10th Anniversary Auctions of Poly Auction Hong Kong | Modern and Contemporary Art

現當代藝術 MODERN CONTEMPORARYAND ART HONG KONG 12-13 JULY 2022 香港 2022年7月12-13日

EVENING晚間拍賣SALE Lots 1-30

「非洲未來主義」一詞的概念於 1994 年正式由作家馬克．德 裏在文章〈走向未來的黑色〉提出，而後沿用至音樂，藝術 等各種文化領域之中。其實自 1960 年代以來，「非洲未來 主義」便一直受非洲歷史、神話和生物社會學等影響孕育而 生，藝術家們透過對自身文化根源及生活形態的描繪，批判 西方主流社會對黑人文化的壓制，進而探索非洲中心主義和 歐洲中心主義兩種意識形態之間的衝突和緊張關係，尋覓以 黑人自我文明為中心的未來。 德溫 · 香榭 · 納木因巴 1989 年出生於烏干達，於基揚博多 戈大學獲得美術學士學位後，便一直在自己的國家生活及創 作。這位正在崛起的黑人藝術家常以身邊的日常人物為素 材，對自身種族及個體的身份認同進行探尋。《崛起而閃 耀》 (Lot 1) 作品中，背景以色彩豐富的圖騰色塊填滿，上方 炫麗的火花，下方鮮艷的彩色花卉圖案，讓人立即聯想到崇 尚明艷圖騰的非洲文化。畫面中的黑人主角從容自如的翹起 腿坐於沙發上，眼神堅定自信地直視觀眾。 《崛起而閃耀》中的黑人身穿宇航員服裝，於沙發上擺放著 頭盔，這些標誌性符號在藝術家同系列的其他作品中多次出 現，代表著「非洲未來主義」中「宇宙」、「未來」等元 素。航空領域代表著人類對浩瀚無垠的宇宙的探索，是全人 類的夢想。藝術家將黑人的身份置入宇航員，成為全人類的 代表，表現出藝術家對人類歷史文明權力中心的批判與推 GODWIN CHAMPS NAMUYIMBA 德溫·香榭· 《崛起而閃耀》,治癒歷史，征服未來納木因巴這件作品是 『 非 洲未來主義 』 正踏入下一個時代的代表，象徵著人類──德溫 ·香榭·納木因巴 由伊塔沙．沃馬克設計的《非洲未來主義：黑色科幻和幻想文化 的世界》書本封面 Cover for designedAfrofuturism:TheWorldofBlackSci-FiandFantasyCulturebyYatashaWomack 翻 ， 試 圖將非洲中心主義 重新植 入從 前被忽略 的人類文明歷 史 脈絡 之中，同 時更 是藝術家對自身身份認同，對自身 所處 的非洲文化及種族的讚頌及謳歌。 納木因巴的作品中常常 可見 物品 所 代表的 隱喻 ，《崛起而閃 耀》作品中，人物的 腳部 在畫面 比例看 來 佔據較 大面 積 ，穿 著的 鞋子不免 讓人聯想到日常 可見 的西方 跑鞋 品 牌阿迪 達 斯 ，代表著西方 當 代 經濟 文化對全 球消費市場 的主 宰 及 滲 透，畫面中的黑人將代表西方現代 經濟 文化的 跑鞋 置於 腳 下，與畫面中鮮艷的非洲彩色圖騰 共 同 存 在， 相互 衝突， 更 是 可窺見 藝術家對自身文化中心的堅定，將「非洲中心主 義」置於「西方中心主義」之上的意圖可見 斑。 4 POLY AUCTION HONG KONG

Godwin Champs Namuyimba was born in 1989 in Uganda, where he has lived and created art after obtaining a Bachelor of Arts degree from Kyambogo University. As a rising black artist, Namuyimba often focuses his art on people around him as a way of introspection and ethnic identification. In the work, Arise and Shine (Lot 1), the background is filled by richly coloured totem blocks. The glamorous sparks at the top and vivid floral patterns at the bottom provide an immediate association with the brilliant totems of African culture. The painting portrays a black man calmly sitting cross-legged on a sofa, confidently looking at viewers.

Formally proposed by author Mark Dery in his 1994 essay, "Black to Future," the concept of "Afrofuturism" was subsequently applied to music, arts, and other forms of culture. However, in reality, Afrofuturism has been cultivated and influenced by African history, myths, and biological sociology since the 1960s. Through a depiction of their own cultural origins and lifestyles, artists have been criticizing the suppression of black culture by mainstream Western society, while also exploring the conflict and tension between the ideologies of Afrocentrism and Eurocentrism in search for a future with black civilization at its core.

GODWIN CHAMPS MENDINGNAMUYIMBATHEPAST AND CONQUERING THE FUTURE

In Arise and Shine, the black man's astronaut suit and helmet on the sofa are iconic symbols that frequently appear in the artist's series, representing Afrofuturistic elements, such as "universe" and "future." The space industry is a dream for all humankind as it demonstrates the attempt to explore the infinite universe. By portraying the black man as an astronaut and a representative of humankind, the artist criticizes and displaces the center of power throughout human history and civilization, in an attempt to reintroduce previously overlooked Afrocentrism into the context of human history and civilization. At the same time, the artwork also expresses the artist's identity and celebration of African culture and Namuyimbaethnicity. often embeds metaphors into mundane objects depicted in his works. In Arise and Shine, the character's feet appear proportionally larger in shoes that resemble Adidas, a popular Western brand for running shoes. This implies the dominance and penetration of contemporary Western economy and culture on the global consumer market. At the bottom of the black man's feet are running shoes, a symbol of the contemporary Western economy that co-exists yet contradicts with the vibrantly colourful African totems in the painting. This not only demonstrates the artist's firm commitment to his culture, but also his intention to emphasize Afrocentrism over Eurocentrism.

1 GODWIN CHAMPS NAMUYIMBA 德溫·香榭·納木因巴  UGANDAN, B. 1989 崛起而閃耀 2021 年作 油彩 畫布 款識：ARise and Shine Namuyimba 2021（畫背） 來源 歐洲 私人收藏（現藏者直接得自於藝術家） Arise and Shine Painted in 2021 oil on 230.5canvasx200 cm. (90 1/2 x 78 1/2 in.) titled, signed and dated 'ARise and Shine Namuyimba 2021' (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Europe (Acquired directly from the artist by the present owner) HK$ 500,000 - 800,000 US$ 64,100 - 102,600 6 POLY AUCTION HONG KONG

7MODERN AND CONTEMPORARY ART

加藤泉一直奉行「觀賞者有解讀作品的自由」理念， 他的繪畫沒有特定的主題，且總以「無題」來命名， 他本人也從未仔細解釋過每件作品的構思，放手任由 觀者想像。他的繪畫經常以人形生物為主，形象古靈 精怪，色彩運用有一種直覺般的自由和大膽，媒材上 更是包羅萬象，例如從日本各個縣收來的當地織物、 石頭、木材等，但不變的是他極具個人風格的—擁有 寶石般變幻莫測的瞳孔、精怪 樣的人物。 《無題》(Lot 2) 的背景充滿舞台感，深淺不一的綠色 線條營造了一個動態不定、深不可測的空間。畫中 人物置於舞台中央，彷彿深邃的背景中打下一束聚光 燈，使人物身上有種神聖祥和的光暈。人物塑造依舊 是標誌性的類似非洲原始圖騰，也像是其家鄉—有著 「諸神之國」之稱的日本島根縣所流傳的神話傳說中 的人物。《無題》中的人物不同於以往性別難辨的人 物形象，畫面中人物有著明顯的女性特質，以流暢線 條繪出的身體非常勻稱優美，豔麗的火紅色的頭髮奔 放又帶有 絲神秘，像部落中的女神。她併膝而坐， 面龐平靜，散發著孩子 般的純真，結合孔雀藍和明 黃色的瞳孔凝望著這個世界，一朵潔白的花像是從她 的身體中生發出一般，使人物與畫面充盈著一種平 靜、安逸的氛圍和母親般溫柔的情感。 加藤泉畢業於著名的武藏野美術大學造形部油畫科， 系統的專業訓練使得加藤泉的作品兼收藝術史中的圖 像，例如非洲原始的圖騰像、畢加索的立體主義和 馬蒂斯自由灑脫的線條，但他並沒有將這種影響直接 在畫面中再現，而是將這種塑造變為一種深層次的意 識和「世界觀」，包括他也曾坦言故土文化對他的影 響，但也並不全然認為他作品中反映出的鬼神一般的 形象是來自於日本的神道教 樣。《無題》曾出現在 加藤泉於2010年在東京ARATANIURANO 舉辦「SOUL UNION 」個 展 中，正如這次 展覽 的 名 字 「 靈 魂 聯 盟」，《無題》也體現了一種萬物有靈共生的理念， 並透露出藝術家一以貫之的興趣點是「人」本身，通 過審視「人」的形象和周遭的「關係」，意在表達無 形的思想和價值觀如何在血緣關係和不同族類之間共 通，而這種關係與藝術家和環境之間的關係也形成了 呼應 即教育、文化背景所帶來的潛移默化的影響與 他本人血脈相融，使他的創作成為一種「天性」而非 「意圖」，作品也因此而富有生命力。 無題加藤泉  8 POLY AUCTION HONG KONG

將不復存在。失去實現它的動力，而創作的意義也如果我知道自己在做什麼，那我就會──加藤泉

If I understand what I am doing, I will lose my motivation to make it and the purpose of creation will be lost.

- Izumi Kato

9MODERN AND CONTEMPORARY ART

Izumi Kato's works are all titled Untitled as he wants the viewer to be able to interpret the work freely. He himself has never elaborated on the idea of each piece, leaving it to the imagination of the viewer. His paintings often focus on humanoid creatures, with quirky images and an intuitive freedom and boldness in the use of colour, and he uses a wide range of media, such as local fabrics, stones and wood collected from various prefectures in Japan. What remains unchanged is his very personal style: the jeweled eye pupils of the gargoyle-like character. Untitled (Lot 2) has a stage-like backdrop, with shades of green creating a dynamic, unfathomable space. The figure is placed in the centre of the stage, as if a spotlight has been shone on the deep background, giving them a holy and peaceful glow. The figure still contains the iconic style of African totems Kato was inspired by, as well as figures from myths and legends from the artist's homeland, Shimane Prefecture, Japan, also known as the 'Land of the Gods'. The figure in Untitled is a departure from previous works by the artist where the gender was difficult to distinguish. In this present work, the figure's body is painted with smooth lines, gracefully proportioned. The figure is distinctively female with flaming red hair, like a tribal goddess. She sits knee-deep, her facial features exude a calm childlike innocence. Her pupils are a combination of peacock blue and bright yellow, gazing out into the world. A white flower seems to emerge from her body, bringing a sense of peace and calmness to the overall work, creating a restful atmosphere and motherly tenderness.

尚．杜布菲《分娩》1944年作 美國 紐約 現代藝術博物館藏 Jean Dubuffet, Childbirth, 1944, Collection of The Museum of Modern Art, New York, USA IZUMI KATO

Izumi Kato graduated from the Department of Oil Painting of the prestigious Musashino Art University. The systematic and professional training he received has enabled him to incorporate images from art history, such as primitive African totems, cubism of Picasso and free-flowing lines of Matisse into his own creation. However, he does not reproduce these influences directly in his paintings, but rather turns this shaping into a deeper consciousness and 'world view'. He has also confessed to the influence of his native culture but does not entirely see the ghostly images reflected in his work as coming from the Japanese Shinto religion. Untitled was featured in Izumi Kato's solo exhibition "SOUL UNION" at ARATANIURANO in Tokyo in 2010. As the title of the exhibition "SOUL UNION" suggests, Untitled also embodies the idea that everything has a spiritual symbiosis and reveals that the artist's constant interest is in the "human being" himself. By examining the image of the 'human' and the 'relationships' around it, the intent is to express how invisible ideas and values are shared between blood relations and different ethnic groups. Furthermore, this relationship echoes the relationship between the artist and the environment. Which is also the subtle influence of his education, cultural background and his own bloodline, making his creations a 'nature' rather than an 'intention', injecting life into his art works.

2 IZUMI KATO 加藤泉  JAPANESE, B. 1969 無題 2009 年作 油彩 畫布 款識：2009 Oil on canvas 145.5 x 112 cm (80F) KATO泉（畫背） 來源 私人收藏 佳士得 香港 2016年5月29日 編號 182 現藏者購自上述拍賣 展覽 2010 年 3月 12 日 -4月 1 7 日「 S OUL U N IO N 」 ARATANIURANO 東京 日本 Untitled Painted in 2009 oil on 145.5canvasx111.5 cm. (57 1/2 x 44 in.) dated, inscribed and signed '2009 Oil on canvas 145.5 x 112 cm (80F) KATO'; signed in Japanese (on the reverse) PROVENANCE Private Christie'sCollectionHongKong, 29 May 2016, Lot 182 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED Japan, Tokyo, ARATANIURANO, SOUL UNION, 12 March-17 April, 2010. HK$ 700,000 - 1,000,000 US$ 89,700 - 128,200 10 POLY AUCTION HONG KONG

11MODERN AND CONTEMPORARY ART

覺系之後的一種錯位，帶有強烈的本土特點。題目兩個殺馬特，大家都知道，是三四線城市青年模仿歐美或日本視 『殺』 個方便的詞，正好，它也可以暗喻外來文化的本土的家一說殺馬特，洗剪吹，就會笑我。我也無所謂，就用了這音節奏上的舒緩，不那麽正經。我過去的髮型有些誇張，大字，是從音節上考慮，也是從說話語氣的輕重考慮，這樣語 誤 吸收和錯位。題目的寬泛，使得我可以用任何題材去畫。讀、──段建宇

DUAN JIANYU 青年移工段建宇 「殺馬特」 段建 宇 擅長 以 敘事 性繪畫 手 法 ，將 瑣碎 的 片段 與 細 節連 結 以 超 現實的繪畫 風格 演繹 現實生活中 荒 誕 與 趣味 。《 殺 ， 殺 ， 殺 馬 特 No.2 》 (Lot 3) 充 滿 敘事 色彩的文 本構 圖， 訴 說 隻 充 滿 疑惑 的 小猴 子 ，正觀 看 四 位 站 在 被 肢 解 的 動 物 殘骸 之後的非 洲人 場 景，畫面中 暗 藏 多 重精 心的 佈局 與 暗示 ， 藝術家 運 用 超 現實主義 風格重新 詮 釋 「 殺 馬 特 」 這個文化現象。 「Smart」─「殺馬特」 「 殺 馬 特 」是 英 文「 Smart 」的 原 音， 可 以 指 稱 「 滑稽 的想 死 」，現在 被 借 為形容 迷失 在中國 城 市化浪潮的年輕移民。 這些來自 鄉 村 的 青 年 移工 ，為 了使造 型外 表 迎 合 潮 流 趨勢 ，他們 模仿 歐美日 本 視 覺 系的服 飾 和 造 型 ， 五顏六 色的頭 髮 、 稀奇 古怪 的服 飾 和 搞笑 的 自 拍 ， 整 體形 塑怪 誕 的 青 年文化。他們是代表中 國 青 年的一個文化現 象 ，來自 二 、 三 線 城 市 的 青 年 移工 ， 運 用 特 立 獨 行的「 殺 馬 特 」 通 過 譁 眾 取 寵 的 外 形，表達自己的個性，面對 充 滿 陌 生 冷漠 的大 城 市 ，他們 選擇模仿 極 端 的 造 型 尋獲在 城 市 裡「抱團取暖」的團體歸屬感。 殺馬特黑化 出生於 農 業重 鎮河南 的 段建 宇，從 2007 年 開 始 嘗 試鄉村題材，她將藝術女神安置於農村場景之中， 從此「我不再回避農村題材，我考慮得更多的是怎 樣才能把農村表現得更有意思。」同樣有著從鄉村 來到 城 市 的 經 歷， 段建 宇以 敏 感 的觀 察 力， 捕抓 「 殺 馬 特 」這個 有 趣 的社會現 象 。於 2014 年的 開 展了「殺馬特」系列，進行對此社會狀態，挪用與 調侃。這些街頭青年強烈的視覺化造型，讓她聯想 到非洲黑人臉上彩繪圖騰，因此她將筆下人物形象 幻化為白色臉譜的非洲人，創作《殺，殺，殺馬特 No.2》。藝術家將畫面中的人物援用「馬列維奇」 刻意強調的體積感，厚實的肩膀與身軀，他們看似 原始、稚拙的形象，也恰恰符合「殺馬特」群體所 散發的鄉土味，展現了原始性。而右下方的猴子則 是藝術家本人的化身，昂首端詳著站在巨石上的領 袖人物，她就如同一個文化觀察者，旁觀中國社會 光怪 陸離 的現 象 ，《 殺 ， 殺 ， 殺 馬 特 No.2 》 運 用 幽默感及戲謔性的手法，反映青年移工介於城市與 鄉村之間的拉扯。 兩種文化 差異 的衝突對 抗 是 段建 宇 長期 關 注 的 議 題，她總是以揶揄調侃的角度進行社會現象解讀。 以非洲人物的造型指代「殺馬特」更是一個前所未 有的意象，她嘗試以虛構的故事文本架構怪誕的社 會現象，作品中充滿深刻寓意的幽默感。 芳人 貝茲族《面具》19世紀末作 美國 紐約 大都會藝術博物館藏 Fang-Betsi Artist, Face Mask, Late 19th Century, Collection of The Metropolitan Museum of Art, New York, USA 13MODERN AND CONTEMPORARY ART

SHA MA TE MELANIZATION

DUAN "ShaJIANYUMa Te" Young Migrant Workers

Duan Jianyu was born in Henan, an important agricultural province and began experimenting with rural themes in 2007, placing her artistic goddesses in rural scenes. Since then, "I no longer avoid rural themes, I think more about how to make them more interesting". Having also the same experience of coming from the countryside to the city, Duan Jianyu's sensitive observation has enabled her to capture the interesting social phenomenon of the "Sha Ma Te". In 2014, she launched the Sha Ma Te series, which attempts to appropriate and ridicule with this social phenomenon. The strong visualisation of these street youths reminded her of the painted totems on the faces of Black Africans, so she transformed her characters into white-faced Africans to create Sharp, Sharp, Smart No. 2. The artist's figures in the

保 羅 高 更 《 三 名 大 溪 地 婦 女 》 1986 年作 美國 紐 約 大都會藝術博物館藏 Paul Gauguin, Three TahitianWomen, 1986, Collection of MetropolitanTheMuseum of Art, New York, USA 14 POLY AUCTION HONG KONG

Duan Jianyu specialises in narrative painting, linking trivial fragments and details in a surreal style of painting to depict the absurdity and fun of real life. The narrative text composition of Sharp, Sharp, Smart No. 2 (Lot 3) tells of a puzzled little monkey watching four Africans standing behind the mutilated remains of an animal. There are many elaborate layouts and allusions in the picture, and the artist uses a surrealist style to reinterpret the cultural phenomenon of "Sha Ma Te".

「SMART」-SHA MA TE "Sha Ma Te" is the original pronunciation "Smart" in English. "Smart" originally means "funny as hell" in English, and is now used to describe young migrants who are lost in the wave of urbanisation in China. These young migrant workers from the countryside imitate the European, American and Japanese Visual Kei clothing and looks in an attempt to fit in the city in terms of looks and appearances. With their colourful hair, bizarre clothing and funny selfies, all creating an overall bizarre youth culture. They are a cultural phenomenon representing the youth of China, young migrant workers from secondtier cities who express their individuality through their idiosyncratic "Sha Ma Te" and their claptrap appearance. In the face of the strange and indifferent big city, they choose to imitate extreme looks to find a sense of belonging in the city as a group.

The conflict and confrontation between the two cultures has been a long-standing concern of the artist, who has always interpreted social phenomena in a derisive way. The use of African characters to refer to the "Sha Ma Te" group is an unprecedented idea. As she attempts to use fictional story texts to frame bizarre social phenomena, her works are filled with a profound sense of humour.

- Duan Jianyu painting use the deliberately voluminous, thick shoulders and bodies of Malevich, and their seemingly primitive and uncomplicated appearance is in keeping with the rustic, primitive nature of the "Sha Ma Te" group.

Sha Ma Te is a dislocation of young people from third and fourthtier cities who imitate European, American and Japanese Visual Kei, with a strong local character. The two ‘S’ in the title are considered from a syllabic point of view, as well as from the lightness and emphasis of the tone of voice, so that the rhythm of speech is soothing, ease the seriousness. My hair was a bit exaggerated in the past, and people would laugh at me when we talked “Sha Ma Te” or “hair-cut boy”. I don’t mind, so I use this word out of convenience, which is also a metaphor for the misinterpretation, absorption and dislocation of foreign cultures in the local context. The breadth of the subject matter allows me to paint with any specific subject matter.

The monkey at the bottom right is the embodiment of the artist herself, standing tall and looking up at the leader on the boulder, as if she were a cultural observer of the bizarre phenomena of Chinese society. The Sharp, Sharp, Smart No. 2 is a humorous and playful look at the tug of war between the city and the countryside for young migrant workers.

3 DUAN JIANYU 段建宇  CHINESE, B. 1970 殺，殺，殺馬特 No.2 2014 年作 油彩 畫布 款識：DJY 2014 （底部） 來源 中國 廣州 維他命藝術空間 現藏者購自上述來源 展覽 2016年3月20日-5月29日「殺，殺，殺馬特」鏡花園 廣 州 中國 出版 《殺，殺，殺馬特》維他命藝術空間 廣州 中國 2016年 （圖版，第5頁） Sharp, Sharp, Smart No. 2 Painted in 2014 oil on canvas 181 x 217 cm. (71 1/4 x 85 1/2 in.) signed and dated 'DJY 2014' (bottom) PROVENANCE Vitamin Creative Space, Guangzhou, China Acquired from the above by the present owner EXHIBITED China, Guangzhou, Mirrored Gardens, Sharp, Sharp, Smart, 20 March-29 May, 2016. LITERATURE Sharp, Sharp, Smart, Vitamin Creative Space, Guangzhou, China, 2016 (illustrated, p. 5). 美國 顯 赫 私 人 收藏 PROPERTY FROM A PROMINENT AMERICAN PRIVATE COLLECTION HK$ 1,200,000 - 1,800,000 US$ 153,800 - 230,800 16 POLY AUCTION HONG KONG

17MODERN AND CONTEMPORARY ART

出生於 英 國的 塗鴉先 生 原名 山姆 考 克 斯 ， 2015 年 開 始 正式 使 用 塗鴉先 生活 躍 於畫 壇 ，他認為 ： 「 塗鴉先 生是 住 在『 塗 鴉 世界 』的，在這個 世界 中 所 表達的 每件 事 ， 就 是我生活 細 節 上的放大 版 ；山姆 是一個對 世界 很 敏 感 的人，透過 塗鴉先 生，將我 所感 悟 的， 呈 現於他 所存 在的 世界 中。」他以 連 綿 不 絕 的 線條 ， 打造 一種 密集 性自 然 流 動 的繪畫 風格 ， 看似 迷 宮 般 的圖騰，是由一個個 趣味 角色 串 連 組 成。 2017 年 塗鴉先 生一系列大 型 的 塗鴉項目 使 他 聲 名 大 噪 ，他 使 用 麥 克 筆 無間 斷 即 興 的，將 碩 大的空間 覆蓋 上 天 馬行空的符號，從地面到 天 花 板 沒有任 何 角 落 的 倖 免 ， 驚 人的 天 賦 與 順 手 捻 來的 構 圖 能 力， 頓 時 將他推上藝術 浪潮 的 最 前 緣 ， 使 他成為藝術 界 廣 泛討論的關注人物。 《 鳥山 》 (Lot 4) 是藝術家成 名 後在 韓 國 首 個大 型 個 展 創作作 品，以 韓 國國 旗 的 三 原 色黑、 藍 、 紅 創作「 韓 國」系列 三 件 作品，而其中 藍 色的《 鳥山 》是 最 大 尺幅 的一 件 。 有別 於 早 期 大 型 壁 畫形式的 噴漆 繪畫， 架 上繪畫無 論 時 間 充 裕 性 或 是 媒 材的 選擇 ， 都 提 供 畫面 更細 緻 的 造 型 與 結構 。 除 了 物 件 尺 寸 精細 縮 小 ，物 件 間 除 了運 用 線條 分 隔 ， 更 添 加 小型 符號 像 是 雲 朵 、 愛 心、 水滴 為過 渡 ， 錯 落 大 小 不 等的圖形 使 畫面 更 有層 次。 另 外 在 輪廓 線 的 勾勒 基 礎 上， 添 加 許 多 細 節 ， 像 是 人物 不 同的 手 勢 、著色的頭 髮 和 帽 飾 ， 鏤 空與實色的 虛 實對 比 ， 暗示 欣 賞者 觀 賞 的 重 點 ， 避 免 視 覺 在 鋪 天 蓋 地的 塗鴉 中 迷失 。 更 為 重 要 的是，過 去 無 釐 頭 擬 人化生物 造 型 ， 也依 循 作品 名稱 發 展 成 更有 主 題感 ，我們從畫面中 不 論 是 象 徵 性物 件 ， 山 脈 、 動 物、 古 老廟 宇、 傳統 服 飾 、著 名 的地標， 甚 至 是國 旗 ， 都強烈 地 呼應 主 題 。正正 顯 示 藝術家創作 並不 是 靈 光 乍 現無 目 的性的 揮毫 ，而是對其文化與社會 狀 況 深 入 研究 了解後的精心巧妙安排。 韓 國 古稱 為「 虎 國」， 延續 中 華 傳統 文化中 很 多與 虎 有 關的 神話， 具有 源於 重 視「德」與「 仁 」的 儒 教 核 心 價值 觀與樂 觀 詼諧 的 天 性。 塗鴉先 生在《 鳥山 》畫面中將 老虎 表現為 有 神 通 力和 氣魄 的 靈 物，以 不 同 姿 態 分佈 於 構 圖， 貫 串 整 體畫 面的主 軸 。藝術家將 傳統 的 精 神 象 徵 物以 輕 鬆愉快 的的 塗鴉 繪畫方式 呈 現， 不 僅 展示 作為一個 外 來 者 對於 東 方 傳統 美德 的 讚頌 ，同 時 他 運 用其畫 筆 將 傳統 與 當 代美學的 銜 接 ，正如 同他 所說： 「我的 動 機 一向是創 造 一種 通 用的即 興 塗鴉語 言，吸引來自世界各地的人們，並與他們接軌。」 鳥山塗鴉先生 牆壁的創作，我很喜歡。流動。這種好像包裹著物件、它，它就會在創作平面上自由般糾纏在一起。如果你放手由至另一個形狀，最後就像意粉我畫的一個形狀，會自然引領──塗鴉先生

南

works has also developed to become more thematic, as per the name of the work. We can clearly see the theme of the image reflected in various elements, from symbolic objects, mountains and animals to ancient temples, traditional costumes, famous landmarks, or even the national flag. It shows that the artist's creation is not an aimless doodle produced from a spontaneous flash of inspiration, but a careful and ingenious arrangement of cultural and social Thereferences.inheritor of many traditional Chinese myths about tigers, South Korea was known in ancient times as the "Tiger Country". Tigers represent the Confucian core values of virtue and benevolence, as well as a naturally optimistic and humorous disposition. In Bird Mountain, Mr. Doodle presents the tiger as a spiritual object with supernatural power and spirit. Tigers appear throughout the composition in different poses and form the central axis of the whole image. By depicting traditional spiritual symbols through lighthearted doodling, the artist not only pays homage to the traditional virtues of the East, he also uses his marker to link traditional and contemporary aesthetics. As Mr. Doodle says, "My intention has always been to create a universal doodle language that can relate to and attract people from all over the world."

Bird Mountain (Lot 4) was a part of the artist's first largescale solo exhibition in South Korea after he achieved fame. He used the three primary colours of the Korean flagblack, blue and red-to create the three works of the Korea series, among which Bird Mountain is the largest. Unlike his early large-scale murals, which he created with spray paint, no matter how much time is spent or what materials are used, painting an easel-mounted canvas enabled Mr. Doodle to achieve more detailed shape and structure in his images. Objects are smaller and more condensed, and are separated by lines, with small symbols, such as clouds, hearts and water droplets added as a transition. Scattered icons of different sizes provide the image with a visual hierarchy. On the foundation of the outlines, the image is rich with added details, such as the characters' different gestures and colourful hair, clothes, and hats. The contrast between perforated and solid colours suggests a visual focal point that allows viewers to avoid becoming lost in the overwhelming tangle of doodles. More importantly, the whimsical anthropomorphic biological modeling of past 韓 首爾 ARA Art Center「Doodle World Exhibition view of "Doodle World" at the ARA Art Center, Seoul, South Korea

MR. BIRDDOODLEMOUNTAIN

MR. DOODLE

Born in the UK, artist Sam Cox formally adopted the name Mr. Doodle to become a painter in 2015. "Mr. Doodle lives in a 'DoodleWorld', everything he expresses in this world is a magnified version of the details of my life. Sam is a very sensitive person. I manifest what I feel through Mr. Doodle's world." says the artist. Mr. Doodle uses continuous lines to create a naturally flowing style of dense patterns and labyrinthine totems composed of interesting characters. In 2017, Mr. Doodle created a series of large doodles that made him famous. Using his markers, he doodled seemingly unending improvised pieces, covering the huge space with patterns and symbols. From the floor to the ceiling, he left no corner un-doodled. Mr. Doodle's astonishing talent and deft composition made him an overnight sensation in the art world.

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」展覽現場

4 MR. DOODLE 塗鴉先生 BRITISH, B. 1994 鳥山 壓克力 畫布 款識：MR DOODLE!（右下） 展覽 201 8 年 7月4 日 -9月9 日「 塗鴉 世界 ─塗鴉先 生個 展 」 ARA藝術中心 首爾 韓國 Bird Mountain acrylic on canvas 199.5 x 299 cm. (78 1/2 x 117 1/2 in.) signed 'MR DOODLE!' (lower right) EXHIBITED South Korea, Seoul, ARA Art Center, Doodle World-A Mr. Doodle Exhibition, 4 July-9 September, 2018. HK$ 1,800,000 - 2,800,000 US$ 230,800 - 359,000 20 POLY AUCTION HONG KONG

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麗的視 覺感 受。正如 松山智 一繪畫中 特有 的「將 時 空之間 大 量 元素提 取 並重構 」的「 拼湊 式」圖 像 內 容，《空心 月 球 的 假 設 》 完 整 體現出藝術家將日 本傳統 文化與西方觀念 的 交 融 。 本 作出現大 量 的 浮 世 繪元素的 挪 用， 並 將其與 當 代的視 覺 表現 手 法 相結合 ， 例 如人物 部 分 的 構 圖與 姿 態類 似 尾 形 月 耕 對日 本武 士 風 姿 的 塑造 ， 但 兩位 青 年的形 象 則 更像 現實生活中即將「出 征 」 戶 外 的美國 童軍 ，這兩個形 象 雖 然 跨越 時 空， 但精 神 相 通 ，為作品 奠 定 了充 滿 鬥志 的 精 神 特質 。 松山智 一對背景的 設計 則 更 多的讓人聯想到 風 景 浮 世 繪大 師 歌 川 廣 重 利 用生 動 的明 暗 技巧 來 完 成他對 四 季 自 然 景色的描繪與 讚頌 ， 松山 將色彩 奪目 的人物置身於 浪 漫 的 雪夜 之中， 周 圍 繁 花 錦簇 ， 不 僅 在色彩上 構 成 巨 大 「 虛 」與「實」及「 抽 象 」與「圖 像 化」之間的對 比 ，為 畫面 帶 來 飄 忽不 定的 虛 擬 感 和多種意 涵 的 思 考 空間。 松山智 一作為美 籍 日 裔 的藝術家，自身 也深 受多元文化的 浸 染 ，他 師 法 日 本傳統 文化，以耀眼的 螢 光 色彩來描繪 語 義豐 富、 繁複 多元的 超 現實圖景， 呈 現出一種 古 典 繪畫和 當 代視 覺 體 驗 相互 碰撞 的 平 衡 感 。 2017 年， 松山智 一在香 港舉 行 「 Oh Magic Night 」個 展 ， 展 出其 最 具 代表性的、神話 般 絢 麗 奪目 的 架 上繪畫和 雕 塑 作品，《空心 月 球 的 假 設 》作為 借 展 作品 也 出現在 該 展覽 當 中， 並 與其 抽 象 華 麗的大 型 雕 塑 交 相 輝 映 ， 當時被 藝術家 評論 為「 就 像 整 個 展覽 中的 寶石 樣」，足顯本作在藝術家心中的份量。 22 POLY AUCTION HONG KONG

As a Japanese-American artist, Tomokazu Matsuyama is also deeply influenced by multiculturalism. Based on the inheritance of traditional Japanese culture, dazzling, fluorescent colours are used to depict semantically rich, complex and multifaceted surreal scenes, presenting a balance of classical painting and contemporary visual experience. In 2017, the artist held a solo exhibition titled "Oh Magic Night" in Hong Kong, featuring his most iconic, mythical and dazzling easel paintings and sculptures. Hollow Moon Hypothesis was also presented as a loan work in the exhibition, which was complemented with a gorgeous large abstract sculpture that the artist commented at the time was "The painting gave a very nice charactor to the entire exhibition almost like a gem just before my large scale sculpture installation", demonstrating the significance of this work in his mind.

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Hypothesis (Lot 5) is one of his iconic shaped paintings, the graceful lines of which echo the shimmering contours of the painting, bringing a joyful and beautiful visual experience to the viewer. Like the 'patchwork' pictorial content of his paintings, which 'extracts and reconstructs a large number of elements from time and space', Hollow Moon Hypothesis is a complete expression of the artist's fusion of traditional Japanese culture and Western concepts. The present work shows a great deal of appropriation of ukiyo-e elements, combining them with contemporary visual expressions, such as the composition and posture of the figures, which resemble Ogata Gekko's portrayal of the Japanese samurai. Yet the two young men depicted in this piece of work are more like reallife American Boy Scouts about to 'conquer the wildness'. These two images, although existing in different time and space, are connected in spirit and set the scene for a work that is full of fighting spirit. Matsuyama's design of the backdrop is more reminiscent of the master of landscape ukiyo-e, Hiroshige Utagawa who used vivid light and dark techniques to complete his depiction and celebration of the natural scenery of the four seasons. Matsuyama has placed the colourful figures in the midst of a romantic snowy night, surrounded by flowers, which not only creates a great tension in colour, poetic atmosphere and the samurai spirit also form a contrasting yet unified sense of conflict, extending the narrative of the painting into an infinite space of imagination. Hollow Moon Hypothesis also embodies Matsuyama's fusion of the concept of installation with painting, replacing a full moon with a minimalist, hollow round shape. He not only appropriates and visualises a bold concept of astronomical hypothesis, but also adds 尾形月耕《武林唯七隆重》1902年作 英國 倫敦 大英博物館藏 Ogata Gekkō, AkebayashiTadashichiTakashige, 1902, Collection of The British Museum, London, UK a contrast between the 'virtual' and 'real' as well as 'abstract' and 'pictorial' to the rich narrative, bringing to the painting a sense of erratic virtualism and a variety of connotations.

5 TOMOKAZU MATSUYAMA 松山智一  JAPANESE, B. 1976 空心月球的假設 2014 年作 壓克力 綜合媒材 畫布 款識："Hollow Moon Hypothesis" 10 2014 NYC；藝術 家簽名；松山智 （畫背） 來源 佳士得 香港 2016年5月29日 編號127 現藏者購自上述拍賣 展覽 2017年3月19日-4月9日「Oh Magic Night」The Pulse 香港 中國 出版 《松山智一》香港當代藝術基金會 香港 中國 2017年（圖 版，第83頁） Hollow Moon Hypothesis Painted in 2014 acrylic and mixed media on canvas 143.5 x 152 cm. (56 1/2 x 60 in.) titled, dated and inscribed '"Hollow Moon Hypothesis" 10.2014 NYC'; signed with artist's signature; signed in Japanese (on the reverse) PROVENANCE Christie's Hong Kong, 29 May 2016, Lot 127 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED China, Hong Kong, Oh Magic Night, The Pulse, 19 March-9 April, 2017. LITERATURE Tomokazu Matsuyama , Hong Kong Contemporary Art Editions LTD., Hong Kong, China, 2017 (illustrated, p. 83). HK$ 650,000 - 1,000,000 US$ 83,300 - 128,200 24 POLY AUCTION HONG KONG

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星星 26 POLY AUCTION HONG KONG

YOSHITOMO NARA ♦☆♦☆♦☆奈良美智 奈良 美 智 曾 說： 「圖 書 內 幅簡單 的圖案 就 包 含 著一 整 個 故事 。」 2012 年《 星星 》 (Lot 6) 將他 數 個 經 典 象 徵 圖 示 濃縮 成一個 故事 ，身著 略 為 衣衫 不 整 紅 色 連 衣裙 、上 挑 綠 色 雙 眼的 小 孩 右臉 頰貼 著 紗 布 、 手 指 向自己 左 方 召喚 出由 小 漸 大的 六 顆 四 角 星 、而畫面 左 方 則 是一 顆 聖 誕 樹 ， 看似 單 純 的 孩 童 ， 卻 包 含 無 數 與 當 下生活 息息 相 關的 訊息 符號， 奈良 美 智 筆 下的 孩 童 從來 就 不 只 是 可 愛 的 象 徵 ，他是藝術家對社會關 照 的 強烈呼 喊 ， 希 望 藉 由 童 真 的形 象 ， 引 發觀 者 的 強烈 共 鳴 ， 激 起 普 世對隱匿於表象下複雜更深層次的哲思與探究。 可愛的女孩＋熱血的男孩 《星星》筆下的小孩無論是身著全紅連衣裙或是旁 分俏麗短髮都與《Ｓ—女孩》的樣貌雷同，但其受 傷貼繃帶的臉龐又像是《憤怒的藍色男孩》血氣方 剛的男孩。就如奈良美智曾說：「我不認為她是女 孩 ，因為 她 / 他是一個中性的形 象 ， 只 是突 然 出現 在我腦海里的畫面，對我來說，沒有明顯的性別， 因為人在 長 大後 都 會 變 成 女 人 或男 人， 小 孩 則 是 很中性的，這就是在我眼中的他們。」奈良美智將 《星星》畫中小孩形塑為中性的樣貌，可以說是具 備其筆下可愛女孩和熱血男孩的集合體，奈良美智 從來重視的都不是人物的性別，而是專注在塑造孩 童的形象，因為他認為孩童時期是一個不需要在意 他們反應可以真實生活年代，以此不斷來表現他對 回到童年狀態的渴望。 奈良美智《S—女孩》1998年作 Yoshitomo Nara, S-Girl, 1998 的出現是它們令我有親切的感覺吧！時，我卻總在深夜工作，以星星為伴。小星星直到現在，當大家都在日間工作，以太陽作伴我們，因此我小時候都喜歡躺著跟星星說話。了就會變成星星，我的祖父母也就在天上守護這小星星的出現是因為我小時候父母都說人死──奈良美智 27MODERN AND CONTEMPORARY ART

聖誕樹 聖誕節一直都是小孩們最喜歡的節日，想必也是奈 良 美 智最 喜 歡 的。從 1990 年代 初 ，他 每 年 都 會繪 畫一或二張關於聖誕節題材的作品，「我的全部作 品其實是我內心的自畫像，是和自己的對話。至於 說這些圖像的來源，是在對話的過程中回憶自己的 童 年 時 代」。創作於 2012 年，《 星星 》畫面中 不 遠處的聖誕樹代表著奈良美智童年的聖誕節回憶， 同年 奈良還 發行 了聖 誕 樹 造 型 的《 森 子 》立體 雕 塑，聖誕樹數度以不同形態出現，無論是平面、雕 塑、甚至是衍生性商品，都代表藝術家對於聖誕節 濃厚的情感。 福島核災 2011 年日 本 發生 311 大地 震 ， 強 大 海 嘯 連 帶造 成 福 島 核 電廠 發生 前所 未 有 的 核 災 。 巨 大的 災害 造 成 許 多 嚴 重 的 死 傷 與 破壞 ，「滿 目 瘡痍 的景 象 ， 我 深深 受到 震撼 。」 深 刻 的衝 擊 讓他創作 靈感 蕩 然 無 存 ，一 度 無 法 作畫，直到 調整 好 心 情 後， 重 新 出發，面對畫面的態 度 有了 明 顯 的 改 變 。「 開 始可 以畫畫 了 。 但 是無 法 用 像 以 前 那 樣 的 速 度 畫。即 使 如 此 ，我 覺 得 慢慢 地 變 得 可 以畫出 更有 深 度 的作品。 重 疊 色彩、與 所 畫的 臉 仔細 對話， 這 並 非我自己 單 方面地畫著，而是與正在畫的對 象一邊對話、一邊畫著的感覺。」 畫面主角的紅衣垂落露出右肩，在奈良作品中非常 少 見 ， 首 次出現在 2011 年創作的《 核 能 寶 貝 》 佇立於一團團黃綠色爆炸煙霧中，主角由於爆炸的 威力造成其衣領拉扯。《星星》中些微露出肩膀的 衣著，便是源於《核能寶貝》。同樣有 雙長橢圓 形綠眼睛，但過去叛逆不屑的眼神，逐漸收斂為思 考與擔憂。「我筆下的她都有強烈的表情，但你看 近日的她，表情沒有那麼明顯了，看起來不是明顯 的笑或怒，還似乎有點目無表情，但其實只要觀看 者 心 情平靜 ， 反 而 能 在 她 臉 上 看 上 錯綜複雜 的 情 緒，這大概是我近年的轉變。」奈良美智將本該天 真無邪的孩童形象，搭配與之年紀不符合的耐人尋 味的表情，將作品提升至不同的精神層面，藉以反 思重要的社會議題，同時暗示著畫家對人類生存處 境的擔憂。 1.2. 28 POLY AUCTION HONG KONG

永願不滅的星星 縱 然 在過 去奈良 美 智 經 常 使 用 星星 在他的創作之 中， 但 直到 2011 年他用壓克力在 四 角 星 木 板 創作 件 寫 有 「 HELP 」 才 系 統 性的發 展 這個主 題 ， 甚 至於 2015 年 展 出 命名 為「 星星 」個 展 。「在 最 近 的作品中， 星星 愈 來 愈 多，與其 說 是宇宙 星 空 裡 頭的 星星 ， 不 如 更像 是一種閃閃發 亮 的 存 在，對 我而 言 ，發 亮 的 東 西意 指 不 會馬上 消 失 ，和『無 常人生』的想 法 有重 疊 。」 星星 在過 去 作品作為 元素符號 不 斷 積 累 在 奈良 創作中， 然 而 2011 年 後， 當 他對人生 有 嶄 新 的體會後， 了解 即 使 生 命 無常， 但 是 精 神是 永遠恆 定 不 滅 ， 就 像 畫面中 六 顆閃亮的星星。 非靜止的視覺經驗 仔細 觀 看 《 星星 》中 孩 童 的服裝， 貌 似 單 一色的 鮮 紅 ，由無 數圓 形的 相 近 色塊 交 織 ， 夾 雜 黃 色、 褐 色、 橘 色 彷彿 是 陽 光 傾瀉 灑落 於物體上 光斑 點點 的視 覺 效果 。「在 女孩 的頭 髮 、眼 睛 與 衣 服上， 刻 意地 保 留 顏 色與 筆 觸 的創作過 程 的 痕 跡 。」 奈良 美 智 透過 留 存 創作過 程 中色彩 疊 加 的 軌 跡 ， 層層 堆疊疏 密 度 的 差異 ， 製 造 自 然 光線 的 跳 動 錯 覺 ， 刻 意 使 用無 數圓 形的 交 疊 還 原 繪畫的 過 程 ， 顯 示 他 不 滿 足 刻 板 片刻 的 光 色 追求 ，而是 嘗 試 表現 光 影 變 化 時 間的 更 迭 流 轉 ，於 平 面中突 破 時 間的 限 制，創 造 非 靜 止 的視 覺經 驗 ， 開 啟 畫 者內心對話的新的表現手法。 1. 奈良美智《憤怒的藍色男孩》2008年作 Yoshitomo Nara, AngryBlueBoy, 2008 2. 奈良美智《20世紀末聖誕快樂》2000年作 Yoshitomo Nara, Merry Christmas for the End of the 20th Century, 3.2000奈良美智《核能寶貝》2011年作 Yoshitomo Nara, AtomkraftBaby, 2011 Lot 6 3. 29MODERN AND CONTEMPORARY ART

As Yoshimoto Nara once said, "Any simple picture in a book can tell a whole story." Stars (2012) (Lot 6) compiles many of his classic symbols into one story. The image features a child with green almond-shaped eyes and a gauze covering the left cheek wearing a red off the shoulder dress. The figure's finger points to the left, summoning six four-pointed stars in ascending order. A Christmas tree is visible in the bottom left corner. The innocent-looking child embodies many symbols with a significance to life because the children Nara creates are never just about cute appearances. Through these naive child-like images, the artist makes a call for social care, hoping to resonate with viewers and evoke more thoughts and inquiries about invisible elements on a more complex and deeper level.

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THE FUKUSHIMA NUCLEAR DISASTER

THE CHARACTERISTICS OF AN ADORABLE GIRL AND PASSIONATE BOY

♦☆♦☆♦☆NARA

Christmas has always been the favorite holiday for children. This is presumably true for Nara as well. Since the 1990s, Nara has been creating one or two Christmas-themed paintings every year. "All of my works serve as internal portraits or dialogues. These images are a recollection of my childhood memories." In Stars, the Christmas tree represents Nara's Christmas memories during childhood. During the same year, Nara also launched Mori Girl, a Christmas tree-like 3D sculpture. Through a recurring display of the Christmas tree across different forms, such as graphics, sculptures, and even merchandise, the artist expresses his deep emotional connections with the holiday.

In 2011, the 311 Earthquake struck Japan, bringing a large tsunami that resulted in an unprecedented nuclear disaster at the Fukushima Nuclear Power Plant. The catastrophe caused significant casualties, injuries, and damage. The devastation was shocking to Nara. Deeply impacted, Nara lost all creative inspiration and had to stop painting at one point. When Nara finally returned, there was a change in his attitude towards painting. In his words, "I could paint again, but no longer at my previous pace. Nevertheless, I felt that I could gradually insert more depth into my works through overlapping colours and dialogue with the characters. It was no longer a one-sided process as I became engaged with the characters I drew." In this painting, the subject's exposed right shoulder is a feature rarely seen in Nara's works. This element first appeared in the 2011 work, Atomkraft Baby, in which the subject stands amidst yellow-green smoke with a misplaced collar due to the explosion. This was the inspiration for the off-shoulder dress in Stars. While both characters have long, oval green eyes, the previously rebellious, disdainful glance has now converged into deep worry and concern.

YOSHITOMO

The child depicted in Stars resembles the character in S-Girl as they both wear a red dress with hair parted to the side. Additionally, the gauze on their cheek somewhat looks like the one on the character in Angry Blue Boy. According to Nara, "I do not think the character is a girl because it reflects a gender neutral image that suddenly came across in my mind. To me, the concept of gender is not apparent. Although people grow up to become women or men, children remain neutral in my eyes." Nara's portrayal of a gender-neutral child in Stars mixes the adorableness of a girl with the passion of a boy. Instead of focusing on the character's gender, he concentrates on enriching the childlike image because he believes childhood is the only phase when people can live truthfully without worrying about other people's reactions. Through this recurring theme, Nara expresses his desire to return to childhood.

"I used to draw characters with strong facial expressions. This has become less apparent in recent creations. The character looks stony-faced with no obvious emotions.

CHRISTMAS TREE

Interestingly, viewers with a calm and peaceful mood will find many complex emotions on her face. This is perhaps one of my recent transformations." By combining innocent child-like images with intriguing adult expressions, Nara 1.

Through a close look at the child's outfit in Stars, the monochromatic red appears to contain a blend of colour circles in yellow, brown, and orange, creating a visual effect of overlapping spots of light. "The colours and brush strokes across the girl's hair, eyes, and dress are purposefully preserved by the artist during the creative process." Through these colour marks and overlapping layers, Nara creates the illusion of a natural stream of light. The intentional interweaving of countless circles demonstrates his dissatisfaction with inflexible and momentary pursuits of light and shadow. Instead, he attempts to express the passing of time through changes in colour, graphically breaking the limitations of time and creating a non-static visual experience that provides a glimpse into the artist's internal world.

1. 奈良美智《救命》2011年作 Yoshitomo Nara, HELP, 2011 2. 奈良美智《聖誕快樂》1998年作 Yoshitomo Nara, MerryChristmas, 1998 2. 31MODERN AND CONTEMPORARY ART

Although Nara often features stars in his works, he did not systematically develop a star series until his 2011 work consisting of a four-pointed star wooden board with the words "HELP" in acrylic paint. These stars went on to become the title of Nara's solo exhibition in 2015. As Nara expressed, "The growing emergence of stars in my recent creations signifies an element that sparkles beyond the night sky. To me, sparkling objects symbolize a lasting presence, following a similar concept as the one in Life is Only One. In Nara's early creations, this element of stars appeared as a recurring symbol. After gaining new insights about life in 2011, he realized that spirits are the eternal existence in the uncertainty of life. This is expressed by the six brightly shining stars in the painting.

EVERLASTING STARS

When I was a child, my parents told me that people become stars after they die, and that my grandparents actually watch over us in the sky. That is why I always liked to lay down and talk to the stars when I was a child. Even now, as most people work during the day under sunlight, I choose to work late at night when the stars are hanging high in the sky. Perhaps these twinkling stars appear because they provide me with a sense of familiarity! - Yoshitomo Nara brings his works to a different spiritual level that not only reflects important social issues, but also implies the artist's worries about the existence of humankind.

