Nosolofreak Noviembre especial Sitcoms

Nยบ 14 - NOVIEMBRE 2012

Los Mangas/ animes con mรกs humor

HOMENAJE

Hermanos Marx Enfrentamiento Legendario: Sheldon Cooper vs Barney Stinson

Friends, Modern Family, The Big Bang Theory, New Girl...

Nos encantan las SitComs

DIRECCIÓN Daniel Ferrer

SUBDIRECCIÓN Toni Camacho

MAQUETACIÓN, EDICIÓN & REDACCIÓN Toni Camacho Daniel Ferrer Maria Gracia Galán Molina

ENCARGADA DE RELATOS Miguel Rodríguez Robles

REDACCIÓN

Aída Albiar Antonio Alcaide Andrey Marino Alfonso Beatriz Pulido(Miki Weasley Croft) David Blázquez Pérez Esther Esteban Emilio Sanchís Ismael Torres Javier Sánchez Roquero Jesús Javier Cagigós Judith Hidalgo Pis Kyros Ylmaster Loren Lumiere Lucrecia Souvirón Luis Jesús Zapico Quiñones Maica Herena (Neko Mai) Martxel Miguel de Andrés Bayon Miriam Grado María Gracia Galán Rufino Ayuso Salvador Vargas Tony Camacho

LA TETA ENROSCADA

Luis Borja Fuentes Galán Marta Fuentes Galán Marina Rodriguez Contacto: marketing@nosolofreak.com http://www.facebook.com/Nosolofreak http://twitter.com/#!/Nosolofreak http://www.fusion-freak.com/ Nosolofreak es un producto de Fusion-Freak

FRIKITORIAL ¿Qué sería de la vida sin risas? Pués seguramente un lugar aún más duro de lo que lo es actualmente. Por todo ello, en Nosolofreak hemos decidido dedicar el número de este mes de Noviembre a las sitcoms (series comedia) y a la comedia en general.

No solo analizaremos, de una forma lo más entretenida posible, las principales sitcoms actuales y del pasado, sino que haremos un repaso por los mejores animes/manga del genero de la comedia, buscando los reyes cinematográficos del mundo de la sonrisa e incluso dándoles un repaso a los mejores monologuistas clásicos que se han subido a un escenario.

Además estrenaremos dos secciones nuevas: Una dedicada al cómic europeo.

Otra, esta algo más novedosa, dedicada a los principales estrenos musicales.

Con todo ello solo intentamos sacaros una cosa: vuestra sonrisa.

Un mes más cumplimos nuestra promesa de estar al pie del cañon, contra viento y marea, sorteando miles de problemas y por amor al arte. Pero queridos lectores, nos debemos a vosotros, porque sin vosotros, no seríamos nada. Recordadlo.

Que empiecen las carcajadas.

Dani Ferrer Director Nosolofreak

INDICE: El sentimiento friki 4 Barney VS Sheldon 8 Friends 18 Modern Family 40 Black Sitcoms 42 New Girl 50 Series cómicas españolas 52 Dos hombres y medio 58 Las sitcoms que nos marcaron 60 Genios del Stand up Comedy 70 Humor a la británica 82 Genios de la risa latinoamericana 84 Sonrisas animadas 96 Top animes manga humor 102 Lucky Star 110 Soul Eaters 114 Tokisada 120 NosoloCosplay 122 13 Rue del percebe 148 El Androide de la Mazmorra: Marvel Now 154 Comiqueando en el viejo continente: Piratas 158 Entrevista con Daniel Storach 166 Reseña: El collar Maya 172 Un muñeco de madera 174 Luces, Cámaras y Acción, Los hermanos Marx 178 Kevin Smith y la pentalogía de Jersey 184 Las múltiples facetas de Sacha Baron Cohen 190 La santísima trinidad de la comedia inteligente. 196 Gene Wilder y Richard Pryor humor en blanco y negro 220 Nobodys Experts The Monty Phyton 224 Mis terrores favoritos los setenta 232 Hablemos de Looper (entrevista a Ryan Johnson) 246 Zona Musical 249 Vaya locura de mes 262 La teta enroscada 266 Sabores raros del mundo 274 Monstrua 2012 284 Frikiferia 288 Parques tematicos volumen 2 290 La receta de Meco mai 306 Las sitcoms, la manipulación mental y la educación 308

El El sentimiento sentimiento friki (relato basado en the Big Bang Theory) friki - ¿Se puede saber de qué vas tú? – preguntó Howard a Sheldon, después de verle entrar en la habitación vestido con un grueso jersey de lana, en color azul celeste, y de cuya parte superior sobresalía el cuello de un polo blanco; al tiempo que se peinaba hacia atrás una canosa peluca.

- Ya empezamos otra vez – susurró Leonard, esperando la consabida diatriba del físico; quien, para cuya sorpresa, se limitó a realizar un amplio y, aparentemente, elocuente movimiento de muñeca, con el que pretendía resaltar la presencia de un lápiz en su mano.

Perplejo, Howard dirigió la mirada hacia sus amigos, articulando un mudo ¿qué?

En ese momento, Sheldon miró al judío, atravesándole con sus ojos como si de espadas de luz se trataran.

- Puedo entender que no tengas la capacidad suficiente para sacarte un doctorado, pero pensaba que serías capaz de reconocer a un genio cuando lo ves.

El ingeniero, harto de aguantar los comentarios del texano, dio un paso hacia delante, haciendo chocar entre sí los puños sonoros de Hulk que cubrían sus brazos.

– Howaaard – la voz de Leonard estaba teñida de un inconfundible tono monocorde. No en vano, era un nombre y una entonación repetida mil y una veces, en mil y un enfrentamientos.

– Está bien – respondió el interpelado, dando un paso atrás, y bajando la cabeza.

- Soy el genial Jack Kirby, ¿quién si no? – espetó Sheldon, que parecía ajeno al enfado de su amigo -.

Creador de Los Fantásticos, Thor, el Capitán América... ¿Supongo que lo conocerás, verdad?

– Claro que sí – respondió Howard, ajustándose los morados pantalones de su disfraz -. Os espero en el coche - dijo antes de marcharse, seguido por Rajesh, quien luchaba por enfundar una pistola láser en su traje de Han Solo.

Cuando la puerta se hubo cerrado, Leonard acarició el ala de su sombrero de Indiana Jones, y se dirigió a su compañero de piso: - Por favor, recuérdame por qué llevas esa ropa.

- Como bien sabes, Leonard, llevamos varios años asistiendo a la Comic Con, y siempre he querido disponer de unos minutos junto a Stan Lee, con el fin de presentarle a Onda de Choque, un superhéroe ideado por mi maravillosa mente, y que podría hacer frente a Lobezno y Superman juntos; pero, al parecer, el cre-

ador de los X-Men está siempre muy ocupado.

El hombre disfrazado de Indiana Jones arqueó una ceja y se colocó correctamente la montura de las gafas sobre el puente de la nariz.

- Sheldon, la primera vez que fuimos al Centro de Convenciones de San Diego decidiste disfrazarte de Spiderman, para así poder impresionar a todos con aquella solución pegajosa que inventaste a los siete años. Aún recuerdo el sonido que hizo al explotar el mecanismo en el que la almacenabas, y la labor de más de una veintena de bomberos para liberar a la media

docena de frikis adheridos a la pared – el físico intentó replicar, pero su amigo prosiguió sin hacerle caso -.

El año siguiente, te disfrazaste de Stan Lee y estuviste firmando cómics, hasta que los de seguridad comenzaron a perseguirte por todo el recinto y te detuvieron.

Tuve que llamar a tu madre para poder sacarte de allí.

Y el año pasado, pese a que te dije que no era una buena idea, llevaste el traje de Robin, y tuve que verte, durante toda la jornada, discutir con un niño disfrazado de Nightwing.

- ¡Pero Leonard, él aseguraba que Nightwing es mejor personaje que Robin! – exclamó irritado -. ¿Cómo va a molar Dick Grayson más que Dick Grayson? Especialmente, cuando ejerce de justiciero en una ciudad llamada Blüdhaven. ¡Qué locura es esa?

- Si, si, Sheldon. Lo que tú digas.

Sabiendo que había abierto la caja de los truenos, Leonard se encaminó hacia la salida, seguido en todo

momento por su compañero. Antes de cerrar, recogió las llaves que descansaban en el pequeño cuenco marrón situado junto a la puerta.

Al llegar a la primera planta, se encontraron con Penny, quien llevaba varias bolsas marrones de la compra. Los tres se detuvieron frente al ascensor averiado.

- Hola chicos – dijo alegremente la mujer -. ¿Leonard, vas a un safari?

- Nos vamos al evento más importante del año, después de la comercialización de la edición 25 aniversario de Star Trek: La Nueva Generación. ¡Uy, estoy emocionado! – dijo Sheldon componiendo una extraña sonrisa, que parecía más la de un niño enfermo, que la de un alegre adulto.

Penny le miró extrañada, y se giró hacia su antiguo novio.

- Nos vamos a la Comic Con – explicó éste -. Yo voy

disfrazado de Indiana Jones.

- ¡Oh, qué mono! Te vistes de aventurero para simular que tienes una vida llena de emociones – añadió la camarera con una cándida sonrisa en los labios -.

Pasadlo bien, y no comáis muchas golosinas – dijo antes de seguir subiendo las escaleras.

El coche de Leonard se detuvo en un parking a varios kilómetros de la Comic Con, e incluso a esa distancia, ya podían verse cientos de fans, la mayoría de ellos, disfrazados.

Nada más bajar del vehículo, Raj extrajo de una mochila que llevaba colgada al hombro una botella de Gatorade, que contenía un líquido amarillento. Desenroscó el tapón, y dio un pequeño trago.

- Nunca te había visto tomar bebidas isotónicas – comentó Howard a su amigo.

- Y esto no lo es – respondió el indio con su peculiar

acento -. Es un remedio natural de mi país, elaborado a base de hierbas de una planta llamada acacia – bajó un poco el tono de voz -. Sirve para el estreñimiento. Pero debe ingerirse en pequeñas cantidades, o de lo contrario, parecería Joe Quesada ideando One More Day.

Los cuatro científicos rieron ante aquél comentario.

Un cuarto de hora después, y conforme se iban acercando al Centro de Convenciones, se vieron rodeados por soldados imperiales, sangrientos zombis, personajes de colores chillones y estrambóticos peinados, superhéroes, e incluso algún que otro Power Ranger. La gente que no iba disfrazada se detenía contemplando la marea de cosplayers, sacándose fotos con los más originales o con los que más se asemejaban a la realidad.

Pese a que tuvieron que esperar varias horas, su cansancio desapareció al contemplar el interior del gigantesco pabellón, cubierto por una moqueta de color azul oscuro, y sobre la que se encontraban, repartidos a ambos lados del pasillo, diferentes stands con cómics, figuras de acción, disfraces y algunos de los que, debían ser, los lugares más maravillosos del mundo, donde los dibujantes pertenecientes a las grandes compañías realizaban ilustraciones personalizadas, junto a guionistas de excepción, que concedían entrevistas y charlaban animadamente con sus seguidores.

Después de dar la primera vuelta por todo el recinto, Howard se despidió de sus amigos, ya que había visto a varias chicas disfrazas de colegialas manga.

- Soy el mejor Hulk de la historia. ¿Mark Ruffalo? Ya verán de lo que es capaz un judío – dijo antes de marcharse.

Sheldon fue el único que no se despidió del ingeniero, ya que no dejaba de mirar el programa, según el cual quedaba algo más de una hora para que diera comienzo uno de los paneles más esperados de la Comic Con de ese año, y en el que estaría presente el propio Stan Lee. - Debemos darnos prisa, o de lo contrario, no podré hablar con Stan – repetía una y otra vez, mientras Leonard y Rajesh se miraban divertidos.

- No sabíamos que fuerais tan amigos – comentó el indio entre risas -. ¿Entablasteis relación hace unos años, después de que te detuvieran por hacerte pasar por el creador de Thor? ¿Os habéis estado mandando cartas desde entonces?

- Vamos, Raj, no te metas con él, hace semanas que no recibe ningún correo de Stan Lee – dijo Leonard, también riendo -. La relación entre ellos se ha enfriado bastante desde que Sheldon hizo pública su disconformidad con el reboot de Spiderman. Nunca les perdonará que no le eligieran para hacer de Peter Parker.

Los dos hombres no dejaban de burlarse, mientras Sheldon les miraba con gesto serio.

- Podéis reíros cuánto queráis, pero cuando consiga hablar con Stan, veréis cómo le encanta Onda de Choque y me propone una colaboración. Por cierto – añadió tras mirar una vez más el programa – parece que ahora mismo hay un panel centrado en Babylon 5, que seguramente estará abarrotado por todas las mentes inferiores que se han reunido hoy aquí, lo que nos permitirá coger un buen sitio cerca de la conferencia de Marvel.

Tal y como Sheldon había dicho, muchos de los allí presentes se congregaron en torno al coloquio sobre la serie creada por Joseph Michael Straczynski, dejándoles libre los asientos de primera fila frente a la mesa en la que iba a sentarse los responsables de la Casa de las Ideas.

Habían pasado más de cuarenta y cinco minutos, cuando Howard apareció, acompañado por una mujer rubia y de ojos claros, vestida como la versión femenina de Thor.

- Muchachos, os presento a Toni Darling.

- Hola – dijo Sheldon, sin mirar a la mujer, ya que se había encerrado en un bucle que consistía en mirar el reloj, comprobar el programa y balbucear una extrañas palabras, entre las que solo podía entenderse “choque”.

- Vaaaya – dijo Leonard, antes de reponerse, como si saliera de un sueño, y saludar a la mujer con corrección.

Rajesh, por su parte, se quedó paralizado, mirando al suelo con cara de asustado, y cuando la Poderosa Thor se dirigió hacia él, éste solo pudo emitir un agudo sonido, similar al silbido que produciría el renqueante motor de una vieja furgoneta.

Sorprendida, la mujer se volvió hacia Howard. ¿A éste qué le pasa?

- No te preocupes, es un poco tímido. Pero todo un pirata espacial – añadió el judío con una sonrisa.

La joven asintió, y tras colocarse el martillo sobre un hombro dijo: - ¿Dónde está Stan Lee? Howard me habías dicho que le conocías, que erais amigos. ¿Cuándo podré conocerle?

- Ja – soltó Sheldon – , aquí el único amigo de Stan Lee soy yo.

Aquél comentario no agradó en exceso a la asgardiana, que a punto estuvo de marcharse, por lo que el judío tuvo que desplegar, lo que él consideraba, todo su encanto, con el fin de convencerla para que se quedara. Ante aquél espectáculo, Leonard decidió pasar el tiempo contemplando a su amigo; Sheldon, inquieto, no dejaba de moverse; y Rajesh, nervioso, daba pequeños sorbos a su botella de Gatorade.

Antes de que ninguno pudiera darse cuenta, varias

personas se fueron sentando en la alargada mesa que se encontraba junto a ellos. Stan Lee, Joe Quesada y Brian Michael Bendis, ocuparon sus respectivos asientos, mientras una atractiva azafata se acercaba al joven indio, de cuyas manos cogió la botella de aparente bebida isotónica, y que colocó frente a un pequeño cartel con el nombre del creador de Daredevil.

Asustado, Raj intentó llamar la atención de sus amigos, pero como la mujer disfrazada de Thor aún estaba con ellos, fue incapaz de articular palabra.

Conforme los minutos pasaban, y los conferenciantes comenzaban a sentirse más cómodos, Stan Lee fue bebiendo más y más cantidad de Acacia de la India. Para cuando terminaron de hablar, la botella estaba vacía, y al guionista se le veía notablemente inquieto.

La azafata dio paso a la ronda de preguntas, y Shel-

don, disfrazado de Jack Kirby, alzó la mano, realizando ridículos movimientos y dando pequeños saltitos para destacar sobre la multitud.

Finalmente, la mujer le hizo llegar el micro.

- Señor Lee... – comenzó a decir el físico, quien se interrumpió, al ver cómo el hombre se levantaba de la silla y salía corriendo en dirección al baño. ¿Qué ocurre? ¿Qué pasa?, dijeron varias voces entre el público.

- Por favor, no os preocupéis – pidió la azafata, intentando mantener la calma -. El Sr. Lee volverá enseguida.

- Esta es mi oportunidad – dijo Sheldon antes de dirigirse, disimuladamente, hacia los baños.

- Hoy también acaba en los calabozos – dijo Leonard a sus amigos, quienes asintieron con él.

Los minutos fueron pasando, y ni el físico ni el guionis-

ta habían vuelto del baño, cuando alguien golpeó ligeramente el hombro de Leonard. Pensando que sería su compañero de piso, se dio la vuelta. Frente a él se encontraba una mujer rubia, vestida de cuero y con un misterioso antifaz, en cuya extremo superior se veían dos orejas de gata.

Durante varios segundos, el hombre bajo el disfraz de Indiana Jones se quedó completamente mudo.

- Hola, doctor Jones.

- ¿Penny? – dijo él al recuperar el habla -. ¿Pero...?, ¿qué haces aquí? ¿Y ese disfraz?

La mujer embutida en el traje de cuero rió alegremente.

- ¿Te gusta? He de reconocer que la idea no fue mía, sino de Sheldon. ¿Por cierto, dónde está?

Todos se volvieron para indicar en dirección al baño, justo en el momento en el que cuatro musculosos

guardias de seguridad sacaban al joven físico a rastras, quien no dejaba de gritar: - Llámame, Stan, y te sigo contando. Ya verás, esto va a ser algo tan grande como número uno de Spiderman – añadió antes de que desaparecer tras una puerta lateral del Centro de Convenciones.

Por Miguel Rodríguez Robles

Barney Barney vs vs sheldon sheldon 多Quien 多Quien es es el el rey rey de de las las sitcoms? sitcoms?

Casi todas las telecomedias tienen varios puntos en común, un grupo de amigos o familia, un lugar en el que se reúnen y un personaje que destaca sobre los otros. En la mayoría de las ocasiones ese personaje se convierte igual o mas importante que los protagonistas y entre el publico las series comienzan a identificarse con el.

Si en la sitcom actual hay dos personajes que podrían pelear por el trono REY de la comedia televisiva, esta claro cuales serían, dos secundarios que poco a poco se fueron convirtiendo en lo mas interesante de su serie, que en poco tiempo pasaron a ser los protagonistas indirectos de las mismas y que poco a poco se están convirtiendo en los culpables de su declive. Estos personajes son Barney Stinson de Como conocí a Vuestra madre y Sheldon Cooper de The Big Bang Theory.

Por que gustan tanto a todo el mundo, muy fácil, se trata de una exageración de un estereotipo hasta tal punto que queda completamente deformado y produce justo la reacción contraria a la que debería de provocarnos. Tanto Barney como Sheldon son dos personas con las que en el mundo real, casi todo el mundo evitaría relacionarse, uno es un egocentrista ligón e irrespetuoso machista y el otro es la persona con mas trastornos de la personalidad que se conoce.

Sin embargo nos encanta verlos en un entorno controlado e irreal como es el de las telecomedias, porque no nos engañemos, ninguna comedia trata de mostrarnos la realidad, estos productos televisivos tratan simplemente de hacernos reír, y la exageración siempre ha sido un recurso usado en la comedia desde la época del vodevil, Pero este articulo no deja de ser un combate, y todo combate tiene tres fases, una presentación de los púgiles, el combate en si y el proclamamiento del vencedor, así que seamos ordenados y comencemos por saber un poco mas de los dos aspirantes al título de rey de la telecomedia.

Barney Stinson.

Para hablar del bueno de Barney hay que hacer como Ted Mosby y comenzar a contar la historia desde el principio y esta ocasión eso supone hablar de Como Conocí a Vuestra madre.

televisión, con el papel protagonista de una de las series familiares de mayor éxito en los primeros noventa, interpretando a un joven medico de 14 años llamado Doogi Howser en Un medico precoz y como tantos otros niños prodigio su carrera ha pasado por muchos altibajos pero en 2005 todo HIMYM como es conocida esta serie (sus siglas cambio, le ofrecieron un personaje caramelo y en ingles) es una serie que comenzó a emitirse el además lo hizo tan personal que no podemos en 2005, en la actualidad va por la octava y con imaginarnos a ningún otro actor en su piel. mucha probabilidad, ultima temporada de la serie.

El proyecto surgió por parte de la cadena CBS que Definir a Barney con una palabra es casi imposible buscaba una serie adulta destinada a un público pero claro, el propio Barney si es capaz de hacerlo, de entre 20 y 40 años que se sintiera identificado él simplemente es Legen, esperad un momento con unos personajes concretos, a grandes rasgos, Dario. Si, el es el personaje mas Legendario de se intentaba repetir el éxito de Friends con una la historia de la televisión y precisamente esa ha fórmula parecida pero no igual. Precisamente la sido la frase característica que todos conocemos y etiqueta del nuevo Friends le hizo mas daño que esperamos escuchar. ayuda en sus primeras temporadas e incluso el fantasma de la cancelación merodeo los estudios En principio estamos ante el ligón sin escrúpulo alguno, capaz de engañar, mentir, disfrazarse, en los que se rodaba la serie. traicionar y hacerse pasar por una lesbiana con tal La serie nos cuenta las andanzas de un arquitecto de llevarse a alguna mujer de edad comprendida llamado Ted Mosby que en el año 2030 cuenta a entre los 18 y 29 años a la cama. Pero no siempre sus hijos adolescentes como conoció a su madre fue así, el en su juventud era un hippy que creía y se lo cuenta con todo lujo de detalles, de hecho en el amor, amable, bondadoso y sobre todas las empieza a contárselo 8 años antes de conocerla cosas, enemigo de la sociedad capitalista, al igual y tomando como punto de partida el momento que su novia a la que componía baladas románticas que Ted decide que lo que el quiere es tener una y esperaba compartir toda su vida. Un día casi sin familia, punto de partida que coincide con la avisar, ella lo dejo por un yuppy de Wall Street, un formación definitiva del grupo de amigos que le triunfador, un ganador con traje, ese día su vida quedó trastocada y tras un tiempo de depresión al marcaron. final Barney vio la luz y lo comprendió todo.

La pandilla tiene un punto de unión que es el propio Ted, pero también la forman una pareja muy Su yo interno le dijo una frase que le quedaría estable, de hecho se casan durante la serie, ellos marcada a fuego en su interior, PONTE TRAJE, y son Marshal y Lily interpretados por Jason Segel como un ave Fénix de esa piltrafa humana nació y Alyson Hannigan, una chica independiente, la personal mas alucinante del mundo, al menos periodista y antigua popstar canadiense llamada eso cree el, pero como es un egocéntrico, lo que Robin, que interpreta Cobie Smulders y por último piensen los demás se la trae al pairo. el personaje del que hablaremos en profundidad, Un buen dia en McClarens Barney vio a un chico Barney Stinson. con perilla, muy serio, le siguió hasta el aseo de En primer lugar decir que Barney no seria Barney caballeros y decidió convertirle en su nuevo sin la personalidad y arrolladora del actor que lo mejor amigo y guiarle en la senda del ligoteo, crea, Neil Patrick Harris. Hablaremos un poco de ese chico era Ted, desde entonces mantiene una la persona tras el personaje, Neil está dentro del disputa con Marshall para ser el mejor amigo de mundo de la interpretación desde muy pequeño y Ted. Esta necesidad de cariño solo puede venir de como otras estrellas infantiles su carrera ha tenido una parte, si lo habéis comprendido, su familia no altibajos. Comenzó por la puerta grande de la es demasiado convencional.

Un buen dia en McClarens Barney vio a un chico con perilla, muy serio, le siguió hasta el aseo de caballeros y decidió convertirle en su nuevo mejor amigo y guiarle en la senda del ligoteo, ese chico era Ted, desde entonces mantiene una disputa con Marshall para ser el mejor amigo de Ted. Esta necesidad de cariño solo puede venir de una parte, si lo habéis comprendido, su familia no es demasiado convencional.

pop adolescente. Reconozcámoslo, sin Barney nunca habríamos escuchado Lets Go To The Mall, ni Sandcastles in the sand. Un día ocurre lo que tenia que pasar, ambos se enamoran y comienzan una relación de ida y vuelta, ese día hasta el se da cuenta de que es posible de que tenga un pequeño corazón, un corazón que le lleva a la boda, una boda que si la En pocas palabras su madre era un poco putón, estas siguiendo en castellano aun no de hecho tiene dos hijos de dos diferentes padres se sabe con quien es. y de dos diferentes orígenes étnicos. Durante muchos años Barney pensó que su padre era el Dentro de los momentos míticos de presentador de la ruleta de la fortuna, ya que se Barney, yo destacaría los villancicos lo dijo su madre, una mentirosa compulsiva pero sexuales dedicados a la hermana a la cual el creía a pies juntillas. Sin embargo su de Ted, su trabajo, del que solo hermano siempre tuvo claro que su familia no sabemos que trabaja en un banco era demasiado normal, por cierto el hermano de pero nadie sabe que es lo que Barney era otro ligón pero en este caso era gay. hace a parte de bromear con todo Con todo y con esto eran famosas sus salidas el mundo y sus innumerables conjuntas en la noche, ya que eran capaces de teorías sobre la vida. entrar en un bar y arrasar con todo simplemente usando su labia, pero todo esto cambio cuando el idolatrado hermano de Barney inició una relación formal. Este fue otro punto de inflexión en su vida, si su hermano podía cambiar, eso significaba que él también podría hacerlo algún día, por eso desde ese momento puso todo su esfuerzo en no hacerlo.

Durante años le hemos visto emplear todo tipo de técnicas para ligar, desde poner anuncios para implantes de pechos gratis haciéndose pasar por un doctor plástico, hasta poner anuncios interpretando a un abogado para poner pleitos a un supuesto doctor plástico que ofrecía implantes de pechos gratis, pasando por una maquina que llamaba por teléfono pidiéndole salir, a todas las compradoras de la base de datos de una empresa que suministra materiales para strippers. Pero todo héroe de leyenda tiene su talón de Aquiles y para Barney tiene nombre de mujer Robin.

Su obsesión por Robin comenzó con un interés por conocer el pasado de la periodista en Canadá, esto le lleva a contratar detectives e investigar en la red hasta que un día encontró a Robin Sparkles el pasado oscuro de Robin en forma de estrella

Sheldon Cooper.

El doctor Cooper podría ser una de las mentes mas brillantes de la historia de la humanidad, si no fuera porque apenas se le puede considerar humano.

The Big Bang Theory es una serie de humor que se estreno en la cadena CBS el 24 de septiembre de septiembre de 2007 y que nos cuenta la vida de un grupo de genios teóricos con unas vidas muy frikis. Gracias a esta serie el mundo se dio cuenta al fin de que los frikis molamos mucho, que no somos esos locos del rol, bueno quizás si lo somos pero que somos inofensivos para la gente “normal”. La historia se centra en el apartamento de Leonard y Sheldon y como todo su ordenado mundo se pone patas arriba con la llegada de una rubia al edificio. Ella es Penny una chica resultona, simpática con los estudios básicos pero con buen corazón, por la cual Leonard inmediatamente se siente hechizado y enamorado. Otros personajes igual de importantes son Howard, un ingeniero que aun no ha obtenido el doctorado, cosa que es motivo de mofa de sus amigos pero que sin embargo lleva años trabajando para la nasa, eso si, vive dominado por su madre, y Raj un Indio con una beca de investigación y un pequeño problema, es incapaz de hablar con mujeres, problemas que se soluciona bebiendo.

Curiosamente fue una de las pocas series que sobrevivieron al estreno ese año, ya que coincidió con la huelga de guionistas, pero los personajes fueron tan bien acogidos por la comunidad geek en estados unidos que su audiencia siempre fue muy elevada con lo que consiguió la renovación.

Pero si hay un personaje que poco a poco ha ido adquiriendo el total protagonismo de la comedia ese sin duda es el interpretado por Jim Parsons.

Sheldon es el primer personaje protagonista de Jim que antes de esto había tenido un pequeño papel en la serie ED y en la película independiente Algo en Común, hasta que le llego la oportunidad de interpretar al físico mas famoso de la televisión, pero hablemos de Sheldon.

Sheldon nació en Texas gemelo de una

impresionante morena Texana, algo que nadie que le conoce comprende, e hijo una integrista cristiana, creacionista a pies juntillas, que es la única capaz de controlar todas las neuras de su hijo. En su mas tierna infancia fue detenido por el gobierno de los Estados Unidos por intentar comprar material radioactivo para poner en marcha un reactor nuclear de su propia creación, mas tarde a los 15 años obtuvo su primer doctorado en física, donde es una eminencia mundial en la teoría de las cuerdas. Hasta aquí todo normal si no fuera por que Sheldon tiene unos pocos de trastornos mentales.

En primer lugar padece, aunque nunca se ha dicho en la serie, síndrome de Asperger, es obsesivo compulsivo, incapaz de comprender el doble sentido de las palabras ni el sarcasmo. Es completamente asexual pero no por gustos sino porque las relaciones sexuales en su extraña manera de ver el mundo son unas interacciones humanas antihigiénicas, lo que nos lleva a otra compulsión. Es obsesivo de la limpieza y el orden, capaz de ordenar los cereales por su coeficiente en fibra.

Pero no creáis que no tiene aspiraciones, el tiene muy claro que su persona es un regalo a la humanidad por lo que uno de sus objetivos vitales es la implantación de su cerebro o mente en un cuerpo mecánico para así conseguir la inmortalidad, otro de sus objetivos es desarrollar una técnica que permita los viajes en el tiempo, pero es algo que desecha por considerarlo paradójicamente imposible. Al parecer si en el futuro inventara la maquina del tiempo lo primero que haría usando la lógica es viajar al pasado para darse a si mismo el secreto de la construcción de dicha maquina y así ahorrarse todo el tiempo empleado en diseñarla, como esto no ha pasado, jamás conseguirá viajar en el tiempo así que porque dedicar horas de su vida a investigar algo que sabe a ciencia cierta que no ocurrirá. Si, lo se, suena a una locura pero es una manera muy grafica de entender como funciona la mente de Sheldom.

Curiosamente un buen día conoce a una persona si no igual, si parecida y encima de sexo opuesto,

ella es Amy Farrah Fowler con la que inicia una relación de noviazgo tipificada en un extenso contrato con multitud de cláusulas entre las que queda claro que no existe ninguna posibilidad de contacto físico intimo, aunque si permite que en determinadas circunstancias clara y socialmente delimitadas, puedan cogerse de las manos.

Aunque es un fan de casi todo lo relacionado con la fantasía y la ciencia ficción, es muy critico con ciertas cosas de este mundo, sobre todo las incongruencias temporales, esto le ha llevado a tener enfrentamientos con algunos personajes muy famosos, de hecho tiene orden de alejamiento con Stan Lee, Leonard Nimoy y Carl Segan y uno de sus archienemigos durante varias temporadas es el actor de Star Treck Whil Wheathon, odio que viene de su infancia cuando el actor no pudo presentarse a una firma con los fans de Star Trek a la que asistía Sheldon, eso fue tomado por él como algo personal y desde entonces le odia.

En la actualidad ha mejorado sus relaciones sociales, por fin reconoce a Howard como miembro del grupo aunque sigue pensando que los ingenieros son los Umpa Lumpa de la ciencia.

Su relación con Penny ha pasado de la indiferencia a una figura maternal que le sirve de centro de gravedad y los últimos episodios ha dado muestras de amor hacia una persona, cuando le dice a Penny, “ no le hagas daño a mi amigo”. Algo que ha pasado desapercibido pero que creo que es clave en una futura evolución del personaje que podría llevarnos al momento que todos estamos esperando, su perdida de la virginidad.

Esta evolución es algo que todos los fans de la serie esperamos porque vemos que tanto las tramas como los personajes se están estancando y repitiendo clichés e historias y dado que Sheldon es uno de los personajes mas queridos de la serie, esperamos que este cambio le afecte a él.

En la actualidad, ambos son claramente los reyes de la sitcom, pero que no se descuiden porque nuevos personajes icónicos se están acercando peligrosamente a su trono, como por ejemplo Schmidt de New Girl, así que esperemos que ni sus series ni sus personajes se resientan demasiado y que ambos actores puedan sobrevivir a sus creaciones.

- Sheldon es un jugador bastante destacable de Paintball - Sheldon invento el juego modificado piedra-papeltijera-lagarto-spock . Sheldon tiene una serie de reglas por las que dirige su vida y su relación con las personas - Sheldon considera el sexo como algo superfluo y poco deseable para los humanos - Sheldon no entiende el sarcasmo - Sheldon es un fanático de Star Trek - Sheldon no suele pensar los sentimientos de los demás cuando les dice algo que les puede doler - Sheldon camisetas

siempre

lleva

- El mejor amigo de Sheldon apenas le aguanta - Sin él, su serie perdería mucho.

- Barney es campeón de LaserTag - Barney invento la tabla locura – Caliente que explica que lo ardiente de una mujer es directamente proporcional a sus locuras.

- Barney tiene millones de reglas y teorías sobre las mujeres.

- Barney considera el amor como algo superfluo y poco deseable para los humanos.

- Barney entiende el sarcasmo pero suele ignorarlo.

- Barney es un fanático de Star Wars.

- Barney ignora completamente los sentimientos de los demás - Baney siempre lleva traje - El mejor amigo de Barney, apenas le aguanta. . Sin el su serie se vería seriamente tocada y casi hundida.

Por Tony Camacho

especial

mARIA GRACIA GALAN

NOMBRE COMPLETO: Rachel Karen Green FECHA DE NACIMIENTO: 05/03/1970 CASADA: NO EX-MARIDO: Ross Geller HIJOS: 1- Emma Rachel es una niña pija mimada hija de Leonard y Sandra Green. Tiene dos hermanas menores, Jill (Reese Witherspoon) y Amy (Christina Applegate) a cada cual más tonta y odiosa.

Rachel es amiga de la infancia de Mónica, era la chica guapa y popular del instituto y estaba acomplejada por su nariz, por lo que se la terminó operando.

Cuando aparece por primera vez entra en el Central Perk buscando a Mónica tras haberse escapado de su boda con Barry, pasando de todo el mundo se acopla al grupo y empieza a contarle a Mónica lo sucedido.

Aunque al principio es muy inmadura e irresponsable, con el tiempo y la ayuda de todos comenzará a valerse por sí misma. Empezará a trabajar como camarera en el Central Perk, aunque es un auténtico desastre y siempre está metiendo la pata, pero como el encargado, Gunther, está enamorado de ella, nunca pasa nada.

Con el tiempo, Rachel se enamorará de Ross y comenzarán una relación con muchas idas y venidas a lo largo de toda la serie, que incluye una boda en Las Vegas en una noche de borrachera y una hija, Emma. Si hay una frase que resuma su relación es: ¡¡¡Nos estábamos tomando un descanso!!! Chicas de la fotocopiadora aparte, la relación se ve afectada sobre todo por la cabezonería de los dos, todos saben que terminarán juntos, aunque ellos nos parecen tenerlo claro. Las idas y venidas son constantes, además, es curioso que ella no es capaz de ver a Ross con otra mujer y cuando él empieza a salir con alguien, ella comienza a sentir un súbito interés por él (Julie, Bonnie, Emily) Con el tiempo, Rachel consigue dejar su trabajo de camarera por otro relacionado con la moda, que es a lo que quiere dedicarse. Después de un pequeño traspiés en una pequeña y cutre empresa de confección, consigue por fin un trabajo en Bloomingdale’s. Todo es maravilloso y Rachel es feliz pero... Ross no, Ross está obsesionado con la idea de que Mark (el compañero de Rachel) le está tirando los trastos (y es verdad).

Finalmente, Rachel consigue cumplir su sueño y trabajar en Ralph Lauren, donde por llevarse bien con sus compañeras se planteará el fumar, ya que es en los descansos para fumar cuando su jefa y su compañera cotillean y deciden las cosas más importantes.

Después de que Mónica y Chandler se vayan a vivir juntos se muda con Joey, aunque parecía que la cosa iba a ser algo rara, la verdad es que va genial, y se unen mucho. Con el tiempo, Joey se enamora de Rachel cuando ella está embarazada, pero ella no le corresponde. Lo vuelven a intentar hacia el final de la serie pero la cosa no termina de cuajar.

Una de las cosas que destacan de Rachel, aparte de lo inmadura que es, es su ingenuidad, dando a veces la sensación de que es realmente tonta. Aunque cuando conoces a sus hermanas queda claro que es la más inteligente.

Rachel descubre que está embarazada de Emma la noche anterior a la boda de Mónica, y hace todo lo posible por ocultarlo.

R

RACHEL

NOMBRE COMPLETO: Mónica Elizabeth GellerBing FECHA DE NACIMIENTO: 08/1969 CASADA: SÍ MARIDO: Chadler Bing HIJOS: 2 -Erica y Jack A parte de ser mi personaje preferido, jeje, Mónica es la madre de todos, la responsable, la protectora... Le marcó mucho el hecho de haber estado bastante gorda en el instituto, por eso ha cambiado el comer a todas horas, por la cocina, lo utiliza como forma de que todo el mundo le acepte, a través de su comida. Otro de sus mayores traumas es la relación con sus padres, que siempre ha tenido a Ross en un pedestal y le hacían de menos a ella (hay varios capítulos en los que puede verse, como el del Porsche) Sus padres son Jack y Judy Geller.

Al principio, Mónica trabaja como cocinera en un pequeño restaurante del que la echaron por aceptar un regalo de un proveedor (sin saber que estaba prohibido) Estuvo un tiempo trabajando como camarera en un restaurante ambientado en los años 50 en el que le hacía ir con una peluca tremenda y con patines (nunca se me olvidarán las hossst.... que se pegaba jajajaja) Allí conoce a Pete, con quien acaba saliendo, Pete pone un restaurante para que Mónica sea la jefa de cocina. Cuando rompen, ella deja el restaurante y monta una empresa de catering con Phoebe.

Mónica deja la empresa cuando consigue trabajo en un restaurante italiano, allí todos la odian, pero poco a poco consigue hacerse un hueco. Con el tiempo, Mónica llegará a ser cocinera en Yabú, uno de los restaurantes más importantes de la ciudad.

A lo largo de la serie, Mónica tiene 3 grandes amores, (en orden) Pete, Richard y Chandler. Conoce a Pete cuando trabaja en un restaurante ambientado en los años 50, él le pide salir pero ella no quiere salir con clientes, tras mucho insistir acepta. Resulta que Pete (que es como se llamaba) es multimillonario. La relación marcha estupendamente hasta que él decide convertirse en campeón de “Lucha definitiva” un deporte bastante sangriento, ella intenta apoyarle, pero nos es capaz de ver como lo machacan de esa forma y lo dejan.

Al poco se reencuentra con Richard Burke, un amigo de toda la vida de su familia y en especial de su padre.

Richard ha sido siempre el oftalmólogo de confianza de la familia. Poco a poco la cosa se anima y comienzan a salir, a pesar de la oposición de su familia (Mónica tiene la misma edad que la hija de Richard) La verdad es que hacen una pareja estupenda y Mónica es muy feliz con él, pero Richard le dice a Mónica que él no tiene intención de casarse otra vez y tener más hijos, lo que choca totalmente con los planes de ella, intentan hacer como si eso no supusiera un problema. Pero al final ven que es un obstáculo infranqueable y terminan rompiendo.

Aunque vuelven a intentarlo después de un tiempo, se dan

cuenta de que no tiene sentido ya que los problemas por los que lo dejaron siguen ahí.

Años después Mónica conoce al hijo de Richard y hay un cierto tonteo, pero Mónica empieza a ser consciente de lo raro que es el tema y decide que es mejor dejarlo.

Cuando Ross se casa con Emily en Londres, Mónica está bastante de bajón, ya que cree que se le está pasando el arroz y se va a quedar sola. Esa noche Chandler y ella terminan enrollándose. Al principio son solo amigos con derecho a roce y se lo ocultan a todo el mundo, un fin de semana, deciden irse juntos a un hotel, y a la vuelta, cuentan la misma excusa, Joey entonces cae en la cuenta de que están liados y comienza a flipar en colores. Si ya era gracioso cuando se lo ocultaban también a Joey, cuando éste tiene que admitir que se depila tras encontrar Rachel la maquinilla de Mónica en casa de Joey, o cuando encuentran la cámara de vídeo en el salón... es muy divertido. Pero todo se acaba, y Rachel y Phoebe terminan por enterarse. Se pican a ver si el uno sabe que el otro sabe que el uno lo sabe. Como suena, Phoebe va a casa de Chandler para intentar que se líen, pero solo por ver hasta dónde llega él y por averiguar si Mónica y él están juntos. Sin duda, lo mejor es cuando Ross se entera de que están juntos, estando en su nuevo apartamento (que está enfrente del de Mónica) y Ross les

ve enrollándose, de los mejores momentos de la serie, sin duda.

Mónica y Chandler se lían al final de la cuarta temporada y finalmente se casan en la séptima, tras una serie de complicaciones. Los padres de Mónica habían estado ahorrando para su boda, pero decidieron gastárselo todo después de que ella lo dejara con Richard.

Hundida ante la posibilidad de no tener la boda con al que lleva tanto tiempo soñando, Chandler decide gastarse todos sus ahorros en darle la boda con la que sueña.

Hacia el final de la serie, Mónica y Chandler deciden comprar una casa a las afueras y abandonar su piso para poder formar una familia. Tras mucho tiempo intentando tener hijos, al final deciden adoptar. Finalmente, una chica llamada Erica, que es madre soltera, decide que sean ellos los padres de sus gemelos, Erica y Jack.

Mónica es una auténtica obsesa de la limpieza, todo debe estar en el sitio correcto y es capaz de detectar la más mínima variación. Es también muy competitiva, en especial con Ross.

mOnica

NOMBRE COMPLETO: Phoebe Buffay-Hannigan FECHA DE NACIMIENTO: 16/02/1967 CASADA: SÍ MARIDO: Michael Hannigan HIJOS: 3 (hizo de vientre de alquiler para su hermano Frank) Frank Jr. Jr. Chandler y Leslie Phoebe es de lejos el personaje más raro del grupo. Tiene una hermana gemela, Úrsula, que la desdeña constantemente, no le cuenta lo que averigua sobre sus padres e incluso llegó a vender su partida de nacimiento. Phoebe vivía con su madre (su padre les había abandonado) hasta que ella se suicidó, fue entonces cuando su hermana y ella fueron a vivir con su abuela. Poco a poco Phoebe irá enterándose de que su padre y sus madres (la biológica y la que la crió) tenían una especie de triángulo sentimental consentido. Su madre biológica las gestó a ella y a su hermana y las dejó en manos de sus padres. Años después Phoebe se reencuentra con ella, quien desconocía que la “otra” madre de Phoebe se había suicidado.

y por tener títulos muy peculiares como “Gato apestoso” (Smelly Cat) uno de sus grandes éxitos.

Cuando Mónica y Chandler se van a vivir juntos, Rachel se muda con Phoebe, aunque al principio les cuesta, terminan haciendo muy buenas migas. Por desgracia el pisos ale ardiendo por causas no del todo aclaradas (que si las velas de Phoebe, que si la plancha del pelo de Rachel...) por lo que Phoebe se marcha a vivir con Mónica y Rachel con Joey. Cuando el piso vuelve a estar listo, Rachel decide quedarse con Joey y Phoebe vuelve sola al piso.

A pesar de tener muchas citas, hay dos relaciones que tienen un significado especial para Phoebe, David y Mike.

Phoebe se enamora totalmente de David, un físico que debe marcharse a Minsk para participar en un estudio y que solo puede volver a Estados Unidos una vez cada dos años. A Phoebe le resulta muy duro, pero se las apaña para quedar con David cada vez que vuelve.

Llegado un momento, también se reencuentra con su hermano Frank Jr. quien comparte la inocencia de Phoebe, pero es muy “atontao” Frank, se casa con Leslie, su profesora de “Economía Doméstica” del instituto a pesar de que todo el mundo está en contra, incluso Phoebe en un principio. Con el tiempo, intentan tener hijos, pero claro, la edad de Leslie pone las cosas difíciles (aunque no se precisa, podemos suponer que está entre los cuarenta y muchos y los cincuenta y algo) Finalmente Phoebe accede a que le implanten los óvulos de Leslie fecundados por Frank y así hacer de vientre de alquiler. Esta trama se hizo de forma simultánea al embarazo real de la actriz Lisa Kudrow. Fue debido al embarazo de los trillizos por lo que Phoebe no pudo ir a la boda de Ross en Londres.

Phoebe conoce a Mike por casualidad, le pide a Joey que le organice una cita con un amigo y que ella hará lo mismo por él, pero Joey es un desastre y se olvida, así que busca a un tío cualquiera en el Central Perk y le convence para que vaya a cenar esa noche con él y con Phoebe y para que se haga pasar por su amigo. Phoebe se enfada mucho con Joey, pero aún así vuelve a quedar con Mike. Es la primera relación seria de ella, ya que lo de David es algo intermitente y sin compromiso. La cosa va viento en popa y deciden irse a vivir juntos. Cuando ya están acabando con la mudanza, Phoebe le comenta a Mike que el siguiente paso será casarse, y él le confiesa que después de lo que sufrió con su divorcio. Phoebe confiesa que a ella le gustaría casarse algún día, y deciden dejarlo.

Tras la muerte de su madre, Phoebe termina viviendo en la calle robando. En un momento de la serie, sale a la luz que fue ella la que atracó a Ross cuando éste era adolescente.

Cuando comienza la serie, Phoebe ha estado viviendo con Mónica, pero decide cambiarse de piso porque dice que es una maniática y que prefiere mudarse y que puedan seguir siendo amigas.

Phoebe lo pasa bastante mal, ya que sigue enamorada de Mike. David aparece y al enterarse de lo sucedido con Mike decide proponerle matrimonio, pero cuando va a hacerlo, Mike reaparece y le toma la delantera. Phoebe accede y le confiesa que no es que quiera casarse ahora, si no saber que puede existir esa posibilidad.

Phoebe esconde mil y un secretos que poco a poco van saliendo a la luz. Como cuando se casó con su amigo gay Duncan, del que estaba enamorada, para que éste consiga la tarjeta de residencia.

El trabajo de Phoebe principalmente es como masajista, aunque de vez en cuando y por diversas razones, al sancionan y la despiden, pero tiene un trabajo bastante estable. También ha trabajado vendiendo tóner o en una línea erótica.

A parte de ganarse la vida dando masajes, Phoebe da conciertos de vez en cuando en el central Perk, digamos que su estilo es... ¿particular? Sus canciones se caracterizan por la falta de ritmo y musicalidad, los temas desagradables

Mike y Phoebe terminan casándose bajo la nieve en la calle.

Phoebe es una gran defensora de los animales y del medio ambiente. También cree en la reencarnación y otras creencias poco ortodoxas que suelen sacar de quicio a Ross.

PHOEBE

E

JOEY

NOMBRE COMPLETO: Josep Francis Tribbiani Jr. FECHA DE NACIMIENTO: 09/01/1968 CASADO: NO HIJOS: No que él sepa.

Joey es el pequeño de ocho hermanos y el único chico, proviene de la típica familia italoamericana sobre protectora. Intenta triunfar como actor, aunque al principio, tan solo consigue pequeños papeles en anuncios y obras de teatro. Joey es muy inocente (quizás incluso más que Phoebe) y muy inmaduro, de no ser por Chandler, con quien comparte piso, a duras penas podría salir adelante. Es un mujeriego empedernido con la asombrosa habilidad de no acordarse nunca del nombre de la chica. No tiene estudios superiores y tiene importantes lagunas en su educación, sobre todo en las matemáticas, cosa que queda bastante patente. Siempre duerme con “Abracín”, un peluche de un pingüino, aunque luego lo comparte con Emma, le compra uno nuevo, pero ella quiere el viejo porque huele a él.

Su frase más característica y que utiliza para ligar es “¿Cómo va eso?”

Le encanta comer y lo hace a todas horas, no consiente el compartir la comida absolutamente con nadie.

Es un gran fan de Stephen King, pero no de sus novelas, si no de las películas que se basan en ellas como “El resplandor” y “Cujo”. El libro preferido de Joey es “Mujercitas” probablemente el único libro que haya leído en su vida y que le impactó profundamente.

Entre los trabajos más importantes (o graciosos) de Joey están el de modelo en una campaña de prevención de las ETS, el papel de Freud en una obra de teatro (“no me pida ursté un pirrulí! si nesesita un rrabito, algo con lo que pueda haser pipí, tal ves jugarr o dejarrlo colgarrr...!!!!”) También interpreta a un inspector de policía cuyo compañero es un robot en M.A.C. y Cheese, y finalmente, su papel estrella como el doctor Drake Ramoray en “Los días de nuestra vida” Como el trabajo de actor es muy inestable, y Joey necesita dinero (sobre todo después de que Chandler se vaya a vivir con Mónica, ya que él lo pagaba todo) decide trabajar de camarero en el Central Perk como hiciera Rachel en su día. Pero resulta ser tan mal camarero o peor que ella.

Chandler es el mejor amigo de Joey y viceversa (bueno, esto es muy discutible, no queda nunca claro si Ross o Joey es son el mejor amigo de Chandler) y la verdad es que durante las temporadas que viven juntos forman una pareja cómica imposible de superar. Algunos de sus grandes momentos son cuando les roban y Joey está encerrado centro del mueble del salón, cuando Chandler llega a casa y se encuentra a Joey tirado en el suelo con una hernia...

Entre ellos son comunes las peleas matrimoniales y los celos. En el piso tienen un pato y un gallo que se llaman Yasmine y Dick, el patito y el gallo también protagonizan algunos de los mejores momentos de la serie.

Tras la marcha de Chandler del piso, Joey decide buscar compañero para compartir gastos y termina viviendo con una bailarina exótica encarnada por Elle Macpherson, de quien se termina enamorando.

Cuando Rachel está embarazada y compartiendo piso con Joey, él se enamora de ella, aunque la cosa no termina de funcionar.

Cuando la serie termina, Joey decide marcharse a Los Ángeles a vivir con su hermana y a probar suerte como actor allí.

NOMBRE COMPLETO: Chandler Muriel Bing CASADO: SÍ MUJER: Mónica Geller HIJOS: 2- Jack y Erica Chandler tuvo una infancia traumática, sus padres se separaron cuando él era pequeño y no fue un divorcio “normal”. Su padre se dio cuenta de que era gay y decidió separase de su madre.

Fue compañero de cuarto de Ross en la universidad, donde eran unos auténticos pringados que tocan en un grupo cutre, aunque Ross sigue fardando de que él tocaba el teclado en la universidad.

En la actualidad la madre de Chandler es novelista erótica y en una ocasión se besó con Ross.

Chandler siente muchísima vergüenza de su madre y del tipo de libros que escribe. Por otra parte, Chandler hace tiempo que no mantiene el contacto con su padre y no lo reanuda hasta que Mónica le convence para ir a Las Vegas (donde vive) y así invitarle a la boda. La sorpresa es mayúscula cuando nos encontramos a Kathleen Turner interpretando al padre de Chandler y siendo protagonista de un show de dragqueens.

Durante gran parte de la serie, Chandler vive con Joey, quien rivaliza con Ross por ser su mejor amigo. Joey y Chandler protagonizan algunos de los mejores momentos cómicos de la serie. Tras la boda de Chandler con Mónica, siguen siendo amigos, aunque se pierde parte de esas escenas cómicas.

En la serie nadie sabe a qué se dedica Chandler, tal y como él mismo dice una vez, trabaja en la análisis estadístico y reconfiguración de datos (sea lo que sea) Aunque al final de la serie decide que está harto y que quiere hacer algo que realmente le guste, así que decide dejar su trabajo y hacer prácticas en una empresa de publicidad, donde finalmente le contratan.

Chandler es un auténtico desastre con las mujeres, se pone nervioso, empieza a decir estupideces... Tiene una pesadilla pareja recurrente a lo largo de la serie que es Janice ¡Oh Dioss míííoooo!!!! Es como un mal vicio que no termina de irse y con la que se reencuentra una y otra vez a lo largo de las temporadas. Janice tiene una voz nasal MUY desagradable, que acompaña con una risa estridente que produce un intenso deseo de suicidio de forma instantánea. Todo esto unido a su frase estrella ¡¡¡¡Oh Dioss míííoooo!!!! hacen que (palabras de Mónica) se te encojan las pelotas como nunca y no vuelvan a salir.

Como ya sabéis, Chandler se lía con Mónica en la boda de Ross con Emily en Londres, aunque al principio es solo una vía de escape para ellos y la posibilidad de echar un polvo, la cosa se va volviendo seria. A pesar de que cuando se conocieron por primera vez fue un batacazo monumental (ella oyó como le decía a Ross que no quería pasar la noche con la gorda de su hermana) Con el tiempo se fueron haciendo amigos y algo más. Chandler siempre le ha tenido miedo a las relaciones y al compromiso, presumiblemente por el estrepitoso fracaso matrimonial que tuvieron sus padres.

CHANDLER

NOMBRE COMPLETO: Ross Eustace Geller CASADO: NO (por ahora) EX-MUJERES: Carol, Emily y Rachel HIJOS: 2- Ben (de su relación con Carol) y Emma (de su relación con Rachel) Ross es el hermano de Mónica y el mejor amigo de Chandler, se conocen desde la universidad, en ese momento, cuando los padres de Ross le pillaban haciendo algo malo, él siempre le echaba la culpa a Chandler. Ross de pequeño era típico nerd empollón sin muchos amigos y solía jugar con Mónica.

Ross es dulce, detallista y muy inteligente. Es una persona bastante culta, pero algo cerrado, para él, lo que no puede demostrarse científicamente, no existe. Esto le lleva a tener numerosas discusiones con Phoebe sobre la reencarnación o la teoría de la evolución. Suele irritarse con facilidad y a pesar de tener un trabajo estable y de no tener problemas económicos es bastante tacaño. Como cosa curiosa, habría que mencionar que no le gustan los helados.

Ross trabaja como paleontólogo en el Museo de Historia natural, aunque poco a poco, consigue hacerse con una plaza docente en la universidad. A parte de Licenciado en Paleontología, es Doctor, todos se ríen de él diciendo que el único Doctor es el médico.

Al comienzo de la serie su matrimonio con Carol no pasa por su mejor momento, y cuando surge la posibilidad de hacer un trío con una amiga de Carol, Ross acepta encantado, lo malo llega cuando empieza el asunto y a él le dejan al margen. Finalmente Carol le confiesa que es lesbiana y que está enamorada de su amiga Susan, con la que hicieron el trío. Todo se complica aún más cuando Carol descubre que está embarazada. Ross mantiene muy buena relación con Carol, aunque no termina de llevarse bien con Susan.

Tras su divorcio decide comprarse un mono, Marcel, con el que va a todas partes, pero al final tiene que deshacerse de él porque comienza a volverse agresivo.

Ross lleva enamorado de Rachel desde el instituto, aunque ella no se había fijado nunca antes en él. Poco a poco, parece que la cosa se va animando y terminan juntos, es una relación llena de idas y venidas con muchos altibajos, donde la inseguridad y la inmadurez de ambos marcarán la pauta de la relación.

Un día, Rachel se compromete con su jefe a atender a su sobrina (Emily) que viene de Londres, a Rachel no le apetece nada, además de tener mejores planes, así que se la encasqueta a Ross. Sorprendentemente la cosa funciona, y Ross y Emily se enamoran. El problema llega cuando Emily debe volver a Londres, como no quieren estar separados y llevar una relación a distancia deciden casarse. Emily nunca se ha llevado bien con Rachel y tiene muchos celos de ella, a pesar de esto, Ross la invita, pero ella decide no

ir porque sería raro. A última hora, Rachel coge un avión para ir a Londres y decirle a Ross lo que siente por él, se dedica a darle la chapa durante todo el viaje al pasajero que tiene a su lado contándole su historia con Ross. Cabe señalar que el actor que encarna al pasajero es Hugh Laurie.

Cuando por fin llega Rachel, al boda ya ha comenzado, y a la hora de pronunciar los votos, Ross la ve y confunde el nombre de Emily con el de Rachel, “Yo, Ross, te tomo a ti Rachel...” lo que provoca una gran conmoción entre los invitados y un considerable cabreo en Emily. La ceremonia termina y durante el banquete, Ross intenta convencer a Emily para que salga del baño donde se ha encerrado.

Finalmente descubren que Emily ha huido de la boda, al igual que hizo Rachel en su día, como no aparece, Ross y Rachel deciden irse juntos al viaje de novios. Pero cuando Ross llega al aeropuerto ve a Emily y sale corriendo tras ella, dejando a Rachel sola en el avión. Emily y Ross deciden intentar arreglar las cosas, pero ella le exige dos condiciones, que se marche a vivir a Londres con ella y que nunca más vuelva a hablar ni tener ningún contacto con Rachel. Ross acepta porque quiere arreglar las cosas, aunque finalmente se dará cuenta de que lo que le pide es una exageración.

Durante un viaje a Las Vegas, Ross y Rachel terminan casándose en una noche de borrachera, al día siguiente ninguno recuerda nada hasta que el resto del grupo les ayuda a hacer memoria. Al principio están de acuerdo en divorciarse, pero a la hora de la verdad, Ross se echa para atrás diciendo que no quiere ser “el tío de los tres divorcios”. Cuando Rachel se entera, se enfada, como es lógico y Ross no tiene más remedio que pasar por este proceso por tercera vez.

A pesar de su divorcio, Ross y Rachel tendrán sus idas y venidas, y al final de la séptima temporada, ella descubre que está embarazada de Ross. La llegada de Emma supondrá un acercamiento para ellos, aunque no terminará de arreglar las cosas...

ROSS

curiosidades

Durante la sexta temporada, Lisa Kudrow, tuvo que llevar peluca, ya que se había hecho un corte de pelo bastante drástico y los guionistas creían que no encajaría bien con su personaje.

Bruce Willis aparece en varios episodios de la serie porque perdió una apuesta con Matthew Perry durante el rodaje de Falsas Apariencias. Y lo hizo sin cobrar nada.

David Schwimmer fue el primer actor en ser contratado. Courtney Cox en principio iba a interpretar a Rachel, pero pidió hacer una prueba para el papel de Mónica, aunque los productores no estaban convencidos, al final accedieron y le dieron el papel.

Cuando Matt LeBlanc hizo la prueba para el papel de Joey tan solo tenía 11 dólares en el bolsillo, cuando cobraron su primer sueldo, Courtney Cox se compró un coche, Matt LeBlanc se compró una cena caliente.

Maggie Wheeler (Janice) fue considerada por los productores para el papel de Mónica, gracias a Dios esta idea no salió adelante.

Las siete hermanas de Joey se llaman: Verónica, Mary Angela, Mary Theresa, Gina, Dina, Tina, y Cookie.

Lisa Kudrow le tenía pánico al pato de Joey y Chandler.

Jennifer Aniston se apellida realmente Anastassakis, cuando en la boda de Mónica y Chandler, no saben si Joey llegará a tiempo encuentran un cura ortodoxo para sustituirle. Cuando el cura les pregunta los nombres de los novios, Rachel usa el apellido Anastassakis.

Los seis actores principales comenzaron cobrando 22.500$ por episodio, en la décima y última temporada cobraban 1.000.000 $ por episodio.

Las direcciones reales de los apartamentos son éstas: MÓNICA: 90 Bedford St. Apt. 20, New York, NY 10014.

JOEY: 90 Bedford St. Apt. 19, New York, NY 10014.

PHOEBE: 5 Morton St. Apt. 14, New York, NY 10014 El espectáculo del padre de Chandler en Las Vegas se llama “Viva Las Gaygas” Hank Azaria, que interpreta a David, el novio de Phoebe, realizó una audición para el papel de Joey pero fue rechazado, aún así pidió poder realizar otra audición y fue rechazado de nuevo.

actores famosos en friends

Más de 32 actores famosos salen en Friends, aquí os dejamos una lista ¿Os acordáis de alguno más? ¡Mandadnos un mensaje o un comentario con el nombre del actor o actriz que falte!: Jean Claude Van Damme Paul Rudd Tom Selleck Winona Ryder Hank Azaria Charlie Sheen Bruce Willis David Arquette Robin Williams Brad Pitt Billy Cristal Dakota Fanning Julia Roberts Danny De Vito Helen Hunt Ben Stiller Dan Castellaneta Gary Oldman Charlton Heston Giovanni Ribisi Sean Penn Jeff Goldblum Susan Sarandon Alec Baldwin Reese Witherspoon Freddie Prince Jr. Christina Applegate Denise Richards George Clooney Elle Macpherson Kathleen Turner Hugh Laurie

grandes

momentos

LA SERIE

Los guionistas Christopher Lloyd y Steven Levitan son los creadores de la serie y según se cuenta el chispazo que les hizo pensar en crear la serie se produjo un buen día que estaban los dos recordando historias de sus familias y se les ocurrió que esas historias podían ser la base de una serie de televisión. Su primera decisión fue que la historia se contase como si se tratase de un falso documental, con un estilo muy similar a “The Office” . El siguiente paso fue decidir que el peso de la serie cayese sobre tres familias y sus experiencias.

Los dos creadores presentaron la serie a tres de las cuatro grandes cadenas de televisión ( no la presentaron a la FOX por problemas de Lloyd con la cadena en una serie suya anterior ), pero fue la ABC la que dio el paso adelante y la que sí acepto la serie.

PERSONAJES

Tal y como hemos dicho la serie recorre la vida diaria de tres familias: Gloria y Jay, están casados, Gloria ( Sofía Vergara ) es una Colombiana despampanante y de armas tomar que debe de estar rozando los cuarenta años y Jay ( Ed O´Neill ) que tiene 63 años, aunque ella es mucho más madura que Jay. Jay tiene dos hijos Claire y Mitchell, un tipo calmado y forrado de pasta y al mismo tiempo ejerce el rol de padre de Manny el hijo de 10 años de Gloria pero que habla como un adulto de 50 años.

Por otra parte se encuentran Phil ( Ty Burrell ) y Clarire ( Julie Bowen ), Phil es un agente inmobiliario y quiere ser un padre moderno con sus tres hijos, Clarire es muy responsable, ordenada y obsesiva. Tienen tres hijos, Luke que tiene 9 años y es el rarito de la familia, Alex de 13 años repelente y cerebrito y Haley de 15 años guapa y muy tonta.

La tercera pareja la forman Mitchell ( Jesse Tyler Ferguson ) y Cameron ( Eric Stonestreet ), una pareja homosexual que acaban de adoptar a una niña vietnamita de pocos meses. Mitchell es hermano de Claire y es abogado es el que aporta serenidad a la pareja, por otra parte Cameron es la loca de la pareja, siempre a punto para realizar un drama de cualquier cosa. Sus conversaciones suelen ser de las más graciosas de la serie.

Existen otros personajes recurrentes que suelen entrar y salir en diferentes capítulos, al igual que ha habido cameos por parte de actores famosos o simplemente de famosos como el jugador de la NBA Kobe Bryant que realizó un cameo en el último episodio de la primera temporada, Matt Dillon, Elizabeth Banks o Edward Norton son algunos de los actores invitados en alguno de los capítulos.

TEMPORADAS

La serie se estrenó en septiembre del 2.009 y hasta el momento se han emitido tres temporadas, habiendo renov a do p ara una c u ar t a temp ora d a que s e est renó este m ismo año.

La serie esta rodada como si se tratase de un documental al más puro estilo “The Office” en el que una cámara sigue a los personajes e incluso les entrevista, siendo habitual que los personajes dialoguen con la cámara o bien se giren y miren directamente a la cámara.

comedia ) el humor es mucho más mordaz y satírico que las de los años 80.

La serie ganó 12 Emmys en sus tres primeras temporadas dando fe de sus buenas criticas, aunque no han faltado los críticos que hablan de que la tercera temporada dio un bajón en su calidad en respecto a sus dos primeras temporadas.

De todas formas yo me alegro enormemente de que triunfen las familias disfuncionales y de que se deje de lado la moralina que siempre ha impregnado todas las sitcom.

Emilio Sanchís

Los episodios no siguen una línea de tiempo cronológica, aunque como no suele cambiar nada aparte de la historia de cada episodio, no tiene mucha importancia las fechas en las que se encuentran. Los episodios suelen comenzar con uno de los miembros de la familia contestando una pregunta y a partir de ahí se desarrolla el episodio.

Se han realizado varios programas especiales, una para Navidad, un especial de Acción de Gracias, un especial de Halloween, un especial de Día de la Madre y dos especiales de Día de San Valentín.

CRITICAS

Desde el principio la serie obtuvo unas críticas muy positivas y marcó un antes y un después en las sitcom, a diferencia de las sitcom de los años 80 tipo “El príncipe de Bel Air”, “Los problemas crecen” o “El show de Bill Cosby” uno de los grandes logros de “Modern Family” es que no tiene la moralina típica de aquellas sitcoms. Aunque el final casi siempre suele ser agradable y bueno ( al fin y al cabo es una

BLACK SITCOMS Bueno cacho sinvergüenzas, ahora que he captado vuestra libidinosa atención con las peritas de Karyn Hillary - Parsons, la suculenta y pijotera primita del Prince of Bel Air (no sublevarse chicas, que ya os pondré una foto de Carlton en gallumbos), pasemos a hablar de asuntos más serios. Es broma, hablemos de cachondeo, que es lo que toca.

