico de los años 70-80 en un programa de televisión y cuya vida se ve abrumada por las circunstancias que le rodean. Una comedia clásica que tiene buena pinta si no la cancelan.

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cultura televisiva en

Día siete de octubre. Llega uno de los estrenos esperados por todos los frikis del cómic.

Presentada en una temporada anterior a través de ARROW y con el piloto en el aire desde hace un par de meses, llega a las pantallas de CW la primera temporada de THE FLASH. Poco hay que decir de la historia ya que muchos por no decir todos, la conocemos. El superhéroe más rápido del universo DC que nos llenará de aventuras en un ambiente actual y con una imagen quizá un poco más cercana al cómic de la que Arrow nos presenta. Merece la pena verla, sin lugar a dudas.

El día diez se estrena CRISTELA, una comedia sobre una estudiante de derecho con aspiraciones que comienza sus prácticas como becaria en una gran firma de abogados. Puede ser una serie más o una serie menos si no dura demasiado

Día 13 de octubre: JANE THE VIRGIN, un drama con un tinte un tanto peculiar, Jane, virgen a sus 23 años y que sigue los preceptos de su abuela de ser virgen hasta el matrimonio, es inseminada artificialmente por error (premisa cuanto menos curiosa) y tendrá que sobrellevarlo junto a su prometido y su gente cercana.

Una serie de CW que puede ser un total éxito o un fracaso rotundo, ¿será niño o niña?

Para el día 14 está prevista la emisión del primer capítulo de MARRY ME una comedia de NBC en la que Annie (Casey Wilson) y Jake (Ken Marino) tendrán que enfrentarse a todo tipo de problemas y situaciones para hacer efectivo su enlace matrimonial.

Para los amantes de las artes marciales y las series dramáticas, el día ocho de octubre llega KINGDOM, donde veremos como un luchador de Artes Marciales Mixtas y dueño de un gimnasio/dojo, entrena a toda una hornada de nuevos luchadores.

De la mano de AudienceNet esta serie promete bastante, quizá sea bueno darle una oportunidad.

Showtime estrenará el 19 de octubre otra de las series con más bombo de la temporada, THE AFFAIR un drama sobre el engaño y la infidelidad que nos presenta dos matrimonios infieles separando el punto de vista masculino y el femenino y las repercusiones tanto morales como sentimentales de la situación. Un drama intenso que enganchará a los adictos a las tramas enrevesadas.

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n bote mensual

NUEVAS TEMPORADAS - 1 DE OCTUBRE: CRIMINAL MINDS (estreno décima temporada en CBS) - 2 DE OCTUBRE: REIGN (estreno segunda temporada en TheCW) THE VAMPIRE DIARIES (estreno sexta temporada en TheCW) - 3 DE OCTUBRE: LAST MAN STANDING (estreno cuarta temporada en ABC) - 5 DE OCTUBRE: BOB’S BURGERS (estreno quinta temporada en FOX) HOMELAND (estreno cuarta temporada en ShowTime) - 6 DE OCTUBRE: THE ORIGINALS (estreno segunda temporada en TheCW)

Llegará el día 24 y se abrirán las pantallas de muchos ordenadores y televisiones para ver el comienzo de CONSTANTINE, la serie basada en los cómics de HELLBLAZER que nos alcanzará a través de NBC y cuyo piloto pudimos ver este verano. Hay opiniones encontradas al respecto pero para mí que esta serie puede dar mucho de sí. En noviembre cuando llevemos un par de capítulos os cuento.

Por último y para terminar el mes, bajo el ala de la CBS llega la comedia The McCarthys. El día 30 veremos salir a la luz esta comedia donde un joven homosexual que quiere volar del nido, es arrastrado por su padre a codirigir un equipo de baloncesto aún teniendo hermanos mucho más preparados para ello, Ronny tendrá que lidiar con las expectativas de su progenitor.

Y con esto tenemos los estrenos de este mes, al igual que el mes pasado, os voy a dejar un breve recordatorio de las series que estando renovadas comenzaran sus temporadas en octubre. Podría haber hecho una valoración de las series de septiembre pero para poder ver cómo funcionan, os traeré una recopilación de series y visualización de pilotos y primeros episodios para noviembre.

- 7 DE OCTUBRE: SUPERNATURAL (estreno décima temporada y a ver si acaban en TheCW) - 8 DE OCTUBRE: AHS: FREAK SHOW (estreno cuarta temporada en FX) ARROW (estreno tercera temporada en TheCW) - 12 DE OCTUBRE: THE WALKING DEAD (estreno quinta temporada en AMC) - 14 DE OCTUBRE: ABOUT A BOY (estreno segunda temporada en NBC) - 22 DE OCTUBRE: THE 100 (estreno segunda temporada en TheCW) WEB THERAPY (estreno cuarta temporada en ShowTime) - 24 DE OCTUBRE: GRIMM (estreno cuarta temporada en NBC) - 27 DE OCTUBRE: 2 BROKE GIRLS (estreno cuarta temporada en CBS) - 30 DE OCTUBRE: ELEMENTARY (estreno tercera temporada en CBS) THE MILLERS (estreno segunda temporada en CBS) MOM (estreno segunda temporada en CBS) TWO AND A HALF MEN (estreno décimo segunda temporada en CBS

género: acción/crimen emisión usa: fox estreno usa: 22 de Septiembre 2014 emisión españa: canal + series temporadas: 1

¿Qué es G

Podríamos decir que Gotham es una ciudad que ras, pero allí las fuerzas de la ley están totalmen todas partes provocado por los tantos delincuent en los su Todos hemos oído hablar de Batman, de su infan y de eso se trata la serie. Conocemos al joven B padres Thomas y ¿Quién se encargará de resolver este caso? El de llega a la ciudad, con su novia Bárbara Kean, pa encontrar al asesino que hizo que Bruce Wayne Alfr Sin embargo, James tampoco es un héroe y tien cular, Harvey Bullock, los dos bajo la mira Antes de seguir será mejor que los que nos haga vayamos con las ideas bien orden

Gotham?

necesita ser socorrida por la justicia a todas honte corruptas (No siempre fue así). Hay caos por tes que hay (Unos con más influencias que otros) uburbios. ncia, pero lo que no hemos hecho nunca es verla Bruce Wayne tras el asesinato de sus millonarios y Martha Wayne. etective James Gordon acaba de ser ascendido y ara hacerle una buena limpieza, empezando por quedase huérfano y a cargo de su mayordomo, red. ne un compañero en el cuerpo policial muy partiada de la capitana de policía Sarah Essen. amos con los personajes, para que más adelante nadas en la cabeza. Empezamos.

GLORIA CARRASCO CARRASCO

Personajes principales GOTHAM James Gordon: Joven detective recién ascendido a la Brigada de Homicidios, que llega tras muchos años fuera de Gotham, donde su padre fue un importante fiscal del distrito. James estuvo destinado a la guerra y antes de eso se dedicó plenamente al fútbol americano cuando estaba en la universidad.

Harvey Bullock: Compañero de policía de James Gordon que no sale de la vieja escuela, tiene mucho carácter y se salta las normas cuando él cree que hay que hacerlo, sin pensar en lo que puede venir después.

Bruce Wayne: El hijo del matrimonio fallecido, Thomas y Martha Wayne. Sabemos más de su futuro que él mismo y por supuesto solo quiere que se haga justicia, de una manera u otra.

Entablará una amistad con el detective James. Cuando crezca y tenga todas las ideas bien puestas será conocido como Batman.

Alfred Pennyworth: Mayordomo de Thomas y Martha Wayne, encargado de la seguridad del heredero Bruce Wayne a partir de ahora. Anteriormente fue un marine de East London.

Fish Mooney: Mujer de armas tomar, mafiosa de los pies a la cabeza que tiene a toda la ciudad atemorizada debido a los que trabajan para ella. También tiene un club nocturno, el cual lo utiliza para realizar sus asuntos personales.

Oswald Cobblepot: Este es un tipo bastante raro, muy educado, sí. Pero si le pilas de malas te raja sin pensarlo. Trabaja para Fish, por ahora. Más adelante se hará llamar “El pingüino”. Este le dará mucho dolor de cabeza a Batman.

Selina Kyle: Joven huérfana que se gana la vida robando para sus necesidades. En un futuro se le conocerá como Catwoman.

Bárbara Kean: Novia de James Gordon, médica y defensora de su novio a toda costa.

Capitana Essen: Esta es la “manda más” del Departamento de Policía de la ciudad de Gotham. Sabremos más de ella en los próximos episodios.

Ivy Pepper: No sabemos mucho sobre ella en la serie, de momento, pero lo que sí sabemos es que será la sexy Hiedra Venenosa.

Edward Nygma: Es el actual científico forense de la policía. Más adelante se convertirá en el trajeado hombre de verde obsesionado por los puzles y acertijos, más conocido como Riddler.

RESEÑA PILOTO Aviso, si no habéis visto el piloto recomiendo no seguir leyendo, puesto que voy a ir dando mi opinión acerca de algunos sucesos que se desarrollan en él.

Para empezar, recién dado al play, nos aparece una adolescente con pinta de motera (muy molona) que va robando a diestro y siniestro con un estilazo que yo creo que ni ella misma puede creérselo porque no se ha visto. Manga dinero y leche para un gato de la calle muy adorable, eso sí. Da la casualidad de que esta muchacha está presente en el homicidio de los padres de Bruce Wayne, el joven Batman. Esta niña no aparece más hasta casi el final del episodio.

El caso se les asigna al novato detective James Gordon y a su veterano compañero, Harvey Bullock, el cual no quiere el caso ni en pintura, pero no le queda otra.

Así que nada, llegan a la escena del crimen y mientras Bullock habla con los policías para saber qué ha pasado, James se acerca a Bruce para consolarlo, contándole que perdió a su padre en un accidente de coche, lo cual hace que tenga empatía hacia Bruce y le coge cariño, tanto que así de buenas le promete sí o sí que va a coger al asesino y el niño le cree. Acto seguido llega el mayordomo del matrimonio fallecido, Alfred, para llevarse al pequeño.

A mí me parece muy bien que el detective sienta esa empatía hacia Bruce, pero la verdad es que con toda la corrupción que hay en esa ciudad no sé cómo se atreve a prometer tal cosa, pero bueno, él sabrá.

Desde luego Bullock no hace más que recordarle a cada momento que este caso no es de sus favoritos. A él y a la su capitana Essen. De todas formas, por mucho que se queje no va a conseguir que deje el caso.

A continuación se dirigen hacia el club

nocturno de Fish Mooney, para buscar pistas y porque (obviamente) sospechan de ella (que conoce a todo Dios) y de sus hombres, sobretodo.

Mientras Bullock se queda parloteando con ella, a James le llama la atención unos gritos de fuera del local, bajando por las escaleras. Éste se acerca y ve a unos matones dando una paliza a otro hombre, pero vamos, que es como si no hubiese ido. Allí siguieron tras su ida.

Por cierto, esa Fish se ve que tiene que ser muy poderosa, pero a James eso también le da igual, es como si no supiera lo que es el miedo. Un máquina este hombre, siempre para adelante y nunca reculando por muchas amenazas que le den.

Después aparece Barbara Kean, la novia de James, cuando él llega a su casa le da unos mimitos, una charla y fuera. A otra cosa, mariposa. Me parece que esta tipa va a ser la sosa del lugar. Le daremos otra oportunidad por ser el piloto y nada más.

Más adelante encuentran una pista sobre el asesino y van a la casa de Pepper. Este se pone nervioso y empieza a correr, terminando muy, muy mal. Fiambre. Así que todos contentos, encuentran el collar de la fallecida Martha Wayne en la casa del supuesto asesino y cierran el caso… unos segundos solamente. James descubre que la policía ha metido la zarpa en la casa de Pepper para incriminarlo. De nuevo a buscar al asesino toca.

Buscando y buscando llega James al ojo del huracán, metiéndose en la cueva del lobo, como queráis llamarlo, todo él solito.

Los mafiosos de Fish lo cazan, colgándolo de los pies, durante unos buenos minutos.

Llega Bullock, que lo había estado buscando porque se enteró de que no había lle-

gado a su casa por Barbara y acaba como él, colgado por orden de Fish, para acabar con ellos. Si es que la tienen mareada, todo el rato husmeando por su terreno…

En fin, por supuesto salen sanos y salvos porque son rescatados. Pero el dolor de cabeza no se los quita nadie.

En la última escena aparece James visitando a Bruce, prometiéndole de nuevo que cogerá al malo malísimo y adiós muy buenas.

Pongámonos en situación, episodio 8 de la segunda temporada de Arrow, un cientifico forense, con tonteo incluido con nuestra rubia Felicity, llega a Starling City desde Central City para un caso de robo en circunstancias extrañas. Pronto comprenderemos que este personaje, de débil aspecto no es otro que Barry Allen, el alterego del superhéroe conocido como Flash, este fue el germen de la idea de una serie para el superhéroe más rápido de Central City, ahí estuvo el nacimiento de una de la series más esperada este próximo otoño.

The CW sabe que con Arrow tiene un filón y, aunque Marvel se esté comiendo a las adaptaciones cinematográfica de DC en la gran pantalla, en la pequeña las cosas cambian muchísimos, siendo los superhéroes de DC los auténticos mandamases. Por ello, y con Arrow en pleno apogeo, en algunas semanas llegará a España The Flash, algo que comenzó siendo un crossover entre este personaje y el arquero verde pero que pronto tendrá su propia serie.

Grant Austin ha sido el elegido para protagonizar esta serie que, por lo que sabemos, comenzará justo con el accidente en el que una explosión y posterior rayo rojo golpean al bueno de Barry Allen, provocando, aunque todavía no se ha visto anda al respecto, la adquisición de este de unos poderes que lo convertirán en el conocido como Flash. El reparto lo completarán Candince Patton, Rick Cosnett y Danielle Panabaker.

Poco más sabemos de una serie que esperemos no tarde mucho en llegar a España, seguramente en el canal Calle 13 como su gemela Arrow, convirtiéndose en una nueva serie de superhéroes que promete emociones fuertes y, sobre todo mucha velocidad.

DANI FERRER

Los encargado para la nueva serie del rayo rojo son dos de los guionista de Arrow, Gren Berladi y Andrew Kreisberg, por lo

que todo ya imaginamos que los tiros y la evolución del personaje será muy similar a la de Oliver Queen, con seguramente algo de romance, bastante acción y, por lo que hemos visto hasta ahora, unos sorprendentes efectos especiales, sobre todo para una serie. Es más, el personaje de Barry Allen tiene cierta similitud a varios personajes del universo DC, con una madre asesinada cuando este era un crio y un padre culpado del delito.

género: acción emisión usa: the cw estreno usa: 7 octubre 2014 emisión españa: calle 13 temporadas: 1

género: acción emisión usa: the cw estreno usa: 10 octubre 2012 emisión españa: calle 13 temporadas: 3

¿Preparados para Arrow?

Como todos sabéis ya, octubre es el mes de las nuevas series, de las reincorporaciones de nuevas temporadas, por lo que es un mes lleno de nuevas experiencias televisivas. En esta ocasión, no podemos dejar atrás y mucho menos en el olvido, esta serie del universo DC. Parece mentira que ya vaya por la Tercera temporada, pero es que cuando se juntan buenas historias, grandes personajes, tíos y tías buenas y una gran ambientación, no podía ser otra cosa.

Hay que destacar algo curioso de esta serie, ya que cuando se estrenó en 2012 mucha gente no conocía que estuviera basada en un cómic, y menos aún en el de Flecha Verde, pero aún así tuvo muy buena acogida.

Como anécdota hay que señalar que muchas “madres” (me refiero más bien a mujeres en edades fuera de la adolescencia y también ajenas al mundo friki), como la mía, se engancharon a la serie, aspecto que otorgó a la serie un toque más adulto y menos fantasioso, pero que verdaderamente estaba intrínseco en el universo al que pertenece dicha serie.

Los que ya eran fans del cómic tuvieron algo de reticencia ante esta nueva serie, sobre todo cuando presentaron el elenco protagonizado por Stephen Amell, un casi desconocido de la interpretación, en el papel de Oliver Queen. Pero conforme pasaban los capítulos nos fuimos haciendo a la idea de esta nueva visión del personaje del cómic.

Con esto quiero decir que, a pesar de ser una serie de superhéroes, ha sabido llegar a gente de toda condición, gustos y aspiraciones.

Arrow mola, y nos mola a todos.

Pero, ¿por qué gusta tanto esta serie? Para ello tendremos que analizar las dos temporadas anteriores y hacer una estimación de lo que será la tercera.

Primera Temporada El episodio Piloto nos muestra cómo Oliver Queen, multimillonario, es rescatado tras estar varado en una isla desierta durante cinco años. Una vez que vuelve a su hogar, ubicado en Starling City, en donde su familia posee grandes empresas e industrias, se reencuen-

tra con su familia y con su exnovia, quienes observan que Oliver ha cambiado, pero no se hacen a la idea de cuánto. Pero Oliver oculta numerosos secretos, los cuales se irán descubriendo a lo largo de la serie, tales como que ha adquirido grandes habilidades de supervivencia, las cuales utilizará ahora para vengar a la ciudad de aquellos que la han fallado, nombres que sacará de una misteriosa libreta heredada de su padre antes del sacrificio de éste. De este modo, Oliver Queen se convertirá en El Encapuchado (aunque nosotros le llamaremos Arrow en esta primera temporada), con la ayuda de su guardaespaldas y chófer John Diggle, quien será más que un compañero en estas aventuras.

SPOILERS a continuación…

Los siguientes episodios Oliver los pasará intentando reconciliarse con su ex novia, Laurel, mientras que la salva de la mafia china, entre otras cosas.

Poco a poco vamos conociendo a otros personajes, como el detective Lance, padre de Laurel, al cual tendrá que recurrir Arrow más de una vez para conseguir que la justicia salga vencedora. Otro personaje que aparecerá en el tercer capítulo es Deadshot, un asesino a sueldo que se dedica a “despachar” a ciertos hombres de negocios, los cuales están involucrados en el proyecto energético de la ciudad.

Uno de estos hombres es el nuevo padrastro de Oliver, Walter, quien anteriormente fue el mejor amigo de su fallecido padre, lo cual no impedirá que le salve cuando esté en peligro.

Por su parte, Walter está haciendo una investigación paralela a su mujer, ya que ésta hizo un retiro de 2.6 millones de dólares sin que nadie se enterara. Este es el detonante para averiguar qué pasó exactamente con el barco en donde viajaban Oliver, su padre y la hermana de Laurel, quienes fallecieron en el accidente en el que Oliver quedó atrapado en aquella isla.

La nueva vida de Oliver se verá también amenazada por el detective Lance, quien está empeñado en atrapar al encapuchado, ya que está yendo en contra de la ley por asesinar libremente a los que él considera que están amenazando a la ciudad. Pero no contento el detective con atrapar al Encapuchado, también detendrá al propio Oliver por ser sospechoso de asesinato, el cual pedirá que sea sólo Laurel la que le defienda, ya que ella es abogada. En el tiempo que Oliver estuvo re-

tenido, el detective le interrogó y le sometió al detector de mentiras, todo por saber realmente qué hizo en aquella isla durante cinco años.

Con el paso de los episodios en la vida de Arrow, Diggle enseñará a Oliver que no sólo debe de seguir la lista de su padre, sino que si quiere ayudar realmente a la ciudad tiene que ir también a por aquellos delincuentes que dan muerte a gente inocente, como es el caso del robo del banco en el que murió un agente de policía.

Pero no todo es matar e ir saltando de edificio en edificio, sino que Oliver conocerá a una chica con la que se sentirá muy identificado: Helena, la hija de un mafioso que también tiene ansias de venganza. Juntos emprenderán entrenamientos para que ella sea su compañera en las vigilancias de la noche… lo que llegará a convertirse en un romance fugaz.

Ahora Oliver solo tiene ojos para Helena, por lo que Tommy, su mejor amigo, empezará a pasar más tiempo con Laurel, llegándose a enamorar de ella.

Como ya sabemos, no todo puede salirle bien a Oliver, por lo que estará en peligro por culpa de las ansias de venganza de Helena, provocando así su ruptura y la huída de ésta, demostrándole a Oliver que Diggle tenía razón con sus sospechas.

Nuevos villanos aparecerán como el caso del bombero loco llamado Firefly, el cual quiere incendiar toda la ciudad; el caso del antiguo comandante en jefe de Diggle, que está probando armamento militar; la aparición de una nueva droga llamada “vértigo”, la cual empieza a tomar Thea, la hermana pequeña de Oliver, por lo que éste no dudará en ir a buscar al distribuidor; también uno de los más peligrosos criminales de la ciudad, quien ha sali-

do de prisión y su principal tarea es buscar y asesinar a Arrow…

Otro de los personajes secundarios más intrigantes de la serie es Moira, la madre de Oliver, quien ya ha sido investigada por su marido por la retirada de aquellos millones sin avisar a nadie, sino que también su hija Thea sospecha de ella y de que pase tanto tiempo con Malcolm Merlyn, padre de Tommy y uno de los grandes magnates de la ciudad. Ahora es Oliver quien empieza a cuestionarse por qué su padre le dio una lista con tantas personas que su madre conocía o podía conocer, pero ella, a pesar de la insistencia de su hijo, no suelta prenda. Pero eso no es un impedimento para Oliver, ya que, como hizo en varias ocasiones, recurre a Felicity Smoak, empleada suya en Empresas Queen en el departamento de informática, para que investigue un poco más sobre dicha libreta.

Poco a poco Oliver va teniendo más confianza en la chica, tanto que la llevará a su cueva secreta y le revelará su otra identidad cuando él es herido y necesita acudir allí, ya que tiene el antídoto que le salvará la vida. Mientras su delirio, Oliver recordará su época en la isla y cómo intentó escapar de allí con Sarah, la hermana de Laurel.

De nuevo entra en escena Deadshot, quien resulta ser parte del pasado de Diggle, un villano que dará mucho que hablar durante el resto de la temporada y la siguiente. Pero esto no le impedirá a Oliver que las cosas le vayan bien, ya que abrirá un nuevo club nocturno como tapadera de su guarida secreta, para así compaginar mejor su vida social, empresaria y heroica.

La llegada de Helena pondrá en peligro a todo lo que le importa a Oliver, unido con la llegada de un nuevo vigilante que se hace llamar The Savior, cuyo propósito es acabar con los que él considera han errado en su camino. A todo ello habrá que añadirle que una joven muere repentinamente en el nuevo club de Oliver, y para más preocupación, es Tommy el sospechoso principal. Mientras tanto, Count logrará escaparse de la institución mental, quien fuera el artífice de la droga Vértigo, y casualmente empiezan a producirse explosiones de violencia entre los ciudadanos de Starling City.

Sarah, la hermana de Lauren, vuelve a sus pensamientos, ya que con la llegada de Oliver piensan que ella también podría estar viva, cuestión que obsesiona a Quentin, padre de ellas, volviendo incluso a llamar a su ex mujer para contarle sus investigaciones. Por otro lado, Laurel abrirá una brecha aún más grande entre los amigos Tommy y Oliver por estar relacionándose con los dos a la vez. No contento con la situación, Oliver le revelará a Laurel sus sentimientos, pero ésta ya ha decidido salir en serio con Tommy.

Oliver continuará con la pista tras Deadshot, descubriendo además que ARGUS está también tras él para reclutarlo. A su vez, Thea y Roy, el nuevo “amigo” de ésta, están tras la pista del Encapuchado, y en una de esas salidas nocturnas, Thea pondrá su vida en peligro para socorrer al chico, ya que ahora le importa mucho, convirtiéndose así en novios.

A final de temporada ya conocemos que el nuevo encapuchado negro es en realidad Malcolm Merlyn, el padre de Tommy, quién está haciendo todo lo posible para atrapar a Arrow y así proseguir con sus planes. En el último encuentro, en el que la bomba subvencionada por Moira por coacción de Merlyn ya está colocada para acabar con la parte más pobre de la ciudad, Merlyn y Arrow se enfrentarán, logrando escapar el primero, pero provocando la muerte de numerosos ciudadanos, incluido su propio hijo, ya que fue a buscar a su novia, Laurel, quien trabajaba en la zona de la catástrofe.

Con respecto a lo sucedido en la isla, Oliver realmente no estuvo solo, ya que se encontró con Yao Fei, un antiguo militar chino, que fue usado como chivo expiatorio por el propio gobierno chino, como culpable de las atrocidades de ese gobierno, y fue enviado allí, a la isla de Lian Yu, que en realidad era una

prisión. El primer encuentro de Oliver con Yao Fei parece que es un ataque, pero realmente le está salvando la vida, evitando que cayera en manos de Edward Fyers, médico que está experimentando en la isla. Poco a poco Yao Fei irá enseñando a Oliver cómo mantenerse vivo en la isla, así como técnicas de supervivencia, a manejar el arco y las flechas… e incluso salvarle de nuevo de las torturas de Billy Wintergreen, el cual le había capturado para que le dijera dónde se ocultaba Yao. Pero realmente todo era una trampa para conocer la cueva de Oliver, ya que Fei había trabajado con Fyers porque éste tenía cautiva a su hija Shado. Fei es obligado a asesinar a Oliver, pero en vez de eso lo envía con Slade Wilson. Wilson y Oliver planean un rescate para Fei y su hija para así después coger el avión de suministros que está próximo a llegar a la isla. Sin embargo, el plan sale mal y sólo logran rescatar a Shado, dejando a su padre herido y a merced de Fyers. Después de que Oliver, Slade y Shado son llevados de vuelta al campamento, Fyers obliga a Yao Fei a atribuirse el ataque a un avión comercial que Edward planea derrivar, después de desviarlo de su ruta para que pase sobre la isla. Tras grabar el video donde se hace responsable de este acto de terrorismo, Edward le dispara en la cabeza.

Segunda Temporada Después del terremoto en los Glades, el barrio marginal de Starling City, Oliver se siente tan culpable por la muerte de Tommy y de las otras cientos de personas, que decide regresar a Lian Yu, la isla en donde estuvo durante cinco años. Hasta dicho lugar viajarán Felicity y Diggle para convencerlo de que la ciudad lo necesita y así hacerle volver. Pero Oliver sólo decide regresar a Starling City bajo la promesa de no asesinar a nadie más para honrar así la memoria de su amigo muerto.

SPOILERS a continuación Una vez en casa se encuentra con que la situación es mucho peor de lo que pensaba, ya que Isabel Rochey está intentando hacerse con las Empresas Queen, debido a la ausencia de Oliver y del internamiento en prisión de Moira, la antes presidenta de la empresa.

Además, Thea se niega a visitar a su madre a la cárcel, pero todo cambiará cuando la fiscal pida pena de muerte para Moira, asunto que hará que la familia vuelva a estar unida. Con el paso de los capítulos este tema será recurrente, ya que a Moira le propondrá un trato

la fiscal: declararse culpable y así solo cumplir cadena perpetua. Pero ella no aceptará gracias a sus hijos, y luchará para que se sepa la verdad, aunque ello conlleve que sea descubierto el mayor secreto de la familia: Thea es en realidad hija de Malcolm Merlyn.

Roy está intentando suplantar a Arrow y Laurel está ahora trabajando en la oficina del fiscal del distrito, mientras que intenta ahogar sus penas en alcohol, mientras que intenta por todos los medios atrapar a Arrow, al cual considera el verdadero culpable de la muerte de Tommy. Ahora Arrow tiene también que recuperar los medicamentos que están siendo robados para suministrar el hospital y así ayudar a los supervivientes, pero Roy intenta atrapar a dichos ladrones, fallando y siendo detenido por el Oficial Lance. Descubrirá gracias a sus compañeros que los suministros están siendo robados por una nueva mafia china, en la cual está Tigre de Bronce.

Nuevos villanos aparecerán a lo largo de la temporada, como Barton Mathis, un antiguo criminal que ha escapado de la cárcel por culpa del terremoto, el cual está volviendo a raptar, torturar y matar a bellas mujeres. En este caso, el oficial Lance trabajará junto con Arrow y Felicity, la cual será el gancho para poder atrapar a dicho asesino. Pero el plan sale mal, ya que Mathis atrapará a Laurel y la torturará delante de Lance para así castigarle, pero finalmente todo sale bien .

Por otro lado, “El Alcalde” está introduciendo armas ilegales en los Glades, a lo que Oliven patrocinará un nuevo evento llamado “Dinero por Pistolas” para así ayudar a limpiar las calles de armas. Desafortunadamente dicho evento se verá interrumpido por dicho Alcalde, logrando herir entre otros a Sin, amiga de Canario Negro, la cual está furiosa cuando descubre que su amiga está en el hospital y decide vengarse.

Es ahora cuando Felicity consigue nueva información sobre Canario Negro, nueva “heroína” que sigue los pasos de Arrow, descubriendo que es en realidad Sarah, la hermana perdida de Laurel, con la que pasó gran parte del tiempo Oliver en la isla. Ya como equipo, Canario y Arrow, serán atacados en la mansión Queen por un grupo de asesinos entrenados por la Liga de Asesinos, por lo que ella confesará que ha sido parte de ellos y que por eso la persiguen.

Un nuevo personaje aparece en escena, Amanda Waller, jefa de los agentes ARGUS, quien manda secuestrar a Diggle, para así informarle de que Lyla, su ex mujer, ha desaparecido tras seguir una pista de Deadshot en Moscú. Una vez liberado, le cuenta lo sucedido a Oliver y a Felicity, quienes no dudan en emprender un viaje de rescate, al cual se suma Isabel, ya que informan de que se trata de un viaje de negocios.

Y otro viejo volverá, como es el caso de El Conde, que vuelve con Vértigo nuevo que está afectando a toda la ciudad, incluido Diggle. El equipo finalmente salvará la situación, pero Arrow castigará con su propia medicina al villano.

En el capítulo 8 se nos presenta el nuevo personaje que dará paso al spinoff de la serie, The Flash: Un robo aparentemente imposible en la división de ciencias aplicadas de Queen Consolidated provoca que Barry Allen, miembro de la policía científica de Central City, llegue a la ciudad. Oliver se da cuenta de que Barry es algo más de lo que puede verse a simple vista, pero se distrae por las similitudes de este caso con algo que sucedió en la isla. Mientras tanto, Felicity muestra interés por Barry, algo que no pasa desapercibido para Oliver, provocándole celos. Pero a pesar de todo, Barry se irá involucrando poco a poco en la vida de Oliver, ya que éste es drogado tras luchar contra Cyrus Gold, alias el Acólito, por lo que, unido a Felicity intentarás salvarle, pero con el coste de contarle la verdad.

En este mismo episodio (noveno) Roy será capturado por Brother Blood, el cual es en realidad el aspirante a alcalde de la ciudad Sebastian Blood. Este nuevo personaje estará muy presente a partir de ahora, ya que hará todo lo posible por conseguir sus objetivos, incluso el no permitir que se cancele su miting a pesar del aviso de bomba por parte de Shrapnel, el cual también atrapará en su tienda de antigüedades a Arrow. Mientras que Felicity ayuda a Oliver, Diggle corre hasta la plaza para encontrar la bomba antes de que explote. Mientras tanto, Roy, ahora con superfuerza, intenta ocultárselo a Thea y a todos los que le rodean, pero, después de que ella sea testigo de su superfuerza en acción en el mitin, ella exige respuestas.

Las sospechas de Laurel sobre Sebastian se hacen más grandes una vez que descubre que creció con Cyrus Gold, el hombre que asesinó al compañero de Lance, por lo que pedi-

rá ayuda a Arrow, pero Oliver no está seguro sobre si debe creer las acusaciones que ella hace contra el hombre al que públicamente ha apoyado para alcalde, pero decide confiar en Laurel. No obstante, cuando la pareja consigue acercarse a la verdad, Sebastian expone la adicción a las drogas de Laurel y hace que la arresten, entrando ahora en decadencia, pero ayudada por su padre para que deje el alcohol.

Debido a la superfuerza de Roy y a su poco control sobre ella cuando cambia de humor, Arrow se ofrece a entrenarle para que pueda aprender a controlala. Sin embargo, Roy es un estudiante rebelde y se niega a escuchar a menos que Arrow revele su verdadera identidad, algo que Oliver no quiere hacer.

El Tigre de Bronce escapa de prisión y roba la máquina de terremotos de Malcolm para venderla al mejor postor. Oliver, Diggle y Felicity intentan detener el negocio pero Roy se mete en medio, poniendo a todo el mundo en peligro. Ahora Oliver sabe que debe introducir a Sara en su equipo, lo que implica que ahora la celosa sea Felicity, por lo que se verá obligada a probar su valía en el equipo cuando va ella tras El Rey Reloj, un brillante ladrón armado con tecnología que puede abrir cualquier bóveda de los bancos de Starling City. Mientras tanto, Oliver le hace una fiesta de bienvenida

a Sara, pero Laurel se niega a asistir y perderá los papeles cuando se presente él con su hermana en una cena familiar con Lance.

Esto no es nada comparado con lo que se le vendrá encima a Oliver, ya que descubre que Slade está en Starling City, el cual está allí para llevar a cabo la venganza que le prometió a su amigo en la isla. Ahora Oliver tendrá que proteger a todos aquellos que le importan.

De vuelta a la isla, mientras Oliver, Slade y Sara se preparan para hacerse con el carguero de Ivo, Sara se lleva a Oliver a un lado para decirle que él tiene que matar a Ivo para evitar que éste le cuente a Slade lo que pasó con Shado. Oliver siente una culpa inmensa por la situación pero se da cuenta de que la rabia creciente de Slade a causa del Mirakuru lo hace impredecible y que podría volverse en contra de sus amigos si piensa que Oliver es el culpable. Oliver accede a matar a Ivo y la

batalla comienza.

De nuevo en la ciudad, Slade les pondrá una trampa al equipo Arrow en su propia guarida, comenzando una batalla que no podrán ganar por culpa del mirakuru, esa droga que Slade se pinchó en la isla y que ahora le hace invencible. Para más preocupación aún, el mirakuru provoca a Roy una incontrolable ira que desata en la ciudad, llegando Oliver que evitar que Roy matara a un policía y obligándole a que entre en razón y aprenda a controlarse. Las cosas se complican aún más cuando Sara declara que Roy ha ido demasiado lejos y la única forma de detenerlo es matándolo. Mientras tanto, Thea cree que ella puede llegar hasta Roy así que aparece frente a las cámaras en la campaña de Moira, ya libre y candidata a la alcaldia, para atraerlo hasta el Verdant. Su plan funciona, pero después de que Roy ataque a Thea, el Team Arrow cae sobre él.

Oliver decide que la forma más rápida de detener más derramamiento de sangre es rendirse a su enemigo, sabiendo que la rendición seguramente conducirá a Oliver a su muerte, Diggle y Felicity a medidas extremas para mantener a su amigo lejos de enfrentarse a Slade. Oliver intentará convencer a Thea por su bien de que abandone la ciudad, la cual lo considera, mientras que Laurel reanuda su cruzada contra Sebastian Blood. Finalmente, Slade comienza su asalto a Starling City, para lo que Oliver reúne a su equipo mientras los soldados de Slade atacan la ciudad. Felicity recibe una llamada de Laboratorios S.T.A.R. con unas noticias que pueden cambiarlo todo y Thea se encuentra cara a cara con su padre justo antes de marcharse de la ciudad.

La lucha ha comenzado y Oliver sabe que llegar lejos si quiere acabar con su enemigo, para lo que necesitará la ayuda de su equipo

e incluso poner en peligro a su amiga Felicity para asi llegar hasta Slade y acabar con su ejercito de mirakuru.

Finalmente consiguen derrotar a Slade, al cual deciden encerrar en una cárcel de máxima seguridad ubicada en las entrañas de la isla que tanto les hizo pasar.

Tercera temporada La inminente llegada de esta tercera temporada nos va a mostrar como Malcolm Merlyn tendrá más protagonismo, así como la vuelta de Sara y de Anatoil, contando también con las nuevas incorporaciones de Devon Aoki como Tatsu Yamashiro(sustituida hace poco) una experta en artes marciales y mentora de Oliver, Karl Yune como Maseo Yamashiro, un experto en armamento y combate y esposo de Tatsu, Peter Stormare como Werner Zytle, el nuevo traficante de vértigo en Starling City yBrandon Routh como Ray Palmer, el nuevo dueño de Queen Consolidated e interés amoroso de Felicity. Como notición de la Comic-Con de San Diego de 2014 fue revelado que Ra’s al Ghul será el villano principal de la temporada.

Así mismo, se dio a conocer la incorporación de J.R. Ramirez como Ted Grant, Charlotte Ross como la madre de Felicity, David Cubitt como Mark Shaw, Matt Ward como Simon Lacroix, Nolan Gerard Funk como Cooper Seldon, el novio de Felicity durante su estancia en el MIT, Amy Gumenick como Carrie Cutter, una admiradora con un enamoramiento peligrosamente obsesivo hacia Arrow y Rila Fukushima como Tatsu Yamashiro, reemplazando a Devon Aoki, quien se retiró debido a un «conflicto de programación».

Con respecto a la trama, tenemos que a consecuencia de su victoria, la Tercera temporada empieza con Arrow siendo ahora un héroe a ojos de los ciudadanos de Starling. El crimen ha descendido, la gente se siente más segura y el Capitán Lance incluso desmantela la Fuerza Especial Anti-Vigilante. Disfrutando de su éxito, Oliver cree que por fin puede tener una vida privada y le pide a Felicity una cita. Pero en cuanto Oliver se distrae un segundo, un enemigo mortal reaparece en Starling, obligando a que Oliver se dé cuenta de que nunca podrá ser Oliver Queen – al menos no mientras la ciudad necesite a Arrow.

En la última semana se han ido confirmando

más personajes como un criminal de modales llamado Seth con gran ambicion y excelentes dotes para la química. Potencialmente un personaje recurrente que obtiene el control sobre sus enemigos al drogarlos y dejarlos sin fuerza de voluntad.

Y otros dos personajes serán para los flashbacks, Toshi y Akiko, un dúo formado por marido y mujer. Toshi será un maestro de Oliver que se acabará convirtiendo en su amigo. Tiene aptitudes en armamento, combate y obtención de inteligencia. Por su parte, Akiko es cuidadora y está altamente entrenada en artes marciales.

Por lo tanto, esta tercera temporada nos depara mucha acción, nuevos personajes y tramas, un posible romance entre Oliver y Felicity (ya que numeroso público lo está pidiendo a gritos) y la resolución de antiguos y nuevos enigmas. ¿Seréis capaces de aguantar hasta el día 15 de octubre para el estreno en castellano? ¿O empezaréis a ver la tercera temporada el 7 en vos?

Lo bueno es que tendremos Arrow para rato.

BEATRIZ PULIDO

AGENTES DE SHI LA SERIE QUE TARDO D EN ARRANCA El año pasado por estas fechas todos los frikis no ya de España sino del mundo entero, teníamos el hype por las nubes, se iba a estrenar el nuevo producto de Marvel pero esta vez para televisión, se trataba de Agentes de SHIELD y además de la vuelta de Coulson, nos prometía ver como funcionaba la organización por dentro y anudar mas en las historias de las películas. Y aunque ahora no lo creáis todos nos lo creímos.

Después de ver el primer y prometedor episodio todos pensábamos que Joss Whedon volvía a tener un caballo ganador, los datos de audiencia eran simplemente espectaculares, la producción si bien se notaba que es una serie

de televisión, no desentonaban demasiado y Coulson estaba genial, los demás un poquito peor pero ninguna dudaba que el resto de personajes tendrían su momento muy pronto, pero llego el segundo episodio y decepción, se convertía en una serie de sale un malo, investigamos un poco y pillamos al malo, la audiencia fue buena pero peor que el primer y esperadísimo episodio. Todos nos dijimos, vale han hecho un episodio tradicional en el que la historia no avanza, no pasa nada, es normal en las series, pero el tercero volvió a ser igual y el cuarto y el quinto y los personajes cada vez mas aburridos y menos interesantes. El misterio de Coulson como solo era tratado unos breves segundos por episodio llego incluso a

IELD DEMASIADO AR

ser objeto de mofa, ya que era la excusa para que la sangría de espectadores no fuera tan grande. Pero no había manera la serie tras seis episodios olía a cancelación por todas partes, tramas aburridas, personajes sosos a los que era muy difícil pillar cariño y una historia que no avanzaba lo mas mínimo. ¿En que narices estaba pensando Joss Whedon?

A los que conocéis el pasado del bueno de Joss sabeis que todas sus series tardan en arrancar, los primero episodios de Buffy son bastante infumables, Firefly no consiguió enganchar con el publico lo que provocó que se cancelara antes de que empezara lo bueno, curiosamente ahora es un objeto de culto.

Dollhouse tres cuartos de lo mismo, así que los que seguimos y admiramos su carrera no nos extrañaba esta rara deriva que empezaban a tomar estos agentes secretos.

Y claro por fin lo entendimos todo, la serie simplemente estaba haciendo tiempo para lo que venia, que no era otra cosa que los

crossover entre Agentes de SHIELD y Thor, la era de la oscuridad y sobre todo con Capitán América 2. A partir del episodio numero 10 la serie comenzó a tener un ritmo mas adecuado, la trama avanzaba y se produjo el primero de los Crossover, muy anunciado pero que nos dejo a todos con ganas de mas, eso si nos mostraba la verdadera razón de la serie, servir de encaje entre los espacios de tiempo en los que suceden las películas. El problema era que ese primer evento podía haber llegado demasiado tarde, aunque la serie ya había renovado por una segunda temporada, algo que todos sabíamos dado que la cadena que la emite pertenece a Disney, la serie se recupero en audiencia un poco pero no en los niveles para que los anunciantes acudieran a ella en tropel que es lo que necesita una superproducción como esta.

Pero llego el segundo Crossover y aquí la serie se convirtió en una autentica maravilla, seis episodios que nos llevaron al momento justo en el que se desarrolla, Capitán América Soldado de Invierno y en el que surge el verdadero protagonista de esta historia, una organización cuyo nombre solo se susurra pero que no diremos para que no nos acusen de hacer spoilers, pero el problema volvía a ser el mismo, los que habían abandonado la serie, ya no volverían nunca y los que nos quedamos lo hacíamos por ver que ocurre en las películas y porque cualquier cosa que incluya Marvel ya de por si nos gusta pero en mi opinión a la serie le sobran unas cosas y les faltan otras. Le sobran episodios relleno y lo mas importante, le sobran los protagonistas que exceptuando a Coulson son bastante planos e incluso odiables.

Esperemos que los showrunners se pongan las pilas pero viendo los datos de audiencia de los dos primeros episodios, tocando incluso fondo en el segundo, los nubarrones son oscuros para Agentes de SHIELD.

A lo largo de sus más de 75 años de historia, el último hombre de Krypton ha tenido numerosas adaptaciones a todo tipo de medios tanto en prensa, radio, cine o televisión. Algunas han sido míticas y han pasado a la historia de la pequeña pantalla, como puede ser la protagonizada por George Reeves, otras han marcado un estilo y han intentado adaptarse a las nuevas épocas, como Smallville. Os propongo un pequeño viaje por las principales adaptaciones de nuestro héroe a la pequeña pantalla y a los seriales radiofónicos.

El impacto que produjo el debut de Superman en las páginas del famoso Action Comics #1, el 18 de abril de 1938, fue bestial y el personaje saltó rápidamente de la revista al medio que más audiencia tenía en aquel tiempo: la radio.

En 1940, la emisora Mutual Network comenzó la emisión de un pequeño serial radiofónico de quince minutos en el que se narraban las historias de nuestro héroe. Imaginaos el impacto que tenía en el público las emblemáticas frases; “¡Más veloz que una bala! ¡Más potente que una locomotora! ¡Salta rascacielos de un solo brinco!” y sobre todo la mítica “¡Mirad arriba! ¿Es un pájaro? ¿Es un avión? ¡Es Superman!”

Las aventuras “radiofónicas” de Superman eran muy simples pero contaban con el poder de sugestión de la radio. De esta manera, nuestro héroe podía enfrentarse a científicos locos que querían dominar el mundo, criminales o mafiosos a los que derrotaba una y otra vez. Claydon “Bud” Collyer puso voz a Superman y a su alter ego Clark Kent durante más de dos mil programas y es suya la frase “¡Este es un trabajo para Superman!”.

Durante el final de los años cuarenta y principios de los cincuenta comenzaron las adaptaciones de Superman a la pequeña pantalla, primero interpretadas por Kirk Alyn y después por el famoso George Reeves.

Siendo esta la más reconocida por el público norteamericano. Después de la muerte en extrañas circunstancias del protagonista, la historia del periplo televisivo de nuestro héroe caería en el ostracismo, solamente las series de animación intentarían recuperar al personaje para la pequeña pantalla.

La revolución que supuso el éxito de Superman. The movie en 1978 hizo que las productoras se tomasen en serio las adaptaciones del cómic a la gran pantalla. De esta manera se hicieron cuatro partes de Superman y un spin-off Supergirl, su calidad fue en decadencia y, si bien, Superman II tiene una legión de fans, la ma-

yoría están de acuerdo en que el resto de las películas podrían haber sido directamente telefilms.

Las productoras vieron que las películas iban teniendo cada vez menos taquilla y detectaron que el personaje cada vez tenía menos interés para el gran público. Pero en 1988, coincidiendo con el 50 aniversario del héroe, se estrenó una serie de dibujos animados que buscaba una mayor calidad

Una breve histor en la tel De la radio a utilizando a dibujantes y guionistas que procedían del cómic como Mark Wolfman, Alfredo Alcalá o Gil Kane. Su presencia dio nuevas ideas a la serie y más calidad. Entre las ideas que aportaron estaba la inclusión de un pequeño espacio de cuatro minutos “Superman´s Family Album” que contaba la historia de cómo Clark Kent llegó a Metropolis y los personajes secundarios con los que se relacionó. Sin duda, esto fue la semilla de lo que posteriormente veríamos en imagen real en la pequeña pantalla.

A finales de 1988, aparece en televisión lo que sería

el germen de Smallville, The Adventures of Superboy.

Antes de seguir, vamos a hacer un breve inciso para que los fans actuales de DC no se hagan un lío. Tenéis que pensar que el Universo DC ha sufrido muchos cambios a lo largo de sus más de 75 años de historia.

En la actualidad existen varios Superboys que pueblan el Universo DC pero para unir la versión común del personaje y la que actualmente aparece en Young Justice nos vamos a limitar a describir a dos de ellos.

Por un lado, desde la edad dorada se ha considerado que Superboy es Superman en su juventud, y es el alias que Clark Kent utilizaba para impartir justicia en Smallville. Pero, por otro lado, tenemos al Superboy de Young Justice que ha sido creado genéticamente por una empresa gracias a la colaboración de Lex Luthor. Hay otras versiones, pero la serie de 1989 se basaba en la primera interpretación.

La serie estaba producida por Ilya y Alexander Selkind que fueron los productores de la versión cinematográfica de Superman. Esta serie nos iba a contar la historia de la juventud de Clark Kent y sus aventuras en Smallville pero a medida que se sucedían las temporadas se producían cambios en la trama. Las dos primeras temporadas marcadas por el cambio de los actores principales: en la primera temporada Superboy/Clark Kent estaba interpretado por John Ha-

ria de Superman levision a Smallville

La serie tomaba como referencia el Superman del autor canadiense John Byrne que mostraba la relación entre Clark Kent y Lois Lane, no entre Superman y la periodista. Este cambio daría nuevas posibilidades a los personajes y tramas un poco más adultas que indagarían en otros matices de la relación. Nuestra “desesperada” Teri Hatcher daba vida a la intrépida periodista y Dean Cain a Clark Kent. Como broche de oro la historia finalizó después de cuatro temporadas y 88 episodios con la boda de los dos protagonistas que coincidió con la publicación en 1997 del cómic La Boda de Superman.

Antes del fin de la serie de imagen real, Warner Brothers comenzó en 1996 la emisión de Superman. The Animated Series producida por Bruce Timm y Paul Dini creadores de Batman. The Animated Series. El protagonista principal es Superman (Clark Kent), por supuesto, y en esta ocasión lo acompañan sus padres adoptivos Johnatan y Marta Kent. Al final de la segunda temporada, un nuevo personaje se une a la “familia” Kara In-Ze, la última sobreviviente del

planeta Argo, cercano a Krypton, a quien Superman encontró en congelación criogénica y que desarrolló los mismos poderes que Superman. En la Tierra sería conocida como su sobrina Kara Kent que pese a la oposición de su tío se convertirá en Supergirl. La serie contaría con el archienemigo Lex Luthor, en su versión de empresario pero también se daría importancia al villano Darkseid.

En 2001, la cadena de televisión The WB, a través de los productores y guionistas Alfred Gough y Miles Millar, daría luz verde a un nuevo proyecto inspirado en la juventud de nuestro héroe: Smallville.

Como todos sabéis la serie narra las aventuras del joven Clark Kent (Tom Welling) en el pueblo ficticio de Smallville, durante los años previos a que se convierta en Superman. Durante las primeras tres temporadas la serie se centrará en la vida de Clark y sus amigos durante la preparatoria. Para empezar, la serie comenzaría con la típica historia de la llegada de Superman durante una lluvia de meteoritos pero la novedad sería que durante este evento se produciría la muerte de los padres de Lana Lang (Kristin Kreuk) y la pérdida de cabello de Lex Luthor (Michael Rosenbaum). El joven Superman se enfrentará al descubrimiento de sus poderes mientras un joven Lex Luthor comienza a sospechar de sus poderes, a la par que intenta salir adelante en sus estudios. Paradójicamente, el que va a ser el archienemigo de Superman es uno de los mejores amigos de Clark Kent y de Lana Lang. Así a lo largo de las primeras cuatro temporadas, Clark asumiría su papel como último habitante de Krypton e iría descubriendo sus poderes.

Uno de las mejores creaciones de la serie fue la inclusión de la periodista adolescente Chloe Sullivan (Allison Mack). En la serie ella es reportera y editora de La Antorcha, el periódico del instituto de Smallville.

Durante un tiempo creó y mantuvo una colección de artículos sobre eventos extraños ocurridos en Smallville, la mayoría de ellos relacionados con los efectos provocados por la lluvia de meteoritos que cayó sobre el pueblo cuando llegó Clark Kent. Los efectos de los meteoritos sobre los habitantes de Smallville acapararían muchos de los episodios de la serie. En la serie ella combatiría el afán expansionista de la compañía LuthorCorp. Esto produciría una relación tensa con Lex por su interés en desenmascararlo y en que pague por sus manipulaciones.

Como hemos dicho anteriormente, la serie comienza a cobrar interés cuando la serie llega a su cuarta temporada que coincide con la llegada de Lois Lane a la

serie. En esta temporada comienza la trama de la búsqueda de las Tres Piedras de Poder que provocarán el surgimiento de la famosa Fortaleza de la Soledad en la quinta temporada donde Clark debe entrenar sus poderes junto a su padre Jor-El. También aparecen conceptos como la Zona Fantasma o villanos como el general Zod y comienzan las apariciones de héroes del universo DC como Arthur Curry “Aquaman”, Victor Stone “Cyborg” y Andrea Rojas “Acrata” o el villano “Brainiac”.

A lo largo de las posteriores temporadas van apareciendo más y más personajes del Universo DC, incluso forman una primigenia Young Justice con los futuros Superman, Flecha Verde, Cyborg, Flash y Aquaman.

Los que hemos disfrutado de la serie recomendamos que si queréis engancharos y disfrutar de la serie comencéis en la cuarta temporada.

Podéis obviar las anteriores.

La serie concluyó en 2011 y a lo largo de sus diez temporadas pudimos disfrutar de la presencia de gran parte de los héroes del universo DC: Green Arrow, Supergirl, Zatanna, Canario Negro, Detective Marciano, Cyborg, Flash, Doctor Destino, Star Girl…

The CW aprendió de esta serie y en Arrow estamos disfrutando de la aparición de muchos personajes que son capaces de protagonizar su propia serie de televisión y crear su propio universo.

Esperamos que The CW vuelva con una nueva versión de nuestro héroe aunque Warner Brothers parece querer insistir en sus adaptaciones a la gran pantalla pese a los malos resultados de The Man of Steel.

JOSE LUIS DEL RÍO FORTICH

‘Revenge’es una puesta al día de la novela de El conde de Montecristo que escribió Alexandre Dumas padre. En ella se cuenta la historia de Edmond Dantés un joven soldado que esta a punto de promocionar y casarse, por envidias de sus amigos termina preso en una cárcel en donde conoce a un fraile que le enseña matemáticas, física, buenas maneras y un largo etc… y para no hacerlo más largo se escapa de la cárcel y se hace pasar un por el conde de Montecristo fraguando desde esta nueva identidad su venganza.

‘Revenge’ la protagonista es Emily Thorpe, interpretada por Emily Van Camp ( ‘El Capitán America: Soldadode Invierno’, ‘Cinco Hermanos’), de Francia pasamos a Los Hamptons, en donde veranea la jet set americana ( vamos que es como nuestra Marbella), lo único que se mantiene igual es la venganza.

Cuatro temporadas lleva en antena esta serie, y a medida que se han ido sucediendo las mismas nos hemos ido metiendo cada vez más en la “Vengaza” de la bella y letal Emily Thorne/Amanda Clarke.

Tras una primera temporada en la que nos presentan la trama, los personajes principales y secundarios que irán tomando importancia en esta y en las siguientes tempo-

radas. David Clarke es acusado de colaborar en un atentado terrorista, su hija Amanda es llevada a un centro de detención juvenil. Ya adulta la conocemos como Emily Thorne una adinerada jovencita que se traslada a los hamptons como lugar de descanso de los ricos y famosos de Estados Unidos. Conoceremos a los Grayson los reyes de la zona, sobre todo la madre de la familia Victoria.