NON-STATIC VISUAL EXPERIENCE

6 YOSHITOMO NARA 奈良美智  JAPANESE, B. 1959 星星 2012 年作 壓克力 畫布 款識：なら 2012（畫背） 來源 美國 洛杉磯 Blum & Poe畫廊 日本 東京 ShugoArts畫廊 現藏者購自上述來源 此作品以編號YNF5637收錄於奈良美智基金會之文獻庫 Stars Painted in 2012 acrylic on canvas 44 x 45 cm. (17 1/2 x 17 1/2 in.) signed in Japanese; dated '2012' (on the reverse) PROVENANCE Blum & Poe Gallery, Los Angeles, USA ShugoArts Gallery, Tokyo, Japan Acquired from the above by the present owner This work is registered in the archives of The Yoshitomo Nara Foundation under archive number YNF5637. 亞 洲 顯 赫 私 人 收藏 PROPERTY FROM A PROMINENT ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 5,500,000 - 8,500,000 US$ 705,100 - 1,089,700 32 POLY AUCTION HONG KONG

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JEAN-MICHEL BASQUIAT 尚·米榭· LOGO巴斯奇亞 創作於1984年的《Logo》 (Lot 7) 絕佳的體現了巴 斯 奇 亞 後 期 作品以 廣 告 、 商 標、符號、 漫 畫和文 本 的 解構 與 重塑 對於種族與 跨 文化的探索， 並且 展示 了 他在 1982-1984 年間 諸 多大 師 對他的影響 和對多種 媒 材 技 法 的 掌握 。在 此期 間他 不 僅 舉辦 了 個 展 ， 且 以 最 年 輕 的美國藝術家身份進入 第七 屆卡塞 爾 文 獻 展 和 惠 特 尼 雙 年 展 ，在 紐約 藝 壇 和 學術 範 圍 都 引 起 巨 大 反 響， 此 時 的他 事 業 如日中 天 ，正 勢 不可 擋 的成為耀眼 巨 星 。這一 時 期 巴 斯 奇 亞 天才 般 的用色和 迷 宮 般 的視 覺 符號 愈 加 信 手 拈 來，視 覺 語 言 已 經 非常成 熟 且包羅萬象 ， 包 括 《 Logo 》中 所使 用到的 絲 網 技 術 就 是源自於這 期 間他與 安迪沃 霍 爾 的 互相 影響， 利 用 絲 網印刷 技 術，他 可 以無 限循 環回 收 和 利 用自己的繪畫和符 號，這 使 得他這一 時 期 的作品 更加靈 活 複雜 ，創 作觀念也更具野心。 《 Logo 》 擁有 巴 斯 奇 亞 最典 型 的 有 組 織 、 編 碼 和 象 徵 意義的 獨 立 架 空的信 息 識 別 系 統 ，他以黑 人形 象 創 造 出 了 一個 永遠 不 會 被 印 在香 菸 包 裝上 的香 菸商 標。主人 公 是一個 睜 大眼 睛 、身穿 條 紋 衫 的黑人，一個 巨 大的 救 生 圈 像 是 圓 圈 標識，上 面 寫 著「 菸草 」，黑人的身後是等 待 著將他「 運 往 」美國的 船 隻 。在這個 戲謔 的 商 標上，巴 斯 奇 亞 以 充 滿 孩子 氣 的 幽默 ， 隱喻了 殘 酷 的黑人 奴隸 制 度 和 菸草 主 題 的起源以及黑人在美國 南 部 種 植 園 從 事 苦 力 勞 動 的現實，這個 煙 標在巴 斯 奇 亞 作 品中 也 多次出現， 足 見 其意義 重 大。畫面下方 碎 片 式的 構 圖與 拼 接再 次創 造了 一個視 覺 迷 宮 ，從 中 可 以 看 出眾多 20 世 紀 大 師 對他創作的影響。巴 斯 奇 亞持 續 觀 察 並 學 習 了 眾多 20 世 紀 的藝術家， 例 如 畢加 索、 賽 · 托 姆 布 雷 ， 但 在他後 期 繪畫中 1. Player's Navy Cut香煙包裝設計 Player's Navy Cut cigarette package design 2. 尚．米榭．巴斯奇亞《無題》（局部）1983年作 Jean-Michel-Basquiat, Untitled (detail), 1983 1.2. 35MODERN AND CONTEMPORARY ART

影響 最 為 深 遠 的是尚 · 杜 布 菲 和 保 羅 · 克 利 。 《 Logo 》中的 塗鴉 看似 是 孩 童 般 的 輕 鬆 直 率 ， 實 則 造 型 精練 準確 ， 纖 細 硬朗 的 線條 如 保 羅 · 克 利 的 蝕 刻版 畫和 硬 筆筆 觸 ， 儘管 保 羅 · 克 利 不 屬 於 任 何 一個 具 體的藝術流 派 ， 但 他作品中的 原始 符號和 線條 與 超 現實的視 覺特 徵 自由 遊 走 深深 的 影響 了 巴 斯 奇 亞 ，他們同 樣 都 是 詩 人、 都 熱愛 音 樂，因 此 克 利 繪畫中自由的色彩和 線條 與 天 馬行 空的視 覺 符號 也 奠 定 了 巴 斯 奇 亞 後 期迷 宮 般充 滿 創造性的視覺語言。 《 Logo 》 展示 了 他 藉 由藝術表達 了 他對黑人身份 和文化根源的 獨 特 的 詮 釋 ，他 顯 示 出黑人 共有 的 集 體性的歷史、 記憶 、文明和社會 遺產 ，他以 詩 意化的探索和表 述 ， 使 得這個 故事 雖 帶有 濃 厚 的 殖 民 色彩， 卻 幽默 詼諧 地 重 述 了 過 往 傷 痕 。 縱 然 年 少 成 名 ，成為 了 藝術 界 和 時 尚 界 耀眼的 寵 兒 ， 但 巴 斯 奇 亞 深 知 自己 只 是一個文化符號，在 當時 很 可 能 既 沒有 得到「 白 人代表」的「主流社會」 真 正的 接 納， 也沒有 得到「黑人同 胞 」的 真 正 理 解 ，他一生 都 在向 二 元對立的「種族主義」 本 身 宣戰 ， 充 滿 銳 意的 反 叛 ， 卻 從 不 宣 揚對立的 理 念 貫 穿巴 斯 奇 亞 一生的創作。巴 斯 奇 亞 將 閱 讀 與信 息 的力 量賦 予給 《 Logo 》，用 真 誠 和 爛 漫 的 筆 觸 為大家 釋 放 了 關 鍵 的社會現實和 隱喻了 一個 巨 大 的 思 考 空間，同 時釋 放 了 他為自身背景 所 承擔 的 責任感。 36 POLY AUCTION HONG KONG

JEAN-MICHEL BASQUIAT LOGO

尚．米榭．巴斯奇亞《紐 約時報》封面 1985年 The New York Times Magazine Cover by JeanMichel Basquiat, 1985 37MODERN AND CONTEMPORARY ART

Created in 1984, Logo (Lot 7) perfectly reflects JeanMichel Basquiat's later works exploration of the deconstruction and remodeling of advertisements, trademarks, symbols, comics and texts. It demonstrates his mastery of multiple media from 1982-1984 under the influence of many masters. During this period, he not only held solo exhibitions but also entered the 7th Kassel Documenta Exhibition and the Whitney Biennial as the youngest American artist to do so. Thus, creating a huge impact on the New York art and academic scene. By this time his career was on the rise and he was becoming an unstoppable new star. During this period, Basquiat's genius use of colour and maze-like labyrinthine visual symbols became more and more readily available, and his visual language became very sophisticated and all-encompassing, including the use of screen-printing technique in Logo, which was a result of his mutual influence with Andy Warhol during this period. This technique allows him to recycle and use his paintings and symbols infinitely, making his work of this period more flexible and ambitious.

- Jean-Michel Basquiat

LOGO 38 POLY AUCTION HONG KONG

With Basquiat's most typical organized, coded and symbolic system of stand-alone, elevated messages, he creates a cigarette logo that will never be printed on a cigarette packet with the image of a Black man. The protagonist is a wide-eyed black man in a striped shirt, a giant lifebuoy resembling a circle with the word 'tobacco' written on it, and behind the Black man is a ship waiting to 'transport' him to America. In this playful logo, Basquiat uses childish humour to allude to the brutal system of Black slavery and the origins of the tobacco theme, as well as the reality of Black labour on the plantations of the American South, a fact that is repeatedly reflected in Basquiat's work. The fragmented composition and patchwork at the bottom of the painting once again creates a visual maze, revealing the influence of many 20th century masters on his work. Basquiat observed and studied many 20th century artists persistently, such as Picasso and Cy Twombly, but the most influential of his later paintings were those of Jean Dubuffet and Paul Klee. The brushes in Logo appears to be childlike and straightforward, but in fact the shapes are refined and precise, with thin, hard lines like Paul Klee's etchings and hard brush strokes. Although Paul Klee did not belong to any particular school of art, the primitive symbols and lines of his work and the surreal visual character of his free movement had a profound influence on Basquiat, who was also a poet and a lover of music. The free colours and lines of Klee's paintings and the unconstrained visual symbolism of his paintings also established the maze-like creative visual language of Basquiat in his later period. Logo demonstrates his unique artistic interpretation of the roots of Black identity and culture, showing the collective history, memory, civilisation and social heritage of Black people in a poetic exploration and representation of a story that while strongly colonial, is a humorous retelling of the wounds of the past. Despite his youthful rise to fame and becoming a dazzling darling of the art and fashion worlds, Basquiat knew that he was only a cultural symbol, probably not truly accepted by the 'mainstream' of 'white representation' nor truly understood by his 'Black brothers and sisters' at the time. He spent his life declaring a war on the dichotomy of 'racism' itself. The concept of 'a sharp rebellion without ever promoting the idea of opposition' is the essence of Basquiat's artistic career. Basquiat gives the power of reading and information to Logo, unlocking a critical social reality and metaphorical space for reflection with an honest and lyrical writing style, while unleashing his sense of responsibility for his own background.

I am not a black artist, I am an artist.

7 JEAN-MICHEL BASQUIAT 尚·米榭·巴斯奇亞 AMERICAN, 1960-1988 Logo 1984 年作 壓克力 油畫棒 絲網印刷 畫布 款識：JMB "LOGO"（畫背） 來源 美國 洛杉磯 高古軒畫廊 法國 巴黎 Beaubourg 畫廊 Marciano 私人收藏 佳士得 紐約 1992年11月19日 編號 445 美國 紐約 私人收藏 美國 私人收藏 蘇富比 巴黎 2010年12月7日 編號 11 美國 紐約 私人收藏 中國 香港 Opera畫廊 蘇富比 香港 2018年9月30日 編號 1058 中國 香港 高古軒畫廊 現藏者購自上述來源 展覽 1 988 年 1 月9 日 2 月 1 6 日「尚 · 米 榭 · 巴 斯 奇 亞 繪畫 82-87」Beaubourg 畫廊 巴黎 法國 1 99 2 年 10 月 2 3 日 1 993 年 2 月 1 4 日「尚 · 米 榭 · 巴 斯 奇 亞」惠特尼美術館 紐約 美國 1 996 年 12 月 1 7 日 1 997 年 2 月 21 日「尚 · 米 榭 · 巴 斯 奇 亞」Quintana畫廊 科勒爾蓋布爾斯 美國 1 999 年 2 月 11 日 -5月 2 日「尚 · 米 榭 · 巴 斯 奇 亞 」 維 也 納博物館 維也納 奧地利 出版 《尚．米榭．巴斯奇亞》La Différence出版社 巴黎 法 國 1989年（圖版，第109頁） 《尚．米榭．巴斯奇亞》惠特尼美術館 紐約 美國 1993 年（圖版，第191頁） 《尚．米榭．巴斯奇亞第二冊》Enrico Navarra畫廊 巴 黎 法國 1996年（圖版，第 版，第7圖，第90頁） 《尚．米榭．巴斯奇亞第二冊》Enrico Navarra畫廊 巴 黎 法國 1996年（圖版，第二版，第7圖，第122頁） 《尚． 米 榭．巴 斯 奇 亞 》 Q uin t ana 畫 廊 科 勒爾蓋 布 爾 斯 美國 1996年（圖版，第30-31頁） 《尚．米榭．巴斯奇亞》維也納博物館 維也納 奧地利 1999年（圖版，第72頁） 《尚．米榭．巴斯奇亞第二冊》Enrico Navarra畫廊 巴 黎 法國 2000年（圖版，第三版，第4圖，第191頁） Logo Executed in 1984 acrylic, oilstick and silkscreen on canvas 152 x 122 cm. (59 3/4 x 48 in.) signed and titled 'JMB "LOGO"' (on the reverse) PROVENANCE Gagosian Gallery, Los Angeles, USA Galerie Beaubourg, Paris, France Private Collection, Marciano Christie’s New York, 19 November 1992, Lot 445 Private Collection, New York, USA Private Collection, USA Sotheby’s Paris, 7 December 2010, Lot 11 Private Collection, New York, USA Opera Gallery, Hong Kong, China Sotheby’s Hong Kong, 30 September 2018, Lot 1058 Gagosian Gallery, Hong Kong, China Acquired from the above by the present owner

EXHIBITED France, Paris, Galerie Beaubourg, Jean-Michel Basquiat , Peintures 82-87, 9 January-16 February, 1988. USA, New York, Whitney Museum of Art, Jean-Michel Basquiat, 23 October, 1992-14 February, 1993. USA, Coral Gables, Quintana Galleries, Jean-Michel Basquiat, 17 December, 1996-21 February, 1997. Austria, Vienna, Kunst Haus Wien, Jean-Michel Basquiat, 11 February-2 May, 1999.

Jean-Michel Basquiat Vol. II , Galerie Enrico Navarra, Paris, France, 2000 (illustrated, third edition, plate 4, p. 191).

亞 洲 頂尖 私 人 收藏 PROPERTY FROM A DISTINGUISHED ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 11,000,000 - 22,000,000 US$ 1,410,300 - 2,820,500 〇 40 POLY AUCTION HONG KONG

LITERATURE Jean-Michel Basquiat , La Différence, Paris, France, 1989 (illustrated, p. 109). Jean-Michel Basquiat , Whitney Museum of Art, New York, USA, 1993 (illustrated, p. 191). Jean-Michel Basquiat-Vol. II , Galerie Enrico Navarra, Paris, France, 1996 (illustrated, first edition, plate 7, p. 90). Jean-Michel Basquiat Vol. II , Galerie Enrico Navarra, Paris, France, 1996 (illustrated, second edition, plate 7, p. 122). Jean-Michel Basquiat, Quintana Gallery, Coral Gables, USA, 1996 (illustrated, pp. 30-31). Jean-Michel Basquiat , Kunst Haus Wien, Vienna, Austria, 1999 (illustrated, p. 72).

41MODERN AND CONTEMPORARY ART

尚·米榭· 王者傳說黑人英雄巴斯奇亞 彰 顯了傳 奇 藝術家巴 斯 奇 亞 坦 率 又 神 秘 的 魅 力的 《無題》(Lot 8)，在闊別市場22年後，重回人們視 線 焦 點 的 亞 洲 拍 場 。這張 1981 年的 鉅 作以 充 滿 鬥 志的、非洲面具 般的黑人面孔為核心，這是他早 期以拼貼為主的畫面中，非常初始的、奠基一般的 擁有黑人面孔為符號的作品，且這一符號終身伴隨 巴 斯 奇 亞 的繪畫，成為其 最 具 個人 風格 的視 覺 語 言 。《無 題 》描繪 了 一位 充 滿 英 雄 主義、神 秘莫 測的人物，畫面有充滿象徵意味的、語義豐富的符 號；來自非洲、埃及等原始部落的形象；以及從爛 漫的兒童畫、美國流行文化、或是賽·托姆布雷、 畢加 索、尚 · 杜 布 菲 等各個 時 期 大 師 素材中的提 煉，展現了巴斯奇亞對風格化視覺元素的自如提取 駕馭和非凡的藝術天賦，為巴斯奇亞筆下一系列的 藝術史碰撞之集大成，如同美國藝評家羅伯特·斯 托爾所說：「巴斯奇亞下筆迅速而堅決。那些畫面 背後的圖像彷彿超速狂飆的卡車拖著恣意燃放的煙 花，引爆全場。」 「王者」題材鉅作語義非凡 《無 題 》背景以 飽 滿的大面 積 的 紅 色與黑色 相 碰 撞 ， 充 滿 橫 衝直 撞 力 量 感 的 氣 勢 完 美 展 現 當時 只 有 20 歲 的巴 斯 奇 亞 的 血 氣 方 剛 和 不 羈 野 性。畫面 以黑人作為主角 且被 他標誌性的「 三 尖王冠 」 加 冕 。他畫作人物的形 象 常常來自於自己非常 欽佩 的、 憑 藉 努 力在 不 公 的社會中 取 得地位與成 功 的 黑人 名 人， 例 如 拳 手 傑 西． 喬 ． 沃 爾 科特 、 棒 球 明 星 漢 克． 阿 倫 、 爵 士音樂家 查 利 帕 克和 邁 爾 士． 戴 維 斯 等。「 王冠 」 則 是巴 斯 奇 亞 最 著 名 的 個人符號， 早 期 他在 紐約 蘇豪區 藝 廊 的大 門 上創 拳手傑西．喬 沃爾科特的照片 A photo of boxer Jersey Joe Walcott 無題

作 時 ， 已 開 始 以 王冠 作為自己的標誌性圖案， 並 形容自己的 題 材為「 皇室 、 英 雄 主義和 街 頭」， 《無 題 》中的人物形 象 正是 英 雄 與 王冠 的 組 合 ， 成為 了 勇 士與 征 服 者 的 象 徵 。黑人 王 者 的頭 顱 如 被 X 光 穿透， 臉 部 與 五 官 呈 現 具 穿透性的多 層 次，他頭 部 高昂 ， 姿 態堅定，表 情 因 憤怒 而 極具 張力。黑人 胸 前 的 三 根 鐵釘 像 是 寓 意 剛 果 的 能 量 釘 像 ，這 也 暗示 了 他 內 心的受 傷 與 痛苦 ，即在 英 雄 主義與 殉 道 精 神之間 隱 含 了 巨 大的 情 緒 張力。 巴 斯 奇 亞 擅長 以將非洲的歷史 淵 源提 煉 為 象 徵 性 的符號 語 言 ，讓畫面的 思 考 空間 拉 大， 例 如《無 JEAN-MICHEL BASQUIAT 43MODERN AND CONTEMPORARY ART

題 》中 象 徵 印 第 安 文化的 尖頂帳篷 、畫面下方黑 色 線條 組 成的方形空間中，美國黑人 街 區 孩子 們 常常 玩耍 的 遊 戲 「 skelly 」以及 棒 球 的出現 也 展示 了 巴 斯 奇 亞 孩子 氣 與 天 馬行空的一面。巴 斯 奇 亞 通 過《無 題 》 塑造了 一位 孤 膽 英 雄 ，同 時 宣告 他 與黑人身 分 休戚 與 共 的 決 心，因 此 這張作品 也 好 像 他的自畫 像— 化身於黑 王 ， 彷彿手 持 利 劍 ，如 孤勇 者 般 刺破混亂 與黑 暗 ， 決 意為自我與信 仰 堅守，誓要征服對立面，取得無上榮譽。 橫空出世開創時代 1978 年， 18 歲 的巴 斯 奇 亞 與 朋友 埃 爾 · 狄 亞 茲 （ Al Diaz ） 在 曼哈 頓 下 城 區 以「 SAMO 」 （ 是 「same old shit」的縮寫，譯為「還是老樣子」） 為 簽 名 在 街 頭 塗鴉 ， 杰弗 里 · 德 奇曾 在《 Art in America》中評論道：「SAMO繪畫是威廉·德庫寧 風格和地鐵噴漆塗鴉藝術的完美結合。」，一年後 巴斯奇亞在街頭寫下「SAMO is dead」宣告了他與 狄亞茲共同在街頭塗鴉創作的結束，並由此開始了 個人藝術創作。雖然巴斯奇亞早期曾創作塗鴉，但 他從不認為自己是「塗鴉藝術家」，他顯然對藝術 有更龐大和深層次的構想和追求。 儘管在他個人創作的初期以碎片化的塗鴉和拼貼為 主， 但 此 時 的作品 已 經 透 露 出他對圖 像 、 字 母 符 3.2. 1. 44 POLY AUCTION HONG KONG

號和日常 筆 記 的 拼湊 所 延 伸 出的 虛 幻 卻 蘊 含 巨 大 創造力的思想。1980年6月，巴斯奇亞的作品被選 入「 The Times Square Show 」 展覽 ，與 肯 尼 · 沙 夫 和基 斯 · 哈 林 的作品一同 被 展 出，這 場被 《 The Village Voice 》 譽 為「 80 年代 首 場 激 進藝術 展 」 的 展覽 使 得巴 斯 奇 亞 在藝術 界 開 始 嶄 露 頭角。而 1981 年對於巴 斯 奇 亞 來 說更 是 蓄 勢 待 發，他從 初 期的碎片化的拼貼深入到將自身身份和文化背景融 入繪畫，並由此做出至關重要的嘗試，因此這個時 期巴斯奇亞不僅大量積蓄創作能量，在今時看來更 是橫空出世傳奇般的藝術魅力在聚光燈下轟動綻放 的序曲。這一年，他應著名策展人迭戈．柯特茲之 邀，參加MoMA PS1現代藝術中心的紐約/新浪潮群 展，也正是這次展覽為他吸引到很多當時知名的藝 術品經紀人的目光，並於同年在義大利摩德納的埃 米利奧·馬佐利畫廊舉辦首次個展，年底，藝評家 勒內 理察德在《藝術論壇》發表了論文，也意味 著巴斯奇亞的作品正式在出版物中受到學術界的檢 視與 討論 ，次年，畫 廊 主 Annina Nosei 為他在 紐約 舉辦個展，作品更被搶購一空，自此他從新銳藝術 家蛻變為當時最受矚目的藝術界巨星。《無題》即 在這種背景下誕生，不僅代表巴斯奇亞以明日之星 的姿態在紐約和歐洲兩大藝壇中心初試啼聲，也奠 定了其後期畫作的風格語言並延續，亦作為一個傳 奇般的天才藝術家的早期代表作，開啟與見證了美 國新表現主義時代，不僅象徵巴斯奇亞個人藝術走 向巔峰，亦代表他向西方主流藝術發起挑戰，並在 藝術史上留下翻天覆地的新篇章。 1. 以「SAMO」為簽名在布魯克林街頭塗鴉「SAMO IS DEAD」 "SAMO IS DEAD" street art on the streets of Brooklyn with the signature SAMO 2. 美國 紐約 現代藝術博物館 PS1 「紐約/新浪潮」展覽現場 Exhibition view of "New York/New Wave" at MoMA PS1, New York, 3.USA賽 托姆布雷《麗達和天鵝》1962年作 佳士得 紐約 2017年5 月17日 成交價：52,887,500美元 Cy Twombly, Leda and the Swan, 1962, Christie's New York, 17 May 2017, Sold for USD 52,887,500 45MODERN AND CONTEMPORARY ART

After a 22-year absence from the auction market, Untitled (Lot 8) returns to the forefront of Asian auctions as a manifestation of the legendary Jean-Michel Basquiat's frank and enigmatic charm. This 1981 masterpiece, with its combative, African mask-like Black figures at its heart, is the very first, fundamental Black figures as a symbol of his early collage-based paintings. It is also a symbol that has remained with Basquiat throughout his career life as his most personal visual language. Untitled depicts a heroic, enigmatic figure with symbolic symbols full of semantic meaning. Images from primitive tribes such as Africa and Egypt, materials drawn from comic children's drawings, American pop culture, or masters of different periods such as Cy Twombly, Picasso and Jean Dubuffet are all presented in this work. The distillation of these images demonstrates Basquiat's ease of extraction and mastery of stylised visual elements and his extraordinary artistic talent. It is a collection of art historical collisions under Basquiat's brush that, as the American art critic Robert Stoll has said, "Basquiat draws with speed and determination. The images behind the scenes are like speeding trucks dragging a wild display of fireworks, setting the scene alight".

棒球明星漢克．阿倫的照片 A photo

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JEAN-MICHEL BASQUIAT BLACK HERO, THE LEGEND OF KINGS

A MASTERPIECE FEATURING “THE KING” WITH PROFOUND CONNOTATION With its large blocks of red and black, Untitled is a powerful and rampant portrait of Basquiat's bloodlust and wildness at the age of 20. The painting is dominated by a Black man wearing his iconic 'triple-tipped crown'. Protagonists of Basquiat's paintings are often drawn from Black celebrities whom he admired for their hard work and success in an unjust society, such as boxers Jersey Joe Walcott and Joe Louis, baseball star Hank Aaron and jazz musicians Charlie Parker and Miles Davis. The 'crown' is the most famous personal symbol of the artist. He began to use it as his iconic motif in his early works on the doors of the SoHo Art Gallery in New York, describing his subject matter as 'royalty, heroism and the street'. The figure in Untitled is a combination of a hero and the crown, a symbol of warrior and conqueror. The head of the Black king looks like he's being pierced by an X-ray, his face and features are of baseball star Hank Aaron

A RISING STAR SHINNING THROUGH A NEW ERA In 1978, at the age of 18, Basquiat and his friend Al Diaz painted the streets of Lower Manhattan under the signature 'SAMO' (short for 'same old shit'). Jeffrey Deitch Basquiat draws with speed and determination. The images behind the scenes are like speeding trucks dragging a wild display of fireworks, setting the scene alight - Robert Stoll commented in Art in America that "SAMO painting is a perfect combination of Willem de Kooning's style and the art of underground spray street art". A year later, Basquiat wrote 'SAMO is dead' on the streets to announce the end of his street art work with Deitch and marked the beginning 2.1.

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penetratingly multi-layered. His head is high, his posture is firm, and his expression is energetic with anger. The three iron spikes on his chest are a symbol of the energy spikes of the Congo, and they suggest the pain and anguish of his heart, expressing a great emotional tension between heroism and martyrdom. Basquiat's ability to distil the leaden history of Black oppression into a symbolic language allows for a wider scope of reflection. For example in Untitled, the spiked tent symbolic of Native American culture, the square of black lines at the bottom of the painting, the game 'skelly' are often played by children in African American neighborhoods, and the appearance of baseballs also demonstrate his mischievous and whimsical side. Through Untitled, Basquiat portrays a lone hero and proclaims his determination to stand in solidarity with the Black identity, and so this work is also like a self-portrait of himself as the Black King, as if he were holding a sword, like a lone warrior piercing through chaos and darkness, determined to stand up for himself and his beliefs, vowing to conquer his opponents and achieve supreme glory.

In June 1980, Basquiat's work was selected for exhibition in "The Times Square Show", alongside works by Kenny Scharf and Keith Haring. This exhibition, hailed by The Village Voice as 'the first radical art show of the 1980s', helped to establish Basquiat's presence in the art world. The year 1981 was the year when Basquiat was poised to make a significant move from the initial fragmented collage to the integration of his own identity and cultural background into his painting. Thus, this was a period when he not only built up a great deal of creative energy but was also the prelude to what now seems to be a legendary explosion of artistic achievements under the spotlight. That year, he was invited by the renowned curator Diego Cortez to participate in the "New York/New Wave" group show at MoMA PS1, which attracted the attention of many leading art dealers of the time. At the end of the year, he had his first solo exhibition at the Emilio Mazzoli Gallery in Modena, Italy. At the end of the same year, art critic Rene Richard published an essay in Art Forum, in which Basquiat's work was examined and discussed by academics in print for the first time. The following year, gallery owner Annina Nosei held a sold-out solo exhibition for him in New York, transforming him from an emerging artist into one of the most talked-about art stars of the time. It was against this backdrop that Untitled was created, representing not only Basquiat's debut as a star of tomorrow in the heart of both the New York and European art scenes, but also setting the stylistic language of his subsequent paintings and their continuation. An early masterpiece of a legendary artist, it opened and witnessed the era of American Neo-Expressionism, symbolizing not only the pinnacle of Basquiat's personal art achievements, but also his challenge to the Western mainstream art that meant to open up a new chapter in the history of art.

1. 巴布羅·畢加索《鬥牛：鬥牛士之死》1933年作 法國 巴黎 畢 加索博物館藏 Pablo Picasso, Bullfight:DeathoftheToreador, 1933, Collection of Musee National Picasso, Paris, France 2. 威廉·德庫寧《女人II》1952年作 美國 紐約 現代藝術博物館藏 Willem de Kooning, Woman II, 1952, Collection of The Museum of Modern Art, New York, USA

of his solo work. (Basquiat said, "I wrote SAMO IS DEAD all over the place. And I started painting.") Although Basquiat had created street art in his early days, he never considered himself a 'street art artist' and clearly has a much larger and deeper conception and pursuit of art. Despite the fragmented street art and collage that dominated the early years of his career, his work by now reveals a fanciful, yet highly creative, vision of images, alphabetic symbols and the patchwork of everyday notes.

8 JEAN-MICHEL BASQUIAT 尚·米榭·巴斯奇亞 AMERICAN, 1960-1988 無題 1981 年作 壓克力 噴漆 油畫棒 紙本拼貼 畫布 款識：JEAN MICHEL BASQUIAT Untitled（畫背） 來源 法國 巴黎 Didier Imbert Fine Art 美國 紐約 Annina Nosei畫廊 佳士得 倫敦 2000年6月27日 編號 42 私人收藏 出版 《尚．米榭．巴斯奇亞》Enrico Navarra畫廊 巴黎 法國 1996年（圖版，第58頁） 《尚．米榭．巴斯奇亞第二冊》Enrico Navarra畫廊 巴 黎 法國 1996年（圖版，第 版，第3圖，第56頁） Untitled Executed in 1981 acrylic, spray paint, oilstick and paper collage on canvas 122 x 142 cm. (48 x 56 in.) signed and titled 'JEAN MICHEL BASQUIAT Untitled' (on the reverse) PROVENANCE Didier Imbert Fine Art, Paris, France Annina Nosei Gallery, New York, USA Christie’s London, 27 June 2000, Lot 42 Private Collection LITERATURE Jean-Michel Basquiat, Galerie Enrico Navarra, Paris, France, 1996 (illustrated, p. 58). Jean-Michel Basquiat-Vol. II , Galerie Enrico Navarra, Paris, France, 1996 (illustrated, first edition, plate 3, p. 56). 亞 洲 頂尖 私 人 收藏 PROPERTY FROM A DISTINGUISHED ASIAN PRIVATE COLLECTION 估價待詢 Estimate on Request 〇 50 POLY AUCTION HONG KONG

51MODERN AND CONTEMPORARY ART

草 間 彌 生於 1929 年出生於日 本 長 野縣 的一個富 裕 家 庭 ， 但 在 還 不 到 十 歲 時 便 罹患 神 經 性視 聽障 礙 ， 導致 其 時 常性的出現 幻覺 、 幻 聽 ， 造 就 了 草 間與眾 不 同的 思 維 ，成 名 後的 她經 常對 外 表 示 ： 「 若 不 是為 了 藝術，我 應 該很早 就 自 殺 了 。」得 到生 命 中 貴 人 喬 治 亞 ．歐 姬芙 的 鼓勵 和 幫助 ， 1957 年， 草 間 彌 生下定 決 心 離開 日 本 ， 隻 身 前 往 美國， 她 迫 不 及 待 的 要 離開 那 極 度 不 美滿的家 庭 ， 遠 離 幼 年 時 的 恐懼 。 獨 自 居 住 在美國的生活 並不 容 易 ， 她 曾 說： 「我 幾 乎 把 所有 賺 來的 錢 全 部 都 花在畫材和畫 布 上， 又 開 始 繼 續 畫。我在 偌 大的 工 作 室 裡 立起一面 巨 大的黑色畫 布 ，大到 不 踏 上 梯 子 就 構不 著邊， 然 後在上面 盡 可 能 用 纖 細 的 筆 觸 畫滿 數 百 萬 個 點 ， 完 全 不 留 空 隙 地 編 織 面 白 色之 網 。」 1959 年， 草 間 彌 生於 紐約首 次 舉辦 個 展 ， 展 出的作品正是這一系列的「 網 」作 品， 引 起 了當時 紐約 藝術 界 廣 泛 注 意，多間主流 媒體爭相報導。 60 年代是 草 間 彌 生彩色「無 限 之 網 」的一個 開 端 ， 顏 色 越 來 越 豐富，透過多種 不 同對 比 色，創 造了更 刺 激 的視 覺 體 驗 。 2015 年作的《無 限 之 網 （ BSGK ） 》 (Lot 9) 以 亮 黃 色 打 底 ， 覆蓋 在 橘 紅 色的 網紋 之下，兩種艷麗的 相 近 色系讓人眼花 撩 亂 ， 井 然 有 序 的 重 複 結構 則 帶 來 強烈 的視 覺 衝 擊 。 草 間 嘗 試 透過這種 偏執 的 重 複 性 筆 觸 去 控 制 她精 神上的 掙扎 ， 試 圖讓自己的 恐懼 消 融 ： 「 老 實 說 ，我常常 被 自己的 精 神 狀 況 搞 得 很 煩 。 只要 開 始 在畫 布 上面畫 點點 ， 接 下來 就 會從 桌 子 延 伸 到地 板 ， 最 後一 路 畫到自己的身上。我會 周 而 復 始不 斷 重 複 同一個 動 作，讓這面 點點 之 網 無 限 擴 張。 不 知 不覺 之間，從 手 到 腳 到身上穿的 衣 服， 房 間 裡 的一 切 都 會 被 這張 網 覆蓋 。」 細 短 弧 線 筆 觸 所構 成的 網紋 無意識 般 的在畫 布 上 擴 張， 每 筆都 有 著 獨 一無 二 的 手感 ，進而 編 織 成一 片 充 滿 YAYOI KUSAMA 無限之網草間彌生 服，房間裡的一切都會被這張網覆蓋。」限擴張。不知不覺之間，從手到腳到身上穿的衣而復始不斷重複同一個動作，讓這面點點之網無延伸到地板，最後一路畫到自己的身上。我會周只要開始在畫布上面畫點點，接下來就會從桌子「老實說，我常常被自己的精神狀況搞得很煩。──草間彌生 激 情 的 星雲 ，透過創作的過 程草 間 彌 生得以「自 我消融」於無限之中，來尋求心靈上的平靜。 1973 年， 旅居 海 外 多年的 草 間 彌 生從美國 返 回東 京 ，在各種 故 鄉情 懷 、 舊 友 的 感 化之下， 她 決 定 留 下。 雖 然 在美國 已 經 累 積了相當 的 名 氣 與關 注 度 ， 甚 至美國 極 簡 主義的代表性藝術家 唐 納． 賈 德 早 在 1959 年 就 如 此高度 評 價 草 間的「無 限 之 網 」系列 ： 「在各方面上 開 創 先 河 ； 震撼 視 覺 的 畫面， 單 調 致 的色彩， 簡 中 見 繁 的 結構 ，一 筆 線 的 重 要 性以及由色彩和 細 節 組 成的表 象 ，在 其作品中 不可 或 缺 。 此 表現方式 古 奧 冷 僻 ； 其 廣 泛 概 括 性透過一 絲不 苟 和 獨 一無 二 的 風格 而得以 實現。」 草 間 初 回 日 本並沒有 受到社會的 太 大關 注 ， 終 於在 1987 年， 她 在 福 岡北九 州 市 立美術 館 舉辦回 顧 展 ， 首 次在家 鄉 建 立起自己的藝術 軌 跡 與 價值 。「無 限 之 網 」 可 以 說 是 草 間 彌 生藝術生 涯 的基 石 ，這個 持 續 了 超 過 半 個 世 紀 的系列 不 僅 是藝術家在現實與 幻覺往 返 之間 找 尋自我 療癒 的 過程，更奠定了她在當代藝術領域的重要地位。 2013年創作《無限之網》中的草間彌生 Yayoi Kusama painting InfinityNets in 2013 52 POLY AUCTION HONG KONG

In 1973, Yayoi Kusama returned to Tokyo from the United States. After years of living abroad and inspired once again by her homeland and her old friends, she decided to stay. Although she had already accumulated a considerable amount of fame and attention in the United States. Even Donald Judd, the iconic American minimalist artist, spoke highly of Kusama's Infinity Nets series in 1959, saying "[they] are advanced in all respects; the great frontality, the relative lack of tone, the dual economy and complexity of the structure, the importance of the single stroke, whose multiplicity is so essential here, and the color and detail as surface itself. The expression is cool and tough; its vast generality is achieved through a precision and an individuality of statement." Kusama did not receive much attention from the public when she just returned to Japan, and it was finally in 1987 that she first established her artistic trajectory and values in her home country with a retrospective exhibition at the Kitakyushu City Museum of Art in Fukuoka. This series, which lasted for more than half a century, was not only considered as the foundation of her artistic journey and a process of healing for the artist as she moved between reality and illusion, but also established her as a major figure in the field of contemporary art.

古斯塔夫．克林姆《花草農園》1907年作 蘇富比 倫敦 2017年3 月1日 成交價：47,971,250英鎊 Gustav Klimt, Bauerngarten, 1907, Sotheby's London, 1 March 2017, Sold for GBP 47,971,250 55MODERN AND CONTEMPORARY ART

Born in 1929 to a wealthy family in Nagano Prefecture, Yayoi Kusama suffered from neurological audiovisual impairment when she was barely ten years old, which led to frequent visual and auditory hallucinations, creating a different mindset. After she became famous, she often told people, "If it weren't for art, I would have killed myself a long time ago". With the encouragement and help Georgia O'Keeffe, Yayoi Kusama made up her mind to leave Japan and moved to the United States alone in 1957 as her last desperate efforts to escape her extremely unhappy family and fears of her childhood. Living alone in America was not easy, as she once said: "I spent almost all the money I earned on materials and canvas and started painting again. I set up a huge black canvas in my spacious studio, so big that I couldn't reach the edge without stepping on a ladder, and then I painted millions of dots on it with as many tiny brush strokes as I could, weaving a web of white without leaving any gaps". In 1959, Yayoi Kusama's first solo exhibition in New York featured this series of 'nets', which attracted widespread attention in the New York art world at the time and was covered by many mainstream media. The 1960s were the beginning of Yayoi Kusama's colourful Infinity Nets, which became increasingly varied in colours, creating a more exciting visual experience through the application of a variety of contrasting colours. Infinity Nets (BSGK) (Lot 9) created in 2015 has a bright yellow underlay of orange-red netting and is a dazzling display of two bright yet similar colours. The work brings a strong visual impact from the orderly repetition of the structure. Kusama tries to control her mental struggle through this paranoid repetition of brushstrokes, trying to obliterate her fears: "To be honest, I'm often annoyed by my mental state. As soon as I started drawing dots on the canvas, I would move from the table to the floor and then all the way down to my body. I would repeat the same action over and over again, spreading the web of dots endlessly.

Before I knew it, everything in the room, from my hands to my feet to the clothes I was wearing, would be covered by this net". The nets consist of short-curved strokes that expand unconsciously across the canvas. Each brushstroke has a unique touch, and weaves itself into a passionate nebula, through which Yayoi Kusama is able to achieve 'self-obliteration' into the infinite, realizing the inner peace of mind.

YAYOI INFINITYKUSAMANETS

9 YAYOI KUSAMA 草間彌生  JAPANESE, B. 1929 無限之網（BSGK） 2015 年作 壓克力 畫布 款識：INFINITY-NETS (BSGK) YAYOI KUSAMA 2015 （畫背） 來源 日本 東京 大田秀則畫廊 私人收藏 富藝斯 倫敦 2017年3月8日 編號 2 現藏者購自上述拍賣 附草間彌生工作室之登記卡 Infinity Nets (BSGK) Painted in 2015 acrylic on canvas 162 x 162 cm. (65 x 65 in.) titled, signed and dated 'INFINITY-NETS (BSGK) YAYOI KUSAMA 2015' (on the reverse) PROVENANCE OTA Fine Arts, Tokyo, Japan Private Collection Phillips London, 8 March 2017, Lot 2 Acquired from the above sale by the present owner This work is accompanied by a registration card issued by the Yayoi Kusama Studio. 亞 洲 重 要 私 人 收藏 PROPERTY FROM AN IMPORTANT ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 16,500,000 - 25,000,000 US$ 2,115,400 - 3,205,100 〇 56 POLY AUCTION HONG KONG

57MODERN AND CONTEMPORARY ART

理查德· 高光時刻普林斯 理查德·普林斯高光時刻 理 查 德 · 普林 斯傳 奇 的創作生 涯 不 斷 從美國流行 文化 擷 取 素材，無 論 是繪畫、 攝 影、 雕 塑 、裝置 等各種 媒 材， 都 引 發 許 多的關 注 與話 題 。《 華爾 街 日 報 》 評論 「 沒有 人 能 做 得 像理 查 德 那 樣 。他 改 變了 20 世 紀 的藝術創作方式」。 2018 年他於 高 古 軒 的「 高 峰 期 」 被 《 紐約 時 報 》 評 價 ，為其 有 史以來 最 好 的 展覽 之一。「其中 幾 件 是他生 涯 中 最 有 趣 的創作， 異 常豐富和自我 揭 示 」。他 回 溯 自己 80 年代的 塗鴉 作品，放大 並 同 時運 用多 樣媒 材 像 是 炭 筆 、 油 畫、 噴 墨 、 拼貼 ，創 造具有手感 與活力的一系列作品，創作於 2017 年《 節 奏 、 嬉 皮 、 龐 克、 嘻哈 、 傳思 》 (Lot 10) 的 六 聯作為 當 期 展覽 中 最 壯 觀的作品。在 普林 斯 於 七 十 之 際 ，他 將過 去 被 自己他 擱 置於一 旁 的 塗鴉 ， 運 用 新 的 技 法 與 科 技 重 製 ， 象 徵 他 勇 敢 審 視過 去 ， 重新 整 理 自己的高光時刻。 嬉皮塗鴉 「 嬉皮 塗鴉 」系列起源於 1998 年他 欣 賞 四 歲 女 兒 平 面、 高 彩 度 的繪畫 塗鴉 ，「我 開 始 嘗 試 模仿 或 是 被 我的 小 孩 引 導 。我是會畫畫， 但 我是 被 他們 創作的方式 吸引 。」因為 塗鴉 中 樸 實與 世 無 爭 的 氛圍 ，正是 嬉皮 人士 所 嚮 往 的 寧 靜 ，因 此 將 紙 本 素色 塗鴉 命名 為「 嬉皮 塗鴉 」。而這個系列 持 續 幾 年，直到 2000 年 原本計 畫於 倫敦 舉辦展覽 ， 但 因為某些原因展覽取消改為畫冊出版。 《High Times》雜誌封面 2004 年 普林 斯收 到一 本 來自 洛杉磯 當 代美術 館 策 劃 的 威 廉 · 德 庫 寧 展覽 畫 冊 ，他將圖 錄 中人物 添 加新 的頭 像 、 手 臂 、 腳 ，「 嬉皮 化」德 庫 寧 的 女 性人物，將 她 們 改 造 為 雙 重 性 別 的形 象 。「 嬉皮 節奏、嬉皮、龐克 嘻哈、傳思

RICHARD PRINCE 化德 庫 寧 」 引 起美國 前衛 先 鋒 雜 誌《 High Times 》 的 興趣 ， 雜 誌 邀請 普林 斯 以 此 風格 為其 週 年創作 不 同 封 面，以 紀 念 25 週 年 慶 典 。 普林 斯 筆 下黑 白 單色「嬉皮塗鴉」從此開始有了迷幻色彩。 現實｜虛構之間的異次元 2017 年 普林 斯 將「 嬉皮 化的德 庫 寧 」放大 排 列 於黑色畫 布構 成「 高 峰 期 」系列， 糖 果 般 誘 人鮮 明的色彩， 迅速 勾勒輪廓 ， 強烈 的對 比 色為 卡 通 般 人物上色。 誇 張 扭 動 的 軀 體， 舞動 四肢 ，發 散 迷 幻 狂 野 氣息 ，讓人 感 受非 比 尋常的 精 神 快 感 。 「 理 查 德 · 普林 斯 從來 沒有 創作過這 麼 有 趣 的作 品」。畫面中穿 插 的 紙 本 素描， 不 連 續 的畫面， 產 生 華 麗與 樸 實、彩色與黑 白 對 比 ，兩 者 的過 渡 讓人物 遊 走於現實與 虛 構 之間。「 高 峰 期 」系列 是 普林 斯 挖掘 了 自己的歷史，將過 去 曾 經被 他 束 之 高 閣 的 議 題 ， 重新 以 更 高 規 格 的 姿 態， 展 現於 大眾眼下，作品 不 單 是藝術家自我 內 在 精 神對 話，他 更 創 造 一個 具有幻覺 空間，提 供 觀 者 進入 一個異次元的空間，享受前所未有的感官刺激。 「我 逐 漸 開 始 喜 歡 創作 屬 於自己的 東 西， [ ] 但 就 好 像 以 前 繪畫的 狀 態，我 仍 然 對於 完 全來自於 我自己的創作， 感 到 不安 ，這 就 是我的 包 袱 。」 畫面的 風格 此 時也 從 迷 幻 嬉皮 逐 步 轉 向 搖滾 龐 克，過 去 畫面中 蓄 長 髮 的人物， 逐 漸 被龐 克 刺 蝟 頭 佔據 。 有別 於其他作品中人物 雙 手 垂 墜 的自在 隨 意 姿 態，《 節 奏 、 嬉皮 、 龐 克、 嘻哈 、 傳思 》 的中心 點 ，是一眼 可見 高舉 搖滾 雙 手 的主角。 那 些 原本 迷 你 的 單 色 塗鴉 紙 本 ， 雙 手像 是身穿 長 衣 袖 的 異 形， 被 拉長 數 倍 ， 橫 跨 於 不 同塊畫 布 ， 懸 空 使 勁 揮 舞 ，他們 組 成 彷彿 是正在 舉 行大 型 搖滾 音樂會中 瘋 狂 舞動 的 群 眾。藝 評 家 李 查 赫爾 ： 1. 理查德．普林斯《High Times》雜誌 2016年9月封面 HighTimes Magazine Cover September 2016 issue by Richard 2.Prince 威廉．德庫寧《女人II》1952年作 美國 紐約 現代藝術博物館藏 Willem de Kooning, Woman II, 1952, Collection of The Museum of Modern Art, New York, USA 2.1. 59MODERN AND CONTEMPORARY ART

「這些作品 保 留 早 期 塗鴉 的概念基 礎 ， 添 加原始 嬉皮 、 嬉皮 龐 克等次文化，而這個 展覽應 該 命名 為『 節 奏 、 嬉皮 、 龐 克、 嘻哈 、 傳思 』」。《 節 奏 、 嬉皮 、 龐 克、 嘻哈 、 傳思 》畫面在 塗鴉 人物 基 礎 之上， 普林 斯 添 加 狂 歡 、 縱 樂等 青 年次文化 的 派 對 情 節 ， 不 單 表 述 他 長期 關 注 的流行文化， 也 捕 捉 1960 年代「 嬉皮 」走入 1970 年代「 龐 克」 的歷史 時 刻 ，他成 功 的將 迷 幻 的 能 量 轉 化到 了 自 己的藝術創作，在表 述 次文化歷史 片段 同 時 ， 也 暗喻派對迷幻文化對社會的影響。 理 查 德 · 普林 斯 創作 核 心 始 終 從 幽默 帶有 揶揄 的 視角出發， 通 過他 敏 銳 、富 有 表現力的 手 法展示 美國文化的 演繹 。他的創作歷 程 是對美國文化的 批判，從 80 年代 翻 拍 牛 仔 的系列、 2000 年 初 期 流行 小 說封 面的「 護 士」系列、 2014 年「社 交 媒 體 截 圖」系列、直到 2017 年的「 高 峰 期 」系列， 他 都 直 白 的向社會現 象 提出 質 疑 。 瑪 利 亞 · 莫 里 斯 · 漢 姆 博 格 ， 她 曾 說 道 ： 「對於 今 天 的一 切 ， 他 絕 對是個 重 要 人物。他以一種非常 早 熟 的方 式，領 先 於其他人領會到 媒 體如 何 普 遍 滲 入影響 我們的生活， 它 不 只 是我們生活的一個方面，而 是我們生活的主 導 方面。」無 論 是 商 業 廣 告 、流 行文學、社 交 媒 體 平台 這些 媒 體， 或 者 是「 高 峰 期 」中形 塑 派 對文化， 理 查 德 · 普林 斯可 以 說 是 一個對 當 代文化 真 實 紀 錄 者 ， 命名 「 高 峰 期 」的 展覽 除 了象 徵 是藝術家在生 涯晚 期 對自我的 回 溯 的一個 高 峰 時 刻 ， 也 表明他一生 都抱 持 極 度 熱 情 挖掘與批判真相的精神創作。 尚．米榭．巴斯奇亞《冰的融點》1984年作 美國 洛杉磯 布羅德 博物館藏 Jean-Michel Basquiat, MeltingPointofIce, 1984, Collection of The Broad, Los Angeles, USA 60 POLY AUCTION HONG KONG

安，這就是我的包袱。對於完全來自於我自己的創作，感到不[…]但就好像以前繪畫的狀態，我仍然我逐漸開始喜歡創作屬於自己的東西，──理查德 ·普林斯

AS COVER OF THE HIGH TIMES MAGAZINE

As Prince approaches his seventieth year, he takes the graffiti that has been set aside in the past and recreates it with new techniques and technology, symbolising his courageous examination of the past and the reorganisation of his own highlight moments.

HIGHLIGHTS OF RICHARD PRINCE’S CAREER

In 2004, Prince received a copy of an exhibition of paintings by Willam de Kooning curated by the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, in which he added new heads, arms and feet to the figures in the catalogue to 'hippified' de Kooning's female figures, transforming them into a dual gender. "Hippie de Kooning" attracted the interest of the avant-garde American magazine High Times, which invited Prince to create a unique cover in this style for its anniversary to mark the 25th anniversary.

The Wall Street Journal commented, "No one does it like Richard. He changed art practice in the 20th century." His 2018 'High Times' at the Gagosian Gallery was described by the New York Times as one of his best exhibitions ever, "several of the most interesting works of his career, exceptionally rich and self-revealing". He recalls his own graffiti works from the 1980s, enlarging them and using a variety of media such as charcoal, oil, inkjet and collage to create a series of works with a sense of touch and energy, among them, the Beat, Hippie, Punk, Hop, Trance (Lot 10).

Richard Prince's legendary career has drawn much insprations from American popular culture, whether in painting, photography, sculpture, installation or any other medium and attracted much attention and conversation.

HIPPIE GRAFFITI

RICHARD PRINCE HIGH TIMES

The Hippie Graffiti series was inspired in 1998 when he admired his four-year-old daughter's flat, high-colour paintings and graffiti, "I was trying to imitate or channel what my kids were doing, because, you know, I can draw. But what I was interested in was the way they were drawing" he says. The simple, uncontested atmosphere of the graffiti is the kind of tranquillity that hippies aspire to, hence he named it the Hippie Graffiti. The series continued for several years until an exhibition was planned for London in 2000, but for some reason it was cancelled and published as a book.

Prince's BEAT HIPPIE PUNK HOP TRANCE

Created in 2017 was thought to be the most spectacular.

THE OTHERWORLDLY BETWEEN REALISM ｜ IMAGINARY

The style of the painting gradually shifts from psychedelic hippie to rock and roll punk, with the long-haired figures of the past becoming dominated by punk hedgehogs.

At the bottom of the large picture titled Beat, Hippie, Punk, Hop, Trance, are inkjet-printed, enlarged graffiti figures in the shape of 'hippie graffiti' aliens, some of which stand large on the black, depthless surface, while between the figures, several smaller creatures are inserted, making for an extraordinarily cheerful composition. The enlarged digital grids, using the lines of the oil stick and the vivid colours of the acrylics in a confident manner to shape the main body of the painting. They are also partially interlaced with the paper collage, layers and layers of rich texture to reveal the artist's mastery of different mediums.

In 2017 Prince enlarged and arranged the "Hippie de Kooning" on black canvas to form the High Times series, with candy-like bright colours that quickly outline the silhouette and strong contrasting colours that colour the cartoonish figures. The exaggeratedly twisting bodies and dancing limbs exude an air of psychedelic wildness and an extraordinary sense of mental exhilaration. "Mr. Prince has never made anything quite so much fun to look at as the new Princes". Interspersed with paper sketches, the discontinuity of the images creates a transition between the ornate and the rustic, colour and black and white. The transition between the two allows the characters to move between reality and imaginary. "The High Times series is a way for Prince to dig into his own history, to reintroduce a subject that was once relegated to a higher standard to the public eye". The work is not only a dialogue between the artist and his inner spirit, but also an illusionary space that offers the viewer an unprecedented sensory stimulation.

black and white monochrome 'hippie graffiti' has since taken on a psychedelic colours.

