Una noche en la opera

EN MARZO...

“UNA NOCHE EN LA ÓPERA…”

2007

La ópera está de aniversario. El 24 de febrero de 1607, en el palacio ducal de Mantua, se estrena la que es considerada como la primera ópera: “Orfeo” de Monteverdi.

Hoy, 400 años después, la ópera continúa emocionando a todo tipo de público con sus amores, pasiones, traiciones y relatos mitológicos e históricos. La grandiosidad de sus puestas en escena y sus impecables composiciones, han llevado a este género musical a ser considerado como uno de los espectáculos más importantes y valorados de todos los tiempos.

Mozart, Puccini, Bizet, o Wagner son algunos de los compositores que dedicaron una especial atención a la ópera, pero sin duda, el maestro por excelencia del “Bel canto” fue Giusseppe Verdi. Su intensa vida, sus obras y su influencia en la política italiana han sido los motivos que han llevado a la Biblioteca Pública Fermín Caballero a dedicarle este dossier informativo y, a extraer de nuestros fondos una selección de recursos impresos, digitales y audiovisuales que le ayuden a celebrar con nosotros este aniversario.

Rigoletto, Aida y Macbeth le esperan…

En marzo...”Una noche en la òpera”

INDICE

La ópera y sus voces..…………...………………...................................... Pag. 3 Giuseppe Verdi. Biografía….….…………...………................................. Pag. 8 Las óperas de Verdi……….…………………………………………........ Pag. 13 -Macbeth…………………..………........................... Pag. 16 -Rigoletto……………………………………………...Pag. 17 -Aida…………………………………….…..…………Pag. 18 -Don Carlo……………………………………….……Pag. 19 -Nabuco………………………………………….……Pag. 20 Verdi y la unificación italiana..................................................................... Pag. 22 Teatros de la ópera…………….................................................................. Pag. 24 Selección bibliográfica………………………………………………………Pag 30

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LA OPERA Y SUS VOCES El 24 de febrero de 1607, en el palacio de los duques de Mantua, Claudio Monteverdi estrenó la que hoy los expertos consideran como primera representación del género operístico. Con Orfeo

(fig. 1),

Monteverdi trató de entretener a una corte ávida de nuevas

manifestaciones artísticas que combinasen diálogos cantados y drama teatral con música.

Fig. 1. Escena de la representación de la obra Orfeo de Monteverdi.

La diferencia con otros géneros cercanos, como el oratorio, radicó en su carácter lúdico: la ópera está hecha para ser representada en los teatros y busca divertir al público.

Se calcula que se han escrito unos 30.000 títulos, de los que hoy en día sólo sobreviven en los teatros unos 300. De ellos, la mayoría corresponden a obras del siglo XIX, verdadera etapa de oro del género. Es entonces cuando autores italianos como Rossini, Verdi, Puccini, Donizetti, Bellini componen sus óperas, de gran aceptación en los teatros europeos.

La ópera fue para la burguesía italiana la fórmula principal de entretenimiento. En los antepalcos de sus magníficos teatros, las familias comían, bebían y fumaban mientras discurrían los momentos menos atractivos de largas representaciones. Cuando se acercaba el momento de las arias difíciles de los tenores, barítonos, sopranos y mezzos, los burgueses abandonaban su festín para aplaudir o abuchear las actuaciones de los divos.

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La ópera es un género netamente europeo. Es en los grandes teatros de las capitales de Italia, Inglaterra, Alemania o Francia donde tiene inicialmente más aceptación. A los italianos, que por número y calidad se apropiaron del honor de ser “el país de la ópera”, se suman muchos otros autores de otros países, como los alemanes Mozart, Wagner o Strauss, o los franceses Bizet, Offenbach o Berlioz.

En España la ópera no se desarrolla con fluidez debido a la influencia de la dinastía borbónica durante todo el siglo XVIII, tomando impulso la zarzuela, producto nacional que nunca sería exportado.

La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que, a diferencia del oratorio, se representa en un espacio teatral ante un público. El drama se presenta usando los elementos típicos del teatro, tales como escenografía, vestuarios y actuación

(fig. 2)

. Sin

embargo, la letra de la ópera (conocida como libreto), se canta en vez de ser hablada. Los cantantes son acompañados de un grupo musical, que en algunas óperas puede ser una orquesta sinfónica total.

Fig. 2. Tanto el vestuario como la escenografía cobran mucha importancia en las representaciones operísticas.

La ópera tradicional consiste en dos modalidades de canto: recitativo, declamación y aria; esta última se refiere a composiciones para voz solista. Composiciones cortas para voz solista también se denominan “ariosos”. Cada tipo de canto tiene acompañamiento orquestal.

Voces de cantantes Los cantantes y sus personajes son clasificados de acuerdo a sus rangos vocales. Las cantantes femeninas están clasificadas, de tesitura aguda a tesitura grave, en soprano, y

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mezzosoprano . Los cantantes masculinos se clasifican, de agudo a grave, en tenor, barítono y bajo. Existe también la clasificación masculina de contratenor o sopranista.

Cada una de estas clasificaciones tiene subdivisiones, como por ejemplo: un barítono puede ser un barítono lírico, un barítono de carácter o un barítono bufo. Estas subdivisiones asocian la voz del cantante con los personajes más apropiados para su calidad y timbre de voz.

Soprano: es la voz femenina más aguda. También se aplica este término a la voz infantil ( o a la de un castrato de idéntica tesitura ). Hasta comienzo del siglo XVI, la voz femenina tuvo escasa presencia en la música artística, la iglesia católica mantuvo durante bastante tiempo la prohibición

del

canto

femenino,

encargándose de las partes agudas a los castratii o a los falsetistas. La voz soprano femenina halló su máximo desarrollo con la opera italiana de finales del siglo XVII. Mezzosoprano: voz femenina de timbre rotundo y bastante más grave que el de la soprano, puede acometer agilidades muy complicadas . Se trata de un término tomado del italiano, que significa ‘soprano media’.

