Conciertos Didácticos de Música Moderna “Los instrumentos de la música moderna” Escuela Municipal de Música y Danza Departamento de Música Moderna Centro Cívico Universidad del 21 al 24 de Enero de 2014
Escuela Municipal de Música y Danza Servicio de Educación Ayuntamiento de Zaragoza Textos: Dpto. Música Moderna Diseño: @mabarcos_ Zaragoza, noviembre 2013
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LOS INSTRUMENTOS BÁSICOS EN LA MÚSICA MODERNA Aunque en la actualidad una agrupación de Música Moderna admite las más variadas composiciones instrumentales, en la base de cualquier grupo de Rock, Pop, Blues y otros estilos musicales relacionados con la música moderna siempre aparecen instrumentos básicos como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, la batería y el piano o los teclados.
Índice
1.2.3.4.5.6.-
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La guitarra eléctrica ............................................................................................................... 3 Los teclados ….....…............................................................................................................. 5 El bajo eléctrico ….......................................….….................................................................. 8 La batería ….......….............................................................................................................. 11 Estilos de música moderna …................................................................................................. 15 Glosario de términos utilizados en música moderna …............................................................ 17
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CTRgKdpyWH LA GUITARRA ELÉCTRICA La guitarra pertenece a la familia de los cordófonos (instrumentos cuyo sonido se produce por la vibración de cuerdas tensadas entre dos puntos fijos y tocados con los dedos, púa, arco, etc.) Es uno de los instrumentos más completos dentro de un grupo de música moderna, pues es factible de ser utilizada en función de los tres elementos esenciales de la música: el ritmo, la melodía y la armonía. Con ella podemos tocar acordes (armonía), hacer melodías escritas o improvisadas, desempeñar funciones de tipo rítmico o combinar las tres cosas a la vez. La primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido reconocida data de los años 30, y se debe a Adolph Rickenbacker. Existen distintos modelos de guitarra eléctrica, según el tamaño de su caja de resonancia y el tipo y número de pastillas que incorporan
Eléctrica de caja hueca (Hollow Body) Aparece alrededor de 1936, como una guitarra acústica provista de micrófonos y éstos junto con sus controles se instalan sobre la tapa. Es un instrumento más sólido y con menos propiedades resonantes que una acústica, sin embargo su respuesta convierte a esta guitarra en un instrumento de timbre sumamente cálido y apropiado para estilos como el jazz
Eléctrica semisólida (Semi - Hollow) La guitarra semisólida o semiacústica tenía en sus inicios características similares a las guitarras de caja hueca. Sin embargo a partir del año 1958 une al anterior concepto algunas de las ventajas de las guitarras de cuerpo sólido. Su aparición en 1955 se debió, entre otras razones, a que el sonido generado por los micrófonos (pastillas) al ser amplificado, regresa al instrumento haciendo vibrar la tapa y provocando acoples. Para evitarlo se redujo la anchura del instrumento. Este sacrificio de las propiedades acústicas del instrumento se hizo a favor de evitar acoples, menor peso y mayor solidez. Departamento
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CTRgKdpyWH Eléctrica de cuerpo sólido (Solid Body) A finales de los años 30, Leo Fender abrió en Fullerton (USA) la Fender Radio Service, una tienda de venta de equipos electrónicos, partituras e instrumentos musicales ofreciendo también servicio de reparación. Allí se relacionó con músicos de la zona como el guitarrista “Doc” Kauffman, con el que posteriormente se asoció para crear la empresa de construcción de guitarras “K&F”. En 1945 construyeron la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido a la que llamaron Fender Broadcaster Su respuesta está basada casi totalmente en la calidad de sus micrófonos (pastillas) y en el diseño del circuito electrónico. A lo largo de la historia del instrumento ( menos de un siglo) han sido muchos los músicos que han contribuido a ampliar su lenguaje hasta convertirla en uno de los instrumentos fundamentales de la Música Moderna. Algunos de ellos son: Charlie Christian, Django Reindhart, Joe Pass, John Scofield o Pat Metheny en el Jazz. B.B. King, Freddie King y John Lee Hooker en Blues. Chuck Berry pionero del R&R. Jimi Hendrix, Frank Zappa, Eric Clapton, Jeff Beck, Robert Fripp, Andy Summers, Eddie Van Halen o Steve Vai.
