CUBOS DE LAS TENTACIONES

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gran angular

LOS CUBOS DE LAS TENTACIONES THE TEMPTATIONS CUBES Alicia Candiani

PROYECTO´ACE EN FIG BILBAO

L

a feria FIG Bilbao, especializada en grabado y arte sobre papel, celebró su octava edición en el Palacio Euskalduna en la ciudad de Bilbao, contando con Argentina como país invitado. Dentro de este marco, los organizadores ofrecieron a Alicia Candiani, directora del proyecto ACE, el comisariado de cuatro de los “Cubos de las Tentaciones.

T

he FIG Bilbao fair, specialized in engravings and art on paper, held its eighth edition at the Euskalduna Palace in the city of Bilbao, with Argentina as a guest country.

Within this framework, the organizers offered Alicia Candiani, director of the ACE project, the position of curator of “Los Cubos de las Tentaciones”.

Micaela Muzi.

Cubo controversia limite desborde

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Dentro de la propuesta de los organizadores de FIG Bilbao, los “Cubos de las Tentaciones” quieren dar visibilidad, apoyar, difundir y potenciar las prácticas artísticas emergentes. Los cubos son ofrecidos por los organizadores como espacios utópicos para realizar proyectos basados en obra sobre papel que abracenconvivan-dialoguen junto con un continente en forma de cubo de madera, el que a su vez puede transformarse en contenido. Para ello seleccionaron un máximo de 8 proyectos de universidades o centros artísticos invitados. En el marco de la edición 2019, con Argentina como país invitado, Proyecto´ace fue convocado para presentar artistas emergentes en 4 de los cubos estando a cargo de la UMSA, Universidad del Museo Social Argentino también de Argentina, los otros cuatro. Alicia Candiani, presidenta de la Fundación Ace nos relata la experiencia.

Within the proposal of the organizers of FIG Bilbao, the “Cubos de las Tentaciones” aim at granting visibilization, support, dissemination and reinforce emerging artistic practices.

Organizers offer the cubes as utopian spaces to execute projects based on works on paper that embrace-coexistdialogue jointly with a wooden cube-shaped continent, which can, in turn, transform into content. For this, they selected a maximum of 8 university projects or artistic centers. Within the framework of the 2019 edition, with Argentina as a guest country, Proyecto´ace was convened to present emerging artists in four of the cubes, with the remaining four under direction of Universidad Museo Social Argentino (UMSA).

Alicia Candiani, presidenta de la Fundación Ace nos relata la experiencia.

En este contexto, el comisariado de los cubos fue para mí un desafío muy bienvenido y completamente a tono con mis búsquedas (teóricas y prácticas) sobre la expansión de los límites de las prácticas artísticas que involucran al grabado y al arte sobre papel.

In this context, the curating of the cubes was for me a very welcome challenge and completely in tune with my investigation (theoretical and practical) on the expansion of the limits of artistic practices that involve engraving and art on paper.

Mi primera decisión, cuando pusimos el barco de proa a Bilbao, fue que todos los artistas presentados hubieran trabajado (ya sea becados, en residencias o con proyectos específicos) o tuvieran relación con las actividades de Proyecto´ace, de tal manera que nuestra participación expresara nuestra visión de la gráfica contemporánea y a la vez mostrara (en la mayoría de los casos) proyectos pensados y producidos en nuestros talleres en dónde trabajamos en colaboración. Busqué artistas emergentes quienes por su compromiso profesional, solidez conceptual y experiencia técnica están pisando fuerte en el ámbito internacional planteando sus discursos a través de los medios impresos, quedando en la selección final Laurel Ponturo, Ian Ballantyne, Juan Reos y Micaela Muzi. A continuación se les pidió a los artistas que -basados en lo que produjeron con nosotros- realizaran una nueva propuesta instalativa para los cubos que considerara al mismo como un espacio a intervenir y no simplemente como un contenedor para colgar la obra.