Fig. 3. La soprano Maria Callas como Violeta (La traviata)

Contralto: es la voz femenina más grave Tenor: es la voz masculina más aguda.

Barítono: voz más grave y aterciopelada que la de los tenores, casi nunca cuenta con agilidades.

Bajo: es la voz masculina más grave. En determinados papeles cómicos tiene que acometer agilidades más bien difíciles.

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Contratenor: Voz masculina que, debido a la especial conformación de la glotis, posee un timbre femenino. En cierto modo sustituye a la voz del castrado. Se utiliza en la música antigua y barroca, en papeles que también se adjudican a voces de mujer.

Fig. 4. Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y Joseph Carreras conocidos como “Los tres Tenores” son algunos de los más conocidos intérpretes de ópera.

Un aria es una pieza musical para ser cantada por una voz solista, habitualmente con acompañamiento orquestral , puede ser independiente o formar parte de una obra más larga.

Antiguamente, era cualquier melodía expresiva frecuentemente, aunque no siempre, ejecutada por un cantante. En todo caso, es una composición teatral o musical de finales del Renacimiento compuesta para ser ejecutada por un solo intérprete. La palabra significa aire en italiano.

El aria ocupó un lugar central en las operas, las cantatas y los oratorios desde sus primeros tiempos. Las primeras arias tenías cuatro o más versos, pero después de 1650 se redujeron a dos como número normal en la opera.

Durante el siglo XVII, en la época de la ópera barroca, el aria se escribía en forma ternaria (A-B-A), al cual se le conocía como aria da capo (aria desde el principio) debido a la

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repetición de la primera parte al final del aria. El aria luego "invadió" el repertorio operístico con sus tantas variantes (Aria cantabile, Aria agitata, Aria di bravura, entre otras). A mediados del siglo XIX, las óperas se convirtieron en una secuencia de arias, reduciendo el espacio disponible para los recitativos.

Cavatina En su origen, aria con una sola parte, señalada por su brevedad. Luego, sinónimo de aria de presentación. En la ópera clásica y romántica designa un aria breve que sigue inmediatamente a otra larga que acaba de cantar el mismo personaje.

Divertimento Serie o grupo de danzas y cantos que forman parte de una ópera, en especial en Francia. Sus argumentos casi nunca tienen nada que ver con las tramas de las obras que acompañan.

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GIUSEPPE VERDI. BIOGRAFÍA Giuseppe Verdi

(fig. 5)

Fortunino

nació en Le Roncole

Francesco (fig. 6),

en la

provincia de Parma (que por entonces pertenecía a Francia), el 10 de Octubre de 1813, justamente el mismo año que Wagner.

Los Verdi, sin ser pobres, no gozaban de una situación acomodada, y el nacimiento de una hija, tres años después del de Giuiseppe, les hizo la vida aún menos fácil.

Esta pequeña, llamada Giuseppa-Francesca, bella y privada casi por completo de Fig. 5. Retrato de Giuseppe Verdi.

inteligencia, les causa una profunda pena.

Giuseppe, que la amaba tiernamente, la ve morir muy joven (a los diecisiete años).

El futuro compositor, recibió sus primeras enseñanzas del reverendo Pietro Baistrocchi, quien, además le enseñó los fundamentos de la música en el órgano de la iglesia.

Asimilaba con tal rapidez las lecciones del Párroco, que llegó a sustituirlo cada vez más a menudo, en el puesto de organista, dedicación que en la iglesia alternaba con al de monaguillo.

A la edad de diez años, sus padres, lo enviaron a Busseto para que prosiguiera sus estudios,

y fue allí donde tres personas, de

origen, formación y tendencias muy distintos, atraídos por sus dones naturales, se interesaron muy pronto por el joven. Primero, el mecenas Antonio Barezzi, gestor de música de la

Fig. 6. Imagen de la casa natal de Verdi en Roncole

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Sociedad Filarmónica de Busetto,

se propuso con generosidad ayudarle de manera

verdaderamente eficaz, convirtiéndose en su protector. Fue sin duda la suerte inesperada en el comienzo de su carrera.

Por otra parte, sus dos primeros

maestros que estaban

verdaderamente cautivados con su alumno, hasta el punto de disputárselo. De un lado el Canónigo Don Seletti, ante el espíritu abierto y evolucionado del joven Verdi, soñaba para él, naturalmente, con el sacerdocio; por otro, el director de la escuela de música de Busetto, maestro de capilla y organista de la Catedral, Ferdinando Provesi, verdadero artista y llamado a presidir los destinos musicales de la pequeña villa.

A pesar de la presencia de estos maestros, Verdi

(fig. 7)

es el tipo perfecto de

autodidacta: aprende piano sólo, sin maestro; realiza numerosos trabajos, fragmentos de ópera, fantasías, marchas, rondos, danzas, que transcribe para la orquesta local, y con sólo quince años presento con gran éxito una sinfonía. De las lecciones de armonía de Provesi a esta sinfonía hay numerosos peldaños ascendidos día a día, con voluntad y esfuerzo. En estos años de aprendizaje se forma inconscientemente, pero con toda firmeza, el que será el estilo del maestro.

A la edad de 18 años, el joven Verdi fue admitido de manera estable en la casa de Fig. 7. Retrato de Verdi. Galería Nacional de Arte Moderno de Roma – Roma.

Barezzi, donde entre otras obligaciones tenía la de dar lecciones de piano a la mayor de las

cuatro hijas, la bella Margherita, de la que terminó enamorado y con la que más tarde contraería matrimonio.

Se puede decir que a esta edad Verdi era ya una persona taciturna y huraña , pero con un carácter violento y obstinado, capaz de arrebatos de entusiasmo, de afecto y de cólera, rasgo que, a decir verdad, se manifestó con bastante frecuencia en el curso de su vida.

Verdi era, en definitiva, “un mal carácter” con una “personalidad sobresaliente”.

