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‘El inicio del disco llega de la mano de ‘The Jester, the Tramp & the Acrobat’, una metáfora perfecta para introducirnos de lleno en la cruda realidad. Percusión incesante, guitarras poco refinadas y pasajes de brillante emotividad para elevar al máximo esa conexión tan funesta con los recuerdos pasados. Una constante que se mostrará prácticamente a lo largo de todos los temas del trabajo, indagando a fondo en cuestiones de enorme valor vital. Sin romper esta tónica general aparece

Kevin Morby sigue cosechando una espléndida carrera en solitario con su segundo trabajo Still Life. Si ya con el delicado Harlem River editado a finales del año pasado, nos cautivó a base de mucha melancolía y tonalidades de gris folk psicodélico, en este nuevo trabajo sigue explorando las posibilidades que le ofrece su yo más interior. Still Life es un trabajo que surge en la carretera a lo largo de las últimas giras de Kevin con The Babies y Woods, momentos de exploración de sentimientos realmente difíciles, concentrados en unas canciones más trepidantes y sobrecogedoras que el anterior trabajo. Si con su debut resultaba fácil dejarnos llevar por un estado de reconfortante nostalgia, en esta segunda entrega nos embriaga una sensación de profunda tristeza y reflexión gracias al contenido planteado en los temas. Canciones que giran en torno al duro paso del tiempo y la muerte, sin adoptar ningún tono dramático. Acompañado por sus buenos amigos Tim Presley (The White Fence) y Justin Sullivan (The Babies), Kevin ha apostado por aumentar la intensidad de la mayoría de los temas sin perder la esencia sentimental que contienen.

The Ballad of Arlo Jones’ donde recupera esa aceleración y coros tan característicos de The Babies. Sin embargo la gran diferencia es que este tema contiene corazón y cabeza a partes iguales, causando un impacto directo y mayor a nuestro estado de ánimo. Teclados hammond que cada vez se van adueñando más del protagonismo unidos a la voz enfurecida de Kevin, convirtiendo el tema en algo perfecto en una auténtica reivindicación de cuanto podemos hacer por una persona querida.

En ‘Motors Running’, el tercer corte del trabajo, Kevin decide relajar las pulsaciones consiguiendo un tema sin mostrar el cuchillo entre los dientes pero fogueándose de igual modo. Dejándose caer hacia ese dulce encanto psicodélico del acid folk de grupos como Vetiver, el tema sirve para introducir algo de luz en el trabajo, todo lo contrario que sucede a continuación con ‘All of my Life’. El egundo adelanto del trabajo que pudimos escuchar, supone en definitiva la síntesis perfecta de la parte amorosa que contiene el trabajo. Sin apenas elevar la voz y con la prácticamente única ayuda de su guitarra, Kevin huye de la esperanza y se dedica simplemente a contar como han trascurridos los años de su vida esperando algo que no llega. Si con The Babies editó un EP que llevaba por título Cry Along With the Babies, este tema tampoco se queda corto en cuanto a la reacción que pueda suscitar en el oyente.

Intentando normalizar un poco más la situación e introduciéndonos en una especie de estado de aturdimiento, nos muestra ‘Drowning

otra canción de tempo lento donde empieza a recoger esa falsa calma que tan bien reflejan los temas de The Dodos.

Todo apacible cuando sabes que algo no ha podido tener efectos más devastadores. Sin embargo hemos hablado que Still Life es un álbum que no esconde las emociones más tristes del músico, por eso Kevin elimina todo tipo de artificio en ‘Bloodsucker’, mostrándonos su cara más desoladora y abatida. Un ambiente totalmente de desánimo y tinieblas donde solo queda aún más espera. Otorgando un hilo de positivismo dentro de tanta oscuridad aparece ‘Parade’, una canción que según el propio Kevin está inspirada en uno de sus ídolos como es Lou Reed. Una especie de desfile glorioso al otro lado del camino, en donde ya nada se tiene en cuenta y se pueden hablar las cosas con total naturalidad. A algo así parece que es lo que quiere aspirar el propio Morby cuando haya llegado la infinitud.

Adentrándonos en la recta final del trabajo, aparece ‘Dancer’ una canción que se salta la norma y regresa más a las sonoridades que aparecían en Harlem River. Un breve respiro para rebajar la tensión emocional y adentrarnos en ‘Amen’, el tema de mayor duración del trabajo. Una auténtica montaña rusa en el que se recurre a las fórmulas basadas en ‘Parade’, en la que la que los teclados y vientos aportan un aire de ligereza al tema, algo así como la separación del espíritu y el cuerpo. No en vano, Kevin recita una especie de epitafio en el tramo final del tema que culmina con un I’m not dead, but I’m dying so slow. Lo que podría ser un punto final algo agónico, si no fuese porque el trabajo se cierra también de forma más íntima y brillante con ‘Our Moon’. Un tema al más puro estilo de Bill Fay, reduciendo elementos pero llegando a lo más profundo.

Kevin Morby sigue dándonos grandes muestras de todo su talento con este nuevo Still Life. Su fuente de inspiración interior sigue siendo su mejor aliado, junto con ese afán de explorar nuevos sonidos en cada trabajo. En esta segunda entrega nos encontramos canciones de todo tipo unidas por esa devastadora realidad a la que nos tiene acostumbrados. Kevin ha encontrado al margen de The Babies y Woods su remanso de paz, la forma de sincerarse con él mismo y de paso dejarnos canciones que esperemos que sean recordadas durante mucho tiempo.

‘Still Life’ el segundo trabajo de Kevin Morby Mindies.es

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Casi 40 años de carrera le han servido a David Thomas al frente de Pere Ubu para experimentar con multitud de cosas.

Acompañado siempre por una gran banda cubriéndole las espaldas, su música siempre ha tenido un fuerte contenido teatral y cambiante. Discos como New Picnic Time suponen auténtica experimentación partiendo de los elementos más básicos posibles para conforme avanzaban los tiempos incorporar un mayor número de capas. Caracterizándose por una actitud siempre muy descarada que le ha valido en la mayoría de las ocasiones la etiqueta post-punk, David Thomas nunca ha dejado a nadie indiferente. En plenos 90 nos presentó uno de sus discos más interesantes como es Ray Gun Suitcase (solo la portada ya es una declaración de intenciones). Un trabajo de idas y venidas donde partía de la tradición rock norteamericana para desconfigurarla, convirtiendo las carreteras secundarias en auténticos viajes psicotrópicos. Por esto y muchas más cosas, podríamos considerar que Pere Ubu es realmente uno de los mentores del art rock que años más tarde grupos como Akron/ Family tomarían influencia.

Ahora en este 2014, apenas un año después de editar Lady from Shangai, un álbum quizás demasiado intermitente, regresa de buena forma con Carnival of Souls que ve la luz bajo Fire Records. Este trabajo surgió de una forma curiosa mientras el grupo se encontraba en la carretera el año pasado. A lo largo de su gira por Europa tocaron en el East End Film Festival de Londres presentando una película de Herk Harvey del 1962 que precisamente lleva por título Carnival of Souls. Este film sirvió de inspiración para que en los días posteriores surgiesen ideas en la carretera que eran trasladadas cada noche al directo adoptando un aire diferente. Este fue el punto de partida para el álbum que meses después vería la luz. Un trabajo no apto para todos los públicos en el que Pere Ubu distorsiona más de lo que nos tiene acostumbrados el tono narrativo que presentan la mayoría de sus discos. Toques de humor ácido y perverso para encender todas las alarmas posibles ante el fin del mundo. Así es como se nos plantea la inicial ‘Golden Surf II’ donde en seguida desata las atmósferas crispadas de su música donde tanto las guitarras como los sintetizadores tienen buena cabida.

Sin lugar a dudas con Carnival of Souls Pere Ubu logra la completa atención del oyente a base de historias contadas sin escrúpulos y nada de dramatismos, ya que su contenido ya es dramático de por sí. El segundo corte, ‘Drag the River’ nos reafirma en la idea de que Pere Ubu no busca el

camino fácil para transmitirnos su música.

Los detalles tienen que ser precisos y para eso no duda recurrir a épicas percusiones, vientos y todo lo que haga falta para recrear el clima de angustia del tema. Bases marcadas y teclados indecisos es lo que nos encontramos en ‘Visions of the Moon’, ofreciéndonos una historia paranoica salida de un sueño en una noche poco apacible. La fuerte carga de aparataje electrónico lleva el delirio al extremo deseado para que nos parezca totalmente real. Con más temas que brotan del subconsciente y se adentran en un apartado terrorífico, nos presenta ‘Dr. Faustus’ donde el clima de misterio supera al de cualquier posible evasión para acongojarnos sobremanera.

Si a todo esto le añadimos frases tan lapidarias como No dignity remains to remind me of the man I used to be, estamos ante el tema redondo de la película de serie B de la que hereda el título el trabajo.

Jugando con el detenido paso del tiempo en ‘Bus Station’, Pere Ubu va introduciendo elementos más duros en el trabajo. La ausencia de novedad pero el envejecimiento de los protagonistas es algo que el músico quiere recrear para conseguir el clímax que necesita en el tema. La voz de David Thomas cada vez se va sumergiendo más en la desesperación y la necesidad de escape que no llega. Todo ello se acrecienta con una batería martilleante para de repente cortar el tema soltándonos I pay the price again and again. La particular paranoia que parece vivir el protagonista del trabajo cada vez parece ir a más. Esto es lo que nos muestra ‘Road to Utah’ donde el theremín adquiere un protagonismo fundamental. La espiral en la que nos sumergen la mayoría de los temas se va quebrando y las curvas se hacen más angulosas, desdibujándose realmente la línea que separa al protagonista entre la cordura y la locura. Y es que lo que en un principio se había mostrado como angustia, Pere Ubu lo ha conducido a un mundo de alucinaciones escalofriantes donde parece que el amor también tiene parte de la culpa. El juego de sombras de ‘Monkey’ nos dibuja metáforas siniestras que nosotros mismos deberemos interpretar.

Llegando seguramente al tema aclaratorio y revelador del trabajo aparece ‘Irene’. El nublado estado mental se difumina para decaer en un sueño en el que nos descubre un anhelo femenino. El ritmo se decelera y todo queda a la merced de una guitarra, vientos y alguna que otra ráfaga eléctrica. Sin embargo el tema más romántico del trabajo no puede contener un camino de rosas, por lo que el sueño inicial se traslada a la espera de un sueño más profundo. Caminando ya desalentado y desorientado, el final del trabajo y del protagonista está muy cerca. ‘Brother Day’ es el tema que pone punto a final a la historia.

Más de 12 minutos errando a las puertas del manicomio, con sueños irrealizables y profunda desesperación. El desenlace que cabía esperar de la historia ejecutada de forma magistral por la banda. Aguantando en cada nota la respiración para no robar oxígeno a la atmósfera en la que transcurre la historia. Lo que habíamos comentado anteriormente. Pere Ubu ha logrado un disco no apto para todos los públicos. Sin embargo quien se atreva a entrar en el auténtico ejercicio mental que nos propone, podrá explorar sus auténticos límites sin ninguna ayuda externa.

el nuevo trabajo de Pere Ubu

‘Carnival of Souls’ Mindies.es

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No tenemos ningún tipo de dudas que el proyecto de Oscar Scheller es la novedad más interesante que nos hemos encontrado en las Islas Británicas a lo largo de este año. Una visión apasionada por los primeros Magnetic Fields para tomar su esencia, distorsionarla y recubrirla por una capa de sonidos analógicos. Un pop muy poco al uso ligado perfectamente a los recursos Lo-Fi para que la propuesta quede atrapada en tu luminosa habitación en plena mañana de domingo. Oscar parece haber dado con la tecla perfecta de cómo narrar la historia, que esta suene con la perspicacia juvenil adecuada y que al mismo tiempo sus pasos suenen con la fuerza perfecta. El triunfo de los modernos softwares de sonido para lograr que todo parezca girar en torno a los secuenciadores analógicos.