Una segunda temporada en la cual se dejó de lado la estructura que tan bien había funcionado en la primera para introducir una sociedad secreta que esta detrás de los Gayson y que dictan sus conductas. Para el que suscribe estas líneas es la temporada más floja de la serie, ya que deja de lado su principal objetivo, la venganza.

Los jefazos de la serie y de la cadena recapacitaron y se regreso a la estructura de la primera ( y se nota mucho). Empezamos con la boda de Emily y Daniel pero no todo es bonito si no que Emily recibe un disparo SPOILER: ha sido el propio Daniel el que ha disparado SPOILER. Por este motivo Emily se encuentra en una situación comprometida ya que no actúa como Emily sino que en ciertos momentos podemos ver que vuelve a ser Amanda Clarke.

Una situación complicada para Jack

Porter,Nolan Ross y Aiden Mathis ya que puede echar por tierra la tal esperada Venganza.

Para los Grayson también la situación fue complicada, aparece el hijo secreto de Victoria, Patrick, Charlotte tiene que hacer frente a la muerte de su novio Declan Porter, Victoria además tiene que lidiar con la vuelta de la primera señora Grayson.

SPOILER: Lo más importante el final de la temporada, todos creyendo que David Clarke falleció en la cárcel y no es cierto, a lo largo de los últimos episodios de la temporada podemos intuir algo pero el episodio final se destapa todo. Con Conrad Grayson en la cárcel por haber admitido la trama para inculpar a David Clarke en el atentado, es trasladado y en ese traslado muere a manos de David Clarke’.

Mientras tanto Victoria Grayson descubre la verdadera identidad de Emily, y con ayuda de la terapeuta de Victoria, está es ingresada en una institución mental.

SPOILER. Poco sabemos de la trama de la cuarta temporada, pero podemos decir que la esperamos con ganas, ¿Qué hará David Clarke? ¿Se tomará venganza Victoria Grayson contra Emily?.

De momento FOX TV ESPAÑA no ha comunicado la fecha de estreno de esta nueva temporada, aunque si siguen los planes de emisión del año pasado, primero la veremos en Versión Original Subtitulada con un día o dos de diferencia y unas semanas más tarde en su versión doblada ( para tener capítulos en reserva para posibles parones en su emisión americana).

JOSE JAVIER (DIRECTOR DE NAKATOMI CINEMA)

género: drama emisión usa: ABC estreno usa: 21 septiembre 2011 ESTRENO ESPAÑA: 11 de enero 2012 TEMPORADAS: 4

El rey de la Tv: Stephen King y sus adaptaciones televisivas (I).

L.J.Zapico

Las adaptaciones de obras de Stephen King al terreno audiovisual pueden considerarse un género en si mismas. Extrañas, incompletas y con un aura de cutrez sobrevolándolas, han sido una constante en los últimos 30 años pero alcanzan su apogeo en las producciones televisivas. Así que vamos a dejar de lado la, por otro lado, excelente cosecha fílmica para centrarnos en el hermano feo de la familia, los encargos realizados para la televisión.

Allá vamos, lectores constantes.

IT La coulrofobia se define como el miedo irracional a los payasos, en parte por su maquillaje exagerado y la imposibilidad de reconocer a la persona bajo la nariz roja y la peluca. El resto de los casos se podrían achacar a la adaptación

de It por parte de Tommy Lee Wallace en 1990 y al terrible Pennywise interpretado por

Tim Curry, que impactó de gravedad a los espectadores de la ABC americana que había apostado fuerte por la adaptación.

La televisión de la época era muy distinta a la que conocemos hoy en día. Nada de violencia, sexo o terror, ni siquiera insinuado, en unas cadenas que basaban su éxito en ofrecer contenidos para toda la familia. Los canales tenían un estricto código censor, tanto interno como externo, que marcaba el camino a seguir y las barreras que no se debían superar. El estreno de Twin Peaks supuso una nueva forma de acercar la televisión a una audiencia cambiante, que comenzaba a alejarse de los estándares de décadas anteriores, años de programación controlada para toda la familia.

It (Eso, en nuestro país) iba a ser una gran apuesta del canal ABC, una miniserie de 4 horas de duración, dividida en dos entregas, basada en un best seller que había aterrorizado a medio mundo.

It, en su versión original, es una novela enorme, mas de mil páginas de horror en Derry, Maine; una historia que se extiende a través del tiempo. King, como casi siempre, se las apaña para ilustrar al lector sobre la forma de vida americana, el American way of life de los años 50 y 60 en yuxtaposición con la vida de la época presente cuando se publicó la novela, finales de la década de los 80 (1986 para ser exactos). La historia navega por las calles de Derry, con la presencia de un ser

El primer tratamiento de lugar a una miniserie duración y que iba a co Romero como d aterrador, cambiante y elemental, alimentado por el miedo de la gente, de los niños. A él, a Eso, se enfrentan un grupo de chicos, Los perdedores, en 1958 y vuelven a enfrentar la amenaza, ya adultos, en 1985.

Terror, sangre y algunas pinceladas de sexo se entremezclan en la historia, aspectos que debían de ser filtrados para la versión televisiva.

ABC comenzó la producción con un guión de Lawrence D. Cohen que ya

había adaptado una obra de King, el Carrie de Brian De Palma. El primer tratamiento de la historia daría lugar a una miniserie de 7 horas de duración y que iba a contar con

George Romero como director,

que

e la historia daría de 7 horas de ontar con George director ya había trabajado con material de Stephen King en Creepshow y su secuela. Quizás ver estos nombres involucrados en el proyecto hizo recapacitar al autor, que era escéptico en un principio con la intención de programar una historia de terror en horario de máxima audiencia.

El trabajo conjunto de Cohen y Romero consiguió rebajar la duración hasta las cuatro horas definitivas, ideal para emitirse en dos veladas casi consecutivas, el 18 y 20 de noviembre de 1990.

Desafortunadamente, la producción se alargó mas de lo previsto y Romero tuvo que abandonar el proyecto para no desatender otros trabajos, dejando la dirección en manos de Tommy Lee Wallace, discípulo y colaborador

de John Carpenter y con un pequeño bagaje en la dirección con la tercera entrega de Halloween (Halloween 3: Season of the witch) y la segunda de Noche de miedo (Fright Night, part 2).

Wallace entró con una miniserie en marcha, un guión cerrado y un reparto preparado.

Estaba encantado con la primera parte del guión, que transcurría en los años cincuenta y se centraba, casi en exclusiva, en los chicos.

La segunda parte le causaba mas recelos, llegando a reescribir partes y centrándola en la encarnación adulta de los personajes.

El reparto estaba encabezado por rostros

John Ritter Harry Anderson

conocidos de la televisión como (Apartamento para tres),

(Juzgado de guardia), Richard Thomas (Bonanza) y otros que lo serían en épocas

Jonathan Brandis (SeaQuest ) o Seth Green (Buffy). posteriores como el malogrado

Este elenco de actores cumplía una labor fundamental al ser actores reconocibles por el gran público aunque casi siempre en papeles de comedia o familiares con lo que la transición al género de terror podría no resultar fácil.

el canijo, el gordo, el tartamudo, el gracioso, el judío y el negro), acosados por el matón del colegio, un Henry Bowers y su panda escapados de Grease, mientras lidian con la extraña muerte de Georgie, hermano pequeño de Bill (Jonathan Brandis), líder del grupo y otras desapariciones de niños de Derry.

Pequeños segmentos nos llevan a conocer las vidas futuras de esos chicos, que reciben una llamada para volver a reunirles en Derry,

El verdadero acierto del casting vendría con la elección de Tim Curry como Pennywise, el terrorífico payaso que atemoriza a los protagonistas. Es el aspecto de la adaptación que mejor ha superado el paso del tiempo y resulta realmente inquietante.

La cadena accedió a relajar un poco los términos censores sobre la adaptación, permitiendo un poco mas de terror en la miniserie, quizás alentados por el éxito que estaba teniendo Twin Peaks como una nueva forma de hacer televisión.

La miniserie consta de dos partes, de dos horas de duración y narra la historia en dos periodos diferentes: en los años 60, centrada en los chicos y a finales de la década de los 80, con aquellos chicos convertidos en adultos, de éxito en su mayoría, con un juramento que cumplir.

La primera parte resulta la mas sólida de las dos. Ya desde su comienzo (la

desaparición de la niña en el presente de la historia, la escena de Georgie y el barquito de papel) impacta al espectador, con una presencia mayoritaria de la historia de los años 60 donde todos los aspectos de la obra están mejor conjuntados: el reparto luce mas que los adultos, la ambientación es muy realista y las escenas de terror son mas oníricas, cercanas a una Pesadilla en Elm Street en contraposición a la segunda parte, donde todo se vuelve mas orgánico, quizás a la búsqueda de una explicación final que agrade al espectador (ya hablaremos de “la araña” mas adelante).

Es imposible visionar esta primera parte sin que recordemos la maravillosa

me

Stand by

(Rob Reiner, 1986) con quien comparte, además de King como autor, ideas y ambientación. Los niños protagonistas forman el club de Los perdedores, poco populares en el instituto, llenos de estereotipos (la chica,

ciudad que abandonaron hace tiempo para labrarse una vida de éxito.

En esta primera parte ya se nos presenta al temible enemigo, con la forma del payaso Pennywise, capaz de aparecerse en las alcantarillas (terrible escena con Georgie) o en las duchas del instituto. Pennywise es Eso, un ser extraño, terrible, que se alimenta del miedo infantil, profanando de paso los cuerpos. Con su aspecto de payaso, sus globos y sus míticas

frases (Aquí

tú

abajo todos flotan...¡y también flotarás!), el personaje

interpretado por Tim Curry, aterroriza a los chicos hasta la confrontación final en las alcantarillas de Derry, escena que difiere en gran parte con la presentada en la novela, ya que hay una escena sexual eliminada para su adaptación televisiva y que englobaba al grupo de protagonistas.

la ensoñación en el restaurante chino, donde las galletas de la suerte se transforman en todo tipo de aberraciones) y por lo tanto, olvidables.

Derry se constituye también como otro personaje mas de la historia,

ciudad sombría donde la gente olvida a sabiendas, donde nada importa y parece estar sumida en un velo.

La segunda parte resulta totalmente diferente

La parte final quizás sea la mas recordada y discutida de la adaptación. En su búsqueda

a lo que había sido la primera. Centrada en los personajes adultos y su desmemoriada vuelta a Derry, de los chicos apenas nos quedan unos flashbacks con lo sucedido después de la lucha en las alcantarillas. Los adultos vuelven a su ciudad de juventud con reticencias, escudados en sus defectos y ajenos a lo que hacía treinta años habían prometido: regresar para terminar con Eso si volvía a manifestarse. El último tramo de la historia ofrece unas escenas de terror menos elaboradas, mas físicas (exceptuando

por terminar con Eso, los protagonistas se introducen en su guarida para descubrir que en realidad es una araña gigante, sacada del estudio de un primerizo Harryhausen, a la que terminan venciendo, no con el poder de su creencia como en la primera parte, sino de una paliza al borde de un precipicio. Es un final como cualquier otro, pero pierde toda la épica del relatado en la novela, al igual que su concepción de terror mas allá de lo explicable, un terror eterno, alejado de lo terrenal, casi cósmico,

Lovecraftiano y abismal. También quedan en el tintero varios elementos centrales en la novela como La tortuga, enemigo ancestral de Eso y que tiene varias referencias en el resto de obras de King, como en La torre oscura.

La araña, alejados de la polémica eterna, es un final, quizás no demasiado satisfactorio (las obras de King suelen adolecer de finales poco mas que resultones) pero una manera de terminar la historia aunque algún toque de las inquietantes implicaciones que deja entrever la novela le hubiesen venido bien.

It (Eso) es una adaptación correcta,

con licencias comprensible respecto a una novela muy superior, pero que funciona bien, sobre todo gracias a una primera parte que sirve para introducir a la historia y los personajes. Sirvió para grabar a fuego en la mente de los espectadores la terrible imagen del payaso temible, con sus ojos desorbitados y los dientes afilados, recordando al asesino John Wayne Gacy. Nunca volvimos a mirar igual las alcantarillas en días lluviosos o a las bocas de desagües fluviales, siempre temiendo ver un globo flotando o unos ojos inyectados en sangre. Material de pesadillas, malos sueños que volverán a repetirse en un futuro próximo en una nueva adaptación con Cary Fukunaga (True detective) a los mandos de dos películas que parece ser que repetirán la misma estructura de la serie.

SALEM’S LOT Salem’s Lot es considerada la gran novela

una visión del mal a través de la historia de un pueblo típico americano, piezas americana de Stephen King,

esenciales dentro del discurso del autor. En su carrera volverá a repetir planteamientos similares, como en It o La cúpula, pero Salem’s Lot es un clásico absoluto. Es una obra tan especial que a la hora de realizar su adaptación televisiva no sólo se lleva a cabo una primeriza versión, con varios montajes distintos, sino un remake 25 años después del primero.

En 1979 llega la primera adaptación de la

novela, con Tobe Hooper en la dirección y emitida por la CBS en dos noches de noviembre (17 y 24). El proyecto original se centraba en Warner Pictures y el éxito del Carrie de Brian de Palma. Warner quería continuar con la fiesta y una adaptación de la nueva novela de King parecía lo lógico. El problema venía dado por el guión. Después de contratar a varios

guionistas y construir varias versiones del guión, ninguno funcionaba lo suficientemente bien para respetar partes de la novela original y convertirse en un film de 2 horas, había demasiados personajes, demasiadas tramas cruzadas y demasiado terror. La única escapatoria posible era plantarse la adaptación como una serie de televisión de mayor duración y menos costes de producción. Richard Kobritz era el ejecutivo de la división para televisión de Warner encargado del proyecto y consideró que Paul Monash, que había sido productor en Carrie, podría construir un buen guión para una adaptación televisiva de tres horas. King revisó el guión y dio el visto bueno, mientras Kobritz reunía a un reparto encabezado por

David Soul

(Hutch en la mítica serie de tv Starsky & Hutch).

Solo faltaba un elemento: un director, un detalle menor en la televisión de la época, mas centrada en guionistas y productores que en un director de renombre. Se eligió a Tobe Hooper, que venía de impactar al mundo

en Salem’s Lot no nos encontramos al Hooper salvaje, desatado que llevó a Leatherface la gran pantalla, aquí es

con su clásica La matanza de Texas. Pero

un director comedido, con algún destello pero ceñido a la familiaridad de la televisión de los 70, plegado a los deseos de un productor que le entregó un proyecto cerrado y solo necesitaba

a alguien para ponerse detrás de las cámaras, no a ningún loco transgresor.

Además de la versión de tres horas, en Europa llegó al mercado vhs una versión de 112 minutos, conocida como Salem’s Lot: The Movie o Phantasma II, sin tener relación con la saga de Coscarelli.

Lo mejor que se puede decir del Salem’s Lot del 79 es que es un producto de su época, un mercado televisivo donde la violencia, la sangre o cualquier asomo de insinuación terrorífica era un tabú insalvable. A pesar de centrarse en el regreso del escritor Ben Mears (David Soul) a su ciudad natal, obsesionado con la vieja mansión Marsten y sus nuevos y extraños habitantes, Straker (James Mason) y Barlow (Reginald Nadler), la adaptación tarda en meterse en el terreno del terror y lo extraño, arrojando minutos de costumbrismo americano, donde lo que interesa al espectador es la subyacente trama vampírica y la destrucción

de tanta amabilidad de pueblo pequeño.

Aún así deja buenos elementos de horror, que han atormentado a generaciones enteras de espectadores que la habían visto en aquellas noches lejanas de videoclubs o de reposiciones

Salem’s Lot es considerada la gran novela americana de Stephen King, una visión del mal a través de la historia de un pueblo típico americano,

Una adaptación ingenua, vista con los ojos de hoy en día pero que tiene suficientes elementos destacables para recordarla hoy en día. en Antena 3: niños vampiro voladores que arañan las ventanas, la primera vez que vemos al vampiro tipo Nosferatu, de todo azul y los ojos imposiblemente abiertos o el mal rollo que desprendía toda la mansión Marsten, junto con el sospechoso bigote del señor Straker.

Una adaptación ingenua, vista con los ojos de hoy en día pero que tiene suficientes elementos destacables para recordarla hoy en día.

25 años después, en 2004, una nueva versión llegó a las pantallas del canal TNT. Nuevamente volvía a ser

un proyecto rebotado, una opción B ante una imposible película y contaba con un nuevo guión a cargo de Peter Filardi y un nuevo reparto con Rob Lowe como Ben Mears (ya lo habíamos visto en Apocalipsis, otra adaptación televisiva de King), Donald Sutherland como Straker o Rutger Hauer como Barlow.

Esta nueva versión volvía a dividirse en dos partes de dos horas de duración y consiguió buenos resultados de audiencia en las dos noches de Junio en las que se emitió (20 y 21).

Las diferencias con la versión previa son evidentes, en primer lugar, estéticas. En ésta versión de 2004 hay un exceso de efectos

La L s un

s

a versión moderna de Salem’s Lot evita la inocencia naif de su predecesor pero presenta n espectáculo frío, carente de cualquier empatía. digitales, en contraposición con los clásicos de la antigua. Hay un claro abuso de la tecnología, con la necesidad de subrayar lo sobrenatural con efectos totalmente innecesarios.

en el nuevo tratamiento del guión se vislumbra Salem’s Lot como una comunidad podrida, alejada del familiar entorno de la versión del 79. En éste nuevo pueblo Por otra parte,

todo el mundo guarda un secreto, un anhelo prohibido, acercándose mas al Derry que se ve en It, un pueblo donde el mal perdura y la gente mira para otro lado. La cínica voz en off que ayuda a la narración de la historia es la de Ben Mears, el protagonista encarnado

por Rob Lowe, que deja de manifiesto la podredumbre de la gente que vive ahí, como si el mal endémico que emana de la mansión Marsten se extendiese por todo el pueblo, infectando a la mayoría de sus habitantes.

Straker (Donald Sutherland) parece conocer bien esas debilidades y ataca sin piedad con conocimientos secretos, ocultos al resto del pueblo.

Destaca la breve presencia de Rutger Hauer en el papel de Barlow, totalmente alejado de la presencia vista en la versión antigua, con una apariencia similar a la presentada en la novela pero desaprovechada en la adaptación, con un corto tiempo en pantalla.

La versión moderna de Salem’s Lot evita la inocencia naif de su predecesor pero presenta un espectáculo frío, carente de cualquier empatía. Una lástima.

Quizás dentro de unos años a algún productor se le ocurrirá volver a llevar Salem’s Lot al cine y nos encontraremos con una adaptación que haga justicia a la magistral novela. No perderemos la esperanza.

A pesar de ser una serie que ha finalizado ya, recientemente eso sí, Breaking bad sigue dando mucho que hablar. Tras su gran éxito en la última entrega de los premios Emmy, queremos rendirles homenaje en esta sección, sobretodo dando a conocer la verdadera ciencia que se esconde tras los capítulos.

La preocupación de los productores de la serie por hacer lo más veraz posible la serie era tal, que contrataron a una asesora versada en química. La persona en cuestión era una laureada profesora de la Universidad de Oklahoma llamada Donna J. Nelson. Obviamente hay eventos que se sitúan dentro de la ficción de la serie, pero todas las fórmulas, ideas de Walter White… son realizables y pasaron el filtro de esta profesora antes de rodarse.

Una anotación previa que me gustaría hacer ya que mucha gente desconoce el dato y no me gustaría que quedase en el olvido. El pseudonimo que en un momento de presión elije Walter White para conservar su anonimato es como todos sabeis, Heisenberg. Este nombre pertenece en realidad a Werner Heisenberg. No tiene precisamente mucho que ver con la química pero si con la física, de hecho fue el que enunció el principio de incertidumbre.

Comencemos, como no, por la famosa metanfetamina azul. En la serie se simulaba dicha droga con trozos de caramelo azul, pero en la realidad, en las calles de Norteamérica se vende y está haciendo furor, por supuesto su fabricación está tristemente inspirado en la serie. Obviamente se trata de una metanfetamina que lleva un simple tinte, pero que ocasiona graves daños, intoxicaciones y se sabe que no tiene la pureza de la ficticia droga. Si bien es cierto que hay determinados puntos de la fabricación de la droga del señor White que son reales y reproducibles, pero no se dan detalles de otras fases y no debemos pensar que en la serie se nos muestra cómo hacerla. Una cosa totalmente real es como utilizan el mercurio de aluminio como catalizador, es decir, este compuesto se puede utilizar para acelerar ciertas

reacciones químicas al igual que sugieren los guionistas de la serie.

Una de las grandes funciones que el cocinero le da a la química es la de librarse de sus enemigos. Como por ejemplo cuando intenta escapar de Tuco Salamanca utilizando Fulminato de mercurio (Hg(CNO)2). Este compuesto se utiliza para iniciar la detonación de otros explosivos más potentes (como hemos podido saber de la mano de expertos fabricantes de explosivos) es decir es un explosivo primario, no causa tanta explosión como en la serie. Otra manera de librarse del peligro

que utiliza Walter es la intoxicación. Como es el caso de los dos pandilleros que le acorralan en la caravana al comienzo de la serie. A estos les ataca con una nube de Gas fosfina o Fosfano, algo muy tóxico que produce dolores, nauseas, vómitos e incluso la muerte. Forma parte de una reacción reproducible aunque el humo sería casi incoloro. Por último, algo más conocido, la ricina. Tal vez os suene por aquello del aceite de ricino. Si se ingiere de manera oral puede tratarse, pero la ricina es capaz de inhibir el proceso de síntesis de proteínas, algo esencial para nuestro cuerpo.

Otra de las cosas típicas de la serie es la caravana en la que fabrican el estupefaciente. No veo manera de no meter spoilers a si es que a partir de aquí avisados quedáis. Llega un momento en el cual se quedan tirados en el desierto ya que la autocaravana se queda sin batería, una torpeza de Jesse. Walter aprovecha sus conocimientos de química e improvisa una batería para arrancar el motor. Esto

si es perfectamente realizable. Colocando varios metales distintos en un ácido podemos generar un voltaje, esto se llama corrosión electroquímica y es el principio de funcionamiento de una celda galvánica o pila. Otra cosa es la escala de los objetos que utiliza Walter para generar tensión y corriente. En duda tengo si serían suficientes para generar los 12V (±2V) necesarios o si los cables tendrían suficiente grosor para soportar el amperaje.

Walter no es solo química y sino que también utiliza otras fuerzas de nuestra naturaleza, como el magnetismo, para salirse con la suya, en concreto para borrar un disco duro custodiado por la policía que contiene información que podría incriminarle. Cierto es que un disco duro se puede borrar y dañar desmagnetizándolo con un imán bastante potente. El problema viene cuando el imán está en las dependencias de los cuerpos de seguridad y tienes que fabricar uno enorme. La manera en que lo fabrica Walter es correcta, pero como en el caso anterior es de dudosa potencia. Ya

respect the chemistry

que según la distancia a la que se encuentre el objeto la influencia del campo generado varía de manera casi exponencial. Si queréis indagar más tenéis que leer acerca de la ley de Biot-Savart.

Como es de suponer, después de tantas peripecias en un mundo tan turbio como el de la droga, Walter y Jesse se forjan muchos enemigos. Una consecuencia de salir airoso de tantos peligros es tener que deshacerse de algún cadáver y para ello, como no, tiran de química. En concreto utilizan ácido fluorhídrico. No con mucho éxito inicialmente ya que sin atender a consejos Jesse lo usa en su bañera. Y es que este ácido es capaz de comerse muchos materiales, pero no plásticos. No es capaz de convertir en tan poco tiempo un cadáver en una masa líquida (como hace el hidróxido sódico), pero si ocasionar graves quemaduras e incluso puede hacerte perder algún miembro, sobre todo si llega a los huesos por que ataca el calcio.

Es posible, espero que no, que os haya dado algo de sueño este artículo, por lo tanto para finalizar hablaremos de la cafetera que crea Gale. Si optimizamos el proceso químico de evaporación, filtración, condensación… de una cafetera podemos llegar a tener un café exactamente como nos gusta. Ya hay gente que está comercializando prototipos, más o menos aparatosos, basados en el que aparece en la serie con mucho éxito.

Podríamos hablar de muchas más cosas que suceden en la serie pero he decidido centrarme en lo más popular y como dije al principio esto es solo un homenaje. Como se suele decir no hagáis esto en vuestras casas y respect the chemistry!

FRAN TEJEDA WHITE

Bienvenidos un mes más a la sección donde tocamos, a parte de la moral de alguno o alguna, un poquito de cada serie televisiva del género de animación o relacionado al tema, es por eso que este mes os traigo un clásico de la caja cuadrada, comúnmente denominada como televisión o tele para los amigos y puesto que la animación no toda es en formato de dibujos, vamos a coger la Tardis para viajar al pasado, exactamente a 1955. Aterrizamos en un espectáculo que dura 5 minutos y se emite por televisión 2 veces al día en los Estados Unidos, el espectáculo lo protagonizan unos personajes muy curiosos, el primero de ellos y que parece ser el protagonista de esta serie recuerda un poco a uno de nosotros, el tono de piel, la calva brillante, con la pequeña diferencia de que es ¿un humanoide?... ¡un momento!, las apariciones en escena no las interpretan personas sino monigotes, títeres. Se mueven, gesticulan y hablan, mantienen un diálogo entre ellos y actúan igual que lo hacen los humanos, pero son de trapo, aquí pasa algo… ¡Bienvenidos a la primera aparición de los Muppets (/mápets/)! O Teleñecos aquí en el país del chorizo, el termino Teleñecos partió de un simple juego de palabras (te-

levisión y muñecos). Esta es la primera vez que Jim Henson puso a sus títeres a trabajar. Sam and Friends fue el primer programa televisado llevado a cabo por Jim, el creador de estas simpáticas marionetas, en el que la cámara jugaba un papel muy importante, ya que, por primera vez en una serie animada, unos títeres se movían por el escenario libremente sin mostrar la manipulación directa del titiritero, es decir, con el punto de vista de la cámara pensado por Henson, unos muñecos de trapo hacían de actores por primera vez en la historia de los mundos. De esta manera se evitaba la participación de nadie que no fuera un títere, y se inventaba una nueva forma de animar y montar un show, que tuvo una duración de 6 años. Sencillamente genial.

Algunos de los personajes que componían esta mini-serie, por cierto, en sus inicios en blanco y negro, eran Harry the Hipster (Harry el Hispter), para que os hagáis una idea, Harry era algo así como un calcetín tamaño XL a rayas rojas y negras y claro, un hipster muy pasota. También tenemos a Yorick, una calavera púrpura de papel maché con un apetito voraz, a Chicken Liver (Hígado de pollo), también se le conocía como Theodore, menos mal

porque Hígado de pollo no impone demasiado. Theodore era un narrador dramático que enriquecía el espectáculo con sus narraciones de cuentos e historias. Y los secundarios, como Hank y Frank, creados a posteriori del comienzo de la serie y que hacían las veces de presentadores, el profesor Madcliffe, primer personaje que usó la voz de Jim Henson y Pierre, la rata francesa, que fue la adaptación a títere de una rata proveniente de una tira cómica de Jim de 1954. La aparición más exitosa de este show, sin lugar a dudas, fue para Kermit, llamado René en Latinoamérica o Gustavo en España y un montón de nombres más por todo el planeta, hasta que Disney puso fin a esta locura, dejando cómo Kermit, the Frog, el nombre de registro del muñeco a nivel internacional.

Por aquel entonces la rana Gustavo era una versión muy primitiva de sí misma y no era considerada una rana, y aunque su aspecto no difiere mucho con su yo antiguo, ahora tiene un tamaño mayor, las manos y pies más definidos y se nota que lleva años de ganancias y pocas pérdidas, puesto que ahora va con la barriga llena y ha cogido peso, ya sabéis, consecuencias de la buena vida. Esta entrañable rana basa sus apariciones en la década de los

50, su participación en la mini-serie Sam and Friends y en los cortometrajes de Afternoon, Footlight Theatre, le valieron un puesto en los corazones de grandes y pequeños y un contrato de por vida como marioneta estrella de la televisión.

Así es, el causante de todo este fenómeno fue un aficionado a los muñecos de trapo que se mueven con una mano, que tenía una mente notoriamente abierta y quiso probar cosas nuevas. Aunque en su casa lo conocían formalmente como James Maury Henson, nosotros lo recordamos cómo Jim Henson, el creador de los Muppets, nombre que le viene de la unión de las palabras inglesas marionette (marioneta) y puppet (títere), y también como el que educó a muchos padres e hijos en una larga lista de producciones exitosas posteriores a Sam and Friends. Este apasionado de la interpretación titiritera empezó con algo más modesto que lo que Disney tiene hoy en los cajones de su estudio, títeres perfectos con telas de seda. Los materiales que usaba Henson por aquellos años para fabricar a sus Muppets eran materiales que uno bien podría encontrar por casa, pelotas de goma, toallas, esponjas, un poco de aquí y de allá de objetos cotidianos. Los rasgos que definen las creaciones de Jim antes y ahora son las mismas prácticamente; ojos grandes y esféricos que dotan al muñeco de una gran expresividad, bocas grandes de varios tipos y los colores, colores vivos muy puros, llenos de energía que complementan a la perfección las formas generales de un Muppet, así muy redondito y simpático, como dirían nuestras abuelas.

Seguramente es gracias a este señor, que muchos padres de la actualidad educan a sus hijos con amor, respeto y magia, si, la

ANIMOLOGIA #2: Los Muppets

BY Lidia reyes

magia es una forma de educar, nos lo demostró Jim años atrás, ¿Qué son el ratoncito Pérez o Papa Noel… sino magia?

Tras un rotundo éxito de la mini-serie precursora de Henson, Sam and Friends, llegó el turno de la serie animada Sesame Street o Barrio Sésamo, como la llama mi vecina del quinto y unos cuantos más. Sesame Street se estrenó en Estados Unidos en 1969, con un total de 4.135 episodios emitidos en la temporada 37, esto la convirtió en la serie de carácter infantil más duradera de toda la historia de la televisión hasta la fecha. Un programa educativo ideado por Joan Ganz Cooney y Lloyd Morrisett, que también se sumó al gran fenómeno de los Muppets gracias a la participación de algunos de sus miembros y a la del propio Jim Henson. Esta vez la actuación de los Muppets se alternaba con animación de acción. Acción en el buen sentido, sin pensar mal, eh, me refiero a una acción para obtener una reacción, ¿de quién? Pues de los varios niños piltrafillas que estuvieran en frente de la pantalla en ese horario de tarde. Las animaciones pretendían enseñar a los niños pequeños la aritmética básica, el arte de leer, las letras, los colores o los días de la semana. Los métodos de enseñanza también incluían una sección centrada en los quehaceres diarios, esas cosas que están bien, que son de un comportamiento rutinario, como la importancia de ducharse cada día, la de cruzar la calle cuando toca y no cuando el de al lado la cruce porque es más guapo que nadie… y cosas así muy convencionales.

Las técnicas usadas para transmitir estas enseñanzas a los niños eran las parodias entre personajes, por ejemplo las de Epi y Blas (Ernie y Bert en la VO), supongo que más de uno o una recuerda la típica gracia de ‘’dentro, fuera’’, sí, así es, Epi y Blas son los causantes de muchas de estas frases con un punto de sarcasmo inocente. Los musicales también fueron y siguen siendo un punto fuerte de este programa, canciones sobre pronunciación de letras, números, todo cantando ¿así qué niño era capaz de resistirse a aprender? Ninguno.

Muchas de las parodias de esta serie son

copias de otros programas en emisión de la época. En Barrio Sésamo contaban también con la actuación de personas de carne y hueso, que se mezclaban con esos locos, bajitos y gritones Muppets y que le dan al programa un aire más adulto para que la franja de edad pueda ser considerada para todos los públicos.

Por otra parte, ya va siendo costumbre entre los Muppets contar con un alto reparto muy variopinto de cada uno de ellos, ya sea por el rol que desencadena el títere en sí o por su aspecto físico, es por eso que el programa incluía entre el reparto gente de diversas culturas y rasgos, para fomentar esa variedad de buenas intenciones, incluido el aspecto de la discapacidad.

Hablamos de los 70, la idea es bastante avanzada para una época en la que el racismo seguía siendo un problema, así que pensar en un producto que puedas disfrutar con tus hijos y que les enseñe que hay de todo en todas partes, es tener buenas ideas, muchos de vosotros habréis crecido escuchando la canción de Barrio Sésamo, seguro. La prueba está en que Sesame Street llegó a los hogares de niños de muchos sitios del mundo, en España por ejemplo tuvimos Ábrete Sésamo, dentro del reconocido programa (reconocido por algunos) Un globo, dos globos, tres globos, de género infantil y juvenil que ofrecía cuentos a los más pequeños. Ahora mismo muchos culos inquietos en la silla, y nostálgicos (risas). Barrio Sésamo también llegó a España y en la actualidad se sigue emitiendo en un formato parecido. ¡Bienvenidos al Show de los teleñecos! Estamos en 1976, un año en el que la rana más dicharachera de Barrio Sésamo se ha ofrecido para presentar un espectáculo en un teatro de marionetas, no antes sin darle las gracias a Scooter, el sobrino del dueño del recinto, que ha hecho posible que Gustavo dirija el Show.

Un show donde caras como la de Miss Piggy, la rosada y

corpulenta cerdita, Rowlf (Rodolfo) el perro pianista, el cocinero Suevo, el águila Sam, el oso Fozzie, el narizotas Gonzo y la banda de Los Salvajes (liderada por el Doctor Dientes), campan a sus anchas por un escenario, el sueño realizado de Jim Henson. Para darle un refuerzo de humor, Statler y Waldorf, los ancianos del palco, espectadores de todo e inconformistas innatos, dispuestos a desprestigiar el show con sus comentarios sarcásticos.

El programa se componía por una serie de escenas de alto contenido en humor, actuaciones musicales, muchas de ellas protagonizadas por los Muppets y otras por los invitados especiales, grandes estrellas de la música o el cine, el teatro o la televisión, gente muy importante con valor mediático en los 70. Y es que la verdadera idea de Jim Henson era la de ir más allá otra vez, reinventarse. Y lo consiguió, sus marionetas alcanzaron la misma fama que los célebres que visitaban el Show, o más.

Y no es de extrañar, con tamaña magnitud de personajes a bordo del escenario que se dejaron liar por Miss Piggy y otros, en un embriagador encuentro. Personajes como Rita Moreno, Florence Henderson, Paul Williams, Charles Aznavour, Candice Bergen, Ben Vereen, Vincent Price, Valerie Harper, Twiggy, Milton Berle, Steve Martin, Don DeLuise, Elton John, Julie Andrews, Peter Sellers, Kris Kristofferson y Rita Coolidge, Alice Cooper, Sylvester Stallone, Roy Rogers, Dudley Moore, Kenny Rogers, Lola Falana, Liza Minnelli, Diana Ross, Glenda Jackson, Deborah Harry, Paul Simon, Tony Randall, Carol Burnett, Gladys Knight, Marty Feldman, Johnny Cash, Linda Ronstadt y Roger Moore, entre muchos, muchos otros. Y Gustavo como director del espectáculo, se dedicaba a entrevistar a estos invitados especiales, presentaba los distintos episodios y también actuaba, en ese momento se sentía la rana más dicharachera del teatro.

The Muppet Show (El Show de los Teleñecos), fue todo un éxito televisivo que cuenta con un total de 120 episodios emitidos, cada uno de 30 minutos aproximadamente y su duración data desde 1976 hasta

1981, 5 intensos años en los que famosos y teleñecos ofrecieron la idea de programa perfecto que tenía Jim Henson en la cabeza tras Barrio Sésamo, un programa más destinado a adultos, que sin embargo, al no perder las figuras principales, los títeres, lo convertían en el show por excelencia, para ver en familia desde el sofá de casa, niños y adultos disfrutando por igual, todos juntos otra vez.

Yo misma me alegro de haber crecido con Gustavo y la enamoradiza Piggy, de hecho, en mi casa ese era mi sobrenombre porque tenía unos señores mofletes cuando era inocente y de color rosa, me alegro de haber aprendido algo en las retransmisiones de Barrio Sésamo con Epi y Blas, y ahora que lo pienso, tengo una afición peculiar por las galletas… Os puedo decir que Los Muppets, que fueron vendidos a Disney en 2004, siguen siendo casi los mismos, solo que ahora viven mejor, pues a mi parecer, son aun una alternativa para entretener a los más pequeños de la casa con un aprendizaje divertido y más sano que en muchas otras series que emite la propia Disney, en extensiones como Disney Channel, por ejemplo. Así que os invito a que si no los conocéis, les echéis un vistazo, ya sabéis, cerca, lejos. Y si los conocéis, existen muchos enlaces en la red para recordar viejos tiempos. Merece la pena ya que son un cachito de historia. ¡Y el mes que viene volvemos con más!

Preparad la mantita de cuando las mantitas eran a prueba de catástrofes mundiales, alienígenas y fantasmas y comprad palomitas. El mes que viene pasaremos mucho miedito con Pesadillas, conocido también como Goosebumps.

Temblad muchachos, temblad, qué miedo vais a pasar...

zona comic nsf recomendaciones

imposibleS vengadores Marvel Comics - 2012 - guionista: Rick Remender-Dibujantes: John Cassaday, Daniel Acuña, Steve McNiven y Olivier Coipel Corría el mes de octubre de 2012, cuando en Marvel iba a dar comienzo una de tantas revoluciones a las que las editoriales ya nos tienen… no, acostumbrados no porque no siempre nos agrada lo que hacen. Más bien digamos que estamos suficientemente “familiarizados” con este tipo de cambios.

Corría el mes de octubre de 2012, cuando en Marvel iba a dar comienzo una de tantas revoluciones a las que las editoriales ya nos tienen… no, acostumbrados no porque no siempre nos agrada lo que hacen. Más bien digamos que estamos suficientemente “familiarizados” con este tipo de cambios.

En este caso, y a la finalización del macroevento de turno, que no fue otro sino Vengadores VS X-Men, sabíamos que iba a ocurrir algo que desde los USA se daba en llamar Marvel Now. En aquel entonces, y dado que meses antes habíamos presenciado ese esperpento (lo siento, pero aún no me termino de acostumbrar) que han resultado los Nuevos 52 de DC, los rumores se dispararon sobremanera. El peor de todos, el que más temían muchos Marvel zombies, y seguidores de Marvel en general sin caer en la veneración irracional, era que en la casa de la gran M habían pensa-

do realizar un reboot, al estilo de lo que la Distinguida Competencia había hecho con casi todos sus títulos.

Finalmente no fue así (fiu!), pero sí que supuso en parte una revolución en la editorial, consistente no solo en la aparición de nuevos títulos, como es el caso que nos ocupa, o renumeraciones a partir de nuevos números 1. También se procedía a cambiar los equipos creativos de muchas colecciones, de forma que la entrada de nuevos dibujantes y guionistas, supusiese cambios en los diseños de algunos personajes, nuevos rumbos en sus historias, etc.

De esta forma, el primer título que abría la veda fue precisamente Imposibles Vengadores. Su título en ingles, Uncanny Avengers, hizo saltar las alarmas de los fans, puesto que parecía obvio que se trataba de unir en esta colección, dos conceptos que poco tiempo antes habían resultado antagonistas: los mutantes (ese Uncanny recordaba irremediablemente a la colección Uncanny X-Men, la Imposible Patrulla-X de los Lobezno, Pícara, Tormenta, etc.) y los Vengadores, sin lugar a dudas la colección más representativa de Marvel por esas fechas, sin contar al trepamuros y los citados mutantes, ya que en el mes de abril del mismo 2012 se estrenaba la que aún es para muchos, la mejor película de superhéroes hasta el momento, Los Vengadores de Josh Whedon (aunque, y es una opinión muy personal mía, El Soldado de Invierno y los Guardianes de la Galaxia han dejado este año el listón MUY alto).

Y en efecto, la portada del primer número de Imposibles Vengadores nos mostraba la alineación de un nuevo equipo (uno más en la historia de Marvel, pero no menos importante que el resto), donde compartían cartel a partes iguales, mutantes y vengadores. Así, por estos últimos se encontraban el Capitán América, Thor y la Bruja Escarlata (mutante curiosamente), mientras que por los Hijos del Átomo teníamos al sempiterno Lobezno (cómo no), Pícara y Kaos, hermano de Scott Summers (Cíclope), y al que el Capitán América le propondría que liderase esta nueva facción vengadora. Y es que, qué mejor qué Alex Summers para dirigir este nuevo equipo,

puesto que la intención del Capi no era otra sino demostrar al mundo que los mutantes, en plena fase de recuperación en lo que a porcentaje dentro de la población mundial se refiere, son gente de fiar. Además, pocos meses antes, el propio hermano de Kaos, poseído por la fuerza Fénix había acabado con la vida de… bueno, me callo por si alguien no lo ha leído aún, que dicho sea de paso tendría delito.

Así pues resultaba imperiosamente necesario para los mutantes que alguien abanderase el sueño mutante por excelencia desde los inicios de la Patrulla-X, por el cual mutantes y homo sapiens podrían vi-

vir en armonía.

Y para el resto de superhéroes, desde luego que facilitaba mucho las cosas tener a su lado a los que siempre, en mayor o menor medida, habían sido considerados los parias dentro del bando de los “buenos”. Por fortuna esa distinción maniquea de buenos y malos ya no se prodiga tanto en los comics, y esto puede comprobarse en que ya desde el principio existen tiranteces dentro del grupo. Por ejemplo, el Capitán América debe aprender a recibir órdenes de Kaos, aunque él mismo haya sido quien lo propusiese como líder; o la Bruja Escarlata, culpable de la desa-

parición de innumerables mutantes de la faz de la tierra con aquel ya histórico “No more mutants”, que debe luchar con el recelo que provoca entre sus iguales mutantes, como así ocurre con Pícara, nueva compañera de equipo, ya desde los primeros compases de la colección.

Precisamente este punto provocará la primera gran aventura del nuevo Dream Team, ya que Cráneo Rojo, el archienemigo del Capi, tratará de hacer uso entre otras, de las habilidades de la Bruja Escarlata, con el fin de acabar con los mutantes sobre la tierra, utilizando para ello algo que pocos podríamos imaginar… y hasta aquí puedo leeeer, sí. Digo esto porque ya al final del primer número sabemos qué es eso que va a utilizar, y así nos vamos acostumbrando a una de las tónicas de la serie: los cliffhangers al final de cada número. Os aseguro que en más de una ocasión la cara que se os quedará será de “no me jooooood…”.

mentos álgidos al final de muchos números, y también porque podréis comprobar cómo en más de una ocasión se hace referencia a eventos acaecidos unos números antes, por lo que si lo tenéis fresco en vuestra memoria, la experiencia es más apetecible. Y os aseguro que ver enfrentamientos, por poner un simple ejemplo, como el de un joven Thor contra Apocalipsis, además de proporcionarnos nuevas historias que quizás hasta el momento no se habían explotado de esta manera, también nos pondrán sobre aviso ante sus consecuencias posteriores.

Todo esto se debe al buen trabajo realizado por el equipo creativo de esta colección, especialmente por su guionista Rick Remender, quien supo aprovechar su incorporación a esta colección, accediendo así a títulos de mayor relevancia que aquellos en los que había trabajado hasta entonces, demostrando siempre, eso sí, un muy buen hacer, y un importante conocimiento de los personajes.

Por las páginas de esta colección pasarán enemigos clásicos de los Vengadores (Kang, El Segador,…) o de los X-Men (Apocalipsis y sus jinetes,…), así como se unirán a los integrantes del grupo, camaradas provenientes de ambas facciones, como el Hombre Maravilla, la Avispa, Bestia, Fuego Solar,

En el apartado gráfico, por las páginas de Uncanny Avengers han pasado dibujantes de la talla de John Cassaday, nuestro paisano Daniel Acuña, Steve McNiven y Olivier Coipel. Cada uno con su estilo propio os hará disfrutar muchísimo,

etc.

de veras.

Si tuviera que daros un consejo, basado en mi experiencia personal con esta colección, es que tratéis de haceros de golpe con algo más que un par de números. Es más, os aseguro que en el momento que se publique algún tomo recopilatorio (fijo que así lo harán, no os quepa duda), me haré con él. Simplemente porque disfrutas mucho más las historias leyéndolas con una cierta continuidad, además de evitar que te comas los muñones con los mo-

En definitiva, una colección que debo confesar que acogí inicialmente con cierto recelo, y que he acabado disfrutando, dado que no consiste (al menos no simplemente) en una mera estrategia comercial, sino que contiene buenas historias, y varios de los momentos WTF que han poblado las webs especializadas en estos últimos meses.

JESÚS DE LA FUENTE

the walking dead IMAGE COMICS- 2003... - guionistas: Robert Kirkman y Tony Moore -dibujantes: Charlie adlard y tony moore Once años han pasado ya desde aquel prometedor número uno, nadie podía imaginarse que aquella historieta con un tema tan “manido” como el de los zombis, fuera a dar tanto que hablar y se fuera a convertir en todo un fenómeno. Los tomos recopilatorios que se publican en España ya van por su número 21 (que contienen hasta el número 126 americano) y el argumento central ya ha sufrido más giros argumentales y muertes de personajes principales que ningún comic típico de superhéroes (obviando el hecho de que cuando alguien muere en una de sus páginas, no volverá como no sea un tanto más podrido).

Los pocos personajes que aún sobreviven a esta epopeya, han estado ya innumerables veces al borde de la locura, las constantes pérdidas y vivencias en situaciones límite les han hecho evolucionar de tal forma que si volvemos a leer los primeros números, apenas podemos reconocerlos.

Sin querer entrar en spoilers, Rick Grimes ya no es el angelito protector que era originalmente, le hemos visto cometer atrocidades y errores que jamás se nos habrían pasado por la cabeza, aunque sin duda, lo que dota a la serie de más riqueza argumental es su relación con su hijo Carl. El chico ha desarrollado prácticamente toda su personalidad en un mundo ya devastado, en el que ha aprendido a desenvolverse como pez en el agua, forjándole de tal manera que su propio padre se asusta

constantemente por su comportamiento.

Es una persona que no ha podido permitirse ser un niño, algo que le hace tan duro que no nos sorprendería que resultara ser el verdadero protagonista de la historia en detrimento de su padre, ya que es todo un producto de lo que un mundo en el que lo único que importa es la supervivencia puede hacer a un niño que, en condiciones normales, no se habría ni acercado a una pistola de verdad hasta al menos 12 años más tarde.

De la misma manera que los personajes, la historia y su mundo no han parado de evolucionar, ya no vemos a un grupo pequeño de gente intentando salvar su pellejo, ahora vemos cómo verdaderas comunidades interactúan entre ellas para ayudarse o eliminarse. Esta lucha entre justos y pecadores ha empezado a estar realmente marcada por la figura de Negan, un malvado personaje que dejaría en pañales al gobernador. Ya no estamos hablando de un villano que ha perdido sus cabales y manipula a sus esbirros con mentiras, estamos ante un verdadero cabronazo, totalmente consciente de lo que hace y que gobierna a través del miedo y

las amenazas, lo que ha empujado la historia hasta una inevitable guerra de proporciones épicas que tiene final en el tomo publicado por Planeta DeAgostini este mes de septiembre.

Tanto si eres seguidor acérrimo de la serie como si aún no te has atrevido a acercarte a ella, no dudes en mantenerte al día con este comic, te proporcionará más emociones que la mayoría de material que puedes encontrar en tu tienda habitual, sin mencionar que se diferencia hasta tal punto de lo visto en la serie de televisión que puedes leerla mes a mes sin que una cosa te estropee a la otra. Los Muertos Vivientes nunca han estado tan vivos como ahora, y seguro que su lectura te ayudará a tomar decisiones a la hora de sobrevivir en un mundo que, quién sabe, quizás pueda acabar llegando.

JOSE LUIS SORIANO NAVARRO

flash (nuevos 52) dc - 2011- Guionistas: Francis Manapul, Brian Buccellato, Christos Gage; Dibujantes: Francis Manapul, Diogenes Neves, Marcio Takara Ahora que muchos de los aficionados a las series van a darle la oportunidad a Flash como personaje de ficción al que seguir cada semana, muchos de ellos quizás quieran saber más sobre el personaje, descubriendo que en los cómics tienen más material a su disposición con la serie regular del Corredor Escarlata. En Nosolofreak queremos acercaros siempre las colecciones más cercanas al lector, las más fáciles de conseguir para poder leer y disfrutar cuanto antes de las aventuras de los diferentes personajes de cómic, así que vamos a centrarnos en la serie regular de Flash que se relanzó en 2011 como consecuencia de la iniciativa de los Nuevos 52. “¿Y qué es eso de los Nuevos 52?”, preguntará un lector ansioso por saber más.

Los Nuevos 52 fueron una respuesta a las ventas de los cómics de la editorial estadounidense de cómics DC, aunque también se utilizó para poder reunir en una sola línea editorial a personajes de su universo tradicional, de la línea Vertigo o de la editorial independiente Wildstorm, que la propia compañía adquirió en 1999 y que en 2010 desapareció como sello de publicación. El origen de este relanzamiento de las tramas de prácticamente todos los personajes de la editorial se produjo en un evento que, para los lectores habituales de Marvel, guarda muchas similitudes con la Era de Apocalipsis. Nos referimos a Flashpoint, un evento que sirve muy bien para comprender el cambio de paradigma

en los cómics si alguna vez has sido lector del viejo universo DC. Pasando a lo que nos interesa, Flash es una serie que relanzaron Francis Manapul y Brian Buccellato desde el mismo mes de septiembre de 2011 y que, con ciertas revoluciones alrededor de las relaciones del propio Barry Allen, pretendían que el personaje regresara a las estanterías fresco e intentando mezclar de manera apropiada el trabajo policial del personaje con su vida superheroica. El lector a partir de aquí deberá tener cierto cuidado con la presencia de algunos detalles de la trama, pero se tornan indispensables para poder acercar esta serie a todos aquellos que aún dudan de ella.

Un personaje con supervelocidad adquirida después de un accidente de laboratorio necesita enemigos poderosos, pero aún más poderosos que los que se habían visto en etapas anteriores del Corredor Escarlata. De entre los antagonistas directos de Flash siempre destacaron los Villanos liderados por el Capitán Frío, quienes han desarrollado en esta nueva etapa un nuevo nivel en sus poderes al adulterar sus ADN a un nuevo estado metahumano; por supuesto, el Rey Grodd no podía faltar, un gorila superinteligente con telepatía y acceso a la Fuerza de la Velocidad de la que adquiere Flash sus poderes; una nueva versión del Flash Reverso, que pondrá en jaque a todos aquellos que hayan tenido contacto con la Fuerza de la Velocidad… ¡Esta serie regular tiene un poco de todo!

Quizás los lectores de la serie regular, de antes de los Nuevos 52, noten las ausen-

cias de muchos personajes al principio, los cambios de las relaciones interpersonales entre otros y el cambio de raza del que fuera el sustituto de Barry Allen como Corredor Escarlata durante las Crisis en Tierras Infinitas. Barry ya no está casado con Iris West, si no que mantiene una relación con una compañera de trabajo: Patty Spivot; y la ausencia de toda la “familia Flash” se ha ido compensando según avanzaba la serie, pero aún hoy faltan por aparecer personajes que le hagan recuperar el tono anterior al relanzamiento.

Pero los aficionados de todo el mundo, en su inmensa mayoría, aullaron de indignación ante el cambio de raza de Wally West, el sobrino de Iris West y el que sustituyó a su mentor durante las Crisis en Tierras Infinitas como Flash después de su muerte. Wally West siempre fue un muchacho

cias de muchos personajes al principio, los cambios de las relaciones interpersonales entre otros y el cambio de raza del que fuera el sustituto de Barry Allen como Corredor Escarlata durante las Crisis en Tierras Infinitas. Barry ya no está casado con Iris West, si no que mantiene una relación con una compañera de trabajo: Patty Spivot; y la ausencia de toda la “familia Flash” se ha ido compensando según avanzaba la serie, pero aún hoy faltan por aparecer personajes que le hagan recuperar el tono anterior al relanzamiento.

Pero los aficionados de todo el mundo, en su inmensa mayoría, aullaron de indignación ante el cambio de raza de Wally West, el sobrino de Iris West y el que sustituyó a su mentor durante las Crisis en Tierras Infinitas como Flash después de su muerte. Wally West siempre fue un muchacho de raza caucásica y pelirrojo, pero en la actualidad, después de dos años de incertidumbre y a la espera de que apareciesen detalles en la propia serie televisiva de Flash, se desveló que Wally West en los Nuevos 52 era un personaje afroamericano. Apodado por las páginas web especializadas como el “Wally West Políticamente Correcto”, este movimiento ha sido producido no por la inminente aparición de una familia West de raza afroamericana en la serie televisiva, si no por la escasa cantidad de superhéroes de raza negra en los cómics de la editorial DC, según los propios directivos.

Polémicas aparte, vamos a enfocarnos directamente en una evaluación general de todos los números lanzados en Estados Unidos hasta el mes de agosto del presente año, ya que el mes de septiembre sirve para dar un parón a las tramas de todas las colecciones, conmemorando en números especiales el relanzamiento de este nuevo universo DC. Mientras que la serie presenta nuevamente a muchos de los personajes que un lector novel no podría reconocer, algunas de las situaciones son exactamente iguales a cómo las dejó la trama previa a Flashpoint, por ejemplo, dejando al Capitán Frío en la

prisión de Iron Heights. Sin embargo, algunas de estas tramas se entrelazan demasiadas veces, dejando al lector de vez en cuando enredado alrededor de una gran marabunta de tramas que parece resolver, en cierto modo, el Flash Reverso. El peor aspecto, quizás, de esta nueva etapa es el abuso de los viajes temporales que se están viendo en los últimos números, con el fin de que la trama de la serie adquiera algún atractivo para los lectores.