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Gracias a una beca que

Barezzi le

proporcionó, Verdi marchó a Milán, donde le esperaba la primera desilusión artística de su vida, al no poder entrar por conducto regular en el Conservatorio, el mismo que hoy lleva su propio nombre. El motivo por el que fue rechazada su solicitud de ingreso fue por "sobrepasar la edad y por manifestar insuficiencia en piano y en contrapunto". Aunque Verdi no guardaría muy buen recuerdo, su estancia en Milán fue de una importancia capital en su vida al descubrirle el mundo del teatro y con él su verdadera vocación.

Fig. 8. Retrato de Giuseppina Strepponi. Museo Teatro de la Escala. Milán

En 1833 muere su antiguo profesor Provesi y queda vacante el cargo de maestro de capilla de la catedral, éste era el objetivo inmediato de Verdi. Al lograr la ansiada estabilidad económica, podría contraer matrimonio con Margarita Barezzi el 5 de Mayo de l836, fruto de este matrimonio nacieron dos hijos.

Seis años después, en 1939, se estrena “Oberto, Conte di San Bonifacio”, su primera ópera, en el teatro de La Scala, sin duda gracias a la recomendación de su gran amiga, la cantante Giuseppina Strepponi

(fig. 8),

la que años más tarde se convertiría en su

segunda esposa.

Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían además para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Nabucco, es una de los coros más conocidos de Italia por esta razón. De esta forma, Verdi triunfa en Milán. El triunfo de Nabucco en 1842 llevó su nombre a los escenarios más importantes de Europa y de América. A partir de este momento compone para Milán, y también para Nápoles, Roma, Venecia, Trieste, Florencia, Londres, etc. Son un total de ocho óperas las compuestas en esta década.

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Gracias

a

los

éxitos

conseguidos, Verdi puede apostar por un estilo más personal en sus óperas, y puede presionar a libretistas y empresarios a arriesgar y experimentar un poco más. Es notable, en este sentido, la forma como Fig. 9. Cartel anunciador de la ópera Rigoletto

se

engendró

la

ópera

“Macbeth”, con unos arduos, e incluso despóticos, ensayos para

lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Verdi consigue su cometido y el éxito de estas óperas es también notorio.

Pero la desgracia se estaba apoderando de la familia Verdi. Hacía un año que había fallecido su hija Virginia; un mes antes del estreno de Oberto, y a la misma edad de su hermana, falleció su hijo Romano; al año siguiente, l840, fallecería su esposa. A los veintisiete años Giuseppe se encontraría completamente solo y sumido en una profunda depresión.

Periodo que

contrasta con la creación de sus óperas más populares y queridas, las

mencionadas “Rigoletto” (fig. 9), “La Traviata” e “Il Trovatore”.

Posiblemente hasta llegar

a

Rigoletto,

encontraremos

no una

partitura

verdiana

melódicamente tan rica.

Desde melodías sencillas y elementales

a

muy

elaboradas, se encadenan en cascada interminable.

Utiliza los sentimientos simples, del honor, del

Fig.10. Representación Ópera Aída.

amor, de la traición, dotándolos de gran fuerza musical.

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Verdi vivió una época de opresión y censura muy estricta, sobre todo lo que podía resultar políticamente inconveniente: cuando se representó Rigoletto en Venecia, tuvo que poner a un duque anónimo como personaje principal, y no ( como en el original de Víctor Hugo) al rey de Francia; en Roma, las brujas de Macbeth debían ser gitanas; en Un ballo in maschera, se producía el asesinato de un rey sueco, el lugar de la acción hubo de trasladarse a Boston, quedando el rey convertido en un gobernador colonial Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a este período; por ejemplo, “Don Carlos”, que fue compuesta para la Gran Ópera de París; “Aída” (fig.10), compuesta para la Ópera del Cairo; y con la que concepción dramática de Verdi alcanza su perfección; “Otello” y "Falstaff”, con libreto de Arrigo Boito basado en Shakespeare . Algunas de estas obras no fueron bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crítica que el autor siempre rechazó.

En sus últimos años, Verdi compone algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Réquiem en 1874, en honor a Manzoni y el Te Deum, además del Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italiano, francés e inglés.

Fallece en Milán, el 27 de enero de 1901, afectado por un derrame cerebral La música de Giuseppe Verdi, italiano, y la de Richard Wagner, alemán, compositores nacidos el mismo año, pero diferentes en estilo, métodos, filosofías, temas, culturas, nacionalidades, y en todos los aspectos imaginables, son todavía la base del repertorio operístico de los teatros del mundo.

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LAS ÓPERAS DE VERDI Se detalla lugar y fecha del estreno, y autor del libreto: •

Oberto, Conde de San Bonifacio (Teatro La Scala de Milán, 17 de noviembre de

1839) - Drama en dos actos de Temistocle Solera.

•

Un giorno di regno (Un día de reino) (Teatro La Scala de Milán, 5 de septiembre de

1840) - Melodrama jocoso en dos actos de Felice Romani.

•

Nabucco (Teatro La Scala de Milán, 9 de marzo de 1842) - Drama lírico en cuatro

partes de Temistocle Solera.

•

I Lombardi alla prima Crociata (Los lombardos) (Teatro La Scala de Milán, 11 de

febrero de 1843) - Drama lírico en cuatro actos de Temistocle Solera.

•

Ernani (Teatro La Fenice de Venecia, 9 de marzo de 1844) - Drama lírico en cuatro

actos de Francesco Maria Piave.

•

I due Foscari (Teatro Argentina de Roma, 3 de noviembre de 1844) - Tragedia lírica

en tres actos de Francesco Maria Piave.

•

Giovanna d'Arco (Teatro La Scala de Milán, 15 de febrero de 1845) - Drama lírico

en un prólogo y tres actos de Temistocle Solera.

•

Alzira (Teatro San Carlo de Nápoles, 12 de agosto de 1845) - Tragedia lírica en un

prólogo y dos actos de Salvatore Cammarano .

•

Attila (Teatro La Fenice de Venezia, 17 de marzo de 1846) - Drama lírico en un

prólogo y tres actos de Temistocle Solera.

•

Macbeth (Teatro La Pergola, 14 de marzo de 1847) - Melodrama en cuatro partes de

Francesco Maria Piave.