La comedia de situación, también llamada sitcom, había ganado popularidad desde que una señorita llamada Lucy Ball encandiló a todos los hogares norteamericanos con su mojigata y simpática I Love Lucy. Aquel novedoso formato catódico, originalmente de solo un sketch, logró atrapar a la audiencia y consolidarse definitivamente a lo largo de la década de los cincuenta, de manera paralela a la emisión de aquel mítico serial.

Así fue que los americanos, astutos como zorros y avispados como nadie en la busca de dólares y conscientes del auge de la sitcom , no tardaron en localizar un filón de oro... negro. No hablamos de petróleo, pero casi.

Y es que ya sabéis que los Estados Juntitos arraciman mogollones de negros, o mejor dicho, de “personas de raza negra” para que algunas mentes liberales no se me ofendan. Pues eso, que algún iluminado pensó: “Si hay

tantísimas personas de raza negra, ¿porqué no hacemos también series para ellos?”. Pensado y ejecutado.

EL SHOW DE BEULAH (1950-1953): La primera black sitcom en sentido estricto comenzó a emitirse antes del estreno de la mismísima I Love Lucy. The Beulah Show no dejaba de ser una tontuna mu gorda. La llamada Beulah, primera pseudo-estrella de sitcom de raza negra y que fue encarnada por varias actrices a lo largo de la serie, era una dicharachera empleada de hogar/ niñera/cocinera/mujer para todo de la familia Henderson (nada que ver con el Bigfoot, espero), una tipa que además se hacía llamar “la reina de la cocina” y que se dedicaba a arreglar la vida de los demás sin perder la sonrisa. La serie, no obstante, se convirtió en el blanco (je, je) de las críticas por acaparar todos los estereotipos y prejuicios malamente asociados a la raza negra en su momento. Es cierto que la sociedad avanzaría mucho con el paso de los años, haciendo desaparecer cualquier atisbo de estereotipo asociado a los negros, también en las comedias de situación. Y si no, que se lo pregunten a Will Smith, el rapero... ¡Ups! de Bel Air. La original Beulah y su homónima años después en la visionaria Las Aventuras de Zipi y Zape.

LOS JEFFERSON (1975-1985): Nada más y nada menos que 11 temporadas y 283 capítulos (más que Friends o Al salir de clase) duró en pantalla la que se convertiría en la black sitcom más longeva de la historia. El spin-off de Todo en Familia se convirtió en todo un bombazo, gracias en buena parte a sus divertidos guiones. La serie narraba las peripecias de un matrimonio afroamericano de “nuevos ricos” (George y Louise, no demasiado bien avenidos) que acaba de mudarse a un apartamento de lujo en Manhattan. El padre de familia estaba encarnado por el chistoso Sherman Hemsley, fallecido el pasado verano y que años después de concluir The Jeffersons interpretaría al juez rival del tío Phil a las elecciones a Juez de la Corte Suprema... ¡toma ya! ¡Ni Dredd! También apareció el hombre en aquella joya de las sitcoms de Tetacinco que ilusionó tanto como defraudó a los críos amantes del Pleistoceno, y que respondía al nombre de Dinosaurios. ¿Detrás de

qué reptil jurásico andaba el señor Hemsley? Ni pterodáctila idea. Pues eso, que en paz descanse el buen hombre.

BENSON (1979-1986): Y de nuevo otro Spin-off, éste de la serie Soap (Enredo) y que estaba protagonizada... ¡tachán, tacháaaaan!¡Por un mayordomo! (¿Encasillamiento? ¿Eso qué es?). La excusa para la nueva black sitcom era que la protagonista de Soap, Jessica Tate, mandaba a su mayordomo tocapelotas para que se pusiera al servicio de su primo, el gobernador James Gatling (James Noble) solo por quitárselo de enmedio. El gobernador, por supuesto, era un completo gilipollas (muy parecido al alcalde de Spin City), y la verdad era que a casi todos en aquella casa les faltaba un tornillo, aportando el referido mayordomo la única nota de cordura. Como una Beluah cualquiera, el pobre Benson terminaba por solucionar los problemas de todos los que allí vivían.

Incluso gobernando la ciudad cuando al gobernador se les escapaba de las manos, lo cual era casi siempre.

Benson mantenía permanentes trifulcas con Gretchen, el ama de llaves alemana, y ayudaba a la otra persona lúcida de la casa, la inteligente Katie, hija pequeña del gobernador. Como curiosidades, anotar que un novel comediante de nombre Jerry Seinfeld, encarnó a un mensajero llamado Frankie durante dos temporadas, y que Sherman Hemsley (de Los Jefferson) llamó “Benson” a Jeffrey en su cameo para El Príncipe de Bel Air. ARNOLD (1978-1986): Y aquí empieza lo chungo. Arnold era un chiquitajo tan orondo como resabiado, con los ojos tan saltones como la rana Gustavo y más mofletes que un guarro ibérico, pero a pesar de su aspecto

bizarro resultaba un pequeñín entrañable. La cosa iba de que Arnold y su hermano Willis eran adoptados por el acaudalado Sr. Drummond, así que se mudaban al pisito que habitaba este pingajo en Park Avenue. Resulta que el millonetis además tenía una hijita de rizos rubios y aire angelical llamada Kimberly. Así, todos juntitos, protagonizaron una de las black sitcoms de mayor éxito en los Estados Unidos y en el mundo entero. Buena culpa de esto la tenía el pequeño Gary Coleman y sus memorables puntazos. Hasta aquí todo normal, pero no. Cuando uno ve la serie percibe inconscientemente que hay algo que le transmite una especie de mal rollo, y no se sabe porqué. Años después uno se traumatiza al enterarse de que el aspecto aniñado del tal Arnold, uno de los atractivos más grandes para el público, se debía a una afección renal del actor. Gary Coleman era una especie de Joselito por causas naturales; extraña enfermedad que le hizo parecer un niño de ocho años durante toda la serie.

Pero lo peor estaba por llegar. Una vez cancelada la sitcom era de prever que los tres hermanos protagonistas sufrieran un encasillamiento atroz y el consabido batacazo que supone pasar de la fama al olvido en lo que se evapora el pedo de una mosca. Así, tanto Dana Plato (Kimberly), como Todd Bridges (Willis) y el propio Coleman (Arnold), fueron arrastrados por la desgracia al protagonizar múltiples escándalos de sexo y drogas. La nota trágica la pusieron la dulce Kimberly, muerta por sobredosis de drogas, y el eterno niño Gary Coleman, que a los 42 años de edad sufrió una caída en su casa que le provocó una hemorragia intracraneal, el coma y un trágico fallecimiento. Pero recordemos al

gran Arnold con una sonrisa de oreja a oreja, como no podía ser de otro modo. O replicando a su hermano con aquella célebre frase: “¿De qué estás hablando, Willis?

Pa chulo mi pirulo.

WEBSTER (1983-1989): Casi diez años después del estreno de Arnold, y por lo que se ve en medio de una crisis de ideas tan voraz como la que azota a Tim Burton en estos momentos, se estrenó de nuevo otra black sitcom interracial de argumento sospechosamente parecido a la serie de Coleman: de nuevo un huerfanito llamado Webster (Enmanuelle Lewis) que acaba de perder a sus padres en accidente de tráfico (nada mejor que la lágrima fácil desde el principio para encariñarse del protagonista) y que es adoptado por un ex-futbolista retirado, el Sr. Papadoupoulos (Alex Carras), que era un antiguo compañero de equipo del padre del chavalillo. Él y su

mujer, Katherine (Susan Clark), le educarán en un clima de amorosidad y buen rollo, y el pequeño Webster les corresponderá con algunos chascarrillos inofensivos que no eran sino una burda copia de los de Arnold. La diferencia era que el aspecto de Gary Coleman era gracioso a pesar de todo, pero el de Webster era... cómo decirlo... extraño. Parecía como que tenía la cara encogida, como de chupar limón. Lo peor de todo es que... ¡Tachán! ¡Era otro enano haciéndose pasar por niño! Y es que un enano vale, puede ser casualidad.

Pero dos... Eso ya es mala leche, vicio o jodienda. ¿Pero qué clase de mentes retorcidas y enfermizas fueron capaces de perpetrar aquella aberración? Joder, a este paso Tim Burton contrata a otro enano grimoso para su próximo estreno.

LA HORA DE BILL COSBY (1984-1992): Aquí en España no estábamos acostumbrados a ver a una familia de negros con dinero. Al bueno de Bill Cosby, fa-

moso cómico estadounidense, la pasta no le sirvió para mejorar su buen gusto, y cual Cachuli de pantalones sobaqueros nos agredió visualmente con un desfile interminable de estrafalarios jerseys de mercadillo con más colores que un episodio de Los Fruitis. Mirarlos fijamente provocaba ataques epilépticos y locura transitoria, pero la segunda cadena de TVE nos castigó con aquella abominación durante ocho temporadas y doscientos episodios. Recientes estudios demuestran que la ingente cantidad de góticos ataviados de negro que pueblan nuestras calles y jardines son producto directo de aquellas emisiones demoníacas, resultando en pacientes cromofóbicos de por vida.

Keshia Knight Pulliam, la pequeñina del clan Cosby. Ésta sí creció, no como Arnold.

En fin, que las andanzas de la familia Huxtable, que

eran ciento y la madre además del cabeza de familia, de profesión doctor en medicina, estaban basadas en las experiencias del propio Bill Cosby, que también estaba casado y tenía cinco hijos de edades similares a las de la serie. La comedia, plagada de moralina hogareña, se apoyaba en las situaciones cómicas y las peripecias, a menudo absurdas, del clan Cosby, que eran aderezadas con las historietas del esperpéntico doctor con sus pacientes. Pero el Cosby este es un cachondo. El tipo parece no conocer otro divertimento que el de engendrar niños por lo que se ve, pero cuando a éstos les crecen los pelillos, su única motivación es que se vayan de casa, ¿no te jode? ¡Menudo jeta! Pues la serie fue todo un bombazo a pesar del daño visual ocasionado por los suéter y camisetas de Cosby, y promedió sesenta y tres millones y medio de espectadores de la época. ¿Porqué tal éxito? Puede ser que buena culpa la tuviera el personaje central, Cliff Huxtable. Más allá de los ingredientes recurrentes de la comedia de situación,

los espectadores se dejaban llevar por el optimismo vital de Cosby, que relativizaba sus problemas cotidianos (no demasiado graves tampoco) y los abordaba como un niño grande. Al espectador resultaba catártico y le daba buen rollo, a pesar de los jerseys. Y sí, a Cosby le salió rentable la jugada y se convirtió en el actor mejor pagado en televisión.

plan guiri; tirantes, gafotas enormes de montura de carey, sonrisa gilipollas, brazos en jarra, pelvis adelantada, como quien va a sacudir un pollazo en toda regla, y una frase: “¿He sido yooooo?”. Eso es: ESTEVE URKEL, el grande, el maravilloso, el inmortal.

A los demás los tengo encerrados en el sótano...

Urkel fue acaparando protagonismo episodio tras episodio, chupando más pantalla que Russell Crowe en los cines, y poco a poco la serie se redirigió a la comedia gaznápira y descerebrada, llena de golpes y diálogos divertidos, introduciendo incluso situaciones cercanas a la ciencia-ficción, eso sí, sin perder, el mensaje moral en la historia que se pretendía desde el comienzo. Antena 3 la repuso una y otra vez antes de hacer lo mismo con Los Simpson, y a nosotros no nos importaba.

El éxito en España de la serie fue paralelo al auge de su leyenda urbana: la de que Esteve Urkel, alias Jaleel White, había muerto. Pues no, el tipo está vivito y coleando, y a pesar de no ser muy guapo algo ha mejorado con los años. Jodido lo hubiera llevado si no hubiera sido así. Por cierto, qué manía de matar a la gente equivocada, como hicieron y siguen haciendo algunos tontinacos con Linda Blair (la niña de El Exorcista) en lugar de Heather O´Rourke (la Carol Anne de Poltergeist), que fue la que realmente

COSAS DE CASA (1989-1998): Y pasemos a los noventa y al auge de las Mamachicho y las series de Antena 3 (Esa Punky Brewster... snif). Lo que en principio era otra serie de negros en familia (esta vez de clase media) sin demasiada gracia, orientada más que nada a circunstancias inofensivas que eran finiquitadas por el manido mensaje moral al final de cada capítulo, devino en genialidad con la aparición de un personaje que en principio iba para secundario y que encarnaba a un vecinito giliflautas a la enésima potencia, todo un nerd acosador que perseguía sin tregua a Lauraaaaaa... la hijita macizorra del clan Winslow, para desgracia del padre de familia, un poli orondo, campechanote y de gran corazón.

Y ahora toca disfrazarse, ¿quién no lo hizo en su momento, cuando era un mocoso anormal? Pantalones sobaquiles marcando huevarras, calcetines blancos hasta arriba, en

“¿He sido yooooo?”

falleció. Pues sí, ¡larga vida a Urkel!

EL PRÍNCIPE DE BEL AIR (1990-1996): “Al oeste en Philadelphia/ Crecía y vivía/ Sin hacer mucho caso/ A la policía...”. Y entonces llegó él, Will Smith, rapero juerguista, ingenioso y cachondo, de camisetas estridentes, zapatillas Nike y visera hacia atrás. El tipejo la liaba parda en Bel Air, el mítico barrio de los ricos donde se daba la vida padre en casa de sus tíos, el caln de los Banks, para amargura del gran tío Phil. Y es que aquí no solo teníamos a Will, eje vertebrador de la sitcom y artífice de buena parte de los puntazos, sino a todo un reparto coral de lo más carismático y recordado de la televisión moderna: el gordísimo y cascarrabias Tío Phil, un enorme ballenato calvorota de más de 120 kilos que siempre estaba enfadado, como su predecesor Carl Winslow. Uno siempre se preguntó como la tía Vivian, mucho mejor conservada, podía convivir y copular con semejante mostrenco barrigudo. Despúes encontramos al flemático y sarcástico mayordomo inglés Jeffrey, inspirado en el personaje de Benson y más agudo si cabe que éste. Oh, ese Jeffrey, ¿porqué cada vez que sale un mayordomo negro en cualquier serie nos acordamos de él?

Mención aparte merece Cara-cartón, también conocido como Carlton, el primogénito del clan y el personaje más ñoño, tontolculo, pijo y enmadrado. Los mejores momentos cómicos de la serie tuvieron a Carlton de por medio, como aquel en que bailaba aquella canción de Tom Jones con su “peculiar” y dinámico estilo mongoloide. Después teníamos a Hillary, ultramimada, ultrasubnormal, ultrapija (aún más que su hermano mayor) y ultramacizorra... ¡pero qué morbo

daba la joía guarra! Mítico aquel momento en que susurraba entre dientes la palabra “caca” con expresión de asquito. También el coleguita de Will, el superlativo Jazz con sus inconfundibles gafas de sol y su poco sana costumbre de salir a propulsión de la casa de los Banks, por obra y gracia del enojado tío Phil. ¿Pero quién no ha reproducido en sus tiempos mozos aquel gesto con el que se saludaban él y Will?: “¡Qué pasa, Jazz! ¡Plas, plas! ¡Psssssssssss!”. Luego estaba la pequeña Ashley, que fue crecer y ponerse potente, pero que bien poco aportó a la serie. Justo sería reconocer que buena parte del éxito de la serie la tenía su fenomenal doblaje al castellano. Y por cierto, ¿recordáis el gritito típico de Will? “¡Iaaaaaaaaaaa!”

AÑO 0 DESPUÉS DE BEL AIR: LA DECADENCIA. Con las series de negros en la cima de los índices de audiencia y popularidad, nadie presagió el zurriagazo que se avecinaba. Y es que la black sitcom tenía un futuro muy negro a pesar de todo. Malos tiempos, chuscos y sórdidos tiempos, se aproximaban a la velocidad de Jazz atravesando umbrales. Cuenta atrás para el bofetón.

TRES, DOS, UNO... ¡ZAS! ¡EN TODA LA BOCA! Al principio no fue demasiado cantoso. Simplemente, Vivir con Mr. Cooper fue triste, muy triste. La historia de un ex-jugador de baloncesto - el tal Mr. Cooper, más sosainas que el Romay - que regresaba al hogar para ser entrenador en el instituto y compartir piso con sus dos amigas del alma, Robin y Vanessa, no podía resultar menos original ni más monótona, cansina, repetitiva y falta de gracia. La serie la daban en la 2, y era mala como ella sola. Eso sí, el público fundamental era masculino y seguía la serie por ver a Vanessa. Algo parecido

a lo que pasaba con Matrimonio con hijos y Nikki Cox. Sí señores, la tremenda Vanessa, AKA Holly Robinson, uno de los mayores pibonazos que ha dado la historia de la caja tonta. Y el gilipuertas de Mr. Cooper que no le hacía cosas guarras, el muy nenaza. Tan funesta producción sirvió además para dar a conocer a Raven, la megaestrella del Disney Channel y de la madre que lo parió. La Raven, esa chiquitaja que era mona de pequeña pero que a medida que va creciendo se parece cada vez más a Whoopi Goldberg, o como dice un amigo, a Royston Drenthe.

Pero lo peor estaba por llegar con Cosas de Hermanas, la historia de dos hermanas gemelas separadas al nacer que se conocen en... ¡una tienda de ropa! ¡Toma originalidad! La cosa era que la una tiene un padre pero no una madre, y la otra una madre pero no un padre, pero resulta que la madre de una de ellas ha de aceptar un trabajo en el extranjero y... te pasas toda la serie acordándote de la puta madre de las mellizas de los cojones, preguntándote porqué coño se tuvo que ir a donde coño fuera para dar lugar a este aborto de sitcom. Si las gemelas hubieran sido como las de Sweet Valley la cosa tendría un pase al menos, pero no. Las dos eran más feas que picio, con más dientes que la mula Francis y más bastas que unas bragas de esparto.

Y encima con menos gracia que Jorge Javier Vázquez.

Las dos protagonistas llevaban además la cruz de unos nombres que ni a la Esteban se le hubieran ocurrido: Tia y Tamera. ¡Por favor! ¡Tia y Tamera! ¿Pero en qué cabeza cabe? Me parece que son los nombres más chonis que pueden existir en el universo.

La serie era tan horrible como Lisa, la madre adoptiva de Tia, que originó más de un trauma infantil por aquella época. Aquella monstruosa criatura parecía salida del averno y a punto de comerse a cualquier ser humano, hombre, mujer o niño que se pusiera a su alcance.

Pero cuando pensábamos que la cosa no podía ir a peor, se jodió todavía más. Kenan & Kel, una versión pre-adolescente de vertedero del gordo y el flaco. La cosa era burda, subnormalizante, amoral y anti-pedagógica. Los tales Kenan y Kel son dos amigos que siempre se están metiendo en problemas por vagos y torpes. ¿Estereotipos? ¡Qué va! El gordo es el infantiloide, patoso e inteligente, y el flaco es el listillo, sarcástico y malicioso, con una voz tan odiosa y estridente que hacía que desearas arrojar la televisión por la ventana para salvaguardar algo de cordura. Pero, ¿qué hubiera sido si estos dos patéticos individuos hubieran crecido y fuéramos testigos de ello? Pues que serían algo parecido a Malcom & Eddie, el siguiente horror en la decadencia de la black sitcom. Mientras que Malcom (el heredero del gordo) es el ingenuo, responsable

y sensato de la pareja, Eddie es el alocado, imbécil, vago e irresponsable (el flaco), y también tiene una voz de pito que hace que te asomes al váter para averiguar si existe una mierda más gorda que esa. El caso es que los dos acaban siempre por meterse en líos. Jou, jou, qué locura, ricura.

Pero no todo podía ser malo, y es que la última serie en alcanzar algo de popularidad ha sido la premiada Todo el mundo odia a Cris, basada en las vivencias reales (y voy yo y me lo creo) del cómico Chris Rock.

Ambientada en los gloriosos 80, la serie nos cuenta las peripecias de Chris, estudiante de secundaria que vive rodeado por un sinfín de excéntricos personajes en un barrio de clase humilde de Brooklyn. ¿Comedia? La enjundia mezcla bulling infantil, desigualdad entre clases sociales y desgracias cotidianas varias. ¿A pesar de todo esto tiene gracia? Pues el caso es que sí, y ese es quizás su mayor mérito.

Casos como el de Everybody hates Chris demuestran que la comedia de negros ya no es lo que era. Se ha vuelto más refinada, menos salitrosa, más profunda e intelectual si cabe, más acorde a los tiempos decadentes que corren, en definitiva. Lejos quedan Will Smith o Steve Urkel, los grandes de la black sitcom norteamericana. ¿Habéis aprendido algo de todo este berenjenal, amiguitos? Yo en particular, poca cosa. Si acaso, que las comedias realizadas por y para negros pueden enganchar y enamorar a todo el mundo, sea de la raza que sea. Y eso no es moco de pavo. Ahora ya podéis iros a la cama, o le diré a Lisa de Cosas de Hermanas que venga a por vosotros...

Por Jesús Javier Cagigós

¿Por qué nos gusta la chica nueva? Porque ha sido un punto de frescura dentro de la sitcom actual que seamos sinceros desde la aparición de The Big Bang Theory no ha tenido grandes momentos de gloria. Por los personajes que aunque exagerados son plenamente reconocibles y todos podemos sentirnos identificados con alguno de ellos o con todos en algunas situaciones. Por las historias, sobre todo los que hemos pasado o están pasando por el momento de esta serie, el final de la juventud y el inicio de la edad adulta y como queriendo entrar en el responsable mundo de los treintañeros, sin embargo algo nos impide dejar atrás los veinte. Pero sobre todo nos gusta por Zoey Deschanel y por su entrañable personaje de Jess, ella es el alma indiscutible de esta serie, uno de esos personajes que terminan confundiéndose con el producto, algo que puede ser precisamente el declive de la misma como y hemos visto en otras ocasiones.

Pero vayamos al meollo de la cuestión, y si, queridos lectores, soltare algunos pequeños spoilers, así que si no la has visto y quieres mantenerte plenamente virgen sobre lo que esta comedia puede ofrecerte, es el momento de dejar de leer y pasar al siguiente artículo que también es muy interesante.

La serie comienza cuando Jess ( Zooey Deschanel) pilla a su novio en su cama con otra mujer, algo que todos sus amigos veían venir sobre todo su amiga y supermodelo Cecilia. Esta situación le lleva a compartir piso con tres chicos que viven fondo lo desea de todo corazón. Nick es camarero y en un gigantesco apartamento de renta baja. siempre tiene problemas de pasta a lo que unimos su vida sentimental que es básicamente horrorosa.

Jess es una profesora de primaria que se acerca a Con una relación destructiva con Caroline, con la los treinta años pero que sigue viviendo en una que vuelve a caer cada cierto tiempo y en la que especie de mundo de fantasía en la que todo el siempre termina destrozado y con una química mundo es bueno. No cree en la maldad humana especial casi desde el principio con la propia Jess. y claro, su vida es un cúmulo de decepciones, además es básicamente la persona más ingenua de Por otro lado tenemos a Winston, un exjugador la historia y si esto no fuera suficiente, canturrea de baloncesto que acaba de regresar de Europa constantemente y es la definición de persona feliz. donde jugo profesionalmente en Lituania. En esencia es el típico chico al que todo le ha ido bien Sus compañeros de piso son Nick Miller que es en la vida porque jugaba al baloncesto, el líder el ejemplo claro del perdedor nato, un tío que del instituto, popular en la universidad, con éxito abandonó sus estudios de derecho porque no con las mujeres, pero que cuando vuelve a casa quería ser parte del sistema, aunque muy en el se da cuenta de que no sabe hacer otra cosa que

delante de todo el mundo y trata a las mujeres como objetos sexuales. Curiosamente es el único empleado varón de su empresa en donde es tratado como poco mas que un cero a la izquierda.

Es tan metepatas y dice cosas tan brutas que los compañeros han puesto un bote en el que tiene que poner 1 dólar cada vez que dice una chorrada. Si nos fijamos en todos los episodios el bote siempre esta en algún lugar y siempre casi rebosando de billetes. Por último, esta obsesionado con las tetas de la mejor amiga de Jess, Cecilia la supermodelo.

También hay que mencionar a un personaje que ha ido ganando importancia a medida que iban pasando los episodios y es Cecilia una guapísima mujer, que es la mejor amiga de Jess desde la infancia, única manera de comprender que ambas mujeres sean amigas porque no pueden ser tan diferentes y no solo físicamente. Ella es el Pepito grillo de la protagonista, la que le ayuda cuando tiene problemas, la que le explica cosas de sexo y sobre todo la que le indica la maldad que Jess no puede o no quiere ver.

no sea el deporte así que no tiene mas remedio que aceptar un trabajo de canguro. Eso si, ni esto le impide ser el tío mas chulo del vecindario. Se incorporó a la serie en el capitulo 2 sustituyendo a Damon Wayans jr que interpretaba a Entrenador.

Y por ultimo tenemos al personaje de la serie, el que hace que te rías a carcajadas nada mas abre su boca, el es Schmidt. El es una de las personas mas metrosexuales de la historia, lleva el cuidado corporal y la higiene del hogar a puntos que solo se pueden definir como trastorno obsesivo compulsivo. Un chico que ha perdido cerca de 100 kilos desde que terminó la universidad y que ahora es un ligón empedernido, pero un ligón poco entendible, ya que su ego le pone por

Los mejores momentos de la serie en mi opinión son los Flashbacks en los que podemos ver a una Jess aun mas ingenua de niña, o a Schmidt gordo y comiendo compulsivamente y a Nick siendo exactamente igual que es ahora, de hecho ese es el principal problema de Nick. Solo por ver los bailes de Schmidt, las conversaciones filosóficas de Winston con el niño que cuida, los momentos de depresión de Nick y las caras de Jess ante todo lo sexual, sobre todo cuando intenta ser guarra que son momentos mágicos, merece la pena sentarse a ver los escasos 25 minutos que dura cada episodio.

Si esto no te basta y eres de los que necesita saber que premios ha ganado, decirte fueron nominados 5 veces en los premios Emmy en la categoría de comedia y que Zoey fue nominada al globo de oro a la mejor actriz de comedia.

Por Tony Camacho Nieto.

Todos sabemos que nuestro país tanto en el cine como en las series de televisión nos ha dado multitud de excelentes productos con los que disfrutar y soñar, de los cuales más de uno han ido marcando generación tras generación, además de crear escuela para futuros proyectos que sin duda los imitarían.

Esta situación se ha repetido en más de una ocasión, regalándonos calidad y diversión. Incluso en alguna ocasión de una serie se ha sacado el personaje con más éxito creando una nueva serie solo para él y rompiendo todas las expectativas, triunfando incluso más que la serie original.

Muchas críticas se ciernen sobre nuestro producto nacional, incluso criticándolo espectadores comparándolo con el género americano, pero sin lugar a dudas tenemos grandes creaciones que ofrecer, y para muestra este especial con algunas de las grandes series que han marcado a millones de espectadores semana tras semana.

Siete Vidas Sin duda la serie humorística española por excelencia. 204 episodios sorprendiendo sin recaer en ritmo, ni aburrir a los espectadores.

Actores como Amparo Baró (la famosa Sole y sus también famosas collejas), Javier Cámara que ya iba cogiendo tablas con esta serie, Blanca Portillo, Anabel Alonso, Tony Cantó, Gonzalo de Castro y Carmen Machi, que más tarde tendría su propia serie con Aída como ya habíamos comentado antes.

Los momentos vividos en la casa de Carlota y todas

las peculiaridades de esta gran pandilla hicieron olvidar los problemas de los espectadores un gran periodo de tiempo.

Aida Esta serie fue el primer spin-off español basado en el personaje de Carmen Machi en 7 vidas.

La historia de unos personajes muy variopintos, que van desde lo chabacano hasta la pijería excesiva, todos muy estereotipados.

Todo transcurre en un barrio marginal, donde cada semana vemos la historia de cada uno de estos

personajes, que se caracterizan por vivir situaciones al límite y desternillantes con un humor políticamente incorrecto.

El tiritiri de Mauricio, el "como el Luisma es tonto...", Machupichu, el Barajas y su ignorancia o las salidas de tono de Eugenia son algunas de las insignias de esta popular serie, con actores como Paco León, Eduardo Casanova o Secun de la Rosa.

Sin duda esta serie al igual que le pasó a Los Serrano, al principio era una maravilla y se salían fuera de lo habitual con muy buenos chistes, Se trataba de varias historias pequeñas, todas aunque a veces pecan de chabacanos y horteras, delante de la máquina de café de una oficina, con un gran humor y con unos personajes pero que realmente divertian. muy distintos y todos muy especiales, con Álex Hoy día ya aburren, unos guiones que siempre O`Doguerthy y Arturo Vals entre ellos. son iguales y que siempre se repiten atacando al mismo humor y con las mismas frases para todos Cuestión de sexo los personajes, pero aún así sigue obteniendo una Una comedia que nos trajo Cuatro en la gran audiencia. que relataba los problemas de las relaciones sentimentales entre las personas con un punto Camera Café de vista muy acertado y con grandes dosis de Primeramente TeleMadrid optó por adaptar el guión comedia, más unos diálogos estupendos. francés, teniendo un escaso éxito. Entonces llegó Telecinco y le dió su toque mágico españolizándolo, Todo giraba entorno a tres parejas, Diego y Alba,

separados hace poco, Elena y Gabi, una pareja formada por una mujer muy controladora y un hombre demasiado infantil y la de Óscar y Verónica, que se quieren tanto como se odian.

También había otros personajes que aportaban su chispa especial a la serie, como la hija de Diego y Alba o Gonzalo, interpretado por Gorka Otxoa.

Willy Toledo, Pilar Castro, Gorka Otxoa o Diego Peretti hicieron de esta serie un imprescindible para todas las semanas, una forma distinta de ver la vida y que nos alegraban con su peculiar humor capítulo tras capítulo.

Los Serrano Una gran serie que en un principio arrasó pero con el tiempo fue muriendo hasta acabar con un final totalmente decepcionante y de mala manera para acabar una gran historia que de ninguna manera se merecía haber acabado así.

Al principio la serie era muy divertida pero con la marcha de Marcos y Eva ya fue perdiendo gracia, acabando por traer multitud de personajes y cada uno con una corta estancia en la serie intentando volver a motivar al público pero consiguiendo todo lo contrario. La historia de amor de los hermanos mayores que tanto había conseguido enganchar, intentaron volver a conseguir el mismo efecto con la pareja de hermanos pequeños, pero lograron totalmente lo contrario, muy lejos del encanto que si tenían los primeros, además del vaivén final que sufrió Belén Rueda, que aparecía, desaparecía, volvía a aparecer...

Solo queda recordar el "mayormente" de Fiti y los logros de audiencia y de share que recaudaron.

Ana y los siete Sí, aquella serie tan predecible y en ocasiones demasiado sensiblera de Ana Obregón.

En su día obtuvo un gran éxito, teniendo a todos los espectadores en vilo cada semana por saber como terminaría Ana al final su vida amorosa, los culebrones tanto de los adultos como de los niños.

Como había niños de todas las edades, desde la niñez más pura, adolescentes o universitarios, pues era fácil que cada espectador pudiera identificarse con alguien.

Los hombres de Paco Otro producto de Globomedia que también tiene su toque como recuerdo a Los Serrano.

Aquí sin duda Hugo Silva se catapultó a la fama, y también aquí podíamos ver a un no tan conocido por el momento Mario Casas.

En su inicio comenzó como comedia pero más tarde se viviría algún drama, como la complicada historia de amor de Lucas y Sara, muertes de algún personaje principal buscando la emoción del espectador y la también enrevesada historia de amor lésbica.

Los protegidos Otra serie familiar de Antena 3 que también ha

obtenido un gran éxito.

El instituto Zurbarán fue una muestra para televisión de la vida de varios jóvenes, de sus En ella vimos a actores despuntando y a otros ya relaciones entre ellos y con el alcohol, el sexo y asentados como Luis Fernández, Ana Fernández las drogas, además de sus vivencias y problemas o Marta Torné. personales.

Además de las historias personales y la vida de cada uno, se incluyó la novedad de los súper poderes que junto a los amoríos, las escenas de acción y suspense, los momentos dramáticos y todos los elementos que incluía la serie, la hicieron todo un ejemplo de como enganchar al público y crear legiones de admiradores.

Física o química Otra serie colegial que ha logrado mareas de jóvenes seguidores y ha hecho a algunos de sus actores grandes estrellas del momento en el cine español, habiendo hecho muchísimas películas tras su paso por la serie, como Maxi Iglesias, la también cantante Angy Fernández o Úrsula Corberó.

Compañeros Otra gran serie de casi cinco años que también es una gran referencia de nuestra televisión.

Con un comienzo flojo, gracias al cambio de Concha Velasco por Beatriz Carvajal consiguió en su tercera temporada convertirse en una de las series más vistas del momento.

Una gran serie familiar sobre un colegio donde hemos visto a actores como David Janer, Juan José Ballesta o Raúl Arévalo.

Escenas de Matrimonio

Varias historias de parejas de distintas edades, unos jóvenes, otros maduros y otra pareja cercana Su canción principal tuvo bastante éxito, habiendo a la vejez. sido cantada por grupos como Despistaos o El sueño de Morfeo Aquí veremos sus aventuras, sus discusiones,

sus reconciliaciones y otros grandes momentos contados en clave de humor en pequeñas secuencias que logró obtener bastantes admiradores de la serie.

Sensación de Vivir, nació Al salir de clase. Todo se sitúa en el instituto 7 Robles, donde semana tras semanas conoceremos la vida de un grupo de adolescentes.

Esta serie ha sido ya traspasada por varias cadenas, siendo Telecinco la última. También hemos visto a actores como Daniel Muriel y Miren Ibarguren en sus filas, y siempre recordaremos a los entrañables y carismáticos Pepa y Avelino.

La serie finalizó tras 1199 capítulos, todo un éxito y una leyenda para las series juveniles que han venido tras ella.

Doctor Mateo

Aquí comenzó otra serie que marcaría escuela.

Aquí no hay quien viva

Serie de humor principalmente que también nos Las aventuras y historias de los vecinos de una mezcla algún toque dramático o amoroso. comunidad muy chismosa y divertida llamada Todo transcurre en Lastres, Asturias, donde veremos como un médico cascarrabias vuelve a este pueblo para trabajar. Aquí conoceremos su historia y todos los sucesos que le irán ocurriendo junto a los de los otros habitantes.

Con un gran éxito y unos estupendos actores como Gonzalo de Castro, Natalia Verbeke y Daniel Freire entre otros, fue un gran paso para nuestra historia televisiva.

Al salir de clase Una serie juvenil que fue la cuna de muchos actores conocidos actuales que hicieron sus primeros pasos en esta serie, como Hugo Silva, Fran Perea, Elsa Pataky, Alejo Sauras, Miguel Ángel Muñoz o Cristina Castaño entre otros junto a algunos más veteranos como Pilar Castro o Carlos Sobera.

Buscando crear una serie española del estilo

Desengaño 21, que entretendrían durante varias temporadas al mundo una vez a la semana. Se emitió en Antena Tres desde el 2003 hasta el 2006.

En esta serie una de las novedades fue poder ver parejas de todas las orientaciones sexuales posibles, siendo una gran novedad y un motivo más para que el público se identicase aún más.

La que se avecina Posterior a Aquí no hay quien viva, otra serie ya muy consolidada en la parrilla televisiva, con seis temporadas a sus espaldas y algún especial incluido.

En esta comunidad, que en esta ocasión es en Los guiones estaban muy conseguidos y en esta el Mirador de Montepinar, veremos de nuevo a serie vimos actores como Mariví Bilbao, Isabel actores que ya vimos en Aquí no hay quien viva Ordaz o Eva Isanta entre otros que más tarde pero con otro papel distinto. volveríamos a ver en La que se avecina o a Malena Alterio o Luis Merlo que no repetirían en la nueva Destacan sobre todo el pescadero, Antonio Recio, serie. las aventuras de Amador o Stella Reynolds y sus canciones.

Recién estrenada la nueva temporada, con el regreso de personajes que se habían ido, parece que no empieza muy aguda, pero tendremos la esperanza de que según avance no caiga el ritmo como le ha pasado a tantas series en otras ocasiones, que el tiempo les ha jugado una mala pasada.

Estas y muchas más son solo algunas de las series que hemos creado en nuestro país y que merecen ser recordadas, más todas las que por seguro vendrán.

Por Esther Esteban

Las sitcom, o comedias de situación, son un tipo de serie de televisión que se caracteriza por desarrollar su trama, en su mayor parte, en un mismo lugar y con los mismos personajes. La acción que se narra es auto conclusiva, es decir; historias independientes con un principio y un fin dentro del mismo capitulo.

Paralelamente a esta trama principal se desarrollan otras acciones secundarias y paralelas, saltan de una a otra.

Por norma general el numero de personajes con que cuenta una sitcom está limitado en cantidad, y suelen tener una media de 5 protagonistas. La primera comedia de situación de la historia se titulaba ‘I Love Lucy‘, y data de 1960, que comenzó siendo un sketch dentro de un programa, para acabar siendo una serie independiente.

Desde aquel momento las sitcom han ido cobrando importancia dentro del mundo de la televisión, dando pie a series tan aclamadas como ‘Friends‘, ‘How i Meet your Mother’ o ‘Dos hombres y medio‘, en la que estará centrado este artículo.

Dos Hombres y medio es una sitcom estadounidense creada por Chuck Lorre (conocido por ser el creador de ‘The Big Bang Theory‘), y actualmente protagonizada por Jon Cryer, Ashton Kuttner y Angus T. Jones. La serie ha sido nominada siete veces a los premios Emmy de las cuales lo ha ganado en cuatro de esas ocasiones.

La serie consta de 9 temporadas emitidas y una décima actualmente en emisión en USA.

Resumen de las temporadas 1-8: ‘Dos Hombres y Medio’ cuenta la vida de Charlie (Charlie Seen) un soltero mujeriego y con problemas relacionados con la bebida que vive una vida de lujo en su mansión de Malibú. Pero su vida de ensueño se ve turbada con la llegada de su hermano Alan (Jon Cryer) y su hijo Jake (Angus T. Jones).

Alan se acaba de divorciar y está profundamente deprimido, por lo que se muda a casa de su hermano. Ambos hermanos son como la noche y el día y no pueden evitar tener encontronazos, a pesar de esto están de acuerdo en una cosa, crear un hogar estable para Jake en casa de Charlie. De este modo los tres personajes deberán madurar poco a poco afrontando dificultades.

Sin embargo este no es un camino de rosas, para complicar las cosas nos encontraremos con infinidad de personajes excéntricos, como Evelyn (Holland Taylor), la narcisista y controladora madre de Alan y Charlie; Judith (Marin Hinkley), la ex mujer de Alan; Rose (Melanie Lynskey), la atractiva, obsesiva y acosadora vecina de Charlie con quien tuvo una aventura; y Berta (Conchata Ferrell), la ama de llaves de Charlie.

Polémica y despido de Charlie Sheen Charlie Sheen sufre de alcoholemia en la vida real, en febrero de 2010 Charlie Sheen se encontraba en proceso de rehabilitación, lo que retrasó el rodaje de la serie hasta el 16 de marzo de 2010. El día 1 de abril de ese mismo año, el portal People.com anunció que, tras siete temporadas, Charlie Sheen podría estar planteándose dejar la serie.

Tras filmar el ultimo episodio de la séptima temporada, Charlie Sheen anunció por medio de su agente que había renovado su contrato con CBS para el rodaje de dos temporadas mas, acabando así con los rumores que apuntaban al abandono de

dido con Charlie, y en agradecimiento a Alan por tratar de ayudarlo a recuperar a su ex y con tal de no estar solo, acoge a Alan y a Jake en casa.

Algo que caracteriza las Sitcom es el uso de actores conocidos, ya sea en forma de cameo, como secundarios, o adoptando un papel temporal de cierta importancia.

‘Dos Hombres y Medio’ tiene una larga lista de actores que han pasado por sus decorados, y forman parte de la historia de la serie:

la serie.

A pesar de esto, ‘Dos Hombre y Medio’ fue suspendida a mitad de la octava temporada, cuando Charlie Sheen insultó a Chuck Lorre, creador de la serie.

Por este motivo CBS decidió cancelar la serie, pero no sin terminar la octava temporada que reanudaría el rodaje el 28 de febrero. Sheen volvió a asistir a rehabilitación en una clínica de Los Ángeles, pero finalmente el 7 de marzo de 2011 fue despedido por la CBS mediante un comunicado de prensa.

El 13 de mayo de 2011 se anunció que Ashton Kutcher se incorporaría al reparto de Dos Hombres y Medio en su novena temporada, en la que el personaje de Charlie Sheen ha fallecido tras caer a las vías del tren.

Resumen 9 temporada: Tras la muerte de Charlie, Alan decide vender la casa de Malibú y buscar un nuevo hogar junto a Jake. La casa es comprada por Walden (Ashton Kutcher), un magnate de la informática que está en mitad de un divorcio, y tras enterarse de lo suce-

Michael Bolton Jenna Elfman Kathy Bates Georgia Engel Miley Cyrus Emilio Estévez John Amos Morgan Fairchild Diora Baird Meagen Fay Orson Bean Frances Fisher Susan Blakely Megan Fox Paget Brewster Thomas Gibson Gary Busey Judy Greer Julia Campbell Teri Hatcher Jessica Collins Tricia Helfer Elvis Costello Amy Hill Josie Davis Enrique Iglesias Michael C. Duncan Allison Janney Steven Eckholdt James Earl Jones Tinashe Kachingwe Annie Potts Carol Kane Missi Pyle Stacy Keach Carl Reiner Richard Kind Denise Richards Eric Allan Kramer Emily Rose Katherine LaNasa Sara Rue Cloris Leachman Jeri Ryan Richard Lewis Martin Sheen Heather Locklear Brooke Shields Camryn Manheim Rena Sofer Jenny McCarthy Kevin Sorbo Katy Mixon John Stamos Christina Moore Harry Dean Stanton Martin Mull Tony Tripoli Ming-Na Steven Tyler Judd Nelson Eddie Van Halen Chris O’Donnell Emmanuelle Vaugier Gail O’Grady Robert Wagner Jodi Lyn O’Keefe Wayne Wilderson Patton Oswalt Alicia Witt Sean Penn ZZ Top Jack Plotnick Jane Lynch Taylor Cole

Por José Lopez

Las sitcom que nos marcaron

Las comedias de situación o “sitcom” han estado presentes a lo largo de toda mi vida, y lo mejor de todo es que mis padres me inculcaron este gusto por las series desde muy pequeña, pues, la verdad, he tenido la suerte de poder compartir con ellos la mayoría de ellas. Cada noche teníamos una cita asegurada todos frente a la televisión, ya que nos gustaba seguir cada día las aventuras de una familia diferente. Incluso hoy en día, seguimos acudiendo a nuestra cita… pero ya no tan de seguido, y no solo sitcom. Es lo que tiene crecer.

Lo interesante de esta serie es conocer el tipo de vida de una familia afroamericana en los USA, unido con los toques de humor del fantástico Cosby.

ALF (1986-1990)

Gracias al éxito obtenido por E.T. en 1982, el furor por las familias con alienígenas en su seno se llevó a la televisión, llegando a estrenarse en 1986 “Alf ”, la cual constó con 102 episodios y una película llamada “Proyecto: ALF”, en la cual se relataba el Por lo tanto, a continuación recordaremos aquellas final de la historia. series que nos han marcado a varias generaciones, pero en especial, a la mía.

Pero preguntaréis (si es que ya no lo recordáis) ¿Qué historia es esa? Pues os la resumiré ahora La hora de Bill Cosby (1984-1991) mismo: Alf narra la vida de Gordon Shumway, un extraterrestre que ha sido apodado ALF debido Primeramente cabe destacar El show de Bill al acrónimo de “Alien Life Form”, que en inglés Cosby, conocido en España como “La hora de Bill quiere decir “Forma de vida extraterrestre”, el cual Cosby”, pues fue una de las primeras que tuve la llega a la tierra y aterriza en casa de los Tanner. suerte de seguir fielmente, ya que la estrenaron en mi año de nacimiento, 1984, aunque llegó a España un tiempo después, y debido a las reposiciones he logrado afianzar mis recuerdos sobre ella.

La serie narra las aventuras de una familia de categoría media-alta, los Huxtable (que digo yo una cosa, ya se podría haber llamado Cosby, por el título y eso) en su lugar de residencia en Brooklyn, Nueva York.

Prácticamente toda la serie se centra en anécdotas relacionadas con las profesiones del padre (Cliff), ginecólogo, y de la madre (Clair), abogada, en su día a día, el cual comparten con sus hijos: Sondra, universitaria que en la cuarta temporada se casa y tiene mellizos, Denise, segunda hija de Cliff y Clair que abandona los estudios para irse a África, Theodore, único hijo varón de la familia con malas notas por culpa de la dislexia (vaya resumen de su vida, pobre) y Vanessa, hija pequeña que al final de la serie se va a estudiar a la universidad y se compromete con un hombre mayor.

Allí conocerá al padre de la familia, Willie, un trabajador social, su esposa Kate y sus hijos Lynn y Brian… y la mascota Lucky (suertudo) un delicioso gato al que siempre está intentando comerse. A ésta, su nueva familia, les contará que nació el 28 de octubre de 1756, en la región Lower East del planeta Melmac, el cual está localizado seis pársecs más allá del supercúmulo Hydra-Centaury. Su precioso planeta tenía el cielo verde, pasto azul y agua naranja… pero fue destruido debido a que todos los habitantes de Melmac enchufaron los secadores de pelo para acicalarse su pelo naranja a la vez, pero él tuvo la suerte de escapar de allí antes del terrible final.

Viajó perdido durante un año, hasta que por fin encontró un lugar en donde poder vivir.

Afortunadamente, la familia Tanner escondió al alien en su cochera, tanto de la división militar encargada de la vida extraterrestre, como de los entrometidos vecinos, los Armonía (aunque en la versión original son los Ochmenek), con la condición de estar allí hasta que pudiera reparar su nave espacial.

Con el transcurso de cada episodio, vamos conociendo que Alf no sólo no tenía casa, sino que también, por lo que él sabía, era el único superviviente de su civilización y especie, a parte del superhéroe Malhar Maik. Después se supo que un grupo de melmacianos lograron escapar también y viajaban constantemente por el universo en busca de un nuevo lugar en el que vivir.

Día a día, Alf volvía locos a la familia Tanner, debido al impacto cultural, la culpa por sobrevivir, el aburrimiento en general y sobre todo las ganas de comerse a la mascota de la familia.

Al final de la serie, Alf está a punto de ser rescatado por Skip y Rhonda, otros supervivientes de su planeta, pero en su lugar, es capturado por la organización de fuerzas extraterrestres de la tierra.

La sexta temporada nunca llegó, debido a falta de presupuesto, por lo que muchos fans de la misma creyeron que Alf fue finalmente eliminado por el ejército estadounidense, pero en la película de 1997, se muestra cómo es ayudado por los agentes Rick y Melissa a escapar.

Primos lejanos (1986-1992) A esta serie la tengo especial cariño, porque nos servía para encontrar similitudes con un tío mío y el primo Larry, por lo que mi familia la rebautizó exactamente así, “Primo Lary” y cuando teníamos que verla, decíamos: “¡Corre, que empieza primo Lary!”

Esta serie cuenta con 150 episodios repartidos en ocho temporadas, y narra las aventuras de Balki Bartokomous, un simpático pastor de ovejas proveniente de la isla griega Mypos, el cual llega

a Chicago en busca de su primo Larry Appleton y se instala con él en su apartamento, e incluso conseguirá un trabajo en el correo del periódico Chicago Chronicle.

de Chicago. Primeramente estaba orientada a situaciones de carácter familiar, con un posible mensaje moral o moraleja al final del capítulo, ya que la familia constaba con hijos adolescentes, una hermana soltera, la abuela… pero con la introducción del personaje de Steve Uriel, la serie se redirigió a la comedia, por lo que se incluyó un nuevo corte de diálogos llenos de golpes y diálogos divertidos, llegando a introducir incluso situaciones de ciencia ficción, todo ello sin perder el mensaje moral en la historia.

Como Balki es muy inocente, sigue al pie de la letra todo lo que le dice su primo Larry, lo que les lleva a meterse en problemas, sobre todo por la condición tan mentirosa y mezquina del estadounidense. Lo importante es que siempre sale de ellos, gracias a las tradiciones de Balki y de su sentido de la amistad y de la humildad que le caracteriza, la cual intenta inculcar en mínimas La historia consta con más de 200 episodios, en dosis a su primo. los que llegamos a conocer más a fondo a todos los personajes, como al padre de familia, Carl Con el paso del tiempo, tanto Balki como Larry Winslow, policía que ascenderá a teniente, el cual ascenderán en el periódico Chicago Chronicle, no soporta a su vecino Steve, aunque en el fondo hasta llegar a ser editores, y ambos se casarán le tiene cariño; a Eddie, hijo mayor de la pareja con sus compañeras de comunidad (son sus vecinas del piso de arriba) Mary Anne y Jennifer, respectivamente, y tendrán hijos casi a la vez, hecho que les unirá aún más si cabe.

Entre los personajes secundarios cabe destacar al casero del edificio, Donald Twinkacetti, el cual hace la vida imposible a Larry, ya que fue empleado suyo, Susan, vecina que aparece en la primera temporada, el jefe del Chicago Chronicle, Harry Burns, y Ariete Winslow, operadora del ascensor del Chronicle, la cual recordaréis pues tendrá su propia serie llamada “Cosas de Casa”.

Recuerdo con especial cariño a Dimitri, la oveja de peluche de Balki, hecha con lana del auténtico Dimitri, oveja de la infancia del protagonista, ya que por aquel entonces, yo no dejaba a mi osito de peluche, el cual, sigue conmigo hoy en día.

Cosas de casa (1989-1998) Como ya he comentado, Harriette Winslow apareció primeramente en “Primos Lejanos” como ascensorista, pero el personaje tuvo tan buena acogida que se decidió crear una serie que relatara sus propias aventuras y la de su familia afro-americana de clase media en la ciudad

Carl y Harriete, más interesado en las chicas que en los estudios, aunque finalmente logra irse a estudiar a la universidad y compartirá piso con sus amigos Steve y Waldo Faldo.

Laura Winslow, hija mayor de la familia, es muy lista y aplicada en los estudios, pero siempre está lidiando con Steve, el cual le está declarando su amor día sí y día también, hasta llegar a enamorarse de Stefan, el alter ego de Steve (surgido de una transformación del propio Steve gracias a una máquina inventada por él), se comprometerá con él, pero en la última temporada corresponderá a los sentimientos del propio Steve, al darse cuenta de que realmente le ama.

hombres adultos que las cuidan, ambientada en la ciudad de San Francisco (California). El padre de las niñas es Danny Tanner (no se si será pariente de la familia de Alf) viudo que, tras la muerte de su esposa, pide ayuda a su mejor amigo Joel Gladstone y a su cuñado Jesse Katsopolis para que se vengan a vivir a su enorme casa y así ayudarle con el cuidado y la educación de las niñas: DJ, Stephanie y Michelle.

Como en toda familia con niños, y más en concreto una adolescente, una niña repipi y un

Otros personajes secundarios son la abuela Etelle, la cual se casará en segundas nupcias con Fletcher, la cual adora a Steve; Rachel, hermana menor de Harriette, viuda y madre de Richie, 3J, niño que adopta la familia en las últimas temporadas, Judy es la hija pequeña de los Winslow, pero el personaje desaparecerá de la serie sin explicación alguna; Myra Monkhouse, es la novia de Steve Urkel, más bien por insistencia que por correspondencia; Waldo Geraldo Faldo, mejor amigo de Eddie, no es demasiado inteligente, pero muy buen cocinero, saldrá con Maxine, mejor amiga de Laura, hasta que se va de la ciudad.

Cada capítulo es un cúmulo de anecdotas, risas y carcajadas, siempre acompañadas de un mensaje para todos los miembros de la familia, como es la comprensión, amor por los padres, el esfuerzo en los estudios… y el amor.

Vamos, serie completita donde las haya.

Padres forzosos (1987-1995) Sinceramente, esta es LA serie de mi infancia, y es que recuerdo perfectamente que mis padres me dejaban acostarme a las 21:30, que era cuando terminaba la serie, ¡Todo un logro para mi edad!

Y es que cuando la echaban en canal + yo tenía solo 6 o 7 años.

y un bebé, las situaciones cómicas y otras que conlleven mensajes morales o educativos, se daban en todos y cada uno de los episodios, por lo que el corte familiar estaba más que bien aprovechado. También es importante destacar la presencia de Jonh Stamos, el cual le daba el toque sexy a la serie.

Más tarde, Rebecca Donaldson, compañera de Esta serie de corte familiar se caracteriza por Danny y copresentadora del programa, se casará tener como protagonistas a tres niñas y a tres con Jesse, con el cual tendrá gemelos, y todos

juntos vivirán en la enorme mansión de los mes debido a los escasos sueldos de los padres, Tanner.

Roseanne y Dan. Este hecho, el ser una clase baja la protagonista, es la primera vez que ocurre en una Y por si faltaba poco, tendrán un perro al que sitcom, ya que siempre estábamos acostumbrados llamarán Comet, por lo que la familia típica a ver familias adineradas o de nivel económico estadounidense estará representada por completo alto. Esto provocó críticas entre el público, ya que en esta serie. plasmaba con realismo muchos de los problemas sociales que nunca se habían visto antes en el resto El final de la serie no llegó porque no se pudiera de comedias de situación, como si de un tabú se estirar más la trama, ya que todas las niñas ya tratara. eran más mayorcitas y se podría seguir con los problemas de la adolescencia de cada una, sino En Roseanne se bromeaba con la pobreza, con el alcoholismo, el consumo de drogas, la menstruación y los anticonceptivos, el embarazo en adolescentes, el aborto, la masturbación, problemas raciales y sociales, la violencia doméstica o la homosexualidad. Estos temas del día a día al verse representados en la televisión marcaron un antes y un después en las sitcom, por lo que Roseanne comenzó a crear escuela, ya que Malcom es otro buen ejemplo de este tipo de sitcom. Pero no todo eran problemas de la sociedad actual, sino que también intentaba mostrar ideas feministas y a fomentar el icono de la mujer, y no desprestigiarla.

Por todo ello consiguió premios en los People’s Choice Award en varios años, tanto en mejor serie de comedia como a su actriz protagonista, al igual que el premio Peabody en 1992 y los Globos de oro a los mejores actores a Roseanne Barr y John Goodman, e incluso varios Emma a Roseanne Barr y Laurie Mecalf.

Sin duda alguna, esta serie ayudó a numerosas familias a lo largo de muchos años y por todo el mundo, ya que nos enseñaron a lidiar con nuestros problemas diarios con un toque de humor. porque los protagonistas querían iniciar sus Lamentablemente, es una serie que podría ser propios proyectos fuera de la serie. de total actualidad, ya que podemos aprender de ella otra vez, sobre todo en cómo resolver con un toque de humor nuestros problemas económicos.

Roseanne (1988-1997) Una de las mejores comedias de situación debido al lenguaje poco “correcto” o fuera de lo que habíamos visto anteriormente, ya que la familia Conner era una familia de clase baja trabajadora estadounidense, que vivía en Lanford (Illinois), por lo que tenían dificultades para llegar a fin de

El principe de Bel-Air 1990-1996 Al oeste en Filadelfia crecía y vivía, sin hacer mucho caso a la policía. Jugaba al basket sin cansarse demasiado, porque por las noches se

sacaba el graduado. Pero cierto día, estando con amigos, unos tipos del barrio le metieron en un lío, y su madre le decía: “con tu tía, con tu tía, te irás a Bel-Air” … y así comenzó en los años 90 la serie que daría fama internacional a Will Smith, un joven afro-americano, muy gracioso y muy pasota, que disfruta siendo un payaso y fan de Malcom X, es un ligón y siempre se mete con su primo Carlton. Nada más llegar a casa de su tía, hace lo que queiere con su familia rica de Bel-Air durante 148 episodios y seis temporadas.

Y Ashley es la niña pequeña, el ojito derecho de su padre, pero se lleva muy bien con su primo y empezará a comportarse y pensar como él, por lo que al final de la serie comienza a mostrar su interés por lo chicos, cosa que le trae de cabeza a su padre.

Como notición para los tres hijos, a mediados de la serie, Vivian se queda embarazada y al dar a luz a su nuevo hijo varón Nicky, transmutará a otro cuerpo, ya que cambiaron de actriz (que vaya tontería que hicieron, por cierto). Este niño será Vivian es la tía de Will, la cual intenta poner orden la sombra de Will y también intentará imitarle en en su casa, aunque a veces pierde la calma por culpa todo lo posible. de sus tres hijos y del propio Will. Casada con el juez Philip Banks, muy serio y capaz de culpar a En mi opinión, los mejores personajes secundarios Will por todo lo que sucede, le cuesta comprender son Geoffrey, el mayordomo sarcástico con y aceptar que sus hijos se están haciendo mayores respuestas para todo, inglés educado con un y que ya no están bajo su control. La pareja tiene carácter muy serio, que intenta ayudar a Will a tres hijos: Carlton, que es todo lo contrario a Will, pesar de su aparente rechazo; y el mejor amigo ya que viste de una forma muy pija y seria, gran de Will, Jazz, siempre con gafas de sol y eterno fanático de Tom Jones y típico niño mimado, por pretendiente de Hillary. Dicho personaje está lo que siempre es objeto de las burlas de su primo. basado e interpretado por el rapero Jazzy Jeff, con Hillary es la mayor de los tres hijos, pija por el que Will Smith comenzó su carrera. antonomasia, gasta todo el dinero que le dan sus padres e incapaz de hacer nada por sí misma, hasta Nuevamente nos encontramos frente a una que consigue un trabajo como chica del tiempo. comedia basada en una familia sin problemas

económicos, por lo que todo es felicidad y amor… aunque el contrapunto lo introduce Will y su familia de Filadelfia, la cual aparece en algunos episodios para no perder el origen humilde de la serie.

Como dato curioso, su nombre original es “La tercera roca desde el sol” (3rd rock from the sun), otro claro ejemplo de lo bien que se llevan los traductores españoles con los títulos extranjeros.

Lo más interesante de esta serie es ver cómo los guionistas se las han ido ingeniando con cada Cosas de marcianos (1996-2001) personaje y con cada situación, pues pensar como un extraterrestre que está estudiando a los Afortunadamente a finales de los años 90 apareció humanos y que intenta a su vez desenvolverse un nuevo tipo de sitcom, la cual nos presentaba a entre ellos sin llamar la atención, es de lo más una “familia” de cuatro extraterrestres que llegan desternillante. a la Tierra para observar a sus habitantes y para ellos deciden adaptar la presencia de humanos y Totalmente recomendada, sobre todo a los que unirse en lo que ellos llaman familia, por lo que os gusta The Big Bang Theory, ya que a mi me tenemos al padre de familia, que es un profesor de recuerda a ella, en cierto modo. instituto, a la tía buena, pibón extraterrestre, chico adolescente, que resulta ser el más inteligente de Malcom (2000-2006) todos, y la mascota del grupo, que adopta la forma humana de un tío muy rarito y muy tonto.

Como ya se comentó en el caso de Roseanne, Malcom es una comedia de situación basada en Lo característico de esta serie es que es la vida de una familia de clase baja, la cual intenta estadounidense e incluye humor europeo, por por todos los medios salir adelante día a día, con lo que es más ameno para nosotros y poco usual sus cuatro hijos varones. para el país de origen. También cabe destacar que comenzaron a incluir episodios con técnicas en El protagonista es un adolescente superdotado 3D muy avanzadas para su época. llamado Malcolm, el cual tiene que convivir

Y Hal, el padre sufridor, ya que tiene que aguantar a los hijos y a la mujer a la que ama con locura, por lo que le perdona todo. Es un soñador y tiene una mentalidad muy infantil, por lo que es un compañero de juegos perfecto para sus hijos.

A pesar de que los dos progenitores trabajan, no logran tener dinero para grandes lujos, y cuando tienen la suficiente edad, Malcolm y Reese se tendrán que poner a trabajar y darle todo el dinero a su madre, ya que el nuevo bebé destartalará todos los planes de la familia. Y ahí no queda la cosa, ya que en el episodio final, Malcolm se va a estudiar a Harvard, Reese se va a vivir con Craig y trabaja de conserje en su propia escuela, Francis se casa con Piamay se va a vivir con ella, y logra conseguir un gran empleo (pero no quiere que su madre lo sepa) Dewey y Jamie se quedan en casa, por ser menores de edad, y Hal recibe la noticia de que Lois está embarazada de nuevo.

Como veréis, a lo largo de casi 30 años, la televisión ha logrado dar grandes series de humor, unas más infantiles, otras más duras y realistas, pero todas ellas con el mismo fin: hacernos disfrutar y evadirnos de la vida, siempre con un toque de humor.

entre sus hermanos mayores y menores y con sus padres, los cuales solo ven que él tendrá un futuro prometedor en comparación con sus otros hermanos, ya que el mayor, Francis, tuvo que ser enviado a una academia militar para poder redirigir su vida; Reese segundo hijo del matrimonio, es muy violento y no para de hacer daño a sus hermanos y a otros chicos del colegio, por lo que es temido; Dewey, es el hijo pequeño hasta que llega el bebé, por lo que será aún más torturado por sus hermanos mayores. Es bueno en la música, muy astuto y sensible, por lo que es el favorito de la madre. Y el bebé Jamie, llegará en las temporadas últimas, ya que al terminar la serie constará con 3 años.

Si podéis, volver a ver estas series, ya sea para criticar el look ochentero o rarito de los 90, o más bien para ver cómo las familias, por mucho que pase el tiempo, son siempre familias que nos hacen reír en los buenos y malos momentos.

Por Beatriz Pulido

Y me encargaron escribir sobre comedia…

Este mes, cómo sabréis o habréis leído hasta aquí la revista gira en torno a la comedia y se me ha pedido que hable de la Stand-Up Comedy o lo que aquí viene a malconocerse cómo “monólogos” y que ni mucho menos se limita a eso pues hay diálogos, trucos de magia, tríos de improvisación.

Si hay algo que caracteriza este tipo de comedia sobre la teatral es que aquí se busca la carcajada rápidamente y en el teatro se monta toda una trama cómica.

La stand-up comedy toma su nombre del término inglés que la acuña por aquello de que se realiza de pie (stand-up), frente al público. Podría dilapidar este artículo convirtiéndolo en una versión reducida de lo que cuenta la Wikipedia y contaros cómo nación en Inglaterra desde el Vodevil, los payasos, los “musicómicos” pero el que quiera eso que escriba Stand-Up comedy en Google y lea.

Por otro lado podría centrarme en hablar sólo de los padres fundadores de la comedia (de los que algo caerá), de los MC (Master of Ceremonies, absténgase raperos de hacerse fuertes en este momento) que dieron pie al género cómo Bob Hope, Fred Allen o el gran Frank Fay al que se atribuye crear el formato de lo que es la actual stand-up comedy y perderme en cómo Saturday Night Live encumbró el género hasta sacarlo de los bares y meterlo en cada televisión americana o cómo la gran afluencia de cómicos por el boom que esto provocó casi acaba con el género… casi.

Pero no, hoy no vamos a hablar de historia, vamos a hablar de personas, hoy vamos a hablar de comediantes, aunque en este caso sólo uno de los entornos que conozco, EEUU, para muchos cuna de la Stand-up comedy moderna. Empezamos...

Bob Hope (1903-2003): Para muchos el padre de la stand-up comedy tal y cómo la conocemos hoy en día. Nació en Reino Unido pero se trasladó de muy niño a los EEUU, dónde obtuvo la nacionalidad a los 17 años. Antes de probar a ganarse un poco la vida imitando a Chaplin en bares probó cómo Boxeador pero sin mucho éxito, fueron las imitaciones las que llevaron a que Fatty Arbuckle lo descubriera y le diera trabajo, empezando así en el teatro, concretamente en el Vodevil, durante 5 años hasta que volvió a Hollywood y comenzó a grabar comedias de serie B para Warner. A partir de ahí sus continuas apariciones en televisión y radio y sus 64 años de trabajo en la NBC le convierten en una figura pública en EEUU tanto que fue enviado a animar a las tropas en los conflictos bélicos.

A su muerte, en 2003, Hope había ganado 4 Oscars y fue maestro de ceremonias de la gala hasta en 18 ocasiones. Con motivo de su 100 cumpleaños, es mismo año la ciudad de Los Ángeles puso su nombre a una plaza y 35 Estados declararon ese casó con la playmate China Lee, con la que tuvo día cómo el día de Bob Hope, además Tom Hanks un hijo que falleció en 1996, a los 19 años. rindió homenaje a toda su carrera en la edición de los Oscars de ese año.

Fue el primero en grabar un disco de comedia y también el primero en actuar en los campus Bob Hope, siempre se caracterizó por un humor universitarios, lo que le trajo gran éxito. Su estilo fresco y hasta cierto punto inocentón que de comedia se basaba en citar eventos recientes demostraba que sabía sacar esa acidez particular y de actualidad que buscaba en los periódicos, de los comediantes de hoy en día cuando era tanto de noticias cómo de políticas, escondiendo necesario. Cómo he dicho, si la Stand-Up Comedy una ácida crítica hacia los gobernantes, tanto era tiene un padre es este caballero. así que su marca personal era aparecer en los escenarios con el periódico del día de la mano.