Tras la etapa de Francis Manapul, Brian Buccellato se ha unido al guionista Christos Gage y a los dibujantes Agustín Padilla, Neil Googe y Patrick Zircher para continuar con las historias del Corredor Escarlata. Y recordad que, mientras esperáis de una semana a otra a que se estrene un nuevo capítulo de la serie de Flash, la serie regular la podréis encontrar en el catálogo de ECC Ediciones en edición tomo de encuadernación rústica.

MIGEL DE ANDRES BAYÓN

PIN UP INTEGRAL COMIC EUROPEO-NORMA EDITORIAL- Yann y Berthet ¿Qué es Pin-up? Es posible, que al encontrar este cómic de Berthet y Yann creamos que es una simple historia de sensualidad y moda, pero al abrir sus páginas nos encontraremos en medio de la guerra y una mujer que hará lo imposible para sobrevivir en una época dura. Belleza, poder y mucha acción se entremezclan en este cómic.

Philippe Berthet es un artista de pin-ups y comics de Francia, con un estilo muy particular, tradicional y vintage. El estilo pinup es un tipo de ilustración que muestra a una chica en actitud sugerente que no llega a considerarse pornográfico.

por un rato más amena la difícil situación que vivían atormentados por la amenaza de la muerte. Muchos pilotos, incluso bautizaban sus aviones o incluso las bombas, con el nombre y la imagen de una chica pin-up.

Estas imágenes, suelen figurar en las portadas de revistas, cómic-books o calendarios entre otros. A las modelos que posan para estas obras se las denomina pin-up girls o cheesecake (pastel de queso). El uso de cheesecake se popularizó en los años 20 con la frase (refiriéndose a una mujer guapa) better than a cheesecake (mejor que un pastel de queso).

Es así como Berthet se asoció con el guionista Yann Le Peletier. La unión de tales talentos sólo podía dar como resultado este magnífica historia, que ahora ha sido recopilado por Norma Editorial en un integral. La mezcla de historias bélicas, pasiones, glamour y género negro, erotismo y mafia, espionaje y política ficción, chantaje y asesinato, hacen que esta historia te embelese desde la primera parte.

¿Y qué tienen que ver con la guerra? Pues, estas mujeres exuberantes, de preciosas curvas y sonrisa pícara, se adentraban en los sueños de los soldados haciendo

Entre sus páginas, aborda la imagen de la mujer a través del deseo y las fantasías de los hombres. Su protagonista, Dottie, se

ve enfrascada en la vida de varios hombres a raíz de su belleza, su inteligencia y su carácter.

La historia, se ve centrada en la vida de Dottie en tres momentos importantes de la historia de EEUU. La Guerra del pacífico y la posterior postguerra, la Guerra Fría y la fundación y desarrollo de Las Vegas.

La primera parte de esta trilogía, coloca a una joven Dorothy en una situación extrema donde deberá escoger la manera de sobrevivir cuando su novio, Joe, es enviado a la guerra. De ser acomodadora de cine, a vender cigarillos en el Yo-yo club y terminar como modelo de cómic patriótico, Poison Ivy. Además de posar como modelo cheese-cake o incluso en sesiones de sadomasoquismo y bondage.

Mientras, los hombres mezclarán sus vidas con la fantasía de Poison Ivy y la real Dottie. Por un lado su novio Joe, se obsesiona con el personaje de Poison Ivy, con los rasgos y el tatuaje de su novia. Por otro lado, Dottie sufre el acoso del dibujante creador de Poison Ivy, Milton. Y un tercer y enfermizo enamorado surge en la figura del obsesivo Earl, piloto del avión “Virgin Dottie”, llamado así por llevar la imagen de nuestra protagonista.

Todos ellos sufrirán las diferentes consecuencias de una relación desencadenada al fracaso con una mujer que la guerra ha marcado y ha cambiado por completo en su vida. Un rasgo particular de la trama son las tiras de Poiston Ivy, que se entienden como un objeto físico que forma parte del argumento. Están diseñadas con tal detallismo que se pueden leer los textos y apreciar los dibujos. Algunas de ellas retratan la aparición de algún rostro histórico como el del emperador de Japón Hiro Hito.

La segunda trilogía está ambientada en un caso real de la guerra fría, entre los años 1960 y 1962. Tras su tormentoso romance, Dottie se casará con un piloto, Gary Powers, que es capturado por ser un espía estadounidense en el espacio aéreo de la URSS.

Tras tal descubrimiento, Poison Ivy deberá volver a la acción. El excéntrico magnate Howard Hughes, “El Fantasma”, tienen intención de dirigir una nueva película y necesita a Dothie para que la protagonice Poison Ivy. El magnate usará el chantaje para presionar a Dottie asegurándole que conseguirá que dejen libre a su marido.

En el relato Howard Hugues está obsesionado con el personaje de Poison Ivy. Posiblemente, los autores querían representar la obsesión fetichista, en la vida real, del magnate hacia la actriz Jane Russell.

Dottie decidirá investigar la desaparición de la protagonista Schizo, Grace McGuffin, cuando la noche anterior a la noticia tropieza con ella aterrorizada y herida en un lugar inhóspito.

Cuando intenta hablarlo con Alfred Hitchcock, director de la película, este le persuadirá para que remplace a la actriz si quiere seguir investigando la desaparición. Aunque la vida de un detective es fácil encontrarse en peligro, puede que esta vez a Dottie la suerte le sonría.

Finalmente, una bilogía nos lleva hasta las Vegas, concretamente al casino Flamingo.

Escapando de los problemas que le persiguen, Dottie empieza a trabajar como fisonominista en el casino. Capaz de reconocer a diez mil jugadores y poner nombre a la mitad de ellos.

Pero como siempre, un giro en su vida le hará entrar en el corazón del imperio Playboy. Hugh Hefner tiene la intención de abrir un casino independiente de Playboy y la contrata al mando del negocio. El resto de casinos y el grupo feminista no están de acuerdo con ello y pretenden hacer algo al respecto ¿Qué hará Dottie está vez tras huir de su pasado? La mafia de las Vegas puede ser muy peligrosa.

Entre los problemas que acarrean el nuevo casino de Playboy y sus antiguos compañeros de Flamingo, Dottie decide escapar cogiendo un vuelo a Hawái. Allí intenta sobrevivir capturando serpientes marinas cuyo venenos los laboratorios quieren, pero los problemas llegarán a perseguirla hasta allí. Mientras los fantasmas de Las Vegas le persiguen, Dottie conocerá la cultura de la tribu canaco y el extraño hobbie del doctor Fukushi, su colección de pieles tatuadas.

El desenlace de la trama de las Vegas que termina en Hawái, le hace posible a Dottie volver a su hogar y terminara en el mundo de Hollywood. Allí Dorothy trabajará de asistente de un detective privado. Pero

A lo largo del hilo argumental, la protagonista se va encontrando con personajes fundamentales de la historia. Cabe destacar, antes que al resto, que Berthet y Yanin mezclan historias bélicas y glamour en un homenaje a la chica pin-up por excelencia, Betty Page, y al dibujante de cómic clásico de las tiras en tiempos de guerra, Milton Caniff.

La historia es en parte una recreación de la vida de la modelo Betty Page. Se vio

arrastrada al mundo del cheesecake. Fue una de las Playmates del año para la revista Playboy. Desde 1952 hasta 1957 posó para el fotógrafo Irving Klaw con temática pin-up, bondage o sadomasoquista.

Su primer esposo, Billy Neal, volvía de la guerra en el Pacífico Sur.

tar invitados en la segunda parte. Aparecen Gary Powers, Howard Hugues, Kennedy, Eisenhower y Nixon, una estatua de Trotsky y la inquietante figura de Lee Harvey Oswald, que responde al nombre de Likhoi (trascripción fonética cirílica de sus iniciales latinas).

Estas son algunas de las similitudes de la vida de la gran modelo pin-up con la historia de Bettie. Mientras que por otro lado, el personaje de Milton, un artista encargado de dibujar una tira para levantar la moral de las tropas durante la segunda

Probablemente el mejor de todos los cameos, sea la presencia del actor Robert Mitchum, compañero de Dottie en el film de Hughes, en el que interpreta al capitán de marines Lovehate (guiño al lector sobre el mejor film de “Mitch”, La noche del cazador, de 1955).

Mientras que en las Vegas, nos encontramos con el Porsche 356A Speedster (el mismo con el que se mató James Dean) Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. Hugh Hefner y las playmates. Además de La mafia de Las Vegas: Gus Greenbaum , Bugsy Siegel , y la amante de éste, Virginia Colina Y en su huida a Hawai conoceremos los macabros hobbies del doctor Fukushi.

Para finalizar su obra, en su vuelta a su hogar, Dottie se codeará con directores de cine y actrices. Entre ellos el director de cine Alfred Hitchcock o Norman Bates , el legendario personaje de la película Psycho.

Ficción y realidad se entremezclan de una manera sublime, consiguiendo darle la cantidad perfecta de ambas para convertir este álbum en una obra maestra.

Pin-up integral de Norma Editorial es una obra que te traslada a la interesante vida de una mujer en los lugares y momentos más impactantes del siglo XX.

Guerra Mundial, es un homenaje a Milton Caniff.

Por otro lado, los tres tramas están llenas de personajes emblemáticos y reales de la historia de América. En la primera parte nos encontramos con celebridades como John F. Kennedy, Joseph McArthur, Irving Klaw, y Weegee. También se comentarán estas apariciones en situaciones posteriores.

Los personajes históricos vuelven a es-

¿Quién era la verdadera Dorothy Parker?

JUDITH HIDALGO PIS

Entrevista con Rocio Parra Sánchez, dibujante y miembro de Twist Comis. ¿QUÉ ES TWIST CÓMICS? TWIST COMICS es una página de web donde ofrecemos cómics digitales originales que se podrán encontrar sólo en este sitio web: www.twistcomics.com En la página web de TWIST COMICS cada semana se publica una historia corta que se podrá leer gratuitamente por tiempo limitado durante cuatro semanas. Estas historias serán totalmente auto conclusivas y cada semana variarán radicalmente de género, tono y estilo de dibujo.

A partir de ahora intentaremos que cada mes se publiquen cómics largos exclusivamente de pago de dos tipos: 1.-Algunos serán historias originales de mayor duración no disponibles gratuitamente, como la mini serie de ciencia ficción “IE” que ya se puede comprar en nuestra web.

2.-Otros cómics serán recopilatorios temáticos de las historias cortas gratuitas que hayan sido publicadas previamente en la página web de TWIST COMICS, como “Twisted Love” que es una antología de historias románticas, y que ya tenemos disponible a la venta. ¿QUIÉN ES EL IDEÓLOGO DE TODO ESTO Y COMO OS PONÉIS EN CONTACTO CON ÉL? El creador y responsable de este ambicioso proyecto es Fernando Verniere. Fernando es realizador y guionista audiovisual que recientemente ha terminado su primer largometraje documental “Los veteranos de la tercera escuadrilla de moscas”, además ser un premiado director de cortometrajes. Twist Comics es su primer proyecto de comic.

Antes de lanzar la web, Fernando fue quien se puso en contacto por primera vez con muchos de nosotros para ver si nos uníamos a esta iniciativa, buscándonos a través del Deviant Art, Facebook y blogs. Ahora que la web ya está en marcha muchos dibujantes, guionistas y traductores nos escriben para colaborar en Twist Comics. ¡Si alguien está interesado, sólo tiene que escribir a twistcomicscontact@ gmail.com! ¿CREÉIS QUE ES UNA BUENA FORMA DE ABRIROS CAMINO ENTRE TANTAS PODEROSAS EDITORIALES? Internet es la herramienta más fantástica inventada en las últimas décadas, porque pone en contacto directo a los creadores con sus lectores sin ningún tipo de intermediarios, pudiendo ofrecer contenidos sin ningún tipo de

censura ni filtros que a veces son “el pago” de publicar con una editorial grande. Así que para empezar claro que creo que es la mejor forma, aunque por otro lado existe el hándicap de depender de las redes sociales y de la difusión para hacernos escuchar. ¡Pero en ello estamos! Ya nos conoce mucha gente. ¿QUÉ TIPO DE CÓMICS COMPONEN EL CATÁLOGO DE TWIST CÓMICS? Pues procuramos ser lo más eclécticos posible, tanto en estilo como en temáticas, tocamos todos los géneros en nuestros comics cortos gratuitos, que por ahora en su mayoría están escritos por Fernando. En nuestros cómics episódicos ofrecemos algunos que son medievales fantásticos, como “Ev´scera”, que saldrá próximamente ilustrado por Deverik o “Azoth el Norteño” de Raúl Blasco Velasco. También tenemos cómics de humor como “Freaks.0” dibujados por María Aurora Rodríguez, o las futuras tiras cómicas “El Puto Amo” dibujadas por Víctor Martínez. Tampoco faltan cómics

realistas y de crítica social, como mis personajes llamados “Los macarras”, de los que ya se publicó un capítulo, “Mañana busco curro”, y que tendrán su secuela en el futuro.

UN CATÁLOGO GRATUITO JUNTO A UNO DE PAGO ¿CREÉIS QUE ES UNA BUENA MANERA DE ABRIROS PASE? Ninguno de los artistas que estamos creando historias en Twist Comics somos conocidos, así que nos parece que no sólo es lógico, sino que también es necesario, ofrecer comics gratuitos para que nuestros lectores comprueben que hacemos comics de calidad. ¡Si ellos opinan que lo merecemos, seguro que serán lectores de nuestros cómics de pago! ¿ESTÁ FUNCIONANDO? Pues poco a poco vamos consiguiendo más ventas además de ser más conocidos y ga-

nando lectores en nuestros comics gratuitos.

Eso, en estos primeros meses de andadura, es lo más importante. ¿CONSIDERÁIS EN TWIST CÓMICS QUE EL MUNDO DEL CÓMIC FÍSICO TIENE LOS DÍAS CONTADOS? El comic físico siempre estará ahí y ojalá no desaparezca, de hecho la mayoría de la gente que colaboramos en Twist Comics tenemos la ilusión de poder publicar en el papel alguna vez. Pero sin un grupo editorial que apoye esta iniciativa el hecho de poder auto-publicar en la red y en varios idiomas es la mejor forma de maximizar los beneficios: no hay gastos de impresión, ni de papel y literalmente podemos llegar a todo el mundo. El último ejemplo de gran éxito de un webcomic es el de Panel Syndicate de Vaughan y Martin, que en con 8 números publicados ya han tenido más de un millón de descargas y de ganancias. Estoy segura de que Twist Comics, con el tiempo, llegará a ser muy exitosa, y podremos vender cómics digitalmente e impresos.

¿CUÁL ES VUESTRA OBRA ESTRELLA? ¿Y LA QUE MÁS TE GUSTA? En mi opinión tenemos una “galaxia de estrellas”, hay muchas obras buenas, tal vez por sondeo general diría que la más aplaudida ha sido “Abel”, dibujada por Nil Vendrel. Sin embargo, no podemos olvidar el trabajo de Juan Fioramonti, que es el dibujante que más páginas tiene dibujadas para Twist Comics con su miniserie de dos números de ciencia ficción y aventuras llamada “IE” y muchas historias cortas. Y sé que Fernando se está volcando en una nueva tira cómica que tiene lugar en una escuela de monstruos y villanos de Sitges que ha creado con Benjamín Pitarch y Gonçal Beneito. Estoy segura que dará mucho que hablar.

La que más me ha gustado a mí ha sido la

primera historia corta que se publicó, “No voy a rendirme” dibujada por Bruno G. Valencia.

Su tratamiento del color me parece precioso, y la historia me parece sutil y a la vez con un mensaje fuerte y positivo.

CUÉNTANOS ALGO QUE OS DEPARARÁ EL FUTURO. En un futuro muy próximo Twist Comics ofrecerá algunas novedades en cuanto a formato y género se refiere. Como adelantaba antes, se introducirán tiras cómicas en nuestro catálogo, y por otro lado, Fernando y yo estamos preparando una línea de cuentos infantiles.

Pensamos que hay que llegar a todo tipo de público, ¡y no nos podemos olvidar de los niños! Ya tenemos preparado el que será el primer cuento corto gratuito en Twist, un cuento sobre las estaciones del año, y estamos cociendo algo mucho más largo, que saldrá directamente de pago, que tratará el mundo de las sirenas.

En cuanto al futuro de Twist Comics a una escala más amplia, pienso que es una gran iniciativa. Ya está dando de qué hablar, y lo seguirá haciendo. Cada vez somos más conocidos, y creo que en el futuro acabaremos siendo un referente del cómic digital. Hay mucho talento y muchas ganas por parte de muchos colaboradores, y creo que eso solo nos puede traer cosas positivas. Además, cada vez nuestro equipo se agranda más y más. ¡Ya superamos las 50 personas! Yo, personalmente, creo 100% en esto, y estoy haciendo todo lo que está en mi mano para que sea el éxito que merece ser.

ALGO PERSONAL ROCÍO, ¿CÓMIC (FUERA DE TWIST CÓMICS) PREFERIDO, PERSONAJE Y AUTOR? Tengo que reconocer que mi cultura del cómic no es demasiado amplia. Siempre he sido aficionada al dibujo, pero soy lectora reciente de cómics, he sido mucho más fan del mundo de la animación durante años y me he enganchado a los cómics hace relativamente poco (¡Estoy intentando ponerme al día y no ser una hereje!) Sin embargo, puedo decir que el último cómic que me estoy leyendo, Promethea de Alan Moore y JH Williams, pinta convertirse en mi favorito y también sus autores, aunque no me olvido de Neil Gaiman. Respecto a personaje favorito, pues siempre me cuesta mojarme con estas cosas, pero Sandman se lleva bastantes puntos. No soy muy de super héroes, pero si tuviera que elegir, me quedo con Batman.

Una flecha en la oscuridad Un relato de Juan V. Martínez

Mi nombre es Oliver Queen. Durante cinco años estuve atrapado en una isla, allí me convertí en algo más. Ahora he vuelto a Starling City, mi ciudad, para combatir el crimen. Me conocen como Arrow, el justiciero.

Corro en la oscuridad, rápido y silencioso. Salto de edificio en edificio, de cornisa en cornisa.

Laurel ha sido secuestrada y piden un sustancioso rescate para liberarla. Como abogada del fiscal del distrito se ha puesto en el punto de mira y ha acabado quemándose. Cojo el móvil y marco el número del escondite.

—¿Felicity, has encontrado algo?

—Estoy revisando la grabación donde Laurel lee el comunicado en el que se especifica el rescate. Estoy aislando el ruido de fondo, Diggle cree reconocer algo.

—Por favor, date prisa, Laurel está en peligro.

—Oliver, soy Diggle. Creo que el ruido de fondo son campanas. Hay dos iglesias en Starling City.

Una está en los muelles y otra en el centro.

—Muy bien Diggle. Estoy más cerca del centro.

Tú ve a la de los muelles.

—Recibido. Suerte Oliver.

Cuelgo. Respiro hondo y vuelvo a correr. Disparo una flecha con cuerda y cruzo en tirolina al edificio de enfrente. A lo lejos veo el campanario de la primera iglesia de Starling City, majestuosa con su cúpula de cristal y su reloj. Permanezco en la penumbra agachado, escuchando.

Cojo los prismáticos y reviso la fachada de los edificios cercanos. Todo parece tranquilo. Centro mi atención en un par de hombres que me dan mala espina. Parece que montan guardia cerca de la entrada de una fábrica abandonada. Me acerco más. Disparo una flecha con micro incorporado y consigo clavarla cerca sin que se den cuenta. Me coloco el auricular y escucho.

No hay duda, ella está dentro, en alguna parte de la fábrica. Salto a la fachada por la parte de atrás y me cuelo por una ventana rota. Avanzo poco a poco sin hacer ruido. La oscuridad me impide ver con claridad. Tengo que ir con calma, no puedo permitirme ningún error. Veo una sombra, un hombre armado cruza delante de mí sin percatarse de mi presencia, grave error. Salto a su espalda y le rompo el cuello. No tengo tiempo para tonterías. Sigo avanzando. Llego a la parte central del almacén, está llena de estanterías donde apilan lo que parecen cajas de bebidas. Parece que el local lo dedican al contrabando. Eso es raro… ¿Por qué unos contrabandistas iban a secuestrarla?

Ruido de motor. La persiana eléctrica sube chirriando. Entra una furgoneta negra. Aparca en

medio del almacén. Se bajan dos personas, van armadas. El conductor permanece al volante con el motor en marcha. Abren la parte trasera de la furgoneta y sacan más cajas. Estoy cansado de esperar. Doy un salto mientras preparo una flecha flash, la disparo antes de llegar al suelo y me tapo los ojos. Los gritos de dolor de los dos tipos me indican que la flecha ha logrado su cometido. Me abalanzo sobre ellos. Al primero lo dejo inconsciente de un golpe en la carótida y al otro le parto una pierna de un barrido. El conductor acelera hacia mí. Le disparo una flecha a través del parabrisas y me lanzo a un lado. La furgoneta choca contra la pared.

Ato al tipo inconsciente a una silla y me preparo para el interrogatorio. Lo despierto de un puñetazo, mueve la cabeza hacia los lados, aturdido.

Perfecto, es lo que necesito. Le cojo del cuello y le grito a la cara.

—¿Dónde está la chica?

—¿Qué chica? Tío, aquí solo guardamos el contrabando. No sé nada de ninguna chica.

Le golpeo y lo dejo inconsciente. Registro el almacén. Nada, ni rastro de Laurel.

Llamo a Diggle.

—Oliver. La iglesia de los muelles y alrededores está limpia.

—Aquí tampoco está. Nos hemos equivocado en algo. Vuelve al escondite y revisemos las pruebas.

Regreso al escondite con las manos vacías.

Entro y me quito la capucha. Felicity está enfrascada con los ordenadores, cotejando todas las imágenes del video a la caza de alguna pista.

—¿Cómo vas? —Felicity se gira y me mira con cara angustiada. —Mal. No encuentro nada para triangular un lugar.

—Muy bien. Solo nos queda una opción. Tenemos que ir al lugar donde se producirá el intercambio.

—Eso será en la plaza principal.

—Diggle, has vuelto. Perfecto. Planifiquemos la operación. Tú te apostarás con el coche cerca de la entrada principal que da a la plaza. Yo esperare en la azotea del edificio de Queen Consolidated.

—Oliver, sé que quieres salvar a Laurel a toda costa, así que si el intercambio se produce satisfactoriamente deberíamos seguirlos hasta su guarida y detenerlos allí. No podemos armar barullo en la misma plaza y arriesgarnos a que alguien salga herido.

—Muy bien. Felicity, prepárame una flecha con punta GPS. Se la clavaré al vehículo que usen para la huida y así los podremos seguir.

Noche cerrada. Me encuentro en la azotea de Queen Consolidated. Desde aquí puedo ver toda la plaza. Diggle está en posición y listo. Abajo en la plaza el detective Lance, padre de Laurel, está preparado para hacer el intercambio. Un millón de dólares, poco para lo que se arriesgan. Me parece raro, pero ya tendré tiempo de pensar en ello. Faltan cinco minutos para la hora acordada.

—Felicity, ¿algo en el circuito cerrado de la ciudad?

—De momento todo tranquilo. El tráfico es normal y no veo nada raro. Espera, un vehículo ha girado contra dirección y va a entrar a la plaza.

—Lo veo. Diggle, va a pasar junto a ti ahora mismo.

—Recibido. Tengo la matricula: Th100. Felicity, búscala en la base de datos de tráfico.

—Estoy en ello. No concuerda con ningún vehículo registrado.

—Muy bien. Todos en posición. En cuanto tenga el vehículo a tiro le clavaré la flecha en el techo.

El vehículo apaga las luces y se acerca al detective. Se detiene a pocos metros sin apagar el motor.

Me concentro.

La puerta trasera izquierda se abre y baja un hombre. Va armado con un rifle. Cierra la puerta y se dirige a la parte de atrás. Abre el maletero.

—Diggle, no veo nada. ¿Qué hay en el maletero?

—Un momento Oliver, no te pongas nervioso.

Veo a Diggle asomar la cabeza y mirar por sus prismáticos. Antes de que pueda contestarme veo al hombre armado salir de detrás del vehiculo con una persona. Lleva una capucha tapándole la cabeza y las manos atadas a la espalda.

Espero….

Lance hace un gesto con la bolsa del dinero. El hombre le dice que tire la bolsa hacia su posición. El detective insiste en que primero le quite la capucha a la persona retenida para comprobar que sea Laurel. Aprieto los dientes mientras le quita la capucha de un tirón. ¡Sí, es ella!

El detective lanza la bolsa más allá de la espalda del hombre, que le da un empujón a Laurel y la tira al suelo a la vez que la aparta. Se gira y coge la bolsa. El conductor enciende las luces del coche y ciega al detective Lance, pero no a mí.

Cierro los ojos, cojo la flecha, respiro hondo, abro los ojos, disparo la flecha.

Queda clavada en el techo justo cuando el vehículo sale a toda velocidad. En el mismo momento que pasa por delante de Diggle éste arranca y comienza el seguimiento. El GPS funciona a la perfección. Echo un vistazo. Laurel está a salvo, con su padre. Ya tendré tiempo para ir a ver cómo está cuando vuelva a ser Oliver. Ahora es Arrow el que tiene que actuar.

Bajo del tejado y cojo la moto. Unos cien kilómetros después encuentro a Diggle en un cruce.

—Han entrado en ese almacén que se ve al fondo. Es camino único y no tiene salida.

—Muy bien Digg, a partir de aquí me encargo yo. Tú cubre la salida y si alguien se escapa cázalo.

—Ok Oliver. Ves con cuidado.

Me acerco silenciosamente pegado a la pared del almacén. El coche con el GPS clavado está en la entrada. Dentro no hay nadie. Trepo al techo por una tubería y me asomo al interior por el tragaluz.

Oscuridad.

Dejo caer una cuerda y me deslizo al interior.

Una música se escucha cerca. La melodía me es familiar. Veo un hilo de luz en el suelo, parece que sale de una puerta. Me acerco. Saco una flecha y la tenso en el arco.

Le doy una patada a la puerta y entro.

Nada…

La habitación está vacía. Solo hay una mesa en el centro. En ella hay una minicadena con la música puesta. En la pared un mensaje dirigido a mí, Arrow.

Hoy tus amigos. Mañana serás tú.

Alguien sabe quién soy y va a por mí. Esta vez me ha pillado por sorpresa. Pero mañana estaré preparado.

-INSURGENTEVerónica Roth Nº de páginas: 464 págs.

Encuadernación: Tapa blanda Editoral: MOLINO Lengua: CASTELLANO ISBN: 9788427203181

Una sola opción puede transformarte, o te puede destruir, pero siempre tiene consecuencias.

Con la oleada de disturbios en las distintas facciones, Tris deberá asegurarse de proteger a los que ama, mientras se enfrenta a inquietantes preguntas sobre la culpabilidad, el perdón, la identidad, la lealtad, la política y el amor. El día de lainiciación de Tris debería haber sido una celebración de la facción elegida, en cambio, el día terminó con un gran problema. El conflicto entre las facciones se intensifica y las ideologías se enfrentan. En tiempos de guerra, se eligen líderes y los secretos afloran& cada decisión tiene mayores consecuencias más potentes.

Para los que ya os habéis leído la primera parte, seguiremos tras la matanza de los de abnegación llevado a cabo por Jeanine de erudición a través del control mental de los de osadía.

Marca un antes y un después en Tris, que tras la muerte de sus padres y el haber tenido que matar a su amigo Will, cambia su actitud ante la vida, ya no le importa si vive o muere, y eso determina sus acciones durante todo el libro.

Hago un impás (palabra que no aparece en la real academia de la lengua pero que seguro que todos sabéis que significa), y os comento que estuve viendo la peli de Divergente, y quitando un par de cosillas, no aparece Edward, tris y cristina parecen haberse intercambiado los papeles, en el libro Tris en menuda y Cristina es más bien grandota, en la peli es al revés, se ve una menuda Cristina y una Tris bastante atlética. Pero por lo demás la trama es bastante fiel al libro. Os lo recomiendo.

Si os gusto el primer libro os recomiendo leer los otros dos. Es una distopía, como las que

ZONA DE L

están de moda últimamente, pero me ha gustado bastante. La recomiendo leer. Amena, fácil de seguir y bastante estudiada.

El primer libro trata de la narración de una sociedad y su estructura, y como a lo largo del libro se ve que ha llegado a un punto en el cual deja de ser útil.

El segundo libro es una rebelión contra esta sociedad de facciones, hay que destruirla ya que no funciona realmente. Se dan cuenta de que una persona no es solo de una facción, puede tener mezcla de varias, que es lo que ellos llaman divergentes. En este libro toman importancia los sin facción,y al mando de ellos una verdadera sorpresa para Tobias (lo dejo en el aire), conseguirán llevar a término sus propósitos, buenos o malos, depende de con que ojo se mire.

Y el tercer libro, del que hablaremos más adelante, trata de la construcción de una nueva sociedad basada en la anterior pero con novedades para que pueda funcionar de una nueva forma.

EL RINCÓN DE DISIDRA

-LEALVerónica Roth Nº de páginas: 496 págs.

Encuadernación: Tapa blanda Editoral: MOLINO Lengua: CASTELLANO ISBN: 9788427206861

Una sola elección te define. La sociedad dividida en facciones en la que antes creía Tris Prior ha quedado hecha pedazos, fracturada por la violencia y las luchas de poder, y marcada por la traición. Así que, cuando tiene la oportunidad de explorar el mundo más allá de los límites que siempre ha conocido, Tris está más que dispuesta. Puede que, al otro lado de lavalla, Tobias y ella descubran una nueva vida juntos más sencilla, libre de mentiras, lealtades confusas y recuerdos dolorosos. Sin embargo, la nueva realidad de Tris es aún más inquietante que la que ha dejado atrás. Lo que creían haber descubierto deja de tener sentido. Surgen verdades explosivas que hacen cambiar de opinión a sus seres queridos.

LECTURA

Jeanine ha muerto, un mal bicho menos en el mundo. Al cargo de el nuevo mundo queda Evelyn (la madre de Tobías), jefa de los sin facción. Las facciones están destruidas, aunque se están formando nuevas, ya que no a todos les gusta esto de no tener facción, queramos o no, a la gente no les gustan los cambios, y este es demasiado grande como para aceptarlo.

Tris, Tobías y algunos más, deciden ver que hay más allá de las murallas de su ciudad.

Aquí recluidos con lo que parece ser la tiranía de Evelyn las cosas no están funcionando.

En este libro se descubre el porqué de las facciones, sus secretos más oscuros, sus mentiras…

Quien se iba a imaginar lo que iban a encontrar fuera de las murallas,…NO SIGAS LEYENDO…que te voy a destripar un poco el libro, pero es que a mí me ha parecido como una especie de gran hermano que todo lo ve, todo lo sabe y todo lo controla, sin intervenir ni hacer nada para remediar las matanzas como las que hubo contra abnegación.

La verdad es que la trilogía me ha gustado mucho, pero ¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡ SPOILERRRRRR!!!!!!!!!!!!!! ….si te gustan los finales felices no te leas las ultimas 20 páginas, soy persona de finales felices y las ultimas 20 páginas me han amargado la trilogía. Algunas personas dirán que es un buen final, que se veían que iba a terminar así, pero que quieres que te diga, a mi no me ha gustado, ¡te odio Verónica Roth! (la autora del libro).

Este libro tiene dos protagonistas, así como en los demás el narrador siempre era Tris, en este los son Tobías y Tris, aunque la autora en cada párrafo va poniendo quien es el narrador, menos mal, que si no te haces la pixa un lio.

Después de esta trilogía, la autora ha sacado un cuarto libro, que es el primer libro pero siendo el narrador Tobías, el libro se llamara Cuatro (tiene previsto salir a finales de septiembre). Es algo muy de moda. Como he tenido éxito con la trilogía pues la vuelvo a escribir

desde el punto de vista del otro prota, véase sol de medianoche (que es crepúsculo visto desde Edward, aunque la autora se cabrease y al final no saliese, y un montón de fanpics de 50 sombras que he visto escritos desde el punto de vista de Christian. Más de lo mismo pero contado desde otro punto de vista. Mola si te has quedado con las ganas de más.

Y hasta aquí puedo leer que si no os destripo todo el libro. Mi nota hasta las últimas 20 páginas estaba siendo de un 8, pero con ese final lo he bajado a un 5, jejeje que mala que soy.

EL RINCÓN DE DISIDRA

-EL OCASO DE LOS ÁNGELESAlberto Santos Nº de páginas: 256 págs.

Encuadernación: Tapa blanda Editoral: PLAN B Lengua: CASTELLANO ISBN: 9788415238379

Un ángel caído. Un amor eterno. La batalla final se acerca... Tras la muerte de Osiriel, el más poderoso de los ángeles, se desata una guerra entre sus hijos: Samael y Mikael. Un conflicto que se remonta siglos atrás en el tiempo, hasta un oscuro y remoto pasado de sangre, alianzas, traiciones y pasión. Uriel, uno de los Si ete Príncipes, se niega a tomar partido por ninguna facción. Durante milenios, ambos bandos han manipulado a los humanos a su antojo, involucrándoles en sus luchas fraticidas, utilizándolos como simples peones.

Ya como el propio nombre dice, es una historia de ángeles. Bajo el pseudónimo de Vael Zamón, el autor ha hecho una historia sobre la ya milenaria guerra santa entre los dos bandos de ángeles que están a favor del reino de los cielos y el del ángel caído. Pero bajo esa premisa tan trillada tanto en la literatura como en el cine, el autor le ha dado un punto de vista más fresco y fantástico.

La historia se desarrolla en una mega ciudad llamada Neo-Babylon cuyas descripciones de lugares dan una fuerte sensación de estar en un futuro distópico donde los ángeles viven entre los humanos. Habla de la eterna guerra entre dos hermanos Samael (el ángel caído o Satanás) y Michael donde ambos intentan que vayan a su lado el máximo número de arcángeles para ganar la siguiente y definitiva batalla entre ambos. La historia precisamente se sitúa justo al final de la tregua entre ambos después de recuperarse de las heridas sufridas en la anterior gran batalla. Aunque habla desde el punto de vista de los distintos personajes, se ve que el protagonista es el arcángel Uriel, que vive como asesino a sueldo intentando no decantarse por ninguno de los dos bandos, y se va encontrando con arcángeles y otros aliados de alguno de ambos bandos y constantemente intentan atraerle a su propio bando. También hay personajes que cambian de bando o son espías y muestran su verdadero bando durante el desarrollo de la historia dando lugar a giros argumentales bastante interesantes. Cabe destacar que en una parte de la novela, uno de los personajes viaja al infierno y el autor describe su propia versión del infierno de La Divina Comedia de Dante Alighieri.

El tipo de narración es muy variada, hay narración en primera y tercera persona según la historia. Los capítulos se dividen por cantos y actos. La redacción es un poco densa en lo referente al uso del lenguaje y de palabras de un rico vocabulario. En toda la obra también hay referencias culturales a distintas culturas durante la historia de la humanidad dándole su propia lectura de la biblia adaptándola a los ángeles de la novela. Al final del libro, en un apéndice, el autor explica una a una cada referencia cultural o histórica utilizada, la verdad es que es para releer el libro acudiendo al apéndice para enriquecer aún más la lectura.

Durante la novela, el lector va intuyendo cómo va a ser el final, pero lejos de ello, hay varios giros argumentales justo antes de acabar que sorprenden bastante. Aún así, el final parece no llegar, incluso cuando el lector ve que se va quedando sin páginas y parece no llegar nunca el final, éste llega en pocas páginas. Habrá a quien le guste un final rápido e impactante o quien prefiera algo un poco más elaborado, eso ya queda a gusto de cada lector.

En definitiva, una lectura muy recomendable donde los ángeles y la mitología cristiana tie-

nen una lectura completamente novedosa a lo ya visto anteriormente donde el autor le da un toque personal bastante interesante. Hay pasajes que si para un cristiano creyente pueda parecer incluso blasfemo.

JUAN CARLOS MARTÍNEZ ÁLVAREZ

TOP 3 MÁS VENDIDOS: -1EL UMBRAL DE LA ETERNIDAD KEN FOLLETT -1ADULTERIO PAULO COELHO -3ASI EMPIEZA LO MALO JAVIER MARIAS

Hace un par de meses nuestra amiga Carmen de editorial Kelonia nos hablo de un autor al que iban a editar, en principio reeditarían una versión de su primera novela, auto publicada y de gran éxito dentro de los círculos alternativos literarios españoles y la segunda parte de la misma. Hoy ya es una realidad, hablamos de Carlos J. Lluch y de su obra Ciudad Humana y Ciudad Humana 2: Caos.

Nosolofreak en su afán por apostar por gente novel y con un futuro mas que interesante dentro del género fantástico, hoy se acercará a la figura de este escritor cartagenero que nos ha concedido esta entrevista.

En primer lugar con tus propias palabras ¿Quién es Carlos J Lluch?

-

Lo primero agradeceros que hayáis pensado en mí, invitándome a realizar esta entrevista. Respecto a la pregunta, ¿qué quieres que

te diga? Pues soy una persona normal y corriente, optimista, con ilusión por entretener con mis historias y poco más.

- Carlos, preséntanos tu obra Ciudad humana y Ciudad humana 2: Caos.

- Ciudad Humana nació de un relato corto de apenas cinco o seis páginas, de género epistolar, que presenté a varios concursos y certámenes. El relato no ganó nada ni fue seleccionado, pero dos miembros de dos jurados diferentes tuvieron la deferencia de comunicar conmigo para decirme que la idea estaba bien y que era original, pero que era un disparate condensar tanta historia en tan poco espacio, que debía probar a expandirla. Y eso hice. Estuve trabajando en la novela durante dos años: la re escribí dos veces, la corregí dos veces, y cuando pensé que estaba lista, la lancé. Respecto a la trama en sí, quise que ante todo fuera diferente a todo lo es-

”No, no creo que sea un género sobreexplotado, pero sí es un género que hace mucho ruido. Me explico. ¿Cuántas novelas de vampiros, clones de grey, clones de crepúsculo, romántica, etc… han salido en los últimos cinco años? ¿Y cuántas de zombis?”

ENTREVISTAMOS A

CARLOS J LLUCH

A:

J

“Estuve trabajando en la novela durante dos años: la re escribí dos veces, la corregí dos veces, y cuando pensé que estaba lista, la lancé.” crito con anterioridad, que tuviera suficientes elementos diferenciadores respecto a las demás, como para convertirla en algo único dentro del género. Así, la trilogía (sí, son tres partes que narran cerca de tres años de la historia de la ciudad), se ambienta en el futuro, veinticinco años después del apocalipsis zombi, en la única ciudad, que se sepa, que resiste en un mundo poblado de muertos vivientes. La historia está centrada en la sociedad que han conseguido erigir, en como funcionan, en el ambiente en el que viven, y sobre todo en como el clima de seguridad del que creen disfrutar hace que de nuevo se corrobore el axioma de que “el hombre es un lobo para el hombre”.

- Viendo que tu obra aunque esta centrada en un futuro y nosotros creemos mas que probable apocalipsis zombi ¿Crees que el género está siendo sobreexplotado o piensas que simplemente ahora llega a más gente?

- No, no creo que sea un género sobreexplotado, pero sí es un género que

hace mucho ruido. Me explico. ¿Cuántas novelas de vampiros, clones de grey, clones de crepúsculo, romántica, etc… han salido en los últimos cinco años? ¿Y cuántas de zombis? Seguro que de todos los ejemplos que he puesto, las Z son las novelas menos numerosas, pero sin embargo, son de las que más parecen llamar la atención, cosa que no entiendo. No sé si es por el olor a podrido que molesta, o por qué.

- Sigamos con los zombis, Ciudad Humana pone el foco en los humanos y en su organización tras la catástrofe ¿Cómo fue tu proceso de documentación del tema? ¿te inspiraste en algo?

Hablé con policías, guardias civiles, militares, médicos y bomberos para el tema de las fuerzas de seguridad, y eso solo para dicho cuerpo, para el resto de infraestructuras de la ciudad tuve que indagar y hablar también lo que no está en los escritos. Documentación hubo mucha para la uno, pero muchísima menos que para CH2:

“Suelo hacerme un pequeño mapa de la historia que voy a escribir, mapa que suelo ignorar constantemente si la historia me dice que lo planeado no es lo correcto.”

Caos, que he estado un año para conseguir datos que luego se convertían en apenas unos párrafos de la historia, pero que le daban una cierta credibilidad dentro de lo imposible de la historia.

Mucha gente me pregunta por qué elegí mi ciudad para la obra, y hay dos motivos. El primero, porque siguiendo uno de los mejores consejos sobre escribir, que además lo leí de Stephen King, es “escribe sobre lo que conoces”. Y el segundo, y no menos importante es por la situación de Cartagena. La ciudad está rodeada por colinas, valles y el mar, y es una urbe perfectamente capaz de aislarse del resto del mundo, como ya hizo en su momento durante el Cantón de Cartagena entre agosto de 1873 y enero de 1874, fechas en las que la ciudad resistió contra el gobierno de la época. Ahora que lo pienso, Cartagena aislada del gobierno, Cartagena aislada de los zombis… es como muy cíclico, ¿no?

- La ultima de zombis y necesitamos que te mojes en una cuestión muy importante y de gran controversia ¿Zombi o Zombie?

Zombi. Sin e. Siempre.

- Una de las cosas mas importantes de tu primera novela fue la autoedición ¿Cómo fue la experiencia?

Y ¿Cuál es la diferencia de publicar con una editorial como Kelonia?.

A ver, mi experiencia con la autoedición ha sido muy muy buena. Desde el principio la novela tuvo una aceptación que no me podía haber imaginado. Han sido tres ediciones físicas más el ebook, y he tenido la suerte de conocer a gente increíble, hacer grandes amigos y aprender muchísimas cosas del mundillo literario, del cual lo desconocía prácticamente todo. He recibido el apoyo de compañeros, de reseñadores, de lectores, de librerías…

Ha sido una sucesión de sueños cumplidos uno tras otro. ¿Tú sabes por ejemplo lo que supone para mi haberme visto dos veces en el top 20 de la librería Gigamesh? Tengo tantas experiencias inolvidables que no puedo por más que sentirme feliz con la autoedición de CH. Y respecto a editar con Kelonia, sólo puedo decir cosas buenas. Confieso que en un principio, y debido a

mi buena experiencia con la auto edición, era reacio a pasar a edición tradicional, pero me alegro muchísimo de haber dado el paso. Para empezar, me ha aportado una serie de enseñanzas que no sé si hubiera obtenido de otra manera, tanto mediante las correcciones, como conociendo en profundidad el proceso de edición. Punto y aparte merece el hecho de que kelonia me ha permitido participar en la totalidad de las decisiones sobre las dos partes de Ciudad Humana, lo cual es muy de agradecer. Así que mis primeras valoraciones son positivas a más no poder.

- A la hora de ponerte a trabajar en tus obras ¿Cómo es tu proceso creativo?

Suelo hacerme un pequeño mapa de la historia que voy a escribir, mapa que suelo ignorar constantemente si la historia me dice que lo planeado no es lo correcto.

En cuanto tengo las ideas medio claras, voy escribiendo en mi cabeza la historia, tomando anotaciones en el móvil cuando surge alguna idea o diálogo concreto que deben estar en la historia.

Finalmente, cuando llega la

noche, lo primero es acostar a los niños (ellos siempre son mi prioridad), y escribir o bien en el ordenador, o bien el móvil, lo que he pergeñado en mi mente a lo largo del día hasta las dos o dos y pico de la mañana. En el caso de CH 2: caos, como había estado tanto tiempo de promoción y haciendo relatos para distanciarme un poco de la historia y que no se me hiciera pesada, fueron tantos meses hilando la historia

en mis pensamientos, que cuando me puse a escribirla, apenas tardé tres meses en tener el primer borrador . Aún así, han sido casi otros dos años para que viera la luz.

- Ya hemos hablado de la temática de Ciudad Humana, de zombis y de la edición pero nos gustaría saber un poco mas de ti, de tus gustos y de tus obras favoritas que te inspiran.

Por eso nos gustaría que

nos dijeras: a) Una película que te haya marcado: En la boca del miedo, de John Carpenter, con un soberbio Sam Neill. ¿Lees a Sutter Cane? Es genial. b) Un libro que te haya hecho leerlo y releerlo varias veces. Aquí me lo pones difícil. Uno que quizá es de los que más me he releído es “Apocalipsis” de Stephen King, que si bien tiene uno de los finales (para mi gusto) más malos de toda su obra, siendo el epítome de todos los “Deus ex machina”, me parece un gran libro en todos los demás aspectos. Otro que no puedo evitar mencionar es “Fantasmas” de Dean Koontz. c) Un disco que nunca falte en tu reproductor. Pop Rock español, sobre todo los supervivientes de los ochenta o los que siguen con el mismo espíritu. Mis favoritos sin duda Duncan Dhu y Loquillo.

- Muchas gracias por tu tiempo, ha sido un placer y solo nos queda pedirte que aconsejes a futuros escritores que en estos momentos están delante de su ordenador sin saber muy bien cual es el camino a seguir para dar a conocer su obra. ¿Qué les dirías?

- Las gracias tengo que dároslas yo a vosotros por cederme este espacio, por vuestra amabilidad, y porque gracias a gestos como

éste, ayudáis más de lo que os podéis imaginar a gente como yo que apenas estamos empezando. Y eso es muy grande.

Y respecto a dar consejos a gente que empieza, no me considero quién para dar consejos a nadie, en lugar de eso sí podría decir una serie de normas que yo procuro seguir, y si alguien cree que le pueden venir bien, pues adelante con ellas.

1. No tengas prisa. Tómate el tiempo necesario y reescribe las veces que haga falta, dejando unos meses de desconexión ab-

soluta entre lectura y lectu4. Estate preparado ra. para cualquier tipo de críti2. Usa lectores cero. ca. Tu obra no va a gustarPero lectores cero de ver- le a todo el mundo, hazte dad, de los que estén dis- a la idea. Y habrá críticas puestos a decirte la verdad malas, peores y hasta alaunque te duela. Si un lec- guna será ofensiva, aunque tor cero te dice que todo es de absolutamente TODAS, maravilloso, dale las gra- hasta de la peor, habrá algo cias y no cuentes más con que puedas sacar en limpio. él: no es sincero.

Y eso es todo, sólo reite3. Pasa de movidas. raros mi agradecimiento y Aunque sea difícil, y en mandaros un fuerte abraocasiones no puedas evitar zo. Os espero en Ciudad meterte en fregados, re- Humana, el mejor lugar del cuerda que lo que tú quie- mundo para vivir. res es que tu obra haga disfrutar a la gente, no estar www.facebook.com/ciuen el centro de todas las dadhumana polémicas.

EN UN DESTELLO Un relato de Toni Serrano Martínez

El olor a quemado, seguido de una explosión y una corriente húmeda que me arrastró violentamente al otro extremo de mi habitación me despertó de golpe. ― ¡Dios, ha vuelto a pasar! ―dije tan empapado como magullado por el golpe mientras contemplaba los restos humeantes de mi colchón de agua, chorreando los restos de su contenido por todo el suelo de mi dormitorio― Ya van tres este mes. No me llega el sueldo para colchones.

Dejadme que os aclare mi situación y el porqué de este caos. Mi nombre es Barry Allen, y soy el hombre más rápido de la tierra. No en plan Usain Bolt, yo me refiero a velocidades inhumanas. ¡Exacto, superpoderes!

Corriendo soy capaz de hacer sombra al mismísimo Superman, aunque mis poderes no son de nacimiento como los suyos. Los míos son fruto del impacto de ser alcanzado por un rayo y lanzado contra una serie de productos químicos que había en mi laboratorio. Aquello altero mi fisionomía permitiéndome alcanzar velocidades supersónicas, y no solo a la hora de correr, sino que soy capaz de aplicar esa velocidad a cualquier aspecto de mi vida, como leer, percibir o incluso curarme. Decidí que este don debía ser utilizado al servicio de la justicia, y adopté el nombre de Flash, pues cuando corro, un destello es todo lo que veras de mí, si acaso. El mayor problema de mi velocidad es la fricción. Si me empleo a tope, todo lo que entre en contacto con mi cuerpo es susceptible de acabar ardiendo; cosas como mi ropa. Es por ello que los chicos de los laboratorios S.T.A.R., los únicos que conocen mi identidad secreta, confeccionaron varias cosas con un material capaz de soportar dicha fricción, como mi supertraje o una mochila en la que guardo mi indumentaria habitual, aislándola de dicha fricción. Desgraciadamente, adaptar dichos materiales a algo más complejo como un colchón no es tan sencillo, y limitarse a las sabanas no da el resultado esperado. Al menos con el colchón de agua he evitado el incendio que se produjo las dos veces anteriores, aunque el coste ha sido prohibitivo, y mi economía no da para más. Este problema es nuevo para mí. Llevo ya varios

años en mi condición de relámpago humano, pero no había perdido jamás el control durmiendo. Por lo visto, duermo intranquilo, lo que hace que me mueva mientras duermo y de vueltas constantemente en la cama. Añádele supervelocidad al proceso y… ¡Voilá!, tenemos un incendio servido. ¿Habéis visto alguna vez lo de frotar los dos palitos para hacer fuego? Pues mi cama y yo somos esos palitos.

Menos mal que todo acaba hoy. Para bien o para mal. Mis trastornos de sueño me suceden desde hace un mes, justo el tiempo que me preparo para un ascenso. Veréis, trabajo en una de las principales comisarías de policía de Central City y soy científico forense.

Siempre he sido bueno en mi trabajo, pero mi inseguridad y mi impuntualidad impidieron cualquier oportunidad de promoción que pudiera presentárseme. Todo esto (obviamente) cambio cuando recibí mis poderes y, desde entonces, parece que he llamado la atención de mis superiores. Hace un mes que me propusieron la promoción a inspector forense y, desde entonces, no puedo evitar pensar con nerviosismo en mi entrevista de hoy, en la que me la juego todo con la jefa del departamento forense del estado.

Nuevo puesto = Reconocimiento + Doble de sueldo.

Así de simple. Como comprenderéis, lo de la plaza de aparcamiento me da igual.

Pues en esas estábamos. Empapado de arriba abajo me di cuenta de que “durmiendo”, había golpeado el despertador y lo había hecho añicos. Me incorporé completamente acongojado y corrí como nunca hasta el reloj de la cocina para comprobar la hora. Si el suelo de mi habitación no hubiera estado empapado, a buen seguro habría provocado un incendio (o rallas en el parqué, que también me joden el bolsillo).

Miré el reloj y respiré aliviado, aún quedaban veinte minutos de hora para la reunión. Tan solo tenía que desayunar, ducharme, vestirme y recorrer media ciudad antes de la entrevista. Me sobraban quince minutos, y tan solo porque no soy capaz de hacer que el agua salga más rápido de la alcachofa de mi ducha.

En tres minutos ya estaba saliendo por la

puerta de mi casa, con la ropa de trabajo en mi mochila ignifuga y con todas las buenas vibraciones del mundo.

Empecé a correr sabiendo que, en menos de dos minutos, estaría en el trabajo, relajándome con un té un cuarto de hora antes de mi entrevista.

Tener mi velocidad no implica que no pueda disfrutar de mi trayecto. Mis percepciones y sentidos funcionan incluso más rápido que mis piernas. Lo que para algunos (mejor dichos todos) sería como asomarse a una ventanilla del tren bala, para mí era un agradable paseo por una ciudad de mimos que se movían a cámara lenta. El olor a café y bollería de las cafeterías a primera hora de la mañana, el bullicio de las calles, o la visión de los mejores jardines de la ciudad no se enturbiaban pese a mi velocidad. La única pega era que no podía atravesar dichos jardines sin destrozar el césped a mi paso, por lo que dejaba que fuera mi alter ego el que disfrutara de aquellos lujos.

No sé lo que pasó.

A veces la percepción de mi subconsciente es más rápida que mi raciocinio, y solo es capaz de transmitirme ciertas sensaciones antes de que algo amenace mi vida o la de alguien cercano. En aquel momento mi instinto, sin conocer los motivos que le habían llevado a ello, me obligó a detenerme y a mirar a la ancianita de mi derecha.

Tan solo necesite tres décimas de segundo para darme cuenta de que un vehículo se abalanzaba sobre ella desde el cielo, llegar hasta ella y desplazarla hasta un lugar seguro asegurándome de que mi velocidad no dañara su frágil constitución. Antes de que pudiera siquiera preguntarme como un turismo podía saltar a tal altura sobre cualquier peatón, sonó tras de mí una estridente y aguda vocecilla que me resultó más que familiar y me aclaró en que situación me encontraba: Problemas. ― ¡Vaya, vaya! ―dijo aquella voz― No estaba seguro de poder captar la atención del corredor escarlata esta mañana, pero es como pescar, tan solo hay que poner el an-

zuelo y esperar pacientemente.

Me giré hacia él cabreado por hacerme perder mi valioso tiempo y le pregunte: ― ¿¡Que puñetas quieres Trickster!?

Trickster, el tramposo, uno de mis mayores archienemigos, me miraba con gesto burlón mientras levitaba en el aire con una niña retenida entre sus brazos. ― Ya lo sabes, Flashy, acabar contigo. ― No tengo tiempo para esto ―dije sin pretenderlo por culpa de mis nervios, y aquella frase pareció molestar al ego de mi adversario, que sacó una pistola con apariencia de juguete (obviamente no lo era) y apuntó con ella a la cabeza de la niña mientras me dedicaba su peor mirada de odio. ― ¡Tal vez tengas algo mejor que hacer que salvar la vida de esta niñita inocente! ―dijo furioso y sarcástico al mismo tiempo― ¡Tal vez deba matar a diez niñas como esta para que me puedas dedicar unos instantes, míster ocupado!