•

I Masnadieri (Teatro Her Majesty de Londres, 22 de julio de 1847) - Melodrama

trágico en cuatro partes de Andrea Maffei.

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•

Il Corsaro (El Corsario) (Teatro Grande de Trieste, 25 de octubre de 1848) -

Melodrama en tres actos de Francesco Maria Piave.

•

La Battaglia di Legnano (Teatro Argentina de Roma, 27 de enero de 1849) -

Tragedia lírica en cuatro actos de Salvatore Cammarano.

•

Luisa Miller (Teatro San Carlo de Nápoles, 8 de diciembre de 1849) - Melodrama

trágico en tres actos de Salvatore Cammarano.

•

Stiffelio (Teatro Grande de Trieste, 16 de noviembre de 1850) - Melodrama en tres

actos de Francesco Maria Piave.

•

Rigoletto (Teatro La Fenice de Venecia, 11 de marzo de 1851) - Melodrama en tres

actos de Francesco Maria Piave •

Il Trovatore (El trovador) (Teatro Apollo de Roma, 19 de enero de 1853) - Drama

en cuatro partes de Salvatore Cammarano, completado por Leone Emanuele Bardare •

La Traviata (Teatro La Fenice de Venecia, 6 de marzo de 1853) - Melodrama en tres

actos de Francesco Maria Piave •

I Vespri Siciliani (Las vísperas sicilianas) (Teatro de l'Operà de París, 13 de junio de

1855) - Drama en cinco actos de Eugène Scribe y Charles Duveyrier) •

Simon Boccanegra (Teatro La Fenice de Venecia, 12 de marzo de 1857) -

Melodrama en un prólogo y tres actos de Francesco Maria Piave •

Un ballo in maschera (Un baile de máscaras) (Teatro Apollo de Roma, 17 de

febrero de 1859) - Melodrama en tres actos de Antonio Somma •

La Forza del Destino (La fuerza del destino) (Teatro Imperial de San Petersburgo,

10 de noviembre de 1862) - Ópera en cuatro actos de Francesco Maria Piave •

Don Carlos (Teatro de l'Operà de París, 11 de marzo de 1867) - Ópera en cinco

actos de Joseph Méry y Camille Du Locle

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•

Aida (Teatro dell'Opera del Cairo, 24 de diciembre de 1871) - Ópera en cuatro actos

de Antonio Ghislanzoni •

Otello (Teatro La Scala de Milán, 5 de febrero de 1887) - Drama lírico en cuatro

actos de Arrigo Boito •

Falstaff (Teatro La Scala de Milán, 9 de febrero de 1893) - Comedia lírica en tres

actos de Arrigo Boito

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MACBETH

En su extensa producción para la música escénica Verdi concretó tres óperas basadas en obras teatrales de William Shakespeare. El primer encuentro con el célebre dramaturgo inglés fue justamente “Macbeth”, su décima ópera, compuesta a los 34 años de edad. La admiración de Verdi por Shakespeare lo llevó a encargarse el mismo del libreto, el cual escribió en prosa y luego fue versificado por Francesco

Maria

Piave.

Fig. 11. Carátula de la Ópera Macbeth editada por la BBC.

Cuatro

décadas más tarde cuando Verdi era ya todo un consagrado, vendrían “Otello” y “Falstaff”, basada esta última en la comedia “Las alegres comadres de Windsor”.

“Macbeth” tuvo su estreno el 14 de marzo de 1847 en el Teatro della Pergola de Florencia, con un enorme éxito. Tanto fue éste que en aquella función el maestro Verdi tuvo que salir ni más ni menos que 38 veces a saludar a la enfervorizado audiencia.

Argumento: Macbeth es un importante general del rey de Escocia, un día se le profetiza que él ocupará el trono en el futuro. A la vez a su amigo Banquo también se le profetizará que será padre de reyes. Macbeth y su mujer deciden adelantar los acontecimientos y para ello asesinan al rey y a cuantos súbditos se interponen en su camino, incluido el propio Banquo.

Lady Macbeth terminará derrumbándose ante el peso de los acontecimientos y de su conciencia muriendo loca. Macbeth, a quien también se le auguró que no podría ser asesinado por hombre nacido de mujer, hace caso omiso a las venganzas y así se convierte en víctima de Macduff, cuya familia había asesinado y al que no había dado a luz ninguna mujer al haber sido extraído del vientre de su madre. Tras su muerte los hijos de Banquo ocuparán el trono dando así lugar a una larga estirpe de reyes.

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RIGOLETTO Rigoletto está basado en la pieza teatral de Victor Hugo titulada “El Rey se divierte”, la cual trata un tema conflictivo, pues alude directamente al rey Francisco I de Francia, desenmascarándolo como un personaje frívolo y libertino. Su estreno, en 1832, produjo un escándalo de proporciones, llegándose incluso a acciones legales que a la larga favorecieron a Víctor Hugo.

A pesar de estos problemas, Verdi se entusiasmó con la obra y se propuso

convertirla

en

ópera,

debiendo tratar con los organismos de censura, que objetaban el estreno. El argumento

original

se

conservó

bastante suavizado en el libreto elaborado por Francesco Maria Piave, pero está cambiado todo el marco general de la ópera. Francia se cambió por Mantua, en Italia. La figura del Rey se perfiló como un duque y a los demás personajes se les mutó el nombre.

Entre

otros,

el

bufón

Triboulet fue Rigoletto y si hija Blanche derivó en Gilda. La razón de este

cambio

es

muy

simple:

a

mediados del Siglo XIX algunos territorios de Italia estaban ocupados Fig. 12. Cartel anunciador de la Ópera Rigoletto realizado por Rafal Olbinski para el Metropolitan Opera House de Nueva Cork.

por

potencias

extranjeras,

ejerciéndose, por lo tanto, una estricta censura que, en este caso en particular, se manifestaba contraria a un ópera basada en las inmoralidades del rey de Francia.