Las primeras andanzas de Oscar se encuentran en su soundcloud, en forma de canciones sueltas que han ido confirmando su buen gusto por las melodías de lo que hoy en día se conoce como el bedroom pop. Sus primeras canciones como ‘I Don’t Care’ nos revelaban el lado agónico y tenebroso de los primeros Strokes, para enredarlo con guitarras con mucha pastilla y convulsiones directas que brotan de los sonidos industriales más crudos. Un resultado que nos atraía a partir de lo naïf de su propuesta y el carácter mutante de cada tema. En otras canciones como ‘Duffel Coat’, Oscar prefiere apostar por algo más luminoso e ingenuo, encarando directamente las señas de identidad del pop más escocés.

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Oscar

Su primera referencia de gran envergadura llegó con 146b, su primer EP editado en Brown Rice, un sello londinense. Un conjunto de cuatro canciones en los que los estribillos tomaban un mayor protagonismo sin renunciar a las muchas y buenas señas de identidad que nos había brindado a lo largo de lo que ya conocíamos. El inicio discográfico se había producido de la forma más apasionante posible, sin ocultarnos para nada su vocación de art pop introduciendo frescura por todos los sitios. Canciones de guitarras bastante crudas que nos dejan entrever como el espíritu DIY adquiere total significado. Por otra parte, en este EP aparece lo que podemos considerar como la canción con más vocación de single del británico. Estamos hablando de ‘Sometimes’, un tema vibrante que se extiende por los territorios del synth pop más neutro y la tenacidad de Built to Spill.

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En los últimos meses su actividad no ha cesado, descubriéndonos algún que otro tema nuevo donde sigue explorando los límites de su producción.

Nuevas bases rítmicas y texturas de teclados sorprendentes como es el caso de ‘Be Good’. La última canción que hemos conocido de él hasta el momento lleva por título ‘Kitchen Song’ y sigue en la buena senda adictiva de su EP. Oscar tiene un brillante futuro por delante para seguir moviéndose por esa tan especial línea pop que él mismo ha labrado. Queda ver como se desenvuelve en directo, está claro que hay algo muy grande en sus canciones.

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{ } Acapvlco Te deja tu novia y pasas por una temporada mala. No hay ánimos para nada pero al final lo superas. Así fue el comienzo de esta interesante banda valenciana que hoy os presentamos. Emilio, Miguel y Diego son los componentes de Acapvlco, una joven banda que apunta maneras a base de lo que ellos llaman beach grunge, un término que nos sirve para ilustrar de buen grado parte de sus temas.

La influencia del clima levantino mezclada con la siempre inquietante y necesaria presencia de bandas como Jesus and Mary Chain han hecho que Acapvlco coleccionen hasta el momento un buen puñado de temas cuanto menos diseñados para dejarte llevar.

Un ejemplo de este ambiente ciertamente surfista que bebe directamente de grupos como Sufer Blood o Best Friends es ‘Hair, Drugs’, uno de los últimos temas que les hemos conocido. El influjo perfecto de las tardes de verano sin fin donde el tiempo pasa pegajoso, lento y disfrutable.

Algo así como los anuncios de cerveza que nos venden cada temporada, salvo que la música de Acapvlco hace que la escena tome total realismo.

Aquí todo suena orgánico y melódico

nada de chirriantes estribillos quefuncionan en modo automático. Los coros del tema son la prolongación perfecta de todas esas cosas placenteras que siempre apetecen. Indagando más en una vertiente noise y combativa, aparece ‘Cheap Summer’, tema que crece aún más gracias a las técnicas DIY con las que hasta el momento está grabado. Una línea de bajo que casi se puede morder, unida a un juego de sintetizadores que aportan el toque preciso de evasión al tema. El destino que se abrían encontrado los Black Lips al final de un sendero menos garagero y más unido a lo matices post-punk.

Sin dejarnos de mostrar sus diferentes caras, ‘Flashes’ aparece como un tema de ruptura hacia los terrenos misteriosos donde en esta ocasión sí que no hay nada de sol. Seguramente el equilibrio entre este balance surfista y el atractivo de lo siniestro, lo encontremos en ‘Sun Danse’, la culminación perfecta de la clarividencia nocturna. Acapvlco se muestran como ese grupo perfecto para disfrutarlos en un garito en el que el público se reparte a partes iguales entre pogos, bailes ochenteros y mucha humedad en el aire.

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Rompiendo esquemas y contagiando positivismo, así es como se presentan The Limboos en su primer LP. Sonando clásicos pero muy actuales, la banda nos enseña perfectamente lo que es eso de revitalizar los clásicos y dotarlos de una mayor amplitud de sonidos. Y es que nada más escuchar las percusiones ciertamente tropicalistas y punteos de guitarras de ‘Big Chef’, el tema inicial del trabajo, a nuestra mente viene la imagen de un garito de una ciudad como Chicago, inundado de algo tan bailable como es el boogie-woogie. Un amplio abanico de combinaciones de elementos que por separado nos podría resultar confuso pero que puesto en los instrumentos de los Limboos nos descubren un particular nuevo mundo. Por ejemplo el tema homónimo del álbum nos sirve para ejemplificar perfectamente esto. R&B desfiante, percusión ligera, algo de Bossa Nova e incluso ritmos rockabilly. Una coctelera explosiva en la que todo está muy bien mezclado.

Si profundizamos en el trabajo, nos encontraremos con canciones tan contagiosas y desgarradoras como ‘What I’m Saying’. Ritmo peleón, voces que se quiebran y ganas de chasquear los dedos en cada estrofa. Algo que en un primer momento podrías considerar como demasiado pegajoso pero que no tardando te das cuenta de que entra de una forma muy ligera.

Eliminando el más mínimo artificio y dejando todo en virtud de unos punteos de unos rasgueos de guitarra de enorme expresividad, ‘Nervous’ aparece como un tema sin contemplaciones pero efectivo. El toque de teclados psicodélicos es la confirmación que el grupo se ha tomado muy en serio el más mínimo detalle en la producción del trabajo.

Saltando hacia el lado más exótico en el sentido más amplio de la palabra, aparece ‘Brownie’, un tema que con las condiciones adecuadas en directo, se puede convertir en un auténtico frenesí de bailes arriesgados y sudor. Algo similar ocurre con ‘Jambalaya Walk’, lo único que en este caso suena todo con un mayor concepto de fusión latina. Comprobando como el grupo abarca todo lo inabarcable, nos vamos a algo de raíz aún más americana como es ‘Call me a Tramp’. Algo así como el revelador blues de la noche plasmado en algo adaptado a nuestros tiempos. Lo dicho, todo un acierto.

Seguramente The Limboos no hayan inventado los componentes de su música por separado, pero han tenido la gran visión de juntar influencias llenas de calidad, manipular sus entresijos tales como ritmos y estructuras para conseguir un resultado apasionante. Muy atentos porque seguro que darán mucho juego.

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Hoy os presentamos el proyecto de Carmen Bartolomé, más conocida como Mehnai, una artista santanderina que factura canciones de corte folk con una agradable capa grisáceo influenciado por músicos tan importantes como Nick Drave. Intimidad a base de una instrumentación reducida y una voz cargada de delicadeza capaz de explorar los registros que le vienen como anillo al dedo a cada tema. Su debut se produjo en 2011 con Grab it While it’s Hot, un disco que desde la primera escucha nos demuestra que no es otra chica más que decide coger su guitarra y ponerse a componer canciones. Aquí las bases son sólidas y los acordes muy bien escogidos.

Al igual que los ya desaparecidos Jane Joyd, Mehnai se acoge a unos sonidos folk que trascienden más allá del propio género, incorporando hábilmente elementos de otros géneros de la música americana. Sin ir más lejos canciones como ‘I need it’, contienen ese aroma blues que convierte al tema en algo inquieto y atractivo. Como muestra de todo lo que abarca la música de Mehnai, nos encontramos con ‘Give me our first time back’ una composición que transmite ese lado de calma aparente de Mazzy Star.

En su segunda referencia publicada este año, Mehnai continúa mostrándonos su evolución. Trust Freebird es un trabajo en el que las ideas han crecido en múltiples direcciones, mostrándonos a una artista aún más cómoda con lo que hace. Grabado en el estudio

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Moon River, Menhai nos ofrece pruebas de como surcar los recovecos amorosos de una forma nada dolorosa.

Desde los primeros acordes de ‘Hope isa ll we have’, observamos una producción más cuidada a base de calidez, mostrando todo el esplendor de la voz de la artista junto con esos teclados que se entremezclan en cada estrofa. Pasando por los peores momentos del romance nos encontramos la poderosa ‘The Day just you were not here’, manteniendo el patrón musical pero dejando rienda suelta al contenido del tema muy bien expresado en la entrega vocal.

Un disco que cada vez se va tornando más absorbente empleando prácticamente los mismos elementos de principio a fin. Una característica que nos comunica que realmente hay algo interesante. Atmósferas sugerentes como los que recrean las cuerdas en ‘If you could stay’, uno de los temas más preciosistas del trabajo.

Un balanceo algo amargo que nos prepara para ‘This is all a problem of self esteem’, la canción más destructiva del trabajo y que más aires desérticos adopta. El final llega con rayos de luz entrando entre densos nubarrones. ‘You don’t deserve it no more’ es el desenlace perfecto a las subidas y bajas que contiene el trabajo. Buscando en todo momento lo correcto del sonido junto con la forma más perfecta de trasmitir sentimientos, Mehnai logra que su personal obra llegue al oyente envuelto en un manto de emociones que entran en nuestro interior de una en una.

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James Vincent McMorrow, este músico al que puede que le haya perseguido la etiqueta de “nuevo Bon Iver”, nos deleitó el pasado mes de Octubre con un concierto íntimo y mágico en la Sala Apolo de Barcelona. Un concierto que pudo celebrarse gracias a las iniciativas de la plataforma Cooncert que nos trajo al irlandés en la que fue su primera visita a nuestro país.

Cierto es que al escuchar por primera vez alguno de los dos álbumes del músico nos puede llegar a parecer Justin Vernon (Bon Iver para los amigos) o incluso en sus últimas canciones tener algo de los ritmos del londinense James Blake. Es verdad que pueden parecer comparaciones muy halagadoras, pero cuando uno tiene por fin el talento de McMorrow delante de sus narices comprende que no hay comparación posible.

El concierto empezó con I Have A Tribe, decimos empezó pero la verdad es que pese al entrar a la hora prevista, Patrick O’Laoghaire (o lo que es lo mismo I Have A Tribe) estaba ya terminando su aparición… Sentado solo en medio del escenario con guitarra en mano venía a presentar su primer EP en solitario, Yellow Raincoats. Lo poco que pudimos escuchar, canciones delicadas y muy intimistas, un buen preludio para James Vincent McMorrow.

Y por fin llegó. Un escenario decorado con triángulos luminosos en el suelo, una luna gigante de fondo y espacio para 3 componentes más junto al cantante. El cantante entraba junto a su banda a ritmo de los primeros sonidos ambientales y delicados del tema “Lakes”, perteneciente a su último trabajo Post Tropical. . “Lakes” me pareció un tema acertado para darse a conocer en directo, una elección ni demasiada lenta ni con demasiada intensidad. A este tema le sucedió “Hear The Noise That Moves You Soft and Low”, esta vez sí, un tema quizás más folk y que nos podía recordar efectivamente Bon Iver por sus melodías y por este tipo de falsete que proyecta de vez en cuando su voz.

Después de un primer calentamiento de motores llegaban dos platos fuertes, dos temas del álbum Post Tropical y reconocidos por los allí presentes. Con “Glacier” y ” Red Dust” se empezaba a caldear el ambiente, el propio McMorrow empezaba a levantar la voz sin miedo y el escenario se convertía en una especie de mundo lunar y lumínico. Una escenografía sencilla pero totalmente efectiva, un juego de luces que acompañaba perfectamente el juego de voces que se traía James y que acompañaba también la combinación de todos los instrumentos que se llegaron a tocar encima del escenario.