Desde luego que iba a salvar a aquella chiquilla pero si todo aquello me hacía llegar tarde a mi entrevista, iba a cometer el primer ase-

sinato de mi vida. ― ¡Que te den! ―grité mientras me abalancé sobre él a velocidad supersónica con la intención de desarmarle y arrebatarle a la chica pero, a escasos metros de entablar contacto físico, sentí como si chocara contra algún tipo de lona elástica y Sali catapultado por los aires contra uno de los escaparates cercanos.

Me recompuse enseguida, cuestión de segundos, y retomé mi posición inicial frente a él. ― ¿Qué ocurre correcaminos? ―dijo Trickster mucho más divertido que antes― ¿Qué tal sienta rebotar contra mi barrera cinética?

Cuanto más rápido choques contra ella, más lejos y fuerte rebotaras, más nunca me alcanzaras. ¡Ja, ja, ja!

Furioso, miré el reloj de un campanario cercano.

Quedaban nueve minutos para mi entrevista. ― ¿Qué es lo que quieres bufón? ―bramé furioso. ― Que te dejes disparar ―dijo él enseñándome su arma― Sé que acertarte está fuera de mi alcance, pero si tú te dejas, te prometo que soltaré a la niña. Tu vida por la suya, así de justo. ― Eres un tramposo, no puedo fiarme de ti. ― No te queda otra. ¡Ah, por cierto! Espero que no esperes que baje la barrera cinética para dispararte y aprovechar para atacarme.

Esta barrera solo impide que nada entre, pero mis disparos sí que pueden salir. Tú decides relámpago.

Aceleré todos mis pensamientos para concentrarme en todo. Necesitaba idear un plan y llevarlo a cabo en pocos minutos o estaba perdido, y mi ascenso también. Una cámara de tráfico y las palabras de Trickster me dieron la solución. ― Lo siento amigo pero, como ya te he dicho, no tengo tiempo para esto ― dije con seguridad― Sé que no eres un asesino de niños, así que ya nos vemos en otra ocasión.

La cara de Trickster era un poema en el que los primeros versos de confusión daban paso a otros llenos de pasión y furia. Con aquello lo dejé plantado y salí corriendo, asegurándome de que dejaba una estela en el suelo fácil de seguir. Aceleré a niveles perjudiciales para mi salud sin preocuparme de nada más, y solo deceleré levemente al entrar en mi comisaría para no destrozar todo el mobiliario. Supuse que la inspectora que debía evaluarme ya habría llegado, pero yo aún tenía siete minutos para encontrarme con ella.

Haciendo caso omiso de aquello, me colé en la sala de control de tráfico y, tras devolverle el saludo a un sorprendido operario, le pedí que

me mostrara las cámaras de la avenida Manchester y accedió sin problemas pues, en mi trabajo, mi alter ego es casi venerado.

Sonreí.

Tal y como me esperaba, Trickster, con la niña aun en brazos, perseguía mi estela levitando a toda velocidad sin pensar en nada más que atraparme. Me sentía como en un episodio del Coyote y el Correcaminos y decidí que ya era hora de acabar con todo esto. Sabiendo que tan solo contaba con seis minutos, corrí como nunca para encontrarme frontalmente con mi enemigo en busca de una colisión frontal espectacular.

No me vio venir, pero si que se enteró cuando choqué de nuevo con su barrera. Con mi acelerada percepción pude captar un atisbo de sonrisa en su rostro cuando creyó que había vuelto a caer en su trampa para volver a salir despedido. Solo fue así a medias. Su sonrisa se borró cuando él mismo salió despedido de su barrera. No había contado con las leyes físicas del movimiento y que su barrera no era ajena a ellas. Mientras estaba inmóvil, su barrera era infranqueable, pero su propio movimiento, al ser frenado de golpe por mi impacto, me dio todo lo que necesitaba para derrotarle. Hice un sobre esfuerzo para recomponerme y alcanzar a Trickster antes de que impactara contra un muro, aunque solo fue para arrebatarle a la niña de sus brazos y evitar que ella sufriera aquel golpe. Mi archienemigo no se libró del topetazo y quedó inconsciente sobre la acera.

Afortunadamente para mi entrevista, la policía seguía de cerca los movimientos de Trickster por lo que pude dejar a la niña a su recaudo en cuestión de segundos, los cuales aproveché para consultar la hora en el reloj de pulsera de uno de los agentes.

Me quedaban cuatro minutos.

Aceleré como no lo había hecho nunca y empecé a notar que las fuerzas se me acababan.

Conseguí llegar al callejón que hay detrás de mi comisaría y, antes de que me diera tiempo a desmayarme, saqué dos bebidas energéticas tamaño gigante de mi mochila y me las bebí de dos tragos. Mi híper acelerado metabolismo hizo el resto asimilándolas al instante y, aunque magullado, volví a tomar el control de mis fuerzas. Me cambié en dos segundos y miré mi reloj de pulsera.

Me quedaban dos minutos y, aunque estaba empapado en sudor, iba a conseguirlo.

Conseguí entrar en comisaría a paso ligero cuando aún faltaba un minuto, entré en mi despacho y me quedé sorprendido al encontrarme con el comisario con cara de malas pul-

gas, que me esperaba sentado en mi mesa. ― ¡Allen! ―dijo furioso― ¡¿Cómo has podido llegar una hora tarde a la reunión?! ¡Pensaba que esa faceta tuya ya había sido erradicada!

Tierra trágame. ― ¡No puede ser! ―contesté yo― ¡La cita era a las diez, estoy seguro! Me mandó un email para confirmarlo. ― ¡Dios mío Allen! Y luego te mandó otro para adelantarlo a las nueve, y te mandó varios mensajes al móvil, y yo hice lo mismo anoche para asegurarme de que no se te olvidaba.

Entonces todo empezó a cobrar un terrorífico sentido en mi cabeza. Tanto mi portátil como mi teléfono móvil habían sucumbido en el incendio de mi primer colchón y, con mi escasa paga, había priorizado los gastos en comprar un colchón nuevo. Pensaba reponerlos al mes siguiente con mi nuevo sueldo de inspector. ― Lo siento Barry ―continuó el comisario― La forense jefe se ha marchado muy enfadada, diciéndome que esperaba que el año que viene, si lo vuelves a intentar, aprendas que la puntualidad es esencial en el escenario de un crimen y…

No seguí escuchando.

Bastante hice por contener las lágrimas.

Me dejé caer sobre el suelo de mi oficina y me quedé allí sentado un buen rato, pensando que, por muy veloz que yo fuera, el tiempo que me quedaba hasta el año siguiente, se me iba a hacer muy, pero que muy lento.

Los GothicDolls son un grupo cuya trayectoria empieza aproximadamente en el año 2003. Empezaron con el nombre Scarlet Moon, este era en si un grupo de amigos reunidos para tocar música y hacer algunos covers, ya que sus gustos musicales eran parecidos.

En un principio solo estaban Kazuki, Kamui y Yuki.

El tiempo pasó y el grupo se hizo más grande, Kazuki convenció a Wakka de integrarse a la banda. Al contar con poco espacio y recursos para lograr conseguir los instrumentos, pidieron prestados algunos instrumentos y ahorrar para conseguir propios. A medida que el grupo iba mejorando sus materiales se iban quedando pequeños por lo que tuvieron que cambiarlos después de

mucho se ganaban el cariño y el gusto de las personas que asistían a las convenciones El grupo consiguió un (Salones Manga).Gracias al vocalista, Kala, quien debía cariño de los fans a a una viajar desde su ciudad hasta serie de conciertos el grupo la ciudad donde estaba consiguió sacar su primer el grupo para ensayar. El album “Endless Dream” grupo se vio en dificultades de canciones propias bajo pues tenían que trabajar un sello discográfico pese para conseguir dinero para seguir mejorando y esto les consumió mucho tiempo y energía; pero a pesar del sobreesfuerzo que hacían se mantenían constantes en su amor por la música.

El Grupo buscaba conciertos en diferentes tipos de convenciones para dar a conocer sus composiciones y los covers que habían hecho, al principio, como todo, fue muy duro pues no hay mucha gente que preste atención a grupos “nuevos”, sin embargo conforme el grupo se iba presentando, ahorrar tiempo.

durante

al problema de tener que grabar en dos estudios diferentes , paso el tiempo y tras el éxito del primer disco en 2008 graban “The last breath”, su segundo disco de estudio ya con mas madurez y mejor calidad de sonido grabado en los importantes estudios

de Madrid Avispa (M30), tras unos años de gira por España, fiestas y festivales de música consiguiendo premios importantes como el AFI (premios de la música independiente ) graban su primer DVD de concierto en vivo y prosiguen su carrera, la cual al paso de unos años ceso sus actividades.

En 2014 el grupo ha anunciado su vuelta por el 10º aniversario con los miembros originales y alguna incorporación nueva y ya preparan su tercer disco de estudio.

Entrevista:

GD: El grupo surgió de nuestra pasión por la música, el estilo japones visual kei y una larga aficción al manga y videojuegos, eramos un grupo de amigos que decidimos ensayar canciones de grupos japoneses como Dir en Grey hasta que con el tiempo conseguimos llegar a mas y poder tocar en festivales con otros grupos japoneses y conocidos.

¿Cual es el tipo de musica que os definiría? ¿Qué tipo de público os escucha?

GD: El Visual Kei nos perfilo el estilo, claramente le debemos mucho a Contadnos un poco de el, aunque a dia de hoy los origenes de Gothic estamos dejando salir mas Dolls nuestro propio estilo sin

Gothic Dolls, estarán actuando en el próximo salón del manga de Barcelona olvidar los orígenes

limitada ( risas) es mas facil conocernos por inet h t t p s : / / w w w. f a c e b o o k . com/kazuki.gd etapas que contandotelo.

¿Por qué dos en vuestra carrera Kala ( Vocal) musical?

GD:Como en la vida, la madurez y el trabajo nos hizo tener varias etapas, la primera hace diez años cuando empezamos con ilusión y conseguimos muchos sueños y ahora la nueva cuando estamos todos mas estabilizados, con trabajos buenos y con ganas de seguir haciendo lo que nos gusta entre amigos e intentar llegar aun mas lejos.

Contadnos un poco de los miembros que forman arte de Gothic Dolls Gothicdolls lo componemos 6 miembros, variados y de edición

Kamui ( Bajo)

h t t p s : / / w w w. f a c e b o o k . h t t p s : / / w w w. f a c e b o o k . com/kalared.vondanken com/Kigan Yuki ( Guitarra ritmica)

Wakka ( Teclados)

h t t p s : / / w w w. f a c e b o o k . h t t p s : / / w w w. f a c e b o o k . com/Yukiperita com/wakka.gothicdolls Kazuki (Guitarra solista)

Javi (Bateria) h t t p s : / / w w w. f a c e b o o k . com/javi.delrio.7

Es dificil compaginar vuestro vida diaria (trabajo, estudio, etc) con los ensayos, conciertos, etc GD. Hace años lo era mas, ahora estamos todos con trabajos que nos deja mas tiempo libre y con muchas mas ganas, es divertido volver a juntarte con los amigos de siempre con los cuales un dia empezaste a marcar tu vida y ver que nada cambia, momentos asi valen mas que cualquier cosa.

Contadnos un momento bueno y otro malo de

“

v

vuestra carrera musical GD:Lo bueno para cada uno quizas es algo diferente, pero globalmente el dia que ganamos en el salon del manga de barcelona un premio y la oportunidad de grabar nuestro primer disco de estudio con el cual sufrimos un monton hasta poder verlo en tiendas. Y lo malo quizas el dia que poco a poco nos distanciamos uno de los otros y el grupo quedo en stand by y la vida se cobraba nuevos trabjadores tristes.. ( risas )

De vuestras actuaciones en directo ¿De cual os sentís orgullosos?

lo das todo y ves que a la GD: De todas esas veces gente le gusta. que con temas propios o versiones vemos a la ¿Ha sido complicado el gente corearlas y cantar camino hasta coseguir con nosotros o enseñarnos tener disco en tiendas? carteles, ahi es cuando

“El grupo surgió de nuestra pasión por la música, el estilo japones visual kei y una larga aficción al manga y videojuegos”

GD:Bastante, el primer disco nos supusos muchos viajes a Madrid, muchas horas pensando, tuvimos que hacerlo en dos estudios y eso nos complico mucho las cosas, pero al final salio , ya con el segundo todo fue bastante mas organizado y pudimos grabarlo en un estudio de renombre, al final las sonrisas de ver nuestros discos en tienda e internet nos compenso por todo devolviendonos la sonrisa.

Un titular para animar a todos aquellos que no os conozcan a escucharos

Seguimos con ganas y fuerzas y queremos que lo que nos depara ahora sea muchisimo mejor, esperamos veros en nuestros siguientes conciertos con nuestros temas de siempre, temas nuevos y nuevas versiones retocadas por nosotros que os hara saltar y vibrar como el primer dia!! visitadnos en https://www.facebook. com/pages/GothicDolls/53355638056!!

Os dejamos a continuación algunos links de interés https://www.youtube.com/ watch?v=RW7iMwEJFcU Premios de música independiente https://play.spotify.com/

LEIVA EN CONCIERTO (mรกlaga) david garcia calvente

Leiva, el ex vocalista del grupo Pereza volvía por segunda vez en el año a Málaga. Ya por el mes de marzo presentó su nuevo disco Pólvora en “La Cochera Cabaret”, pero esta vez y con el motivo de “Las Serenatas de la luna Joven” volvía a deleitarnos con sus nuevos temas y no tan nuevos.

El lugar elegido para esta ocasión fue el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga. Un lugar donde los conciertos tienen buen tinte de conciertos privados, cálidos y sobre todo cercanos al artista. Leiva venía a ofrecernos Rock, pop-Rock y por ello solo había pista, nada de gradas, el fin era disfrutar, bailar y saltar con el buen sonido de este cantante.

Apenas unas 1000 – 2000 personas se dieron cita anoche en Málaga que fueron calentando el ambiente con un grupo de rock local liderado por Alex “El Zurdo”. Los teloneros se hacen llamar “Vicios Caros” y a ritmo de rockand-roll amenizaron la espera y se echaron al público a cuestas en los momentos previos y de nervios anteriores a la salida del esperadísimo Leiva.

Los asistentes estaban citados a las 22:00 para el comienzo del show, pero no fue hasta llegadas las 22:30 cuando Leiva saltó al escenario para dejarse la piel ante el público malagueño. El rock es una doctrina y no se puede hacer rock sin dejarse las yemas de los dedos en la guitarra ni dejarse la voz en el escenario y Leiva desde el segundo 1 lo dejó bien claro. Comenzó fuerte, con una de sus canciones de su último disco “Pólvora” y de nombre “Que no mueran los cantantes”. Una declaración de intenciones, una vida dedicada a conquistar desde lo más alto del escenario, ¡larga vida a los cantantes! A partir de ahí canciones para todos los gustos y entremezclándose a la perfección. Ritmos lentos y melódicos mezclados con el mejor ritmo de Rocanrol con canciones de ahora y canciones para los más nostálgicos y añorantes de la época de Pereza. Leiva llevaba un ritmo bestial sobre el escenario, paseando de aquí para allá con su guitarra colgando y realizando sus mejores punteos sobre ella. Leiva se come el escenario y así también sus acompañantes, como el teclista César Pop, que deleitaban al público con grandes y simpáticas coreografías para transmitir a todos, el buen rollo y sobre todo meternos en vena la buena música de Leiva.

Leiva no dejo apenas descanso entre canción y canción, ritmo totalmente frenético. Pero

hizo algunos altos en el camino para hablar al público. En uno de ellos agradeció al público por el gran esfuerzo que realizan para seguirlo allá donde va y que en estos tiempos que corren sufran por gastarse su dinero en verlo en directo. Ayer la media fue de unos 26 euros de gastos por asistente y quizás eso repercutiese en el aforo pero Leiva lo agradeció y se dejó la piel en las tablas. Otros de los grandes momentos fue cuando deleitó al público de Málaga con una canción que estaba fuera del playlist de su gira pero que sintió perfecta para hacerla en el día de ayer.

Hablamos de una de sus canciones de la etapa de Pereza de título “Champagne”. Afirmo que tras la prueba de sonido anterior al concierto le sonó perfecta y quería repetirla tal cual ante los espectadores que allí se daban cita con el fin de que saliese al menos igual de bien o mejor. Una canción de la cual dijo que significaba mucho para él y que ayer para todo el público fue algo más que un regalo.

Leiva nos dejó anoche un gran regalo, una actuación de poco más de una hora y media a ritmo de rock-pop. Un concierto de ritmo vertiginoso donde igual saltabas y bailabas que alzabas tu móvil o mechero para corear un gran sonido melódico. Ah! y destacar que incluso horas antes uno de sus integrantes ¡estaba en el hospital! Pero ahí estaban, dando lo mejor de su música para todos los malagueños. ¡Que no mueran los cantantes!

Playlist 1.- Que no mueran los cantantes 2.- Cerca 3.- Animales (Pereza) 4.- Mi mejor versión 5.- Palomas 6.- Windsor (Pereza) 7.- Afuera en la ciudad 8.- Champagne (Pereza) 9.- Por mi tripa (Pereza) 10.- Pólvora 11.- Como lo tienes tu (Pereza) 12.- Miedo 13.- Eme 14.- Ciencia ficción 15.- Superhermanas (Pereza) 16.- Mirada perdida 17.- Terriblemente cruel 18.- Lady Madrid (Pereza)

Clásicas De los años 60 hasta los 80 del siglo pasado nos dieron grandes series donde algunos disfrutamos de nuestra infancia y parte de la juventud. Empezamos con un clásico, donde un protagonista Roger Moore estaba sin arrugas, sí, hablamos de El Santo. El opening de la serie es una música muy yeyé, lógico si tenemos en cuenta que es de 1966, lo curioso es que el estilo del video es más curioso puesto que aparece la pantalla todo de un color, y pistolas y a personas pegándose al más puro estilo de las películas de James Bond. Ahí pasamos a otra serie de la época de culto del mismo año 1966, ¿quién no ha visto encender la mecha que se va consumiendo bajo la típica música del pam, pam, pam, pam, pirulí, pirulíiii; eso sí mientras aparecen imágenes de poco más de dos o tres segundos completamente caóticas mientras aparece una pequeña imagen de cada uno de los protagonistas.

De aquella época en la TV ponían el opening original tal cual, donde todos aprendimos forzosamente el significado de las palabras starring y also starring. Hoy día, cuando decimos Los Vengadores, seguramente de forma automática y seguramente refleja pensaremos en ciertos súper héroes de la casa Marvel. En 1960 era otra cosa, una serie británica donde un forense compaginaba su fantástico trabajo con un justiciero que atrapa criminales acompañado de su hermosa e inteligente compañera y asistenta y todo lo que hacen los forenses en su tiempo libre, supongo. El opening es un tanto curioso donde una música muy británica y de la época (hay que darle una mención especial a los bongos) donde toman champagne o colocan un clavel a golpe de disparos de pistola y estocadas de una pequeña espada escondida en el paraguas, lo que todo gentleman británico hace, supongo.

opening

¿Quién no ha seguido alguna vez una serie si las aventuras no ha tarareado la canción del o la cabeza la música del opening de su serie fa niño porque tiene una reputación que manten esta ocasión proponemos un repaso por las s introducción musical. Abrochémonos los cintu está inici

Saltamos a 1981 con otro clásico de la TV, Falcon Crest, donde un jovencísimo y seductor Lorenzo Lamas se daba a conocer en España antes de vender hedredones. Donde unos pijos tienen un montón de viñas y se forran con el vino que producen, es pijo hasta el que va al campo a recoger la uva, seguro que los sufridos trabajadores que van a la vendimia.

Empieza a golpe de violines un ritmo un tanto estresante con una visión aérea de un puente colgante que nunca he acabado de relacionar con las viñas, pero bueno, después empieza el baile de imágenes de los starring y also

CORCHEAS SOSTENIDAS POR B

por juan carlos martínez álvare

g series

iendo un niño y mientras se imagina que vive opening de la serie? ¿Quién no tiene metida en avorita de mayor y no juega como cuando era ner? Para los jóvenes y más jóvenes aún, en series más clásicas y famosas y su opening o urones que la máquina del tiempo y el espacio iándose.

starring, a estas alturas uno ya intuía qué significaban esas palabras tan raras.

En 1979 se publicó otro clásico, Love Boat o Vacaciones en el mar, donde la tripulación de un crucero hacen de desfacedores de entuertos y celestinas, está metido hasta el capitán, el médico y la relaciones públicas, y tan ocupados que uno piensa, ¿quién leches maneja el barco? Aquí despuntó curiosamente el personaje Isaac, el camarero más dicharachero afro, con pelo afro y mostacho de... bueno, mostacho. Tanto despuntó que

BEMOLES

ez

acabó haciendo anuncios de piña colada que “del Caribe la traigo yo”. Eso sí, la canta en español él mismo con un fuerte acento, pero la verdad es que canta bastante bien mientras sonríe, para el más difícil todavía.

Que levante la mano quien no sepa quién es JR, tú, y tú, fuera de la sala. Otro clasicazo de la TV de sobremesa ochentera, Dallas.

El opening no tiene desperdicio, siguiendo la tónica de una música orquestal bastante conocida que se dura unos segundos y van repitiendo y repitiendo mientras van alternando a los starring y also starring, sí, otra vez, diciendo mucho de su psicología, sobre todo la actriz Lois Chiles que haciendo honor a su picante apellido se la ve dándose un bonito revolcón con un maromo mientras mira a la cámara con mirada lasciva, eso sí pero con el cardado ochentero intacto, que una cosa es el vicio y otra el estropearse el peinado a golpe de laca y capa de ozono; o el ya más que madurito Jim Davis que vestido de vaquero parte la cara en una tasca a otro también vestido de vaquero, que parece más Texas que Dallas. Y sí, aparece JR con traje y corbata y un sombrero enorme de vaquero que no le pega ni mirándolo del revés. Eso sí, las imágenes cantan a la milla que son cortes del rodaje de la serie, para qué currárselo más. Petroleo, explosiones, rodeos, y así hasta casi los cuatro minutos, sí señor, menudo elenco de personajes.

Música futurista, un desierto, un coche negro con unos leds rojos moviéndose de un lado a otro que se acerca, sí, el coche fantástico, la serie clásica, con nuestro amigo David Haslefog, Haslesf... David. Mientras una voz te explica la historia del personaje y de su Chevrolet Camaro deportivo mostrando un interior que parece una nave espacial lleno de paneles de plástico y luces por todos lados, tan futurista que no tiene CD con MP3, ni GPS, pero da igual, el coche mola. Los míticos Miguel Caballero (Michael Knight),

CORCHEAS SOSTENIDAS POR BE

Devon, Bony (aunque lo parece no es el bollito que tantos hemos merendado y algunos aún seguimos haciéndolo), un clasicazo.

Humanos que bajo su máscara son lagartos, Diana zampándose una rata tan grande que tiene que desencajarse la mandívula, V, la serie que a tantos nos marcó, que a muchos nos hizo comer ratoncitos de gominola mientras las chicas y más de una mamá nos miraba con asco mientras nos lo metíamos en la boca. Una música oscura a golpe de sintetizador que poco a poco va cogiendo crescendo hasta que se transforma en una musiquilla muy ochentera que más que una serie parece un anuncio con una percusión perenne, mientras ponen cortes de la serie y presentan, otra vez, a los starrings y also starrings. Un recurso que llevaban casi veinte años usando.

Dale un clip y te construirá una bomba atómica, espía, comando militar, profe de ciencias, capaz de hacer maravillas con apenas recursos, pero lo más difícil todabía, que no se despeinaba ese cardado ochentero tan sexy en la época, hablamos de McGyver.

Con una música que no desentonaría en las salas de baile de la época. Gracias a los Simpson las nuevas generaciones les suena por lo menos que hay una serie con ese nombre.

finales de siglo Ya en los 90 llegaron las cadenas privadas que nos daban un poco más de vidilla a los botones de canales y mandos a distancia al tener más de dos. Con estos canales nos llegaron varias series que ya son clásicas como Saint Seiya, nos vino importado desde francia, donde la canción era una versión a la española de la francesa, aquí se tradujo del nombre francés Chevaliers du Zodiaque a Caballeros del Zodiaco, quienes seguimos

EMOLES

la serie desde el principio en las diferentes cadenas de TV tardamos años en saber que el auténtico nombre es Saint Seiya y el opening no tiene nada que ver con el que nos llegó de francia donde unos cantantes de dudosa calidad nos hablan de lo valientes que son en unos supuestos versos que no riman ni en francés ni en español, mientras que en el país del sol naciente es interpretado en exclusiva por un grupo de rock.

Otro destrozo en un opening de una serie japonesa nos llegó con Oliver y Benji (capitán Tsubasa en el original) en español diciéndonos cómo molan Oliver y Benji y sus sueños de ser campeones. Por supuesto no tiene nada que ver con el original.

Siguiendo con clásicos un poco menos conocidos tenemos esta vez una importación desde Italia con una serie de tríos amorosos de adolescentes donde tanto la canción como los nombres de los personajes son tristes adaptaciones del italiano, aquí se llamó Jhony y sus Amigos, cuando en Japón se le conoció como Kimagure Orange Road (KOR para los amigos), en españa nos repetían el nombre de Jhonny que no para ni un momento, que va por ahí, por allá, que intentarás liarte conmigo y no lo vas a conseguir, bastante penoso. Cuando en japón la canción está completamente acorde con la banda sonora de la serie. Al menos en la versión posterior en DVD se molestaron en coger el opening original y repetir desde cero todo el doblaje metiendo ya los nombres originales japoneses.

Y hablando de ligones, pero de los de verdad, tenemos al Cazador, en japonés City Hunter, otra traducción directa del italiano, donde Coque Saeba (Ryo Saeba en japonés, al menos le han respetado el apellido, o no se lo han currado tampoco demasiado), otro destrozo con música ochentera y voces femeninas poniendo a este detective mujeriego y con

un oscuro pasado como mercenario como el héroe definitivo cuando su personaje va más encaminado a ser un poco antihéroe. Su versión japonesa también está interpretada por una cantante japonesa, pero está a años luz en todos los sentidos a su versión española. ¿A quíen le apetece viajar con afán a una isla sin par donde hay un tesoro escondido en él que será, convencido estoy, una gran aventura? Años después aún estoy buscando el sentido a la letra de la canción de Bola de Dragón, el día que Goku se entere, nos funde el país de un Kame Hame Ha. Aunque con el tiempo y episodios posteriores fueron acercándose a la versión japonesa. La versión catalana es exactamente igual, hasta con el mismo cantante, la verdad es que el hombre tiene su mérito. Eso sí, meter la letra en español en la música cuesta, pero en catalán chirría por todos lados, se ve que el cantante se ve obligado el pobre hombre a ir completamente a destiempo y a su bola (y no precisamente de dragón) respecto a la música, que suena bastante enlatada. ¿Enlatada? Porque sencillamente han cogido la canción japonesa, donde la letra se nota que va acorde con la música, le han quitado

la voz del cantante original japonés y le han pegado la voz del cantante español. De ahí ná.

Una serie de culto, con al menos diez temporadas, Expediente X, aquí lo han tenido fácil, la música no tiene letra por lo que la meten directamente y todos contentos.

Aunque mucha gente no lo sepa, el opening ha sido compuesto e interpretado por Mike Oldfield.

Otra serie de culto con muchas temporadas y seguidores, Stargate, el opening es a la antigua usanza, sin complicarse, con una música que es la de la banda sonora de la película con un par de modificaciones, mientras presentan a los personajes, los starring y also starring, con una serie de imágenes más o menos ordenadas que no son más que fragmentos de rodaje de las serie.

actualidad Mucho ha cambiado la realización de las series hasta nuestros días, hoy día las series cada vez tienen más y mejores medios alcanzando algunas una calidad cinematográfica, y los

CORCHEAS SOSTENIDAS POR BE

opening se nota mucho el cuidado que le ponen a las series desde el comienzo hasta el final.

Breaking Bad tiene un opening bastante original, la música tiene una base de timbales mientras se va construyendo una tabla periódica de elementos químicos donde aparecen los nombres de los protagonistas con el socorrido recurso de los pequeños fragmentos del rodaje de la serie, aún así queda bastante bien puesto que cada imagen es un elemento de dicha tabla.

Homeland, otra galardonada serie, a ritmo de música soul aparecen fragmentos de imágenes de distintos políticos, reales, sobre el terrorismo islámico partiendo del terrorífico atentado del 11-S, colocadas de forma completamente caótica mientras aparecen imágenes de los protagonistas, ahora en un primer plano, ahora en un laberinto, ahora una niña... lo único que se entiende es que la serie es sobre atentados islámicos.

Una de zombies, The Walking Dead, una de las pocas series que ya en el opening va introduciendo al espectador en una atmósfera oscura y postapocalíptica con una música un tanto agobiante que va in crescendo mientras presentan a los starrings de turno.

Para finalizar, una serie donde la música está muy trabajada, interpretada por una orquesta, mientras aparece un mapa y presentando a una imagen característica y después los edificios más emblemáticos de cada casa que se reparte dicho mapa, mostrando ejércitos que luchan para ganar territorios. La música va muy acorde con las imágenes, si hicieran una película para el cine con esta introducción, quedaría muy bien sin desentonar en calidad musical y cinematográfica en su presentación, efectivamente hablamos de Juego de Tronos.

Y la máquina del tiempo ya nos deja en casa,

EMOLES

en nuestro tiempo, o al menos lo parece, ahora habrá que ver si estamos en la realidad adecuada. Las series cada vez están tomando más protagonismo en los principales canales de TV y se nota al ver que cada vez se trabajan más sus opening o introducciones, aunque pocas introducen al espectador en la serie y muchas nos hacen esperar a que empiece el contenido para sumergirnos en las historias y mundos que nos proponen.

EL SEPTIM

bodas, bautizos y rupturas

actualidad cinematografi

Ains… que potito es el amor, y si no

EL SEPTIM

que se lo digan a Angelina Jolie y Brad Pitt que por fin celebraron una boda muy íntima y familiar. Menos Jonh Voight, todos estaban invitados y la camada de hijos de la pareja fueron partícipes del traje de novia de Angelina, bueno, más bien sus obras de arte.

Otros que se han casado han sido mi adorado Neil Patrick Harris y su novio David Burtka. ¡Felicidades, parejas!

Los churrumbeles de los famosos van haciendo su aparición por el mundo cuore. Macarena Gómez y Jennifer Aniston esperan su primer hijo. Creemos que a Aniston le ha costado un poco más que a Gómez, pero al fin las dos serán mamás felices. También los hay que ya están sin pegar ojo como son Ryan Gosling y Eva Mendes (no lloréis, en serio, no merece la pena) y Scarlett Johansson y Domain Dauriac. ¡Enhorabena, papás!

No todo son buenas noticias en el mundo rosa y es que al igual que hay parejas que unos se casan y proliferan, otros se tienen que decir adiós, y después del verano siempre suele haber grandes listas. Apuntad a los nuevos solter@s: Natalia Verbeke rompe su enlace nupcial por un novio infiel, Blanca Suárez y Pistacho vuelven a casa de mamá sin Dani Martín y Mario Casas cambia a María Verbeke. ¡Qué viva el sensacionalismo!

fecha de estrenos

Deadpool, película sobre el perso-

naje bocazas de X-Men: Orígenes que Fox está preparando como secuela se estrenará el 12 de febrero de 2016. Es posible que Ryan Reynolds repita, pero no seguro. A lo mejor prefiere que le recuerden como Green Lantern.

Las nuevas secuelas de Terminator: Genesis tienen sus fechas de estreno.

Apuntad: La primera el 1 de junio de 2015; la segunda entrega para el 19 de mayo de 2017; y la tercera para 29 de junio de 2018. Creo que el 19 de junio no podré ir porque tengo cosas, pero al resto voy fijo. ¡Guerra de frikis!

MO FRIKI

festivales de cine

ica del cine que nos gusta

MO FRIKI guerra de frikis

Qué

bien que se lo pasan J.J. Abrams y Zack Snyder jugando con nosotros, con el photoshop y el movie maker. Me explico. Hace unos meses que ambos directores empezaron una “guerra de guiños” con ambas secuelas como ataques directos. La veda la abrió el director de Batman vs Superman cuando publicó en su Twitter una imagen de Henry Cavill disfrazado de Jedi. J.J. aceptó el reto e hizo lo mismo con el actor John Boyega disfrazado del Batman de la serie antigua. Zack se picó y ya publicó una foto de Batman junto con R2 en el emblemático Tatooine. ¿Se quedó ahí la cosa? ¡No! J. J. respondió con C3PO recibiendo una Rebel señal en pleno Gotham. Zack no se lo podía creer, por lo que publicó como unos policías detenían a un Trooper y lo metían en un coche de policía. Todo parecía haber acabado pero J. J. contraatacó con una bomba nuclear: el primer vídeo del Halcón Milenario con el Batmóvil en los segundos finales y acompañado con una pieza de la bso de la película de Nolan. Las guerras así, ¡SI!

El

Festival de Venecia llegó a su fin con el León de Oro en las manos del director sueco Roy Andersson por su película A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence. El Gran premio del jurado fue para The look of silence de Joshua Oppenheimer y las dos Copa Volpi fueron a parar a Adam Driver y Alba Rohrwacher por Hungry Games (no confundir con la de Lawrence).

-San Sebastián abrió sus puertas en este mes y ha congregado a mucho famoso. Denzel Washington fue homenajeado con el premio honorífico del festival en el cual hizo gala de sus gustos por el baloncesto flipando por la derrota de España ante Francia. Antonio Banderas, Arag… quiero decir, Viggo Mortenses, John Malkovick o Willem Dafoe son algunos de los actores que se dejan ver por la playa de La Concha. En el siguiente número os dejamos el palmarés.

Mama, quiero ser actor y y director!

rodaje

Vaya

EL SEPTIM

mes de septiembre hemos tenido con la nueva producción de Marvel Studios, Dr Strange, pero al final parece que el proyecto va a salir a delante. Aunque aún no se conoce ninguna noticia sobre el elenco (aunque se rumorea que Joaquin Phoenix podría ser el elegido-!!! El actor rompe negociaciones con Marvel!!!!), lo que sí que se conoce es que el rodaje comenzará el 8 de julio de 2016, lo que metería este film en la fase 3 de Los Vengadores.

A

Angelina Jolie le ha empezado a coger el gustillo a esto de dirigir. Su siguiente proyecto se llama África, un drama ambientado en los años 80 basado en la historia real del keniano Richard Leakey, un conservacionista que luchaba en contra de la caza furtiva de elefantes. El guión corre a cargo del oscarizado Eric Roth.

A Ben Affleck se le empieza a acumular el trabajo. No tiene suficiente con machacarse en el gym y ponerse a tono para interpretar al Batman de Snyder que encima sigue preparando su siguiente film como directos, Live by night, con quién contará con las guapérrimas Sienna Miller, Zoe Saldana y Elle Fanning. Ben, tanto trabajo no sé si le vendrá bien al papel de Bruce Wayne…

En este apartado no podía faltar nuestro querido, y ya no soltero, George Clooney. El actor está preparando Hack Attack, una adaptación de la novela del periodista Nick Davis y que cuenta lo que pasó con las malas prácticas de las empresas de Rupert Murdoch para sacar noticias sobre famosos, políticos, etc. Este George, siempre tan reivindicativo.

Secuelas, precuelas, reboots y remake

MO FRIKI Y

- a pensábamos que tras la muerte de Tony Scott la secuela de la mítica Top Gun no iba a salir, pero Paramount Pictures no ha querido cerrar el proyecto y ya tiene guionista para la segunda parte, Justin Marks, el cual trabajará sobre el guión que en su día ya escribió Peter Craig. ¿Volveremos a ver a Cruise con las gafas y la chupa de cuero?

-El manga Ghost in the Shell cuenta con una gran legión de seguidores y desde que saliera a la luz la noticia de que iba a adaptarse a imagen real, los fans esperan como locos cualquier noticia. Parece ser que la actriz Margot Robbie, el pibón de El Lobo de Wall Street, está en conversaciones para unirse al elenco y dar vida a Motoko Kusanagi.

-Tenemos una gran noticia para los fans de la saga de Bourne ya que en la quinta entrega podremos volver a ver al director de las tres primeras, Paul Greengrass, y al protagonista de las mismas, Matt Damon. Aún queda en el aire que pasará con la secuela de la cuarta parte El legado de Bourne que cuenta con Jeremy Renner y que retrasó su estreno a 2016. Misterios….

-¿Os acordáis de la saga de miedo Sé lo que hicisteis el último verano?

Pues espero que no mucho porque el productor Mike Flanagan está preparando el remake del film estrenado en 1997. Lo que se sabe por ahora es que Flanagan trabajará con el productor de la original, Neal Moritz, y que lo harán en base al libro en el que estaba basada la historia con el mismo título. ¡Vuelve Jenny!

Hace un tiempo en la Comic-Con de San Diego saltó la inesperada noticia que se estaba preparando un nuevo film dentro de la leyenda de King Kong con título King Kong: Skull Island. El director elegido para la precuela es el desconocido Jordan Vogt-Roberts, conocido por The kings of summer, y atención, el protagonista que acompañará a la bestia peluda es Tom Hiddelton, o el hermano bastardo de Thor, como vosotros queráis. Mira que no tenía ganas de verla pero el 4 de noviembre de 2016 estaré ahí como un reloj.

-¡Chicas! Tengo una buena y una mala noticia. La buena es que la secuela de Magic Mike está en marcha.

Nuestros ojos volverán a ver los entresijos del cuerpo de Channing Tatum, esta vez dirigido por Gregory Jacobs. La mala noticia es que Mathew McConaughey no volverá a repetir su papel. Una auténtica lástima.

-El reboot de los Power Rangers pierde a su productor ejecutivo, Roberto Orci tras tener que centrarse por completo en la producción de Star Trek 3. El 22 de julio de 2015 es la fecha elegida para el estreno del film que aún cuenta con los guionistas de X-Men: Primera generación, Ashley Miller y Zack Stentz, trabajando a tope.

noticias noticiosas

C

NUEVOS PROYECTOS

EL SEPTIM

¡ havalada! Empezar a preparar vuestra paciencia porque la Fiesta del Cine vuelve a finales de octubre.

Los días elegidos son el 27, 28 y 29 y la entrada costará 2’90 €uros.

Orlando Bloom y Michael Douglas

aparecerán en el thriller, Unlocked, dirigida por Michael Apted. Ambos actores se unen Noomi Rapace y se centrará en un agente de la CIA que se verá inmersa en un ataque terrorista.

Martin Scorsese dirigirá a Brad Pitt, Leonardo DiCaprio y Robert de Niro en… ¡Un corto para promocionar un casino! Todo el mundo tiene un precio…

Ya tenemos la película seleccionada para que sea la representante española para los Oscar de 2015. La selección estaba entre 10.000, El niño y Vivir es fácil con los ojos cerrados y al final esta ha sido la elegida por la Academia de Cine Español. ¿Repetirá David Trueba la suerte de su hermano?

ELENA OTEO

MO FRIKI

Las tortugas favoritas por todos vuelven este mes a la gran pantalla y los niños que todavía hay en nuestro corazón no podrán resistirse a acercarse de nuevo a las aventuras de estos amantes de la pizza, tanto es así que la película ha desbancado este verano en las taquillas de Estados Unidos a la esperadísima “Guardianes de la Galaxia”. En Nosolofreak queremos que nuestros lectores vayan al cine bien informados y por eso traemos los datos, anécdotas y curiosidades acerca de este film que todo buen friki debe saber.

Primero fueron los comics, luego la serie de animación nos conquistó a todos y poco después empezaron a llegar las películas que, aunque no destacaron por su calidad técnica ni argumental, entretuvieron lo suyo al público infantil y juvenil durante los 90. En 2003 una nueva animación nos trajo a las tortugas ninja renovadas y en 2007 se estrenó un nuevo film que presentaba a estos mutantes en tecnología CGI. Pero sus fans nunca tu-

vieron suficiente y Jonathan Liebesman, sabiendo que estas tortugas todavía podían tener filón, decidió dirigir una nueva versión junto con Michael Bay como productor. Con respecto al estilo de este nuevo film, poco hay que decir conociendo los precedentes de Bay, de modo que los giros de cámara y las explosiones son las protagonistas. La nueva cinta presenta una combinación de actores reales con la técnica de animación CGI y afortunadamente para muchos, finalmente se descartó la idea de presentar a las tortugas como extraterrestres en lugar de mutantes, existiendo incluso bocetos de diseños con personajes que en nada se parecían a las tortugas a las que desde los cómics estamos acostumbrados. Parece ser que la controversia que esta extraña idea provocó entre sus fans fue tal que se volvió a la idea original a pesar de que Michael Bay había en alguna ocasión hablado de lo genial que le parecía cambiar el origen de las tortugas con declaraciones como ésta: “Cuando vean la película, los niños

van a creer que esas tortugas realmente existen. Son de una raza alienígena y van a ser duras, incontrolables, divertidas y completamente adorables”. Ante estas declaraciones, Internet se convirtió en un hervidero de críticas procedentes de fans asustados y enfadados ante esta licencia y Bay tuvo que justificarse de nuevo: “Los Fans necesitan darse un respiro y relajarse. No han leído el guión. Nuestro equipo está trabajando de manera cercana con uno de los creadores originales de Las Tortugas Ninja para que ayude a expandir y dar una historia más compleja. Relájense, estamos incluyendo todo lo que hizo que se convirtieran en fan en primer lugar. Sólo construimos un mundo más rico.” Finalmente, las tortugas se quedaron en mutantes, y menos mal...

Sin embargo, estas tortugas si presentan cambios con respecto a versiones anteriores, siendo el más significativo el de tener ahora fosas nasales, debido a que Michael Bay pidió tres cosas que deseaba

que tuviesen sus nuevas tortugas: debían ser encantadoras, intimidantes y con características individuales muy claras. Estas tortugas tratan de parecer más vivas y reales y, aunque estos nuevos rasgos también han sido criticados por algunos fans, lo cierto es que al visionar la película no se hace extraño el nuevo “look” de las tortugas con aspecto más humanoide. Los personajes siguen manteniendo más o menos su personalidad, siendo Miguel Ángel quien más destaca por ser el bromista y tener más peso en el diálogo, Leonardo es el líder y Rafael parece ser más agresivo en esta versión, mientras que Donatello pasa un poco más desapercibido, pero en general, al igual que en versiones anteriores, resultan divertidas y tienen sentido del humor. Gusten más o menos estas tortugas, el hecho es que Liebesman afrontó el proyecto con total implicación e ilusión puesto que asegura que las tortugas ninja son los mejores personajes con los que ha tenido la oportunidad de tratar. Por otro lado, la elegi-

da para encarnar a April O´Neil es Megan Fox, al parecer musa oficial de Michael Bay, que aparece en bastantes escenas pero de la cual, a pesar de su belleza, muchos fans reclaman menos presencia para dedicar más fotogramas a las tortugas ya que, cuando se cruzan con ella, la cinta empieza a enfocarse en la reportera tratando de revelar la existencia de los mutantes y su conexión con ellos, algo que ya se vio un poco en “Transformers” donde también se centra la acción más en los humanos que en los elementos que dan nombre a la cinta.

Si esta película trajo polémica ya antes incluso de producirse, debido a las primeras ideas argumentales y de diseño, tampoco se quedó corta de controversia en sus primeros intentos de promocionarse. Un póster promocional tuvo que ser retirado debido a que mostraba a las tortugas saltando de un edificio en plena explosión y la fecha de estreno proyectada para Australia (11 de septiembre) rezaba en el mismo. La sensibilidad norteamericana en lo que a los atentados a las torres gemelas se refiere sigue estando tan latente que pronto las redes sociales se llenaron de la renuncia del público en general y Paramount Pictures se disculpó en un comunicado de prensa: “Sentimos profundamente haber usado ese diseño para promocionar el estreno”.

El público que ya ha visto el film asegura en su mayoría que la mejor escena protagonizada por las 4 tortugas es “la del ascensor” que aparece en uno de los videos promocionales y en la cual Miguel Ángel rompe el típico silencio incómodo que se produce en los ascensores con un rap que termina con un número de beatboxing.

Lo cierto es que la cinta está arrasando en las taquillas de medio mundo, a pesar de tener una crítica pobre, justificada por su guión más bien plano y su argumento bastante predecible y ya se ha confirmado que en 2016 (si no hay retrasos) se estrenará una secuela con Michael Bay como productor de nuevo y con Jonathan Liebesman todavía por confirmar. Este éxito puede deberse probablemente a la

nostalgia del público contemporáneo a la serie y películas de hace 20 años y también a que las tortugas ninja tienen todos los ingredientes para atraer a la nueva generación de niños y adolescentes. Entretenida, efectiva visualmente y con aroma a nuestra infancia, si bien no merece un Oscar, al menos sí tiene bien merecido el visionado por parte de quienes flipamos antaño con las aventuras de estas divertidas tortugas y que cada uno decida si gritar o no eso de !Cowabunga!

ROSA MARÍA CORTÉS

Aprovechando

el

próximo

CLINT EAS CLaSIC

estreno en cine de “Jersey

biopic musical Boys”, ambientado en los años 50 y basado en la vida de Frankie Vallie, recurrimos a una de las figuras más eminentes e incombustibles del panorama fílmico contemporáneo, un autor total, forjado en los últimos estertores de la época dorada de un Hollywood predispuesto ya para afrontar un modelo de cambio válido, a caballo entre el clasicismo y las más rabiosa, - a la vez que pujante - modernidad.

Y es que pocas leyendas pueden presumir de un curriculum a la altura de Clinton Eastwood Jr., que ya en sus orígenes como actor, supo rápidamente situarse en el subconsciente colectivo, gracias a la construcción arquetípica de un héroe llamado a ocupar, por méritos propios, un lugar de privilegio entre los tipos más duros de la historia del celuloide.

Pero si

fascinante resulta recurrir a su análisis como interprete, no menos relevante es señalar su faceta como realizador, que ya desde sus más tempranos orígenes, mostraba una sana inquietud por homenajear sus más notorias influencias, plantando la semilla de un estilo que acabaría por germinar de manera deslumbrante en el otoño de su carrera.

Ante la enorme dificultad que plantea una filmografía tan extensa, os proponemos un viaje por la obra de tan genial personaje, haciendo altos en el camino para atender únicamente los trabajos de mayor importancia con al más de detalle, pero sin dejarnos

nada en el tintero, priorizando los dos aspectos más destacados en su carrera, su faceta como director y actor, afluentes que siempre han caminado de forma paralela, y que seguro muchos no han sabido diferenciar ante el poder de tan prolífica e incombustible presencia.

ORÍGENES: DE SERGIO A DON Con una estatura de 1’93 metros, un joven aspirante a actor consigue cuando menos llamar la atención, pero los comienzos de Clint Eastwood fueron realmente complicados, las audiciones a las que se presentaba, y por las que consiguió pequeños papeles

STWOOD: EL uLTIMO CO VIVO DEL CINE

Por Antonio Alcaide

en

producciones

menores

tales como “TARÁNTULA” (1955), no cosecharon más que criticas negativas entre los responsables de valorar su trabajo, esto es, los directores de casting, que comenzaron a utilizar su nombre como sinónimo de actor pétreo y falto de expresividad.

su compañero de reparto, y el resto, pertenece hoy día al terreno de la leyenda.

LA TRILOGÍA DEL DOLAR Poco

podían

implicados

en

pensar

“POR

los

UN

llamado a marcar un nuevo rumbo para el género, que reclama ya un mayor realismo en sus argumentos y formas estéticas.

“Quise interpretarlo con pocas palabras y crear todo este sentimiento a través de la actitud y el movimiento”

“Durante mi infancia mi actor favorito era alguien totalmente opuesto a mi, James Cagney, me gustaba también Henry Fonda, por su capacidad de incorporar papeles muy distintos entre sí. Las uvas de la ira de John Ford fue una película que me impresiono mucho de niño, me leí todos aquellos libros de Steinbeck, también recuerdo a mi padre llevándome a ver “El Sargento York”, esa era de Howard Hawks” A finales de los 50 consigue un papel en la televisión, dando

Rowdy Yates en la serie de la cadena CBS “Rawhide”,

vida

al

vaquero

un papel que le proporciona fama, pero del que acabaría renegando años más tarde, por lo blando que resultaba su argumento y su exposición, claramente situado en las antípodas que Eastwood buscaba desarrollar como interprete.

“En Rawhide me cansé de interpretar a un buen tipo, al héroe que besa ancianitas, perros y es amable con todo el mundo, decidí que era el momento de ser un antihéroe” El protagonista de “Rawhide” era el actor Eric Fleming, que a finales de 1963, con la serie en horas bajas, fue tentado por una producción italiana rodada en suelo español, pero rechazó el estrambótico proyecto, dejando vía libre a

PUÑADO DE DOLARES”

(1964), versión libre y descarada de “Yojimbo” (1961) del maestro Akira Kurosawa, el éxito que la cinta iba a tener a nivel internacional, un film que además elevaba a categoría superior el subgénero denominado Spaghetti-Western, a mayor gloria de su realizador, el mítico Sergio Leone.

Un film que se beneficia de la intensidad y la motivación de un actor convencido para la causa, Clint Eastwood se lía la manta a la cabeza, y se lanza a la aventura en el desierto de Almería para dar vida a ese

“hombre sin nombre”, prototipo perfecto de antihéroe

La historia del mercenario oportunista, que aprovecha la rivalidad entre dos familias de un pueblo localizado cercano a la frontera mexicana, hace alarde de la complicidad entre interprete y director, que buscan nuevas formas imaginativas con las que configurar el alcance del personaje, con la clara intención de darle una continuidad.

Es así como con pequeños detalles, tales como el famoso poncho, que según cuenta la leyenda, fue adquirido por el actor en un mercadillo almeriense, o la insistencia de Leone para convertir al personaje en fumador, -

Eastwood no fumaba en la vida real - se construye un icono de alcance imperdurable en el imaginario colectivo.

Del resto se encarga el otro elemento indivisible en este triángulo legendario , el maestro Ennio Morricone, regalando una de sus genuinas composiciones musicales.

Con tales argumentos de

comercial, que hizo de oro al mítico director nipón.

enfrentamiento emocional.

“Era el tipo de personaje que yo había imaginado desde hacía tiempo, “LA MUERTE TENÍA UN rodeado de misterio y PRECIO” (1965), intenso que alude a lo que había western generacional que sucedido en el pasado” Apenas un año fue necesario para lanzar un segundo título camino de la trilogía,

mejoraba los registros de su antecesora, gracias a un

“Durante mi infancia mi actor favorito era alguien totalmente opuesto a mi, James Cagney, me gustaba también Henry Fonda, por su capacidad de incorporar papeles muy distintos entre sí”

Repite como villano el actor italiano Gian Maria Volonté, y se añade de la figura de Lee Van Cleef, ambos personajes, el Indio y el Coronel Mortimer, culminan un inolvidable duelo final en el que la venganza, verdadero hilo conductor del argumento, adquiere tintes de pura épica.

Ennio Morricone construye nuevamente una BSO impecable, llamada a ocupar los mejores registros de su magnífica filmografía, un perfeccionamiento que se hace extensible al puso firme de Sergio Leone tras la cámara, mucho más esforzado en su particular batalla por dejar un valioso legado de originalidad, homenajeado en el cine moderno hasta la extenuación por grandes realizadores como Quentin Tarantino, devoto creyente de los silencios previos y los primeros planos llenos de tensión contenida.

Como se suele decir, no hay dos sin tres, y subidos, nunca mejor dicho, a un caballo ganador, el equipo comandado por Leone culmina con “EL

BUENO, EL FEO Y EL MALO” (1965), un

peso, no es de extrañar que el éxito de la cinta llevara al propio Kurosawa a iniciar una demanda por plagio, que acabo solventándose con la concesión de los derechos de estreno en Japón, en un acertado movimiento

montaje prodigioso, una mayor profundidad en el perfil de sus dos personajes secundarios, torturados hasta la médula, y donde solo el hombre sin nombre parece permanecer ajeno, dispuesto a sacar tajada de tan peculiar

trabajo final que funciona como una precuela, llamada a arrojar algo de luz sobre un personaje, el misterioso hombre sin nombre, al que vemos como “el rubio”, un cazarrecompensas sin moral, asociado con Tuco, al que da vida el actor Eli Wallach,

recientemente

fallecido,

y

donde Lee Van Cleef, tercero en discordia, compone un villano soberbio en la figura de Sentencia.

“Sentía que cuanto menos decía, más fuerte se hacía y más crecía en la imaginación de los espectadores” En esta ocasión, la historia se transfigura hacia un poderoso ejercicio de estilo, y el sudor y el polvo del desierto almeriense funcionan como catalizador del mejor cine de aventuras, donde no falta uno de los elementos habituales que configura tal genero, un tesoro en forma de caja de dólares confederados.

Ennio Morricone tambien raya al mejor nivel en la partitura musical del que sin duda, es el mejor título de esta trilogía del dólar, el trampolín perfecto para el regreso triunfal de Clint Eastwood a un Hollywood que le esperaba con las puertas abiertas.