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CTRgKdpyWH LOS TECLADOS El piano y los teclados En este apartado en el que se encuadra a todo tipo de instrumentos de teclado podemos distinguir dos grupos claramente diferenciados: por un lado el piano acústico y por otro todos los teclados cuyos diferentes sonidos son generados por sistemas mecánicos amplificados eléctricamente, mediante síntesis de sonido (sintetizadores) o mediante muestras (samples). Esta distinción entre piano y teclados también es utilizada en una banda de música moderna pues puede haber un músico que toque el piano (acústico o eléctrico) con su función musical y timbre claramente diferenciados y otro que toque los teclados con multitud de sonidos que pueden cumplir diferentes funciones: fondos, efectos, sección de cuerdas, sección de metales, etc.
El piano El piano es un instrumento de cuerda percutida por martillos que son accionados mediante teclas. En la historia de la música el piano aparece en la corte de los Médici hacia 1698. Bartolomeo Cristofori, conservador de instrumentos, basándose en instrumentos como el clavicordio y el clavicémbalo, diseñó un mecanismo en el que un martillo cubierto de cuero percutía las cuerdas al ser accionado por las teclas. Fue bautizado como piano-forte, haciendo referencia a la posibilidad de producir sonidos fuertes (forte) y suaves (piano). En la historia de la Música Moderna, desde la época del Ragtime el piano ha sido un instrumento fundamental en estilos tan diversos como el jazz, el boogie-woggie, piano blues y en el pop. Algunos pianistas célebres en la música moderna son: Scott Joplin, Art Tatum, Duke Ellington, Thelonius Monk, Ray Charles, Keith Jarret, Elthon John, Chick Corea, Tete Montolíu.
Teclados Bajo el nombre de teclados encontramos distintos tipos de instrumentos que mediante teclas accionan dispositivos electrónicos o mecánicos que pueden producir distintos sonidos (sintetizadores) o reproducir cualquier otro instrumento. Hasta llegar a la actualidad donde los teclados de última generación son sofisticados ordenadores capaces de copiar, reproducir, generar, grabar, guardar y tocar cualquier sonido, han existido algunos instrumentos que aún hoy en día conservan su propia personalidad: El órgano electrónico, el piano eléctrico y el sintetizador.
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CTRgKdpyWH El órgano Hammond. En 1935 los ingenieros Laurens Hammond y John Hanert presentaron el primer órgano electrónico (el modelo A) que permite combinar el sonido del tradicional órgano de tubos con otros “ nunca oídos antes en ningún instrumento musical” (según rezaba la publicidad del momento) mediante un generador de tonos que constituye la fuente de todos los sonidos del órgano Hammond. Sin duda el modelo B-3 fue la culminación de la gama Hammond. Presentado en 1955, dejó de fabricarse 20 años después, aunque en la actualidad su sonido está presente en cualquier biblioteca de sonidos digitales.
Componente fundamental del sonido Hammond y responsable de buena parte de su belleza tonal es el altavoz rotatorio diseñado por el ingeniero Don Leslie en 1937 y comercializado con su nombre (Leslie) haciendo del tandem Hammond-Leslie responsable de gran parte de la música de los años 70, especialmente soul y gospel. Algunos de los organistas más conocidos son Jimmy Smith, Billy Preston y Al Kooper.
El piano eléctrico Como otros de los instrumentos acústicos que empezaron siendo utilizados por los músicos afroamericanos en los orígenes del Jazz, pronto algunos de ellos (guitarra, contrabajo) debieron ser amplificados para poder así permanecer a la altura del resto de la orquesta. Los avances tecnológicos, con el tiempo, hicieron que el instrumento original amplificado derivase en otro nuevo instrumento que debía su sonido casi exclusivamente a los componentes electrónicos. El caso del piano no fue diferente al de la guitarra o el contrabajo, en los que al instrumento acústico original se le añadieron fonocaptores magnéticos (pastillas y micrófonos) que amplificaban su sonido original. Este es el origen de uno de los instrumentos que marcarán el sonido de gran parte del Jazz de los 70–80 (Joe Zawinul, Chick Corea, H. Hancock), Soul, Funk, etc. 6
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CTRgKdpyWH El piano eléctrico Fender Rhodes El piano Rhodes fue invención de Harold Rhodes que diseñó el primer piano portátil para las fuerzas aéreas americanas en 1942. El modelo Mark I, fabricado en 1970 en 2 versiones (73 y 88 teclas) ha sido el piano eléctrico más usado e imitado en la historia de la música moderna desde entonces hasta la actualidad. Su característico sonido tiene una mezcla de campanas, xilófono y piano.
