Manual fotografia by RACALTE

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Fotografía y Principio de cámara oscura El principio de cámara oscura es conocido desde antiguo. Es básicamente una caja ciega con un orificio; al apuntar con dicho orificio a un motivo X bien iluminado, obtendremos en la pared opuesta al orificio la imagen de ese motivo X. Este fenómeno es consecuencia de la propagación rectilínea de la luz. En este principio físico se basa toda la fotografía desde sus inicios hasta la sofisticación actual de muchísimas cámaras. A esta sencilla cámara oscura luego se le agregaron lentes convexas en el orificio lo que mejoraba la luminosidad y la nitidez de las imágenes. Así fue utilizada por numerosos artistas para obtener croquis de paisajes, naturalezas muertas y construcciones; constituyendo esto los Antecedentes de la fotografía. Luego irían llegando las mejoras tanto en los materiales fotosensibles, como en la parte mecánica: obturadores, diafragmas, etc.

Motivos fotográficos y clasificación Retrato, del latín retractus, es la pintura, imagen o representación de una persona. El retrato más frecuente tiene una expresión plástica (una pintura, una fotografía o una escultura) que imita a la persona real. La intención es reproducir con la mayor exactitud posible el aspecto físico y la personalidad del sujeto retratado. Antes del surgimiento de las técnicas fotográficas, la única forma de captar la imagen de una persona para inmortalizarla era a través de una creación artística. Los primeros individuos en ser retratados fueron aquellos que gozaban de más poder, entre los que se encontraban reyes y sacerdotes. Con la aparición de la fotografía, el retrato se popularizó y se mecanizó, llegando a todas las clases sociales. El retrato es una disciplina que basa su éxito en lograr expresividad en el rostro humano. Por lo general, los retratos sintéticos, con pocos elementos, funcionan muy bien. Aquellos realizados con mayor profusión buscarán complementar la expresión con una mayor información o mensaje, aunque deberán tener asimismo una cuidada distribución de elementos.

Dossiers varios: JOSUF KARSH-E.STEICHEN-MAPPLETHORPE-

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Paisaje Al igual que en la pintura, en fotografía los paisajes han sido un tema constante a lo largo de la historia. Los paisajes son un motivo fotográfico inanimado, estático y de carácter asequible. El paisaje ha sido uno de los motores de la evolución de la historia de la fotografía. La mirada fotográfica más antigua de la que tenemos conocimiento resulta ser un paisaje rural que Nicéphore Niepce nos legó en su Vista desde la ventana en Gras, 1826. Vista urbana o vista natural los pioneros documentaron el desarrollo social de nuestras comunidades partiendo de aquellos paisajes muertos, donde nadie parecía habitar, dando cuenta de las limitaciones técnicas de la época. A estas propuestas fotográficas siguieron otras alternando su influencia. Ello condujo hasta un paisaje tamizado a través de las experiencias formales de las vanguardias o de las demostraciones de dominio del medio de Ansel Adams. La visión moderna del espacio encuentra sus precedentes en la Historia de la fotografía, pero sobre todo en el cambio a la postmodernidad ofrecido por las aportaciones de William Eggleston, especialmente con su uso del color y su preocupación por trasladar la atención fotográfica a ese ningún-lugar-en-particular

DOSSIERS: Fotógrafos que registraron el crecimiento de NY. -Ansel Adams -William Eggleston

Objetivos empleados en la fotografía de paisaje Para realizar fotografía de paisaje, se utilizan distintos objetivos. Podemos usar ópticas denominadas “gran angular”, porque permiten visualizar un ángulo de visión mayor, es decir, podremos incluir en la imagen muchos más elementos de los que podemos observar a través de nuestra propia visión como humanos, además son objetivos que obtienen una mayor profundidad de campo (veremos más elementos nítidos aunque se encuentren muy alejados del punto de enfoque), además nos ofrecerá un efecto de profundidad, es decir, sensación de espacio entre los elementos de la imagen captada.

Naturaleza La fotografía de naturaleza es una modalidad del amplio tema fotográfico que trata de enmarcar en el papel la grandiosidad de los paisajes, la fauna, la flora y los pequeños detalles-Teniendo como primera premisa la Ética fotográfica con los animalesSon de puntos de importancia atener en cuenta en este tipo de fotografía: objetivos para la fotografía de fauna, La profundidad de campo con teleobjetivos, Tipos de escondites (hides) y su utilización, La importancia del camuflaje4