James Vincent McMorrow en Barcelona El cantante junto a su banda daban vida a estos dos temas, les daban un aire más movido y en esta ocasión con unos ritmos similares a James Blake aunque con un estilo totalmente propio.

Al subidón que provocaron estas dos canciones les siguieron algunos temas de su álbum debut Early In The Morning (2010), en los que sí se podía apreciar unas melodías algo más tranquilas y menos exaltadas que en su último trabajo. Temas como “Down The Burning Ropes”, un conocido “Higher Love”, “Follow You Down To The Red Oak Tree”, “Breaking Hearts” y “This Old Dark Machine”. Temas que efectivamente sirvieron para ir aumentando esta atmósfera de calma inquieta que daría paso a la explosión del tema “Post Tropical”.

El concierto iba ya tomando forma y se iba levantando cada vez más el ánimo de los asistentes así como el de la propia banda. Un punto en el que uno se encontraba ya inmerso en un mundo de ensoñación, mirando fijamente al escenario, absorto en las melodías de McMorrow y sin tener en cuenta el resto del mundo.

Llegados a este punto del concierto en el que probablemente llevaríamos ya casi una hora, McMorrow optó de forma savia por combinar temas del primer álbum con los temas de Post Tropical.

Pudimos escuchar “Look Out”, “From The Woods”,

la celebrada “All Points” y el tema primerizo “We Don’t Eat”. James Vincent McMorrow consiguió que las canciones adquirieran vida propia, que no sonaran enlatadas y enfatizar los puntos álgidos de cada tema. Consiguió dar energía a cada uno de sus temas y borrar de nuestras mentes eso de su parecido con otros músicos.

“Gold” y “Cavalier”, dos de los nuevos temas, fueron el plato fuerte y la casi culminación de la noche. Dos temas que servían para reivindicar su propia personalidad, diferenciarse de todo otro artista y elevarse a la máxima potencia. Sonaron con fuerza, con energía y con una combinación de puntos altos y bajos y de una voz potente que irrumpía en medio de las melodías.

El concierto se terminaba, las luces se apagaban y nos quedamos esperando ansiosos su retorno. Fue con un tema a pelo, guitarra en mano, voz sin micro y a pleno pulmón. Este es uno de aquellos momentos en los que se demuestra la valía y la calidad de un cantante, de un artista. A “And If My Heart Should Somehow Stop” le siguió el ritmo más soul y experimental de “When I Leave”. Cerró como empezó, una canción más pausada, tranquila pero con un trasfondo épico para redondear una noche especial.

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Los conciertos en domingo casi siempre dan pereza, aunque una vez estás allí no hay duda alguna de que es la mejor manera de acabar una dura semana. Así pues, el pasado domingo 6 de octubre fuimos a la Sala Bikini de Barcelona para ver el directo del grupo brasileño Cansei de Ser Sexy. La sala se fue llenando muy lentamente, tan lentamente que las protagonistas de la noche tuvieron que esperar unos 15 minutos para empezar su espectáculo. Lovefoxxx bromeó sobre lo preocupadas que estaban a las 20:30h, ya que apenas había unas 15 personas a esa hora ocupando la sala.

A medida que los miembros de la banda fueron entrando al escenario ya pudimos ver que lo íbamos a pasar bien. Con un escenario oscuro, con unas ramitas pintadas al fondo del escenario, la líder de la banda, Lovefoxxx entró y nos mostró una vez más que son una banda divertida y despreocupada. Llevaba uno de esos atuendos que una no sabe cómo describir: camisa de manga larga, pantalón de chandal blanco con rallas, y botines negros.

Su larguísima melena fue una protagonista más de la noche; la ondeó, movió, la hizo flotar con el viento de un ventilador colocado frente a ella… A veces incluso llegaba a ser hipnótico. En definitiva que nunca me hubiera imaginado que una melena pudiera dar tanto juego.

Dejando a un lado su estilismo, vayamos a lo importante, el concierto en sí. Las chicas de Sao Paulo empezaron su concierto con “Move” y desde entonces amenizaron toda la noche con su divertido electro-pop. Desde el primer minuto se mostraron muy contentas de estar en Barcelona e interactuaron mucho con el público, bueno Lovefoxxx lo hizo, la verdad

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es que el resto de la banda se limitó a tocar a excepción de algunas bromas que compartieron con todos los asistentes. La líder de la banda nos comentó que ella siempre dice que habla 2 idiomas; inglés y portugués, pero que ahora iba a añadir un tercer idioma, el portuñol, mezcla del portugués y el español. Para ser sincera se defendió más que bien con el español.

En mi opinión el orden del setlist fue muy acertado, mezclando muy bien temas más electrónicos, con algunos más rockeros y otros más pop. Sonaron “Hangover”, “Teenage Tiger” o “Frankie Goes to Hollywood” de su último álbum Planta, y “Let’s Make Love and Listen to Death from Above”, “Hit Me Like A Rock” entre otros de sus anteriores trabajos. El público no paró de bailar y cantar con CSS, que en más de una ocasión nos ofrecieron el micrófono para acompañarlas. Entre canción y canción Lovefoxxx tuvo tiempo de pedir un chupito al barman, de regalarle una botella de agua a un chico de primera fila y de hablarnos de distintas cosas, como por ejemplo del videoclip que rodaron en Barcelona.

Pasada una hora, las chicas se fueron para entrar de nuevo al escenario para darnos un bis de despedida. Lovefoxxx entró luciendo una gran capa dorada que ondeó durante la primera canción del bis, y trajo consigo unos 3 platános en la mano, aunque repartió dos entre el público,. Dio el toque sensual al comenzar a tocar “Alalala”, quitándose la capa y también la camisa y dejándonos ver una camiseta de rejilla semitransparente. Al final se le unió la guitarrista Ana Rezende para cantar “I’ve Seen You Drunk Gurl” al más puro estilo rapero. Un concierto divertidísimo, espero que estas chicas vuelvan pronto.

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Este está siendo un gran año para las bandas emergentes.

Hemos podido descubrir muchas pequeñas grandes joyas que pronto llegarán muy lejos. Y por eso nos alegró mucho saber que el Primavera Club volvía de nuevo a sus orígenes, y pretendía traer a Barcelona más de 40 bandas debutantes. Otro de los alicientes de este festival es que la mayoría de los artistas invitados, tanto nacionales como internacionales, nunca había actuado anteriormente en Barcelona.

En esta ocasión el evento se llevó a cabo durante 3 días, el 31 de octubre, 1 y 2 de noviembre en las salas Apolo, Apolo [2], Sidecar, Teatre Principal y Teatro Latino. Esta distribución y el magnífico horario te permitían moverte entre estas salas de manera fácil y rápida, y así poder escoger mejor qué conciertos ver.

Viernes 31 de octubre: Nosotros empezamos la noche del viernes en el Teatro Latino y viendo el cartel, decidimos no movernos de allí en toda la velada.

Entramos en la sala y aunque había poco público, el murciano Cherry ya había empezado su espectáculo puntual. En esta ocasión se atrevió a defender solo su repertorio, y montar su directo a través de grabaciones en su loop station. Atraídos por sus peladillas songs, así es como le gusta llamar a sus creaciones de corta duración, asistimos a un concierto que nos sorprendió muy gratamente. Nino García nos presentó su último disco Frío y Calor (Foehn, 2014) y pudimos disfrutar de alguno de sus temas como ‘Los Misterios del Universo’ o ‘Mariposas de Lunares’, con la que dio por finalizada su más que satisfactoria actuación.

Tras perdernos un poco por el Teatre Principal, decidimos volver al Teatro Latino a ver el concierto del finlandés Jaakko Eino Kalevi, que considerábamos traía una interesante y arriesgada puesta en escena. Era 31 de octubre, la noche de Halloween, así que el escandinavo decidió aparecer disfrazado de esqueleto y el batería que lo acompañaba de momia. Jaakko, que hasta ahora se gana la vida como conductor de tranvías demostró su pasión por los sintetizadores, y aunque la mayoría de los sonidos estaban pregrabados, su mezcla entre pop psicodélico y electrónico y su synth funk hizo que los que a esas horas necesitaban ritmos más bailables empezaran a balancear sus piernas de un lado para otro.

El de Helsinki poco aguantó con el disfraz puesto, y después de cambiarse volvieron al escenario para seguir presentando Dreamzone (Weird- World, 2014). Aunque el concierto estuvo entretenido y su música es muy interesante, al artista se le veía algo cortado y frío encima del escenario, lo que hizo que en algunos momentos nuestras mentes se distrajeran por la monotonía del directo.

El plato fuerte de la noche llegaba a cargo del británico East India Youth, un muchacho que ya ha sido comparado con James Blake, y es que su álbum debut Total Strife Forever le augura un buen futuro a William Doyle. Se escondió durante todo el concierto detrás de su mesa, sin emargo sus espasmódicos movimientos de cabeza eran tan contagiosos como su música. Doyle preparó una verdadera fiesta para los asistentes del Primavera Club, y mezcló la electrónica más suave con verdaderos temas techno que perfectamente podrían encajar en cualquier rave.

Durante la duración de su directo no descansó en ningún momento, y su energía se fue multiplicando tema a tema. Pudimos escuchar canciones como ‘Looking for Someone’ o ‘Dripping Down’ donde hizo gala de su voz, y terminó por todo lo alto con una de las canciones más techno que desde luego, hizo que irse para casa a las 23h y poco de la noche nos pareciera algo triste puesto que nos había abierto el apetito para más.

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Sábado 1 de noviembre: Nuestra segunda jornada fue mucho menos electrónica que la del día anterior, y la verdad es que teníamos ganas de algo distinto.

Decidimos empezar con Karen Koltrane, aunque llegamos algo tarde a su debut encima del escenario. Así es, el Primavera Sound fue el lugar donde Karen Koltrane actuaba por primera vez, y la verdad es que no lo pareció para nada. Supimos que tuvieron algún problemilla técnico, pero desde nuestra llegada por lo que vimos todo les fue rodado. En esta ocasión en formato cuarteto, con Ángel Valiente al cargo de llevar adelante su disco de 6 canciones Plantas de Interior (Foehn, 2014), demostró que lo casero también puede ser de buena calidad. Se les veía cómodos encima del escenario y defendieron bien todas las canciones de su debut, e incluso hubo tiempo para tocar una pista inédita. Tan seguros se les veía que incluso el guitarrista bajó y entregó su guitarra a alguien del público para que tocará el instrumento mientras él jugueteaba encima del escenario con los pedales. Seguiremos de cerca la pista de Karen Koltrane ya que por el momento promete.

Siguiendo con nuestra tradición de permanecer en el mismo escenario, decidimos quedarnos en el Teatre Principal para ver a Woman’s Hour, banda llegada desde Londres y encabezada por la dulce Fiona Burgess. Como para la mayoría de los artistas de este Primavera Club, ésta era la primera vez que los británicos pisaban un escenario barcelonés y nosotros no quisimos perdernos su directo. Bailando en un terreno que se mueve entre Beach House y The XX, la tierna y magnífica voz de Fiona nos atrapó desde el primer instante a pesar de tener algunas dificultades vocales.

Acompañada muy bien por una banda que con sus instrumentos acababa de añadir emoción y dramatismo a sus temas. Ellos también venían a presentar su primer disco llamado Conversations que nos trae 11 canciones que a partir de hoy empezaremos a escuchar mucho más. Además de algunos de los temas de su debut como la homónima ‘Conversations’, ‘To the End’ o ‘Her Ghost’ también nos regalaron una versión de Bruce Springsteen, ‘Dancing in the Night’ que les quedó de maravilla. Burgess no dejó de moverse en todo el rato y la verdad es que sus movimientos te introducían aún más en su ensoñadora y nocturna música. Todo un acierto haberlos traído al festival.