Morth Sahl (1927 - ¿?): Si Bob Hope es el padre, Enfocó sus bromas especialmente hacia J.F. Morth Sahl es el revolucionario, tanto que en 1960 Kennedy y Ronald Regan, amigos de Sahl antes de fue portada de la revista Time con el sobre nombre ser presidente, siendo muy crítico con las políticas del “Patriarca de los nuevos comediantes”. Nació de ambos, sobre todo este último. Aun así Nancy en Canadá, de padres americanos, pero pronto su Regan le invitó a la Casa Blanca junto con otros familia se mudó a Los Ángeles, sirvió desde 1945 comediantes de la época y al terminar Sahl dijo en el ejército al terminal el Instituto y es graduado sobre los Regan que eran “muy, muy indulgentes”. en ingeniería del tráfico y gestión ciudadana (no se si la traducción es todo lo buena que debería Mort es el número 40 de la lista de Comedy :P). Interesado por destapar quien estaba detrás Central de los 100 mejores comediantes de la del asesinato de Kennedy fue activista político historia. Recibió el quinto premio anual Alan recaudando fondos para investigar lo sucedido. King al humorista “judío-americano” (cierto, no Fue un gran amigo de Hugh Hefner y Ronald lo he dicho, era judío). Woody Allen dijo sobre Regan (antes de ser presidente, pues luego se el: “Yo adoré a Mort Sahl” y que de no ser por su “metió” mucho con el en sus actuaciones) y se ejemplo nunca hubiera sido cómico.

Richard Pryor (1940 – 2005): Y siguiendo con los símiles, si Hope era el padre y Sahl el revolucionario… entonces Pryor es el mesías, tanto que Jerry Seinfeild dijo que era “el Picasso de nuestra profesión” y Bob Newhart que era “la semilla de los últimos 50 años de comedia”. Nació en Peoria, Illinois y se crío en el burdel de su abuela donde su madre ejercía la prostitución. Su padre era ex camarero y boxeador de poco éxito.

Su madre le abandonó cuando tenía 10 años y se crió junto a 4 de sus hermanos con su abuela, una mujer violenta que le pegaba por cualquiera de sus excentricidades. Fue expulsado de la escuela con 14 y su primer trabajo fue tocar el tambor en un club nocturno, sirvió en el ejército durante dos años pero pasó casi todo el tiempo en el calabozo por lo que se sabe por reaccionar, al parecer, violentamente junto con otros soldados americanos ante la película de tientes racistas “Imitation of life” y los comentarios despectivos de los soldados blancos.

En 1963 se mudó a Nueva York donde comenzó a actuar con regularidad en clubes donde coincidió con Bob Dylan y Woody Allen e incluso presentó en varias ocasiones a Nina Simone, la que contaba cómo tenía que arrullarlo antes de que saliera para calmar sus tremendos nervios. Inspirado en Bill Cosby, que dijo sobre Pryor que “dibujó la línea entre la comedia y la tragedia tan delgada cómo era posible pintarla” decidió realizar una comedia “llana”, accesible para todos los públicos, con un humor inocentón y sin acidez, muy lejos de lo que llegaría a ser en realidad pues en 1967 tuvo lo que en su autobiografía llamó una epifanía durante una actuación en un hotel de Las Vegas durante al cual, al ver el cartel de “todo vendido” gritó “Que coño estoy haciendo yo aquí!!” y salió corriendo del escenario. Tras eso empezó a incluir palabrotas y frases “malsonantes” en sus espectáculos, incluyendo el término “negrata”.

Tras esto se mudo a California donde se vio envuelto en la contracultura de Huey P. Newton e Ishmael Reed. Firmó su primer contrato con el sello independiente Laff Records y grabó su segundo Álbum, Craps que comenzó a hacerle famoso, firmando con un sello mayor, Stax Records y sacó su tercer disco “Esos Locos

Negratas” entrando en un duelo jurídico con Laff por los derechos de su obra. Tras esto comenzó a escribir para series de televisión y participar en algunas de ellas cómo Stanford e Hijo o The Flip Wilson Show y se convirtió en invitado habitual de la primera temporada de Saturday Night Live, se asoció por primera vez con Chevy Chase y tuvo su propio show que fue cancelado tras sólo cuatro programas en los que, aun así, tuvo tiempo de interpretar al primer presidente negro, parodiar la cantina de Star Wars o buscarse mañas a base de disfraces y pixeles para aparecer desnudo.

Entre 1970 y 1980 rodó varias películas bastante populares y en 1983 firmó un contrato con Columbia Pictures de cinco años por valor de cuarenta millones de dólares. En 1979, en lo más alto de su carrera, visitó África y prometió no volver a usar la palabra negrata en sus actuaciones, la cambió por su adjetivo favorito “Cabronazo” (motherfucker).

Se casó hasta en 7 ocasiones y tuvo 6 hijos (el primero descubrió que no era suyo) y todas sus relaciones excepto la que tuvo con Flynn Belaine, estuvieron marcadas por sucesos de violencia doméstica. Se prendió fuego en un brote psicótico tras consumir una gran cantidad de cocaína y beber ron de 151 grados, y corrió calle abajo en llamas mientras la policía intentaba detenerlo, se quemó mas de la mitad del cuerpo gravemente y tardó seis semanas en recuperarse… tras eso bromeó sobre el asunto en su show indicando que había sido una reacción química al mojar una galleta en leche pasteurizada, causando una explosión. Tuvo dos infartos severos y se le diagnosticó una esclerosis múltiple que acabó con sus últimos años en una silla de ruedas.

Su estilo de comedia pasó de llano y simplón a irreverente, satírico, potente y tremendamente ácido en poco tiempo y estas fueron sus marcas de identidad. Ganó un Emmy, cinco Grammy, un premio a su carrera cómo cómico de la American Comedy Awards, grabó más de una quincena de discos y rodó más de 40 películas. Tuvo una vida controvertida y quizá demasiado corta pero dejó un gran legado tras de si. Por cierto, ocupa el número 1 en el ranking de Comedy Central de los 100 Mejores comediantes de la historia.

Steve Martin (1945 -¿?): El antisistema, el rebelde, el a su bola: Nació en Waco, Texas y creció en Inglewood, California, dentro de una familia baptista. Su primer trabajo fue en Disneylandia vendiendo guías durante los fines de semana y las vacaciones de verano. Durante su tiempo libre frecuentaba una tienda de magia y en apenas un año aprendió todos los trucos, además de a hacer globos de animales y pequeñas bromas que usaba para actuar a cambio de propinas. En el instituto cursó teatro y poesía inglesa y durante su tiempo libre participó en varias obras de comedias uniéndose a la troupe Knott’s Berry Farm. Después conoció a Stormie Sherck, de la cual se enamoró y con la que practicó ciertas rutinas de comedia y desarrollaron algunas propias. Ella fue la que le empujó a estudiar filosofía en la California State Unviersity mientras Stormie entraba en UCLA, a una hora de distancia, lo que finalmente provocó que se distanciaran.

Según sus propias palabras la filosofía cambió su vida y al mismo tiempo su forma de ver la comedia, dos años después fue trasladado a UCLA y se centró en el teatro, actuando también en clubs nocturnos y llegando a aparecer en un capítulo de The Dating game. Finalmente, con 21 años dejó la universidad para empezar su carrera.

En 1967, su ex novia Nina Goldbatt, bailarina de “The Smothers Brothers Comedy Hour”, ayudó a Martin a conseguir un trabajo de guionista, haciendo llegar su obra a Mason Williams, guionista jefe del show, junto al cual y los demás guionistas del espectáculo ganó un Emmy a la edad de 23 años. También escribe para John Denver, “The Glenn Campbell Goodtime Hour” y “The Sonny and Cher Comedy Hour”. Su primera aparición en televisión fue en el show de Steve Allen en 1969.

A mediados de los 70 Martin apareció en varios shows cómo “The Tonight Show Starring Jhonny Carson”, “The Gong Show”, “HBO’s On Location”, “The Muppet Show” (los teleñecos) y “NBC’s Saturday Night Live”. Sus apariciones en este último catapultaban las audiencias a millones y pese a todo nunca formó parte del reparto regular del programa. Fue invitado en total 15 veces al programa, sólo superado por Alec Baldwin

con 16 invitaciones. Cómo curiosidad, Martin popularizó el gesto de las “comilas aéreas” que tanto conocemos (sobre todo a través del doctor “maligno”) para entrecomillar palabras al hablar.

Sus apariciones en televisión llevaron a sus discos a convertirse en platinos e incluso una de sus canciones “Let’s Get Small”, si no me equivoco algo así cómo “no le des importancia”, se convirtió en una frase hecha a nivel nacional en los EEUU. Su estilo se basa en combinar lo absurdo con la crítica y una capacidad de “autoburla” sin parangón y era capaz de extraer carcajadas de las situaciones más inverosímiles, incluso cuando “no tocaba” llegando a rozar el humor negro.

Pero la carrera de Martin no termina ahí, ha sido cómico, cantante, escritor, productor, guionista y casi todo lo que se te ocurra relacionado con el mundillo. Repasar todo lo que ha hecho así cómo su vida personal, bastante tranquila si la comparamos con la de Pryor no llevaría una revista para el sólo. Destacar que es el sexto en el Ranking de comediantes de Comedy Central, ha ganado un Emmy, 4 Grammy (uno de ellos mejor álbum de Bluegrass y otro mejor interpretación instrumental country, toca el Banjo y canta…), un American Comedy Award y un New York Films Critics Circle Award al mejor actor.

Jerry Seinfield (1954 - ¿?): En nuestro juego de los símiles Seinfild sería el continuista, algo así cómo el emperador que siempre permanece ahí. Nació en Brooklyn, en la ciudad de Nueva York y creció en Massapequa, Nueva York. De padres judíos, a los 16 pasó un breve voluntariado en Kibbutz Sa’ar, Israel. Se graduó en Queens College, City University of New York en comunicaciones y teatro, donde encontró su interés en la comedia en breves producciones.

En 1976, tras graduarse en la Queens College, probó en un espectáculo de micro abierto en una suerte de reality tipo “Factor X” llamado “New York City’s Catch a Rising Star” que lo guio hasta el especial de Rodney Dangerfield en la HBO. En 1979 tuvo un papel recurrente en la sitcom “Benson” cómo “Frankie” un repartidor con rutinas de comedia al que “nadie escuchaba” hasta

que fue despedido abruptamente de la misma. En 1981 tuvo una gran aparición en “The Tonight Show Starring Jhonny Carson” impresionando al mismo Carson y a la audiencia, llevándolo a aparecer asiduamente en ese show y otros cómo “Late Night with David Letterman”.

En cuanto al estilo de Seinfield siempre destacó por un humor “soso adrede” y muy acido que se basa en observar el entorno mas común a nuestro alrededor y sacar a reducir esas situaciones cotidianas y de interrelaciones personales que tanto odiamos y nos incomodan.

En 1989 crea junto a Larry David la sitcom “The Seinfield Chronicles” que mas tarde se renombraría a simplemente “Seinfield” para no confundirla con la sitcom adolescente “The Marshall Chronicles”.

Seinfield se convirtió en su cuarta temporada en la sitcom de mayor éxito de la televisión americana y estuvo en el aire hasta 1998 donde cerró con su último episodio. En este show Seinfield interpreta a una caricatura de si mismo, influenciado, según el mismo por el sitcom de los 50 The Abbot and Costello Show y declarando que Jean Sheperd había sido su principal influencia cómica. Cómo curiosidad decir que Jerry Seinfield es el único actor del reparto que ha aparecido en todos los episodios de la serie.

Ocupa además el puesto 12 en el Ranking de mejores comediantes de la historia de Comedy Central y ha ganado un Emmy, un Globo de Oro y tres Screen Actor Guild Awards.

Chris Rock (1965 - ¿?): El heredero. Chris Rock es, de alguna manera el heredero de todos los anteriores y probablemente piedra angular de la comedia moderna. Nació en Andrews, Carolina del Sur pero pronto se mudó a Brooklyn, Nueva York. Creció junto a dos hermanos pequeños y un medio-hermano mayor que falleció en 2006 tras una ardua lucha contra el alcoholismo. Fue a colegios mayoritariamente blancos donde sufrió abusos y las continuas burlas de sus compañeros hasta que finalmente decidió abandonarlo y Después de Seinfield, Jerry comenzó a ejercer obtener después el título por su cuenta. Trabajó cómo comediante una vez mas hasta 2006, además en varios puestos de comida rápida. empezando una larga gira y con el objetivo de convertirse en actor de cine, dando el siguiente paso a una serie de éxito durante años, eso sí, sin conseguirlo. Participó eso sí en algunos spots que recorrieron el globo en forma de webisodios.

En 2007 apareció en la 79 edición de los Oscar entregando el premio al mejor documental a la ahora exmujer de Larry David y puso voz al protagonista del film animado que el mismo producía, Bee. Apareció en “30 Rock” haciendo de si mismo una vez mas, así cómo en la sitcom de su amigo Larry David “Curb your enthusiasm” haciendo, de nuevo, de si mismo. Actualmente hace una web serie llamada “Comedians in Cars Getting Coffee” en la que, obviamente, hace de si mismo.

Cómo dato curioso destacar que Seinfield ganó en 1998 267 millones de dólares con Seinfeild, convirtiéndose en el artista que mas ganó ese año y que ganó 10 millones por la campaña publicitaria de Windows con Bill Gates. También que es un aficionado a los coches y en su colección cuenta con auténticas piezas de coleccionista.

Rock comenzó a actuar en “New York’s City Catch a Rising Star” y poco a poco fue subiendo en el escalafón del circuido de comediantes, además de interpretar varios papeles en películas cómo “I’m Gonna Git You Sucka” o series cómo “Miami Vice”. Tras verle en una actuación Eddie Murphy trabó amistad con el y lo tomó bajo su tutela dándole su primer papel importante en “Beverly Hills Cops II” (Superdetective en Hollywood II). Tras eso Rock se convirtió en miembro del reparto de Saturday Night Live en 1990 y fue conocido junto con Chris Farley, Adam Sandler, Rob Schneider y David Spade cómo “Los chicos malos de SNL). En 1991 lanzó su primer álbum de comedia, “Born suspect” y fue aclamado por su papel dramático de un adicto al crack en “New Jack City”. Su continuidad en “Saturday Night Live” le hico llegar al gran público internacional.

Frustrado de “Saturday Night Live” abandonó el programa en 1993 y decidió intentar su Carrera cómo actor, lo que resultó un fracaso, así que abandonó Hollywood centrándose en su carrera cómo comediante, con varios especiales en la HBO y Comedy Central que le supusieron ganar dos Grammys y la nominación a otros 15

y finalmente la HBO le dio su propio programa “The Chris Rock Show” que fue un éxito y le supuso aclamación internacional y lo estableció al final de la década cómo la mayor mente cómica de su generación. Ganó además un Grammy con la edición en disco de sus especiales y su cuarto Emmy con otro especial en la HBO, en 2008.

Su éxito cómo comediante en los noventa le supuso una segunda oportunidad cómo actor, la gran obsesión de Rock y esta vez si triunfo, alcanzando una cota de fama cómo no había alcanzado antes con películas cómo “Dogma”, “Arma Letal 4”, “Bad Company“ o “Dawn to Earth”. También ha trabajado tras las cámaras cómo guionista y director, además de poner su voz para “Madagascar”.

En 2005 presentó la 77 edición de los premios de la academia, vamos, los “Oscar”, según dicen contratado para acercar la ceremonia a un público más juvenil. Rock fue muy criticado por esta gala que abrió con un “Bienvenidos a las 77 gala de los Oscar y última” y en la que se metió con varios actores cómo Jude Law, diciendo que era un “mini Tom Cruise” con chistes del tipo “Si quieres a Tom Cruise para una película y lo mejor que puedes obtener es Jude Law, Espera!!!”, lo que provocó que Sean Penn defendiera a Law en la entrega de premios que este primer realizó diciendo que era uno de los mejores actores jóvenes que tenían (curiosamente poco después rodaron juntos “All King’s Men”), Rock incluso se metió consigo mismo haciendo la misma broma “Si quieres a Denzel (Whasington) para una película y lo mejor que obtienes es yo… espera!!!”. Además de todo eso dijo en una entrevista previa que los Oscar eran idiotizantes y que el público heterosexual masculino no los ve.

En cuanto a su estilo de comedia él siempre ha defendido que está muy inspirado en la forma de predicar de su abuelo (Que era predicador, obviamente) y que bebe de las influencias de George Carlin sobre todo pero además de, por supuesto, Eddie Murphy, Sam Kinison, Mort Sahl, Rodney Dangerfield, Bill Cosby, Woody Allen, Steve Martin, etc. Y que siempre ha disfrutado de sus contemporáneos Adam Sandler y Chris

Tucker. Se basaba mayormente en experiencias propias para sacar a relucir temas cómo la lucha de clases, el racismo, la familia, la música y demás temas del “día a día” de todo el mundo. Pero su humor siempre ha sido muy “negro” y muy en “contra de los blancos”, algo que su ídolo, Bill Cosby, le reprendió en un par de ocasiones, sobre todo por el abuso indiscriminado de la palabra negrata (Nigger) de lo que se defendió en su autobiografía diciendo que nadie criticaba a Jerry Seinfield por hacer humor “para blancos”.

En cuanto a su vida personal, nada “destacable”, se casó en 1996 y sigue casado pese a que la prensa intentó desestabilizar su matrimonio con un falso rumor de divorcio y una periodista freelance y ex actriz inició una denuncia de paternidad diciendo que su hijo era de Rock, lo que se demostraría posteriormente no era cierto.

Cabe destacar que Rock ocupa la quinta posición del ranking de los 100 mejores comediantes de la historia de Comedy Central, siendo de lejos el que mas arriba está de entre los llamados “comediantes contemporáneos” seguido por Ellen Degeneres en el puesto 16 y después por Jim Carrey y Martin Lawrence (36 y 37 respectivamente) y ha ganado 4 Emmys, 3 Grammys y un American Comedy Award.

Cómo veréis, hemos tocado sólo a unos pocos, bajo mi punto de vista el mas relevante de cada era (que no el mejor en todos los casos, pero casi) y nos hemos dejado fuera a grandes cómo George Carlin, Woody Allen, Rodney Dangerfield, Bill Cosby, Roseanne Barr (la mujer mas arriba en el ranking con el puesto número 7) o Eddie Murphy (todos entre los 10 primeros del Ranking). Por otro lado tampoco he podido tocar a los cómicos españoles y me encantaría poder hablaros un día del que fue, sin duda, el primer comediante español, al que yo quiero llamar El Maestro, así con mayúsculas y al que recuerdo con tremendo cariño y nostalgia, Don Miguel Gila Cuesta y su inseparable teléfono.

Por Rufino Ayuso Twitter: @yurian00

HUMOR A LA BRITANICA Inglaterra, cuna de personajes como William Shakespeare, Isaac Newton o John Lennon, pasa por ser una de las naciones más importantes a todos los niveles. Grandes navegantes y padres de la Revolución Industrial, han hecho importantes a aportes a la humanidad, tales como la máquina de vapor, el futbol o Harry Potter. Y aunque en gastronomía no destacan, con su nauseabundo “fish and chips”, algo hay que reconocerles, tienen una cantera inagotable de grandes cómicos. Todos hemos oído hablar del humor inglés, un humor fino y, aparentemente, inocente, que esconde grandes dosis de ironía y surrealismo. Y aunque la ironía es algo que dominan a la perfección, no se puede aplicar lo de la elegancia a todos los cómicos. Y como los Monty Python y Charles Chaplin no son los únicos cómicos británicos con reconocimiento internacional, hagamos un repaso de los humoristas más célebres salidos de la Pérfida Albión.

mos sinceros, ¿Quién no ha visto alguna vez Mr. Bean? Todos hemos disfrutado con las locuras de ese curioso hombrecillo, que viste fatal y cierra su coche con un candado. Pero al margen de Bean, el señor Atkinson ha tenido una fructífera carrera, tanto en televisión con “La Víbora Negra” o “Éstas no son las noticias de las nueve”, como en el cine con las adaptaciones de Bean o la parodia de agente secreto “Johnny English”.

Benny Hill

Matt Lucas y David Walliams

Quizás el primer cómico ingles que pude ver en televisión, protagonizaba el programa de sketches “El show de Benny Hill”. De carácter pícaro, el bueno de Benny no escatimaba en sacar mujeres ligeras de ropa a la mínima oportunidad, hecho que le valió las criticas de un amplio sector que acusaba al programa de sexista. De su show seguro que recordáis las persecuciones a cámara rápida y la tonada que las acompañaba. Admirado por Michael Jackson y el propio Chaplin, Benny Hill falleció en el año 1992.

Rowan Atkinson

Este hombre no necesita presentación, sus muecas y gestos son conocidos mundialmente, porque sea-

Ricky Gervais

Polémico y de lengua afilada, Gervais es el creador de “The Office”, una de las series más divertidas y satíricas de los últimos tiempos, y de “Extras”, una brillante critica a la industria del cine. Se dice que Gervais fue vetado en Hollywood después de la gala de los Oscars en la que fue maestro de ceremonias y en la que no dejó títere con cabeza con sus malintencionados comentarios.

Sin maquillaje, esta pareja puede pasar inadvertida, pero con un poco de látex y una peluca os daréis cuenta de que ellos son los responsables de ese viaje surrealista al inframundo británico que es “Little Britain”, donde los personajes más grotescos e inadaptados de la sociedad se dan cita para acabar con esa imagen elegante que tenemos de los ingleses.

Stephen Fry

Puede que este hombre sea quien mejor define lo que entendemos por humor inglés. Elegante e irónico, Fry formó dúo durante mucho tiempo con su amigo de la universidad Hugh Laurie. Ambos hicieron series como “The Young Ones”, una parodia

de la vida universitaria, o “A Bit of Fry and Laurie”.

Ahora es más frecuente ver a Fry en la gran pantalla, donde hemos podido verle en películas como “V de Vendetta” o “Sherlock Holmes: Juego de Sombras”, donde interpretaba al excéntrico hermano de Sherlock, Mycroft. Su último trabajo, que todavía está pendiente de estreno, es la esperadísima adaptación cinematográfica de “El Hobbit”.

Hugh Laurie

Anteriormente hemos citado sus trabajos junto a Stephen Fry, pero si hay un papel en el que ha volcado todo su ingenio y su salvaje vis cómica, es en el Dr. Gregory House. Sarcástico, brutal, adicto y adictivo, así es el famoso doctor al que ira asociado de por vida Hugh Laurie. Pero ahí no acaba el talento de este hombre, ya que también es músico y ha escrito una novela, en la que abunda el humor negro, titulada “Una noche de perros”.

Edgar Whright, Simon Pegg y Nick Frost

Aunque este trío tienen una carrera por separado, si han llegado a tenerla es por sus trabajos en sociedad.

Con un humor de los mas gamberro han hecho dos de las parodias más brillantes que se han visto en el cine en los últimos tiempos, “Shaun of the Dead” y “Hot Fuzz”. La primera pone patas arriba el cine de zombies a ritmo de Queen y la segunda es una divertidísima revisión de las películas de policías.

Aparte de la gran pantalla, estos tres personajes llevaron a la televisión “Spaced”, donde un dibujante de comics y un aspirante a periodista viven las situa-

ciones más absurdas y paranoicas que se hayan visto en mucho tiempo.

Sacha Baron Cohen

Para terminar con este selecto grupo de humoristas hablemos del más gamberro, salvaje y polémico de todos. Él es Sacha Baron Cohen, pero os resultaran más familiares sus personajes Ali G, Borat, Brüno o el Almirante General Aladeen. Kamikaze por naturaleza, Baron Cohen no duda en sembrar el caos por donde va, arremetiendo contra todo lo que se le ponga por delante, con ese humor que le caracteriza. No duda en cargar contra los judíos (siendo el mismo uno de ellos) u homosexuales, pero si hay un blanco contra el que dirige su más afilado humor, ese es la sociedad norteamericana.

Como veis, estos ingleses no andan escasos de talento para esto del humor. Por supuesto, me he dejado muchos cómicos en el tintero y esta es una pequeña muestra, pero espero que hayáis disfrutado y que le deis una oportunidad al humor británico que, a buen seguro, os hará pasar grandes ratos.

Por Javier Sanchez Roquero

Andrey Alfonso Desde la tierna sonrisa del bebe que sueña quien sabe con qué hasta el malicioso retozo de un anciano verde que sueña sabemos muy bien con qué, la risa producto del humor es uno de los últimos bienes materiales no gravados por impuestos. El humor, con todas sus variantes (negro, ácido, inocente, de doble sentido, político, absurdo) viene a ser un bálsamo para refrescar la dura y a veces injusta realidad que pareciera se place en apalearnos.

Lucho Navarro Nacido en Valparaíso Chile fue uno de los mejores imitadores de sonidos, que alternaba con chistes de todo índole; desde los más blancos e inocentes hasta los más picaros y verdes. Usaba frecuentemente los denominados “Chistes relámpago”, aquellos que lanza como un comentario suelto y que requieren de una mente

Cada punto geográfico ha parido sus propios humoristas, unos nunca trascendieron del reconocimiento local al incluir dentro de sus rutinas personajes o temas netamente regionales mientras que otros son reconocidos a nivel mundial pues su estilo de humor cruza fronteras al tratar temas tan universales como la corrupción, la ingenuidad de unos versus la perspicacia de otros, la eterna guerra entre hombres y mujeres, la globalización y sus efectos entre otros tópicos por los que todos hemos pasado alguna vez. Este artículo versa precisamente sobre los humoristas y comediantes más célebres de Latinoamérica.

Actores, músicos, magos, clásicos cuenta chistes, imitadores… muchas categorías con el objetivo de entretener y en muchas ocasiones hacer pensar.

La lista que sigue a continuación peca como todas de seleccionar solo un puñado de talentosos comediantes de Latinoamérica; puede que muchos lectores piensen que hay algunos que hicieron falta y otros que no merecen estar en esta lista; de algunos humoristas casi no existen registros en internet, mientras que de otros se podrían hacer artículos propios y muy extensos, pero todos los acá citados tienen en común ser maestros dentro de su categoría y haber aportado a quitar un granito de stress de nuestras grises rutinas

rápida para su comprensión. De no ser así era recurrente el inesperado estallido de risa una vez comprendido el chascarrillo.

Este ingeniero eléctrico frustrado tuvo que abandonar su carrera debido a una enfermedad ocular comenzó a interpretar melodías en el piano para subsistir y entre canción y canción intercalaba uno que otro chiste que paulatinamente fue convirtiéndose en la parte favorita del público y finalmente en su modus vivendi. A la rutina de chistes incorporó imitación de sonidos que

ejecutaba con mucha propiedad: locomotoras, automóviles frenando, computadoras y sonidos de ciencia ficción entre muchos otros hacían parte de la rutina de este genial comediante que cautivaba sus audiencias de las que arrancaba numerosas y estruendosas carcajadas. Su última presentación fue en el Festival Internacional del Humor, en mayo de 1993 donde consciente de estar en la fase terminal del cáncer de próstata en su última presentación mientras el lloraba desconsolado todos reíamos convencidos de que era parte de alguna rutina preparada de antemano. Es curioso como a veces desligamos las cualidades humanas de quien vemos en un escenario olvidando a veces que al frente tenemos una persona con sentimientos anhelos y temores.

“Ha llegado Merpin, Mago bueno y barato, que con su show les hará pasar un mal ratooo!” es el lema con el que siempre inicia los shows este argentino, nacido en Córdoba en 1965 quien pareciera ser el hermano bueno de Saw y quien se ha hecho acreedor a varios premios y reconocimientos dentro de su gremio. También ha escrito algunos libros acerca de su que hacer los que han tenido buen reconocimiento. De igual forma sus conferencias sobre la materia gozan de bastante popularidad y aceptación.

Merpin

Ramón Valdés

Dentro de la galería de magos que mezclan sus trucos con humor vale la pena resaltar a este mágico comediante, dentro de un gigantesco abanico de candidatos. Tal vez sean algunos de sus trucos que rayan en lo gore, puede ser lo exagerado de su histrionismo o la interacción con los espectadores que corrían en suerte de convertirse en sus asistentes temporales, pero lo cierto es que cada show de Merpin es toda una travesía por la carcajada y el asombro

Dentro del elenco de Roberto Gómez Bolaños mejor conocido como “Chespirito” vale la pena resaltar a este mexicano que tuvo en “Don Ramón” (o Ron Damón, como le decían los niños de la vecindad del chavo) a uno de los personajes con mayor recordación del “Chavo del 8”. Nacido en medio de una familia de artistas; sus otros tres hermanos Germán Valdés Tintán, Manuel El Loco, y Antonio Ratón también participaron de la denominada “Era de oro del cine mexicano”.

Merpin es la perfecta prueba que el humor puede aparecer de múltiples formas, incluso algunos que parecen totalmente lo opuesto a lo divertido; solo hace falta talento, disciplina y un gran (y por supuesto heterodoxo) sentido del humor.

Su versatilidad, y profesionalismo fueron la referencia para que Roberto Gómez Bolaños lo escogiera para que desempeñara inicialmente el rol del “Ingeniebrio don Ramón Valdes Tirado Alanis” quien junto al “profesor Jirafales”, el “doctor Chapatín” y la Mococha Pechocha formarían “Los supergenios de la mesa cuadrada”.

Singulares personajes que contestaban supuestas cartas enviadas por el público de una manera muy divertida. Pero el papel que lo consagraría y lo marcaría para bien y para mal fue el de “Don Ramón”, un desempleado, padre soltero perezoso y cascarrabias pero de nobles sentimientos.

Menos célebre pero igual o aun si cabe más cómico era su personaje “Súper Sam” un héroe norteamericano quien a veces se entrometía en las aventuras del Chapulín Colorado. En vez de chipote chillón cargaba una bolsa con el símbolo pesos y su estribillo era “Time is Money”; “El Peterete” fue otro de sus personajes entrañables; el primer compañero del Chómpiras quien caminaba siempre al ritmo de la música de la pantera rosa y cuando tenía que girar lo hacía de una forma muy particular. de cáncer de estómago a la edad de 64 años. La internet le ha devuelto vigencia en múltiples y Participó en más de 90 películas un record póstumos homenajes parodiándolo en películas, envidiable para muchos artistas y si bien su forma grupos musicales y otras figuras públicas; y no de ser era un tanto ermitaña pues no gustaba de es de extrañar, su cara es de por si un meme por participar en eventos sociales, todos lo recuerdan derecho propio y si le agregamos a eso alguno de como una persona sencilla y amable; víctima del sus estribillos el resultado era previsible. vicio del cigarrillo que nunca pudo dejar muere Les Luthiers Grupo argentino que mezcla magistrales interpretaciones musicales tocadas en instrumentos diseñados por ellos mismos a partir de elementos comunes y corrientes (ciclas, cascos, balones, tubos de PVC, barriles, latas entre otras curiosidades). Sus presentaciones mezclan un humor ingenioso que pasa desde el juego de palabras, el monólogo, la confusión de roles, y muchos más recursos humorísticos.

Este grupo es uno de los veteranos del humor pues su historia se remonta a finales de los 60’s con un coro universitario quien para un festival presentó una parodia de cantatas barrocas hablando de reconocido laxante del momento.

la falta de talento de Mastropiero, aunque su intención es totalmente opuesta.

Su trayectoria fue reconocida en el 2011 al ser nominados al Premio Príncipe Asturias de las Bellas Artes, que guardando las proporciones viene a ser el Nobel para los artistas donde se reconoce su legado como una contribución al patrimonio cultural de la humanidad. Esta carta de presentación es más que suficiente para hablar de las cualidades de este grupo.

Este performance tenía como valor agregado la interpretación de la música en instrumentos diseñados por Gerardo Masana, uno de los integrantes de “L Musicati” como se hacían llamar inicialmente. Este estudiante de ingeniería era el padre de la mayoría de estos instrumentos que atrajeron la atención de todo el público y los catapultó dentro de la profesión del humorismo.

Pero sus interpretaciones sobrepasaron el ámbito de la música clásica y en cada espectáculo arriesgaron nuevas propuestas y ritmos: cumbia, tango, bolero, merengue, cantos religiosos, rap… todos ellos interpretados con un respeto profundo por cada género lo que les permite lograr excelentes versiones matizadas con un estilo de humor inteligente que no apela a la grosería como único recurso humorístico, sino que lo usa esporádicamente cuando quiere acentuar algún apunte. Johann Sebastian Mastropiero, personaje ficticio elaborado por ellos, es sin duda el Leit Motiv de la mayoría de sus presentaciones. Su ambigua y tormentosa biografía daba pie para que Marcos Mundsock, creara la antesala a las presentaciones del grupo colocando en evidencia

Cantinflas Mario Moreno Reyes (1911 – 1993) elaboró una figura con una influencia tan grande que la misma Real Academia de la Lengua adoptó el nombre de su personaje como una palabra oficial del idioma español, y numerosos académicos han hecho profusos análisis desde diversas disciplinas como la lingüística, la antropología entre otras.

Su caracterización de un hombre humilde pero con el suficiente carácter para hablar con toda la franqueza y con un profundo sentido de la justicia conquistó audiencias en todos los países de habla hispana. Su personaje no difiere mucho de sus orígenes en medio de una familia de 12 hermanos que lo empujó desde muy joven a probar suerte y labrar su propio futuro. Fue así como, en contra de los deseos de sus padres que consideraban el mundo del divertimento impropios para llevar una vida, prueba suerte primero en el boxeo para después incorporarse a una compañía de cómicos ambulantes donde desarrolla paulatinamente el antihéroe que lo volvería inmortal. México ya lo reconocía como una figura destacada dentro del humor ya para la década de los 30 y dicha popularidad le permitió en 1936 comenzar su carrera en el mundo del cine con la película “No te engañes corazón” donde haría un papel de reparto; pero “Ahí está el detalle” sería la película que catapultaría su trayectoria en el séptimo arte.

La trama del film basado en una serie de mentiras y confusiones añadidos a la elocuencia singular de Cantinflas ubica esta película entre las 10 más importantes del cine mexicano. Después de esta cinta vinieron más de medio centenar más donde el personaje de Mario Moreno pasó por diversas profesiones: Sacerdote, médico, profesor, lustrabotas, barrendero, extra de cine, policía… la mayoría de ellas con un carácter fuertemente rural o las que eran de temática urbana lo ubicaban dentro de la clase baja lo que generaba mucha identidad con el público. En sus películas se repetían ciertos estereotipos: la vieja chismosa, el anciano sabio que profería un especial cariño a Cantinflas, el Hippie que al final de la película se “rehabilitaba” insertándose a la vida laboral, el terrateniente déspota y malvado, su acérrimo enemigo durante toda la trama y la dama cándida que a veces terminaba junto a él y en otras con algún otro galán rompiéndole el corazón.

Si bien la barrera del idioma le impidió ser tener el mismo éxito en Estados Unidos tiene el honor de poseer una estrella en el paseo de la fama y obtener el Globo de Oro por su interpretación de Paspartú en una versión de la vuelta al mundo en 80 días.

Sin embargo su legado para la humanidad es innegable y su personaje con aires de Robin Hood atacando a los ricos y defendiendo a los pobres con su afilada y embrolladora lengua es ya un ícono tan recordado y querido que es imposible pensar la historia de Latinoamérica sin él.

Jaime Garzón Jaime Hernando Garzón Forero (1960 – 1999) Polifacético, irreverente e incomprendido son algunos de los adjetivos que le caen de perlas a este abogado, pedagogo, periodista, pacifista.

Un humorista que usó su increíble capacidad de mimetizarse y transformarse en cualquier personaje para hacer divertidos pero agudos comentarios acerca del acontecer colombiano.

Políticos, militares, clero, empresarios… nadie escapaba a su mirada crítica implacable sobre la responsabilidad que todos tenemos en las construcción de una sociedad más justa y equitativa. Fueron esas críticas y su papel activo en la liberación de secuestrados por las guerrillas lo que causó su asesinato a manos de la extrema derecha del país.

Su primera aparición se dio un 31 de octubre de 1990 en un programa llamado “Zoociedad” en un formato de magazín donde acompañado por Elvia Lucía Dávila una elegante y carismática dama se reían y reflexionaban acerca de una Colombia que se incorporaba al proceso de globalización mundial y se debatía en medio de guerras de carteles, guerrillas y paramilitares. Fueron años donde cayeron tres candidatos presidenciales, el país se hundía en la oscuridad de un apagón por las condiciones climáticas y la mala planeación gubernamental y los mercados extranjeros incursionaban abatiendo pequeñas empresas nacionales debido a una mal planteada apertura económica… y fue el humor una de los salvavidas a los que apelamos para sobrevivir.

En el siguiente espacio su creatividad parió a muchos personajes quienes desde su punto de vista continuaban haciendo reír y pensar al mismo tiempo, algo supremamente peligroso para ciertos sectores de la sociedad. Este nuevo programa se llamaba “Quac el noticero” que recreaba un noticiero donde Jaime, además de el presentador tenía personajes tan entrañables como El doctor Godofredo Cínico Caspa, columnista con tendencias ultraderechistas quien hacía editoriales cargadas de sátira corrosiva.

Néstor Elí, el portero de un edificio llamado “Colombia” como metáfora del país, quien desde el citófono analizaba el acontecer nacional, Inti de la Hoz, periodista de farándula que mezclaba política con tendencias snobs y fashion de una forma magistral, Dioselina Tibana, cocinera del palacio presidencial quien daba recetas de cocina que no eran más que alegorías a sucesos del momento… “Mico velado”, cuando se refería a alguna ley escondida que el congreso quería hacer pasar, “Delfín remiso” si algún heredero político cometía alguna imprudencia… en fin las parodias daban para muchas posibilidades. Había muchos otros personajes que quizás por falta de espacio no podemos enumerar pero baste decir que en más de una ocasión le fue llamada la atención por personificar militares y políticos y que según sus propias palabras en el programa a veces no había “editar” sino “evitar”. Sus imitaciones casi perfectas resultaban muy incomodas en ciertas ocasiones cuando la verdad dolía.

Sin embargo su personaje más célebre fue “Heriberto de la Calle”, un lustrabotas quien mientras brillaba el calzado de famosos los iba entrevistando a la vez que hacía comentarios sarcásticos. Actrices, reinas de belleza, deportistas y como no, políticos pasaron por su caja de embolar y su impertinente forma de preguntar las cosas menos indicadas.

La faceta que lo marcó para bien y para mal fue su activo proceso en búsqueda de la paz. Acusado por la extrema derecha de ser un colaborador de la guerrilla Jaime resulto mortalmente herido en un atentado perpetrado un viernes 13 de agosto de 1999. Como hacía mucho tiempo la población se manifestó ante este hecho y millares fueron a

a despedir sus restos. Este crimen hoy, trece años después permanece impune y las investigaciones marchan tan lento que en ocasiones nos llegamos a preguntar si finalmente las estatuas que hay en su honor (una de él y otra de Heriberto de la calle” llegarán a conocer la verdad.

Micky Mac Phanton Otro argentino que se agrega a la lista, nacido más exactamente en Rosario. Provisto de una prodigiosa garganta que le permite imitar una cantidad increíble de sonidos. Las primeras veces que lo vi fue en el Festival Internacional del Humor, un evento anual donde Alfonso Lizarazo, un presentador de un programa de humor de Colombia invitaba comediantes de todo el mundo. Mac Phantom en ese entonces solía vestir un overol y una cachucha azul y recreaba clásicas películas friki. De su garganta escuché clásicos como “La cosa”, “Rambo”, “Terminator” y Rambo; aviones, autos, explosiones, disparos, espadas desenvainadas entre muchos otros

eran los sonidos que recreaban las historias que siempre terminaban en un punto álgido con algunas preguntas y el estribillo “No se pierda la siguiente emisión de los Mac Phanton Movie Pictures…” una de sus mejores presentaciones fue en un Festival Internacional del Humor donde recreó por primera vez “Titanic” y esta vez aparte del sonido aprovechó las luces para una producir la sensación de una regresión en el tiempo. Un recurso impactante y muy bien usado.

Actualmente el show de Micky Mac Phantom tiende más al Stand-up comedy aunque no ha dejado de usar su portentosa garganta para generar sonidos. Reside en España y periódicamente hace giras con nuevas presentaciones.

Carlos Donoso Ventrílocuo venezolano, nacido en Caracas en 1948 es catalogado como el mejor del mundo en su disciplina durante las tres últimas décadas ha creado más de 50 personajes distintos cada uno con su propia voz e identidad, siendo los preferidos por el público el andrógeno “Lalo”, “Toño”, el borracho el tierno e inocente “Chipi” y por supuesto el incorregible mono Kini. Este último acompaña a Donoso desde el 67 y es quien realmente se roba el show opacando a sus compañeros dada su personalidad tan despreocupada y excesivamente franca. Su estribillo “me saca la piedra” seguido de un sonoro escupitajo es un cliché que sigue funcionando ya que hace reír desde los niños hasta los ancianos.

Es tal la magia que se produce en el escenario cuando Carlos Donoso pone a dialogar a sus personajes que a veces el mismo desaparece de la línea dramática y en verdad termina uno creyendo que es Kini el obsceno hablador y que Donoso intenta infructuosamente de corregirlo o hacerlo callar. Al respecto hay un chiste que como las leyendas urbanas se adecúan a los personajes de cada país. Este en cuestión habla de un ex presidente de Colombia celebre por no ser muy perspicaz y al cual se le han inventado varios cuentos precisamente por su falta de inteligencia. Este hombre acierta a asistir a uno de los espectáculos de Donoso donde el mono Kini cuenta uno tras otro los chascarrillos del expresidente para deleite de todo el público. El hombre finalmente pierde la paciencia y poniéndose en pie levanta la voz protestando por la falta de respeto que tienen contra él. Carlos Donoso muy avergonzado se apresta a presentar sus disculpas cuando el ex presidente lo interrumpe gritando -¡Usted se calla!, ¡yo estoy hablando es con el mico!

Quino Joaquín Salvador Lavado Tejón, (1932 - ) es uno de los caricaturistas más reconocidos a nivel mundial recibiendo numerosas distinciones y reconocimientos por su obra. Desde los tres años descubre su vocación hijo de inmigrantes andaluces, pasa por la academia de bellas artes convencido que su proyecto de vida son las historietas de humor. Tras un duro comienzo va ganando notoriedad por la calidad de sus dibujos y de sus críticas lo que le permite publicar en varios diarios de Buenos Aires. El 29 de septiembre de 1964 nace uno de los iconos de la historieta; Mafalda una niña de clase media desilusionada de la situación del mundo actual, que vive en constante crítica de las instituciones de poder y en una guerra eterna contra la sopa. Junto a ella muchos otras figuras comparten viñetas y con el paso del tiempo su propia personalidad. Tenemos así a Felipito, quien no es más que Quino en la escuela, con profundas crisis amor-odio por la escuela, Susanita, la futura arribista pro hogar súper conservadora, Miguelito un chico un tanto ingenuo y con algunos conflictos en su hogar, Guille, el hermano menor de Mafalda, consentido, irónico e inocente a la vez, Manolito el capitalista y algo corto de entendimiento y Libertad una pequeña, pero perspicaz niña. Junto a ellos

estaban los padres de la mayoría de ellos quienes también protagonizaban algunas historias donde reflejaban las preocupaciones de la clase media promedio: impuestos, trabajo, salud, vejez… todos estos tópicos tratados con un humor fresco, simpático y ágil y a la vez acido crítico y cínico.

Sus otras caricaturas hablan de hombres del común (el tipo de personas que encontramos a diario en las calles, en el transporte público y con las que convivimos en el trabajo y/o el estudio y de las que por supuesto hacemos parte) en sus luchas perdidas contra agentes opresores como el estado, los militares o el clero, o a veces contra ellos mismos cuando se vuelven esclavos del consumismo o de algunos vicios. Es imposible no reflejarse en esos dibujos y sonreír al reconocer nuestras propias debilidades y por supuesto fortalezas.

Es curioso (y a la vez preocupante) ver como las caricaturas de Quino (las de Mafalda y sus otras caricaturas) no han perdido vigencia y los problemas que trasnochaban a la inconforme niña son los mismos que hoy seguimos a diario en las noticias. Su escepticismo acerca del papel de la ONU en la solución de los problemas que aquejan el mundo son los mismos pesimismos que compartimos hoy.

Es ahí cuando Quino se convierte en un humorista atemporal y universal y legitima una vez más que el humor es una de las mejores herramientas para reflexionar y de una vez por todas buscar una mejoría, un cambio, una evolución.

Quedan por fuera de esta lista artistas de la calidad de Roberto Gómez Bolaños “Chespirito”,

Juan Verdaguer, Raúl Vale, Fontanarrosa, Teo González, Vladdo, Capulina. Siento también que en la lista falta ostensiblemente la presencia de humoristas femeninas ante lo cual no tengo mejor excusa que en este momento se escapan a mi memoria. A todos les debemos sin duda muchas horas de risa, entretenimiento, asombro, reflexión y por supuesto un sincero agradecimiento por hacer de este mundo algo mas placentero para vivir.

sonrisas animadas Hubo un tiempo en que los dibujos animados eran cosa, casi exclusiva, de niños. Dudo que ningún padre viese por gusto a los mosqueperros o la eterna cacería del coyote y el correcaminos, entre otras cosas, porque los dibujos eran algo asociado a la niñez, “cosas de críos” que diría un padre. Eran productos creados y pensados para un público infantil, sin mas pretensiones que la de enseñar y divertir a la legión de niños que salía del colegio esperando su bocadillo de chorizo y las aventuras de sus héroes favoritos.

Pero esta tendencia cambio cuando a alguien se le ocurrió que los dibujos no tenían porque ser algo exclusivo de los niños, que se podían hacer dibujos dirigidos a un público adulto que tratasen temas serios e hiciesen una crítica inteligente del mundo en que vivimos, pero todo ello tratado con el humor y el desenfado que solo pueden dar unos muñecos animados, además de usar un lenguaje acido y provocador.

Así, bajo esta premisa, nacieron todas las series de animación que nos han acompañado desde los años 90 y que hoy pueblan nuestras pantallas. Todos hemos visto alguna vez series como South Park, American Dad o Futurama, pero tal vez ninguna de estas series habría llegado a nuestras vidas si no hubiese sido por la familia amarilla más famosa de todos los tiempos, los Simpson. Ellos y, en especial, su creador Matt Groening crearon un antes y un después en la forma de hacer dibujos animados. Por eso, desde Nosolofreak queremos hacer un repaso por las principales series que tan buenos ratos y tanto nos han hecho reír a lo largo de estos años.

Como antes se ha dicho, este fenómeno no habría sido posible sin el triunfo de la familia Simpson, por eso creo que es justo empezar por ellos. Nacidos en 1987 de la mano de Matt Groening, esta

familia comenzó siendo una serie de cortos que se emitían en un programa llamado The Tracey Ullman Show, pero viendo el juego que podían dar, la Fox apostó por una serie de capítulos de una media hora de duración que comenzó a emitir en 1989 y que todavía hoy sigue manteniéndose en pie, habiendo creado un fenómeno social y televisivo sin precedentes.

Merchandising, una película, frases y chistes que han pasado a formar parte del lenguaje coloquial y de la cultura popular, ¿Quién no ha usado a los Simpson como referencia durante alguna conversación? Pocas veces una serie ha conseguido estas cotas de popularidad y este impacto en la sociedad, pero si todavía queda algún despistado que no conoce esta familia, a continuación serán presentados.

Situados en el ficticio pueblo de Springfield, los Simpson son una familia de clase media compuesta por el padre (Homer), la madre (Marge), el diabólico hijo mayor (Bart), la sabelotodo hija mediana (Lisa) y la más pequeña de la familia (Maggie). En torno a esta familia giran las disparatadas de la serie, pero sería injusto atribuirles únicamente a ellos el mérito de la serie, ya que una infinidad de personajes secundarios pueblan las calles de Springfield llenando los capítulos de momentos memorables. Así podemos hablar de personajes como el incompetente jefe de policía Wiggum y su “especial” hijo Ralph, el santurrón de Flanders, el matón del colegio Nelson, el director Skinner, Apu, el señor Burns y enumerando a los habitantes de este peculiar pueblo podríamos estar horas. Pero si los personajes secundarios son imprescindibles, los personajes invitados no son menos atractivos. Por la serie han pasado una legión de famosos, tales como el presidente Bush padre, la reina de Inglaterra, músicos como The Who o Cypress Hill, actores como Mel Gibson, Alec Baldwin o Steve Buscemi, gente del deporte como Magic Johnson o Ronaldo y así de todos los ámbitos sociales y culturales que os podáis imaginar. Pero no solo de sus personajes vive esta serie, ya que en sus más de 500 capítulos encontramos historias de todo tipo,

homenajes y parodias de infinidad de películas, series y programas de televisión, hemos visto como se hacía mofa y se ridiculizaba todo tipo de actitudes y grupos sociales de la sociedad norteamericana, pero siempre de una manera inteligente, sin llegar a caer en el humor soez y zafio en el que caerían algunas series posteriores. Si bien es cierto que los años han desgastado la serie y ya no brilla como hace unas temporadas, a mi me sigue pareciendo infinitamente más divertida que el 70% de las comedias que se hacen hoy en día.

A partir de este momento, numerosas series de este corte son sacadas a la palestra para aprovechar el tirón de la serie de Groening. En 1992, en la, antaño, cadena musical MTV, se estrena Beavis and Butt-head, una serie sobre dos adolescentes, tontos hasta límites insospechados, cuya aficiones consisten en ver la tele, la comida basura, el heavy metal y el sexo, aunque este último se tienen que conformar con soñar con él, ya que sus intentos siempre acaban con catastró-

ficos resultados. Sus estúpidas risas, su vocabulario malsonante y las pocas luces que les caracterizan hicieron de ellos dos personajes muy reconocidos en los años 90, llegando a salir alguna película sobre ellos. Si bien pueden resultar irritantes y en muchas ocasiones desearías golpear sus feas caras hasta apagar sus risas, la verdad es que consiguen hacerte reír con sus idioteces y su continua búsqueda de sexo. Mención especial para Porculio, el álter ego espídico del ya de por si hiperactivo Beavis. Si nunca has visto a este par y quieres ver una pequeña muestra de ellos, deberías ver su película “Beavis and Butthead recorren América”.

En 1997 saldría una serie que siendo grosera, bestia y provocadora como nunca antes se había visto, conseguiría una popularidad difícil de creer en una sociedad tan puritana como la norteamericana. La serie en cuestión es South Park, la cual nos enseña la vida en la nevada población que da nombre a la serie, a través de sus cuatro niños protagonistas, Stan, Kyle, Cartman y Kenny. Nada se libra en esta serie de ser criticado de la manera más cruel y macarra posible. Profesores homosexuales y pederastas, constante mofa de los judíos, una tortuosa relación homosexual entre Satán y Saddam Hussein, chistes racistas, fascistas, anticlericales y anti todo en general, dejan en ridículo a la sociedad norteamericana a cada momento. Característico es el estilo de dibujo de South Park, que parece realizado por un niño de dos años o un chimpancé que acabase de esnifar pegamento.

La muerte es otra constante en estos dibujos, cebándose particularmente con uno de los niños protagonistas, Kenny, que en numerosos capítulos muere de las formas más variopintas sin venir a cuento en la mayoría de estos capítulos. Pero si creéis que por su humor hardcore y por el estilo de dibujo la serie está exenta de calidad, os equivocáis, ya que poco de lo que vendría después sabría complementar tan bien ese humor grueso y brutal con una crítica tan aguda y despiadada y, por supuesto, con unas historias tan delirantes como las que podemos ver en South Park.

Dos años después, en 1999, desde Canadá nos llegaría una serie que puede recordar mucho a South Park por su dibujo y por el humor del que hace gala. Esta serie se llama Kevin Spencer y trata sobre un adolescente inadaptado, que amenaza con convertirse en un sociópata y que, además, es adicto al tabaco, al alcohol, al jarabe para la tos y a inhalar pintura.

Por si esto fuera poco, tiene un amigo imaginario, Allan el Ganso Mágico, que le incita a cometer todo tipo de locuras. Kevin, además tiene una familia “ejemplar”, formada por un padre obeso, alcohólico y violento que consigue sus ingresos a base de estafar al gobierno, y por una madre igualmente gorda y alcohólica que pese a su falta de atractivo es bastante promiscua. Las señas de identidad de esta serie son su violencia y su lenguaje soez, así como sus situaciones totalmente surrealistas. Como curiosidad diremos que Kevin no habla, excepto cuando aparece en sus propios sueños, pero no porque el personaje sea mudo, si no porque, inexplicablemente, lo hace

un narrador en su lugar.

Pero el año 99 nos dejo otras dos series que alcanzarían una notable popularidad, una de ellas siendo considerada la directa competidora de Los Simpson.

Esta serie es Padre de Familia, que nos narra las aventuras de los Griffin, una familia disfuncional compuesta por Peter y su mujer Lois, por sus hijos Chris, Meg y el bebe megalómano Stewie; y por su perro parlante y alcohólico Brian. Al igual que Homer, Peter se caracteriza por su extremada estupidez, pero ahí no acaban las similitudes, ya que toda la serie tiene un tufillo como a “queremos ser Los Simpson pero haciéndolo más bestia” y, según la opinión de quien os escribe, este es su mayor error, ya que se prestan poca atención a las tramas y demasiada a chistes que no vienen demasiado al caso. Una de las señas de identidad de la serie son los continuos flashbacks, en muchas ocasiones excesivamente largos y poco afortunados, así como chistes recurrentes que se hacen cansinos por su descontrolada duración. A pesar de todos sus defectos la serie ha conseguido hacerse con un nutrido número de seguidores y hay que reconocerle unos cuantos personajes carismáticos como la pareja formada por Stewie y el perro Brian o el vecino adicto al sexo Quagmire.

La otra serie surgida en el 99 es la nueva creación de Matt Groening, padre de Los Simpson. Estamos hablando de Futurama, una serie que mantiene la esencia de Los Simpson pero que es tratada desde

un punto de vista diferente y novedoso, el futuro. La historia nos cuenta las andanzas de Philip J. Fry, un fracasado repartidor de pizzas que tras un accidente acaba congelado en una capsula criogénica durante la Nochevieja del año 1999 para ser descongelado en el año 2999. Allí descubrirá un mundo nuevo para el, donde los coches vuelan, los robots campan a sus anchas y las cabezas de los personajes famosos en el pasado han sido conservadas y participan en la vida social del futuro. Curiosamente Fry acaba trabajando de transportista interplanetario para la empresa Planet Express, fundada por el inventor Hubert J. Farnsworth, que además es el tataratatara…sobrino de Fry. Junto a nuestro héroe trabajaran Leela, una ciclópea “extraterrestre” de la que Fry está enamorado, y Bender, un robot con problemas de alcoholismo, fumador empedernido, ladrón y ególatra, al que Fry conoce en una de las numerosas cabinas de suicidio que abundan en las calles del año 2999. Graciosa, original, crítica, llena de referencias frikis y de chistes científicos y matemáticos, Futurama es una serie imprescindible para cualquiera que busque una buena serie cómica. Sin necesidad de un lenguaje obsceno ni de chistes groseros, Futurama es capaz de arrancar un sinfín carcajadas. Si hay que destacar algo de esta serie ese sería Bender, de apellidos Doblador Rodriguez, el personaje más popular y gamberro de Futurama, que fue creado para doblar vigas, frecuenta robopilinguis y si no bebe alcohol, adopta un estado similar a una borrachera.

Dando un salto en el tiempo hasta 2005, nos encontramos con la nueva creación de la mente pensante de Padre de Familia, American Dad. Cualitativamente superior a la serie de la familia Griffin, esta serie nos cuenta el día a día de Stan Smith y de su familia. Stan

es agente de la CIA y ultraconservador y su mujer es Francine, una desdichada ama de casa. La hija mayor de Stan es Hayley, una liberal y rebelde universitaria, especialista en sacar de sus casillas a su padre. El hijo pequeño es Steve, el típico nerd impopular de su colegio. Junto a la familia Smith vive Roger, un extraterrestre rescatado por Stan del Área 51, adicto a los disfraces y con tendencias homosexuales; y Klaus, un pez con el cerebro de un esquiador olímpico alemán cuya debilidad es Francine. American Dad tiene unas tramas, unos personajes y unos chistes muchísimo más acertados que su predecesora, además de hacer una crítica mucho más aguda y acertada de la sociedad conservadora estadounidense. También trata con mucho acierto lo ridículo de algunas posturas de las agencias de inteligencia. Sin duda, es la obra más recomendable del creador Seth MacFarlane.

Para terminar con este repaso hablaré de una serie que nunca debió existir, The Cleveland Show. No sé que se le pasó por la cabeza a Seth MacFarlane para creer que el personaje de Padre de Familia idóneo para protagonizar un spin-off seria Cleveland en vez de Quagmire. Debido a esta metedura de pata, en 2009 nació esta serie carente de gracia a la que lo mejor que podría pasarle es que la cancelasen definitivamente.

Sé que hay muchas series cómicas de animación más aparte de estas, pero creo que estas son las más conocidas y representativas del género. De todas se pueden sacar grandes momentos y puedes pasar muy buenos ratos y comprobareis que no hay que ser un niño para disfrutar con una serie de dibujos.

Por Javier Sanchez Roquero

top top animes/ animes/ manga manga humor humor Bueno, pues como dice el título, vuelvo con uno de mis top tens, esos que tanto me gustan y con los que vais a tener que convivir mucho tiempo (buajajajaja).

Bueno, y ahora diréis ¿los mejores de comedia qué? ¿Juegos? ¿Personajes? ¿Autores? Pues que va a ser hombre, los mejores manganime de comedia ^^ Pero la cosa no acaba ahí, y es que estoy hasta las narices que el 90% de animes clasificados como “cómicos” contengan una cantidad de ecchi increíble (si, sigo con mi cruzada contra el ecchi ¬¬) y que encima, esas escenas cómicas tengan que ver con caídas (femeninas claro), roturas de ropa y bla bla bla. De modo que este va a ser un top ten cómico sin ecchi, con tan poco que no se nota (o que se note pero poco) o con un ecchi…. ¿hablado?

Como siempre, y para no entrar en los “este debería estar antes que ese” os enseñaré las series ordenadas alfabéticamente.

Acchi Kocchi (atchi kotchi) Es un manga corto (yonkoma) creado por Ishiki que empezó a salir en la revista Manga Time Kirara de Houbunsha en 2006. Se adaptó al anime en abril de 2012 a manos de AIC. Tsukimi es una chica de instituto bastante tsundere (chica que al principio se muestra fuerte y combativa pero que acaba siendo un trocito de pan cursilero) que está enamorada de Io, un chico bastante asocial.

Si su relación no es bastante difícil de por si, el hecho de estar siempre con Hime, Mayoi y Sakaki dando indirectas por todos lados (y que encima están bastante mal) lo hace todo más complicado aún.

Esta serie sólo se puede describir de una forma: risas a tutiplén. Pese a que está catalogada también como

“seinen” (para público adulto masculino) los adolescentes y personas de cualquier sexo pueden disfrutarla ampliamente. Las “pullas” que se van metiendo todos, las indirectas que les van tirando a la “parejita” y las absurdas situaciones que se forman, ya no sólo dentro del grupo sino fuera, hacen que puedas pasarte todo un día riendo (para nuestra suerte o desgracia, el anime tiene 12 capítulos, por lo que es bastante rápido de ver).

En un principio cuando me vi el primer capítulo, si os soy sincera, me emperré en que el autor tenía (no, debía) ser el mismo que en Lucky Star. Y aún hoy sigo pensando que al menos, su autor es un “aprendiz” del de Lucky. ¡Tsukimi y Konata se parecen demasiado!

El dibujo es muy preciso y detallado y todos sus personajes están caracterizados con un toque “chibi” que hace que todos los detalles cómicos que tiene la serie se vean incrementados por mil.

Azumanga Daioh Manga de Kiyohiko Azuma que se adaptó al manga en 2002, que se creó de dos formas: 130 capítulos de 5 min que se emitían los días de cada día y 26 episodios de 25 min (creados a partir de la compilación de los anteriores) que se daban los fines de semana. También tiene una OVA y una mini-película.

El manga y el anime siguen la historia de seis chicas y dos de sus profesores: Sasaki y su obsesión con los gatos; Chiyo (niña prodigio) que lucha por que la acepten en un grupo de mayor edad que ella; Yomi y su paciencia con su amiga Tomo; Osaka y sus descabelladas ideas; Yukari y su extrema competitividad y su Minamo en situaciones diversas.

En el título de este manga podemos encontrar muchísimas pistas sobre lo que es. La referencia a manga nos da a entender que es uno distinto, como bien se muestra, ya que está creado a base de tiras cómicas publicadas en la revista Dengeki Daioh (y aquí tenemos otra pista). Se podría decir que se creó de este modo y en esta revista “a posta”.

El autor sabe crear bien a las 6 personajes principales, todas tienen sus opiniones, sus gustos, complejos, sentimiento, obsesiones y demás características propias de adolescentes (de nuevo, como en el manga anterior, dibujadas con un toque chibi de lo más curioso).

Esta serie, llena de situaciones subrealistas y desternillantes, nos harán caernos de la silla, literalmente. Como se observa desde el principio, el tipo de humor que los personajes usan es siempre el mismo, pero no es hasta el final de la serie que nota-

mos un pequeño “aburrimiento” de estos.

DMC (Detroit Metal City) Es un manga creado por Kiminori Wakasugi que se publicó en la revista Young Animal en 2005. Studio 4ºC se encargó de hacer un anime con 12 capítulos de duración en agosto de 2008 y Toho realizó un Real Life que se publuco el mismo mes. El manga es una parodia de la canción Detroit Metal City de KISS y está muy influenciado por el conjunto de heavy metal japonés Seikima-II. La historia nos cuenta como Soichi Negishi, un chico tímido y amable que sueña con ser cantante de música pop, acaba siendo cantante y guitarrista de una banda de Death Metal llamada Detroit Metal City. En su vida paralela de transforma en Johannes Krauser II, un demonio del infierno y afín al terrorismo que ha hecho infinidad de barbaridades incluso a sus padres. Negishi desprecia todo lo de DMC representa, pero lamentablemente es el único modo que ha encontrado de pagar sus facturas y gastos, ya que su “verdadero yo” no parece gustar a la gente. Como dificultad añadida, Negishi quiere conquistar a una chica y tendrá que procurar que esta no se entere de que es el cantante de DMC, ya que ella odia el Metal y todas esas “barbaridades” que representa. ¿Qué decir de esta serie? Simplemente es fantástica, tanto el manga, como el anime como el Live Action (en el que, como añadido, quien hace de Soichi es el mismo actor que interpreta a L en los lives de Death Note, Kenichi Matsuyama).

Toda la serie está llena de situaciones tan irreales (pero a la vez tan creíbles) que dan ganas de irse a Japón sólo para vivirlas. Desde el principio podemos ver que la serie va a ir avanzando hasta una situación tan caótica como subrealista que acabará con Sochi volviéndose medio loco.

Las malas pasadas que le pasan a Soichi mientras intenta ocultar su “mala persona” de su amada son de lo más graciosas. Como ejemplo pondré el Live Action, en el que se pasa como 10 min de metraje entre una cita con ella y un pase de prensa para promocionar el nuevo disco de DMC y claro, todo el rato cambiando de ropa y de un lado para otro pasa lo que pasa…

La banda sonora nos hará meternos más aún en la historia (si nos gusta lo extremo) con canciones contundentes y llenas de energía.

Sin duda, es una de las mejores historias que podemos ver si queremos disfrutar viendo como un pobre chaval las pasa canutas XD

Gintama Manga escrito por Hideaki Sorachi en 2003 y publicada en la Shonen Jump. Sunrise se encargó de adaptarlo al anime en 2006. En 2011 el mismo estudio se encargo de producir otro anime bajo el nombre Gintama’. También cuenta con 2 OVA’s, una película y una novela ligera.

La historia nos sitúa en un Japón invadido por unos aliens conocidos como Amantos, que han dotado al país de unos avances tecnológicos desmedidos pero que a su vez le han quitado toda autoridad a los humanos. Para evitar revoluciones se ha prohibido el uso de cualquier tipo de espadas aunque hay personas que se mantienen fieles a sus creencias y convicciones de antaño. Este es el caso de Gin, que junto a dos amigos tan estrambóticos como él, ha abierto una tienda conocida como Yorozuya, en la que se dedican a aceptar cualquier tipo de trabajo que les pidan, aunque rara vez consiguen una recompensa monetaria decente y tienen problemas hasta para pagar el alquiler.

El objetivo básico del manga es hacer reír, pero con el paso del tiempo Sorachi decidió meter en la historia un poco de dramatismo.

Los 20 primeros capítulos del anime (al igual que el primer y un poco del segundo tomo del manga) pueden parecer bastante aburridos (y la verdad, hay muchos que han dejado de ver la serie por eso mismo) porqué son algo introductivo. Pero a partir de estos la historia se convierte en algo bastante absurdo y cómico. Tanto en el anime como en el manga se mezclan capítulos de lo más estúpidos con capítulos con los que te tronchas, por lo que no es recomendable dejar de ver la serie porqué un cap de desagrade, ya que seguro que con el siguiente te dará un subidón “risótico” que no te lo aguantará nadie.