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Cuenta la historia del bufón del duque de Mantua y contiene famosísimas arias, como La donna é mobile, Caro nome, Questa o quella, E il sol dell anima, Parmi veder le lagrime, Lassú in cielo o el cuarteto Bella figlia dell' amore.

El estreno tuvo lugar en el Teatro La Fenice de Venecia, el 11 de marzo de 1851, con un éxito que vino de inmediato y que no se ha visto jamás mermado.

AIDA Aída es una ópera en cuatro actos , compuesta para la inauguración del Canal de Suez pero estrenada después del 24 de diciembre de 1871 en el Teatro de Ópera de El Cairo.

Aunque se había planificado la primera representación de “Aída” para enero de 1871, el estallido de la guerra franco-prusiana motivó el retraso de la llegada por barco desde Francia de la costosa escenografía y vestuario e hizo que esta fecha sufriera más de una postergación El estreno de “Aída” en Italia se llevó a cabo en Milán dos meses después, en febrero de 1872. Para este estreno italiano Verdi agregó el aria “Oh Patria Mia”, con que el personaje central abre el tercer acto de la obra.. Así, el estreno tuvo lugar el 24 de diciembre de ese año

Fig. 13. Representación de Aida en “L’Arena” de Verona. 2002

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Con Aída, Verdi se acercó al género de la Grand Ópera, francesa: cuatro largos actos, coros, ballets y escenarios monumentales. Por ello, la ópera no fue tan bien recibida en Italia, aunque actualmente es una de las óperas más conocidas e interpretadas, creando una obra espectacular, de gran despliegue escénico.

Ambientada en el Egipto faraónico, narra la historia de amor entre Aída, una princesa etíope, pero esclava en Egipto, y Radamés, militar egipcio y comandante de las fuerzas que ocuparon la tierra de Aída. A este amor se oponen Amonasro, padre de Aída, que exige venganza, y Amneris, hija del faraón, que también ama a Radamés.

En 1913 se realizó, en el anfiteatro romano de la ciudad italiana de Verona, una grandiosa producción lírica para celebrar el centenario del nacimiento de Verdi. Con la puesta en escena de Aída, el Arena de Verona se convirtió en el teatro lírico al aire libre más grande del mudo (fig. 13).

DON CARLO El libreto original es obra de François Joseph Méry y Camille du Locle, basado en el drama Dom Karlos, Infant von Spanien de Schiller.

La Ópera de París la encargó a Verdi como parte de los actos que rodearían a la Exposición Universal de 1867. Fue finalmente estrenada en París, el 11 de marzo de 1867. La versión francesa está dividida en cinco actos y el estilo de la obra se amolda a la Grand Opéra francesa. Luego del estreno francés, Verdi redujo la obra a cuatro actos y utilizó la traducción del libreto al italiano de Achille de Lauzieres y Angelo Zanardini. El estreno italiano tuvo lugar en La Scala de Milán el 10 de

Fig. 14. Carátula de la grabación de la ópera Don Carlo.

enero de 1884. Esta versión es quizás la más conocida y representada, y lleva el nombre de Don Carlo.

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La ópera fue poco representada durante la primera mitad del siglo XX, pero durante el período de posguerra se ha convertido en parte del repertorio de ópera estándar.

Argumento: La ópera se desarrolla en bosque de Fontainebleau, París (en el primer acto de la versión de cinco actos) y en España, aproximadamente en 1560, durante el reinado de Felipe II de España. Los hechos históricos rodean y dirigen gran parte del drama. Para Verdi esta ópera representaba la lucha de la libertad en contra de la opresión política y religiosa, representadas en los personajes de Felipe II y el Gran Inquisidor. Los hechos referenciados son el tratado de paz de Cateau Cambrésis que ponía fin a la guerra entre España y Francia, reafirmado con el matrimonio de Felipe e Isabel de Valois, que antes había sido prometida a Carlos el Infante, la Contrarreforma, la Inquisición y la rebelión de los calvinistas en Flandes, Brabante y Holanda.

NABUCO Uno de los primeros grandes éxitos de Verdi como compositor, y su gran aportación patriótica a la causa del Risorgimiento, fue la ópera Nabucodonosor, popularmente conocida como Nabucco. A su éxito contribuyó el hecho de que el público identificara la historia de los judíos y el rey de Babilonia con su propio cautiverio bajo el dominio austriaco.

Nabucco es una ópera en cuatro actos con libreto de Temistocle Solera, basada en el Antiguo Testamento y la obra Nabuchodonosor de Francis Cornue y Anicète Bourgeoisen en la que se narra el cautiverio del pueblo judio por Nabucodonosor, rey de Babilonia. Estrenada el

Fig. 15. Cartel de la ópera Nabucco

9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán, fue compuesta en un período particularmente difícil de la vida del compositor. Su esposa y dos pequeños hijos habían muerto poco tiempo antes y Verdi había prácticamente decidido no

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volver a componer. El libreto de Nabucco llegó a sus manos casi de casualidad. Emprendida casi a regañadientes dio como resultado una obra que cautivó a toda Italia. En el estreno, el papel de Abigail fue interpretado por Giuseppina Strepponi, quien se convertiría en compañera sentimental y luego esposa de Verdi.

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VERDI Y LA UNIFICACIÓN ITALIANA A principios del siglo XIX Italia era sólo una unidad geográfica y cultural formada por un mosaico de estados y ocupada por potencias extranjeras.

La conquista de Napoleón de la península supuso una modificación del mapa..

Anexionó Piamonte, Parma, Toscana, la República Ligur y los Estados Pontificios al Imperio Francés, unificó todo el noreste de la península para crear el Reino de Italia, del cual se declaró rey y también conquistó el Reino de Nápoles. Durante este periodo Italia sufrió toda una serie de reformas liberales, como la abolición de los privilegios feudales y eclesiásticos.

Tras la derrota de Napoleón, el

Congreso

de

Viena

(1815)

reestructura de nuevo el espacio geográfico de Italia. .El Imperio Austríaco se anexionó Lombardía y el Véneto y además colocó a príncipes austríacos en el trono de Parma, Módena

y

Toscana.