In contrast to other works where the figures have their hands dangling in a casual manner, the centrepiece of Beat, Hippie, Punk, Hop, Trance is the protagonist with his rocking hands raised in the air. The hands, originally miniature monochrome graffiti sheets, are stretched several times across the canvas like alien figures in long

"I started to kind of like do my own drawings,[…] But it was's as if I was drawing them. I was still very uncomfortable with the idea of doing things that solely came from me I've always been uncomfortable about that, and that was my bag."

美國 紐約 高古軒畫廊 理查德．普林斯「高峰期」展覽現場 Exhibition view of "High Times" at Gagosian Gallery, New York, USA 63MODERN AND CONTEMPORARY ART

64 POLY AUCTION HONG KONG

Maria Morris Hambourg from New York Metropolitan Museum of Art, asserted, "He is absolutely essential to what's going on today, he figured out before anyone elseand in a very precocious manner-how thoroughly pervasive the media is. It's not just an aspect of our lives, but the dominant aspect of our lives." Whether it is the media of commercial advertising, pop literature, social media platforms, or the shaping of party culture in the exhibition titled High Times, Richard Prince can be described as a chronicler of the reality of contemporary culture, and the exhibition titled High Times not only symbolises a peak moment in the artist's late-career recollection of himself, but also demonstrates his lifelong passion for uncovering and critiquing the truth.

I started to kind of like do my own drawings, […] But it was’s as if I was drawing them. I was still very uncomfortable with the idea of doing things that solely came from me I’ve always been uncomfortable about that, and that was my bag.-Richard Prince sleeves, waving vigorously in the air as they form a mass of people dancing wildly in the midst of a huge rock concert. Art critic Richard Hill comments "These pictures are the remaining vestiges of an earlier concept of the show that would have added a few further subcultures to the original hippies and hippie-punks, and the exhibit would have been subtitled Beat, Hippie, Punk, Hop, Trance. In this piece of work, Prince adds a party feeling to the youth subculture of carnival and indulgence in addition to the graffiti figures, not only expressing his long-standing concern with popular culture, but also captures the historical moment when the 1960s 'hippie' shifting into the 1970s 'punk', where he successfully translates the psychedelic energy into his own artistic creation, expressing a sub-cultural history while also alluding to the impact of the party on society. At the heart of Richard Prince's work is always a humorous and derisive look at the interpretation of American culture through his perceptive and expressive approach. His creative journey always critiqued American culture, from his series of remakes of cowboys in the 1980s, the Nurse series of popular fiction covers in the early 2000s, the 2014 social media screenshot series, to his 2017 series High Times series, where he bluntly questioned social phenomena.

10 RICHARD PRINCE 理查德·普林斯 AMERICAN, B. 1949 亞 洲 頂尖 私 人 收藏 PROPERTY FROM A DISTINGUISHED ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 16,000,000 - 26,000,000 US$ 2,045,100 - 3,323,300 〇 66 POLY AUCTION HONG KONG

節奏，嬉皮，龐克，嘻哈，傳思 2017 年作 油畫棒 壓克力 炭筆 拼貼 印刷畫布（六聯作） 款 識 ： 藝術家 簽名 ； 201 7 " B E A T H i pp ie p un k H o p TRANCE（畫背） 來源 中國 香港 高古軒畫廊 現藏者購自上述來源 展覽 2018年11月1日 12月19日「高峰期」高古軒畫廊 紐約 美國 出版 《理查德．普林斯：高光時刻》高古軒 倫敦 英國 2018 年（圖版，第127-130頁） Beat Hippie Punk Hop Trance Executed in 2017 oil stick, acrylic, charcoal, collage and ink injector on canvas (hexaptych) each: 203 x 149.8 cm. (80 x 59 in.) overall: 203 x 898.8 cm. (80 x 354 in.) signed in artist's signature; dated and titled '2017 "BEAT Hippie punk Hop TRANCE' (on the reverse) PROVENANCE Gagosian Gallery, Hong Kong, China Acquired from the above by the present owner EXHIBITED USA, New York, Gagosian Gallery, High Times , 1 November-19 December, 2018. LITERATURE Richard Prince: High Times, Gagosian, London, UK, 2018 (illustrated, pp. 127-130).

WAYNE THIEBAUD 1960 年代 偉恩 第 伯 著 迷 於 儀 式 感 排 列的 蛋 糕 、 三 明 治 、 糖 果 ， 被稱 為「 加 州 美 食 藝術家」 他 筆 下的日常 食 物、 消費 商 品 貫 穿其創作生 涯 。 1970 年代 開 始 戶 外 風 景畫， 使 他作品 加 入 充 滿 活力的 顏 色與 細 膩 的繪畫 技巧 。到 了 90 年代 末期 俯瞰 河 川 景觀的創作 經 驗 ，讓他 熟 悉 不 同視角的 切換 與 田 野 阡 陌 縱橫 的塊 狀 構 圖。創 造 於 20102011 年的《 禮 物 蛋糕 》 (Lot 11) 集 合每 一個創作 歷 程 的 轉 折 與突 破 ，在 1960 年代 蛋糕幾 何 物 件 排 列的 外型 基 礎 ， 施 以 1970 年代 令 人眼花 撩 亂 的 繽紛 色彩， 最 後是 90 年代多 重 視角，與 縱橫 交錯 的畫面 切割 畫 龍 點 睛 ，將 原本 日常 平 凡 的 甜 點 ， 幻 化為成對形 狀 、色彩、 光線 與視角探索， 視為藝術家對於自我創作歷 程 的 完 美 總結 與 回 顧 ， 堪 稱 生 涯 的「壓 卷 之作」。 甜食的愉悅精神性 得 益 於 威 廉 ．德 庫 寧 的 建議 ，「創作 你 了解並且 喜 歡 的 事 物，而非 你 以為的藝術」。因 此 第 伯 回 歸 探索 三 角形、 圓 形、方形的基 本特 性，將 幾 何 形 狀 組 合 日常生活中 蛋糕 、 餡餅 ， 開 啟 美 食 之 路 。與這些成 堆 排 列的 食 物， 像 徵 美國富 饒 的 環 境 ， 也當時 中 產 階級 的 消費 文化 密 不可 分 。 第 伯 曾 說： 「我是個 被 寵 壞 的 孩子 ， 擁有 美 好 的生 活， 所 以我 只 畫 快 樂的形 象 」。藝術家 利 用 點 心、 甜食 所營造 成 愉 悅 的 精 神性， 渲 染 觀 者 ， 帶 領一同進入他所創建的富裕安樂情境之中。 1970 年代定 居 於 舊 金山 後， 第 伯 開 始 城 市風 景系 列的作品， 運 用鮮 豔 的 顏 色， 呈 現 舊 金山 階梯 式 偉恩· 壓卷之作第伯 禮物蛋糕

WAYNE THIEBAUD 1. 偉恩 第伯 《下十八街》1980年作 美國 華盛頓 赫須巨集博物館藏 Wayne Thiebaud, DownEighteenthStreet, 1980, Collection of Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C., USA 2. 偉恩 第伯《平原河流》（局部）1997年作 美國 舊金山 舊金山現代藝術 博物館藏 Wayne Thiebaud, Flatland River (detail), 1997, Collection of San Francisco Museum of Morden Art, San Francisco, USA 偉恩·第伯 「我總是盡可能嘗試使用各種顏色在畫面不同區 域，使它像是光暈閃亮的光芒或是彩虹的效果。」 城 市 景觀， 戶 外 的自 然 採 光 ，讓他 看 到 光線 照 射 下 產 生的如 菱 鏡 般 彩 虹 光 ， 此 階 段開 始 他的創作 在色彩學上 有重 要 的突 破 。《 禮 物 蛋糕 》 輪廓 是 幼 細 的對 比 色 勾勒 而成的 造 型 ， 被 切 開 的 黃 色 夾 心 蛋糕 上 緣 是 橘 紅 的 交 界線 ，而 橘 紅帶有 花 朵 裝 飾 蛋糕 邊 緣 線 則 是 寶藍 色， 第 伯 運 用對 比 色衝 撞 營造 出一種 具有 能 量 的表現力， 使靜 止 的物體表 面 產 生 真 實的 震 動 ， 像 是一 道 光暈 閃 爍 的 效果 ， 如同他自己 所說 「 光 是 通 過創 造 能 量 的方式 產 生， 通 過 顏 色的 並 置和這些 顏 色的 相互 作用來 產 生」。 第 伯 筆 下的 蛋糕 就 像 神 聖 的標誌， 帶 著自 我發光體，發散出一道道奪目且永恆的光芒。 雙重視角與畫面切割 從未 停 止 自我 挑 戰 的 第 伯 ，於 1990 年 末 其 七 十 歲 之 際 ， 轉 向 研究 河 川 景觀，以 三 角洲 蜿蜒 的 水 道 和 耕 地為基 礎 。他 通 過在 田 野 和 堤壩 上走 動 ， 製 作 研究 草 圖，之後 回 到 工 作 室 根 據 記憶 重新 配 置， 變動 的視角， 打 破 傳統 單 一的透視，進入下 階 段 的 革 新 。《 禮 物 蛋糕 》為 了 展 現 臨 場感 ， 灰 色的 蛋糕櫃 主體是 平 行的視角， 然 後為 了 生 動 2. 1.

霜…和做一個派。畫本身的關係。情。…它不僅僅是一個物件，也是與繪你手拿一個檸檬蛋白派，是很美好的事就像是你在製作蛋白糖——偉恩 ·第伯

呈 現 櫃 中兩 排 蛋糕 的 樣 貌 ， 第 伯 將視 覺 切換 成 往 下的角 度 ， 使 用 不 受空間 時 間 侷 限雙 點 透視 法 ， 建 立 深 度 的 錯 覺 效果 。 河 川 系列 綿延 的 河 流與 田 間 小 徑 相互 交錯 ，將畫面 分 割 成 不 同的色塊，同 時也 反映 在《 禮 物 蛋糕 》， 點 心 櫃 的 垂 直 線條 與 平 行地 平線 將畫面 切割 為塊 狀 面 積 ， 本 該 是 相 同 色彩的 玻璃櫃側 邊與後方， 第 伯 用色彩 區 分 不 同 平 面。《 禮 物 蛋糕 》在多元視角下創 建 更具深 度 空間感，與色塊構圖豐富畫面的層次。 致敬大師 「藝術史對畫家至關 重 要 ， 不 僅 產 生提 供 靈感 ， 同時也是一個指引視覺圖書館。」 未受過正 規 美術 訓練 的 第 伯 ，透過 畢 生藝術 教 學 實 踐 不 斷 地 挖掘 美術史大 師 與其對話。其中 喬 治 · 莫 蘭 迪 是他身 感 敬 佩 的 偶 像 ，「無 論 何 時 在 世界 各地藝術 界 提到 喬 治 · 莫 蘭 迪 ，大家 都 深感 欽佩 與 讚 嘆 。」他透過觀 察 莫 蘭 迪 在 組 合 瓶瓶罐 罐 的過 程 ， 找 到 充 滿活力的 幾 何 圖形，這些置放 在畫 布 中的形 狀 ， 看似平 凡 無 奇 秩序 ， 卻 是 暗 藏 嚴 格精 準 的 細 節 。如 第 伯 所 言 「 測試任 何 不 同的 擺 設可 能 ，是認 真 的藝術家基 本 的 要 求 。」《 禮 物 蛋糕 》的 構 圖 絕 非 偶 然 ， 勢 必 是藝術家對物體 排 列 嘗 試所有可 能 後，自己滿意的成 果 。 有別 於 廣 告 看 板 井 然 有 序 的 排 列， 櫃 子 右 上角 落 缺 少 的 蛋糕 像 是日常 真 實生活的 情 景， 像 是 剛 有 人 買 走 蛋糕 的 瞬 間。為 了使 畫面 不 因為這 區 域的 留 白 而 失 去 重 心，他在 櫃 子 上方 安 插 高 腳 玻璃罩 的 咖啡 色 蛋糕 平 衡 空間。 通 過 蛋糕 間的間 距 與 熟 練 空間 安 排 ，畫面 暗 藏 幾 何 構 成 嚴 謹 的 古 典 規律 ， 揭 示 第 伯 所 嚮 往 的 秩序 ，和對 理 性 古 典 柏 拉 圖式美學 的嚮往。 除 了 在 選 材為 第 伯 點 了 盞 明 燈 ， 威 廉 ．德 庫 寧 在畫 布 上自由地 扭 動 ， 奔 放的流 線 筆法 ， 也 讓 第 1. 喬治 莫蘭迪《靜物》1946年作 英國 倫敦 泰特現代藝術館藏 Giorgio Morandi, Still Life, 1946, Collection of Tate Modern, London, 2.UK威廉．德庫寧《誰的名字寫在水裏》1975年作 Willem de Kooning, Whose Name Was Writ in Water, 1975 1.2. 73MODERN AND CONTEMPORARY ART

伯佩 服， 深深 影響他創作的 筆 觸 。 旋 轉 筆 刷 創 造 蛋糕 上 奶 油 和 糖霜 的流 動柔 滑 ， 像 是 液 態的 質 地， 第 伯 用 厚 塗 的 油 彩， 刻 意 增稠 顏 料 的 製 造 誇 張的 浮雕 肌 理 ， 模 擬 真 實 奶 油 的 質 地，「 油 畫 看 起來像蛋白糖霜」，展現生動活潑質感。 2010年繼往開來之際 2010 對 偉恩 · 第 伯 是 巨 變 的一年， 長期 兼任 其 經 紀 人的 兒 子 保 羅 因 癌症 中 壯 年 離 世 ， 不 僅 忍 受 白 髮 人 送 黑 髮 人之 悲 痛 ，家 庭 與 工 作 節 奏 皆 天 翻 地 覆 。 旋 即， 數 個 月 後 迎 來 首 次在其家 鄉 克 洛 克美 術 館 的 重 要 回 顧 展 ，「 能 在自己的家 鄉 做 展覽 ， 是 再 美 好 不 過的 事 」。他自己 精 心 挑 選 不 同 階 段 的代表作 陳 列， 橫 跨 50 年代至 最 新 作品。方 經 歷生 離死 別 對生活 重新 省 視， 百 感 交集 之 際 ，面 來說總是充滿詩意。在一旁。這些斷斷續續的片段場景對我餅，我記得看到過一排排餡餅，或是一罐餡只要當中一個片段。當我在餐廳工作時，裡點燈的方式，餡餅擺放的位置，但我如說，我會真的想起麵包房的櫃檯，那大多數物品都是實際生活中的片段。比其中一塊掉了出來，另外一塊則放──偉恩 ·第伯 對這個 重 要 展覽 ，提 供 他自我 梳 理 藝術生 涯 之 契 機 ，《 禮 物 蛋糕 》即是在 此 時 期 完 成。一生創作 無 數 甜 點 作品的 第 伯 ， 僅 在 60 年代、 90 年代、 2010 年創作為 數 不 多 蛋糕櫃 ，而 且 只 有 《 禮 物 蛋 糕 》是 垂 直 構 圖。 查閱 目 前 公 開拍賣紀 錄 ， 也 僅 有 兩 件 櫥窗 式 甜 點 櫃 拍賣 過，其中一 件 為 本 次上 拍 品， 也 是 拍賣 當 年藝術家 紀 錄 。而 另 件 則 是 創作於 1962 年的《 點 心 櫃 檯 》，如 果 對 比 兩 件 作 品無 論 是色彩的豐富 度 、 筆 觸 的 細 膩 和 質 地的表 現 都 清晰 可見 其突 破 ，《 禮 物 蛋糕 》 可 以 說 是在 《 點 心 櫃 檯 》 構 圖基 礎 ， 再 將其一生繪畫成 果 與 風格演變集大成之作。 偉恩 第伯《點心櫃檯》1962年作 Wayne Thiebaud, BakeryCounter, 1962 75MODERN AND CONTEMPORARY ART

Wayne Thiebaud was obsessed with ritualistic arrangements of cakes, sandwiches and sweets in the 1960s. He was known as "the hungriest artist in California." His work frequently depicts commonly seen food and consumer goods. He began painting outdoor landscapes in the 1970s, adding vibrant colours and delicate painting techniques to his work. The creative experience of him studying and overlooking river landscapes in the 1990s allowed him to familiarize with switching different perspectives, and the block-like composition of vertical and horizontal views. Created from 2010-2011, Encased Cakes (Lot 11) brings together the twists and turns of each creative process, on the basis of geometric arrangement of cakes in the 1960s, the dazzling colours of the 1970s, and finally the multiperspectives of the 1990s, interlocking cuts of the picture have been applied. It is a perfect summarization and retrospective of the artist's creative journey and can be considered as a "masterpiece" of his career.

THE DELIGHTFUL SPIRITUALITY OF SWEETS

It is thanks to Willem de Kooning's advice to "do something you know something about, that you are particularly fond of. Don't try to make painting that look like art". Thiebaud therefore returns to explore the basic characteristics of triangles, circles, and squares, combining these geometric shapes with cakes and pies commonly seen in daily life, thus opening doors to the artist's culinary journey in art. These piles of food symbolize the richness of the American culture and the middle-class consumer culture at the time. Thiebaud once said, "I was a spoiled child. I had a great life, so the only thing I can do is to paint happy pictures." The artist leverages the spirituality of pleasure created by refreshments and sweets to render the audiences and lead them into the affluent and happy environment he created. I always try to get some of each colour in as many different area of the picture as I can, so there is a kind of aura, almost like sunshine or the rainbow effect.-Wayne Thiebaud

76 POLY AUCTION HONG KONG

ENCASED CAKES

The application of contrasting colours clashes to create an energetic expression to create momentum to a stationary object, much like the surface of the cake is emanating itself. As the artist says, "the light is created by creating energy, by the juxtaposition of colours and the interaction of those colours to create light". The cakes Thiebaud creates are like sacred symbols, with self-luminous bodies, emitting dazzling and eternal light.

CUTTING Thiebaud never stopped challenging himself. In late 1990, at the age of seventy, he turned to the Sacramento River landscape for inspiration, taking the meandering waterways and cultivated lands of the delta as the objects. By wondering on the fields and dams, he then sketched and returned to the studio to reconfigure them from memory. This allowed him to move to the next level of innovation with changing perspectives, breaking away from the traditional monolithic perspective. In order to present a sense of presence, the main body of the present work uses the gray cake cupboard in parallel perspective. Then, in order to vividly present the appearance of the two rows of cakes within the counter, Thiebaud paints the cake at an angle such that the viewer is peering down at the showcase. This method allows the composition to have an illusion of depth. The intersection of the rolling rivers and paths in the river series, dividing the picture into different colour blocks is also reflected in Encased Cakes. The vertical and horizontal lines of the bakery counter cut the picture into different blocks. The side and back glasses of the counter are divided in different planes and different colours to further reinforce the notion of using colour blocks by the

DUAL PERSPECTIVES AND PAINTING SPACE

The natural outdoor lighting and hilly scenery of the city allowed him to see the iridescent light, much like a diamond reflecting. At this stage, he began to make important breakthroughs on depicting colour scenes. We can clearly see the artist's use of contrasting colours to create shape and dimension. For example, the cake with a sliced piece uses orange lines and the cake with the flower decoration uses blue lines to respectively create a contrast.

1. 1962年偉恩 第伯在紐約個展上的照片 A photo of Wayne Thiebaud in 1962 at his New York Solo Exhibition 2. 偉恩 第伯《餡餅 餡餅 餡餅》1961年作 美國 薩克拉門托 克洛克美術館藏 Wayne Thiebaud, Pies, Pies, Pies, 1961, Collection of Crocker Art Museum, Sacramento, USA 3. 偉恩 第伯《紐約客》封面 2020年8月17日 The New Yorker Cover by Wayne Thiebaud, 17 August 2020 1.2.3. 77MODERN AND CONTEMPORARY ART

COLOURS AND LIGHTS

In the 1970s, Thiebaud settled in San Francisco and began his series of urban landscapes, using bright colours to represent the cascade cityscape of his new home.

With no formal art training, Thiebaud has spent his whole life teaching art, continuously digging art history masters and talk with them. Among them is Giorgio Morandi, whom he admires personally and profoundly: "Whenever Giorgio Morandi's name is mentioned in the community of painters throughout the world, deep admiration and stunning tributes are expressed." By observing Morandi's process of assembling bottles and jars, he finds vibrant geometric shapes that are placed on canvas in a seemingly mundane order, but which conceal a strict precision of detail. As Thiebaud says, "This testing out different set ups is one of very basic needs of any serious artist." Encased Cakes is by no means accidental but must be the result of the artist's own satisfaction after trying out all the possibilities for the arrangement of objects. Unlike the wellregulated pie order of the advertising board, the missing cake in the upper right corner of the counter indicates a real-life scene, as if someone had just bought the cake. To prevent the whole picture from losing balance because of the white space in this area, he placed a coffee-coloured cake with tall glass covers above the counter to create balance. Through the spacing between the cakes and the skillful spatial arrangement, the work conceals the strict classical rules of geometric composition, revealing the order that Thiebaud aspires to and the desire for a rational classical-Platonic aesthetic.

78 POLY AUCTION HONG KONG

2010: A TIME TO MOVE ON The year 2010 was a year of great change for Wayne Thiebaud. His son Paul, who was also his manager passed away due to cancer. This untimely farewell not only buried him with great pain but impacted him to reconsider his personal and professional life. Immediately a few months after the event, he was set to present his first major retrospective at the Crocker Art Museum in his 1. 2.

SALUTE TO MASTERS

artist. Encased Cakes creates a sense of depth and space with multiple perspectives, and the composition of colour blocks enriches the layers of the picture.

In addition to the inspiration on the choice of materials, Willem de Kooning's free-flowing brushwork with twists and turns also impressed Thiebaud and deeply influenced his brushwork. The rotating brushes create a smooth flow of cream and frosting on the cake, like a liquid texture. With thickly applied oil paint, Thiebaud deliberately thickens the paint to create exaggerated relief texture, simulating the texture of real cream. He skillfully makes "the oil paint look like meringue", and successfully presents a sense of vividness and texture.

"You take a lemon meringue pie. It's quite a beautiful thing. . . . It's more than just a subject, it's also a kind of relationship to the paint itself. You really feel like you're sort of making the meringue and . . . working with the pie."

-Wayne Thiebaud

-Wayne Thiebaud

"That's why art history is so crucially important to painter. It's not just our inspiration but our guidepost and our visual library."

hometown. The artist stressed that "It's wonderful to do things in your own hometown". He himself has carefully selected masterpieces from different stages of his career, spanning from the 1950s to his most recent works. After the loss of his son, he started to reevaluate his life, facing this important exhibition provided him to sort out where he stood in terms of his artistic career, and Encased Cakes was created during this special period. After a lifetime of creating numerous paintings featuring desserts, Thiebaud created only a few cake counters in the 1960s, 1990s, and 2010. Amongst these paintings, Encased Cakes is the only painting with vertical composition. Only two pieces featuring window bakery counters have ever been sold in public auctions, one of which is the present lot on auction this time, which was also the artist's record sold price for that year. The other one is the Bakery Counter created in 1962. By comparing the two works, the viewer can clearly see the progress and breakthrough of the artist in terms of the richness of colour, the delicacy of brushwork, and the expression of texture. Encased Cakes can be said to be a masterpiece that builds on the composition of the Bakery Counter, which brings together his lifelong achievements and stylistic volution. Most of the objects are fragments of actual experience. For instance, I would really think of the bakery counter, of the way the counter was lit, where the pies were placed, but I wanted just a piece of the experience. From when I worked in restaurants, I can remember seeing rows of pies, or a tin of pie with one piece out of it and one pie sitting beside it. Those little intermittent fragmented circumstances were always poetic to me. -

1. 威廉．德庫寧《哥譚新聞》1955年作 美國 紐約 Albright-Knox 美術館藏 Willem de Kooning, Gotham News, 1955, Collection of Albright-Knox Art Gallery, New York, USA 2. 偉恩 第伯《蜿蜒的河流》2002年作 富藝斯 紐約 2021年6月 23日 成交價：9,809,000 美元 Wayne Thiebaud, WindingRiver, 2002, Phillips New York, 23 June 2021, Sold for USD 9,809,000 79MODERN AND CONTEMPORARY ART

Wayne Thiebaud

11 WAYNE THIEBAUD 偉恩·第伯  AMERICAN, 1920-2021 禮物蛋糕 2010 2011 年作 油彩 畫布 款識：Thiebaud 2010/2011（畫背） 來源 2011年直接得自於藝術家本人 蘇富比 紐約 2019年11月14日 編號30 現藏者購自上述拍賣 Encased Cakes Painted in 2010-2011 oil on 182.9canvasx121.9 cm. (72 x 48 in.) signed and dated 'Thiebaud 2010/2011' (on the reverse) PROVENANCE Acquired directly from the artist in 2011 Sotheby's New York, 14 November 2019, Lot 30 Acquired from the above sale by the present owner 亞 洲 頂尖 私 人 收藏 PROPERTY FROM A DISTINGUISHED ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 60,000,000 - 86,000,000 US$ 7,669,000 - 10,992,300 〇 80 POLY AUCTION HONG KONG

81MODERN AND CONTEMPORARY ART

無眼簾

70 後出生的 青 壯 輩 當 代藝術家，來自 羅 馬 尼亞 的 亞 德 里 安 格 尼 ， 他 可說 是從學術到 收藏市場 ，得到 雙 重 認 可 ， 備 受 讚 譽 的 新 一代藝 壇巨星。 這一幅《無眼簾》(Lot 12) 作品，是格尼的自畫像，也是迄今出現在 收藏市場 上， 尺幅最 大的藝術家自畫 像 之一，明 顯看 到 格 尼承 襲 自 梵谷 的 精 神。 梵谷 這位後 印 象 派 的 宗 師 啟 迪了 無 數 後 輩 ， 格 尼 無 疑 是其中的佼佼者。 肖像畫─映射歷史、觀照自身 約 略 從 2009 年 開 始 ， 格 尼 開 啟 了 一系列人物 肖 像 的 研究 ，他透過 研 究 在各個 時 期 ， 不 同領域 深具 影響力的人物，探 究 人們 內 心的 集 體 記憶 ， 包 括 藝術家 梵谷 、 杜 尚， 科 學家達 爾 文， 歌 星 貓 王 與 喜 劇 雙 人 組 勞 萊 與 哈 台 ， 也包 括 含 列 寧 、 希 特 勒 、史達 林 等 備 受 爭 議 的 政 治 人物，而 梵谷 ， 則 是其中 唯 一的畫家， 更 是影響 少 年 格 尼 最 深 刻 的人物。 梵谷啟迪創作巔峰 格 尼 2014 年的作品《 1937 年的 太 陽 花》，即是向 梵谷 的《向日 葵 》 致敬 ， 此 作 2016 年 2 月 上 拍 倫敦 蘇 富 比 ， 估 價 40 萬 英 鎊 ，以 迅 猛 之 姿 飆 向 265 萬 英 鎊 落 槌 ， 當時 創下 了 藝術家作品 拍賣紀 錄 ， 格 尼 更 從 此 在 收藏市場 廣 為人 知 。這 幅 《無眼 簾 》， 格 尼 即是從 2016 年這一年 開 始 創作，他在這一年 聲 名 鵲 起，各 界讚 譽 與 質 疑 的 目 光 ADRIAN GHENIE 亞德里安 宏觀視角書寫文明進程格尼格尼會研究名人的生平，再仔細分析當今留存下來的文本與圖像資料，最後在他自己創作的肖像畫與自畫像，拋卻先前的所有研究，進行全面的改頭換面和身份轉移。──詹姆斯 ·霍爾 1. 文森特 梵谷《自畫像》1889 年作 法國 巴黎 奧塞美術館藏 Vincent van Gogh, Self Portrait, 1889, Collection of Musée d'Orsay, Paris, France 2. 亞德里安 格尼《仿梵谷自畫 像》2012年作 Adrian Ghenie, Self-Portrait as VincentvanGogh, 2012 1.2. 83MODERN AND CONTEMPORARY ART

同 時 投 射 到這位 剛 滿 四 十 歲 的藝術家， 但格 尼 不 為 所動 ，他 依舊 畫 梵谷 ，畫自己 要 承 載梵谷 的 精 神。而 持 續 兩年作畫的《無眼 簾 》作品，即是這 時期的精采之作。 從肖像到自畫像：歷史與當下 梵谷 ，他是 格 尼 的心 靈 導 師 ， 格 尼 研究 梵谷 ，描 繪 梵谷 ， 梵谷 敏 感 纖 細 的 情感 卻 又 狂 放的 筆 觸 ， 深深 撼 動格 尼 。來自 羅 馬 尼亞 的 格 尼 ， 並不 屬 於 藝術大國，他的創作生 涯 ， 經 歷過 破產 、 經營不 善 ，從無人 理 會到一 舉 成 名 天 下 知 ， 可 以 說格 尼 的 早 期 創作生 涯 ，與 梵谷 的人生 際 遇 ， 有 著 異 曲 同 工 之 妙 ，他對於 梵谷 內 心的 世界更 能 感 同 深 受，他透過多 幅研究 梵谷 的繪畫， 折射 出 格 尼 對 藝術的理解與對當代世界的觀察。 與 許 多 長 成於物 質 貧乏 童 年的藝術家 相 同， 格 尼 的成 長環境 缺 乏 藝術 書 籍 ， 但 他 小 時 候 讀 過一 篇 雜 誌文章《文 森 梵谷 的 悲劇 人生》， 封 面是 梵 谷 《向日 葵 》， 內頁 有 著 藏 於巴 黎奧塞 美術 館 的 梵谷 自畫 像（ 1889 年創作 ） 黑 白 照 片 。到 了 1998 年， 格 尼 第 一次 踏 進 奧塞 美術 館 ， 凝 視著這 幅梵谷自畫像，然後到了2016-2018年，他把這幅 自畫像，轉化為他自身的肖像。 宏觀視角書寫文明進程 在 千禧 年後的創作 時 期 ， 格 尼 不 斷 的將自己的面 容，與推進人類 或 是 毀 滅 人類文明的歷史人物形 象結合 交 融 。歷史學家與藝 評 人 詹 姆 斯 霍 爾 曾 經 撰 文 ： 「 格 尼 會 研究 名 人的生 平 ， 再仔細 分 析 當 今 留 存 下來的文 本 與圖 像 資 料 ， 最 後在他自己 創作的 肖 像 畫與自畫 像 ， 拋 卻先 前 的 所有 研究 ， 進行全面的 改 頭 換 面和身份 轉 移 。」 （ 詹 姆 斯 霍 爾 「 亞 德 里 安 格 尼 ： 失 控 之 鏡裡 的自畫 像 」，《 亞 德 里 安 格 尼 ： 最 新 畫作》 展覽 圖 錄 ， 倫敦 Thaddaeus Ropac 畫 廊 ， 2015 年 ） 。 1. 2. 84 POLY AUCTION HONG KONG

格 尼 的《無眼 簾 》， 恰恰 正是 霍 爾 的 解 析 。生活 在 二 戰 後 百 廢 待 舉 的 羅 馬 尼亞 ，從 政 治 、社會到 民 生 經濟 ， 不 同體制 變 革 下的 環境 ， 格 尼 他 回 顧 過 往 尋覓歷史的 蛛 絲 馬 跡 ，透過一 幅 又 幅 的繪 畫，探究人性。 實現遠大企圖的終極自畫像 這 幅 畫，我們 可 以 看 到從 梵谷 到 格 尼 的形 象 ，面 部 容 顏 透過一 層層 顏 料 的 堆疊 厚 塗 ，以 培 根式的 漩渦 技 法 ， 李 希 特 式的 刮刀 筆 觸 ， 獨 創出 格 尼 這 件 ， 彷彿 以一 片片碎片 合 組 而成的 臉 龐 ， 每 抺 色塊 碎片 宛 如 每 段 的 記憶 ， 集 結 而成 了格 尼 的 思 想。面容 雖 然 無 法 辨 認， 但格 尼 總 是 梳 得 有條 不 紊 的 髮 型 以及下 頜 蓄 鬍 ， 可 確 認畫中主角 就 是 格尼。 面 部 形 象 模 糊 的這 幅 畫， 揭 示 了 少 年 格 尼 到中年 格 尼 的創作 路 。 梵谷 是 格 尼 的 精 神 導 師 ， 培 根與 李 希 特 ， 則 無 疑 影響 了格 尼 的 技 法 ， 不 同 時 空的 幾 位藝術大 師 ， 彷彿 在 格 尼 的畫 布 上 相互 衝 擊 對 話， 格 尼 從中 汲 取 養 分 ， 開 創出自身的 獨 特 藝術 語 言 。這 幅 以 梵谷 生 涯晚 年形 象 創作的自畫 像 ， 正是 格 尼 與藝術史對話， 投 射 自身到 當 代 世界 的 重 要 關 鍵 作品。從 2016 年 開 始 創作，到 2018 年 收 筆 的 格 尼 自畫 像 ，無 疑 是他與 梵谷 精 神 契 合 的 完 美 收 官 之作 ： 既 是 格 尼 的自畫 像 ， 也 是 梵谷 的 肖 像 。 1. 安迪 沃霍爾《自畫像》1986年作 蘇富比 紐約 2022年5月16 日 成交價：18,708,500 美元 Andy Warhol, Self Portrait, 1986, Sotheby's New York, 16 May 2022, Sold for USD 18,708,500 2. 亞 德 里 安 格 尼 《 1937 年的 太 陽 花》 2014 年作 蘇 富 比 倫敦 2016年2月10日 成交價：3,117,000英鎊 Adrian Ghenie, The Sunflowers in 1937, 2014, Sotheby's London, 10 February 2016, Sold for GBP 3,117,000

ADRIAN DEPICTINGGHENIE THE PROGRESS OF CIVILISATION FROM A MACRO PERSPECTIVE 86 POLY AUCTION HONG KONG

FROM PORTRAIT TO SELF-PORTRAIT: THE PAST AND THE PRESENT To Ghenie, van Gogh was a spiritual mentor whom he studied religiously. He was touched by his sensitive and delicate yet wild brushstrokes. Ghenie is from Romania, which is not a country known for art. His creative career has been marked by bankruptcy and poor business practices but with perseverance he managed to gain global fame. His early career echoes that of van Gogh's life, enabling him to relate to the inner world of van Gogh. His understanding of art and observations of the contemporary world are reflected in his many paintings centered on van Gogh. He researches their lives, studying them meticulously in text and image, then finally, in his own portraits and self-portraits, he jettisons his research, and enacts a brutal kind of makeover and identity theft. Hall

The Sunflowers in 1937 created by Ghenie in 2014 is obviously a tribute to van Gogh's Sunflowers. It was on auction at Sotheby's London in February 2016 with an estimated price of GBP 400,000 and went on to hammer at £2.65 million, a record for the artist's work at the time, making Ghenie a well-known name in the collector's market ever since. The artist created the present work in 2016, which was the year he rose to fame. He had just turned forty and was still unmoved with both accolades and doubts directed at him. He still paints van Gogh with the aim to carry on the spirit of him. He continued to work on this work for two years, making Lidless Eye one of the highlights of this period.

Lidless Eye (Lot 12) is a self-portrait of Ghenie and is one of the largest self-portraits by the artist to appear on the market to date. The work is a clear tribute to and also influenced by Vincent van Gogh, the master of PostImpressionism. Van Gogh inspired many of his successors, and of whom Ghenie was undoubtedly one of the artists who was greatly influenced by van Gogh.

PEAK OF ARTISTIC CREATION INSPIRED BY VAN GOGH

A young contemporary artist born in the late 1970s, Adrian Ghenie from Romania is a highly acclaimed star of the new generation who received acclamation from the academics to art collectors.

- James

PORTRAITS – REFLECTION OF HISTORY, OBSERVATION OF ONESELF

亞德里安 格尼《老文森》2016年作 Adrian Ghenie, Vincent as Old, 2016 87MODERN AND CONTEMPORARY ART

Ghenie started a series of portraits around 2009. He explored the collective memory of people through the study of influential artists from various periods and fields, including artists like van Gogh and Duchamp, the scientist Darwin, the singer Elvis Presley and the comedy duo Laurel and Hardy, as well as controversial political figures such as Lenin, Hitler and Stalin, of whom van Gogh is the only painter and the person that casted great influence on Ghenie.

In the post-millennium period, Ghenie has continued to combine his own face with images of historical figures that have either advanced or destroyed human civilisation. The historian and art critic James Hall has written: "He researches their lives, studying them meticulously in text and image, then finally, in his own portraits and selfportraits, he jettisons his research, and enacts a brutal kind of makeover and identity theft' (J. Hall, 'Adrian Ghenie: Self-Portrait in a Convulsive Mirror', in Adrian Ghenie: New Paintings, exh. cat., Galerie Thaddaeus Ropac, London, 2015). Lidless Eye, a self-portrait by Ghenie proves Hall's interpretation. Living in post-World War II Romania, in which the political, social and economic environments undergone profound changes, Ghenie looks back for signals in the history and explores human nature through painting after painting.

ULTIMATE SELF-PORTRAIT EMBODIES A FARREACHING AMBITION

DEPICTING THE PROGRESS OF CIVILISATION FROM A MACRO PERSPECTIVE

Like many artists who grew up in a materially deprived childhood, Ghenie grew up with a lack of art books. However, he read a magazine article as a child titled The Tragic Life of Vincent van Gogh, with van Gogh's The Sunflowers on the cover and a black and white photograph of van Gogh's Self-Portrait (1889) collected by the Musée d'Orsay, Paris on the inside. By the year 1998, Ghenie set foot in the Musée d'Orsay for the first time to gaze at this self-portrait of van Gogh, which he then transformed into his own portrait in 2016-2018.

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In this painting, we can see the image of Ghenie in van Gogh. The face of the artist is covered in thick layers of paint, with the swirling technique of Bacon and scraper strokes of Richter, creating a Ghenie style. The face seems to be formed from fragments, each dash of colour is like a piece of memory, which is gathered to form the unique philosophy of Ghenie. Although the face is hard to recognize, the way Ghenie's hair is always combed and the way he wears his moustache on his chin are hints for the viewer to identify him as the subject matter. The blurry face depicted in this painting reveals the path of artistic maturity of the artist. Van Gogh is the spiritual mentor, while Bacon and Richter undoubtedly influenced Ghenie's techniques. It is as if these masters of different times were in dialogue with each other on his canvas. By learning from them, Ghenie creates his own unique artistic language. The artist's self-portrait, taking van Gogh's self-portrait in the late years as the prototype, is a masterpiece showcasing Ghenie's dialogue with art history and projection of himself into the contemporary world. Begun in 2016 and completed in 2018, this self-portrait is undoubtedly the perfect expression to his spiritual accord with van Gogh: a self-portrait of Ghenie and a portrait of van Gogh.

LIDLESS EYE

12 ADRIAN GHENIE 亞德里安·格尼 ROMANIAN, B. 1977 無眼簾 2016-2018 年作 油彩 畫布 款識：Ghenie 2016-2018（畫背） 來源 直接得自於藝術家 私人收藏 國際私人收藏 蘇富比 香港 2020年10月6日 編號1123 現藏者購自上述拍賣 出版 《 亞 德 里 安 格 尼 畫作 201 4 年 201 9 年》 H a t j e Cantz 柏林 德國 2019年（圖版，第183頁） Lidless Eye Painted in 2016-2018 oil on 180.4canvasx149.8 cm. (71 x 59 in.) signed and dated 'Ghenie 2016-2018' (on the reverse) PROVENANCE Acquired directly from the artist Private Collection Private Collection, International Collector Sotheby's Hong Kong, 6 October 2020, Lot 1123 Acquired from the above sale by the present owner LITERATURE Adrian Ghenie-Paintings 2014-2019 , Hatje Cantz, Berlin, Germany, 2019 (illustrated, p. 183). 亞 洲 頂尖 私 人 收藏 PROPERTY FROM A DISTINGUISHED ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 50,000,000 - 75,000,000 US$ 6,390,900 - 9,586,300 〇 90 POLY AUCTION HONG KONG

91MODERN AND CONTEMPORARY ART

的邏輯性。語言，但在繪畫的節奏上有著自己它既否定了敘事性，又否定了繪畫曾梵志的繪畫核心在於筆觸運動，──黃篤

曾梵志在中國當代藝術家之中，無論是成就或是藝 術性都是相當突出和獨特的，他對於中國當代藝術 的發展更是深刻地留下個人的印記。從他的創作可 以看到藝術家從文化大革命開始，中國社會在高速 發展下，各種人性的渲染、觀察和體驗。這其中包 括了藝術家日常的經驗，也包括了生活的記憶和心 境 的 轉 變 。 2001 年以 降 ， 曾 梵 志 畫中人 像 逐 漸 卸 下面具，他藉由德國表現主義的手法和敏銳的色彩 感覺，將符號化的特徵轉為表象，迎來了個人創作 的 萌芽 和 持 續 發 展 。 2002 年他 開 始 著 手 「我們」 系列，畫面充斥著非邏輯的偶然性自動筆觸，將繪 畫的節奏提升至嶄新的語境。 受到「 亂 筆 」系列的影響， 曾 梵 志 重新 定義自己 的創作方向及 風格 ，源自中國 書 法 狂 妄 不 羈 的 草 書特質 ， 有 著 另 類的力 量 感 和色彩 魅 力，音樂 般 ZENG FANZHI 自畫像曾梵志 的 韻 律 性、 奔 放的自 動 性 筆 觸 和 獨 特 的 構 圖讓他 建 立起 新 的體系。藝 評 家 呂澎 說 過 ： 「他 ［ 曾 梵 志 ］ 決 定放 棄 從他 熟 悉 的西方藝術中尋 求轉 型 的 可 能 性，他 似 乎 想從中國 傳統 山水 畫中 去 尋 找 個 新 的、與自己 吻 合 的 氣 質 。他在畫 布 上進行 理 性的實 驗 ，他 通 過 手 夾 兩 枝 畫 筆 的方 法 ，在畫 布 上 塗 抹 自由的 線條 ，這 顯 然回 到 了 早 年的 偶 然 性。 可 是，正是 線條 的無 序 纏繞 ， 使 畫家 徹 底 地 擺 脫了 西方化的表現主義的 殘 酷 與 粗 野 ，而 接 受 了 他身 處 的文明 賦 予 的溫 情 與 內 向。」《我們系 列．自畫 像 》 (Lot 13) 泛 紅 的 肌 膚 延續 了 藝術家一 向的創作 核 心， 極 度 放大的 構 圖 強 化 了 自畫 像 的 強烈 心 境 ， 炯炯 有 神的 雙 眸 直視著 前 方， 靜 謐 且 面無表 情 的 五 官既威嚴 又彷彿帶 著無 言 的 思 緒 ， 讓觀者不經意間被吸入那波濤洶湧的情緒之中。 曾 梵 志 在 具象 繪畫的基 礎 上， 採 用 了 一種源自於 行 動 繪畫的創作過 程 ，這 使 得「我們」系列在 技 法 上 遊 走於 抽 象 與 具象 之間， 也 讓觀 者 得以一 窺 藝術家 孜孜 不 倦 追求 突 破 的 決 心。 抽 象 繪畫的創 作 可 以 說 是一種直視藝術家 內 心的方式， 有時情 緒 非常直 白 ， 寧 靜 憂 鬱 的 藍 色 平 塗或 者 是 激 揚的 紅 色大 筆 觸 都能展 現藝術家的心 緒 。 然 而《我們 系列．自畫 像 》中如 此反 覆 旋 轉 的自 動 化 筆 觸 令 人 不 禁 聯想到 塞 托 姆 布 雷 的自 動 繪畫， 既 是 曾 梵 志 在自畫 像 上為 了 自我 保 護 的一 層 知 性面 紗 ， 亦 是一種 喃喃 自 語 式的 情 緒 釋 放，在鮮 紅 的 肉 色 映 照 下， 既 抒 情又 保 有 一種 刺 激 的 暴 露 感 。 猶 如 藝 評 家 黃 篤 所 言 ： 「 曾 梵 志 的繪畫 核 心在於 筆 觸 運動 ， 它 既 否 定 了 敘事 性， 又 否 定 了 繪畫 語 言 ， 但 在繪畫的 節 奏 上 有 著自己的 邏輯 性。」如 此 恢 弘 尺幅 的自畫 像 ， 就 好 比 藝術家在 揭 示 場安靜 的 獨 白 ， 唱 著自己 內 心的 歌 ，在畫面上 泛 起 了 回 憶 的 漣漪 ，讓 曾 梵 志 在創作的 漫漫 路 途 上進入 了 內省的至高層次。 法蘭西斯 培根《自畫像》1971年作 法國 巴黎 龐比度中心藏 Francis Bacon, Self-portrait, 1971, Collection of Centre Pompidou, Paris, France 93MODERN AND CONTEMPORARY ART

The core of Zeng Fanzhi’s painting lies in the movement of the brush, which denies both narrative and painting language, but has its own logic in the rhythm of the painting.-HuangDu

SELFFANZHIPORTRAIT

Zeng Fanzhi is one of the most prominent and unique contemporary Chinese artists, both in terms of his achievements and artistry. He has left a profound personal mark on the development of Chinese contemporary art. From his works, we can find the artist's rendering, observation and experience of human nature starting from the rapid development of Chinese society to the Cultural Revolution onwards. Since 2001, Zeng Fanzhi's portraits have gradually been stripped off their masks. Thanks to the influence of German Expressionism and a keen sense of colour, the artist transforms symbolic features into representations, ushering in the budding and continuous development of his own artistic creation. He started the creation of We series in 2002. The series is full of illogical, accidental and automatic brushstrokes that elevate the rhythm of painting to a new context. Influenced by the Luan Bi or Abstract Landscape series, Zeng Fanzhi redefined the direction and style of his works. Derived from the wild and unruly qualities from the cursive scripts of Chinese calligraphy, the spontaneous and automatic strokes and unique compositions allowed him to establish a new system with an unusual sense of power, colour and musical rhythm. As commented by the art critic Lu Peng, "He [Zeng Fanzhi] decided to abandon the possibility of transformation from the Western art ZENG

On the basis of figurative painting, Zeng Fanzhi adopted the creative process derived from Action Painting, which allows works from the We series to move between abstraction and figuration in terms of technique. It is also a testament to the artist's determination to pursue breakthroughs in his work. The creation of abstract painting can be said to be a way to look directly into the artist's heart, sometimes with a straightforward emotion. From the melancholy flat colouring of blue to the aggressive red brushstrokes.

However, in We Series: Self-Portrait, the automatic brushstrokes are so repetitive and swirling that one cannot help but think of Cy Twombly's automatic drawing. This is both a veil of self-protection and a mumbling release of emotion in Zeng Fanzhi's self-portraits, which are lyrical yet retain an exciting sense of exposure against the bright red flesh tones. As art critic Huang Du says, "The core of Zeng Fanzhi's painting lies in the movement of the brush, which denies both narrative and painting language, but has its own logic in the rhythm of the painting". A self-portrait of this magnificent size is like the artist revealing a quiet monologue, singing a song from his heart, creating ripples of memory on the surface of the painting, allowing Zeng Fanzhi to enter the highest level of introspection on his long journey of art creation.

塞 托 姆 布 雷 《無 題（ 紐約 市） 》 1968 年作 蘇 富 比 紐約 2015 年11月11日 成交價：70,530,000美元 Cy Twombly, Untitled(NewYorkCity), 1968, Sotheby's New York, 11 November 2015, Sold for USD 70,530,000 95MODERN AND CONTEMPORARY ART

In We Series: Self-Portrait (Lot 13), the red skin tone inherits the core of the artist's work. The extremely enlarged composition reinforces the intense mood of the self-portrait, with the gleaming eyes looking straight ahead, and the quiet, expressionless features giving the audience both majestic and seemingly speechless feeling, allowing the viewer to be drawn into the turbulent and passionate emotions.

he was familiar with, and attempted to find a new, selfconsistent temperament in traditional Chinese landscape painting. He experimented with rationality on canvas with the application of free lines to the canvas by clasping two brushes in his hand, a clear return to the serendipity of his early years. However, it is the disorderly entanglement of the lines that allows the artist to radically break away from the cruelty and brutality of Westernised expressionism and embrace the warmth and inwardness of the civilisation in which he lives."

13 ZENG FANZHI 曾梵志  CHINESE, B. 1964 我們系列·自畫像 2002 年作 油彩 畫布 款識：2002 Zeng Fanzhi（右下） 來源 佳士得 香港 2011年11月27日 編號 1407 現藏者購自上述拍賣 展覽 200 3 年 3月8- 1 5 日「我和我們 ： 曾 梵 志 的繪畫 1 99 1 2003」上海美術館 上海 中國 We Series - Self Portrait Painted in 2002 oil on canvas 250 x 174 cm. (98 1/2 x 68 1/2 in.) dated and signed '2002 Zeng Fanzhi' (lower right) PROVENANCE Christie's Hong Kong, 27 November 2011, Lot 1407 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED China, Shanghai, Shanghai Art Museum, I/We: The Paintings of Zeng Fanzhi 1991-2003, 8-15 March, 2003. HK$ 7,500,000 - 10,000,000 US$ 961,500 - 1,282,100 96 POLY AUCTION HONG KONG

97MODERN AND CONTEMPORARY ART

大家庭No.7張曉剛 ZHANG XIAOGANG

ZHANG XIAOGANG 繪於1998年的《大家庭No. 7》(Lot 14)，正是張曉剛最為人稱道的系列。透過挪用60、70年代的中國典型 家 庭 照 片 ，張 曉 剛 反 射 出從個人到家 庭，從家 庭 到社會的 時代 記憶 ； 藝術家的 筆下 有 些 平靜 ， 有 些木 然 的 人物形 象 裡 ， 暗示 著 被 壓 抑 的 激 情 與 慾 望 ， 散 發出一個 時代的 氣息 。一 件作品，代表一個 時代，這 也 是張 曉剛「大家庭」系列作品廣為人知，成為中國當代最標誌作品之一的原因。 《大家庭No. 7》的1998年，正值藝術家年富力強的40歲，畫面主角留著當時流行的髮型，張曉剛精心描繪眼 睛、頭髮、面部、一絲不苟的白襯衫、鈕扣，例如晶瑩的眼睛瞳孔，再到畫面背景的細緻處理，都是藝術家認 真對待作品的精妙表現。張曉剛用那 條代表親情、友情等社會關係的血緣絲線，連結畫面的兩位青年男女。 藝術家的大家庭系列作品中，不同的畫面裡有不同的主人翁，可能是一家三人行，可能是一對夫妻，可能是兄 妹，可能是友人，而《大家庭No. 7》的雙人主角，正值熱血飛揚的年歲，卻同樣有著「大家 庭 」系列裡所有 主人翁 貫的平靜木然神色，在青春的臉龐裡表現出最大的反差，時代的壓抑感，透過刻板的形象散發而出。 90年代，正值中國當代藝術創作力爆發的年代，當時的青壯輩藝術家瘋狂汲取西方當代藝術前輩的養分， 反 芻 出自己的 語言 。 李 希 特 無 疑 是影響眾多中國 當代藝術家的 巨擘 ，他的 失 焦 照 片 肖 像 作品系列，透過畫 中人物提 醒人們 不 要 忘 卻 的 時 代 記憶 。張 曉剛 的作品，同 樣是 挪 用 時 代的 照 片 ，他 精 密 的 筆法 ， 雖 是 寫 實 技 法 ， 卻 成為張 曉 剛 式的人物，描繪出 目光 冷 凝 的主人 翁 ，我們無 法感 知 畫中人物的 情緒 ， 卻 能 透過其 它 制式的 細 節 ， 例 如服裝、 髮 型 到人物的 站 位 姿 態， 感 知 到 了 歷史。 經 歷過 60 年代、 70 年代中國社會的人 們，從中得到了共鳴，而青年一代，能透過作品回望過去。 張 曉 剛 的「大家 庭」系列作品中，畫面 有時 候會 有 一位主角， 臉龐 以 不 同 顏 色的 光斑處理 ，包 括 黃 色， 紅 色到 紫 色 三 個色系，是藝術家 最常 選 用的 顏 色。 此 件 作品， 女孩 臉龐 是 淺 紫 色的 光斑 ，象 徵 藝術家 挪 用 經 過 歲 月 沉澱 的 老照 片 ， 指 涉 出對 時 代的 反 思 。在《大家 庭 No. 7 》畫作 前 ，我們透過 凝望 著這兩位 青 年 男 女 ， 回 想， 再前 進。張 曉剛 在 四 十 而 不 惑 ， 精 神體力正 值滿 盈 的 那 個 時 刻 ，將創作力 濃縮 至這一 幅作品， 讓我們的思緒飄回半世紀前。 芙 烈 達． 卡 蘿 《兩個 芙 烈 蘿 》 1939 年作 墨 西 哥 墨西哥城 現代美術館藏 Frida Kahlo, Las dos Fridas, 1939, Collection of Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico 99MODERN AND CONTEMPORARY ART

ZHANG XIAOGANG BIG FAMILY NO. 7

At the age of 40 in the year 1998, when the Big Family No. 7 was painted, Zhang Xiaogang carefully depicted the eyes, hair, face, meticulous white shirts and buttons. The delicate handling of the crystalline pupils of the eyes and the background are all subtle expressions of the artist's seriousness in his work. Zhang Xiaogang uses the thread of blood, which represents social relationships such as family 1.