Preguntando a varios amigos he obtenido una conclusión clara: Gintama mola y es algo que sólo se puede demostrar viéndola, las palabras poco sir ven con este ejemplo.

Lovely complex (LoveCom) Es un manga creado por Aya Nakahara. En 2006 se hizo un juego para PS2 y una película Live Action.

Una adaptación al anime vio la luz en abril de 2007.

Hay también un manga llamado Lovely Complex Deluxe en el que el rol protagonista lo tiene el hermano de Risa (la prota de LoveCom) y se adentra en su vida colegial.

La historia nos presenta a dos jóvenes: una chica muy alta llamada Koizumi Risa (1,72m) y Atsushi Otani, un chico muy bajito (1,56m). Los llaman All Hanshin Kyojin (un dúo japonés de cómicos en el que uno es muy alto y el otro muy bajo) por culpa de que un profesor les llamará así el primer día de insti. Eso provoca que los dos empiecen a llevarse mal hasta odiarse mucho. Otani está interesado en una de las amigas de Risa y, cuando se entera que a esta le gusta un chico de las clases de verano, le propone dejar a un lado sus diferencias y ayudarse mutuamente. Con esto descubren que tienen muchas cosas en común, por ejemplo el cantante favorito de ambos es Umibôzu, y esto hace que sus amigos empiecen a querer juntarlos como pareja.

Cuando uno ve esta serie no puede evitar acordarse de Love Hina o Kare Kano en sus inicios. En la historia se mezcla el drama, el romance y sobretodo la comedia.

El final del anime a muchos les parece algo demasiado rápido, ya que a partir de 20 empiezan a meterse personajes de forma muy seguida y puedes llegar a perderte un poco, aunque la historia siempre evoluciona de forma lenta y calmada.

Quizá, la única pega que le podría sacar (yo) es que Risa sea tan llorona y sus amigas tan tontainas.

Aunque lo mejor de todo son las caras de Risa y Otani y el acento de Kansai con el que hablan toda la serie.

Para quien quiera reírse mucho y llorar un poco y para los que amen las series románticas esta es la historia perfecta.

Lucky star Bueno, en este caso no hablaré de esta serie, ya que mi compañera Miriam os ha preparado un estupendo arti sobre la misma. Sólo la coloca para que sepáis que para muchos es una de las mejores series de comedia que puede haber.

Minami-ke Manga creado por Koharu Sakuraba y serializado en

la revista Young Magazine de Kodansha en 2004. Se hicieron tres adaptaciones al anime por dos estudios distintos: Doumu hizo la primera temporada en octubre de 2007, y la segunda (Minami-ke: Okawari) y la tercera (Minami-ke: Okaeri) fueron producidas en 2008 por el estudio Asread. En Agosto de 2009 se sacó un episodio extra llamado Minami-ke-Betsubara OAD. Minami-ke nos cuenta la vida de 3 hermanas, Haruka, Shana y Chiaki, de una forma muy divertida.

Este anime está muy bien narrado, es ligero y tranquilo, y a la vez está lleno de humor y realismo. No sólo nos encontramos con unas protagonistas llenas de detalles y vida. El elenco que las acompaña tampoco tiene nada que envidiar a nadie.

La segunda temporada flaquea un poco en cuanto a historia y la tercera empeora de manera notable en lo que se refiere a la animación, algo que da bastante pena y nos dice algo como “esta se hizo corriendo y con mucha prisa”. Pero sin duda, la primera temporada hace que esta serie destaque entre todos los “slice of life” (recuentos de la vida) sin pretensión alguna.

Nichijou Manga creado por Keiichi Arawi que se publicó en diciembre de 2006 en la Shonen Ace y que se adaptó al anime en abril de 2011 por Kuoto Animation.

Vridge y Kadokawa Games sacaron en julio de 2011 un videojuego para PSP. La serie sigue las vidas de un grupo de colegiales. La historia está repleta de elementos absurdos: una chica robot creada por una científica de 8 años, un chico que conduce una cabra para ir al instituto con su mayordomo, una chica que consigue armas de fuego de la nada, un gato que habla y un director que es un luchador experto. Aun así, la serie nos muestra la vida totalmente normal de estos estudiantes.

Este slice of life es a la vez entrañable y cómico. El elenco es sin duda lo más destacable de la historia, una mezcla de personajes de lo más variopinta, que hace que ver esta serie sea una de las delicias de cualquiera.

Esta serie sabe cuando sacarnos una carcajada, y no hablo de una cualquiera, hablo de carcajadas que resuenan por todo tu edificio, de estas que casi se te sale de sitio la mandíbula.

La suerte del anime, es que los capítulos son indepen-

dientes entre sí, aunque en todos se puede ver los lazos que se van forjando entre los personajes.

School Rumble Manga escrito por Jin Kobayashi, cuya adaptación al anime fue dirigida por Shinji Takamatsu. El manga se empezó a publicar en la Shonen Magazine en 2002 y la emisión del anime (fiel al manga) comenzó en Octubre de 2004. Cuenta también con 2 OVA’s.

Nos cuenta la historia de los estudiantes del instituto Yagami. Tenma Tsukamoto es una estudiante de segundo curso que se siente atraída por Ooji Karasuma, un excéntrico chico que es realmente especial por sus formas de actuar. A Tenma le cuesta declararse por lo que empieza a usar las técnicas más surrealistas e inverosímiles para que Ooji le haga caso. Todo se complica con Kenji Harima, un delincuente que esta enamorado de Tenma y que usa las mismas técnicas que ésta para declararse. Los intentos de ambos personajes por declararse crean situaciones de lo más hilarantes.

Lo que más me gusta de esta serie son sus personajes, alejados de los tópicos, y su perfectamente llevada trama. Tenma es estrafalaria y su comportamiento disparatado y lleno de energía. Harima, cuya apariencia nos hace pensar que es el típico motero bruto y brusco, se convierte es algo casi ridículo cuando sus sentimientos y sus ganas por declararse derrumban esa fachada de delincuente.

Los personajes secundarios le dan incluso más vida a la serie: la niña rica, la chica con tipazo, la chica tímida con más fuerza que cualquiera, el amante de las tortugas, la tímida asesina y el chico que quiere ser el matón del colegio pero es demasiado patoso para serlo.

La serie avanza y con ella las personalidades de los personajes, ya no sólo nos encontraremos con triángulos amorosos, se nos presentarán heptágonos de lo más cursileros y pastelosos (todo esto, sin perder un ápice de comicidad).

Sin duda es uno de los manganimes que hacen pasar más buenos momentos.

Seto no hanayome Manga de Tahito Kimura. El primer volumen se pub-

licó en 2002 en la Monthly Gangan WING. En abril de 2007 se estrenó por la cadena TV Tokyo un anime dirigido por Seiji Kishi.

Nagasumi Michishio es un adolescente que durante sus vacaciones de verano va con sus padres a visitar a su abuela. Cuando va a la playa sufre un pequeño accidente y empieza a hundirse en el mar y, cuando ya se da por muerto, es rescatado por San Seto, una joven sirena. Esta acción perjudicará a Seto por doble: primero porqué los humanos no deberían saber que las sirenas existen y segundo porqué se debe casar con Nagasumi. Esto hará que empiecen a haber una serie de discrepancias con el muchacho, sobretodo por el pequeño detalle del padre de San, que prefiere asesinarlo.

Es una serie bastante buena, con una animación muy precisa y detallada y unos momentazos de lo más irrisorios. Las deformaciones que sufren los personajes en algunos momentos son de lo más caóticas.

Llena de parodias hacia otras series y películas, Seto no hanayome lleva de forma magnífica su trama.

Sin duda, es de las mejores series que se puede ver si a uno le gusta ver la fantasía y la comedia en una sola historia.

Por Neko Mai

Lucky Star es un anime creado a partir del manga de tiras cómicas dibujado por Kagami Yoshimizu allá por el 2004. Es un anime de comedia, parodia, y sucesos de la vida cotidiana que trata de la vida de 4 estudiantes de secundaria, Konata Izumi, Kagami Hiigari, Tsukasa Hiiragi y Miyuki Takara.

A través de toda la serie veremos cómo es el día a día de estas cuatro chicas, cómo viven, además de las conversaciones más variopintas que tienen lugar en el instituto, en casa de alguna de ellas, o cuando salen por ahí a divertirse, que hace que nos demos cuenta de cosas que hacemos a diario sin reparar en ellas.

Todo esto mezclado con mucho humor y con parodias de otras series tales como, “Evangelion”, o “Suzumiya Haruhi no Yuutsu”, haciendo también referencia directa a otras series de Kodokawa Shoten, además de otras tantas en las que se mencionan sin proporcionar el nombre, ya que varias son de otros estudios.

Esta serie no tiene una trama elaborada o profunda con continuidad, ya que está basado en tiras cómicas, donde cada capítulo tiene principio y fin, en muchas ocasiones, los capítulos en sí, no tienen ningún tipo de historia, y esto es lo que la hace diferente al resto de animes de vida cotidiana, donde en cada capítulo encontramos una mini-trama con su mini-solución, pero en Lucky Star, muchas veces... una situación con otra dentro del mismo capítulo ni tan siquiera comparten tema.

Uno de los recursos que tiene, son los diálogos, donde sencillamente vemos la relación que tienen los personajes unos con otros en las conversaciones que se desarrollan en común, donde cada una da su opinión, sin que tenga más repercusión que ésta, ya que ninguna soluciona sus vidas, ni cambia de forma de pensar, tan solo quedan en eso, en conversaciones de temas cotidianos.

Los personajes son todos bastante curiosos, todas ellas tienen unas personalidades muy dispares las unas de las otras.

Empezando por Konata (Kona-chan), diremos que es la atípica chica protagonista, ya que no está dotada de un gran carisma, constancia o otras tantas características que suelen identificar a los protagonistas de las series.

Es atlética, inteligente, dramática, y alegre, pero también se aburre con facilidad si algo no le interesa.

A pesar de ser una persona atlética, es bastante vaga... más que bastante... muy vaga, y es de las que usan el método de “la noche antes” a la hora de estudiar.

Entre sus aficiones, encontramos que es toda una buena otaku, que colecciona todo tipo de merchandising de sus series favoritas, como podemos observar en su habitación repleta de mangas y muñecos (el sueño de tod@ otaku), ademas es una jugadora muy asidua de MMORPG, en el que se pasa hasta altas horas de la madrugada jugando junto con su profesora

la cual, se pasa el día diciéndole a través del juego que debe estudiar, y recordándole los deberes que tiene que hacer.

Konata odia ser tan bajita, pero no duda en aprovecharse de ello siempre que la situación lo requiera, además, tiene poco pecho, pero suele decir delante de sus amigas que “tener poco pecho es un valor escaso que la hace única”, realmente... no se consuela quien no quiere..

Es huérfana de madre, pero la tiene casi olvidada ya que por lo que se ve la perdió siendo ella muy pequeña.

Además de todo esto, Konata tiene un peculiar sentido del humor llegando a ser en ocasiones algo cruel, también se toma las cosas bastante a la ligera a menos que sea algo que ella considere primordial (véase manga, anime o videojuegos).

Kagami Hiigari es la mayor de las gemelas, es madura, aplicada, inteligente, sensata, y una tsundere de cuidado, siempre y cuando Konata la saque de quicio.

La pobre siempre esta separa de sus amigas en clase, aunque en segundo curso cambio de rama para poder ir con ellas, tuvo mala suerte y fue la única separada del grupo, aun así tiene amigas en su clase. Aun así, siempre que puede se pasa por allí, sobre todo a la hora del almuerzo.

A diferencia de su hermana no se le dan bien las tareas del hogar y... es algo más realista que el resto.

Le encantan los videojuegos pero no le gustan los mismos que a Konata, y en más de una ocasión dice que esos no son normales, también tiene como afición leer novelas ligeras, aunque dentro del grupo de amigas no comparte el gusto con ninguna.

En muchas ocasiones cuando escucha hablar a Konata sobre su mundillo personal, es la que le dice que no entiende nada de lo que habla, y la que más le recrimina que debería empezar a plantearse qué hacer con su vida, y vivir algo más alejada de los MMORPG. Tsukasa Hiigari es la pequeña de las gemelas, es infantil, torpe, soñadora, y no demasiado ducha en cuanto a estudios se refiere, pero se le da genial la cocina.

Destaca mucho por su carácter tierno e infantil, Konata la describe como el prototipo kawaii perfecto y en ocasiones es acosada por los fanáticos del anime en los lugares a los que suele ir acompañándola.

En alguna ocasión en que alguna de ellas tenía una duda, y ni tan siquiera Miyuki ha sabido responder ha sido ella la que ha dado la respuesta, creando en las demás un sentimiento de fracaso absoluto.

Miyuki Takara, es proveniente de una familia adinerada, es probablemente la que mejores notas saca de la clase,

pero esto no le impide ser una persona torpe y despistada la cual es capaz de no escuchar su nombre si está leyendo muy concentrada o de saltarse su parada de metro.

Es descrita por Konata como la típica chica moe, con gafas, agraciada, con pecho... y torpe... muy torpe.

Odia ir al dentista, e incluso durante una de sus bizarras charlas, comentan que tal vez, deberían ambientar la consulta con algo más agradable y entretenido, poco mas... transformaban la consulta del dentista en un Spa-salon de belleza de esos en los que sales nueva.

Aparte de estos personajes principales, a lo largo de la serie también veremos a otros secundarios, tales como Yui Narumi, que es la prima de Konata, es una policía de tráfico enérgica, despistada y muy torpe que de vez en cuando sin mala intención mal influencia a Konata, o la profesora de las chicas Nanako Kuroi, es una solterona que se pasa los días jugando al MMORPG, podríamos decir que... sería la versión futura de Konata, ya que esta a su edad se comportaba de la misma forma.

Después de cada capítulo aparece el Lucky Channel, es un espacio de un par de minutos donde se analizan más a fondo los personajes recibiendo mas información de ellos, tan solo viendo la relación que tienen los dos presentadores, tan dispares uno de otro.

Hablando de su versión en papel, nos encontramos el manga que consta de 8 tomos aun en publicación, publicados por Kodokawa Shoten, ademas de 3 novelas ligeras también publicadas por Kodokawa, entre el 2007 y el 2008.

He de decir que el diseño de los personajes en ambas versiones me resulta muy moe, y realmente me gusto muchísimo, y encuentro los chibis adorables y graciosísimos.

En el tema de seiyuus como dobladora de Konata, tenemos a Hirano Aya, una idol japonesa, que además también dobla a Haruhi Suzumiya, esta también le da voz al opening, además del resto de compañeras Seiyuus que doblan al resto de personajes principales.

Este anime ya me lo habían recomendado unos amigos para ver hace tiempo, pero... no sé por que cuando llegue a la mitad, deje de verlo, realmente no recuerdo los motivos, pero creo que al tratar de verlo una segunda vez, lo entendí, demasiada comedia, si, es cierto, te echas unas buenas risas con los capítulos y sus personajes, pero aun así... se me acaba haciendo pesado por momentos.

Creo que esperaba más de ella, aun así creo que es un buen anime para ver cuando estas aburrido por que las risas con él están aseguradas.

Bueno hasta aquí por el momento.

Nos vemos, y recordad, comprad siempre tres copias para las colecciones.

Por Miriam Grado

“Un alma saludable, habita en una mente y en un cuerpo saludables”, y así es como empieza Soul Eater, una serie de Atsushi Okubo que mezcla comedia, acción, drama, ligeros toques de ecchi (mucho más visibles en el manga) y la cantidad justa de sangre.

La historia se centra en la ficticia Death City, donde encontramos el Shibusen (las siglas de “Escuela Vocacional para Técnicos y Armas de Shinigami” en japonés), ésta es una escuela creada para instruir a Técnicos y Armas, y cuya función es que estos sean capaces de dar caza a los humanos que consumen almas humanas, convirtiendo así las suyas propias en huevos de demonio.

Todo técnico estudiante y arma tienen un propósito en común, conseguir las 99 almas o huevos de demonio, y 1 alma de bruja, para transformar al arma en la próxima Death Scythe, el arma de Shinigami.

Es una serie en la que realmente vale la pena fijarse en los personajes tanto principales como secunda-

rios, ya que ninguno de ellos tiene desperdicio, y yo... os voy a hablar un poco de ellos.

Maka Albarn: Es la protagonista femenina de la serie, asiste al Shibusen y es la técnica de Soul, con el que vive en la Death City compartiendo piso. Es aplicada y muy estudiosa, y junto con Soul son un equipo muy eficiente, siendo su compañero la fuerza del equipo y ella el cerebro, además ella es capaz de ver las almas de los demás.

Su madre también era técnico de guadaña y su padre es Spirit, la actual Death Scythe (la guadaña de Shinigami-sama, el director de Shibusen), no tiene muy buena relación con su padre ya que es un mujeriego y a causa de esto, sus padres se divorciaron y ella perdió la fe en los hombres, pero en el fondo... le quiere...

Dentro del grupo de protagonistas es la más equilibrada, por decirlo de alguna manera... pero es muy propensa a los ataques de ira y continuamente golpea a Soul, a Black Star y a su padre con lo que ella denomina Maka-Chop (es un ataque basado en pegar con el canto de un libro).

Su apellido es por el músico Damon Albarn, de Blur y Gorillaz.

Soul “Eater” Evans: Es nuestro protagonista masculino, un tipo “cool” (según él), es el arma y compañero de Maka, aspira a ser la próxima Death Scythe,

ya que eso lo hará más “molón”... y al principio de la serie está a punto de conseguirlo ya que llevan las 99 almas recolectadas, y tan sólo les falta la de bruja pero eso ya es algo más complicado...

Soul es un gran pianista, y en algunas ocasiones utiliza esto para poder estar en mejor sintonía con el alma de Maka.

Su nombre es en honor al pianista de Jazz Billi Evans.

Black Star: Qué decir de él. Es el que superará a los dioses, y del que todos deberían hablar... o por lo menos eso es lo que él piensa.

Es un ególatra de cuidado, proclama a los cuatro vientos, incluso en medio de un combate (cosa que le delata ya que el utiliza técnicas de asesino), que superara a los dioses. Está obsesionado con ser el número uno, y no soporta que alguien le gane en popularidad, pero también gracias a esto su alma es más grande que la de los estudiantes medios del Shibusen, ya que es capaz de utilizar las vibraciones de su alma sin su arma Tsubaki.

Aparte de esto es un chico hiperactivo, y decidido, aunque no muy puesto en recolectar almas para convertir a Tsubaki en una Death Scythe.

Tsubaki Nakatsukasa: Es el arma y compañera de Black Star, es capaz de transformarse en varias armas ninja.

La pobre a veces se siente desalentada por el ego de

Black Star, y en muchas ocasiones, no ve la posibilidad de recolectar las almas necesarias, pero aun así eso es algo que le gusta de su compañero. Ella tiene un alma bondadosa y cooperativa, y por eso es capaz de ser el arma de Black, ya que él tiene un espíritu algo complicado para poder tener su alma en resonancia con otras armas.

Vive con el temor de que Black la abandone y se busque otra arma ya que ella y Soul se llevan estupendamente.

Death the kid: Es el hijo de Shinigami-sama, osea... un niño mimado y rico que sufre un TOC (trastorno obsesivo compulsivo) con la simetría y los números pares, vive pendiente de ella, hasta tal punto que no es capaz de atacar a enemigos simétricamente perfectos, por otra parte destruirá a sus oponentes si son asimétricos. Él, en cierta manera, se odia, ya que el pobre tiene tres rayas blancas en un lado de la cabeza, y se ve tan asimétrico que cada dos por tres tiene crisis llamándose ser repugnante y cosas

similares mientras golpea el suelo totalmente hundido. También sufre este tipo de crisis si en algún momento le da la paranoia de que dejó en su casa algo mal colocado y eso destruye la armonía que trata de crear en su entrono. Él es el técnico de Patty y Liz, no necesita recolectar almas ya que es el hijo de Shinigami, pero aun así está decidido a crear sus propias armas.

Su nombre hace referencia a Billy The Kid. Patty y Liz Thompson: Son dos hermanas que en su forma de arma son gemelas, pero al adoptar forma humana son completamente diferentes, hecho que desquicia a Kid porque no mantienen la simetría.

Patty es la más infantil de las dos, incluso su forma humana lo es, se pasa el día riendo y asombrándose por todo, y además, cada vez que a Kid le da uno de sus ataques, es capaz de lanzar comentarios empeorando la situación de este mientras se ríe...

Liz es algo más madura, pero solo algo, ésta a diferencia de su hermana se preocupa por su aspecto e ir de compras, como una adolescente.

En el fondo es una miedica que en los peores mo-

mentos se aferra a su hermana para protegerse, y esto hace que me cuestione que cómo un arma que come almas le pueda tener miedo a los fantasmas...

Cambien nos encontramos con Shinigami-sama, director del Shibusen, que es así como ¿curioso?, es un personaje que viste de negro, lleva una careta blanca y unas manos que parecen de goma espuma con lo que practica el Shinigami-chop, además, su voz es un tanto peculiar y eso que es el Dios de la muerte...

Spirit, el padre de Maka y la actual Death Scythe, es un mujeriego recién divorciado por este motivo, y lo único que quiere es proteger a su hija y demostrarle todo el amor de padre que siente sin ningún tipo de éxito ya que siempre la acaba pifiando...

Por otro lado tenemos al Doctor Franken Stein, creo que no hace falta decir a quien hace referencia el nombre. Es un doctor un tanto estrambótico al que todo lo que le pertenece está parcheado,y un personaje que a mí, personalmente, me hizo ver de otra manera la expresión “apretarse las tuercas” o “te falta un tornillo”, creo que es uno de los personajes más perturbadores de toda la serie.

A lo largo de la serie aparecen otros muchos técnicos

y armas tanto compañeros de nuestros protagonistas como armas y técnicos que ya se graduaron en el Shibusen.

Personalmente creo que todos los personajes tienen un aquel carismático por el cual no sabrás decantarte, inclusive los antagonistas como Medusa, una bruja con temática de serpiente (ya que todas las brujas representan a un animal), la cual tiene como arma contra el Shibusen a Crona, que es el usuario/a de Ragnarok. Crona es el personaje confuso de la serie, ya que nunca se especifica si es él o ella y tiene ligeros problemas para poder relacionarse con el mundo o lidiar con las cosas más comunes.

Después de ver de qué trata la serie y ver cómo son algunos de los personajes principales pasemos a hablar un poco del manga y como siempre de las diferencias que encontramos con respecto al anime.

Para empezar he de decir que el anime se mantiene muy fiel a su versión en papel teniendo éste diferencias mínimas en los capítulos iniciales, en esta parte, las diferencias más notables son prácticamente la ausencia de ecchi, ya que en el manga hay unas cuantas más,

pero tampoco en exceso. El problema está a partir del capítulo 37 del anime, ya que a partir de aquí las historias se separan casi drásticamente a pesar de que en el capítulo 38 aún mantiene algo de relación con el manga pero de una forma muy mínima, curiosamente a partir de los capítulos 30, para mi gusto, el anime pierde bastante gracia e incluso por momentos empieza a hacerse pesada.

Estas cosas ocurren cuando se inicia un anime sin que el manga haya finalizado. Personalmente jamás entenderé este tipo de postura, no me gusta tener dos finales diferentes, y en ocasiones, como es el de Soul Eater, hasta historias prácticamente diferentes...

También otra de las diferencias (como pasa casi siempre) es el dibujo, en el anime el dibujo es bastante mejor que en el manga, en un inicio no me gustó para nada el del manga, me pareció bastante simplón, pero poco a poco va mejorando e incluso se ve un cambio en el diseño de los personajes a partir del tomo 3, y ya a medida que avanza diré que me encanta, además el diseño del sol y la luna son estupendos, y cada vez que aparecen en el anime, da la impresión que se ríen de los personajes.

Hablando ya de la edición impresa, este manga fue traído a España de la mano de Norma Editorial, aunque de momento solo se puede conseguir hasta el tomo 16 a pesar de que en Japón ya van saliendo los capítulos del tomo 22. Así que hará falta esperar a ver cuál es el final de esta historia. Además a partir de enero de 2011, junto con la publicación de Soul Eater, se empezó a publicar Soul Eater Not! Que es una secuela del manga, y en teoría sucede a la misma vez que la historia principal haciendo aparición personajes de Soul Eater.

En el anime, en cuanto a openings y demás, nos encontramos con “Resonance” de T.M. Revolution dando apertura a los 30 primeros episodios pasando después a “Black Paper Moon” de Tommy Heavenly6. En los endings tenemos más variedad, a pesar de que el de los 13 primeros capítulos es el que aparece en el ultimo, “I Wanna Be” de Stance Punks, pero estas canciones cambian en el “Repeat Show” que en si es lo único que varía entre una emisión y la otra, aunque se había rumoreado que podría haber sido una segunda temporada.

Ademas de el Soul Eater Repeat Show también tenemos el Soul Eater Late Night en la cual tiene algunas secuencias especiales y poco más, realmente no hay ninguna otra diferencia más entre las dos versiones de la serie.

Bueno con esto concluye mi parrafada sobre Soul Eater que a pesar de tener cosas malas (como todas las series), me encanta, me eché unas buenas risas con ella además de la emoción de querer ver qué pasaba en el siguiente capítulo. Sencillamente me atrapó.

Hasta pronto y recordar... “las puertas, se abren hacia dentro”.

Miriam Grado

La noche aún estaba oscura cuando Tokisada despertó. Era su último día, y lo sabía. Ignorando el crujir de sus cansados huesos, se levantó a hacer sus ejercicios habituales con la espada: desenvainar, cortar, limpiar la hoja, envainar, saludar al oponente vencido y volver a empezar. El hecho de que fuera a morir no impedía que tuviera que mantenerse en la mejor forma posible, para servir adecuadamente a su señor hasta el último instante.

Una vez terminado, se aseó y pasó al altar familiar, donde rogó a sus ancestros para que su espíritu no flaqueara durante la prueba que tenía por delante. Ahí permaneció postrado, hasta que el sol asomó por el horizonte.

Sólo entonces Tokisada hizo que sus sirvientes prepararan la comida de la mañana: arroz hervido con vegetales y un poco de pescado.

Su muerte sería pasado el medio día, por lo que aún faltaban algunas horas antes de que empezaran sus últimos preparativos. Sin dejar que su voz mostrarael pesar que sentía, mandó llamar a Michiko, su esposa. Solo cuando ella se presentó sintió el samurai que realmente había amanecido. Pese al gris de sus cabellos y las arrugas que surcaban su rostro, a Tokisada aún se le antojaba la criatura más bella que pudiera existir sobre la faz de la tierra.

Con toda la calma que el protocolo exigía, el anciano celebró la ceremonia del te. Si este iba a ser su último día, no se permitiría prisas dignas de jóvenes inexpertos. Como la tradición mandaba, charlaron sobre trivialidades: el clima, el cuidado del jardín y otras mil pequeñeces. Todo por disfrutar el momento, con plena consciencia de que el futuro acarrearía suficientes desgracias. Podían ser hombre y mujer, esposo y esposa diciéndose adiós en esta vida, pero ante todo pertenecían a la casta samurai: ninguno de los dos mostraría debilidad, ni aún en la intimidad de su hogar.

Una vez su esposa hubo marchado, mandó llamar a su mayordomo, con quien resolvió los últimos asuntos pendientes antes de su partida: los gastos y características de su funeral, los bienes y obligaciones que dejaría a cada uno de sus familiares, y un largo etcétera.

Terminados estos desagradables deberes, comenzó sus últimos preparativos.

Mandó a sus sirvientes traer sus mejores ropas, y pasó largo rato asegurándose de que hasta el último detalle fuera adecuado: el color de su vestimenta, la disposición de su obi, e incluso que tanto su katana como su wakizashi estuvieran correctamente pulidos y afilados.

Satisfecho, y con parte de su espíritu ya en el reino de los muertos, hizo que le trajeran sus utensilios de caligrafía. Dejando que su mente divagara, escribió su último haiku.

Maldiciendo la debilidad que se empezaba a apoderar inevitablemente de sus miembros, rechazó la ayuda que le ofrecía uno de sus sirvientes y se puso de pie. Con paso digno, salió de su casa y se dirigió al palacio de su señor, donde su destino lo esperaba.

El sol estaba alcanzando el cénit cuando Tokisada llegó a las puertas del palacio. Como era de esperar, una muchedumbre se había reunido a ver el espectáculo. Tristes tiempos corrían, reflexionaba para sí el samurai, si incluso los nobles se apresuraban a contemplar una vulgar sentencia de muerte.

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sada

La marea de kimonos de seda y finos abanicos dejó su parloteo a medida que Tokisada avanzaba, pues veían la resolución en sus ojos, y no podían dejar de admirarla. Lentamente se hicieron a un lado para permitirle el paso, inclinándose respetuosamente: había ofendido a la persona equivocada y ahora lo pagaría, pero partiría de este mundo sabiendo que era considerado digno.

En la entrada a los jardines, una figura lo esperaba pacientemente, observándolo todo a través de su único ojo. Todos se mantenían a una buena distancia suya, pues la única salida a un conflicto con Yagyu Jubei era la muerte.

Cuando finalmente ambos se encontraron cerca el uno del otro, se dieron una reverencia cargada de reconocimiento: a uno por su habilidad, y al otro por el valor y calma que mostraba. Con voz clara, Tokisada se presentó a si mismo y a sus ilustres antepasados, reiterando los actos deshonrosos que había cometido el yoriki de su señor y su voluntad de zanjar el asunto en duelo con el campeón que este hubiera elegido. Pasado el tiempo de las palabras, adoptó su postura para el duelo.

Su oponente simplemente asintió, y asumió una tradicional postura de defensa. La multitud guardaba un silencio sepulcral, e incluso el viento había dejado de soplar: habríase dicho que el tiempo detenía su curso para que Amaterasu, la diosa sol, pudiera ver que sus hijos aún podían mostrar el coraje de antaño.

El graznido de un cuervo interrumpió esta calma, y todo acabó en un momento. Con una ligereza inusitada en alguien de sus años, Tokisada se lanzó hacia delante, desenvainando su espada a medida que acortaba la distancia.

Pero la habilidad de Yagyu Jubei estaba destinada a convertirse en leyenda, y en un instante el anciano caía al suelo, sus entrañas esparciéndose por el suelo.

Con el alma huyendo de su cuerpo, Tokisada atinó a mirar hacia el cielo, y sonrió.

Había cumplido con su deber.

Juan Dougnac

Suplemento de Noviembre.

El Tokyo game Show es una feria y exposicion dedicada al mundo de los videojuegos que se celebra cada aĂąos en la capital japonesa.

La ediciĂłn de este aĂąos ha tenido un record de asistencia, entre otras cosas porque los dos ultimos dias la entrada al publico esta permitida

Lo Mej cosplay

jor del y del dia

13, Rue del Percebe, una serie creada por Francisco Ibáñez. La primera página fue publicada en el primer número de la segunda época de la revista Tío Vivo (6 de marzo de 1961) y pronto adquirió enorme popularidad por su estructura novedosa e inusual.

En apariencia es una serie de chistes casi siempre aislados e independientes, con personajes fijos, encasillados en su papel inmutable y sólo unidos por el edificio donde habitan, permitiendo que el orden de lectura sea en el orden que se desee, aunque a menudo un hecho afecta a más de una viñeta-vecino o a la página entera de haciendo que la lectura sea dirigida, aumentando así el efecto cómico a causa de las asociaciones creadas en los personajes.

La facilidad de lectura de este tebeo, la interminable repetición de los mismos problemas con diferentes detalles, la familiaridad que se crea con los personajes a lo largo de la lectura dispersa de cada página a pesar de que, objetivamente, la mayoría de los chistes son muy simples, así como una ausencia de lectura lineal que hacen de este tebeo un caso único y especialmente atractivo a un nivel inconsciente que pocas otras historietas pueden igualar.

Sin embargo Francisco Ibáñez encontraba difícil continuar dibujando esta serie pues le producía una sensación de enclaustramiento que no podía soportar. En sus otras historietas son frecuentes los viajes, los exteriores, los paisajes urbanos o rurales mientras que en 13, Rue del Percebe tenemos una casilla de extensión fija para cada personaje fijo. No obstante, en 1987, Ibáñez creó, para la editorial Grijalbo, “7, Rebolling Street”, una historieta que explotaba la misma fórmula pero esta vez a doble página y con más personajes.

Pero antes de todo esto habían aparecido otras historietas que habían usado el recurso de desarrollar una trama en un edificio con la fachada seccionada para poder ver su interior. Por ejemplo, Joaquim Xaudaró publicó a principios del siglo XX una página titulada Una casa en Nochebuena. Will Eisner también nos muestra lo que sucede en un edificio en una página “School for girls” de su serie “The Spirit”.

El ejemplo más cercano en el tiempo y aspecto fue una página llamada Un día en Villa Pulgarcito de Manuel Vázquez Gallego donde salen los personajes de Pulgarcito en distintas plantas de un edificio. Tal vez por esto se atribuye a veces a Vázquez la idea

de la serie. En cualquier caso, todos estos ejemplos eran casos puntuales que Ibáñez tuvo la capacidad de convertir en algo habitual.

La primera historieta se publicó el 6 de marzo de 1961 en la revista Tío Vivo. Ibáñez publicó 313 páginas de la serie hasta 1967, aunque fue sustituido durante algo menos de dos meses por Joan Bernet Toledano, quien realizó 7 páginas en noviembre y diciembre de 1967. En 1968 Ibáñez vuelve a tomar las riendas de la historieta realizando 27 páginas más hasta que vuelve a dejar la serie en manos de Bernet Toledano, quien la continuó con 57 entregas más hasta el 26 de enero de 1970. Más tarde se publicaron en la revista historietas repetidas, a veces cambiando las viñetas de una página a otra, hasta el cierre de Tío Vivo en 1981. Sin embargo, en el Extra de Verano de 1970 aparece una página nueva de Juan Martínez Osete.

En 1971 y 1972 se publicaron recopilaciones de las historietas en la Colección Olé, así como otros 3 álbumes en 1990. También hubo recopilaciones en Magos del humor y Súper Humor en 1975.

La recopilación más completa de las historietas se llevó a cabo en la República Federal Alemana entre 1981 y 1983 con 9 álbumes bajo el título “Ausgeflippt - Fischstrasse 13 - irre Typen, heisse Sprüche”. Tal vez la buena acogida en Alemania de la serie fue lo que motivó a la editorial Bruguera a retomarla, encargando la tarea a Miguel Ratera y Ramón María Casanyes en 1984, cuyas historietas conformaron el décimo álbum recopilatorio. En Alemania se llegaron a publicar 5 álbumes más con historietas nunca vistas en España de dibujantes desconocidos, presumiblemente alemanes. En 2002 hubo un recopilatorio en formato Súper Humor que incluía una nueva historieta de Ibáñez.

La parte mas importante de 13, Rue del Percebe’, además del propio edificio es la comunidad que lo habita: En la planta baja hallamos la tienda de ultramarinos de Don Senén, un desconfiado tendero que siempre encuentra modos de engañar a las clientas con el peso y la frescura de la mercancía (aunque a veces le sale el tiro por la culata), que recuerda a Margarito Celemín, un vendedor muy pillín de Blas Sanchís, El dependiente Vicente, de Escobar, El tendero Sisebuto y su aprendiz que es un bruto, de Pedro García Lorente. Al lado, a la cotilla portera de la comuni-

dad de vecinos, quien recuerda Doña Tomasa, con fruición, va y alquila su mansión de Escobar y Doña Lío Portapartes de Raf; de esta última tiene hasta su mismo físico con moño, chal, delantal, falda oscura y escoba. Pero no termina ahí la cosa porque frente a la portería habita Don Hurón (Doroteo Hurón), nada más y nada menos que en una alcantarilla, que posiblemente le fuera alquilada por la dueña de la pensión, a juzgar por lo que asegura en la primera entrega de la serie. A menudo aparece comentando sus problemas con la portera, generalmente sobre transeúntes despistados que caen por el boquete de la alcantarilla o sobre los intentos de una serie de ratas que viven en el pozo y que pelean con el por ella.

En el primer piso moran, a la izquierda un veterinario no muy competente con una variopinta clientela.

A la derecha vive la mezquina dueña de una pensión continuamente superpoblada, en la que destacan los intentos de la mujer por alojar a más inquilinos mediante estrambóticos y severos métodos.

En el segundo piso habitan una anciana de la Sociedad Protectora de Animales que, eterna amante de los animales, no deja de cambiar de mascota (normalmente gatos pero ha tenido incluso una ballena) ni de tener los más variados problemas con ellas, estas situaciones recuerdan a las de Doña Trini y sus animalitos de Escobar. En la puerta de al lado, trabajaba infatigablemente un profesor loco especializado en crear monstruos, inspirado en Víctor Frankenstein. Debido a la censura (solo Dios podía crear vida) el personaje tuvo que ser eliminado, y durante varios números el piso apareció vacío y en venta, otorgándole mayor protagonismo al personaje de la portera al intentar venderlo, siendo el estado del piso el motivo cómico. Posteriormente sería sustituido por un desastrado sastre con mucha cara dura y que lo horripilante que creaba eran sus trajes.

En el tercer piso encontramos a un patoso ladrón llamado Ceferino Raffles que no parece poder dejar de robar cosas inútiles y a su fastidiada esposa, la representación de el Caco Bonifacio de Enrich, teniendo la misma vestimenta (antifaz, chaqueta y pantalón con remiendos) y un ayudante, en el caso de Bonifacio de Panchacio y en el de Ceferino su mujer. El apartamento contiguo lo ocupan una mujer y sus tres hijos pequeños, y en las primeras su hija mayor que buscaba novio, pero sus traviesos hermanos “lograban” hacer que se quedase soltera (echarle imaginación al porque acaba desapareciendo). La historia de los hermanos que estropean las citas de su hermana recuerda a La Terrible Fifí de Nené Estivill y a Lidia y su hermano Jaimito de Joso.

En la buhardilla vive Manolo, un pintor que se encuentra siempre acosado por sus acreedores. De hecho, más que por pintor, se le conoce como deudor eterno y por sus ingenios para escapar de sus acreedores; y es precisamente de los sablazos y engaños de dónde obtiene su “sueldo”. Este personaje recuerda al protagonista de Aniceto, artista incompleto de José Escobar Saliente o Guillermo el conquistador de Gin, aunque su mayor influencia sería Manuel Vázquez Gallego.

En la azotea se encuentra un gato que es torturado por un cruel ratón.

El ascensor del edificio, a pesar de ser inerte, es también un personaje por derecho propio pues, de igual modo, sufre las más diversas peripecias y fenómenos.

Tan pronto no funciona bien como es robado, como está en reparación y es sustituido por variados métodos alternativos (como un cañón o un fuelle gigante para impulsar a los viajantes a los pisos superiores), o es remplazado por nuevas versiones encargadas a variopintos constructores (como un fabricante de juegos de ajedrez, uno de las pompas fúnebres o un vidriero, los cuales predeciblemente proporcionan a modo de ascensor una torre, un ataúd y una botella gigante).

También hay que poner atención a la araña de la escalera que cada vez se disfraza de una manera diferente, lo que recuerda un poco a Mortadelo, quien hace alguna aparición esporádica en este lugar.

También, a veces, aparece por el edificio otro de los personajes de Ibáñez, el miope Rompetechos.

El edificio y varios de los personajes que lo habitan, como el tendero, el ladrón, o la portera, dieron el salto a la gran pantalla al aparecer en algunas escenas de la película “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”. En la película, el 13 de la Rue del Percebe, es el edificio donde vive la madre de Filemón, teniendo como vecinos a los personajes de la historieta.

En mayo de 2010 la casa y sus inquilinos fueron los protagonistas de un anuncio de la conocida marca de refrescos “La Casera” de la mano de la agencia de publicidad GREY. Este anuncio lo dirigió Javier Fesser quien ya los llevara al cine en la película de Mortadelo y Filemón mencionada arriba, aunque al contrario que entonces en que solo aparecían unos

pocos de los personajes, en esta ocasión están representados casi todos los vecinos clásicos del edificio.

En 2009 el escritor Alberto Gimeno publicó la novela Hotel Dorado, abiertamente inspirada en la historieta y en la que trata de dar verosimilitud a los caricaturescos personajes.

13, Rue del Percebe ha influido en la vida real dando nombre a una calle en el municipio de Rivas-Vaciamadrid.

También se ha dicho que la popular serie “Aquí no hay quien viva”, tomó como modelo 13 Rue del Percebe para crear el 21 de la Calle Desengaño, sobre todo en las primeras temporadas, aunque tanto el autor de la historieta como los responsables de la serie lo han negado en alguna ocasión.

Por David Blázquez

“Hacer la 13 Rúe del Percebe, en el momento de hacerla, de crearla, costaba dos o tres veces más que una página corriente. En una página normal y corriente eran tres o cuatro gags, y en la 13 Rúe del Percebe eran 14 o 15, siempre metidos en el mismo lugar, siempre metidos en aquel nicho, no podías hacerlos correr por las montañas o por el campo.

Aquello cuando llevabas ya cien páginas decías “Joder, qué saldrá ahora”, cuando llevabas 300 era “Hostia” y cuando llevabas 500 era “¡Joder, qué pongo yo aquí ahora!”.

Pero salía, salía, y hubieran seguido saliendo.”

En Estados Unidos están viviendo una nueva revolución, aunque en esta ocasión de política no tiene nada.

Es más bien una revolución en el seno de la editorial Marvel, la Casa de las Ideas, los dueños de personajes tan míticos como Spiderman, Lobezno, Capitán América, Thor, Mapache Cohete… Y es que esta revolución (o como ellos mismos la llamaron al principio, la Reevolución) nos está dando un nuevo marco editorial que nace de las páginas finales del evento marvelita del año: Vengadores vs Patrulla-X, actualmente en publicación en España de la mano de Panini Comics.

A pesar de lo que muchos pensaron en un principio, Marvel NOW! sólo es el nuevo escenario sobre el que los grandes artistas de la editorial edificarán el futuro del ya conocido Universo 616, no un reinicio de todo el universo como ya ocurriera el año pasado en la editorial DC tras el evento Flashpoint (que algunos tildan de éxito y otros de fallo absoluto por parecer precipitado). Con un nuevo reparto de los autores entre todas las colecciones, tenemos un prometedor futuro en las colecciones que se han ido anunciando, a saber: • Uncanny Avengers, de Rick Remender y John Cassaday. Esta colección se centra en un equipo que reúne a miembros de los Vengadores y de la PatrullaX por igual, bajo el liderato del mediano de los hermanos Summers, Kaos. Una primera alineación formada por el ya mencionado Alex Summers junto al Capitán América, Thor, la Bruja Escarlata, Pícara y el siempre presente Lobezno harán frente a las amenazas que ni los héroes más poderosos de la Tierra ni los mutantes temidos y odiados por aquellos que han jurado proteger son capaces de afrontar por sí solos.

• A+X, que hereda el planteamiento de la difunta AvX: Versus, juntará a un Vengador y a un Mutante para contar una de las dos historias cortas que rellenarán cada entrega, aquellas historias que no tienen cabida en ninguna de las otras colecciones, ni siquiera

en Uncanny Avengers. En el primer número, Cable y el Capitán América protagonizarán la primera historia, mientras que Hulk y Lobezno harán lo propio con la otra mitad del cómic.

• All-New X-Men, de Brian Michael Bendis y Stuart Immonen. El guionista que ha dado forma al universo de los Vengadores durante los últimos años da el salto a otras franquicias para asentarse primero entre los mutantes. Después de los eventos de Vengadores vs Patrulla-X, la gran mayoría de los mutantes ha regresado al Condado Westchester y además deberán hacer frente a la llegada de la Patrulla-X original, traída desde el pasado a través de una plataforma de viajes en el tiempo. ¿Cómo reaccionarán Cíclope o Lobezno a la llegada de una joven Jean Grey? ¿Y las versiones más jóvenes de Bestia y Ángel a las transformaciones que han sufrido sus yoes futuros?

• Captain America, de Rick Remender y John Romita Jr. Esta serie se centrará en la relación que existe entre Steve Rogers y la organización S.H.I.E.L.D., dando un tono de ciencia ficción con el que no contaba hasta ahora la serie.

• Deadpool, de Brian Posehn, Gerry Duggan y Tony Moore. El Mercenario Bocazas continua con sus andanzas a través del mundo en una nueva e hilarante etapa en la que durante el primer arco se tendrá que enfrentar a ¡los zombies de los presidentes de los Estados Unidos!

• Fantastic Four y FF, de Matt Fraction, Mark Bagley y Mike Allred. La Primera Familia tendrá unas aventuras estrambóticas y eso hará que se ausenten un buen tiempo del Edificio Baxter, por lo que mientras que en Fantastic Four tendremos a los personajes de toda la vida, en FF tendremos a un equipo formado

por los sustitutos que han elegido cada uno de ellos.

• Indestructible Hulk, de Mark Waid y Leinil Yu. Según el propio guionista, en esta serie comenzará todo con un estado de alerta naranja mundial, puesto que el Coloso Esmeralda y su contrapartida humana no han sido vistos durante unas cuantas semanas.

S.H.I.E.L.D. y los Vengadores estarán con los nervios a flor de piel, porque todos sabemos que el bueno de Hulk puede liarlas muy gordas si de repente estalla. Y es mejor tenerlo controlado.

• Iron Man, de Kieron Gillen y Greg Land. En esta nueva etapa en la vida de Tony Stark, veremos al personaje cuestionarse su presencia en el mundo y en el universo, con una nueva armadura negra y dorada bastante chula.

• Thor: God of Thunder, de Jason Aaron y Esad Ribic. El Dios del Trueno tundra una nueva colección de la mano de estos dos grandes autores en la que tendremos una historia contada a tres tiempos: la juventud de Thor en la era vikinga, la actualidad del asgardiano y el futuro en el que es el anciano rey de Asgard.

• X-Men: Legacy, de Tan Eng Huat. Centrada en David Haller, el mutante conocido como Legión e hijo de Charles Xavier. Esta colección tendrá el punto de vista del hijo del Profesor X después de los eventos de Vengadores vs Patrulla-X y veremos cómo afectan al joven los sucesos inmediatamente posteriores.

• Avengers y New Avengers, de Jonathan Hickman, Jerome Opeña, y Steve Epting. Los Héroes Más Poderosos de la Tierra en dos nuevas colecciones que guioniza el anterior escritor de los 4 Fantásticos. Con incógnitas acerca de sus alineaciones, sólo sabemos que el primer arco de Avengers será en el espacio con una alineación de alrededor de 16 miembros. ¿Tendrán páginas y viñetas suficientes para todos?

• Avengers Arena, de Dennis Hopeless y Kev Walker. Esta colección servirá para poner a 16 de los héroes adolescentes de la editorial en un grave aprieto cuando el villano Arcade los secuestre y les obligue a enfrentarse entre ellos hasta la muerte. ¿Será el final de personajes como X-23, Reptil o Nico Minoru?

• Cable & X-Force, de Dennis Hopeless y Salvador Larroca. Después de toda la movida provocada por el Fénix, Cable reúne a un equipo que será tratado como criminales por los Vengadores y todas las autoridades humanas.

• Thunderbolts, de Daniel Way y Steve Dillon.

Hulk Rojo reúne un equipo de expertos en la acción más violenta y se enfrentará a los problemas directamente y de la manera más ruidosa posible. En sus filas podemos ver a Elektra, Veneno, Masacre y el Castigador.

• Morbius: The Living Vampire, de Joe Keatinge y Rich Elson. Una serie que ha sorprendido al aparecer

en los planes de la editorial, centrada en el vampiro que siempre ha sido un villano de nuestro amistoso vecino Spiderman. A ver cómo se desarrolla, porque para un servidor tiene pinta de acabar en miniserie.

• Savage Wolverine, de Frank Cho. Lobezno, en su enésima colección, se unirá a Shanna la Diablesa en una aventura en la Tierra Salvaje. Pocos datos más de la próxima colección del canadiense.

• Superior Spider-Man, de Dan Slott y Ryan Stegman. Esta serie nace de las consecuencias del final de Amazing Spider-Man 700, que aparecerá el próximo diciembre en Estados Unidos. Con el enigma de quién encarnará a este nuevo Spiderman, se nos promete la aparición de unos nuevos Seis Siniestros en los primeros números.

• Uncanny X-Force, de Sam Humphries y Ron Garney. Centrada en Mariposa Mental, esta colección también nace del desenlace del actual volumen de la serie homónima que acabará en diciembre. En la alineación podemos ver a Tormenta, Puck, una mujer vestida como Fantomex y a Espiral, una antigua villana.

Y aparecerá Bishop de nuevo… ¿En calidad de qué?

• Young Avengers, de Kieron Gillen y Jamie McKelvie. Si los Vengadores fueron reunidos por la anterior encarnación de Loki, la actual no iba a ser menos y reunirá a un nuevo equipo de Jóvenes Vengadores en este nuevo volumen de las aventuras de

Wiccan, Hulkling y compañía.

• Guardians of the Galaxy, de Brian Michael Bendis y Steve McNiven. A las filas de los Guardianes de la Galaxia se une un Iron Man que quiere pasar al siguiente nivel y proteger no sólo la Tierra, si no toda la Vía Láctea. Veremos que tal le va a Tony Stark en tantos equipos, que no es como Lobezno.

• Nova, de Jeph Loeb y Ed McGuiness. Esta colección contará la historia de este personaje que toma el manto del fallecido Richard Rider.

• Secret Avengers, de Nick Spencer y Luke Ross.

Ahora saltamos de un equipo de Vengadores que se enfrentan a las amenazas que pululan entre las sombras a uno dirigido por el nuevo Nick Furia (negro, con perilla y parche), Maria Hill y Phil Coulson, que se dedicarán a despertar agentes durmientes entre los héroes para llevar a cabo una u otra misión.

Todas estas son las colecciones que se van a relanzar con un nuevo número uno, pero todas las colecciones de la editorial estarán metidas de lleno en esta nueva etapa de la Casa de las Ideas. Una etapa que, si todo va como debe, tendría que llevarnos paulatinamente a la esperada y prometida Guerra de Ultrón. Esperemos que así sea.

COMIQUEANDO en el viejo continente PIRATAS

La pirateria según la wikipedia es una práctica de saqueo organizado marítimo, que consiste en una embarcación privada, o una estatal amotinada, que ataca a otras con el propósito de robar su carga, exigir rescate por los pasajeros, convertirlos en esclavos o muchas veces apoderarse de la nave. Vamos, arrasa con lo que veas y generoso no seas, esto a grandes rasgos la mayoría de la gente ya lo sabía, ¿no?

Aunque hace ya mucho tiempo que los piratas en el mundo del arte parecían estar muertos y enterrados, si pensamos ahora en piratas, casi todos (por no decir todos) pensamos en un pirata extravagante en particular qué se las ingeniará para conseguir de la forma menos lógica todo aquello que desee. Quemamos ciudades, nos deben temer, brindad compañeros, ya-ho!

Ya-ho!... alguien tiene ron? Creo que es lo que nuestro amigo Jack necesita.

Seguramente, gracias al éxito de de Piratas del Caribe y su peculiar protagonista Jack Sparrow, las historias de antiguos piratas han vuelto a coger fuerza y es por eso mismo, que los dibujantes de cómic europeo han percibido un atisbo de luz del que estirar para hacer resurgir historias encerradas en baúles polvorientos.

Pero es justo esas historias olvidadas donde se encuentra el gran tesoro de los predecesores que dan luz a nuevas obras, aquellos que una vez decidieron probar a crear historias de piratas con grandes aventuras y tesoros inimaginables.

Barbarroja, fue una de las primeras series de piratas creada en 1959 del guión de Jean-Michel Charlier y el dibujo de Victor Hubinon. Este se convertiría en un título indispensable del género de aventuras a merced del clasicismo del dibujo de Hubinon y los guiones

de Charlier, colmado de momentos en los que su joven protagonista, Eric, pone en campo su ingenio para salir bien librado.

Los dos primeros álbumes editados por Glénat en 1994 hizo de Barbarroja una de las obras más demandadas por los aficionados españoles a la BD clásica. Y es ahora, después de un año de rumores, que Ponent Mon anuncia la publicación del primer volumen integral de Barbarroja, el Demonio del Caribe para el último trimestre de este año. Las nuevas generaciones podrán volver a disfrutar de las aventuras del temible Barbarroja.

Por otro lado, el marinero homónimo italiano conocido por excelencia, Corto Maltés, nació de la mano de Hugo Pratt en 1967, que convirtió a ese marinero romántico de silueta estilizada en un icono del siglo XX. A través de este Ulises moderno, hijo de una hermosa gitana y un marinero británico que se enrola en la Royal Navy, Pratt revolucionó el mundo de la historieta con la primera obra La balada del mar salado.

La obra fue calificada por el intelectual argentino Oscar Masota como “literatura dibujada”. Los trazos y los colores son tan sombreados y claros que sólo con sus dibujos acapara la atención. Pero Corto Maltés

desapareció durante la Guerra Civil española, Pratt consideraba que este conflicto fue la última guerra romántica.

Su autor nunca dibujó su final pero en Bajo el signo de Capricornio el mismo Corto nos dio una pista “una gitana me predijo que cuando yo muera, morirían conmigo todos los que estén a mis alrededor”. El mundo después de esa guerra ya no era un mundo para Corto Maltés, pero como todo personaje emblemático siempre es recordado. Maltés sigue existiendo ahora de innumerables formas aunque no sea en nuevas historias.

Para seguir la ruta del mapa del tesoro, llegamos a España, concretamente a Barcelona donde el guionista de cómics y novelista español Víctor Mora y el dibujante Ambrós, crearon en 1970 El corsario de Hierro.

El Corsario de Hierro fue una de las últimas historietas de aventuras publicadas en Bruguera en una época en que el interés por el género empezaba a menguar.

Y con un cambio de rumbo, y de género, nos encontramos con una mujer aventurera en Los pasajeros del viento (Les Passagers du vent) de François Borugeon en 1979 hasta 1984 con la 1ª serie. Será luego, dando un gran salto en el tiempo en 2009 y 2010 llegaría la 2ª serie, Brunelle et Colin, con la cual el autor consiguió un gran éxito.

Su protagonista, Isa, que ha de vestirse de hombre para poder moverse sin dar sospecha entre los tripulantes de un barco de guerra, no teme plantarle cara

a los prejuicios de una sociedad promovida por el género masculino. Ella querrá demostrar que puede conseguir algo que parecía imposible de conseguir, libertad. En la obra esta idea se puede ver reflejado en la protagonista por su lucha contra la dominación masculina y religiosa, y por la trata de esclavos.

La experiencia del autor nos traslada en su viaje con gran detalle desde la Europa disputada por ingleses y franceses hasta el África colonial. No teme mostrar, a través de unos diálogos increíblemente bien trabajados, las diferencias y disputas sobre la condición humana, mostrando siempre las dos caras, poniendo siempre al ser humano es un ámbito ambiguo.

Los pasajeros del viento, acompañada del peso y la verosimilitud de la época, del seductor diseño de personajes junto con una ambientación cuidada y sus grandes reflexiones morales, hacen de esta obra una de las más gratas lecturas.

Pero el mismo viento se fue llevando poco a poco a los piratas y fueron desapareciendo de nuestros mares y nuestras historias de aventuras. Puede que aparecieran de forma poco notorias saludando con la mano mientras pasaban de largo, pero no eran mucho más perceptibles sus apariciones.

Con el tiempo, los franceses dieron un nuevo salto al género piratil. No fue hasta el 2000 con la reaparición del conocido Capitán Patapalo. El pirata más infame y cínico que haya surcado los océanos que cobra vida de la mano de Christian Rossi y de uno de los guionistas más internacionales, Enrique S. Abulí.

Como todo pirata, Patapalo no es un héroe sino un tipejo infame y cínico. Pero no será él sino su grumete más jovenzuelo, Blondin, quien será el principal protagonista de las aventuras en el navío de Patapalo.

La obra está escrita en tono humorístico con el fin de restarle dramatismo y crueldad a esta profesión de ladrones de agua salada.

Siguiendo el rumbo de la brújula en estas mismas aguas francesas llegamos a encontrarnos con Isaac el pirata en 2001. El talentoso tanto como dibujante como guionista Christopher Blain narra las aventuras de un pintor que acaba embarcándose en grandes aventuras de alta mar.

Isaac el pirata representa una obra sublime en casi todos los sentidos. La acción fluye por sí sola, su narración tan cuidada hace que la lectura sea lineal sin brusquedades molestas. Blain encuentra el momento justo de cada parte para saber darle la presión necesaria de modo que los momentos sean perfectos.

En cuanto sus personajes, están detallados hasta el último recodito, llenos de vida y autenticidad de modo que puedas sentir con ellos de forma casi viva.

Cada uno tiene su propia historia sujeta a un destino que les mueve por las viñetas.

Otro de los aspectos más llamativos es el uso del color.

Es un elemento fundamental que capta y acompaña completando así la narración y añadir intensidad a las historias. Todo está plasmado con la luz, la intensidad y el cromatismo perfecto que da una gran credibilidad a las escenas. Como la perfecta aurora boreal en el segundo álbum, Los hielos. Puede hacerte sentir que estás ahí mismo.

Y poco a poco, surcando nuevos mares errando en el

se centrará en encontrar parte del tesoro que todavía se encuentra oculto.

La narración a cargo de Pascal Bertho es sencilla y fácil de leer con una trama que resulta natural, lo que hace su lectura totalmente llevadera. Mientras que el dibujo viene de los lápices de Tim McBurnie, de colores claros alejándose de los tonos oscuros haciendo la visión más limpia, pero también fuera de lo común del mundo de los bucaneros, echando en falta las vistas de algún paisaje eterno. tiempo, llegamos al linde con los Piratas del Caribe y nuestro amigo Jack Sparrow, que junto con sus aventuras y su caricaturesca puesta en escena, hace mella de forma explosiva en un gran número de público creando así un afán por todo lo relacionado con los piratas.

Así nos quedamos vagando por aguas francesas, quienes deciden aprovechar el boom del afán por las aventuras de piratas. Comenzando por las aventuras de un barón, el Barón de Ballantrae que llega hasta nosotros en 2006 por Hippolyte (seudónimo de Frank Meynet). Con esta creación el autor compone una de sus obras más oscuras donde intenta reflejar la maldad humana.

La obra es el resultado de una recuperación del clásico de Robert Louis Stevenson, The Master of Ballantrae.

Las adaptaciones de las obras de Stevenson han sido una constante en el 9º arte. La recreación que ha hecho Hippolyte de la novela supone una bella adaptación gráfica con unas acuarelas frescas y llenas de vida con aires shakesperianos.

Y es justamente otra obra de Stevenson la que nos trae no una sino dos nuevas adaptaciones de la obra La isla del Tesoro. Por un lado una obra más apacible como Siete piratas y por otro una obra más oscura con el nombre de Long John Silver ambas publicadas en 2007.

Empezando por Siete piratas, éste ejemplar forma parte de una colección de 7 números que tratan sobre 7 misiones, totalmente diferentes entre ellas, en las que encontramos a 7 personajes con personalidades muy dispares.

Es en el número 3 de esta colección donde encontramos Siete piratas, una continuación algo diferente de la isla del tesoro 15 años después, donde su aventura

Por otro lado, si nos situamos en la visión de Long John Silver, está basado en el personaje de John Silver el Largo, un desalmado que formó parte de la tripulación del Capitán Flint, el típico pirata de loro en hombro y pata de palo, que se encuentra años después al cargo de una expedición que encabezará Lady Vivian Hastings, título del primer álbum, al sellar un pacto de sangre con ella.

La obra, de la mano de Xavier Dorison como guionista y Mathieu Lauffray como dibujante, han plasmado de forma sublime el mundo más oscuro de la vida de pirata sin dejar de presentar en sus escenas los típicos clichés propios del género.

Dorison es un guionista experimentado en el mundo del cómic de aventuras que con mucha habilidad ha unido los viejos cimientos de la obra de Stevenson con las nuevas historias a relatar. Los nuevos personajes, van siendo presentados poco a poco a lo largo de la obra de modo que enganche y deje con interés al lector por saber quiénes son los granujas que ocupan el barco y cuáles serán sus desdichas en sus viajes.

Los dibujos de Lauffray, sobretodo de las portadas de cada tomo, son una maravilla de detalles y colores sombríos que engarzan con el mundo inquietante y sombrío del mundo pirata. Ofrece un dibujo espectacular, con una excelente planificación de viñetas en cada página con espectaculares splash page el uso del color con la colaboración de Thim Montaigne, consiguiendo una magnífica ambientación.

Un año más tarde, Patrice Pellerin nos hace llegar El Gavilán, una obra más sencilla que recuerda que el mundo el cómic también es una forma simple y llana de entretener. La obra no busca relatos con reflexión moral ni recuerdos del ayer sino solamente y únicamente el hobbie de leer un buen cómic.

El Gavilán es una obra de aventuras clásicas donde el protagonista, Yann de Kermeur , es acusado del asesinato del Conde de Kermallec que consigue huir pero toda su tripulación se queda encarcelada, llevando al Gavilán a una serie de aventuras para recuperar su tripulación, su nave y su inocencia.

Tanto el guión como el dibujo son de Patrice Pellerin.

El Gavilán está lleno de un buen guión resolutivamente planteado y bien documentado, que hace que Pellerín pueda explicar la vida de marineros y piratas como si fuera pez en el agua.

Mientras que el dibujo recuerda a otros genios del cómic histórico europeo como Bourgeon o Juillard.

Nos muestra un dibujo realista y preciso al retratar los diferentes escenarios que alcanza su máximo perfeccionamiento con los barcos que navegan los piratas y sus indumentarias.

En este mismo año se presenta ante nosotros Petrus Barbygère, el Elficólogo. ¿Un qué? un hombre dedicado al estudio de los elfos que vive en el bosque de Las Ardenas, un lugar situado en la transición entre los mundos.

En su historia, el pirata Reddy Scarlett y sus secuaces persiguen a un elfo para acabar con su vida y la especie; y su única esperanza es llegar a la casa de Barbygère para salvarse. Pero las maldades de Scarlett serán tales, que Petrus decidirá enrolarse a la mar para liberar a los seres del bosque de las maldades de estos hombres de la mar.

Una historia un tanto peculiar realizada por el guionista Pierre Dubois, un veterano autor, que realiza un guión

lleno de ironía, aventura y misterio para formar junto con el dibujante Joann Sfar una obra divertida, llena de imaginación y colorido que acompaña de forma sublime a las historias de fantasía, de monstruos atípicos que consigue una delicia de cómic.

Con Petrus Barbygère encontraremos una obra llena de pura fantasía, con momentos de una gran imaginación colorida que hacen de ella, uno de los trabajos más originales que unen el mundo de piratas con el mundo de las fábulas.

Y volviendo a un pirata más típico y conocido tradicionalmente, topamos con Sandokán, el tigre de Malasia. Después de muchos años olvidado y abandonado en aquel baúl polvoriento, recuperamos un clásico de la literatura de aventuras de Alfredo Castelli.

El autor consiguió los materiales para hacerlo surgir de sus cenizas. Es uno de esos cómics que siempre hemos oído hablar de él pero que nunca hemos sabido a ciencia cierta si de verdad existió. En 2009 se publicó parte de sus aventuras gracias al guión de Milani y la mano de Hugo Pratt.

Las historias fueron realizadas en 1971 por Pratt para un magazine, su trabajo quedó en el olvido y ahora se ha podido recuperar sus dibujos. Es maravilloso el trabajo que hace en blanco y negro para plasmar las escenas de acción. Un Sandokán físicamente atípico pero con un carisma pirata totalmente reconocido por todos.

Será dos años después en 2011, cuando el mismo Pratt también realizará una adaptación de La isla del tesoro de Robert Louis Stevenson. Pero sería un año antes cuando Fred Simon y David Chauvel también harían su propia versión de la obra.

En primer lugar, el enfoque de la las ilustraciones de Simon y el guión de Chauvel narra las aventuras del joven Jim Hawkins. Un joven que trabaja en una posada que será el único que sepa de la existencia de un cofre que guarda el mapa del tesoro de Flint y se lanzará a surcar los peligrosos mares a bordo de la Hispaniola.

La obra, se basa en los escenarios de la historia original, siendo totalmente fiel a la novela en un estilo marcado que no omite pasajes y ofrece la caracterización de las aguas caribeñas y sus piratas. Es un estilo sencillo y claro que nos muestra de forma clara cada escena de la isla del tesoro.

En cuanto a Pratt su versión de La isla del Tesoros es en realidad de la obra Secuestrados, una historia no tan conocida pero igual de interesante. Es la historia del secuestro del joven David por parte de su tío para que no consiga la herencia que le corresponde.

del color de Jeremy que no nos deja indiferentes siendo capaz de reflejar toda la espectacularidad de cada momento, cada detalle, a la vez que crea personajes convincentes. Aunque no sea en la mar, en sus viñetas no faltan los abordajes y las peleas de espadas a lo más clásico.

Pratt realiza tanto el guión como el dibujo, siendo su historia tan trepidante que es casi mejor que su dibujo.

Consigue que el amor que siente por el mar se note en cada una de sus páginas haciendo de su lectura como algo nuevo y refrescante.