My first decision, upon redirecting our efforts towards Bilbao, was that all the artists presented had worked (either with scholarships, in residences or in specific projects) or were related to the activities of Proyecto ‘ace, so that our participation would express our vision of contemporary graphics, and at the same time show (in most cases) projects designed and produced in our workshops where we work collaboratively. I looked for emerging artists who, due to their professional commitment, conceptual solidity and technical expertise, were treading strongly in the international arena, communicating their discourses through print media. Laurel Ponturo, Ian Ballantyne, Juan Reos and Micaela Muzi marked the conclusion of our search. Subsequently, they were asked to - based on what they had produced with us - perform a new installation proposal for the cubes, considering this as a space to intervene upon and not simply a container to hang their pieces.

LAUREL PONTURO (Argentina, 1980) presentó “Ensayo Interludio”, una instalación gráfica-sonora de sitio específico realizada especialmente para FIG Bilbao en base a una investigación que desarrolló en el año 2016 cuando la invité a participar de un taller de gráfica experimental que dicté en la Academia de Bellas Artes de Lodz, en Polonia, dentro del programa de Cursos Internacionales de Verano PATA (Printmaking and Textil Art). Esta academia tiene foco en las carreras de ArteTextil y de Gráfica y está localizada en una ciudad que en el siglo XIX experimentó un rápido crecimiento

LAUREL PONTURO (Argentina, 1980) presented “Interlude Essay”, a site-specific graphic-sound installation made especially for FIG Bilbao, based on an investigation she developed in 2016 when I invited her to participate in an experimental graphic workshop that I taught at the Academia of Fine Arts of Lodz, in Poland, within the program of International Summer Courses PATA (Printmaking And Textile Art). This academy focuses on both the ArteTextil and Graphics careers, and is located in a city, which, during the 19th century, experienced a rapid growth of the textile industry. In this seminar, which was

Ian Ballantyne Realizando imprimiendo en Proyecto’Ace Jurado escuchando la presentación de Micaela Muzi Ian Ballantyne realizando los monotipos para Polo en Proyecto’Ace

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en la industria textil. En este seminario, que se llamó “Punto de Intersección” exploramos las aristas entre el grabado y el arte textil imprimiendo sobre Tyvek® (Dupont) un material que tiene un aspecto compatible con el del papel, con color y textura similares pero que, en realidad, es un plástico hecho de fibras de polietileno de alta densidad. Este material es muy resistente y difícil de romper, aunque se puede cortar con tijera, imprimir y dar volumen o perforar con una fuente de calor (plancha o pistola de calor). Yzabela Walczak, profesora del departamento textil -que me asistió en este seminarioasesoró personalmente a la artista y le enseñó a usar las tarjetas de los telares históricos para tejer el Jacquard. Estos “telares de Jacquard” (de los cuales la Academia posee una buena cantidad y en buen estado de conservación) son telares mecánicos y automáticos inventado por el francés Joseph Marie Jacquard en 1801. El instrumento utiliza tarjetas perforadas para conseguir tejer patrones en la tela. Si pensamos que las tarjetas perforadas de Jacquard son el más importante antecedente de la generación de “bancos de datos” con lenguaje binario y uno de los antecedentes más antiguos de la computación la posibilidad de interpolar conceptos teóricos-visuales contemporáneos valiéndose de ellas es como poco un desafío.

A partir de todos estos encuentros, Ponturo crea impresiones gráficas gofradas y termo-transferibles con las tarjetas perforadas usando como soporte el Tyvek®. Al realizar este trabajo en una técnica experimental -que requiere altas temperaturas para horadar el material y registrar la tarjeta que originalmente formaba parte de un proceso fabril hoy obsoleto y, por ende, en vías de desaparición- la artista encuentra en ella una superficie-testimonio para la inscripción temporal de significados y traducciones posibles donde el pasado habita el presente, aunque su reconstrucción sea imprecisa. Ya en Bilbao, el cubo se resuelve como un entramado de varias series de monocopias sobre Tyvek® que se hilvanan en hileras, empapelan los muros del cubo y construyen una suerte de techo pergolado por dónde se filtra la luz del muro vidriado del Palacio Euskalduna, el cual también fue tenido en cuenta para esta propuesta. La intervención se completa con dos dispositivos de audio: un micrófono (grabador) y un auricular (reproductor). El primero, para que el público asistente durante la feria dejara un registro de voz con una enseñanza, un saber o receta; el segundo, para reproducir una lectura constante de fórmulas o instrucciones para la realización de tareas manuales diversas y coleccionadas a través de una convocatoria. Finalmente, utiliza las tarjetas-matrices como cartografía de un pasado (que todavía sigue presente en la arquitectura de la ciudad de Lodz), propone experiencias que permitan otras formas de ver y le da