En 1968, ya de vuelta a casa, el actor participa en

“COMETIERON

DOS

ERRORES”

de Ted Post, un entretenido pero irregular híbrido entre Spaguetti y Western norteamericano convencional,

DESAFÍO ÁGUILAS”

y

DE

en

“EL

LAS

de Brian G. Hutton, cine bélico en el que comparte protagonismo junto a Richard Burton.

Pero sin duda, el hecho más destacado del año, es su primera colaboración con el director Donald Siegel en

“LA JUNGLA HUMANA”, en el que da vida a un Sheriff de Arizona llegado a Nueva York en la búsqueda de un peligroso criminal, un policiaco que siembra la semilla del inspector Harry “el sucio” Callahan, y le une a la segunda personalidad más influyente de sus comienzos.

No es casualidad, que años más tarde, dedique “Sin Perdón”, una de sus obras maestras más reconocibles, con una frase breve, pero muy reveladora y emotiva, que versa de la siguiente manera:

“Para Sergio y Don”

EL PASO CORRECTO EN LA MEJOR DIRECCIÓN Si hay algo que se cumple a la perfección en Clint Eastwood, esto es el haber sabido invertir en si mismo desde prácticamente los orígenes, y apostar por su talento por encima de cualquier crítica o menosprecio a tal efecto.

Es así, como el dinero de anteriores trabajos y la suma recién adquirida por su trabajo en la trilogía del dólar, es invertido por el actor en la constitución de una productora propia en 1967, llamada Malpaso, en referencia a un barrio situado en la ciudad californiana de Carmel, de la que Eastwood ha llegado incluso a ser alcalde, y en la que ha pasado gran parte de su vida.

Las mencionadas “Cometieron

dos errores” y “La Jungla humana” son ya producciones Malpaso, a estas les siguen “LA

LEYENDA DE LA CIUDAD SIN NOMBRE” (1969) de Joshua Logan, un fallido y larguísimo Western musical de casi tres horas, convertida hoy en película de culto, y homenajeada incluso

(1970) de Don Siegel, un Western de acabado clásico, que guiña al Spaghetti en detalles como la partitura del genial Ennio Morricone.

“LOS

KELLY”

VIOLENTOS

DE

(1970), brillante y divertido film bélico con el que el actor repite a las ordenes de Brian G. Hutton, es el título que funciona como preámbulo a 1971, uno de los años más importantes en la vida de

EL SUCIO”,

de Don Siegel, icono del cine policiaco, que nos regala uno de esos personajes imborrables para la memoria cinéfila, la del inspector Harry Callahan y sus métodos poco ortodoxos en la lucha contra el crimen.

“Se lo que estas pensando, si dispare la en Los Simpsons, y “DOS seis balas o solo cinco, la MULAS Y UNA MUJER” verdad es que con todo Eastwood, al estreno de “EL este ajetreo también yo SEDUCTOR” de Don Siegel, he perdido la cuenta, un perverso e injustamente pero siendo este un olvidado Western romántico, Magnum 44, el mejor ambientado en plena Guerra revolver del mundo, de Secesión, se une el primer trabajo como realizador, capaz de volarte los protegido por la seguridad sesos de un disparo, ¿no de su propia productora, crees debieras pensar “ESCALOFRÍO EN LA que eres afortunado?, NOCHE”, un inquietante ¿verdad que sí vago?” film de suspense, coloca al interprete tras la cámara y frente a ella, en un juego a dos bandas que se convertirá en una constante habitual a lo largo de toda su filmografía.

“Siempre he pensado que todo actor debería en algún momento de su vida dirigir una película, o al menos intentarlo, y que cada director debería actuar, de este modo, sería mucho más fácil para todos comprender en qué consiste el proceso de hacer cine” Por si eso fuera poco, a finales de año se estrena “HARRY

“Sentía que cuanto menos decía, más fuerte se hacía y más crecía en la imaginación de los espectadores”

La ciudad de San Francisco, lugar de nacimiento de Eastwood, sostiene el pulso firme de Siegel como realizador, y la música del gran Lalo Schifrin, colaborador habitual, hace el resto en un film polémico a la par que poderoso, del que años más tarde supimos, gracias al maestro David Fincher y su “Zodiac” (2007), estaba basado en hechos reales.

Como anécdota, Paul Newman, Frank Sinatra y John Wayne fueron candidatos a inspector Callahan en un principio, en mayor o menor medida, todos lo rechazaron por considerarlo perjudicial para su imagen, solo Sinatra estuvo apunto de aceptarlo, pero una fractura en una mano le hizo desistir finalmente, dejando el papel al alcance de Clint Eastwood, que lo convirtió en una de sus imágenes más reconocibles como actor.

Debido a su violencia, La cinta fue prohibida en Finlandia durante un año, y censurada en países como Noruega y Portugal, curiosamente, nuestro moribundo régimen franquista permitió su estreno sin restricciones, por mostrar una extrema mano dura contra los delincuentes, algo muy del gusto de cualquier forma de gobierno de corte dictatorial.

Los siguientes trabajos de Eastwood son sendos Western, que inciden en la figura del cowboy duro y rocoso que el publico reclama al actor, así

“JOE KIDD” (1972), de John Sturges, un film menor y poco estimulante, da pie a su segundo trabajo como realizador,

“INFIERNO

DE COBARDES”

(1973), homenaje pleno y deudor del cine de Sergio Leone, que se beneficia de una mirada libre,

perturbadoramente cómica, apoyada por alguna que otra secuencia impactante. Ese ángel exterminador al que da vida Eastwood, se muestra como un nítido antecedente del predicador al que dará vida años más tarde en “El Jinete Pálido”.

“Quizás lo habría rodado distinto si lo hiciera ahora, tal vez omitiría la escena de la violación” 1973 supone también el regreso del actor al personaje del inspector Callahan, en

“HARRY EL FUERTE”, de Ted Post, un film inferior al original, que cuenta con la presencia de dos pesos pesados de la talla de Michael Cimino - “El Cazador” y de John Millius, - “Conan El Bárbaro” - como guionistas.

En parte, la idea de retomar un vehículo de éxito como “El Sucio”, obedece a que Eastwood estrena su tercera película como realizador, “PRIMAVERA

EN OTOÑO”,

un drama romántico que por primera vez, no cuenta con el actor como protagonista, dejando a William Holden para tales menesteres.

Una decisión arriesgada contra la que c o n v i e n e tener un plan alternativo que proporcione beneficios.

En 1974, Eastwood se pone a las

órdenes de Michael Cimino

BOTÍN DE 500.000 DÓLARES”, un en

“UN

film dinámico sobre el robo a un banco, que se beneficia de la química entre el actor y un joven Jeff Bridges, que obtuvo una nominación al Oscar por el papel de Lightfoot.

“LICENCIA PARA MATAR” (1975), es el siguiente trabajo de Clint Eastwood como actor y director, una cinta de espionaje que ha envejecido fatal, y donde apenas se pueden salvar algunos momentos de su trama o la siempre prodigiosa partitura de John Williams.

“EL FUERA DE LA LEY” (1976) es la quinta película de Eastwood como director, un Western que comenzó a rodar Philip Kaufman, guionista del film, pero que acabo rematando el actor, que arrastra la obra

“Quizás lo habría si lo hiciera a omitiría la escena a su terreno, con una visión que en este caso, peca de un excesivo conformismo rutinario, para una historia que indudablemente, daba para mucho más. Con todo, la prestigiosa revista “Time” la incluyó en su lista de 10 mejores películas del año.

El tercer capítulo de las aventuras de Harry Callahan llega ese mismo año con el nombre

de

“HARRY,

EJECUTOR”,

EL

dirigida por James Fargo y Robert Daley, sin duda, la entrega de “El Sucio” más floja hasta la fecha, pero

películas de genero carcelario jamás filmadas, la solidez y sobriedad con la que es tratada la historia, son dignas del propio actor, y sin duda influyeron en su etapa posterior como realizador.

La cinta fue rodada en la auténtica prisión de Alcatraz, y narra el único intento de fuga parcialmente exitoso realizado en la roca, justo un año antes de ser clausurada por ser considerada inhumana en su trato a los reos.

Ninguno de los actores usaron dobles en las escenas de riesgo, algo que era algo habitual en Eastwood, que durante muchos años renunció al uso de los mismos, rodando personalmente todas sus secuencias de peligro.

a rodado distinto ahora, tal vez a de la violación” Sobre Infierno de Cobardes que, curiosamente, obtiene mejor rendimiento en taquilla que sus antecesoras.

En 1977, Clint Eastwood se pone tras la cámara por sexta vez para dar vida al detective Ben Shockley en

“RUTA SUICIDA”, enérgico policiaco en el que comparte protagonismo con Sondra Locke, su pareja sentimental con la que ya había trabajado previamente en algunas de las mencionadas. La parte final, con el autobús blindado recorriendo las calles de Phoenix lentamente mientras

es brutalmente tiroteado, pertenecen ya a los mejores momentos filmados por el realizador.

Un año más tarde, Eastwood se mete en la piel de Philo Beddoe,

para “DURO DE PELAR” (1978), de James Fargo, un papel muy arriesgado en una comedia muy simplona, cuyo mayor aliciente reside en Clyde, un orangután con más registros que muchos de los que en ella participan. El film fue duramente vapuleado por la crítica, pero resultó ser todo un éxito de taquilla, demostrando el idilio entre el público y el actor.

Como broche final a la década de los 70, Clint Eastwood se pone, por quinta y ultima vez, a las órdenes de Donald Siegel en “FUGA DE ALCATRAZ” (1979), una de las mejores

La llegada de los 80 suponen un cierto grado de deterioro en la figura de Clint Eastwood, en un momento de plena revolución cinematográfica, con un buen puñado de directores emergentes aportando visiones mucho más innovadoras, todo ello sumado al hecho de que la edad no perdona. Es así como como”BRONCO

títulos

BILLY” (1980) , fallido western cómico/circense, que supone su séptima película como

realizador,

o

“LA

GRAN PELEA” (1980), de Buddy Van Horn, secuela de “Duro de pelar”, son acogidas con mayor frialdad de la esperada. Hecho confirmado

en 1982 con “FIREFOX”, su octavo film tras la cámara, una cinta de acción situado en plena guerra fría, que pone de manifiesto todos los defectos expresados en este párrafo.

De

1982

es

también

“EL

AVENTURERO MEDIANOCHE”,

DE

novena película como director de Eastwood, en la que comparte protagonismo con su hijo Kyle, más tarde reconvertido a compositor de cámara de su padre. Un drama profundamente triste y excesivamente personal, que adolece de falta de experiencia, pero deja entrever detalles que posteriormente serán

elevados a categoría de arte con la llegada de la veteranía.

Para superar el bache, Clint Eastwood vuelve al personaje de Harry el sucio en 1983, convirtiendo

“IMPACTO

SÚBITO” en su décima película como realizador, un film sencillo, que minimiza los riesgos argumentales en favor de una trama convencional y efectiva, justo lo que Malpaso

necesitaba en ese momento, un éxito rápido con el que compensar los desajustes económicos.

Algo

parecido

supone

la

participación en “CIUDAD

MUY CALIENTE” (1984) de Richard Benjamin, un olvidable policiaco que le une a Burt Reynolds en un intento de aprovechar el tirón de ambos actores, o la producción

de

“EN

FLOJA”

LA

CUERDA

(1984) de Richard Tuggle, un interesante Thriller psicológico, tensionado y pleno de violencia, que pese a lo polémico de su planteamiento, consiguió el reconocimiento de la crítica y del público, permitiendo a Eastwood afrontar nuevos retos personales.

EL PUNTO DE INFLEXIÓN En un momento en el que Hollywood había dado la espalda al cine del oeste, Clint Eastwood, en su onceava película como realizador, reinventa el género con el predicador de “EL

PÁLIDO” personaje

JINETE

(1985), oscuro y

un sin

nombre, que homenajea de forma directa sus comienzos como actor, pero adquiere una dimensión genuina, gracias a la adecuada frialdad en la puesta en escena, que ayuda a intensificar el alcance de su mensaje.

“Y contemplé un caballo pálido, y el nombre de su jinete era la muerte, y el infierno le seguía” Un film que se debe considerar

como el antecedente más claro de “Sin Perdón”, y que ayuda a sentar las bases de un estilo más depurado en el universo Eastwood, gracias a un gusto exquisito por los matices, trazados con pinceladas sutiles tales como el hecho de presentar a este protagonista como un fantasma del pasado, un ser sobrenatural llamado a impartir venganza entre los más desfavorecidos, y todo ello sin tener que recurrir a

papeles protagonistas, el del malhablado sargento de artillería Highway, que han pasado ya a formar parte de la iconografía de toda una generación.

“Quiero decir que tengas cuidado, que tengo mucha mala leche, ¿sabes? Como alambre de espino y meo napalm, y puedo traspasar el culo de una pulga de un tiro a 200 metros, así que vete a machacártela por ahí, cara de perro, antes de que te rompa los morros” Quizá el mayor mérito de la cinta, sea la habilidad

“Y contemplé un caballo pálido, y el nombre de su jinete era la muerte, y el infierno le seguía”

ningún exceso, esgrimiendo como recurso la contención, el mejor arma con el que hacer notable una propuesta de tales características.

En 1986, “EL

SARGENTO

DE HIERRO”, su película numero doce como director, culmina un viejo sueño de Eastwood por llevar a la pantalla su propio film bélico, reservándose uno de esos

de Eastwood para pasar por encima de un guión convencional, y llevarlo al terreno de un humor cincelado a golpes de mala leche, no hablamos ni mucho menos de un título memorable, pero es indudablemente uno de sus trabajos más eficaces y de mayor alcance.

Situado nuevamente en una cómoda posición, Clint Eastwood afronta la despedida del personaje de Harry Callahan

NEGRA”

en

“LA

LISTA

(1988), de Buddy Van Horn, última película sobre un personaje deseado,

pero que ya mostraba claros signos de agotamiento tras cinco entregas. Seguramente, Eastwood pensaba en el colchón de tranquilidad que proporciona tener a “El Sucio” como aliado, sobre todo si vas a estrenar ese mismo año un

film como “BIRD”, biografía del saxofonista Charlie Parker, que supone su decimotercera incursión tras la cámara.

Un trabajo impecable y convincente, suspendido en una corriente dramática de altísimo nivel, beneficiado por la sobrecogedora interpretación de un Forest Whitaker en estado de gracia, papel por el que obtuvo la prestigiosa Palma de Oro en Cannes a mejor actor.

La cinta está considerada, de forma merecida, como una de las mejores, por no decir la mejor obra sobre Jazz jamás filmadas, en parte porque no huye al mostrar el alma atormentada del artista, siempre propensa a la auto destrucción, por esa incapacidad de poder soportar la terrible banalidad que supone la vida cotidiana.

Con una obra de tal calibre, es hasta perdonable un patinazo de

la

envergadura

CADILLAC ROSA”

de”EL

(1989) de Buddy Van Horn, una road movie sin pizca de gracia y muy mal ejecutada. Solo la amistad de Eastwood con el realizador, con el que ya había trabajado previamente, puede explicar su concurso en tan mediocre producción.

LA HORA DEL CAZADOR: DE JOHN HUSTON A SIN PERDÓN

En 1990, Clint Eastwood se

la juega con “CAZADOR

BLANCO, CORAZÓN NEGRO”, su película numero

catorce como realizador, un film colosal, que rinde un sentido homenaje a John Huston, mítico autor que siempre ha sido un referente declarado para el director.

El convulso rodaje de “La Reina de África” (1951), uno de los títulos mas reconocibles de Huston, sirve como motor de una historia centrada en detallar los rasgos de tan excelsa personalidad, a través de un guión bien trabajado, que respira cinefilia pura, y donde los diálogos se muestran acompasados y plenos de virtuosismo. “¡Al diablo la esperanza!, yo moriré solo en algún sucio hotelucho de Los Angeles, no quiero ser amargo, habré contribuido a unas 5 o 10

Bajo el seudónimo de John Wilson, Eastwood construye la figura de Huston con respeto y admiración, tomando el testigo del mismo, y autoproclamado, de forma legitima y absolutamente merecida, como su único y digno sucesor, por eso resulta indiscutible señalarle como el último clásico vivo del cine contemporáneo.

En la previsión acertada de que el film resultaría un sonoro batacazo, el director ya tenía preparado

pleitesía de manera consciente ni inconsciente a ninguna corriente externa, erigiéndose como un título impregnado de pura autenticidad por parte de su autor.

“A

La desmitificación de un género, de manos del único director legitimado para acometer tal empresa, apoyado en un guión magnífico de David Webb Peoples, fabricado para borrar de un plumazo todo rastro romántico que pudiera

“EL PRINCIPIANTE”, su película número 15, para estrenarla el mismo año, un policiaco rutinario en el que compartía protagonismo con Charlie Sheen, y que no obtuvo la taquilla esperada, lo que hizo pensar a Eastwood que desde ese momento, no rodaría más cintas para intentar paliar presumibles fracasos paralelos.

“Para m era jus quería que yo buenas películas, darán mi nombre a un premio especial de la Academia, ¿y sabes una cosa? se lo darán a un incompetente, y yo estaré en el infierno cagándome de risa”

Tras un paréntesis de un año, Clint Eastwood presenta en 1992 su decimosexto film como realizador, “SIN

PERDÓN”, un western crepuscular, que ya no rinde

quedar sobre el cine del oeste, solo Eastwood es capaz de poner fin a la leyenda, sin perder por un instante de vista la sobriedad y la épica requeridas, para convertirla

Así es, he matado mujeres y niños, he disparado contra cualquier cosa que tuviera vida o se moviera, y hoy he venido a matarle a usted” en una de las mayores obras maestras de la historia del Séptimo Arte.

justo el western que quería hacer, tenía todo lo que yo sentía acerca del género”

“Cuando compré el guión de Sin Perdón, me atrapó la idea de un personaje central atrapado por su pasado, he

Del resto se encarga un reparto que raya a un nivel sobresaliente, donde destacan Morgan Freeman o Richard Harris, y claro está, el protagonismo del propio Eastwood, impecable como William Munny, un papel con el que el consiguió la primera nominación al Oscar como mejor actor de su carrera. En un estadio más elevado de perfección, Gene Hackman dibuja un retrato prodigioso en la piel de Little Bill, el otro reflejo más nítido que contiene Sin Perdón respecto a personajes en peligro de extinción, devorados por un progreso, que ya no deja apenas lugar para arrebatos de violencia, más propios de una pretérita y moribunda época salvaje.

mí, en ese momento sto el western que hacer, tenía todo lo o sentía acerca del género” tenido la suerte de poder dirigir en varias etapas de mi vida, en las que he podido reflejar los distintos ciclos que he atravesado como persona.

Para mí, en ese momento era

La partitura minimalista de Lennie Niehaus, habitual del realizador, asoma de forma sutil, siempre como motor de paisajes, o sencillamente en su prólogo o epílogo, en un esfuerzo por contener el desarrollo narrativo y nunca alterar la fuerza natural de sus escenas más memorables,

esas que toman una dimensión de grandeza desproporcionada en su parte final, inolvidable conclusión que justifica por completo todas las decisiones argumentales de la cinta.

- “Es usted un miserable hijo de perra, ha matado a un hombre desarmado” - “Pues debió haberse armado, cuando decidió decorar su Salón con mi amigo” - “Usted es William Munny, de Missouri, el asesino de niños y mujeres” - “Así es, he matado mujeres y niños, he disparado contra cualquier cosa que tuviera vida o se moviera, y hoy he venido a matarle a usted, por lo que ha hecho a Ned”

“Sin Perdón” obtuvo 9 nominaciones de la Academia, y se alzó con 4 estatuillas, las de mejor película, mejor director, mejor actor de reparto para Gene Hackman, y mejor montaje, - para Joel Cox, su editor habitual consagrando a Clint Eastwood como definitivo valor fílmico del cine contemporáneo.

LA INDUSTRIA RENDIDA A SUS PIES El año posterior a la resaca de Sin Perdón, deja dos trabajos notables por parte de Clint Eastwood, uno como actor para “EN

DE

FUEGO”

LA LINEA (1993),

de

Wolfgang Petersen, eficaz thriller policiaco que le sitúa como agente del servicio secreto, y le enfrenta a John Malkovich, un asesino que pretende sumarse a la lista de magnicidas norteamericanos, ejecutando al presidente de los EEUU.

serie de títulos irregulares, que desnivelan un tanto el listón alcanzado hasta ese momento, películas como “MEDIANOCHE

EN EL BIEN Y

JARDÍN DEL DEL MAL” (1997), un sólido

La con

cosa

no

mejora

“EJECUCIÓN

INMINENTE”

(1999), su vigésimo primer film como director, un trabajo con enormes posibilidades, como es un personaje principal, interpretado por el propio

El otro como realizador, en

“UN MUNDO PERFECTO” (1993), brillante road movie criminal, que esconde uno de los mejores retratos sobre perdedores de la década, en ella, Eastwood se reserva un papel secundario, cediendo el protagonismo a un Kevin Costner en el momento de mayor éxito como actor.

En 1995, Clint Eastwood lleva a la pantalla la novela de Robert James Waller titulada

“LOS

PUENTES

DE MADISON”,

un intenso drama romántico que incide en uno de los temas más recurrentes en la filmografía del director, el de la vejez.

El romance otoñal entre Robert y Francesca, nos deja una faceta casi desconocida en el Eastwood actor, que sabe mostrarse vulnerable y entregado a la causa de un estilo de cine muy del gusto de las féminas. Meryl Streep hace el resto en un film sereno y bien perfilado, que contiene alguna secuencia memorable en su metraje.

- “Reconozco haber llorado sinceramente al ver Los Puentes de Madison” (Steven Spielberg) Los siguientes años que transcurren desde finales de los 90 a principios del nuevo milenio, dejan una

pero distante drama judicial sureño, de metraje excesivo,

o “PODER ABSOLUTO”, también del 97, un film entretenido pero de escasa credibilidad, sobre un ladrón, al que da vida el propio Eastwood, que presencia un crimen cometido por el propio presidente de los EEUU, manifiestan ese mencionado bajón en la filmografía del cineasta. Son sus trabajos números 19 y 20 como realizador.

Eastwood, lleno de fuerza y carisma, lastrado por un final inverosímil y absolutamente desacertado.

Para su película número 22 tras la cámara, Eastwood elige un vehículo de acción, en la forma de aventura espacial, que le une a otros actores veteranos como Tommy Lee Jones o Donald Sutherland,

COWBOYS” “SPACE (2000), incide nuevamente en el tema de la vejez y las

“R

segundas oportunidades, sin alcanzar un acabado memorable, pero jugando con el humor y la veteranía como mejores argumentos.

“No hay betún suficiente para oscurecer mi pelo, ni lija tan potente como para suavizar todas mis arrugas” Menos afortunada resulta su vigésimo tercera cinta como

DE

realizador,

SANGRE”

“DEUDA

(2002), un policiaco menor, excesivamente común y rutinario, que en ningún caso alcanza el nivel deseado.

“MYSTIC RIVER” (2003), el regreso de la mejor versión del director desde “Sin Perdón”, un drama criminal de alto voltaje, que ante todo, profundiza en la psique torturada de sus personajes de manera contundente, alejándose por completo de cualquier convencionalismo.

“Me gusta lo que es bizarro, inusual, todo el mundo intenta contar historias nuevas, pero lo más probable es que esas historias no existan, lo que sí hay son formas distintas de contar esas historias,

maneras novedosas de estilizar los relatos y hacerlos interesantes” En un alarde de autor total Eastwood se atreve incluso con la partitura musical de la cinta, consiguiendo un resultado sorprendentemente notable en ese apartado, y para no distraer la atención de su argumento, se hace sabiamente a un lado en capitulo interpretativo, entregando el protagonismo a dos viejos conocidos.

Y es que Sean Penn ya había

CAMINO A LA INMORTALIDAD Quizá en la propia conciencia de haber descuidado un tanto la seriedad de las propuestas, Clint Eastwood decide afrontar nuevas corrientes, y oscurecer profundamente su visión, para ello nada menor que recurrir a los guionistas más capaces del momento, a los que exprime al límite para desarrollar, con el máximo virtuosismo posible, su discurso como realizador.

Es así como Brian Helgeland, responsable del guión de la magnífica “L.A. Confidential” (1997), adapta la novela de Dennis Lehane, y entrega a Eastwood el texto de

Reconozco haber llorado sinceramente al ver Los Puentes de Madison” Steven Spielberg

trabajado a las órdenes de Tim Robbins en “Pena de Muerte” (1995), y volver a encontrarles como compañeros de reparto supone una verdadera filigrana cinéfila, perpetrada a tres bandas con Clint Eastwood en brillante complicidad, en uno de esos ejercicios llamados a intensificar los retos formales planteados en un principio, algo que acaba por arrojar, de manera natural y acompasada, unos resultados de notable superioridad.

igualmente vapuleado por el intenso dramatismo que de su argumento se desprende.

“Lo que más me interesó es el hecho de que no se trata de una historia de boxeo, es una historia de amor sobre una persona

concurso actoral a la altura de las circunstancias, el trio formado por el propio Clint Eastwood, que obtuvo la segunda nominación al Oscar de su carrera como mejor interprete, Hilary Swank y Morgan Freeman, o lo que es lo mismo, Frank, Maggie y Scrap, culminan un triángulo dorado lleno de soberana grandeza, que en parte,

“Mystic River” obtuvo seis nominaciones al Oscar, que incluía los de mejor película y mejor director, y proporcionó a Penn y Robbins sendas estatuillas como mejor interprete y mejor actor de reparto.

Tras esto, y siendo honestos, pocos podían esperar que su siguiente película como realizador, la número 25, resultara tan contundentemente redonda, a través de un guión de Paul Haggis, que adapta el relato de F.X. O’Toole, Eastwood construye

“MILLION

DOLLAR BABY” (2004), un

film ambientado en el mundo del boxeo, que esconde en realidad una prodigioso tratado sobre el dolor y la redención.

Por los ecos de su metraje, transita la memoria de “Fat City” (1972) de John Huston, uno de esos ensayos sobre perdedores, al que unen muchos puntos en común con el film que nos ocupa. Ambos radiografían, con enorme habilidad y paciencia, la complejidad de sus personajes, esos que, maltratados en mayor o menor medida por los golpes de la vida, encuentran una complicidad absoluta con un espectador

atormentada por la falta de comunicación con su familia, que descubre a una hija adoptiva en esa chica obsesionada con dejar huella en el mundo del boxeo” Como elemento fundamental, se hacía obligado un

redime al cine norteamericano de toda la frivolidad con la que generalmente suele tratar sus perfiles humanos.

“El boxeo es un acto antinatural porque todo va al revés, si quieres desplazarte hacia la izquierda, no das un paso a la izquierda, cargas sobre el pie derecho. Para desplazarte hacia la derecha usas el pie

izquierdo, en vez de huir del dolor como haría una persona cuerda, das un paso hacia el.

En el boxeo todo va al revés” Nuevamente, Eastwood se ocupa de la Banda Sonora con enorme virtuosismo, utilizando una sensible pieza de piano, que deriva hacia otra orquestal, impregnada de

Ante tal borrachera de éxito, y en plena racha ganadora, sin duda, la mejor de toda su carrera, Clint Eastwood decide afrontar el regreso a uno de sus géneros favoritos, y bajo el título de “BANDERAS

DE NUESTROS PADRES” (2006), acomete una nueva incursión en el cine bélico, buscando en este ocasión un argumento con mayor

hubieran sido filmadas por el mismísimo Steven Spielberg, que ejerce precisamente como productor de una historia centrada en uno de los episodios más relevantes de la Segunda Guerra Mundial, el ataque norteamericano a la isla japonesa de Iwo Jima.

“Yo no creo en el pesimismo, si algo no sale como esperabas, simplemente sigue adelante” Lo que si hay que agradecer a estas banderas, es haber servido de inspiración a Eastwood para acto seguido, y sin descanso, desarrollar una idea surgida en tal rodaje, la de contar la misma historia desde el punto de vista japonés, algo que de por sí es inteligente y sumamente atractivo desde el punto de vista cinéfilo, a lo que hay que añadir el buen gusto de rodarla en ese idioma y regalarla exclusivamente subtitulada, no en vano, “CARTAS

JIMA”

DESDE IWO

(2006) nace con esa clara intención de ser ofrecida a un público selecto, situada por ende en las antípodas de la comercialidad.

tristeza y emoción, señas de identidad en las mejores obras de su autor. “Million Dollar Baby” obtiene merecidamente los Oscar a mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor actor secundario, de un total de siete nominaciones, y se convierte, prácticamente desde su estreno, en un indiscutible clásico del cine moderno.

profundidad narrativa.

Un trabajo que curiosamente, y pese a tener el mejor viento a favor, resulta muy irregular, porque en su aspecto dramático no consigue un acabado convincente, y además, adolece de una preocupante falta de personalidad en sus escenas de acción, que bien parece

Trabajo profundo, íntimo, de personajes revestidos de una enorme dignidad, - enorme Ken Watanabe - terriblemente abocados a un destino que conocen de antemano, semilla sobre la que construir un convincente y desolado retrato humano, que juega con la ventaja de la sensibilidad y el exotismo nipones como poderosas armas a su favor.

El pulso y el estilo pesimista de Eastwood tras la cámara hacen el resto, apoyada en

el guión de Paul Haggis, y en la prodigiosa fotografía de Tom Stern, su colaborador habitual en este apartado, que retrata, en un acertado tono opaco, cercana al color de la arena de las playas de Iwo Jima, la tercera y rotunda obra maestra de su director, que vuelve a encontrar una partitura inolvidable y llena de emotividad, compuesta en esta ocasión por su hijo Kyle.

recordable, pero patina en el protagonismo de Angelina Jolie, demasiado forzada y ampliamente superada por el carácter trágico del argumento.

Un largo proyecto, largamente acariciado por Clint Eastwood, era llevar a la pantalla la figura de Nelson Mandela, un sueño cumplido gracias “El Factor

“INVICTUS” (2009) es un film honesto, pero demasiado concesivo y por momentos facilón, se beneficia de las actuaciones de Morgan Freeman y Matt Damon, ambos nominados al Oscar por sus trabajos, pero no invade el terreno de lo magistral, seguramente por un exceso de admiración desorbitado por parte de Eastwood, que

“Cartas desde Iwo Jima” supuso la última nominación al Oscar de Clint Eastwood como mejor realizador, de un total de cinco candidaturas, que incluía el de mejor película del año.

LA ÉPOCA ACTUAL Tras un breve descanso, en 2008 Clint Eastwood regresa con fuerza con dos nuevos títulos como realizador, los números 28 y 29 de su filmografía, uno es “GRAN

TORINO”,

el vehículo ideal para que su lucimiento como actor, con un personaje hecho a su medida, que no alcanza los niveles de grandeza de sus anteriores obras, pero convence ampliamente al público, siempre soberano, que acaba endiosando el film muy por encima de su valor real.

“Conforme envejeces se te quita el miedo a dudar” El

otro

es

INTERCAMBIO”,

“EL

correcto drama basado en hechos reales y ambientado en los años 30 del siglo pasado, que contiene alguna escena

“Nunca conocí a un genio, para mi un genio es alguien que hace perfectamente algo que odia, hacer algo que te gusta es fácil” Humano”, la novela de John Carlin centrada en la llegada a la presidencia del personaje, y su afán por reconciliar a las partes tras el apartheid, aprovechando la celebración del mundial de rugby en su país.

nubla su buen juicio para profundizar en otros aspectos más oscuros, o al menos, no tan políticamente correctos.

2010 es el año de “MÁS

ALLÁ una

DE

película

LA

VIDA”, infravalorada

que ciertamente no resulta memorable, en parte porque no contiene la profundidad dramática esperada en un film de Eastwood, pero que posee un arranque demoledor, y una historia a tres bandas cuando menos interesantes y muy bien trazada, donde Matt Damon repite protagonismo con el director tras “Invictus”.

En el mismo meridiano se

sitúa “J. EDGAR” (2011), biopic sobre la vida de J. Edgar Hoover, director del FBI durante casi 50 años e intocable poseedor de los más oscuros secretos de estado. Un personaje que sin duda merecía una revisión y que requería que de ello se ocupara un director de sobrada solvencia, pero por desgracia, muchas fases de su metraje hacen chocar lo

fuera de lugar.

El apartado artístico sufre la misma contrariedad, Leonardo DiCaprio funciona mejor cuando se nos narra el pasado del personaje que cuando tiene que soportar el peso del maquillaje, que apenas deja lugar a la rabia que deducimos de Hoover en su juventud, en ese sentido, lo de el actor Armie Hammer, - Clyde Tolson - ya roza el ridículo cuando se muestra envejecido.

En 2012, Clint Eastwood de pone a las órdenes de Robert Lorenz, su ayudante de dirección en películas como “Mystic River” o “Million Dollar Baby”

para

rodar”GOLPE

DE EFECTO”,

melodrama romántico sobre la vejez, el béisbol, y las relaciones

respecto a esas producciones de sobremesa.

CONCLUSIONES FINALES Volvemos

así

a

“JERSEY

BOYS”, el origen de este artículo, la película número 33 de Clint Eastwood , y mientras tanto, quedamos a la espera del estreno de “AMERICAN

SNIPER”

en febrero, film que ocupara el puesto 34 en su filmografía como realizador.

Dos trabajos que seguro contaran con la justa atención de un autor que se ha ganado por derecho propio la mayor de las consideraciones, y sobre quien ya no pesa ninguna sombra de duda sobre su genialidad, solo quien vive deprisa y dedica todos sus esfuerzos a no desaprovechar ni un solo segundo de aliento vital, puede presumir de tener 8 hijos de 5 mujeres distintas, un aspecto que vuelve a igualarle al ya mencionado John Huston, la mejor y más notable comparación a la que aferrarse en la defensa de Clint Eastwood como último clásico vivo del celuloide.

“Nunca conocí a un genio, para mi un genio es alguien que hace perfectamente algo que odia, hacer algo que te gusta es fácil”

desenfadado de su argumento con la corrección formal de su trabajo tras la cámara, resultando por momentos algo trastornado y confuso, hasta el siempre excelente trabajo de fotografía de Tom Stern se manifiesta a veces

familiares, muy a tono con la edad invernal de Eastwood, pero demasiado cercano a lo que suele ofrecer un típico telefilm, solo el concurso de sus actores, que están estupendos, supone una notable diferencia con

En la memoria, y rindiendo un sentido y merecido homenaje, no es posible obviar la figura de quien durante muchos años puso la voz en castellano al actor, el 12 de mayo de 2013 nos dejaba Constantino Romero, icono del doblaje patrio, sus propias palabras sobre Eastwood son el mejor testimonio con el que hacerle justicia:

“Clint Eastwood me ha acompañado toda la vida, hemos perseguido delincuentes juntos, hemos amado juntos, y hemos huido de la policía juntos”

Constantino Romero “Clint Eastwood me ha acompañado toda la vida, hemos perseguido delincuentes juntos, hemos amado juntos, y hemos huido de la policía juntos” Volviendo a Clint Eastwood, y paso previo al punto final, quizá lo mejor que podamos decir de el para despedirnos es que, a sus 84 años, aún contamos con su presencia en activo, y es que hasta sus

películas menores suponen un refugio de calidad superior a la media, algo que de por sí, es motivo suficiente para la celebración.

Clinton Eastwood Jr., nació un 31 de mayo de 1930 en San Francisco, California, y como toda leyenda de valor imperecedero, ya no morirá nunca.

“La inteligencia sin amor te vuelve perverso, PELÍCULAS el dinero sin amor te IMPRESCINDIBLES vuelve avaro, el poder COMO ACTOR: sin amor te vuelve 1 EL BUENO, EL FEO Y EL tirano” MALO (1966) (El Rubio/ El Hombre sin nombre)

2 HARRY EL SUCIO (1971) (Inspector Harry Callahan) 3 SIN PERDÓN (1992) (William Munny)* 4 FUGA DE ALCATRAZ (1979) (Frank Morris) 5 MILLION DOLLAR BABY (2003) (Frankie Dunn)* 6 EL SARGENTO DE HIERRO (1986) (Sargento Highway)* 7 EN LA LINEA DE FUEGO (1993) (Frank Horrigan) 8 EL SEDUCTOR (1971) (John Mcburney) 9 GRAN TORINO (2008) (Walt Kowalski)* 10 LOS VIOLENTOS DE KELLY (1970) (Kelly) * también director

ejerce

como

FILMOGRAFÍA IMPRESCINDIBLE COMO DIRECTOR: 1 SIN PERDÓN (1992)* 2 MILLION DOLLAR BABY

(2003)* 3 CARTAS DESDE IWO JIMA (2006) 4 BIRD (1988) 5 MYSTIC RIVER (2002) 6 CAZADOR BLANCO, CORAZÓN NEGRO (1990)* 7 UN MUNDO (1993)*

PERFECTO

8 EL JINETE PÁLIDO (1985)* 9 LOS PUENTES DE MADISON (1995)* 10 RUTA SUICIDA (1977)* * también aparece como actor Por Antonio Alcaide.

Especial La isla minima Juan y Pedro son dos policías enviados a investigar la desaparición de dos adolescentes. En la búsqueda van conociendo el lugar donde ellas vivían y se van a dar cuenta de que en las

marismas todo el mundo guarda más de un secreto.

Thriller policiaco que nada tiene que envidiar a las películas de Hollywood, donde en una España en plena transición lucha por volver poco a poco la normalidad.

Juan y Pedro, ideológicamente opuestos tienen que luchar juntos para poder averiguar qué está pasando en aquel lugar y quien está jugando con ellos.

Con un gran trabajo de documentación, de fotografía

y sonido Alberto Rodríguez nos adentra en las marismas, con sus imágenes aéreas podemos ver perfectamente la laberíntica zona en la que nuestros protagonistas deben desenvolverse para poder averiguar lo que está ocurriendo.

Además

avanzado con los cambios del país.

Como los dos policías tenemos a Raúl Arévalo y a Javier Gutiérrez, los dos con bastante cambio de registro para esta película en la que están soberbios. Como padres de las chicas tenemos a Antonio de la

Torre y Nerea Barros, la cual

nos muestra a una mujer con un gran peso sobre los hombros, cansada y la cual apenas muestra sus sentimientos, pero que va evolucionando porque realmente quiere saber ante todo que ha sucedido con sus hijas. de transmitir una imagen de soledad de un lugar apartado donde todo sigue completamente igual y no han

En las marismas, todo el mundo tiene un secreto

Pero no sólo los protagonistas son los que se llevan el peso de esta película, pues cada uno de los actores y actrices que aparecen nos aportan un misterio nuevo por resolver y si no fuera por ellos no nos ambientaríamos tan bien en la película. Como por ejemplo Jesús Castro, Manolo Solo o Salvador Reina.

Con esta película, Alberto Rodríguez consigue que no te muevas de tu butaca ni un solo instante e intentes junto a Pedro y Juan descubrir todos los secretos de Isla Mínima.

Gracias a Warner Bros España, tuvimos la oportunidad de poder entrevistar al Alberto Rodríguez, Javier Gutiérrez, Raúl Arévalo y Nerea Barros en la presentación de “La Isla Mínima”. Nos cuentan su paso por San Sebastian y sus vivencias durante el rodaje de la película.

¿Te inspiraste en algún caso real?

“ Ha sido durísimo, por todo, por el calor, empezamos con 42 grados y terminamos con –2 grados y ellos aparte tenían que disimular que seguía siendo verano, con lo cual, a veces estaban en manga corta y el resto del equipo con bufandas” Alberto Rogríguez

- Alberto Rodríguez: No, de hecho para la parte del crimen usamos una novela de Rafael Bolaño que se llama “2666” o sea una ficción, también usamos este referente porque la novela de bolaño habla de mujeres asesinadas en ciudades rurales y demás y en cierto modo la mujer esta sobrevolando el discurso entero de la película. Ten en cuenta que en los años 70 una mujer para sacarse el pasaporte o para abrir una cuenta del banco tenía que pedirle permiso a su marido.

¿Y la elección del lugar? ¿Cómo llegaste a esos parajes?

- Alberto Rodríguez: El devenir de cómo se creó la historia es un poco extraña, porque empezamos por las fotos, empezamos por el sitio, fuimos a una exposición de fotografía de Atín Aya y se había dedicado a recorrer las marismas durante los años 90. Las marismas es una extensión enorme, pero cuando se mecaniza el campo, la gente

que estaba allí, que estaba como asentada al terreno se fue marchando hacia pueblos más grandes y el lo que fotografió fue la gente que se quedó allí varada en el tiempo y en el espacio.

La exposición fue tan impresionante que cuando salimos de allí, que iba con el director de fotografía de esta película Alex Catalán, estábamos seguro de que en ese espacio había que contar alguna vez algo y ha sido al final esta película.

Una de las cosas que más llama la atención son los planos aéreos ¿Tiene un toque metafórico?

- A l b e r t o Ro d r í g u e z : Bueno, los del genérico eran una introducción a la película. En cierto modo si son una metáfora, porque los genéricos deben ser así, te meten en un espacio determinado una parte de algo físico que es muy difícil de contar desde abajo, es decir, tú estás allí y lo que ves es un horizonte plano que llega hasta el infinito porque hay muy pocos árboles, bueno… de hecho no hay árboles debido a toda la sal, así que lo único que ves es una planicie

infinita. Desde arriba sin embargo, había una forma de contarlo. Luego es laberintico, que también es muy difícil contarlo desde abajo, pero desde arriba se explicaba bastante bien.

Todo esto además tenía una lectura no solo física sino también metafórica claro, que nos venía bien introducirla al principio.

En su anterior película que también es un thriller policíaco “Grupo 7” se ambienta a finales de los años 80 principios de los 90 y esta también se ambienta en los 80, ¿Es esta un época muy

oscura?

- Alberto Rodríguez: muy distintas, son dos momentos muy distintos, es que esta se ambienta en los 80 en concreto y es un año tan tenso que acaba con un golpe de estado meses después, muy complicado, un año dificilísimo, con una crisis económica brutal, con gente que se estaba marchando del país, con una discusión sobre el territorio nacional…, en fin, había muchas cosas abiertas, incluso la ley del aborto estaba en ese momento intentando ser sacada adelante. Por otra parte, era una de las cosas que hacía atractiva hacer la película en esa época pues se parecía mucho a 2012.

Ese cambio de registro de Raúl Arévalo y de Javier Gutiérrez ¿Es un reto, o todo lo contrario? ¿O ayuda a sacar sus interpretaciones?

- Alberto Rodríguez: No, yo sabía que no era un reto porque los conocía a los dos. A Javi, sabía que en el teatro había hecho papeles dramáticos maravillosos y a Raúl había visto su trabajo y también lo conocía personalmente y sabía que me iba a entender muy bien con él. Lo fundamental fue que cuando los dos se unieron había mucha química entre ellos. Por otra parte había que buscar dos actores que se apoyaran mucho, que se convirtieran casi en hermanos, porque iban a sufrir de lo lindo, yo eso lo sabía desde el primer día.

¿Tenía a Raúl y a Javier en mente para estos papeles? ¿O ha sido a partir de casting como ha llegado hasta ellos?

- Alberto Rodríguez: Fue por casting.

Yo, normalmente, ni Rafael Cobos , cuando escribimos tenemos en mente quien va a hacer la película, es como en los libros , que nosotros lo que vemos así fuera del foco, poco difusa que no termina de definirse.

Y luego a partir de las directoras de casting a las que les contamos la historia ya se van definiendo los actores que van hacer los personajes. Bueno en este caso lo que si había a parte de la elección de los protagonistas, había 4 ó 5 personajes que tenían que ser muy reconocibles y que tenían que estar muy presentes para el espectador. Digamos que no tienen papeles largos que no están mucho tiempo en pantalla, pero están sobrevolando la historia desde que prácticamente empieza hasta el final, que son Jesús Castro, que creo que solo al verlo la primera vez, ya se te queda grabado solo en la pantalla, Manolo Solo, el periodista, Nerea Barros y Antonio de la Torre, el resto lo que hicimos fue una elección actores menos populares, mas desconocidos para el público porque creíamos también que era bueno para la película, que el público tuviera la misma sensación que tienen ellos y es que todo les es completamente ajeno y desconocido.

Lo que nos han dicho Raúl y Javier, que las escenas de acción han sido bastante duras, a la hora de rodar ¿Han sido también complicadas?

- Alberto Rodríguez: Ha sido durísimo, por todo, por el calor, empezamos con 42 grados y terminamos con –2 grados y ellos aparte tenían que disimular que seguía siendo verano, con lo cual, a veces estaban en manga corta y el resto del equipo con bufandas porque no había más remedio.

También tuvimos problemas con los insectos que a Javi en concreto lo tenían frito.

Las mareas, la logística, lo difícil que es moverse de un sitio a otro. Y luego las partes de acción, pues el día que a Javi le metimos en el agua he de decir, que fue muy generoso por su parte no decirnos en un tiempo determinado “no voy a hacer más” (risas). La verdad que les hicimos cualquier

“Quizá la influencia más cercan sea “Conspiración del silencio” una película con Spencer Tracy

Alberto Rodrígue tipo de barbaridades, pero se portaron muy bien.

Eso esas secuencias, la de noche, Raúl tenía que conducir en una carretera totalmente a oscuras, con un foco adelante y deprisa además. Todo ha sido muy complicado, ha sido un regalo como dicen los actores.

Se está hablando mucho de la comparación con otras series, pero ¿Qué influencias tienes de otros directores? ¿Y si te das cuenta antes, o ya después de ver la

película?

- Alberto Rodríguez: Pasa de todo, pasa que te das cuenta mas tarde. En esta quizá la influencia más cercana sea “Conspiración del silencio” una película con Spencer Tracy de un policía que va a buscar a un pueblo a un amigo, que en realidad es una investigación criminal y por debajo está hablando de racismo. Pero luego, esta mañana me he estado acordando cuando el personaje de Javi va a contar a los padres lo ocurrido y tal. No se… hay muchísimas influencias, ya os digo soy buen lector

na ” y”

ez.

de novela negra y también como os dije antes, está presente “2666” de Bolaño, pero también hay mas, no se… soy mejor espectador que director.

¿Y qué tal el paso por San Sebastián?

- Alberto Rodríguez: Pues yo vengo feliz. El objetivo creo que se ha cumplido que era que la película hiciera ruido, que la película se hiciera visible para el público, que es lo que realmente necesitamos que la película el día 26 haga buena taquilla. Creo que de todas las películas que he hecho, esta es la que más he hecho pensando en el espectador que el espectador la disfrute, o la sufra en este caso. De San Sebastián vengo contento por eso, también por la acogida de la crítica y por la acogida del público que fue fantástica. S de esas cosas que sientes casi en primera persona y es muy bonito.

Estado español, que fue el responsable de la captura y la entrega de Roldán. Y creo que es una comedia, pero no se te decir, a lo En tu carrera como mejor son las tres a la vez, comedia, drama y película director has hecho dos negra.

en la televisión, Julio tenía un grupo de rock, Rafael daba clases a chavales.

Somos los mismos desde el principio, hemos conseguido mantener al equipo juntos, también todo esto ha sido gracias a José Antonio Félez comedias, dos dramas productor ejecutivo que y dos thriller ¿Qué toca El tándem perfecto de ha creído en este equipo después?

Alberto Rodríguez, Álex durante todas las películas y nos ha dejado crecer.

Catalán, Julio de la Rosa - Alberto Rodríguez: (Se ríe) Sacáis unas cosas. y Rafael Cobos No me había dado cuenta ¿Cuéntanos como ha Alberto Rodríguez: El de eso. Es verdad, es - sido tu cambio de verdad, dos comedias, dos único que no ha hecho las 5 registro como te lo has dramas y dos thriller. Pues ha sido Julio, pero vamos, la verdad que no sé lo que nosotros somos un grupo trabajado? toca ahora. Pero lo que estoy de amigos que esto nos ha Javier Gutiérrez: preparando es una película gustado de siempre mucho, - pues muy sobre Francisco Paeza, un pero que por desgracia Bueno personaje muy ligado a cuando todo esto empezó gratificante, ha sido muy los servicios secretos del no trabajábamos juntos. placentero trabajar con Alex y yo trabajábamos Alberto Rodríguez, un

director de ama a los actores, que es muy concienzudo, muy perfeccionista, muy detallista con el trabajo del actor, con todo en general ¿no? Pero con mucho respeto y con mucho amor por el trabajo de los actores.

Pues todo esto al lado de un guión muy potente muy sólido hace que todo sea más sencillo y aunque a mi si que es cierto que se me conoce más por la televisión porque he hecho una serie muy conocida como “Águila roja” con un personaje que lleva todo el peso de la comedia, pues bueno, también he hecho muchas cosas en teatro dramáticas que no son tan conocidas para el gran público pero en ese sentido creo que es un personaje que igual va a sorprender o le va a llamar la atención a un público que me tenga más asociado a la comedia.

Tenéis una dualidad de personalidades distintas, el personaje de Raúl y el tuyo y a la vez complementaria ¿Es lo que crea más veracidad a la historia?

- Javier Gutiérrez: No, o si, lo que dota de similitud de verdad a la historia es toda la historia en sí. Es un guión como he dicho antes muy bueno, con unos personajes que ya sobre el papel tienen mucha miga y están dotados de muchísima verdad, a veces es difícil encontrarse líneas tan bien escritas, tan a favor de lo que uno dice y que la primera vez que la

dices por tu boca suena ya tan de verdad y sobre todo está el colocar a estos dos marcianos con ese coche Chrysler de la época que parece una nave espacial, en mitad de un lugar tan inhóspito.

Cuando me enseñó por primera vez Alberto el coche y después las localizaciones dije “esto es un ovni, habéis parido un ovni con dos marcianos, que llegan a un planeta extraño para ellos” y en ese sentido desde esos espacios, esas marismas inabarcables que tan bien fotografía Alex Catalán, todo es mucho más sencillo, esa ropa de los años 80…

Hacer películas de época es muy divertido para los actores ( se ríe) y aunque ha sido una peli dura luego se ve el resultado en pantalla y todo acompaña.

En ese sentido es una película que entra casi por los sentidos, es muy sensorial, que te envuelve en una atmósfera, con las fotografías de Alex Catalán, la música de Julio de la Rosa, a como construye el relato Alberto, a como guía al espectador… porque yo creo que el espectador se convierte en un investigador mas y en lugar de ser un dúo pasa a ser un trío es algo admirable que yo creo que engancha al espectador en la butaca y lo engulle y

no lo deja tranquilo hasta que termina la proyección.

¿Te has basado en alguien para preparar tu personaje?

- Javier Gutiérrez: Bueno, sobre todo, trabajamos con referencias, Alberto nos dio mucho material, desde películas a lecturas obligadas para conocer bien sobre el

terreno donde íbamos a rodar y luego hemos trabajado con policías en activo y otros retirados que en ese sentido para mí fue muy esclarecedor, porque yo, no es que no me viese en el papel pero si decía “coñe, es que los policías…”, tenemos en el imaginario al policía americano, que casi es un superhéroe y en ese sentido yo decía a ver cómo podemos que esto

de verdad cuaje, que sea auténtico, entonces me di cuenta de que los policías son tíos normales, de carne y hueso, que sufren que lloran, que pueden ser nuestro padre, un amigo, un vecino y trabajar con ellos mano a mano y desde coger la pistola a contarte vivencias a ir a comer con ellos y verles tan cercanos hacen que el trabajo desde ahí sea más fácil o por lo menos a mi me abrió

pensar en el pasado mirada, por el estómago oscuro de tu personaje? de este personaje, Juan, la ira, el miedo, el uso de la violencia, la soledad, las cosas de ese personaje lo hacen muy atractivo para el actor y yo creo que también para el espectador.

- Javier Gutiérrez: Pues es un regalo. Cuando Alberto y Rafael Cobos escriben los personajes tanto el mío como el de Raúl, no lo escriben de una sola pieza, hay Nerea nos ha dicho que muchas esquinas, muchos os habéis llevado muy recovecos, es como una bien, que las miradas cebolla, entonces, en ese vuestras muestran sentido para un actor es mucho más ¿Cómo oro puro, poder investigar, poder buscar… habéis trabajado eso? y yo creo que Javier Gutiérrez: Ya mi personaje - empieza siendo en los ensayos hubo una una cosa y acaba conexión especial, pero siendo otra, es con todo ¿he? Alberto ha totalmente un querido ensayar toda la camino hacia peli, cosa poco frecuente, la redención pero es un director que que hace que ensaya la película entera el espectador y personajes que tienen también viaje una secuencia vienen a con él. Y otra cosa ensayar con los actores entonces muy importante protagonistas, que queríamos en ese sentido todo ha Alberto y yo sido más fácil a la hora de era dotarlo de rodar y en el caso de Raúl humanidad, que y de Nerea ha habido una el espectador química muy particular, a de alguna forma Raúl ya lo conocía a Nerea empatizase con no, pero hubo una conexión el personaje. Yo potente que luego se ve creo que eso es en pantalla. También el algo logrado, personaje, no podemos mucho los ojos a la hora de hay muchas cosas que revelar nada, tendrán que interpretar, de hecho me pasan por la cabeza, la verlo los espectadores, hay base en uno de los policías, bebí mucho de esa persona.

“Es una película que entra casi por

A parte de policía, tu personaje es mucho más complejo porque viene también de un pasado de la seguridad franquista, entonces, ¿Cómo lo trabajaste, porque es complicado

los sentidos, que te envuelve en una atmósfera, con las fotografías de Alex Catalán, la música de Julio de la Rosa, a como construye el relato Alberto, a como guía al espectador…”

Javier Gutierrez

“La Isla Mínima, ha tenido unas críticas buenísimas con un Kursaal lleno el día de pago, con mucho interés por parte de la prensa.