Big Family No. 7 (Lot 14) painted in 1998 is one of Zhang Xiaogang's most acclaimed series. Through the appropriation of photographs of typical Chinese families from the 1960s and 1970s, Zhang Xiaogang reflects the memories of the times from the individual to the family, and from the family to society. The somewhat calm and dull figures under his brush suggests repressed passions and desires, expressing the atmosphere of an era. Showcasing an era with one piece of painting is the reason why Zhang Xiaogang's Big Family series has become so widely known and one of the most iconic works of contemporary China.

1. 中國60年代的老照片 An old Chinese photo from the 60's 張曉剛於成都工作室，背後作品為《大家庭No. 7 Zhang Xiaogang's studio in Chengdu, with BigFamilyNo.7 at the back

2.

》

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101MODERN AND CONTEMPORARY ART

and friendship, to connect the two figures of the painting, the young man and woman. In the Big Family series, there are different protagonists in different scenes, which may be a family of three, a couple, brother and sister, or friends, but the two protagonists in Big Family No. 7 are in the prime of their lives, yet they have the same calm and dull look of all the protagonists in the Big Family series. The greatest contrast is expressed in the youthful face, the depression of the times, which radiates through the stereotypical image.

The 1990s coincided with an explosion of Chinese contemporary art creativity, when young and youngat-heart artists frantically drew on their Western contemporary art predecessors to regurgitate their own language. Gerhard Richter is undoubtedly one of the giants who influenced many Chinese contemporary artists, and his out-of-focus photographic portrait series reminds people of the times through the figures in his paintings. Zhang Xiaogang's works are also appropriations of photographs at specific times. His sophisticated brushwork, though realistic, portrays the protagonists with the condensed gaze, making them typical figures of Zhang Xiaogang. We cannot perceive the emotions of the characters in the paintings, but we can perceive the history through other stipulated details, such as costumes, hair styles and the way the characters stand. People who experienced Chinese society in the 1960s and 1970s can relate to this work, and the younger generations can have a taste of the past. In his Big Family series, sometimes there is a protagonist whose face is treated with patches of light in different colours, ranging from yellow, red to purple, the three colours most often chosen by the artist. In this work, the woman's face is painted with a light purple patch of light, symbolising the artist's appropriation of an old photograph that has been aged to present a reflection on the times. Standing in front of the Big Family No. 7, we can look back into the history and move forward by gazing at the young couple. Created at a time when Zhang Xiaogang is at the end of his forties and at the height of his mental and physical strength, this piece of work is the concentration of his creative energy, transporting our thoughts back to half a century ago.

14 ZHANG XIAOGANG 張曉剛 CHINESE, B. 1958 大家庭No. 7 1998 年作 油彩 畫布 款識：張曉剛 Zhang Xiaogang 1998.（右下） 來源 保利 北京 2016年6月4日 編號 6729 現藏者購自上述拍賣 展覽 1998年「首届上河美術館收藏展」上河美術館 成都 中國 出版 《上河美術館》天津社會科學院出版社 天津 中國 2000 年（圖版，第63頁） Big Family No. 7 Painted in 1998 oil on canvas 130 x 100 cm. (51 x 39 1/2 in.) signed in Chinese; signed and dated 'Zhang Xiaogang 1998.' (lower right) PROVENANCE Poly Auction Beijing, 4 June 2016, Lot 6729 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED China, Chengdu, Upriver Gallery, Upriver Gallery Collection Exhibition, 1998. LITERATURE Upriver Gallery, Tianjin Science & Technology Press, Tianjin, China, 2000 (illustrated, p. 63). HK$ 5,000,000 - 8,000,000 US$ 641,000 - 1,025,600 102 POLY AUCTION HONG KONG

103MODERN AND CONTEMPORARY ART

BALTHUS 玩空竹的小女孩巴爾蒂斯 在近百年的藝術史裡，巴爾蒂斯已然在具象繪畫領 域奠定不可動搖的地位。他出生在第一次世界大戰 爆 發 前 六 年的 1908 年， 沒有 受過 完 整 學 院 訓練 的 他，歷 經了 戰 與 二 戰 ，成 長 時 期 正是現代藝術 大變革的激烈時代，立體派、野獸派、抽象藝術、 超 現實主義、 抽 象 表現主義、 極 簡 主義、 普普 藝 術 ，無數藝術革新的浪潮席捲而來，巴爾蒂斯卻 是畢生熱情擁抱古典主義，堅守具象繪畫的畫家。 巴 爾 蒂斯 於 1930 年創作《 玩 空 竹 的 小 女孩 》 (Lot 15) ， 當時 他 22 歲 ； 在 1925 年，他 就開 始 這 幅 作 品的素描 草 圖創作， 當時 的巴 爾 蒂斯 已 經 返 回 巴 黎 。在他出生後，家人為 了 躲 避 歐 戰 ， 最 終 落腳 瑞 士 ； 而 父 母也 在 1917 年 離異 。 1919 年，巴 爾 蒂 斯 遇 見了 他藝術創作的 啟 蒙 者 ，即是與其 母親 芭 拉 提 妮 （ Baladine Klossowska ）相 戀 的著 名 德國 詩 人 里爾 克 （ Rainer Maria Rilke ） ， 里爾 克 鼓勵 巴 爾 蒂斯 邁 向創作，而 原名 Balthasar Klossowski de Rola 的巴 爾 蒂斯 ， 就 在 里爾 克的 鼓勵 下， 使 用 Balthus巴爾蒂斯的名字，終其一生。 巴 爾 蒂斯 以 傳統 的 油 彩，描繪 青 春 少 女 而 廣 為人 知 ， 卻 也 引 發 爭 議 。批 評 人士認為他 褻瀆 、意 淫 了 少 女 ， 有 些作品畫面中 少 女 分開 雙 腿， 或 是 裸 露 性 徵 的畫面 帶有 性 暗示 ， 使 巴 爾 蒂斯 一直 承 受 這 樣 的 抨 擊 。 但 其實 綜 觀巴 爾 蒂斯 一生的創作， 約 350 幅 油 畫、 1600 幅 素描 草 稿 ， 包 括 風 景、 靜 物、人物畫 像 ，其中 有 著 姿 態 迥 異 的 青 春 少 女 ， 既 有 儀 態 謙遜 ， 亦 有 輕 舞 飛 揚， 有 衣 著 簡單 ， 也 有 華 麗裝 扮 ，以巴 爾 蒂斯 獨 特 的繪畫 語 言 ， 把 少 女時 代美 好 到 憂 鬱 的各式各 樣情 緒 ，透過巴 爾 蒂 斯的獨到觀察而展現。 1.Lot 15 104 POLY AUCTION HONG KONG

1930 年的《 玩 空 竹 的 小 女孩 》，如 若 從 草 稿 開 始 的 1925 年 開 始計 算 ，正是巴 爾 蒂斯 繪畫 語 言 逐 漸奠 定基 礎 的 時 期 ，他在 此 時 期 待 在巴 黎 ， 親 炙 戰 後巴 黎 的 風 華 年代， 既 有 先 輩 前 賢 奠 定的 基 礎 ， 亦 有 四 面 八 方的藝術家 匯 聚 ， 彼 時 紐約 尚 未崛起，歐洲巴 黎 仍 然 是藝術之 都 ，巴 爾 蒂斯結 交 各方文藝 友 人， 激 盪 創作 ； 他在 1926 年來到 義大 利 佛 羅 倫 斯 ， 臨 摹 描繪多 幅 文藝 復 興 時 期 的 壁 畫，這一 經 歷 深 刻 影響一生的創作， 宗 教 的 儀 式 感 ， 轉 化為巴 爾 蒂斯 作品 深具 敘事 感 的 劇 場 張 力，吸引觀者投入。 《 玩 空 竹 的 小 女孩 》一作， 少 女 的身形 已 經有 著 日後巴 爾 蒂斯帶有 「 僵 直體態」 特 色的 雛 形，畫 家以後 印 象 派 的 手 法 描繪主角與 周遭 的 樹 木、 林 間與 天 際 景 象 ， 細看 筆 觸 ， 可 以發現 22 歲 的巴 爾 蒂斯 筆 力 已 然 流 暢 驚 人，畫面 沒有 陽 光 ， 好 似 青 春 期 憂 鬱 的 小 苦 惱 ， 卻 透過 少 女 腰 間的 飄 帶 ， 舉 頭 仰 望 空 竹 的 動 作， 拋 卻 苦 悶 與 憂 愁 ，讓畫面 帶 來 青 春 的 希 望 之 光 。而 4 年後，巴 爾 蒂斯 在 Pierre Loeb 的畫 廊 ， 展 出 了 《 吉 他 課 》 （ La Legon de guitare）一作震撼藝壇。 從 1930 年《 玩 空 竹 的 小 女孩 》作品到日後的無 數 作品，巴 爾 蒂斯 面對眼 前 的自 然 ，從 內 心發自 對 天 地，對眼 前 人物的 禮 讚 。巴 爾 蒂斯 崇尚 普 桑 與 塞 尚，他這 樣說： 「他 [ 塞 尚 ] 真 正認識到 萬 物 有靈 ，作品 通 過形式 呼應 自 然 ， 貼 近 自 然 ，與自 然 交 流。這 就 是 塞 尚的 理解 ，是他在 說 出『我的 目 的，是面對自 然 畫出 像 普 桑 那 樣 的作品』這 句 話 時試 圖表達的。這種 節 奏 、 呼應 ， 也 是我的 追 求 我想， 它 是 所有 偉 大畫家的 追求 。」巴 爾 蒂 斯 在 22 歲 畫出《 玩 空 竹 的 小 女孩 》，透過這 片 林 木、 玩 空 竹 的 少 女帶 給 我們對 青 春 自 然 的 謳歌 ， 亦 是他從 普 桑 到 塞 尚 汲 取 的 養 分 ， 開 創日後 屬 於 巴爾蒂斯的繪畫語言。 BALTHUS 2. 3. 1. 巴爾蒂斯《玩空竹的小女孩》1925年作 Balthus, Fillette Jouant au Diabolo, 1925 2. 巴爾蒂斯的照片 A Photo of Balthus 3. 巴爾蒂斯 《做夢的特蕾莎》1938年作 美國 紐約 大都會藝術博 物館藏 Balthus, ThérèseDreaming, 1938, Collection of The Metropolitan Museum of Art, New York, USA 105MODERN AND CONTEMPORARY ART

創新。塑，在經驗和發現的基礎上再真正的現代性在於對過去的重──巴爾蒂斯 True modernity consists in reshaping the past and reinventing itself based on experience and discovery-Balthus

From his 1930 work Jeunne fille jouant au Diabolo to his numerous subsequent works, Balthus confronted nature in front of his eyes with a heartfelt tribute to heaven and earth and to the people in front of him. Balthus admired Nicolas Poussin and Paul Cézanne, who said: "He [Cézanne] really understood that everything has a spirit, and that his work echoes nature through form, is close to nature, and communicates with nature. This is what Cézanne understood, what he was trying to express when he said, 'My aim is to paint like Poussin in the face of nature'. This rhythm, this echo, is also what I'm after... I think it's what all great painters are after". Balthus painted Jeunne fille jouant au Diabolo at the age of 22, and through this bamboo forest, the young girl playing with the diabolo, he brings us a song about youthful nature, and the nourishment he drew from Poussin to Cézanne, creating a painting language that would become Balthus' own.

In Jeunne fille jouant au Diabolo, the young girl has taken on the shape of the 'rigid physique' that would later characterise Balthus' work. The artist's post-impressionistic depiction of the protagonist and the surrounding trees, woods and skies reveals that the 22-year-old Balthus' brushwork is already surprisingly fluid. The picture is devoid of sunlight, as if it is a light adolescent depression, but through the floating belt around the young girl's waist and the movement of raising her head to look up at the bamboo, she throws away her boredom and sorrow, bringing the light of youthful hope to the scene. Four years later, Balthus showed La Legon de guitare at Pierre Loeb's gallery, which instantly impressed the art world.

Jeunne fille jouant au Diabolo was created in 1930, but if we take a closer look at its beginning in the form of draft in the year of 1925, it was a time when the foundations of Balthus' painting language were being laid. He was in Paris during this time. It was also post-World War I era in Paris, a time when the foundations of his predecessors were laid and artists from all corners of the world converged, when New York had not yet emerged and Paris was still the capital of art in Europe. Balthus met people from all walks of life and absorbed inspirations for creativity. In 1926 he went to Florence, Italy, to copy and paint a number of Renaissance murals. It was an experience that profoundly influenced his work throughout his life. The sense of religious ritual was translated into the theatrical tension of his deeply narrative works that draws the viewer in.

Balthus created Jeunne fille jouant au Diabolo (Lot 15) in 1930 when he was 22 years old. He began sketching this work in 1925 as after he had returned to Paris. After his birth, his family fled the European war and ended up in Switzerland, and his parents separated in 1917. In 1919, Balthus met his inspiration for artistic creation, the famous German poet Rainer Maria Rilke who was in love with his mother Baladine Klossowska. Rilke encouraged Balthus to start a life-long art journey, and Balthus, originally known as Balthasar Klossowski de Rola, was encouraged by Rilke to use the name Balthus for the rest of his life. Balthus is well known for his traditional oil paintings of young girls, but he also provoked controversy. Critics say that he profaned and molested young girls with some of his works showing young girls with their legs spread apart or exposing their sexuality in a sexually suggestive way. This led to a constant source of criticism for the artist. However, an overview of Balthus' work that includes some 350 oil paintings and 1,600 sketches, including landscapes, still life paintings and portraits of young girls in a variety of poses, ranging from modest and graceful to lively and flexible, from simple dressing to flamboyantly dressed, all with Balthus' unique painting language. His works are a unique expression of Balthus' unique observation of the beauty and melancholy of girlhood.

JEUNNEBALTHUS FILLE JOUANT AU DIABOLO 107MODERN AND CONTEMPORARY ART

For almost a century, Balthus has been an unshakable figure in the field of figurative painting. He was born in 1908, six years before the outbreak of World War I. He was not fully trained in the academy, but he lived through World War I and World War II. He grew up at a time of great changes in modern art, when cubism, fauvism, abstract art, surrealism, abstract expressionism, minimalism, pop art, and so on, were sweeping in one after another. He was a lifelong enthusiast of classical painting and a strong believer in figurative painting.

15 BALTHUS 巴爾蒂斯 FRENCH, 1908-2001 玩空竹的小女孩 1930 年作 油彩 畫布 款識：Balthus 1930（畫背） 來源 蘇富比 倫敦 2003年2月5日 編號204 中國 香港 高古軒畫廊 亞洲 私人收藏 展覽 201 5 年 10 月 2 4 日 201 6 年 1 月3 1 日「 回 顧 展 」 奎琳娜 藝 廊及羅馬法國學院 美第奇別墅 羅馬 義大利 Jeunne fille jouant au Diabolo Painted in 1930 oil on canvas 80 x 65 cm. (31 1/2 x 25 1/2 in.) signed and dated 'Balthus 1930' (on the reverse) PROVENANCE Sotheby's London, 5 February 2003, Lot 204 Gagosian Gallery, Hong Kong, China Private Collection, Asia EXHIBITED Italy, Rome, Scuderie del Quirinale, Académie de France à Rome-Villa Medici, The Retrospective, 24 October, 2015-31 January, 2016. 亞 洲 頂尖 私 人 收藏 PROPERTY FROM A DISTINGUISHED ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 2,800,000 - 3,600,000 US$ 357,900 - 460,100 108 POLY AUCTION HONG KONG

109MODERN AND CONTEMPORARY ART

LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA 紅帽女孩藤田嗣治 二 十 世 紀 初 的巴 黎 是 世界 藝術的中心，各國藝術 家 蜂 擁 而至，西 班牙 的 畢 卡 索、義大 利 的 莫迪 里 亞尼 、 俄 羅斯 的 夏 加 爾 等等。 當時 的巴 黎 代表著 最 前 衛 的 先 鋒 藝術文化，形成 了 為後人 熟知 的 「巴黎畫派」，一派百家爭鳴之盛況。 藤 田 嗣 治 將日 本傳統 繪畫中 精 緻 而 蜿蜒 的 線條 ， 及 東 方的 留 白 空間美學 融 入 油 畫創作， 再加 之 浮 世 繪中「 暈 色」之 技 法 ，以「 乳 白 色 肌 膚 」為其 在人 才 輩 出的巴 黎 打 響 名 頭。自 此 ，來自神 秘 東 方的日 本 藝術家，一 躍 成為 當時 巴 黎 藝術 圈 最 受 認 可 的 亞 洲藝術家。 獨 特 的創作 語 言 讓他在大 師 輩 出的「巴 黎 畫 派 」中出類 拔萃 ， 奠 定其 重 要 的 國際藝壇地位。 五 十 年代的 藤 田 嗣 治 經 歷 了 拉 丁 美洲的 遊 歷， 重 回 日 本 及 戰亂 等 十 餘 年的 漂泊 生活， 最 終 得 以 重 返 巴 黎 ， 開 啟 其 第 二 階 段 的巴 黎 創作生 涯 。 此 時 ， 藤 田 的作品與 早 期 有 明 顯 轉 變 ，在 保 留 細 膩 纖 長 的 線條 筆 觸 同 時 ，色彩 構 圖上 運 用 也 趨 於 110 POLY AUCTION HONG KONG

LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA 眼神躲開這些來自孩童的銳利注視眼神。著無法言說的智慧，讓我們觀者不禁想要低下注視著，卻又猶如一潭深不可測的井水，蕩漾他們的神情是嚴肅的，張大的瞳孔看似空洞地所有這些小女孩都有著如絲綢般光滑的前額。──藝術評論家羅伯特 ·雷 成 熟 豐富。在創作 題 材上， 經 歷 戰亂 的藝術家 回 到 法 國後，心 境 上 有了 巨 大 改 變 ， 更 是與 妻 子 於 1959 年 接 受 洗 禮 ， 不 僅 身份上 歸 入 法 籍 ， 更 在文 化 思 想上 皈 依了 天 主 教 。而 孩 童 代表著的至 純 至 善 與 充 滿 希 冀 正是藝術家在 此 人生 階 段 渴 望 需要 的。這一 時 期 藝術家 筆 下的創作 題 材 也 從 裸 女 這 一主 要 題 材進而 轉 向對 孩 童 抑 或 母子像 的描繪。 此 次上 拍 作品《 紅 帽 女孩 》 (Lot 16) 創作於 1958 年，正是藝術家 接 受 洗 禮 的 前 一年，畫面背景 似 乎 鑲嵌 著 左 右 兩根木 框 ，畫面的 構 圖 結構接 近 藝 術家 此 時 人物 肖 像 中常用的 左 右 對 稱 背景，從而 更 強調 突出畫面主體 戴 著 紅 帽 的 女孩 。 細細 端 詳 畫面背景的描繪， 淺藍 至 白 背景 漸 變充 滿 了 藝 術家 細 膩 漸 變 的 光 影 質感處理 ， 層 次 細 緻 豐富。 畫面中 女孩 的 髮絲細 如 針 線 ，面容的描繪 手 法 明 顯可見 西方文藝 復 興 時 期 作品對人物面容的 處 理 ， 彷彿有 自 然 光 源於人物面 部 ， 細 密 的 陰 影對 比 創 造 出 臉 龐 的 飽 滿 可 愛 ，同 時 反映 出人物的 柔 美 膚 色 質感 。藝術家 細 緻 的 筆 觸 同 時 體現在對 女 孩 衣 著 紋 理 的 勾勒 ，藝術家以 細 緻 的 冷暖 及 高 光 色 調 的對 比 呈 現出 衣 裳 的 紋 路 ， 淺黃綠 色 調 的 袖 子 與中心 紅 色色 調 搭配 得 宜 。 再加 之頭 頂 紅 色的 帽 子 ， 十 分 吸引 觀 者 眼 球 。鮮艷 紅 色 佔據 作品面 積並不 大，與畫面的 整 體 乳 白 色 調 顯 得 十 分 和 諧 ， 也使 得 精 緻 的作品畫面 顯 得鮮艷明 快 而 又不 失高 雅 。藝術家對 女孩 的 手部 繪畫 顯 然 下 足 了 功 夫 ， 女孩 右 手 二指 與 三指 併 和， 左 手 食 指 也彷彿 意 欲 指 向 某 處 。 宗 教 繪畫中， 右 手 的 手 勢 用以代 表對 世 人的 祝 福 ， 可見 宗 教 繪畫對藝術家創作的 影響。作為 晚 期 創作的 精 品，《 紅 帽 女孩 》以 藤 田 嗣 治 經 典 的 筆 觸既 展 現 了 對人物 膚 色描繪的 精 湛 技 法 ，同 時 體現 晚 期 時 宗 教 思 想的 啟 迪 ，以及 藝術家對色 調 掌握 的 絕妙 掌握 ，實為 囊 括 了藤 田 嗣治藝術創作技法的大成之作品。 藤 田 嗣 治 《 有 貓 的 女孩 》 1995 年作 iART Co., LTD. 東京 2021年11月27日 成交價： 60,000,000日幣 Léonard Tsuguharu Foujita, Jeune Fille Aux Chats, 1955, iART Co., LTD. Tokyo, 27 November 2021, Sold for JPY 60,000,000 111MODERN AND CONTEMPORARY ART

At the start of the twentieth century, Paris was the center of the art world. Artists from all over the world such as Picasso from Spain, Modigliani from Italy, and Chagall from Russia respectively moved there to advance their career. Representing the forefront of avantgarde art and culture, Paris saw the establishment of the famous School of Paris, a flourishing center for hundreds of artists to Léonardgather.

LÉONARD FOUJITA PORTRAIT DE JEUNE FILLE AU BONNET ROUGE

Tsuguharu Foujita integrates the delicate and sinuous lines of traditional Japanese painting and the Eastern aesthetics of white space into his oil paintings, while incorporating the Ukiyo-e technique of "blending colour" to create the "milky-white skin" of his subjects. With this method, his reputation grew even amongst the amazing talents in Paris. Coming from the mysterious East, this Japanese artist soon became the most recognized Asian artist in the art community of Paris at the time. His unique creative language enabled him to stand out even among the masters of the School of Paris, achieving him an important position in the international art circle.

TSUGUHARU

Foujita returned to Paris in the 1950s after experiencing a life of wandering through Latin America and returning to Japan during the war. Finally, he was able to start the second stage of his creative career there. At this time, a clear distinction from his earlier works can be seen. While still retaining the delicate, slender lines and brushstrokes, his use of colour and composition exuded a sense of maturity and richness. In terms of creative subject matter, the artist's mood had changed dramatically after experiencing

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All these little girls have foreheads as smooth as silk. Though their expressions are solemn with eyes staring blankly, they are like an unfathomable well of unspeakable wisdom. As viewers, we can’t help but want to lower our eyes to avoid their sharp gazes.

- Robert Ray, Art Critic

The work, Portrait de jeune fille au bonnet rouge (Lot 16), was created in 1958, a year before the artist's baptism. The girl sits in between by two wooden frames in the background. The composition of the picture is similar to the symmetrical left-right background commonly used in the artist's portraits at this time, which serves to emphasize the main subject of the picture - the girl in the red hat. Through a careful examination of the background, the light blue to white background gradient is filled with the artist's delicate and gradual processing and texture of light and shadow, along with richly detailed layers. The strands of the girl's hair are as thin as threads. The depiction of her face clearly shows a Renaissance period method of treatment. It is as if there is a natural light source, enabling a fine contrast of light and shadow that creates a full face, while simultaneously reflecting the character's soft skin tone. The artist's meticulous brushwork is also reflected in the texture outline of the girl's clothing. The artist paints the texture of the clothes with a delicate contrast of cool, warm, and high tones of light. In contrast to the central red tone, the light yellow and green sleeves paired with the red hat on her head are very eye-catching. The bright red does not actually occupy a large area of the work. In fact, it is very harmonious with the overall milky white tone of the work, which also makes the picture of the delicate work appear bright, lively and elegant. It is clear that the artist has placed much effort into painting the girl's hand. The second and third fingers of the girl's right hand are aligned, and the index finger of her left hand also seems to be pointing somewhere. In religious paintings, gestures of the right hand are used to represent blessings to the world. As a result, their influences on the artist's work can be seen. As a masterpiece created in the later period of his career, Portrait de jeune fille au bonnet rouge embodies the classic brushstrokes of Foujita, in which one can see an exquisite technique used to depict the skin colour of the characters. At the same time, it also reflects the religious revelations he experienced during the later period of his career, and his excellent mastery of colour tone. It is a masterpiece that incorporates Foujita's artistic techniques.

拉 斐 爾 《年 輕 女子 與 獨 角 獸 的 肖 像 》 15051506年作 意大利 羅馬 博爾蓋塞美術博物館藏 Raphael, 1505-1506,PortraitofYoungWomanwithUnicorn,BorgheseGallery,Rome,Italy 113MODERN AND CONTEMPORARY ART

war and chaos. Foujita and his wife were baptized in 1959. Not only did he become a French citizen, but he also converted to Catholicism, embraced France both culturally and ideologically. The pureness, perfection, and hope represented by children was exactly what the artist needed at this stage of life. As a result, the creative subjects depicted by the artist also shifted from nude women to portraits of children and mothers.

16 LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA 藤田嗣治 JAPANESE-FRENCH, 1886-1968 紅帽女孩 1958 年作 油彩 畫布 款識：Foujita（底部）；58 Foujita （畫背內框） 來源 約1960年直接購自藝術家家屬 法國 巴黎 Paul Petrides 畫廊 私人收藏 亞洲 私人收藏 此 作將 收 錄 於由 希 薇 布 伊 森 正 籌 備 編 纂 的《 藤 田 嗣 治 作品編年集》 Portrait de jeune fille au bonnet rouge Painted in 1958 oil on canvas 22.3 x 16.4 cm. (9 x 6 1/2 in.) signed 'Foujita' (bottom); dated and signed '58 Foujita' (on the stretcher) PROVENANCE Acquired directly from the family of the artist circa the 1960s Paul Petrides Gallery, Paris, France Private Collection Private Collection, Asia This work will be included in the artist's forthcoming catalogue raisonné prepared by Sylvie Buisson. HK$ 1,400,000 - 2,400,000 US$ 179,500 - 307,700 114 POLY AUCTION HONG KONG

115MODERN AND CONTEMPORARY ART

LIN FENGMIAN 觀念，適合於書法的趣味的東西！意象中以表現之的，絕不是違背了物象的本體，而徒然以抽象的表它的那特點、品質、同色彩，以極有趣的手法，歸納到整體的所謂寫意，所謂單純，是就很複雜的自然現象中，尋出最足以代一花一世界 林風眠的自畫像林風眠──林風眠 116 POLY AUCTION HONG KONG

LIN FENGMIAN 1979 年， 席 德進為 林 風 眠 出 了 本 畫 冊 ， 題名 《 林 風 眠 畫 集 》。 席 德進在 終 章的 最 後一 段 這 樣 寫 ： 「 最 後，我用這一 本書 來表達我對 林 風 眠 老 師 的 熱 忱 ， 祝 福 他 再 畫下 去 ，創 造更 輝 煌 的藝 術。」 席 德進，是 林 風 眠 的 杭 州 藝 專 關 門 弟 子 ， 他在 1979 年於香 港舉 行畫 展 時 ，與 恩 師林 風 眠 會面 三 次，得 知 了更 多 恩 師 的人生 際 遇 而 寫 出這 本 《 林 風 眠 畫 集 》。畫 集 裡 僅 收 錄 了 兩 幅 瓶 花花 卉， 保 利 香 港 十 周 年 拍賣 的《 瓶 花》 (Lot 17) 即是 其中之一，首次於市場曝光珍貴非凡。 相較 於 仕 女 、 山水 與 京 劇 題 材等作品， 林 風 眠 的 瓶 花作品 存世 數量 稀 少 ，一花一 世界 ， 姿 態各 異 的花卉，是藝術家 內 心 世界 的 反 射 ，是藝術家的 自畫 像 。畫 幅 為方 型 ，方 型 構 圖 恰 是 林 風 眠 最 喜 愛 的 構 圖。 林 風 眠 的 杭 州 藝 專 弟 子 吳 冠 中這 樣 分 析 ： 「方，意 味 著向 四 方等 量 擴 展 ，以 求 最完 整 、 最 充 實的 內涵 。 圓 ， 亦 是 擴 展 到 最 大 量 感 的 結 果 。從 造 型 角 度 看 ，方與 圓 近乎 等 值 ，是 孿 生 兄妹 。 林 風 眠 的方形畫面中 往往 只 容納一個 圓 ， 所有 的空間 都 被 集 中 調 配 ， 構 成一 統 天 下與大 氣 磅礡 之 感 。 最 明 顯 的 例子 是 雞 冠 花、大 理 花、 繡 球 花、 菊 花等各 樣 盆 花及 水 果 、 瓶罐 等 靜 物 組 合 ， 令 人 感 到無 限 飽 滿。其花卉 什 物的 弧曲 線 在 方形宇宙 占 盡 風 流，即 使 畫面 不 大， 氣 勢 卻 寬 闊 博大。」這 幅 瓶 花，正 吻 合了 吳 冠 中對 林 風 眠 作 品的點評。 《 瓶 花》 有 著 林 風 眠 典 型 的「 計 黑 當白 」背景。 中國 傳統書 畫的空 白 ，以「 計白當 黑」 留 白營造 空間 感 ，而 林 風 眠 反 其 道 而行，以 深 色的背景 襯 托飽 滿的 亮 色，在 暗 黑的背景描繪 奼紫嫣 紅 的花 朵 ， 烘 托 出 幽 遠 莫測 ，無 法 目 測 掌握 的空間 感 ； 而背景 靜 謐 的 氛圍 ，同 時也帶 出 了 那 絲 詩 意 的，美的 孤 獨 ，實為 林 風 眠 「 計 黑 當白 」的創 新 。 細 膩 勾勒 彷 如 層層 掩 映 的花 瓣 ，實為藝術家 千錘 百 鍊 的 筆 力 展 現。從花 束 後方 隱隱 透出的 黃 光光暈 ，正是 林 風 眠 於 夜 深 人 靜時 ，在 工 作 室 與 那 盞 黃 色 燈 泡 相 伴 ，為藝術 戰 的 光 明 佐證 。 幽 深 的背景， 微 黃 的 光暈 ， 紫 紅 的花 束 ， 構 成 林 風 眠獨有的瓶花，一股澄靜致遠的氣質。 瓶 花作品 裡 ， 奼紫嫣 紅 的花 瓣占 據了 畫面中心向 外 延 展 ， 清 貴 而 華 美。 就 如 吳 冠 中 所 言 ， 林 風 眠 力 求 最 大的體 量 感 ， 卻 絲 毫 不顯 局 促 ，大 器磅 礡 。這 樣 的花 語 ， 恰 是 林 風 眠 一生的 寫 照 ， 吳 冠 中形容 恩 師 ： 「 遠 離 名 利 ，在 逆 境 中 不 斷 潛 心 鑽 研 ， 玉壺 雖 碎 ， 冰 心 永 存 。」這 束 花， 恰恰 是這 位影響中國現代美術史一 百 年，作育無 數 英才 的 林風眠一生寫照。 文森 梵谷《向日葵》1888年作 英國 倫敦 國家美術館藏 Vincent van Gogh, Sunflowers, 1888, Collection of National Gallery, London, UK 117MODERN AND CONTEMPORARY ART

VASE OF FLOWERS

The so-called freehand brushwork and simplicity, is to find out the characteristics, qualities, and the same colour that are most representative of the natural phenomenon. Summarize it into the overall image in a very interesting way to express it. It is definitely not something interesting and contrary to the noumenon of objects, in vain with abstract concepts, something suitable for calligraphy!- Lin Fengmian LIN

EACHFENGMIANFLOWER IS A UNIQUE WORLD - A SELF-PORTRAIT OF LIN FENGMIAN 119MODERN AND CONTEMPORARY ART

In 1979, Shiy De-jinn published a book of paintings for Lin Fengmian, entitled Lin Fengmian's Paintings. In the last paragraph of the final chapter, he wrote: "At last, I am able to dedicate this book to Lin Fengmian, to express my admiration and my best wishes for him to create even better arts". Shiy was the last student of Mr. Lin during his years at the Hangzhou National College of Art. He met his mentor three times during an exhibition of Mr. Lin in Hong Kong in 1979 and learned more about his life, which inspired him to write this book. Two paintings featuring Vase of Flowers (Lot 17) were collected in this book, one of which is Vase and will be up for auction at Poly Auction Hong Kong's 10th Anniversary Sale, making it a debut in the Linmarket.Fengmian's vase flowers are relatively scarce in number compared to his works on ladies, landscapes and Peking Opera. Each flower is a unique world and a reflection of the artist's inner world in its unique form, serving as a selfportrait of the artist. The painting is square in shape, a favourite composition of Lin Fengmian. Wu Guanzhong, a student of Lin Fengmian commented the painting as follows: "Square means to expand in all directions in equal measure in order to achieve the most complete and full connotation. The circle, too, is the result of expansion to the maximum amount of sense. From a stylistic point of view, the square and the circle are nearly equal as twin siblings. Lin Fengmian's painting in square canvas often contain only one circle, with all space concentrated and deployed to create a sense of unity and grandeur. The most outstanding example is the combination of potted flowers such as cockscombs, dahlias, hydrangeas and chrysanthemums, as well as still life such as fruit and jars, which is infinitely fuller. The curved lines of the floral objects dominate the square universe, giving a vast and expansive sense of the painting even though the scene is small". This vase of flowers echoes his commentary on Lin Fengmian's work.

Vase of Flowers is presented on Lin Fengmian's typical 'black as white' background. In traditional Chinese painting and calligraphy, white space is used to create a sense of space, but Lin does the opposite, using a dark background to set off the saturated light colours, depicting colourful flowers against a dark background, creating a sense of space that is unpredictable and impossible to grasp. The tranquil atmosphere in the background also brings out a touch of poetic beauty and solitude, which is indeed his innovation of 'black as white'. The delicate outline of the flower petals by layers upon layers is an expression of the artist's mastery of well-seasoned skill. The glow of yellow light from behind the bouquet is a testament to the brightness of Lin Fengmian's artistic battle in his studio in the dead of night, in the company of a yellow light bulb. The deep background, the yellowish glow and the purplered bouquet form a unique vase of Lin Fengmian's flowers, presenting an aura of clarity and distance. In the painting, the bright-coloured petals dominate the centre of the painting and extend outwards in a noble and ornate manner. As Wu Guanzhong puts it, Lin Fengmian strives for maximum presence without being overly constricted. Such a floral statement is a reflection of Lin Fengmian's life, as Wu Guanzhong describes his mentor: "careless to fame and fortune, he continued to study in the face of adversity, his love and passion for art is eternal". This bouquet of flowers is a reflection of Lin Fengmian, who influenced the history of modern Chinese art for a hundred years and nurtured countless talents.

17 LIN FENGMIAN 林風眠  CHINESE, 1900-1991 瓶花 水墨 設色 紙本 款識：林風眠（左下） 鈐印：林風暝印 來源 約1970年代直接購自藝術家家屬 出版 《林風眠畫集》雄獅圖書 台北 台灣 1979年（圖版，第 49頁） Vase of Flowers ink and colour on paper 70.5 x 69 cm. (28 x 27 in.) signed in Chinese (lower left) one seal of the artist PROVENANCE Acquired directly from the family of the artist circa the 1970s LITERATURE Lin Feng Mian, Lion Art, Taipei, Taiwan, 1979 (illustrated, p. 49). HK$ 1,500,000 - 2,500,000 US$ 192,300 - 320,500 120 POLY AUCTION HONG KONG

121MODERN AND CONTEMPORARY ART

萬物甦醒的田園詩吳冠中 吳 冠 中在 70 年代 時 歷 經 多次下 鄉 ， 艱 苦 的生活 不但沒有 將他的繪畫 熱 情 熄 滅 ， 反 而 促 使 他 更 為 專 注 在 風 景 題 材的創作，在 寫 生的過 程 中體 驗山 川 萬 物，進而 借 景 抒 情 、 凝練 為心 象 之美，因 此 70 年代成為他 油 畫創作 最 重 要 的 承 先 啟 後 時 期 ， 無 數 膾 炙 人 口 的 風 景 名 作， 都 內涵 了 藝術家的創 作 哲 思 與 獨 創的藝術 語 言 ， 本 次 夜 場 的《 山 村 春 暖》(Lot 18)，則是吳冠中描繪農村山景的典範。 繪於 1976 年的《 山 村 春 暖 》，從畫面景色與 題 名，繪於當年的春天，歷經寒冬的樹木已然新芽萌 發，與 農 舍 後的 青 色 遠 山 ， 遙 相 呼應 。 吳 冠 中在 1966 年至 1976 年的文 革 時 期 創作， 被 認為是 最 珍 罕的作品之一，原因在於當時的政治環境，使藝術 家得在克難的環境下，為藝術而戰的創作作品；在 逆 境 中 誕 生的作品， 更具 備 強 大的 精 神力 量 ， 此 時 期 更 是 吳 冠 中創作 風格 邁 向成 熟 的關 鍵 期 。在 1970 年 吳 冠 中下放 河 北 獲 鹿 縣 李 村 ，他 深 刻 記 得 當時不 准 畫畫，「 不 畫的話，我的生 命 都浪 費 掉 了，得偷偷的畫，藏在老鄉家。」 保羅 · 塞尚《從畢貝姆遙望聖維克多山》約1897年作 美國 巴爾 的摩 巴爾的摩美術館藏 Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire vue de Bibémus, c. 1897, Collection of The Baltimore Museum of Art, Baltimore, USA 123MODERN AND CONTEMPORARY ART

70 年代的 吳 冠 中根 植 中國 鄉 村 景色探索「 油 畫 民 族化」之 路 ， 開 創出 屬 於自身 特 性，根 植 中 華 大 地的 風 景之作。 吳 冠 中 曾 寫 道 ： 「 （ 塞 尚 ） 作品 堅實、 組 織 嚴 謹 ， 冷暖 色的 複雜交錯 ， 有 如 某 些 帶 色彩的 礦 石 由於 反 覆 推 敲 ，用色 厚 重 ， 設 色 層 次多，畫面 顯 得 吸 油 而無 光 澤 ， 寓 華 於 樸 ， 十 分 沉 著， 具有 色彩的 金 石 味 。」 吳 冠 中受 塞 尚 影響， 構 圖力 求嚴 謹 ，透過色彩之間的 組 合構 成，形成 吳 冠 中 追求 、突 顯 描繪對 象 的形式美。 《 山 村 春 暖 》一作，畫面以 樹 木、 房 屋 、 山 峰 呈 現 了 漸 進式的景 致 ， 構 圖與 造 型虛 實 交 相 輝 映 ， 筆法 蒼 勁 富 有 氣 韻 ，在視 線 焦 點 的 轉 換 之中 呈 現 了 一個 遠 處 青 山 可望 、 近 處 炊 煙 裊裊 的 北 方 膠 東 山 村 初 春 的 樸 素、 寧 靜 之美。 山 的 顏 色 層 次，透 的心國，在故鄉，在家園，在自己黎，不在大師們的畫室，在祖藝術的學習不在歐洲，不在巴 底。 ──吳冠中 過 吳 冠 中 運 用 不 同 青 綠黃 褐 顏 料 的 調 色， 就 在 數 十 個 運 筆 之間，將 山 勢 的 遠近 高 低 、明 暗 枯 榮 巧 妙呈現，也帶出春天來臨的「春暖」況味。 前景的林木，更可以看到吳冠中布局之精妙，這是 其勤奮寫生提煉而出的景色。吳冠中說：「我自己 作畫時，也是先遊 遍，構思 番，在小本上或腦 子裡構好圖乃至動手寫生，作成一幅畫往往要變換 幾次寫生地點。」「在山中邊選礦邊煉鐵」，是吳 冠中形容自己在寫生中創作的方法。這一排逾三十 株的林木，橫亙畫布天地，卻透過遠景的青山與山 前的瓦舍，以不同的空間感層次，建構一方結構嚴 密的農村景致，卻絲毫不顯擁擠，這就是吳冠中掌 握點、線至面，再到色彩調和的功力。 而畫面中 央 偏 右 ， 有 株 伸 展 迥 異 其 它 林 木的 樹 木， 彷彿 扭 動 身 軀 ，為畫面 帶 來 靈動感 ，為 風 景 畫作 帶 來生 命 力。中國 古 代 書 畫 裡 典 型 的「 蟹爪 樹 」， 脫 胎 而成 吳 冠 中《 山 村 春 暖 》 裡 生 機 勃 發 的 林 木之 首 ， 可說 是 點 睛 之 筆 。 吳 冠 中在 前 景置 入這一 排樹 木， 調 動了 觀 者 與後方 青 山 ， 山 前 農 舍 間的視 線 焦 點 ， 帶 領我們穿 梭 於 林 木 樹 枝 之 間，進入 了 山 間，進入 了 農 舍 ， 見 到 了 裊裊炊 煙 ， 見 到 了 掛 線 曬 衣 ， 見 到 了 身著 紅 衣 與 綠 衣 裳 的 村 人。中國 書 畫的 可 以觀， 可 以 遊 ， 可 以 居 特 色，在吳冠中的油彩裡再現。

《山村春暖》一作裡，三位村民穿的紅衣裳與綠衣 裳，更是吳冠中心底最甜最美的家鄉回憶密碼。抗 日戰爭之際，吳冠中隨杭州藝專師生遷校四川，他 看了京劇裡身著大紅袍的角色，又看到四川很多娃 娃穿紅衣，深埋心裡的思鄉情緒就湧出來了。「在 四川，跟同學借了錢，扯了一塊大紅色的布料，我 說啊，在下江（江浙 帶），男的都穿紅的，女的 都穿綠的，你（裁縫）儘管做。後來他真做了。」 吳冠中身穿大紅衣來到了學校食堂，「哇，滿場鼓 掌，因為都是搞藝術的！」在一段訪談裡吳冠中回 憶至此，樂得開懷大笑。 家 鄉 江 蘇 宜 興 的 吳 冠 中，在他心 底裡 ，滿是對 故 鄉 ，對 祖 國 濃濃 的 情 懷 。 抗 戰 勝 利 後，他以美術 生 第 名 考取 公 費 留 學巴 黎 ，是 當 年 唯 二 的美術 生 名 額 之一， 1947 年 赴 巴 黎求 學，他 求知 若 渴 。 在 1950 年他 毅 然 決 定 返 國服 務 ， 給 老師 吳 大 羽 的 信 裡 這 樣 寫 道 ： 「藝術的學 習 不 在歐洲， 不 在巴 黎 ， 不 在大 師 們的畫 室 ，在 祖 國，在 故 鄉 ，在家 園 ，在自己的心 底 。」 1950 年， 吳 冠 中 三 十 歲 ，他信 裡 的這 段 話， 已 經 預 告 了 他這一生的 不 平 凡 ，一位 真 正為家 園 ，為藝術而創作的一代 宗 師 。《 山 村 春 暖 》一作，標誌著 吳 冠 中 獨 創的繪 畫 語 言 已 臻 成 熟 ， 更有 著 濃濃 的 愛 鄉 之 情 ， 融 於 畫中，誠為吳老的經典之作。 李唐《萬壑松風圖》北宋 台灣 台北 國立故宮博物院藏 Li Tang, WindinPinesAmongaMyriadValleys, Northern Song, Collection of the National Palace Museum, Taipei, Taiwan

WU GUANZHONG

126 POLY AUCTION HONG KONG

A POETIC AWAKENING IN AN IDYLLIC VILLAGE

In the 1970s, Wu Guanzhong had several experiences of 'going to the countryside'. Instead of suffocating his passion for painting, the hardships of his life inspired him to focus more on the creation of landscapes, appreciating mountains and rivers in the process of sketching, and then expressing his emotions through the scenery. Depictions of the landscape had expressed the emotions in the heart of the artist, therefore making the 1970s the most important period to inherit the past and usher in the future for his oil painting creations. His numerous popular landscapes are all imbued with the artist's creative philosophy and original artistic language. Warm Spring in the Mountain Village (Lot 18) part of the Evening Sale this time is the best example of his depiction of rural mountain scenes.

Warm Spring in the Mountain Village was painted in the spring of 1976, when the trees have sprouted after a cold winter, echoing the green hills behind the farmhouse. Wu Guanzhong's works from 1966 to 1976 during the Cultural Revolution, are considered as works with the most significant value. It is because of the artist's persistent creation under adverse political environment. Those works born in adversity have more powerful spiritual power, this period is moreover a critical period for Wu Guanzhong's creative style to mature. In 1970, when Wu Guanzhong was sent to the Li village in Huolu County, Hebei province, he recalled The study of art lies not in Europe, not in Paris, not in the studios of the masters, but in the motherland, in the homeland, at home, in one’s own heart.-WuGuanzhong that painting was not allowed, "but if I didn't paint, my life would be wasted, so I had to paint in secret and hide them in the home of fellow-villagers".

In the 1970s, Wu Guanzhong explored the path of 'nationalization of oil painting' by rooting himself in the Chinese countryside, creating landscapes that are unique to him and rooted in the Chinese landscape. Wu Guanzhong once wrote: "(Cézanne's) works are solid and tightly organised, with a complex interplay of warm and cold colours, like some coloured ore…Because of the repetition, the use of heavy colours and the many layers of colour settings, the paintings appear to be oil-absorbing but not lustrous, and are very calm, with a medal and stone flavour with colour..." Influenced by Cézanne, Wu Guanzhong strives for rigour in his compositions, and through the combination of colours, Wu pursues and highlights the formal beauty of the subject he depicts. The painting Warm Spring in the Mountain Village presents a progressive landscape with trees, houses and mountains. The composition and format of the painting are a mixture of reality and imagination, and the brushwork is vigorous and full of charm, presenting the simple, tranquil beauty of a northern village in early spring, with green hills visible in the distance and smoke swirling in the near distance. The colour graduation of the mountains are subtly rendered in dozens of brushstrokes, the mountain's distance, height, brightness, darkness and prosperity are presented using different shades of green, yellow and brown colours, to bring out the "warmth of spring" as it Theapproaches.woodsin the foreground reveal the subtlety of Wu Guanzhong's layout, the result of his diligent sketching and refinement of the landscape. Wu Guanzhong says, "I would first travel around, think about it, make up a picture in a small book or in my head, and even sketch it with my hands before I start painting. Sometimes I sketched at different locations till I feel ready." The way Wu Guanzhong describes his approach to sketching is as "choose iron while selecting ore in the mountains". This row of more than 30 trees stretches across the canvas, but through the green hills in the distance and the tiled houses in front of the hills, the different layers of space are used to build a tightly structured rural scene that does not appear crowded at

馬遠 《華燈侍宴圖》 宋代 台灣 台北 國立故宮博物院藏 Ma Yuan, BanquetbyLanternLight, Song dynasty, Collection of the National Palace Museum, Taipei, Taiwan 127MODERN AND CONTEMPORARY ART

all, demonstrating the mastery of point, line, surface and colour palette of the artist. To the right of the centre of the painting is a tree that seems unique. Its twists and turns brings a sense of movement and life to the landscape. The 'tree in crab claw shape', typical of ancient Chinese calligraphy and painting, provides inspiration for the vibrant trees in Wu Guanzhong's Warm Spring in the Mountain Village, and is the perfect finishing touch. By placing this row of trees in the foreground, Wu shifts the focus of the viewer's vision with the green hills behind. The focus of sight between the piedmont farmhouses leads us through the trees and branches, into the hills, into the farmhouses, into the swirling smoke of the cooking fires, saw the hanging ropes of clothes and the village people dressed in red and green. The characteristics of Chinese painting and calligraphy, which can be viewed, travelled and featured, are reproduced in Wu Guanzhong's oil Thepaintings.redandgreen clothes worn by the three villagers in the Warm Spring in the Mountain Village are the sweetest and most beautiful reminder of his hometown. During the Second Sino-Japanese War, Wu moved to Sichuan with the teachers and students of the Hangzhou National College of Art, and when he saw the characters in the Peking Opera wearing red robes and the many young kids in Sichuan wearing red clothes, his deep-seated homesickness emerged. "In Sichuan, I borrowed money from classmates and bought a big red piece of fabric and told the tailor that 'in Xiajiang area (Jiangsu and Zhejiang provinces), men wear red and women wear green. Feel free to use the red cloth. Later he did as I asked". When Wu later arrived at the school canteen in a big red robe, "Wow, the room was filled with applause, because we were all artists", Wu Guanzhong recalled the experience with heartily laughter in an interview. Born in Yixing County in Jiangsu province, Wu Guanzhong was full of passion and love for his homeland and his motherland. After the victory against the Japanese invasion, he was one of the two art students admitted to study in Paris at public expense. In 1947 he went to Paris to study and decided to return motherland 3 years later. In a letter to his teacher Wu Dayu, he wrote: "The study of art lies not in Europe, not in Paris, not in the studios of the masters, but in the motherland, in the homeland, at home, in one's own heart". In 1950, when Wu Guanzhong was thirty-one years old, these words in his letter were a foretaste of the extraordinary life he would lead, a master of his generation who truly created for the sake of his homeland and art. The painting Warm Spring in the Mountain Village marks the maturity of his original painting language and demonstrates his strong love for his homeland, which is incorporated into the painting, making it one of his most representative works.