El hecho de que las distintas salas estuvieran tan juntas y que hasta el Apolo no tuviéramos más de 5 minutos andando nos ayudó a decidirnos a ir hasta allí. Queríamos ir a ver a uno de los grandes reclamos del festival, el impredecible Timothy Showalter, líder de Strand of Oaks. Apareció encima del escenario con esa pinta que tienen los tipos duros de Estados Unidos que viajan por todos los estados con su Harley, con el pelo largo y suelto, desaliñado y con larga barba. Pero a pesar de su dura apariencia sus palabras emocionaron a más de uno, ya que durante todo el concierto no paró de animar a todos los que estábamos allí.

Agradeció al público su asistencia, a su banda el apoyo que le han brindado y en general, agradeció poder seguir adelante con su gente y su música.

Nos dejó claro que tuvo un turbio pasado, y que ha sido gracias a distintas personas y a la música que ha podido salir de un hoyo oscuro para poder, por fin, disfrutar de la vida. Y eso se nota en sus canciones y en su manera de cantarlas. Puso emoción a todos y cada uno de sus temas, que crecían gracias a su banda y a los magníficos coros de su teclista. ‘Wait for Love’, ‘JM’ o ‘HEAL’ sonaron en un concierto donde Showalter puso toda su desbocada

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energía en marcha. En algunos momentos demostraba una actitud desmesurada y algo exagerada, pero no hay nada de malo en ello, si él estaba feliz de estar allí, ¿por qué no demostrarlo? Dicen que es muy probable que vuelva para el Primavera Sound, así que aquellos que se quedaron con ganas de más, podrán volver a disfrutar del de Indiana.

Domingo 2 de noviembre: Para la última jornada del Primavera Club 2014 volvimos a dirigirnos hacia el Teatro Latino, donde nos esperaba una de las mejores noches en lo que llevamos de otoño.

Empezamos la velada más temprano que los días anteriores, al ser domingo ya se sabe, no podemos estar hasta las tantas por allí que los lunes toca trabajar. Para comenzar escogimos la apuesta de CARLA, centrada en su voz y su teclado que en esta ocasión venía acompañada por su hermano Toni Serrat a la batería. Y ya que hablamos de hermanos, cabe mencionar que la de Vic es hermana de Joana Serrat. Carla hizo gala de su pop minimalista y electrónico, y aunque en su bandcamp solo podemos disfrutar de un doble sencillo, es mucho lo que esta joven nos puede ofrecer.

Sus temas ‘In the Forest’ extraído de un sueño de Carla o ‘Let’s Burn a Forest’ nos transportaron hacia un paraje ensoñador donde realmente te podías ver caminando por ese ardiente bosque.

Para embellecer aún más su setlist, la catalana optó por versionar a Johnny Cash y nos brindó una buena versión de ‘Ring of Fire’.

Tras el íntimo concierto de CARLA llegó el huracán de Movement, un trío llegado de Australia que sin duda alguna revolucionó a todo el público. Liderados por el carismático Lewis Wade nos hicieron bailar mientras ellos se entregaban por completo interpretando los temas de su EP homónimo. Danzando entre el soul, el R&B y la electrónica, la poderosa voz de su cantante y su atrayente actitud encima del escenario hizo que se nos metieran rápidamente en el bolsillo. Un concierto corto pero conciso, solo sonaron 6 temas y tan solo duró media hora, pero definitivamente fue uno de los mejores del festival. Los asistentes sintieron su energía y bailaron con su música desde el primer instante. Sensuales en todo momento, la emotividad se podía palpar en todos sus temas, especialmente en ‘Us’ o ‘Like Lust’. Una verdadera delicia.

Y por fin llegó ese momento agridulce, donde tocaba despedirse del festival y a su vez ver a una de las bandas más aclamadas por los asistentes; Jungle. Muchos esperaban ver el directo de J y T y la verdad es que su puesta en escena no decepcionó. Subieron al escenario acompañados de un gran número de músicos incluídos percusionistas y coristas, que animaron sus canciones y les aportaron color y sobre todo, un sonido muy elaborado. Con la sala completamente llena Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland hicieron bailar a todo el público que se mostraba muy emocionado de estar allí y poder cantar temas que ya empiezan a estar en la memoria de muchos, como ‘Busy Earnin” o ‘The Heat’. Mantuvieron su energía durante 50 minutos donde mostraron por qué su álbum debut no ha pasado desapercibido. A pesar de las luces que acompañaban el espectáculo, en algunos momentos excesivas y mareantes a nuestro parecer, nos dejó con muy buen sabor de boca y por eso no nos parece descabellado pensar que este dúo británico volverá pronto, quien sabe si para el Primavera Sound.

Esperemos que el éxito de este Primavera Club consiga que el año que viene pueda volver a repetirse, ya que poder conocer tantas y tan buenas bandas emergentes en tan sólo tres días es todo un lujo que desde luego, debe seguir.

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SE TY GA LL En Madrid

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Estar al día con la discografía de Ty Segall es prácticamente una odisea. Este músico californiano de solo 27 años mantiene una línea de lanzamientos inalcanzable, con numerosos discos y proyectos cada año. Sin embargo, este año parece más comedido y se ha concentrado en Manipulator (2014, Drag City), un monumental séptimo disco en solitario que le permite desviarse un poco del garage para meterse en pleno glam.

Fue precisamente ‘Manipulator’, primer tema del álbum, la que abrió un apasionante y sudoroso concierto. Durante años, Ty Segall ha sido considerado como un artista increíble en el directo, aumentando aún más las prestaciones mostradas en cinta. El ahora maquillado Ty estuvo acompañado de su inseparable —y muy recomendable en su faceta en solitario— Mikal Cronin al bajo, además de tener a Charles Moothart en la segunda guitarra y a Emily Rose Epstein a las baquetas. De esta forma, Cronin cubría la parte central del escenario y hacía de segundo frontman cuando Segall se daba la vuelta para desatar sus solos de guitarra.

‘It’s Over’ y el número más glam de Manipulator, ‘Tall Man, Skinny Lady’, completaban un primer asalto que se saldó con menos heridos de lo pensado; algo que fue compensado en ‘Feel’, en la que la locura estalló y comenzaron las invasiones de escenario, pogos, crowdsurfing y sabe dios qué. Lejos de quejarse, el grupo parecía contento teniendo tanto invitado, por lo que Segall acabó recomendando a seguridad que no se molestasen en intentar sacarlos de allí.

A partir de ese momento, la actuación fue un caos entretenidísimo en el que la banda aguantó el tipo musicalmente a las continuas acometidas del público. Los mejores temas de Manipulator iban siendo despachados, triundando toda canción en la que

hubiese algo a lo que agarrarse para empujar, saltar y gritar. Con el piso de debajo de la sala completamente a reventar, los de corazón débil tuvieron que buscar refugio en una planta alta a la que no llegó volando algún cuerpo de milagro.

Con un catálogo tan extenso como el de Segall, sorprendió que el setlist estuviese tan centrado en un solo disco. De todas formas, hubo tiempo para desempolvar canciones como ‘Thank God For The Sinners’ o ‘I Bought My Eyes’, que ya pueden ser catalogadas como antiguos clásicos dentro del universo Ty. Y a medida que avanzaba el concierto, el propio Segall se iba involucrando más con el público, llegando a saltar del escenario varias veces para tocar la guitarra mientras le sujetaban.

El suceso más inesperado llegó en ‘Girlfriend’, corte de Melted (2010, Drag City). Un joven asistente le pidió a Ty tocar la guitarra, a lo que el californiano accedió encantado, prestándole así su Gibson. Mientras el chaval se entendía con Mikal Cronin y el resto del grupo, Ty se lanzaba al público para cantar entre la multitud.

Rematando con ‘I Wear Black’, el cuarteto se fue ovacionado hasta por los camareros de la sala.

Si cometemos la imprudencia de valorar la obra de Ty Segall dentro del contexto histórico del rock alternativo, podríamos decir que ya se ha ganado figurar entre los nombres más importantes del género. Da igual la forma en la que se presente o el palo que le dé por tocar; siempre excede las expectativas y no parece que haya alcanzado su techo. Ya no hay que tratarle como al joven indie de la promiscuidad artística, sino como a una leyenda de su movimiento. Y si no te vale por lo que hace en sus discos —que debería—, asiste a uno de sus conciertos y saldrás convencido.

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El Kutxa Kultur Festibala volvió a cautivar a todos los asistentes al monte Igeldo a lo largo del pasado fin de semana, tanto a los primerizos como a los que habían asistido en anteriores ocasiones a la cita. El tiempo acompañó y el espectáculo musical combinado con el envidiable paisaje que presenta el alto donostiarra logró atraer a un variopinto público de todas las edades. Desde familias en busca de un día diferente en un antiguo parque de atracciones hasta los que nunca eluden las citas musicales destacadas de su ciudad. Un crisol de personalidades atraídas o no por la música que tiene como resultado el concepto de festival europeo al que no estamos muy acostumbrados a ver por aquí.

Pudiendo disfrutar de todos los conciertos sin agobios y desde lugares muy diversos, la cuarta edición del festival supo conjugar a la perfección propuestas más exclusivas junto con otras propias de la habitual maraña festivalera. Un festival que sabe aprovechar muy bien las posibilidades de su entorno y los recursos de los que dispone a la hora de confeccionar su cartel.

Vamos, lo que debería ocurrir en todos los lados para que un evento sea viable y de calidad al mismo tiempo.

Comenzamos repasando lo que ocurrió en la tarde del viernes, cuando los rayos de sol incidían con fuerza sobre el recinto y la afluencia de público era bien escasa. Grises tuvieron la misión de abrir el escenario principal y animar a los allí presentes. Tras girar todo el verano en los festivales peninsulares, les llegaba la hora de jugar en casa y hacer valer sus bazas en directo.

Su concierto en el Kutxa Kultur estuvo marcado por la combinación de los temas de sus dos últimos trabajos junto con el carácter que siempre intentan ponerle en directo. Synth pop resultón y de letras enigmáticas que atrae a buena masa juvenil pero que a las tres o cuatro canciones rompe todo tipo de sorpresa inicial. Algo muy diferente, con influencias también claras pero mucho más enfocadas hacia el pop de color rosa, nos encontramos con Bassmatti y Vidaur.

Con la ayuda de sus guitarras y grabaciones de arreglos varios, desgranaron los temas que contiene su primer trabajo Melodías Concertantes. Canciones certeras sobre amor, melancolía y conversaciones con una taza de café delante.

El encanto norteño de su música desplegó su máximo esplendor en un lugar como aquel, metiéndose en el bolsillo a más de uno con canciones como ‘Dj Invitado’.

Aún no era de noche, ni mucho menos, pero Toy hacían su aparición en el escenario para intentar hacer que la luz se volviese cuanto menos algo más tenue. Ataviados en un riguroso negro, a excepción de su teclista Alejandra, hicieron que su hipnótica propuesta fuese más que convincente, ofreciéndonos uno de los conciertos más disfrutables del festival.

Toda la maraña de intensas distorsiones de su último trabajo en directo se transforma en algo más accesible sin perder su esencia guitarrera.

Arrancando con ‘Conductor’, el tema instrumental que abre su último trabajo, demostraron que podían hacernos caer cuando ellos quisiesen en algo muy siniestro y propio de gente cercana a Joy Division. Su lado más melódico y de riffs más limpios se mostró rápidamente con ‘Colours Running Out’, sonando mucho más directos que en sus grabaciones de estudio. Entre loops cada vez más desmesurados y una perfectas y oscuras armonías vocales, encararon el final del concierto con temas tan redondos como ‘My Heart Skips a Beat’ para rematar de la forma más frenética posible con ‘Join the Dots’.