Fotografía publicitaria “Porque en la publicidad la significación de la imagen es con toda seguridad intencional: determinados atributos del producto forman a priori los significados del mensaje publicitario, y esos significados deben ser transmitidos con la mayor claridad posible; si la imagen contiene signos, tenemos la certeza de que esos signos están completos, formados de manera que favorecen su mejor lectura: la imagen publicitaria es franca o, por lo menos, enfática” (Roland Barthes 1992: 30). Es evidente que la publicidad tiene una finalidad clara, bien definida, y de la que todos somos conscientes: vender. La publicidad de un producto es rentable cuando se sufragan los gastos publicitarios con ganancias en las ventas, y desaparecería del mercado si no fuese provechosa para el anunciante. Por ello, el mensaje publicitario y la imagen que contiene están cuidadosamente estudiados y diseñados. En lo que inocentemente puede parecer una simple imagen de la realidad se esconden cientos de signos y símbolos orientados a “atrapar” al espectador

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Fotografía documental Fotografía Documental consiste en imágenes tomadas con propósitos sociales. Con la fotografía documental se pretende registrar e informar acerca de las formas y las condiciones de vida. Las imágenes de la fotografía documental, incluyen las fotos con mayor carácter emocional y generalmente tratan de experiencias e intereses universales.

Tipos de fotografía documental

-Documentación social para archivo.--Reportaje documental - Reportaje de actualidad

Arte Digital Una imagen digital es el resultado visual de un proceso en el que la función de la luz en los soportes químicos de la fotografía o magnéticos del vídeo ha sido sustituido por el cálculo matemático efectuado por una computadora. Desde finales de la década de 1950 las computadoras pudieron tratar sonidos e imágenes. Pese a su inicial limitación de capacidad, el potencial de la nueva tecnología atrajo a numerosos artistas, y actualmente las computadoras están presentes en distintas fases del proceso de creación y reproducción de obras en muchas disciplinas artísticas. La tecnología consiste básicamente en un instrumento o procedimiento que posibilita una creación, y en ese sentido no existe diferencia entre un pincel y una paleta gráfica.

Tipos de Cámaras Ya hemos visto en nuestro apunte sobre “Historia de la Cámara fotográfica” como fue evolucionando esta, como se fueron agregando distintos mecanismos y aparecieron variadísimos modelos. Ahora trataremos puntualmente los modelos que se pueden conseguir en el mercado.

Cámara de Visor Directo 35 mm En esta cámara el dispositivo del visor es independiente del objetivo. En el visor encontraremos un recuadro dentro del cual deberemos incluir el motivo a fotografiar. Es un mecanismo simple, necesita pocos ajustes antes de la toma, las combinaciones de diafragma/ obturador están generalmente representados por símbolos simples, tipo pictogramas, de fácil lectura aun para los niños. Tiene una desventaja que es el error de paralaje; un desfasaje de visión entre el visor y el objetivo, notable al acercarnos al motivo.

Cámara Réflex SLR(un solo objetivo)(Single Lens Reflex) 35mm Cámara de gran precisión. A través del objetivo vemos exactamente lo que obtendremos luego en la película o el sensor. Objetivos intercambiables. Completo control de la distancia de enfoque, la profundidad de campo y la fotometría. Amplia gama de objetivos y accesorios, además de las posibilidades de acoplamiento a microscopios o telescopios, disparo remoto, motor de arrastre, etc. Ausencia de error de paralaje. Podemos decir que es un sistema cuyo manejo es medianamente complejo. Los mejores equipos: cuerpos y ópticas, son por supuesto los más caros.

Cámara de Formato Medio(120mm) 6 X 6 Cámara de Gran formato o Cámara Técnica Esta cámara es en si la vieja cámara con la que trabajaba el pintoresco fotógrafo en siglo XIX, con el paño negro cubriéndolo todo. Por supuesto ha sido rediseñada, empleando nuevos materiales tendientes a hacerlas más livianas y prácticas. Es básicamente una cámara de fuelle con soportes delantero y trasero capaces de llevar el objetivo o la pantalla de enfoque indistintamente. Todo este sistema va montado sobre un monorriel, que hace posibles movimientos de basculamiento, descentramiento y grandes acercamientos. Bien manejados estos movimientos permiten el control total de la imagen, la perspectiva y la profundidad de campo. Existen desde ya modelos plegables que facilitan su transporte, pero estas cámaras en si resultan pesadas, su uso se limita generalmente al estudio. Es decir que tanto su manipulación como su manejo son muy complejos. 7

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La Cámara Digital La inmediatez de lo digital ha revolucionado la fotografía, al hacerla más accesible que nunca. Cualquiera puede fotografiar, es decir capturar lo que uno ve y siente. Sumemos a esto las posibilidades creativas al poder manipular las imágenes mediante una edición medianamente sencilla una vez que ingresamos las fotografías a la computadora. Distintos formatos de archivo. Sumemos también la facilidad de transporte, envío e impresión de estas imágenes digitales. Claro que también esto tiene sus desventajas y es que esta tecnología tiene fecha de caducidad, tanto los equipos como los soportes. Vida útil limitada. Esta es una tecnología acorde a la reinante sociedad de consumo. Al igual que en las cámaras analógicas, existen distintos tipos de cámaras digitales:

Cámara compacta simple Es la simple cámara “apunte y dispare”. Su manejo es súper simple, apto para tomas sencillas, pero su control creativo es pobre.