18 WU GUANZHONG 吳冠中 CHINESE, 1919-2010 山村春暖 1976 年作 油彩 木板 款 識 ： 荼 76 （ 左 下 ） ； 龍 鬚 島 社員之家 吳 冠 中 九七六年（畫背） 來源 蘇富比 香港 2005年10月24日 編號 789 現藏者購自上述拍賣 展覽 1993年11月18-22日「東方情思 吳冠中畫集」香港展覽 中心 香港 中國 出版 《 吳 冠 中畫 集 東 方 情思 》藝達作 坊 新加 坡 1 993 年 （圖版，第15頁） 《吳冠中精品選集》藝達作坊 新加坡 1996年（圖版， 第38圖，第87頁） 《 論 吳 冠 中 吳 冠 中 研究 文 選 》 廣 西美術出 版 社 南 寧 中國 1999年（圖版，第139頁） 《 吳 冠 中作品 收藏 集 I 》人 民 美術出 版 社 北 京 中國 2003年（圖版， 第27圖，第78-79頁） 《生命中的風景 吳冠中藝術專集I》三聯書店 北京 中 國 2003年（圖版，第131頁） 《 吳 冠 中全 集 第 三 卷 》 湖 南 美術出 版 社 長 沙 中國 2007年（圖版，第56頁） 《吳冠中畫集 下卷》江西美術出版社 南昌 中國 2008 年（圖版，第302頁） 《 看 日出 吳 冠 中 老師 66 封 信中的 世界 》中國 建 築 工 業出版社 北京 中國 2011年（圖版，第105圖，第106 頁） Warm Spring in the Mountain Village Painted in 1976 oil on board 46 x 61 cm. (18 x 24 in.) signed in Chinese; dated '76' (lower left); inscribed, signed and dated in Chinese (on the reverse) PROVENANCE Sotheby's Hong Kong, 24 October 2005, Lot 789 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED China, Hong Kong, Hong Kong Convention and Exhibition Centre, Spirit of the East: Paintings by Wu Guanzhong, 18-22 November, 1993. LITERATURE Spirit of the East by Wu Guanzhong, L’Atelier Production Pte Ltd., Singapore, 1993 (illustrated, p. 15).

The Complete Works of Wu Guanzhong Vol. III , Hunan Fine Arts Publishing House, Changsha, China, 2007 (illustrated, p. 56).

The Landscape of Life Vol. I: Wu Guanzhong Album in Art, Joint Publishing Ltd., Beijing, China, 2003 (illustrated, p. 131).

〇 128 POLY AUCTION HONG KONG

HK$ 16,000,000

Wu Guanzhong-A Selection of 128 Fine Works , L’Atelier Production Pte Ltd., Singapore, 1996 (illustrated, plate 38, p. 87). About Wu Guanzhong (Selection of articles about Wu Guanzhong), Guangxi Fine Arts Piblishing House, Nanning, China, 1999 (illustrated, p. 139).

Wu Guanzhong-Connoisseur’s Choice I , People Fine Arts Publishing House, Beijing, China, 2003 (illustrated, plate 27, pp. 78-79).

Wu Guanzhong’s Paintings-Volume 2 , Jiangxi Fine Arts Publishing House, Nanchang, China, 2008 (illustrated, p. 302). Watching the Sunrise-The World in Teacher Wu Guanzhong’s 66 Letters, China Architecture and Building Press, Beijing, China, 2011 (illustrated, plate 105, p. 106). - 24,000,000 - 3,076,900

US$ 2,051,300

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19 ZAO WOU-KI 趙無極  CHINESE-FRENCH, ZHAO WUJI, 1920-2013 23.6.66 款識：無極ZAO（右下）；ZAO油彩1966年作畫布 WOU-KI 23.6.66. ne vernis pas（畫背） 來源 法國 巴黎 法蘭西畫廊 法國 巴黎 私人收藏 亞洲 佳士得私人收藏香港2014年5月24日 編號8 現藏者購自上述拍賣 展覽 1967年「趙無極近作」法蘭西畫廊 巴黎 朗索瓦此作品將會登記在趙無極基金會文獻庫，並將收錄於弗法國 · 馬凱及揚 · 編年集》。（資料由趙無極基金會提供。）亨德根正籌備編纂的《趙無極作品 23.6.66 Painted in 1966 oil on canvas 81 x 65 cm. (32 x 25 1/2 in.) signed in Chinese; signed 'ZAO' (lower right); signed, titled and inscribed 'ZAO WOU-KI 23.6.66. ne vernis pas (on the reverse) PROVENANCE Galerie de France, Paris, France Private Collection, Paris, France Private Collection, Asia Christie's Hong Kong, 24 May 2014, Lot 8 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED France, Paris, Galerie de France, Zao Wou-Ki oeuvres récentes, 1967. This work will be referenced in the archive of the Fondation Zao Wou-Ki and will be included in the artist's forthcoming catalogue raisonné prepared by Françoise Marquet and Yann Hendgen. (Information provided by Fondation Zao Wou-Ki.) 亞洲重要私人收藏 PROPERTY FROM AN IMPORTANT ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 10,000,000 - 15,000,000 US$ 1,282,100 - 1,923,100 〇 130 POLY AUCTION HONG KONG

131MODERN AND CONTEMPORARY ART

自 1948 小的美術館之後，於種現代感的表現形式，在遊歷歐洲各國和大大小年移居法國，趙無極一直都在反覆追尋一 1950 空間佈局，到的「克利時期」著重探索繪畫中的色調的孕育和新的抽象表現風格。從最初以風景和建築為靈感年代初開始探索一種嶄 50 金文鳥蟲書，直到書法的形態融入繪畫，類似戰國時期青銅器上的年代中期，趙無極開始將符號與 50 按、統山水畫所蘊藏的超然境界，以草書中點、撇、十年的探索，這一時期的趙無極廣泛汲取中國傳韻律美感和強烈的情緒感染力。歷經對現代主義迴腸的蜿蜒線條如同中國草書，展現富有氣勢的稠的油彩皴擦、具有開闊筆勢的線條形式，盪氣年代末期演變出了一種以濃 挪等 筆， 輔 以 發揮 油彩 堆疊 和 肌理 的 特性來 表現 峰巒疊嶂 、 雲蒸霞蔚 、 明媚幽晦等 抽象的 意 境，形 成 了 整體 上氣勢 恢宏 ， 但細節處飄逸悠遠 的意境。 《 23.6.66 》 (Lot 19) 延續其 60 年代 典型 的 縱向 構圖三段 式空間 分割 ， 疾走 的筆勢集中在畫 面 中 段 ， 其 筆 道 如「 運 筆 迅速 ，如 驟雨旋 風， 飛動圓 轉 ， 隨手萬 變， 而 法 度 具備」的 懷素 ； 其意 境 蒼 茫悠遠 如 石濤 的山水所 倡導 的「法自 我立 」，以 自然為 關照 ， 進而帶來千 變 萬化 的 構圖 ， 既疏秀 明潔又酣暢淋漓 。 當視 線 隨 著 遒勁舒 展的筆 觸向 畫 面 之 外延伸 ，線條的 交錯躍動帶動周遭 色彩 精 微 的變 化 ， 擷 取 其精 蘊， 再聚焦細節則 蘊 涵 著氣 象 萬千 的 精微 景 觀 ，在 宏觀 與 精微 之 處 的 不 同的 情境 塑造 上 也體 現了趙無極對中國傳統美 學 對 立 卻 統一的空間 審 美 觀念—既 追 求全 景式的無 限江 山， 也 追 求 局 部單 景的 微觀 直 照 。 而 在西 方 現代 主義的表現 技 法上，趙無極 不僅 利 用 油彩 控制 出 的 肌理 與 飛白 為濃重有力的線條 帶來 了 輕盈飄逸 之感， 牽動 著情緒的 千 迴 百轉 ， 且 在筆勢之 外 ， 藝 術 家 以 抒 情的 藍 色和 沉靜 的 褐 色 創造不 同 層次 ZAO WOU-KI 空間、動勢、氣韻、光影趙無極 陳容《雲龍圖》（局部）南宋 中國 廣州 廣東省博物館藏 Chen Rong, CloudDragon (detail), Southern Song, Collection of the Guangdong Museum, Guangzhou, China 133MODERN AND CONTEMPORARY ART

的空間感，與線條的 流動共 同 塑造 一種表現上的 潛能—讓 人 聯想 到 微 風 輕拂平靜 的 湖面 泛 起 的 漣 漪 ， 或是雨過天晴 後的空靈 平靜 ， 帶 有一種 抒 情 詩般 的 娓娓道來 。如同趙無極 認 為的「繪畫反 映 了 他 所經歷的一 切 」，在 1960 年代 晚 期， 他 的 妻子陳 美 琴 的 身體每況愈 下，對於 至愛 的 病痛他 卻束手 無 策 ， 因 此這一時期的作品蘊藏 藝 術 家飽 滿 的私人情緒。《 23.6.66 》 甚 為 罕見 的色彩 承 載 了趙無極對 妻子 的 憐惜 和對 平靜生活 的 希望 ， 輕柔淡雅 的 用 色和書法 般雷霆萬鈞 的筆 觸 形 成 了 「 虛 」與「 實 」、「 輕 」與「重」的對 比 ， 不僅 擁 有趙無極作品中 獨 有的 雄渾 氣 度 和文人 神魄 ， 同時 承載他 對 至愛 的 深 情和對 生命 的 思考 ， 呈 現 了一種直擊靈魂的抒情之美。 趙無極在 1971-72 期間的油畫 創 作 相 對 稀 有，這 一時期的 他 以傳統水 墨 的 處理方 式 來控制 油彩， 以 加 入 松節 油的 方 式 使 油彩變得 更 為 輕 靈 延 展， 達 到在畫布上 創造 出 更 空靈和 氤氳 的 虛 空 氛圍 的 目 的。《 6.11.72 》 (Lot 20) 畫 面疏淡留白 ，以 藝 術 家 極 其簡單 的 用 色 加 以強調筆 觸 的 動 勢 來 探索 山水 實 景中抽象的風 雲 氣韻的表 達 ， 他 以 褐 色 流 動性 的大筆 觸來模擬 洶湧 的風 雲 態勢，以 沿襲 自 「 狂 草」時期的書法 般揮 灑 感的線條 來 演 繹 遠處 的 群 山，以 暈 染的 白 色 環繞 在有力的 剛 性 線條的 周圍 ，形 成明 暗 對 比 並 實 現 剛 柔 並 濟 的 視 覺張 力，如 遠方 群 山 籠罩 在 雲 霧 之下， 柔 和的日 光 從 霧 氣之中 滲透 出 來 ， 慢慢 將 光 彩 湧 現， 令 觀 者 彷 彿置 身 於 茫茫 太 虛 ，感 受 能 量 由初始 噴薄 而 出。 《 6.11.72 》 是 趙無極在 70 年代初期超 脫 於山水的 具象表 達 ，從 而更深 入表現 潛 藏於山水之中的抽 象的空間、 動 勢、氣韻、 光影 的 嘗試 。 他 通 過 對 純粹 的 單 色和大 面 積 留白 的 運用 充 分 表現了中國 文 化 中的空靈感，同時 又呈 現出一種中國 哲 學 中 「 天 人 合 一」的 精神 空間， 他 以自 我 心 象為 參 照 塑造 出一 個完 全 抽象的形式 世 界，為 觀 者 留 出 巨 大的自由想像空間。 1. 約瑟夫．瑪羅 德 ．威廉．透納 《 暴 風 雪 汽船駛離 港 口 》 1842年作 英國 倫敦 泰特美術館藏 J.M.W. Turner, Snow Storm Steam-Boat off a Harbour's Mouth, 1842, Collection of The Tate Gallery, London, UK 2. 趙無極與陳美琴 Zao Wou-Ki and May Zao 2.1. 134 POLY AUCTION HONG KONG

趙無極從 1950 年代開始 便 不 斷 將 東 西 方 美 學觀念 融會 貫通 ，以西 方 的表現形式 闡 述中國人的文 化 觀 點，反 映 中國文人的 精神 境界，如 他 在 1962 年 接受 法國 雜誌 《 Preuves 》 訪問 時 解釋 ：「巴黎 無 疑 對 我 的 藝 術 磨練影響 深遠 ， 但我 亦逐漸 重新 認 識中國。 矛盾 的 是 ， 全 靠 巴黎 我 才 會 回歸 最 深 刻 的 本源 。」，在 其 由「克利」、「 甲骨 文」 至 「 狂 草」的 遞 進 嬗 變中，趙無極從 精 緻 佈局的空 間 呈 現到在有 限 尺幅 之上 投射 出山 川 萬 里 無 垠 ， 進而呈 現出 深遠 無 限 的空間感和超 脫 悠遠 的 意 境，在油彩的 運用 上，一 方面使用 中國書畫「 墨 分 五 色」的 理念 ，取 其 濃 淡 枯潤 、 暈 染 化 散 的變 化層次 ， 而 另 方面使用 油彩 更加 靈 活 的色彩 獨 特 的 透亮質 感， 使 得油彩的筆 觸 與 肌理疏 密 有 致 ，與背景的色彩 交相 輝 映 ，如同 光 線的 深潛 和 躍 升 ， 使 畫 面 氣韻 流動 ， 既 填補 了中國傳統山水 畫所 欠缺 的 光影效果 ， 也使 油彩 更加輕 靈 氤氳 ， 為 東 西 方 美 學 表 達 架 起 橋梁 ， 更 在 藝 術 史 上 成 為 一種獨一無二的視覺語言。 靜水面空氣的盪漾。組合，使人能在其中看到寂現自然，而是將形象並列、光的明朗、純淨？我不想表畫風？怎麼表現空白？表現我常在心裡揣摩的是：如何──趙無極 135MODERN AND CONTEMPORARY ART

Since moving to France in 1948, Zao Wou-Ki has been constantly searching for a modern form of expression. After travelling through European countries and large and small galleries along the way, he began to explore a new style of abstract expression in the early 1950s. Starting from the 'Klee Period', which was initially inspired by landscapes and architecture, Zao Wou-Ki began to explore the cultivation of colour and spatial layout in his paintings. In the mid-1950s he began to incorporate symbols and calligraphic forms into his paintings, similar to the inscriptions on bronzes of the Warring States period. It was not until the late 1950s, that a line form with thick oil paint and board brushstrokes evolved to reveal the texture of mountains and rocks. The winding lines were like Chinese cursive script, showing the imposing rhythmic beauty and strong emotional appeal. After a decade of exploration into modernism, Zao Wou-Ki drew extensively from the transcendent realm of traditional Chinese landscape painting, using cursive brushstrokes such as dotting, skimming, pressing, and moving. In addition, the stacking and texture of oil paints were used to express the peaks and mountains. The abstract artistic conceptions such as stacking peaks, clouds steaming and clouds, bright and secluded, and so on, form an overall grand and elegant conception, but the details are elegant and distant.

23.6.66 (Lot 19) is a continuation of his typical vertical composition of the 1960s with its three-stage spatial divisions, where the brisk strokes are concentrated in the middle section of the painting. The brushwork of which is like that of Huaisu, who "moves swiftly, like a sudden rain and a whirlwind, flying and turning in a circular manner, changing at will, but with the law in place". The mood is as boundless and remote as the 'self-reliance' advocated by Shi Tao's landscapes, which take nature as their focus and brings a variety of compositions that are both sparse and clean, as well as being fluid. As the view extends beyond the painting with the powerful and spacious brushstrokes, the interplay of lines brings about subtle changes in the surrounding colours, capturing their essence and then focusing on the details to embody the subtleties of the landscape. Zao Wou-Ki's contrasting but unified conception of space in traditional Chinese aesthetics is also reflected

ZAO SPACE,WOU-KI SHADOWRHYTHM,MOVEMENT,LIGHT,AND

米芾 《 春 山 瑞 松圖 》 北 宋 台灣 台北 國 立 故宮 博物院藏 Mi Fu, MountainsandPinesinSpring, Northern Song, Collection of the National Palace Museum, Taipei, Taiwan - the pursuit of both panoramic views of infinite rivers and mountains and the microscopic direct illumination of a partial single scene. With the application of Western Modernism techniques, Zao Wou-Ki not only uses the controlled texture of oil paint and the blank (white space) to bring a sense of lightness and fluidity to the heavy, powerful lines, which evoke a wide range of emotions, but beyond the brushwork. The artist uses lyrical blues and solid browns to create different levels of spatiality, which together with the flow of the lines create a sense of expressive potential that evokes the rippling of a quiet lake in the breeze, or the ethereal calmness of a clear sky after a rainfall, with a lyrical narrative. As Zao Wou-Ki believes, 'his paintings reflect what he has experienced'. His wife May Zao's health deteriorated in the late 1960s, and he was unable to do anything about his beloved's illness, so his works from this period are filled the sorrow and pain.

The very rare colours of 23.6.66 embody Zao Wou-Ki's pity for his wife and his hope for a quiet life, in which the soft and elegant colours and the thunderous brushwork of calligraphy form a contrast between 'emptiness' and 'solidity', 'lightness' and 'heaviness', which not only possess the majesty and literati spirit unique to his art works, but also carry his deep love for his beloved wife and his thoughts on life, presenting a lyrical beauty that strikes to the soul.

Zao Wou-Ki's oil paintings from 1971-72 are relatively rare. During this period, he used the traditional ink painting techniques to control the oil paints, adding turpentine to make the oil more flexible, in order to create a more ethereal and elusive atmosphere on the canvas. In 6.11.72 (Lot 20), the artist's extremely simple colour palette and emphasis on the movement of the brushstrokes are used to explore the abstract expression of the wind and clouds in the landscape scene together with large areas of white space. He uses heavy, flowing brown brushstrokes to simulate the stormy weather and clouds, and uses lines that follow the calligraphic style of the Hurricane period to depict the distant mountains. He creates a contrast of light and dark and achieves a visual tension of both strength and flexibility by using blurred white to surround the strong, rigid lines, as if the distant hills are shrouded in clouds, with

Lot 20 137MODERN AND CONTEMPORARY ART

I often elicit in my mind: How do you paint the wind? How do you present emptiness? How do you present the brightness and purity of light? I do not want to present nature but let people see undulations of air on the calm water surface, by juxtaposing and combining images.

6.11.72 is an attempt by Zao Wou-Ki in the early 1970s to move beyond the figurative expression of landscape to a deeper expression of the abstract space, movement, rhythm, light and shadow that lie within it. Through the use of pure monochrome and large areas of white space, he fully expresses the sense of emptiness in Chinese culture, while at the same time presenting a spiritual space of 'unity of heaven and man' in Chinese philosophy. With his own mental image as a reference, he shapes a completely abstract formal world, leaving the viewer with a great deal of freedom of imagination. Since the 1950s, Zao Wou-Ki has been blending Eastern and Western aesthetic concepts, using Western forms of expression to articulate Chinese cultural perspectives and reflect the spiritual realm of Chinese literati. As he explained in an interview with the French magazine Preuves in 1962, 'Paris has undoubtedly had a profound influence on my artistic training, but I have also gradually reacquainted myself with China. Paradoxically, it was only through Paris that I returned to my deepest roots." In his progressive transmutation from Klee, Oracle Bone and Hurricane, Zao Wou-Ki moves from the delicate layout of space to the projection of the boundlessness of the mountains and rivers on a limited scale, thus presenting a sense of profound and infinite space and a transcendent and distant mood. In the use of oil paint, the concept of "different colours in ink" in Chinese painting and calligraphy is used on the one hand, taking into account the variations of shades, blurring and dispersion. On the other hand, the unique translucent texture of oil paint makes the brushwork and texture of the oil paint more flexible, so that the brushstrokes and texture of the oil paint are sparse and dense, reflecting with the colours of the background, just like the deep dive and jump of the light, making the painting flowing, not only filling the lack of light and shadow effects in traditional Chinese landscape painting, but also making the oil paint more light and airy, bridging the gap between Eastern and Western aesthetic expression, and forming a unique visual language in art history.

張旭《肚痛帖》唐代 明代重刻原石 中國 西安 碑林博物館藏 Zhang Xu, Letter about a Stomachache (Dutongtie), Tang dynasty, re-engraved in Ming dynasty, Collection of the Forest of Steles, Xi'an, China 138 POLY AUCTION HONG KONG

tender daylight seeping through the mist, slowly bringing out the glory, making the viewer feel as if they were in the vast emptiness, feeling the energy emanating from the beginning.

- ZAO WOU-KI

20 ZAO WOU-KI 趙無極  CHINESE-FRENCH, ZHAO WUJI, 1920-2013 6.11.72 款識：無極ZAO（右下）；ZAO油彩1972年作畫布 WOU-KI 6.11.72. 95 x 105（畫背） 來源 藝 術 家 於1972-1973年 贈予伯納 及 關 妮薇．安 東 尼奧茲 夫婦 法國 私人收藏（得自家族遺產） 佳士得 香港 2014年5月24日 編號10 現藏者購自上述拍賣 出版 《趙無極》Hier et Demain Edi tions 巴黎 法國；及 Ediciones Polígrafa 巴塞隆納 西班牙 1978年（圖版， 第412圖，第299頁) 《趙無極》 R i zzol i 紐約 美國 1979年（ 圖版 ， 第 412 圖，第299頁) 《趙無極》 C er cl e d' Ar t 巴黎 法國 ；及 Ed i c i o nes Poligrafa 巴塞隆納 西班牙 1986年（圖版，第444圖， 第339頁) 附瑞士 日內瓦 趙無極基金會開立之原作保證書 6.11.72 Painted in 1972 oil on canvas 95 x 105 cm. (37 1/2 x 41 1/4 in.) signed in Chinese; signed 'ZAO' (lower right); signed, titled and inscribed 'ZAO WOU-KI 6.11.72. 95 x 105' (on the reverse) PROVENANCE Gift from the artist to Bernard and Geneviève Anthonioz in Private1972-1973Collection, France (Acquired from family descent) Christie's Hong Kong, 24 May 2014, Lot 10 Acquired from the above sale by the present owner LITERATURE Zao Wou-Ki , Hier et Demain Editions, Paris, France; & Ediciones Polígrafa, Barcelona, Spain, 1978 (illustrated, plate 412, p. 299). Zao Wou-Ki , Rizzoli International Publications, New York, USA, 1979 (illustrated, plate 412, p. 299). Zao Wou-Ki, Editions Cercle d'Art, Paris, France; & Ediciones Poligrafa, Barcelona, Spain, 1986 (illustrated, plate 444, p. 339). This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Fondation Zao Wou-Ki, Geneva, Switzerland. 亞洲重要私人收藏 PROPERTY FROM AN IMPORTANT ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 8,000,000 - 12,000,000 US$ 1,025,600 - 1,538,500 〇 140 POLY AUCTION HONG KONG

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龎均 作為 獨 樹 幟 的「 東 方 寫 意性 油 畫」 開 創 者 ，在西方 油 畫基 礎 上 完 美地 融 入 了 東 方 傳統 繪畫的意 境 。之 所 以 鍾 愛 於 油 畫 媒 材，是他認為 油 畫 顏 料 的豐富 度 勝 過 所有 的 媒 材， 亦 可 堆 積且可 厚 可 薄 ， 就 如同中國繪畫 裡 的 寫 意。他生 長 於 充 滿文人的 時 代， 亦 受 跨 時 代的影響，在觀念上 有 著 開 放創 新 的 思 維 ， 但 仍 保 有傳統 繪畫基 礎 的堅 持 。 不 畏 懼 當時 人們對 於 東 方 油 畫的 不看 好 ，堅 持 不 斷 的創作 具有 東 方色彩的 油 畫 作品。他 廣 為人 知 的 風 景畫是 經 由大 量 長 時 間的 寫 生 經 驗 ， 和自身對其 顏 色的 敏 銳 度 所 成 就 的，他認為 寫 生是一個 永 久 的 題 材，因為 真 實體 驗 是 最 為 深 刻 的，他的 風 景畫源於 記憶 中的 那 些 深 刻 體 驗 ，將 腦海 中的畫面 重 組 創作，創作出 屬 於 他個人的獨特且具有魅力的風景。 中國 北 京 的香 山 以 紅 葉 聞 名 ，在 深 秋 時 是 最 極 為 壯 觀的 時 刻 ，藝術家們 都 會 前往 香 山 寫 生，以香 山 為 題 材創作的大 師 就 有 劉 海 粟 、 吳 冠 中等人。 通 常畫香 山 的 紅 葉 有 兩種角 度 ， 一種是 遠 看 香 山 ， 另 一種角 度則 是 近 畫 楓葉 。 近 畫 楓葉 需要 鑽 到 楓葉 林 裡 頭，在 茂 密 的 林 間作畫。《 金 秋 季 節 》 (Lot 21) 的 原 稿 就 是 龎均 在 楓葉 林 中的 寫 生，他 回 憶寫 生 時 還碰 到 了 劉海粟，與其一同討論分享各自的畫作。 在《 金 秋 季 節 》中， 首 先 映 入眼 簾 的是大面 積 的 紅 葉 ，畫面 中的 紅 葉 是由兩種 不 同的 紅 色 組 合 而成，以大 紅 色的 朱 紅加 上 深 色 偏 冷 色 調 的 玫瑰 紅 ， 但 是 單單 使 用兩種 紅並不 能 引 發 顏 色的豐富 度 ， 所 以 龎均 在 紅 色中 加 入 相 對 應 的 綠 色。 調 和 綠 色 屬 於 較 困 難 的 技巧 ，在 顏 料 調 和中將兩個對 比 的 顏 色 調 得 太 均 勻 會 降 低 色彩豐富 度 使 得 失 去 層 次。因 此 在這 件 作品 上， 龎均 使 用 厚 塗 與 顏 料 相 碰 的方式， 再 以 不 同 筆法 在畫 布 上 做 輕 微 的 調 和， 使 得 紅 色 時 而 偏 綠時 而 偏 向 黃 ， 完 美地 增 加了紅 色的 層 次與豐富 度 。在畫面的下方 則 是 落 葉 與地面， 以對 比 的 綠 色和 較 為 穩 重 的 土 黃 、 藍 與 紫 呈 現出空間 感 。 仔 細 的 欣 賞 這 件 作品， 遠 看 是一 片 具有 張力的 紅 色系， 細看時 就會發現色彩細微的變化。 對 龎均 而 言 ， 題 材一直 都 不 是 最 重 要 的 也不 是 唯 一的 目 的。 不 一定是用 寫 實的方 法 或 以 具 體的方式 去 描繪 楓 樹 的 姿 態 或 顏 色。他在繪畫 裡 已 經 去除 了傳統 繪畫 光 影的作用， 不再 以 黑 白深淺 的對 比 來表現空間及立體 感 ，而是 單 純 的 專 注 色彩 和色彩的豐富 度 。 龎均 說： 「我 覺 得 要 把顏 色畫得 最 好 的 時 候 ， 就 不 要 有 影 子 的 存 在。」他以色彩 本 身 具有 的 冷暖 性 質 去 創 造 空間和立體的 效果 。 龎均 創作從來 不 預 設結 果 ，而是 享 受繪畫的過 程 ， 當 他 每 畫一 部 分 時 都 會影響 旁 邊空 白部 分 的發 展 ，在 當 下 隨 著 靈感 的 變 化而出現，這 也 成為 了 他在創 作中不斷突破自我的重要關鍵。 金秋季節龎均 PANG JIUN 『心』，對任何平淡事物的感覺，不是由『形沒有畫什麼特別的東西，只是畫自己的式』決定的，而是由感覺與情緒決定。──龎均 142 POLY AUCTION HONG KONG

李可染《萬山紅遍》1963年作 中國 北京 中國美術館藏

Pang Jiun once said, "I don't paint anything special, just my own 'heart', and my feeling of any commonly seen thing is not determined by the 'form' but by feeling and emotion". As the creator of the unique 'Oriental Freehand Brushwork Oil Paintings', Pang Jiun has perfectly integrated the atmosphere of traditional Chinese painting into the basis of Western oil paintings. The reason for his love of the medium is that he believes that oil paint is richer in possibilities than any other medium, as it can be piled up or thinned, just as the 'Freehand Brushwork' in Chinese painting. Growing up in an era full of literati, he was influenced by the cross-generational trend and was conceptually open to innovation, but still maintained his insistence on the foundations of traditional painting. He was not afraid of the negative perception of oriental oil painting at the time and insisted on creating oil paintings with an oriental flavour. His widely known landscapes are the result of extensive and lengthy sketching experience and his own sensitivity to colour. He believes that sketching is a permanent subject, as real experiences are the most profound. His landscapes originate from those profound experiences in his memory, and he reorganises the images in his mind to create his own unique and charming landscapes.

PANG JIUN

The Fragrant Hills in Beijing are famous for their red autumnal leaves, which are at its most spectacular state during late autumn. They have attracted many renowned artists, including Liu Haisu and Wu Guanzhong, who have used them as their subject matter. There are two angles from which to paint the red leaves of the mountain, one is from a distance and the other is from close up. To paint those red leaves from a close distance, one needs to go into the maple forest and paint in the dense woods. The original manuscript of Golden Autumn (Lot 21) is paint from nature by Pang Jiun in a maple forest. He recalls meeting Liu Haisu while sketching, and discussing and sharing the paintings with each other. In Golden Autumn, the first thing that strikes the eye is the large area of red leaves. The red leaves are composed of two different reds. However, the use of reds alone does not induce enough colour richness, so Pang Jiun adds a corresponding green to contrast the red. Blending green is a difficult technique, as blending the two contrasting colours too evenly can reduce the richness of the colour and may potentially allow the work to lose its layers. Therefore, the artist masterfully applies the green and red colours thickly to from the contrast, they are then slightly blended on the canvas with different brush strokes, making the red sometimes appear green and sometimes appears yellow. With this application, it perfectly added layers and richness to the red. At the bottom of the painting are the fallen leaves and the ground, with contrasting greens and more stable earthy yellows, blues and purples to create a sense of space. A glimpse at this work reveals a tense red colour palette from a distance, but a closer look reveals subtle variations in Tocolour.theartist, the subject matter has never been the most important or the only objective. In the depiction of autumn leaves, it is not necessarily to adopt a realistic approach or a specific way of depicting the posture or colour of a maple tree. He has removed the role of light and shade from traditional painting in this painting, and no longer uses the contrast between black and white and shades of colour to express the sense of space and form, but simply focuses on colour and the richness of colour. "I think that in order to paint the best colours, there should be no shadows," says Pang Jiun. He uses the warm and cold nature of colours to create space and three-dimensional effects. He never creates with a predetermined goal in mind, but rather immerses and enjoys the process of painting. Each time he paints a part of his work, it affects the development of the blank part next to it, which emerges in the moment with the change of inspiration. This has been the key to his breakthrough in creativity. Li Keran, All the Mountains Blanketed in Red, 1963, Collection of the National Art Museum of China, Beijing, China

PANG GOLDENJIUN AUTUMN

21 PANG JIUN 龎均  CHINESE, PANG JUN, B. 1936 金秋季節 2021 年作 油彩 畫布 款識：龎均 2021（右下） 藝術家手繪鈐印：均 來源 亞洲 私人收藏 Golden Autumn Painted in 2021 oil on canvas 201 x 250.5 cm. (79 x 98 1/2 in.) signed in Chinese; dated '2021' (lower right) one painted seal of the artist PROVENANCE Private Collection, Asia HK$ 1,500,000 - 2,500,000 US$ 192,300 - 320,500 144 POLY AUCTION HONG KONG

145MODERN AND CONTEMPORARY ART

1997 年 朱 德 群 受 法 國權 威 藝術 機 構 的 肯 定，成為 法 蘭 西藝術 院 終 身 院 士，為 200 年以來 首 位進入 此 法 國 最 高 學術 殿堂 的 華裔 人士， 象 徵 過 去 六 十 餘 年來在藝術領域上的 辛勤 耕 耘 開 花 結 果 。創作於 次年的《 靈 性的 光 輝 》 (Lot 22) 有別 於過 去山 谷 間 蓄 勢 待 發的 爆 發， 此刻 他 充 滿自信，對畫面的 掌 握 游刃 有 餘 ，自在的 線條 與明 亮 線條 ， 更像 是 鋪 劃 片江山千里望無垠的康莊大道。 擁有深 厚 書 法 功 底 的 朱 德 群 ，將 書 寫 線條 視為他 創作的 特 徵 之一， 隱 含 著 東 方 書 法筆 墨 裡 的 抑 揚、 頓 挫 的 線條 。《 靈 性的 光 輝 》為 了 展示 流 動 的音樂性， 瀟 灑 自如的 筆 刷 揮 寫 出 網 狀 、 線 狀 的 運動感 和 節 奏 感 ，畫面中 有 大 筆 揮 灑 的 速 度 ， 挾 CHU TEH-CHUN 江山千里望無垠朱德群 朱德群 146 POLY AUCTION HONG KONG

帶細 筆 的 精 妙 的 轉 折 ， 交 織 「大 弦嘈嘈 似 急雨 ， 小 弦 切切 似私 語 」樂 曲 般 的行 雲 流 水 的 節 奏 ， 使 畫面流瀉從容不迫，駕輕就熟的靈動與音樂性。 青綠為質，金碧為紋 1990 年 朱 德 群 搬 進 了 由 建 築 師 多明 尼 克． 費 侯 為他 設計 的 工 作 室 ，明 亮 且 寬 敞 的空間， 改 變 繪 畫 光線 的來源，進而影響他對色彩的 布 局 。 秉 棄 聚 焦 式的 投 射 光束 ，以全面 積 的自 然 光 ， 跳 脫 過 去 局 部光 源 囿 限 畫面 整 體色彩的 技巧 ， 展 現 天 光 明 亮 場 景。《 靈 性的 光 輝 》上 半 部 在 半 透明 顏 料 的 交 疊 之下，一 叢叢銘 黃 色 妝 點天 際 ， 彷彿幻 化 出 天 地間 祥 雲 瑞 氣 。而下 半 部 僅 運 用 靛 藍 與 翠 綠 寶石 交 織 ，色彩 或 渾 厚 ， 或 輕 盈 ，其間以 赭 色 襯 托 ， 打造 如同《 千 里 江 山 圖》的 青 綠 色 調 下， 斑 斕 且 富麗 堂 皇 的用色，如同 吳 冠 中 所 形容 ： 「 朱 德 群 常用 墨 綠 、 朱 紅 、明 黃 、 深藍 等 濃 重 的色彩 營造 畫面， 追求 黃 鍾 大 呂 演 奏 之 宏 亮效果 。 王 希 孟 千 里 江 山 圖的 金 碧 輝 煌 ，在他的 油 彩中 被 濃 縮 ， 被 發揚。 被 他 譯 成 了 現代 造 型 語 言 ，與西方 現代藝術 相 對 照 和 比 美。」鮮明的色彩與 開 闊 構 圖， 反映 朱 德 群 受大自 然 啟 發的 山水 情 懷 ， 寄託 內 心 寫 照 的 投 射 。 通 過 審 美主體與 客 體的 交 融 ， 承 襲 石 濤 強調 從自我主觀 真 實 感 受出發， 運 用藝 術家 情感 反 射 ， 通 過創作， 不 斷 反 芻 自身 母 體文 化， 再 借 用西方的現代 語 彙 與 媒 材的 導 引 ，從 書 法 用 筆 、 傳統 山水 精 神至音樂性空間中 注 入 充盈 的 東 方 精 神， 不 單 開 創 了 抽 象 表現主義 截 然 不 同 的路向，更對傳統美學精神的重新詮釋與發揚。 CHU TEH-CHUN 張大千《千里江山圖》 1947 年作 蘇富比 香港 2022年3月30日 成交價：370,495,000港幣 Zhang Daqian, LandscapeafterWangXimeng, 1947, Sotheby's Hong Kong, 30 March 2022, Sold for HKD 370,495,000 我對大自然的感覺，也是大自然賦予我的感覺，更徹「我繪畫的靈感泉源是完全從自然而來的，我所畫的，是 底 地 說，是自然與我靈性的結合。」 147MODERN AND CONTEMPORARY ART

In 1997, Chu Teh-Chun received the recognition of authoritative French art institution by becoming a lifetime member of the Académie des Beaux-Arts and the first ethnically-Chinese person to join in 200 years, symbolizing more than 60 years of diligence in the realm of the arts coming into full bloom. Unlike the works of the past, which always gives an impression that the valley is ready to go but yet to explode, Clarté Immatérielle (Lot 22), created in the following year, is a moment brimming with self-confidence. Painted with skill and ease with free and bright lines. It is more like paving a flat and smooth road with endless rivers and Withmountains.aprofound level of skill in calligraphy, Chu Teh-Chun considers the contours of the written word to be one of his most unique characteristics as he embodies the cadence and transition of Eastern calligraphy ink and brush implicit in his work. In order to reveal a musical flow, the relaxed and unconstrained brushwork of Clarté Immatérielle has the feel and tempo of cross-hatching written out. In this painting, the brushstrokes are filled with speed along with delicate turnings by small brushstrokes. Each brushstroke looks as if it's interweaving with the rhythm of the music "like a downpour, the bass strings create a tumult, like a whisper, the treble strings tremble." The scene created by the artist feels calm; filled with flexibility and full of musicality.

TURQUOISE AS TEXTURE, GOLD-JADE AS PATTERN In 1990, Chu moved into a studio built for him by architect Dominique Ferro. The bright and spacious room influenced the way the artist perceived light and composition of colours. He abandoned the method to focus light source on a single area. A chrome yellow horizon clusters in semitransparent layers on the upper half of Clarté Immatérielle as if the space between heaven and earth were transformed by a magic cloud of propitious vapors. While the lower half of the present work is composed of indigo, along with a perfect mix of blue and green, interweaving with a colour. The space between is set off by ochre, creating a lush tone akin to A Thousand Li of Rivers and Mountains, using tones as multicoloured and sumptuous as Wu Guanzhong's description: "Chu often uses forest green, vermillion, bright yellow, dark blue, and other deep, rich colours to construct his tableau, pursuing the grand effect of a solemn and sublime musical performance. Wang Ximeng's splendid landscape of A Thousand Li of Rivers and Mountains was condensed and carried forward in his oil paintings. The essence of traditional Chinese art was translated by him into Modern modeling language, contrast and beauty with Western modern art." The distinct colours and wide-open composition mirror the feelings that the natural world stirs within Chu Teh-Chun, a portrayal of his innermost being. Through a blend of aesthetic subject and object, it sets off from Shi Tao's emphasis on the subjective reality of the self, putting to use the artist's emotional reflection. Through creation, through an incessant rumination on one's own mother culture, borrowing the guide of modern Western vocabulary and media. As well as the brush and spirit of the traditional mountain-and-river paintings and pouring an abundance of Eastern spirit into a space of musicality. Not only does Chu start in a completely different direction of abstract expressionism, he also develops and reinterprets the essence of traditional aesthetics.

A GAZE INTO THE VASTNESS OF RIVERS AND MOUNTAINS 王 希 孟 《 千 里 江 山 圖》 （ 局 部） 北 宋 中國 北 京 故宮博物院藏 Wang Ximeng, A Thousand Li of River and Mountains (detail), Northern Song, Collection of The Palace Museum, Beijing, China 148 POLY AUCTION HONG KONG

Chu

CLARTÉ IMMATÉRIELLE

The source of my inspiration for painting comes entirely from nature. What I have painted are my feelings about the natural world as well as those that has bestowed upon me. A more complete way of saying it would be that this is the combination of the spirit of nature and my own spirit.

- Teh-Chun

22 CHU TEH-CHUN 朱德群  CHINESE, 1920-2014 靈性的光輝 1998 年作 油彩 畫布 款識：朱德群 CHU TEH CHUN 98.（右下）；"Clarté IMMATERIELLE" CHU TEH CHUN 朱德群 1998. （畫 背） 來源 羅芙奧 台北 2010年12月5日 編號 152 現藏者購自上述拍賣 展覽 1 998 年 5月9- 2 4 日「 1 998 朱 德 群 個 展 」 傳 家藝術國 際 股 份有限公司 台北 台灣 附 藝術家 親 簽 之 照 片 及 朱 德 群 妻 子 董 景 昭 女 士 所 簽 署 之 保 證 書 。 此 作將 被收 錄 於 朱 德 群 基 金 會正 籌 備 編 纂 的 《朱德群作品編年集》 Clarté Immatérielle Painted in 1998 oil on canvas 60 x 119.5 cm. (23 1/2 x 47 in.) signed in Chinese; signed and dated 'CHU TEH-CHUN 98.' (lower right); titled, signed and dated '"Clarté IMMATERIELLE" CHU TEH-CHUN. 1998.'; signed in Chinese (on the reverse) PROVENANCE Ravenel Taipei, 5 December 2010, Lot 152 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED Taiwan, Taipei, Heritage Arts International Ltd, 1998 Chu Teh-Chun Solo Exhibition, 9-24 May, 1998. The work is to be sold with a photograph signed by the artist and with a certificate of authenticity signed by the artist's wife, Chu Ching-Chao. This work will be included in the artist's forthcoming catalogue raisonné on the work of Chu Teh-Chun, being prepared by Fondation Chu Teh-Chun. HK$ 3,200,000 - 4,500,000 US$ 410,300 - 576,900 150 POLY AUCTION HONG KONG

151MODERN AND CONTEMPORARY ART

寒雲欲雪朱德群 2016 年 朱 德 群 以創作於 1991-1999 年《 雪 霏霏 》 打 破 當時 個人 拍賣紀 錄 ， 並 躍 升 為 千 萬 美 金 的藝術家。從 此 藏 家們對 90 年代的 蘊 藏 大自 然 豐 沛 能 量 創作關 注度 大為提 升 。創作於 1991年《微妙的積雲》(Lot 23)，便是同一時期的創作，宏大 的 尺幅 ， 銀 灰 色的背景 彷彿重 現 瑞 士 阿 爾 卑 斯 山 暴 風 雪 的 觸 動 。 輕 盈 流 動 的 顏 料 特 性，將 片片 的 雪 花 幻 化為透明的 白光 籠 罩 了 厚 實的 潑 色基 底 ，畫面在 忽隱忽 現之間 暈 染 ， 塑造 明 亮而天地遼闊之意象。 寒雲欲雪 1980 年代， 朱 德 群 途 經阿 爾 卑 斯 山 的火 車 ， 窗 外 白 雪 皚皚 的 壯 闊 場 景， 使 之 激 動不 已 ，從 此 雪山 的形 象深 埋 心中， 開 始 創作「 雪 景」系列。創作於 1991 年的《 微 妙 的 積 雲 》 此 時 滿 天 紛 落白 雪 已 經幻 化為一 片 透明的 白光 ，將 可 視的 風 景 內 化 為的 回 憶 ，達到「 求 其 氣 韻 ，出於物表」 不 為物 限 的創作 思 維 ，在他的視 覺經 驗 有了更 超然 與 深 刻 的體 悟 ，進而 啟 迪 他 往 後色彩 層 次與空間 營造 的 革 新 。 朱 德 群 運 用 顏 料 輕 盈 流 動 的 特 性， 首 先 以 深 色背景 鋪 陳 ， 施 以 銀 灰 色透明 度高 的 顏 色 交 疊 ， 靈動 飄 忽 的 雪氣 將畫面 籠 罩 ， 製 造 雲 霧 瀰 漫 半 透明 蒼 茫 感 ，而 最 後明 亮 鮮 豔 的 藤黃 、 天青 、 碧 綠細 小碎點 如「 瀑 布 飛 空， 湍 奔 射 石 ， 噴 玉濺玉 ， 交 相 濺 亂 。」 點 綴 其中。 《 微 妙 的 積 雲 》以 深藍 色作為畫面主體，表 層 覆蓋 的 寒 氣 ， 形 塑 「 寒 雲 欲 雪 」 黎 明即起的景 緻 。 就 如同他自己 所說： 「西方畫家畫中的 風 景是對自 然 的 模仿 ，而中國畫的 山水 則 與實景 有 一個 距 離 ，是一種符號，是一種 更深 的 有 形的自 然 。畫家的 語 言 已 經不 是眼 睛 之 所見 ，而是將眼 睛 之 所見 ， 再 通 過心 靈 的 感 受， 然 後 再 表達出來。」將 記憶 中的 風 景的 樣貌，幻化成一個燦爛且永恆的畫面。 「畫面中各種對 比 、 補 色、 鄰 近 色自由 組 合 ，以 薄 與 厚 、 清 與 濃 、滿與空的對 比 形成 不 同空間 氣 氛 ，以 快 速 投 射 的 光脈 衝 造 成流 動 的 幻覺 ，如同 高 速 攝 影 所 擷 取 的 時 間 片段 ，將無 垠的 時 間定 格 在一個 永恆 的 瞬 間， 打 破 了時 間的 永恆 態和空微妙的積雲

間的 有 限 性，從而 造 成 連 續 不 斷 的夢 境 ，直至 時 間的 盡 頭， 猶 如 交 響樂中流 淌 的 充 沛 詩 意， 既給 迷 幻 的表 像 ， 更 讓人 感 覺到生命的歡悅。」 范迪安 光線：乍合乍離，或聚或散 1990 年 朱 德 群 搬 進 了 由 建 築 師 多明 尼 克． 費 侯 為他 設計 的 新 工 作 室 ，明 亮 且 寬 敞 的 工 作 室 以 不 同的 照 明 採 光 改 變了 朱 德 群 的畫面，他 開 始 著 重光線 產 生的的色彩，《 微 妙 的 積 雲 》 構 圖中心 隆 起的 錐 型 光感 ，將 四周 的 濃 郁 色 調 向 外 推 散 ， 逐 漸 向 左 右 推 開 的 光 源，如同 舞台 的 布 幕緩緩 打 開 ， 層層 遞 進 動 態的 光線相互 交 織 而 產 生 迷離 變 化， 營造 視 覺深 度 與 層 次 的 轉 折 ， 造 成 光舞 律 動 之景，實現 了 郭熙 《 林 泉 高 致 》中 所 描 述 的 ： 「 驕 陽初 蒸 ， 晨 光 欲 動 ， 曉 山 如 翠 ， 曉 煙 交 碧 ， 乍 合 乍 離 ， 或 聚 或 散 ， 變 態 不 定， 飄 搖 繚 繞 於 叢 林 溪 谷 之間， 曾 莫 知 其 涯際 也 。」 動 態 變動 的 光線 ，創 造時 間的 更 迭 流 轉 ， 朱 德 群嘗 試 在 平 面的畫 布 中，創 造 非 靜 止 的視 覺經 驗 ， 進而 延 伸 至探 討 宇宙生生 不 息 運 行的 道 理 ， 開 啟 了 一個 嶄 新 的表現手法。 汝窯：天青色等煙雨 畫面 頂 端 的 青 灰 色 深淺 轉 換 ， 猶 如 跳 耀的音符， 小 面 積 灰 青 色的 點 染 好 似 天 邊透出 雨 過 初 霽 ，「 雨 過 青天 雲 破 處 ，這 般 顏 色作將來」 似藍似綠 之 際 的 汝窯 色 澤 。 朱 德 群 對 應 了 大自 然 景 致 的 反 射 ，畫面 捨 棄 外 在的 真 實形體， 僅 是對於其意 象 的 勾勒 ， 經 由自身的文化 底 蘊 內 化與 焠 鍊 ， 結合 自我主觀 經 驗 ， 延 伸 出未 知 的想 像 空間， 使 作品體現《 老 子 》 所 言 ： 「 惚兮恍兮 ，其中 有像 ， 惚兮恍兮 ，其中 有 物」中 若 有似 無 的形 象構 成。《 微 妙 的 積 雲 》 朱 德 群 不 僅 以種種 光線 的流 動 、 渲 染 與 筆 觸 ，創 造 出無 窮 的空間， 更隱 含 了 中國人對於 廣遠宇宙與精微生命的自然觀和哲學理念。 CHU TEH-CHUN 多唐詩的意象。回來就忍不住想作畫。濃淡的變動而若浮若沉，一下子浮現了很以及湧現的層次，心靈似乎也跟著那深淺此時我心中只有雲霧在白地上移動的景象──朱德群 1.《青瓷無紋水仙盆》北宋 台灣 台北 國立故宮博物院藏 Narcissusbasininbluish-greenglaze, Northern Song, Collection of the National Palace Museum, Taipei, Taiwan 2. 張若澄《燕山八景圖冊》（局部）清代 中國 北京 故宮博物院藏 Zhang Ruocheng, EightSceneriesofYanshan (detail), Qing dynasty, Collection of The Palace Museum, Beijing, China 1.2. 153MODERN AND CONTEMPORARY ART

CHU TEH-CHUN

COLDTEH-CHUNCLOUDS

COLD CLOUDS LUSTING FOR SNOW

In 2016, Chu Teh-Chun broke his own auction record with Snowy Vertigo (1991-1999) and rose to become a multi-million dollar artist. Since then, collectors have taken a greater interest in his works created in the 1990s, which are rich in natural energy. Subtiles nuées (Lot 23), created in 1991, is a work from the same period, with its large scale and silvery-grey backdrop evoking the touch of a snowstorm in the Alps in Swiss, in which the light and fluid nature of the paint transforms the snowflakes into transparent white light that envelops the thick splash base. The transparency of the brushstrokes are as if there's a faint layer of snow covering the mountain scene. This method creates a sense of space and light to the painting.

LUSTING FOR SNOW

155MODERN AND CONTEMPORARY ART

In the 1980s, Chu Teh-Chun was inspired by the snowy landscape as he was observing outside the window as his train was passing through the Alps. From that moment on, the image of snowy mountains has been buried in his mind and inspired him to start the Snow Scene series. In 1991, Subtiles Nuées was created when the act of falling snow had been transformed into transparent white light, turning the visible landscape into a memory and achieving the idea of "seeking the artistic conception instead of the concrete appearance of things". This creative mindset allowed him to not be limited to objects, and has led him to be more transcendent and have a profound understanding in visual experience. Which in turn has inspired his future innovations in colour layering and spatial technique. By using the lightness and fluidity of the paint, Chu first uses a dark background and overlays of silvery-grey transparent colours to envelop the painting, creating a translucent and pale feeling of clouds. The final bright and vivid vine yellow, azure and turquoise dots are like "waterfalls flying into the air, rushing over the rocks, crystal like water drops spraying and splashing on the CHU

rock". The dark blue in this painting is the main subject, with the cold air covering the surface, creating a scene of 'cold clouds indicating snow' rising at dawn. As he says himself, "the landscape in a Western painting is an imitation of nature, whereas in a Chinese painting there is a distance from the actual landscape, a symbol, a deeper, tangible nature. The language of the painter is no longer what the eye sees, but what the eye sees, which is then expressed through the feelings of the mind". The artist has transformed the landscape in memory into a brilliant and timeless image.

"The contrast, complementary colours and neighbouring colours are freely combined to form different spatial atmospheres with the contrast of thin and thick, clear and thick, full and empty, and to create the illusion of flow with the fast projected light pulses, just like the time fragments captured by high-speed photography, freezing the infinite time in an eternal moment, breaking the eternal state of time and the finiteness of space, thus creating a continuous dream

At that moment, I could only see the clouds moving on the white ground and the layers emerging, and my mind seemed to be floating and drifting with the changes in depth and shade. When I came back, I couldn’t help but want to paint.