Toda una vida de piratas que nos ha ido acompañando, en mayor o menor medida, a lo largo de la historia. Surcado los mares, viviendo aventuras, intrigas, tesoros, mundos mágicos y grandes personajes que encajan cada momento.

Para su diseño utiliza la técnica gouache, sin diluir los colores en agua consigue unos tonos pastel que acompaña a su narración de modo que el mundo oscuro de los piratas queda atrapado entre la luz de los colores conseguidos en su obra.

Señores, señoras, ha sido un placer hacer este artículo para ustedes, firmare el reportaje con sangre…digo tinta! Y lo he hecho sin probar ni una sola gota de ron! A todo trapo grumetillos!

Y como última obra publicada por el momento sobre el género de piratas, nos encontramos con Barracuda, una obra del veterano guionista Jean Dufaux y el novel dibujante Jéremy Petiqueux, que ha decidido como escenario primordial la tierra y no el mar.

Dufaux decidió darle un giro a las historias de piratas en alta mar concentrándolos en una isla donde nos cuentan las aventuras de tres jóvenes, un aprendiz de pirata, un joven noble que necesita vestirse de mujer para no ser asesinado y la hija de un noble español, que intentan entre aventuras, amores imposibles y traiciones una única meta, sobrevivir.

Las escenas cuentan con el trazo y el destacado uso

Por Judith Hidalgo Pis

ENTREVISTA CON Daniel Estorach por Judith Hidalgo Pis

La gente empieza a contar una historia en un blog, da rienda suelta a su imaginación esperando crear algo que entretenga y atraiga a unos cuantos internautas, pero ¿qué pasa cuando se convierten en miles de internautas y abren la posibilidad de que tu historia se convierta en una novela? Pues eso mismo puede decir Daniel Estorach de Hoy me ha pasado algo muy bestia, la historia que empezó como una nueva forma de crear un “héroe” diferente que ayuda en las calles de Barcelona, ha llegado a convertirse en una novela y ahora ya podemos encontrarla en nuestras librerías.

-¿Cómo empezó la idea?

- Soy un fan de los cómics de héroes, pero siempre les había faltado realismo. Un héroe real con problemas cotidianos que tenemos todos. La casa, la hipoteca, el trabajo de cada día, los amigos, la familia… es muy fácil ser fotógrafo y hacértelas tu mismo y venderlas a un periódico o ser rico y no tenerte que preocupar por los pagos, ¿Qué pasaría si tuvieras que preocuparte además de lo que ocurre en las calles por tu vida normal? Nadie lo había planteado, y yo quise hacerlo y empecé a escribir cada día en un blog.

- ¿De dónde sacas las historias?

- No quería las típicas proezas de los héroes de salvar la gran ciudad, sino los problemas cotidianos de la calle. Muchas de las cosas que he contado las he vivido. Justamente la que desencadenó que empezará a escribirlo fue que, debajo de nuestra casa un chico pegaba a su pareja, un día me harté y después de gritarle y amenazarle con llamar a la policía la llamé. Pero ¿Qué hubiera pasado si hubiera tenido poderes? Lo mismo con un ladrón de bolso o una banda latina…

- Pero tu redacción es muy personal y con muy pocos detalles y descripciones, ¿Por qué?

- Todo está escrito en primera persona, es el mismo

chico que cuenta sus experiencias de lo que le está ocurriendo, gusto empieza así: hoy me ha pasado algo muy bestia, y cuenta su vivencia. Cuando tu cuentas tus vivencias a una persona no le cuentas los detalles de cómo era la casa donde te habías metido o como era la persona con la que te has encontrado, sólo cuentas lo que te ocurre.

- Aún así los lectores lo han sentido muy cercano, casi real, ¿verdad?

- Sí, hubieron varias personas que llegaron a pensarse que lo que contaba era algo que me estaba ocurriendo de verdad. Incluso algunas personas que posteaban me daban consejos, que tomarme para los dolores de cabeza, qué hacer con la hemorragia, como lavar el pasamontañas para quitar la mancha de sangre, e incluso me intentaron convencer para que no lo publicara porque si la policía lo veía podían denunciarme por tomarme la justicia por mi mano. Al final tuve que escribir expresamente una entrada para avisar que todo era ficción.

- ¿Y cómo has conseguido que haya acabado convirtiéndose en una novela?

- Pues realmente al principio fue un desastre. Al principio lo hablé con la editorial Marge Books porque los conozco ya que trabaje para ellos. Se lo miraron

les gustó y dijeron que intentarían darle divulgación.

Pero al ser una editorial que se encarga de trabajos más de logística, medicina, mediática no supieron realmente como trabajar en el proyecto.

- ¿Y cómo llegó hasta Norma Editorial?

-Pues fueron ellos mismos los que se pusieron en contacto conmigo, me llamo el propio director Oscar Valiente. Yo había mandado la idea de la primera novela a muchas editoriales pero nunca imaginé que Norma Editorial se fuera a poner en contacto conmigo. Me pidió que se la enviara, se lo leyó ese mismo fin de semana y al poco me llamo ofreciéndome una oferta de proyecto.

-¿Y el proyecto en que consta?

-Pues la oferta es la publicación de las tres novelas, tengo la intención de convertirlo en una trilogía, y un cómic por cada una de las novelas.

- ¿Fue difícil la adaptación al cómic?

- Al principio tuvieron algunos problemas porque el libro es en literatura 2.0., tal y como está escrito en el blog se encuentra en la novela. En un libro no crea cortes bruscos pero en un cómic el personaje no se va a pasar todo el día delante de un ordenador contándonos que le pasa. Así que se basaron en el guión de cine.

- ¿Así que tendremos película?

-Es muy posible. Lo que quiero decir es que la historia y la forma de escribir dicen que es una narración muy cinematográfica. Así que para el cómic tiraron de ahí, con un enfoque un tanto diferente, tiene algo de comic americano pero sin ser el típico superhéroe porque no lo es claro, tiene su toque europeo. Tal vez con el tiempo tengamos una DC europea.

- Hoy nos encontramos en la presentación de tu primer libro, ¿ya tenemos fecha para el resto?

- Seguro que el cómic será tan impresionante como tus historias, porque, no sólo hablamos de Hoy me ha pasado algo muy bestia. Tienes otros proyectos ¿verdad?

- La idea es que para el año que viene salga el cómic del primer libro, para Sant Jordi el segundo libro, en el Salón del cómic un anticipo del segundo cómic y para 2014 el tercer y último libro y el tercer cómic aún está por determinar.

- El mayor proyecto en el que estoy trabajando ahora no es un trabajo propio, tengo varios compañeros. Te hablo de Tiempo de héroes. Somos un grupo de escritores que quisimos hacer algo nuevo y que enganchara a través de internet.

- Eres diseñador grafico e ilustrador, ¿trabajarás en la creación de los cómics?

- ¿Y al final cual fue esa idea?

- La verdad es que no, me lo preguntaron y ofrecieron si quería participar en su creación pero preferí dejarlo en mano del equipo. Si que tienen en cuenta mi opinión a la hora de decidir los diseños finales, pero no soy yo quien ilustra o dibuja nada.

- ¿Podemos saber quiénes forman el equipo de creación del cómic?

- No, me lo tienen prohibido. Sólo puedo decir que incluso cuando a mi me dijeron quienes se iban a encargar del guión y del diseño flipé. Cuando salgan los nombres creo que la gente se quedará igual de sorprendida que yo. Lo único que puedo adelantarte es que el guionista fue uno de los aclamados en DC Cómics, y el dibujante a trabajado en varios proyectos en EE.UU., y que el trabajo del colorista es impresionante.

- Pues de justamente Hoy me ha pasado algo muy bestia. Mis compañeros buscaron donde estaba el filón de algo innovador y decidieron que porque no jugar con esa idea. Cada escritor tendría un personaje similar al mío de una parte diferente de España.

- Entonces el blog será igual que el tuyo pero con más “héroes”, ¿no?

-Pues tiene mucho más, cuando los chicos me dijeron la idea les dije, ¿y porque no buscamos ilustradores que nos hagan portada de cada capítulo? Vamos a darle más consistencias, e ilustraciones en cada capítulo. Y además, que alguien nos haga una banda sonora, que la gente pueda ambientarse mientras lo lee.

- ¿Sois un equipo muy grande de escritores y dibujantes a parte de ti mismo?

- Somos 20 en total trabajando en este proyecto, pero

yo ni escribo ni dibujo, soy el coordinador. Me encargo junto con otro compañero de que todo cuadre, porque cada uno de los héroes no es su propia historia individualmente, sino que se entrelazan y relacionan entre si y es un gran trabajo tener que hacer que todo tenga un hilo argumental que guste.

- ¿Ves un futuro posible como el de Hoy me ha pasado algo muy bestia?

- Realmente ya lo tiene, cuando Norma habló conmigo sobre otros trabajos míos y les mencione Tiempo de héroes se quedaron prendados de la idea y quieren también trabajar sobre este proyecto.

- ¿Tienes pensado algún otro proyecto más de cara al futuro?

- Por ahora tengo suficiente con escribir la parte que me queda de la segunda novela de Hoy me ha pasado algo muy bestia y comenzar la tercera. La verdad es que me ocupa mucho tiempo y hace un tiempo que ni publico en otro blog que tengo Aeternitas. Pero por ahora tengo bastante con mi novela y Tiempo de héroes.

RESEÑA El Collar Maya Teo Palacios

FICHA Título: El Collar Maya Autor: Teo Palacios Editorial: aContracorriente ISBN: 978-84-939129-1-8 Páginas: 444 He de decir que me he aficionado y casi coleccionado, las novelas que tienen que ver con que el mundo se acaba/cambia/etc el 21 de Diciembre de 2012 (Es, o será mejor dicho) mi 30º cumpleaños, por lo que me regodeo en que al menos, conseguiré llegar a los treinta, jejeje.

La novela que nos presenta Teo Palacios está partida en dos líneas argumentales: la actual que transcurre en Sevilla y otra que transcurre en el siglo XVI que fue cuando los españoles se cruzaron con los mayas en la colonización de las indias haciéndose con un collar y trayéndolo a escondidas a tierras españolas durante dicha época. Enviado por Hernán Cortés y recibido al otro lado del charco por el Arzobispo de Sevilla que decide ocultarlo. Ya en el siglo XXI aparece un códice que hace referencia al objeto, pero éste se encuentra en tan mal estado que necesita una restauración completa. Ireri Ávila, será la encargada de su puesta a punto, pero se verá obligada a “tenerlo a tiempo” cuando su hija sea secuestrada por los discípulos de Ah Puch, el Dios Maya del Inframundo que desea desatar el caos en la tierra y perpetuar su reinado.

Los capítulos, de amena lectura están entrecruzados para mantenernos la intriga de la historia y conocer los detalles de antaño que nos llevan a los misterios del presente. Al final dejan de ser momentos y lugares

para centrarse en una línea temporal del día D. Es una novela que puede recordar a otras más famosas, pero que es única en su género. Pues mientras otras son pura ficción y nada de documentación con EL COLLAR MAYA nos encontramos una obra maestra sobre un tema que lejos de estar explotado hasta la saciedad como son otros, nos sumerge en la trama y en la historia del descubrimiento de América y su explotación por parte de los primeros colonos españoles.

Una historia fluida que gustará a los aficionados a la ficción histórica.

El autor, tiene otro libro publicado HIJOS DE HERACLES – El nacimiento de Esparta, publicado por la editorial Edhasa. El género de la ficción histórica es claramente, un tema que domina Teo Palacios y queda demostrado que no solo se conforma con un registro de una época concreta. Tan pronto nos asalta con un libro de la antigua Grecia como con una historia de la colonización de América. La novela es muy creíble y se nota que el autor se ha documentado para elaborarla. ¿Qué sorpresas nos depara el autor con sus próximos proyectos?

Aida Albiar

Un Muñeco de Madera (Relato homenaje a los Hermanos Marx)

El comisario de policía Stockton se encontraba de pie, con las manos apoyadas sobre el pequeño atril de roble, y rodeado por sus mejores agentes. Su rostro era amable, como el de un abuelo, pero en sus ojos brillaba la determinación de un gran hombre; alguien que durante los últimos veinticinco años había desempeñado una encomiable labor, y obteniendo resultados tan espectaculares, como el de reducir el índice de criminalidad en un 45%.

Aquél soleado día de marzo, sin embargo, se había reunido frente a sus compañeros, ciudadanos y miembros de la prensa, con el fin de anunciar su dimisión, y al que sería su sucesor.

- Damas y caballeros, amigos todos. Quienes me conocéis, sabéis que soy un hombre sencillo, un amante de la ley, pero también de su familia. Siempre he querido tener una vida tranquila junto a mi mujer, y por eso, creo que ha llegado el momento de retirarme.

Una lluvia de flashes alcanzó al comisario, al tiempo que los periodistas le lanzaban preguntan.

- ¿Quién será el nuevo comisario? – inquirió Charlie Monrow, periodista del Paladium International, conocido por todos por llevar siempre un sombrero verde con forma de campana y ala estrecha.

- Me alegra que me lo preguntes – respondió Stockton -. Su nombre es Max Fisher, y es uno de nuestros más destacados agentes – añadió el comisario antes de hacerse a un lado y comenzar a aplaudir, mientras dirigía la mirada hacia las sillas plegables que se encontraban tras él y sobre las que se habían sentado los doce sargentos de la ciudad.

Los aplausos de la multitud allí congregada se elevaron en el aire, mientras las cámaras de fotos aguardaban a su objetivo. Sin embargo, nadie se puso en pie; por lo que las palmas fueron tornándose, lentamente, en susurros de exclamación y palabras de sorpresa.

- Disculpad – dijo el comisario dirigiéndose hacia un hombre que llevaba gafas, un peinado con raya al medio, y en cuyo rostro destacaba un gran y rectangular bigote. Aquél agente, el nuevo comisario, se hallaba dormido sobre el hombro de un compañero.

Cuando Stockton consiguió despertarle, el bigotudo se puso en pie de un salto y comenzó a gritar: - ¡Fuego, fuego!

Ante aquella reacción, el público estalló en sonoras

carcajadas, que hicieron al retirado comisario enrojecer de la vergüenza. El nuevo jefe de policía, sin embargo, se acercó con tranquilidad al atril, se aclaró la garganta y alzando una mano, comenzó a cantar: Agradezco su presencia hoy aquí Ruego me disculpen, por mi ensoñación Son días duros, incluso para mí Cuando me eligieron, todo era emoción Ahora, sin embargo, no hay descanso Trabajamos en un nuevo plan de acción Ya nadie tendrá patente de corso Esta es mi ciudad, y en ella mando yo Meditadlo, no seré piadoso Tras estas palabras, el público le siguió: Cuéntenos, cuál es su planteamiento Díganos, podemos confiar en él Hable, por favor, éste es el momento Max Fisher, alentado por los presentes, volvió a cantar: Tres normas sencillas, para todo aquél Primero, habrá un toque de queda Para que lo sepan, habrá un cartel Segundo, todos tendrán una clave Que nosotros les proporcionaremos Y tercero, uno-uno-nueve En ese teléfono estaremos Las veinticuatro horas del día Siempre atentos y despiertos

El público, incluida la prensa, rompió en aplausos. Los policías lanzaban al aire sus gorras, mientras los once sargentos (seguidos, en todo momento, por el antiguo comandante) abrazaban y vitoreaban al nuevo jefe de policía. Nadie se percató de la presencia de un hombre rubio y de pelo rizado que, oculto por las sombras de un callejón cercano, retorcía, inquieto, el cuello de un pollo de plástico.

Eran las diez de la noche, momento en que

el toque de queda se levantaba, cuando el comisario Max Fisher caminaba por una de las calles principales de la ciudad. Había decidido que, debido a su nuevo papel en el entramado de la justicia, debía pasar más horas patrullando, lo que suponía vigilar que las cosas fueran como debían. En aquella ocasión le acompañaba el periodista Charlie Monrow, quien estaba preparando un artículo especial para el Paladium International.

- Dígame, comisario, ¿por qué las diez?

- ¿Las diez? ¿Las diez? – dijo el policía alterado -. ¿Qué ocurre a las diez?

- El toque de queda, señor.

- Si, eso ya lo sabía, pero dígame, ¿qué ocurre a las diez?

- A las diez comienza el toque de queda, los ciudadanos deben estar en sus hogares a esa hora.

- ¡Estoy de acuerdo! - dijo el hombre frunciendo el labio superior – No sé de quién habrá sido la idea, pero yo también opino que las diez es una hora tan buena como cualquier otra para ir a dormir.

- Yo también lo creo, señor – añadió el periodista, bostezando -. Es una pena que no haya un colchón por aquí.

- Señor mío, eso es un disparate. Como le vea durmiendo en la calle, le detendré por desorden público... Lo que me lleva a mi siguiente pregunta: ¿cuál es su clave?

- ¿Y cuál es la suya? – quiso saber el periodista.

- No lo sé, dígamelo usted.

- Ah, no, yo no se lo voy a decir.

- Pues, como comprenderá, yo tampoco.

- En ese caso, creo que tendremos que preguntar – zanjó Charlie, quien había visto a un hombre rubio sentado en una escalera de piedra que conducía a una

taberna cerrada.

Cuando los dos hombres se acercaron, el de cabellos dorados se puso en pie de un salto, mientras sacaba unas esposas del interior de su gabardina.

- ¿Cuál es su clave? – preguntó Max al rubiales.

El hombre no respondió, pero hizo gestos en dirección a las esposas, que agitaba frente a él.

- Si, si, como no me lo digas, te detendré aquí mismo – dijo el comisario, impacientándose.

- Señor – la voz de Charlie salía de su boca despacio, como si éste estuviera pensando muy lentamente -, ¿podría ser que su clave fuera “esposa”?

El de la gabardina asintió, emocionado, mientras hacía sonar una estridente bocina que llevaba sujeta al cinturón del pantalón. A continuación, y con un rápido movimiento, colocó los grilletes entorno a las muñecas del comisario. Luego, sacó del gabán un gran martillo, con el que golpeó al policía en la cabeza.

El hombre se desplomó al instante, inconsciente.

Cuando Max recuperó el conocimiento, estaba sentado sobre el frío suelo de un sótano, atado de manos y pies con una gruesa y áspera cuerda.

- Veo que ya se ha despertado, comisario.

- ¿Charlie?

- Si, señor – dijo el periodista, que estaba también atado, de espaldas al policía -. No solo le llevó a usted, sino que a mi también me hizo prisionero.

- ¿Y qué quiere ese loco, si puede saberse? – preguntó el comisario.

- No está loco, señor. Solo es mudo.

- Mudo le voy a dejar yo, como no empiece a hablar. Dígame, quién es nuestro secuestrador.

- Si mira hacia la derecha, lo verá.

Max giró la cabeza en la dirección indicada, donde sus ojos se posaron en un pequeño muñeco de ventrílocuo con forma de niño, vestido con un sencillo traje de rayas, una gorra y unos guantes diminutos.

Al cabo de unos instantes, el comisario dijo:

- Si quiere que el pequeño de la gorra me diga algo, tendrá que introducir su mano por... esa zona. A no ser que sepa hacerlo desde ahí.

Dando un pequeño bote, Charlie se giró en dirección al muñeco. Por la expresión que puso, parecía que no había reparado en el niño hasta entonces.

- No, señor, le he dicho a la derecha.

- Y hacia la derecha he mirado – dijo, molesto, Max.

- ¿Hacia la suya o hacia la mía? – quiso saber el periodista.

- ¡Qué mas da! La derecha es siempre la derecha. ¿O, acaso, su derecha es diferente a la mía?

- No diga tonterías, hombre – espetó Charlie -.

Mire hacia la izquierda, entonces.

Tal y como le había dicho, Max giró la cabeza hacia su zurda, donde vio una pizarra escolar, sobre la que habían dibujado un rostro bobalicón, adornado por una cabellera rizada.

- ¡Ajá! – exclamó el jefe de policía – ahí está nuestro secuestrador, mirándonos con rostro amenazante. Pues a mi no me asusta.

- Señor, eso no es más que un dibujo. ¿Puede leer lo que hay escrito a su lado?

- “Estimado comisario pescador – comenzó Max -, mi nombre es Pinky, y hasta hace unos días, era el propietario de un local nocturno de notable éxito en la ciudad, conocido por los monólogos, espectáculos de magia y números de ventriloquia que en él se ofrecían. Sin embargo, desde que usted decretó el toque de queda, me he visto obligado a cerrar el negocio, y ya no puedo subirme a un escenario, junto a mi amigo Luck...”

- Imagino que ese es el niño – aclaró Charlie.

- Por si no se había dado cuenta, no es un niño, sino un muñeco – puntualizó Max, antes de proseguir -. “Es por esto por lo que le he secuestrado.

Si no anula el toque de queda, me veré obligado a hacer algo que no quiero hacer”.

En cuanto el comisario hubo terminado de leer, Pinky surgió de entre las sombras del sótano, y se colocó frente al él.

- Hola, Pinky, muchacho. ¿Cómo te va? – saludó éste.

El hombre se limitó a realizar un gesto alzando los hombros, antes de mudar su expresión.

- Creo que quiere saber qué ha decidido – dijo

el periodista.

- ¿Decidir sobre qué? – quiso saber Max Fisher.

- Sobre el toque de queda, claro.

- Creo recordar haberle dicho que me parecía que el que tuvo la idea era un hombre brillante. ¡No sé por qué vuelve a preguntarme lo mismo!

Antes de que el periodista pudiera responder, el hombre de cabellos rizados comenzó a extraer objetos del interior de su gabardina, como si se tratara de un inmenso armario (o, más bien, de una armería).

- ¿Tienes permiso para todas esas cosas? – le preguntó el comisario.

El mudo asintió y extrajo un trozo de papel de uno de los bolsillos.

- Déjame ver – pidió Max, quien comenzó a leer con detenimiento el documento -. Tomates, lechuga, cebolla, un poco de ajo... ¡Esto no es más que los ingredientes de una ensalada! – le espetó.

Sin embargo, Pinky se limitó a realizar un nuevo movimiento con los hombros y, empleando un cuchillo de carnicero, señaló la pizarra.

- Está bien. De acuerdo. Si me sueltas, no habrás más toque de queda.

El rubio, sonriente y agradecido, les liberó a los dos.

Una vez los tres hombres se hubieron estrechado las manos, Max pidió un teléfono, con el fin de llamar a la comisaría y que les fueran a buscar. Previamente habían acordado no hablar con nadie sobre el asunto.

Uno, uno, nueve, marcó el comisario.

- Pastelería McGraff, dígame.

- Disculpe, se ha equivocado, aquí no hacemos pasteles. Esto es la comisaria – dijo el policía.

- En ese caso, manden un coche patrulla – dijo la mujer, al otro lado del teléfono.

- ¿Cuál es la emergencia, señora?

- Han entrado unos hombres pidiendo sopa de ganso. Y como no teníamos, han dicho que iban a llamar a la embajada de Fridonia. Creo que puede estallar una guerra.

- No se preocupe. Estamos en ello. Nuestro mejor hombre va en camino...

Por Miguel Rodríguez Robles

LUCES, CÁMARA Y LOS ACCIÓN...

HERMANOS LOS INICIOS

Los Hermanos Marx eran originariamente cinco hermanos de Nueva York que tuvieron un gran éxito en Brodway en un principio y en el cine posteriormente.

De los cinco hermanos solo cuatro empezaron la aventura cinematográfica, Chico, Harpo, Groucho y Zeppo aunque este último solamente apareció en las cinco primeras películas y siempre en papeles menores.

En sus inicios solamente realizaban números musicales en teatros, aunque pronto se dieron cuenta de que su faceta humorística ( algunas veces sin buscarlo ) triunfaba más que sus dotes como músicos, por lo que pronto empezaron a mezclar el humor en sus números musicales.

Debido a sus éxitos en Brodway pronto les llego la posibilidad de dar el salto al cine LAS PELICULAS Su primer contrato en Hollywood lo firmaron con la Paramount y le produjo sus cinco primeras películas.

Sus dos primeras películas fueron adaptaciones de sus obras de Brodway, “Los Cuatro Cocos” en 1929 y “El conflicto de los Marx” en 1930. Su tercera película “Pistoleros de agua dulce” fue la primera que no se baso en ninguna obra suya anterior. Su cuarta película fue la que marco un poco el despegue de la carrera de los geniales Hermanos, “Plumas de caballo” fue una sátira tanto del sistema estudiantil universitario como de la “ley seca” y se convirtió en su película más popular, en esta película fue la primera vez que se utilizó un gag que se repetiría en algunas películas posteriores, en el que Harpo se sacaba de los bolsillos de su gabardina objetos totalmente inverosímiles como una espada, un cartel, una taza de té caliente….

La quinta y última película que realizaron para la Paramount fue “Sopa de ganso” que está considerada como una de las 100 mejores películas de la historia, curiosamente realizó peor taquillaje que “Plumas de caballo”.

MARX

También fue la última película de Zeppo que pasó a ser el representante de los Hermanos, por suerte para todos ya que sus dotes humorísticas distan mucho de las de sus hermanos, algo que quedaba patente en sus películas.

Los Hermanos firmaron contrato con la MGM e hicieron algunas de sus mejores películas, la primera que realizaron para la MGM fue “Una noche en la Opera” una de sus películas más disparatadas y con algunos de sus gags más famosos y que hoy en día forman parte de la historia del cine. Dos años más tarde rodaron “Un día en las carreras” y pusieron patas arriba una carrera de caballos.

Con la RKO solamente rodaron una película “El hotel de los líos” y que no tuvo el éxito esperado, por lo que volvieron a la MGM en la que rodaron tres películas más, “Una tarde en el circo” “Los Hermanos Marx en el Oeste” y “Tienda de Locos”. Al terminar Tienda de locos los Hermanos anunciaron que se retiraban del cine, pero las deudas de juego de Chico hicieron que se lo replanteasen y firmaron dos películas más con United Artists para la que realizaron “Una noche en Casablanca” y “Amor en Conserva”.

Las películas de los Hermanos Marx nos proporcionaron multitud de escenas inolvidables y que forman parte de la historia del cine, quién no recuerda el camarote lleno a rebosar y sin parar de entrar gente, o el contrato más famoso de cualquier película que contenía la parte contratante de la primera parte….., o el ya famoso “Más madera….” O la bocina típica de Harpo que a buen seguro será el mudo que más ha hablado en el cine, Margaret Dumont…. Y sobre todo a ese personaje con un bigote falso pintado con betún y con una verborrea capaz de embelesar a cualquiera y que nos ha dejado algunas de las frases más ingeniosas escritas nunca en el cine, vamos con unos ejemplos

-¡ Oh su excelencia !

-Tu tampoco estás mal… ( Sopa de Ganso )

-Mírame a mí: Saliendo de la nada he alcanzado las más altas cimas de la miseria ( Pistoleros de agua dulce )

-Un niño de cuatro años podría entender este documento. Sal y tráeme un niño de cuatro años ( Sopa de Ganso )

-Un caballero ofendido por el comentario de Groucho “Señor, esta dama es mi esposa !

Debería usted avergonzarse !. Groucho “ Si esta dama es su esposa, es usted el que debería avergonzarse” ( Una noche en Casablanca ) -Cásate conmigo y no volveré a mirar a otro caballo ( Un día en las carreras )

- Quiere casarse conmigo ? ¿ Le dejó él algún dinero ? Conteste primero la segunda pregunta ( Sopa de ganso )

-Una de dos: O este hombre está muerto o se me ha parado el rejoj ( Un día en las carreras )

-Es usted la mujer más hermosa que he visto jamás. Lo que no es decir mucho ( El conflicto de los Marx )

-Inteligencia militar son dos términos contradictorios ( Un día en las carreras )

INFLUENCIAS DE LOS MARX Claramente los Hermanos Marx marcaron un antes y un después en la comedia, hoy en día hay infinidad de cómicos que confiesan de la importancia e influencia que tuvieron estos hermanos en sus carreras.

Para ver la influencia de los hermanos entre la gente cinéfila he realizado una encuesta entre tuiteros entre los que se encuentran directores, guionistas, actores y cinéfilos que nos cuentan en breves palabras que han significado para ellos los hermanos más famosos de la historia, así pues os dejo con la encuesta y me tomaré la libertad de empezar yo mismo la encuesta…..

Por Emilio Sanchis

@doncriticon72 ( Emilio Sanchis )

Posiblemente sin los Hermanos Marx no estaría escribiendo estas líneas, y mi relación con el cine cambiaria desde luego y es que mi primer recuerdo nítido es el de los sábados por la tarde viendo a una panda de locos realizar las cosas más sorprendentes y en especial uno de ellos desgarbado y que camina agachado que no para de hablar y no capto la mitad de cosas que dice pero que me sacaban las risas más puras que tuve en mi infancia, ya de mayor las he vuelto a ver infinidad de veces pero las risas han seguido siendo las mismas que las de aquel niño. Gracias Marx.

@Julian_Lara ( Julián Lara )

Hablar de los Hermanos Marx me recuerda a mí de pequeño cuando ví por primera vez sus películas con mis padres. Recuerdo que eran muy graciosas, aunque tampoco puedo decir que fuera fan acérrimo de ellos.

Ahora de mayor sólo puedo recordar el titulo “Una tarde en el circo” ya que para bien o para mal es algo en lo que se ha convertido mi vida por culpa del cine, sobre todo viviendo en una ciudad como Los Angeles, donde cualquier cosa es posible.

@AsRegatos ( Alberto Sanchez )

@Tanitry ( Tania Zambrana )

Harpo, Chico y Groucho, no puedo hablar de los hermanos Marx sin que se me venga a la mente “Una noche en la ópera”, para mí la mejor de sus películas. Groucho Marx derrochaba personalidad, carisma y locura, te enganchaba con su ironía, dando así vida al grupo de hermanos. Sus andares, su caracterización, sus míticas frases…. Para mí, los hermanos Marx no significan nada si no se habla de Groucho como alma del grupo.

Margaret Dumont iba a los rodajes totalmente convencida de que la película que iban a rodar era algo serio y profundo. Una vez allí se encontraba con tres tipos raritos; uno llevaba un bigote pintado, otro era mudo de repente, cuando llevaba una hora hablando sin parar y el tercero era el único que comprendía, a través de una extraña mímica al mudo no mudo. Con estos ingredientes lo único que podía salir de allí era una orgía de locura, desconcierto y absurdez.

Y debía de ser algo muy bueno, porque a diario continuo aplicando esa absurdez en mi vida y en el trato con los demás. Eso sí, Margaret terminaba el rodaje y seguía convencida de que acababa de rodar una película super seria y de gran transcendencia. Lo que me indica que ella era todavía más absurda o que los Hermanos Marx eran unos genios….

@mcfunezg ( Mari Carmen Fúnez )

Cuando oigo hablar de los Hermanos Marx, vienen a mi cabeza dos momentos de la más memorable de sus películas “Una noche en la Ópera” la famosa escena del camarote y el genial diálogo de “la parte contratante de la primera parte” y asociada a esas escenas, la risa de mi hermano cada vez que las ve. Lo que representan los Hermanos Marx para mi es precisamente esa risa, esa que hace olvidar cualquier crisis durante los minutos que duran sus películas cargadas de un humor a veces incomprendido pero siempre reconocible.

@Luis_Endera ( Luis Endera )

Para mí Los Hermanos Marx significan comedia de alta calidad y recuerdos de tardes viendo sus películas en casa con su fan más acérrimo, mi padre. No creo que nunca haya usado igual el sarcasmo como lo hizo Groucho, no solo con los textos, si no con su interpretación.

La cantidad de escenas memorables es infinita y en cada nuevo visionado podemos encontrar matices proporcionados por unas interpretaciones de los cuatro hermanos realmente geniales. Un detalle a destacar son las escenas musicales que ellos mismos interpretaban, sorprendentemente mostrando un total virtuosismo cada uno con su instrumento. Siempre es un buen momento para volver a sus películas y encontrarnos con el humor eterno y genial de esta grandiosa familia.

@belkendall ( Belén)

Los tres Hermanos Marx fueron los primeros genios de la comedia tras la aparición del cine sonoro. Cada uno abarcaba un tipo de humor que congeniaba a la perfección. Groucho es el humor inteligente y mordaz, lleno de frases envenenadas, Chico sería el sinvergüenza y para Harpo quedan reservados los gags visuales. Se podría definir sus films como una locura, una sucesión de sketches delirantes donde siempre nos arrancan una carcajada. Un humor que a pesar de tener 80 años no a perdido un ápice de frescura. Irrepetibles

@cgvarteweb ( Victor Faure )

Se cuenta de los Hermanos Marx que cuando estaba celebrándose la boda de Chico, el sacerdote interrumpió la ceremonia al darse cuenta de que Groucho y Harpo estaban comiendo las hojas de las plantas que adornaban las rejas del altar. La boda se celebró por fin….. pero esa anécdota – real según cuentan – puede dar una ligera idea de lo que fue en ficción el arte de los Marx.

Recomiendo para conocer su espíritu y en especial de Groucho la lectura de “Con amor Groucho, cartas a su hija” Edición de Miriam Marx Allen ed. Grijalbo

@22davidperez ( David Perez )

Hablar de los Marx, de su cine, de su genialidad y sonreír es todo uno para mí. Ese humor absurdo, surreal, único hace imposible que al ver una de sus obras no termine con dolor de mandíbula. Capaces de arremeter contra todo y contra todos, no les dolían prendas a la hora de abordar géneros, hasta entonces intocables, bélico, musical, western, ningún genero escapaba de su genialidad.

Sus películas y sus citas ( sobre todo las de Groucho ) son imprescindibles para convertir un rato amargo en una cabalgata de carcajadas. Si la risa es un buen analgésico, los Hermanos Marx son la morfina contra el mal humor.

@marymo23 ( María Morales )

Cuando era niña y veía a los hermanos Marx pensaba ¿ Qué hacen ? no entiendo nada… eso sí me reía a carcajadas con esas escenas locas que todos tenemos en nuestros recuerdos donde todo estaba desordenado, pasaba muy rápido, Groucho hablaba cosas sin sentido y Harpo no decía nada. Si unos cómicos logran hacer reir a un niño, en mi opinión es que son unos genios.

@BRealidad ( Elena Oteo )

Mentiría si dijera que los Hermanos Marx no han influido en mi vida ya que gracias a ellos conocí el fantástico mundo del humor blanco y absurdo. Sin la ayuda de Harpo, Chico, Groucho y por qué no, Zeppo no podría haberme convertido en lo que soy ahora, una amante incondicional del cine, indispensables en cualquier videoteca.

@Fulci78 ( Tony )

Para mí los Hermanos Marx son el inicio de la comedia en el cine tal y como la conocemos hoy, mutando de esa comedia más física del cine mudo. A unos guiones trabajados con frases ingeniosas y míticas que han pasado a la historia, no solo del cine sino de la cultura popular y con unos gags maravillosos copiados hasta la saciedad incluso en el cine de hoy en día.

@RubenRedondoJar ( Ruben Redondo )

@C_harris87 ( Charlotte Harris )

En estos días donde las comedias del año están protagonizadas por Adams Sandlers, Eddies Murphys, Judds Apatows o “el humor” que destilan las comedias románticas, recordar a los Hermanos Marx puede suponer tristeza en el corazón de cualquier cinéfilo. ¿ Cuando dejó la comedia de ser inteligente ? ¿ Cuando la zafiedad y el mal gusto ocupó el lugar del ingenio y el sarcasmo ? Y aún así, no se si agradecerles a estos hermanos las obras inmortales que nos dejaron o recriminarles que dejasen el nivel tan alto.

Era solo un niño de 6-7 años y mi concepto de cine se basaba en Cazafantasmas, Regreso al futuro e Indiana Jones que había conocido en salas oscuras llenas de gente acompañado por mis padres. Los sábados disfrutábamos del gran cine de sobremesa que ponía TVE. Entre el cine que ponían en la época me llamó la atención una serie de películas en B/N, con números musicales, escenas divertidas protagonizadas por un señor con mucha verborrea gafas y bigote, un señor con sombrero y gran interprete de piano y un extraño personaje que no hablaba sino que tocaba la bocina para expresar sus sentimientos. Y sin saber porque todas aquellas escenas surrealistas que no llegaba con mis 7-8 años a entender del todo, me provocaban una risa inaguantable y una felicidad que pocas cosas podían superar en esa época.

A medida que crecí y empecé a absorver el cine como parte de mi educación y hobbie volví a encontrarme con los Hermanos Marx y ya despojado de la inocencia del chaval de 8 años tuvo el mismo efecto que esa primera vez. Por tanto el cine de los Marx supone felicidad, alegría, ganas de vivir, de encontrarme con frases surrealistas cargadas de humor y mala leche, música, pequeñas historias que acaban convirtiéndose en memorables gags rebosantes del mejor humor jamás filmado. Unos creadores de sueños como jamás volverá a tener el cine.

Cuando hablamos de humor podemos hacerlo de innumerables estilos. Hay humor negro, humos grueso y chabacano, el humor inteligente que tan en boga está en estos días, incluso podemos hablar de humor absurdo y surrealista. Pero también hay otro tipo de humor, reservado para unos pocos privilegiados, entre los que se encuentra el lector medio de Nosolofreak, al que podemos definir como una amalgama de todos los estilos citados con anterioridad, pero todo ello volcado en un contexto freak, salpicado con incesantes referencias a películas de culto, comics, videojuegos, sexo bizarro y demás ramas de esta subcultura que tan orgullosamente compartimos.

Muchos han intentado llevar a cabo este tipo de humor, unos con más fortuna que otros, pero si hay que destacar una figura por encima de las demás, y no me refiero a su volumen corporal, ese es Kevin Smith.

Si, habéis leído bien. Este hombre, antes de meterse en esa peligrosa espiral que es hacer películas de mierda, nos dejó algunos de los momentos más brillantes de la comedia moderna. Así que, os propongo olvidaros de “Jersey Girl” y “Zack & Miri Make a Porno” y sumergiros en ese mundo que hizo de Kevin Smith un icono freak.

Ese mundo particular del señor Smith necesariamente tiene que estar ambientado en su New Jersey natal. Allí conoceremos a un par de curiosos camellos, uno de ellos bastante callado y con un gran parecido físico con Kevin Smith, que responde al nombre de Bob “el silencioso”, y a su compañero, Jay, un tipo que habla por los codos, sobre todo de sexo, y que os meterá en un lio tras otro si pasáis el suficiente tiempo con el. A través de ellos conoceréis los entresijos de la ciudad. Iréis a su punto de venta oficial, el exterior del Quick Stop Market, un pequeño supermercado por donde veremos pasar a los

Kevin Smith y la pentalogia de Jersey

personajes más pintorescos y conoceremos a su regente, Dante Hicks, y a su mejor amigo, el encargado del videoclub, Randal Graves. A ambos les veremos discutir de cine, pelearse, jugar al hockey en la azotea del Quick Stop y, lo que puede ser su ocupación favorita, increpar a sus clientes por cualquier motivo. Veremos cómo se quema esta emblemática tienda y como Randal y Dante acaban trabajando en Mooby´s, una sátira de las cadenas de comida rápida imperantes en nuestra sociedad, para volver a abrir su propio Quick Stop con la ayuda de Jay y Bob. Pero acompañados de nuestros dos camellos favoritos no acabaran ahí las aventuras, ya que también veremos cómo Jay y Bob ayudan a dos atolondrados adolescentes a recuperar a sus novias en un abochornante programa televisivo de parejas, que acabará de la manera más disparatada bajo una nube de humo de marihuana y una curiosa historia de masturbación a bordo de un avión. También veremos peligrar una amistad de dos dibujantes de comics, cuando uno de ellos se enamora de una lesbiana.

Seremos testigos de cómo Jay y Bob, sin comerlo ni beberlo, ayudan a la última descendiente de Jesucristo, a Rufus, un afroamericano que afirma ser el decimotercer apóstol, y al Metatrón, también conocido como la voz de Dios, a salvar a la humanidad de dos vengativos ángeles que pretenden acabar con la existencia valiéndose de una campaña de captación de la Iglesia. Pero si

creéis que aquí acaba la cosa, estáis equivocados, ya que viviremos la particular odisea de Jay y Bob cuando se enteran de que su imagen ha sido usada para que dos conocidos dibujantes de comics se hagan ricos a su costa y ellos se pongan rumbo a Hollywood para cobrar su parte del pastel y propinar alguna que otra paliza por el camino.

Pero no hay solo esto en New Jersey, conoceremos la afición de Dios por el tragabolas, a una pitonisa con tres pezones, descubriremos lo que es un follapepinos y que hay un manual no escrito sobre autoestopismo. Veremos monos, curiosas teorías sobre “Star Wars” y un delirante Donkey Show.

Seremos iluminados con la verdadera utilidad de internet y asistiremos a la desolación de un muchacho incapaz de descubrir el dibujo oculto de un cuadro. Policías fracasados y vigilantes de seguridad con una oscura leyenda a sus espaldas.

Stan Lee dando explicaciones sexuales sobre sus comics. El rompepollas. Cunnilingus fallidos a una monja. La técnica de un buen apretón de manos que tu peor enemigo tardará en olvidar. El porqué de que un ángel beba tequila de un vaso para escupirlo en otro. Todo esto, y mucho más, encontraremos en el particular universo de Kevin Smith.

Y esto es solo respecto a su producción cinematográfica, ya que si indagamos un poco

en su biografía podemos ver que es propietario de una tienda de comics y que, además, hace un podcast. Ha sido guionista ocasional en comics como Daredevil y Spiderman y hemos podido verle haciendo algún cameo cinematográfico, como el de “La Jungla 4.0”, a pesar de haber dejado claro en alguna ocasión que lo suyo no es la interpretación.

Para la tarea interpretativa de sus películas suele contar con sus amigos, como Ben Affleck, Matt Damon, Jason Lee o Jason Mewes, al que además ha tenido frecuentemente viviendo en su casa debido a sus problemas con la heroína.

Una anécdota curiosa que he encontrado sobre él en internet, es que durante la época en la que se estrenó “Dogma”, varias asociaciones saltaron a las calles tachando la película de blasfema y poco respetuosa con las creencias. Durante una de esas manifestaciones, el propio Smith, sin ser reconocido por nadie, se coló entre la filas de manifestantes con una pancarta que rezaba “Dogma es una mierda” e incluso fue preguntado por los medios de comunicación locales sin que nadie se percatase de su verdadera identidad.

Cierto es que la cagó metiéndose en productos comerciales mediocres, pero teniendo “Clerks”, “Dogma”, “Mallrats”, “Persiguiendo a Amy”, “Clerks 2” o “Jay y Bob el Silencioso Contraatacan” creo que es justo pasar por alto sus deslices y confiar en que vuelva a lo que mejor sabe hacer, situaciones surrealistas, personajes delirantes, diálogos ingeniosos y llenos de chispa y, por supuesto, una pequeña dosis de mala leche.

Para terminar, me gustaría hacerlo con una célebre frase de Jay, que define muy bien lo que es Kevin Smith:” ¡SNOOTCHIE BOOTCHIES!”.

Por

LAS MÚLTIPLES FACETAS DE

SACHA BARON COHEN Me imagino que la mayoría de vosotros habéis oído hablar de este polémico cómico británico, o más bien de algunos de los personajes que ha interpretado a lo largo de su carrera. Hijo de padres judíos, graduado en la Universidad de Cambridge, comenzó su carrera en el mundillo a mediados de los noventa, cuando presentó a su primera creación (Ali G) para el programa de televisión británico “The Eleven O’Clock Show”.

Aunque es más conocido por interpretar a excéntricos personajes creados por el, burlándose de muchas de las facetas de nuestra sociedad, también ha hecho de actor en varias películas, como el barbero rival de “Sweeney Todd”, el más reciente inspector cabrón en “La invención de hugo” o la que será la futura rencarnación de Freddie Mercury en “A Kind of Magic”.

A pocos meses después de haberse estrenado “El dictador” en nuestro país, no está de más recordar un poco la carrera de este señor, el origen de sus personajes y sus películas.

ALI G

El primer personaje creado por Cohen, tuvo su propia serie de televisión llamada “Da Ali G Show. Existen dos versiones, la británica (y la original) y su posterior versión americana años después. El show consistía básicamente en que Cohen en el papel de Ali G, un rapero de raza blanca barriobajero, inculto, mal educado y con una forma muy peculiar de hablar; entrevistaba a varias figuras públicas, las cuales la mayoría de ellas salían bastante mal paradas y avergonzadas. Alguno de los

famosos que “sufrieron” la interacción con este personaje fueron el senador republicano McCain (para que hagáis memoria, fue el principal rival de Obama en las elecciones del 2008), los Beckham o el propietario de Harrods Mohamed Al-Fayed, entre muchos otros. Destacar también que además de Ali G, harían también acto de presencia Borat y Brüno, los otros dos personajes más famosos de Cohen y que ya hablaremos más detalladamente en sus respectivas secciones.

También Ali G es conocido mundialmente (más que por su serie) por haber aparecido en el videoclip de Madonna “Music”, el cual hacía de chofer de la cantante conduciendo una limusina.

En el 2002 Ali G tendría su propia película, titulada por estos lares “Ali G anda suelto”, en donde nos cuenta como es el día a día de este personaje fuera de las entrevistas y cámaras de televisión, en donde hará un pequeño cameo Borat, el siguiente personaje que tendrá su propia película. Ali G regenta un centro de ocio para boy scouts llamado West Staines, el cual está al borde de la quiebra y ha de cerrar su negocio.

Debido al futuro incierto que le puede esperar a él y a su pandilla de colegas si el centro cierra sus puertas, decide a última instancia encadenarse a la estación de autobuses de Staines para protestar sobre su precaria situación. Este acto de “heroicidad”, llama la atención del primer ministro, el cual iba a la búsqueda y captura de una persona joven, valiente e intelectual que le ayudase ganar las elecciones de la ciudad, y cree ver

en Ali G todos los requisitos (¡error!, caso error XD). Tras ponerse en contacto con Ali G, le intenta convencer que la mejor manera de salvar su negocio es presentarse a las elecciones para el gobierno (con 2 cojones) y Ali G por supuesto, acepta el reto. El resto ya os lo podéis imaginar…

BORAT SAGDIYEV

O sencillamente “Borat”, es quizá el personaje más famoso creado por Sacha Baron cohen, y posiblemente también el más polémico. Se considera así mismo “el segundo mejor periodista más famoso de Kazajistán”, y su familia como él la presenta es bastante peculiar: Hijo de Asimbala Sagdiyev y Boltok El Violador, viudo de Oksana Sagdiyeva, la hija de Mariam Tuyakbay y Boltok El Violador (viva el incesto). Tiene 2 hermanos conocidos: Su hermana Natalya, considerada en su país como la cuarta mejor prostituta de Kazajistán, y su hermano pequeño Bilo, un retraso mental adicto al porno que está metido siempre en una jaula.

Es tremendamente racista, en especial hacia los judíos, los cual odia y le tiene pavor a partes iguales (como curiosidad, Cohen es judío) y machista, el cual considera a las mujeres inferiores a los perros y por lo tanto no deben tener derechos…

Tras el éxito de la peli de Ali G en el 2002, decidieron hacer una película para el, estrenada en el 2006 bajo el laaaaargo título de “Borat: lecciones culturales de América para beneficio de la gloriosa nación de Kazajistán”. La película es un falso documental en la cual una cadena de TV de Kazajistán envía a uno de sus mejores periodistas, Borat, a EEUU para conocer el país y aprender sobre las costumbres americanas. Borat junto a su productor vuelan a América y empiezan a entrevistar (entrevistas supuestamente reales) a varios ciudadanos americanos, los cuales de verdad creen que es un señor completamente ajeno a la cultura de su país. Borat hablará con ministros, vendedores, feministas, entre otros, con unas conversaciones realmente hilarantes. Hasta ahí todo bien hasta que Borat ve un episodio de los vigilantes de la playa en la televisión de su hotel, y se queda tremendamente enamorado de Pamela Anderson, la cual cree que es una especie de ángel virginal o algo así (ingenuo… XD), olvidándose de su trabajo por el que había sido enviado y se recorre toda América en busca de Pamela para pedirle matrimonio, y en su búsqueda encontrará aún más personajes

con los que vivirá situaciones de todo tipo.

La película fue alabada a nivel mundial como una de las comedias del año y estuvo nominada a varios galardones, entre ellos al óscar al mejor guion adaptado. Sacha Baron Cohen ganó un globo de oro a la mejor actuación de un personaje cómico.

Pese a todo, tanto la película como el personaje no estaban exentos de polémica. Kazajistán se quedó horrorizada por como la película retrataba y ridiculizaba a su país y a sus habitantes, pidiendo el despido del actor; además de ser prohibida en varios países de la antigua URSS ante el temor que ocurrieran enfrentamientos civiles al poder ofender a algunos espectadores por contener material que “podría parecer desdeñoso hacia ciertos grupos étnicos y religiones” . Para finalizar, quizá la anécdota más actual (y una gran cagada) ocurrió en Kuwait este mismo año en un campeonato de tiro, la cual ganó Maria Dmitrienko de Kazajistán. Cuando recibió la orgullosa deportista su medalla de oro, el himno que sonó no era el de su país, sino el himno inventado que aparecía en la película de Borat. Os podéis imaginar la jeta que se le quedó a la pobre chica y a su país. Por si no lo habéis visto, aquí os dejo un link del tremendo fail con subtítulos y todo: http://www.youtube. com/watch?v=MR18Pzbf-nY&feature=related

BRÜNO

El tercer personaje caricaturizado por Cohen, apareció junto con Borat en la versión británica de Ali G show, y que tras el tremendo éxito de las películas basadas en los anteriores personajes, Brüno no iba a ser menos y acabó también saltando a la pantalla grande.

Brüno es un reportero gay austriaco famoso en su país, gran entusiasta y adicto a la moda, el cual se encarga de entrevistar a celebridades preguntándole cosas sobre moda, ocio, famosos y homosexualidad. Al igual que sus otros personajes, Cohen critica con Brüno las excentricidades del mundo de la pasarela, y se burla de los tópicos de la homosexualidad. Brüno se define así mismo como un ser perfecto, con tendencias un tanto nacionalsocialistas sacando a relucir de vez en cuando a Adolf Hitler.

En la película, también rodada al estilo de falso documental como Borat, fue estrenada en el 2009 y nos cuenta como Brüno es expulsado de

un famoso programa de moda austriaco que presentaba al arruinar un desfile de Agatha Ruiz de la Prada en Milán, lo que le llevó a estar en una lista negra.

Para rematar la faena, su actual novio lo deja ya que tras lo sucedido “no mola”, por lo que Brüno decide viajar a América junto a su ayudante Lutz (el cual está enamorado de su jefe sin que este lo sepa) con una misión muy clara: “convertirse en una celebridad en aquel país”.

Brüno hace todo lo posible por alcanzar la fama en los EEUU, sin demasiado éxito, ocurriendo una serie de sucesos que acabará con Lutz finalmente diciéndole a Brüno sus sentimientos y siendo rechazado por este, el cual acabará abandonándolo. Al darse cuenta Brüno que la mayoría de las celebridades americanas son heterosexuales, contacta con homosexuales convertidos al cristianismo para que le ayuden a salir del “tremendo pecado de la homosexualidad” y hacerle un “hombre hecho y derecho”, haciendo cosas que los muy machos hacen (cazar, aprender artes marciales…).

El desenlace mejor verlos por vosotros mismos Como nota curiosa de este filme, una escena de la película fue censurada días antes que se estrenara en donde Brüno entrevistaba a la hermana de Michael Jackson para intentar obtener el teléfono del cantante.

El Rey del Pop falleció poco antes que se estrenara la película por aquellos lares, y dijeron suprimirla por respeto a este.

HAFFAZ ALADEEN

El personaje más actual de Cohen, fue creado para su película “El dictador”, estrenada en el 2012. Inspirada en el libro “Zabihad y el Rey”, la peli hace una crítica a los gobiernos autoritarios. No está rodada en plan falso documental como sus antecesoras, contando más bien una historia hilarante en donde se nos presenta al dictador Aladeen, gobernante del ficticio país conocido como la República de Wadiya, al norte de

Africa; antisemita, antioccidental, de carácter lascivo y tremendamente infantil en su privacidad, acostumbrado que le hagan todo (limpiarle el culo cuando va a cagar incluido) y con sólo una señal de sus manos hará que cualquier persona que por cualquier chorrada no le haya caído en gracia pierda el gaznate. Occidente no está muy contento con la dictadura de Aladeen, al que acusan de crear un régimen de terror que viola los derechos humanos. Después de que alguien intentara asesinarle sin éxito (ya que la víctima resultó ser uno de sus dobles), su tío Tamir y su principal consejero le convence para que viaje a Nueva York a solucionar la cuestión de las Naciones Unidas. Lo que Aladeen no sabe es que Tamir está conspirando contra el en secreto, y quiere remplazarlo por otro nuevo doble que los soldados del régimen buscan por toda Wadiya, y resulta ser un cabrero perdido entre las montañas y no muy avispado intelectualmente (y genial para manipularlo a su antojo). Una vez que llegan a Nueva York, Aladeen es capturado pero consigue escapar, y ve horrorizado en la televisión como aquella persona que se hace pasar por él dice que una era ocurrirá en Wadiya ya que transformará el país en una democracia.

El dictador, ahora convertido en un inmigrante más, encuentra a Nadal, el antiguo científico jefe del armamento nuclear de Wadiya y que Aladeen creía muerto (el mismo ordenó su muerte) y consigue convencerlo para darle acceso a las Naciones Unidas y evitar a toda costa que el falso dictador firme el papel para hacer de Wadiya una democracia. En su camino se encontrará a Zoey, una activista bastante hippie que le ofrece trabajo en su local. Con ella aprenderá muchas cosas y poco a poco surgirá el amor, dándose cuenta poco a poco que la democracia no es tan mala después de todo.

La película no llega a la brillantez de Borat o Bruno pero cumple su objetivo con creces, que es el hacer reír al espectador y pasar un buen rato en el cine. Imprescindible ver su versión extendida, que hace cambiar la trama en varios aspectos.

Espero que os haya gustado este dosier y veamos que nos depara este cómico en un futuro, que potencial, está más que demostrado que tiene.

Por Lucrecia Souviron

Con frecuencia se frivoliza con el cine de humor de manera injusta, todo proceso de creación es complicado en el Séptimo Arte, y cada género plantea retos diferentes y enfoques distintos, casi todo vale como se suele decir, pero hacer reír al público con cierta unanimidad es, indiscutiblemente, una de las cosas más complicadas a las que se enfrenta un realizador, requiere mucho tacto y ante todo saber pulsar el ambiente social del momento, elemento indispensable a la hora de encontrar la necesaria complicidad con el espectador.

Dicho esto, si pudiéramos plantear si existe la perfección en la comedia, solo podríamos responder a tal cuestión apelando a la figura de tres dioses incuestionables, en ellos reside toda la grandeza del género, las razones son evidentes, lejos de buscar únicamente la sonrisa del respetable, sus obras se plantean como rotundos tratados de cine cuyo elemento común es el ingenio, la inteligencia capturada por el lienzo del celuloide, justamente en el terreno donde el discurso formal de cualquier obra trasciende para convertirse en puro arte y cuya principal característica común, reside en lo inmejorable de sus diálogos.

En una línea consecuente a esta editorial, y sin renunciar al estilo habitual de la misma, analizaremos los títulos más característicos de cada director, atendiendo a un orden cronológico e intentando ser proporcionados y consecuentes con tan exigente odisea, acercarse a autores de tanta grandeza siempre supone un reto, e implica una grán responsabilidad.

La Santísima comedia i Ernst Lubitsch - Wood

por Anton

El Padre.

Ernst Lubitsch (1892-1947) Nacido en Berlín, hijo de un sastre judío, Lubistch evitó a la Alemania nazi al encontrar acomodo en la industria de Hollywood, que pronto le acogió como uno de sus directores más modélicos, atrás dejó una fructífera carrera en Alemania, donde principalmente filmó cortos y mediometrajes.

Abordar su primera etapa como realizador es imposible, la mayoría de sus títulos son inaccesibles y pertenecen al cine mudo, su llegada al cine norteamericano se produce a principios de los años 20, de la mano de una de las actrices más famosas de la época, Mary Pickford, con la que rueda su primer film USA en 1923, “Rosita, la cantante callejera”, sus siguientes trabajos se desviaron hacia el género musical, por entonces tan demandado por el público, precisamente en uno de esos encargos, “El desfile del amor”, y ya en sonoro, Lubitsch consigue su primera nominación al Oscar como mejor director en 1929.

Su consagración absoluta como autor se produce con la llegada de los años 30, es el momento de detenerse a valorar individualmente sus mejores trabajos.

- Trouble in paradise / Un ladrón en la alcoba (1932) A Lubitsch hay que considerarle el padre de la comedia sofisticada, con “Un ladrón en la alcoba”, historia de un casanova mangante de la alta sociedad, situada en Venecia y París, el realizador ofrece al público una historia de ensueño como excusa para introducir sutilmente un estilo propio lleno de vitalismo e ironía, señas de identidad de su cine.

- Design for living / Una mujer para dos (1933) De nuevo ambientada en París y en la misma linea sofisticada, con un guión basado en una pieza teatral de Noël Coward, Lubitsch se atreve con una historia polémica y en extremo valiente para la época, un pintor, interpretado por Gary Cooper, y un autor teatral, - claramente alter ego de Coward - se enamoran de la misma mujer, como ella es incapaz de elegir a uno, deciden vivir los 3 juntos en total complicidad amatoria.

Empieza así el “idilio” del realizador con la censura de la época, a la que llegó a definir como “su más profundo y horrible dolor de cabeza”.

Trinidad de la inteligente: h - Billy Wilder dy Allen

nio

- The Merry Widow / La viuda alegre (1934) Otra medalla para el genial padre de la comedia inteligente, con el tiempo su habilidad para esquivar las tijeras del censor se ha denominado “el toque Lubitsch”, en “La viuda alegre” tenemos buena muestra de ello, en esa famosa escena de las puertas que se abren y se cierran haciéndonos intuir una infidelidad.

De el argumento decir que es una de sus cintas más divertidas, una mujer inmensamente rica, recientemente viuda, se traslada a París a Alcaide buscar marido, en su pequeño país, - el ficticio reino de Marshovia intentan hacerla volver enviándole al Conde Danilo, un seductor que de fracasar, será sometido a consejo de guerra.

- Ninotchka (1939) Uno de los títulos capitales de la filmografía del director y una de las grandes obras maestras del género, elegantísima patada en la boca al comunismo en un momento en el que los EEUU no estaban aún posicionados del todo, - politicamente hablando - tres camaradas soviéticos en misión por París parecen haber sido seducidos por las trampas del capitalismo, Moscú decide enviar a una de sus agentes secretos más eficaces, Nina Ivanovna Yakushova “Ninotchka”, - Greta Garbo - a investigar el comportamiento de los mismos, pronto descubrirá los placeres que se experimentan al otro lado del telón.

de armiño” en 1948.

En esos momentos Lubitsch pertenecía, gracias a su bien ganado prestigio, al organigrama directivo de la productora Paramount, y desde esa situación de privilegio, pudo ofrecer una oportunidad a jóvenes talentos de origen judío que huían de la Alemania Nazi, una de ellas fué Otto Preminger, con quien incluso llegó a codirigir dos películas, “La Zarina” en 1945 y “La dama

La otra grán personalidad a la que acogió es uno de los dioses que nos ocupan, el maestro Billy Wilder, que dió sus primeros pasos bajo el manto protector de Lubitsch, de hecho, el guión de “Ninotchka” le pertenece, con lo que cerramos el círculo de grandeza entre ambos, una colaboración que habría catalogar en lo más alto del Olimpo del Séptimo Arte.

“Al público no hay que darselo todo masticado, como si fuera tonto. A diferencia de otros directores que dicen que dos y dos son cuatro, Lubitsch dice dos y dos... y eso es todo. El público saca sus propias conclusiones” (Billy Wilder)

La anécdota más recurrente del film tiene que ver con su promoción, la frase publicitada previamente a su estreno “Garbo ríe”, sin duda que tuvo que ver con su enorme éxito, en realidad era una referencia a “Garbo habla”, usada 10 años atrás con motivo del estreno del primer trabajo sonoro de la actriz en “Anna Christie”.

- The shop around the corner / El bazar de las sorpresas (1940) La mejor comedia romántica de Lubitsch, un film sencillo y realmente delicioso, con un James Stewart impecable en el papel de un tímido jefe de vendedores de una tienda, que un día decide atender un anuncio de contactos del periódico que le llevará a mantener, sin saberlo, una relación por correspondencia con una de sus empleadas, con la que no se lleva del todo bien en el trabajo.

En 1998, Nora Ephron realizó una nueva versión, “Tienes un e-mail”, protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan, y desprovista de toda la magia de la original.

- To be or not to be / Ser o no ser (1942) La mejor película de Lubitsch, una obra maestra demoledora y sin duda la mejor sátira anti-nazi jamás realizada, ambientada en Varsovia, durante la ocupación alemana, es la historia de una compañía de actores que intenta evitar que un espía de la Gestapo entregue una lista con los nombres de los colaboradores de la resistencia, para ello no dudaran en disfrazarse de oficiales para así poder colarse en el cuartel general de las SS. “Ser o no ser” es de esas películas que van más allá de lo inteligente y mordaz de su contenido, es la respuesta de Lubitsch al nacional socialismo de Adolf Hitler, otra patada certera, esta en las partes más íntimas, una cinta evidentemente hermanada con la parodia anti-comunista que supuso “Ninotchka” apenas tres años atrás.

En la inteligencia reside su grandeza, no es casualidad que los protagonistas sean actores teatrales, ayuda a crear mejor la idea de farsa disparatada que supuso el citado periodo de terror en Europa.

“Nos hemos quedado sin Lubitsch. Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch”. (Billy Wilder)

Es el momento de señalar que Lubitsch, al contrario que los otros 2 genios que atenderemos más tarde, no escribía los guiones de sus películas, pero más cierto es que casi todas sus cintas surgían de ideas propias, encargando el texto a personas que el consideraba más capaces, como es el caso de la que nos ocupa.

Su atrevimiento político es sin duda uno de los grandes hallazgos del realizador, hay que tener mucho valor para declararse activista de una causa justo cuando se está produciendo, con el tiempo su cine se revaloriza, gracias a que los acontecimientos acaban dándole la razón.

El 30 de noviembre de 1947, con tan solo 55 años de edad, Ernst Lubitsch fallece de un paro cardiaco, segun dicen, en el momento de su muerte estaba “excesivamente bien acompañado”, polémicas aparte, - un realizador de su talla no las merece - con el muere gran parte del humor inteligente en el cine y se esfuma mucho del llamado modelo “star-system” de Hollywood, por suerte, la comedia inteligente queda en manos de otro talento sobrenatural, el de Billy Wilder, alumno aventajado de Lubitsch, al que siempre considerara su maestro e inagotable fuente de inspiración.

“Nos hemos quedado sin Lubitsch. Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch”. (Billy Wilder) Ese mismo año, en la ceremonia de los Oscars de 1947, Ernst Lubitsch recibe una estatuilla póstuma por “su inestimable contribución al arte cinematográfico”.

El hijo.

Billy Wilder (1906-2002) Samuel “Billy” Wilder, nació en Polonia el 22 de junio de 1906, tras una carrera breve como periodista en Austria y Berlín, su fascinación por el cine le llevó a trabajar en la UFA, el estudio cinematográfico más importante de Alemania, donde tiene la oportunidad de conocer a grandes directores como F.W. Murnau o Fritz Lang.

La llegada al poder de Adolf Hitler, le obliga a abandonar Berlín en 1934, debido a su origen judío, a su llegada a los EE.UU, comienza a trabajar como guionista de la Paramount, bajo la protección ya mencionada de Lubitsch.

Fué precisamente Lubitsch quién enseñó el proceso de filmación a Wilder, estimuló primero su faceta como guionista y le animó más tarde a ponerse trás la cámara, su carácter de autor total, productor/guionista/director, se debe sin duda a la confianza depositada en los primeros años de contacto entre ambos genios, sin menospreciar lo más mínimo el talento del primero, la frase “el alumno supera al maestro”, se hace evidente en la comparación.

De un total de 26 películas, que conforman su filmografía como director, atenderemos 11 de ellas de forma individual, mencionar que escribió un total de 60 guiones, de los que curiosamente, no aparece acreditado en

la mayoría de cintas en las que colaboró en ese apartado.

Se conservan muchas frases del maestro, que iremos intercalando a medida que avancemos en su desarrollo.

- Double Indemnity / Perdición (1944) Curioso que el primer grán éxito de Wilder como realizador sea un film de cine negro, “Perdición” es una Obra Maestra sublime, en ella se encuentran todas las claves del género, desde la Femme Fatale, magníficamente interpretada por Barbara Stanwyck, hasta la inevitable fatalidad del desenlace.

Poseedora de un argumento que marca el devenir del cine de intriga noir para la posteridad, un agente de seguros planea la muerte de un cliente condicionado por la mujer del mismo, Wilder escribe el guión, basado en una novela de James M. Cain, en colaboración con Raymond Chandler, uno de los padres de la literatura de crimen e intriga contemporáneos, como dijo alguien, era un momento dorado en Hollywood, en el que grandes escritores prestaban su enorme talento para el cine.

El film supone para el director sus primeras nominaciones en los Oscar a mejor director, película y guión adaptado.