called “Intersection Point”, we explore the boundaries between engraving and textile art by printing on Tyvek ® (Dupont), a material that is comparable to paper, similar in color and texture, but is in reality a plastic made of high density polyethylene fibers. This material is very resistant and difficult to break, although it can be cut with scissors, printed on, given volume or penetrated with a heat source (iron or heat gun). Yzabela Walczak, professor of the textile department - who assisted me during this seminar - personally advised the artist and taught her how to use the punched cards of historical looms to weave the Jacquard. These “Jacquard looms” (of which the Academy has a good quantity and in decent conditions) are mechanical and automatic invented by the French weaver Joseph Marie Jacquard in 1801. The instrument uses punched cards to knit patterns into the fabric. If we think of Jacquard’s punched cards as the most important antecedent to the generation of “databases” with binary language and one of computing’s earliest examples, the possibility of interpolating theoretical and visual contemporary concepts from this mechanical process proves itself to be a challenge.

As a result of these encounters, Ponturo creates embossed and thermal-transfer graphic prints with the punched cards using the Tyvek ® as its medium. While performing this work with the help of an experimental technique - which requires high temperatures to pierce the material and carxe the card that originally formed part of a manufacturing process obsolete today and, consequently, in danger of disappearance - the artist encounters in it a testimonial surface for the temporary inscription of meanings and possible translations where the past inhabits the present, although its reconstruction is rendered inaccurate. In Bilbao, the cube operates as a truss of several series of monocopies on Tyvek ® that are woven in rows, papering the walls of the cube and constructing a sort of pergolated roof through which the light of the glazed wall of the Euskalduna Palace is filtered, a detail which was also taken into account for this proposal. The intervention is completed with two audio devices: a microphone (recorder) and a headset (player). The first, so that the audience attending the fair would leave a voice recording with a teaching, a piece of knowledge or a recipe; the second, to recite a constant reading of formulas or instructions for the completion of diverse manual tasks, collected throughout a congregation. Finally, she uses the cards-matrices as cartography of a past (which still remains present within the architecture of the city of Lodz), proposes experiences which allow other ways of seeing and gives voice to the various micro-stories that have been passed on from generation to generation, collecting the new ones that appeared in the context of FIG Bilbao 2019.

Ian Ballantyne Polo Vista general Jurado escuchando la presentacion de Juan Reos Ian Ballantyne Polo

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voz a los numerosos micro-relatos que han sido transmitidos de generación en generación, coleccionando los nuevos que aparecieron en el contexto de FIG Bilbao 2019.

IAN BALLANTYNE (EEUU, 1991) realiza grabados y animaciones digitales, estas últimas situadas en un punto intermedio entre el dibujo animado y el stop-motion1. Conocí a Ian en la Academia de Artes de Hangzhou en China dónde él estaba cursando su Maestría en Artes con foco en Grabado...en chino, lo que habla de su poder de concentración y voluntad para abordar tareas complejas. En su obra artística se concentra en la repetición y el ensamblaje, encontrando en el proceso del hacer (al que dedica muchísimo tiempo) así como en la interpretación del mismo la fuerza generadora de sus grabados y animaciones.