- Teh-Chun

Chu

156 POLY AUCTION HONG KONG

Chu Teh-Chun's attempt to create a nonstatic visual experience on a flat canvas extends to the exploration of the unceasing movement of the universe and opens up a new way of expression.

"The colour of the Ru Kiln should be just like the sky being washed after the rain" is used to describe the bluish and greenish colour used in this painting. Chu TehChun responds to the reflections of the natural scenery by abandoning the external real form and merely sketching its imagery, internalizing and tempering it through his own cultural heritage. By combining his own subjective experiences, the work extends into unknown imaginative spaces, giving expression to the image of what appears to be nothing, as stated by Laozi: "Eluding sight, eluding touch, The forms of things all in it crouch; Eluding touch, eluding sight, There are their semblances, all right." In this painting, Chu Teh-Chun not only creates an infinite space with the flow, rendering and brushwork of various kinds of light, but also implies the Chinese view of nature and philosophical concepts of the vast universe and subtle life. Hubble's panoramic view of a star-forming region

RU KILN: AS IF THE GREEN SKY WAITING FOR THE RAIN

LIGHT: COMES TOGETHER AND THEN GOES APART AT TIMES

In 1990, Chu Teh-Chun moved into a studio built for him by architect Dominique Ferro. The bright and spacious studio influenced the way Chu perceived light and composition of colours as he began to focus on colours produced by different lights. The cone of light that rises in the centre of the painting pushes the rich tones around it outwards, gradually pushing the light sources to the left and right, like the curtain of a stage slowly opening. Layers of progressively dynamic light intertwine and create disorienting changes, creating a visual depth and hierarchy of transitions, resulting in a rhythmic dance of light, realising what Guo Xi described in his Lin Quan Gao Zhi: "When the sun starts to rise, the morning light is ready to shine, the mountains are green like jade at dawn, the dawn mist is intertwined with the blue sky, merging and departing, gathering or scattering at times, changing in state, drifting in and out of the jungle and valley, and there is no way to know the end of it".

2. 南阿爾卑斯山脈 South of Alps 1.2. 157MODERN AND CONTEMPORARY ART

—Fan

The shades of blue and grey at the top of the painting are like darting musical notes, with the small areas of grey and blue dye, as if the sky was cleared by the rain.

until the end of time. It is like a symphony of rich poetry, giving a psychedelic appearance and a sense of the joy of life." Dian

1. 哈伯望遠鏡觀測到的恆星形成區

23 CHU TEH-CHUN 朱德群  CHINESE, 1920-2014 微妙的積雲 1991 年作 油彩 畫布 款 識 ： 朱 德 群 CH U T EH CH U N 9 1 （ 右 下 ） ； "Subtiles nuées" 朱德群 CHU TEH CHUN 1991 （畫 背） 來源 亞洲 私人收藏 展覽 200 8 年 9月 1 9 日 11 月 2 3 日「 朱 德 群88回 顧 展 」國立歷 史博物館 台北 台灣 出版 《 華裔 美術 選 集 II- 朱 德 群 》藝術家出 版 社 台 北 台 灣 2007年（圖版，第232頁） 《 朱 德 群88回 顧 展 》國立歷史博物 館 ； 及 馨昌 股 份 有 限 公司 台北 台灣 2008年（圖版，第155頁） 附 由 朱 德 群 妻 子 董 景 昭 女 士 所 簽 署 之 保 證 書 。 此 作將 被 收 錄 於 朱 德 群 基 金 會正 籌 備 編 纂 的《 朱 德 群 作品 編 年 集》 Subtiles nuées Painted in 1991 oil on 200.4canvasx200 cm. (79 x 78 1/2 in.) signed in Chinese; signed and dated 'CHU TEH-CHUN 91.' (lower right); titled, signed and dated '"Subtiles nuées" CHU TEH-CHUN 1991.'; signed in Chinese (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Asia EXHIBITED Taiwan, Taipei, National Museum of History, Chu Teh-Chun 88 Retrospective, 19 September-23 November, 2008. LITERATURE Overseas Chinese Fine Arts Series- Chu Teh-Chun , Artist Publishing, Taipei, Taiwan, 2007 (illustrated, p. 232). Chu Teh-Chun 88 Retrospective , National Museum of History; & Thin Chang Corporation, Taipei, Taiwan, 2008 (illustrated, p. 155). This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist's wife, Chu Ching-Chao. This work will be included in the artist's forthcoming catalogue raisonné on the work of Chu Teh-Chun, being prepared by Fondation Chu Teh-Chun. HK$ 15,000,000 - 25,000,000 US$ 1,923,100 - 3,205,100 〇 158 POLY AUCTION HONG KONG

159MODERN AND CONTEMPORARY ART

HUANG YUXING 黃 宇 興 作為中國 70 年代藝術家的代表人物，以其 作品的 霓 虹 色 調 、 寶石 般 的 迷 人色彩 堆 砌 出的 奇 幻世界 而 備 受 矚 目 。在炫 目 的色彩之下，畫面 隱藏 著自 然 山水 的 壯 麗 風光 、未來 城 市 景觀、浩 瀚的 星 河 宇宙以及 語 義豐富的文學與 哲 學意 象 。 黃 宇 興 構 建 了 一個 充 滿 強烈 視 覺 衝 擊 的表 象 ，在 表 象 之下 暗 含 了 一個關於生 命 的 感 知 、人類 歲 月 長河 和歷史 迴 響的 隱 密 線 索，為作品 蒙 上 了 一種 超越時間亙古洪荒的力量感。 《 赤 壁 》 (Lot 24) 在視 覺層 面 具有 強烈 的 黃 宇 興 式 的美學 特 徵 ，畫面 擁有 標誌性的夢 幻 色彩， 璀璨 的 星 河 照 耀富 有 肌 理經絡 的 山 巒 ， 開 闊 的 水 域 折 射 著 綺 麗的 星 光 ， 斑 斕 的 氣 泡 狀 色塊 輕 盈 穿 梭 於 山 間，態 勢 若 祥 雲 ，這 樣 的視 覺 組 成 帶有 強烈 的 幻 境 之 感 ， 完 美 還 原 千 年 前 蘇 軾 泛 舟游 於 赤 壁 之 下 所 吟 唱 的 歌 謠 ： 「 桂棹 兮 蘭 槳 ， 擊 空明 兮 溯 流 光 」。 黃 宇 興 並沒有 停 留 在 構 建 「 羽 化而 登 仙 」 飄 忽 玄 妙 的夢 境 中，而是在「 赤 壁 」這個 龐 大的 主 題 之下，以一個 更 為 宏 觀的視角， 選擇 繪於 2 米 橫 幅 的大畫 布 之上， 賦 予 了本 作「 月映 萬 川 」和 「滄海 粟」的深邃思考。 除卻熠熠 生 輝 的 瑰 麗畫面，《 赤 壁 》背後的文化 意 涵 更 為 迷 人，「 赤 壁 」作為一種美學意 象 ， 本 身 就 帶有 山 河 之美與 豪傑 輩 出的 三 國 亂 世 之下的 英 雄 主義， 它 代表 了 歷史上著 名 以 少 勝 多的「 赤 壁 之 戰 」 所 展 現的流 芳 百 世 的 驍 勇 和 智 謀 ，以及 代表宇宙 規律 運 行的 哲 學觀。 赤 壁 之 戰 發生的 百 演繹千古絕唱璀璨霓虹黃宇興 赤壁 160 POLY AUCTION HONG KONG

HUANG YUXING 年之後， 蘇 軾 遊 於 赤 壁 ，以 極 富文 采 的 辭 賦 體 寫 下 了 膾 炙 人 口 的《 前 赤 壁賦 》 ： 「 客 亦 知 夫 水 與 月 乎 ？逝 者 如 斯 ，而未 嘗 往也 ； 盈 虛 者 如 彼 ，而 卒 莫消 長 也 。 蓋 將自其 變者 而觀之， 則天 地 曾 不 能 以一 瞬 ； 自其 不變者 而觀之， 則 物與我 皆 無 盡 也 ，而 又 何 羨 乎 ！ 」其 所 流 露 出的生 命 觀 就 是 黃 宇 興 作品中 所 展 現的 殘 酷 現實與美 好 幻 境 之間 產 生的 巨 大張力的 內 在 邏輯 ，而對於生 命 的 感 知 是 他在多個創作 序 列中從未 偏 離 過的視 覺母題 ， 黃 宇 興 的《 赤 壁 》以 焦 灼 的 思 考 和 繁華 炙 熱 的視 覺 效 應 來 回應 蘇 軾 對「 逝 去 」與「 輪 迴 」 感 悟 ，在 人類 漫漫 的 時 間 長河 之下， 再 盛 極 時 的 偉 大文 明 都 無 法 擺 脫 盡 歸虛 無的 命運 ，而 新 的文明 依 然 會冉冉升起，週而復始。 武元直《赤壁圖》（局部）金代 台灣 台北 國立故宮博物院藏 Wu Yuan-Chih, The Red Cliff (detail), Jin dynasty, Collection of the National Palace Museum, Taipei, Taiwan 桂棹兮蘭槳，擊空明兮溯流光。──蘇軾《赤壁賦》 161MODERN AND CONTEMPORARY ART

RED CLIFF

的 新

2021年5月

士得

興 《 黃

HUANG BRIGHTYUXINGNEON SONGS OF ETERNITY

Huang Yuxing constructs a visually powerful representation, under which there is a hidden thread of perception of life, human history and historical repercussions, which imbues the work with a sense of power that transcends time and the eternal history.

163MODERN AND CONTEMPORARY ART

Huang Yuxing has chosen to paint the large canvas of the Red Cliff from a grander perspective of two meters, giving the work a profound reflection of "thousands of mountains in the moonlight" and "a drop in the ocean" under the grand theme. In addition to the glittering and magnificent pictures, the cultural connotation behind Red Cliff is even more fascinating. As an aesthetic image, the painting is itself a symbol of the beauty of the mountains and rivers, advocating the heroism of the chaotic Three Kingdoms, representing the courage and wisdom of the famous "Battle of Red Cliff" in which the few outweigh the many, and the philosophical view of the laws of the universe in action. A hundred years after the Battle of Red Cliff, Su Shi, traveling to the Red Cliff, wrote in a highly literary and rhetorical style the popular First Visit to the Red Cliff: "Then I asked him, "Have you considered the water and the moon? Water flows away, but is never lost; the moon 黃 宇 河 旁 興城 佳 香 港 24日 成交價：9,250,000 港幣 Huang Yuxing, A Flourishing City Near the Yellow River Source, 2019, Christie's Hong Kong, 24 May 2021, Sold for HKD 9,250,000 waxes and wanes, but neither increases nor diminished. If you look at its changing aspect, the universe passes in the twinkling of an eye; but if you look at its changeless aspect, all creatures including ourselves are imperishable. What reasons have you to envy other things?" The view of life that emerges is the logic underlying the great tension between the harsh reality and the beautiful illusion that Huang Yuxing's works demonstrate. The perception of life is a visual motif from which he has never strayed in his many creative art works. In Red Cliff, Huang Yuxing responses to Su Shi's sense of "passing" and "reincarnation" with anxious contemplation and exuberant visual effects. Under the long span of humankind, the great civilizations of the past cannot escape the fate of nothingness, and new civilizations will rise and reappear. In the long course of human history, no civilization can escape the fate of falling and vanishing, even the great civilizations that have flourished for a time. Then come the new civilizations that turn the wheel of fate again.

入 海 口

Red Cliff (Lot 24) features the strong aesthetic characteristic of Huang Yuxing with its iconic dreamlike colours, the bright starry river shining on the richly textured mountains, the open water reflecting the dazzling starlight, and the bubble-like blocks of colour shuffling lightly between the mountains in the manner of auspicious clouds. It is a visual composition with a strong sense of illusion that perfectly recreates the poem that Su Shi sang a thousand years ago when he swam in his boat at the Red Cliff: "Our rudder and oars; redolent of cassia and orchids; Strike the moon's reflection; cleaving the glimmering water." Rather than remaining in the dreamy and mysterious world of "as light as if we had left the human world and become winged immortals".

市 》 2019 年作

Huang Yuxing is a representative figure for Chinese artists in the 1970s is noted for neon colours in his work, in which fantastical worlds are piled with jewel-like enchanting blocks of colour. Beneath the dazzling colours, hides the images of the magnificent natural landscapes, futuristic cityscapes, the vastness of the starry universe, and semantically rich literary and philosophical imagery.

24 HUANG YUXING 黃宇興  CHINESE, B. 1975 赤壁 2017 年作 壓克力 畫布 款識：HUANG Yuxing 17（右下） 來源 亞洲 私人收藏 Red Cliff Painted in 2017 acrylic on canvas 125 x 200 cm. (49 x 78 1/2 in.) signed and dated 'HUANG Yuxing 17' (lower right) PROVENANCE Private Collection, Asia HK$ 1,000,000 - 2,000,000 US$ 128,200 - 256,400 164 POLY AUCTION HONG KONG

165MODERN AND CONTEMPORARY ART

聯繫。場所與空間的關係，和觀看者內心的與精神的物不僅僅是物，還意味著某種關聯性—和周圍──張恩利

ZHANG ENLI 瑪賽克地面張恩利 2000 年後，張 恩 利 將 所有 的 筆 墨 與 激 情隱藏 ，著 手 挑 戰 在 平 凡 的日常 事 物中尋 找 自身的各種 可 能 性，透過繪畫 重新 詮 釋 與「人」 息息 相 關的自我 個性。2009年作的《瑪賽克地面》(Lot 25) 中，張 恩 利賦 予 了 上 海老 洋 房 中常 見 的 瑪 賽 克 紋 路 嶄 新 的生 命 ， 藍 色與 黃 色 菱 格 紋 在 看似 整 齊 地 排 列之 下，別具手感與情緒張力。 張恩利曾說過：「物不僅僅是物，還意味著某種關 聯性 和周圍場所與空間的關係，和觀看者內心的 與 精 神的聯 繫 。」 單 點 透視的 斜 角 俯 視空間視角 將畫面的平衡感直接拉滿，畫布底層依稀可見藝術 家繪畫中常見的「田」字方格紋，既是對他構圖的 輔助，也是一種空間的規律與限制，爾後更直接結 合成繪畫主題，更加細膩地以純粹的瑪賽克拼圖出 現。在藝術家的薄塗下，通常極為秩序的瑪賽克磚 面被賦予了靜物繪畫所缺乏的律動性。無論是流淌 而下的稀薄油彩痕跡，或者錯落般隨意拼湊的手繪 磚面，再到顏色深淺不 又帶些許混合對比色彩的 磚面，這樣一塊日常可見的普通地面躍然成為了 個極富感情的時光片段。 張 恩 利 在 2005 年 末 達成與國 際 畫 廊 巨 頭 豪 瑟 沃 斯 畫 廊 的 合 作意向，之後成為他們 所 代 理 的藝術 家，這 也 意 味 著他是 最早 受到國 際 頂尖 畫 廊 所 青 睞 進而 簽 約 的中國藝術家。 2009 年他在 瑞 士的 伯 爾 尼 美術 館舉 行個人 首 次的美術 館 個 展 ，《 瑪 賽 克地面》正是在張 恩 利 藝術生 涯 中 極 度 重 要 的 這一年 所 作。與其 說 是繪 製 了 一個 平 凡 的地面， 倒 不 如 說 張 恩 利 透過繪畫 記 載 了 他尋 求 物體 細 微 本質 的過 程 。正如藝術家 所 言 ： 「 它 們是 有情 緒 的， 只 是 不像 人的表 情 那麼 表 像 ， 它 被隱藏 和 轉 移 了 」，他在畫 布 上 凝聚了 此 塊地面與 前 人關係 的過往，承載了生命流淌的痕跡。 「張恩利：有顏色的房子」展覽現場 Exhibition view of "Zhang Enli: A Room with Colour" 167MODERN AND CONTEMPORARY ART

FLOOR

The artist once said, "An object is not just an object, but also implies a certain kind of connection - a relationship with the surrounding place and space, and a connection with the viewer's mind and spirit". In this painting, the single point perspective of the oblique overhead spatial view brings a sense of balance directly to the painting, and the chevron in the shape of the Chinese character " 田 ", a common feature of the artist's paintings can be seen at the bottom of the canvas, both as an aid to his composition and as a form of spatial discipline and restriction. Directly into the subject matter of the painting, which appears more delicately as a pure mosaic. Under the artist's thinly

ZHANG MOSAICENLI

An object is not just an object, but also implies a certain kind of connection - a relationship with the surrounding place and space, and a connection with the viewer's mind and spirit.

Since 2000, Zhang Enli has been hiding all his sharp brushwork and passion, challenging himself to find possibilities in ordinary, everyday things and reinterpreting his own personality through painting, which is closely related to 'being a human'. Mosaic Floor (Lot 25) created in 2009 gives a new life to the mosaic patterns often found in old Shanghai villas. The blue and yellow chevrons are arranged in a seemingly neat pattern, expressing a distinctive feel and emotional tension.

Zhang Enli

-

applied paint, the mosaic surfaces are usually arranged in an extremely orderly manner and are given a rhythm that lacks in still life paintings. From the thin traces of oil paint running down the surface, to the seemingly randomly hand-painted tiles of varying shades and contrasting colours, this ordinary, everyday ground becomes a highly emotive moment in time.

After joining with international gallery Hauser & Wirth in late 2005, he later became one of the representing artists of the gallery. He was also one of the first Chinese artists to be selected by one of the leading international galleries for representation. In 2009, which is his most important year of his career, Zhang Enli had his first solo exhibition at the Kunstmuseum Bern, Switzerland, and Mosaic Floor was also created in the same year as his first solo exhibition. It is more than a painting of a commonly seen ground, but rather a record of his search for the subtle nature of objects. As the artist says, "they have emotions, but not as superficial as human expressions, they are concealed and transferred". On the canvas, he has presented the past relationship between this ground and its predecessors, bearing the traces of the flow of life.

雷內．馬格利特《戈爾孔達》1953年作 美國 休士頓 梅尼爾收藏 博物館藏 René Magritte, Golconda(Golconde), 1953, Collection of The Menil Collection, Houston, USA

25 ZHANG ENLI 張恩利 CHINESE, B. 1965 瑪賽克地面 2009 年作 油彩 畫布 款識：09 恩利（右下）；瑪賽克地面 2009 300 x 160 cm 張恩利（畫背） 來源 英國 倫敦 豪瑟沃斯畫廊 現藏者購自上述來源 展覽 2010年1月15日 2月27日「張恩利」豪瑟沃斯畫廊 倫敦 英國 Mosaic Floor Painted in 2009 oil on 159.5canvasx299.5 cm. (63 x 118 in.) dated '09'; signed in Chinese (lower right); titled and signed in Chinese; dated and inscribed '2009 300 x 160 cm' (on the reverse) PROVENANCE Hauser & Wirth, London, UK Acquired from the above by the present owner EXHIBITED UK, London, Hauser & Wirth, Zhang Enli , 15 January-27 February, 2010. HK$ 1,900,000 - 2,500,000 US$ 243,600 - 320,500 170 POLY AUCTION HONG KONG

171MODERN AND CONTEMPORARY ART

謝南星，他是中國當代青壯輩中，最勇於突破新創 的藝術家之一，一方面基於自身創作理念的前進， 亦不願意受到成名的「符碼」束縛，當作品受到眾 人關注之際，他早已開始迥然不同的新作研究。他 首 次 引 發學術 圈 注 目 ，是在 1999 年的 第 48 屆威尼 斯雙年展，當時以風格獨特的人物作品驚豔藝壇。 90 年代 末 的一系列作品，是 謝 南 星 看似 以 照 片 為 基礎，描繪出少年青春時期光怪陸離的情節，被人 冠以「青春殘酷」系列。 這個時期的謝南星，與其它中國當代青年藝術家一 樣，明顯受到德國藝術家李希特影響，而他的繪畫 手 段 更加 強 了 戲 劇 感 ， 也 延 伸 讓觀 者 探 究 藝術家 所處的社會環境。策展人朱朱，在《灰色的狂歡節 2000 年以來的中國 當 代》一 書 裡 這 樣說： 「 謝 南星的個人軌跡，呈現一種態勢，他[ ] 以尖利 的生理性筆觸，戲劇化的表達生命成長受壓抑的家 庭 氛圍 ，其背後的 隱喻 性 可 以 延 伸 到 整 個社會 環 境。如果說，他在那個階段的圖像令觀眾感到震撼 的話，在隨後的過程中，他卻是在逐漸削減圖像內 容表現力的同時，邁入到純化的個人語言的實踐之 中。」 朱朱評介謝南星，他把畫布變成了「外科醫生的手 術檯」，藝術家企圖在冷靜、細微的空間結構裡製 造層次與深度。策展人Ruth Noack在「有形皆寄於 無形」一文裡，提出了謝南星「利用了數種媒介過 濾後產生的素材圖像，製造出一些像是電視螢幕的 反射物的『視覺瑕疵』」。 夜場的《第 頓鞭子 No.2（浪 No.2）》(Lot 26) 畫 作，創作於2008年，明顯與謝南星90年代與2000 年初的作品迥然相異，就是謝南星運用多種媒介而 產生的作品。「第 頓鞭子」系列謝南星總共創作 三幅，編號為No.1、No.2與No.3，觀者若能夠一次 進入三幅作品的世界，會更理解謝南星為什麼要這 樣 創作。 三 幅 作品同 時 出現在 2008 年 北 京 麥勒 畫 廊的謝南星「大展覽」個展，藝術家的創作初衷， 即是探究心理學家佛洛依德的「佛洛依德失誤」。 佛洛依德認為，人們不經意間出現的像是口誤、筆 誤、動機性遺忘、童年回憶遺忘等差錯並不是無意 義的，而是受潛意識影響。謝南星舉例：「我本來 想說『玻璃杯』，我心裡想的也是玻璃杯，但我卻 說成了『麵包』。這些『錯誤』總是與一種原始的 欲望有關，與想要表達自我的無盡欲望有關。」 於是， 謝 南 星 做 了 這 三 件 「 第 頓 鞭 子 」系列作 品。藝評人蕭嶺揭開了謝南星想嚐試的挑戰：「他 的這番話隱藏了他真正的興趣：通過在畫布上的偷 換『口誤』這個概念，精心策劃了 場誘人但並不 XIE NANXING 第一頓鞭子謝南星 No.2（浪 No.2） 謝南星《等待的劇場》2019年作 Xie Nanxing, ATheaterofWaiting, 2019 人打心眼裡難受，從而受到震動。是有關係的，我當時想能不能畫出一種特別讓我最早開始畫這種東西，與觀眾的參與和交流──謝南星 172 POLY AUCTION HONG KONG

XIE NANXING 公平的遊戲。藝術家不僅僅和觀者玩這場遊戲，也 在和自己玩遊戲。」 策 展 人 盧 迎 華 的 評論 文章 分 析 ， 早 在 2005 年 開 始，謝南星就走入「偽裝繪畫」和「逃離繪畫」的 途徑了。他著迷於運用攝影、錄像、甚至行為藝術 的實 踐 來 做 成繪畫作品， 隱藏了 最 原始 的圖 像 。 「 第 頓 鞭 子 」的 3 幅 作品，是 謝 南 星 尋覓 北 京 的 某個廣告看板，將廣告看板正反顛倒後，再從背面 打光，然後用影像錄下了這個藝術家設置的場景。 謝南星再透過電視螢幕回放這段影像，再拍攝某個 畫面作為其創作這三幅系列作品的參照圖片。謝南 星此舉，設下了重重關卡，讓觀者無法回溯藝術家 創作的最原始圖像，也等於讓觀者，只能專注於藝 術家的繪畫行為本身，而非繪畫內容的意義。謝南 星 一系列 極 端 的實 踐 ， 完 全 取 消了 畫面 內 容的 敘 事、符號與辨別的可能。我們細究畫面，可能潛意 識的會把心裡的慾望表達出來，但這個畫面，卻可 能根本不是我們所設想的。 《第 頓 鞭 子 No.2 （ 浪 No.2 ） 》畫面裡，似乎依 稀可以看到一群小孩，拉長的身影籠罩在藍色的光 暈 裡 ， 彷彿有 著 不可 言 說 的 謎 團 ，等 待 著我們 解 碼 。如 果 三 件 「 第 頓 鞭 子 」作品一起 深 入進 去 看，尋覓那 條鞭子，我們很容易掉入藝術家的陷 阱，因為高度專注的長時間凝視，讓視覺暈眩愈看 愈迷朦。謝南星開啟了全新的藝術創作實驗，在這 個藝術遊戲裡，可以說顛覆了觀者對於圖像原有的 邏輯認識，也捉弄了我們，也對繪畫在藝術史的存 在價值，透過全然的創新提出自己的聲音。這也是 《第 頓 鞭 子 No.2 （ 浪 No.2 ） 》作品，能與其它 最傑出的當代作品匹敵的關鍵價值。 173MODERN AND CONTEMPORARY ART

2. 謝

XIE THENANXINGFIRST ROUND WITH A WHIP NO.2 (THE WAVE NO.2) 1. 格哈德．里希特《水

》

1.

中國 香

Xie Nanxing one of the breakthrough young Chinese artists of our generation, both in terms of his own progressive creative vision and his unwillingness to be bound by the 'symbols' of fame. His started exploring a new style in his work just as he was gaining attention as an artist. He first attracted attention from the academic circle at the 48th Venice Biennale in 1999 when he impressed the art world with his distinctive portraits. In the late 1990s he started a series of works that appeared to be based on photographs depicting eccentricities of adolescence which were labelled as the Youthful Cruelty series. According to the artist, "the inspiration of these works came from the audience's participation and communication. At that time, I wondered if I could paint something that was particularly heartwrenching and uncomfortable, so I was shocked."

》1966

星《無

Zhu Zhu believes that Xie has transformed the canvas into a surgeon's table, in which the artist attempts to create layers and depths within a cool, subtle spatial structure. Curator Ruth Noack stated in her article "The tangible is in the intangible", and suggests that Xie "uses images of material filtered through several media to create 'visual imperfections' that resemble the reflections of a television screen".

Like other young contemporary Chinese artists of this period, Xie Nanxing was also influenced by the German artist Gerhard Richter, and his approach to painting has become more theatrical, aiming to invite the viewer to explore the artist's social environment. The curator Zhu Zhu says in the book Gray Carnival: Chinese Contemporary Art since 2000 that: "Xie Nanxing's personal artistic trajectory presents a situation in which he [...] dramatizes the repressed family atmosphere of his growing up with sharp physical strokes, the metaphor behind which can be 手 年作 Gerhard Richter, Matrosen(Sailors), 1966 南 題 2005年作 港 M+藏 Xie Nanxing, Untitled, 2005, Collection of M+, Hong Kong, China extended to the whole social environment. If his images at that stage shocked the viewer, in the subsequent process he gradually reduced the expressive power of the images and shifted into the practice of a purified personal language."

The inspiration of these works came from the audience’s participation and communication. At that time, I wondered if I could paint something that was particularly heart-wrenching and uncomfortable, so I was shocked.

Xie NanxingCreated in 2008, The First Round With a Whip No.2 (The Wave No.2) (Lot 26) part of the Evening Sale this time, is a clear departure from the artist's works from the 1990s and early 2000s and is the result of his exploration of multiple mediums.

-

As a result, Xie Nanxing made these three pieces in the The First Round With a Whip series. Art critic Xiao Ling reveals the challenge that Xie Nanxing wanted to try: "His words conceal his true interest: by swapping the concept of 'slip of the tongue' on canvas, he has orchestrated a seductive but unfair game. The artist is not only playing this game with the viewer, he is also playing it with himself."

2. 175MODERN AND CONTEMPORARY ART

The First Round With a Whip series include three paintings, titled No.1, No.2 and No.3 respectively. The audience might be able to understand his intention if they can view the three of works at the same time. The three works were shown in his solo exhibition "BIG SHOW" at the Galerie Urs Meile in Beijing in 2008, where the artist's original intention was to explore the psychologist Sigmund Freud's "Freudian slip". According to Freud, inadvertent errors such as slips of the tongue, mistakes in penmanship, motivational forgetfulness and forgetfulness of childhood memories are not unintentional but are influenced by the subconscious. For example, Xie Nanxing says, "I wanted to say 'glass', and I was thinking 'glass' in my mind, but I actually said 'bread' instead. These 'slips' are always related to a primal desire, to the endless desire to express oneself."

In The First Round With a Whip No.2 (The Wave No.2) a group of children are faintly seen, their elongated figures shrouded in a blue halo, as if there is an unspeakable mystery waiting to be deciphered. If we look deeper into the three The First Round With a Whip works together, we can easily fall into the artist's trap by searching for that one whip, as the high concentration of the long gaze makes the visual dizziness more confusing. By doing so, Xie Nanxing has started a new experiment in art creation. In this game of art, he subverts the viewer's original logical understanding of the image and pokes fun at us. Additionally, giving a voice to the value of the existence of painting in art history through total innovation. This is the key value of The First Round With a Whip No.2 (The Wave No.2), a work that rivals the most outstanding contemporary works.

Curator Lu Yinghua analyzed in a critical essay that as early as the 2005, Xie Nanxing's works involved a distinct style that disguised his paintings to appear as other things. He likes using photography, video and even performance art practices to create his works, hiding the most primitive images behind. For the three pieces in the The First Round With a Whip series, the artist found an advertising board in Beijing, turned it upside down and then lit it from the back. He then recorded the scene, replayed the video and took a picture of the scene. The final product was used as the starting point for the three works in the series. In doing so, he has set up a barrier that prevents the viewer from retracing the original image of his work and has allowed the viewer to focus on the act of painting rather than the meaning and content of the work. The series of extreme practices have eliminated the possibility of narrative, symbolism and identification of the content of the work. We may subconsciously express our desires when we investigate the work, but the image may not be what we had envisioned at all.

26 XIE NANXING 謝南星 CHINESE, B. 1972 第一頓鞭子 No.2（浪 No.2） 2008 年作 油彩 畫布 款識：謝南星 2008.5.10（畫背） 來源 中國 北京 麥勒畫廊 現藏者購自上述來源 展覽 2008年11月4日-2009年1月11日「大展覽 謝南星」麥 勒畫廊 北京 中國 The First Round with a Whip No.2 (The Wave No.2) Painted in 2008 oil on canvas 219 x 384 cm. (86 x 151 in.) signed in Chinese; dated '2008.5.10' (on the reverse) PROVENANCE Galerie Urs Meile, Beijing, China Acquired from the above by the present owner EXHIBITED China, Beijing, Galerie Urs Meile, Big Show-Xie Nanxing , 4 November, 2008-11 January, 2009. HK$ 3,500,000 - 5,500,000 US$ 448,700 - 705,100 亞 洲 傑 出 私 人 收藏 PROPERTY FROM AN EXCEPTIONAL ASIAN PRIVATE COLLECTION 176 POLY AUCTION HONG KONG

177MODERN AND CONTEMPORARY ART

中國 當 代的 抽 象 藝術發 展 ，根 據 學 者 高 名 潞 的 研 究 ，在 80 年代 初 開 始 ，上 海 的標誌代表藝術家， 包 括 余 友 涵 、 陳 箴 、 丁 乙 、張 建 軍 、 秦 峰 等 人， 開 始了 點 與 線 的 抽 象 畫，與 東 方的 哲 學觀， 包 含 「 圓 」、「方」、「 有 」、「無」等 思 想， 與以 幾 何 形式為主的西方 抽 象 ， 開展 出 不 樣 的 道 路 。 余 友 涵 ，他無 疑 是發 展 「 圓 」 最 為成 熟 ， 最為學術與市場認可的代表藝術家。 從 最早 發 展 的黑 白 色系，代表 天 地 初 分 陰 陽 ， 余 友 涵 的 抽 象 系列作品，與 道 家 老 子思 想 密 不可 分 ，「 道 生一，一生 二 ，二 生 三 ，三 生 萬 物」。 余 友 涵 的一 幅 畫， 就 是一個宇宙 小 世界 ， 暗 藏 著 藝術家體悟的天地大道。 《 抽 象 1990-14 》 (Lot 28) 作品， 屬 於藝術家 前 個十年階段發展的抽象畫作，以壓克力彩運用中國 傳統水墨技法，選取黑白兩色系表現，強烈對比形 成了陰陽相生；而在構圖上取方棄圓，筆墨書法的 功底寓於畫中，結構緊實的曲線筆觸，一條 條指 紋般的曲線，上上下下左左右右，像質子、中子、 電 子般 組 成物 質 ， 充 斥 於 天 地之間 ； 余 友 涵僅 靠 點 、 線 、面， 就 合 組 而成一 片天 地，他 筆 下的 線 條，形成一個流轉的世界，而在變動之間有其規律 與和諧，印證余友涵對道家境界的體悟，對人類生 活的嚮往。此作遠遠望之，恰似 幅充滿張力的抽 象山水，正是余友涵第 階段的抽象作品的大成之 作。到 了 90 年代 初 ， 余 友 涵 轉 向 政 治 波 普 的創作 表現，成為政治波普的代表藝術家之一。 從 2007 年 開 始 ， 余 友 涵 重 回 「 圓 」系列的創作。 在 余 友 涵 與 策 展 人 小 漢 斯 的對 談 中，他這 樣說： 「我 要 謳歌 整 個大 千 世界 ， 歸 於 謳歌 大 千 世界 的源起 『一』， 所 以我以『 圓 』作為代表 ； 『 圓 』是一個 精 神 象 徵 ，一個 特 殊 的符號， 它 既 可 以表現一 切 事 物的『 始 』， 也可 以表現一 YU YOUHAN 抽象余友涵 切 事 物的『 終 』， 並 由 此寓 意『一 瞬 』和『 永 恆』。」 2016 年《 抽 象 彩 圓 （ 三 ） 》 (Lot 27) 一作， 余 友 涵 的「 圓 系列」作品 已邁 向 渾 然天 成的成 熟 期 ， 不 只 有 藝術家 宛 如 指 紋 般 的 獨 特 紋 路 ，色彩 繽紛 的 線條合 組 了 這方 天 地， 象 徵 納 涵 天 地 萬 物的元 素， 包 容其間。 高 名 潞 這 樣 評 價 余 友 涵 ： 「 籠 天 地於形 內 ， 挫 萬 物於 筆端 」，正是其 顛 峰 之作的 寫 照 。畫 幅 為 1 米 8 乘 1 米 8 正方 型 ，方 圓 之間 有 智 慧 ，博大 兼 容著 萬 物，這 幅 《 抽 象 彩 圓 （ 三 ） 》 一作， 深具 和 諧 的美 感 ， 余 友 涵 多年 沉 浸 鑽 研 ， 筆 劃 就 是一 山 脈 ，力 比 千 鈞 卻 又 舉 重 若 輕 。從 80 年代 開 始 最早 的 圓 系列， 只 有 一個黑 圓 、一個 白 圓 ，畫面上 還 沒有 點點 ，到而 今 的 顛 峰 之作， 余 友 涵 駕馭 色彩， 宛 若 萬 花 筒 折射 而出 的 點點 星 光 ，在這塊方 幅 畫 布 裡 的 圓 ， 既 是一 瞬，也是永恆。 Lot 28 179MODERN AND CONTEMPORARY ART

The development of contemporary abstract art in China according to the research of scholar Gao Minglu began in the early 1980s when representative artists from Shanghai, including Yu Youhan, Chen Zhen, Ding Yi, Zhang Jianjun and Qin Yifeng. These artists began to develop abstract paintings with dots and lines, which was a different path from Western abstraction, and was dominated by geometric forms. Their explorations were in line with Eastern philosophical concepts, including the ideas of 'circle', 'square', 'being' and 'not being'. Yu Youhan is undoubtedly the most mature, academically and marketrecognised representative artist in the development of the concept of 'circle'. From the earliest development of black and white, representing the first division of heaven and earth into yin and yang, Yu Youhan's abstract series are inextricably linked to the Taoist thought of Laozi stating that "The Dao produced One; One produced Two; Two produced Three; Three produced All things." A painting of the artist is a small world of the universe, concealing his understanding of the Great Dao of Heaven and Earth.

ABSTRACTYOUHAN

Abstract 1990-14 (Lot 28) is an abstract painting from the previous decade of the artist's exploration, using traditional Chinese ink and wash techniques in acrylics, choosing black and white to express the intention thus forming a strong contrast between yin and yang. The composition is in square rather than in circle, in which the calligraphic skills of the brush and ink are fully incorporated into the painting. With tightly structured curving strokes, fingerprint-like curving lines running up and down, left and right, these lines are like protons, neutrons and electrons, forming matter and filling the space between heaven and earth. With creative combination of point, line and surface, the artist creates a universe. The lines under his brush form a world of fluidity and harmony in the midst of change, testifying to his understanding of the Taoist realm and aspiration for better human life. When viewed from a distance, this work resembles an abstract landscape full of tension and is the culmination of Yu Youhan's first stage of abstraction exploration. In the early 1990s, Yu Youhan turned to political pop and became one of the representative artists of political pop.

YU

In 2016, with Abstract Colourful Circle (3) (Lot 27), Yu Youhan's Circle series has reached a mature stage of perfection. Not only did the artist master his unique fingerprint-like patterns, but also the colourful lines that combine to form the universe, symbolising the elements that encompass all things in heaven and earth. Gao Minglu said of Yu Youhan: "The universe is enclosed within his form, and everything is embellished by his brush", which is a testimony of his work at its peak. This painting is in the shape of a 1.8m x 1.8m square, with wisdom between the square and the circle, including a vast and compatible range of objects. This painting Abstract Colourful Circle (3) presents profound harmony and beauty, with Yu Youhan's years of immersion and research, a single stroke is like a mountain and a peak, with a force greater than a thousand borders but light as a feather at the same time. From his earliest series of circles in the 1980s, which consisted of only one black and one white circle with no dots on the surface, to his current work representing his mastery, Yu Youhan's mastery of colour is like a kaleidoscope of reflected starlight. The circle in this square canvas signifies 'an instant moment' and 'eternity' at the same time.

Since 2007, Yu Youhan returned to the creation of the Circle series. In a conversation with curator Hans-Ulrich Obrist, Yu Youhan said: "I want to praise the boundless universe about the origin of the universe --the 'one' - and so I use 'circle' as a symbol. Given its spiritual and special nature, the 'circle' can be used to express both the 'beginning' and the 'end' of all things, and thus signifies 'an instant moment' and 'eternity' at the same time."

瓦西裡 康丁斯基《顔色研究：帶同心圓的正方形》1913年作 德國 慕尼黑 倫巴赫之家市立美術館藏 Wassily Kandinsky, ColourStudy:SquareswithConcentricCircles, 1913, Collection of The Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich, Germany 181MODERN AND CONTEMPORARY ART

27 YU YOUHAN 余友涵  CHINESE, B. 1943 抽象 彩圓 （三） 2016 年作 壓克力 畫布 款識：余友涵（右下） 來源 亞洲 私人收藏 Abstract Colourful Circle (3) Painted in 2016 acrylic on canvas 170 x 170 cm. (67 x 67 in.) signed in Chinese (lower right) PROVENANCE Private Collection, Asia HK$ 3,200,000 - 5,200,000 US$ 410,300 - 666,700 182 POLY AUCTION HONG KONG

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28 YU YOUHAN 余友涵  CHINESE, B. 1943 抽象1990-14 1990 年作 壓克力 畫布 款識：1990 友涵（右下） 來源 亞洲 私人收藏 出版 《余友涵》3030Press 香港 中國 2015年（圖版，第79 圖，第119頁） Abstract 1990-14 Painted in 1990 acrylic on canvas 94.5 x 114 cm. (37 x 45 in.) dated '1990'; signed in Chinese (lower right) PROVENANCE Private Collection, Asia LITERATURE Yu Youhan, 3030Press, Hong Kong, China, 2015 (illustrated, plate 79, p. 119). HK$ 3,200,000 - 5,200,000 US$ 410,300 - 666,700 184 POLY AUCTION HONG KONG

185MODERN AND CONTEMPORARY ART

出生於義大 利 小鎮 梅 拉 諾 的藝術家 魯 道 夫 斯 廷 格 爾 在 1987 年來到 紐約 ， 很快 的 就 被 紐約 藝術 界更具 概念性的藝術 所 吸引 。他 開 始 反 思 自我的 創作根源，他 說： 「在歐洲， 你 從來 不 需要 處理 『 你 的 工 作是 做 什 麼 的 ？ 』這個 問 題 。我 不 知 道 我的 工 作是關於 什 麼 的。」至 此 ，他 開 始質 疑 藝 術家的 雙 手 在創作過 程 中 所 扮 演 的角色， 決 定 開 始挑戰傳統繪畫的規範，為繪畫找尋新的可能。 斯 廷 格 爾 在 1989 年 製 作 了 本名 為《 程 序 》的 說 明 手 冊 ， 翻 成 六 種 語 言 的 版 本 ， 並 附 上黑 白 照 片 ， 按 部 就 班 的 指 導 讀者 如 何 去 創作他的畫作， 其中描 述 了 藝術家 90 年代 備 受推崇的 銀 色畫 製 作過 程 ： 在畫 布 上 塗 上 顏 料 （ 用 電 動 攪拌 器 混 合） ，在畫 布 上 鋪 一塊 薄 紗 ，在 薄 紗 上 噴 上 銀 漆 ， 然 後將 薄 紗 取 下。在形式上， 斯 廷 格 爾 效 仿 了 16 世 紀 藝術家 丟 勒 所 作的《畫家 手 冊 》， 不但 挑 戰 繪畫與 當 代藝術的 界 限 ， 更重新 審 視 了 藝術 家與作品之間的關係，讓 任 何 閱 讀手 冊 的人 都 可 以製作斯廷格爾的畫作。 1996年作的《無題》(Lot 29) 正是以上述方式改良 而成的概念性繪畫，斯廷格爾意圖挑戰大眾對於繪 畫的界定與認知。與其用畫筆在畫布上細筆描繪， 他將薄紗鋪在厚實的天藍色繪畫層以及已經上了白 色油彩的底層畫布上，最後將薄紗取下，之後所形 成的紋路既粗獷又有顆粒感，展現出令人屏氣懾息 的動態。賴納．澤特在他所著的《魯道夫 斯廷格 爾》中的一文〈搗蛋鬼〉提到：「斯廷格爾可以被 歸類為那些熱情追求在作品表面幾乎是自動出現繪 畫性視覺效果的藝術家，媒材表層的肌理證明了 切。」不規則的圖案既是藝術家的精心安排但同樣 具有偶然性，有種波洛克的畫面感，跟早期說明手 冊中嚴格執行的銀色畫中所採用的模板技術相似卻 更加多樣化。忽隱忽現的線條跟斑點呼應著薄紗所 RUDOLF STINGEL 魯道夫· 無題斯廷格爾 形成的 特 殊 肌 理 ， 令 人眼花 撩 亂 的 網 格 和生 動 的 紋 理 延續 了 藝術家 所運 用材 料 的物 理 性，讓 抽 象 的畫面 感 上 隱 晦 的 保 有具象 的 組 成。為繪畫 賦 予 新 的 涵 義， 斯 廷 格 爾 在畫 布 上 展 現創作過 程 所 留 下的 痕跡 ， 重 現 了 一種 時 間的推 移 ，將人類 記憶 引入藝術的範疇之中。 斯 廷 格 爾 對藝術家 本質所 提出的 質 疑 ，讓他的作 品畫面在 驚 人的美 感 下 隱藏 著一種 諷 刺 的態 度 ， 這位 敢 於 冒險 的藝術家 顛 覆 了 觀眾對一 件 藝術品 的 理解 和體 驗 ， 並重新 定義繪畫這 件 事 。 就 像 策 展 人 法 蘭切 斯科 波 南 說 的一 樣： 「 每 幅 畫 都 是 一種 反抗 行為， 但也 是正在進行的 革 命 的眾多 部 分 之一，以將繪畫從 世 俗 表現 或 色域 湮 滅 的 暴政 中 解 放出來。」 斯 廷 格 爾 的作品 飽 富 詩 意性， 引 領觀 者 進行對話， 並不 只 是 帶有 偶 發與觀念性的 場 表 演 ，從而 更 引 起 廣 泛 的 思 考 ，與 承 載 著人 們集體的意識與認知。 187MODERN AND CONTEMPORARY ART

RUDOLF UNTITLEDSTINGEL

In 1989, Stingel produced an instruction booklet titled Instructions, available in six languages and accompanied by black and white photographs. This book gave the reader step-by-step instructions on how to create his paintings, describing the artist's much-admired process for making silver paintings in the 1990s: paint is applied to the canvas (mixed with an electric mixer), a piece of gauze is then used, spraying the gauze with silver paint and then removing the gauze. In its form, Stingel follows the example of The Painter's Manual by the 16th century artist Albrecht Dürer, which not only challenges the boundaries between painting and contemporary art, but also re-examines the relationship between artist and work, allowing anyone who reads the manual to make Stingel's paintings.

At this point, he began to question the role of the artist's hands in the creative process and decided to challenge the norms of traditional painting and to find new possibilities for painting.

Born in the small Italian town of Merano, artist Rudolf Stingel arrived New York in 1987 and was soon drawn to the more conceptual nature of the New York art scene. He began to reflect on his own creative roots, saying: "In Europe, you never had to deal with the question 'What is your work about?' I had no idea what my work was about".