El sintetizador Es un instrumento electrónico capaz de generar sonidos modulando las ondas sonoras mediante un oscilador controlado por voltaje (VCO) (sintetizador analógico). Los precursores del sintetizador fueron máquinas de composición programables, como el Mark II, aparecido en 1958. A medida que progresa la tecnología electrónica, concretamente el transistor, se hace posible la construcción de generadores de sonido más perfeccionados. El primer sintetizador analógico, considerado como tal, aparece en 1964, diseñado por el ingeniero Robert Moog, y permitió la creación de sonidos cuyas propiedades (frecuencia, amplitud, timbre, etc.) podían ser modificados mediante voltaje. Los primeros sintetizadores fueron monofónicos . Los sintetizadores polifónicos aparecieron en 1975. El primero en fabricarse comercialmente fue el Synclavier (1976). Desde entonces y coincidiendo con el auge del Rock Sinfónico en Europa (King Crimson, Yes, Génesis, Pink Floyd, Emerson, Lake & Palmer) es un instrumento fundamental en la música moderna desde el Jazz (Weather Report, Chick Corea) hasta el Rock o el Pop (Keith Emerson, Rick Wakeman), Techno, Acid etc.
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CTRgKdpyWH EL BAJO ELÉCTRICO Origen El contrabajo fue durante siglos el instrumento más grave dentro de la familia de las cuerdas, junto a la tuba en la familia de los viento metal. Con la llegada de las big bands de los años 30, la utilización de baterías cada vez más completas y secciones de metales junto a un solo contrabajo hizo que este fuera prácticamente inaudible para el público. Los intentos de amplificación resultaron un fracaso debido a la gran caja de resonancia del instrumento, y los consiguientes problemas de realimentación (“acoples”). Ya en los años 20 el ingeniero de la casa Gibson, Lloyd Loar inventó el primer contrabajo eléctrico. Aunque se atribuye a Leo Fender la fabricación del primer bajo eléctrico en 1951, el Fender Precission, ya en el 1937 Paul Tutmarc fabricó el primer bajo eléctrico y con trastes de la historia, algo que no tuvo gran repercusión en el momento En 1951, inspirada en la guitarra Fender Telecaster, Leo Fender diseña la primera guitarra bajo comercialmente viable, el Fender Precision . Sus características eran idénticas a las de la guitarra eléctrica: -Cuerpo sólido (sin caja de resonancia) evitando así los problemas de ampliación del contrabajo. -Mástil con trastes para una afinación más precisa (de ahí el nombre). -Pastilla electromagnética de cuatro polos de bobinado simple (singlecoil). -Un control de volumen y otro de tono. -Puente metálico con fijación de cuerdas a través del cuerpo. El bajo Fender Jazz Bass fue construido en 1960. A diferencia del Fender Precision, este Jazz Bass, venía con dos pastillas “single-coil” y un mástil más estrecho. Probablemente el bajo eléctrico más utilizado en la historia. Jaco Pastorius utilizó este modelo en su versión “fretless” (sin trastes) En 1960 Fender ofrecía tres modelos de guitarra, Jazz Master, Telecaster y Stratocaster, junto a dos modelos de bajo eléctrico, el Precision y Jazz Bass, todos, excepto la Jazz Master, se siguen fabricando hoy en día.
Afinación, función y técnica La notación musical del bajo, como la del contrabajo, se encuentra escrita una octava más alta de lo que realmente escuchamos, aunque no requiera ser “transportado”, como ocurre con otros instrumentos. La clave utilizada es la de “fa” en cuarta línea, pudiendo utilizar en ocasiones la clave de “sol” en segunda línea. El bajo se afina por cuartas ascendentes comenzando por la cuerda más grave con la nota “mi” en los bajos de cuatro cuerdas. Queda afinado por tanto: MI, LA, RE, SOL. 8
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CTRgKdpyWH La función del instrumento en un grupo de música moderna dependerá principalmente del estilo a interpretar, aunque básicamente sus funciones son las que definen la música, ritmo, melodía y armonía. Junto a la batería da el soporte rítmico preciso para hacer más comprensible la periodicidad rítmica que requiera el tema. Dependiendo de las figuras rítmicas que se utilicen podremos ubicar el tema en un estilo o época determinada. En su función armónica, el bajo deberá hacer más perceptible para el oyente la progresión armónica, construyendo una línea de bajo, que por las características del instrumento se hará de forma horizontal arpegiando los acordes o escalas, realizando una melodía sobre dicha progresión. La función melódica es menos frecuente y ha quedado reducida a unos pocos estilos musicales, relacionados más o menos directamente con el jazz, donde podemos encontrar a algunos de los mejores intérpretes de este instrumento, Jaco Pastorius, Stanley Clarke, Marcus Miller, Richard Bona…
Técnica mano izquierda y mano derecha Que los únicos puntos de contacto de la mano con el instrumento sean el dedo pulgar, que se apoya detrás del mástil, y las yemas de los dedos que tocan . Intentar que el dedo índice quede perpendicular a las cuerdas. Esta posición, tal como aparece aquí, puede ser un poco difícil de conseguir al principio; pero en el futuro la necesitaremos para pasajes complejos por digitación o velocidad.