Mientras sonaban los últimos acordes de Toy, Sean Nicholas Savage comenzaba a mostrarnos su elegancia y envolvernos en su dulce tropicalismo. Acompañado únicamente de otro músico a la batería electrónica, nos ofreció una nueva lección de su particular genialidad, que tanto nos atrapa a algunos y que tanto repele a otros (creemos que será por envidia). El canadiense se conoce a la perfección cada acorde de su guitarra, sabe recrearse a la perfección en cada melodía y ofrecer ese especial falsete que para nada lo parece. Centrándose en la primera parte del concierto en su último trabajo, nos brindó momentos de auténtico boogie con ‘The Rat’ intercalados con cálidas melodías caribeñas en ‘Naturally’. Una amplia gama de beats reconfortantes y una colorida languidez que salía a relucir en cada momento del concierto. Así fue como el estribillo de ‘Bermuda Waterfall’ estremecía y causaba placer al mismo tiempo.

Una combinación bipolar, difícil de lograr con tan poco.

La recta final del concierto buceó en apartados más introspectivos y de aún mayor protagonismo vocal del canadiense de la mano de ‘Like a Baby’. No pudo cerrar de forma más desgarradora que con ‘She Looks like a You’, elevando al máximo la siempre ineludible parte escénica de su propuesta.

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Después de los Pains, llegó el turno de Perro en el escenario. Su original y atrevida propuesta basada en combinar melodías de baja fidelidad, ritmos contundentes y guitarras desaliñadas, tuvo como resultado otro concierto de carácter festivo. Las canciones de Tiene Bacalao, Tiene Melodía, en directo adquieren aires más convulsos que provocan que nadie pare quieto.

Canciones como ‘Marlotina’, por fin adquirieron completo sentido entonando ese grito de “Valeri Karpin” en la ciudad que desarrolló la mayor parte de su carrera futbolística. Agitando también a las masas llegaron El Columpio Asesino para centrar su propuesta en los temas de su último trabajo. Arrancando con ‘Babel’, los navarros trasmitieron en todo momento esos tenebrosos pensamientos que contienen sus temas. El protagonismo adquirido por Cristina en el estudio, también se materializó en un directo donde ella es la gran protagonista a los mandos de la batería electrónica. Elegancia junto con ese punto de femme fatale que siempre le ha acompañado para que canciones como ‘Ballenas Muertas en San Sebastián’ suenen muy afiliadas. Echando mano a sus temas más populares en el tramo final del concierto, supieron llevar a la perfección al público a su terreno.

Sin lugar a dudas, uno de los momentos más destacados del festival tuvo lugar en el Teatro Abandonado, lugar escogido para que Kokoshca ofreciesen dos conciertos inolvidables y arrolladores. Pongámonos en situación. El Teatro Abandonado es una especie de sótano con capacidad para 60 personas, aún más decadente que el propio parque de atracciones, decorado con unas cuantas plantas, luces de colores tenebrosas y una pianola con un muñeco que parece salido de la película La Casa de Cera. Con todos estos ingredientes, resulta muy difícil que un concierto de Kokoshca no resulte una experiencia reflexiva y a la vez reconfortante. Un clima extrañamente tropical en el que la voz y dulzura de Amaia y la batería de Álex recorrían cada rincón. El set que escogió el grupo abarcó las canciones más inquietantes y fantasmagóricas de su discografía como ‘Hay una Luz’ o ‘El Péndulo’, uno de los temas más polvorientos de los que sonaron. Un fondo brumoso que acompañaba a la perfección las estridencias de los teclados presentes en ‘Prefiero Golpes’.

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Con versión sorpresa de ‘Historia de un Amor’ de los Panchos, nos hicieron ver esa capacidad para que cualquier canción se torne aún más amarga y doliente. Entre tantas tinieblas e historias del bosque, llegaron los momentos de alto impacto con ‘Directo a tu Corazón’. Seguramente hasta verla interpretada en directo, no me había dado cuenta del hit potencial que es.

El fin de fiesta llegó con gran parte del público en el escenario cantando a pleno pulmón algo tan vigoroso como es ‘La Fuerza’ y toda una declaración de intenciones contenida en ‘No Volveré’. Un concierto que pasó de pasó de una atmósfera tormentosa a una épica en cuestión de muy pocos segundos y que nos dejó una huella muy grande dentro de este Kutxa Kult A la noche todavía le quedaba otro concierto de enorme belleza como fue el que ofreció Jacco Gardner en el escenario secundario. El holandés se presentó con su habitual banda más Frank Maston a los teclados para volver a teletransportarnos a una época de fotografías polaroid.

Recorrió magistralmente las canciones de Cabinet of Curiosities a base de todos esos teclados vintage, guitarras apagadas y coros espirituales. Un concierto en el que el propio Jacco se sentía muy emocionado por todo lo que podía percibir desde el escenario. El sonido de las olas lógicamente no llegaba a Igeldo, pero ese efecto tan anestesiante que contienen temas como ‘Summer’s Game’ nos puso en nuestra cabeza el agua chocando contra las rocas.

En cambio otros como ‘House on the Moon’ tuvieron un efecto más espacial con una distorsión de voz perfecta. Tampoco faltaron momentos emotivos y de carácter ciertamente infantil como ‘The Ballad of Little Jane’. Un ambiente agradable y relajado que aprovechó el bueno de Jacco para introducirnos dos nuevos temas que estarán en su próximo trabajo que verá la luz en 2015. Precisamente después de este directo, el último de su gira estival, entrará al estudio a grabarlo. Dejando cada vez más rienda suelta a la guitarra de Ben, la banda se adentró en la fase final del concierto ofreciéndonos una visión más roquera, algo así como despertarnos de un sueño para llevarnos a otro más intenso.

Esperemos que nos siga haciendo disfrutar tanto en próximos directos y grabaciones.

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El punto final del festival lo pusieron unos Planetas que al igual que hicieron en el Sonorama pecaron de un repertorio monótono hasta bien llegado el tramo final del concierto. Por el contrario, el público festejaba cada comienzo de tema reviviendo sus bonitos años 90. El momento álgido de su actuación se alcanzó cuando J le dedicó al desaparecido Pedro San Martín ‘Toxicosmos’, brindándole un bonito recuerdo a la que fue una de las figuras musicales más activas de la ciudad. Soltando su mejor baza al final, demostraron que siguen viviendo de las rentas y que poco parece importarles a ellos y a sus fans.

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Atoms For Peace Mindies.es

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El miércoles 17 de abril teníamos cita

con Thom Yorke y Nigel Godrich en la sala Razzmatazz de Barcelona. Abrían puertas a las 21h, así que pensamos que ir a las 19:30h sería suficiente para hacer cola pero tampoco demasiada. Al llegar allí nos sorprendió mucho ver que sólo había unas diez personas delante de nosotros, puesto que yo creía que los superfans de Yorke llevarían horas sentados al Sol para verle.

Mejor para nosotros.

A las 21h abrieron puntuales, y al entrar y ver las enormes vallas de primera fila que separaban al público del escenario, decidimos subirnos al lateral derecho para verlo todo mejor. La sala se iba llenando sin prisa pero sin pausa mientras un Baldo pinchaba ya en el escenario. Con la sala ya llena, entró el segundo de los djs, Nathan Fake.

Finalmente hacia las 23h la sala enmudeció para dejar que los protagonistas de la noche entrarán en la sala. Yorke y Godrich se posicionaron detrás de la mesa y empezaron con ‘Ingenue’. Mientras empezaba la canción, ya podías ver cómo seguiría el concierto: dos amigos en el escenario han venido a pasárselo bien. Estuvieron hablando entre ellos, bromeando e incluso equivocándose. Casi no podías ver que en ese escenario se encontraba el vocalista de una de las mejores bandas del mundo, si no a alguien que quería disfrutar bailar y tocar música sin presión alguna.

Yorke no tardó mucho en salir de detrás de la mesa para acercarse a ambos lados del escenario a saludar a esos fans que enloquecían cada vez que el cantante de Radiohead se acercaba a ellos. En los primeros conciertos de Atoms for Peace Yorke apenas salía de detrás de la mesa de mezclas, pero en este concierto ya pudimos ver que él no sabe estarse quieto, y salió sempre que pudo a bailar y cantar ante todos.

Pudimos escuchar ocho temas de AMOK, entre ellos ‘Before Your Very Eyes’, ‘Dropped’, ‘Amok’ y ‘Default’, pero también sonaron algunos de los temas del disco en solitario de Thom, The Eraser: ‘Black Swan’, ‘The Eraser’, ‘Skip Divide’, ‘Atoms for Peace’ y ‘Harrowdown Hill’. Musicalmente poco puedo decir, sonaron bien, ¿pero cómo iban a sonar sino?

Todo estaba hecho a base de mezclas y ordenadores, a excepción de aquellas dos o tres veces que Yorke cogió la guitarra, como por ejemplo en ‘Before your very Eyes’. En cuanto a puesta en el escenario cabe destacar las imágenes de fondo que acompañaban a la música, unas videoproyecciones hechas por Tarik Barri que encajaban a la perfección con todo aquello que iba sonando. No era nada novedoso, pero estaba hecho a medida para la música de Atoms for Peace.

Los baileoteos espasmódicos de Yorke tenían algo, no sabría como describirlo, pero había algo dentro de mí que me invitaba a bailar como él, tenía una energía contagiosa que hacía que te lo pasaras bien, que disfrutaras viendo como disfrutaba. En definitiva, te encontrabas ante un concierto donde dos personas acompañadas de imágenes, disfrutaban pinchando su música, y como si en una reunión de amigos estuvieras, te lo acababas pasando genial.

Primero dudé…Pensé: Uf…dos horas viendo a dos tocando detrás de una mesa puede ser un palo… Pero estaba equivocada señores, disfruté a pesar de que el concierto en sí, no tenía demasiado.

El concierto acabó, y un par de minutos después de que los asistentes estuviésemos aplaudiendo y silbando, volvieron a entrar Godrich y Yorke. En este “bis” no escuchamos ninguno de sus temas, si no que estuvieron pinchando canciones como si fueran los djs de alguna sesión, fue algo muy raro. Era ya muy tarde, y al día siguiente trabajábamos así que desgraciadamente no pudimos ver como acabó todo, pero tampoco nos hizo falta, el buen sabor de boca se vino a casa con nosotros.

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M O R R I S S E Y En Madrid Mindies.es

Había pasado demasiado tiempo desde la última vez que Morrissey vino a Madrid. Y cundía el pánico, claro. El carismático cantante, famoso por cancelar el 70% de sus conciertos y aplazar el 30% restante, concedió una entrevista recientemente en la que admitió que su salud se encontraba en un momento delicado. Al igual que su carrera, puesto que su discográfica Harvest le ha despedido tras las duras críticas que ha dirigido hacia el director del sello, alegando que la promoción realizada para su último disco —el notable World Peace Is None Of Your Business— había sido insuficiente, siendo esta la razón para su relativo desplome en las listas de ventas.

Al no haber telonero, el escenario estuvo ocupado por una pantalla en los momentos previos a la actuación de Moz. Y no fue mala idea, puesto que los videoclips de los Ramones, New York Dolls o el propio Morrissey despertaron a más de uno. Puntuales como pocos, los componentes de la banda salieron a escena luciendo unas camisetas con el logo “Mad in Madrid”, haciendo referencia a ‘The Bullfighter Dies’, canción explícitamente anti-taurina que fue de las más coreadas.

El comienzo no pudo ser mejor. La batería de ‘The Queen Is Dead’ abría la veda y la voz de Morrissey sonaba mucho mejor de lo que se puede esperar de alguien con tantos años y problemas a cuestas. Además, su grupo se desenvolvía a la perfección sobre el escenario aun tratándose de un tema de los Smiths. La siguió ‘Speedway’, última canción de su importantísimo y recientemente reeditado Vauxhall and I (1994, Parlophone), que ya se ha convertido en un número clásico y esperado de sus directos y cuya letra venía al dedo por todo lo que se ha estado escribiendo del mancuniano en los últimos días: All of the rumors / Keeping me grounded / I never said that they were / Completely unfounded / And all those lies / Written lies, twisted lies / Well, they weren’t lies.