Cámara compacta avanzada Posee algunos controles manuales de las réflex, pero es más pequeña, más sencilla y menos costosa.

Cámara réflex(SLRD) Al igual que la SLR analógica, posee control creativo muy amplio.

Teléfono celular con cámara Estos sistemas son en los que más adelantos se van produciendo. Cada vez se vuelven más sofisticados.

Acerca de la elección del equipo Lo más importante a la hora de adquirir un equipo fotográfico, son las prestaciones que deberá darnos, según nuestras pretensiones, según para que lo utilizaremos. Si a un nivel amateur o profesional. Si digital o analógico. Es importante un equipo que se ajuste a nuestras necesidades reales, acorde con nuestros conocimientos y la aplicación que a estos les daremos. La cámara será la Herramienta, el vehículo, no el leit motiv.

Cámaras Analógicas Se denomina así a las clásicas cámaras fotográficas, cuyo soporte era fotosensible (película en rollos, casetes, por metro enlatada).

Pocket

Visor directo

SLR

Formato medio

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Gran formato CÁMARAS DIGITALES (CONSUMO)

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Formatos de película Con la desaparición de algunas cámaras como las “Pocket”, han desparecido del mercado también otros formatos de película, como por ej. Los chasis o casetes. Actualmente podemos encontrar película para las cámaras descriptas en el apunte “tipos de cámaras” Estas son: Película de 35 mm. Presentada en rollos de 12,24, o 36 exposiciones. Latas de película continua de 30 metros para rebobinar con cargador. Película de 6 X 6 en rollo con o sin papel. Placas de 10 x 12 cm. Presentadas en cajas y en sobres estancos individuales.

Formatos de Negativo Digital Archivos RAW -

Es un formato sin compresión (una cámara de 8 megapixels producirá un fichero RAW de 8 MB).

Almacena toda la información (sin pérdida) recogida por el sensor de la cámara.

Permite mostrar sombras y luces

Tiene un contraste menor.

Es menos nítido.

No se puede imprimir directamente desde la cámara o sin realizar antes un postprocesado.

Es de solo lectura (los cambios realizados se almacenan en otro archivo)

Si primamos la calidad de imagen por encima de todo y deseamos aprovechar toda la información que nuestra cámara digital sea capaz de recoger, deberemos elegir el formato RAW. Al fotografiar en RAW dispondremos de un mayor control sobre el aspecto de la imagen, pudiendo corregir aspectos como la exposición. Para poder realizar estos ajustes necesitaremos software específico para procesar los ficheros RAW y convertirlos en JPEG o TIFF. Algunos aspectos que podremos manejar serán el balance de blancos, la exposición, el contraste, la saturación, y la calibración de los distintos canales de color, todo ello sin pérdida de información. Algunos programas para editar Formato RAw son: Adobe Photoshop CS or CS2 •

RawShooter Premium

•

ACD See

•

Portfolio Extensis 8

•

iView Media Pro

•

BreezeBrowser Pro

•

Adobe Lightroom

Archivos JPEG Al disparar en modo JPEG, el software interno de la cámara recoge la información suministrada por el sensor y la procesa antes de almacenarla. Se pierde cierta información del color y de la resolución, pudiendo existir más ruido en la foto que en su equivalente RAW. Si la cámara dispone de un modo de disparo en ráfaga, debido al tiempo de procesamiento y almacenamiento de la información, será capaz de disparar más rápido utilizando JPEG que RAW, ya que la parte más lenta del proceso es el almacenamiento en la tarjeta de memoria. Si no deseamos realizar ningún tipo de postprocesado, JPEG es nuestro formato. Cabe destacar, que existen posibilidades de sacar simultáneamente en ambos Formatos, y variando la calidad del archivo JPEG. La selección del formato de archivo dependerá de la capacidad de nuestra tarjeta de memoria, tambiénRAW, es mucho más pesado que JPEG13

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La cámara y sus variables Variables básicas ENFOQUE 1-Anillo de enfoque: se encuentra en el objetivo y puede constar de dos escalas con medidas-en pies (ft) y en metrosDesplaza los cuerpos de lentes (cristales) hasta lograr la nitidez adecuada en el plano focal (sea este película o sensor) 2-Digital: Sistema de enfoque por modos, zona y puntos.(AF)y manual. 3-Obturador: (Velocidad de Obturación) Mecanismo que regula el tiempo de Luz que llega a la película o el sensorConsiste en un mecanismo de laminillas que al oprimir el disparador, se abren, se expone (a la luz) y se cierran a una velocidad determinada. Las velocidades van desde: B-Bulbo-se mantiene abierto el obturador mientras esta oprimido el disparador. Para exposiciones largas, con trípode y cable disparador, control remoto, etc.(para evitar el movimiento de la cámara). 1 (1 segundo) 2 (1/2 seg) 4 (1/4 seg) 8, 15, 30, 60, 125, 250, 500, 1000, 2000,4000 y 8000 Ejemplo.1000 representa 1/1000, una milésima de segundo. Existen 2 tipos de obturadoresObturador Central: Sistema Compur - En cámaras de visor directo. Obturador de Plano focal o de cortina - En cámaras reflex.