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CTRgKdpyWH Bajistas reconocidos A diferencia de los mencionados instrumentistas y su función solista, el trabajo de los bajistas en los primeros grupos de finales de los 50 y principios de los 60 se reducía a apoyar rítmicamente el trabajo de la batería intentando formar una línea de bajo coincidente con la rítmica del bombo y una aportación armónica muy básica al conjunto. Algunos de los bajistas más influyentes desde la década de los 60: - John Entwistle de The Who, - Paul McCartney The Beatles, - James Jameson, Tomy Cogbill y Chuck Rainey de la compañía Stax-Atlantic Records, - Jac Bruce de Cream, - Larry Graham de Sly & the Family Stone, - Tommy Shanon de Johnny Winter, - J. Page de Led Zeppelin, - Ashton Barret bajista reggae, - Mark Bedford de Madness, - Verdine White de Earth, Wind & Fire, - Tony Levin con Peter Gabriel, - Paul Simonon de Clash, - Tina Waymouth de Talking Heads, - Sting de Police, Mark King de Level 42, - Chris Squire de Yes, - Jason Newsted de Metallica, - Flea de los Red Hot Chilly Peppers. Actualmente la proliferación de constructores (luthiers) de bajos, permiten infinidad de diseños. En la foto se observa un bajo de cinco cuerdas.
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CTRgKdpyWH LA BATERÍA Origen La Batería nace a finales del S.XIX en los Estados Unidos. Sus primeras apariciones datan de 1890 en bares y teatros. Los principales elementos que la componen, como el bombo, la caja o los platos, ya existían en las fanfarrias y bandas militares tocados por diferentes músicos, hasta que en un momento dado se ensamblan en un solo instrumento. El origen de los diferentes elementos es muy variado y ajeno al país donde nace, procediendo de países europeos, africanos o asiáticos como China. Las primeras baterías estaban formadas por los elementos más básicos: caja, bombo, charles, algún tom y algún plato. Con el tiempo el “set” ha ido evolucionando, en su configuración y construcción. Hoy en día la batería se ha convertido en un instrumento muy versátil con una gran gama de elementos y timbres, además de un amplio surtido de modelos y marcas.
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CTRgKdpyWH El set estándar Una batería estándar está compuesta por los siguientes elementos: CAJA: Es el tambor colocado sobre un soporte delante del batería, cuyo parche inferior está recorrido por un juego de alambres denominado bordón. BOMBO: Es el elemento más grande de la batería por lo que genera el sonido más grave de todos. Va tumbado sobre el suelo y se toca con un pedal. TOMS: Son los diversos tambores que completan el set de batería. Los dos más pequeños se colocan con un soporte sobre el bombo, y el grande (timbala) se coloca sobre el suelo mediante tres patas. CHARLES: Es el juego de platos con su soporte que se toca con el pie mediante un pedal. PLATOS: Son los elementos metálicos de forma circular que van colocados sobre soportes. Lo habitual es tener uno de ritmo y otro de corte. SOPORTES: Son las piezas que sujetan los diversos elementos, como los soportes de platos, el de toms, el de caja y el de charles. La batería normalmente se toca mediante: Baquetas: También llamados Palillos son los que producen el sonido más contundente y definido, pero dentro de éstas existe una gran variedad de tipos, grosores y materiales que modifican el sonido. Escobillas: Formadas por un cuerpo del que salen telescópicamente unos hilos, normalmente de metal, que nos permiten no sólo golpear sacando un sonido más suave, sino también arrastrar por el parche (barrido). Flares / Wips / Hot Rod / Rute: Son un intermedio entre escobilla y baqueta, formados por una serie de varillas de madera o fibra, que producen un sonido más suave y menos definido que la baqueta. Mazas: Son como una baqueta, pero con una bola de fieltro/goma en el extremo que golpea, el sonido es más grave y redondo consiguiendo un efecto muy particular en los platos.