Cerdeña

y

Piamonte se unificaron en el Reino de Piamonte-Cerdeña, el cual recibió Saboya y Niza. Se restauraron los Estados Pontificios y a los Borbones en el trono de Nápoles, que pasó a llamarse Reino de las dos Sicilias. Se restauró el absolutismo en todos los Estados. Los gobernantes impuestos por el Congreso de Viena no contaban con el apoyo popular, por lo que tuvieron que estar auxiliados por el Fig. 16. Mapa de Italia tras el congreso de Viena

Imperio Austriaco.

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En la segunda mitad del siglo XIX, el recrudecimiento de las tendencias nacionalistas europeas permitió establecer la unidad política de Italia (1859 1870). La difusión de los principios liberales estableció un fuerte sentimiento nacionalista que se propuso la expulsión de los austríacos y la unidad de la península. estos liberales y nacionalistas italianos estimularon el resurgimiento (risorgimento) del espíritu y la conciencia nacional, pero fracasaron en sus intentos unionistas en las revoluciones de 1830 y 1848.

Fig. 17. Giuseppe Garibaldi

En este último levantamiento el rey de Cerdeña, Carlos Alberto, apoyó el levantamiento liberal y declaró la guerra a Austria; pero sus tropas fueron derrotadas y el monarca debió abdicar en beneficio de su hijo Víctor Manuel II. Preparada por los acontecimientos de 1848, la unidad italiana fue realizada por el reino de Cerdeña gracias al apoyo de los patriotas de toda Italia y con la ayuda de dos países extranjeros: Francia y más tarde Prusia. En 1861 se reunió en la ciudad de Turín un Parlamento constituyente que proclamó el reino de Italia y nombró rey a Víctor Manuel II. A lo largo de todo este proceso aunque el protagonismo político correspondió a Mazzini, Cavour, Víctor Manuel de Saboya y Garibaldi (fig. 17), la iniciativa cultural fue obra, casi exclusivamente, de un hombre, Giuseppe Verdi . Su nombre inundó los muros, convertido en un acrónimo de una Italia unida bajo Vittorio Emanuele Re D'Italia: V (Victorio), E (Enmanuelle), R (Rey), d (de), I (Italia); “Viva V.E.R.D.I”.

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TEATROS DE LA OPERA * Teatro San Carlo de Nápoles.

El fervor operístico desatado entre la población del reino, a partir de la aparición de los compositores e intérpretes que configuraron la llamada "Escuela napolitana", no contó durante las primeras décadas del fenómeno con un escenario verdaderamente digno de él.

Tanto el teatro de San Bartolomeo, como el del Palacio Real, el de Fiorentini, el della Pace o el Nuovo fueron salas destinadas en principio a otros fines, acondicionadas con mayor o menor fortuna para la emergencia. Esta situación varió radicalmente a partir de la inauguración, en 1737, del teatro de San Carlo (fig. 18) construido por orden de Carlos de Borbón.

La primera ópera que subió a escena en él fue Aquiles en Sciro, de Metastasio y Sarri, y a partir de entonces la sala se convirtió en el verdadero centro de actividades y de la proyección universal de la ópera napolitana.

Muy dañada por el incendio que padeció en 1816, la reconstrucción del arquitecto Niccolini la dejó con el sobrio aspecto que Fig. 18. Teatro San Carlo de Nápoles, visto desde la Galería Umberto I.

presenta en la actualidad.

* Teatro La Fenice de Venecia.

Fue el último de los ocho grandes teatros de ópera que se abrieron en la ciudad de Venecia durante la segunda mitad del siglo XVIII, pero ahora que coliseos tan gloriosos como el de San Cassiano o el de Santi Giovanni e Paolo han desaparecido, la Fenice

(fig. 19)

aún ofrece funciones con regularidad, aunque su breve temporada operística lo ha descolgado de los primeros puestos en el ranking de los teatros líricos (actualmente, su

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actividad central es el festival internacional de música contemporánea, que se realiza cada año en su sala).

Construido entre los años 1790 y 1792,

sobre

planos

de

Giannantonio Selva, su primera y lujosa temporada fue la de 1793.

Tras su elegante y severa fachada neoclásica se oculta una sala de audición

(fig

19)

ricamente

adornada

con

estucos,

tallas

doradas y pinturas, que entre su patio de plateas y sus cinco pisos

Fig. 19. Interior del Teatro La Fenice de Venecia

de palcos y galerías puede albergar a 1.500 espectadores. El apogeo de La Fenice coincidió con el que se considera el siglo de oro de la ópera –el XIX-, sobre todo durante la larga administración de ese mítico personaje de la lírica que fue Alessandro Lanari, cuando menudearon en su escenario los estrenos de Rossini, Donizzetti, Bellini y Verdi.

Precisamente Verdi probó en carne propia las características del exigente e imprevisible público de La Fenice en marzo de 1851 donde vivió una de sus noches más gloriosas durante el estreno de “Rigoletto” y casi exactamente dos años después, el 6 de marzo de 1853, sufrió allí el peor fracaso de su vida

cuando

el

público

abucheó

interminablemente el estreno de “La Travista”.

Hasta mediados de este siglo La Fenice siguió siendo uno de los principales teatros líricos del mundo, como prueba el estreno en su sala de “The Rake' Progress” (Las Andanzas del

Fig. 20. Teatro La Fenice

Libertino), de Igor Stravinski, el 11 de

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septiembre de 1951 y bajo la dirección del autor. Y aún hoy, actuar en ella es un honor difícilmente comparable para cualquier intérprete, y asistir a una representación, una experiencia inolvidable para el visitante de a pie.

* Teatro Alla Scala de Milán.

Situado en la Piazza della Scala de la capital lombarda, su nombre es sinónimo de ópera y se le considera el primer coliseo del mundo. Ocupa el solar en el que primitivamente estaba la iglesia de Santa María alla Scala, y fue erigido entre los años 1775 y 1778 según los planos del arquitecto Giuseppe Piermarini (1734-1808), inaugurándose en el último año citado con el estreno de la ópera Europa riconosciuta, de Salieri.