Venimos encantados de San Sebastián porque la peli ha salido muy reforzada de allí” Javier Gutierrez (Se rie) Precisamente no somos Bruce Willis y Tom Cruise, (risas) es que ha sido un rodaje muy duro, y luego para que se vea eso en pantalla, claro eso no lo puedes hacer desde la comodidad absoluta uno tiene que pasarlo mal para que luego el espectador se ¿Y qué tal trabajar con lo pase muy bien. Y si, ha Raúl? Nos ha dicho que sido un rodaje duro con una historia por detrás, una cosa que le ocurre a mi personaje que hace que enganche con el personaje de Nerea y esa redención de la que hablaba que hace que el personaje de un giro y que al espectador le sorprenda.

os conocíais pero que nunca habíais trabajado juntos.

- Javier Gutiérrez: Muy bien. Raúl yo creo que es el mejor actor de su generación, un tipo muy despierto, muy inteligente y que se mueve bien, como pez en el agua en la comedia, el drama, tiene un físico imponente y que ha hecho cosas muy buenas, de hecho las está haciendo, es un actor para tener muy en cuenta en nuestro cine y ha sido un regalo trabajar con él.

También nos ha contado que habéis tenido problemillas físicos a la hora de correr en las escenas de acción.

-

Javier

Gutiérrez:

insectos, hay un momento que yo me meto en un río lleno de barro, no sabíamos ni lo que había allí, no me quisieron contar que había allí, porque primero entraron unos especialistas para hacerme un poco de camino y bueno desde trombas de agua, carreras por los lucios, que son lenguas de tierra, con botas camperas en fin ha sido en ese sentido una película que nos ha puesto al límite casi a diario.

¿Y las secuencias de acción?

- Javier Gutiérrez: Bueno pues divertidas, porque a mi me hace gracia verme con una pistola

(se ríe) persiguiendo al malo y a la vez me lo creo.

Decía, no se si era Santiago Segura, que le daba miedo ver a los actores españoles con una pistola, porque siempre parece que se te va a disparar, que vamos a meter la pata, esa cosa que hacen tan bien los americanos y que aquí yo creo que pasamos con nota el examen porque creo que realmente se ve a dos policías, saben manejar armas, se mueven bien en esos trajes de investigadores. Yo estoy muy orgulloso de nuestra película, de nuestro trabajo y como os decía antes es un regalo para Raúl y para mí.

Macbeth”, con Carmen Machi y dirigidos por Andrés Lima, una gira de meses. Estoy rodando “El desconocido” un thriller, una película de Daniel de la Torre con Luis Tosar como protagonista y la verdad que está quedando muy bien. ¿Te vas a ir por los thriller ahora?

¿En qué te encuentras más cómodo, en televisión, cine, teatro?

¿Qué tal el paso por San Sebastián?

- Javier Gutiérrez: Bien, muy bien, la película va a San Sebastián a concurso y más allá de llevarse los premios, que casi siempre son muy difíciles el objetivo era hacer ruido y que la película se conozco y que a una semana del estreno la gente escuche y tenga ganas de ver “La Isla Mínima” ha tenido unas críticas buenísimas con un Kursaal lleno el día de pago, con mucho interés por parte de la prensa.

Venimos encantados de San Sebastián porque la peli ha salido muy reforzada de allí.

personaje está bien escrito, cuando estoy bien dirigido o cuando la historia invita a que uno se sienta cómodo.

No siempre puedes elegir proyectos, ya sabéis como está el cine en este país y el teatro y la cultura en general por desgracia.

Entonces, bueno dentro de lo que se me ofrece voy eligiendo, voy picando de aquí de ahí, pero bueno, lo cierto es que te ofrecen un personaje así un proyecto como este es como he dicho antes un regalo. Y espero que a partir de esta película se abran otros proyectos, otras invitaciones a hacer otro tipo de cine.

- Javier Gutiérrez: (Risas) Si, puede ser, estoy abonado a los thriller ¿ A ver si voy a ser ahora un actor que deja de hacer comedia para pasarse al suspense?

Tampoco estaría mal. Pero estoy muy ilusionado con este personaje, es muy distinto, más pequeño pero que tiene mucho jugo, mucha sustancia.

¿Dónde te sientes más cómodo en la comedia?

Gutiérrez: ¿Ahora en el thriller?

Próximos proyectos.

- Javier Pues estoy haciendo una gira de teatro, una versión - Javier Gutiérrez: moderna de Macbeth, “Los Me siento bien cuando un

- Javier Gutiérrez: Me gusta todo. Me gusta mucho el cine, me gusta mucho la tele, disfruto mucho también, aunque la tele es el aquí, el ahora, la inmediatez mas absoluta, es a veces no poder parar, pero también te da un training que no te da el cine y el teatro es algo maravilloso yo creo que es el lugar natural del actor y una vez que se sube el telón estás tú solo y ahí no hay trampa ni cartón, no hay sala de montaje donde se corte, es tirar para adelante son lecciones para los actores. Pero me siento muy bien haciendo de todo. Hay épocas que me apetece mas hacer teatro, cine o televisión, pero si hay una buena historia y un buen personaje apetece cualquier cosa.

“Todas hemos tenido referente de heroínas, de estas heroínas que luchan contra cielo y tierra, que n tienen nada y levantan a un familia”

Nerea Bar

Pudimos hablar con Nerea Barros que da cuerpo y alma a Rocío la madre de las niñas desaparecidas.

Aquí nos cuenta su paso por el Festival de San Sebastián y sus emociones durante la película.

¿Qué tal llevas promoción?

la

- Nerea Barros: Pues ahora mismo estoy un poco destroy, como si hubiera estado saliendo hasta las 6 de la mañana durante un mes (risas) pero feliz y emocionada, no tengo palabras de verdad.

- Nerea Barros: Ha sido un sueño. El festival es increíble, yo lo había vivido ya, lo vivo cada dos años porque para mí es una cita ineludible donde voy a ver cine que no puedo ver por desgracia en cines comerciales, y me empapo ¿Cómo has vivido el y a veces salgo como paso por San Sebastián? mareada de ver tantas pelis.

Tener un festival como ese en este país es un privilegio.

Pero de repente he ido con una película que admiro, de la que estoy muy orgullosa y he tenido mucha suerte de participar, con la que nos medios nos estáis tratando tan bien…no sabes lo que significa eso, ir a defender tu peli y que nos tratéis tan bien desde el minuto

e n no na

rros

uno os encanta la peli, nos decís cosas tan positivas, es increíble. Y el público en Donosti, el sábado fue el día grande y fue espectacular.

Salir del Kursaal, entrar en el Kursaal, me decía el público que tenía cerca que me daban la enhorabuena y yo siempre les respondía “gracias a vosotros” no sois conscientes de todo el equipo que somos, con la

basaste en algún muchos miedos, quieres personaje o en alguien cumplir expectativas y es muy complicado. Yo trabajo para este papel?

desde dentro, observo el mundo y la gente que me rodea y a partir de ahí, de registrar, de entender que no hay nada mas doloroso que lo que le pasa a esta mujer, de eso no te recuperas jamás. Da igual que tengas que seguir hacia adelante porque realmente nunca se recupera. Antonio y yo hablábamos mucho de estos personajes, Antonio si es padre, en ese sentido él no quería ni pensarlo desde su perpectiva. Yo, aunque no tenga hijos, si que entiendo perfectamente ese dolor, si que es cierto que solo una madre siente ese dolor, pero yo si lo entiendo. Y desde ahí he intentado componer a Rocío, de donde viene y como ha llegado hasta ahí y como de repente parece una persona frágil y resignada se convierte en una persona fuerte que mueve cielo y tierra en buscar a sus hijas.

Quien va a ayudarla, Juan.

- Nerea Barros: Siempre digo una frase, que solo he tenido que mirar a los ojos de mi madre. Yo creo que todas hemos tenido referente de heroínas, de estas heroínas que luchan contra cielo y tierra, que no tienen nada y levantan a una familia. Es increíble la generosidad de una madre. Yo en Galicia he visto esas madres que labraban la tierra y luego llevaban a sus hijos a las espaldas y luego tenían continuamente muros de hormigón adelante y ellas poquito a poco iban rompiéndolos, siendo machacadas, con todo lo que iba pasando, solo para dar a sus hijos una vida mejor. Me he basado en toda esa observación y desde luego en mi madre que es un jabata, que ha tenido una vida increíble y que ha sido capaz de evolucionar con todo lo que Con le ha ocurrido.

los actores que mas compartes escenas ¿Cómo te metes en un son con Antonio de la papel que por tu edad Torre y Javier Gutierrez no has vivido ni por ¿Cómo ha sido trabajar época ni por situación? con ellos? lágrima en el ojo. Porque es eso, tu no haces películas regodearte en tu ego, haces cosas para que lleguen al público, para transmitir… ha sido espectacular.

- Nerea Barros: Pues yo estaba acojonada, primero por donde estaba, Alberto Rodríguez, Antonio de la Torre, Javier Gutierrez… son grandes Tu personaje lleva la actores y yo llevo mucho tiempo trabajando, pero si pena por dentro y he que es verdad que me he de decir que lo plasmas venido hace poco a vivir a perfectamente. ¿Te Madrid y a este nivel tenía

- Nerea Barros: Con Antonio como digo he hablado mucho y lo bueno de hablar mucho de nuestros personajes es que una mirada lo dice todo.

Antonio trabaja desde la entraña, yo desde siempre le he admirado mucho y cuando me dijeron que trabajaba con él me

volví loca. A Javier no lo conocía tanto, sabía que eran grandes actores él y Raúl pero he alucinado con ellos. Javier es grandísimo, lo tenemos asociado a un tipo de papel cómico y no os creéis las miradas que te echa. Con Antonio, me miraba y saltaban chispas.

Con Javier, me miraba y saltaban chispas también, yo andaba con los pelos de punta todo el día que para un actor es la piel la que te dice “es por ahí”. Es durísimo pero es maravilloso. Ha sido un privilegio, para una actriz como yo que he venido hace dos años a Madrid desde Galicia y que he trabajado desde los quince años,me he formado mucho, he estado en Brasil, y cuando la la crisis ha afectado muchísimo a la cultura en este país y más en provincias, ha sido una suerte. Me llamaron de El tiempo entre costuras, El príncipe y ahora La isla mínima con estos actores, estoy que no me lo creo.

Y en la isla mínima yo he mamado de ello. Es lo maravilloso de esta carrera, que cada día es una aventura nueva.

¿Cómo llegaste a La isla mínima?

- Nerea Barros: Por un casting de dos personas maravillosas que son Eva Leira y Yolanda Serrano, son increibles. Lo bueno es que no me dijeron para qué era, no me comentaron nada, sólo me dieron dos separatas de dos secuencias, hice el casting y dos meses después me

dieron la noticia de que me habían cogido y de la confianza de Alberto. Ellas le hicieron la propuesta y pensó que yo no era sevillana, que me faltaba cuerpo, que era muy joven, pero al minuto de ensayos ya me estaba dando su confianza. Y yo a sus pies, es un director increíble. No es que yo esté bien, o que estén bien Raúl o Javier, todos los actores de esta peli están impresionantes y eso no es casualidad, es algo que hay por detrás que es la dirección. Yo he podido con este personaje tan duro, y he podido quitármelo y ponérmelo cada vez a las siete de la mañana. Yo llegaba allí y todos tenían una sensibilidad brutal, sabían que teníamos que currar y todos los de arte todos con un silencio sepulcral y como me trataron como a una princesa entre todos, te distraías y te salías de

esa atmósfera tan dura de la peli. Yo llevaba siempre en el móvil las fotos de Atin Aya, que me las enseñó Alberto cuando me explicó mi personaje, que son impresionantes. Hay una foto que salen dos niñas, dos hermanas que su mirada da la experienda, lo vivido aparece por su mirada, de ese peso de vivir en ese sitio y de sufrir esa vida está ahí, y eso es lo que tuve que ir avivando para encontrar el peso de esta mujer con esas condiciones de vida.

Has trabajado en teatro, en televisión y en cine, ¿qué te aporta cada uno de estos medios?

- Nerea Barros: El teatro a mí me ha dado todo lo que soy ahora mismo como actriz, el estar encima de un escenario

con el público enfrente es algo que no te lo da otra cosa. Lo que me ha dado son muchísimas tablas y entender lo que hay que darle al público, que tu objetivo número uno es ese público. Te abre la mente, te pone al límite, en el escenario no hay “corten”, da igual como estés si estás enferma tienes que tirar. Es la realidad de esta profesión.

La televisión también me ha dado muchísimo, las series son otra manera de grabar, otros códigos, vas mucho más rápido pero tienes que estar igual de bien que en una peli en la que ruedas dos secuencias por día, ¿y cómo haces para estar igual de bien? Pues gestionándote y llegando a casa y ver en lo que has fallado y qué tienes que mejorar. Son personajes en los que puedes dar el 100% y puedes cambiar cosas, cosas que te parecen estereotipos y darles la vuelta, y eso es un privilegio porque llegas a más público mucho más rápido. Para mí esta carrera es aprender continuamente, va en

paralelo a mi vida personal, cómo yo me plantee cuestiones y evolucione en mi vida personal así evoluciono como creadora.

Cuanto más curre más buena voy a ser, porque hay que ser crítico y ver donde fallas. Y el cine… la cámara me parece algo extraordinario, no hacer casi nada y que por la mirada puedas hablar, cosa que en el teatro no ocurre.

El objetivo coge la esencia de lo que estás dando y lo pone en una pantalla grande. Al contrario que las cámaras de fotos las llevo fatal porque no soy capaz de posar y me siento idiota, delante de una cámara de vídeo se me ponen los pelos de punta, me encanta.

Es evidente la pasión que sientes por tu profesión, ¿siempre has querido ser actriz?

- Nerea Barros: Sí, desde pequeña. Mis padres se reían muchísimo porque me ponía una bata de mi madre, que no era ni

bonita, era marrón, súper desgastada, con bolitas…y unos tacones rojos de los 80 de “chúpame la punta”, e iba así por la casa hablando sola o con los espejos. Me decía mi madre que siempre he tenido un mundo interior, era una niña que estaba a mi rollo todo el día y encantada de la vida, construyendo cosas que te van colocando en la sociedad. Mi trabajo es destruir todas las barreras mentales absurdas que se van construyendo y volver a esa inocencia y a esa verdad de cuando eres pequeña. Yo lo recuerdo desde pequeña que siempre he tenido una necesidad de contar y de expresar con mi cuerpo y mi piel las cosas que siento. También tuve unos padres increíblemente maravillosos que han tenido una vida muy dura pero han sido muy inocentes, y eso me ha hecho encontrar la vida real continuamente.

Nunca me han dejado que se me fuera la cabeza, son personas de campo, yo soy una macarra del monte del norte.

“No es que yo esté bien, o que estén bien Raúl o Javier, todos los actores de esta peli están impresionantes y eso no es casualidad, es algo que hay por detrás que es la dirección” Nerea Barros

¿El rodaje fue muy duro con tanta escena de acción?

- Raúl Arévalo: Sí, Javi y yo lo pasamos mal porque en el cine cuando hace calor tienes que rodar como si hiciera frío y al contrario. Lo que no nos esperábamos es que fuera tan duro y tan intenso y a nivel climatológico aquello era duro.

Grabábamos entre octubre y noviembre y por el día hacía un calor que no tenía sentido pero por la noche bajaban las temperaturas a -3º o -4º y la gente del equipo iba con plumas, con orejeras o con guantes de nieve, y nosotros con glicerina a modo de sudor y mojados haciendo que teníamos calor. Te tiritaban los dientes y había que cortar y ponerse un abrigo, y esto dificultaba mucho la interpretación. Y luego las escenas de acción, que tampoco hay tantas pero la que hay de la carrera que en la película son 20 o 30 segundos tardamos en grabarla 2 días porque era muy complicado por planos y teníamos que hacerlo con botines y en un terreno que se llama piel de elefante, que es una tierra muy dura, y nos lesionamos los dos.

Yo me hice una sobrecarga en el cuadriceps y Javi una tendinitis que tuvimos que llamar para que viniera un fisioterapeuta desde Sevilla, o sea, muy triste (risas).

¿Te ha protagonizar

película de características?

estas una persecución en coche

- Raúl Arévalo: Más que un drama o una comedia, lo que más me divierte es hacer una película de gustado policías, un cine tan negro como este que nunca había una hecho y me encantó. Hay

que Alberto no quería que fuera espectacular en cuanto a los planos y todo está hecho desde dentro del coche, pero tuve que hacerlo de verdad. Venían de verdad tractores en sentido contrario, estaba todo coreografiado pero siempre

era como en las películas, entonces Alberto decía que lo respetáramos pero que estéticamente por ejemplo subiéramos un poco la pistola de lo que el policía nos decía, pero es que son personas normales. Ahora me he enganchado en la tele a un programa que se llama Policías en acción, que no puedo parar de verlo, y te das cuenta de que hay todo tipo de policías pero que cuando hablan con el delincuente, al ser personas normales, su día a día, su cotidianeidad, hace que les salga todo más natural. Si yo tuviera que interpretarles seguramente haría de poli duro y eso fue lo difícil, hacer que se creyera que Dices que te apetecía éramos policías. tenía la tensión de “que no se me vaya el volante”, porque era de noche, la carretera estaba cortada pero había cunetas por las que había agua y estaba la cámara y yo. Tenía walkies por los que me decía “un poquito más fuerte”, con lo que interpretación ahí hay poca, es la cara mía del acojone de no salirme de la carretera. Es que además por esos caminos, la gente de producción llevaba piedras por si se caían al agua para tener una piedra con la que golpear el cristal y poder salir, o sea que daba una seguridad estar ahí (risas). En el cine pocas cosas pasan.

hacer una película de policías. En esta sois una pareja de ellos, ¿habéis tenido alguna inspiración de parejas de policías?

- Raúl Arévalo: No nos fijamos en nadie en concreto ni tuvimos muchas referencias, porque cuando ves películas americanas son referentes americanos y esto es muy español, pero tuvimos un asesor que consiguió Javi que era policía en activo en aquella época. Era más como mi personaje, más progre, que rechazaba a gente como el personaje de Javi que era un personaje de la brigada de Franco y lo que nos hizo ver es que la realidad a veces no es tan estética para el cine. Era un tío tan normal que le preguntábamos cómo cogía la pistola y no

Javier Gutiérrez y tú nunca habíais coincidido en una película, ¿qué tal el trabajo juntos?

- Raúl Arévalo: Javi y yo somos amigos desde hace mucho pero nunca habíamos trabajado juntos.

Cuando estás rodando en Madrid está muy bien porque dicen “corten” y te vas con tu pareja, a tu casa, pero allí estábamos puerta con puerta. Compartíamos, nos íbamos a cenar, el día que terminábamos más tarde nos tomábamos una copa…esto hace que estés inmerso todavía más en el proyecto y en la película y más concentrado. Fue muy intenso, antes éramos amigos y ahora somos como hermanos. Yo nunca he tenido compañeros actores con los que me haya llevado mal, alguno

“Cuando un director es tan bueno y un guion es tan bueno, luego ya está el talento de uno que a veces te sale mejor o a veces peor, es fácil. No es una cuestión de que una comedia, un drama o un thriller sea más fácil o no, es que depende de cómo sea el director.”

Raul Arévalo

me ha caído mejor que otro pero con compañeros con los que haya tenido más relación en las pelis no he tenido esa mala suerte de llevarme mal. En una película así, dos meses, todo el tiempo con Javi si nos lleváramos mal,estas cosas que cuentan a veces, qué jodido sería, por suerte he tenido un amigo al lado.

papel al ser tan amante del cine negro y de la novela negra, es parte de un estilo de cine. Unos policías hablarían más otros menos, unos serían más herméticos otros menos, pero la idea era que todo lo que rodea a estos personajes tuviera mucha vida. Cada personaje te lo crees, muchos de los personajes decías “¿Pero a este de donde le han Esa cara, ese rictus sacado?” parece gente que tienes es toda la que ha cogido de la calle y la ha puesto ahí a actuar, película, es como si el pero quería que nosotros personaje escondiera mantuviéramos, aun siendo algo, ¿puede ser? creíbles, esa cosa del cine clásico negro de policías - Raúl Arévalo: Es duros y herméticos aunque verdad, parezco Clint luego se les vea que no son Eastwood en toda la película. tan duros como se muestra.

Bueno, hay un momento en el que sonrío al final (risas). ¿Te ha sido complicado Alberto tenía muy claro que cambiar de registro? esto formaba parte de ello.

Yo le decía a Alberto que - Raúl Arévalo: Cuando me encantaba formar parte un director es tan bueno de aquello, pero si que es y un guion es tan bueno, verdad que le decía que luego ya está el talento de me parecía demasiado, es uno que a veces te sale la inseguridad del actor en mejor o a veces peor, es los ensayos, si que él tenía fácil. No es una cuestión claro de cómo quería el

de que una comedia, un drama o un thriller sea más fácil o no, es que depende de cómo sea el director. De repente secuencias en las que vas con un arma bajo la lluvia, ahora mismo lo rodamos aquí con mi móvil poniendo esa misma cara y

“Cada personaje te lo crees, muchos de los personajes decías “¿Pero a este de donde le han sacado?” parece gente que ha cogido de la calle y la ha puesto ahí a actuar, pero quería que nosotros mantuviéramos, aun siendo creíbles, esa cosa del cine clásico negro de policías duros y herméticos aunque luego se les vea que no son tan duros como se muestra”

Raul Aréval

a

s

lo

¿Os han hecho mucho la pregunta incómoda sobre si la película se parece a True Detective?

dices “¿qué haces, tonto?”, y ahí con la fotografía de Álex Catalán con esa ambientación, con la lluvia, parezco Matt Damon bajo la lluvia. Hace mucho todo lo que te rodea y cómo está rodado.

La película se estrena este viernes, ¿crees que le perjudica o que le favorece estar tan cerca del estreno de otro thriller español como es El niño?

- Raúl Arévalo: No tiene que ver, luego se estrena Torrente la semana siguiente, que es otro tipo de público. No es tanto la competencia de las películas, y qué bien que estemos hablando de películas españolas, si

fuera una americana diría “qué putada”, pero en este sentido todo es bueno para nosotros, pero lo que me pregunto de verdad es si el público va a ir al cine a verla aunque haya tenido tan buena acogida por parte de la crítica. Si hace un 10% de lo que ha hecho El niño te puedes dar con un canto en los dientes. Sin entrar en comparativas, lo que uno quiere es que la gente vaya para que se sigan haciendo películas, para que Alberto siga haciendo películas.

Desde fuera ves el cartel y ves el trailer y es atractivo, pero al final hace falta que se mueva bien la película y que la gente vaya a verla y funcione. Es con lo que mas estoy ahí con la mosca detrás de la oreja que la gente vaya a verla.

- Raúl Arévalo: ¡Es que recuerda muchísimo!

Fue muy gracioso porque cuando estábamos rodando la peli, yo que no conocía esa zona decía “parece Mississippi, esto no parece España”, y cuando Alberto estaba montando la peli, yo que soy muy friki de las series me veo la nueva serie de la HBO True Detective. Y cuando veo el trailer digo “¿perdona…?” Veo a dos policías que llegan a un pueblo que es en un paraje muy parecido, que si la peli transcurriera en Madrid, todavía, pero ahí… Se lo mandé a Alberto y…bueno, Alberto todavía no ha querido ver la serie. Ha visto escenas, dice que cuando termine todo esto la verá, pero no la quiere ver para que no le condicione. Luego la serie va por otro lado y los personajes son diferentes pero es inevitable, no es que ninguna de las dos sea súper original en cuanto a dos policías que investigan algo, pero que salgan a la vez, que te recuerde un poco la trama, lo que es alucinante es la similitud de los parajes. Es verdad que una es muy americana y refleja muy bien toda la atmósfera sureña, pero esta también curiosamente refleja la del sur de España, y por ahí coinciden. Lo chungo sería que fuera mala True Detective y nos compararan (risas).

Por Vicky Carras.

Jorge Arevalo presenta

“Yo vi a Ryan Gosling. No soy nada mitómana, creía yo”

Carmen Ruiz

Torregosa, Javier Camara, Raul y Carmen Ruiz: entre amigos para ar el DVD de “La vida inesperada”

Por Rocío Gil

Jorge Torregosa (el Javier Cámara, Raúl Arévalo

Porque eso eran

director), y Carmen Ruiz: un grupo de colegas sentados en el sofá de ese hotel, entusiasmados por anunciar que ya sale a la venta el DVD y el Blue Ray de “La Vida Inesperada”, una película con guión de Elvira Lindo.

La película está disponible en las tiendas desde el 19 de septiembre y su presentación nos ha servido de excusa para hablar con el director y los protagonistas de este film ambientado en Nueva York donde Javier interpreta a, como muy bien él definía: “un personaje colgado en el sueño de vivir un sueño neoyorkino”.

Para ello, nos cuenta, le ayudaron los muchos

figurantes españoles que, precisamente, se encontraban en la situación de su personaje en Nueva York, donde querían buscarse un futuro: “el hombre se emocionaba, lloraba, nos abrazábamos tras cada toma… es que estábamos contando su historia”, explicaba Javier haciendo referencia a uno de ellos.

Mientras hablaban, mientras Raúl zalameaba a Carmen y Javier la hacía callar, en broma, constantemente, llegaron las anécdotas:

“Yo vi a Ryan Gosling.

No soy nada mitómana, creía yo”, explicaba

avergonzada Carmen: “pero estábamos Beatriz Bodegas (la productora de la película), Javier y yo sentados desayunando y me pongo a gritar ¡”Rayan Goslin”, “Rayan Goslin”! (exagerando el acento spanglish). La señora que le acompañaba era muy fea”. Javier Cámara también matizó: “todo el restaurante se dio cuenta de que estaba el actor y pensó: ah bueno, “Ryan Gosling, pero quién es la loca esa?”

Volviendo al tema del rodaje, que duró 5 semanas y una de ensayos, nos cuentan la diferencia evidente entre las superproducciones americanas y las europeas: “Llegamos a rodar el primer día y todas las calles de Nueva York vacías y perfectamente iluminadas.

“El DVD es el nuevo LP” Javier Cámara

“L toda perfe qué eq

Dijimos: “Oh, qué guay, cuántos focos”. Pero era el equipo de rodaje de Spiderman 2, que prácticamente nos tuvo que largar diciendo: a las diez de la noche, este equipo albanocosovar (haciendo referencia a ellos) se tiene que ir de aquí”, explica Javier.

Pero al final de todo, se ponen serios. Son actores profesionales, con un equipo de trabajo muy grande detrás al que le cuesta muchísimo sacar una película adelante. Ahora buscan rentabilidad y por eso animan, lógicamente, a comprar la película en las tiendas. Se declaran coleccionistas de películas (“El

DVD es el

nuevo LP”, dicen) y lo cierto es que merece

El Dvd y Blu-ray de La Vida Inesper está a la venta desde el pasado día 1 septiembre.

Llegamos a rodar el primer día y as las calles de Nueva York vacías y ectamente iluminadas. Dijimos: “Oh, é guay, cuántos focos”. Pero era el quipo de rodaje de Spiderman 2”

rada 19 de

Javier Cámara la pena, al menos para verles todas las veces que queramos hablando en un inglés muy suelto, contando una historia de amor en dos idiomas, con la película en modo V.O. Y mientras tanto, ellos harán lo que mejor se les da hasta el momento, seguir haciendo cine,

“hay que aprender a afrontar las segundas oportunidades y el cruce de caminos”.

porque

Por Rocío Gil Fotografía: Raquel Pérez

Los amiguetes que hicieron posible Torrente 5 Santiago Segura: “James Cameron es un genio, sí.

Dadme 500 millones y haré algo parecido”.

Son las doce de la mañana cuando esta panda de caraduras aparece por la puerta del Casino Gran Madrid de Colón, media hora más tarde de lo esperado y, cómo no, entre risas y buen humor. Acaba de presentarse Torrente 5: Misión Eurovegas en los cines Cinesa Príncipe Pío y son más de cien periodistas los que están esperándolos a ellos: Santiago Segura, Jesulín de Ubrique, Fernando Esteso, Cañita Brava, Julián López, Carlos Areces, el cómico Barragán, Angie y la estrella internacional, Alec Baldwin.

Son un gran equipo y una fuente de inspiración para el líder indiscutible y polifacético de Torrente, Santiago Segura, que como director, guionista y actor principal se define así mismo como un “director esponja”: “Todos ellos

han aportado algo en la comedia. Soy infiel por naturaleza. Cuando alguien aporta una idea mejor que la mía, la elijo”.

Él es el responsable de hacer la saga de películas españolas más taquilleras de la historia, llegando a recaudar entre todas 22 millones de euros. Tampoco sale gratis hacer una película así. Esta última, Torrente 5, ha costado casi 6 millones. Por eso le duele cuando alguien critica sus obras como mal cine. “Torrente es casposo, pero las pelis

de Torrente están bien, técnicamente.

Trabajan técnicos de primera fila”, se

defiende.

También es cierto que pocas películas españolas tienen un reparto como el suyo. Para este episodio han contado con Alec Baldwin como villano antagonista. Él mismo reconoce que solo ha visto los dos primeros films de la saga y que la principal razón para trabajar en esta última ha sido su esposa, de origen español por parte de abuela: “si mi mujer hubiera visto Torrente y no le hubiera gustado, yo no habría venido”.

Segura: “Soy un poco sentimental.

Acordarme de Tony Leblanc o Fernando Esteso… deberían trabajar hasta que no se pudieran levantar”

Jesus Janeiro: “rodar 12 horas diarias de noche, de día, con lluvia, con nieve… Yo pensaba que sería más fácil. Ahora veo pelis y me pregunto lo que habrán pasado para poder hacerla”

v le

Baldwin: “si mi mujer hubiera visto Torrente y no e hubiera gustado, yo no habría venido” La otra de las estrellas de esta entrega se sienta a su lado y no es actor, sino torero.

Segura reconoce que escogió a Jesús de Ubrique por su bis cómica, su simpatía y porque siempre pensó que encajaría en Torrente. Lo cierto es que el muchacho se lo ha ganado,

incluso confiesa que le costó una patada (mal recibida) en sus mismísimos atributos: “rodar 12 horas diarias de noche, de día, con lluvia, con nieve… Yo pensaba que sería más fácil.

Ahora veo pelis y me pregunto lo que habrán pasado para poder hacerla”.

Y entre charloteo, llega el “momento Cañita Brava”. El cómico se arranca, agarra el micro de Santiago Segura y, feliz como un niño, agradece a la prensa que esté allí y presenta (a su manera) la película de la que todos llevan hablando largo rato. ¡Grande, Cañita!

La última en hablar es la pequeña del grupo, Angie. “Al ser la peque del grupo se han metido mucho conmigo. Sin embargo, Fernando me ha tratado muy bien, como a una niña”.

Por fin, la pregunta del millón: ¿Habrá Torrente 6? ¿Se ha cansado Santiago Segura de hacer Torrente? “No estoy cansado, ¡he creado cinco pelis en 16 años!” El director ni descarta ni desmiente, preocupado más ahora por el éxito entre el público de esta película que en la preparación de una posible continuación y termina dejándonos con la duda haciendo referencia a Torrente 5: “éste podría ser un

buen final para la saga”.

Por Rocio Gil

Es cinem JERSEY BOYS

CALIFICACION

FRIKISMO

Basada en la obra de Broadway escrita por Marshall Brickman y Rick Elice, Clint Eastwood nos ofrece una sentimental y cariñosa visión de la vida de los componentes de los Jersey Boys, con especial atención a su solista, Frankie Valli.

sentimentaloide. Este aspecto realista es en gráficamente cuando, en varias ocasion cuatro protagonistas rompen la cuarta par dirigen directamente a nosotros para exp bien puntos de vista o bien detalles (en fo flashbacks) que no hemos visto.

Tal vez muchos no conozcan a este grupo, pero si decimos que 7 de sus discos llegaron a número 1 en la lista de Billboard, con éxitos como “Sherry”, Big Girls Don’t Cry”, “Walk Like a Man”, “Dawn,” “Rag Doll”, “Bye Bye Baby”, “Who Loves You” seguro que al oírlos les reconoceréis de sobra.

En general, la película mantiene este t verosimilitud dándole a la historia un de documental que Eastwood sólo rompe ocasiones, dos actuaciones grabadas por el más con el corazón que con la cámara, emocionarnos como se emocionan los asist la actuación o el propio cantante, en cada c

De todos es sabido que Eastwood es un gran aficionado a la música, sobre todo al jazz, aunque en esta película se le nota el cariño que ha puesto en esta obra, dando al espectador una obra que, sin dejar de ser sentimental, es realista y nada

Por otro lado, Eastwood, de mano suave y s tal vez no fuera el mejor director para esta o Aunque el resultado es más que notable, la tal vez necesitara algo más de “mal genio”

CIUDAD DELIRIO El viernes 5 de Septiembre llegó a las pantallas españolas “Ciudad Delirio” una comedia romántica coguionizada y dirigida por Chus Gutierrez que nos habla de perseguir nuestros sueños tanto en lo profesional como en el ámbito amoroso.

La película, ya estrenada en Colombia hace unos meses fue un éxito rotundo que además ensalza la riqueza de la ciudad de Cali donde se desarrolla la trama.

Esta historia nos presenta a Javier (Julián Villagrán), un médico que viaja a Colombia por trabajo en un viaje donde se tambaleará todo su mundo conociendo a Angie (Carolina Ramírez) una profesora de baile con el sueño de alcanzar, tanto para ella como para su escuela, un punto álgido

profesion a las a espectác ciudad de lugar y a

Durante de Angie decide vo intuición

La histor de pelícu es comed el conjun encandila

strenos matograficos criticas

nfatizado nes, los red y se plicarnos orma de

tono de aspecto en dos director y logra tentes a caso.

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Habría sido otra historia, sin duda, pero al final lo que tenemos es una gran película, una biografía musical de un grupo que hizo historia y que todos los aficionados deben ir a ver. Disfrutarán tanto de las actuaciones como de las canciones, como de las actuaciones, donde resaltan Vincent Plaza y John Lloyd Young, quien retoma el papel del legendario líder de los Four Seasons, Frankie Valli, por el que ya ganó un premio Tony.

Y, como colofón, tenemos el final de la obra: un canto a la alegría y los colores, donde nos dan a entender que, a pesar de todos los problemas, tragedias y penurias, nada es tan importante (como dice varias veces el personaje de Tommy de Vito), llevándonos de vuelta al origen del libreto, trayéndonos en esta última escena un auténtico musical de Broadway.

Todo un placer para los sentidos.

Fernando el Catodico

nalmente hablando ya que se presentan audiciones de Delirio, posiblemente el culo más conocido y con más prestigio de la e Cali donde la salsa está presente en todo a todas horas.

su estancia en Cali, Javier se enamora e y hastiado por su trabajo en España olver a Colombia donde intentará seguir su y su corazón al ritmo de la salsa.

ria que se nos presenta es la de una trama ula de fin de semana televisivo. La comedia dida y, en algunos momentos, escasa; pero nto es una película que se deja ver y que ará a los amantes del baile y a las amas de

casa aficionadas a este género. La banda sonora es muy agradecida y las coreografías claramente profesionales. Sin embargo hay un recuerdo a películas ya vistas que no sale de mi mente.

Respecto a la actuación de los protagonistas, que no deja de ser buena, Julián Villagrán hace un magnífico despistado y mantiene las apariencias pero se deja comer por la interpretación de Carolina Ramírez y la química de la pareja queda un tanto forzada lo que resta puntos a la credibilidad de la historia. No obstante es una película en la que sabes qué te vas a encontrar y lo puedes disfrutar sin restricciones.

Oruga Calva

CALIFICACION

FRIKISMO

OJALA ESTUVIERAS AQUI Aidan Bloom, un joven padre de familia, se encuentra al borde de una crisis existencial provocada por la desaprobación de su padre y por las responsabilidades de la edad adulta. Cuando su situación financiera empeora, toma la decisión de hacer algunos cambios para mejorar su vida.

Zach Braff director, guionista y actor de esta película nos trae una historia de evolución, pero sin traernos nada nuevo.

Aidan Bloom, es un actor en paro que tiene que tirar hacia adelante después de que su padre le confiesa que se está muriendo y no puede pagar el colegio de sus hijos. Además de tener que asimilar la enfermedad de su padre, Aidan tienen una crisis existencial pero mira todo con una actitud bastante positiva, intenta por encima de todo, de su dolor,

BOYHOOD

CALIFICACION

FRIKISMO

Drama rodado durante 12 años (2002-2013), pero sólo 39 días de rodaje. Sigue la historia de un grupo de actores en un viaje épico e íntimo a la euforia de la niñez Richard Linklater nos cuenta la historia de Mason y de su familia. De cómo la vida les lleva de un lugar a otro por las decisiones tomadas por su madre y de cómo él y su hermana se tienen que ir adaptando a todos esos cambios. Boyhood es la historia de un chico normal que tiene una vida normal, quizá por eso hace que sea tan distinta y que nos haga acercarnos más al personaje, pues casi todas las situaciones nos han ocurrido a nosotros, los amigos, las despedidas, el primer amor, el desamor, la relación con los padres, con la hermana…

de su m con su fa padre qu friki que al final d creían.

Es una pe por muy todo pue

La religió película muestran niños, pu los profe Siempre muriendo siempre hija de A

Me ha parecido bastante curioso cómo se ve a todos los personajes principales, como los van envejeciendo. La madre, interpreta Patricia Arquette nos muestra a una mu quiere cambiar su vida, decide ponerse a e para conseguir un mejor trabajo lo que c mudanzas y el conocer a distintas person largo de la película ves que las malas de de ella influyen bastante para que no se de en ningún lugar. El padre es Ethan Hawke, al principio es bastante descuidado y es más se le nota la evolución, de pasar a persona con sueños a ser una persona termina conformando con lo que la vida le h e intenta tirar hacia delante con el trabajo q quedado. Los dos niños protagonistas Ellar C y Lorelei Linklater son a los que más se paso de los años, les ves crecer literalment físicamente como psicológicamente. Los están perfectos, en la película están tota

BETIBU En la apacible y lujosa finca La Maravillosa, una criada asesina a su patrón, Pedro Chazarreta. La noticia sale en todos los medios de comunicación.

Chazarreta, un empresario poderoso, es el único sospechoso de asesinar a su mujer simulando un tonto accidente doméstico. Para dar cobertura a la escandalosa noticia, El Tribuno, uno de los periódicos de mayor tirada del país, convoca a Nurit Iscar, famosa escritora de novelas policiales que lleva años oculta en un ostracismo creativo y voluntario. La apremiante situación económica de Nurit la obliga a aceptar la propuesta de instalarse en La Maravillosa y escribir desde allí una serie de notas sobre el caso periodístico del año.

El próximo 12 de Septiembre de estrena Betibú, una coproducción Argentina-España, basada en

la popula escrita p muchas thriller, la de Pedro historia q poder, la suavizad trío prota con una v periodista Y Marian irá cogien

L o mejor d interpret risa del Coronado acostumb

miedo, de su tristeza, salir hacia adelante amilia y complacer la última voluntad de su ue es ver a su otro hijo, el típico hermano parece que no hace nada con su vida pero de la película se puede ver que no es como

elícula llena de tópicos que te muestra que mal momento que estés pasando siempre ede salir bien.

ón tiene un papel muy importante en esta pues los protagonistas son judíos. Se n las enseñanzas en las clases para los ues el protagonista va a pedir consejo a esores y también ayuda en su situación. están ahí, cuando su padre se está o, el rabino está en el hospital, en general aparecen para aconsejar. Por ejemplo, la Aidan es muy religiosa, siempre vestida de

e crecer s padres ada por ujer que estudiar conlleva nas, a lo ecisiones etengan , el cual s al que ser una que se ha dado que le ha Coltrane nota el te, tanto actores almente

negro con faldas largas.

Eso sí, se observa cómo poco a poco después que los tengan que casar el colegio ella va cambiando, muy despacio, y comienza a introducir algo de color en su imagen.

Las actuaciones están bastante bien, me encantó Mandy Patinki que muestra un carácter rudo y que nunca admite estar orgulloso de sus hijos aunque no sea verdad. Podemos ver también a Jim Parsons al que todos conocemos como Sheldon en The Big Bang Theory con un pequeño papel. Finalmente, en general la película se hace un poco larga pero deja buen sabor de boca ver que al final todo les sale bien.

CALIFICACION

FRIKISMO

Vicky Carras

naturales, lo que da una sensación de realismo increíble.

Mencionar que el director hizo genial su trabajo al meter pequeños detalles de cada año que pasaba, la música, las escenas de las noticias en la televisión que te van dando una idea de en qué año están exactamente, la grabación en el lanzamiento de uno de los libros de Harry Potter, que desde el principio de la película ves que la madre les está leyendo, las referencias a Star Wars debatiendo si debería hacerse o no una nueva película de la saga… detalles que te llevan a esa edad, a esa época.

Para terminar la única pega que pondría que es demasiado larga, podrían haber contado la misma historia con menos metraje.

Vicky Carras

ar novela argentina del mismo nombre, por Claudia Piñeiro. La cinta tiene tintes de cosas, a saber: aunque es sobre todo un a resolución del crimen ¿o quizá no lo es? o Chazarreta es el punto de partida de una que habla también de la corrupción, del a traición, la culpa, la venganza… Todo ello do por la relación que se establece entre el agonista, Nurit Iscar, la aclamada escritora vida algo desordenada. Brena, el veterano a que ha visto de todo y se las sabe todas. no, el inexperto y arrogante periodista que ndo maneras sobre la marcha.

de la película es sobre todo este triángulo tativo, que incluso llega a provocar la espectador en ciertos momentos. José o, está perfecto en un papel al que ya está brado, el del seductor que se sabe siempre

ganador.

Mención especial merece la elección de la banda sonora, que incluso casi roba el protagonismo a la acción en la primera secuencia: la del descubrimiento del cadáver.

CALIFICACION

Estamos pues ante una película sencilla en la forma, pero compleja en el fondo. Peca quizá de querer abarcar muchos temas y llegar al final un poco atropelladamente y con prisas.

Anun Medina

FRIKISMO

EL HOMBRE MAS BUSCADO Un hombre llega de manera ilegal a Hamburgo buscando asilo y todos se llevan las manos a la cabeza. Es medio checheno, medio ruso y por si no fuera poco, islámico y, como en la serie de Homeland, tendrá en jaque a todo el servicio de espionaje europeo y americano. A su favor, sin embargo, tendrá a una guapa pero excesivamente confiada abogada interpretada por Rachel McAdams y a un Willem Dafoe con un papel (un tanto plano) que le debe cierto dinero heredado de su padre, un mafioso ruso.

Durante toda la primera mitad de la película se van presentando los personajes de una forma bastante monótona. Aunque lo parezca, Issa (nuestro torturado amigo con una evidente crisis de identidad) no es el protagonista, sino un Phillip Seymour Hoffman que, como siempre, clava su

EL HOMBRE MAS BUSCADO

CALIFICACION

FRIKISMO

Existe una relación un tanto aséptica entre el cine de espionaje y el público, basta con pulsar los bostezos y la incomodidad del respetable en la sala oscura para darse cuenta de esa realidad, algo que por otro lado resulta habitual en propuestas de un género tan propenso a ritmos de marcado carácter contemplativo.

Bajo ese prisma, el holandés Anton Corbijn se postula como el director ideal para acometer la adaptación de una novela de John Le Carré, un autor experto en tales menesteres, que en esta ocasión presenta una historia plena de actualidad, situada en ese nuevo telón de acero forjado entre occidente y el mundo islámico tras la caída de la Torres Gemelas.

Un trabajo cocinado a fuego lento, que busca

papel y e marcado

Pero el pr film, es q en ese ti o demasi más que

El guión la películ Los dem de verdad bastante de confi bandas. los que e bastante

La películ

la tensión en los diálogos y en las mal relaciones de cooperación entre las dif agencias de defensa, por encima de la acción del film.

Entre los puntos a su favor, destacar el trata estético que Corbijn, reputado fotógrafo, i al acabado del film, y que convierten a la alemana de Hamburgo en otro protagonist trama, bien focalizado a través un filtro opa adecuado para el tono de negrura que mue argumento.

Por contra, cierta debilidad en los secundario vínculos que entre ellos se establecen, habla buenos actores como Robin Wright o Willem o incluso Rachel McAdams, pero la sensac sus personajes desprenden son más bien perdidas en una maraña conspiranoica q parece saber sujetar su actor principal.

EL CORREDOR DEL LABERINTO Cuando el joven Thomas despierta, se encuentra en un ascensor y no recuerda quién es. Es el año 2024. De pronto, el ascensor se detiene, las puertas se abren y una multitud de chicos lo recibe.

Ha llegado al Claro, un lugar rodeado de altísimos muros con dos portones que todas las mañanas se abren y dan paso a un inmenso laberinto De la novela del mismo nombre “El corredor del laberinto” nos adentra en una aventura llena de acción y misterio, donde Thomas despierta en un ascensor con salida al exterior a un extraño lugar en el que habitan un grupo de chicos de su misma edad que al igual que él no recuerdan absolutamente nada de sus vidas antes de llegar al claro en el que se despiertan, solo su nombre.

Poco a poco va conociendo el lugar, donde cada

mes llega cuenta d laberinto que la ll conocerle

Del direc (escritor es una p trama pu ocurre.

Los acto noveles, Podemos protagon Thomas B

Algo que ambienta

en este caso lo hace como un espía con un o acento alemán que le queda de maravilla.

roblema, al menos, de la primera parte del que Hoffman se las sabe todas. Tanto, que iempo no hay apenas escenas de conclicto iado interés más allá que seguir las pistas evidentes que deja su blanco.

mejora en la segunda parte, convirtiendo la en un auténtico thriller de persecución. más personajes empiezan a cobrar sentido d: Willem Dafoe como banquero corrupto y e maleable; y la abogada afianza su relación fianza con Issa mientras trabaja a dos Sin embargo, los secundarios (al menos están del “bando bueno” de Hoffman) son e prescindibles.

de hacer una trama profunda de investigación y traiciones. Pero aunque el guión profundice en varias capas de propósitos y de relación entre los personajes, no llega a sumergirse en un tema tan profundo como el terrorismo islámico ni tampoco los personajes llegan a evolucionar ni interesarnos en sí mismos.

Pero un thriller es un thriller y en cualquier caso, merece ver la interpretación de uno de los grandes que ya no se encuentra entre nosotros: Phillip Seymour Hoffman

CALIFICACION

FRIKISMO

Rocio Gil

la es un intento de Anton Corbjin (su director)

logradas ferentes a propia

amiento imprime a ciudad ta de la aco muy estra su

os, y los amos de m Dafoe, ción que difusas, que solo

Es por eso, y como no podía ser menos, que la última reflexión debe quedar destinada a ensalzar la figura de Philip Seymour Hoffman, que nos dejaba huérfanos de su talento el pasado 2 de febrero. Günther Bachmann supone su último papel como protagonista, y nuevamente, su implicación alcanza niveles de superior calidad, en esa linea de sobriedad y contención que le habían convertido, por derecho propio, en uno de los mejores interpretes del cine moderno.

Las declaraciones sobre su participación en este hombre más buscado, expuestas a continuación, prácticamente se han convertido en un involuntario testamento personal.

“Es una de las experiencias más satisfactorias que he tenido en mi carrera” Antonio Alcaide

a una nueva persona y comida, para darse de que están en el centro de un inmenso o del cual no parece que haya salida. Hasta legada de Teresa, una chica que parece e lleva a un cambio de los acontecimientos.

ctor Wes Ball y con guión de James Dashner de la saga) “El corredor del laberinto” película que te mantiene enganchado a la ues hasta el final no sabes lo que realmente

ores, todos jóvenes promesas pero no cumplen muy bien con sus actuaciones. s ver a Dylan O´Brien, uno de los nistas de “Teen Wolf”, como Thomas o a Brodie-Sangster de “Juego de Tronos.

e me ha encantado sin lugar a dudas es la ación de la película, el claro donde viven,

donde viven en armonía gracias a tres normas que tuvieron que poner para poder convivir entre ellos.

Y luego el laberinto, impresionante, con unos muros enormes que se abren durante el día para que te adentres en un lugar aterrador, que cada cierto tiempo cambia sus paredes de sitio y además como todo buen laberinto posee unas criaturas capaces de volver a la gente loca.

Pero, ¿quién ha dejado a estos chicos allí? Y sobre todo, ¿por qué les tienen allí? Para eso mejor ver la película, la cual os dejará un buen sabor de boca además de muchas ganas de ver una segunda parte.

Vicky Carras

CALIFICACION

FRIKISMO

SI DECIDO QUEDARME Mia es una joven de 17 años que parece tenerlo todo en la vida: una famila adorable, un novio que la quiere, un amigo incondicional y una prometedora carrera musical, debido a su talento natural para tocar el chelo. Sin embargo, todo eso cambia en una fracción de segundo, cuando ella y su familia sufren un terrible accidente de coche De la novela de Gayle Forman, nos llega la película “Si decido quedarme” donde nos presentan a Mia, una joven violonchelista que tras un fatídico accidente, en el cual queda en coma, debe decidir si regresar a su vida o abandonar para siempre.

Para afrontar esta dura decisión, Mia echa la vista hacia atrás viendo lo que ha sido su vida con su familia, amigos y sobre todo su relación con Adam, su novio.

FRANK

CALIFICACION

FRIKISMO

Esta semana me he llevado una grata sorpresa con una película que, sinceramente, no había oído hablar de ella y que me ha encantado. La película es Frank y podríamos decir que es una “dramedia” musical indie dirigida por Lenny Abrahamson La película se centra en como el joven Jon Burroughs (Gleeson) es un compositor sin mucho éxito que por cosas del destino se cruza con el grupo de música experimental The Soronprfbs, liderado por Frank (Fassbender), un excéntrico personaje que tiene lleva una cabeza enorme de papel maché y de la cual no se despoja nunca.

Como he comentado al principio, la película me ha sorprendido mucho y para bien. Cuando ya vi el elenco de protagonistas sabía que iba a ver una película que no me iba a decepcionar, y es que

La pelícu a la fam nos mu adolescen pues sus toca en u completa todo de B

Con una rock y d primera p lágrimas que va t ocurren d

Las actu creíble la

cuando tienes a Fassbender y Gyllenhaal película de toques indies sabes que va a fu Aunque no os voy a mentir, la película es ra es para todo tipo de público ya que puede p tanto desconcierto como admiración, per que deje a alguien indiferente. En mi caso, y una “lover” tanto del cine como de la músic tenían todos los elementos para que me gu así ha pasado.

El guión, que corre a cargo de Jon Ronson Straughan, es bastante redonda de princip manteniendo al espectador embelesado diferentes tipos de personajes que se dan en La mezcla de drama y comedia están bien ni al igual que la música, elemento fundame film. Un dato curioso es que casi todos los que suenan en el film están compuestos y/o por Abrahamson, Ronson y Gleeson.

LA ENTREGA En Brooklyn, un solitario camarero rescata a un cachorro de un cubo de basura. Sus problemas empiezan cuando aparece el dueño del animal, que es un hombre con problemas mentales y que, además, está involucrado en una conspiración criminal que se planea en el bar en el que trabaja el camarero.

Bob es un hombre tranquilo que vive su vida trabajando en el bar de su primo Marv, donde no solo se sirven copas, sino que además sirve de intercambio de dinero con la mafia. Pero la vida de Bob comienza a complicarse al encontrarse un cachorro en un cubo de basura. A partir de ahí el dueño del perro, un desequilibrado mental, no para de seguirle y meterse demasiado en sus asuntos.

La película comienza con la impresionante voz en off

de Tom H tipo norm nada con dará bas Junto a é uno de s ver como el contro lo único volver a encontra secretos Rapace y dueño de un deseq cárcel po del primo

Un thrille mirada d

ula además de hablarnos del amor, tanto milia como a la relación con su novio, uestra las inseguridades típicas de la ncia, donde Mia, no encaja en ningún lado, s padres son dos viejos rockeros y su novio un grupo de Punk, mientras que ella está amente dedicada a la música clásica, sobre Beethoven.

tenemos a Cloe Grace Moretz (Kick Ass, Carrie) la cual se mete bastante bien en su papel sin darle demasiado énfasis al que nos tiene acostumbrado.

En la lista de actores también tenemos a Mireille Enos (Sabotage, Guerra Mundial Z), Joshua Leonard (el proyecto de la bruja de Blair) y a Jamie Blackley, como Adam.

buena banda sonora , llena de clásicos del de música clásica, R.J Cutler, nos trae su película, donde es fácil que se nos salten las en algún momento viendo las decisiones tomando Mia y los diversos sucesos que durante los 106 minutos de película.

En general una película dedicada para los lectores y un público adolescente, donde se verán identificados con muchas de las situaciones que va recordando la protagonista.

CALIFICACION

FRIKISMO

Vicky Carras.

uaciones son bastante naturales, es muy as situaciones familiares. Como protagonista

en una uncionar. ara y no provocar ro dudo y siendo ca indie, ustara, y

n y Peter pio a fin, con los n el film. ivelados ental del s temas escritos

En cuanto a las interpretaciones cabe destacar, como no, Fassbender. Si, lleva una cabeza gigante todo el tiempo, pero su expresión corporal y uso de la voz son suficientes para viajar al interior de esa cabeza fácilmente. Gleeson y Gyllenhaal llevan muy bien sus papeles, tanto él como nuevo músico que quiere darse a conocer como ella siendo la popera oscura con ganas de pegarle una buena torta, vamos, uno de los papeles clásicos de la actriz. No me olvido del actor Scoot McNairy, desconocido para mi hasta que le vi por primera vez en la serie Halt and catch fire y que aquí hace de Don, una especie de representante y carta de presentación para Jon ante la banda. Gran papel el suyo.