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CTRgKdpyWH Platos Es uno de los elementos básicos de la batería, pero hoy en día existe una enorme variedad de tipos, medidas, marcas y sonidos. Los principales tipos son: Ride: Plato de ritmo, suele ser el de mayor tamaño, y su función principal es la de mantener el ritmo. Crash: Plato de corte, normalmente se utiliza para apoyar acentos y marcas. Charles: Juego de dos platos colocados en un soporte, que pueden ser tocados mediante baqueta o pisando el pedal del soporte, su función es variada, pero principalmente se utiliza para mantener el ritmo en sustitución del Ride o para marcar el pulso en determinadas ocasiones. Splash: Plato de corte pequeño y fino de respuesta más rápida y sonido agudo. China: Plato de corte con un sonido entre un Crash y un Gong. La escritura para la batería se escribe mediante la clave de percusión , que es el rectángulo que aparece al comienzo de cada pentagrama. Este rectángulo indica que los símbolos y figuras escritas en las diferentes alturas del pentagrama no corresponden a notas sino a los diversos elementos de la batería. La llave de esta página está diseñada para un set básico. Las palabras fill o break se traducen como una ruptura en la continuidad producida por varios compases de ritmo iguales. Algunos ritmos o patrones básicos para batería son: Pop / Rock: Ritmos normalmente escritos en compases binarios 2/4 o 4/4. Suelen estar construidos con mano derecha en figuraciones de corcheas o semicorcheas, con bombo en tiempos 1-3 y cajas en tiempos 2-4. Blues / Shuffle: Ritmos normalmente escritos en compases binarios de 4/4. Construidos con figuración rítmica de tresillo, bombo en tiempos 1-3 y caja en tiempos 2-4. El Swing es el ritmo utilizado habitualmente en el Jazz. Existen múltiples variaciones del mismo con las siguientes peculiaridades: - El pulso se lleva a blancas en tiempos 2 y 4 en el charles con el pie. - La caja y el bombo no van fijos en ningún tiempo concreto sino que van jugando o apoyando las diferentes variaciones rítmicas de las melodías e improvisaciones. - La mano derecha puede ir con la figuración rítmica estándar de negra y 2 corcheas o mantener el pulso a negras. Bossa: Ritmo originario de Brasil. Se escribe en 2 compases (a mitad) como la mayoría de la rítmica Latina. Sus características principales son la figuración rítmica del bombo habitualmente en negra y 2ª corchea y la caja tocada en el aro emulando el sonido de las claves.
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CTRgKdpyWH Samba: Ritmo originario de Brasil. Este patrón es para batería, siendo diferente de la rítmica de las “ Escolas de percusión ” del carnaval. Se escribe normalmente a doble (1 compás) y su característica más significativa reside en la figuración rítmica del bombo en 1ª y 4ª semicorchea con el charles en 2ª corchea mientras que la caja puede ir jugando con figuraciones rítmicas diferentes. Funk: Ritmo de origen Afroamericano que quiere decir “ divertido”. Se caracteriza sobre todo por figuraciones rítmicas con mucho contratiempo en todos sus elementos, a pesar de estar basado normalmente en compases de 4/4 con bombo 1-3 y cajas 2-4. En sus inicios la batería comienza a estudiarse mediante “rudimentos” clásicos de tambor, pero la aparición y evolución de los diferentes estilos musicales hará que ésta vaya evolucionando tanto en su función como en sus técnicas de estudio. Hoy en día la batería es un instrumento muy versátil y con una gran variedad de funciones, lo que nos lleva a una gran diversificación de técnicas en el estudio con sus diferentes elementos. Algunos de los baterías más importantes en la historia del instrumento son: - Jazz: Gene Krupa -Kenny Clark - Buddy Rich - Elvyn Jones - Tony Williams - Rock: Keith Moon - John Bonham - Ringo Star - En la actualidad: Vinnie Colaiuta - Dave Weckl - Dennis Chambers
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CTRgKdpyWH ALGUNOS ESTILOS DE MÚSICA MODERNA Bossa Nova Movimiento de música popular brasileña que surge en los años 50. Su estilo característico, evita dar protagonismo a algún elemento musical en concreto. Rítmo, melodía y armonía se integran en él por igual, a diferencia de otras músicas populares brasileñas (samba, batucada), cuyo origen africano da mayor importancia al ritmo. Los cantantes usan un tono limitado de alturas que lo asimilan al lenguaje hablado. Antonio Carlos Jobim es el más famoso compositor de bossa-nova. Temas como Garota de Ipanema, Insensatez o Desafinado, entre otros, son estándares a nivel mundial. Junto a Jobim no podemos olvidar a Vinicius de Moraes, Astrud Gilberto, Joao Gilberto, Ellis Regina, Baden Powell o Toquinho, como representantes de este estilo musical, que entró a formar parte del repertorio de muchos músicos de Jazz, tales como Stan Getz (imprescindible su álbum Starprotrait junto a Gilberto y Jobim), Coleman Hawkins, Ella Fitzgerald o Joe Pass.