Su elegante fachada está coronada por un tímpano que representa el carro de Apolo y no ha sufrido modificaciones desde su construcción, a diferencia de lo ocurrido con su interior, en el que la policromía dieciochesca original de la decoración fue sustituida en 1830 por una ornamentación Fig. 21. Teatro “Alla Scala” de Milán

dorada

de

estilo

neoclásico.

Destinada a sustituir el antiguo teatro ducal, destruido por un incendio, la Scala (fig. 21) se caracterizó desde sus primeros años por su afán de mantenerse en cabeza de los teatros líricos, adoptando para ello las continuas reformas que traía el progreso: así, fue el primer teatro del mundo que tuvo iluminación eléctrica, en 1883; un cuarto de siglo más tarde, en 1907, hubo de

hacer ingentes obras para construir el gran foso para la orquesta, que

tambiénfue en ese momento el más amplio y cómodo que existía; sucesivas ampliaciones de aforo, por otra parte, lo han llevado a las 3200 localidades de que dispone en la actualidad.

Mucho más que un teatro, la Scala fue el centro público de las actividades del Risorgimento, y aún después de la independencia y unificación mantuvo la primacía entre todos los teatros

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líricos italianos hasta el punto de que la mayor parte de los estrenos del siglo de oro de la ópera se realizaron en ella. También en su ámbito se ha configurado la actividad musical de las mayores editoras musicales, como es el caso de Ricordi y Sonzogno.

Dirigida durante los años 20 por el genial Arturo Toscanini –tal vez el director de orquesta más célebre de este siglo-, la Scala sufrió graves daños durante los bombardeos aéreos de 1943, pero su espíritu resurgió briosamente concluida la segunda guerra mundial, y que fue el primer monumento público italiano que se reconstruyó tras la contienda.

* Teatro Real de Madrid.

Declarado Monumento Nacional, este edificio se erige en la plaza de Oriente como foro madrileño de la ópera. Desde que el Teatro Real (fig. 22) fuera inaugurado en 1850 hasta la actualidad, su historia ha sido la de un teatro con constantes alteraciones, sometido a los cambios dificultades

políticos, en

su

construcción y sucesivas

Fig. X. Interior del Teatro Real.

reformas.

Ha sido escenario lírico, pero también sede de las cortes o salón de baile, a lo largo de su siglo y medio de vida. Con su reapertura en 1997, el Teatro Real recuperó el papel que en su momento quiso concederle la reina Isabel II, ser un teatro de

Fig. 22. Teatro Real de Madrid, vista de la época.

ópera digno de la capital.

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Más de un siglo de historia En 1818, el ayuntamiento encarga al Arquitecto Mayor, Antonio López Aguado, el proyecto del futuro Teatro Real. Pero por diferentes motivos, la construcción del coliseo sufrió varios parones, como el de 1857, que se prolongó durante trece años.

El Teatro Real además de albergar conciertos líricos, se convirtió en un depósito de pólvora, en Congreso de los Diputados o en improvisado cuartel durante la Guerra Civil.

Pero fue el 7 de mayo de 1850 cuando su verdadera función parecía más cercana. Entonces se publicó un Real Decreto que concedía seis meses de plazo para finalizar su construcción, esperando así que pudiese ser inaugurado el mismo día en que la reina Isabel II

(fig. 23),

gran

aficionada a la ópera, celebrara su cumpleaños.

Por fin, tras una inversión de 42 millones de reales, el 19 de noviembre de 1850, el coliseo operístico abrió oficialmente sus puertas, en una noche en la que la flor y nata de la sociedad madrileña se dejó ver entre el público. “La Favorita”, de Donizetti, fue la pieza elegida para la puesta de largo del teatro. Durante más de setenta años, el Teatro Real ocupó un lugar destacado en el panorama europeo, gracias a que Fig. 23. Detalle del Retrato de Isabel II junto a la infanta Isabel. Winterhalter. Palacio Real. Madrid.

las

grandes

protagonizaban

su

voces

del

programación.

momento Incluso

Giuseppe Verdi, en 1863, quiso preparar

personalmente en Madrid el estreno de su obra “La forza del destino”, función que interpretaron Lagrange y Fraschini.

A partir de 1868, tras el exilio de Isabel II, el teatro debió cambiar su nombre por el de Teatro Nacional de la Ópera, recuperando la categoría de Real con la vuelta de la monarquía en la figura de Alfonso XII. Durante décadas, el teatro pasó de mano en mano, siendo dirigido por diferentes empresarios y, además, debió resistir a un incendio en 1867 y a

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un hundimiento parcial en 1925 -época en la que triunfan Miguel Fleta y Matilde Revenga con “La bohème”, última ópera cantada antes de su cierre-.

Ya en 1966, el Teatro Real reabrió sus puertas tras la reforma dirigida por Juan Manuel González Valcárcel, esta vez como Sala de Conciertos, sede de la Orquesta y Coro Nacionales de España y, posteriormente, de la Orquesta y Coro de RTVE, aunque no fue hasta 1977 cuando el edificio fue declarado Monumento Nacional. Con el paso de los años, se reconsideró la posibilidad de devolverle al teatro su actividad original, se construyó el Auditorio Nacional de Música para acoger las actuaciones sinfónicas y, en 1997, el Teatro Real volvió a ser la sede madrileña de las funciones del bel canto.

El edificio.

Resulta complicado definir el estilo arquitectónico que prima en el Teatro Real

(fig. 24)

debido a los usos

tan diversos y rehabilitaciones que ha sufrido el edificio. El primer proyecto,

firmado

por

López

Aguado y Moreno, concluyó en una edificación

hexagonal,

con

dos

fachadas. La principal -antiguamente

Fig. 24. Fachada del Teatro Real.

reservada a los reyes- es aquella que en forma circular domina la plaza de Oriente. La segunda, de menor envergadura, preside la plaza de Isabel II. El último proceso de rehabilitación del teatro también debió hacer frente a importantes dificultades -como la caída de la lámpara central de la sala de espectadores.