“Una vez me preguntaron: ¿Es importante que un director sepa escribir?, y yo respondí: no, pero sí es útil que sepa leer”.

- The lost weekend / Días sin huella (1945) Seguimos en un género ajeno para Wilder, “Días sin huella” es un excelente drama, bastante crudo, sobre el alcoholismo, - el actor Ray Milland está espléndido - que curiosamente confirma la estrella del director al ser la gran triunfadora en la ceremonia de los Oscar de ese año, 4 premios, mejor película, mejor director, mejor actor y mejor guión adaptado, a nivel internacional, se alza en Cannes con las prestigiosa Palma de Oro de su festival, exitos que permiten a Wilder afrontar con mayor libertad sus siguientes proyectos como realizador.

“Hay algo sorprendente: cuando reflexiono sobre todas mis películas, me llama la atención que, en las épocas en que estuve deprimido hice comedias. Y cuando me sentía feliz, rodé temas más bien trágicos. Quizás intente inconscientemente compensar cada uno de mis estados de ánimo”.

- Sunset Boulevard / El crepúsculo de los dioses (1950) Entramos en el terreno de lo exquisito, la primera película narrada por un protagonista - William Holden muerto, aunque eso solo sea un recurso magistral dentro de una historia que versa sobre el esplendor pérdido, el terrible paso del cine mudo al sonoro y las consecuencias que ello tuvo en aquellas estrellas que no supieron adaptarse al cambio, cine dentro del cine, irónico, cruel, patético - Gloria Swanson eterna como Norma Des-

mond - , apoteósico.

El guión del film es original, escrito por Wilder y Charles Brackett, colaborador en la primera etapa del director, ambos consiguieron el Oscar en ese apartado por este trabajo.

Amor declarado por el cine, Wilder consigue para la película que grandes personalidades del Séptimo Arte de la época colaboren interpretándose a si mismos, así encontramos a directores como Erich von Stronheim, - que en este caso atiende a un papel relativamente ficticio, como mayordomo de la protagonista, antiguo director y marido de la misma - o Cecil B. DeMille, también viejas glorias del cine mudo como Buster Keaton, que tiene una breve aparición, todo en la busqueda de una mayor verosimilitud y que supone un festival para cualquier cinéfilo que se precie.

“Quizás El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) es una película cínica, pero para mí esa película es Hollywood; el guionista, el agente, la estrella olvidada, todos eran retratos del natural”.

- Stalag 17 / Traidor en el infierno (1953) La respuesta al nazismo de Wilder, es ésta acertadísima incursión en el cine carcelario, en concreto de los campos de concentración que tanto proliferaron en la II Guerra Mundial, para quien no lo sepa, el director perdió a su madre en uno de estos campos, por eso es digno de admiración no encontrar rencor en el film, al contrario, a pesar de sus momentos dramáticos, hay lugar para la comedia y la esperanza, todo un ejercicio de estilo en uno de sus trabajos - injustamente - menos admirados, William Holden repite protagonista tras Sunset Boulevard.

“Si el Cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces el Cine ha alcanzado su objetivo”.

- Witness for the prosecution / Testigo de cargo (1957) Wilder adapta a Agatha Christie pero llevándosela a su terreno, resultado, una de las mejores películas jamás rodadas, llena de humor e intriga a partes iguales, todo personificado en la figura de Sir Wilfreid, interpretado por un Charles Laughton impresionante en todos los sentidos, un personaje que representa a la perfección el sarcasmo y la ironía hechas carne, esa misma que sufre por su vida de excesos, pero que no le impiden ejercer como abogado/detective en la resolución del caso que ocupa la trama del film.

En la promoción de Testigo de cargo, se advertía al público que no revelara las claves de su resolución, no es exagerado, más de 50 años después es todo un ejemplo de sorpresa narrativa, un trabajo con el que Wilder vuelve a crear escuela y agrandan la leyenda de uno de los 10 autores más grandes de todos los tiempos para esto de hacer películas.

“Creen que la lentitud y la solemnidad son sinónimos de profundidad”.

- Some like it hot / Con faldas y a lo loco (1959) Llegamos a una de las indiscutibles cumbres del humor, segunda colaboración de Wilder con su más preciado co-guionista, I.A.L Diamond, - la primera había sido en “Ariane” - uno de esas películas que cualquiera incluiría en su lista de las 10 mejores comedias de todos los tiempos, y posiblemente, el trabajo más famoso del director, al menos a nivel popular.

Las claves de su grandeza las explica el propio Wilder, según el, su intención era hacer una película de gangsters

en plena ley seca y al final le salío una parodia sobre el tema, solo un director de tanto talento puede poner en marcha una idea tan disparatada, la de unos músicos que se travisten para unirse a una banda de música femenina, para así poder huir de la mafia que ha puesto precio a sus cabezas.

Imposible no mencionar a Marilyn Monroe, su presencia se hace más imperecedera que nunca, es el papel de su vida, en sus 2 trabajos con Wilder - el otro es “La tentación vive arriba”, donde encontramos la mítica escena del vestido que baila movido por el aire de la rejilla sobre el metro - supo estar a la altura y rayar a muy buen nivel.

La otra figura es la de Jack Lemmon, en un personaje mágico, sus dudas con la identidad sexual son tremendas, llevadas con sutileza por la época, pero quizá ahí reside parte del encanto de las mismas, el actor inicia así una relación que se extiende a lo largo de 6 títulos más, convirtiéndose en actor favorito y cómplice de Wilder.

De la legendaria conclusión del film, mejor no decir nada, puede que alguien no la haya disfrutado aún, ya está tardando la verdad, en cualquier caso, puede que nadie sea perfecto, pero resulta que Wilder si que lo es.

“Existen más libros sobre Marilyn Monroe que sobre la II Guerra Mundial. Hay una cierta semejanza entre las dos: era el infierno, pero valía la pena”.

- The Apartment / El Apartamento (1960) Considerada casi por unanimidad como la mejor película del director, “El apartamento” es un film agridulce sobre el desamor, y a la vez, una feroz denuncia al servilismo empresarial, la historia de C.C. Baxter, - Jack Lemmon en estado de gracia - un pobre oficinista de una grán multinacional, obligado a dejar su apartamento de soltero a sus jefes, que lo usan de picadero, es una de esas

historias tan bien ejecutadas, que posiblemente esté entre los diez mejores clásicos de todos los tiempos.

“He hecho películas que a mí me hubiera gustado ver. Y yo sólo quiero ver películas que me entretengan” (Billy Wilder

La puesta en escena, minimalista y acogedora, es una de las claves de su éxito, sitúan al espectador en una situación de comodidad que lleva a una mayor implicación por los personajes, la habilidad de Wilder es suprema en ese sentido, bien apoyado en un guión totalmente original, coescrito de nuevo con su adorado I.A.L Diamond.

El film supone el mayor éxito del realizador, le hace ganar su segundo Oscar a mejor director, además consigue los premios a mejor guión original, película, dirección artística y montaje, siendo la grán triunfadora de la ceremonia en 1960.

“No tengo tiempo para considerarme un inmortal del arte. Hago películas sólo para entretener a la gente y las hago tan honradamente como puedo”.

- One, Two, Three / Uno, dos, tres (1961) Si Lubitsch tenía “Ninotchka”, Wilder tiene “Uno, dos, tres”, su comedia sobre el comunismo es una memorable “screwball comedy”, - comedia loca de personajes acelerados y al límite de los acontecimientos cómicos que les sobrepasan - con toda las señas de identidad del género y con un ritmo narrativo en exceso vibrante, el señor McNamara, - imposible pensar en otro actor para el papel que no sea James Cagney - representante de Coca Cola en el Berlín occidental, tiene el sueño de introducir la marca en la parte soviética, cuando su jefe le encarga cuidar de su caprichosa hija, poco puede sospechar que ésta se ha enamorado de un joven idealista del lado oriental, desde ese momento hará todo lo posible por fastidiar esa relación entre la chica y el bolchevique que amenaza su estabilidad laboral y personal.

La anécdota es que Wilder tuvo que afrontar más de una dura crítica trás el estreno del film, al que se consideraba demasiado politicamente incorrecto, en un periodo de guerra fría en el que hacer bromas con el asunto era menos que una ofensa, esa etiqueta de director de mal gusto, siempre persiguió a Wilder, pero como bien decía el mismo, Lubitsch le había enseñado a arriesgar, merece la pena hacerlo, le decía,

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siempre que te mantengas fiel a ti mismo y a tu arte, si el público no se rie ante lo que tu consideras una buena frase, la culpa sera de ellos, no de guionista, curiosamente acabaría siendo Wilder quien se gano esa fama de “maestro del mal gusto” y no Lubitsch, el ideólogo.

“Lo más importante es tener un buen guión. Los cineastas no son alquimistas. No se pueden convertir los excrementos de gallina en chocolate”.

- The fortune Cookie / En bandeja de plata (1966) Mencionar a Billy Wilder lleva irremediablemente a acabar hablando de la pareja formada por Jack Lemmon y Walter Mathau, uno de los grandes duos cómicos de la historia del cine, tres son los títulos en los que estuvieron a las órdenes del director, en esta, la primera colaboración, al servicio de una cinta corrosiva y mordaz, marca de la casa, Harry Hinkle, - Lemmon - es un cámara de televisión que recibe un golpe fortuito en un partido de rugby, su cuñado, Willie Gingrich, - Walter Mathau - de “Gingrich & Gingrich”, un abogado sin escrúpulos, intentara sacar tajada de la situación, a pesar de que no hay lesiones, para ello no dudará en usar a la ex esposa de Harry, de la que todavía sigue enamorado.

La película está dividida en episodios, todos con su rótulo correspondiente, un recurso bien perpetrado por Wilder y Diamond, que buscan así aislarse de la historia y entregarsela al espectador, amenizando y rebajando la tensión formal de las situaciones, sin por ello perder ni un centímetro de mala leche, el personaje de Mathau es apoteósico - ganó el Oscar a mejor actor de reparto -, Wilder vuelca en el toda su personalidad, encontrando un vehículo perfecto para hacer de contrapunto a un Lemmon siempre más blando y entrañable.

“He hecho películas que a mí me hubiera gustado ver. Y yo sólo quiero ver películas que me entretengan”

- The private life of Sherlock Homes / La vida privada de Sherlock Holmes (1970) Si alguien no se ha dado cuenta, hasta ahora todas las películas analizadas eran en glorioso blanco y negro, es evidente por otra parte, hablamos de directores clásicos en toda regla que disfrutaban con el formato y hacían apología de el.

En cualquier caso, en 1970, Wilder se atreve con el color, y lo hace con “La vida privada de Sherlock Holmes”, título revelador que presenta al famoso detective como un ser huraño, amanerado, hermitaño, drogadicto y ante todo, un alma ingeniosa poseedora de las más extraordinarias dotes de deducción, si nos suena es normal, parece que el director esté reflejando a grandes rasgos su propia personalidad en Holmes, de la parte romántica se encarga Diamond, en un film que resultó un estrepitoso fracaso de crítica y público, pero que visto hoy día, supone una apuesta de admirado riesgo, un trabajo adelantado a su tiempo sin duda.

“Existen más libros sobre Marilyn Monroe que sobre la II Guerra Mundial. Hay una cierta semejanza entre las dos: era el infierno, pero valía la pena”.(Billy Wilder)

“Para hacer una película hay una sola regla: sólo hay que hacer aquello que sea de utilidad a la película”

- The front page / Primera Plana (1974) La mejor película de Billy Wilder, un film que parte con la grán dificultad que supone echar un pulso a un clásico de la talla de “Luna Nueva” (1941), del maestro Howard Hawks, - existe además una versión de 1931 basadas todas en la pieza teatral de Ben Hecht y Charles McArthur.

Si hablamos de “Screwball Comedy”, la cinta de Hawks es preferible, Wilder rebaja el tono frenético de su versión y se centra en la corrupción política y el poder de la prensa, entre Diamond y el construyen un guión candidato a ser el mas cínico, mordaz e inteligente jamás escrito, además se las arreglan para transformar al personaje de Hildy en un hombre, para así poder introducir a su pareja de oro, Jack Lemmon y Walter Mathau, nunca estos 2 actorazos estuvieron tan enormes.

Una obra maestra descomunal y para mi gusto, una de las diez mejores películas de la historia del cine.

“Recuerda que eres tan bueno como lo mejor que hayas hecho en tu vida”.

De 1975 a 1981 el maestro añadió 2 títulos más a su filmografía, “Fedora” (1976) y “Buddy, Buddy” / “Aquí un amigo” (1981), despedida con su dúo cómico Lemmon-Mathau, tras esta última cinta, que fué un estrepitoso fracaso, las compañias aseguradoras se negaron a hacerse cargo de sus películas, influyendo también la edad del realizador, que ya cifraba en 75 años, se equivocaron sin duda, aún le quedaban 20 años por delante, en los que apenas concedió entrevistas, dado su carácter reservado y huraño, solo el periodista y director Cameron Crowe, - Jerry Mcguire- consiguió sonsacarle, ya al final de sus días, en un duelo de preguntas y respuestas que emulaba al que François Truffaut había hecho con Hitchcock un par de décadas antes.

“Todos los días miro las esquelas de los periódicos y me fijo sobre todo en la edad del muerto. La mayoría son más jovenes que yo. Me asusto y pienso: a lo mejor, lo único que sucede es que se han olvidado de mí”.

El 27 de marzo de 2002, Samuel Wilder, más conocido como Billy Wilder, fallece de neumonía a la edad de 95 años en su residencia de Beverly Hills, con el se va una de las 5 personalidades más influyentes de la historia del Séptimo Arte, como bien dijo Fernando Trueba al recoger el Oscar a mejor película extranjera por “Belle Epoque”, “Me gustaría creer en Dios, pero solo creo en Billy Wilder”.

Mi pequeño homenaje, es citar las frases con las que atacó a directores que consideraba aburridos, y que contaban con el beneplácito de la crítica, para ambos tuvo frases memorábles, que no puedo dejar pasar la oportunidad de compartir con vosotros: “Sobre Ingmar Bergman debo decir que los críticos no tienen ni idea de lo que está diciendo, pero, pese a todo, les chifla... Existe una asociación internacional de ese tipo de críticos, capaces de extasiarse ante el asno muerto de Cocteau envuelto con telas encima de un piano” “Comprendo sin dificultad por qué Godard ha podido por sí sólo exterminar varias empresas productoras”.

“Antonioni seguro que es un gran director, un gran artista. Pero en lo que a mí se refiere, soy incapaz de mantenerme despierto”.

Los restos del maestro se encuentran en un Cementerio de Los Ángeles, en su lápida se puede leer: “I,am a writer, but then nobody,s perfect” / “soy escritor, pero nadie es perfecto”, por una vez, estoy en total desacuerdo con el.

El Espíritu Santo.

Woody Allen (1935- ) Allan Stewart Königsberg, más conocido como Woody Allen, nace en Brooklin, Nueva York, el 1 de diciembre de 1935, sus inicios como humorista precoz, con apenas 16 años,le llevan firmar sus trabajos con un seudónimo, de ahí lo de Woody Allen, se dedica a enviar chistes a periódicos de su ciudad, pronto el New York Post le pública algunos, y su nombre comienza a circular por las agencias de publicidad y prensa.

Tras un breve paso por la universidad, que le resulta del todo aburrida, se acerca a la televisión y consigue sus primeros contratos en programas de humor, lo que inevitablemente le lleva al cine, encargándose en 1960 del guión de “What’s new, Pussy Cat?”, en la que también tiene un papel como actor.

Uno de sus mayores complejos surge de tener que vencer su timidez, en la década de los 60 se dedica a ello, actuando como humorista en clubes, pero el gusanillo del cine ya le ha tentado, en 1966 dobla un film japonés modificando el guión a su antojo, conocido por “Lily, la tigresa” y en 1967 interviene como guionista y actor en “Casino Royale”, parodia de la primera novela de Ian Fleming para el personaje de James Bond / 007.

Por fin, en 1968 se atreve con su primer film, “Toma el dinero y corre”, que a pesar de no contar con el apoyo y la confianza de la propia productora, resulta ser un éxito de público, lo que le permite firmar un contrato con la United Artist, con la que rodará sus 3 siguientes películas.

En Woody Allen es fácil diferenciar etapas dentro de su filmografía, en su primera versión, Allen se muestra como un cineasta deudor del cine de comedia mudo, con una confesa admiración por el personaje de Grouxo Marx, fuente de inspiración cínica e inteligente, más tarde, su relación con Mia Farrow le hace alcanzar una madurez que le acerca un estilo más serio, es el momento de homenajear a directores como el sueco Igmar Bergman, tras su convulsa ruptura con Farrow, su cine vuelve a respirar en positivo, recupera la frescura de antaño, bien combinada con las evidentes tablas del que lleva tantos años como magnífico creador.

Imposible no mencionar su pasión por Jazz, de todo es sabido que toca el clarinete con su grupo desde hace

Woody

décadas, - ha dado algún concierto en España - un estilo musical que impregna todas sus obras, esto nos lleva a hablar inevitablemente, de los títulos de crédito iniciales en el universo Allen, inconfundibles sus letras blancas sobre fondo negro, y su música característica ya mencionada, toda una gozada para cualquier aficionado al cine del maestro neoyorkino.

Su obsesión por el psicoanálisis, que le emparenta con el cine de Wilder, otro anti froidiano declarado, es otra de las constantes en su cine, llegando a parodiar y menospreciar la terapia como una pérdida de tiempo y dinero solo comparables a la religión y sus ministros.

Hay que destacar que Allen jamás ha adaptado material ajeno al que sale de su privilegiada cabeza, todos sus guiones son originales, decía José Luis Garci, director que me interesa muy poco, pero que hay que reconocer, es un grandísimo cinéfilo, que si alguien merecía el premio novel de literatura en el mundo del cine, ese era Woody Allen, frase con la que no puedo estar más de acuerdo.

Una diferencia con Lubitsch y Wilder, es que Allen si interpreta a una grán mayoría de personajes de sus películas, según el, para tener un mejor control del rodaje e implicarse con el resto del reparto, una medida de control más que otra cosa, ya que se considera a si mismo como un actor muy limitado, sinceramente, todos preferimos verle, en esos títulos en los que no aparece, de algún modo siempre se le echa en falta.

De un total de 41 títulos como director, analizaremos 10 de ellos, los que considero más relevantes y característicos de su prolífica carrera, como realizador metódico y preciso, nunca falta a su obligada cita con sus fans, estrenando siempre una película al año.

- Sleeper / El dormilón (1973) Mi favorita de la primera etapa de humor físico del director, que emula a Chaplin, Buster Keaton, y todos esos genios del cine mudo, parece increíble que aún habiéndole pasado 40 años de su estreno, esté más de actualidad que entonces, en el se mencionan temas como la clonación o la robótica aplicada al servicio doméstico,

Allen

“El sexo sin amor es una experiencia vacía, pero experiencia vacía es la mejor”.(Woody Allen)

“En Hollywood no tiran la basura, la convierten en televisión”(Woody Allen)

“No entiendo como no hay más gente bisexual, si esto duplica tus posibilidades de ligar el fin de semana (Woody Allen)

“La vida está dividida entre lo horrible y lo miserable.

(Woody Allen)

“Hasta un reloj parado acierta dos veces al día”.

(Woody Allen)

“Para ti soy ateo.

Para Dios, soy la fiel oposición”.(Woody Allen)

“No te metas con la masturbación.

Es hacer el amor con alguien a quien yo quiero”.(Woody Allen)

elementos de máximo acierto y absoluta vigencia en la actualidad.

Miles Monroe - Allen - es criogenizado y despierta 200 años en el futuro en un estado social opresor, los doctores que realizan la intervención para descongelarle, esperan que lidere la resistencia para derrocar al “jefazo” y así instaurar un régimen político de corte mas liberal.

El film contiene escenas imborrables de máximo nivel cómico, en una de ellas, Miles repasa acontecimientos de su época, para así, intentar ilustrar a los científicos del futuro, que apenas saben nada de aquel periodo, en otra, surge uno de los elementos más recordados de la cinta, el “Orgasmatrón”, maquina diseñada para complacer las carencias sexuales de una población en la que prácticamente todos sus habitantes son frígidos de nacimiento.

El dormilón supone la primera película de Diane Keaton como musa del realizador, una feliz asociación que además se hace extensible a la vida real, pues fueron pareja sentimental en la década de los 70.

- Annie Hall (1977) Los fanáticos de “La guerra de las galaxias” jamás perdonarán a Woody Allen el que les robara los Oscars a mejor película, guión original y dirección en la ceremonia de ese año, en su defensa, Allen siquiera se dignó en recogerlos, siempre ha menospreciado los premios, al considerarlos arbitrarios y carentes de interés.

Annie Hall es una película fundamental en la trayectoria del genial realizador neoyorkino, se puede considerar su primera gran obra, el film fusiona con mucha habilidad su cine de humor pretérito con un desarrollo más intimista y profundo de sus personajes, seña de identidad evidente de su cine, todo apoyado en unos diálogos sublimes marca de la casa, escritos por Allen y Marshall Brickman, colaborador del director en sus primeros años Alvy Synger - Allen - es un comediante neurótico de éxito, un día conoce y se enamora de Annie, Diane Keaton, que se alzó con el Oscar a mejor actriz por su papel en la cinta - durante varios años, veremos la progresión de la relación sentimental entre ambos, a la vez que conoceremos mejor la propia historia del personaje de Alvy.

Lo novedoso del film, reside en la transgresión a las normas del género, permitiendose licencias tales como el hecho de que los personajes hablen directamente a la cámara, o que los saltos temporales del argumento no obedezcan a un patrón lógico y lineal.

- Manhattan (1979) La más profunda declaración de amor a una ciudad, concretamente Nueva York, jamás filmada, a Woody Allen se le ocurrió que captaría mejor la esencia del mensaje si la estrenaba en blanco y negro, para ello recurrió al director de fotografía Gordon Willis, (El padrino) y entre ambos buscaron la mejor forma de plasmar la idea en imágenes.

El resultado no puede ser mejor, Manhattan es un trabajo de ensueño, un indiscutible clásico moderno, el propio Allen la tiene entre sus favoritas, llegando a definirla de la siguiente manera: “Siento verdadera pasión y una gran devoción hacia la ciudad de Nueva York y creo que en la película se la ve de la forma más hermosa que se ha visto nunca en el cine. Cuidamos mucho la fotografía y creo que es realmente impresionante.”

Isaac Davis - Allen - es un escritor neoyorkino que roza la cuarentena, y que mantiene una relación con una joven de 17 años, al mismo tiempo que se enamora de Mary, - Diane Keaton - que es la amante de su mejor amigo.

Argumentalmente el film tiene un punto superior a “Annie Hall”, las relaciones de los personajes son más irónicas, Allen aprovecha para dar un repaso a la clase intelectual, tan segura de su conocimiento artístico, pero a la vez, profundamente inestable en sus relaciones afectivas, nadie mejor que el para hablar de un espectro social al que sin duda pertenece.

- The Purple Rose of Cairo / La rosa púrpura de El Cairo (1985) El cine como única válvula de escape en tiempos de crisis, situada en los años 30, la época de la gran depresión, cuenta la historia de Cecilia, - Mia Farrow - una camarera casada con un hombre insensible, del que huye cada día para refugiarse en un cine cercano, donde ve una y otra vez “La Rosa Púrpura de El Cairo”, un film de aventuras cuyo protagonista la tiene enamorada, en uno de esos visionados, su héroe romántico sale de la pantalla y se fuga con ella.

Una de las cumbres en la filmografía del director, que en este caso elige no aparecer en la misma, para, como el dice, rebajar el tono humorístico y no distraer al público con su presencia, Obra Maestra absoluta, habría que inventar un subgénero dentro del propio Allen para catalogarla, quizá lo más cercano a lo que se suele llamar “realismo mágico”, un film muy agridulce que al final funciona como un triste decálogo sobre la desilusión.

Gran parte de la crítica especializada la considera desde hace años la mejor cinta del maestro.

- Hannah and her sisters / Hannah y sus hermanas (1986) Para el gusto de el que os escribe, la mejor película de Woody Allen, entiendo que son palabras mayores, pero la considero su mejor exponente como realizador, en ella se compendian con máximo acierto, todas sus obsesiones, el sexo, las relaciones personales, la religión, como fondo, el homenaje al cine del sueco Igmar Bergman,

una influencia declarada por Allen en numerosas ocasiones, la verdad que con Bergman comparte esa filmografía por etapas, tan claramente diferenciables en ambos maestros.

Hannah - Mia Farrow - es la mayor de 3 hermanas, está casada con Elliot - Michael Caine -, que está profundamente enamorado de la menor de ellas, Lee, - Barbara Hershey - a su vez, la mediana, Holly, - Dianne Wiest - busca desesperadamente el éxito laboral y el amor, lo intentó con el ex-marido de Hannah, Mickey, un neurótico productor de televisión con graves dudas existenciales, entre todos ellos, forman un collage de relaciones personales de lo más intrincadas y fascinantes.

El equilibrio perfecto entre el drama familiar y el punto de humor que pone el personaje de Allen, es para mi la clave de su grandeza, además el director escribe unos secundarios memorables, como Frederick, - Max Von Sydow, actor fetiche de Bergman - y está realmente inspirado en los diálogos, bastante más complicados de lo habitual, porque entrega el protagonismo de la cinta a una cantidad elevada de personajes y consigue que todo funcione a la perfección.

Una Obra Maestra absoluta, de esas películas que considero perfectas, en la ceremonia de los Oscar de 1986, se alzó con las estatuillas a mejor actor de reparto (Michael Caine), mejor actriz de reparto (Dianne Wiest) y mejor guión original, este último premio doblemente meritorio, pués en la academia ya sabían que Allen no se molestaría en ir a recogerlo.

- Crimes and Misdemeanors / Delitos y faltas (1989) Dos historias circulan en paralelo pero de forma independiente, en el desarrollo de “Delitos y faltas”, - uno de los mejores guiones de Woody Allen - en la primera, el propio Allen interpreta a Cliff, un director de documentales casado con la hermana de un productor televisivo, - Alan Alda - al que Cliff detesta, la cosa se complica cuando ambos se enamoran de la misma mujer, - Mia Farrow - en la segunda, Judah, - Martin Landau - un prestigioso oftalmólogo, se ve acosado por su ex-amante, - Angelica Houston - que no acepta el fín de la relación, la desesperación llevará a Judah a plantearse el asesinato para evitar que todo salga a la luz.

De nuevo encontramos un exquisito equilibrio entre ambos géneros, la parte de Allen, aún con una conclusión triste, contiene grandes momentos de humor, y además, en ella se mencionan 2 de las frases más recordadas del director, una que cita el mismo: “La última vez que estuve dentro de una mujer, fué cuando visité la estatua de la libertad”, la otra en boca de Alan Alda: “Comedia es igual a tragedia más tiempo”, está última es una idea fascinante, en su desarrollo, la explicación es relativa al hecho de hacer un chiste con una tragedia de actualidad, nadie lo encontraría divertido, pero si pasan unos años, la cosa adquiere una nueva dimensión, y pasa a ser gracioso.

De su argumento dramático, mencionar el brillante trabajo de Martin Landau, un papel complejo del que sale más que airoso, en la parte que le toca a Allen como realizador, destacar la perfecta ejecución de su trama

criminal, que le acerca a grandes escenas clásicas del cine negro.

- Bullets over Brodway / Balas sobre Broadway (1994) En 1992 saltó el escándalo que todos conocemos en la vida de Woody Allen, se destapaba su relación con SoonYi, hija adoptiva del realizador y Mia Farrow, no perderé ni un segundo más en ese tema y si lo hago es para justificar una etapa en la obra del realizador, una vez acabado su matrimonio con Farrow, un periodo marcado por una vuelta al optimismo y la frecura de sus primeras obras, de esa nueva libertad, nace, entre otras, “Balas sobre Broadway”, un film al que tengo un especial cariño, ya que fué mi primera película del maestro en cine, desde entonces, jamás he faltado a mi cita con el en la gran pantalla.

David Shane, - John Cusack, como alter ego del propio Allen- es un joven y ambicioso autor teatral, que intenta hacerse un nombre en el Broadway de los años 20, la falta de financiación le llevará a aceptar el dinero de un mafioso, que a cambio de su generosa donación, impone en el reparto a su novia Olive - Jennifer Tilly -, una actriz de cabaret con nulas dotes para la interpretación, al mismo tiempo, David se enamora de su actriz principal, Helen Sinclair - Dianne Wiest - un estrella pasada de moda y alcohólica, que aún se considera una grán diva.

Un reparto espetacular para una de las mejores películas de Woody Allen, llena de talento y nostalgia, pero con grandes momentos de humor, el personaje de Helen Sinclair evoca a la Norma Desmond de “El crepúsculo de los dioses” de Billy Wilder, y proporcionó a Dianne Wiest su segundo Oscar como mejor actriz de reparto, - el primero también había sido a las órdenes de Allen en “Hannah y sus hermanas” - un film que indiscutiblemente es ya un clásico moderno.

- Deconstructing Harry / Desmontando a Harry (1997) El bloqueo del creador y la devoción hacia sus personajes, pocas veces hemos visto a Woody Allen tan cercano y tan desnudo ante su público, un film cínico y extremadamente inteligente en su planteamiento y en sus diálogos, que sirve al director para cargar de forma certera contra la hipocresía imperante en la

sociedad moderna, tan acomplejada y prejuiciosa.

Harry Block, - Allen - es un escritor de éxito que ha triunfado gracias a valerse de sus experiencias sentimentales a la hora de elegir los argumentos de sus libros, con lo cual la mayoría de personas de su entorno le desprecian, el día que deciden homenajearle en su antigua facultad, tiene serios problemas para encontrar acompañante.

Desmontar a Harry es desmontar la misma esencia del artista judío, Harry es un tipo depresivo, ególatra, putero, y casi cualquier característica contraria a la idea moral de su origen hebreo, de la que siempre se ha desvinculado o ridiculizado, mostrándose como un ateo orgulloso de su condición.

El mayor hallazgo del film reside en su planteamiento narrativo, así vemos como el personaje de Harry repasa su obra, interactuando con ella, mostrando a los personajes de ficción cohabitando en el mismo plano que los que inspiraron a los mismos, un recurso espectacular que deja la mejor impresión cinéfila, esa sensación que se tiene cuando uno sabe, sin género de dudas, que está delante de una gran obra.

Imprescindible.

- Match Point (2005) Chris Wilton, - Jonathan Rhys Meyers - es un profesor de tenis que da clases a alumnos de la alta sociedad londinense, uno de ellos, Tom, le dará la posibilidad de mejorar su posición económica cuando conoce a su hermana, Chloe, -Emily Mortimer - cuya familia es muy rica, el problema surge cuando se enamora de la novia de Tom, una fracasada actriz americana llamada Nola Rice. - Scarlett Johansson El antecedente más claro de Match Point es “Delitos y faltas”, pero la diferencia entre ambas, es que en esta, primera película de su etapa europea, todo resulta más luminoso e impactante, según Allen todo salió perfecto en el rodaje, si necesitaba lluvia, se ponía a llover, desde luego que el resultado es deslumbrante, pertenece sin discusión a la lista de sus mejores trabajos.

Un film sombrío, lleno de una maravillosa tensión magnética, en su parte criminal consigue que seamos partícipes de su deleznable planteamiento, llegando a sufrir por la suerte de su protagonista, que sin duda, merece pagar por

sus pecados, es justo ahí donde el azar, el auténtico protagonista del film, toma partido y se acerca a esa red metáforica que marca el destino de sus personajes.

Una Obra Maestra descomunal, llena de una eufórica lucidez.

- Midnight in Paris / Medianoche en París (2011) Woody Allen consigue reverdecer viejos laureles con “Midnight in Paris”, un híbrido entre “Manhattan” y “La rosa púrpura de El Cairo”, de la primera tiene su amor por la ciudad de las luces, en un prólogo tan sentido como lo era para Nueva York en aquella, de la segunda, recupera el realismo mágico, elemento ideal para mostrar, en todo su esplendor, el París de los años 20.

Gil, - Owen Wilson - un escritor norteamericano, viaja con su prometida a París, mientras deambula por sus calles, cae en un hechizo que le transporta al París de los años 20, donde entra en contacto con la élite cultural de la época, llegando a conocer a personajes como el pintor Salvador Dalí, o los escritores Zelda y Scott Fitzgerald.

De nuevo una maravillosa nostalgia invade prácticamente cada fotograma del film, el vitalismo es en esta ocasión, a diferencia con “La rosa Purpura de El Cairo”, la tónica predominante, la desesperanzada conclusión de aquella, se torna aquí en un final feliz, con el que Allen reivindica un mensaje más positivo, pleno de optimismo.

Tercer Oscar a mejor guión original para Woody Allen, en la última ceremonia de los premios, evidentemente no fué a recogerlo, resultó de lo más divertido ver como los organizadores tuvieron que cortar para publicidad, sin dar más explicaciones al respecto.

Hasta aquí el repaso a la filmografía del genial director, por suerte Allen, a sus 77 años, se mantiene en plena forma, y ya se encuentra inmerso en el rodaje de su próxima película, aún sin título, y que le devolverá a su querido Nueva York, del reparto, se sabe que estará protagonizada por Cate Blanchett y Alec Baldwin.

GENE WILDER Y RICHARD PRYOR: HUMOR HUMOR EN EN BLANCO BLANCOY Y NEGRO NEGRO

El género de la comedia siempre ha estado marcado por una serie de actores que dominaron en épocas muy concretas, algunos alargando su hegemonía durante más de una década. Grandes como Charles Chaplin, Buster Keaton, Laurel & Hardy, Jerry Lewis, Los hermanos Marx, Bud Spencer y Terence Hill, y un largo etcétera han sido los más claros ejemplos de actores que en su época reinaban en un género que siempre ha sabido reinventarse de mil formas, y que ha tratado de formas más o menos disimuladas los problemas sociales de su época dándole un enfoque divertido pero con ciertos tintes críticos.

Para los de mi quinta, aquellos que vimos el Mundial de España 1982, recordamos con nostalgia a dos tipos que nos hicieron reír durante casi dos décadas, bien en las cinco películas que coincidieron o por separado. Hablo sin lugar a dudas de Gene Wilder y Richard Pryor, tal vez (y espero no equivocarme) los precursores de una mezcla de humor racial que abría los ojos a Hollywood y la sociedad en plena época de liberación de los afroamericanos, y tal vez los precursores de un estilo de parejas cómicas y trasladadas al cine de acción.

Pryor y Wilder conseguían una mezcla perfecta, donde Richard era siempre ese caradura espabilado y Gene el ingenuo. Cada uno con su estilo de humor complementaba las carencias del otro, y su gran amistad forjada fuera del mundo del cine se hacía patente en sus películas.

Gene Wilder Nació en 1933 en Milkwaukee, hijo de una familia de inmigrantes judíos rusos que después de servir en la Armada de los EEUU comenzó a trabajar en el teatro, obteniendo cierto reconocimiento que le abrió las puertas de Hollywood. Fue su aparición en la obra Mother Courage and Her Children junto a la gran Anne Bancroft lo que supuso el comienzo de su amistad con el gran Mel Brooks, para quien se convertiría en uno de sus actores fetiches. Su primera aparición en la gran pantalla fue en Bonnie and Clyde, pero no destacaría hasta la primera adaptación de la obra de Willy Wonka a la gran pantalla, Un mundo de fantasía.

Previamente ya había estado a las órdenes de Mel Brooks en Los Productores, quien le daría el papel que sin duda lo lanzó al estrellato, El Jovencito Frankenstein se convirtió en una obra de culto que a día de hoy tiene aún muchos adeptos y que gracias a su filmación en blanco y negro ha quedado como una obra imperecedera. Wilder además del papel principal también se ocupó del guión, lo cual le valió una nominación para los Oscars de la Academia del año 1974.

Tras el éxito de El Jovencito Frankenstein todo Hollywood se lo rifaba, el actor volvió a coincidir con Brooks en Sillas de montar calientes donde entabló amistad con Richard Pryor, amistad que seguiría a partir de ahí hasta el fallecimiento del actor de color. Además de los proyectos en los que participaba como actor, Wilder se lanzó a dirigir, debutando tras las cámaras con El hermano más

listo de Sherlock Holmes pero no fue hasta La mujer de rojo cuando obtuvo el reconocimiento como director. La cinta donde también era el protagonista, supuso un boom en los 80, gracias a la bellísima Kelly LeBrook (mito erótico de los adolescente, y no tan adolescentes, de la época) y la genial canción The Woman in Red de Stevie Wonder.

Tras el éxito de la comedia romántica, vendría otra de sus películas que más añoranza me traen, Terrorífica Luna de Miel, donde volvía a ponerse tras las cámaras y delante de ellas. Se trataba de una comedia con tintes de terror, pero muy por encima, donde un matrimonio pasaba una luna de miel algo movidita. Tal vez el tiempo no la ha respetado tan bien como puede alcanzar mi memoria, pero es una de esas cintas que se rifaban cada fin de semana en los videoclubs, y es que si algo tenían tanto Pryor como Wilder eran un éxito descomunal en el mundo del vídeo doméstico.

A partir de ahí algunos proyectos más donde destacaban las colaboraciones con Pryor y un salto desde 1991 hasta 1999 donde aparcó la interpretación tras el fallecimiento de su esposa, Gilda Radner, tras un duro cáncer. Alguna aparición en televisión en la sitcom Papá a los 50

y lo más recordado su participación en el telefilm de Alicia en el País de las Maravillas de 1999. En estos momentos se encuentra retirado.

Como nota apuntaré para aquellos que creen que Gene Wilder es el actor que realizó la serie de El Gran Héroe Americano, que era realmente William Katt quien se enfundaba las mallas rojas de el traje alienígena sin instrucciones.

Richard Pryor Tuvo una infancia algo más dura que la de su amigo, nacido en 1940 creció en el burdel de su abuela en el seno de una familia poco adinerada.

A los 7 años ya debutaba en los escenarios tocando la batería en un night club, a los 13 años se mudó a Nueva York para convertirse en humorista, inspirado en Bill Cosby a quien idolatraba.

A mediados de los 60 comenzó a actuar en pequeños night clubs y en algunos shows televisivos como El show de Ed Sullivan. Cansado de que compararan su humor amable con el de su ídolo Cosby, se trasladó a California en busca de un enfoque algo más gamberro. Fue este cambio el que lo lanzó a la fama, con un humor políticamente incorrecto consiguió cinco premios

Grammy por sus álbumes de comedia.

La gran pareja

Debutó en el cine en 1968 en Un salvaje en las calles, pero fue Mel Brooks quien le abrió también las puertas de Hollywood. Su primera colaboración con su amigo Gene Wilder fue todo un éxito, Sillas de montar calientes forjó una gran amistad y a la vez fue su estreno como guionista.

A partir de aquí una filmografía cargada de personajes irreverentes y con un particular sentido del humor. Filmes como Perdedor nato, Un héroe con clase, Su juguete preferido, El gran despilfarro o Noches de Harlem (donde coincidiría con el que sería su relevo, Eddie Murphy) han quedado en la memoria de los que como yo vivimos los ochenta a golpe de videoclub.

He evitado mencionar en la biografía de cada uno las películas en las que participaron juntos. Fueron sólo cinco aunque ya con la lejanía del tiempo tienes la impresión de haberlos visto muchas más veces juntos. El primer encuentro fue en Sillas de montar calientes en 1974, como ya mencioné antes a las órdenes de Mel Brooks (al cual ambos le deben mucho en sus carreras) y donde Pryor guionizaba. Se trataba de un western al más puro estilo Brooks, caricaturizando todo. Ninguno de los dos actores eran los protagonistas, Wilder era uno de los secundarios con mayor presencia y el papel de Pryor era muy reducido, pero sirvió para forjar una gran amistad.

Tal vez su mayor fracaso fue Superman III, aunque realmente el enfoque del film no era el adecuado. Su actuación fue la habitual, un papel muy parecido a los que desarrollaba Pryor, pero evidentemente no encajaba en una película de superhéroe donde se ridiculiza todo.

Dos años más tarde repetirían experiencia en El expreso de Chicago, esta vez ocupaban los papeles principales, aunque Pryor no hacía su aparición hasta bien empezada la cinta se comía la pantalla con su presencia.

Más que una comedia se puede calificar como un thriller muy dulcificado, era una historia de engaños y traiciones a bordo de un tren que va a Chicago.

Cargada de enormes puntos y grandes escenas, se trata de una cinta enormemente entretenida.

Su último trabajo fue una aparición en Carretera perdida de David Lynch en 1997, en esos momentos ya se encontraba afectado por la esclerosis múltiple que le obligó a retirarse y que en 2005 acabó con su vida. Sus malos hábitos con las drogas y su poca estabilidad en los matrimonios (llegó a casarse 7 veces con 5 mujeres distintas) le llevaron a una vida fuera de las cámaras poco deseable.

En 1980 sus caminos se cruzaron otra vez gracias a Sidney Potier, que los dirigió en Locos de remate.

Interpretaban a dos amigos en paro que aceptan un trabajo como hombres anuncio disfrazados de pájaros, con tan mala suerte que unos atracadores utilizan el mismo disfraz ocasionando que sean ellos los arrestados y aprisionados. La segunda parte de la película transcurre en la cárcel y es un auténtico cachondeo.

el cierre a las carreras de ambos a excepción de las apariciones eventuales de cada uno a modo de cameos en posteriores años.

Tanto en sus carreras cinematográficas como en sus vidas privadas eran lo opuesto al otro, Wilder un humor más serio, sin grandes excentricidades y más basado en los guiones y diálogos; Pryor más gestual, sólo su forma de andar ya te arrancaba una sonrisa y si a eso le sumas su gestos tenías Durante casi una década estuvieron sin volver a un cómico desternillante. Tal vez esa diferencia es trabajar juntos, hasta que en 1989 llegó la que para lo que les hacía únicos como pareja, creando el mí es su “obra maestra” juntos. No me chilles que contrapunto perfecto. no te veo, es un delirio donde un ciego y un sordo unen sus “fuerzas” para resolver un crimen que Mucho le deben películas como Límite 48 horas, uno ha visto y el otro ha oído. Se dan algunos de Arma Letal, Hora Punta y otras muchas más, que los mejores momentos de esta pareja en pantalla, se reflejaron en la mezcla de un personaje blanco además de contar con y otro de color, tan opuestos en carácter que al un “joven” Kevin unir sus fuerzas formaban la pareja perfecta.

Spacey en el papel de Por Salvador Vargas villano.

Su secuela dos años más tarde, No me mientas que te creo, no tuvo tanto éxito y supuso

5 de octubre de 1969.

Los británicos ponen la BBC y ven en sus televisores un largo plano donde un naufrago sale del mar con sus ropas hechas jirones y consigue llegar, a duras penas, a la orilla. Se arrastra por la arena, mira a cámara y murmura un “It's...”. Luego una explosión de surrealismo invade la pantalla con animaciones que derrochaban psicodelia.

Había comenzado el primer capítulo de “Monty Python's Flying Circus”: el absurdo había llegado a la televisión.

ya que todo el mundo lo llamaba así pero sabían que les faltaba algo mas y las ideas surgían sin cesar: desde nombres graciosos de personas reales hasta cosas como “Cynthia Fellatio's Flying Circus”, deshechados por causas obvias, hasta que a alguien (según las malas lenguas, John Cleese) se le vino a la mente “Python”, con variantes como “Bob Python” y “Norm Python”. En ese momento, Eric Idle se acordó de una historia del pub de su ciudad donde un hombrecillo de traje y pajarita se pasaba la tarde preguntando a cada parroquiano si habían visto a Monty.

Considerados por muchos “los Beatles del humor”, los Monty Python han sido una de las mayores influencias en la evolución de la comedia, alcanzando cotas de genialidad y absurdo pocas veces igualadas en la actualidad.

Monty Python tenía una resonancia entre cutre y tétrica y llegaron al consenso de que sería el nombre perfecto para un productor teatral decadente y alcohólico... quizás el único capaz de unir a los seis y ofrecerles un contrato.

Hablar de los Monty Python es mentar a Graham El circo volador.

Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Terry Jones, Eric Idle y Michael Palin., seis mentes afines a un El show televisivo de los Monty Python duró un mismo tipo de comedia. total de 4 temporadas con 45 delirantes capítulos, comenzando el 5 de octubre de 1969 y finalizando Según la historia, Palin y Jones se conocieron en el 5 de diciembre de 1974, allanando el terreno Oxford y Cleese, Chapman e Idle en Cambridge, para la invasión del cine por parte del grupo. a los que se les sumó Gilliam, americano él, para despejar tanto ambiente británico. Todos formaban parte de distintos grupos de teatro estudiantil y poco a poco se fueron mezclando y colaborando juntos en diversos proyectos para radio, teatro y televisión. Finalmente la BBC les echó el guante y les ofreció la oportunidad de realizar un programa para la televisión: acababa de nacer “Monty Python's Flying Circus”.

Menudo nombrecito, ¿no? Pues también tiene su miga: En esa época, en 1969, había un productor y guionista en la BBC llamado Barry Took que acogió bajo su manto protector a los seis humoristas e impulsó que les dieran un programa. Uno de los apodos de Took era Barón Von Took así que en las informaciones internas de la cadena, al programa se le llamaba “Baron Von Took's Flying Circus” como referencia a un escuadrón de la Primera Guerra Mundial pero los Python querían cambiar el nombre cada semana, en cada programa. Las fechas acechaban y la cadena exigía un nombre así que optaron por mantener el “Flying circus”

de la calidad mas irregular pero con sketches mas elaborados y coherentes que pudieron ser precursores de los films posteriores.

El “Circo Volador” es un gran hito de la televisión y del humor, aunque quizás se entienda mejor su importancia con la perspectiva que otorga el tiempo. Un espectáculo delirante, con tintes de crítica social, reflejando a la sociedad inglesa como algo encorsetado, rígido y aburrido, pero siempre con el absurdo por bandera.

La gran pantalla.

Los episodios duraban media hora y constaban de diferentes sketches, algunos de ellos totalmente antológicos. Cada capítulo comenzaba con el náufrago o It's - man, interpretado por Michael Palin, surgiendo de cualquier lugar y soltando su mítico “It's...”, dando entrada a los títulos iniciales creados por Terry Gilliam, otra de los detalles esenciales de la serie, realizados en base a ilustraciones y fotografías.

A pesar de constar de gags, sin que medie mucha relación entre ellos, si que fueron surgiendo unos personajes recurrentes, a lo que echar mano cuando un sketch necesitaba un giro descabellado o simplemente para no devanarse los sesos buscando personajes nuevos. Así, por ejemplo, esta el locutor\ presentador de la BBC capaz de surgir de cualquier lado, interpretado por John Cleese y su “And now for something completely different”, el inflexible general de Chapman, el hombre del pollo, el cura, la Inquisición española (Jones, Palin y Gilliam) a la cual nadie espera e incluso el pie de Cupido de Bronzino que Gilliam introduce siempre que puede.

Al final de la tercera temporada, Cleese abandonó el circo, dejando la cuarta y última temporada en manos de Chapman, sobre el cual planea una sombra de egocentrismo y alcoholismo que pudo resquebrajar el espíritu de trabajo del grupo.

Rumores aparte, la cuarta temporada resulta ser

Los Python se acercaron al cine por primera vez en 1971 con “And now for something completely different” que en realidad no era mas que sketches regrabados de las dos primeras temporadas del “Flying Circus”. No tuvo mucho éxito mas allá del mercado de vídeo doméstico e incluso los integrantes del grupo no lo consideran una película como tal.

En 1974 llegó el momento de “Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores” (“Monty Python and the holy grail”), dirigida por los dos Terrys, Gilliam y Jones. Con un presupuesto muy reducido, aportado en gran medida por amigos y gente de la música (Pink Floyd, Jethro Tull o Led Zeppelin), los Python se las arreglaron para contar la historia del Rey Arturo y sus caballeros en busca del Santo Grial por la Inglaterra medieval en una alocada aventura llena de brujas, franceses, conejos, dragones animados, caballos de mentira, agentes de policía, Santas Granadas de Antioquía, caballeros que dicen “ni” e incluso historiadores modernos.

Una película que creó escuela, inspiró el musical “Spamalot” y que es una fuente inagotable de Loco es decir poco pero lleno de genialidad. A referencias frikis que no pierden su vigencia medio camino entre la imaginación visual de incluso casi 40 años después de su estreno.

Gilliam y el estilo mas sobrio de Jones, la película sobrevive a su bajísimo presupuesto con ingenio y En 1979 llega “La vida de Brian” y con ella, el éxito absurdo, con escenas memorables como la batalla absoluto y duradero de los cómicos. Fue un éxito contra el caballero negro, el ataque del conejo, de taquilla pese a las restricciones en la calificación la clase de historia del famoso historiados o su por edades debido a su supuesta blasfemia a las abrupto y brillante creencias católicas, queriendo imponerle una calificación X. Y es que en el guión, escrito por ellos mismos, había de todo: Brian tiene la puntería de nacer el mismo día que Jesucristo así que le confunden siempre con el Mesías. Por ello, la película nunca se estrenó en Irlanda ni Noruega y la discográfica EMI retiró su apoyo económico a última hora.

La dirección corre a cargo de Terry Jones, esta vez en solitario pero el problema fue el mismo que con la película anterior: el dinero. Esta vez la película necesitaba ser mas grande, con mayor presupuesto, incluyendo viajes y rodajes en exteriores en Túnez y decorados. El apoyo económico necesario fue aportado, casi en su mayoría por el Beatle George Harrison, que desembolsó tres millones de libras para que la película llegase a buen puerto, simplemente porque era un fan del grupo cómico y quería ver la película rodada, siendo recompensado con un pequeño cameo.

Graham Chapman volvía a tener el papel protagonista a pesar de sus continuos problemas con el alcohol pero el resto de Pythons, él incluido, construyen un montón de personajes distintos, unos 37 personajes entre los 6 Montys.

Las película sigue las (des)venturas de Brian, confundido con el nuevo Mesías, entre represiones romanas, revueltas populares y peticiones de milagros.

Es una sucesión de gags enormes, casi sin descanso, ya desde la llegada de los reyes magos hasta los delirantes integrantes del Frente Popular de Judea, pasando por los romanos, los graffitis, una nave alienígena y Pijus Magnificus, rey de ceceo.

Pero si por algo se recuerda a la película es por su final, con un Eric Idle crucificado entonando “Always look on the bright side of life” y silbando alegremente con su coro de crucificados. Una canción que el propio Idle improvisó y el resto de cómicos desarrollaron, un sello propio que incluso llegaron a recitar en el funeral de Chapman en 1989 o en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

“La vida de Brian” es una película inmortal, que apenas siente el paso del tiempo y todo un ejemplo de la mejor comedia, con unos creadores en estado de gracia, llena de críticas a la religión, a la política y a la sociedad, que podría haber sido aún mayor si no se hubiese quitado metraje de la edición final y que posteriormente ha sido recuperado, en parte, ya que parte se destruyó.

Entre las escenas recuperadas aparece un personaje, Otto, interpretado por Idle, con acento alemán y un bigote que recuerda al de Hitler... quizás ya os hagáis una idea de por que no entro en el montaje final.

1983 es el año en que llega “El sentido de la vida”, la última película de los Pythons. Dejando de lado el estilo de las dos películas anteriores, siguiendo una historia y una trama mas o menos lineal, aquí vuelven a los sketches con un leve hilo conductor: las distintas etapas de la vida. Dirigida nuevamente por Jones, se inicia con un corto dirigido por Gilliam (“The crimson permanent assurance”) donde unos oficinistas ancianos se enfrentan a unos ejecutivos como si de unos piratas se tratase.

al envejecimiento, de la educación a la muerte.

Todos los capítulos mantienen un nivel muy alto, con números geniales como “Every sperm is sacred” con el tremendo número musical final y su crítica a la religión y la estratificación de clases sociales, Mr Creosote y su hambre voraz o los transplantes de órganos. Una película esencial para comprender a los Python y su manera de ver y realizar comedia, exagerada en todo su metraje pero equilibrada en su calidad.

Y recordad lo que es el verdadero sentido de la vida: “Troy and be nice to people, avoid eating fat, read a good book every now and then, get some walking in, and try and live together in peace and harmony with people of all creeds and nations”.

Después de esta película, los Python se separan temporalmente y seis años después, definitivamente con la muerte de Chapman, a causa de un cáncer. Chapman siempre fue una figura importante dentro del grupo, protagonista principal de dos películas, considerado el mejor actor de todos... por ellos mismos, alcohólico empedernido y una de las primeras figuras en declararse gay en un entrevista en la televisión británica. Su muerte coincidió con la celebración del 20 aniversario de la primera emisión del Flying Circus. Su funeral no perdió un ápice del humor del grupo, Idle cantó un fragmento de “Always look on the bright side of lfe” y John Cleese leyó un discurso, reproducido a continuación y copiado sin ningún escrúpulo de Internet (Lo siento, no estuve ahí, tenía cosas que hacer...): Cada uno de los integrantes siguió su camino por solitario, algunas veces coincidiendo con antiguos colegas. Así John Cleese se centró en la interpretación con papeles en películas como “Un pez llamado Wanda”, Gilliam en la dirección (“Los héroes del tiempo”, “Brazil”, “Las aventuras del Barón Munchausen”, “12 monos”...), Idle también actúo y ejerció como doblador en películas como “Shrek Tercero”, trabajando fuera del grupo pero sin perder el humor que les caracterizó.

Es una película con una alta carga musical, con varios números repartidos por el metraje y Los Monty Python crearon y popularizaron una que se divide en siete capítulos y un imperdible clase de humor muy particular, con una ácida intermedio, pasando del milagro del nacimiento carga de crítica social y que tiene su mejor baza en

Discurso de john cleese en el funeral de grahan chapman Graham Chapman, coautor del Sketch de “El Loro Muerto”, ya NO existe.

Ha dejado de ser, ha pasado a mejor vida, descansa en paz, la ha palmado, se ha ido al más allá, mordido el polvo, la ha diñado, ha exhalado su último aliento, ha ido a encontrarse con el Gran Jefe del Entretenimiento Ligero en los cielos.

Y supongo que todos los aquí presentes pensamos lo triste que es que un hombre de tal talento, tal capacidad y amabilidad, de tal inteligencia, se haya desvanecido tan de repente a la edad de tan sólo cuarenta y ocho años, antes de que pudiese alcanzar muchas de las cosas de las que era capaz, y antes de que se hubiese divertido lo suficiente.

Bueno, creo que debería decir: “Estupideces. Que tenga buen viaje, el cabrón aprovechado este. Espero que se fría”.

Y la razón por la que pienso que debería decir esto es que él nunca me perdonaría si no lo hiciese, si dejase pasar esta maravillosa oportunidad de tomarles el pelo en su honor.

Lo tenía todo salvo el buen gusto tonto. Pude oírle ayer por la noche, mientras escribía estas palabras, susurrándome al oído: “Bien, Cleese, estás muy orgulloso de ser la primera persona que dijo “mierda” en la televisión británica. Bien. Si este acto que preparas realmente es para mí, para empezar, quiero que seas la primera persona que en un funeral británico diga “JODER!”

su dificultad para envejecer, pero tampoco resulta ser un humor absurdo accesible para todo tipo de espectadores, pero el esfuerzo merece la pena.

Son tan relevantes que se le puso su nombre a un lenguaje de programación, a varios asteroides, a una especie de lemur e incluso la acepción de una palabra inglesa (Spam) es gracias a un gag suyo.

Así son de importantes, influyendo en las mentes mas frikis desde hace mas de cuarenta años. ¡EXTRA, EXTRA! Que soso quería hablar de los Python sin, por lo menos, seleccionar algunos de sus sketches. Por Internet hay miles de listas con los mejores gags, tanto de medios digitales como de prensa escrita pero seamos originales y escojamos los seis mejores, de manera totalmente personal.

1 – Dead Parrot: Número uno casi indiscutible de cualquier lista, este gag representa a la perfección la “Pythonesque”. http://www.youtube.com/watch?feature=player_ embedded&v=HI8oURc0cRM 2- The Spanish Inquisition: Tres terribles inquisidores castigando a pecadores. Y un guiño a la mas oscura historia española... http://www.youtube.com/watch?feature=player_ embedded&v=8mzfyVluiIU 3 – Spam: Otro ejemplo perfecto de los Python a pleno funcionamiento. De aquí sale la acepción actual de la palabra “Spam”. Inolvidable la irrupción vikinga. http://www.youtube.com/watch?feature=player_ embedded&v=owxT2fy8LF0 4 – The funniest joke in the world: La II Guerra Mundial con un mortífero chiste como arma definitiva. http://www.youtube.com/watch?feature=player_ embedded&v=F7oTJsdLsJg

5 – Self defense against fresh fruit: A mi la fruta siempre me da mala espina... http://www.youtube.com/watch?feature=player_ embedded&v=QtC0fH1Yo4Q 6 – The Philosopher's football match: El título lo dice todo, aquí no hay mucho que comentar. http://www.youtube.com/watch?feature=player_ embedded&v=45dohBzMYm4

Por Javier Sanchez Roquero

Y ahora algo totalmente diferente

MIS TERRORES FAVORITOS Los 70 Me paso de nuevo por aquí para seguir realizando el segundo especial dedicado al cine de terror que estoy abarcando por distintas décadas, destacando en cada una de ellas las películas más influyentes en dicho género y las que todo buen amante del cine de terror debería ver, asi pues tras un repaso a grosso modo sobre la década en cuestión me detendré en determinados films para comentar curiosidades acerca de los mismos y daré una breve opinión personal, sin más espero que os guste, paseis un rato agradable y que os sirva para informaros de aquella película mítica del género que aún os falta por ver.

AÑOS 70

Los dos primeros años no tienen una producción interesante a destacar en Norteamérica, esto es a su vez aprovechado por paises como España que realizaron películas de género como La Noche de Walpurgis protagonizada por nuestro querido Paul Naschy o La Noche del Terror Ciego de Armando de Ossorio, películas de muy bajo presupuesto pero que poseian una ambientación bastante interesante, mientras tanto productoras tan míticas como la Hammer empezaban a dar sus últimos coletazos de vida con films de calidad bastante por debajo a lo que nos tenian acostumbrados tales como Las Cicatrices de Drácula o Drácula 73 películas batante flojas, especialmente la última mencionada.

Los 70 fueron sin duda una década de suma importancia a nivel cinematográfico; años de cambios, cambios en la mentalidad internacional, años de guerras como la de Vietnam, años de reivindicaciones y de desatada libertad moral y creativa a la hora de mostrar historas con más autoría filmica, influenciados más por el cine Europeo que por el propio conservadurismo Norteamericano, la mentalidad del americano medio se resentia por los hechos acaecidos en la sociedad durante esos años y el cine como no podía ser menos acababa reflejándolo como si de un espejo donde mirarse se tratase; Las películas ganaban en realismo sin llegar a ser cinema verité pero sí que se mostraban mucho más realistas, explícitas y adultas No fué hasta el año 73 y de nuevo en Norteamérica cuando el cine de terror recobró su prestigio perdido en su ejecución. y de qué manera, pues el director William Friedkin nos regaló una obra maestra del género, El Exorcista película que fué un rotundo éxito y que cambió el género para siempre, el terror ahroa era mucho más crudo y realista, pero si ese año fué de “Regan” el año posterior fué de “Cara de Cuero” pues un joven Tobe Hooper con poco presupuesto pero mucho talento rodaría otra joya del género, la siniestra y malsana La Matanza de Texas, sublime muestra del horror más descarnado, las películas empezaban a ser más siniestras, sus ambientaciones creaban un desasosiego muy particular en el espectador y todo ello era debido

al ambiente imperante en tan tumultuosa década.

el viejo continente también cabe mencionar una de las mejores películas de Dario Argento, Suspiria, film que se mantenia en el sub género denominado giallo que ya comentamos en el especial anterior y que era la primera de una oscura trilogia sobre brujas bautizadas con el nombre de “Las Tres Madres”.

Destacar también en esos años films como la curiosa Estoy Vivo, la española No Profanar el Sueño de los Muertos deudora de la mítica película zombie de Romero, la brillante La Leyenda de la Casa del Infierno o Vinieron de Dentro de... del por aquel entonces debutante David Cronenberg.

Durante los años venideros el género estaba más vivo que nunca, estaba dando verdaderas obras maestras A mediados de la década un escritor que por aquel que a su vez se iban intercalando con otras de menor entonces empezaba su andadura llamado Stephen calidad pero igualmente recomendables como Rabia King realizó una excelente novela sobre una chica con y Cromosoma 3, ambas de Cronenberg, Las Colinas ciertos poderes psíquicos que era la burla de todo su Tienen Ojos de Wes Craven, la extrañamente atrayente círculo social y que poseía una dominante madre con Phantasma de Don Coscarelli, Terror en Amytiville film de fuertes valores religiosos, la novela fué un éxito y poco casa encantada basada en supuestos hechos reales, Zombie tardó en ver una adaptación cinematográfica, estamos de Romero, secuela de su noche zombie con gran crítihablando de Carrie dirigida por Brian De Palma, por ca social, El Misterio de Salem Lot, esta última siendo si esto fuera poco el cine demoníaco estaba resurgien- un telefilm basado en otro relato de Stephen King dido de nuevo y ese mismo año el mítico director de rigido por Tobe Hooper con cierta calidad como para Superman, Richard Donner nos ofreció otra maravilla ser destacada aquí, con momentos realmente terrorídel género, la imprescindible La Profecia. ficos como el del niño vampiro golpeando los cristales de una ventana.

De vuelta a nuestro pais Chicho Ibañez Serrador realizó su mejor película, la perturbadora ¿Quien Pero aún quedaba otra joya a destacar entre tanto Puede Matar a un Niño?, película que compartía film de horror y seria el mítico John Carpenter el que con el film de Hooper un ambiente sucio, mal- la llevase a cabo, estamos hablando de La Noche de sano, desgarrador y a su vez realista, con unos Halloween, con esta película naceria el serial killer títulos de crédito iniciales inolvidables, todo un film moderno, si bien otros como El Fotógrafo del Pánico, de culto de nuestro cine, ya que nos encontramos en Psicosis o incluso La Matanza de Texas ya poseian un

personaje similar, Carpenter dota a su Michael Myers de un protagonismo y de una maldad carente de toda razón que juega en otro nivel, imitado en años posteriores y hasta el dia de hoy por películas de dudosa calidad.

en grupos religiosos de la época y que consiguió incluso que ambulancias estuvieran en la puerta de los cines debido a ciertos ataques de pánico de un público algo ingenuo que no esperaba el halo de terror que encerraba el film de Friedkin.

Sin más hasta aquí el balance de las películas más importantes de los 70, década realmente importante e imprescindible para el género, en ella se encuentran posiblemente las películas mejor valoradas del cine de terror y no es para menos, década prolífica y de indudable calidad que nos regaló verdadero terror, evidentemente hay cientos de títulos y no todos han sido mencionados aquí, pero creo que las películas más representativas e imprescindibles si que se le hace mención en el dossier, a continuación me detendré más pormenorizadamente en las que creo las imprescindibles de la década.

Quizás todo ello sea algo exagerado visto desde el punto de vista actual pero hay que ponerse en antecedentes y es que antes de El Exorcista las películas de terror eran mucho menos angustiosas y molestas de ver, el film de Friedkin era como un puñetazo en la concienca del espectador medio, se sumergia en el terror más oculto que anida en nuestro interior.

Friedkin consiguió una simbiosis perfecta entre terror sobrenatural y drama humano, afortunadamente el film consigue alejarse de la casqueria gratuita y de los sustos de fanfarria, aquí el ritmo es pausado pero eficaz, el director se toma su tiempo, sus personajes están El Exorcista (1973): perfectamente construidos, la trama nos pone en antecedentes en un brillante comienzo que nos situa en Clásico entre los clásicos, una de las películas de terror una excavación arqueológica en Irak de unas ruinas mejor valoradas por la crítica y más conocidas por el sumerias, allí encontrará una deidad milenaria que gran público, un film que levantó no pocas ampollas hace referencia al demonio Pazuzu, esto sirve a Friedkin para decirnos que el mal es tan antiguo, exótico y desconocido como el propio origen del hombre.

De ahí pasamos a la gran ciudad donde dicho mal tan antiguo como el propio tiempo acabará asentándose, concretamente en una joven niña de 12 años

a entender que en este mundo existen fuerzas y misterios que estan muy lejos de nuestro conocimiento, alcance y comprensión, su tour de force final es antológico con unos brillantes diálogos del demonio hacia los curas exorcistas creando así un duelo verbal èpico que intentará penetrar en sus más profundos llamada Regan, creiblemente interpretada por Linda miedos.