Ambos, los grabados analógicos y las animaciones digitales, se inspiran en situaciones diarias, recopilando historias de las personas y los entornos que le rodean. Ballantyne dibuja e investiga esos momentos mediante pruebas exhaustivas de sus matrices. La prueba de artista como pieza documental le permite a Ian establecer la transformación y la abstracción del tema que está tratando mediante el uso de “.gif”, y le da al espectador la oportunidad de explorar este proceso por sí mismo, o de meditar sobre un momento específico en la historia de la imagen. Esta oportunidad de ver la impresión como una suma de su proceso es uno de los fundamentos de la animación: la necesidad de que las imágenes trabajen juntas y creen algo coherente desde sus partes separadas. Es esta exploración entre la animación y el grabado la que le permite cuestionar al mismo tiempo tanto al grabado tradicional como a los medios visuales basadas en el tiempo. Finalmente, POLO, la instalación presentada en FIG Bilbao, envuelve el cubo con 200 pequeñas impresiones de monotipos. Toda la obra fue realizada durante su residencia en Proyecto´ace en noviembre-diciembre de 2018. Los monotipos fueron luego la base de una animación stop-motion que el público puede ver en una tableta colocada en un pedestal en el medio del cubo. La obra muestra un sujeto montando una silla de oficina.

Un cepillo de barrer hace las veces del taco del juego de Polo, mientras la animación se enfoca en ciertos momentos repetitivos de su falso galope alrededor de la pantalla. Esta repetición imita

1 Stop Motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una sucesión de imágenes fotografiadas. El movimiento del objeto estático se construye, fotograma a fotograma, manipulando el objeto entre tomas. En este caso Ian utiliza imágenes impresas, precisamente las pruebas que va realizando de la misma placa o directamente utilizando monotipos.

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IAN BALLANTYNE (USA, 1991) makes engravings and digital animations, the latter located at an intermediate point between the cartoon and the stop-motion1. I met Ian at the Academy of Arts in Hangzhou, China, where he was pursuing his Arts Master, focused on engraving... in Chinese, which speaks of his power of concentration and will to deal with complex tasks.

In his art piece he focuses on repetition and assembly, finding in the process ‘of doing’ (which he devotes a lot of time to) and its interpretation, the generative force of his etchings and animations. Both the analog etchings and digital animations are inspired by everyday situations, assembling stories of the surrounding people and environment. Ballantyne draws and investigates these moments through extensive testing of their matrices. The artist’s trial as a documentary piece allows Ian to establish the transformation and abstraction of the subject he is dealing with by employing the “.gif “, and offers the viewer the opportunity to explore this process for himself, or to meditate upon a specific moment in the history of the image.

This opportunity to see the print as a sum of its process is one of the foundations of animation: a series of images inevitably working together to create something coherent from a sum of separate parts. It is this exploration between animation and printmaking which allowed the simultaneous questioning of both the traditional printmaking and the visual mediums based on time. Finally, POLO, the installation presented in FIG Bilbao, envelops the cube with 200 small prints of monotypes. The entire piece was rendered during his residence in Proyecto’ace in November-December of 2018. The monotypes were later employed as the basis of an stop-motion animation that the public could observe on a tablet placed on a pedestal in the middle of the cube. The work shows a subject riding an office chair. A broom acts as the cue of the Polo game, while the animation focuses on certain repetitive moments of the former’s false gallop around the screen. This repetition mimics the action of the printing process and the matrix responsible for making the images, which the viewer sights throughout the animation. The images, along with the sound of the gallop and the chirping of a cricket, attempt to add comedy to an otherwise mundane and tragic action: a bored office worker who plays

1 Stop Motion is an animation technique that consists of showing the movement of static objects by means of a succession of photographed images. The motion of the static object is constructed, frame by frame, manipulating the object between shots. In this case Ian uses printed images, precisely the tests he is doing of the same plate or directly using monotypes.

Juan Reos Declaración de apariencia-retrato 4 Juan Reos Declaración de apariencia-retrato 18 Juan Reos Instalación declaración de apariencia vista general

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la acción del proceso de impresión y la matriz responsable de realizar las imágenes, que el espectador vislumbra a lo largo de la animación. Las imágenes, junto con el sonido del galope y el chirrío de un grillo, intentan agregar comicidad a una acción por lo demás mundana y a la vez trágica: un oficinista aburrido que juega con la silla de su escritorio y se cree libre galopando un caballo. Mientras hace una alusión al juego de Polo (al que descubre durante su residencia en Argentina) también habla de la vida monótona y sin perspectiva del oficinista, regresando nuevamente al análisis de la vida doméstica en situaciones asfixiantes.