Country Bajo el término country podemos definir la música de la américa rural blanca. Durante los S.XVIII y XIX hubo una masiva llegada de inmigrantes europeos que entre otras cosas traían el folklore de sus paise de origen, principalmente Inglaterra e Irlanda. La música country, que engloba difentes estilos (Hillbilly, Western swing , Bluegrass) siempre se ha caracterizado por ser una música acústica, tocada en sus orígenes con gaitas o violines a los que se fueron añadiendo la guitarra, el banjo o el acordeón. A finales del S.XIX tuvo difusión a traves de los bailes en pequeñas poblaciones y albergues mineros y pese a su carácter local se popularizó en los años 20 con la aparición de radio.
Jazz Estilo musical perteneciente a la tradición cultural afro-americana que tomó forma en los albores del siglo XX en los Estados Unidos.Bajo el término jazz se engloban numerosos estilos resultado de la evolución y fusión estilística y cultural: Dixieland, Swing, Be Bop, Cool, etc. Al tener elementos melódicos y armónicos comunes con otros estilos musicales quizás su rasgo característico sea el movimiento rítmico en torno a los tiempos débiles del compás anticipándolos o acentuándolos.
Ragtime Estilo pianístico desarrollado en EE.UU. a finales del siglo XIX y principios del XX, que tuvo una gran difusión a través de la venta de rollos de pianola. Aunque de influencia europea son los músicos negros los autores e intérpretes de este estilo con un característico ritmo sincopado, al que se considera uno de los precursores del Jazz. Uno de sus principales compositores es el pianista Scott Joplin, autor del rag “The Entertainer“, conocido a través de la película “El golpe” de 1973, Óscar a la Mejor Adapatación Musical.
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CTRgKdpyWH Reggae Música y tipo de baile urbano con origen en Jamaica, hacia la mitad de la década de los 60. Combina elementos de la música popular norteamericana y de la tradición musical afro-jamaicana (Calipso, Ska). Su textura rítmica es una amalgama de patrones cortos de guitarra, bajo, batería y teclado, lo que permite un diálogo entre las distintas secciones. Tanto el Reggae como su antecesor el Ska, fueron lanzados al resto del mundo por grupos de pop británico como The Police, Specials y Madness entre otros. Bob Marley, su gran estrella a nivel internacional, Eddie Grant o Peter Tosh son algunos de sus representantes.
Rhythm & Blues Estilo de música popular norteamericana, tocado por la población negra a finales de los años 40. El R&B surgió del Blues y otros estilos similares. Interpretado por un grupo en el que la voz principal es acompañada por una sección rítmica compuesta por batería, bajo, guitarra eléctrica y piano y reforzada por coros o sección de vientos, está basada en las estructuras armónicas del Blues con una métrica cuádruple que enfatiza los “off beats” (tiempos débiles).
Rock & Roll Surgió en E.E.U.U. a mediados de los años 50, como una variación del R&B. Sin embargo mientras éste iba dirigido a una población negra, el R&R se dirigió a un público de masas, constituido fundamentalmente por jóvenes blancos. Intérpretes negros de R&B, como Chuck Berry, Little Richard o Bo Didley, encontraron un éxito fácil entre este público, aunque fueron cantantes blancos, como Bill Haley, Elvis Presley, Buddy Holly o Gene Vincent, la mayor parte procedentes de la música “country”, quienes alcanzaron mayor éxito. En poco tiempo se extendió por todo el mundo y a comienzos de los 60, grupos británicos como The Beatles, Rolling Stones o The Who, contribuyeron a extender los límites del estilo, abriendo el camino del rock, como categoría musical más amplia.