Elena Oteo

Hardy, el cual está estupendo en su papel de mal y corriente que no hace absolutamente n su vida, solo trabajar en el bar y que nos stantes sorpresas al final de la película. él encontramos al gran James Gandolfini en sus últimos papeles, en el que le podemos o un hombre que perdió hace muchos años ol de su bar por culpa de la mafia y que que quiere es volver a ser reconocido y tener poder. Mientras tanto en la historia amos a Nadia una muchacha con muchos aún por descubrir interpretada por Noomi y a un gran Matthias Schoenaerts, como e Rocco (el perro que se encuentra Bob) quilibrado mental que ha pasado años en la or la muerte de un hombre conocido del bar o Marv.

er de los buenos, en los que no apartas la de la pantalla porque no sabes que es lo que

va a ocurrir en el siguiente minuto. Con bastantes giros, al principio piensas una cosa y de repente todo cambia.

CALIFICACION

Realmente es una película que merece ser vista, ante todo por las grandes actuaciones de sus actores que gracias a ellos en ningún momento ves como va a terminar, en ningún momento te esperas ese final que te deja con la boca abierta. Pero para ver esto os tenéis que acercar a ver la película que recomiendo muchísimo, es un gran adiós para uno de los grandes… hasta siempre Gandolfini.

Vicky Carras

FRIKISMO

estrenos en DVD y Bluray

Viendo a Lupe encerrada en casa, en bata y zapatillas, nadie diría que en los 80 fue una estrella del rock.

Atrás quedaron los conciertos, la fama y los éxitos. La agorafobia no le permite salir de casa. Depende totalmente de Paquita, su madre, una mexicana supersticiosa y con gran corazón, que no sólo se ocupa de su hija sino también de su nieto adolescente, Pancho. El problema es que a Paquita se le acaba el tiempo y no quiere marcharse sin antes recuperar a su hija.

Elise y Didier llevan juntos siete apasionados años. Recuerdan su amor a primera vista, su pasión, la música les acercó, el embarazo inesperado y la alegría de tener a la preciosa Maybelle. Un círculo completo de felicidad para una pareja muy poco convencional.

Luchan juntos por la vida de su hija, y esperan que el amor no les abandone cuando más lo necesitan.

El amor puede con el destino… a veces.

¡Es el cuento de hadas musical definitivo! Barbie es Alexa, una tímida princesa que descubre una puerta secreta en su reino que da paso a una tierra extravagante llena de criaturas mágicas y sorpresas.

Allí Alexa conoce a Romy y a Nori, una sirena y una hada, que le cuentan que una gobernante muy caprichosa llamada Malucia está intentando robar toda la magia del lugar. Para su sorpresa, Alexa tiene poderes mágicos en este mundo, y sus nuevas amistades están convencidas de que sólo ella puede devolverles su magia. Descubre todo lo que ocurre cuando Alexa encuentra el valor para defender lo que es correcto y aprende que el poder de la amistad es mucho más valioso que el de la magia.

Asian Hawk (Jackie Chan) es un soldado de fortuna que dirige a un grupo para recuperar algunos artefactos perdidos del Viejo Palacio de Verano, las cabezas de bronce de los 12 animales del Zodiaco Chino, que fueron robadas en 1800. Su búsqueda les lleva por el mundo entero, desde los viñedos de Francia a la ladera de un volcán activo y Hawk no se detendrá ante nada para cumplir su misión.

Dom Hemingway (Jude Law) es un hábil y arrogante ladrón de cajas fuertes, un tipo listo y algo perturbado que rebosa una exultante energía. Después de doce años en prisión, Dom vuelve a las calles de Londres dispuesto a cobrar lo que le deben por mantener la boca cerrada y no delatar a su jefe, Mr. Fontaine (Demián Bichir). Dom intenta además recuperar el contacto con su hija (Emilia Clarke), de la que se ha distanciado, pero pronto se ve de nuevo inmerso en el único tipo de vida que conoce.

Cameron Diaz encabeza un reparto de lujo en esta desternillante comedia sobre el amor, la lujuria y las leyes del karma. Carly Whitten trabaja como abogada en Nueva York y no tiene ni un pelo de tonta. Así que cuando, accidentalmente, descubre que su prometido demasiado-buenopara-ser-real, Mark, está casado, se queda estupefacta. ¡Y todavía hay más! Ella y la esposa de Mark, Kate, descubren que Mark tiene otra amante. Pero estas tres bellezas traicionadas pronto se convierten en buenas amigas y deciden darle una lección a este hombre que lleva una triple vida.

A pesar de que un milagro médico ha conseguido reducir su tumor y darle unos años más de vida, la adolescente Hazel (Shailene Woodley) siempre se ha considerado una enferma terminal.

Sin embargo, cuando el joven Gus (Ansel Elgort) entra a formar parte del grupo de ayuda para enfermos de cáncer juvenil, la vida de Hazel se transforma por completo.

Basada en una fascinante historia real,Buscando un destino narra la lucha por la supervivencia y la redención a través de la dura realidad de la vida en las calles. Appel Bailey (Vanessa Hudgens) es una adolescente embarazada hundida en una peligrosa lucha hasta que encuentra la salvación en un centro de acogida para adolescentes sin hogar. El centro ayuda a Apple a romper los grilletes de su pasado y enfrentarse al futuro con claridad, madurez y esperanza para sí misma y para su hijo.

Con la participación de James Earl Jones,

Los X-Men luchan por la supervivencia de la especie en una guerra que se desarrolla en épocas diferentes, entre los mutantes y los centinelas, unos robots concebidos para exterminarles. Los personajes de la trilogía cinematográfica original de X-Men unen sus fuerzas a las que ellos mismos poseían en el pasado, cuando eran más jóvenes.

Peter Wenkman (Bill Murray), Raymond Stantz (Dan Aykroyd) y Egon Spengler (Harold Ramis) son tres simpáticos parasicólogos que estudian fantasmas y otros fenómenos sobrenaturales. Pero llega el día en que ponen su propio negocio: “Los Cazafantasmas”. La gente al principio es reacia a llamarles para pedir ayuda, pero una vez que empiezan... surgen muchísimos problemas de fantasmas. Peter Wenkman se siente atraído por Dana Barret (Sigouney Weaver) que tiene un problema: su refrigerador está poseído por los espíritus.

El Sr. Peabody, el perro más exitoso del mundo, y su travieso hijo Sherman, van a utilizar su máquina del tiempo –el Vueltatrás– para embarcarse en la aventura más escandalosa que se haya visto jamás. Sin embargo, en un desafortunado accidente, Sherman le muestra la máquina a su amiga Penny para impresionarla y acaban creando un agujero en el universo, provocando el caos en los acontecimientos más importantes de la historia. Antes de que el pasado, el presente y el futuro queden alterados, el Sr. Peabody acude al rescate mientras tiene que hacer frente al mayor desafío de siempre: ser padre. Juntos dejarán su huella en la historia.

Sitges 2014, tierra zombies y vampi Por Rocío Gil

Se enciende la pantalla y nos topamos con ellos: los zombies de jaume Balagueró dispuestos a acosarnos de pánico en Rec 4. Así comenzará Sitges 2014 y, por fin, conocemos toda la programación de la mano de Ángel Sala, el director del festival de cine de fantasía y ciencia ficción más esperado todos años.

Lo cierto es que no pinta nada mal: entre ese comienzo y la clausura del certamen, enterrando a una ex novia zombie, con “Burying the ex”, de Joe Dante, hay para todos los gustos. De lo más destacado, quizá, los filmes sobre zombies y vampiros que, entre terror y un humor muy negro nos dejan películas como la esperada “Dead Snow 2” (un ejército comunista contra un ejército de muertos vivientes. Palabras del director de Sitges, Ángel Sala: “no me he reído tanto en mi vida”), o “Girls Walks Home Alone at Night”, con Elijah Wood, que ha tenido muy buena acogida en Cannes.

También destacarán las producciones asiáticas, entre las que nos llama especial atención la nueva de Kim Ki-duk: “One on one”, que narra la persecución del asesino de una niña. Las series, por su parte, cobrarán protagonismo este año con éxitos tan internacionales como “Juego de Tronos”, “Gotham” o “Big Ban Theory”.

“Anabelle”, esa muñeca diabólica de ojos cambiantes, será una de las grandes protagonistas, porque supone el comienzo de la que será la secuela de “The Conjuring”. Habrá documentales, con ganas de ver el decadente retrato de Cronenberg en “Map of the Stars”.

Y algo que os encanta, frikis: maratones de cine: “La noche más zombie” y “La noche más killer”. Temblad.

a de iros

Ángel Sala advierte: “las series B han vuelto”, y junto con el cine de autor, van abriéndose más y más hueco en el festival: “ha vuelto el bajo presupuesto porque son películas rentables, incluso para mercados exclusivamente de DVD”. El director del festival de Sitges también advierte de lo que puede convertirse en una nueva moda: los animales zombies o “Zoombies”, con películas como “Zombeavers”, de Jordan Rubin, que tras llevar anunciándose tanto tiempo estamos ansiosos por ver a esos adorables castores asesinos.

Este año, además, los cortometrajes estarán para lucirse, porque tienen la oportunidad

de ser seleccionados por la academia de Hollywood para ser candidatos a los Oscar.

Hasta aquí, poco más podemos añadir. Nos quedamos con una frase, la que le hemos oído a Ángel en la presentación de esta edición mientras citaba a Stepheng King y su “Danza Macabra”: “el tiempo es breve, nadie está a salvo y la muerte está a la vuelta de la esquina… pero nosotros, el cine, estamos de celebración. Estamos vivos”.

Por Rocío Gil.

Acud

40 hi Por Fran Tejada

Javier Vasalllo repasa 40 histori trayectoria como director de Buena V en Espa単a

dimos a la presentacion de Sin claquetas

istorias de cine, el sudor tras las pantallas españolas.

Para muchos puede sonar desconocido el nombre de Javier Vasallo. Pero si hablamos de Buena vista pictures distribution la cosa cambia. Este taimado profesional del cine ha sido durante casi veinte años el encargado de traer a

ias de su Vista Pictures

nuestro país películas de gran calibre como Toy Story, El hombre que susurraba a los caballos, Armageddon, Aladdín… Casi 400 películas ha distribuido en su más que interesante trayectoria como Vicepresidente y director general de la empresa. Ha querido transmitirnos su experiencia, sus buenos y malos momentos, los personajes y personas que ha conocido…

Para

ello

ha contado con Eva Losada, una talentosa escritora de guiones, novelas y comics que ha sido finalista del Premio Planeta y Círculo de lectores de novela. Sin esta narradora, nos contaba en la presentación el propio Javier, no habría podido contarnos todas estas peripecias, por lo cual él, está muy agradecido.

En el caso del prólogo aparece la figura de Luis Piedrahita, haciendo gala, como no, de su buen humor y su estrecha amistad con el autor.

Deseamos, antes de seguir con el artículo, que estas dos personas ayuden a fomentar la lectura de este libro ya que no es fácil hoy en día vender muchos ejemplares con un libro sobre cine, una apuesta valiente.

En el caso de Madrid nos presentaron el libro en la Academia de las artes y las ciencias cinematográficas de España, que mejor marco para un libro de cine. Como no, el acto estuvo capitaneado y presentado por el presidente de dicha entidad, Enrique

Gonzalez Macho, el cual gusta de una buena amistad con Javier Vasallo. La campaña de presentación del libro no acaba en Madrid y tampoco es el punto de partida. El equipo (autores, prologuista y gente de Aga ediciones) lleva un verdadero Tour por España: presentó el libro en el festival de San Sebastian y dentro de poco en Barcelona.

Fueron tan amables de hacernos entrega de una copia del libro, el cual he devorado con cada vez más ganas ya que es una joya de anecdotario para cualquier cinéfilo. En estos tiempos en los que vivimos la gente piensa que dedicarse al cine es ser actor, cámara o director. Pero con estas 40 historias de cine uno no solo puede descubrir la cantidad de gente y esfuerzo que hay tras una película, si no que deseará formar parte de ello. Cuanto menos pueden resultarnos curiosos los detalles de cada famoso con el que se ha codeado Javier, con cosas como: “Les aseguro

que no fue fácil explicar a las oficinas centrales en Burbank qué significaba “fistro”, “condemor” y mucho menos, “duodeno vaginal” ”, el gusto de

Tarantino por la librería 8 y medio o de Bill Murray por las tapas de los “barrios viejos” de Madrid. Sin duda se desvelan muchos secretos y tejemanejes del mundillo del cine en estas 300 páginas.

Tal cual afirmaba el director de la academia, este libro

puede hacer las veces de guía gastronómica, ya que no son pocas las veces se le presentaron situaciones variopintas en restaurantes de todo tipo. Por si fuera poco el libro está dotado de unas páginas centrales a todo color con fotos muy singulares junto a personalidades como Elsa Pataki, la Duquesa de Alba, John Travolta, Nicolas Cage, Ben Affleck… en toda clase de eventos, desde festivales hasta cenas íntimas. Además, aprovechando las tecnologías, al final de algunos capítulos iremos encontrando unos códigos BIDI o QR, los cuales, si los leemos con nuestros smartphones o tablets nos llevarán al tráiler de la película indicada.

Por último cabe señalar el bonito homenaje que le ha rendido Disney, conociendo su retirada, dejándole doblar a un personaje en la última entrega de Toy story.

Man in progress: la destacadas de los h Hasta el 2 de noviembre, en el Museo del Traje de Madrid El mismísimo Daniel Craig llevó uno de estos trajes como James Bond en “Quantum of Solace”, diseñado por Tom Ford. También allí, en el Museo del Traje, podemos ver zapatos al más puro estilo Andy Warhol, y otros muchos ejemplos de las prendas que en algún momento llevaron los personajes más emblemáticos.

A la presentación fueron algunos de los personajes más destacados del panorama actual. Entre ellos, coincidimos con los actores

Jesús del Olmo

y Canco Rodríguez, que nos dedicaron un amable saludo, o actrices

como Ana celebrities.

Rujas,

entre otros muchos

La exposición podrá verse hasta el próximo 2 de noviembre .

Por Rocío Gil

as vestimentas mas hombres importantes

EL LABERINTO LOVECRAFT Parte 1: Una pequeña biografía.

Genio y loco, visionario y excéntrico, escritor compulsivo y antisocial… a día de hoy Howard Phillips Lovecraft sigue siendo para muchos una figura enigmática. En las próximas líneas vamos a intentar desvelar algunos de los misterios y leyendas que rodean la imagen del creador del género literario que el mismo definió como “Terror

cósmico”.

Lovecraft, nacido en Povidence el 20 de agosto de 1890 tuvo una infancia difícil y una pubertad aún más difícil. Único hijo del matrimonio, su padre Winfield Scott Lovecraft era representante de joyería y se ausentaba largas temporadas de casa, mientras que su madre Sarah Susan Phillips Lovecraft, proveniente de una familia de origen británico acomodada, ejercía sobre su hijo una presión constante, que sin duda contribuyó a forjar la personalidad esquiva y retraída del pequeño Howard.

Según el propio Lovecraft “De niño yo era muy raro y sensible, y prefería la compañía de las personas adultas. No podía apartarme un instante de cualquier hoja impresa. A los dos años aprendí el alfabeto, y a los cuatro podía leer fácilmente, aunque cometiendo los más absurdos errores al pronunciar las palabras largas, a las que era tan aficionado. A los cinco años añadía el escribir con tinta a la lista de mis hazañas. Entre mis escasos compañeros de juegos yo era muy impopular, pues insistía en que interpretásemos personajes históricos, o que jugáramos de acuerdo con un plan

rechazado por los seres humanos, busqué refugio en los libros.” preestablecido. De este modo,

Con sólo tres años de edad su padre fue recluido en una institución de salud mental.

Según fuentes oficiales fue a causa de una crisis nerviosa durante un viaje de trabajo, aunque hay otras teorías que indican que la crisis se debió a que el señor Lovecraft Senior era un estafador y la crisis nerviosa fue desencadenada cuando le detuvieron por este motivo. Sea como fuere, fue diagnosticado con neurosífilis, lo que nos indica que los contemporáneos que tachaban al padre de Lovecraft de “juerguista”, “mujeriego” y “putero” (y luego veremos la causa) no iban descaminados, y cinco años después de su ingreso en esta institución mental finalmente fallece de paresia, una parálisis general motivada por esa enfermedad.

El ingreso de su marido en el Centro Psiquiátrico de Providence hace que Sarah Susan, criada en la rigidez de una familia de ascendencia británica y aguerrida defensora de los valores morales que ello supone, vuelque todas las frustraciones de su vida “destrozada” y su honor mancillado en su hijo.

Susan tiene para un artículo, una revista y un libro aparte. Ella quería tener una hija, tanto, que preparó el ajuar para una niña. El nacimiento de Howard no supuso un contratiempo para sus planes, ya que el

hecho de que fuese varón no se interpuso en sus planes de vestir a su descendencia con los vestidos que tenía preparados o dejarle el pelo largo para poder hacerle peinados, lo que causó que en alguna ocasión llegase a definirse diciendo “soy una niña”. Es extendida la opinión, con mucho sentido común, de que Susan simplemente “aprovechó el ajuar”, aunque se desmonta cuando hablan las fechas:

su madre le vistió de niña hasta que este tuvo seis años, momento en el que

tras sus continuadas protestas, y según cuenta L.Sprange de Camp en su biografía sobre Howard Phillips “Susie llorando amargamente, le cortó el pelo”. Mucho “fondo de armario” o “reserva de ajuar” era esa.

Pero además de vestirlo de niña, por la causa que sea, la madre mostraba una sobreprotección enfermiza con todo lo que tenía que ver con su hijo. Le prohibía jugar con otros niños ya que les consideraba “inferiores” o de categoría menor y no quería que mancillasen a su hijo y su refinada educación. Para afianzar en su hijo el convencimiento de que salir a la calle no era buena idea, le llamaba feo a todas horas. Tanto, que Howard llegó a desarrollar un auténtico complejo de feo, y se negaba a salir de casa convencido de que la gente por la calle le miraría y se reiría a causa de su (imaginaria) fealdad.

Esta sobreprotección se combinaba peligrosamente con el resentimiento de Susan Sarah con todo el género masculino a causa

de la licenciosa vida de su marido, si bien esta licenciosa conducta estaba a su vez causada por el puritanismo militante de Susan, puritanismo este causado por su estricta educación a causa de su origen británico. Y así he metido en un mismo párrafo una barbaridad de veces la palabra “causa”, pero lo importante es que esta cadena de causas y efectos al final recayeron sobre el joven Lovecraft.

Lovecraft residía con su madre y dos tías en la casa de su abuelo materno, Phillips Whipple Van Buren, que le aficionó a la lectura y le descubrió las mitologías romana y griega, así como las historias de terror gótico de Edgar Allan Poe, por el que Lovecraft sentía verdadera admiración. Durante su infancia sus ratos libres fueron prácticamente todos ya que Lovecraft (como tenía poco encima el pobre) a causa de su mala salud sólo pisó un colegio cuando tenía ocho años y lo abandonó un año después a requerimiento de su obsesiva madre. Años después volvería a la escuela secundaria, pero tras dos cursos la abandonó porque la encontraba “estimulante y aburrida”. En estos ratos construyó entre otras cosas altares a los dioses Artemisa, Apolo y

“El lugar lógico para encontrar una voz de otros tiempos es un cementerio de otros tiempos.”

Saturno y un laboratorio de química en el que realizaba pequeños experimentos. Un niño capaz de leer y escribir con cuatro años, que se autodeclaró ateo con cinco y capaz de montar un laboratorio con ocho sin embargo no tuvo el éxito académico que por lógica le correspondería. El espacio fue siempre la gran incógnita en la vida de Howard, como demuestra el hecho de que fue el creador del género llamado “Terror cósmico”, pero su ineptitud con las matemáticas hizo que no pudiese acceder a estudiar astronomía, un fracaso que le marcó para el resto de su vida aunque no le disuadió de escribir y colaborar en varias revistas científicas.

Se supone que fue en estos años cuando a causa

de una indigestión por comer pescado en mal

desarrolló una profunda fobia a todo lo que proviniese del mar. En estado

sus obras es recurrente que la perdición de la humanidad provenga del océano, por ejemplo, el gran C’thulhu yace sumergido en la ciudad de R’lyeh. Por otra parte, era un amante de los gatos, llegando a afirmar en un ensayo sobre los felinos “Por el gato he sentido siempre un respeto y un afecto especial, desde los días más tempranos de mi infancia. En su gracia sin tacha y en su superior autosuficiencia he visto un símbolo de la belleza perfecta y la suave personificación del universo mismo objetivamente considerado, y en su aire de silencioso misterio reside para mí todo el secreto y la fascinación de lo desconocido”.

Estos fueron los mejores y más felices años de su vida (y nosotros nos quejamos cuando se nos cuelga el móvil) como el mismo reconocería más tarde, y con trece años fundó la “Agencia de detectives de Providence” gracias a su pasión por la literatura policíaca. Pero no todo iba a ser de color de rosa (modo ironía ON) en la existencia de Howard Phillips.

Con catorce años fallece su abuelo, provocándole una profunda depresión de la que quizás nunca se recuperaría totalmente, y que a tan corta edad le llevó a considerar el suicidio en varias ocasiones. Este fallecimiento dejó a la familia en una delicadísima situación económica, por lo que Lovecraft se ve obligado a mudarse a una pequeña casa en el ya emblemático

598

de Angell Street, donde empezó a escribir relatos de ficción.

Fue en este lugar, ahora convertido en destino turístico de la llamada “Ruta Lovecraft de Providence” donde Howard empieza a fraguar lo que posteriormente serían los “Mitos

C’thulhu”,

de

su particular mitología fantástica y reflejo en gran medida de sus miedos y frustraciones, si bien escribió muchas otras obras, poemas y ensayos que nada tenían que ver con el género fantástico.

Es curioso descubrir cómo llega Lovecraft a la literatura. Recluido con su madre, Lovecraft era más que lector compulsivo. Vivía por y para la literatura ya las relaciones con el género humano no le despertaba la más mínima curiosidad. Sin embargo si era un prolífico escritor de cartas, llegando a redactar más de 100.000 (si, has leído bien, 100.000) a lo largo de toda su vida. Una de estas cartas la envió a la revista literaria “The Argosy”, para quejarse de la falta de profundidad en las historias de amor de uno de sus más prestigiosos colaboradores, Fred Jackson. Como si de un foro lleno de trolls se tratase, se crea un intenso debate entre Lovecraft y Jackson que termina llamando la atención de Edward F. Daas, presidente de la United Amateur Press Association, que le invita a la asociación y a colaborar con sus poemas y ensayos.

De esta época son “La declaración de Randolph Carter”, “La ciudad sin nombre”, “La tumba”, “Dagon”, “La maldición que cayó sobre Sarnath” o “El ceremonial”. En estas obras influenciadas por otros autores contemporáneos como Lord Dunsany se empiezan a atisbar los cimientos de lo que poco tiempo después conformarían los mitos.

En

1919

Sarah

Susan

Phillips

Lovecraft

es ingresada en el mismo hospital donde falleciese su marido años antes. Lovecraft se comunica con su madre a través de carta hasta el fallecimiento de esta en 1921. Dependiendo

de la fuente, la causa de la muerte se atribuye a una complicación tras una operación de vesícula o a una enfermedad derivada de la sífilis que sufría su marido, teniendo mucha más fuerza la primera versión.

La muerte de su madre, unida a una precaria situación económica son casi demasiado para Howard Phillips. Con 31 años sobrevive escribiendo artículos y corrigiendo textos para muchos artistas, algunos de los cuales terminarían escribiendo algunos de los cuentos que dieron forma a los mitos, y abandona casi por completo su idea de dedicarse a la creación literaria como forma de ganarse la vida, si bien sigue escribiendo ficción. De

en 1922 cuando refiere al Necronomicon por primera vez en un cuento suyo, “El sabueso”, y en 1924

hecho, es

publica su primer relato en la revista Weird

Tales, “La ceremonia”.

Sin embargo, la vida de Lovecraft da un giro cuando unas semanas después de la muerte de su madre asiste a una convención de jóvenes periodistas en Boston. Allí conoce a Sonia Greene, propietaria de una tienda de sombreros (¿mande?) y siete años mayor que el. Sonia era una burguesa, viuda de un maltratador y con dos hijos y aficionada a la escritura. De hecho, escribió varios relatos relacionados con los mitos, siendo algunos corregidos por Howard. Tres años más tarde se casan, y se mudan al apartamento de Sonia en Brooklyn. Nueva York horripila a Lovecraft. Sonia tiene que dejar la tienda por problemas de salud y Howard tiene que aceptar trabajos de baja cualificación para poder llevar algo de dinero a casa, trabajos en los que no duraba demasiado ya que la competencia, en su mayoría inmigrantes más hábiles y físicamente superiores al enfermizo y pálido escritor de Providence, es más apta.

Esta experiencia ayuda a alimentar el racismo visceral de Lovecraft.

Si amigos, Lovecraft era racista hasta las trancas. Bien sea por la fantasiosa realidad inducida por su madre en la que todo ser humano no criado en la educación y valores británicos era inferior, bien por su propia inseguridad y por su temor de todo lo que fuese diferente y extraño, o bien por una mezcla de todo desarrolló un total desprecio por todo aquel que no fuese blanco. Así se puede corroborar en sus cuentos, en los que describe a nativos como poco menos que monstruos, e incluso tiene un deleznable poema que reproducimos a continuación.

Cuando tiempo atrás, los dioses crearon la Tierra; A imagen y semejanza de Júpiter al incipiente Hombre moldeaban.

Para tareas menores las bestias fueron creadas; Aunque de la especie humana muy alejadas estaban.

Para llenar el vacío y unirlas al resto de la Humanidad, Los anfitriones del Olimpo ingeniaron un astuto plan.

Una bestia forjarían, una figura semihumana, Colmada de vicios, y «negro», fue llamada.

Sin comentarios.

Tras dos años de tortuosa relación, Lovecraft

“El hombre que conoce la verdad está más a la verdad ha comprendido que la ilusión es la impos y Greene se separan, a causa del deterioro de la relación y la pobre situación económica. Las malas lenguas dicen que la falta de interés de H.P. por el sexo pudo tener mucho que ver en esta separación también.

Lovecraft, desengañado, enfermo, neurótico y derrotado vuelve a Providence, a vivir con sus tías en 1927. Es en esta atmósfera de desesperanza y frustración vital donde gesta sus más emblemáticas obras, el conjunto de historias que formaban la mitología fantástica que el llamaba “Yog-Sothothery” y que más tarde su amigo (y experto especulador de la obra de Lovecraft) August Derleth bautizara como Los Mitos de C’thulhu.

En ellos vuelca todo su desengaño y desesperación, creando historias donde la humanidad, al igual que el, está condenada al fracaso sean cuales sean sus acciones. En estas historias el mal vive de forma autónoma, asfixiando al lector como al propio Lovecraft le asfixiaba su desgraciada existencia. Entes de inenarrable naturaleza que amenazaban toda forma de existencia y felicidad, o humanos lanzados al abismo de la locura gracias a sus propias pasiones y obsesiones.

En 1932 muere una de sus tías y se ve obligado a mudarse a una habitación compartida con la otra. Nunca ha dejado de mantener correspondencia con otros autores como el antes mencionado August Derleth,

“Ni la muerte, ni la fatalidad, ni la ansiedad, pueden producir la insoportable desesperación que resulta de perder la propia identidad.”

Frank Belknap Long, Robert Bloch, Donald Wandrei, Clark A. Smith, Henry Kuttner o al creador de Conan el Bárbaro Robert E. Howard. Juntos conformaban lo que se llamó “El círculo Lovecraft”. Su relación se basaba principalmente en la correspondencia, y Lovecraft encontró en este grupo de literatos con intereses comunes un gran apoyo en aquellos años.

Desgraciadamente en junio de 1936, tras entrar su madre en coma a causa de la tuberculosis, Howard, su mejor amigo, se sienta en el asiento delantero de su coche, saca su colt del 38 y se dispara en la cabeza, muriendo en el acto.

Lovecraft no se recupera de esta nueva tragedia en su vida. Y como las desgracias no vienen

allá del bien y del mal. El hombre que conoce a realidad única y que la sustancia es la gran stora.” solas, ese mismo año le es diagnosticado un cáncer en el intestino delgado, a consecuencia de la desnutrición. Desde entonces vivió sufriendo dolores constantes hasta su muerte en el Jane Brown Memorial de Providence en marzo de 1937, en el completo anonimato y la más absoluta pobreza.

Y hasta aquí esta pequeña biografía sobre uno de los escritores más influyentes del siglo XX. No me gustaría terminar sin un apunte que nos da dimensión de la pasión que Lovecraft profesaba a la letra escrita: desde que se le diagnosticó el cáncer hasta el día de su muerte, mantuvo un diario relatando, día a día, la evolución de su enfermedad.

Descanse en paz. C’thulhu Fhtagn!

Referencias Wikipedia “Los mitos de C’thulhu”, Alianza Editorial, 1985 http://dreamers.com/logia/contenido/ enciclopedia/hpl1890.htm http://www.hplovecraft.com/creation/sites/ rhode.aspx http://elbustodepalas.blogspot.com. es/2010/05/curiosidades-que-desconocessobre-h-p.html http://www.oocities.org/soho/ cafe/1131/03padres.html http://unadocenade.com/una-docena-derazones-para-leer-h-p-lovecraft/ http://elespejogotico.blogspot.com.es

LA

¿Qu

Peligro grupo hechice horrore Por Curro

Voy a comenzar este artículo con una advertencia: La sombra de C’thulhu no es Arkham Horror. Mucha gente piensa que el juego del que os voy a hablar hoy es una versión “descafeinada” de aquel otro, y por eso quería dejar este punto muy claro.

O igual no tan claro, porque realmente, La sombra de C’thulhu si es Arkham Horror en muchos aspectos. Ambos juegos tienen un punto de partida similar y una meta parecida, pero si bien Arkham Horror, del que hablaremos en otro momento, plantea un sistema de juego desde una perspectiva más cercana al investigador, La sombra de C’thulhu lo hace desde un punto de vista más, a falta de un término mejor, abstracto.

La finalidad del juego es

expulsar la amenaza de un primigenio (si no sabéis lo

que es en el próximo número de NosoloFREAK tendréis una pormenorizada descripción de los primigenios y la mitología de C’thulhu) de la imaginaria ciudad de Arkham. Para ello contaremos con objetos y artefactos de poder que usaremos contra el malvado mago Necron y sus secuaces, que están empeñados en traer monstruos con dientes, tentáculos y ojos inyectados en sangre a este plano de existencia para que aniquilen a la raza humana, o les depilen las cejas a pellizcos, o les obliguen a comprarse el último modelo de iPhone con extensión de garantía y carcasa verde moco, o cualquier otra tortura desagradable.

COMPONENTES

La edición española de este juego, llamado originalmente “El brujo de Salem” y basado en las novelas ambientadas en los mitos de C’thulhu del escritor germano Wolfgang Hohlbein corre a cargo de DEVIR, por lo que al abrir la caja ya sabemos que tendremos componentes de calidad más que sobrada, y que la relación calidad-precio del producto será de las mejores del mercado.

A SOMBRA DE C’THULHU

uerías un primigenio? TOMA SEIS.

osas fuerzas se desatan sobre la ciudad de Arkham, y sólo tu y tu de investigadores de lo paranormal, liderados por el poderoso ero Robert Craven, os interponéis entre los innombrables es cósmicos y la humanidad. “Casi ná”.

Burgos tre muchas otras, la portada del mítico “Union Pacific”.

Tengo que advertir que en las fotos que acompañan al artículo las cartas están enfundadas pero no vienen así en la caja original, aunque es muy recomendable invertir en fundas, ya sea para este o cualquier otro juego.

MECÁNICA DE JUEGO La sombra de C’thulhu es un juego completamente cooperativo de dos a cuatro jugadores, aunque aguanta muy bien partidas modo “forever alone” para un solo jugador.

El número de componentes es alto sin llegar a ser abrumador: La sombra de C’thulhu no es de esos juegos en los que pierdes diez minutos sólo separando las fichas si no las guardaste bien después de la última partida.

Trae lo justo y necesario, sin fichas o contadores “de relleno” que a veces nos encontramos en otros juegos

similares. El inserto es muy útil y está perfectamente compartimentado para que haya espacio de sobra para todos los componentes.

Mención aparte merecen las excelentes ilustraciones de Franz Vohwinkel, autor alemán habitual durante mucho tiempo de Wizards of the Coast y al que se le debe, en-

El objetivo del juego es cerrar los portales dimensionales que se van abriendo en distintas localizaciones de la ciudad de Arkham y por último contener al primigenio en la ciudad de R’yleh mientras se cierra el último portal en la universidad de Miskatonic antes de que el malvado mago Necron acumule suficiente poder como para poder traer a ese primigenio a este plano de existencia.

Para ello contarán con la ayuda del hechicero Robert

Craven, representado por un peón blanco, y que se mueve por el tablero según se indique en las cartas de evento que se van descubriendo durante la partida.

Los jugadores para desplazarse por el tablero tendrán que usar sus cartas de ubicación, que representan los distintos edificios y emplazamientos de la ciudad de Arkham. En estos lugares podrán combatir contra la horda de enemigos que Necron conjura para acabar con su cordura y evitar que se interpongan en sus malvados planes, así como hacerse con los artefactos de poder necesarios para cerrar

los portales repartidos por el mapa.

Estos portales pueden ser verdaderos o falsos, y son puestos boca abajo sobre su lugar correspondiente. Sólo se pueden consultar si se tiene el objeto “Gafas de visión mágica y hay una regla que IMPIDE que un jugador pueda decirle a otro si el portal es verdadero o falso. Y diréis “Bueno, qué más da, se cierra y si es falso pues ya está”.

Pues no, no está porque si se cierra un portal y resulta que es falso, LOS JUGADO-

RES PIERDEN AUTOMÁTICAMENTE LA PARTIDA. Así

de simple, así de expeditivo, así de genial, ya que se puede dar la situación de que el

tiempo apremie y algún jugador tenga que jugársela al todo o nada a la hora de cerrar un portal que no sabe si es real o no.

Los enfrentamientos con las criaturas de Necron, entre las que encontramos zombis, profundos, brujas, cultistas, shoggoths y otras gentes de mal vivir, son muy rápidos y se resuelven de una forma muy simple: si tienes los objetos necesarios para derrotar a esa criatura, la derrotas. Pero antes del combate lanzas un dado especial que puede hacer que pierdas un objeto, un punto de cordura o puede avanzar una casilla el contador de poder

de Necron. Así que puedes ir a buscar el enfrentamiento con un shoggoth armado con tus gafas de visión mágica y tu elixir de Nus, confiado en tu victoria, sólo para lanzar el dado y quedarte por ejemplo sin el elixir, con lo que te quedas poco menos que en pelotas delante de la informe masa gelatinosa de otra dimensión con las gafas puestas.

Por suerte, los monstruos a los que te enfrentas y no puedes derrotar no tienen “mal rollo”, y no atacan per se. Eso si, si a la hora de desvelar una carta de monstruo ya hay otra EXACTAMENTE IGUAL en contenido e ilustración en el tablero, si se activará el poder especial de ese monstruo,

obligándote a entregar un número determinado de objetos o de avanzar el contador de poder de Necron.

Y sinceramente, poco más. No he detallado todas las reglas, pero la verdad que La sombra de C’thulhu es un juego fácil de aprender como demuestra su manual de cuatro páginas

CONCLUSIONES A primera vista es natural que se piense que este juego es una versión light de Arkham Horror, y aunque creo que son dos juegos de temática

y meta similar, ambos tienen suficiente personalidad como para ser considerados individualmente. La sombra de C’thulhu puede ser una excelente puerta de entrada al mundo de los juegos de mesa con algo más de complejidad para jugadores noveles, mientras que Arkham Horror es una bestia sólo asequible a jugadores experimentados.

La sombra de C’thulhu cuenta además con dos grandes bazas a su favor. Por una parte, la duración de la partida suele estar entre los cuarenta minutos y la hora y cuarto, y por otra su ajustadísimo precio, que suele rondar los 30 euros.

En definitiva, un juego coo-

perativo, basado en los mitos de C’thulhu, rápido, sencillo y divertido. No es un juego para “quemarlo” como Carcassonne o Catan, pero desde luego es uno de esos títulos que si lo tienes en tu colección acabará pillando más mesa de la que podrías pensar.

FICHA TÉCNICA La sombra de C’thulhu.

Editorial DEVIR 30 euros aproximadamente.

2-4 jugadores (Se puede jugar en solitario).

A partir de 12 años.

45-75 minutos.

EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS

En nuestra segunda entrega de EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS, hemos escogido las figuras especiales de HAN SOLO y CHEWBACCA de STAR WARS IV: UNA NUEVA ESPERANZA de HOT TOYS. POR: DANIEL FERRER LEÓN

HAN SOLO: MuĂąeco de Hot Toys de unos 30 cms de alto con 30 puntos de articulaciĂłn.

Desarrollado desde 0 basĂĄndose en el personaje de Han Solo, interpretado por Harrison Ford Hasta diez manos opcionales y siete piezas de ropa.

Chewbacca Muñeco de Hot Toys de unos 36 cms de alto con 30 puntos de articulación.

Incluye ballesta basada e la original vita en la película

cubil juegos presenta:

SHERLOCK HOLMES DETECTIVE ASESOR

El que más y el que menos, en alguna época de su vida, habrá bicheado un poco las investigaciones de Sherlock Holmes, el imperecedero personaje del señor Arthur Conan Doyle. Desde luego, pocas obras han contando con más versiones en todo tipo de adaptaciones y formatos entre los que elegir.

más orientada a los mayores. Se ha convertido en un clásico, sobre todo por su ambientación y por el carisma de sus actores.

Recuerdo que el señor Homes estuvo muy de moda especialmente en los 80, época de la que datan las 2 versiones principales del personaje que recuerdo y que me hicieron cogerle ese especial cariño.

Sin lugar a dudas, en esta última podemos ver al que para mí es la mejor versión de Moriarty que ha habido. He llegado incluso a ver algunos capítulos de mayor y me he vuelto a reir con este genio criminal. En gran parte, gracias al doblaje al español, que nos proporciona joyas como “sí terroncito de azúcar, voy a atracar el banco nacional” o la canción “querido Lestrade, te he vuelto a

Por un lado teníamos la serie de TV de rotundo éxito, protagonizada por Jeremy Brett, que aun no siendo muy complicada, estaba

Por otro lado y muchísimo más influyente para mí fue esa gran de serie de animación, que es la que mejor conoceremos los que nos acercamos o pasamos ya la treintena.

engañar y lo he hecho por ti, he robado el Big Beeeng JAJEJIJOJU”... un maestro...

Aunque las aventuras de Sherlock Holmes no pasan de moda, y nunca han dejado de recordarse aventuras como el Signo de los 4 o el Sabueso de los Baskerville, sí que ha tenido épocas de mayor presencia. Justo ahora parece que estamos viviendo una, con la nueva serie de TV, las nuevas películas y la reedición de mano de Edge Entertainment de este juego clásico, que fue ganador del Spiel del Jahres en el año 1985. ¿De qué va?

Pues Sherlock Holmes Detective Asesor es un juego de investigación para 1 a 8 jugadores en el que colaboraremos o competiremos con los demás jugadores para resolver una serie de misterios, utilizando el menor número de pistas posible. Es muy sencillo aprender a jugar, pero no es un juego al que se pueda ir a lo loco, ya que está muy orientado a decidir entre caminos a seguir.

El hecho de poderse jugar solo, es un gran atractivo y por otro lado, también tenemos la opción de poderlo jugar de forma cooperativa, uniendo mentes pensantes o competitivo si queremos llevarnos el éxito (o el fracaso) a cara perro.

Encarnaremos a uno de los Irregulares de Baker Street, que aunque empezaron siendo un grupo de niñatillos apestosos que recopilaban información en las calles para Sherlock, son ahora unos muchachetes hecho y derechos, que han llegado a ser imprescindibles para Holmes.

Su planteamiento es bastante original y aunque los personajes y la ambientación están directamente sacados de la obra, contaremos con aventuras nuevas en las que iremos investigando y deduciendo.

Al principio de cada investigación, de las 10 de que consta el juego, se nos introducirá un nuevo caso, cosa que normalmente hará el mismo Sherlock Holmes. Hay que estar muy atentos, ya que de esta información es de la que tomaremos nuestras primeras pistas. Es muy importante estar muy atento y quedarse con los detalles más importantes.

Una vez tenemos los datos iniciales, nos apoyaremos sobre una serie de elementos, que permitirán llevar a cabo nuestra investigación: - Guía de Londres: para buscar las direcciones de las personas que queramos entrevistar.

- Plano de Londres: dividido en 5 barrios para localizar las direcciones de la guía, calcular distancias entre coartada y lugar del crimen, etc.

- Periódicos locales: del día en curso y días anteriores. En ellos podremos buscar datos relacionados con el caso o detalles que nos llamen la atención.

- Colaboradores: taberneros, forenses, cocheros, etc, que nos darán importante información de forma extraoficial.

A parte de este material, que estará disponible para todos los jugadores, tenemos un libro de casos, que será el verdadero núcleo del juego, ya que recogerá en forma de textos las declaraciones de las distintas personas que queramos visitar para interrogar.

Cada persona que interroguemos, estará en una dirección, que se corresponderá con un

punto del mapa y un apartado en el libro de casos. Cada una de estas visitas, se sumará y contará como una pista utilizada al final del juego. Podemos ir a tantas direcciones como queramos, aunque obviamente, no todos los personajes serán tan fáciles de localizar.

Según lo que vayan diciéndonos en cada localización, podremos recopilar nuevas pistas, que nos llevarán a nuevos lugares y que nos harán ver si estamos en el buen camino.

Una vez que creamos que tenemos resueltas las principales respuestas del caso, tendremos que someternos a una serie de preguntas, que según acertemos o no, nos darán una puntuación.

Esta puntuación se verá modificada al final de la partida al compararla con los resultado de nuestro principal rival, que no será otro que Sherlock Holmes. Aquí de lo que se trata es de vencer al maestro, que partirá con una puntuación de 100. Además la diferencia de pistas utilizadas entre Holmes y los

jugadores irá restando o sumando puntos de 5 en 5. Todo un reto.

Es dificilillo ganarle a Sherlock, pero aun así, siempre mola acercarse a él o superar a los otros investigadores si juegas en versión competitiva.

En cualquier caso, habrá que echarle inventiva al tema, ya que al igual que el Holmes original, el del juego tiene ese don casi mágico, que lo convierte en una máquina de atar cabos y a veces casi de intuir.

Presentación En este apartado, lo curioso es que es un juego formado prácticamente solo por texto y alguna ilustración.

Está bastante bien traducido y salvo algunas erratas, no se observan muchos fallos en este sentido. Los materiales aun siendo de papel y cartón, presentan una calidad bastante buena, especialmente el libro de casos, que a más de uno le dará ganas de

pasar a mayores y echar una partidita a un juego de rol.

Su PVP de 39,95 nos parece algo caro para un juego tan basado en el papel. Afortunadamente, tenéis la posibilidad de ahorraros unos pavetes en Cubil Juegos, dónde lo encontraréis esta semana rebajado a 34,95.

Conclusión Realmente Sherlock Holmes Detective Asesor no se parece demasiado a los juegos habituales. El hecho de ir pensando, hablando con personajes no jugadores, recopilando información y decidiendo qué hacer, le da unos ligerísimos tintes roleros. Digo ligerísimos, porque obviamente la complejidad es mucho menor, empezando por que solo escuchas a los entrevistados, sin poder responderles.

El juego propone como objetivo conseguir sacar una conclusión, usando el menor número de pistas posible. Echándole imagina-

ción y no liándote con planteamientos erróneos, se puede llegar a conseguir pronto, pero la duda que surge es ¿queremos ir rápido?

Evidentemente, si prolongamos nuestra investigación, obtendremos malas puntuaciones, pero tenemos bastante claro que el juego se disfruta mucho más saboreándolo y siguiendo todas las pistas que nos apetezca, lo que afectará también a la duración de la partida.

Los casos están bastante elaborados y sería una lástima acabarlos en un momento.

Además, el hecho de ser un juego con casi nula rejugabilidad, invita también a estirarlo un poco más, ya que evidentemente cuando sepas los secretos de los 10 casos, poco quedará por investigar. Aún así, habrá quien quiera volver a jugar las aventuras por el simple hecho de disfrutarlas y aprovechando que puede haber varios caminos a seguir en la investigación, aunque las conclusiones a las que llegas, sean las mismas.

Respecto a cooperativo/competitivo, también he notado que me gusta más cooperativo. Evidentemente cada uno tendrá sus gustos, pero me ha resultado mucho más gratificante trabajar en equipo, que jugar cada uno su turno haciendo sus cosas secretas. Secretas y silenciosas, porque un juego que está 90% basado en leer, es un juego en el que cada uno va a su rollo y prácticamente solo interactúa para pasarse los materiales. Mejor en equipo.

En resumen, es un juego muy original, que es de leer mucho, con lo que no pega para reuniones de amigos en plan cafre, pero sí para reuniones tranquilitas. Es un juego que me parece súper adecuado para esos dominguitos de invierno en el sofá, con tu manta y si está lloviendo, pues mejor. Un juego muy doméstico y que resulta especialmente bueno para 2 jugadores.

Es muy muy recomendable para parejitas.

- Si llegas a un punto muerto y no se te ocurre por dónde tirar, siempre tienes ahí al mismísimo Holmes, que te echará un cable, dándote alguna pista. Recomiendo no abusar de esta posibilidad.

- Dato curioso: parece ser que Arthur Conan Doyle nunca escribió realmente la frase “elemental, querido Watson”. Parece un invento posterior.

Magopunk ESTE JUEGO Y OTROS MUCHOS MÁS PUEDES ENCONTRARLOS EN: http://cubiljuegos.com/

Curiosidades y briconsejos - Es recomendable jugar las investigaciones en orden cronológico, ya que al mirar periódicos de días anteriores, te puedes hacer retro-spoilers de investigaciones correspondientes a esos días.

- Durante la investigación, habrá que tener una buena cantidad de datos recopilada, así que se hace imprescindible tener a mano o mejor echar en la caja una libretilla y un boli.

- Dado su carácter de juego con textos, será importante buscar bien el momento para jugar. Lo suyo es estar tranquilo, sin prisas, para poder leerte todos los periódicos que te apetezca y seguir la investigación a un ritmo que la haga más disfrutable.

- En este sentido, también recalcar que lo suyo es jugar bien organizado y bien centradito, con lo cual no es un juego muy para ponerse a horas raras ni con resaca.

- Lamentablemente, una vez conoces los casos, ya solo queda llegar a las respuestas por otro camino o esperar a ver si se te olvidan para que el juego retome el interés. La rejugabilidad en este tipo de juegos, ya se sabe.

Holmes.

Sherlock sesor eA Detectiv y, Suzanne Gold

rad Gary G dwards Autor: aegd mond E y a R ud Dem y a n r A : berg o artístic Trabajo 1-8 c dores: y Neria a g u j e d os Número artir de 14 añ oximadar p a a : s ora p Edad 1-2h : n ió c a Dur ent tertainm n E mente e g nte: Ed Fabrica 13 Año: 20 spañol otal y :e ioma: t id l Idioma e d encia ante) Depend lectura const de (hay ( a ran absolut uego: g ante maj e d ie t c Superfi o a bas r acces e n e t e qu terial)

novedades anime

neko mai

wake up, girl zoo!

El día 5 salió el primer capítulo de este spin-off de Wake Up, Girls!.

La historia de Wake Up, Girls! gira en torno a una agencia al borde de la quiebra que forma a un grupo de idols para intentar salvarse.

En este spin-off nos encontramos con las idols de la historia convertidas en animales de zoo y con la misión de salvar este del cierre.

En esta ocasión nos encontramos con un corto muy rápido de ver, ya que apenas dura 4 minutos, y que nos entretiene tanto como la serie misma. ¿Os gusta el formato chibi? ¿Os gustan los disfraces de animales? ¿Os gustaría ver a unas kawaii-idol con disfraces de lo más monosos? Pues no dudéis en buscar este spin-off, lo disfrutaréis como enanos.

Gekijouban Cardfight!!

Vanguard

El día 13 se estrenó en los cines japoneses la primera película de la franquicia de cartas Cardfight! Vanguard.

En esta ocasión nos encontramos con una película formada por dos partes, una de anime llamada Neon Messiah y otra de imagen real denominada Mittsu no Game.

En Neon Messian Aichi y Kai tienen que unir sus fuerzas para enfrentarse a un malvado y poderoso enemigo.

En Mittsu no Game veremos como DAIGO, el cantante japonés que actua como protagonista, resuelve un caso con Vanguard.

Los aficionados al juego de cartas y al anime de la misma franquicia seguro que se sentirán complacidos con esta primera película, cuya originalidad radica en aunar dos formatos en una misma trama.

Ane Log OVA

El OVA de esta cómica historia se estrenó el día 18.

La historia del manga gira alrededor de Moyako Konoe y su hermano Akira. Moyako cree que su hermano es un pervertido ya que cuando eran pequeños éste le propuso matrimonio.

La cosa empieza a hacerse de lo más descabellada cuando Moyako empieza a creerse sus propias ilusiones.

Irrisoria. Esta es la única palabra en la que uno puede pensar cuando tiene este manga y esta OVA delante.

Quizá no sea una de las más memorables o interesantes, pero sin duda es una historia que te hará caerte al suelo mientras la estás viendo. Y es que las ilusiones que se crea Moyako son de lo más descabelladas y, como no, el que acaba sufriendo es su pobre hermano.

Chain Chronicle

Lo que leéis.

El día 6 se estrenó una adaptación en forma de corto de anime de este famoso juego RPG. La trama del corto es una mezcla de las historias de diversos personajes.

Sin duda, si has tenido la oportunidad de jugar a este juego encontrarás en esta adaptación una de tus nuevas “adquisiciones obligatorias”. Será como volver a jugar pero sin tener que estar pendiente de los botones.

Yowamushi Pedal Re:Ride Esta vez nos encontramos frente a una película recopilatoria que se estrenó el día 19. La trama pilla la primera mitad de la historia del manga, la que se adaptó al anime.

La película recaudó más de 50 millones de yenes en sus tres primeros días en los cines japoneses, vendiendo cerca de 36 mil entradas. Estará en cines durante dos semanas y su retiro coincidirá con el estreno de la segunda temporada del anime.

Sakamichi Onoda acaba de entrar a la escuela secundaria y tiene planes para unirse al club de anime. En la escuela intermedia, Onoda no tenía amigos con quien poder hablar de anime, juegos, Akihabara y otras cosas otaku, y tiene esperanzas de poder hacer amigos en el club de anime. Pero entonces se entera de que ha sido disuelto y con el fin de restablecerlo intenta encontrar otras 4 personas que quieran unirse. ¿Hay que decir algo más después del exitazo que está teniendo la película en cines? Sin duda es una buena complementación con el manga y el anime.

novedades anime

Cross Ange Tenshi to Ryuu no Rondo

Esta Ova se entrenó el día 22 y sigue la trama del manga y del anime.

A Kazama Kenji le gusta creer que es algo así como un delincuente aunque realmente no lo sea. Otros piensan que lo es y les gusta creerlo, por lo que siguen sin rechistar sus órdenes.

La banda de Kenji se encuentra en su camino a un grupo de cuatro chicas no muy normales: Chitose, Sakura, Minami y Roka. Estas chicas tienen una reputación y comportamiento que no tiene nada que envidiar al de la banda de Kenji. ¿Qué pasará desde que se encuentren?

En esta ocasión sólo diré una cosa: si te gusta el anime de D-Frag no puedes perderte este OVA.

D Frag!

OAD

Esta nueva serie empezó a emitirse el día 23.

El poder del “Mana” es una evolución de la tecnología que puede acabar con las guerras, el hambre, la polución y otros problemas de la Tierra.

Tal como si fuese magia. Desde su obtención el planeta se ha convertido en una utopía de paz.

Misurugi Angelize es la primera princesa del Imperio y su vida es perfecta hasta que descubre que es una “Norma”, un ser incapaz de usar incapaz y que son tratados como menos que personas.

Desencantada de la vida acaba aislándose en una isla, en donde se encontrará con otros Norma cuya vida es la batalla. Las chicas pasan los días montando armas robóticas humanoides, conocidas como “Paramails”, y dando caza a unos dragones gigantes que aparecen desde otra dimensión para invadir la Tierra.

Con el primer capítulo visto uno no puede juzgar la historia, por muy introductorio que veas que es éste, pero tiene una buena base para lo

Esta primera OVA salió el día 27 y está previsto que una segunda salga en abril de 2015.

Después del final de la serie original, Ledo ya se ha instalado por completo en la flota Gargantia y trabaja en el equipo de salvamiento recogiendo piezas de la civilización antigua. Será entonces cuando Reema, una chica de la flota de Cugel, hará aparición como compañera de Amy en su labor como mensajera. Por su parte, Ledo deberá hacer frente a las dificultades de su nueva vida para avanzar hacia su futuro.

Nos encontramos con una OVA de continuación, en donde veremos las adversidades a las que debe enfrentar Ledo para continuar con su vida. ¿Lo conseguirá? Deberemos de esperar a Abril para saberlo.

Suisei no Gargantia Meguru Kouro, Haruka Terra Formars

Nos encontramos frente a un nuevo anime de estreno, que empezó a emitirse el día 27, y que a su vez es una adaptación del manga con el mismo nombre.