JUAN REOS (Argentina, 1983) presentó “Declaración de Apariencia”, un proyecto instalativo que agrupa una serie de retratos realizados a partir de respuestas anónimas a un cuestionario2 on line sobre características fisonómicas del rostro que está online en Google Forms. Las respuestas en los formularios son anónimas, con el objetivo de no condicionar al artista a la hora de realizar los retratos. A partir de las características declaradas por cada persona el artista creó una galería de retratos sin nunca ver (ni saber) quienes eran los retratados. Los dibujos resultantes se imprimieron en serigrafía, sobre papeles de 40cm x 30cm cada, uno constituyendo estos los módulos de la instalación. El cuestionario está también presente impreso en un cuadernillo que puede ser consultado por el público. El retrato final, una vez dibujado e impreso, se asemeja a los resultados de los identikits policiales, esos retratos armados a partir del recuerdo de testigos que son una herramienta clave en las investigaciones policiales. En este contexto conceptual el artista se pregunta: ¿Qué nos contará nuestro propio rostro armado a partir de las elecciones de lo que nosotros creemos que somos? ¿Hasta qué punto nuestra singularidad está en el rostro?, ¿Podemos dar cuenta de una persona desde su descripción visual?, ¿No hay muchísimos individuos semejantes que podrían tener la misma descripción genérica?, ¿Cuál será el resultado de confrontar la representación del rostro con el rostro representado? En un marco más amplio, este es un interesantísimo proyecto que explora sobre las relaciones entre realidad y representación, percepción y descripción, descripción e interpretación. El mismo se ha presentado en diversas formas instalativas en diferentes

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with his desk chair and believes himself free by galloping as a horse. While alluding to the game of Polo (which he discovers during his residency in Argentina), the artist also speaks of the monotonous life and lack of perspective perspective of the office worker, returning to the analysis of domestic life in suffocating situations.

JUAN REOS (Argentina, 1983) presented “Declaración de Apariencia”, an installative project that brings together a series of portraits made from anonymous responses to an online questionnaire2 about the fisionomical characteristics of the face, which is available online in Google Forms. The answers in the forms are anonymous, so as to not condition the artist when creating the portraits. Based on the characteristics declared by each person, the artist created a portrait gallery without ever seeing (or knowing) who were being portrayed. The completed drawings were printed on silkscreen, on 40cm x 30cm papers each, constituting the installation modules. The questionnaire is also available, printed into a booklet that can be consulted by the public. The final portrait, once drawn and printed, resembles the results of a police Identikit, those portraits constructed from witnesses’ memories which are a key tool in police investigations. In this conceptual context the artist asks: What will our faces reveal, as composed of choices of who we believe we are? To what extent is our uniqueness found in the face? Can we give an account of a person parting from his visual description? Are there not many similar individuals that could have the same generic description? What will be the result of confronting the representation of the face with the face represented? In a broader framework, this is an interesting project that explores the relationships between reality and representation, perception and description, description and interpretation. It has been presented in various installative forms in different rooms3, in different countries where it has been collecting new personal “identikit” throughout its trajectory.

The last artist of the group is MICAELA MUZI (Argentina, 1994). Her proposal “Controversia límite/desborde” is an

2 Link to the online questionnaire: https://forms.gle/y2WNHE41yys9EG3A6

Micaela Muzi Cubo Controversia límite desborde-detalle

2 Link al cuestionario online: https://forms.gle/ y2WNHE41yys9EG3A6

3 In the case of FIG Bilbao, there were 30 portraits in screenprints on 270g Koehler Creative Board paper, 30cm x 40cm each, stamped by Diego Bugallo (Workshop La Panaderia) and edited

by Atocha Gallery, in Buenos Aires, 2019.

Mi mano derecha Díptico, 190 x 180 cm.

Tinta y bordado

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salas3, en distintos países en los que ha ido recolectando nuevos “identikits” personales en su recorrido.

La última artista del grupo es MICAELA MUZI (Argentina, 1994).