Blair, la fotografía hace un uso brillante de tonos cálidos al principio para ir pasando progresivamente a Concluir dicha reseña destacando también los efectonos mucho más gélidos conforme el mal impera en tos de sonido y detalles subliminales totalmente inla habitación de la niña, con ciertos tonos azulados quietantes y abstractos en determinados momentos en su parte final, creando una atmósfera realmente del film, todo ello arropado por la inolvidable música de Mike Oldfield que ya se ha convertido en todo un inquietante y opresiva. clásico, estamos ante la mejor película de exorcismos El mal va increscendo en la vida de Regan y su madre de la historia, infinitamente imitada pero jamas suuna actriz en horas bajas interpretada de manera perada, puede que otras películas más actuales hayan brillante por Ellen Burstyn está dispuesta a abordado el tema desde un punto de vista más sutil o todo por salvar el cuerpo y el alma de su joven incluso realista pero ninguna atesora tanto terror en hija, cabe destacar su papel pues consigue ejercer sus fotogramas, unas interpretaciones tan entregadas una brillante interpretación de una madre angustiada a la causa y sobre todo una puesta en escena y una y desesperada por el mal que ha invadido su vida y la atmósfera tan conseguida, sin lugar a dudas un clásico de su pequeña familia, destacar también los papeles del cine, imprescindible para entender y disfrutar el de sendos curas exorcistas que están interpretados por buen cine de terror.

Jason Miller que está inmenso como el mítico Padre Karras y Max Von Sydow que consigue un contenido En la escena en la cuál Chris MacNeil sale de la habitación de Regan, para preguntar quién pero contundente registro como el Padre Merrin. había colocado el crucifijo bajo la almohada, La fuerte carga religiosa cobra protagonismo ante la se puede obser var en el lado izquierdo de la puciencia que va admitiendo su impotencia ya que no erta la figura del demonio Pazuzu.La inspiración para que ve solución médica al problema de Regan, dándonos William Peter Blatty escribiera el libro en el que la película

se basa, la obtuvo de un episodio verdadero de exorcismo ocurrido en 1949, en el caso real el poseido era un niño en lugar de una niña. Para la escena en donde Regan gira su cabeza, se hizo una muñeca de latex a tamaño natural que era controlada por control remoto. Se construyeron tres camas separadas para realizar tres movimientos de la misma por separado.

En la escena del laboratorio de audio, se puede ver un cartel blanco con las letras escritas en rojo sobre la pared encima del cristal que pone: “TASUKETE”, dicha palabra significa “Ayúdame” en japonés. El lugar de la excavación arqueológica que se ve al principio de la película es en verdad el antiguo Nineveh en Hatra (Irak). El actor Max von Sydow necesitó varias horas de maquillaje para que su cara diera la impresión de vejez y cansancio en algunas escenas.El sonido del demonio cuando deja el cuerpo de Regan (Linda Blair), es en realidad los gruñidos de cerdos antes de una matanza. El tramo final está rodado dentro de una cámara frigorifica que se decoró como el cuarto de Regan, se encontraba a 0 grados, por lo que el vaho

de los actores es real. El famoso vómito verde era en realidad sopa de guisante.

La Matanza de Texas (1974): Vamos ahora con otro film de auténtico horror, una película que mucha gente ha catalogado como gore o explícitamente violenta y que es completamente falso, es cierto que el film posee ciertas escenas crudas pero muchas menos de lo que se le presupone en realidad, la película opta más por un acercamiento más brutal a nivel psicológico y anímico, su ambientación insana, cruda y hasta visualmente fea crea en efecto de auténtica angustia y locura en el espectador, si nos referimos a ambientaciones perturbadoras La Matanza de Texas está posiblemente entre lo mejor de toda la historia del cine.

Dirigida de forma insuperable por Tobe Hooper que supo sacarle partido al poco presupuesto con el que contaba, este conseguia que empatizáramos realmente con los protagonistas, ayudado por una dirección artística completamente inspirada, el uso de primeros planos contenidos a la hora de mostrar la angustia de la chica protagonista sobre todo en su tramo final que es de lo más desasosegante y angustioso que un espectador pueda vivir en una película de dicho género, la actriz Marylin Burns se entregó por completo a dicho papel, realizando personalmente el mejor papel femenino de una “scream queen”, la chica está soberbia.

Hooper en plena era hippie optó por analizar el horror de un grupo de chicos que estaban muy lejos de casa y una historia de psicópatas retorcidos propietarios de un singular matadero, ahora la carne animal seria cambiada por la humana, basada en supuestos hechos reales en realidad está inspirada en los asesinatos cometidos por Ed Gein, singular asesino psicótico que también sirvió a Hitchcock para su Norman Bates en Psicosis. El film fué rodado en las afueras de Texas y cabe destacar que para el diseño de Cara de Cuero sus creadores y especialmente el actor que lo encarnó se documentaron y

basaron en pacientes de diversos psiquiátricos del es- tador hasta límites insospechados. tado, el resultado no pudo ser más satisfactorio pues el personaje final se encuentra en la cúspide de los per- La Matanza de Texas fué otro film que cambió la forsonajes míticos del cine. ma de hacer cine y que a dia de hoy aún se sigue tomando como referente por futuros cineastas, la falta La labor del equipo artístico fue practicamente tan de medios a nivel presupuestario no impidió el increidecisiva como la del propio director, la película es un ble talento que el film de Hooper atesora en cada uno film que impacta, se queda en nuestro subconsciente, de sus fotogramas, un film que tiene todo lo necesario llega a producir asco pero no de una forma gratuita en el género para estar entre lo mejor. Un clásico insi no más bien por la presión e impotencia que trans- superable. miten sus victimas y verdugos, un film donde la atmósfera mal sana llegaba a cotas inimaginables, prac- De a todos los que mata Cara de Cuero, sólo a Franklin ticamente era lo más importante de la película, una el hermano de Sally (Marilyn Burns) le mata con su famosa película que jugaba más con nuestra imaginacion que sierra mecánica. El filme se rodó íntegramente en el estado con la tortura gratuita y explícita como las basuras de de Texas.La secuencia de la cena coincidió con una inhoy dia (véase Saw o Hostel), es el ambiente el que soportable ola de calor. Edwin Neal (el autoestopista) realmente construye en nuestra psique el verdadero afirmó que fue la peor experiencia de su vida. Marihorror. lyn Burns se agobió y perdió los nervios varias veces dando un resultado final extraordinario.En la película Y es que es una película que no deja indiferente a na- Cara de Cuero no habla, sólo balbucea y grita, pero die, toda una oda al horror más descarnado, primitivo en el guión tenía notas que indicaban lo que trataba y salvaje, con una atmósfera pegajosa, que casi se pu- de decir a los personajes.Para lograr que Pam fuera ede llegar a sentir y palpar el olor de aquella casa llena colgada del gancho de carne, se utilizó un cordón de de huesos humanos y restos de animales o el sudor nailon atado en sus piernas, lo que le causó un gran de sus protagonistas al sentirse presionados y presos dolor. de la familia más salvaje de la historia del cine, pocas películas han conseguido lo que Hooper hizo con esta La banda sonora se compone fundamentalmente de obra maestra y es que nos sintamos en la piel de sus ruidos y ecos, creando así la angustia del espectador. protagonistas, compartamos con ellos el horror y la La localización de la película sitúa la acción en un angustia, su incierto destino, sin duda toda una lección paisaje rural, árido y seco, rehuyendo de la utilización de cine de cómo crear una atmósfera que envuelva al espec- de parajes preciosistas, y a su vez utilizando una ima-

gen granulada (provocada por la conversión de 16 a 35 mm.), creando todo ello un ambiente incómodo, opresivo y asfixiante.El presupuesto fue de 140.000 dólares y recaudó 50 millones de dólares en todo el mundo.Los esqueletos de la casa de Cara de Cuero son reales, la razón es que eran más baratos que los sintéticos El papel del Abuelo fue interpretado por John Dugan con 18 años..La casa estaba habitada y fue alquilada por el equipo de Hooper. Los habitantes de ésta continuaron viviendo en ella durante todo el rodaje.

Carrie (1976): La película que nos ocupa a continuación viene de una novela del mismo nombre escrita por Stephen King que fuè un rotundo éxito en críticas y ventas, por lo que poco tardó una Major en fijarse en ella para hacer un film de horror con un director de renombre a su cargo, el encargo le tocó al siempre interesante Brian De Palma que realizó un brillante trabajo a pesar de tener ciertas discrepancias con el estudio.

Si por algo destaca Carrie es porque introdujo ciertos aportes al género, entre ellos el tema de los poderes psíquicos como mecanismo desencadenante del terror, posteriormente imitado en varias producciones, la mezcla de drama y terror también es algo a tener muy en cuenta, apostando por un perfecto equilibrio entre ambos géneros, su protagonista nos causa una extraña sensación que va de la lástima al miedo, algo que sin duda aportó tambien el film de De Palma fué el tema de los finales abiertos con susto incluido y el uso de las universidades como fuente canalizadora del odio adolescente, realizada de forma bastante personal el film posee una ambientación única con detalles completamente naif para contar dicha trama, el director filma la película usando colores pastel, músicas edulcoradas y evocadoras, con potentes filtros de luz, todo ello nos hace ver una falsa tranquilidad en la vida de su protagonista y su entorno que antecede al horror, algo así como la calma antes de la tempestad.

Centrada en la época más dificil de todo ser humano, la adolescencia, un recurso inteligentemente usado por King para su novela y que De Palma sabe reforzar en imágenes para el film, esto es usado como gérmen de destrucción y terror, el sentir incomprensión por los demás, ser el bicho raro, el patito feo y no tener a nadie de nuestro lado que nos comprenda hace a la protagonista decantarse por un odio incontrolable hacia todo lo que le rodea, siendo quizás más victima que verdugo a pesar de su drástica reacción final.

Un dato a tener en cuenta es que Carrie comienza a

tener los poderes psíquicos cuando tiene su primera menstruación, algo que ha dado pié a sin fin de teorias que van desde el feminismo a la reivindicación y el respeto de la mujer en la toma de decisiones y de su lugar en la sociedad.

Bates High School, una referencia al asesino Norman Bates del filme Psicosis ya que en la novela, el nombre del instituto es Ewen Consolidated High School. Los autores de los libros “Carrie” y “El Exorcista” habían elegido el mismo nombre para sus protagonistas: Carrigan. Así que al descubrirlo, hablaron y deciDestacar también la tormentosa relación entre Car- dieron repartirse el nombre, Carrie por un lado y rie y su madre, una religiosa y drástica mujer de am- Reagan por otro. biguos valores morales, los personajes estan a buen nivel en sus roles, igual que la dirección de De Pal- La Profecia (1976): ma que nos regala momentos míticos como la escena de las duchas femeninas, los inquietantes picados que profecia-poster realiza el director para mostrar a una Carrie aterrorizada, la brillante escena de la chica y su madre en la Forma junto con La Semilla del Diablo y El Exorcista cena con un uso del plano contra plano magistral y la trilogia por excelencia del diablo en el séptimo arte, por supuesto todo lo referente a la fiesta del baile de su tres verdaderas joyas con un único fin, dar rienda tramo final, donde el director da rienda suelta a la in- suelta al mal visto desde el punto de vista satánico. seguridad de la protagonita con esos travelling circulares a su alrededor, esa imagen donde se ve reflejada En esta ocasión como ya ocurriera con el film de Poen un espejo que muestra su rostro deforme para se- lanski el mal no se suele mostrar como algo corpóreo guidamente acabar estallando en mil pedazos dando pero si tangible, La Profecia es una película que pocomienzo su cruel venganza contra todo ser que ha see una narración escalonada, pues comienza como osado despreciarla y burlarse de ella, en una escena un drama familiar al uso con perdida de hijo incluida sumamente violenta. para acabar siendo un film de pura maldad y terror teniendo como protagonista al mismísimo diablo En resumidas cuentas un film desgarrador, lleno de encarnado por un pequeño de 4 años, interpretado inocencia interrumpida, amargura y de miedo por ser magistralmente por Harvey Stephens que nos condiferente y no aceptado por los demás, todo un ejer- cede unas miradas que hielan la sangre, si esto fuera cicio de estilo que aún hoy consigue estremecernos. poco la llegada de una niñera que se convertirá en la protectora del niño parece recién salida de una secta En la casa de Carrie hay una figura religiosa con fle- satánica, su presencia junto con la de Damien acenchas clavadas que representa a San Sebastián, no es turará aún más las fuerzas del mal, el brillante guión un crucifijo ni representa a Jesucristo, como mucha de David Seltzer comenzará con una sucesión de gente piensa.Para la filmación de la escena del baile fenómenos extraños que irán desde una accidentada entre William Katt y Sissy Spacek, los actores fueron visita al zoo a la terrorífica escena en la que obligan al colocados sobre una plataforma que les hacía girar niño a ir a la iglesia, momento donde muestra una acen una dirección, mientras que la cámara lo hacía en titud violenta conforme el coche familiar se aproxima sentido contrario.En rodar toda la escena de la san- al santo lugar, escena portentosa que se remalca aún gre se tardó 2 semanas y fueron necesarias 35 tomas. más con la impresionante partitura creada por el gran Originalmente el filme comenzaba con Carrie de niña Jerry Goldsmith. (interpretada también por Sissy Spacek) junto a una valla; por medio de un efecto con la cámara se hacia El director Richard Donner consigue aportar una amque Spacek pareciera más pequeña. En el montaje fi- bientación prácticamente apocalíptica con una puesta nal se eliminó dicha escena. en escena sobria y una precisión perfecta. El cine es ante todo un ejercicio de auto engaño por parte de los La escena en la que vierten supuestamente sangre de que lo realizan hacia los espectadores y lo que estos cerdo sobre Carrie (Sissy Spacek), la actriz confesó al perciben en pantalla, debemos dejarnos engañar y director durante el rodaje que no le habría importado creer a pies juntillas lo que sucede, pues bien el direcsi hubiera sido sangre real.Según el guión original tor consigue verdaderamente en dicho film que nos la casa de Carrie iba a ser destruida por un granizo creamos que este pequeño es el mal reencarnado, el de piedras, pero el efecto no salía y el rodaje se alar- mal lo rodea todo como así parece percibirlo el cura gaba. Al final decidieron probar a quemarla y como cuando siente una siniestra brisa que aparece de pronles gustó, lo dejaron así.El nombre del instituto es to entre los árboles que son agitados con virulencia y que lo acompañará hasta su fatídico final.

el broche de oro a tan magna obra maestra, de entre todas las analizadas posiblemente sea la más compleja a nivel emocional. Cine en estado puro.

Quizás la escena que más se recuerde a dia de hoy de esta brillante película tenga que ver con la llegada del mitico Gregory Peck y el fotógrafo al cementerio etrusco para buscar los restos de su verdadero hijo, una set piece para estudiar en las escuelas de cine sin duda, filmada de forma sumamente clásica y en decorados realizados en estudio crea una ambientación y posee una dirección artística deudora de la mitica Hammer, la sensación de estar en un tiempo pasado y con reminiscencias góticas es total, el contraste que realiza el director entre zonas urbanizadas durante todo el metraje y ese campo santo milenario a las afueras de Roma en un momento determinado de la historia es apoteósico, de la luminosidad arificial y la seguridad de las calles pasamos a la luz anaranjada del atardecer en los páramos romanos bañados por inquietantes sombras caninas al acecho tras una ruinosa y envejecida verja, verdaderos Cancerberos que guardan la cruenta verdad y las mismísimas puertas del infierno.

Obtuvo dos nominaciones al Oscar (mejor canción y mejor banda sonora original), llevándose la estatuílla en la segunda categoría gracias al trabajo del compositor Jerry Goldsmith. El niño protagonista, interpretado por Harvey Stephens, fue nominado al Globo de Oro al mejor actor debutante.Para recrear el ataque de los babuinos, el equipo de rodaje cogió a un pequeño simio a modo de reclamo, pero no ocurrió nada.Entonces cogieron al jefe de los babuinos y éstos se volvieron muy agresivos.La cara de pánico de Lee Remick no es fingida.Los rottweilers se hicieron muy populares en Estados Unidos a partir del estreno de la película.La escena con los perros en el cementerio fue muy dificil de rodar ya que en lugar de atacar a los protagonistas se pusieron a copular entre ellos.

Si nos fijamos, en todas las escenas en las que sale Damien en su cuarto, la chimenea tiene fuego, tal y como su habitación fuese el mismísimo infierno.Un avión en el que viajaba Gregory Peck de EEUU a Inglaterra fue alcanzado, en medio de una tormenta, por un rayo. Ese mismo avión fue alcanzado por otro rayo tres días después, cuando en él iba otro miembro del equipo, el guionista David Seltzer.Los exteriores y parte de las escenas de interior de la casa donde vive el embajador con su mujer y su hijo son realmente la mansión Guinness, que perteneció a la mundialmente famosa familia creadora de la cerveza del mismo nombre. En el momento del rodaje, el caserón estaba abandonado.Los planos de Gregory Peck trabajando en el despacho de la embajada, están rodados realmente en La desesperación del padre ante los luctuosos acon- la embajada de EEUU en Inglaterra tecimientos que está presenciando en su entorno por culpa de su hijo adoptivo es total y le llevará a cometer La Noche de Halloween (1978): un acto atroz, el film nos regala un potente y polémico final, una tragedia griega para un buen hombre que Con esta película nace el serial killer moderno tal y sólo buscaba la verdad y la felicidad para él y su famil- como lo conocemos hoy dia, a diferencia de otros ia y que acaba siendo un ser derrotado y atormentado, asesinos con antecedentes trágicos, familiares y/o perel rostro de inocencia de Damien contrasta con el de sonales tales como Norman Bates, Ed Gein etc, Myers su padre fuera de sí, con una mirada casi diabólica, representa el mal personificado en estado puro, sin en el altar de una iglesia insinuando que el mal esta y ningún tipo de coartada sociológica o psicoanalítica, estará irremediablemente entre nosotros y que lo ali- la malignidad que le imprime Carpenter a su permentaremos mediante actos que no por justos pueden sonaje está fuera de toda razón para el ser humano, pura maldad concentrada que sólo busca y ocasiona llegar a ser incorrectos. muerte a su paso.

El director consigue mediante sus magistrales dotes de persuación cinematográfica que lleguemos incluso Esa frialdad y falta de escrúpulos es lo que consigue a apoyar al padre a cometer tan imperdonable y horri- que el personaje de Michael Myers destaque por enble crimen, sin duda un final desgarrador que pone cima del resto, consiguiendo un personaje practica-

mente sobrenatural, apoyado por un continuo sonido en off de la respiración de Myers y de los breves escorzos de la silueta del asesino agazapado en la oscuridad o escondido detrás de puertas, sábanas colgadas o matorrales, son un reflejo de lo que Carpenter quiere trasmitirnos y no es más que el psicópata controla los espacios a su voluntad dejándonos ver que ningún lugar es seguro, ya que el mal acecha en todas partes, la película mantiene un suspense latente durante practicamente toda su primera mitad.

Además Carpenter como gran director de corte clásico influenciado por maestros como Ford o Hawks consigue momentos verdaderamente terrorificos, con elementos y recursos completamente cotidianos, (como coches desiertos en mitad de la calzada, pacientes de un psiquiátrico vagando entre la oscuridad, casas con poca iluminación...) su puesta en escena es sobria pero a su vez elegante, con planos muy elaborados que incluso le permiten el lujo de jugar inteligentemenete con el fuera de campo en determinados momentos.

La fotografía también es un punto destacable pues dibuja perfectamente el universo creado para el film lleno de claroscuros, sombras en las calles y casas de fácil acceso, Myers es el alma del pueblo que lo vió nacer y convertirse en el monstruo que es hoy, el desdibujado de toda la ciudad algo abstracta caza perfectamente con la psique del protagonista.

La música compuesta por el propio Carpenter para la película es ya todo un clásico dentro de la historia del cine, escucharla ya nos hace estremecernos y esperar la aparición de Myers pues suele servir de preámbulo a la aparición del asesino.

rante el rodaje de alguna escena, para ahorrar dinero, después las recogían todas y volvían a utilizarlas. El detalle es que se puede apreciar en algunos arboles hojas verdes, y se supone que la acción ocurre a finales de octubre.La idea de hacer una película sobre un asesino que atacaba a una niñera en la casa donde Las actuaciones son más carismáticas que brillantes, estaba trabajando y, además, que fuera el 31 de octudestacando entre todas ellas la de una joven Jaime Lee bre el día de Halloween; pertenece a Irwin Yablans, Curtis bautizada como la “reina del grito”, afortunada- productor ejecutivo en este filme. mente nos encontramos de nuevo con un caso en el que la sangre y casqueria gratuita brillan por su aus- El nombre completo del asesino en este filme es Miencia, centrada más en la construcción del monstruo chael Audrey Myers.La creación de la máscara que y su búsqueda y en una acertada ambientación el lleva Michael Myers, fue obra del director de cine film de Carpenter huye de efectismos baratos tan Tommy Lee Wallace, quién en este filme trabajó como de moda en el cine reciente, donde todo pasa a toda editor y diseñador de producción.La máscara de Miprisa y poco más, un film que prefiere sugerir a mos- chael Myers es una máscara del capitán Kirk de “Star trar La Noche de Halloween es hija de su tiempo, un Trek”, con los ojos recortados y pintada de blanco; antiempo en que el cine de terror aún tenia un prestigio tes iban a usar la de un payaso.La casa abandonada que por desgracia a ido perdiendo con el paso de los que convirtieron en la de la familia Myers, había sido años. propiedad de la iglesia. El plano secuancial inicial (4:20 min. en subjetiva) se consideró uno de los más Filmada con estupendo pulso, llena de homenajes lárgos y mejor realizados de la historia. Es la iniciacinematográficos a descubrir, con un personaje que dora del terror postmodernista. encierra pura maldad y que se ha convertido en todo un icono del género, con un soberbio uso del tempo Conclusión: narrativo y una puesta en escena clásica a la vez que arriesgada La Noche de Halloween es un film a revi- Llegamos al final de esta segunda entrega de Mis sionar una y otra vez, su maravillosa BSO recubre este Terrores Favoritos centrada en la década de cuento de terror moderno como así hace presagiar los 70 en la que he analizado y seleccionado sus títulos de crédito con esa calabaza que simboliza las que para mí son las cinco películas imprescindila noche en la que la maldad se abre paso a nuestro bles de dicha década tanto por su calidad como por su mundo para ofrecernos verdadero terror y muerte, al repercusión posterior en el género, sin más espero que os fin y al cabo Michael Myers no es más que un emisario haya resultado interesante y os espero en la tercera ende la propia muerte. trega centrada ya en los años 80, década muy querida por todos que si bien bajó el nivel en cuanto a calidad La secuencia inicial de la cámara subjetiva está inspira- se encumbró creando personajes míticos y películas da en una escena de la película “Cita en St. Louis” de Vin- que todo buen aficionado lleva guardadas en su corazcente Minnelli. En dicha película, la secuencia reflejaba oncito, una década que se recuerda más por pura nosel terror de dos muchachas mientras se acercaban a la talgia que por verdadera calidad, aunque también la casa de un hombre. La película tuvo un presupuesto hubo,y como no todo ello de sólo 325.000 dólares, pero consiguió recaudar 47 Próxima Entrega: millones de dólares en USA, y 80 millones en todo el mundo.La escena del armario cuando Michael Myers Mis Terrores Favoritos Parte III-Años golpea la bombilla, es una referencia a la escena final 80del filme “Psicosis”.Las calabazas en marzo, cuando se rodó el filme, fueron un problema debido al calor en Dedicado a Elia Beltrán, mí musa.

California.

“Planeta prohibido” es otro de los filmes que los niños a los que cuida Laurie están viendo en la tele.El equipo técnico tuvo que comprar hojas de papel y pintarlas con el color del otoño, pues el rodaje fue a principios de la primavera. Cuando se esparcían por el suelo du-

Loren Lumiére López

HABLEMOS DE ...

Rian Johnson lleva apuntando maneras desde el principio de su carrera cinematográfica. Su primera película, “Brick” (2005), puro cine negro ambientado alrededor de un instituto, deslumbró por su sobriedad, un guión preciso como un reloj y un dominio total de los códigos del género. Le siguió “Los hermanos Bloom” (2008), una cinta de aventuras y estafadores que corrió peor suerte comercial de la que merecía, y continuó apuntalando su estilo solvente, directo y visualmente impecable.

El tramo medio de la película es correcto, pero sufre un poco de lo complicado que es encontrar situaciones narrativas que no se hayan utilizado ya antes en películas con una base argumental similar: Ciertas cosas recuerdan a “Terminator”, otras a “12 monos”, otras a “Regreso al Futuro”… Es prácticamente inevitable, así que Johnson se centra en contar su historia ignorando esta circunstancia. Si toda la película hubiera transcurrido en ese déja vú, habría terminado siendo un entretenimiento digno pero menor. Es a la hora de la verdad, cuando la entra en su último tercio, Ahora llega “Looper”, sobre la que desde su anuncio cuando Johnson la eleva a base de coraje, originalidad hay depositadas muchas esperanzas. Es su debut en la y oficio, y se consagra definitivamente como uno de ciencia ficción, tiene un reparto de primerísima línea los grandes directores de género de la actualidad. y los trailers e imágenes promocionales han ido desvelando un mundo narrativo muy apetecible, con viajes Los actores están perfectos: Joseph Gordon-Levitt en el tiempo y acción pero huyendo de artificios convirtiéndose en una versión joven de Bruce Willis, visuales. desde la voz hasta el impecable maquillaje; el propio Willis, tan solvente como siempre y una Emily Blunt Estas esperanzas, afortunadamente, están bien fun- que se erige en la gran sorpresa del reparto, con un dadas. La película sigue con la tradición estilística personaje crucial, emocionante y creíble. de “Brick”, (repite también su actor protagonista, Joseph Gordon-Levitt) y, sin ser demasiado espartana, En definitiva, “Looper” es una cinta imprescindible no cuenta con ninguno de los excesos, ni visuales ni para los amantes de la ciencia ficción y en general del argumentales, a los que acostumbra la ciencia-ficción cine bien hecho, y sólo debería decepcionar a los que norteamericana. “Looper” se encuentra cómoda en se esperen un blockbuster-espectáculo. “Looper”, sin un espacio intermedio entre el cine independiente y el ser perfecta, es distinta, y supone una auténtica bocomercial, sin renunciar a las virtudes de ninguno de canada de aire fresco. los dos. La película comienza con un muy buen ritmo, solucionando la inevitable exposición inicial expliPor Gabriel González Sánchez cando el universo en que transcurre mediante una voz en off, que desaparece durante la práctica totalidad del resto del metraje. Establece muy bien los personajes y los mecanismos del bucle temporal, y entra en faena: narra la historia de Joe, un asesino que trabaja para la mafia y que se ocupa de eliminar a los enemigos de su organización, enviados hacia su presente desde un futuro en el que es imposible deshacerse de los cuerpos y el viaje en el tiempo es ilegal.

ENTREVISTA A Rian Johnson -Director(LOOPER)

por José Javier Arce Cid hubo mucho trabajo por parte de Joseph Gordon Levitt. Él fue realmente quien tuvo que aguantar tres horas de maquillaje cada mañana para parecerse un poco más a Bruce. Estudió mucho y estuvo escuchando los audios de las películas de Bruce. Intentó hacer su voz, sus movimientos. En todo momento él estaba haciéndolo como si le estuviera imitando, pero en realidad estaba creando un personaje. Así que supuso un grandioso truco para desarrollar su actuación lo que Joseph hizo, creo.

3.- ¿Qué ha sido lo más complicado del rodaje?

1.- ¿Qué vamos a ver en Looper cuando vayamos al cine?

RESPUESTA: Looper es una película de entretenimiento de acción en el tiempo, y tiene a Gordon Levitt y Bruce Willis que interpretan al mismo personaje con 30 años de diferencia y están cazándose mutuamente. Y es ahí donde reside el centro de la acción de la película, pero también tiene un alto componente emocional y creo que llegará a lugares donde nunca hubieras imaginado que llegaría una película y te sorprenderá.

RESPUESTA: Tuvimos un rodaje de lo más sencillo.

Me siento mal por ello, me hubiera gustado tener una pesadilla por rodaje en una película de acción para contarte una buena historia, pero la verdad es que fuimos un grupo de gente que lo pasamos genial. Creo que el secreto fue que estuvimos todos juntos, hablando unos con otros porque no hay grandes movimientos de cámara, ni grandes explosiones. Se trata sólo de dos personas sentadas hablando. Así que nos aseguramos de que nos resultara emocionante y nos entretuviera en las escenas de acción. Sin duda eso fue lo que nos llevó más trabajo.

4.- ¿Puedes explicarnos si el niño que aparece en la película es el capo, el malo de la película, no se acuerda de que Joseph Gordon Levitt le salvó la vida cuando era pequeño y por qué le mata en el futuro?

2.- ¿Cómo ha sido trabajar con los dos protagonistas RESPUESTA: Puede que fuera él, nunca le vemos como un adulto en el futuro. Pero si tanto es él como Bruce Willis y Joseph Gordon Levitt? si no... Bueno en la versión en la que conoce a Joe y RESPUESTA: Para mí esa parte fue muy fácil, pero Joe hace todas esas cosas y sacrificios es muy posible que no recoja a ese niño. Eso es lo que se espera al final

de la película. Es que tiene a su madre y el amor de su certante la verdad, pero muy interesante. madre y es una buena oportunidad para que se vuelva bueno. Espero que en esa versión no escoja al hacedor 7.- ¿Si pudiera viajar en el tiempo como lo haría al y recordaría a Joe, seguro. modo Looper 5.- ¿Crees como dice el protagonista de la película que RESPUESTA: Con un Delorean sería mucho más el futuro está en China? divertido. Si tienes la oportunidad de viajar en un Delorean por qué quieres viajar en una caja.

RESPUESTA: La verdad que lo pasamos muy bien rodando en China pero para el futuro, no lo sé. Estoy fe- 8.- Próximos proyectos. liz en los Estados Unidos. Probablemente iría a París.

RESPUESTA: Estoy escribiendo ahora mismo. Me en6.- Ha vuelto al festival de Sitges ahora con Looper, cantaría tener una máquina del tiempo ahora mismo ¿cómo ha sido la acogida de la película en el festival? y poder viajar dos años en el futuro y tener el guión listo, pero sigo trabajando y no sé aún de qué se va a RESPUESTA: Tengo grandes recuerdos de cuando es- tratar. tuve allí con Brik en 2006 que siempre le digo a todo el mundo que ha sido mi mejor experiencia en un festival. Fue como una semana mágica, así que estábamos deseando volver. Y de nuevo ha resultado una experiencia genial. El público es maravilloso, la ciudad es preciosa, las películas son increíbles, terror, ciencia ficción, fantasía... El público reaccionó muy pero que muy bien. Me encanta que la gente se emocione cuando una escena de muerte aparece. Es un poco descon-

Desde que el pasado abril Green Day revelara que su próximo trabajo iba a consistir en una serie de tres discos llamados '¡Uno!', '¡Dos!' y '¡Tré!' (sí, como su batería), el escepticismo ha rodeado todo lo relacionado con su nuevo material. ¿No serán tres discos de Green Day demasiado en apenas cuatro meses? Otros se tiraron de los pelos al escuchar el single "Kill the DJ" creyendo que Green Day se apuntaba a esa moda de rock de pista de baile. Pero los temores eran infundados, los de Oakland se han sacado de la manga un álbum que vuelve a lo sencillo y a lo directo de sus inicios sin aburrir. ¡Uno'! recurre al punk rock de sus inicios mezclándolo con nuevas influencias. Hay punteos de guitarra por todas partes, estribillos pegadizos, reminiscencias a The Beatles, The Clash o Blur y especialmente, buen hacer. Se ve que saben que volver atrás hace necesario encontrar nuevas fuentes de frescura. A la producción vuelve Rob Cavallo ('Dookie', 'Insomniac' 'Nimrod', 'American Idiot') tras el experimento fallido con Butch Vig (productor del 'Nevermind' de Nirvana).

de los omnipresentes Ramones pero también cierto regusto británico que se hará más presente conforme el disco avance. Una buena apertura que no engaña y va al grano.

"Stay The Night" sigue por la misma senda del tema que la precede. El interludio es lo mejor de la canción y hay temas mejores en el disco, pero aún así no decepciona. "Carpe Diem" muestra más

más claramente la influencia de Cheap Trick, pioneros del power pop de los que Green Day Desde el principio ya se nota que quieren dejar atrás siempre se han considerado fans. Más y más ese punk rock de estadio que tan bien funcionó estribillo. con 'American Idiot' y que sólo fue regular en '21st Century Breakdown'. "Nuclear Family" abre A continuación vienen los dos cortes que más se el disco con un riff muy del estilo de su clásico despegan del estilo del disco. "Let Yourself Go" "Welcome To Paradise" y es una declaración de perfectamente podría ser la sucesora de St. Jimmy: intenciones desde su primera frase: "Gonna ride punk rock rápido y agresivo con estribillos de the world like a merry-go-round" ("voy a recorrer cántico de fútbol. "Kill the Dj" es el tema polémico el mundo como un tiovivo"). Se ve la influencia que no puede faltar en ningún disco, muy criticado

Por Martxel

cuando salió como segundo single. Pero la verdad es que por mucho que a ciertos fans les pese, este tema es un acierto, un oasis entre todo el power pop sin perder la esencia Green Day y con una clara influencia de The Clash.

La tónica se recupera en "Fell For You", un dulce tema de amor con un aire antiguo (que no rancio) y que recuerda a The Beatles. "Loss Of Control" es algo más punky, sin dejar de lado el power pop, sencilla y sin pretensiones (como todo el disco), algo que la beneficia mucho. "Troublemaker" es otra canción que se aleja de la clave del álbum y que suena muy rocanrolera, el ritmo de la guitarra y esos uh-uh recuerdan mucho a la mítica "Song 2" de Blur.

"Angel Blue", "Sweet 16" y "Rusty James" están todas cortadas por el mismo patrón y actuando como una unidad son lo mejor que se puede encontrar en '¡Uno!'. "Sweet 16" es un tema de nostalgia que casa muy bien con la vuelta al pasado que supone el disco, pero que a la vez dice "Old days are fine but are left so far behind" ("Los viejos tiempos están bien pero los hemos dejado muy atrás").

"Oh Love" fue el primer single y paradójicamente cierra el disco. Un buen final, con un sabor más americano, con un toque country y que suena a despedida. Deja con ganas de saber qué nos deparará '¡Dos!', si nos sorprenderán con algo diferente o irán por el mismo camino, el que ya recorrieron hace años y que ahora redescubren.

Esperemos que si es lo segundo al menos esté tan bien hecho como este '¡Uno!', que supera a su pretencioso predecesor pero que no se coloca a la altura de 'Dookie' o 'American Idiot'.

La vuelta de Monica Naranjo se llama Make you rock y es sorprendente Cher Lloyd la nueva Ă­dolo adolescente presenta Oath.

Stupid, it´s all a Lie es el tercer sencillo de Automedication lo ultimo de Los News.

que se puede encontrar en ‘The 2nd Law’. Combina un riff guitarrero y enigmático con elegantes arreglos orquestales para crear una montaña rusa de cambios de intensidad y crescendos dramáticos.

El single Madness es un pastiche de electrónica sacado de Prince y Queen. No es un mal tema, pero es algo que nadie se esperaría de Muse, no está a su nivel, por muy orgulloso que esté Matthew Bellamy de él. El solo de guitarra no puede ser más convencional y el semiclímax final y algún detalle aislado evitan que la canción caiga en un excesivo sopor. En resumen, una canción bastante mediocre para lo que es Muse, no se merece el título de heredera de Undisclosed Desires, que está bastante por encima.

Panic Station es todo lo contrario a Madness, un tema que golpea desde la primera nota. Nadie pensaba que vería a Muse haciendo funk, pero eh, no se les da mal. Hay que deshacerse de los prejuicios y dejarse llevar por esta rareza que encanta. No será un clásico, pero en un disco donde predomina la mediocridad canciones como esta hacen que todo se vea de otra manera.

No da mucho, pero dan ganas de escucharla sin parar.

Por fin ha llegado el nuevo disco de Muse y no, no es ninguna obra maestra. Tampoco es un mal disco, se deja escuchar y tiene temas buenos que compensan a los más flojos. Se puede decir que es un disco de transición, saben de dónde vienen pero no están muy seguros de hacia dónde se dirigen.

Prelude es una simple introducción sinfónica que no llega al minuto de duración, poco se puede decir de ella. Survival es Queen y épica en estado puro, perfecta como canción de los Juegos Olímpicos, pero no debería ir en este disco. Líricamente es de lo peor que se puede encontrar en el catálogo de Muse y musicalmente es correcta, aunque nada original.

El nivel sube en Follow Me, aquí la electrónica está bien utilizada y el estribillo con toques dubstep es genial. La voz de Bellamy recuerda a Bono en la parte final, se nota que U2 está siendo una nueva influencia para los británicos.

No hay un género definido, el cinematográfico tráiler ya apuntaba que continuaba la influencia sinfónica a la que ¡oh, sorpresa! añadían dubstep, pero también están la funky Panic Station, la épica Survival o la roquera Liquid State, un experimento de esquizofrenia musical que no Animals es la tapada del disco. Me sorprendió mucho que en ciertas críticas ni fuera mencionada. acaba de funcionar.

Para mí es la mejor canción del álbum, un tema Si metes en una coctelera a los Muse más y contenido, con unos teclados preciosos y unos guitarreros y a James Bond te saldrá Supremacy, punteos de guitarra que elevan la canción a niveles canción con la que arranca el álbum, de lo mejor estratosféricos. El final es una verdadera apoteosis

y ese griterío transmite perfectamente el egoísmo y la ambición desmesurada que critica la canción.

La única canción del disco que se puede colocar a la altura de lo mejor del grupo.

Explorers es un tema delicado, bonito… y aburrido. Se hace largo y si se quita un estribillo no perdería nada. Big Freeze va por la misma línea pero está bastante mejor hecha, también recuerda a U2, atención a los coros de acompañamiento. Es otra canción que no estará entre lo mejor de Muse pero que tiene su interés.

Las dos canciones compuestas y cantadas por Chris Wolstenholme son la noche y el día. Save Me es un despropósito, lo siento por los fans de Chris pero esta canción no tiene pies ni cabeza, es pretenciosa y excesivamente complaciente. Liquid State, por otro lado, no engaña y recuerda a los primeros Muse, con ese poderoso riff de bajo.

Aún así, yo seguiré pensando que Matt Bellamy es el 80% de Muse.

Y llegamos al fin a los temas que dan nombre al disco: The 2nd Law: Unsustainable y The 2nd Law: Isolated System. La primera parte es la más floja, más que una verdadera canción es un producto conceptual que utiliza música, entre otras cosas, para transmitir un mensaje apocalíptico. Isolated System es una canción preciosa, sólo por debajo de Animals. Un piano romántico y unos arreglos que transmiten la desolación de ese sistema donde la entropía aumenta y aumenta. Una curiosidad: esta segunda ley a la que se hace referencia es el segundo principio de la termodinámica.

Francamente, no creo que Muse estén en decadencia. Mucha gente lo piensa, en especial sus seguidores más antiguos. Lo que yo creo es que tienen demasiadas inquietudes que van mucho más allá de sus pretensiones iniciales y aún no han encontrado una salida adecuada para ellas. Matthew Bellamy es un gran músico, pero no es el salvador de la música que muchos creen que es y que él ha terminado por creerse también.

Cuando se deje de tomar tan en serio a sí mismo estoy seguro de que veremos por fin la verdadera obra cumbre de Muse. De momento podemos conformarnos con sus discos geniales y los no tan geniales, como este ‘The 2nd Law’.

Por Martxel

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Hubo un maravilloso tiempo donde se podía hacer sufrir como un mamón al pijo de turno, pedirle a Indiana Jones que te devolviera tu chica, lidiar con el marcapasos caníbal de Marta o incluso dejar que las chicas cocodrilos se acercaran a ti. Es verdad que aún quedan reminiscencia de aquella época, pero jamás volverán a reinar esos chicos que, a mediados de los 80, reinaban en España y en la Américas. Era un tiempo de hombres...de Hombres G. Con algunas canas y arrugas de más, David Summers, Rafa Gutiérrez, David Mezquita y Javi Molina siguen en modo online en la actualidad, es verdad que ya no son aquellos que arrasaban en las listas españolas de los más vendidos o que eran conocidos como los Beattles latinos al otro lado del Océano, pero aún hoy en día encandilan a treintañeros como yo al darnos la oportunidad de volver a escuchar sus principales canciones en duetos o en versiones una pizca diferentes a las de sus inicios.

Todo empezó, según cuenta la leyenda, en el año 1982, cuando en plena grabación del programa musical Aplauso de TVE, se conocen David Summers (lider, voz y bajo), que ya formaba un grupo junto a David y Javi, y David Mezquita (guitarra), prendiéndole el primero a este último

que formara parte de su agrupación y empezando una leyenda que llegó a su máximo exponente a finales de los 80.

Entre los años 1986-1992 pudimos ver la época más exitosa de los Hombres G, con maravillosos discos como Hombres G (Sufre mamón, Devuélveme a mi chica, etc..), La Cagaste...Burt Lancaster ( Marta tiene un Macarapasos, Indiana) o Estamos Locos ¿O Qué? (En mi coche, Temblando) a otros más personales pero de mucho menor éxito como Agitar antes de Usar o Esta es tu Vida.

Eran años en los que todo el mundo tarareaba el Sufre Mamón de turno y donde las chicas se morían por los huesos de los chico G, sobre todo David Summers (el guapo del grupo). Hasta dos películas, solo para fans, se llegaron a grabar en

de responsabilidad en la discográfica Dro y Javi Molina centró su vida en un bar en propiedad.

Por Daniel Ferrer.

Casi 10 años sin ellos, 10 años donde la música evoluciono pero sin olvidarlos, sus canciones siguieron cantándose en fiestas de no tan jóvenes y sus discos seguían dando beneficios, hasta que en el año 2003, dos discos: uno recopilatorio Peligrosamente Juntos y el CD homenaje Voy a pasármelo Bien hicieron comprender al cuarteto, y al público, que era le momento del regreso de los Hombres G con más fuerza que nunca.

aquella época: Sufre Mamón -dirigida por el padre de David, el incombustible Manolo Summers- y De nuevo en al carretera, los recintos volvieron Suéltate el Pelo. Era la época de los Hombres G, a llenarse con nuevas y clásicas canciones y con un reinado al que pocos podían hacer frente. nuevos himnos como el ¿Por qué no ser amigos? con los miembros de El Canto del Loco, que Después de hacer las Américas, llenar estadios, los llevaría a una gran amistad y a un sinfín de vender millones de discos en España y América colaboraciones. latina, La Historia del Bikini (1992) sirve como En el 2004, en pleno resurgir, se publicó Todo despedida para esta primera etapa del grupo. Sin esto es tan extraño, un discazo que recordaba a malas caras, todos decidieron emprender nuevos los mejores tiempos de los Hombres G. caminos más personales a pesar de tener siempre una estrecha relación, sobre todo entre las dos Después aparecieron 10 o Desayuno continental, almas del grupo, David y Rafa, que continuaron en que no consiguieron que la fiesta continuara y, a el mundo de la música. David Summers lo intentó pesar de una calidad incuestionable. Actualmente, en solitario con resultados bastante mediocres el último disco de los Hombres G es En la Playa, a pesar de un estilo personal y romántico que otro disco de duetos que de nuevo huele a un no llegó a cuajar y Rafa componiendo para glorioso e inolvidable pasado. otros artistas. David Mezquita tomo un cargo

Muchas gracias por hacernos pasar tan buenos momentos.

Siempre seremos chicos G.

Si alguien pensaba que No Doubt iba a cambiar totalmente ahora que todos sus integrantes sobrepasan los cuarenta años se equivocaba. Si a mí me dicen que este 'Push And Shove' ha salido un año después que 'Rock Steady' (2001) lo creo a pies juntillas. No parece que los años hayan afectado al grupo, aunque por desgracia no se puede decir lo mismo de la carrera en solitario de Gwen Stefani, que lo ha hecho para mal.

Los dos temas que abren, Settle Down y Looking Hot, son de lo más representativo del disco: synth pop mezclado con influencias reggae y ska. Una buena apertura, sobre todo Settle Down, que suenan a enlace directo con su anterior álbum.

One More Summer es un tema bastante decente que suena como si U2 le dejara cantar los estribillos a Katy Perry. En Push And Shove retoman el ska y el dub junto con la colaboración del cantante jamaicano de dancehall Busy Signal y el producto Major Lazer. Este último fue el single de presentación del álbum y no podían haber elegido mejor.

dub, por lo demás simple dance pop para olvidar.

Gravity es más de lo mismo. Undercover es más salvable pero no se puede esperar que deje huella y Undone es el ejemplo de típica balada piano/ guitarra que no falta en ningún disco y que sobra en casi todos los casos, este no es una excepción.

Con Sparkle nos despiertan después del aburrimiento que nos habían causado los últimos temas. Una canción groovy, tranquila y contenida con un genial solo de trompeta. En Heaven parece que Stefani vuelve a mandar pero, por suerte, en esta ocasión es para bien: un tema alegre y ochentero, a los fans de Katy Perry les encantará.

Dreaming The Same Dream no podía ser un mejor broche final: sintetizadores, coros y guitarras new wave en un tema redondo, aún más ochentero que Heaven.

No Doubt aprueban en su vuelta a los ruedos, pero ningún fan debería esperar 11 años para acabar conformándose con un álbum que “apruebe”, por mucha Gwen Stefani que haya en solitario.

Confiemos en que no les lleve otra década editar un disco que, al menos, esté a la altura de 'Push El disco poco a poco comienza a perderse en lo And Shove'. anodino según se acerca a la música de Stefani en solitario. Lo mejor que se puede sacar de los 5:10 minutos de Easy son los 40 segundos de interludio Por Martxel

Toda la revista esperando mi artículo y qué culpa tengo yo que a todos los grandes de la tecnología a nivel mundial les dé por presentar sus productos en la última semana del mes.

No sé ni por donde empezar.

Vayamos por orden alfabético.

Apple presentó nuevos ordenadores sobremesa, portátiles, tablets y una versión mini del Ipad.

La marca de la manzana tiene muchas cosas donde sobresale, pero sobre todo es en sus diseños y la robustez de su sistema operativo.

Le han dado un repasito al Mac Mini que ya le iba haciendo falta. Adaptando su interior a procesadores actuales y aumentando sus prestaciones. Aunque creo que va a tener poco que decir por características y precio.

A mí, como usuario de un Imac, me ha encantado el rediseño que le han dado al grandullón de la familia.

Han minimizado el grosor de la pantalla hasta dejarlo en 5 mm en el borde y han reducido los reflejos en un 75%.

Se puede comprar en dos versiones con pantallas de 21,5 y 27 pulgadas, la versión mínima de procesador es Core i5 a 2,7 y la mayor Core i7 a 3,4 Ghz. Se entregan con 8 Gb de memoria RAM y un disco duro de 1 Tb. Aquí hay algo que resaltar, hasta ahora se podía comprar un Imac y después aumentar la RAM por tu cuenta, con lo que era bastante más barato. Ahora no, por lo que se tiene que tener muy en cuenta a la hora de hacer la lista de la compra.

Han añadido como opción los discos duros híbridos, esto quiere decir que tienen uno pequeño con tecnología SSD y otro normal acelerando así el acceso a los datos que guardamos en él. No es nada novedoso, pero pasado por la mano de Apple hace que parezca no sólo nuevo, sino que es fantástico, como las pulgadas del nuevo Iphone5. Son unos publicistas cojonudos.

El portátil que se mostró es el Macbook Pro de 13 pulgadas con la pantalla retina display, un modelo esperado sobre todo porque es el más barato con este tipo de resolución.

¡Vaya lo me

Tecnologicame Para minimizar su peso y tamaño han eliminado el superdrive, que es el nombre “COOL” que le pusieron al lector de DVD. Pesando solo 1,7 Kg. En su interior, con las mínimas opciones, encontramos: Core i5 de Intel de doble núcleo a 2,5 GHz 8 GB de memoria a 1.600 MHz 128 GB de almacenamiento SSD HD Graphics 4000 de Intel Batería integrada (7 horas) No tiene opción de montar un disco duro standard.

Para terminar lo que realmente todos estáis esperan-

ocura de es!

ente hablando. do.... Los IPADS. Creo que se han dado cuenta que estaban perdiendo la batalla en las tablets de menos de 10 pulgadas y han hecho su apuesta con el IPAD Mini de 7’9 (Steve Jobs debe estar revolviéndose en su tumba el pobre) Según Tim Cook no es una versión peor del IPAD si no la misma versión en menor tamaño.

Con un procesador A5, cámaras frontal de 1,2 y trasera de 5 Mpx, conexiones inalámbricas habituales, pantalla Multi-Touch retroiluminada por LED de 7,9 pulgadas (en diagonal) con tecnología IPS y resolución de 1.024 por 768 a 163 píxeles por pulgada.

Las dimensiones son las siguientes: Alto: 20 cm Ancho:13,47 cm Grosor: 0,72 cm Peso (Wi-Fi): 308 g Personalmente soy de los que piensan que si vas a estar moviendo la tablet todo el día, los tamaños por debajo de 9 pulgadas son los idóneos, así que es buena idea por parte de Apple entrar a un mercado que estaba dejando de lado.

Y para terminar la fiesta: IPAD 4.

Realmente no han sacado un Ipad 4, si no que al Ipad con retina display (el que supuestamente era el 3) le han hecho una actualización.

Han mejorado el procesador, montando un A6X dual-core con procesador gráfico de cuatro núcleos y alguna mejora interna menor. No se han olvidado de poner el nuevo conector que comparte con el Ipad Mini, que han denominado Lighting.

Esto no ha debido hacerle mucha gracia a los que compraron la versión anterior, ya que no tiene ni 8 meses de antigüedad.

En la siguiente imagen encontraréis precios y capacidades de almacenamiento

Una semana después, el otro gigantón de la clase, Google, presentaba 3 terminales Nexus y una nueva versión del sistema operativo Android.

El Nexus 7 ha perdido una versión, la de 8 Gb, lo que ha provocado que la de 16 Gb pase a costar 199 € y la de 32 Gb 249 €. Terminando con el Nexus 7 no podemos dejar de mencionar que 299 € por una tablet con 3G y 32 Gb es una tentación demasiado grande para algunos. En Septiembre escribimos un artículo donde detallábamos todas las características.

Personalmente creo que ha dado un golpe en la mesa para posicionarse directamente como un gran competidor en las tablets de 10 pulgadas con la presentación del Nexus 10.

La pantalla tiene un tamaño de 10 pulgadas con una resolución de 2560x1600, la mayor de su categoría alcanzando los 300 puntos por pulgadas.

El procesador está fabricado por Samsung y es un doble núcleo a 1,7 Ghz apoyado por un procesador gráfico Mali T604 que permitirá reproducir películas y juegos a 1080p con fluidez. En cuanto a la RAM tiene 2 Gb y se podrá comprar con 16 ó 32 Gb de almacenamiento, que no se pueden ampliar.

En la siguiente tabla encontraréis las demás características del Nexus 10.

PANTALLA Pantalla de 10,055 pulgadas con una resolución de 2560x1600 píxeles (300 ppi)

WQXGA Cristal de Corning(R) Gorilla(R) Glass 2 CPU/GPU CPU: A15 de doble núcleo GPU: Mali T604 DIMENSIONES 263.9 x 177.6 x 8.9 mm PESO 603 g CÁMARAS 5 MP (principal) 1.9 MP (frontal) WI-FI Wi-Fi 802.11 b/g/n (MIMO+HT40) Bluetooth NFC (Android Beam) MEMORIA 16/32 GB de almacenamiento interno (la capacidad formateada real será inferior) 2 GB de RAM CONECTIVIDAD MicroUSB Cargador de pines pogo magnéticos Micro HDMI Conector para auriculares de 3,5 mm BATERÍA 9000 mAh de polímero de litio SISTEMA OPERATIVO Android 4.2 (Jelly Bean) SENSORES Micrófono Acelerómetro Brújula Luz ambiental Giroscopio Barómetro GPS Donde creo que va a existir un antes y un después en el campo de batalla de los smartphones va a ser cuando el 13 de Noviembre se ponga a la venta el Nexus 4.

Un teléfono que viene de la mano de LG, pasando por la supervisión de Google.

Además de llevar la última versión de Android 4.2, se va a vender a un precio de 299 € la versión de 8 Gb

y a 349 € la de 16 Gb. Son precios que difícilmente puedas encontrar en un terminal con estas características.

PANTALLA Pantalla de 4,7 pulgadas Resolución de 1280x768 píxeles (320 ppi) WXGA IPS Cristal de Corning(R) Gorilla(R) Glass 2 CPU Qualcomm Snapdragon (TM) Pro S4 DIMENSIONES 133.9 x 68.7 x 9.1 mm PESO 139 g CÁMARAS 8 MP (principal) 1.3 MP (frontal) RED

GSM/UMTS/HSPA+ libre GSM/EDGE/GPRS (850, 900, 1800, 1900 MHz) 3G (850, 900, 1700, 1900, 2100 MHz) HSPA+ 42 MEMORIA 8/16 GB de almacenamiento interno (la capacidad formateada real será inferior) 2 GB de RAM CONECTIVIDAD MicroUSB SlimPort HDMI Conector para auriculares de 3,5 mm WI-FI Carga inalámbrica Wi-Fi (802.11 b/g/n) NFC (Android Beam) Bluetooth BATERÍA 2,100 mAh de polímero de litio SISTEMA OPERATIVO Android 4.2 (Jelly Bean) SENSORES Micrófono Acelerómetro Brújula Luz ambiental Giroscopio Barómetro GPS Tenemos que tener en cuenta que no se podrá ampliar la capacidad de almacenamiento porque no tiene ranura MicroSD. Yo ya estoy esperando que me avisen para comprar uno.

Y para terminar Microsoft ha mostrado una evolución de su afamado Windows XP: Windows 8.

Se han empeñado, en que los que usamos un ordenador de escritorio o portátil usemos una interfaz de tablet. A la que han llamado Metro y lo siento pero yo quiero un ESCRITORIO. No olvides visitar mi blog: http://www.whattimesailing.com/

Ismael Torres

EL MEJOR REMEDIO PARA HUIR DEL FRIO…AUMENTAR LA TEMPERATURA!!!

Por Marta Fuentes Galán

En este mes que se nos va el sol, disminuyen los termómetros, y salir de casa es toda una aventura mochilera entre el paraguas, las botas y el abrigo…que mejor que quedarse en casa calentito… ¿cómo ayudar aumentar la temperatura? Al menos la corporal… estimulando los sentidos, a continuación claves para estimular el gusto y el oído…

“AFRODISÍACO” es una referencia a Afrodita, la diosa griega del amor Se considera afrodisíaco toda aquella sustancia que induce a la lujuria carnal, que aumenta el apetito sexual.

Algunos son utilizados en los tratamientos de disfunciones otros son sólo un mito, pero incluso así...“La mente es el afrodisiaco más potente.” Por lo que si alguien consume determinados alimentos con la convicción de que pueden ayudarlo en su desempeño sexual, los resultados pueden ser los esperados.

Hay afrodisíacos que funcionan estimulando algunos sentidos (vista, tacto, olfato y oído) y otros se toman en forma de comida, bebidas, bebidas alcohólicas, “filtros amorosos” o preparados medicinales.

Los 10 alimentos más afrodisiacos:

Ostras: si elevado contenido en zinc aumenta la producción de testosterona y estrógenos. Mejor si se comen crudas.

Miel: una dulce tentación rica en vitamina B que

poco de cava.

Jengibre: al igual que el ginseng, mejora la potencia sexual, podéis tomarlo en infusión o espolvoreado sobre ensalada o postres.

Nuez moscada: muy apreciada como estimu-

lante sexual. Una pizca sobre una sopa calentita o en el postre estimulara el organismo para una velada especial.

Rúcula: considerado afrodisiaco por su contenido en triptófano sustancia de la cual se deriva la melatonina, una hormona ligada a bienestar del organismo.

además aumenta los niveles de testosterona en sangre.

Regaliz: Incrementa el flujo sanguíneo (ideal para

mantener la erección durante una larga noche de placer)

Ginseng: mejora la potencia sexual masculina.

Espolvorea con esta raíz las ensaladas, carnes o pescados.

Canela:

muy estimulante por su poder energizante, repone fuerzas físicas y mentales. Ideal para los postres.

Chocolate: aumenta los niveles de serotonina, relacionados directamente con el deseo sexual.

Fresas:

mejoran la circulación sanguínea y estimulan las glándulas endocrinas y el sistema nervioso. Ideales para combinar con chocolate y un

OTROS…Aleta de tiburón(seguramente uno de los secretos de la fecundidad de los chinos), Jalea real, Azúcar moreno (es probable que tomar postre fuera puesto de moda por los amantes..), Apio (pero ojo! si se mezcla con lechuga se anulan sus efectos), Avellana(en algunos pueblos se pone un cestito de ellas al lado de la cama la noche de bodas), Cebolla y ajo(tomar las dos personas a la vez para que el aliento no provoque el efecto contrario..), Clavo(también en bebidas), Frambuesa(relaja los órganos sexuales de la mujer)Marisco, Manzana (utilizada ya con bastante éxito por Eva), Perejil (para ensaladas amorosas), Pistachos (mézclalo en un plato junto a las avellanas y los higos y prepárate para lo que venga), Salvia(en

la antigua Grecia se “decía” que daba vida eterna…), Plátano( repone fuerzas para intentarlo de nuevo)…

OÍDO: QUE EXCITA OIR… A ELLOS LES EXCITA OIR: Todo tipo de halagos sobre la forma, el tamaño o el sabor de su miembro.

Frases o palabras sucias. Les encanta sentirse los amos y señores de la situación.

Lo que quieres que te haga. Recuera que no son adivinos y así ambos saldréis ganando.

Lo bien que rinden en la cama. Esa frase es mágica para satisfacer el ego sexual masculino. Prueba y no te avergüences de gemir, o gritar de placer porque ¡les encanta!

A ELLAS LES EXCITA OIR: Todo tipo de halagos sobre su aspecto físico: el tamaño de sus pechos la forma de sus nalgas sus labios, o su cintura.

Frases y palabras sucias. Claro que sí, nada de caer tan solo en el tópico de las palabras cariñosas tiernas.

También les gusta sentirse un tanto “golfas” Oír cómo está disfrutando su amante con gemidos, palabras, gritos…en general los hombres son demasiado silenciosos

Seducción

Por Luís Borja Fuentes Galán Si hablamos de seducción, ¿qué te viene a la cabeza? ¿Una manzana? ¿Chicas muy atractivas? ¿Chicos muy atractivos? ¿Flechazo? ¿Trajes caros? ¿Sexys? ¿Mentiras? ¿Disfraz?...

Cada uno creamos nuestro propio concepto de seducción, pero no tenemos que conocer a alguien nuevo y exuberante, viajar a cientos de kilómetros, o ir a sitios lujosos para poder seducir a alguien.

La seducción podríamos verla como un acuerdo entre personas adultas y libres, donde centrándonos en los detalles, haremos que el placer posterior se desarrolle más intensamente. Y no estamos hablando de penetración ni de nada parecido. Desde palabras, aromas, sabores, insinuaciones…

Desde una carta, un mensaje en el whatsapp, un mensaje en el espejo del cuarto de baño, unas velas encendidas, un aroma a incienso, una caricia…

Siempre decimos que el sexo es una parte importante de nuestras vidas. Recordemos que la sexualidad es un prisma con una triple vertiente: física, psicológica y social. Reproducción, placer y comunicación. Por lo tanto, aprendamos a darle la relevancia que se merece.

No lo convirtamos en una rutina. ¿Cómo?

El ambiente.

Podemos cambiar las luces normales por otras más sutiles, o incluso utilizar las luces de las velas. Las sombras y la oscuridad dan mucho juego. Un cambio de cortinas, de sábanas, detalles…

Pero no sólo tenemos la opción de cambiar nuestra casa. Podemos darnos el capricho de ir a un hotel de varias estrellas y tomarnos unas fresas con champán.

O ir a un motel barato para sentirnos sucios y dar rienda suelta a algunas de nuestras fantasías.

No necesitas mucho dinero para la mayoría de los planes, sólo imaginación, ganas y paciencia.

Relajación.

La excitación sexual se consigue cuando estamos en un plano de relajación. Aunque suene contradictorio, es la que posibilita una excitación capaz de provocar una erección o lubricación.

El nerviosismo, la angustia, la ansiedad, el no tener ganas, o el estar pensando en otras cosas o los problemas diarios son bastante incompatibles con una relación sexual sana.

Aprende a relajarte. Haciendo deporte, un baño relajante, dando un paseo por el parque, leyendo un libro en un espacio tranquilo… cualquier cosa que te guste y te desconecte del resto del mundo.

Como hemos dicho, el ambiente es fundamental. Cuidémoslo. Quizás un quemador con esencias suaves, un incienso de lavanda o cualquier olor que te relaje.

La respiración es vital. Aprender a respirar es una de las técnicas de relajación más importantes. El Yoga nos podría venir muy bien para esto. Algo tan sencillo puede causar la misma sensación que una tila.

Pruébalo.

Conexión La conexión que tengamos con nuestra pareja fuera del dormitorio, influirá en lo bien que conectéis dentro de este. ¿Cómo podemos aumentarla?

Lenguaje corporal. Comunicación no verbal. Miradas, gestos…

Conversar. Preguntar y aquí viene lo difícil: atender con interés las respuestas. Para conversar lo importante no es hablar, si no escuchar.

Escribir. Desde cartas a mensajitos en post it colocados en cada, o un sms en el móvil. Desde interesarte

por qué está haciendo, hasta algo subidito de tono para aumentar el interés en la próxima cita o encuentro.

Regalar. Y no tiene que ser algo caro, puede ser un detalle sin valor económico. También puede ser un objeto relacionado con el sexo.

Lenguaje sucio. El chico más dulce o la chica más tímida, les puede atraer que les susurres al oído alguna palabra subida de tono. La vergüenza con tu pareja debemos dejarla de lado.

EL TRASTERO DE LAS DELICIAS Por Marina Rodriguez

Metiéndonos en entramados filosóficos – el caso es meter, pensarán muchos – arrancamos este mes citando a Aristóteles y su famosa frase: “El hombre es un animal social”. Y, dentro de lo social, suele tener sus preferencias hacia lo sexual.

Partiendo de estas bases, este mes nos adentramos en la sociabilidad de Dick, Fanny y toda su comunidad de vecinos. Empecemos por el principio de la historia.

Son las doce de la noche y Fanny se encuentra dándose una relajante ducha acompañada por su Bath Sponge Massager (esponja de baño con vibración), adquirida al precio de 21.55 €, a través de la página: http://www. maesen.com/sexshop/plantilla.php?id=5095, cuando de repente, “La Manola”, “La Manolina” o, simple y llanamente, “La cotilla del portal”, que antaño ejerciera la prostitución en la propia esquina del edificio, comienza a llamar al timbre descontroladamente. Dick, calzado con sus zapatillas con forma de pene, adquiridas en la página: http://www.comprarplacer.com/, al precio de 13,95 €, abre la puerta mientras Fanny arroja airadamente su esponja al rincón de la ducha, vistiéndose a toda velocidad. Tras la puerta del baño escucha la breve conversación.

-Estamos bajando todos, los trasteros se han inundado y necesitamos manos para achicar el agua…

-Ahora bajamos – sentencia Dick con energía ¿Quién no ha sufrido alguna vez la inundación de sus trasteros comunales? A priori puede parecer un auténtico fastidio pero recapacitemos. Pensemos que, lejos de ser una molestia, puede llegar a convertirse en un momento socialmente muy provechoso (guiño, guiño). Diez minutos después del aviso de La Manolina, Fanny y Dick se reúnen con el resto de los vecinos. El espectáculo no podía ser más proclive para la macro-orgía comunitaria que estarán montándose apenas media hora después. Con el fin de no mojarse la ropa, han ido desvistiéndose poco a poco hasta quedar todos, prácticamente, en ropa interior.

Fanny, dispuesta a no desentonar allá por donde vaya, se desviste rápidamente, azuzando a Dick para que haga lo mismo.

Al principio los vecinos están ligeramente cortados, entregados por completo a sus cubos y barrenos,

achicando el agua mientras el sudor generado por el esfuerzo resbala por sus cuerpos. Cuando la tensión entre todos comienza a crecer, aparece el vecino del Ático A, llamado Barullo Dave, con su característica forma de aflojar la tensión a base de bromas. Barullo Dave, quien en otros tiempos ejerciera como modelo desnudo para los estudiantes de las facultades de Bellas Artes de Madrid, ha decidido empalmarse. El resto de vecinos no necesitan hacer grandes esfuerzo para imaginarlo ya que Barullo Dave, orgulloso de las grandiosas proporciones de su pene, lleva puestos sus calzoncillos Micro String Manstore modelo M203, en color rojo, adquirido a través de la página: http:// www.xxxmadrid.com/, al precio de 28,00 €. No tarda en acercarse a él la vecina del 4º B, Salvatora, zapatera de profesión y fetichista por afición. Salvatora, muy insinuante, arroja sus zapatos a un rincón lleno de agua. Acto seguido se finge desvalida para poder rozarse con Barullo Dave.