Aunque muy centrado en su último trabajo, el setlist trató de cubrir toda su carrera. De esta forma, ‘The Bullfighter Dies’ fue seguida por ‘Ganglord’, cara B del 2006. Con un español más que correcto y su habitual humor sarcástico, Morrissey iba entreteniendo al público entre canción y canción. “Gracias por tratarme como si fuese casi humano”, dijo poco después de interpretar una enorme ‘I’m Not a Man’ que huele a que va a ser una huésped fija de sus setlists. De principio lento que se va convirtiendo en un crescendo épico a medida que pasan los minutos, ‘I’m Not a Man’ acabó por mostrar al Morrissey más cómodo sobre las tablas.

Trasladadas al directo, sus últimas canciones demuestran que han sido mal ponderadas por muchos y que sí están a la altura del resto de su carrera. De todas formas y como medida de prevención, siempre estuvieron intercaladas entre hits de pasados discos. Habiendo terminado de darle un repaso a World Peace Is None Of Your Business y al resto de su carrera en solitario, Moz y su grupo intentaron cubrir el enorme hueco que dejaron los Smiths hace más de veinticinco años. ‘Meat Is Murder’, nada fácil de trasladar al directo, estuvo acompañada de unas duras imágenes de animales siendo despedazados en el matadero. Después de todo, ya sabemos que Morrissey es tan músico como adoctrinador, por lo que la sorpresa fue prácticamente nula.

El bis lo comenzó una de las canciones más melancólicas del repertorio de los Smiths —que ya es decir—, ‘Asleep’. Con solo un piano y percusión mínima acompañándole, la voz de Morrissey sonaba tan afectada e hiperbólica como en sus mejores días, sacándole las lágrimas a más de uno. Decidieron terminar con otra obra maestra, una ‘How Soon Is Now?’ que tampoco echó tanto de menos a Johnny Marr como nos hubiésemos imaginado. Quitándose la camisa para entregársela al público y dedicando unas cuantas reverencias, Morrissey salió decidido del escenario.

Tras abandonar el recinto y comprobar de nuevo que ya tiene 55 años, se hace difícil creer que el ídolo inglés tiene problemas de salud. Lo de anoche fue un auténtico despliegue de talento, tanto por su parte como por el grupo. Sin pegas que poner ni nada por lo que quejarse, solo queda decir que habrá que olvidarse del personaje y quedarse con el músico, que ese aún tiene mucho por hacer.

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Los Ganglios

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llos nos volvemos hurracas hipnotizadas.

Una banda insólita en el panorama mundial que transmite en sus canciones cualquier suceso extraordinariamente cotidiano. Canciones dotadas de un surrealismo feroz que en el fondo guardan una estrecha conexión con todo lo que nos rodea.

Desde sucesos futuristas en ciudades como Badajoz, hasta curiosos congresos en Oriente sin olvidarnos de los recuerdos propios de Aragón. Hace un par de meses, gracias al mecanismo de crowdfunding, han editado su tercer trabajo que lleva por título Lubricante. 14 nuevas y chocantes canciones en las que nos siguen contando cualquier hecho inverosímil que se preste.

Con la excusa del nuevo trabajo ha llegado el momento perfecto de entrevistarlos a fondo. Estas son todas sus respuestas.

Lo primero de todo daros la enhorabuena por vuestro nuevo trabajo.

Lo habéis vuelto a conseguir. Antes de nada, ¿cómo surge la portada de Lubricante y quién la ha diseñado? ¡Gracias Noé! A la portada le dimos muchas vueltas. La tipografía vasca con tejadillo ha estado presente desde el principio, es una fuente que nos hace gracia, supongo que por ser tan exclusiva/representativa de un lugar. Como nosotros no somos vascos ni tenemos mucha conexión directa con Euskadi (este verano hemos estado allí por primera vez), y por lo tanto esa letra no nos representa en absoluto, nos pareció ideal para escribir el título del disco. La imagen sí que ha ido cambiando.

La primera idea fue construir el logotipo en escayola y fotografiarlo sobre negro.

Luego hicimos un cuadro de una matanza, Rafael y Leli sujetando al cerdo y Xoxé con el cuchillo, de fondo la ciudad radiactiva Pripyat. También estuvimos trabajando en un Don Quijote emparedado que asomaba la cabeza a través de la pantalla de la tele. Y en una aceitera metálica. Acabamos deshechando todas esas ideas al encontrar la que se convirtió en portada, un dibujo de un hombre calvo de espaldas, fumando algo y escuchando música en un gramófono grasiento. Está inspirado en un sueño de Rafael. El dibujo está hecho en una madera muy grande y luego fotografiado. El título holográfico fue un capricho, nos encanta ese espectro arcoirisado de cromo de bollycrem, nos trae recuerdosbonitos de la infancia, ante sus deste

Supongo que tendíais un montón de canciones candidatas a entrar a este nuevo trabajo. ¿Hicisteis una especie de selección o teníais muy claro en todo momento las que queríais que estuviesen en Lubricante?

Lo teníamos más o menos claro. Hicimos la lista de 12 canciones antes de empezar a trabajar, y fuimos tachando hasta que estuvo el disco terminado. Supongo que fueron surgiendo algunas dudas sobre si meter o quitar tal o cual canción, pero ya ni me acuerdo. Estamos muy contentos del contenido final del disco, no nos sobra nada. El orden de las canciones lo establecimos junto con Patxi Goñi, de nuestra discográfica GOR, que es muy hábil con ese asunto. Xoxé quería hacer un orden conceptual que hubiese sido una cagada.

De nuevo en este trabajo volvéis a mezclar géneros de una forma innata. Desde el toque Fangoria de ‘Don Quijote P’ hasta los aires de Moby en ‘Viejo Sátiro Hipertenso’. ¿Tenéis en cuenta vuestros gustos musicales a la hora de incorporarlos a vuestra música?

Claro, aunque no del modo “me gusta esto, voy a copiarlo”. En casa nos gusta poner Miguel de Molina, Rocío Jurado, Eskorbuto, Mocedades, Aute, Chiquetete, Carlos Cano, Lalo Rodríguez, cosas poco modernas por decirlo de alguna manera. Más que la música s más el texto de las canciones lo que nos da soplos de inspiración, la manera de contar algo que tiene cada artista, hay mucha variedad en las narrativas, muchas maneras diferentes de abordar los temas. Es un asunto apasionante. Para bailar nos gusta el “techno dureza” y el folklore, las tarantellas, los pasodobles. Pero es que en realidad nos gusta todo, cada música tiene su momento. Bomba de King África es ideal para poner después de las doce uvas.

Xoxé estaba seguro de que se conseguiría el dinero necesario. Rafael y Leli dudaron más, son más pesimistas. Y bueno, al final sacamos bastante más de lo que pedíamos, y hay que decir que lo invertimos todo en hacer una edición más lujosa de lo planeado en un principio (carpeta doble, tinta holográfica, camisetas buenecitas…)

Este nuevo disco ha sido producido, mezclado y remasterizado por Pepe Coca. ¿Por qué decidisteis contar con él a la hora de realizar estas labores?

“Lo invertimos todo en hacer una edición más lujosa de lo planeado en un principio” Queríamos que nuestro tercer disco fuera más homogéneo que los dos anteriores, y creímos que era importante trabajar con alguien que supiese mezclar mejor que nosotros. Rafael conocía a Pepe de unos talleres de reparación y construcción de instrumentos electrónicos (BEFACO, en Barcelona). Escuchamos lo que él hacía con su grupo POSITIF y nos pareció que sonaba muy cristalino, y un poco de transparencia era lo que nuestras habituales producciones opacas pedían en ese momento. Además él había trabajado en un estudio de masterización para vinilos. Delegar en él ciertas cosas ha sido un alivio, y el resultado es muy satisfactorio, creemos que es un disco coherente para escuchar del tirón.

Tercer trabajo y las buenas ideas compositivas permanecen intactas. ¿Habéis intentado centrar vuestra atención en otro tipo de acciones para obtener inspiración para las letras? Por ejemplo estoy pensando en personajes históricos como El Quijote o El Cid que de cierto modo aparecen en estos nuevos temas.

Hemos hecho lo mismo de siempre, darle una oportunidad a cualquier ocurrencia para convertirse en canción. No es que vayamos buscando lo raro, si encontramos algo que nos hace reír lo apuntamos y lo desarrollamos, luego lo pulimos un poco.

Nos gusta el tema de la muerte tratado de forma irreverente y tierna. Siempre buscamos un resultado poético y algo humorístico, que tenga cierta profundidad y que no sea un chiste fácil.

Siempre me llama mucho la atención la forma en la que adaptáis las canciones de los vídeos de youtube a lo que luego es la versión de estudio. Ahora mismo estoy pensando en ‘Viejo Sátiro Hipertenso’. ¿Os resulta difícil arreglar estas canciones que parten prácticamente solo de la melodía?

Sí, tiene mucho trabajo arreglar una canción como esa. Puede que Viejo Sátiro sea la que más quebraderos de cabeza nos ha dado, no encontrábamos un estilo que nos gustase para ella, además es difícil de cantar porque la melodía baila mucho. Estuvimos pensando en buscar a alguien que la cantase, le escribimos a algunos cantantes famosos (de cuyo nombre no quiero acordarme) para pedirles el favor, pero pasaron de nosotros como de la m_ _ _ _a. Y bueno, al final la cantó Xoxé y no le salió muy mal.

Otra gran novedad en este disco es la campaña de crowfunding que lanzasteis. ¿Creísteis en algún momento que el listón era muy alto como para poder lograrlo?

En el disco nos hemos llevado la sorpresa de que Lorena Álvarez participa en ‘Al final’. ¿Cómo la conocisteis y cómo surgió la idea de grabar un tema con ella?

Era navidad, ella iba cargada de paquetes,

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nosotros también, y con tanto paquete no veíamos bien por donde íbamos, y al doblar la esquina: ¡PUMBA! Todos los regalos por el suelo, y los tres ganglios por el suelo, y Lorena fue a parar a un cubo de la basura. La ayudamos a salir de allí, y nos fuimos para casa con los paquetes cambiados, así que tuvimos que llamarla para arreglar el entuerto y entonces ya nos hicimos amigos. La idea de que ella participara en el disco surgió una mañana, sin más, la llamamos y aceptó encantada. Luego, según cantaba, quería cambiar trozos de la letra, sobretodo quería eliminar el trozo en el que ella se suelta el pelo, le parecía un acto bochornoso, prefería que se lo soltase el tío. ¡La admiramos mucho! Es una poetisa muy sincera y talentosa. ¡Y alegre!

Vuestras canciones tocan un montón de temas y diferentes tipos de personas. Un claro ejemplo es ‘Calvario’. ¿Os ha pasado alguna vez que alguien se haya sentido ofendido y os lo haya manifestado?

No directamente, pero tenemos constancia de maños ofendidos porque no nos gustan las golosinas zaragozanas. Los calvos que participaron en el videoclip de CALVARIO son amigos de nuestros padres, y participaron encantados y a ciegas, sabían que el asunto iba sobre calvos, pero no habían escuchado la canción. Una vez que lo han visto montado y publicado se lo han tomado muy bien, son gente con humor.

El otro día en vuestro directo en Valladolid, cuando Rafael se arrancaba a tocar de un modo muy punky mientras vosotros metíais bases y demás, me di cuenta de que el punk y el bacalao pueden fundirse y equivocarte en momento determinado.¿Os ha pasado a vosotros estos de que dos géneros aparentemente muy distanciados tiendan a juntarse?