Created in 1996, Untitled (Lot 29) is a conceptual painting modified in this way, in which Stingel intends to challenge the definition and perception of painting. Rather than using a brush to paint the canvas with fine strokes, he lays the gauze over a thick layer of sky blue paint and an underlying canvas that has been painted with white oil, and finally removes the gauze to create a texture that is both bold and grainy, creating a breath-taking dynamic. Reiner Zettl, in his article titled "The Trickster" (selected from the book Rudolf Stingel) says that "Stingel may be categorized in the group of artists who passionately pursue painterly effects that for the most part appear almost autonomously on the picture's surface. The texture of the material's surface is proof of its manufacture." The irregular patterns are at once carefully arranged by the artist but equally accidental, with a Jackson Pollock-esque graphic quality, similar to but more varied than the stencil technique used in the strictly executed silver paintings of the early instruction manuals. The flickering lines and spots echo the specific texture

1. 魯道夫 斯廷格爾《程序》1989年作 Rudolf Stingel, Instructions, 1989 2. 傑 克 遜 波 洛 克《 灰 色的彩 虹 》 1953 年作 美國 芝加哥 芝加哥藝術機構藏 Jackson Pollock, GreyedRainbow, 1953, Collection of Art Institute of Chicago, Chicago, 3.USA阿爾佈雷特 丟勒《畫家手冊》（局部）第 二版 1538年作 Albrecht Dürer, The Painter's Manual (detail), 2nd edition, 1538 of the gauze, and the dazzling mesh and vivid textures continue the physicality of the materials used by the artist, allowing the abstraction of the painting to remain implicitly figurative in composition. Giving a new meaning to the painting, Stingel shows the traces of the creative process on canvas, recreating a passage of time and introducing human memory into the realm of art. By questioning the very nature of the artist, Stingel's images conceal an irony beneath their stunning beauty, as this daring artist subverts the viewer's understanding and experience of a work of art and redefines painting. As curator Francesco Bonami puts it, "Each painting is an act of rebellion, but also one of the many parts of an ongoing revolution to free painting from the tyranny of mundane representation or colour field annihilation." Stingel's poetic works lead the viewer into a dialogue that is more than just an episodic and conceptual performance, and thus provokes a wide range of thoughts and carries the collective consciousness and awareness of the people. 2.1. 3. 189MODERN AND CONTEMPORARY ART

29 RUDOLF STINGEL 魯道夫·斯廷格爾  ITALIAN, B. 1956 無題 1996 年作 油彩 畫布 款識：Stingel 96（畫背） 來源 美國 洛杉磯 Margo Leavin畫廊 私人收藏（1996年購自上述來源） 佳士得 紐約 2015年11月11日 編號417 中國 香港 高古軒畫廊 現藏者購自上述來源 展覽 1 996 年 9- 10 月 「 魯 道 夫 · 斯 廷 格 爾 新 作品」 M a r g o Leavin畫廊 洛杉磯 美國 Untitled Painted in 1996 oil on 172.7canvasx134.6 cm. (67 3/4 x 52 3/4 in.) signed and dated 'Stingel 96' (on the reverse) PROVENANCE Margo Leavin Gallery, Los Angeles, USA Private Collection (Acquired from the above in 1996) Christie's New York, 11 November 2015, Lot 417 Gagosian Gallery, Hong Kong, China Acquired from the above by the present owner EXHIBITED USA, Los Angeles, Margo Leavin Gallery, Rudolf Stingel: New Works, September-October, 1996. 亞 洲 頂尖 私 人 收藏 PROPERTY FROM A DISTINGUISHED ASIAN PRIVATE COLLECTION HK$ 15,000,000 - 25,000,000 US$ 1,917,300 - 3,195,400 〇 190 POLY AUCTION HONG KONG

191MODERN AND CONTEMPORARY ART

DOB先生村上隆 TAKASHI MURAKAMI 192 POLY AUCTION HONG KONG

村 上 隆 在成 長 時 期 深 受日 本動 畫和 漫 畫的影響， 他 雖 於 東京 藝術大學主 修 日 本 畫， 卻 因受到藝術 家大 竹 伸 朗 的 啟 蒙 ， 拋棄 了 學 院 派 日 本 畫的創 作， 轉 向 更加 能 夠 突 顯 個人 特質 的 當 代藝術。他 的作品 帶有 濃濃 的 卡 通 漫 畫色彩， 跨 時 代 結合了 東 西文化的 娛 樂性，實 際 卻 在影 射 日 本 文化 內 涵 。 村 上 隆 在他 知 名 的「 超 扁 平 宣 言 」中提到他 認為 當 今 的社會、 風 俗 、藝術、文化 都 極 度 的 平 面，「 今 天 ，日 本 電玩 和 卡 通 動 畫 最 能 表現這 種 特質 ，而這些 又 在 世界 文化中 具有 強 大的力 量 。」 村 上 隆 的 早 期 靈感 源自於 金 田 伊 功 1983 年 TAKASHI MURAKAMI 詢這些問題。『DOB計畫』就是為了要探是什麼呢？─其實我當初做祕訣』或者說『普遍性』又形象，他們在市場上的『生存機器貓，還有Hello命力？我們所熟知的米老鼠、十年後仍然有那麼旺盛的生太郎，為什麼他們的作品在數尚、畢卡索、沃霍爾以及岡本不倒的大師們，例如塞尚、杜如的臉。現代藝術那些屹立些思考，讓我有了這張變換自我常常在思考藝術的文脈，這Kitty的──村上隆 的 動 畫《 Harmagedon 》， 並且 受到日 本 眾多 稀奇 古怪 的 浮 世 繪藝術家 所 影響，在藝術性 跟 觀 賞 性 中 取 得 巧妙 的 平 衡 ， 打 破 了 通 俗 文化與 傳統 主義 的界限，得以讓大眾都能親近欣賞。 輕 鬆 調 皮 的《 DOB 先 生》 (Lot 30) 可 以 說 是 村 上 隆 本 我的化身， 也 是藝術家於 1993 年 最早 創作的 一位 虛 擬 角色，神 似迪 士 尼卡 通 明 星 米 老 鼠 的 造 型 結合了 日 本 超 扁 平動 漫 風格 的 特 點 像 是 那 典 型 的 水 汪汪 大眼， 並可 以從 配 色到 手 套 、 鞋 襪 等 造 型 上 看 出源自於日 本動 漫 多 啦Ａ 夢以及 遊 戲 音 速 小 子 的影響。 圓圓 的大頭以及 雙 耳 上由觀 者 目 光 的 左 面至 右分 別 寫 上大 寫 的 D 、 O 、 B ， 取 自 於 1970 年代 漫 畫家 川 崎 伸 作品《 滑稽 大將》的 名 言 ，其中角色將「 Doshite 」 （ 為 什 麼 ） 誤 讀 成 「 Dobojite 」， 再加 上 知 名 喜 劇 演 員由 利 徹 的 口 頭 禪 「 Oshamanbe 」，實 際 上為 北 海 道 的 城鎮長 萬部 ， 所結合 成的日文 俚 語 「 Dobojite, Dobojite, Oshamanbe 」。在 1990 年代，美國觀念藝術家 珍 妮 侯 哲爾 與 芭芭 拉 ．克 魯 格 擅長 運 用裝 飾 性文 字 以表 示 作品的 核 心 理 念， 當時 在日 本造 成 了極 大 轟 動 ， 也 引 起 了 眾多藝術家 仿 效 ， 被 視為對 傳 村上隆與《DOB先生》 Takashi Murakami with Mr. DOB 193MODERN AND CONTEMPORARY ART

統 藝術形式物 質 化和 造 的一種 反 叛 精 神。 DOB 先 生形 象所 闡 述 的文 字 造 型 正代表 了 村 上 隆 對 消費 主義 以及日 本 模仿 西 方觀念藝術的 批判與 獨 特見 解。 如同 村 上 隆 所 說： 「 DOB 先 生 的 誕 生源自我對社 會現 象 的 反 思 ， 不 過 他 誕 生之後， 彷彿有 了 自己的生 命 ； 起 初 只 有 簡單 扁 平 的 臉 ， 後來又 衍生出不 同的形 態， 充 滿實 驗 性 質 ，日 益豐富而複雜。」原先只 有 一個大 耳 朵 頭 像 的 DOB 先 生 逐 漸 進化， 藝術家 先 是在他 招 牌 的 臉 上 做 實 驗 ，從 靦腆 的 微 笑 到 裂嘴 大 笑 ， 而 還 會 露 出如同 鯊魚 般 利 齒 。在日 本動 漫 寶可 席捲 全 球 後， 村 上 隆 在 年作的《Mr. DOB All Stars (Oh My The Mr. DOB) 》中將 星 皮 卡 丘 與 DOB 先 生作 在之後的 原 版 DOB 先 生 也加 上 皮 卡 丘 的閃 電 尾 巴， 融 入 動 作 賦予角色人性與活力，終於完整 了 全身形 象 ， 就 像 是藝術家「日 益豐富而複雜」的人生經歷一般。 村 上 隆 意圖在作品中探 討 日 本被 年 輕 人 蔚 為 風 潮 的 動 漫 文化性，這 樣 沉 迷 於 幻 想的現 象往往被 過 度 美化， 也 在 日 本 的年 輕 社會 造 成 了極 大的影響， 很 多人 雖 已邁 入成年 但 卻 被 抨 擊 依舊 長 不 大。 然 而 近 年來 動 漫 文化在國 際 上 越 來 越 大眾，從次 級 文化 逐 漸 轉 向主流， 早 已 走 出日 本本 土 成為 了 國 際 性的現 象 級 文化， 愛 好 者不再 需要 擔 心 被 群 眾 目 光所 審 視， 終 於 可 以為自己發 聲 。《 DOB 先 生》 巧妙 地 象 徵 文化無 遠 弗 屆 的 滲 透性，他 好 奇 地探 視和張 望 ，從 超 扁 平 的 型 態走入 三維 生 活。如 此 大 型 的 DOB 先 生全身立 像 還 是 首 次出現在 公 開 的 二 級 市場 ， 極 其 罕 見 之 餘 ，如 此 可 愛討 喜 的形 象 勢 必 也 會成為 新 一代的 網 紅打 卡 點 。 194 POLY AUCTION HONG KONG

195MODERN AND CONTEMPORARY ART

- Murakami Takashi Takashi Murakami was heavily influenced by Japanese animation and comics growing up. Although he majored in Japanese painting at Tokyo University of the Arts, he was inspired by the artist Shinro Ohtake and abandoned the academic style of Japanese painting for contemporary art as he was able to express his personal characteristics. His work often carries a strong cartoon and comic flavour, combining entertainment elements of Eastern and Western cultures, successfully attracting audience of different generations. In fact, they all allude to Japanese culture connotations. In his famous 'Superflat Manifesto', Murakami stated that he believes that the contemporary society, customs, art and culture are extremely twodimensional and that "today, Japanese video games and cartoon animation best express this quality, which is a powerful force in world culture". Inspired by Yoshinori Kanada's 1983 animation Harmagedon and influenced by Japan's many quirky ukiyo-e artists, his early work strikes a delicate balance between artistry and ornamental value, breaking down the boundaries between popular culture and traditionalism to make it accessible to the general Thepublic.light-hearted and mischievous Mr. DOB (Lot 30) is the embodiment of Takashi Murakami's true self, a virtual character first created by the artist in 1993. It has the resemblance to Disney's Mickey Mouse, the typical Japanese super-flat animation style of big watery eyes, the influence of Japanese anime Doraemon and lastly the game Sonic Boy's colour scheme can be seen in gloves and Thesocks.round head and the ears are written with capital D, O, B from left to the right of the viewer's gaze respectively are taken from the famous words of 1970s comic artist Naboru Kawasaki's Inakappe Taisho, in which the character

I have often pondered over the context of art, and these thoughts have given me this face, which I can change with ease. Why do the masters of modern art, such as Cézanne, Duchamp, Picasso, Warhol and Taro Okamoto, whose works are still so vibrant decades later? What is the ‘survival tips’ or ‘universality’ of the Mickey Mouse, Doraemon and Hello Kitty figures that we know so well in the marketplace? These are the questions I wanted to inquire when I first started the DOB project.

TAKASHI MURAKAMI MR. DOB

1. 村上隆《小的藍色DOB》1993年作 Takashi Murakami, Small Blue DOB, 1993 2. 村上隆《DOB先生全明星（喔我的DOB先生）》1998年作 Takashi Murakami, Mr.DOBAllStars(OhMyTheMr.DOB), 1998 1.2. 196 POLY AUCTION HONG KONG

mispronounces "Doshite" as "Dobojite", and the famous comedian Tōru Yuri's mantra "Oshamanbe". In fact, it is the Japanese slang "Dobojite, Dobojite, Oshamanbe" is actually formed by Manbu, the town chief of Hokkaido. In the 1990s, American conceptual artists Jenny Holzer and Barbara Kruger created a sensation in Japan with their use of decorative text to represent the core ideas of their work, which was imitated by many artists and was seen as a rebellious spirit against the materiality and plasticity of traditional art forms. The textual forms illustrated by Mr. DOB represent Murakami's critique of consumerism and a unique interpretation of Japanese imitation of Western Asconcepts.Takashi Murakami said, "Mr. DOB was born out of my own reflection towards social phenomenon, but after his birth, he seems to have taken on a life of his own; at first he only has a simple flat face, but later different forms were derived, and it becomes more and more experimental, rich and complex"., Mr. DOB, who originally had only one big-eared face, has gradually evolved. With the artist experimenting with his signature face, from a bashful smile to a wide grin, sometimes revealing sharp teeth like a shark. With the popularity of the Japanese anime Pokémon all over the world, the artist fused the cartoon star Pikachu with Mr. DOB in his 1998 work Mr. DOB All Stars (Oh My The Mr. DOB), and the original Mr. DOB was later given Pikachu's tail in the shape of a lightning bolt. With the movement, the figure was filled with a sense of human and energetic feeling. The creation process of the whole body embodies the "increasingly rich and complex" life experience of the artist. Takashi Murakami intends to explore the popularity of anime and manga culture among Japan's young people through his work. This phenomenon of indulging in fantasy is often over-glorified and has made a huge impact on the younger generation, with many of them being criticised for not growing up despite having reached adulthood. However, anime and manga culture has become increasingly popular internationally in recent years, moving from sub-culture to the mainstream and becoming an international phenomenon. With fans no longer having to worry about being scrutinised by the public and finally being able to speak out for themselves. Mr. DOB subtly symbolises the permeability of culture, he visits and looks around curiously, moving from a superflat form into a three-dimensional living character. This is the first time that a full-sized figure of Mr. DOB to appear in the public secondary market, and while it is extremely rare, such a lovely figure is sure to become a new spot for fans and admirers to visit.

197MODERN AND CONTEMPORARY ART

30 TAKASHI MURAKAMI 村上隆  JAPANESE, B. 1962 DOB先生 2019 年作 玻璃纖維 雕塑 來源 中國 香港 高古軒畫廊 現藏者購自上述來源 Mr. DOB Executed in 2019 fiberglass sculpture 130.3 x 81 x 157 cm. (51 1/2 x 32 x 61 3/4 in.) PROVENANCE Gagosian Gallery, Hong Kong, China Acquired from the above by the present owner HK$ 5,000,000 - 7,000,000 US$ 639,100 - 894,700 亞 洲 頂尖 私 人 收藏 PROPERTY FROM A DISTINGUISHED ASIAN PRIVATE COLLECTION 198 POLY AUCTION HONG KONG

199MODERN AND CONTEMPORARY ART

DAY日間拍賣SALE Lots 101-216

101 EDGAR PLANS (SPANISH, B. 1977) Jedi Gourmet 艾德加．普連斯 絕地武士美食家 Painted in 2019 mixed media on canvas 53.5 x 46.4 cm. (21 x 18 1/2 in.) 綜合媒材2019年作 畫布 HK$ 320,000 - 500,000 US$ 41,000 - 64,100 102 ANDRÉ BUTZER (GERMAN, B. 1973) Untitled 安德烈· 布策 無題 Painted in 2020 oil on canvas 81.9 x 49.5 cm. (32 x 19 1/2 in.) signed and dated 'A. Butzer, '20' (on the reverse) PROVENANCE Galerie Max Hetzler, London, UK Acquired from the above by the present owner 款識：A.油彩2020年作畫布Butzer, '20（畫背） 來源 英國 倫敦 Max 現藏者購自上述來源Hetzler畫廊 HK$ 200,000 - 400,000 US$ 25,600 - 51,300 202 POLY AUCTION HONG KONG

103 KATHERINE BERNHARDT (AMERICAN, B. 1975) Gold Pepsi Eyes 凱瑟琳·伯恩哈特 黃金百事之眼 Executed in 2019 acrylic and spray paint on canvas 183 x 152.5 cm. (72 x 60 in.) titled, signed, dated and inscribed 'Gold Pepsi Eyes Katherine Bernhardt 2019 Garfield' (on the reverse) PROVENANCE Xavier Hufkens Gallery, Brussels, Belgium Acquired from the above by the present owner 壓克力2019年作噴漆 畫布 款識：Gold Pepsi Eyes Katherine Bernhardt 2019 Garfield（畫背） 來源 比利時 布魯塞爾 Xavier Hufkens畫廊 現藏者購自上述來源 HK$ 350,000 - 700,000 US$ 44,900 - 89,700 104 TANIA MARMOLEJO (DOMINICAN, B. 1975) The Double Seduction 塔尼亞．馬爾莫列霍 雙重誘惑 Painted in 2017 oil on linen 127 x 177.8 cm. (50 x 70 in.) signed and dated 'Tania Marmolejo 17' (lower right) This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Lyle. O Reitzel Gallery, Santo Domingo, Dominican Republic. 款識：Tania油彩2017年作亞麻布 Marmolejo 17（右下） 附多明尼加共和國 聖多明哥 Lyle O. Reitzel畫廊開立之 原作保證書 HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 203MODERN AND CONTEMPORARY ART

105 RAFAEL MACARRÓN (SPANISH, B. 1981) Niña 拉法．馬卡龍 尼娜 Painted in 2018 mixed media on canvas 227.5 x 144.6 cm. (89 1/2 x 57 in.) signed and dated 'RM 18' (lower right) PROVENANCE Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Fun Year National Art Co., Ltd., Taichung, Taiwan. HK$ 800,000 - 1,600,000 US$ 102,600 - 205,100 綜合媒材2018年作 款識：RM畫布18（右下） 來源 亞洲 附台灣私人收藏台中凡亞國際藝術有限公司開立之原作保證書 204 POLY AUCTION HONG KONG

106 NIKKI (AMERICAN, B. 1996) Untitled, Cat Girl; Untitled, Cat Girl; Untitled; Yes Sir You Just Can't Deny It; & Listen to Me You Fool 及笨蛋聽我說尼基 無題，貓娘；無題，貓娘；無題；是的，先生，您無法否認； Executed in 2021 five mixed media plates each: 41 cm. (16 in.) in diameter PROVENANCE Choi's Choice, Daegu, South Korea Acquired from the above by the present owner 綜合媒材2021年作 盤子（共五件） 來源 南韓 大邱 Choi's 現藏者購自上述來源Choice HK$ 80,000 - 150,000 US$ 10,300 - 19,200 107 JAVIER CALLEJA (SPANISH, B. 1971) 01980; & Mr. Eyes 哈維爾·卡列哈 01980；及眼睛先生 Painted in 2017 two watercolour and pencil on paper 10.5 x 10.5 cm. (4 x 4 in.); & 19.2 x 13 cm. (7 1/2 x 5 in.) PROVENANCE NANZUKA, Tokyo, Japan Whitestone Gallery, Hong Kong, China Private Collection, Asia Ravenel Taipei, 1 December 2019, Lot 1 Acquired from the above sale by the present owner 水彩2017年作鉛筆 紙本（共兩件） 來源 日本 東京 NANZUKA 中國 香港 白石畫廊 亞洲 羅芙奧私人收藏台北2019年12月1日 編號 1 現藏者購自上述拍賣 HK$ 300,000 - 500,000 US$ 38,500 - 64,100 205MODERN AND CONTEMPORARY ART

108 EDGAR PLANS (SPANISH, B. 1977) Conejos 艾德加．普連斯 兔子 oil on board 33.5 x 24 cm. (13 x 9 1/2 in.) signed 'Plans' (lower left) PROVENANCE Bruno Trelles Gallery, Gijon, Spain Private Collection, Europe 油彩 款識：Plans（左下）木板 來源 西班牙 希洪 Bruno Trelles畫廊 歐洲 私人收藏 HK$ 30,000 - 40,000 US$ 3,800 - 5,100 109 HUANG BENREI (CHINESE, B. 1959) Mood Board: Spring 黄本蕊 一樣風景兩季心情：春天 Painted in 2019 acrylic on canvas 71 x 55.7 cm. (28 1/2 x 21 3/4 in.) signed and dated 'Benrei H. 2019' (lower right) EXHIBITED Taiwan, Taipei, Eslite Gallery, Shapes of Self-Reflection, 3-31 July, 2021. LITERATURE Benrei Huang 2021, Eslite Corporation, Taipei, Taiwan, 2021 (illustrated, p. This54).work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist, issued by Eslite Gallery, Taipei, Taiwan. 款識：Benrei壓克力2019年作畫布 H. 2019（右下） 展覽 2021年7月3-31日「隨省三姿」誠品畫廊 台北 台灣 出版 《黃本蕊 2021》誠品股份有限公司 台北 台灣 2021年（圖版，第54頁） 附台灣 台北 誠品畫廊開立之藝術家親簽原作保證書 HK$ 80,000 - 150,000 US$ 10,300 - 19,200 206 POLY AUCTION HONG KONG

110 HUANG BENREI (CHINESE, B. 1959) A Season Too Late - 2 黄本蕊 平行時空裡遇見愛（之二） Painted in 2020 acrylic on canvas 71.5 x 56 cm. (28 1/2 x 22 in.) signed and dated 'Benrei H. 2020' (lower left) EXHIBITED Taiwan, Taipei, Eslite Gallery, Shapes of Self-Reflection, 3-31 July, 2021. LITERATURE Benrei Huang 2021, Eslite Corporation, Taipei, Taiwan, 2021 (illustrated, p. 68). This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist, issued by Eslite Gallery, Taipei, Taiwan. 款識：Benrei壓克力2020年作畫布 H. 2020（左下） 展覽 2021年7月3-31日「隨省三姿」誠品畫廊 台北 台灣 出版 《黃本蕊 2021》誠品股份有限公司 台北 台灣 2021年（圖版，第68頁） 附台灣 台北 誠品畫廊開立之藝術家親簽原作保證書 HK$ 80,000 - 150,000 US$ 10,300 - 19,200 111 HUANG BENREI (CHINESE, B. 1959) Nini 黄本蕊 尼尼 Executed in 2017 fiberglass sculpture edition: 5/6 92 x 107 x 200 cm. ( 36 x 42 x 78 1/2 in.) editioned and dated '5/6 2017'; signed in Chinese (on the left heel) EXHIBITED China, Suzhou, Eslite Spectrum Suzhou Store, In The Name Of Flower , 3-25 June, 2017 (alternate edition exhibited). This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist, issued by Eslite Gallery, Taipei, Taiwan. 玻璃纖維2017年作 款識：5/6版數：5/6雕塑黄本蕊 2017（左腳後跟） 展覽 2017年6月3-25日「以花之名」誠品生活蘇州 蘇州 中國（展覽為另 附台灣一版數）台北 誠品畫廊開立之藝術家親簽原作保證書 HK$ 400,000 - 600,000 US$ 51,300 - 76,900 207MODERN AND CONTEMPORARY ART

112 ZHANG KAI (CHINESE, B. 1985) The Beauty in Mind 張凱 那心中的美麗 Painted in 2012 oil on 119.5canvasx100 cm. (47 x 39 1/4 in.) signed 'ZK' (lower centre) one painted seal of the artist PROVENANCE Poly Beijing, 4 June 2016, Lot 6829 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED China, Beijing, Triumph Art Space, Leave My World Here - Zhang Kai's Solo Exhibition, 19 January-28 February, 2013. UK, London, Royal Collage of Art, China Now: Young Artist Duet - Zhang Kai & He Jie, 17-27 July, 2015. China, Beijing, Triumph Art Space, Present-Zhang Kai Solo Exhibition, 23 June-31 July, 2018. LITERATURE Never·Land, Triumph Art Space, Beijing, China, 2012 (illustrated, p. 35). Leave My World Here, Triumph Art Space, Beijing, China, 2013 (illustrated, unpaginated). China Now: Young Artist Duet Zhang Kai & He Jie , Triumph Art Space, Beijing, China, 2015 (illustrated, p. 43). 藝術家手繪鈐印：凱款識：ZK（中下）油彩2012年作畫布 來源 保利 北京 2016年6月4日 編號6829 現藏者購自上述拍賣 展覽 2013年1月19日-2月28日「把我的世界留在這兒—張凱個展」藝·凱 旋藝術空間 北京 2018年6月23日-7月31日「禮物—張凱個展」藝國皇家藝術學院2015年7月17-27日「中國進行式─當代青年藝術家張凱＆何杰」英中國倫敦英國 ·凱旋藝術空間 北 京 中國 出版  《非·常境 青年藝術家聯展》藝·凱旋藝術空間 北京 中國 2012年 《把我的世界留在這兒》藝（圖版，第35頁）·凱旋藝術空間 北京 中國 2013年（圖 《中國進行式─當代青年藝術家張凱＆何杰》藝版，無頁碼） 凱旋藝術空間 北 京 中國 2015年（圖版，第43頁） HK$ 550,000 - 750,000 US$ 70,500 - 96,200 113 AI HAIBARA (JAPANESE, B. 1981) Dog Lover; & Cat Lover 灰原愛 犬派；及貓派 Executed in 2019 two acrylic and camphorwood sculptures 19.5 x 20 x 57.5 cm. (7 1/2 x 7 3/4 x 22 1/2 in.); & 18 x 20 x 55 cm. (7 x 7 3/4 x 21 1/2 in.) PROVENANCE Private Collection, Asia EXHIBITED Japan, Tokyo, Gallery Kogure, Ai Haibara Solo Exhibition- You At Some Time, 22-30 November, 2019. The work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist. 壓克力2019年作 樟木 雕塑（共兩件） 來源 亞洲 私人收藏 展覽 2019年11月22-30日「灰原愛個展─在某個時候的你」Kogure美術館 東京 附藝術家親簽原作保證書日本 HK$ 150,000 - 300,000 US$ 19,200 - 38,500 Lot 112 208 POLY AUCTION HONG KONG

114 ALEX FACE (THAI, B. 1981) Black Tiger 安利克斯·菲斯 黑老虎 Executed in 2018 oil, acrylic and spray paint on canvas, artist's frame with frame: 35.5 x 43.7 x 3.5 cm. (14 x 17 x 1 1/2 in.) signed and dated '"Alex Face" 2018' (on the reverse); signed 'Alex Face' (on the stretcher) PROVENANCE Lei Xiang Gallery, Taipei, Taiwan Acquired from the above by the present owner This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Lei Xiang Gallery, Taipei, Taiwan. 2018年作 油彩 壓克力 噴漆 畫布 藝術家畫框 款識："Alex Face" 2018（畫背）；Alex Face（畫背內框） 來源 台灣 台北 雷相 附台灣現藏者購自上述來源畫廊台北 雷相畫廊開立之原作保證書 HK$ 50,000 - 100,000 US$ 6,400 - 12,800 115 EDDIE MARTINEZ (AMERICAN, B. 1977) EMHK WOP4 艾迪· 馬丁尼茲 EMHK WOP4 Painted in 2019 acrylic and watercolour on paper 46.2 x 84 cm. (18 x 33 in.) signed and dated 'EM.19' (lower left) PROVENANCE Galerie Perrotin, Hong Kong, China Acquired from the above by the present owner EXHIBITED China, Hong Kong, Galerie Perrotin, Eddie Martinez: EMHK19, 17 May-29 June, 2019. 2019年作 壓克力 水彩 紙本 款識：EM.19（左下） 來源 中國 香港 貝浩登 現藏者購自上述來源畫廊 展覽 2019年5月17日-6月29日「艾迪．馬丁尼茲：EMHK19」貝浩登畫廊 香港 中國 HK$ 180,000 - 260,000 US$ 23,100 - 33,300Lot113 LotLot115114 209MODERN AND CONTEMPORARY ART

EDDIE MARTINEZ (AMERICAN, B. 1977) Blockhead Lamp 艾迪· 馬丁尼茲 方塊頭燈 Executed in 2020 stained glass and LED light sculpture edition: 92/100 13.5 x 14 x 15.5 cm. (5 1/2 x 5 1/2 x 6 in.) signed and editioned 'MARTINEZ. 092/100' (bottom) PROVENANCE Galerie Perrotin, Hong Kong, China Acquired from the above by the present owner This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by AllRightsReserved; with original product box. 發光二極體 雕塑 款識：MART版數：92/100 INEZ. 092/100（底部） 中國 香港 貝浩登 附AllRi現藏者購自上述來源畫廊 ghtsReserved開立之原作保證書；及作品原裝盒 HK$ 140,000 - 180,000 US$ 17,900 - 23,100 117 CEET FOUAD (FRENCH, B. 1971) Extazy 習福德 狂喜 Executed in 2013 mixed media on canvas 143 x 112 cm. (56 1/2 x 44 in.) signed, dated and titled 'Ceet 2013 "EXTAZY"' (on the reverse) EXHIBITED China, Hong Kong, Amanda Wei Gallery, Raining Colours, 1 September-1 October, 2017. This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist and issued by Amanda Wei Gallery, Hong Kong, China. 綜合媒材2013年作 款識：Ceet畫布2013 "EXTAZY"（畫背） 展覽 2017年9月1日-10月1日「雨後霞光」魏畫廊 香港 中國 附中國 香港 魏畫廊開立之藝術家親簽原作保證書 HK$ 80,000 - 110,000 US$ 10,300 - 14,100 210 POLY AUCTION HONG KONG

118 DAVID SHRIGLEY (BRITISH, B. 1968) Untitled 大衛．史瑞格里 無題 Painted in 2021 acrylic on paper 76 x 56 cm. (30 x 22 in.) PROVENANCE Stephen Friedman Gallery, London, UK Acquired from the above by the present owner 壓克力2021年作紙本 來源 英國 倫敦 Stephen Friedman畫廊 現藏者購自上述來源 HK$ 65,000 - 100,000 US$ 8,300 - 12,800 119 JOHN BAPTIST SEKUBULWA (UGANDAN, B. 1990) East Coast Ready 約翰·巴蒂斯特·塞庫布瓦 東海岸準備就緒 Painted in 2020 oil on canvas 150 x 140 cm. (59 x 55 in.) signed and dated 'Sekubulwa 20' (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Europe (Acquired directly from the artist by the present owner) EXHIBITED Uganda, Kampala, Afriart Gallery, Playing to the Gallery , 25 July-19 September, 2020. 款識：油彩2020年作畫布 Sekubulwa 20（畫背） 來源 歐洲 私人收藏（現藏者直接得自於藝術家） 展覽 2020年7月25日-9月19日「嘩衆取寵」Afriart畫廊 坎帕拉 烏干達 HK$ 40,000 - 60,000 US$ 5,100 - 7,700 211MODERN AND CONTEMPORARY ART

120 ADRIANA OLIVER (SPANISH, B. 1990) Portrait of 3 Sisters 阿德里安娜· 奧利弗 三姐妹肖像 Painted in 2019 acrylic on canvas 150 x 150 cm. (59 x 59 in.) titled, inscribed, signed and dated '"Portrait of 3 Sisters" 150 x 150 cm Acrylic on canvas Adriana Oliver 2019' (on the reverse) PROVENANCE Galería Houssein Jarouche, São Paulo, Brazil Private Collection Private Collection, Asia EXHIBITED Brazil, São Paulo, Galería Houssein Jarouche, Solo Exhibition-All The Lonely People, 3-30 August, 2019. 款識：壓克力2019年作畫布"Portrait of 3 Sisters" 150 x 150 cm Acrylic on canvas Adriana Oliver 2019（畫背） 來源 巴西 聖保羅 Houssein Jarouche畫廊 亞洲私人收藏私人收藏 展覽 2019年8月3-30日「所有寂寞的人個展」Houssein Jarouche畫廊 聖 保羅 巴西 HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 121 CLAIRE TABOURET (FRENCH, B. 1981) My Waves 克萊爾· 特伯萊 我的海浪 Painted in 2019 acrylic and ink on paper 139 x 107 cm. (54 1/2 x 42 in.) signed and dated 'C. TABOURET 19' (lower right) PROVENANCE Private Collection, Asia Private Collection Phillips Hong Kong, 28 May 2020, Lot 120 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED France, Nantes, HAB Galerie, Claire Tabouret: If Only The Sea Could Sleep, 6 July-15 September, 2019. 壓克力2019年作水墨 紙本 款識：C. TABOURET 19（右下） 來源 亞洲 私人收藏私人收藏 富藝斯 香港 2020年5月28日 編號 120 現藏者購自上述拍賣 展覽 2019年7月6日-9月15日「克 萊 爾 ·特伯萊 ： 如果 大 海能沉睡 」HAB 畫廊 南特 法國 HK$ 380,000 - 600,000 US$ 48,700 - 76,900 212 POLY AUCTION HONG KONG

122 GEORGE CONDO (AMERICAN, B. 1957) The Boy with White Hat and Blue Eyes 喬治．康多 白帽子藍眼睛男孩 Painted in 1994-1995 oil on canvas 100 x 73 cm. (39 1/2 x 28 1/2 in.) signed and dated 'Condo 95' (upper right); signed, dated and titled 'Condo 1994 The Boy with White Hat and Blue Eyes' (on the reverse) PROVENANCE Pace Gallery, New York, USA Acquired from the above by the present owner HK$ 1,500,000 - 3,000,000 US$ 192,300 - 384,600 款識：Condo油彩1994-1995年作畫布95（右上）；Condo 1994 The Boy with White Hat and Blue Eyes（畫背） 來源 美國 紐約 佩斯 現藏者購自上述來源畫廊 213MODERN AND CONTEMPORARY ART

123 NEO RAUCH (GERMAN, B. 1960) Mann auf dem Lande 尼奧．勞赫 鄉下人 Painted in 2002 oil on canvas 49.9 x 40 cm. (19 1/2 x 15 1/2 in.) signed and dated 'Rauch 02' (lower right); titled and inscribed 'Mann auf dem Lande WU. 408' (on the stretcher) PROVENANCE David Zwirner Gallery, New York, USA Collection of Melva Bucksbaum Family (Acquired from the above in 2004) Christie's New York, 16 November 2017, Lot 864 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED Japan, Osaka, National Museum of Art, Essential Painting , OctoberDecember, 2006. LITERATURE Essential Painting , National Museum of Art, Osaka, Japan, 2006 (illustrated, p. 120). HK$ 800,000 - 1,600,000 US$ 102,600 - 205,100 款識：Rauch油彩2002年作畫布 02（右下）；Mann auf dem Lande WU. 408（畫背 內框） 來源 美國 紐約 卓納畫廊 Melva Bucksbaum家族舊藏（2004年直接購自上述來源） 佳士得 紐約 2017年11月16日 編號 864 現藏者購自上述拍賣 展覽 2006年10-12月「基本畫」國立國際美術館 大阪 日本 出版 《基本畫》國立國際美術館 大阪 日本 2006年（圖版，第120頁） 214 POLY AUCTION HONG KONG

124 KAWS (AMERICAN, B. 1974) NEVER CAN TELL KAWS 永遠不能說 Painted in 2010 acrylic on canvas 172 cm. (68 in.) in diameter signed and dated 'KAWS.. 10' (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Asia HK$ 1,500,000 - 2,500,000 US$ 192,300 - 320,500 2010 款識：KA壓克力年作畫布WS..10（畫背） 來源 亞洲 私人收藏 215MODERN AND CONTEMPORARY ART

125 KAWS (AMERICAN, B. 1974) UNTITLED (ORIGINAL FAKE SERIES) KAWS 無題（ORIGINAL FAKE 系列） Painted in 2002 acrylic on canvas in plastic bag with hangtag 15.2 x 12.7 cm. (6 x 5 in.) signed and dated 'KAWS.. 02' (on the stretcher) PROVENANCE SBI Art Auction Tokyo, 26 October 2019, Lot 159 Acquired from the above sale by the present owner 壓克力2002年作畫布 塑科包裝 款識：KAWS..02（畫背內框） 來源 SBI Art Auction 東京 2019年10月26日 編號 159 現藏者購自上述拍賣 HK$ 350,000 - 550,000 US$ 44,900 - 70,500 126 (AMERICAN,KAWSB. 1974) X ESTUDIO CAMPANA KAWS: COMPANION Sofa (Grey) KAWS KAWS：同伴沙發（灰）及坎帕納工作室  Executed in 2019 plush toys, stainless steel and cumaru wood edition: 2/8 plus 3APs and 1 prototype 177.8 x 99 x 81 cm. (70 x 39 x 32 in.) PROVENANCE Friedman Benda Gallery, New York, USA Private Collection, Asia EXHIBITED Australia, Melbourne, The National Gallery of Victoria, KAWS: Companionship in the Age of Loneliness, 20 September, 2019-15 March, 2020 (alternate edition exhibited). LITERATURE KAWS: Companionship in the Age of Loneliness, National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia, 2019 (alternate edition illustrated, pp. 236 & 323). HK$ 700,000 - 1,000,000 US$ 89,700 - 128,200 2019 年作 毛絨公仔 不鏽鋼 香二翅豆木 版數：2/8，3版藝術家試版及1版原型模板 來源 美國 紐約 Friedman Benda 畫廊 亞洲 私人收藏 展覽 2019年9月20日-2020年3月15日「KAWS: 孤獨時代的陪伴」維多利 亞國家美術館 墨爾本 澳洲（展覽為另一版數） 出版 《KAWS：孤單年代的同伴》維多利亞國立美術館 墨爾本 澳洲 2019 年（圖版為另一版數，第236及323頁） Lot 125 Lot 126 216 POLY AUCTION HONG KONG

127 KAWS (AMERICAN, B. 1974) Three separate works: LOST TIME; ALONE AGAIN; & FAR FAR DOWN KAWS 三件作品：失去的時間；又是一個人；及遠在深淵 Execued in 2018 three screenprints edition: AP 27/100 plus 20 APs each: 81.2 x 135 cm. (32 x 53 1/4 in.) editioned, signed and dated '27 100 KAWS..18' (bottom of each) PROVENANCE Pace Prints, New York, USA Private Collection, Asia Acquired from the above by the present owner EXHIBITED USA, New York, Brooklyn Museum, KAWS: What Party , 26 February-5 September, 2021 (alternate edition exhibited). LITERATURE KAWS: What Party , Phaidon Press, New York, USA, 2021 (alternate edition illustrated, unpaginated). HK$ 300,000 - 600,000 US$ 38,500 - 76,900 128 KAWS (AMERICAN, B. 1974) Three separate works: KAWSBOB (RED); KAWSBOB (BLACK); & KAWSBOB (YELLOW) KAWS 三件作品：KAWSBOB（紅）；KAWSBOB（黑）；及KAWSBOB（黃） Executed in 2011 three screenprints edition: 30/100; 38/100; & 32/100 plus 20 APs each: 50.8 x 50.8 cm. (20 x 20 in.) 1. Red: editioned, signed and dated '30/100 KAWS.. 11' (bottom); 2. Black: editioned, signed and dated '38/100 KAWS.. 11' (bottom); & 3. Yellow: editioned, signed and dated '32/100 KAWS.. 11' (bottom) PROVENANCE Private Collection, Asia HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 2018年作 絲網 版數：藝術家版畫（共三件） 試版 27/100及20版藝術家試版 款識：27/100 KAWS..18（每件底部） 來源 美國 紐約 佩斯版畫 亞洲 現藏者私人收藏 得自上述來源 展覽 2021年2月26日-9月5日「KA WS ： 甚麽派對 」布魯克 林博 物 館 紐約 美國（展覽為另一版數） 出版 《KAWS：甚麽派對》費頓出版社 紐約 美國 2021年（圖版為另 2011年作一版數，無頁碼） 絲網 版數：30/100版畫（共三件） ；38/100；及32/100及20版藝術家試版 1.《款識： 紅》30/100 KAWS.. 11（底部）； 2.《黑》38/100 KAWS.. 11（底部）；及 3.《黃》32/100 KAWS.. 11（底部） 來源 亞洲 私人收藏 217MODERN AND CONTEMPORARY ART

129 MADSAKI (JAPANESE, B. 1974) Untitled MADSAKI 無題 Executed in 2017 spraypaint, acrylic and glitter powder on canvas 40 x 40 cm. (15 1/2 x 15 1/2 in.) signed and dated 'madsaki 2017' (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Asia 噴漆2017年作壓克力 閃粉 畫布 款識：madsaki 2017（畫背） 來源 亞洲 私人收藏 HK$ 100,000 - 200,000 US$ 12,800 - 25,600 130 IZUMI KATO (JAPANESE, B. 1969) Untitled 加藤泉 無題 Painted in 2005 oil on canvas 33.5 x 33.5 cm. (13 x 13 in.) dated, inscribed and signed '2005 oil on canvas 33.3 x 33.3 cm (54) Kato'; signed in Japanese (on the reverse) PROVENANCE Galleria Enrico Astuni, Bologna, Italy Private Collection Private Collection, Asia EXHIBITED Italy, Pietrasanta, Galleria Enrico Astuni, Izumi Kato, 17 December, 200518 February, 2006. LITERATURE Izumi Kato, Galleria Enrico Astuni, Bologne, Italy, 2006 (illustrated, p. 48). 2005年作 油彩 畫布 款識：2005 oil on canvas 33.3 x 33.3 cm (54) Kato 泉（畫背） 來源 義大利 博洛尼亞 Enrico Astuni畫廊 亞洲私人收藏私人收藏 展覽 2005年12月17日-2006年2月18日「加藤泉」Enrico Astuni畫廊 皮耶 特拉桑塔 義大利 出版 《加藤泉》Enrico Astuni畫廊 博洛尼亞 義大利 2006年（圖版，第48頁） HK$ 280,000 - 380,000 US$ 35,900 - 48,700 218 POLY AUCTION HONG KONG

131 ATSUSHI KAGA (JAPANESE, B. 1978) Bodies are Immortal: Souls are Not 加賀温 身體是不朽的：靈魂卻不是 Painted in 2018-2021 acrylic on board 40 x 30 cm. (15 1/2 x 12 in.) signed 'Atsushi' (on the reverse) EXHIBITED Japan, Tokyo, Maho Kubota Gallery, It Always Comes; A Solace in the Cat, 10 September-9 October, 2021. 款識：Atsushi（畫背）壓克力2018-2021年作木板 展覽 2021年9月10日-10月9日「It Always Comes; A Solace in the Cat」 Maho Kubota畫廊 東京 日本 HK$ 100,000 - 200,000 US$ 12,800 - 25,600 HSI SHIH-PIN (CHINESE, B. 1977) Bear-Rabbit, Astrology, Explorer 席時斌 熊兔，星象，探險者 stainless steel, amethyst and rose quartz sculpture 137 x 80 x 116 cm. (54 x 31 1/2 x 45 1/2 in.) Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Soka Art, Taipei, Taiwan. 水晶 藝術開立之原作保證書雕塑 HK$ 250,000 - 500,000 US$ 32,000 - 63,900 219MODERN AND CONTEMPORARY ART

133 MR. DOODLE (BRITISH, B. 1994) Pyramid Climb 塗鴉先生 金字塔攀登 Executed in 2021 acrylic and spray paint on canvas 170 x 120 cm. (67 x 47 1/4 in.) signed and dated 'MR DOODLE! 2021' (lower right) PROVENANCE Pearl Lam Galleries, Hong Kong, China Acquired from the above by the present owner 壓克力2021年作噴漆 畫布 款識：MR DOODLE! 2021（右下） 來源 中國 香港 藝術門 現藏者購自上述來源 HK$ 500,000 - 1,000,000 US$ 64,100 - 128,200 134 MR. DOODLE (BRITISH, B. 1994) Square from Old Street 塗鴉先生 舊街方塊 Painted in 2017 six arcylic on paper 36.1 x 49.7 cm. (14 x 19 1/2 in.); 35.5 x 51.4 cm. (14 x 20 in.); 36 x 51 cm. (14 x 20 in.); 36 x 51.3 cm. (14 x 20 in.); 35.5 x 51.8 cm. (14 x 20 1/2 in.); & 34.8 x 50.4 cm. (13 1/2 x 20 in.) signed 'MR DOODLE!' (lower right of each) PROVENANCE Acquired directly from the artist in 2017 EXHIBITED UK, London, Old Street Underground Station, Mr Doodle, 2017. 壓克力2017年作紙本（共六件） 款識：MR DOODLE!（每件右下） 來源 2017年直接得自於藝術家 展覽 2017年「Mr Doodle」倫敦舊街地鐵站 倫敦 英國 HK$ 120,000 - 180,000 US$ 15,400 - 23,100 220 POLY AUCTION HONG KONG

136 ZHANG YINGNAN (CHINESE, B. 1981) Poplar 張英楠 白楊 Painted in 2020 oil on canvas 150 x 150 cm. (59 x 59 in.) titled, inscribed and signed in Chinese; inscribed and dated '150 cm x 150 cm 2020' (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Soka Art, Taipei, Taiwan. 款識：油彩2020年作畫布白楊 150 cm x 150 cm 畫布 油畫 2020 張英楠（畫背） 來源 亞洲 附台灣私人收藏台北索卡藝術開立之原作保證書 HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 135 MR. DOODLE (BRITISH, B. 1994) Doodlings 塗鴉先生 塗鴉 Painted in 2019 four sets of acrylic on canvas (quadriptych) each: 15 x 15 cm. (6 x 6 in.) overall: 60 x 60 cm. (23 1/2 x 23 1/2 in.) signed and dated 'MR DOODLE! 2019' (on the reverse of each) 壓克力2019年作畫布（共四組四聯作） 款識：MR DOODLE! 2019（每件畫背） HK$ 280,000 - 380,000 US$ 35,900 - 48,700 221MODERN AND CONTEMPORARY ART

137 HUANG YUXING (CHINESE, B. 1975) Treasure in the River 黃宇興 河流中的寶藏 Painted in 2013 acrylic on canvas 45.5 x 65 cm. (18 x 25 1/2 in.) signed and dated 'H. Yuxing 13' (lower right) HK$ 400,000 - 600,000 US$ 51,300 - 76,900 款識：H.壓克力2013年作畫布 Yuxing 13（右下） 222 POLY AUCTION HONG KONG

138 ZHANG ENLI (CHINESE, B. 1965) The Trees in Autumn 3 張恩利 秋天的樹3 Painted in 2013 oil on canvas 180 x 200 cm. (71 x 78 1/2 in.) dated '2013'; signed in Chinese (lower right); inscribed and signed in Chinese; inscribed and dated '180 x 200 cm 2013' (on the reverse) PROVENANCE ShanghART, Shanghai, China Acquired from the above by the present owner HK$ 2,000,000 - 3,000,000 US$ 256,400 - 384,600 款識：2013油彩2013年作畫布 恩利（右下）；秋 180 x 200 cm 2013 張恩利（畫背） 來源 中國 上海 香格納 現藏者購自上述來源畫廊 223MODERN AND CONTEMPORARY ART

139 LIU XIAODONG (CHINESE, B. 1963) Childhood Memories-Big Valley 劉小東 童年的記憶─大草溝 Painted in 2005 oil on canvas 200 x 200 cm. (78 1/2 x 78 1/2 in.) signed in Chinese; dated '05.' (lower left); titled and signed in Chinese; inscribed, dated and signed '200 x 200 cm 2005 Liu xiao dong 05' (on the reverse) HK$ 1,200,000 - 1,800,000 US$ 153,800 - 230,800 款識：油彩2005年作畫布 小東 05.（左下）；大草溝 200 x 200 cm 2005 Liu xiao dong 小東 05（畫背） 224 POLY AUCTION HONG KONG

140 LI SONGSONG (CHINESE, B. 1973) Red Flag 李松松 紅旗 Painted in 2009 oil on canvas (diptych) each: 160.5 x 280.4 cm. (63 x 110 1/2 in.) overall: 321 x 280.4 cm. (126 1/2 x 110 1/2 in.) signed in Chinese; signed 'Li Songsong 2009' (on the reverse of each panel) PROVENANCE Private Collection, Asia EXHIBITED China, Beijing, Pace Gallery, Abstract, 28 November, 2009-30 January, 2010. LITERATURE Li Songsong Abstract, Pace Gallery, Beijing, China, 2009 (illustrated, p. 19). HK$ 2,000,000 - 3,000,000 US$ 256,400 - 384,600 油彩2009年作畫布（雙聯作） 款識：李松松 Li Songsong 2009（每件畫背） 來源 亞洲 私人收藏 展覽 2009年11月28日-2010年1月30日「抽象」佩斯畫廊 北京 中國 出版 《李松松 抽象》佩斯畫廊 北京 中國 2009年（圖版，第19頁） 225MODERN AND CONTEMPORARY ART

141 HE DUOLING (CHINESE, B. 1948) A Youngling Portrait 何多苓 女青年肖像 Painted in 1984 oil on canvas 77.5 x 53 cm. (30 1/2 x 21 in.) dated and signed '84 He Duoling' (lower right) PROVENANCE China Guardian Beijing, 25 November 2003, Lot 0061 Beijing ChengXuan, 7 November 2005, Lot 0259 Acquired from the above sale by the present owner HK$ 800,000 - 1,200,000 US$ 102,600 - 153,800 款識：84油彩1984年作畫布 He Duoling（右下） 來源 中國嘉德 北京 2003年11月25日 編號0061 北京誠軒 2005年11月7日 編號0259 現藏者購自上述拍賣 226 POLY AUCTION HONG KONG

142 LUO ZHONGLI (CHINESE, B. 1948) Mother and Son 羅中立 母與子 Painted in 2000 oil on canvas 130 x 105 cm. (51 x 41 1/2 in.) signed in Chinese; dated '2000' (lower right) PROVENANCE Rongbao Auction Beijing, 26 November 2005, Lot 866 Acquired from the above sale by the present owner HK$ 1,500,000 - 2,500,000 US$ 192,300 - 320,500 款識：中立油彩2000年作畫布 2000（右下） 來源 榮寶 北京 2005年11月26日 編號 866 現藏者購自上述拍賣 227MODERN AND CONTEMPORARY ART

143 MAO YAN (CHINESE, B. 1968) Thomas No. 5 毛焰 托馬斯 5號 Painted in 2002 oil and pastel on paper 105.5 x 75 cm. (41 1/2 x 29 1/2 in.) dated and signed '2002 9 Maoyan' (lower right) 油彩2002年作 粉彩 款識：2002紙本9Maoyan（右下） HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 144 LIU WEI (CHINESE, B. 1965) White Scenery 劉煒 白色風景 Painted in 2013 oil on board, in frame painted by the artist with frame: 47.5 x 57.5 x 6 cm. (18 1/2 x 22 1/2 x 2 1/4 in.) signed in Chinese; signed and dated 'Liu wei 2013' (lower centre) 油彩2013年作木板 藝術家手繪框 款識：劉煒 Liu wei 2013（中下） HK$ 700,000 - 1,000,000 US$ 89,700 - 128,200 Lot 144 Lot 143 228 POLY AUCTION HONG KONG

145 ZHOU CHUNYA (CHINESE, B. 1955) Peach Blossom 周春芽 桃花 Painted in 2006 oil on canvas 120 x 150 cm. (47 x 59 in.) dated and signed '2006 Zhou Chunya'; signed in Chinese (lower right) PROVENANCE Xiling Yinshe Auction Hangzhou, 16 July 2017, Lot 3246 Acquired from the above sale by the present owner HK$ 2,500,000 - 3,500,000 US$ 320,500 - 448,700 款識：2006油彩2006年作畫布 周春芽 Zhou Chunya（右下） 來源 西冷印社 杭州 2017年7月16日 編號 3246 現藏者購自上述拍賣 229MODERN AND CONTEMPORARY ART

146 TAN PING (CHINESE, B. 1960) Untitled 譚平 無題 Painted in 2019 acrylic on canvas 80.5 x 100 cm. (31 3/4 x 39 1/4 in.) dated and signed '2019 Tan Ping' (lower right) 款識：2019壓克力2019年作畫布 Tan Ping（右下） HK$ 200,000 - 400,000 US$ 25,600 - 51,300 147 ZHAO ZHAO (CHINESE, B. 1982) Sky 趙趙 天空 Painted in 2014 oil on canvas 250 x 250 cm. (98 1/2 x 98 1/2 in.) PROVENANCE Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist. 油彩2014年作畫布 來源 亞洲 附藝術家親簽之原作保證書私人收藏 HK$ 300,000 - 800,000 US$ 38,500 - 102,600 230 POLY AUCTION HONG KONG

148 DING YI (CHINESE, B. 1962) Appearance of Crosses 2008-15 丁乙 十示 2008-15 Painted in 2008 crayon and charcoal on canvas 120 x 100 cm. (47 x 39 1/2 in.) signed and dated 'Ding Yi 2008' (lower right); titled, signed and dated '"Apperance of Crosses 2008-15" Ding Yi 2008.' (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Asia EXHIBITED Germany, Cologne, Galerie Karsten Greve, Ding Yi, Recent Works , MayJuly, 2008. HK$ 800,000 - 1,200,000 US$ 102,600 - 153,800 2008年作 蠟筆 炭筆 畫布 款識：Ding Yi 2008（右下）；"Appearance of Crosses 2008-15" Ding Yi 2008.（畫背） 來源 亞洲 私人收藏 展覽 2008年5-7月「丁乙，近期作品」Karsten Greve畫廊 科隆 德國 231MODERN AND CONTEMPORARY ART

149 DING YI (CHINESE, B. 1962) Appearance of Crosses 96-B2 丁乙 十示 96-B2 Painted in 1996 mixed media on paper 52 x 68.5 cm. (20 1/2 x 27 in.) titled and dated 'Appearance of Crosses 96-B2 1996.'; signed in Chinese (bottom) PROVENANCE Christie's Hong Kong, 5 October 2014, Lot 64 Acquired from the above sale by the present owner HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 綜合媒材1996年作 款識：Appearance紙本 of Crosses 96-B2丁乙 1996.（底部） 來源 佳士得 香港 2014年10月5日 編號64 現藏者購自上述拍賣 232 POLY AUCTION HONG KONG

150 LIU WEI (CHINESE, B. 1972) Untitled 劉韡 無題 Painted in 2019 oil on canvas 150 x 180 cm. (59 x 70 3/4 in.) signed in Chinese; signed and dated 'Liu Wei 2019' (on the reverse) HK$ 1,600,000 - 2,400,000 US$ 205,100 - 307,700 款識：油彩2019年作畫布劉韡 Liu Wei 2019（畫背） 233MODERN AND CONTEMPORARY ART

151 HIROYUKI MATSUURA (JAPANESE, B. 1964) Ducky Brigade (Happy Ever After) 松浦浩之 鴨子軍隊（永遠快樂） Painted in 2009 a set of three acrylic on canvas 116.7 x 116.7 cm. (46 x 46 in.); 43 x 42.5 cm. (16 3/4 x 16 3/4 in.); & 33 x 32.5 cm. (13 x 12 3/4 in.) signed and dated 'Hiroyuki Matsuura 2009.1.5.' (on the reverse of each) PROVENANCE Tokyo Gallery + BTAP, Tokyo, Japan Acquired from the above by the present owner EXHIBITED Japan, Tokyo, Tokyo Gallery + BTAP, Super Acrylic Skin-Sweet Addiction , 1-25 September, 2010. 壓克力2009年作畫布（一組共三件） 款識：Hiroyuki Matsuura 2009.1.5.（每件畫背） 來源 日本 東京 東京畫廊+BTAP 現藏者購自上述來源 展覽 2010年9月1-25日「 超級 壓克力 皮膚 甜蜜成癮 」東京畫廊 + BTAP 東京 日本 HK$ 150,000 - 200,000 US$ 19,200 - 25,600 152 SATORU KOIZUMI (JAPANESE, B. 1983) Without Bucket 小泉悟 空桶 Executed in 2020 fiberglass sculpture edition: 5/5 67 x 93 x 152 cm. (26 1/2 x 36 1/2 x 60 in.) PROVENANCE Private Collection, Asia EXHIBITED China, Beijing, M Woods Hutong, Kawaii Art Exhibition , 31 October-15 November, 2020 (alternate edition exhibited). China, Shanghai, TX Huaihai, Kawaii Art Exhibition, 4-6 December, 2020 (alternate edition exhibited). This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist and issued by APPortfolio; with original product box. 2020年作 玻璃纖維 雕塑 版數：5/5 來源 亞洲 私人收藏 展覽 2020年10月31日-11月15日「萌愛藝術展」木木藝術社區 北京 中國 2020年12月4-6日「（展覽為另一版數）萌愛藝術展」TX淮海 上海 中國（展覽為另一版數） 附APPortfolio開立之藝術家親簽原作保證書；及作品原裝盒 HK$ 250,000 - 500,000 US$ 32,100 - 64,100 234 POLY AUCTION HONG KONG