Su propuesta “Controversia límite/desborde” es una instalación4 compuesta por 48 grabados impresos con varias capas de fotolitografía sobre papel con el agregado de líneas que remiten a circuitos electrónicos en vinilo de corte láser. La medida de cada composición es de 29 x 29cm. Con estos elementos abraza el cubo presentando una metáfora del régimen social a través de la geometría, buscando indagar en las transversalidades biológicas, tecnológicas y sociales que intervienen en la construcción de la subjetividad de los individuos. Los grabados fueron hechos durante su residencia en Proyecto´ace en enero-febrero de 2019. La artista tenía a su arribo un planteo teórico acerca de la contemporaneidad y el deseo de indagar cómo la tecnología y la creciente proliferación de imágenes se transforman en un factor elemental de la formación sociocultural de los individuos. Ante este interrogante le propusimos que realizara una perífrasis visual en la cual el concepto o cosa seria aludido mediante una matriz perifrástica. Su impresión bordearía indirectamente el concepto o cosa, pero lo nombraría de forma unívoca al ser reconocido como tal. De tal manera se buscaron ordenadores y se diseccionaron utilizando sus diferentes piezas tanto para hacerles un scann que formaría parte de las imágenes para las fotolitografías o para exhibirlos pintados en dorado como piezas preciadas o testimonios de una cultura desaparecida. Es aquí cuando la artista empieza a jugar con los “límites y desbordes” planteando interesantes preguntas tales como ¿Hay posibilidad de subjetividad en las esferas de lo tecnológico? ¿Pueden generarse grietas que devengan en territorio fértil en el terreno de la uniformización mass-mediática que esparcen las pantallas? ¿Qué posibilidad hay de desarrollo de subjetividades en los parámetros actuales del régimen social? apelando así a una de la posibilidades más movilizadoras del arte que es la de despertar interrogantes más que la de proporcionar respuestas.

3 En el caso de FIG Bilbao se trató de 30 retratos en serigrafías sobre papel Creative Board de Koehler de 270g, de 30cm x 40cm c/u, estampadas por Diego Bugallo (Taller La Panaderia) y editadas por Atocha Galería, Buenos Aires 2019.

4 compuesta por 43 composiciones creadas con la técnica de fotolitografía sobre papel Arches Hot Pressed 300g, vinilo de corte láser y dos placas de circuito. La medida de cada composición es de 29 x 29cm.

installation4 comprised of 48 etchings printed with several layers of photolithography on paper with the addition of lines which make reference to electronic circuits on laser cut vinyl.

The measure of each composition is 29 x 29cm. With these elements, the cube is embraced, presenting a metaphor of the social system through geometry, aiming at an investigation of the biological, technological and social transversalities involved in the construction of an individuals’ subjectivity. The prints were made during her residency at Proyecto’ace in JanuaryFebruary of 2019. The artist had prepared, upon her arrival, a theoretical proposition regarding contemporaneity and the desire to investigate how technology and the increasing proliferation of images are transformed into an elemental factor in the socio-cultural formation of individuals. Faced with this question, we proposed the realization of a visual periphrasis in which the concept or thing would be alluded to, with the use of a periphrastic matrix. Her impression would indirectly border the concept or thing, but would note it in an unequivocal manner in order to be recognized as such. Consequently, computers were searched and dissected, using their different pieces both to make a scan that would be included as part of the images for the photolithography or to display them painted in gold as precious pieces or testimonies of a perished culture. It is here where the artist starts toying with the “limits and overflows”, posing interesting questions such as “Is there any possibility of subjectivity within the spheres of technology? Can cracks be generated that converge in fertile territory within the field of mass-media uniformity which is disseminated by screens?

What is the possibility of developing subjectivities considering the current parameters of the social regime?” appealing in this way to one of the most mobilizing possibilities of art, which is to raise questions rather than to provide answers.