Bueno, a nosotros nos gusta Eskorbuto y nos gusta el bakalao más infame, nos hace sentir lo mismo, hervor en la sangre. En ese sentido se parecen. ¡Y al techno también se le puede dotar de textos que cuestionen el p_ _o sistema opresor capitalista!

A pesar del aviso de que las caretas gigantes de Jacques y Félix no se regalan en los conciertos, ¿alguna vez ha habido amago de ser sustraídas por parte del público?

Antes de que les escribiésemos por detrás “NO SE REGALAN” siempre se las quedaba alguien del público, y teníamos que hacer caretas nuevas para cada actuación.

Llevan cartón pluma para darles cuerpo, osea que baratas baratas no salen. Con ese aviso escrito a rotu nos hemos ahorrado miles de pesetas.

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Hace cosa de un mes o así, nos enseñasteis a través de las redes sociales como transcurrió vuestra estancia en el hotel Rausán. ¿Cuántas veces habéis estado en este hotel y cuál ha sido vuestra mejor estancia? ¿Son conscientes desde la dirección del hotel que aparece en uno de vuestros temas?

En el bar/tienda Rausán hemos estado 1000 veces, pero en el hotel Rausán solo hemos estado una vez este pasado septiembre, íbamos muy cansados de conducir y se nos hizo de noche, aún quedaban 300 kilómetros hasta Barcelona y… ¿Qué mejor sitio para pasar la noche? En la recepción fueron muy amables, nos regalados unas fundas de plástico para meter los pasaportes, con su logotipo impreso en blanco En la habitación había peines con el logo, esperábamos encontrar toallas rausanianas, pero eran toallas normales, eso nos decepcionó un poco. Por la ventana se veía el techo de la gasolinera y a lo lejos montes pelados. Fue una estancia muy grata, y lo digo sin ironía. Los trabajadores del hotel, que nosotros sepamos, no han visto el video ni escuchado la canción.

“El cerebro humano fusiona conceptos aparentemente inconexos y forma con ellos algo nuevo y autónomo. A la hora de crear es interesante no manipular mucho las materias primas” Dentro de Lubricante aparece un círculo con las caras de todos los que han participado en el crowfunding. Entre ellas caras famosas como la de Joe Crepúsculo.

Estoy intrigado por conocer más datos sobre la cara de la hormiga atómica que aparece. ¿Se puede desvelar al menos de qué país o comunidad autónoma pertenece el individuo?

Es Ferdy la hormiga, son dibujos animados alemanes, representa un poco a nuestro amigo Juan Félix… Es valiente, inteligente, tiene gran valor, el más querido de sus amigos… ¡El mejor! Aquí podéis echarle un vistazo.

En el fondo, aunque vuestras canciones puedan parecer muy descabelladas nos muestran realidades comunes para todos. Por ejemplo, lo que contáis en ‘El Canario’ yo creo que nos ha pasado alguna vez a todos. ¿Creéis que aunque una letra sea muy surrealista siempre hay puntos en común que encajan para la mayoría de humanos?

El cerebro humano fusiona conceptos aparentemente inconexos y forma con ellos algo nuevo y autónomo. Palabras e imágenes al azar son muy estimulantes, creemos que a la hora de crear es interesante no manipular mucho las materias primas para que el sentido de las obras (canciones, vídeos, o lo que sea) quede lomás abierto posible, y que sea ya dentro de la cabeza de cada uno donde los símbolos florezcan y cobren dimensiones.

A parte de crear vuestros temas, también tenéis un espacio habilitado en la web destinado al videoarte. ¿Cómo surge la idea de realizar estas pequeñas obras cinematográficas repletas de humor?

Estas piezas las hacíamos antes de empezar a hacer videoclips musicales, antes de ser Los Ganglios. Los hacíamos por puro goce y porque sí, que es como deben hacerse estas cosas raras para que queden bien. Si las haces para un fin cocreto o para alguien se mustian y salen mal En apenas un año habéis conseguido logros muy importantes como llegar al Primavera Sound o tocar en una ciudad tan inexpugnable artísticamente como es Valladolid. ¿Cuáles son los objetivos a corto plazo si es que se os ocurre alguno?

Actuar por toda España, y en los ratos libres seguir haciendo canciones y videoclips.

Hace unas semanas todo esto de hacer chistes o memes con el ébola en las redes sociales esttuvo muy de moda. ¿Qué os parece a vosotros este asunto?

Ese asunto no nos ha hecho gracia.

En todas nuestras entrevistas, siempre nos gusta que el entrevistado deje una pregunta al siguiente a entrevistar. ¿Cuál es la vuestra? ¿Qué es más sexy, la ética intachable o la integridad moral?

Del mismo modo tenemos una para vosotros de los norteamericanos Protomartyr.

Dice así: ¿Un cowboy entra en la ciudad en sábado. Permanece allí cinco días y deja la ciudad en sábado. ¿Cómo es esto posible?

Gracias a las espuelas nanocuánticas de Higgins.

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Hace pocos meses nos enteramos de tu nuevo proyecto Minor Alps, en el que participas junto a Juliana Hatfield. Creo que por las canciones que he oído, se puede apreciar que son temas mucho más suaves -en el buen sentido de la palabra- que los de Nada Surf. De todas formas, sí que se pueden encontrar similitudes con discos como ‘Lucky’. ¿Crees que este debut de Minor Alps está muy marcado por algunos de los discos de Nada Surf?

Bueno, soy la misma persona, así que es natural que algunas canciones puedan sonar similares. Nunca quisimos sonar más suaves deliberadamente, pero es que nunca ensayamos con un batería, éramos sólo nosotros dos. Aparte de nosotros, los únicos músicos que colaboraron fueron dos baterías, pero ya vinieron mientras estábamos grabando el disco en el estudio.

Además, la razón por la que hicimos un disco juntos fue principalmente por nuestras voces. Creíamos que había algo que explotar ahí.

“Soy la misma persona, así que es natural que algunas canciones puedan sonar similares” Aunque ‘Buried Plans’ es una canción más relajada y acústica, ‘Far From The Roses’ es más animada, con un estribillo bastante claro y una guitarra muy jangle pop en las estrofas. ¿De qué canción estaría más cerca el disco entero?

Yo diría que es una especie de mezcla entre ambas canciones, aunque sí que hay muchos momentos animados; por ejemplo, hay drum machines en la mayoría de las canciones. Déjame enseñarte el disco entero.(A continuación, Matthew sacó su ordenador portátil y escuchamos partes de cada canción).

Con un nuevo proyecto bajo el brazo, Matthew Caws se encuentra en medio de una gira en solitario por España. El debut de Minor Alps -que así se llama este proyecto colaborativo con Julianna Hatfieldverá la luz a finales de este mes y hemos tenido la suerte de charlar un rato con él en su hotel en la Gran Vía de Madrid para preguntarle sobre este nuevo proyecto, su gira y el futuro de Nada Surf.

Blake Babies, ‘Out There’ del disco Sunburn, que siempre ha sido una de mis canciones favoritas.

“Si te editas a ti mismo, es una cuestión muy emocional: puede que un día sientas que todo lo que has escrito está bien y que al siguiente quieras desechar todo” La nota de prensa definía vuestras voces como un complemento perfecto. A mi parecer, estamos en lo cierto. ¿Resultó sencillo poneros de acuerdo Juliana y tú para componer los temas?

Decidimos cantar los dos a la vez la mayor parte del tiempo, por lo que hay muchísimas armonías en el disco. Pero no sólo eso, también queríamos cantar las mismas notas en algunas canciones. Me encantan las voces en doble pista y estaba deseando usarlas en uno de mis discos. Empezamos a escribir las canciones por separado, pero acabamos editando nuestros temas mutuamente, fue una colaboración total.

Si te editas a ti mismo, es una cuestión muy emocional: puede que un día sientas que todo lo que has escrito está bien y que al siguiente quieras desechar todo. Sin embargo, si lo hace otra persona, es algo que se desliga totalmente de las emociones.

Después de poco tiempo, fue fácil colaborar entre los dos de esta manera: si a uno no le gustaba una línea que había escrito el otro, la desechábamos.

“Lo bueno de empezar un nuevo proyecto es que no hay ninguna expectación ni ningún disco anterior al que compararse”

Diría que la tónica general es más cercana a ‘Far From The Roses’, sin duda. Me ha sorprendido bastante lo mucho que aparecen las drum machines, la verdad es que no me lo esperaba. ¿Verdad? Creíamos que quedaría bien.

Además, es bastante irónico, porque a pesar de que la mayoría de la percusión es “falsa”, el álbum acaba con una batería programada desapareciendo poco a poco mientras entra la de verdad.

¿La idea de empezar un nuevo proyecto surgió porque querías hacer algo nuevo o por tu amistad con Juliana?

Bueno, queríamos tomarnos un descanso con Nada Surf, aunque seguramente volvamos después de Navidad. Ha sido un cambio bastante positivo, que me ha ayudado a refrescar la mente. Lo bueno de empezar un nuevo proyecto es que no hay ninguna expectación ni ningún disco anterior al que compararse.

Los últimos trabajos de Juliana Hatfield demuestran que se encuentra en uno de los mejores momentos de su carrera. ¿Crees que Minor Alps surge en el momento en el que vuestros estilos musicales están más próximos?

Puede ser, pero no creo que sea por eso.

Siempre hemos tenido cosas en común, me acuerdo de la canción que hizo con

¿Crees que Minor Alps va a ser cosa de un solo disco o que seguiréis trabajando juntos en el futuro?

No lo sé, la verdad. Si sale bien, por qué no.

Pero no significa que vayamos a grabar otro disco si nos sale bien. Quiero hacer un disco nuevo con Nada Surf primero, y luego veré si hay alguna canción que pegaría más con Minor Alps.

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“No sabría describirlo bien, pero creo que en España hay una apreciación especial del rock más melódico, el power-pop” Siempre que Nada Surf viene por España se os ve muy cómodos. También se observa que tiene tenéis un público muy fiel, algo nada fácil de lograr. ¿Percibís vosotros un aprecio especial del público español?

Un poco. Tengo que decir que los 5 países en los que más me gusta tocar son España, Estados Unidos, Francia, Alemania y Polonia. No sabría describirlo bien, pero creo que en España hay una apreciación especial del rock más melódico, el powerpop. Por ejemplo, cuando tocamos en un bar o una sala y al final del concierto hay una fiesta, la música es bastante similar a lo que pondría yo en casa.

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“Mi canción favorita española es ‘Gigante’ de Remate” En vuestro disco de versiones ‘If I Had A Hi-Fi’ incluisteis temas de artistas muy diferentes. Quizás la que más me llamó la atención fue la versión de ‘Evolución’ de Mecromina. ¿Cómo conociste a esta banda y qué significa para ti hoy en día?

Daniel me enseñó la canción y yo sugerí que la versionásemos y, bueno, quedó bien. Mi canción favorita en español es ‘Gigante’ de Remate.

Desde aquí tenemos siempre la apreciación de que en Estados Unidos existe una cultura musical muy sólida que permite mayores facilidades a la hora de organizar conciertos y ver a grandes artistas en directo. Tú que lo vives desde el otro lado, ¿crees que esto es cierto?

No creo que sea tan distinto, la verdad.

Creo que es una cuestión de tamaño, simplemente. Aun así, me llevo bien con Los Enemigos y me han contado que siempre que van de gira por España, están bastante tiempo y tocan en muchísimas ciudades.

Ahora estás girando en solitario y en acústico. ¿Resulta difícil cambiar la mentalidad de pasar a tocar en un grupo de rock a coger una guitarra acústica y simplificar los temas?

No mucho, porque con Nada Surf he estado en todo tipo de conciertos: en sitios grandes, en salas pequeñas, más relajados, más alocados…Sí que es muy distinto durante el día, porque, aunque me pueda sentir solo, es como si fuese un turista más.