A finales del siglo XX se pone en marcha un plan para terraformar Marte. Para esto solo habría que aumentar la temperatura del planeta pero debido a los escasos medios, el mejor plan es enviar allí enormes cantidades de moho y... de cucarachas.

500 años después, se envía una nave al planeta rojo para comprobar el estado y para tomar muestras. Sin embargo, lo que se encuentran allí algo que jamás debe filtrarse a la opinión pública.

Los que se estén leyendo el manga ya sabrán lo que pueden esperar del anime, ya que según parece va a ser una adaptación más o menos fiel. Los que no hayan oído hablar de esta historia deberían hacer un pequeño pensamiento para, o bien empezar con el manga y seguir con el anime, o bien empezar con el anime directamente.

novedades anime Karen Senki

Este nuevo anime original se estrenó el 27 y es una creación de Next Media Animation.

En el futuro, las máquinas fueron capaces de imponerse y dominar a los seres humanos. Su líder, Seek, quiere establecer un nuevo orden mundial.

Karen lleva el grupo de resistencia “11”. Habiendo perdido a su hermana pequeña, Tuka, en la guerra contra las máquinas, Karen no se detendrá hasta que consiga salvar a la humanidad.

Del mismo modo que en el caso anterior, poco se puede decir de un anime cuando sólo has visto el primer capítulo, pero en este caso nos encontramos con un primer capítulo que se presenta de una forma bastante potente y que presenta a una serie con el mismo potencial.

Fate/Stay Night

El día 28 se estrenó una nueva serie de esta saga y en esta ocasión su producción corrió a cargo del estudio Ufotable.

El anime seguirá la historia de la ruta “Unlimited Blade Works” y de nuevo nos encontramos con un estreno partido en dos, con su primera mitad estrenada ahora y la segunda en Abril de 2015.

Esta nueva producción animada de Fate/Stay Night cuenta con escenas originales y también una puesta en escena más cercana a la presentada con la serie animada de Fate/Zero, también animada por Ufotable.

Diez años atrás, Shiro Emiya queda atrapado en un incendio que acabo por completo con su familia. Cuando Shiro se da por vencido y cree que va a morir, un misterioso hombre llamado Kiritsugi Emiya lo encuentra agonizando y lo ayuda.

Tiempo después decide adoptarlo y le revela su papel de mago.

Años después Shiro se ve involucrado en una batalla a muerte entre siete magos que luchan por obtener el santo grial, un precioso cáliz que puede conceder cualquier deseo, para ello cuentan con la ayuda de un servant que los ayudara en esta casi infinita batalla. ¿Qué decir de esta saga? Hemos visto adaptaciones de lo más decepcionantes y otras más buenas, pero por suerte los de Ufotable siempre han sabido llevar a cabo buenas animaciones e historias leales que no dejan mal sabor de boca a casi nadie, así que esperemos que sigan por ese camino.

Esta nueva adaptación, del manga con el mismo nombre, se empezó a emitir el día 28 en las cadenas japonesas.

Yona es la única princesa de su reino, y como tal lleva una vida lujosa y sin preocupaciones. Lo tiene todo: las mejores ropas, la más deliciosa comida, un emperador que la adora como padre, y a su guapo primo, Soo-won, del que está enamorada. Si solo su guardaespaldas Hak dejará de ser tan irritante con ella y su cabello no fuera tan rojo... Pero este tranquilo estilo de vida llega a su fin el día en que una de las personas en las que Yona más confiaba la traiciona. Una traición que hará añicos todos sus sueños y que la obligará a huir de su propio hogar...

Del mismo modo que el manga, este anime parece presentarnos una historia repleta de sentimientos, lucha, decepciones,… ¿Llegará a buen fin?

Habrá que verlo.

Buddy Complex Kanketsuhen Ano Sora ni Kaeru Mirai de

Akatsuki no Yona The Girl Standing in the Blush of Dawn

Nos encontramos ante un especial del anime Buddy Complex que se estrenó el día 30.

Aoba junto con Dio, liberan a Hina de las cadenas del destino y deciden vivir en un nuevo futuro. Mientras tanto, en Zogilia, un misterioso hombre que alberga sentimientos de odio por Aoba comienza a hacer su jugada…

Poco hay que decir sobre este especial, salvo que sigue la misma tónica que el anime del que surge.

Se rumorea que habrá una segunda parte para este especial, pero lamentablemente no se sabe mucho sobre fechas.

Psycho

Pass 2

Cuando la primera temporada de una serie anime gusta o todo indica que todavía queda mucho por ofrecer, se espera con impaciencia una segunda parte que iguale o mejore a la primera, desvelando incógnitas y entreteniendo tanto como uno recordaba. Pues bien, los seguidores de la original Psycho-Pass están de suerte, porque la televisión japonesa estrena este mes la segunda temporada de esta serie.

La primera temporada de este anime fue emitida entre octubre de 2012 y marzo de 2013 dirigida para la televisión por Production I.G. y con una duración de 22 capítulos, pero sus fans ya anhelaban la continuación de una historia ambientada en un futuro próximo donde la personalidad, estado mental y grado de criminalidad de una persona se pueden medir con un escaner psico-somático y cuando según un baremo el índice de “Coeficiente de Criminalidad” es demasiado alto, los individuos son perseguidos y detenidos. La serie está considerada por muchos como el mejor trabajo de los estudios desde hace mucho tiempo y esta nueva temporada es muy esperada debido a que en el último capítulo de la primera entrega quedaron varios cabos sueltos.

en la red desmiente la existencia de la segunda temporada pensando que este término hace referencia a la reedición: está confirmado que habrá nuevos capítulos del anime. Además, también se ha confirmado una película oficial de Psycho-Pass que en principio se estrenaría en invierno en las salas de cine japonesas.

El director de esta nueva temporada es Naoyoshi Shiotani, siguiendo la idea original de Gen Urobuchi y el supervisor de los guiones es Tow Ubukata, escritor y guionista aclamado por historias como Le Chevalier D’Eon y Mardock Scramble entre otras. Todavía desconocemos el número de episodios, su duración y trama, pero no hay que cometer el error de confundir esta segunda parte con la reedición ya estrenada de la primera temporada que consta de 11 capítulos de una hora aproximada de duración y con cortes de metraje inédito, puesto que mucha gente

ROSA MARÍA CORTÉS

Aún se desconoce bastante la trama de esta nueva entrega, aunque todo apunta a que seguirá justo por donde se dejó en la primera parte y también es una incógnita si aparecerán o no nuevos personajes (lo cual es muy probable) pero lo que sí es seguro es que el anime seguirá explorando los límites de la psicología humana y haciendo reflexionar a un público que debe ser maduro para entender todo el trasfondo de una historia que plantea serias cuestiones sobre la condición del ser humano y pone en duda la ventaja de cierto avances en nuestra civilización. Sin duda, si no se ha visionado la primera parte de Psycho-Pass es el momento de hacerlo y si no, todavía hay tiempo para hacer los deberes antes de disfrutar de los nuevos capítulos que muy pronto podremos ver (eso sí, en japonés subtitulado).

Entr Tole Tol arti (c) fotografía por Valentina León

Por Tony Camacho

Si eres como nosotros, un usuario habitual de las redes sociales y sobre todo de Tumblr es probable que hayas visto alguno de los trabajos de este artista, pero probablemente desconozcas su nombre, y es que desde hace unos meses cada cierto tiempo circulan virálmente retratos de famosos actores y personajes hechos con una especie de pasta verde. Esa pasta no es otra que aguacate y su autor es un artista chileno llamado Boris Toledo.

lo tanto las creaciones que hago pertenecen a

“Creadoorm”. He estado vivo por más de 21 años y desde pequeño intento dibujar cosas, las que últimamente comparto en las redes sociales.

Las imágenes que más se han visto son las de mis desayunos, donde se han manifestado apariciones de distintos personajes sobre el aguacate, que cada vez han aparecido más! pero hago el intento de detenerlas comiéndomelas.

- Buenas Boris, antes de empezar ¿Podrías presentarte para nuestros - ¿Eras consciente del impacto que iban a tener tus imágenes lectores? cuando comenzaste a publicarlas?

-

Buenas, mi nombre es Boris Toledo, el

pseudónimo o apodo que uso es

Doorm, por

-

Si, esperaba algo de impacto, ya que la

“ s m

a

revistamos a Boris edo AKA Doorm: El ledo ista del aguacate

“Las imágenes que más se han visto son las de mis desayunos, donde se han manifestado apariciones de distintos personajes sobre el aguacate, que cada vez han aparecido más! pero hago el intento de detenerlas comiéndomelas”

primera vez que se apareció un rostro en mi plato quedé impresionado! aunque no pensaba que esto iba a difundirse tanto por internet, eso fue más impactante aún.

- ¿Como fue ese momento en el que decidiste utilizar el aguacate como la pintura de tus retratos?

- Podría decir que fue una simbiosis del destino, ya que hace meses había visto en la tele una sección que mostraba supuestas apariciones divinas sobre diferentes elementos cotidianos, lo que me pareció muy gracioso.

Además, yo desayuno todos los días pan con aguacate y durante un tiempo estuve realizando un estudio de Johnny Depp para un proyecto, por lo que tenía reunidas varias

imágenes.

Ese día solamente tenía que hacerlo, todo calzó.

- Puedes explicarnos brevemente como es la técnica, aunque si quieres puedes guardarte algún secreto XD - Voy a contar de forma exclusiva para Fusion Freak como realizo estos dibujos!

En primer lugar se adquiere un aguacate con el objetivo principal de comerlo, luego se muele solamente una mitad junto a un poco de limón y sal. Antes de comerlo se realiza un dibujo, utilizando un tenedor o un cuchillo. Luego hay que comer toda la palta con tostadas.

- ¿Cual es el retrato que mas te ha costado hacer?¿Cual es el que crees que ha tenido mas éxito? Y ¿Cuál es tu preferido?

- El que más me ha costado hacer fue el primero, el de Johnny Depp, ya que no tenía práctica y tuve que aguantar mucho para no comerme el aguacate.

Por lo que he visto

el de Goku ha tenido

bastante éxito, siempre ha sido el mejor en

todo, hasta en el aguacate. Maldito Kakarotto

Me gustó como quedó La Gioconda, aunque también el Ecce Homo de Borja restaurado.

- ¿Crees que el éxito viral de tu trabajo te puede ayudar en otras propuestas artísticas tuyas o por el contrario será un lastre?

- Creo que si me ayuda, ya me conocen por el aguacate y tengo más espacio para difundir mis trabajos. Y si se convierte en un lastre, será porque hice algo mejor. Ese es el desafío personal.

- Muchas gracias por todo, para terminar una ultima pregunta ¿Dónde podemos ver tus obras? Y ¿ Cuales son tus futuros proyectos?

Por ahora pueden ver todo lo que haga en: facebook.com/DRMHRC

“En primer lug el objetivo princ solamente una mi instagram.com/creadoorm twitter.com/creadoorm creadoorm.tumblr.com behance.net/creadoorm talenthouse.com/doorm

gar se adquiere un aguacate con cipal de comerlo, luego se muele itad junto a un poco de limón y sal” (Próximamente en Youtube, en el canal Creadoorm) En relación al aguacate, lo seguiré haciendo (se vienen videos), además tengo varios proyectos

relacionados al dibujo tradicional, con lápiz y papel, los cuales voy a ir realizando.

Siempre estoy pensando algo nuevo que hacer, así que todo puede ser hacia el futuro!

Muchas gracias a Fusion Freak por el espacio!!

Ezio Auditore de Firenze (Florencia) nació en 1459 en Florencia y falleció en Florencia a los 65 años en 1524, se le considera uno de los asesinos más importantes de la historia por su sigilo y precisión.

Creció en una familia noble de banqueros. Su padre, Giovanni Auditore, fue un exitoso banquero y asesino en secreto, amigo de Lorenzo de Medici, al que ayudaba en sus negocios tanto en Italia como en el extranjero.

Tiene tres hermanos: Federico, el mayor y empleado del banco de su padre; Claudia, con un novio llamado Duccio el cual es un tanto mujeriego y Patruccio que coleccionaba plumas para su madre y es el pequeño de la familia.

Asesinato de su familia Con 17 años, tras hacer varios encargos para su padre, descubrió que su padre y sus dos hermanos han sido encarcelados en el Palacio Vecchio. Tras trepar hasta lo alto de la torre, logro hablar con su padre y este le pide que vaya a su despacho y localice un cofre tras una puerta secreta y coja todo lo que hay en el. En el cofre estaba el traje de asesino, una espada, una hoja oculta rota y unos documentos, que Giovanni le pide que le entregue a su amigo Uberto Alberti para el juicio que se celebraría al día siguiente. Durante el juicio, celebrado en la Plaza de la Señoría, Ezio descubrió que Uberto traiciona a su padre negando la existencia de dichos documentos, tras lo cual tanto su padre como sus dos hermanos fueron ahorcados. Ezio intento evitarlo, pero los guardias lo impidieron. Al siguiente día, Ezio vengo la muerte de su familia asesinando a Uberto en el Mercado Viejo. Uberto confeso en una carta haber traicionado a su mejor amigo por envidia de la amistad que tenía este con Lorenzo de Medici, Tras esto, su notoriedad en Florencia aumento y se vio obligado a huir con su familia a Monteriggioni, pero fueron atacados por Vieri de Pazzi. Logro vencer a algunos pero llegaron más guardias de Vieri, entonces apareció su tío Mario Auditore y les salvo de una muerte segura. Mario les lleva a la Villa Auditore, donde le dice a Ezio que siguiese con la investigación de su padre, pero Ezio se negó. Tras replanteárselo, decide investigar en la conspiración que descubrió su padre y le pidió a su tío que le enseñe un poco de lucha.

Ya entrenado con técnicas como el desarme y el contraataque, partió con Mario y su ejército de mercenarios hacia San Gimignano. Se infil-

ezio Conociendo a...

tro en la ciudad y abrió la puerta de la muralla, tras lo cual se enfrentó a Vieri en un duelo, en el que asesino al benjamín de los Pazzi.

Ezio regreso a Florencia para visitar a su amigo Leonardo da Vinci, y le comenta que un contacto llamado “La Volpe” le podría ayudar en su investigación. Tras poner a prueba a Ezio, Zorro (como le pidió que le llamase) le comenta que los Templarios se van a reunir n Santa María Novella. A través de las alcantarillas, consiguió espiar la reunión, donde se estaba planeando asesinar a los Medici en la Misa Mayor que se celebraría en Santa María del Flore.

Acabada la misa, Francesco de Pazzi y sus cómplices atacaron a Lorenzo y a su hermano Giuliano, matando a este último. Ezio intervino para salvar a Lorenzo que estaba malherido y los Pazzi escaparon. Días más tarde, los Pazzi intentaron dar un golpe de estado asaltando el Palacio de la Señoría, pero Ezio los detuvo matando a Francesco. Ya de vuelta a San Gimignano, asesino al resto de Conspiradores Pazzi y descubrió al líder de la Conspiración “El Español”.

Consagración como asesino Una vez acabado con los Pazzi, Ezio viajo con Leonardo a Venecia, donde conoció a Antonio, líder del gremio de ladrones en Venecia, y a Rosa, una de sus ladronas. Trabajaría con ellos varios años para asesinar a Emilio Barbarigo, jefe de mercaderes de la ciudad y miembro de los Caballeros Templarios. Más tarde, Ezio usa la maquina voladora de Leonardo para infiltrarse en la Basilica de San Marcos y asesinar a Carlo Grimaldi e impedir que este envenene al dogo Giovanni Mocenigo. Desgraciadamente llego tarde y Carlo consigue matar al dogo, pero no consigue escapar a tiempo y Ezio le da caza. El siguiente dogo es Marco Barbarigo, otro miembro de los Templarios. Así que, en el carnaval de 1486, inicia la misión de asesinarlo, y para ello necesita una máscara do-

rada para poder entrar en el baile privado del dogo. Tras varias pruebas, consigue la máscara, entra en el baile y asesina a Marco. Meses después, se entera de que Silvio Barbarigo y Dante Moro están reuniendo un ejército en el arsenal de Venecia. Para la nueva misión, necesita la ayuda de Bartolomeo D´alviano, un militante y capitán de Venecia, quien, con sus mercenarios, consigue abrir una brecha en el arsenal para que entre y asesine a Salvio y Dante. En 1488, descubre que todas las personas que conoció desde la muerte de su familia eran asesinos y que él es el profeta que menciona la profecía. Así que en 1499 viaja al Vaticano en busca de “La Cripta” y para asesinar a Rodrigo Borgia. Se infiltra den la Capilla Sixtina y vence a Rodrigo, pero le perdona la vida y entra en “La Cripta”. Dentro descubre un mensaje de la diosa Minerva, miembro de la primera civilización, la cual le cuenta que su pueblo fue destruido por una tormenta solar y que dicha tormenta se repetirá en el año 2012. Ezio no comprende nada, pues ese mensaje no era para él, sino para su descendiente Desmond Miles a través de sus recuerdos.

Lucha contra los Borgia Tras este incidente, Ezio escapa de Roma con su tío y llega a Monteriggioni. Ya en casa, Ezio es consolado por la posibilidad de que su venganza personal y sus días de asesino han terminado; en cambio, Nicolas Maquiavelo desafía la decisión de Ezio de dejar a Rodrigo Borgia, ahora el Papa Alejandro VI, vivo. A la mañana siguiente, Monteriggioni es asediada por Cesar Borgia, asesina a Mario y se lleva el Fruto perdido con los templarios. Ezio escapa con su familia y viaja a Roma, el centro de la Orden Templaría en Italia, de nuevo bus-

cando venganza contra los Borgia. Durante los siguientes 4 años, ejecuta misiones con la intención de paralizar la influencia Borgia en la capital, saboteando los recursos de Cesar y asesinando a personas clave cercanas y/o trabajando con él en el proceso, y poco a poco restaurando Roma a su antigua gloria.

Ezio se convierte en el líder de la Orden de los Asesinos y es ascendido a Il Mentore. Cesar, sabiendo de las acciones de este, se enfrenta a su sospechoso padre y desesperadamente pide más dinero y el propio Fruto. Rodrigo Borgia se niega tajantemente e intenta envenenarlo al darse cuenta de que la ambición por del poder no puede ser mantenida a raya.

Sin embargo, Cesar, de vuelta a la mesa de su padre y lo mata con Ezio de testigo. Ambos descubren la ubicación del Fruto y corren desesperadamente hasta la Basílica de San Pedro para conseguirlo. Ezio llega primero y lo utiliza para aplastar las fuerzas de Cesar y retirar el apoyo de sus seguidores. Un mes después, Cesar es encarcelado. Pero en 1507 escapa, consigue un ejército y sitia un pueblo en Navarra, España. Ezio llega y se bate en duelo con él. Ezio vence, pero Cesar afirma que no puede ser matado por la mano del hombre, por lo que incita a Ezio a “dejar que el destino decida”, dejándolo caer de las almenas.

Ezio toma el Fruto y lo esconde en otro templo construido debajo del Coliseo Romano.

Constantinopla Después de su victoria se salta gran parte de su historia en su viaje a Acre y después a Masyaf para encontrar las llaves que abren la biblioteca escondida debajo de la tierra por el asesino y profeta Altaïr. Ezio parte hacia Constantinopla en busca de las llaves, donde se une a los Asesinos de Constantinopla, los cuales le enseñas nuevas técnicas de lucha, así como la creación de bombas artesanales y una mejora en la hoja oculta la cual le permite engancharse a las tirolinas. Allí conoce a Sofía Sartor, la que más tarde sería su esposa, al Príncipe Suleiman y a su tío, el Príncipe Ahmed, quien resulta ser el jefe templario de los Templarios en Constantinopla. Ezio desbarata sus planes y los de los templarios, libera la ciudad y regresa a Masyaf con Sofía y abrir la biblioteca de Altaïr, donde encontraran el cadáver de este y otro Fruto del Edén escondido, pero lo deja intacto donde lo encuentra.

Regreso a Florencia y Muerte Una vez acabada su gran búsqueda, por orden de “La Que Vino Antes” Minerva y transmitir el mensaje a Desmond, se retira a una granja a las afueras de Florencia, donde pasa sus últimos días. Aunque parecía haber encontrado finalmente la paz, su pasado Asesino le sigue atormentando. Ezio se ha convertido en un anciano de apariencia débil y de frágil salud, por lo que suele estar en su estudio privado escribiéndole cartas a su esposa Sofía. Ezio conoce a una joven asesina china que lo busca para formar su propia hermandad como la que había formado Ezio. La presencia de la joven asesina, aunque para Ezio no era ninguna sorpresa, trae consigo muchos intentos de asesinato contra los dos de parte de los enemigos de la joven. Finalmente Ezio consigue enseñarle que: “Cuando era joven, tenía libertad pero no la veía; tenía tiempo pero no lo sabía, y tenía amor pero no lo sentía, pero me he dado cuenta de que el amor es lo que mantuvo a mi hermandad unida durante muchos años”. Con esa enseñanza, la joven regresa a su tierra natal. Ezio acompaña a su esposa y a su pequeña hija Flavia a la plaza del Duomo de Florencia. Se sienta en un banco mientras un muchacho misterioso le comenta que odia Florencia y las mujeres del lugar, a lo que Ezio responde que no cree que Florencia sea el problema, justo después empieza a toser y el joven le sujeta la mano, susurrándole “Deberías descansar”. El joven se va y Ezio fallece con la mirada directa a Flavia y Sofía, quienes corren hacia él. S sospecha que el joven enveneno a Ezio, debido a que en su ropa podía apreciar la insignia templaría y el fallecimiento fue demasiado rápido, a pesar de estar enfermo, pero no es seguro, dejando así la causa de su muerte como “desconocida”

DANIEL TORREJÓN GONZÁLEZ

¿Qué sucede cuando unes a cientos de jóvenes en la flor de la juventud, con todas esas hormonas, con ganas de pasarlo bien y poco sentido de la vergüenza; con gente loca por el anime/manga y el cosplay?

Pues que obtienes nada más ni nada menos a la gran marea de personas que se dieron cita en las jornadas de manga y anime el fin de semana del 20 y 21 de septiembre en Zaragoza.

El Centro de Historias fué el enclave que acogió tan esperado evento, en dónde se celebro el veinte aniversario de la serie “Sailor Moon”.

Servidora se traslado allí el sábado día 20 para poder haceros llegar una pequeña aproximación sobre lo acontecido.

La Jornada del sábado se dividió en diferentes actividades y propuestas que se desarrollaron en cuatro puntos clave: 1) El Salón de Actos; en dónde se dieron las charlas y los conciertos. En la primera charla se hablo sobre Sailor Moon y cómo había influido la serie y los personajes, con sus diferentes personalidades, en la vida de los asistentes.

Además de eso pudimos conocer de primera mano la opinión del autor de la “Biblia de Sailor Moon”, mi buen amigo Andres Argal, cuyo amor y devoción hacia esta magnífica serie le llevo a realizar este maravilloso ejemplar en el que se explica detalladamente este anime y cada uno de sus personajes (incluyendo los villanos).

Después de la charla se pudo visionar el primer capítulo de la serie Sailor Moon. Primero en el formato antiguo de anime, en segundo lugar el primer capítulo de la serie Live Acción y por último el nuevo y esperado primer capítulo del anime de Sailor Cristal. En mi sincera opinión, es muchísimo mejor el anime antiguo ya que es mucho más cercano y transmite mucho más que el nuevo anime. Pienso que el anime antiguo es mucho más querido por los fans ya que hemos crecido con los personajes, para nosotros sus voces, gestos y expresiones nos parecen tan acertadas y tan sinceras que no concebimos ese personaje sin ellas. Yo al ver Sailor Cristal pensé que Bunny parecía una muñeca de porcelana, demasiado perfecto e inexpresiva.

Sin embargo debo decir que me sorprendió gratamente el Live Acción, yo nunca lo había visto y me pareció bastante entretenido y muy similar al primer anime, aunque yo me quedo con el original.

Con respecto a los conciertos decir que el concierto de piano de la música de los Studios Ghibli me pareció bonito y un buen momento para descansar y relajarse escuchando la música de películas tan conocidas como la de El viaje de Chihiro y El Castillo Ambulante.

2) La plaza; en dónde se pudieron realizar todo tipo de actividades al aire libre desde concursos, como el de Instant Cosplay, que consistía en disfrazarse con solo los objetos que te daba el jurado y pidiendo ayuda al público con diferentes objetos como pañuelos; hasta pequeñas demostraciones de la gente que iba con cosplay como en el Cosplay Hunter, que consistía en hacer un pequeño teatro en el que tenían que representar al personaje del que iban disfrazados. Allí además se podía adquirir todo tipo de merchandaising (a pequeña escala), como por ejemplo camisetas de Oliver y Benji, peluches de Totoro, videojuegos, etc. Todo ello con la posibilidad de sentarte en unas pequeñas mesas y tomarte un refresco mientras disfrutabas o te dejabas llevar por la locura colectiva.

3) El Aula Mirador; dónde se reunieron los amantes de los videojuegos y pudieron disfrutar de todo tipo de torneos y batallas en la Wii y la Xbox. Los torneos que se realizaron fueron dos: el de DDR (Dance Dance Revolution) y otro de Mario Kart 8 (en la WiiU). La sensación general que me quedó de esta sala es que no era la más adecuada para que se reuniera tanta gente, ya que era un poco pequeña, no había sillas suficientes y hacía mucho calor.

Además de esto se tenía que esperar bastante rato para poder jugar, ya que había mucha gente. Aunque sí que había un buen clima de respeto y buen ambiente entre los participantes, por lo que me llevo buena impresión.

4) El Aula Zaragoza; en dónde se llevaron a cabo los talleres, tanto de Papercraft como del Marcapáginas japonés; y dónde se expuso la fabulosa colección de imágenes que participaron en la elaboración del cartel de las jornadas, además de algunos objetos de coleccionista relacionados con la serie homenajeada,

“Saillor Moon”.

En esta aula también se llevo a cabo el concurso de dibujo rápido, en el que se tenía que dibujar dos temas elegidos al azar por el monitor de la actividad. Los temas escogidos fueron un Ornitorrinco rapero (que servidora entendió roquero así que ya imagináis el resultado…) y una Tortuga Espacial que tenia tener una tarta. En mi más sincera opinión, no tengo ni idea que tienen que ver los Ornitorrincos raperos con las tortugas espaciales… igual vienen del mismo planeta, quién sabe... XD Creo que la jornada fue muy interesante y divertida, desde la charla de mi amigo Andrés en la que contó a la público porqué escribió su libro sobre esta fabulosa serie, hasta los diferentes talleres y actividades que se realizaron tanto en la plaza como en el Aula Mirador, me parecieron una buena oportunidad para pasarlo bien y disfrutar de algo que tanto me apasiona: el manga y el anime.

El ver como gente de diferentes edades y de diferentes lugares hablaban y reían juntos sobre algo que nos hacia iguales me hizo sentir feliz y contenta. El que una persona fuera disfrazada o no daba igual, nadie se burlaba de nadie sino todo lo contrario, mucha gente se sacaba fotos con las personas que iban con cosplay y se daban consejos para conseguir el mejor resultado y eso me gusto mucho. Me hizo pensar que las personas cuando tenemos algo en común nos olvidamos de los prejuicios y de lo que piensen los demás, lo importante y que sobre sale sobre todo lo demás es que a todos nos gusta el manga y el anime y lo demás no importa.

Sin embargo debo decir que la jornada me pareció que estaba poco organizada y que había poco personal. No me gusto nada que para haber una actividad hubiera que apuntarse de antes, aunque luego podías participar en ellas si quedaba sitio libre.

A la mala organización me refiero a que yo tuve que acompañar a mi amigo Andrés hasta la sala en dónde iba a hablar sobre su libro y eso no me gusto mucho. Tampoco había ningún mapa y tuvimos que preguntar dónde estaban las salas al personal del museo, porque no estaba bien señalizado y no había forma de encontrar a los organizadores y las diferentes salas (por lo menos yo, no se los demás).

En relación a la falta de personal también me

refiero a que los talleres los hacía una sola persona, que aunque era encantadora y trabajo muy bien, mucha gente se quedó sin hacer los talleres porque duraron poco rato y sólo lo podían hacer un número pequeño de personas, ya que las aulas eran muy pequeñas y había poco material.

Además de esto quiero animar a la gente que no se disfrazó, a que lo haga en las próximas jornadas, porque yo no fui disfrazada y me peno bastante al final. Creo que era una buena ocasión para poder ir con el cosplay de tu personaje favorito, ya sea con un traje comprado o con uno hecho en casa.

Por último la impresión que me queda de este evento es que para ir a este tipo de sitios tienes que ir con amigos, tener muchas ganas de pasarlo bien, de gritar, de reír y no tener ningún tipo de vergüenza o prejuicio porque allí puedes ver de todo; desde Madokas y Homuras multiplicadas, la tropa de Once Piece al completo, las guerreras de la justicia codeándose con los de Soul Earth, hasta un momento de Yaoi para los amantes del BL….

“Si es que lo que pasa dentro de las Jornaicas, se queda en las Jornaicas” CRISTINA FERNÁNDEZ

Las enfermedades más mortales de la Historia

El Ébola apareció por primera vez en una pequeña aldea del Congo en 1976, muy cerca de un río que le dio su nombre a este pequeño virus filamentoso de gran capacidad destructiva. Desde entonces ha regresado periódicamente en brotes repartidos por África Central, contagiando y matando a los infectados en un plazo muy breve.

Pero ahora en 2014 se ha dado la mayor expansión de la enfermedad de toda su existencia, provocando la alarma incluso en las mayores ciudades de Europa, que han cerrado aeropuertos y preparado los hospitales en caso de que el Ébola llegue a sus puertas. A pesar del alarmismo y de que hasta la política más rancia parece tener algo que decir sobre el tema, la pandemia ha servido para recordar a la población de los países desarrollados la importancia y el peligro que tiene nuestro complejo mundo interior de virus y bacterias al que hemos relegado a un segundo plano después de una época de relativa calma. Desde el año pasado el Ébola ha matado a cerca de tres mil personas y se estima podríamos superar el millón de infectados para el próximo Enero si no se logra controlar el contagio.

Aun así, es poco lo que el público conoce sobre esta enfermedad. Se trata de una zoonosis, un microorganismo que se encontraba en primer lugar en ciertos animales como los murciélagos de Guinea o el Congo, y que tras el contacto directo pasó a los seres humanos. Hay muchos casos de enfermedades que han aparecido tras un salto entre especies similar, en el que experimentan una mutación y atacan. En el Ébola, la enfermedad resultante genera fiebres altas, dolores musculares y unos días más tarde, diarrea, náuseas y hemorragias internas previas a la muerte del infectado. La letalidad del virus, de un noventa por ciento, es lo que irónicamente ha sido la clave de su relativa poca expansión: Al matar tan rápido, no da tiempo a los afectados a transmitir la enfermedad, pero en el último brote esta mortalidad ha descendido a un cincuenta y cinco por ciento, la razón por la que aparecen cada vez más casos en países como Nigeria, Liberia y Sierra Leona, los focos más potentes en la actualidad. El contagio puede darse no sólo por el contacto con animales portadores, sino también por el trato con los enfermos, intercambio de fluidos corporales o cualquier descuido en el manejo de los cadáveres infectados. De hecho, un gran número de víctimas pertenecen al personal sanitario, que no cuenta con las medidas de contención necesarias para tratar con los pacientes y a su vez pasan el virus a otras personas en una cadena difícil de romper.

Como en muchas otras ocasiones, lo que realmente mata

a las personas no es la virulencia de la enfermedad, sino nuestra incapacidad para luchar contra ella correctamente. En países pobres no hay hospitales ni dinero para la investigación, y sólo cuando el problema amenaza con convertirse en algo serio para occidente es cuando aparece la preocupación internacional. Y alertados por esta nueva pandemia, toca mirar atrás y repasar otros casos en los que un elemento invisible y difícil de comprender fue responsable de millones de muertes, y cuáles han sido algunas de las pandemias más importantes de la Historia.

La Viruela.

Al contrario que el Ébola, la Viruela ha sido una enfermedad con la que hemos convivido durante siglos. Sus síntomas son fiebres, náuseas y la aparición de bultos y pústulas que llegan a recorrer el cuerpo entero, desencadenando en una muerte casi segura. Su época de mayor expansión tuvo lugar durante el Siglo XVIII en Europa, pero ya antes, en el año 1500, había viajado con los españoles hacia el Nuevo Mundo, donde arrasó con prácticamente la totalidad de la población Azteca ayudando así al exterminio de todas las culturas precolombinas y facilitando el trabajo a los conquistadores.

La viruela es también uno de los mayores logros de la ciencia, y un espejo al que deberíamos mirar cada vez que surja una pandemia o un nuevo brote desconocido, ya que es la única enfermedad que el ser humano ha logrado erradicar por completo de la faz de la Tierra gracias a la vacunación y el tratamiento. El último caso documentado se dio en Somalia en 1977 y las dos únicas cepas que existen en la actualidad, los únicos lugares en todo el planeta donde este agente mortal puede encontrarse, es en sendos laboratorios de máxima seguridad situados en Estados Unidos y Rusia, criogenizado y aislado para siempre. Desde entonces ha habido varias campañas que piden la destrucción de las muestras, pero se mantienen a buen recaudo por si algún día fuese necesario estudiarlas de nuevo.

La gripe española.

Con la Primera Guerra Mundial recién terminada, ninguno de los soldados que volvían a casa o pateaban Europa podía pensar que lo peor estaba por llegar. Una mutación del virus de la gripe lo volvió especialmente agresivo, y ayudado por los movimientos de tropas y un planeta débil y cansado, pudo atravesar fronteras y hasta continentes sin apenas esfuerzo. Lo que ahora conocemos como Gripe Española se llevó por delante en 1918 a cerca de

cincuenta millones de personas, cinco veces más que las bajas ocurridas durante la contienda sin distinción alguna entre hombres y mujeres sanos, niños, ancianos o incluso animales. Nunca quedó claro de dónde surgió la cepa original, y desde entonces hay quienes se siguen echando la culpa del asunto a pesar de que ha transcurrido un siglo, como si fuera una mancha negra de la que nadie quiere hacerse responsable. En 2001 un grupo de científicos hizo historia al reactivar el virus, que residía en tejidos conservados de víctimas de la gripe, y estudiar en un laboratorio las razones de su expansión o si aún podría ser letal, como comprobaron los experimentos con ratones, pollos y hasta células humanas. También despertaron gran controversia al atreverse a jugar con un peligroso fuego contra el que ni siquiera hoy día podríamos luchar si se produjese un accidente.

La Peste Negra.

No hay ninguna enfermedad tan brutal, temida y recordada como la Peste Negra, que sólo en Europa mató a veinticinco millones de personas a mediados del siglo XIV. Puede parecer contradictorio sabiendo que la Gripe Española acabó con más del doble, pero hay que tener en cuenta que en aquella época la población era menor y el brote mató al sesenta por ciento de la población de toda Europa. Al margen de sus efectos físicos, la importancia de la Peste Bubónica reside en su impacto cultural (estuvo muy cerca de desaparecer una parte muy importante de la civilización) y en que fue uno de esos casos donde chocaron ciencia y religión. Entre las descripciones que nos han

llegado de la época podemos ver cómo Europa se quedó deshabitada en muchas zonas, influyendo también en la economía y hasta en ataques de histeria, pues durante mucho tiempo, incluyendo siglos después de la pandemia, se pensó que tenía un origen sobrenatural o diabólico. La desesperada población volcó sus miedos en la población judía, a quienes acusaron de envenenar los pozos, por lo que se produjeron revueltas antisemitas que culminaron con el asesinato y la destrucción de sus comunidades, por no hablar de las denuncias de brujería o incluso al exterminó en masa de gatos negros al considerarles portadores de la maldad. Lo irónico es que los gatos eran quienes mantenían a raya la población de roedores, los auténticos diseminadores de la enfermedad, y que al matarlos la gente sólo consiguió empeorar la situación. Una lección que a día de hoy no hemos aprendido aunque hayan pasado más de seiscientos años.

El Cólera.

A diferencia de las anteriores, el Cólera está causado por una bacteria, la responsable esta grave enfermedad intestinal que viene acompañada de diarreas, deshidratación y calambres musculares.A día de hoy sigue siendo importante en regiones asiáticas y en África Subsahariana, pero en el siglo XIX se cobró las vidas de diez millones de personas en una serie de pandemias que atravesaron el planeta entero, incluyendo la India, China e incluso Estados Unidos y América del Sur. La expansión fue pro-

piciada por las aguas contaminadas con restos orgánicos de personas infectadas, como los excrementos o incluso los cadáveres que eran arrojados s los ríos. Por eso, a raíz del Cólera se desarrollaron en Reino Unido mejores sistemas de alcantarillado, y la medicina ha logrado reducir la mortalidad considerablemente con un tratamiento que incluye una gran rehidratación a los pacientes. El problema, una vez más, reside en que las zonas en las que más casos se dan pocas veces tienen medios para tratar a todos enfermos.

El SIDA. Pero una de las enfermedades más importantes de la historia reciente de la humanidad es el SIDA, porque no se trata de una pandemia similar a la de la gripe o la peste, sino que ha sido estigmatizada socialmente y ha estado muy ligada a las ideas morales de la sociedad. Es muy joven (estalló en los ochenta), pero en sólo tres décadas ha matado a más de treinta millones de personas. Su publicidad y concienciación han disminuido muchísimo en los últimos años, pero eso no quiere decir que la hayamos erradicado, sino que parece que necesitamos graves casos puntuales para ser conscientes de su impacto en nosotros.

El SIDA es el símbolo de una época que ahora consideramos más permisiva, y esto ha contribuido a una grave desinformación sobre el tema. Está causada por un virus que provoca una inmunodeficiencia grave, lo que hace al

infectado sensible a todo tipo de enfermedades que aprovechan para atacar un cuerpo incapaz de defenderse. Al final, lo que los acaba matando puede ser algo tan sencillo con un catarro, algo que el resto de la gente lograría superar en tan solo una semana. Se dice que también se originó en animales y que su contacto directo con el ser humano fue quien provocó el paso a nuestra especie. Pero durante mucho tiempo la mayoría de los casos de SIDA se dieron en hombres homosexuales, lo que hizo que fuera tratada con desdén y se estudiase de otra forma, cuando muchos creyeron que era una afección causada por un comportamiento concreto. De nuevo, como con la Peste Negra, la sociedad ignoró el hecho de que los virus no entienden de condiciones sociales o emocionales, ni mucho menos de condiciones sexuales. Al transmitirse a través del contacto con secreciones o fluidos corporales, se dieron casos en personas (y colectivos) que eran más propensos a las enfermedades venéreas, pero también entre drogadictos que compartían agujas o incluso en aquellos que recibieron transfusiones sanguíneas en hospitales antes de que se instaurasen análisis preventivos obligatorios. La ignorancia y hasta el apoyo de ciertos grupos de religiosos que pensaban que el SIDA era un castigo divino para los homosexuales por sus prácticas blasfemas nos sitúa de nuevo en la historia de los gatos negros, pero aún no podemos saber qué ocurrirá con esta enfermedad. Sólo el tiempo dirá cómo reaccionamos ante ella, no sólo biológicamente, sino también de forma cultural. Su impacto en nuestra sociedad ha quedado reflejado en películas como Philadelphia, o incluso se la ligó a los excesos y la vida errática con la muerte del cantante Freddie Mercury.

Lo primero que un estudiante de medicina aprende es que las enfermedades nunca vienen solas. Son las personas quienes las sufren, y cada una puede experimentarlas y sobrellevarlas de distinta manera, por lo que en el caso de pandemias que afectan a grandes cantidades de población, sus reacciones deben ser tenidas en cuenta. Con el SIDA, el rechazo a los homosexuales llevó a muchos a ocultarla durante años, propiciando así que se infectaran más personas y empeorando la situación. Es por eso que lo más importante a la hora de enfrentarnos a una situación así es la información, saber a lo que nos enfrentamos y entender los mecanismos de transmisión de la enfermedad en cuestión. Porque sólo de esa forma logramos hacerla frente y erradicarla, y en ocasiones, nuestras creencias religiosas, supersticiones o convenciones sociales pueden hacer mucho más daño del que imaginamos.

En lo que respecta al Ébola, es poco probable que España se vea afectada, aunque los casos en África siguen en aumento. El único caso confirmado que se ha dado en nuestro país fue el del religioso Miguel Pajares, que contrajo la enfermedad en Liberia, donde llevaba décadas trabajando. El sacerdote ha sido la penúltima de las decisiones absurdas que se toman en un país en teoría laico donde la religión sigue imponiéndose en cuestiones personales y médicas, incluyendo la recién rechazada reforma sobre el

aborto. El gobierno español, movido por un sentimiento de orgullo nacional y católico, decidió que lo mejor que podía hacer era trasladar al enfermo al hospital Carlos III de Madrid, donde cerraron una planta entera para su cuidado. El problema viene cuando a todas luces era un riesgo innecesario ya que Pajares se encontraba gravemente enfermo y no existe ninguna cura contra su mal, ni tampoco posibilidad alguna de paliar su sufrimiento.

Las autoridades médicas criticaron una decisión “política” que avivó de nuevo la idea de que vivimos en un país único donde todo se hace mal y a medias. Sólo tenemos que echar un vistazo a las fotografías del traslado del sacerdote, llenas de gravísimos fallos de seguridad con conductores de ambulancias en manga corta o tripulantes de avión caminando como si nada junto al enfermo. Pajares falleció poco después de llegar a Madrid y su cuerpo fue incinerado, pero ya se prepara el traslado de otro paciente, también religioso, poniendo de nuevo en peligro a un país entero por una cuestión de fe. Y son precisamente comportamientos irracionales como ese los que conducen a casos más graves, y por donde deberíamos empezar a trabajar para controlar cualquier enfermedad, y más las que corren el riesgo de alcanzarnos a todos.

Por Carlos Martín Twitter: @tierracinefagos

Está confirmado, la humanidad está cavando su tumba. Pero no lo está haciendo con una simple pala y descansando a tiempos regulares, no. Lo está haciendo con una retroexcavadora JCB para no cansarse y meterse en el hoyo cuanto antes.

Al DesN

XAVI MUÑOZ

Tan solo basta darse un garbeo por las redes sociales, leer la prensa del día, blogs personales, telenoticias… para darse cuenta que nos quedan pocas horas de vida. Y no será gracias a unos marcianos verdes y cabezones con gritos estridentes, ni por un meteorito el cual Bruce Willis no podrá partir en dos. Será porqué nosotros, estúpidos humanos, nos estamos buscando que alguien (Dios, Alá, Buda, Chuck Norris…) nos dé una colleja y nos envíe al otro barrio sin pasar por la casilla de salida.

Recientemente ha salido un artículo en el cuál se informan de las trágicas muertes (la mayoría) de ciertas personas que se hicieron una “selfie” (que de moda está esta palabreja ¿verdad?) justo antes de morir. En algunos casos nos encontramos con hechos puramente fortuitos como el caso de una madre y su hijo los cuáles se hicieron una foto en el avión que viajaban y éste acabó estrellándose. Estos designios de la vida son cosas que pasan y a quien le toca, lamentablemente le toca y poco más se puede hacer, una lástima.

No obstante también se mencionan casos sobre personas imprudentes que perdieron la vida por un acto tan banal como el hacerse una fotografía en el peor momento posible. La mayoría de estas personas perdieron

la vida al hacerse una foto cuando estaban al mando de un vehículo (motocicleta o coche), perdieron el control del mismo y el final fue fatal. A todos los que llevamos un vehículo nos dicen en “Autoescuela 101” que los ojos en la carretera y las manos en el volante (o manillar) y no hay excepciones que valgan.

Cierto es que muchas veces tomamos esta regla de oro a la ligera cuando trasteamos el gps, la radio o nuestro móvil a la hora de ver alguna cosa. No estoy defendiendo estas posturas, ni mucho menos, pero poner tu vida en juego y la de otros (ahora entraremos en este tema), por hacerte una foto y subirla a las redes sociales mientras conduces un vehículo es de juzgado de guardia.

Y esto nos lleva a otro tema. Al igual que pasa con la gente que coge el coche borracha o drogada, si te pegas una leche y te matas, jódete. No hay vuelta de hoja. El problema es cuando se ven implicadas terceras personas que nada tienen que ver con tu insensatez y acaban por pagar tus platos rotos.

NoDO

Z CASERMEIRO Todos sabemos que el hecho de lanzarte a la carretera ya es un peligro de por sí y nos jugamos la vida cada vez que metemos primera y le damos al acelerador. Una persona muy versada en el tema me dijo que llevar un coche no es algo especialmente significativo, hasta el más tonto puede aprender a manejar tres pedales, un volante y un cambio de marchas. La diferencia entre alguien que mueve un volante (o un manillar) a una persona que sepa conducir de verdad es la observación y anticipación. Eso no significa que si seguimos estas reglas nos convertiremos al momento en Michael Schumacher, no. Significa que si seguimos estas reglas quizá podremos evitar ciertas situaciones que nos pueden llevar a tener un gran susto o incluso algo peor.

Así pues tenemos que llevar un vehículo a motor es algo complicado de por sí, que juegan muchos factores en nuestra contra para que nos hagamos daño o, por consecuencia de nuestros actos, hagamos daño a terceras personas que no tienen nada que ver con nuestro vehículo

de una tonelada a toda leche no es que sea muy divertido precisamente a la hora de tener un percance.

Releyendo estas líneas parece ser que me haya contratado la DGT para la nueva campaña de concienciación al volante pero nada más lejos de la realidad. Es triste que yo, o cualquier otra persona que dedique su tiempo a lo mismo, tenga que invertir tiempo en concienciar a las demás personas en decirles algo que es de cajón, algo que hasta un niño pequeño sabe y ni se plantea el preguntarse qué pasaría si… ya sabe que está mal y punto. Las cosas como son.

Es posible que muchos, los que hayan leído estas líneas, piensen que no he descubierto la sopa de ajo o bien que eso no va con ellos, ya que son personas que controlan y son totalmente capaces de llevar un vehículo aun y cuando nuestro cuerpo no está en las mejores condiciones para hacerlo.

Espero de verdad que vuestros familiares, o amigos, nunca tengan que recibir una llamada de alguien para decirles que os habéis estampando contra un camión y que la cita en el tanatorio es el lunes a las 9 de la mañana.

Si queremos tener emociones fuertes al volante que mejor que comprarnos el Grand Theft Auto y vamos atropellando gente o disparando a todo bicho viviente mientras recorremos las calles a toda velocidad. Pero en la vida real la cosa cambia radicalmente y hacer el gilipollas mientras llevas un bicho

lAS RECETAS DE NEKO MAI harumaki PREPARACION 1. Ablandar las setas durante 30 min en agua. Cortarlas en tiras cuando pase el tiempo y reservarlas.

2. Mezclar la maicena y la carne.

3. Hervir los fideos durante un minuto y escurrirlos. Cortarlos en trozos de unos 5 centímetros.

4. Saltear el jengibre y la carne.

Añadir las setas y los brotes de soja y saltear un poco más.

5. Añadir después la sopa de pollo, el azúcar, la salsa de soja, el aceite de sésamo y el sake.

6. Finalmente añadir los fideos y dejarlo cocer todo a fuego lento.

Cuando hierva, añadir la mezcla agua+maicena y remover hasta que el caldo se consuma y todo esté bien cocido.

7. Poner 1 o 2 cucharadas de relleno sobre una envoltura de rollo de primavera. Doblar para hacer la forma del rollito (primero los lados y luego los bordes). Sellar el borde con la mezcla de harina+agua.

8. Calentar aceite abundante en una sartén. Freír los rollos de primavera en una temperatura aproximada a 180º

hasta que queden bien dorados.

Receta para hacer la masa de envoltura de los rollitos de primavera: Amasar 250 g. de harina (con agua, una pizca de sal y 4 cucharadas de aceite). Tiene que quedar una masa bien ligera para que pueda estirarse bien.

Dejar que repose durante 30 minutos como mínimo y luego con un rodillo estirar al máximo la masa. Recortar la masa en 10 rectángulos para los rollitos.

INGREDIENTES - 120g de carne de cerdo (puede ser picada o cortada en tiras pequeñas y finas).

- 1 taza de brotes de soja (disponible en supers asiáticos) - 1/2 taza de trozos bambú hervido - 4-5 setas shiitake - 30g de harusame (fideos de celofán. Disponibles en cualquier super asiático o tipo Carrefour. Se llaman también fideos de hilo de soja).

- 1 cucharadita de jengibre rallado - 2 cucharadas de aceite - 1 cucharada de maicena - 2/3 de taza de sopa de pollo - 1 cucharada y 1/2 de salsa de soja - 1 cucharadita de azúcar - 1 cucharadita de aceite de sésamo - 2 cucharadas de sake (licor de arroz) - 1 cucharada de agua mezclada con 1 cucharada de maicena - 10 envolturas de rollo de primavera - 1 cucharada de harina mezclada con 1 cucharada de agua -Aceite para freír ingredientes para 10 rollitos

Tras tener unos problemillas el mes pasado por mi impaciencia y no esperar a tener los materiales adecuados para hacer un lago he hecho en su lugar un río, el efecto se puede conseguir de muy diversos métodos, utilizando resinas o siliconas, yo he encontrado un tutorial en la red que es más sencillo aunque no da una sensación de profundidad tan lograda.

Mi primer fallido intento Lo primero es construir con arcilla para modelado el río, humedeciéndoos las manos en agua evitaréis que la masa se os quede tan pegada a la piel y facilitará que dejéis un relieve suave y redondeado, extendedla bien porque solo se necesitan unos pocos milímetros para tener la forma, al ser un río que se va a colocar encima del tablero no conviene que tenga mucho relieve, por eso, al no tener suficiente profundidad he preferido este método. Una vez le hayáis dado la forma que deseéis, con sus meandros, curvas, remansos etc estará listo para que lo dejéis secar, a ser posible sobre un material rígido, sin textura y que no absorba ni se deforme con agua, como una lámina de plástico.

Una vez esté ya seco después de unas cuantas horas, o al día siguiente, mezclamos los componentes necesarios para la pasta de pegamento, arena y agua que nos va a dar un efecto de tierra, la aplicamos en los márgenes del río, sin mucha pendiente, también podemos hacer meandros con la pasta, pequeñas islas...lo que queramos. Cuando haya terminado de secarse podemos empezar a pintar el fondo del río, para facilitar que los colores se vean mas vivos podemos dar primero una capa de blanco con pintura acrílica de bote, mezclándola con poca agua e intentando dejar pegotes o algo de textura que luego nos servirá para que el fondo del río no parezca una balsa, luego con colores azules y verdes, mezclándolos para darle un color rico en tonos, por el centro del río siempre más oscuros y aclarándose según se van

acercando a los márgenes, a su vez también vamos a ocuparnos de los márgenes, voy a explicar como pintar la arena, porque el césped ya está explicado y es más sencillo.

Aplicamos una capa de color marrón claro, o un color arena oscuro. Luego realzamos las sombras con una tinta mezclando el color que hemos usado para la primera capa con algo de negro o cogiendo directamente un color más oscuro. Por último aplicamos sucesivamente varias capas de pincel seco, cada cual de un tono más claro que el anterior, empezando con un tono arena hasta llegar a un arena muy claro, con ello habremos obtenido un efecto de profundidad muy resultón.

Antes de poner el césped vamos a terminar con el agua, hay varios productos que sirven para darle relieve, en un foro leí que usaban un barniz denominado barniz de relieve, yo no lo he encontrado como tal y he usado un producto que se llama “Dimensional Magic” de Mod Podge que sirve para hacer adornos, en la misma tienda me recomendaron fimo líquido que luego se queda transparente (pero es necesario hornearlo), pintura para vidrio, diversos barnices...me hubiera encantado probar todos

warpa studio

pero al final me decanté por este, y como no son precisamente baratos tendréis que aventuraros a hacer vuestros propios experimentos. La manera con la que más realista me ha quedado es aplicando el producto formando una malla de puntos de tamaño medio y luego simplemente arrastrando el aplicador uniendo los puntos de manera aleatoria, es líquido pero viscoso así que no se os desparramará si tenéis cuidado, se trata de crear zonas con relieve y zonas sin él, colinas y valles, para que se refleje la luz y de un aspecto acuoso, a la par que se crea una sensación de profundidad ya que el producto cuando se seca queda totalmente transparente y se puede ver lo que hay debajo, lo dejáis secar y le echáis un vistazo, si no ha quedado suficientemente marcado podéis darle otra pasada a las colinas para resaltar el efecto.

Cuando esté definitivamente seco aplicamos barniz cerámico, que le va a dar una pátina de brillo a toda la zona de agua, sobretodo sobre la que no hemos utilizado el “Dimensional Magic”, yo he utilizado también laca transparente para uñas, es una cosa más de tener por casa pero no queda tan bien.

Sólo una vez hayamos terminado de barnizar el río y de que quede perfectamente seco pegaremos el césped a las zonas del margen donde queramos césped,

ainter by pablo garcia

el problema con el césped es que siempre se esparce y mancha y si no lo hacemos al final corremos el riesgo de que alguna fibra se quede pegada al barniz o al “Dimensional Magic” mientras lo estamos aplicando y se quede allí hasta el confín de los tiempos.

Yo solía pintar de verde la base antes de poner el césped por si quedaba alguna calva que no se notase pero queda menos aberrante pintarlo de color tierra, no creo que todo el mundo tenga las mismas ideas peregrinas que yo pero por si acaso os aviso : ) paso a mostraros el resultado final:

La parte cortada es para que encaje con el lago de la primera foto

Los elementos de agua siempre destacan en el campo de batalla y son tácticamente importantes, ahora no tenéis excusa para no tener vuestro propio río en las batallas!!! Nos vemos el mes que viene : D