Finalmente, el 11 de octubre de 1997, el Teatro Real abrió de nuevo sus puertas como teatro para la ópera.

La verdadera joya del edificio es la caja escénica que, con 1.472 m², permite complejos cambios de decorado gracias a sus 18 plataformas articuladas, que admiten múltiples combinaciones en el escenario y el foso de la orquesta.

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SELECCIÓN BIBLIOGRÁFICA MONOGRAFÍAS • CAMINO, Francisco. Opera: historia, autores, obras y argumentos, intérpretes, teatros, discografía. Madrid : Ollero & Ramos, [2001] • CASO, Ángeles. Giuseppe Verdi : La intensa vida de un genio / Angeles Caso. -Madrid : Temas de hoy, 2001 •

FRAGA, Fernando. Verdi / Fernando Fraga. -- Barcelona : Península, 2000.

• HISTORIA DE LA MÚSICA: La música occidental desde la Edad Media hasta nuestros días. Madrid: Espasa, 1996.

•

LEIBOWITZ, René. Historia de la ópera -- Madrid : Taurus, D.L. 1990

• •

MARTIN TRIANA, José María. El libro de la ópera. -- Madrid : Alianza , 1990 ÓPERA: compositores, obras, intérpretes. Colonia : Könemann :, cop. 1999.

• OSBORNE, Charles. Verdi / Charles Osborne ; prólogo José Luis Téllez ; [traducción a cargo de Jesús Fernández Zulaica]. -- Barcelona : Salvat, 1985 • SHAKESPEARE, William. Macbeth,; ilustraciones, Salvador Dalí. -- [Barcelona] : Planeta, 2006 • SOUTHWELL-SANDER, Peter. Verdi / Peter Southwell-Sander ; con un prólogo de Sir Geraint Evans. -- Barcelona : Ma non troppo, [2001].

AUDIOVISUALES •

AIDA [DVD]: opera in four acts / Giuseppe Verdi. -- Berlin: Rai Trade : TDK Recording Media Europe, 2001.

•

ATTILA [DVD] / music, Giuseppe Verdi ; libretto, Temistocle Solera & Francesco Maria Piave. -- [S.l.] : Opus Arte, cop. 2004

•

FALSTAFF [DVD] / Verdi; Coro e Orchestra del Teatro alla Scala; Ricardo Muti. -- [S.l.] : EuroArts : TDK, cop. 2002.

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•

GIUSEPPE Verdi [CD-ROM] / text: Luis Carlos Buraya ; Musical guidance: Roberto Portillo ; adaptation and development: Vicente Delfa... [et al.]. -[Madrid] : Siemens-Nixdorf : ABC : Microsoft, [1996?]. 1 CD-ROM

•

RÉQUIEM [DVD] / Giuseppe Verdi ; director, Humphrey Burton. -Barcelona : Salvat, D.L. 2001.

•

MACBETH [DVD] / Giuseppe Verdi ; libreto de Francesco Maria Piave ; dirigido para televisión y video por Brian Large. -- Barcelona : Salvat, [2001].

•

La TRAVIATA [DVD] / Giusseppe Verdi ; directed by Franco Zeffirelli.

Luxembourg : TDK, cop. 2002.

•

La VIDA de Verdi [DVD] / director y guionista, Renato Castellani. -- Barcelona : Lllamentol, [2005]. 7 discos (DVD)

GRABACIONES SONORAS •

AIDA [Grabación sonora] / Verdi ; libretto Antonio Ghislanzoni. -- London : Decca Record, cop. 1988. 2 discos (CD-DA).

•

Un BALLO in maschera [Grabación sonora] / Verdi. -- Hamburg : Polydor International, p. 1991. 2 discos (CD-DA)

•

CHÖRE und Ballettmusik [Grabación sonora] / Giuseppe Verdi. -- Hamburg : Polydor International, p. 1987 1 disco (CD-DA)

•

don CARLO [Grabación sonora] / Verdi ; [sur un livret de Joseph Méry et Camille du Locle]. -- Hamburg : Deutsche Grammophon, p 1995 2 discos(CD-DA).

•

La FORZA del destino [Grabación sonora] / Verdi ; [libreto, Francesco Maria Piave]. -- Hamburg : Polydor International, p 1987. 3 discos (CD-DA)

•

LUISA Miller [Grabación sonora]: Auszüge = Highlights = Extraits / Verdi. -Hamburg : Polydor International, 1991. 1 disco (CD-DA)

•

NABUCCO [grabación sonora]: auszüge= highlights= Extraits / Giuseppe Verdi. -- Hamburg : Polydor International, 1983

•

1 disco (CD-DA)

OTELLO [Grabación sonora] / Giusseppe Verdi ; [libreto, Arrigo Boito]. -[s.l.] : EMI Records, 1988. 2 discos (CD-DA).

•

RIGOLETTO [Grabación sonora] / Giusseppe Verdi ; libretto, Francesco Maria Piave. -- Hamburg : Polydor International, p 1964. 2 discos (CD-DA).

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•

La TRAVIATA [Grabación sonora]: (selección) / Giuseppe Verdi ; (libreto de Francesco María Piave). -- Madrid : Polygram Ibérica, D.L. 1993 1 disco (CD-DA).

•

Il TROVATORE [Grabación sonora] / Verdi. -- London : Decca Records, cop.

1995. 2 discos (CD-DA).

PÁGINAS WEB http://www.giuseppeverdi.it Página oficial, disponible en italiano e inglés. http://www.deccaclassics.com/archive/www.viva-verdi.com Página que conmemora el centenario de la muerte de Verdi. Datos sobre su vida, obra y grabaciones. Se pueden escuchar extractos de sus obras. En inglés. http://www.weblaopera.com Portal operístico que ofrece un monográfico. http://www.temas-estudio.com/giuseppe-verdi Biografía y obras. http: // www.teatro-real.com Información de temporada, venta de entradas, actualidad teatral y Fundación del Teatro Lírico. Esta página depende del Ministerio de Cultura, Educación y Deportes.

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