-Ay, Barullo Dave…¿Me coges los zapatos? Por favor…

Barullo Dave, todo un caballero, coge los zapatos y se los acerca a Salvatora, que ha comenzado a mojar sus pechos con el agua procedente de la inundación, lo cual le otorga el aspecto propio de una ninfa pornográfica. De repente, en un arrebato, Salvatora estampa a Barullo Dave contra una columna del trastero, arrancándole el calzoncillo con ansia mientras susurra insinuante: “Bendito macho…” Dick y Fanny no tardan demasiado tiempo en caer rendidos ante las normas sociales establecidas en los trasteros, así que, invitan a “La Manolina” a unirse a un pequeño

trío acuático. Por supuesto que ésta acepta y Dick, no tarda en pedirle ayuda a Raimundo, el vecino del 3º B, profesor de pilates y amante insaciable. No obstante, Dick nota que Raimundo, en vez de hacerse cargo de Fanny o de La Manolina, ha decidido centrar sus esfuerzos en el propio Dick, masajeándole y dándole pequeñas palmadas en el trasero al grito de: ¡Estupendo, estupendo! Así que, como en la comunidad son bastante sociables, no tardan en sumarse a la orgía el resto de vecinos.

Recapitulando, tenemos a Barullo Dave arrodillado en el suelo, lamiéndole los pies a Salvatora mientras ésta, apoyada contra la pared, gime salvajemente sin parar de gritar: “Bendito macho, bendito macho”. Cerca de ellos, se encuentran Dick y Raimundo, entregados al placer de las palmaditas en el trasero previas a la lenta penetración anal que Raimundo efectuará minutos después al grito de: “Y uno, y dos, y tres…” (si algo se puede decir de esta comunidad de vecinos, es, sin duda, que sienten auténtica devoción por sus trabajos). Directamente en el suelo, se encuentran Fanny, La Manolina y tres vecinos más. Este grupo, ha optado por la degustación variada a contrarreloj, así que juegan a chupar sus respectivos sexos durante cincuenta segundos antes de intercambiarse todos con todos.

Ducan, vecino escocés, ha decidido mostrarle al grupo parte de su cultura, así que, tras cambiarse rápidamente en casa, ha bajado de nuevo a los trasteros armado

con su Taparrabos Scotch Rojo, adquirido a través de la página: http://www.xxxmadrid.com, al precio de 20,00 €, y su flauta celta, que una hora después estará haciendo las delicias de La Manolina, que sentirá en su sexo la vibración de las notas de la melodía que Duncan tocará en exclusiva para ella, mientras la flauta celta se mueve lentamente entre sus piernas, estimulando su clítoris y sus gustos musicales.

No obstante, falta la un miembro de la comunidad, el vecino del 1º B, callado y tímido, observa la escena desde uno de los rincones. Cuando el grupo de Fanny le invita a participar, su boca se tuerce ligeramente en una sonrisa demoníaca.

¿-Que me una yo a vosotros? ¿O que os unáis vosotros a mí?

En este instante, el vecino del 1º B, llamado “Mutis”, abre la puerta de su trastero. Todos los vecinos contienen la respiración. El interior está lleno de artículos sadomasoquistas de todo tipo. Mutis mira con vicio a los anonadados vecinos, que incluso han detenido sus actividades sexuales. ¿-Qué me decís? ¿Nos socializamos de verdad?

CONTINUARÁ…

Sabores raros del m Las Beb Recientemente, el podcast WTF lo hemos dedicado a ese maravilloso mundo de los sabores comerciales, un tema apasionante y muy, muy, muy extenso y sorprendente. Por esta razón hemos decidido añadir al debate este contenido visual para que os hagáis una idea de lo que puedes encontrar en una tienda de cualquier lugar del mundo, y quien dice cualquier lugar, dice en la mayoría de las ocasiones Japón y Estados Unidos.

Tanto este artículo como el programa en si ha sido dividido dado la extensa labor de investigación de nuestro reportero infiltrado en las estanterías de los centros comerciales, el no ha sido otro que Gref, el cual aun esta un poco traumatizado de lo que ha visto. Así que en esta primera parte solo hablaremos de bebidas, haciendo hincapié en el extraño mundo de las PEPSIS, pero sin dejar de lado otras delicias para las papilas gustativas, sin más dilación empezamos.

Pepsi

Red:

Seguimos con los colores pero entramos en una categoría que yo llamaría los refrescos trampa porque esta bebida de color rojo esta hecha de Jenjibre picante, vamos en la practica un refresco que en vez de refrescar, quema.

Pepsi Azuki: Esta es una pepsi que solo podremos encontrar en Japón, como muchos otros sabores que os traeremos. En esencia es un refresco con un color como rojo chillón y que tiene un maravilloso sabor a Frijoles. O lo que sería aproximado a una pepsi de judías.

Peps

fue saca por una tiene d oro, en color a

Peps

esta oc refresco indica, un blan paracet Un bla pero la averigu Yogur, será el popular Yogur hemos

mundo volumen 1 bidas.

si Gold: Empezamos fuerte, con un sabor de Pepsi que

ado en centro Europa en el año 2006, y he comenzado por esta a simple razón: Sabe igual que la pepsi normal. ¿Entonces que de raro esta bebida? Su color, ya que al querer que pareciera n realidad consiguieron que esta Pepsi tuviera un estupendo ORINA. Así que agradable de beber, pues no es.

si White:

En casión estamos ante un o que como su nombre es de color blanco, pero nco que nos recuerda al tamol disuelto en agua. anco no muy agradable, a duda nos llega cuando uamos su sabor. Sabe a que nos imaginamos yogur natural o como armente se le conoce, Blanco, aunque no lo podido confirmar.

Pepsi Blue Hawai: Y

continuamos con la gama de colores de Pepsi, en esta ocasión se trata de una bebida que sabe a piña y limón, no tiene nada raro, bueno si, que es azul, algo que no entendemos salvo que en Hawai las piñas y los limones sean azules.

Pepsi Ice Cucumber: Como

podréis imaginar si vuestro nivel de ingles es medio, estamos ante un refresco de pepino. pero no un pepino cualquiera, sino un pepino fresquito, porque si no está fresquito el pepino no sabe igual. No puedo definirlo con una palabra pero si con una onomatopeya, PUAG.

Pepsi Baobab: Acabamos el repaso

a las bebidas de la marca americana con la Pepsi baobab. Para el que no lo sepa, el baobab es un árbol africano popularizado por el libro infantil el principito. Pues entonces nos preguntamos, si lo llaman Baobab, ¿Por qué sabe a pan de coco? Y ¿Por qué es amarillo?

Si todos estos sabores os han parecido dignos de al menos pensaros el probarlos, tenéis que estar preparados para lo que viene ahora, una marca de refrescos norteamericana que solo se puede definir como imaginativa.

Hablamos de la empresa de refrescos Lester´s and Melba´s Fixins.

Pepsi Shiso: Reconocemos que no sabíamos lo que era

el Shiso hasta que hicimos el podcast, pero ahora sabemos que es algo así como una hoja amarga de narices, siendo la bebida de un color verde fluorescente que solo podemos definir como anticongelante.

Según podemos ver en su cuidada pagina web Lester y Melba son dos entrañables ancianos de algún lugar perdido en medio de Estados Unidos de esos que suelen criar a un niño psicópata en el sótano en una película de terror, pero que en este caso lo que hacen son bebidas gaseosas o como le llamas ellos, sodas. Sus bebidas están divididos en dos grupos, los sabores de Lester y los sabores de Melba, unos para hombres y mujeres de pelo en pecho y los otros para personas sin problemas de diabetes ni colesterol. Pasamos al breve análisis de sus productos

El primero de ellos es un sabor fuerte aunque como veremos común dentro del maravilloso mundo de los sabores bizarros, hablamos del refresco de Bacon.

Pepsi Pink: Como su propio nombre indica es un

refresco de color rosa que sabe a Leche con frambuesa y que en apariencia es como cuando metes el interior de un rotulador carioca rojo en una botella de agua.

Despues tenemos algo mas duro, como hemos dicho esta gente son duras así que también podemos bebernos una soda de alitas de pollo.

Como todo no puede ser carne, Lester también nos ofrece el refresco de maíz dulce.

También tenemos el refresco de Halloween, la soda de tarta de calabaza.

Otra de las delicias de Lester es su refresco de café solo y hablamos de café americano, nada de esas mariconadas con crema.

Comenzamos esta serie de refrescos digamos que dulces, con un clásico entre los clásicos, el refresco de fresas con nata, algo que después de lo visto puede parecer hasta normal.

Y pasamos a los sabores postre, comenzando por uno típico americano, porque Lester ha creado el refresco de sándwich de mantequilla de cacahuetes con miel.

Uhmmm delicioso….

Y comenzamos con la verdadera especialidad de la señora Melba, las tartas, y el primero que os traigo es la soda sabor tarta de limón y merengue.

Y puesto ha hacer refrescos de frutas, porque no hacer uno de melocotones con nata.

Continuamos con otra de las especialidades de esta marca, el refresco sabor tarta de lima,

Si pensabais que ya no os podíamos sorprender mas con el tema de los refrescos solo os puedo decir que si que podemos,

Fanta Moo Moo White

Esto que estáis viendo es que a grandes rasgos es en esencia una fanta hecha de leche desnatada y agua pura enriquecida con calcio, vamos ¿Quién se bebe un vaso de leche con burbujas?

Otro de esos refrescos que subirán cinco o seis puntos de dos botellas vas directam gaseosa de tarta de cerezas.

e seguramente con mirarlos te s tu nivel de azúcar y después mente al hospital, se trata de la

Si has visto American Pie sabrás que esta es una de las mas importantes tartas que se hacen en Estados Unidos y claro tenia que tener su refresco. El refresco de tarta de manzana.

Eel Soda

Y aun podemos sorprenderos mas, con , un refresco de jugo de anguila, asi como lo oís, un liquido amarillo raro con burbujas hecho de anguila.

Y para terminar con los refrescos os presentamos el

Turkey & Gravy

soda que no es otra cosa que un refresco de Pavo de acción de gracias.

Ahora os vamos presentar el maravilloso mundo de las cervezas, un mundo de sabores que todos podemos conocer ya que quien mas o quien menos ha tenido algĂşn contacto con una cata de cerveza o ha estado en un cervecerĂ­a de esas con miles de sabores por eso ha sido difĂ­cil elegir unos sabores que sorprendieran y empezamos con.

Pizza Bee

claro la pregunta porque solo lleva

Voodoo Doughnut: Como no, es una cerveza

con sabor a Bacon y sirope de arce y que misteriosamente la fabrica una pastelerĂ­a y no sabe a donut, eso si, cuesta 13 dolares la botellita.

Tomato Bee

Una cerveza de toma con vitamina E, vamos u cerveza para la resaca esencia.

Chipotle Beer:

Esta es la última de las cervezas que os traemos hoy, otro sabor trampa, porque esta es una cerveza con sabor a Jalapeño. Vamos perfecto para refrescarse la garganta.

Chocolate donut beer: esta es el

sueño húmedo de Hommer Simpson, una cerveza con sabor a donut de chocolate.

er: esta como su propio nombre indica sabe a Pizza, y

a vuelve a salir, ¿a que pizza? Pues a una muy muy triste a tomate, albahaca, ajo y orégano.

er:

ates una en

Kidsbeer

Los nombres lo dicen todo, así que no os extrañará que esto sea una cerveza para niños que no sabe a cerveza ni tiene alcohol, es mas sabe a cola, asi que… ¿Por qué no darle cola en vez de esta cerveza?

Si algo caracteriza al vodka además de que lo beben los rusos, es que es una bebida sin color y casi sin sabor por eso cuando vimos estos sabores de vodka decidimos incluirlos sin demora en el especial.

Sputnik:

Empezamos con un vodka sencillito, de una marca rusa y que tiene un sabor a Rosas. Según los fabricantes se hace con pétalos de rosa recolectados manualmente y cuesta la friolera de 21 dólares la botella.

Three olives sabor chicle o tomate: si esta compañía británica decidió

que era una buena idea sacar un vodka con sabor a tomate, por favor como se puede beber alguien algo que sepa a tomate, y en un alarde de originalidad, otro que sabe a chicle, y claro la misma pregunta de chicle, ¿a que chicle? Porque no es lo mismo uno de fresa que uno de menta.

Bakon: Claro no podía faltar el vodka sabor bacon, si es que estaba cantado, si hay hasta helado de bacon, tenía que haber un vodka.

Alaska Destilery sabor Salmón Ahumado: sin palabras

me encuentro, igual que uno de los directores de la empresa que dijo “hay algo de embriaguez en la idea de esta bebida”

Estamos terminando e sabores bizarros en el qu bebidas y claro que beb claro para aguas buenas esencia es un agua de d que lo único que la difer la etiqueta con la palabr

Pero si hay una marca las otras es sin duda Me como las aguas de manz en España, solo que esta Hamburguesa con ques con patatas fritas.

este primer volumen sobre ue nos hemos centrado en las bida más sana que el agua y tenemos la Diet Water que en dieta con cero calorías, vamos rencia del resto de las aguas es ra Diet.

a de aguas que destaca sobre eatWater. Son agua con sabor zana o limón que sacaron aquí as tienen tres sabores básicos, so, Pollo Teriyaki y Pescado

Y hasta aquí este especial, espero que os haya abierto el apetito, próximamente hablaremos de los sabores de snacks, otro impresionante tema de investigación profunda. Solo me queda una bebida mas por contaros, solo una que os hará acabar de leer este articulo con una onomatopeya, y ésta no es otra que Bilk, que en esencia es leche con cerveza y si estoy de acuerdo con vosotros PUAGGG.

Este año la Monstrua de Cine Chungo decidió tirar la casa por la ventana y buscarse una ubicación donde pudiéramos entrar tantos fans de la caspa. Y allí nos fuimos, al Auditorio Federico García Lorca de Getafe, donde más de 400 almas se desgañitaban gritando al unísono lo que se ha convertido en el himno de esta edición ¡momia!¡viejo!¡caballo!¡rubia!

A pesar de las inclemencias meteorológicas nos plantamos allí dispuestos a todo. Nada más entrar nos avisaron de guardarnos muy bien el papelito, ya que a lo largo de la jornada se irían celebrando sorteos de mechandising.

Tras la inauguración y presentaciones de rigor, comenzamos con una buena sesión de “Mónstrailers” para irnos poniendo a tono e ir entrando en calor. Después de deleitarnos con grandes obras del séptimo arte como “Las movidas del Mofles” “El guerrero de etiqueta” y numerosas delicatessens similares; pasamos a una maravillosa mesa redonda bajo el nombre de “Qué pena da el cine” de la mano de Paco Fox (Canal+ Xtra), Oso55 (Cine Cutre), Víctor Olid (La hora de Ving Rhames) y Nacho Estrada (Scanners), moderada por el entrañable José Viruete (www.viruete.com). En esta mesa redonda asistimos a un repaso a lo mejorcito del cine en este último año. Seguro que a muchos actores y directores les debieron de pitar los oídos a rabiar al hablar de grandes bodrios como “Battleship” Si algo quedó claro, es que no porque tengas mucha pasta y seas de Hollywood todas tus películas van a ser la leche, no importa la cantidad de idiotas que vaya a verla, si es mala es mala y si el guión hace aguas, eso no se puede arreglar con efectos especiales.

Después de esta toma de contacto, hicimos una pausa para digerir tanta obra maestra y pillar unas pizzas o similares para poder recuperar fuerzas por la tarde, en la que nos esperaba una selección de la mejor cas-

pa de la intensa colección de nuestros organizadores.

La sesión de tarde comenzó con “Grupo violento”.

Una pandilla interracial de colegas muy horteras, muy salvajes, muy cutres. Ensaladas de hostias por doquier, herederas del más apestoso kung-fú y de la acción más barriobajera. Actuaciones para arrojar al váter y tirar de la cadena. Un francotirador enmascarado. Secuencias de lo más repetitivas, frases de lo más memorables (“¿Porqué? ¿Porque es negro?” o “Tus putas son más feas que tú”), un villano principal interpretado por el peor Cameron Mitchell de la historia y un final que te deja con cara de gilipollas integral y con una sensación de tomadura de pelo tan grande como la emoción de sentir que has descubierto una verdadera JOYA de vertedero, tan desconocida como genial. Gracias monstruos.

Continuamos con una obra tardía de la nouvelle vague francesa que haría las delicias de Truffaut y el resto de franchutes intelectualoides, más que nada, porque deben de ser los únicos que entiendan la puñetera película. En “Érase una vez el diablo” no pudimos dejar de reír durante toda la proyección. Una joven pareja viaja por Francia y decide resguardarse en una especie de castillo al sufrir una avería en el coche, allí los guardeses les cuentan una leyenda de la zona. A partir de ahí la película es un sinsentido absoluto donde viejos, momias, barcos, caballos del infierno, rubias y tíos horrorosos se persiguen entre sí y descanso a lo largo de una noche de auténtica pesadilla... y disfrute para el amante de la desvergüenza.

Fruto de este momento de sinsentido y del cachondeo

restante en la sala, nació el himno de la monstrua de este año: ¡momia!¡viejo!¡caballo!¡rubia! Respecto del final... mejor verlo para creerlo. A todo esto... ¿Quién se supone que era el diablo al final? ¿El gato? ¿El caballo?

Entre peli y peli y para hacer un breve descanso, se hicieron varios concursos de camisetas, merchandising... que nos pusieron los dientes largos, más que nada porque no hubo suerte y nos fuimos a casa sin ningún regalito, pero como lo importante era estar allí con el ambientillo y echándose unas risas, pues nada.

Y tras todo esto comenzó una de las películas más esperadas de la jornada, “El increíble Balumba”, o la más vergonzosa expresión del “do-it-yourself ”. Un plagio verdaderamente amateur e indisimulado de Hulk, pero de color morado chillón. Como manda la tradición, también hay un mad doctor de por medio, así como múltiples FX que dan mucha penita, imitaciones bochornosas de Sin City y la persecución final más larga y coñazo de la historia del cine... si es que se puede llamar así esta abominación tan divertida.

Huelga decir que el efecto más logrado de la cinta es cuando Balumba, al caminar, mueve su enorme culo esmeralda. ¿Qué lección extraemos de todo esto?

Pues que cualquiera puede hacer una película si tiene un ordenador en casa.

Para acabar con la Monstrua decidieron atiborrarnos de mierda hasta la coronilla con el apestoso mockumentary L.A.R.R, una genialidad del pacense afincado en Aluche más sórdido de la España profunda, el peluquitas de Leonardo Dantés. Imágenes horrendas, zooms sin sentido, chistes sin gracia y un mal rollo latente a lo largo de todo un metraje en que nuestro buen amigo desnuda su alma y nos deleita con sus grandes hits en compañía de amiguetes tan pesadillescos como El Dioni, Tony Genil, el Arlequín... joder que panda se juntó. Uno de los momentos para el recuerdo más delirante fue aquel en que, mientras Dantés cantaba y bailaba su megahit “El baile del pañuelo”, mogollón de asistentes al evento se subieron al escenario para cantar y bailar como su ídolo. Un colofón de oro, o deberíamos decir, de mierda, para la noche más entrañable para todo freak de la serie Z. Y es que estos tipos son unos monstruos y ya van por la cuarta edición de un festival que se ha convertido en referente de la inmundicia audiovisual y el estropicio fílmico más jediondo, descacharrante y divertido. Un evento que no os podéis perder el año que viene, si no se acaba el mundo. ¡Nos vemos en la Monstrua,amiguitos!

Por Maria Gracia Galán

El pasado 12 de octubre, y durante todo ese fin de semana, en Medina del Campo (Valladolid) se desarrolló un evento que nunca antes habían visto los habitantes de la Villa de Ferias: La I Feria de Mitomanías y Aficiones, coloquialmente llamada la Frikiferia.

Durante esos tres días, podíamos ver en la Plaza Mayor una serie de stands donde diversas tiendas ofrecían diversos materiales, una carpa en la que se desarrollaban actividades infantiles (una lástima, porque un servidor quería construir su propio sable láser y no pudo ser) y justo al lado la delegación de la Legión 501 que había viajado hasta la propia Medina del Campo para representar al Imperio Galáctico en este evento que se centraba en el universo de Star Wars.

Algunos bares de la localidad se volcaron con esta inusual feria medinense, ofreciendo diversas actividades (a saber, un ciclo de contenidos relacionados con Star Wars como son las parodias de Padre de Familia, la serie Droids o el Star Wars Holiday Special con la primera aparición de Boba Fett, o el rodaje de un cortometraje de zombies, cuyo tráiler ya está en YouTube).

Para celebrar la feria, la Legión 501 deleitó a los asistentes con un desfile por algunas las calles medinenses, durante las noches del viernes y el sábado, así como del espectáculo “Cenizas” el mismo día 12.

A pesar de ser un primer evento, de proporciones modestas, el éxito de este depende de a quién preguntes de entre todos los habitantes de la localidad y otros asistentes. Como en todo, existen detractores que critican hasta el más mínimo detalle de la Frikiferia, mientras que por otro lado está la gente que la disfrutó esperando que el año próximo haya una nueva edición de esta Feria de Mitomanías y Aficiones.

Parques t del mun montaña Por Cugar 19 Continuando con el anterior artículo, seguimos haciendo el recorrido por los diferentes parques temáticos del mundo y sus Coasters o Montañas rusas de impresión.

Parque Asterix

Por esta zona llena de tiendas, restaurantes y suvenires, puedes campar a tus anchas mientras abren las verdaderas puertas del parque, claro está, para cuando abren, has jugado con todos los muñecos y te has sacado mil fotos, porque realmente merece la pena.

Este casi desconocido parque abrió sus puertas Una vez salimos de la antigua vía, llegamos a la zona en la primavera de 1989, compite habitualmente con otros 2 parques vecinos con mucha más fama.

Durante 3 años ha ido perdiendo popularidad disminuyendo sus visitas, pero en 2008 volvió a aumentar el número de visitantes, quizá por la ampliación del periodo de apertura, ya que solo está abierto de Abril a Octubre.

Poco a poco ha ido desarrollando un programa de renovación de las atracciones y abriendo sus puertas en temporada de invierno. Claro que el clima de la zona no invita a disfrutar de las atracciones en invierno, es más, en mi caso, pase mucho frío y fui en Julio. Así que para disfrutar del parque, pantalón largo, impermeable y jersecito.

Las zonas del parque están ambientadas de una manera espectacular, la entrada “La Antigua”, calles que te lleva por un pueblo típico de la Galia, con figuras de romanos con cara de despistados, faldas y lanzas. Caminos empedrados y tiendas con merchandising de todos los personajes de los comics, desde Jarras cerveceras, marmitas, atuendos y cascos romanos, camisetas y los propios personajes principales, Asterix y Obelix.

tematicos ndo... y as rusas Volumen 2 del imperio romano, donde la decoración invita a fotografiarse. En esta zona la mayor parte de las atracciones son infantiles, caballitos que giran junto a galos en el tiovivo, zepelines en los que recorrer la Galia, y un curioso espectáculo de video y agua, en el que primero te fotografían y te visten de romano. La atracción es un poco floja, pero merece la pena verte vestido de romano

enano con faldas y bigotes.

Esta zona cuenta con muchos signos humorísticos, incluida la señal de roma apuntando en todas direcciones y es que ya se sabe, todos los caminos llevan a roma.

Llegamos a la zona de Grecia, totalmente ambientada en el mundo Helénico, muestra el estilo de comic humorístico popular por Uderzo Y Goscinny. En este área se encuentra elTeatro de Poseidón, donde se puede disfrutar del espectáculo de delfines mulares y otaridos.

La zona del lago, es en la que se realiza el evento Lucete Beach, claro que todo depende del tiempo que acontezca.

Un poco más adelante del lago llegamos a la primera gran atracción Tonerre de Zeus, merece la pena sacarse una foto con el enorme coloso de la puerta y fijarse que lleva calzoncillos de flores.

Esta enorme montaña rusa de madera llega a coger los 90 km/hora y mide más de 1200 metros. Como anécdota diré que hay una sorpresa, a medida que empiezas a subir, ves que la primera pendiente mide mucho más que lo crees, puesto que caes en un túnel que esta varios metros más abajo. Aun así, es la mejor montaña rusa de madera en las que he subido, y son unas cuantas. Es un viaje largo, con muchas caídas y a gran velocidad.

Casi sin que te dé tiempo a recuperarte se encuentra , una de las grandes montañas rusas de ocho picos y una de las más emocionantes de Europa. Subes tranquilamente y hay una pequeña bajadita para después caer a 75 km/hora, y rápidamente vuelves a subir, lanzándote de bucle en bucle hasta 8 veces. No apto para personas que se marean en los Loopings.

En esta plaza, en las almenas del castillo, esta la entrada “Le Transdemonium” un tren fantasma a la antigua usanza, es decir, con animatronicos que se sostienen con cuerdas, cinta aislante y telarañas autenticas, es un viaje Vintage.

Otra de las atracciones es La Trance Du Hourra: Una montaña rusa que te va deslizando cómo un bobsleigh llegando a ponerse a 60 km/hora. Lo malo de esta Llegamos a la zona de la Edad Media, es una zona atracción, es que la propia inercia, te hace apretarte que esta fuera de la temática de Asterix, aunque más las barras de seguridad, por lo que acabas empotrándote en la entrepierna del de atrás.

sus calles oscuras, sus artesanos de madera, sopladores de vidrio, herreros o alfareros, hacen de esa zona un lugar con mucho encanto. Hay armerías, tabernas y tiendas rodas ellas dentro de un ambiente medieval fabulosos, con plaza de decapitaciones incluida.

Otra de las novedades de este parque es OzIris, una montaña rusa invertida que han inaugurado hace poco tiempo. Con los pies colgando y a 40 metros de altura, te lanza a una velocidad de 90 km/hora, el recorrido además es muy interesante,

mucho la pena, sobre todo la de madera. También hay varias montañas rusas de agua, pero el clima no suele acompañar demasiado. La ambientación del lugar es similar a los comics de Asterix, por lo que si se está de paso, merece la pena hacer una parada en este desconocido parque, que en un día, se ve perfectamente.

FUTUROSCOPE Este parque situado en Poitiers, abrió sus puertas en 1987. La intención de este parque es sorprender al usuario y que vea como puede ser el mundo del mañana. Casi todas las atracciones están enfocadas a descubrir tecnología y diversión, para niños y adultos, aunque creo que un niño no encontrara tanta diversión en las atracciones, por lo que mejor no llevar a niños pequeños.

Hay un planetario donde poder contemplar las estrellas, mientras te narran un video explicativo de cómo se creó nuestra galaxia, nuestro planeta y lo que provoco la extinción de los dinosaurios y lo que sucedería si un meteorito entrase en nuestra orbita. Una experiencia interesante, aunque tampoco es para tirar cohetes.

Hay una atracción en la que subes en un sillón, te ponen un casco con gafas enorme y vas viendo animales con realidad aumentada, se supone que interactúan contigo, pero tampoco me pareció algo tan innovados, sobre todo conociendo la ya que hay un túnel que está decorado con la Nintendo 3DS, que tiene el extra de la realidad temática de la atracción. Merece la pena el viaje. aumentada y que funciona tan bien.

Comentar que los espectáculos no se hacen todos los días, ya que depende un poco de las fechas y el tiempo. Pero el único que pude ver “Main Basse sur la Joconde”, me pareció un rollo, realizan ejercicios acrobáticos en clave de humor, simulando el robo de un cuadro y aquello acaba con un destrozo increíble. El final lo mejora un poco pero…después de haber visto otros espectáculos en otros muchos parques, este se queda para mi gusto un poco flojo.

Hay un par de atracciones en las que te montas en una especie de asientos mecánicos y proyectan una pequeña filmación en la que haces una carrera y los asientos se mueven, te mojas, sientes el aire.

Es una especie de cine pero con emoción, ya que te metes en la historia mucho más intensamente.

Hay 2 atracciones de este tipo, una es mucho más intensa, puesto que los asientos son mas tecnológicos y evolucionados, claro que si se han visitado con anterioridad otros parques como Universal Studios en florida, que cuenta con Lo cierto es que este parque me sorprendió alguna atracción de este tipo, pues esta se queda muy gratamente, tiene unas atracciones muy un poco floja. interesantes y 4 montañas rusas que merecen

La proyección en Imax 3D, merece la pena, las imágenes salen de la pantalla y llegan a tocar al espectador, en comparación con otras atracciones similares del parque, ésta en concreto, está mas evolucionada. Decir que la sensación 3D, es muy similar a la atracción de Terminator, de Universal Studios (Orlando) en la que también las imágenes salen de la pantalla. Por lo que si se ha estado antes en el parque de Orlando, la proyección en Imax 3D, no es una novedad excesiva. Pero insisto, merece la pena.

se hizo la película con entrevistas al protagonista.

Una vez dentro, subes es un vagón de unas 20 personas y te pones las gafas 3D y a disfrutar del viaje.

La atracción es sobre una especie de brazo hidráulico, que mueve el vagón provocando sensaciones similares a la caída en una montaña rusa, o a ir en un todo terreno sobre baches.

Todo este movimiento, va sincronizado con la proyección de la aventura en 3D de Arthur. En esta aventura, vuelas, caes, te mojas, sientes el En este último año, para el 25 aniversario, han viento y hueles las cosas. Como he comentado inaugurado un par de atracciones, que en mi con anterioridad, en Orlando, existen varias opinión, son las mejores del parque, y también las atracciones de este tipo, con una tecnología similar mas tecnológicas y novedosas. o superior, pero aun así, es una de las atracciones más interesantes del parque.

Arthur y los Minimoys aventura en 4D, para empezar, el recorrido durante la cola de espera, Otra de las atracciones punteras y originales, es es estupendo, ambientado en las profundidades el Baile con Robots, no es que haya unos robots de los arboles, y varios monitores contando como gigantes y bailes con ellos, no. Son unos brazos

robóticos, similares a los que se utilizan en las cadenas de montaje, pero con un par de asientos en su extremidad. Estos enormes brazos, cuentan con 3 niveles de movimiento, por lo que antes de subir, te preguntan cuál es el nivel que quieres. Este brazo te gira, te balancea, te rota, te pone cabeza abajo y todo a ritmo de la música. Sin duda este tipo de tecnología va a ser parte de las atracciones del futuro, ya que provocan sensaciones fuertes, en apenas un radio de movimiento de 3 o 4 metros.

de cuerdas en las que trepar, e incluso unas curiosas bicicletas con ruedas flotantes, con las que navegar por un lago. Esto último no es nada fácil, puesto que pedalear en el agua es muy costoso, la pesadez de piernas va aumentando y terminas totalmente agotado.

Al caer la noche y antes del espectáculo nocturno, aparecen unos humanoides, vistiendo unos trajes llenos de luces y neones, que provocan la expectación de todo el público, que los sigue por Existen también muchas zonas donde experimentar la el parque con el fin de hacerse fotos junto a estos fuerza del aire, la energía cinética, sistemas de poleas seres llenos de luz. para auto propulsarte, muelles de salto, pirámides

Finalmente llega el espectáculo nocturno, que se realiza en la inmensa fuente cibernética. El espectáculo se llama El Misterio de la Nota Azul.

Mientras empieza un presentador te cuenta lo que vas a ver, hace un concurso entre el público para regalar unos cd`s, todo esto en Francés, no te traducen casi nada en este parque.

Y empieza el espectáculo, lleno de luces, color y música…para mi gusto, muy muy muy flojo, teniendo en cuenta la enorme fuente cibernética que tienen y los equipos instalados, debería ser un espectáculo fabuloso. Sin embargo otros parques, con menos medios tecnológicos, le dejan muy atrás, citare por dar un ejemplo Port Aventura o Magic Kingdom.

Este es uno de los parques que más ganas tenia de conocer, y lo cierto es que me lleve un poco de decepción, ya que algunas de las atracciones se han quedado un poco obsoletas, otros parques cuyo reclamo no es la tecnología, superan con creces las atracciones de Futuroscope. El problema del idioma y de la falta de traducción de algunas atracciones, es un impedimento, ya que a pesar de tener una mini radio con cascos para traducirte solo algunas atracciones, no se escuchan bien, son incómodos y la pila dura poco.

El proyecto tiene un presupuesto de unos 1.000 millones de euros, de los que buena parte ha sido aportada por el gobierno. En este campo, Corea del Sur lleva la delantera, ya que su industria robótica está muy avanzada, tanto es así, que el ingeniero Seok Gyeong-Jae contrajo matrimonio en una ceremonia oficiada por un robot llamado Tiro, que posee voz de mujer y es de color amarillo.

Así que mi recomendación es ir primero a este Seok es el inventor de este robot, valorado en parque, para que todo sea sorpresa y novedad y 215.000 Dólares. luego al resto de parques , si no éste decepciona Esto solo sucede en lugares en los que la robótica un poco. forma parte de la cultura, este nuevo parque será la sede de las empresas que fabricaran los autómatas ROBOTLAND del futuro.

En la era de la tecnología, Países como Corea han adoptado el código de ética para robots. Esto es así, porque han apostado fuerte por este tipo de industria y han decidió construir Robot Land .

En este nuevo parque temático, en el que se lleva trabajando desde hace unos años desde 2009, se prevé que esté listo para el 2013-2014. No solo será un parque temático, si no que será un lugar de investigación tecnológica, donde se fabricaran Robots, donde habrá salas de exposiciones e incluso un estadio para competiciones entre autómatas.El proyecto tiene un presupuesto de unos 1.000 millones de euros, de los que buena

La idea de este parque es que este repleto de robots paseando por sus calles, fotografiándose con los visitantes, contara con atracciones acuáticas, un estadio para peleas de robots, una isla de flores robóticas, un museo del robot y un centro donde se mostraran prototipos futuristas donde las empresas podrán mostrar sus proyectos.

Es normal que en la era de la tecnología, se piense en la robótica como clave para el crecimiento del futuro, apostando por la creación de robots que faciliten las tareas humanas en el ámbito domestico, realizando tareas de limpieza, trabajos

pesados etc.… Se han redactado incluso, reglas para robots, para evitar el abuso por parte de los humanos y viceversa. Todas las películas de cienciaficción se vuelven realidad, Yo robot, el hombre bicentenario…la tecnología está avanzando.

En las instalaciones de este parque podemos encontrar espacios similares a los de cualquier parque de atracciones, pero las atracciones estarán orientadas al mundo de la robótica y la tecnología. En los videos de presentación se puede ver una montaña rusa en la que un Robot de unos 80 metros de altura y de proporciones inmensas , sujeta con su mano, la vía por la que pasa la montaña rusa. Con este ejemplo creo que ya se surge la curiosidad y las ganas de poder subir en atracciones creadas como si fueran colosos salidos de Transformers, e interactuar por el recinto con autómatas de todo tipo.

Este parque sin duda, dará mucho que hablar y será un reclamo turístico que todo el mundo querrá conocer, el parque de los robots donde poder conocer los autómatas del futuro.

BLACKPOOL Este famoso parque temático está situado en Inglaterra, el parque Blackpool Pleasure Beach es uno de los parques más visitados de toda Europa, recibe más de 60 millones de visitas al año y está entre los más valorados, por las atracciones con las que cuenta.

Este parque comenzó a fundarse en 1896 por William George Bean, con la intención de que los adultos de volvieran a sentir como niños, en un principio fue Blackpool Pleasure Beach y contaba con algunas atracciones, pero la Primera Guerra Mundial, impidió su evolución, años después en 1920 se comenzaron a importar atracciones desde Estados Unidos inclusive varias montañas rusas. Nuevamente surgieron trabas con la Segunda Guerra Mundial, aunque permaneció abierto. Tras la guerra se introdujeron muchas atracciones nuevas y con la llegada del nuevo gerente Geoffrey Thomson y L.D Thomson como Presidenta, el parque comenzó una nueva etapa y empezó a crecer. Se invirtieron muchos millones en traer las atracciones más impresionantes y en renovar los diseños que ya tenían.

Actualmente cuenta con atracciones que atraen muchos usuarios, entre ellas está la montaña rusaPepsi Max Big One: Era la montaña rusa más alta de Europa hasta hace poco y alcanza unas velocidades impresionantes. Fue inaugurada en 1994, fabricada por Arrow Dynamics. Tiene 1676 metros, una altura de 65 metros y la caída más grande es de 63 metros. Alcanza los 122km/hora y la duración del viaje es de 3 minutos aprox. Los vagones son 3 filas de 2 y cada trayecto es para 30 pasajeros.

Avalanche: Es de las pocas montañas rusas tipo “Bobsled”, con el vagón lanzado por un tubo sin raíl en forma de U. Alcanza grandes velocidades y está recomendado a los amantes de la adrenalina, aunque en mi opinión, hay otras atracciones que liberan mucha más adrenalina.

Big Dipper: Es una montaña rusa típica, con 5 picos que suben para volver a bajar. Es una atracción muy popular entre los visitantes. Tiene 1006 metros de largo y 18 metros de altura, su duración en de 2’30 minutos y fue inaugurada en 1923, es toda una reliquia que sigue en funcionamiento.

Bling: Una atracción con 3 tipos de rotaciones, sobre su propio vagón, sobre el eje que lo sujeta y sobre la torre que lo eleva a 30 metros de altura.

Grand National: Es una de las montañas rusas antiguas del parque, es la primera que hubo de pista doble de Europa. Imita a una competición entre 2 largos vagones que son lanzados a toda velocidad y finalizan la carrera cada uno en la estación que salió el otro.

Infusion: Es una montaña rusa suspendida muy popular, que cuenta con varios giros en el trayecto y tiene una experiencia original de un torbellino de agua. Su altura es de 33 metros de alto y 689 de largo, alcanza una velocidad de 80km/hora y su duración es de 1,23 minutos.

Steeplechase: Es la única montaña rusa de esas características que hay en el mundo. El trayecto es una carrera de caballos a 3 pistas, cada caballo lleva a un jinete y tiene giros, saltos y caídas, un viaje muy original y diferente.

Valhalla: Es un trayecto que transcurre en oscuro, es decir a cubierto o interior. Es el más grande del mundo con 6 minutos de duración y vas a través de agua, hielo, fuego y viento. Tiene innovadores elementos técnicos bajo el agua. Cuenta con 20 bombas sumergidas, con una potencia de entre 25/100 kilovatios, instaladas por el diseñador principal Intamon y montadas en columnas de acero especiales, que hacen circular y levantan el agua alrededor del Dark Ride de agua más grandey más espectacular del mundo, al menos hasta la fecha. Una aventura que cuenta con caídas tanto de frente como de espalda, y una de ellas es totalmente a oscuras. Es una de las atracciones más populares del parque.

La estación está hecha a mano por artesanos rusos de la Iglesia Escandinava. Para su construcción no se utilizo ni un solo clavo. Pequeños trozos de oro incrustados en la madera y complicadas conducciones que llevan el agua hasta el tejado para formar cascadas de agua. Esta atracción no suele tener colas, ya que mueve unos 2000 pasajeros por hora.

Tiene una cortina de agua en la entrada, que se corta en el momento justo en el que pasa la embarcación hacia Valhalla, el lugar donde descansan los Guerreros Vikingos, un lugar custodiado por Odín, Dios de la Guerra. Este lugar es donde los Vikingos aspiran a pasar el resto de sus días.

Se pasa a una sala con fuego y calor, a otra con frio glacial, contraste que se produce por todo el recorrido. Una de las caídas se realiza hacia una piscina de fuego. Efectos de Fuego, agua, niebla, nieve, truenos y relámpagos, siendo los pasajeros sometidos a temperaturas desde 20 grados bajo cero a más de 30 grados. Una aventura impresionante.

Además de todas estas atracciones, cuenta con montañas rusas para niños, paseos para todos los públicos por tierras de fantasía, paseos en troncos, laberintos y mundos llenos de aventuras.

También cuenta con atracciones de visionado en 3D,pasaje del terror y pista de patinaje donde se suelen realizar estupendos espectáculos. Además cuenta con gran variedad de restaurantes y tiendas donde elegir.

En este parque lo bueno es que no suele haber tiempos de espera tan largos como en otros parques.

Antiguamente el acceso al parque era gratuito y el usuario pagaba el viaje de la atracción en la que quería subir, esto se ha modificado desde 2009.

Ahora pagas una entrada ilimitada, como en el resto de parques o una con derecho a 5 atracciones concretas.

Este parque sin duda tiene muchos atractivos, ya que cuenta con un montón de atracciones originales y diferentes, además de la historia tan longeva que tiene. Está claro que si sigue siendo uno de los más visitados y mejor valorados por los usuarios, será por algo.

Parque Temático del Chocolate World Chocolate Wonderland Para muchos el chocolate libera mas adrenalina que cualquier montaña rusa, y este original parque temático tan desconocido para muchos, merece unas líneas sobre todo por su originalidad y por lo interesante que parece.

La construcción de este parque fue idea de Zheng Yaoting, la idea principal de este parque era utilizar el espacio olímpico de la ciudad tras los juegos olímpicos de 2008. Ya que todo el esfuerzo realizado por la ciudad de Pekín, siga siendo útil de alguna manera.

Este parque tiene una extensión de 20.000 metros cuadrados, distribuido en 5 pabellones y 2 zonas al aire libe. Se exponen más de 1000 trabajos artesanales realizados con chocolate belga y caramelo. Estos trabajos se mantienen a una temperatura de 18 grados bajo cero para que se mantengan intactos y son supervisados por un grupo de técnicos que cuidan que todo este perfecto.

Este parque solo permanece abierto de Noviembre a Abril, para poder mantener la temperatura adecuada de la exposición y que las altas temperaturas no estropeen el trabajo. También cuenta con porcelanas chinas de la dinastía Ming y prendas tradicionales convertidas en dulces.

A las primeras 500 personas que acudieron a la instalación, inspirada en la obra de “Roald Dahl” Charlie y la fábrica de chocolate, se les otorgo un pequeño trozo de la estructura de la gran muralla Cuenta con Una Gran Muralla de 10 metros china, esta histórica fortaleza milenaria. de longitud y 560 Guerreros de Terracota en miniatura, estos son 2 de los grandes reclamos de Hay una zona dedicada a la moda y a la vida este parque, pero no todo acaba aquí moderna, incluyendo vehículos, aviones, ocio , deporte, calzado, animales domésticos etc…Incluso tienen un baloncestista en

volandasmarcando una entrada a canasta.

Esta creación costo 2 años de trabajo, 7 millones de euros y el empleo de 80 toneladas de chocolate y espera recibir entre 10.000 y 20.000 visitantes al año. El precio d la entrada es de 8 € y loa ancianos y los niños 6€.

Una de las atracciones que se acaban de estrenar en el parque es la dedicada a Gru y a los traviesos Minions. Una aventura en 3D con Gru, Margo, Edith Agnes y los Minions. Te convertirás en un Minion cuando Gru te reclute para una misión.

La aventura comienza en la mansión malvada de Gru, donde tendrás que pasar por el “Minion Además cuenta con una enorme tienda, donde Training” para vivir esta divertida aventura y los visitantes pueden comprar chocolates y terminar en una fiesta de baile interactiva donde observar el proceso de elaboración de caramelos podrás marcarte tus mejores pasos. artísticos procedentes de los cinco continentes, que elaboran profesionales de la materia. Además Shrek 4D el visitante puede participar en la elaboración de estos dulces. Una visita que encantara sobre todo Una aventura en 3D con Shrek, Asno y Fiona, a los amantes del chocolate. donde vivirás y sentirás las aventuras junto a ellos. Con movimiento de asientos, agua, niebla, olores y alguna que otra sorpresa. La tecnología Universal Studios de las salas 4D hará que grandes y pequeños se Este es un parque muy interesante, ya que tiene diviertan. varias atracciones relacionadas con películas de renombre y la ambientación del parque te Hollywood Rip Rip Rockit transporta a Nueva York, o al paseo de la fama de Hollywood. Un parque lleno de experiencias Esta es una montaña rusa multisensorial, tu inolvidables y personajes entrañables para todos. seleccionas la música que quieres escuchar durante Al llegar al parque, te tele transportas a un estudio el trayecto y mientras unas cámaras graban tus de cine, donde se producen películas y televisión. sensaciones en cada instante. Además, el trayecto de esta montaña transcurre por los decorados de Cámaras de filmación por las calles, decoración las calles de nueva york, reproduciendo desde y ambientación increíble, calles llenas de encanto callejones de la década de los años 20, hasta en las que te sientes como dentro de una película. residencias de Manhattan. Una montaña rusa Tiendas vintage, sombrererías de los años 50, cuya subida es totalmente vertical, lo que ya da un todo ambientado para que el visitante disfrute de poquito de recelo. sus estancia.

Revenge Of the Mummy Puedes pasear y ver las estrellas del paseo de la fama, la alfombra roja que cubre sus calles, Montaña rusa a cubierto, por lo que todo lo que los coches de época, los gangsters haciendo sucede es una sorpresa, momias que te atacan, escarabajos, fuego que sale de las paredes, bajadas espectáculo callejero… repentinas hacia delante y hacia atrás, una Hay una réplica de la escena Regreso al futuro aventura sin duda que te gustara y que querrás y puedes fotografiarte con el Delorean, incluso volver a repetir. conocer en persona a Marty McFly y a Doc. Que aunque sabemos que no son ellos, la Twister caracterización es casi perfecta.

Pero no solo el lugar es sorprendente, sino que Recreación del tornado de la película Twister, también cuenta con un montón de atracciones primero te explican un poco que es un tornado, la para disfrutar, divertirse, descargar adrenalina y fuerza que tienen y después te subes a un puente recordar momentos cinéfilos que nos han hecho donde ves un apacible escenario de un pueblo mientras un tornado se acerca. El aire comienza emocionarnos en muchas ocasiones.

a levantarse, los rayos y truenos de la tormenta estallan en el lugar, el tendido eléctrico cae, ves acercarse el tornado, llueve con fuerza, se prensen llamas en el surtidor de gasolina, objetos que vuelan, tejados, vehículos, animales…Toda una impresionante experiencia, espectacular y muy muy realista.

Esta atracción mas visual que otra cosa, me pareció algo realmente fantástico, sentí el tornado sobre mí, el viento azotando, la lluvia, el frio…merece la pena disfrutarlo y vivir lo que es un fenómeno de estas característica y sentir su fuerza.

Terminator 2: 3D En esta atracción formaras de la resistencia contra la rebelión de las maquinas, vive junto a Sarah Connor y John Connor esta aventura llena de acción en vivo y un fabuloso 3d que sale de la pantalla y llega a tocarte. Una pantalla triple, Terminators en la sala, y un Terminator subido en su moto en el escenario. Impresionante espectáculo que no hay que perderse.

Además la salida del espectáculo es por la tienda de Merchandising donde encontraras camisetas relacionadas con el cine, desde Green Lantern hasta Batman, True Blood, el señor de los anillos, In Black y tienes una misión, cazar monstruos reproducciones de Terminator, armas, replicas del alienígenas, viajas en un vehículo y a tu paso te cruzas con multitud de extraterrestres que T1000 y muchas cosas más. tienes que eliminar para ser el agente con mas puntuación. Una atracción muy divertida y cuyos The Simpsons Ride exteriores son una réplica de los decorados de la Una aventura por Krustyland a bordo de una película. especie de montaña rusa, que apenas se mueve, pero la sensación en el estomago es similar a la de Área de San Francisco estar a 60 metros de altura y caer a gran velocidad.

Aire en la cara, olores, agua que te salpica, Una El pintoresco muelle de pescadores de San Francisco, con el pequeño puerto pesquero de aventura en 4D que te sorprenderá gratamente.

Me pareció una atracción estupenda, llena de Amity, en nueva Inglaterra. Lleno de restaurantes, sensaciones y con una tecnología muy novedosa con una bahía preciosa, con una decoración que conseguía despertar sensaciones impensables, exacta y llena de detalles. en una atracción de ese tipo. Es el futuro de las Fear Factor Live atracciones, simplemente impresionante.

El espectáculo mas extremo y los protagonistas más inesperados, el publico es el protagonista.

Atracción interactiva en la que eres un Men Un espectáculo de concursantes/ especialistas, con peligrosas pruebas a gran altura, y a contra Men In Black, Alien Attack

hacia la luna. El trayecto de espera mientras subes a la atracción está ambientado igual que la película, vas por el bosque y entre la maleza esta E.T, escuchas el ulular de los Búhos, los sonidos nocturnos del bosque que se llena de niebla, creando un ambiente de misterio.

Hay espectáculos como el de Beetlejuice`s, que realiza un estupendo musical junto a los monstruos oficiales de Universal o el concierto de The Blues Brothers en la calle Delancey de Nueva York con Jake y Elwood, con los chicos malos del blues.

Durante toda la estancia en el parque, tus personajes favoritos pasean para que puedas interactuar con ellos y sacarte fotos a su lado, Hop, los Minion, Dora la exploradora, Patricio y Bob Esponja. Incluso hay un desfile interactivo en vivo de estos personajes.

Una nueva atracción se ha añadido al parque , cada noche el espectáculo “100 Years of Movie Memories” donde fragmentos de las películas más adoradas de Universal Pictures, se proyectan en pantallas de cascadas de última tecnología.

Narradas por el galardonado actor Morgan Freeman, una experiencia inolvidable para los reloj. Y otras pruebas para probar si el público es amantes del cine, donde revivirán momentos merecedor de ser un concursante de Fear Factor, mágicos llenos de héroes, horror, risas, triunfos, arañas, bichos, fuego…cualquier cosa para ser un amor y lucha entre el bien y el mal.

Fear Factor.

Un parque en el que emocionarse, donde disfrutar Disaster del cine, las aventuras y los personajes con los que hemos crecido y soñado. Adrenalina, música, Esta atracción te permite vivir la experiencia de espectáculo y mucho mas, en un parque lleno de vivir un terremoto de magnitud 3,3 en la escala cosas con las que emocionarse.

Richter. Tu vehículo se para en las vías y el suelo comienza a moverse, el suelo se desquebraja y Como podemos ver, hay muchas ofertas de se abre, provocando que te hundas en la grieta parques de ocio para todos los gustos. Para al igual que otros vehículos, un camión vuelca amantes de la adrenalina, de los espectáculos, las y arde en llamas, llueve, el tendido eléctrico cae ambientaciones... hacia ti…toda una experiencia impresionante.

Pero hay muchos parques mas, los Six Flags, E.T Adventure.

Disney, Sea World...así que pronto habrá una tercera entrega de "Parques Temáticos y Montañas Esta atracción tiene sus años, pero es un viaje Rusas", hasta entonces, disfrutar de este articulo. entrañable en bicicleta con la banda sonora de la película E.T, donde sobrevuelas la ciudad por la noche, el bosque en el que se perdió E.T, y vas

LAS RECETAS KARE Kare Rice ¿Quién no ha babeado alguna vez cuando hemos visto en animes, mangas, doramas o películas japonesas esos peazo platos de arroz con una salsa de curry por encima? ¿Quién no ha deseado probar ese plato y, lo más importante, hacerlo tu mismo? Recuerdo que la primera vez que vi este plato… las caras que ponían los personajes cuando cogían una cucharada de esto era tan… arrrgggghhhh (baaabaaaaas).

Bueno, al lío, que sino me tengo que ir a la cocina a cogerme algo de comer… jijijiji ¡Os traigo la receta de este fantástico plato! ^^ ¡Kare rice – go! Para quien quiera más especificaciones…… ¡Arroz con curry!

Ingredientes para 3-4 personas: - 150gr. de carne de cerdo (no picada, mejor la cortada ya para estofado, a tacos vamos) - 1/2 cebolla - 1/3 zanahoria - 300gr. de patata.

- 1/2 caja de preparado de Curry Vermont o Kokumaru (disponible en www.japonshop.com). También podéis mirar a ver si por vuestra ciudad lo venden. En Barcelona por ejemplo entre Verdaguer y Tetuan hay una en la que venden curry de este (no me pidáis dirección exacta, que mi orientación en esas cosas es nula).

- Aceite de oliva - 2 tazas de arroz.

- 450 ml de agua.

- Sal y pimienta.

Procedimiento: - Preparar el arroz, se puede hacer de dos formas, la más típica (dejas el arroz cociendo y ale) o a “la japonesa”: remojar el arroz en dos tazas de agua durante media hora, cocer tapado a fuego medio y cuando hierva bajar a fuego lento y dejar cocer 9 min. Cuando se cueza dejar reposar unos 15 min.

- Cortar la zanahoria, la patata y la cebolla a rodajas, cubos o tiras, pero siempre en tamaño pequeño.

- Sofreir en una olla la carne y las verduras (la patata incluida) en poco aceite.

- Agregar a la olla el agua, cuando hierva quitar la espuma y cocer a fuego lento durante 15 min.

- Apagar el fuego, meter la tableta de curry (previamente cortada) y cocer 20 min a fuego lento. No olvidarse de ir removiendo de vez en cuando ni de salpimentar si se quiere.

- Servir el curry con arroz como se quiera: arroz y curry por encima; curry por un lado y arroz por otro; primero curry y encima el arroz....

Bueno, la cosa tiene un poquito de complicación la primera vez que se hace (a mi me quedó como aguado por ejemplo) pero cuando le pillas el truquillo vale la pena.

IMPORTANTE: si queréis disfrutar bien de esto, os recomiendo tener como 20000 barras de pan, que pan mojado en salsa de curry es una delicia (babaaas). Valeeee… no miento… a mi me da igual el arroz, la carne y tooodo lo demás, yo con mi olla de salsa soy feliz feliz ~~~~~~~~~~ XD

S DE NEKO MAI: E RISE

Las sitcom, la manipulación mental y la educación ‘Tengo una relación de amor/odio con las comedias de situación. Como todo telespectador he visto y seguido docenas de ellas y eso ha creado en mí un paladar extremadamente puntilloso con el género de la risa enlatada.

Conforme han pasado los años y he madurado como telespectador he identificado cierta cantidad de patrones y clichés que con el tiempo han conseguido enervarme desmesuradamente y provocarme una violenta alergia hacia la mayoría de seriales por el simple hecho de tener la sensación de ver siempre lo mismo, de estar presenciando año tras año los mismos chistes, los mismos enredos y las mismas tramas con diferentes actores y escenarios. dogmáticos de moralizar y dictaminar lo que es bueno y malo. La gran mayoría de sitcoms clásicas pretenden Series que antaño me mantuvieron como a tantos ser algo más que simple entretenimiento, pretenden otros delante de la televisión como Apartamento educar al telespectador y hacerle equiparar la realidad para tres, La niñera, Padres forzosos, Matrimonio con la ficción mostrada. No es simple casualidad que con hijos, Cosas de casa o Alf ahora me resultan todas muestren unos patrones tan parecidos y unos terriblemente aburridas, tópicas y moralistas. argumentos tan similares, es la forma que tienen de Encontrar hoy en día series como Drake & Josh, “educarnos”, por repetición, por bombardeo masivo Hannah Montana, Joey, La vida de Zack y Cody o Los y constante de estereotipos, prejuicios y chistes. magos Waverly Place hace que odie la televisión. ¿Es Tampoco es que quiera amargar al lector con que no han aprendido nada los guionistas en todo este una sarta de elucubraciones paranoides, quejas y tiempo? ¿Tenemos que tragarnos la misma puñetera pataletas, pero necesitaba descargar un poco de bilis bazofia una y otra vez con caras simplemente más acumulada por mi general desencanto ante el sabor jóvenes y con argumentos cada vez más trillados? a refrito y a telebasura del que hacen gala la mayoría Dudo mucho que sea el único que se haya dado cuenta de nuestros canales de televisión. ¡Bueno! Ya que de que son todo versiones “modernas” de Salvados por he empezado descargaré un poco más de odio en la campana, El príncipe de Bel Air o la familia Adams, dirección a las sitcom españolas, que no solo pecan eso sin contar que estas ya eran en su mayoría versiones de perpetuar los mismos gags y de copiar (en algunos modernas (para su época) de otras tantas series. casos literalmente) algunos guiones sino que además Aún así no es su falta de originalidad generalizada (con tienen la horrible costumbre de alargar las series de ciertas excepciones, claro está) lo que más me disgusta, éxito hasta el punto de desvirtuar y echar a perder ni sus personajes de cartón piedra estandarizados lo poco que tenían de divertidas u originales. Series (el empollón, la rubia, el padre despistado, la madre como Siete vidas, Los Serrano o Aída han acabado maniática, el guapo, el gracioso…) sino sus esfuerzos

por dejar por los suelos los logros conseguidos en sus primeras temporadas a base de repetir chistes hasta la saciedad, alargar y destrozar la historia por negarse a terminarla y destruir su intrínseca originalidad al desaparecer casi por completo el elenco de personajes protagonistas y sustituirlos por nuevos personajes que no aportan nada decente.

sobre el mundo, sobre todo lo que nos rodea, que se implantan subliminalmente en nuestro interior.

Los detractores de esta postura dirán que “nadie está obligado a ver y a creer lo que transmite la televisión”, pero en mi opinión el hecho de que la mayoría de hogares del mundo tengan un televisor es argumento más que suficiente para demostrar lo contrario.

En una ocasión leí que el secreto en televisión consiste Demostrado el valor educacional de la televisión en repetir siempre lo mismo. En verdad el telespectador centrémonos en las comedias de situación, ¿Qué nos medio no quiere que lo sorprendan con argumentos enseñan? ¿Qué nos han inculcado a lo largo de los valientes, chistes nuevos o personajes realmente años con insistencia y repetición? profundos, sino que prefiere que lo distraigan con las mismas comedias una y otra vez, anestesiado por Si nos fijamos primero en las comedias adolescentes un humor enlatado ajeno a la verdadera realidad vemos que crean una marcada distinción entre lo del crudo mundo que existe más allá de la pantalla. moderno, cool y divertido y lo responsable, juicioso Cual teoría conspiratoria surgida de una mente senil y y serio. El protagonista acostumbra a ser un tipo paranoide me pregunto si el alud de sitcoms mediocres gracioso, popular, vago y oportunista, siempre que nos han bombardeado el cerebro a diario durante pendiente de aprovechar la ocasión para sacar tajada, décadas no es un arma más de manipulación mental, gastar una broma o crear conflicto. Los empollones confundiendo nuestros sentidos, entumeciendo son unos pringados, son objeto de abusos y burlas, nuestro juicio y destruyendo nuestro criterio. dan completamente igual sus esfuerzos en los estudios Telecinco, Antena 3, MTV, Disney Channel. FOX… puesto que en verdad lo único que desean es ser igual ¿no serán estos canales (entre otros muchos) uno de que el protagonista. Los deportistas son tontos y por los grandes problemas de la sociedad actual? Crean lo general unos matones que tienen éxito con las falsos estándares de normalidad, generan prejuicios chicas. Las chicas por su parte (si no son empollonas) enmascarados en gags cómicos y provocan modas y son unas brujas criticonas obsesionadas por la moda gustos que sustituyen valores morales indispensables. que no dejan de suspirar por el chico guapo de turno.

En una época en la que los pilares básicos de la Diferentes modalidades de estos estereotipos sitúan sociedad occidental se tambalean con violencia es el peso del protagonismo en la chica (deseosa de ser bueno que nos paremos por un momento a pensar popular y encajar) o el empollón (deseoso de encajar y en qué nos ha estado enseñando la televisión toda ser popular). ¿Creéis que el hecho de que los personajes nuestra vida, entendiendo a la televisión no solo como mínimamente responsables, trabajadores y estudiosos el aparato que nos procura cierto entretenimiento, sean sistemáticamente ridiculizados fomenta entre sino como la ventana al mundo que invade nuestros la juventud los valores del esfuerzo, la constancia hogares cada día una media de tres horas como poco. y la superación? ¿No creéis que el hecho de que las chicas de las series estén constantemente pendientes El papel educador de la televisión es algo obvio, es de su aspecto, de ser populares y de gustar a los chicos palpable desde la más tierna infancia y, por lo tanto, fomente un marcado amor por la superficialidad que sus contenidos son lecciones morales, sobre la vida, dista mucho de los valores de la lucha feminista?

Curiosamente las series enfocadas para los jóvenes hacen un especial esfuerzo en matizar la importancia de la popularidad y el aspecto físico en detrimento del auténtico desarrollo personal. ¿Realmente son temáticas apropiadas para los extremadamente influenciables adolescentes? ¿No les crean este tipo de series una percepción distorsionada de la realidad? A mi parecer todo huele a lobotomía, a reeducación para transformar a los jóvenes en ávidos consumidores de ropa de marca y todo despropósito de artículos que les hagan creer mejores y más populares por el hecho de poseerlos (coches, cremas, perfumes, joyas…).

Tomemos un nuevo ejemplo, esta vez en la sitcom más tradicional, la familiar. En este tipo de serial se procura tomar como familia protagonista una típica familia del país de emisión. La más característica, la americana. ¡Y cómo nos gustan los americanos! Papá acostumbra a ser un entrañable regordete que trabaja muchas horas y cuando llega al hogar los problemas se le acumulan. Mamá es un ama de casa estricta y maniática que dirige la casa con puño de hierro, sermoneando y castigando por igual al marido y a los hijos. Los hijos por su parte son diversas modalidades de los jóvenes de las sitcom adolescentes o críos más pequeños y adorables que hacen las delicias del espectador con todo tipo de monerías y que actúan con más cabeza y sensatez que los adultos. Por supuesto existen diversas variantes, el padre es el estricto al que todo el mundo ignora, la madre es la cándida y adorable esposa etc… El resto del reparto lo conforman los vecinos, que acostumbran a cubrir el resto del espectro demográfico estereotipado: El negro/ indio/asiático/latino, el soltero fiestero, el gorrón, los viejos cascarrabias, el matrimonio joven… Las tramas por supuesto no tienen desperdicio alguno. La premisa por norma general acostumbra a ser algún tipo de fechoría, sorpresa, confusión o secreto que provocará irremediablemente una sarta de mentiras, engaños y ardides hasta llegar al clímax final donde se destapará irremediablemente el complot con la consiguiente regañina, lección moral o moraleja.

En el caso de las sitcom de corte típicamente familiar los mensajes que nos mandan son contradictorios.

Por un lado enfatizan hasta el aburrimiento la importancia de la unidad familiar mientras por el otro muestran como entre los personajes, capítulo tras capítulo, se engañan y se manipulan. Esconder los errores cometidos, evitar las responsabilidades a toda costa, abusar de la confianza… son algunas de las lecciones más llamativas que se hacen hueco en nuestro córtex cerebral.

Muchos pensareis “oye, la moraleja final es justamente todo lo contrario a lo que estás diciendo”.

Es cierto, de eso no hay duda alguna. Pero pensad un momento, ¿qué es lo que más recuerdas de un capítulo de este tipo?, la aburrida reflexión final o los divertidos momentos cómicos en los que los personajes hacen lo imposible para evitar que los pillen con las manos en la masa de algún endiablado plan que les exculpará de la pena por haber cometido alguna tropelía. No olvidemos que el humor es una herramienta educacional muy eficiente. A todo el mundo le gusta hacer cosas que le divierten, y si ver cómo un marido despistado engaña de mil formas a la mujer para evitar ser reprendido por olvidar el aniversario de boda es divertido… no será para tanto eso de manipular y mentir…

Por supuesto que no estoy atacando a las sitcom con el argumento de que sistemáticamente nos lavan el cerebro para convertirnos en personas zafias, arteras, mentirosas y superficiales. ¡No por favor! Dejo a las asociaciones de padres la tarea de esgrimir ese tipo de argumentos.

Lo que quiero plantear con este breve escrito es que hemos de ser capaces de ver con perspectiva las sitcom. Que estas no son un reflejo fiable de la realidad a pesar de las grandes similitudes y paralelismos. Las comedias de situación son deformadas y exageradas caricaturas de la vida. Divertidas por sus semejanzas con nuestra vida y por lo irreal de sus desarrollos. El peligro que estas conllevan no radica en los valores que subliminalmente nos infunden sino en cómo por desgaste erosionan y flexibilizan los que ya tenemos.

Cualquier persona con dos dedos de frente es capaz de

comprender que la mentira y la extrema superficialidad están mal, pero en cambio uno puede volverse mucho más tolerante ante estas deplorables actitudes si durante años se las han estado “vendiendo” a través del fácil y dulce humor. En lo que respecta a personas adultas, coherentes y formadas el “peligro” de las sitcom es este… en el caso de los niños es mucho mayor.

Como diría Helen Lovejoy “¡¿Es que nadie va a pensar en los niños?!”. Los niños están en un proceso continuo de aprendizaje. Todos los valores que los formarán como personas se aprenden de los padres y de los allegados más cercanos. Teniendo en cuenta las horas de televisión que ve el niño occidental medio, unido a unos padres cada vez menos implicados en la directa educación de sus hijos y un sistema educativo en decadencia, nos encontramos con generaciones perdidas, con jóvenes con una bizarra visión del mundo, con unas prioridades absurdas y unos objetivos insulsos. ¡Quien diga que exagero que por favor mire Gandia Shore! Quien diga que no son “toda una generación” que se informe sobre lo que es la Generación Ni-Ni (Ni estudia ni trabaja).

Muchos factores socioculturales y económicos han provocado el derrumbe de los valores éticos que hicieron del mundo occidental la cultura más poderosa en términos de desarrollo. Hemos dejado en manos de los bancos y las multinacionales el timón de nuestra sociedad. Nos han entumecido el espíritu de lucha, nos han manipulado durante décadas, nos han dado tanto circo que han conseguido que no nos importe que no haya pan para todos.

Para terminar solo me queda matizar una vez más que no culpo a las sitcom de todos los males del mundo ¡ni mucho menos! Pero hemos de ser capaces de comprender que su contenido, su mensaje y sus intenciones van más allá del simple e inocente entretenimiento. ¡Una última cosa! Si os interesa podéis leer otros artículos escritos por mí en mi blog: http://kyrosylmaster.blogspot.com.es/

Por Kyros Ylmaster