No tengo ningún tipo de horario, ni tengo que planear a qué hora quedo con los demás en la recepción del hotel.

Esta gira acústica se caracteriza por la cercanía de la propuesta y poder apreciar las canciones de una forma distinta. ¿Crees que todo músico (o al menos todo frontman) debería ofrecer una gira de estas características al menos una vez en su vida?

Si quieren, está bien. Tampoco creo que sea bueno hacerlo siempre, pero no está mal tomarse un descanso de vez en cuando.

Además, es un movimiento algo arriesgado, no todos los frontmen pegarían haciendo una gira acústica en solitario.

Sí, eso es verdad. ¿Te imaginas a Steven Tyler haciendo una gira así? Sería una locura.

“El año pasado estuve escuchando mucho a Father John Misty, también un grupo de Seattle que se llama Telekinesis” Siempre nos gusta saber la música que escuchan nuestros entrevistados, más aún leyendo en una entrevista que le descubriste grupos tan interesantes como las Dum Dum Girls a Dani. ¿Nos puedes decir algún grupo que te haya impresionado últimamente?

Sí, tocamos con ellas en San Diego. También estuvimos con un grupo que te encantará si te gustan las Dum Dum Girls: Grand Ole Party. Hay una canción en especial que me parece muy buena: ‘Look Out, Young Son’. El año pasado estuve escuchando mucho a Father John Misty, también un grupo de Seattle que se llama Telekinesis; de hecho, estoy haciendo un disco con su cantante. También he estado escuchando mucho a Mikal Cronin, Ty Segall, Kurt Vile…

Si por algo podemos destacar la música de Nada Surf es por dar prioridad a las guitarras por encima de cualquier otro instrumento. ¿Crees que hoy en día se está perdiendo la auténtica música de guitarras?

Bueno, en cierto modo sí que es cierto, pero no creo que importe. No pienso que la guitarra necesite ayuda, simplemente queda en segundo plano durante un tiempo y luego vuelve con más fuerza, como pasó con The Strokes y The Libertines.

Sí, realmente desde los ochenta se ha estado diciendo que la música de guitarras se estaba perdiendo, y siempre volvía pocos años después…

Exacto, al final es siempre lo mismo. El ciclo se repite.

“De todas formas, siempre estoy descubriendo música, aunque no sea “nueva”, por así decirlo” De hecho, parece que hay una especie de power-pop revival últimamente: FIDLAR, Wavves, The Wonder Years…¿Algún grupo de este movimiento que te haya llamado especialmente la atención?

Me gustan mucho DIIV y también un grupo llamado Diarrhea Planet, que –pese a tener ese nombre- son muy buenos. ¡Tienen tres guitarras solistas! De todas formas, siempre estoy descubriendo música, aunque no sea “nueva”, por así decirlo. A veces escucho discos antiguos que ni sabía que tenía ahí, o algún amigo me los enseña.

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Barcelona 13/12/13 Delorean + Busy P. Sala Razzmatazz por 13 euros (entrada con consumición).

15/12/13 Neko Case. Sala Apolo por 25 euros.

27/12/13 Lori Meyers + Wiggum.

Sala Razzmatazz por 18 euros.

Madrid 14/12/13 L.A.. La Riviera por 15 euros.

Diciembre

16/12/13 Neko Case. Sala But por 25 euros.

16/12/13 Albert Hammond JR. Joy Eslava por 23 euros.

20/12/13 León Benavente. Joy Eslava por 16 euros.

Palma de Mallorca 27/12/13 Antònia Font (último concierto). Teatre Principal.

Valladolid 20/12/13 Cinema & Music Fest (Tuya, Kiko Sumillera…). Cines Roxy por 10 euros.

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Laetitia Sadier

Fotografía: Jose G. Ojinaga

“Me siento muy afortunada por encontrarme en una posición en la que puedo explorar mi deseo de crear e interpretar música”

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Laetitia Sadier al margen de Stereolab ha conseguido una carrera muy admirable.

Cuatro trabajos en los que se ha acercado por sonidos hasta el momento insondables en sus anteriores proyectos. Adaptando la experimentación a sus diferentes inquietudes y experiencias vitales para lograr siempre trabajos muy diferenciadores.

En este 2014 acaba de edita Something Shines, otra obra de enorme complejidad pero repleta de ideas muy claras. Aprovechando su gira por nuestro país en la que ofrecerá un gran puñado de fechas, le preguntamos por su nuevo proyecto al frente de Little Tornados, su visión de la sociedad y de cómo las cosas deberían cambiar.

Hola Laetitia, ¿qué tal va todo? ¡Hola! Por aquí todo genial. Estoy preparando el equipaje para viajar mañana a España. A ver si no se me olvida ninguna cosa importante… Siempre hay muchos detalles de los que no me debo olvidar.

Recientemente has editado dos trabajos: Something Shines y We are Divine, este Segundo con Little Tornados. ¿Cómo surgió este nuevo proyecto?

El primero Something Shines, editado vía Drag City, es otro de mis trabajos en solitario. En cambio We are Divine es el primer trabajo de Little Tornados, en el que colaboran muchas más personas, por lo que no puedo decir estrictamente que sea mi criatura. También hay mucho amor de las personas involucradas en él.

He leído que en estos nuevos trabajos, te inspiraste en La Société du Spectacle de Guy Debord. ¿Cómo te ayudaron las ideas de este trabajo a componer tus nuevas canciones?

No obtuve inspiración directa de La Société du Spectacle. ¡Es un libro muy difícil de leer! Aunque leí bastante de él y pude apreciar lo elevado y profundo del pensamiento que aparece en él. Contiene un montón de ideas que nos pueden servir para cambiar la sociedad en la que vivimos. La democracia está seriamente dañada, el mercado financiero dicta sus reglas y seguimos llevando nuestras vidas como si nada, igual de ocupados que siempre.

Estamos de alguna forma inmóviles, subyugados e hipnotizados… Mi inspiración proviene de mi deseo de ver una sociedad más concienciada con la realidad que nos rodea. Entender quién articula todo esto, quién está creando esta crisis y quién está sacando beneficio de esta situación. Así es como surge mi deseo de cambiar este sistema.

En los días que corren, con todas estas dificultades económicas y la gran crisis de valores que afecta a muchos niveles de la sociedad, ¿crees que La Société du Spectacle tiene un significado aún más fuerte en estos días?

Sí, efectivamente que lo tiene, porque cuando lo escribió Debord ya se podía ver la gangrena del capitalismo en plena expansión y el crecimiento de esta gangrena encargándose de llevar nuestros límites del consumismo más lejos.

Y lo seguirá haciendo. Así que ahora, mucho más que en los 50 ó 60, tenemos que organizarnos y no permitir que este sistema nos triture como una picadora de carne. Solo lamento que no todo el mundo pueda leer antes de irse a dormir La Société du Spectacle, primero de todo porque el libro es complejo de leer. Estoy segura que hay libros más sencillos que inciden en los mismos puntos, y esos puntos son esenciales para tomar una dirección y organizarnos.

Con Emmanuel he trabajado en los cuatro álbumes y disfrutado mucho con él. Somos como un equipo, nos entendemos uno al otro a la perfección y generalmente tratamos de obtener los mismos resultados estéticos… Creo que formamos un gran equipo. Trabajar con Xavi fue una nueva experiencia. Fue incluido en el proceso de grabación de forma muy cuidadosa y obtuvimos muy buenas pares de él. ¡Si quieres corroborarlo solo necesitas escuchar el disco y juzgar por ti mismo!

La canción ‘Manifest’ que aparece en el primer disco de Little Tornados es una gran declaración de como las cosas pueden cambiar en una mejor dirección. ¿Este tema es algo que querías soltar al mundo y encontrarte el momento perfecto en este disco?

Exactamente. Lo quería transmitir así.

En tu trabajo previo titulado Silencio, incluiste un tema llamado ‘Invitation au Silence’ en el que explorabas lo que sentiste en una iglesia de Zamora. ¿Cómo es posible conectar de una forma tan básica con nosotros mismos y al mismo tiempo tan especial?

No se realmente como esto fue possible.

Simplemente estoy muy feliz de que esto ocurriese. Esa interación con el silencio fue algo increíblemente disfrutable. Me sentí como si estuviese bebiendo agua pura tras días y días sin beber ni una gota. Se apagó como un gran fuego en mí, aportándome claridad y algo de conexión, una gran sensación. Necesitamos conectar con las personas, con el entorno. Es vital para nosotros como seres humanos que somos.

Como hemos venido comentando, en tus canciones nos muestras que el sistema no funciona. Aquí en España, han surgido importantes movimientos como el 15M y nuevas alternativas a los partidos políticos tradicionales. Me estoy refiriendo a partidos como Podemos donde los ciudadanos toman un papel muy relevante. ¿Crees que estas son las mejores opciones para conseguir una sociedad más equitativa?

Sí, Podemos parece una gran opción, aunque todavía no he investigado mucho acerca de ellos. Los indignados también eligieron una gran opción, al menos al principio. Sin embargo, tienes que se resistente y continuar con tus ideas, ser tenaz y los más importante que es ser un número consistente de personas para que las ideas lleguen a buen puerto… Necesitamos un movimiento popular real. De momento, la mayoría de la gente no parece estar dispuesta a llevar un cambio profundo, por lo que hay un movimiento hacia la derecha o la extrema derecha. Hay que estar preparados para el momento en el que el temor general desaparezca.

Hablemos ahora sobre Something Shines. En este nuevo trabajo incluyes sonidos menos orgánicos en canciones como ‘Quantum Soup’ o ‘The Scene of the Lie’. ¿Te apetecía experimentar con sonidos menos frecuentes en tu discografía?

Por supuesto. Siempre estoy detrás de nuevas sonoridades y estados de ánimo para construir cada vez un nuevo yo. En esta ocasión trabajé un montón con un montón de sintetizadores y antiguos órganos y teclados como los krumar, solina, farfisa, gem, los fantásticos hammond…

Después en la producción quería explorar nuevas ideas, como conseguir sonidos orgánicos muy temperamentales. Al final no trabajamos este apartado tanto como hubiese querido… pero, ¿siempre hay una nueva oportunidad, no?

En tu carrera en solitario, empezaste tocando en directo sin ningún músico de apoyo y luego incorporaste a Emmanuel y Xavi, participando también en este nuevo trabajo. ¿Fue fácil trabajar con ellos?

En cada trabajo, parece que vas desarrollando más y más habilidades. Desde The Trip, tu primer trabajo en solitario, hasta Something Shines. ¿Cómo valoras tu crecimiento como artista aparte de una banda tan importante como Stereolab?

Me siento muy afortunada por encontrarme en una posición en la que puedo explorar mi deseo de crear e interpretar música.

Nunca subestimo esto y quiero honrar a lo que hago. Me encuentro muy identificada a quién soy y mi vida en general.

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para el siguiente artista a entrevistar. ¿Cuál es la tuya? ¿Cuál crees que es tu objetivo en lo que creas y a través de lo que creas?

Del mismo modo tenemos una pregunta para ti a cargo de The Mantles. ¿Cuáles son tus influencias no musicales en este momento? ¡Las películas! He visto dos excelentes esta semana. La primera es Tom at the Farm de Xavier Dolan. Es realmente muy vital, honesto y vívido. Lo encuentro muy inspirador.La otra película es algo mucho más antigua y se llama The Cranes are Flying, de Mikhail Kalatozov. Increíblemente bella y otro duro espejo en el que mirarse en cuanto a lo egoístas y no concienciados con la miseria de los otros que podemos llegar a ser. Un buen aviso de como como podemos ser dignos en este mundo y como cuidar del resto del mismo modo que de nosotros mismos.

Muchas gracias por tu tiempo. ¡Disfruta mucho de la gira!

Gracias a ti. ¡Me han gustado mucho las preguntas!

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