Finally, a jury composed of Marta Raczek of the International Print Triennial Society of Cracovia, Margarit Lehmann of Edition Basel, Switzerland, Pedro Galilea of the CIEC Foundation in Betanzos and David Artegoitia, director of the Open Portfolio in Bilbao, selected Micaela Muzi’s installation as the winner of the “Cubos de las Tentaciones” Program, with a residency scholarship at the CIEC Foundation (Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos) in A Coruña, Spain. The representation of Proyecto´ace was completed with Stand 45 of the fair in which “ Ensayos para la formulación de utopía “,

4 composed of 43 compositions created with the Arches Hot Pressed 300g paper photolithography technique, laser cut vinyl and two circuit boards. The measure of each composition is 29 x 29cm.

Laurel ponturo Instalación Ensayo Interludio. Detalle Instalación Ensayo Interludio. Vista general Instalación Ensayo Interludio Instalación Ensayo Interludio. Detalle 2

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Los artistas de Proyecto’ace de los Cubos

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Para terminar, un jurado compuesto por Marta Raczek de la International Print Triennial Society de Cracovia, Margarit Lehmann de Edition Basel, Suiza, Pedro Galilea de Fundación CIEC en Betanzos y David Artegoitia, director del Open Portfolio en Bilbao seleccionó la instalación de Micaela Muzi como ganadora del Programa Cubos de las Tentaciones, con una beca de residencia en la Fundación CIEC (Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos) en A Coruña, España. La representación de Proyecto´ace se completó con el Stand 45 de la feria en la que se presentaron “Ensayos para la formulación de utopía”, una serie de dibujos de Roma Blanco (Argentina) , “Oscillation” de Silvi Glattauer (Australiana de origen Argentino) con una serie de fotolitografías sobre ecoprints que realizó durante su residencia en Proyecto´ace en Octubre de 2019 y “Oriente en mi Occidente” parte de una serie de impresiones de gran formato que realicé durante mi residencia en la División de Expanded Media de Alfred University en New York, EEUU en 2018.

a series of drawings by Roma Blanco (Argentina), “Oscillation”

by Silvi Glattauer (Australian of Argentine origin) with a series of photolithography on ecoprints that she made during her residency at Proyecto´ace in October of 2019 and “Oriente en mi Occidente”, part of a series of large format prints that I made during my residency in the Division of Expanded Media of Alfred University in New York, USA in 2018.

* Alicia Candiani es artista visual y curadora con interés en la practicas gráficas de campo expandido y los medios digitales. Es la presidenta de la Fundacion Ace para el Arte Contemporáneo y la fundadora y actual directora del Proyecto´acePIRAR/Programa Internacional de Residencias Artísticas en Buenos Aires, Argentina.

* Alicia Candiani is a visual artist and curator with an interest in expanded field graphic practices and digital media. She is the president of the Ace Foundation for Contemporary Art and the founder and current director of the Proyecto’acePIRAR / International Program of Artistic Residences in Buenos Aires, Argentina.

PROYECTO´ACE es un centro independiente de residencias artísticas en artes visuales localizado en la ciudad de Buenos Aires, capital de la República Argentina.

PROYECTO´ACE is an independent center of artistic residences in visual arts located in the city of Buenos Aires, capital of the Republic of Argentina.

Sus PROGRAMAS de residencias, proyectos internacionales, exposiciones, clínicas de obra y talleres actúan como puentes que relacionan a los artistas extranjeros con los artistas de las provincias argentinas y a todos ellos con el entorno urbano y social de la ciudad, una de los centros culturales de América Latina.

Its PROGRAMS of residences, international projects, exhibitions , clinics work and workshops act as bridges, linking foreign artists with artists from Argentine provinces and these with the urban and social environment of the city, one of the cultural centers of Latin America.

Su MISION es promover las prácticas artísticas contemporáneas que utilicen la gráfica, la fotografía, el diseño y los nuevos medios explorando sus mutuas hibridaciones y su capacidad de múltiple, a través de residencias de investigación y producción, promoviendo el intercambio, la discusión, la experimentación y el trabajo en colaboración.

Its MISSION is to promote contemporary artistic practices that use graphics, photography, design and new media, exploring their mutual hybridizations and their multiple ability, through research and production residences, promoting exchange, discussion, experimentation. and work in collaboration.

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