153 YOSHITOMO NARA (JAPANESE, B. 1959) Untitled 奈良美智 無題 Painted in 2000 pastel and coloured pencil on paper 28.7 x 20.5 cm. (11 1/2 x 8 in.) signed in Japanese; dated '2000' (lower right) PROVENANCE Collection of Matthew Sweet Sotheby's Hong Kong, 4 April 2011, Lot 981 Acquired from the above sale by the present owner HK$ 1,200,000 - 2,000,000 US$ 153,800 - 256,400 2000年作 粉彩 彩色鉛筆 紙本 款識：なら 2000（右下） 來源 馬修．史威特收藏 蘇富比 香港 2011年4月4日 編號 981 現藏著購自上述拍賣 235MODERN AND CONTEMPORARY ART

154 YOSHITOMO NARA (JAPANESE, B. 1959) No Weapon 奈良美智 拒絕武器 Painted in 2003 coloured pencil on envelope 23.8 x 33 cm. (9 1/2 x 13 in.) PROVENANCE Galerie Meyer Kainer, Vienna, Austria Sotheby's London, 27 June 2018, Lot 118 Acquired from the above sale by the present owner LITERATURE Yoshitomo Nara: The Complete Works Volume 2–Works on Paper , Bijutsu Shuppan Sha, Tokyo, Japan, 2011 (illustrated, plate D-2003-100, p. 207). HK$ 750,000 - 1,000,000 US$ 96,200 - 128,200 2003 年作 彩色鉛筆 信封 來源 Meyer Kainer 畫廊 維也納 奧地利 蘇富比 倫敦 2018年6月27日 編號 118 現藏者購自上述拍賣 出版 《 奈良美智 ：作品 全集 第2 卷 ─紙本上作品》 株 式 會社美 術 出 版 社 東京 日本 2011年（圖版，第 D-2003-100圖，第207頁） 236 POLY AUCTION HONG KONG

155 YOSHITOMO NARA (JAPANESE, B. 1959) Untitled 奈良美智 無題 marker on fabric, laid on paper 18 x 8 cm. (7 x 3 in.) PROVENANCE Mainichi Auction Inc Tokyo, 19 June 2021, Lot 720 Acquired from the above sale by the present owner 馬克筆 布 裱於紙本 來源 每日拍賣 東京 2021年6月19日 編號 720 現藏者購自上述拍賣 HK$ 80,000 - 150,000 US$ 10,300 - 19,200 156 YOSHITOMO NARA (JAPANESE, B. 1959) Untitled 奈良美智 無題 marker on fabric, laid on paper 19.8 x 10.7 cm. (8 x 4 in.) PROVENANCE Mainichi Auction Inc Tokyo, 19 June 2021, Lot 721 Acquired from the above sale by the present owner 馬克筆 布 裱於紙本 來源 每日拍賣 東京 2021年6月19日 編號 721 現藏者購自上述拍賣 HK$ 80,000 - 150,000 US$ 10,300 - 19,200 237MODERN AND CONTEMPORARY ART

157 SADAMASA MOTONAGA (JAPANESE, 1922-2011) Kino 元永定正 Kino Painted in 1972 acrylic on canvas 65 x 65 cm. (25 1/2 x 25 1/2 in.) signed and dated 'S.Motonaga '72' (lower right); inscribed, titled, dated and signed 'TOP KINO 1972 S. Motonaga'; titled and signed in Japanese (on the reverse) PROVENANCE SBI Art Auction Tokyo, 27 July 2019, Lot 191 Private AcquiredCollectionfromthe above sale by the present owner This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Motonaga Archive Research Ltd. 款識：壓克力1972年作畫布 S.Motonaga '72（右下）；TOP KINO キノ 1972 元永 定正 S. Motonaga（畫背） 來源 SBI藝術拍賣 東京 2019年7月27日 編號 191 附現藏者購自上述拍賣私人收藏元永定正檔案研究室開立之原作保證書 HK$ 140,000 - 240,000 US$ 17,900 - 30,800 158 SADAMASA MOTONAGA (JAPANESE, 1922-2011) Yellow-Green Away 元永定正 黃綠相間 Painted in 1993 acrylic on canvas 24.8 x 34 cm. (10 x 13 1/2 in.) signed and dated 'S.Motonaga '93' (lower right) PROVENANCE Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Motonaga Archive Research Ltd. 款識：壓克力1993年作畫布 S.Motonaga '93（右下） 來源 亞洲 私人收藏 附元永定正檔案研究室開立之原作保證書 HK$ 50,000 - 80,000 US$ 6,400 - 10,300 238 POLY AUCTION HONG KONG

159 KIM TSCHANG-YEUL (KOREAN, 1929-2021) SP 05001 金昌烈 SP 05001 Painted in 2003 oil on canvas 130 x 194.5 cm. (51 1/2 x 76 1/2 in.) titled, dated and signed 'SP 05001 2003 T.Kim'; signed in Korean (side of canvas) PROVENANCE Gallery Godo, Seoul, South Korea Acquired from the above by the present owner HK$ 800,000 - 1,600,000 US$ 102,600 - 205,100 款識：油彩2003年作畫布 SP 05001 2003 T.Kim 金昌烈（畫布側邊） 來源 韓國 首爾 現藏者購自上述來源Godo畫廊 239MODERN AND CONTEMPORARY ART

160 YE NAN (CHINESE, B. 1984) Only the Greatest Nations Understand the Secret 葉楠 偉大的種族才能接近那個秘密 Painted in 2011 mixed media and oil on canvas 189.5 x 160.5 cm. (74 1/2 x 63 in.) signed and titled in Chinese; dated '2011' (side of canvas) PROVENANCE Private Collection, Asia 綜合媒材2011年作 油彩 畫布 款識：葉楠 2011. 偉大的種族才能接近那個秘密（畫布側邊） 來源 亞洲 私人收藏 HK$ 40,000 - 80,000 US$ 5,100 - 10,300 161 XU HONGXIANG (CHINESE, B. 1984) Beautiful Scenery No. 21 許宏翔 好風景NO.21 Painted in 2020 oil on canvas 200 x 160 cm. (78 1/2 x 63 in.) signed in Chinese; dated '2020' (on the reverse) EXHIBITED China, Wuhan, Hubei Museum of Art, An Exuberant View , 12 March-16 May, 2021. LITERATURE An Exuberant View, Hubei Museum of Art, Wuhan, China; & Triumph Art Space, Beijing, China, 2013 (illustrated, p. 32). 款識：油彩2020年作畫布許宏翔 2020（畫背） 展覽 2021年3月12日-5月16日「熱土野望」湖北美術館 武漢 中國 出版 《熱士野望》湖北美術館 武漢 中國；及藝·凱旋藝術空間 北京 中國 2013年（圖版，第32頁） HK$ 200,000 - 350,000 US$ 25,600 - 44,900 240 POLY AUCTION HONG KONG

162 WANG YIN (CHINESE, B. 1964) Untitled 王音 無題 oil on canvas 36 x 52.5 cm. (14 1/4 x 20 3/4 in.) signed in Chinese (lower right) 油彩 款識：畫布王音（右下） HK$ 120,000 - 180,000 US$ 15,400 - 23,100 163 ZHANG HUI (CHINESE, B. 1968) Questionable Paintings - Scenery No. 2 張慧 可疑的繪畫—風景No.2 Painted in 2008 oil on canvas 190 x 190 cm. (75 x 75 in.) signed in Chinese; dated '2008' (lower right) PROVENANCE A Thousand Plateaus Art Space, Chengdu, China Acquired from the above by the present owner EXHIBITED China, Chengdu, A Thousand Plateaus Art Space, Obstruction, 28 July-30 September, 2009. 款識：張油彩2008年作畫布慧 2008（右下） 來源 中國 成都 千高 現藏者購自上述來源原畫廊 展覽 2009年7月28日-9月30日「物之屏」千高原藝術空間 成都 中國 HK$ 250,000 - 350,000 US$ 32,100 - 44,900 241MODERN AND CONTEMPORARY ART

164 YAN PING (CHINESE, B. 1956) The Beach 閆平 沙灘 oil on canvas 60 x 80 cm. (23 1/2 x 31 1/2 in.) 油彩 畫布 HK$ 120,000 - 180,000 US$ 15,400 - 23,100 165 SHI HU (CHINESE, B. 1942) Untitled 石虎 無題 oil on canvas 67.9 x 92.5 cm. (26 1/2 x 36 1/2 in.) signed in Chinese (lower left) PROVENANCE Private Collection, Asia (acquired directly from the artist) 油彩 款識：石畫布虎（左下） 來源 亞洲 私人收藏（直接得自於藝術家） HK$ 100,000 - 200,000 US$ 12,800 - 25,600 242 POLY AUCTION HONG KONG

166 PANG JIUN (CHINESE, PANG JUN, B. 1936) Ancient Alley 龎均 江南古巷 Painted in 2006 oil on canvas 72 x 60 cm. (28 1/2 x 23 1/2 in.) signed in Chinese; dated '2006' (lower right) one painted seal of the artist PROVENANCE GSR Galley, Taichung, Taiwan Acquired from the above by the present owner This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by GSR Galley, Taichung, Taiwan. HK$ 200,000 - 400,000 US$ 25,600 - 51,300 款識：油彩2006年作畫布龎均 藝術家手繪鈐印：2006（右下）均 來源 台灣 台中 附台灣現藏者購自上述來源由鉅藝術中心台中由鉅藝術中心開立之原作保證書 243MODERN AND CONTEMPORARY ART

167 LIU GUOSONG (CHINESE, B. 1932) Moon behind Sun 劉國松 太陽的背面是月亮 Executed in 2007 mixed media on paper 102.7 x 93 cm. (40 1/2 x 36 1/2 in.) signed and dated in Chinese (lower left); signed and titled in Chinese; dated and inscribed '2007 102.5 x 92.5 cm' (on the reverse) one seal of the artist PROVENANCE Private Collection JSL Taipei, 8 December 2013, Lot 99 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED Taiwan, Taipei, Capital Art Center, The Paintings of Liu Kuosung, 2008. LITERATURE The Paintings of Liu Kuosung , Capital Art Center Corporation, Taipei, Taiwan, 2008 (illustrated, unpaginated). Liu Kuo-Sung: New Works in the 21st Century, Cultural Affairs Department, New Taipei City Government, Taipei, Taiwan, 2010 (illustrated, p. 57). HK$ 1,100,000 - 2,000,000 US$ 141,000 - 256,400 綜合媒材2007年作 紙本 款識：劉國松 二〇〇七（左下）；劉國松作 太陽的背面是月亮 2007 102.5 x 92.5 cm.（畫背） 鈐印：劉國松 來源 景薰樓私人收藏台北 2013年12月8日 編號 99 現藏者購自上述拍賣 展覽 2008年「突兀 夢幻 蛻變 劉國松個展」首都藝術中心 台北 台灣 出版 《突兀 夢幻 蛻變 劉國松個展》首都藝術事業有限公司 台北 台灣 《2008年（圖版，無頁碼） 劉國松─21世紀新作展》台北縣政府文化局 台北 台灣 2010年 （圖版，第57頁） 244 POLY AUCTION HONG KONG

168 LIU GUOSONG (CHINESE, LIU KUO-SUNG, B. 1932) Emerging Light 劉國松 現出了光 Executed in 1972 ink, colour and collage on paper 36.5 x 91.5 cm. (14 1/4 x 35 3/4 in.) signed and dated in Chinese (lower right) two seals of the artist PROVENANCE Former Collection of The Denver Art Museum, Denver, USA Private Collection, USA 1972 年作 水墨 設色 拼貼 紙本 款識：劉國松 一九七二（右下） 鈐印：劉、益都劉國松印 來源 美國 丹佛 丹佛美術館舊藏 美國 私人收藏 HK$ 250,000 - 350,000 US$ 32,100 - 44,900 169 HSIAO CHIN (CHINESE, B. 1935) Realization of Soul 蕭勤 天靈之體現 Painted in 1996 arcylic on canvas 100 x 130 cm. (39 1/2 x 51 in.) PROVENANCE Private Christie'sCollectionHongKong, 25 May 2008, Lot 297 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED Taiwan, Taipei, Lin & Keng Gallery, Group Exhibition of Abtraction, 2006. 壓克力1996年作畫布 來源 私人收藏 佳士得 香港 2008年5月25日 編號 297 現藏者購自上述拍賣 展覽 2006年「抽象藝術群展」大未來林舍畫廊 台北 台灣 HK$ 300,000 - 500,000 US$ 38,500 - 64,100 245MODERN AND CONTEMPORARY ART

170 CHUANG CHE (CHINESE, B. 1934) 80-10 莊喆 80-10 Painted in 1980 acrylic on canvas 121.5 x 90 cm. (48 x 35 1/2 in.) signed in Chinese (lower left); titled '80-10' (on the reverse); signed 'Chuang Che' (on the stretcher) PROVENANCE Acquired directly from the artist Collection of Petra Hinterthur, Germany Bonhams Hong Kong, 10 July 2020, Lot 16 Acquired from the above sale by the present owner EXHIBITED Germany, Hamburg, Galerie ArtEast/ArtWest, Chuang Che Solo Exhibition, 1989. 1980 款識：壓克力年作畫布莊喆（左下）；80-10 （畫背）；Chuang Che （畫背 內框） 來源 直接得自於藝術家 德國 心達多女士舊藏 邦瀚斯 香港 2020年7月10日 編號 16 現藏者購自上述拍賣 展覽 1989年「莊喆個展」漢堡市東西畫廊 漢堡 德國 HK$ 100,000 - 200,000 US$ 12,800 - 25,600 171 ANDRÉ BRASILLIER (FRENCH, B. 1929) Les arbres bleus 安德烈．布拉吉利 朝霞 Painted in 1986 oil on canvas 78 x 105 cm. (30 1/2 x 41 1/2 in.) signed 'André Brasillier' (lower right) PROVENANCE Private Collection, Asia 款識：Andr油彩1986年作畫布é Brasillier（右下） 來源 亞洲 私人收藏 HK$ 200,000 - 300,000 US$ 25,600 - 38,500 246 POLY AUCTION HONG KONG

172 BERNARD BUFFET (FRENCH, 1928-1999) Nature morte aux anemones 貝爾納·布菲 靜物 Painted in 47.5watercolour1986onpaperx63cm.(181/2x 25 in.) signed 'Bernard Buffet' (upper centre) PROVENANCE Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Galerie Taménaga, Tokyo, Japan. 款識：Bernard水彩1986年作紙本 Buffet（中上） 來源 亞洲 附日本私人收藏東京Taménaga畫廊開立之原作保證書 HK$ 300,000 - 500,000 US$ 38,500 - 64,100 173 BERNARD BUFFET (FRENCH, 1928-1999) Fleurs dans un vase 貝爾納·布菲 瓶花 Painted in 1954 oil on canvas 33.1 x 22.3 cm. (13 x 9 in.) signed and dated 'B.Buffet 54' (lower left) PROVENANCE Me Doutrebente Paris, 19 May 2017, Lot 88 Private Collection (Acquired from family heritage) Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Galerie Maurice Garnier, Paris, France. 款識：B.Buffet油彩1954年作畫布 54（左下） 來源 Me Doutrebente 巴黎 2017年5月19日 編號 88 私人收藏（得自家族遺產） 亞洲 私人收藏 附法國 巴黎 Maurice Garnier畫廊開立之原作保證書 HK$ 220,000 - 320,000 US$ 28,200 - 41,000 247MODERN AND CONTEMPORARY ART

174 JU MING (CHINESE, ZHU MING, B. 1938) Taichi Series 朱銘 太極系列 Executed in 1995 bronze 22.3edition:sculpture14/20x17.7x30 cm. (9 x 7 x 13 in.) signed in Chinese; editioned and dated '14/20 '95' (lower right) PROVENANCE Kalos Gallery, Taipei, Taiwan Acquired from the above by the present owner This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Lee Chi Creativity Co., Taipei, Taiwan. HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 款識：版數：14/20銅1995年作雕雕塑朱銘14/20 '95（右下） 來源 台灣 台北 真善美 附台灣現藏者購自上述來源畫廊台北 李記創意公司開立之藝術家親簽原作保證書 248 POLY AUCTION HONG KONG

175 LI CHEN (CHINESE, B. 1963) Sky 李真 天空 Executed in 2012 bronze 65.5edition:sculpture2/8x54x124cm. (25 3/4 x 21 1/4 x 48 3/4 in.) signed, editioned and dated 'Li Chen 2/8 2012' (engraved on the back) one carved seal of the artist EXHIBITED Italy, Venice, Palazzo Mora, The 55th Venice Biennale: Culture. Mine. Becoming, 1 June-24 November, 2013 (alternate edition and different sized version exhibited). LITERATURE Greatness of Spirit: Li Chen Premiere Sculpture Exhibition in Taiwan, Asia Art Center Taipei, Taiwan, 2012 (alternate edition and different sized version illustrated, p. 170). Monumental Levity of Li Chen: Premiere Sculpture Exhibition Place Vendome, Asia Art Center, Taipei, Taiwan, 2014 (alternate edition and different sized version illustrated, p. 41 & 164). HK$ 1,200,000 - 1,800,000 US$ 153,400 - 230,100 款識：Li版數：2/8銅2012年作雕雕塑Chen 2/8 2012（刻於背部） 藝術家手刻鈐印：李真 展覽 2013年6月1日-11月24日「第五十五屆威尼斯雙年展—文化 精神 生成」莫拉宮殿 威尼斯 義大利（展品為另一版數及尺寸） 出版 《大氣：李真台灣大型雕塑首展》亞洲藝術中心 台北 台灣 2012年 （圖版為另一版數及尺寸，第170頁） 《 李 真 既重又輕 ：2013 巴 黎 凡 登 廣場 大 型 雕塑個展》亞洲藝術中 心 台北 台灣 2014年（圖版為另一版數及尺寸，第41及164頁） 249MODERN AND CONTEMPORARY ART

176 BÙI XUÂN PHÁI (VIETNAMESE, 1920-1988) Nude Cheo Actors 裴春派 裸體嘲戲演員 Painted circa 1960 oil on canvas 31.3 x 40.2 cm. (12 1/2 x 16 in.) signed 'Phai' (lower left) PROVENANCE Christie's Singapore, 30 September 2001, Lot 314 Acquired from the above sale by the present owner 約 款識：Phai（左下）油彩1960年作畫布 來源 佳士得 新加坡 2001年9月30日 編號 314 現藏者購自上述拍賣 HK$ 50,000 - 100,000 US$ 6,400 - 12,800 177 THEO MEIER (SWISS, 1908-1982) Balinese Beauty Brushing Her Hair 西奧 梅耶 巴厘島美女梳理她的頭髮 Painted in 1945 pencil and watercolour on paper 55 x 34 cm. (21 1/2 x 13 1/2 in.) signed and dated 'Theo Meier 45' (upper left) PROVENANCE Bonhams-Glerum Singapore, 29 September 1997, Lot 65 Acquired from the above sale by the present owner 鉛筆1945年作水彩 款識：Theo紙本Meier 45（左上） 來源 Bonhams-Glerum 新加坡 1997年9月29日 編號 65 現藏者購自上述拍賣 HK$ 20,000 - 40,000 US$ 2,500 - 5,700 250 POLY AUCTION HONG KONG

178 SU TIANCI (CHINESE, 1922-2006) Girl in Deep Thought 蘇天賜 少女的沉思 Painted in 1992 oil on canvas 73.5 x 49.3 cm. (29 x 19 1/2 in.) signed in Chinese; dated '1992' (lower right) PROVENANCE Private Collection Beijing Council International Auctions, 6 December 2018, Lot 1515 Acquired from the above sale by the present owner LITERATURE Selected Collection of Ren Weiyin and Su Tianci, Chuang Yi Tang Art Agency, Taipei, Taiwan, 1994 (illustrated, p. 45). HK$ 900,000 - 1,500,000 US$ 115,400 - 192,300 款識：蘇油彩1992年作畫布1992（右下） 來源 匡私人收藏時拍賣 北京 2018年12月6日 編號 1515 現藏者購自上述拍賣 出版 《任微音 蘇天賜精品典藏集》創藝堂藝術經紀公司 台北 台灣 1994年（圖版，第45頁） 251MODERN AND CONTEMPORARY ART

179 FAN T'CHUN-PI (CHINESE, FANG JUNBI, 1898-1986) Young Girl 方君璧 豆蔻年華 Painted in 1954 ink and colour on paper 38.1 x 33 cm. (15 x 13 in.) signed 'Fan Tchunpi'; signed in Chinese (upper right) one seal of the artist PROVENANCE Private Collection (Acquired directly from the artist's family) China Guardian Beijing, 21 November 2018, Lot 1414 Acquired from the above sale by the present owner 1954年作 水墨 設色 紙本 款識：Fan Tchunpi 君璧（右上） 鈐印：方 來源 私人收藏（直接得自於藝術家家屬） 中國嘉德 北京 2018年11月21日 編號 1414 現藏者購自上述拍賣 HK$ 80,000 - 120,000 US$ 10,300 - 15,400 180 SANYU (CHINESE, CHANG YU, 1895-1966) Reading Woman 常玉 閱讀的女子 Painted circa 1960s charcoal and ink on paper 45 x 27.7 cm. (17 1/2 x 11 in.) signed in Chinese; signed 'SANYU' (middle right) LITERATURE Sanyu Catalogue Raisonné: Drawings and Watercolours , The Li Ching Cultural and Educational Foundation, Taipei, Taiwan, 2014 (USB flash drive, illustrated, plate D2038, p. 87). This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Jia Art Gallery, Taipei, Taiwan. 約1960年代作 炭筆 水墨 紙本 款識：玉 SANYU（右中） 出版 《常玉素描與水彩全集》財團法人立青文教基金會 台北 台灣 2014年 （隨身碟方式附錄，圖版，第D2038圖，第87頁） 附台灣 台北 家畫廊開立之原作保證書 HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 252 POLY AUCTION HONG KONG

181 SANYU (CHINESE, CHANG YU, 1895-1966) Female dessinant 常玉 作畫的女人 ink on paper 42.7 x 25.6 cm. (17 x 10 in.) PROVENANCE Acquired from Jean-Claude Riedel in 2008 Christie's Paris, 23 June 2020, Lot 95 Acquired from the above sale by the present owner LITERATURE Sanyu Catalogue Raisonné: Drawings and Watercolours , The Li Ching Cultural and Educational Foundation, Taipei, Taiwan, 2014 (USB flash drive, illustrated, plate D2331, p. 105). Sanyu Catalogue Raisonné: Drawings and Watercolours , The Li Ching Cultural and Educational Foundation, Taipei, Taiwan, 2014 (illustrated, plate D2331, p. 121). 水墨 紙本 來源 2008年得自於Jean-Claude Ridel 佳士得 巴黎 2020年6月23日 編號 95 現藏者購自上述拍賣 出版 《常玉素描與水彩全集》財團法人立青文教基金會 台北 台灣 2014年 （隨身碟方式附錄，圖版，第D2331圖，第105頁） 《常玉素描與水彩全集》財團法人立青文教基金會 台北 台灣 2014年 （圖版，第D2331圖，第121頁） HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 182 SANYU (CHINESE, CHANG YU, 1895-1966) Standing Nude 常玉 站姿裸女 pencil and charcoal on paper 48.8 x 28.9 cm. (19 x 11 1/2 in.) signed in Chinese; signed 'SANYU' (lower right) PROVENANCE Private Collection, Asia LITERATURE Sanyu Catalogue Raisonné: Drawings and Watercolours , The Li Ching Cultural and Educational Foundation, Taipei, Taiwan, 2014 (USB flash drive, illustrated, plate D1185, p. 68). 鉛筆 炭筆 紙本 款識：玉 SANYU（右下） 來源 亞洲 私人收藏 出版 《常玉素描與水彩全集》財團法人立青文教基金會 台北 台灣 2014年 （隨身碟方式附錄，圖版，第D1185圖，第68頁） HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 253MODERN AND CONTEMPORARY ART

183 LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA (JAPANESE-FRENCH, 1886-1968) Sleep 藤田嗣治 睡 Painted in 1928 ink and charcoal on paper 21.8 x 25.2 cm. (8 1/2 x 10 in.) signed in Japanese; signed and dated 'Foujita 1928' (lower right) PROVENANCE Private Collection, Paris, France Piasa Paris, 22 May 2019, Lot 10 Acquired from the above sale by the present owner LITERATURE Foujita inédits, Volume III, Edition Fondation Nichido, A l'encre rouge-Archives artistiques, Paris, France, 2007 (illustrated, plate C.28.235.D, p. 146). 水1928年作 墨 炭筆 紙本 款識：嗣治 Foujita 1928（右下） 來源 法國 巴黎 私人收藏 Piasa 巴黎 2019年5月22日 編號 10 現藏者購自上述拍賣 出版 《Foujita inédits —第三冊》Nichido基金會出版社；A l'encre rouge藝 術家資料庫 巴黎 法國 2007年（圖版，第C.28.235.D號，第146頁） HK$ 200,000 - 300,000 US$ 25,600 - 38,500 184 LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA (JAPANESE-FRENCH, 1886-1968) Models, The Couple 藤田嗣治 情侶 Painted in 1928 black stone on tracing paper, laid on Japanese paper 118.8 x 78 cm. (47 x 30 1/2 in.) signed in Japanese; signed 'Foujita' (lower centre) PROVENANCE Mes Kahn and Dumousset Paris, 4 April 2008, Lot 48 Private Collection, Paris Private Collection, Asia 1928年作 黑石灰 描圖紙 裱於日本紙 款識：嗣治 Foujita（中下） 來源 Mes Kahn and Dumousset 巴黎 2008年4月4日 編號 48 巴黎 私人收藏 亞洲 私人收藏 HK$ 380,000 - 480,000 US$ 48,700 - 61,500 254 POLY AUCTION HONG KONG

185 WALASSE TING (CHINESE, DING XIONGQUAN, 1929-2010) Reclining Nude With Flowers 丁雄泉 美人 watercolour on paper, laid on canvas 63.7 x 96 cm. (25 x 38 in.) one seal of the artist PROVENANCE Private Collection (Acquired directly from the family of the artist) Private Collection, Asia LITERATURE Walasse Ting Paintings Catalogue : Followers, Love Affaires and Women - Women, Lung Men Art Gallery; Apollo Gallery; & Asia Art Center, Taipei, Taiwan, 1992 (illustrated, p. 21). This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by the family of the artist. 水彩 紙本 裱於畫布 藝術家鈐印：採花大盜 來源 私人收藏（直接得自於藝術家家屬） 亞洲 私人收藏 出版 《風花 雪月 女人-女人 丁雄泉畫集》 龍門畫廊；阿波羅 畫廊；及 亞洲藝術中心 台北 台灣 1992年（圖版，第21頁） 附藝術家家屬開立之作品保證書 HK$ 80,000 - 150,000 US$ 10,300 - 19,200 186 TAKERU AMANO (JAPANESE, B. 1977) Venus with Socks 天野健 穿著襪子的維納斯 Executed in 2020 spray paint on canvas 88 x 129.5 cm. (34 1/2 x 51 in.) PROVENANCE Waluso Gallery, London, UK Acquired from the above by the present owner 噴漆2020年作畫布 來源 英國 倫敦 W 現藏者購自上述來源aluso畫廊 HK$ 50,000 - 100,000 US$ 6,400 - 12,800 255MODERN AND CONTEMPORARY ART

187 TAKERU AMANO (JAPANESE, B. 1977) Goddess 3 天野健 女神 3 Painted in 2021 acrylic on canvas 141 x 101 cm. (55 1/2 x 40 in.) signed with artist's signature; dated '2021' (lower right) PROVENANCE Galerie OVO, Taipei, Taiwan Acquired from the above by the present owner EXHIBITED Taiwan, Taipei, Galerie OVO, Venus In Midsummer-TAKERU AMANO , 4-28 August, 2021. This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Galerie OVO, Taipei, Taiwan. HK$ 120,000 - 240,000 US$ 15,400 - 30,800 款識：藝術家簽名壓克力2021年作畫布； 2021（右下） 來源 台灣 台北 現藏者購自上述來源十方藝術空間 展覽 2021年8月4-28日「Venus in Midsummer-TAKERU AMANO」十方 藝術空間 台北 台灣 附台灣 台北 十方藝術空間開立之原作保證書 256 POLY AUCTION HONG KONG

188 YUICHI HIRAKO (JAPANESE, B. 1982) Tree Climbing 5 平子雄一 爬樹 5 Painted in 2014 acrylic on canvas 82 x 102 cm. (32 1/2 x 40 in.) signed and dated 'YH. 14' (on the reverse) PROVENANCE Yiri Arts, Taipei, Taiwan Acquired from the above by the present owner EXHIBITED Taiwan, Taipei, Yiri Arts, 10 x 10 Yuichi Hirako, 7-23 July, 2020. This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Yiri Arts, Taipei, Taiwan. 款識：壓克力2014年作畫布 YH. 14 （畫背） 來源 台灣 台北 現藏者購自上述來源伊日藝術計劃 展覽 2020年7月7-23日「10 x 10 - 平子雄一 -Hirako Yuichi」伊日藝術計 劃 台北 台灣 附台灣 台北 伊日藝術計劃開立之原作保證書 HK$ 150,000 - 300,000 US$ 19,200 - 38,500 189 YUICHI HIRAKO (JAPANESE, B. 1982) Boy 83 平子雄一 男子83 Executed in 2016 mixed media sculpture 11.5 x 15 x 36 cm. (4 1/2 x 6 x 14 in.) PROVENANCE Yiri Arts, Taipei, Taiwan Acquired from the above by the present owner This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Yiri Arts, Taipei, Taiwan. 綜合媒材2016年作 雕塑 來源 台灣 台北 附台灣現藏者購自上述來源伊日藝術計劃台北伊日藝術計劃開立之原作保證書 HK$ 25,000 - 50,000 US$ 3,200 - 6,400 257MODERN AND CONTEMPORARY ART

190 IIDA KIRIKO (JAPANESE, B. 1970) Small Ship 飯田桐子 小船 Painted in 2020 oil on canvas 60.6 x 72.7 cm. (23 3/4 x 28 1/2 in.) signed 'Kiriko Iida' (on the stretcher); signed and dated 'Kiriko Iida 2020' (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Soka Art, Taipei, Taiwan. 款識：Kiriko油彩2020年作畫布 Iida（畫背內框）；Kiriko Iida 2020 （畫背） 來源 亞洲 附台灣私人收藏台北索卡藝術開立之原作保證書 HK$ 40,000 - 80,000 US$ 5,100 - 10,300 191 TOMOKO NAGAI (JAPANESE, B. 1982) One Night, with The Sound of Mineral 長井朋子 伴著礦物之聲的一晚 Executed in 2009 acrylic, oil and glitter on canvas 163 x 130 cm. (64 1/4 x 51 1/4 in.) titled in Japanese; signed and dated 'Tomoko Nagai 2009' (on the stretcher) PROVENANCE Tomio Koyama Gallery, Tokyo, Japan Private Collection Rago Auctions New Jersey, 29 September 2021, Lot 366 Acquired from the above sale by the present owner 壓克力2009年作油彩 閃粉 畫布 款識：鉱石の嗚ろ夜 Tomoko Nagai 2009（畫背內框） 來源 日本 東京 小山登美夫畫廊 Ra私人收藏 go拍賣 紐澤西 2021年9月29日 編號 366 現藏者購自上述拍賣 HK$ 100,000 - 200,000 US$ 12,800 - 25,600 258 POLY AUCTION HONG KONG

192 TOMOKO NAGAI (JAPANESE, B. 1982) The Cat Relaxing on a Sofa in the Woods 長井朋子 森林中沙發上休息的貓 Executed in watercolour,2014pencil, colour pencil, ink and collage on panel 29.5 x 20.5 cm. (11 1/2 x 8 1/4 in.) titled in Japanese; signed and dated 'Tomoko Nagai 2014' (on the reverse) PROVENANCE Tomio Koyama Gallery, Tokyo, Japan Private Collection, Asia 水彩2014年作鉛筆 彩色鉛筆 墨水 拼貼 木板 款識：森の中のソファーでくつろぐ猫 Tomoko Na g ai 2014（畫 背） 來源 日本 東京 小山登美夫畫廊 亞洲 私人收藏 HK$ 10,000 - 30,000 US$ 1,300 - 3,800 此為無底價拍品 SOLD WITHOUT RESERVE 193 MIWA KOMATSU (JAPANESE, B. 1984) A Time of Destiny 小松美羽 命運的時刻 Painted in 2018 acrylic, pen and mixed media on canvas 65.5 x 53.2 cm. (25 3/4 x 21 in.) dated and signed '2018 Komi wa'; signed in Japanese (on the reverse) This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by Whitestone Gallery, Hong Kong, China. 壓克力2018年作 鋼筆 綜合媒材 畫布 款識：2018 Komi wa 小松美羽（畫背） 附中國 香港 白石畫廊開立之原作保證書 HK$ 200,000 - 300,000 US$ 25,600 - 38,500 259MODERN AND CONTEMPORARY ART

194 MIWA KOMATSU (JAPANESE, B. 1984) The Appearance of a Dragon Overlapping with a Light 小松美羽 龍與光重疊的樣子 Painted in 2018 acrylic on canvas 162.2 x 130.5 cm. (64 x 51 1/2 in.) dated and signed '2018 Komi wa'; signed in Japanese (on the reverse) PROVENANCE Whitestone Gallery, Hong Kong, China Acquired directly from the above by the present owner EXHIBITED Japan, Fukushima, NAKAGO CO., Ltd, International Young Artist Exhibition, 18-23 October, 2018. China, Hong Kong, Whitestone Gallery, Miwa Komatsu: Divine Spirit , 26 March-28 April, 2019. 2018 款識：2018壓克力年作畫布 Komi wa 小松美羽（畫背） 來源 中國 香港 現藏者購自上述來源白石畫廊 展覽 2018年10月18-23日「國際青年藝術家展覽」中合百貨店 福島 日本 2019年3月26日-4月28日「小松美羽：神獸」白石畫廊 香港 中國 HK$ 600,000 - 800,000 US$ 76,900 - 102,600 195 MIWA KOMATSU (JAPANESE, B. 1984) Fresh Air Exchange 小松美羽 清新氣場的交流 Painted in 2019 acrylic on canvas 45.5 x 45.5 cm. (18 x 18 in.) dated and signed '2019 Komi wa'; signed in Japanese (on the reverse) PROVENANCE Whitestone Gallery, Hong Kong, China Acquired directly from the above by the present owner 2019 款識：2019壓克力年作畫布 Komi wa 小松美羽（畫背） 來源 中國 香港 現藏者購自上述來源白石畫廊 HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 260 POLY AUCTION HONG KONG

196 ETSU EGAMI (JAPANESE, B. 1994) Face 江上越 臉 Painted in 2021 oil on canvas 53.6 x 78.8 cm. (20 3/4 x 31 in.) signed and dated 'Egami Etsu 2021' (bottom) EXHIBITED France, Paris, A2Z Art Gallery, Social Distancing , 29 May-19 June, 2021. 款識：E油彩2021年作畫布 gami Etsu 2021（底部） 展覽 2021年5月29日-6月19日「社交距離」A2Z藝術畫廊 巴黎 法國 HK$ 80,000 - 120,000 US$ 10,300 - 15,400 197 ETSU EGAMI (JAPANESE, B. 1994) Time Warp Series 江上越 時空扭曲系列 Painted in 2018 oil on canvas 120 x 80 cm. (47 x 31 1/2 in.) signed 'Etsu Egami' (on the reverse); signed and dated 'Etsu Egami 2018' (on the stretcher) PROVENANCE PBS Art Center, Shenzhen, China Acquired from the above by the present owner The work is to be sold with a certificate of authenticity issued by PBS Art Center, Shenzhen, China. 款識：Etsu油彩2018年作畫布 Egami（畫背）；Etsu Egami 2018（畫背內框） 來源 中國 深圳 附中國現藏者購自上述來源桃花源藝術中心深圳桃花源藝術中心開立之原作保證書 HK$ 100,000 - 200,000 US$ 12,800 - 25,600 261MODERN AND CONTEMPORARY ART

198 KAWS (AMERICAN, B. 1974) Three separate works: NO ONE'S HOME; STAY STEADY; & THE THINGS THAT COMFORT KAWS 三件作品：沒人在家；保持鎮靜；及安慰的事物 Executed in 2015 three edition:screenprints9/250plus 50 APs; 9/250 plus 50 APs; & 9/250 plus 50 APs 91 x 76 cm. (36 x 30 in.); 73.6 x 85 cm. (29 x 33 1/2 in.); & 91 x 73 cm. (36 x 28 1/2 in.) editioned, signed and dated '9/250 KAWS.. 15' (bottom of each) PROVENANCE Pace Prints, New York, USA Private AcquiredCollectionfromthe above by the present owner HK$ 300,000 - 500,000 US$ 38,500 - 64,100 199 KAWS (AMERICAN, B. 1974) PIRANHAS WHEN YOU'RE SLEEPING KAWS 睡夢中的食人魚 Executed in 2017 152.5edition:screenprintAP16/20x116.8cm. (60 x 46 in.) editioned, signed and dated 'AP 16/20 KAWS.. 17' (bottom) PROVENANCE Pace Prints, New York, USA Private AcquiredCollectionfromthe above by the present owner 2017年作 絲網 版數：藝術家版畫試版 16/20 款識：AP 16/20 KAWS.. 17（底部） 來源 美國 紐約 佩斯版畫 現藏者購自上述來源私人收藏 HK$ 150,000 - 250,000 US$ 19,200 - 32,100 2015年作 絲網 版數：9/250版畫（共三件） 及50版藝術家試版；9/250及50版藝術家試版；9/250 及50版藝術家試版 款識：9/250 KAWS.. 15（每件底部） 來源 美國 紐約 佩斯版畫 現藏者購自上述來源私人收藏 Lot 198 Lot 199 262 POLY AUCTION HONG KONG

200 KAWS (AMERICAN, B. 1974) UNTITLED KAWS 無題 Executed in 2003 edition:screenprint11/32 plus 9 APs 35 x 53 cm. (14 x 21 in.) signed, dated and editioned 'KAWS..2003. 11/32' (on the reverse) PROVENANCE Private Collection, Asia 2003年作 絲網 版數：11/32版畫及9版藝術家試版 款識：KAWS..2003. 11/32（畫背） 來源 亞洲 私人收藏 HK$ 60,000 - 80,000 US$ 7,700 - 10,300 201 DAVID HOCKNEY (BRITISH, B. 1937) Will It Ever Work 大衛．霍克尼 它會成功嗎 Executed in 2011 iPad drawing printed on paper edition: 8/25 83 x 60.8 cm. (32 1/2 x 24 in.) editioned, signed and dated '8/25 David Hockney '11' (bottom) PROVENANCE Pace Gallery, New York, USA Acquired directly from the above by the present owner iPad繪畫印2011年作刷 紙本 款識：8/25版數：8/25 David Hockney '11（底部） 來源 美國 紐約 佩斯 現藏者購自上述來源畫廊 HK$ 200,000 - 300,000 US$ 25,600 - 38,500 263MODERN AND CONTEMPORARY ART

202 YAYOI KUSAMA (JAPANESE, B. 1929) Dancing Pumpkin 草間彌生 跳舞南瓜 Executed in 1993 74.5edition:screenprint2/120x95.5cm. (29 1/2 x 37 1/2 in.) editioned, dated and signed '2/120 1993 Yayoi Kusama'; titled in Japanese (bottom) PROVENANCE SBI Art Auction Tokyo, 1 November 2019, Lot 154 Acquired from the above sale by the present owner LITERATURE Yayoi Kusama Prints 1979-2017 , ABE Publishing Ltd., Tokyo, Japan, 2019 (alternate edition illustrated, plate 185, p. 114). 1993年作 絲網 款識：2/120版數：2/120版畫 ダンスかぼちや 1993 Yayoi Kusama（底部） 來源 SBI 拍賣 東京 2019年11月1日 編號 154 現藏者購自上述拍賣 出版 《草間彌生全版畫1979-2017》阿部出版 東京 日本 2019年（圖 版為另一版數，第185圖，第114頁） HK$ 350,000 - 450,000 US$ 44,900 - 57,700 203 YOSHITOMO NARA (JAPANESE, B. 1959) Sleepless Night (Sitting) 奈良美智 失眠夜（坐姿） Executed in 2007 mixed media sculpture edition: 111/300 15 x 17 x 28 cm. (6 x 6 1/2 x 11 in.) This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist and issued by Yoshitomo Nara and How2work. 2007 附版數：111/300綜合媒材年作雕塑 Yoshitomo Nara及How2work開立之藝術家親簽原作保證書 HK$ 400,000 - 600,000 US$ 51,300 - 76,900 264 POLY AUCTION HONG KONG

204 YOSHITOMO NARA (JAPANESE, B. 1959) Cosmic Girls (Eyes Opened; & Eyes Closed) 奈良美智 宇宙女孩（睜眼；及閉眼） Executed in 2008 a set of two offset prints edition of 500 each: 69 x 49 cm. (27 1/4 x 19 1/4 in.) EXHIBITED UK, Gateshead, BALTIC Centre of Contemporary Art, Yoshitomo Nara + Graf A-Z, 12 June-26 October, 2008 (alternate edition exhibited). LITERATURE Yoshitomo Nara: The Complete Works Volume 2-Paintings , Sculptures, Editions, Photographs, Bijutsu Shuppan Sha, Tokyo, Japan, 2011 (alternate edition illustrated, p. 276). 膠2008年作印版畫（一組共兩件） 版數：500 展覽 2008年6月12日-10月26日「 Yoshitomo Nara + Graf A-Z」BALTIC 現代藝術中心 蓋茨黑德 英國（展覽為另一版數） 出版 《奈良美智：作品全集2卷-繪畫·雕塑·版畫·攝影作品》株式會社 美術出版社 東京 日本 2011年（圖版為另一版數，第276頁） HK$ 30,000 - 100,000 US$ 3,800 - 12,800 205 ROBY DWI ANTONO (INDONESIAN, B. 1990) Luh and Ruh 羅比·迪·安東諾 Luh及Ruh Executed in 2021 a set of two resin sculptures edition: 11/150 22 x 22 x 29 cm. (8 1/2 x 8 1/2 x 11 1/2 in.); & 24 x 25 x 29 cm. (9 1/2 x 9 3/4 x 11 1/2 in.) PROVENANCE Private Collection, Asia This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist and issued by Vinsarts, Taipei, Taiwan. 2021 年作 樹脂 雕塑（一組共兩件） 版數：11/150 來源 亞洲 附台灣私人收藏台北Vinsarts開立之藝術家親簽原作保證書 HK$ 30,000 - 60,000 US$ 3,800 - 7,700 265MODERN AND CONTEMPORARY ART

206 CHANG TENG-YUAN (CHINESE, B. 1983) Carry Test 張騰遠 新娘抱測試 Painted in 2021 acrylic on canvas 60 x 60 cm. (23 1/2 x 23 1/2 in.) signed 'Chang Teng Yuan' (right edge); inscribed '#ParrotMan' (left edge) EXHIBITED China, Hong Kong, 13A New Street Art Gallery, PARROTMAN by Chang Tengyuan, 21 May-7 June, 2021. 2021 款識：Chan壓克力年作畫布g Teng Yuan（右面畫側）；#ParrotMan（左 面畫側） 展覽 2021年5月21日-6月7日「 鸚鵡 人 登 陸 香港」13A Ne w Street Art 畫廊 香港 中國 HK$ 30,000 - 50,000 US$ 3,800 - 6,400 207 HE JUAN (CHINESE, B. 1985) Bite off Ears 賀娟 咬耳朵 Painted in 2008 oil on canvas 180 x 160 cm. (71 x 63 in.) dated and signed '2008.3.HEJUAN' (lower centre); titled, inscribed and signed in Chinese; signed 'Juan' (on the reverse) PROVENANCE Gallery Beijing Space, Beijing, China Private Collection Private Collection, Asia 款識：2008.3.HE油彩2008年作畫布 J UAN.（中下） ； 《咬耳朵》 綜合材料 丙烯 賀娟 Juan （畫背） 來源 中國 北京 北京空間畫廊 亞洲私人收藏私人收藏 HK$ 20,000 - 30,000 US$ 2,600 - 3,800 266 POLY AUCTION HONG KONG

208 RYAN TRAVIS CHRISTIAN (AMERICAN, B. 1983) CT ACID 瑞安．特拉維斯．克裡斯丁 CT酸 Executed in 2020 graphite on paper 43.7 x 38.3 cm. (17 x 15 in.) PROVENANCE The Hole, New York, USA Acquired directly from the above by the present owner EXHIBITED USA, New York, The Hole, Nature Morte, 8 April-16 May, 2021. 2020年作 石墨 紙本 來源 美國 紐約 The 現藏者購自上述來源Hole畫廊 展覽 2021年4月8日-5月16日「靜物」The Hole畫廊 紐約 美國 HK$ 45,000 - 60,000 US$ 5,800 - 7,900 209 ZAO WOU-KI (CHINESE-FRENCH, ZHAO WUJI, 1920-2013) No. 237; & Untitled 趙無極 第237號；及無題 Executed in 1973; & 1954 lithograph; & etching edition: E.A./120; & 52/120 No. 237: 62 x 48 cm. (24 1/2 x 18 3/4 in.); & Untitled: book size: 23 x 16 cm. (9 x 6 1/4 in.); etching size: 16 x 10.5 cm. (6 1/4 x 4 1/4 in.) No. 237 : editioned, signed and dated 'E.A. ZAO 73'; signed in Chinese (bottom) Untitled: editioned, signed and dated '52/120 ZAO 54'; signed in Chinese (bottom) PROVENANCE Private Collection, Asia LITERATURE No. 237: Zao Wou-Ki Les estampes 1937-1974, Arts et Metiers Graphiques, Paris, France, 1975 (alternate edition illustrated in black and white, plate 238, p. 129). Zao Wou-Ki: The Graphic Work A Catalogue Raisonné 1937-1995, Edition Heede & Moestrup, Copenhagen, Denmark, 1994 (alternate edition illustrated, plate 237, p. 135). NestoUntitled:Jacometti: Catalogue raisonné de l'oeuvre gravée et lithographiée de Zao Wou-Ki 1949-1954 , Edition Gutekunst & Klipstein, Berne, Switzerland, 1955 (alternate edition illustrated, unpaginated). HK$ 50,000 - 80,000 US$ 6,400 - 10,300 1973；及1954 年作 石版 版畫；及蝕刻 版畫 版數：藝術家試版；及 52/120 《第237號》：E.A.款識： 無極ZAO 73（底部） 《無題》：52/120 無極ZAO 54（底部） 來源 亞洲 私人收藏 展覽 《《第237號》：趙無 極版畫集》Arts et Metiers Graphiques 巴黎 法國 1975年（黑 白圖版為另一版數，第238圖，第129頁) 《趙無極版畫集1937-1995》Edition Heede & Moestrup 丹麥 1994 《年（圖版為另一版數，第237圖，第135頁）《無題》：趙無 極版畫編年集1949-1954》Edition Gutekunst & Klipstein 伯爾 尼 瑞士 1955年（圖版為另一版數，無頁碼） Lot 208 Lot 209 267MODERN AND CONTEMPORARY ART

210 SATORU KOIZUMI (JAPANESE, B. 1983) with 小泉悟 一同 Executed in 2020 wood 20edition:sculpture47/88x18x49.5cm. (7 3/4 x 7 x 19 1/2 in.) This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by APPortfolio. 附APPortfolio開立之原作保證書版數：47/88木2020年作雕塑 HK$ 25,000 - 35,000 US$ 3,200 - 4,500 211 HIKARI SHIMODA (JAPANESE, B. 1984) Light Up! Lonely Hero and Obake 下田光 點亮！孤獨的英雄和奧巴克 Executed in 2021 resin 34.5edition:sculpture38/38x24.5x43 cm. (13 1/2 x 9 1/2 x 17 in.) signed and editioned 'Hikari 38/38' (on the keychain) 款識：Hikari版數：38/38樹脂2021年作雕塑 38/38（於鑰匙鏈） HK$ 10,000 - 20,000 US$ 1,300 - 2,600 268 POLY AUCTION HONG KONG

212 SATORU KOIZUMI (JAPANESE, B. 1983) with 小泉悟 一同 Executed in 2021 resin 15edition:sculpture8/300x12x31cm. (6 x 4 1/2 x 12 1/4 in.) This work is to be sold with a certificate of authenticity issued by APPortfolio. 附APPortfolio開立之原作保證書版數：8/300樹脂2021年作雕塑 HK$ 12,000 - 22,000 US$ 1,500 - 2,800 213 TOMOKAZU MATSUYAMA (JAPANESE, B. 1976) Broken Train Pick Me 松山智一 破碎的火車選擇了我 Executed in 2021 83.8edition:screenprint95/100x51.4cm. (33 x 20 in.) signed and editioned 'Matsuyama 95/100' (lower left) This work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist, issued by Avant Arte, Amsterdam, Netherlands. 2021年作 絲網 款識：Matsuyama版數：95/100版畫 95/100（左下） 附荷蘭 阿姆斯特丹 Avant Arte畫廊開立之藝術家親簽原作保證書 HK$ 25,000 - 35,000 US$ 3,200 - 4,500 269MODERN AND CONTEMPORARY ART

214 GEORGE CONDO (AMERICAN, B. 1957) Droopy Dog Abstraction 喬治·康多 抽象德魯比 Executed in 2017 edition:screenprintP.P. 5/15 37.9 x 34.7 cm. (15 x 13 1/2 in.) signed, dated and editioned 'Condo 2017 P.P. 5/15' (bottom) PROVENANCE Private Collection, Asia HK$ 70,000 - 90,000 US$ 9,000 - 11,500 2017年作 絲網 版數：版畫 試版 款識：Condo5/152017 P.P. 5/15（底部） 來源 亞洲 私人收藏 270 POLY AUCTION HONG KONG

215 DAVID SHRIGLEY (BRITISH, B. 1968) I Am Elegant; & I Hate Human Beings 大衛· 斯理 我很優雅；及我討厭人類 Executed in 2021 two each:edition:screenprints36/12576x56cm. (30 x 22 in.) editioned '36/125' (on the reverse of each) The works are to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist. 2021年作 絲網 款識：36/125（版數：36/125版畫（共兩件） 每 附藝術家親簽原作保證書件畫背） HK$ 38,000 - 48,000 US$ 4,900 - 6,200 216 CHIHARU SHIOTA (JAPANESE, B. 1972) Cell 塩田千春 細胞 Executed in 2020 64.3edition:lithograph13/40x49.3cm. (25 1/2 x 19 1/2 in.) editioned '13/40'; signed with artist's signature (bottom) PROVENANCE König Galerie, Berlin, Germany. Acquired from the above by the present owner The work is to be sold with a certificate of authenticity signed by the artist, issued by König Galerie, Berlin, Germany. 款識：13/40版數：13/40石版2020年作版畫；藝術家簽名（底部） 來源 德國 柏林 König 附現藏者購自上述來源畫廊 德國 柏林 König畫廊開立之藝術家親簽原作保證書 HK$ 15,000 - 30,000 US$ 1,900 - 3,800 END OF SALE 271MODERN AND CONTEMPORARY ART

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