Swing Estilo de Jazz originado en los años 30 que coincide con el declive del estilo New Orleans. El crack bursátil de 1929, favorece el boyante negocio de las salas de fiestas con un floreciente contrabando de alcohol. Esto da el espaldarazo a las orquestas que animan las fiestas de los nigth clubs. Las grandes orquestas (Big Bands) se caracterizan por tener unos arreglos musicales bien definidos por el director o arreglista, y un rítmo basado en la acentuación de los tiempos 2 y 4 (off beats), definen algunas de las características del Swing. Palabra de moda que es sinónimo de éxito y que desde entonces se emplea para indicar que una banda toca bien: “tiene swing”. La historia del Swing la escriben, entre otras, las orquestas de Count Basie, Fletcher Henderson y Duke Ellington y cantantes como Billie Holliday, Ella Fitzgerald y el trompetista Louis Armstrong.
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CTRgKdpyWH GLOSARIO DE TÉRMINOS UTILIZADOS EN MÚSICA MODERNA TERMINOLOGÍA INGLÉS – CASTELLANO BEND: Técnica de guitarra eléctrica, en la que partiendo de una nota, y estirando la cuerda llegamos a la nota siguiente. Es una técnica de expresión fundamental en Blues y Rock. BOTTLENECK: Cuello de Botella. Técnica de guitarra, que en su origen consistía en introducir el cuello de una botella en el dedo meñique de la mano izquierda y deslizarlo por encima de las cuerdas. Actualmente se utiliza un tubo de metal o metacrilato y se llama SLIDE. Cuando se utiliza esta técnica de guitarra, la afinación del instrumento varía (OPEN TUNING) haciéndola coincidir con la de algún acorde. BREAK: Corte. Interrupción del ritmo. Puede ser un silencio o una improvisación rítmica o melódica de algún instrumento para rellenar una pausa. Normalmente se utiliza para marcar el cambio entre una parte y otra de un tema. CHARLES: Juego de dos platos colocados en un soporte con un pedal. COIL: Bobina. Utilizada en las pastillas de guitarra y bajo eléctricos, pueden ser de bobinado simple (single coil) o doble (humbacker) CRASH: Plato usado en la Batería para marcar los cortes y acentos. FILL: Frase improvisada que toca la batería. Rellena un espacio de la melodía o la improvisación. FINGERPICKING: Técnica de mano derecha usada en guitarra eléctrica y acústica, que utiliza los dedos, en lugar de la púa. HAMMER: Ligado ascendente. Técnica de guitarra/bajo que consiste en pulsar una nota y golpear (martillear) con el dedo la siguiente nota en el diapasón. LICK: combinación rítmico-melódica sobre diferentes escalas y digitaciones que sirve de estudio técnico para diferentes instrumentos. Puede ser usado para construir melodías o improvisaciones. MUTING: Apagado. Técnica de guitarra y bajo que consiste en apoyar la mano derecha sobre las cuerdas para evitar su vibración y conseguir un efecto más percusivo. PATTERN: Patrón. Modelo. Es una estructura de 1 ó 2 compases que se repite a lo largo de un tema. Puede ser melódica, rítmica o armónica. Define el ritmo o estilo del tema. PICKING: Técnica de tocar con púa. PULL OFF: Ligado descendente. RIDE: plato utilizado para marcar el ritmo RIFF: Frase rítmica corta (de 2 ó 4 compases) que identifica un tema, sustituyendo a veces a la melodía. SET: Conjunto. Se utiliza para referirse al conjunto de instrumentos que conforman una batería. SLAP: Golpe, palmada. Técnica utilizada en bajo eléctrico. SPLASH: plato de pequeño diámetro utilizado para marcar cortes o acentuar. SWING: Estilo musical (EE.UU., ca. 1930) con acentuación en los tiempos débiles. Significa balanceo.Expresión para denotar gracia y sentido rítmico. TAPPING: Técnica guitarrística en la que se percute con los dedos de ambas manos sobre el diapasón. TOM: Tambor. Timbal. Tienen distintos tamaños. Forman parte de un SET de batería. Departamento
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