Las Vel. por debajo de 1/30 son aptas para fotografías lentas, necesario trípode para evitar el movimiento. Las Vel. por encima de 1/250 son aptas para fotografías rápidas, Frenar el movimiento. El obturador trabaja interrelacionado con el diafragma,y la velocidad a su vez también esta determinada por: La sensibilidad de la película:(ASA-ISO-DIN: Analógica) Sensibilidad/Ganancia de luz:( ISO_DIN: Digital) ESTA COMBINACIÓN: Iso-diafragma-vel.de obturación determina una flujo de luz determinado, conocido como EV. (valor de exposición) Existen EV, equivalentes distintas combinaciones que determinan LA MISMA EXPOSICIÓN, NO LA MISMA IMAGEN.

Diafragma: mecanismo localizado en el objetivo. Es un conjunto de laminillas que permiten regular la cantidad de luz que llega al plano focal. Consta también de un anillo con una escala: 32

orificio pequeño

22 16 11 8 5,6 4 2,8 2 1,4

orificio grande

Según la elección de diafragma que hagamos podemos controlar la profundidad de campo, el contraste, etc.

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Modos de medición | Metering Mode

En fotografía, el modo de medición (metering mode) se refiere a cómo la cámara determina automáticamente la exposición para una determinada escena. Si eres uno de los que usa mucho los modos automáticos de tu cámara, el conocimiento de los modos de medición te ayudará a obtener excelentes fotos. El sensor de medición de luz es el cerebro detrás para una exposición correcta, así es cómo la cámara determina la velocidad de obturación y el tamaño de la apertura. Las opciones de medición de las cámaras generalmente incluyen, mediciones parciales, evaluativa o matricial, ponderada al centro y medición puntual. Cada uno de estos modos tiene un tema con las condiciones de iluminación donde sobresalen y uno para los que no funcionan. La comprensión de estos modos de medición puede mejorar la intuición a la hora de tomar una fotográfica. Los modos mas comunes de medición son: -

Medición Evaluativa o Matricial (evaluative zone or matrix)

Medición Puntual (spot metering)

Medición Ponderada al Centro (center-weighted)

¿Pero cómo la cámara hace esto exactamente? Las cámaras digitales de hoy en día son una verdadera maravilla cuando se piensa en lo que hace y cómo lo hace. Cuando miras por el visor y decides tomar una foto, casi todas las cámaras (99%) requieren que primero pulses el botón del obturador hasta la mitad. Esto permite a la cámara enfocar y “medir la exposición” correctamente. Luego para capturar la imagen, hay que terminar de presionar por completo el botón del obturador. Entre el momento en que se presiona el botón a la mitad hasta que la cámara toma la foto, el cerebro de tu cámara digital hace lo siguiente: 1- Determina cual es el sujeto de la toma 2- Se enfoca la lente 3- Determina la cantidad de luz que refleja el sujeto 4- Calcula la combinación correcta de velocidad de obturación (el tiempo que el obturador permanecerá abierto) y F-stop (tamaño de la apertura) para exponer correctamente la fotografía Pero lo más impresionante es que la cámara realiza todas estas hazañas en una fracción de segundo. En pocas palabras, cuando la cámara “mide la exposición” de la escena, lo que hace es el cálculo de la velocidad de obturación correcta y el F-Stop, a partir de la luz que refleja el sujeto. 16

Medición Evaluativa o Matricial (Evaluative Metering en las Canon, o Evaluative/Matrix Metering en las Nikon)

En este modo la cámara intenta tomar en cuenta todo lo que muestra el visor. La mayoría de cámaras tendrán muchas zonas alrededor del visor de medición, por ejemplo, la Nikon D5000 dispone de 11 puntos de medición, pero pueden llegar a tener hasta 35 puntos de medición como la Canon EOS 5D. La cámara obtiene los valores de luminancia en distintas zonas de la escena y se promedia el valor para calcular la exposición más adecuada. La precisión para un exposición correcta es directamente proporcional al número de puntos de medición que posea la cámara.

Medición Parcial (Partial Metering en las Canon, o Spot AF Area en las Nikon)

Este modo tiene una superficie mayor de medición que la medición puntual (un 10-15% de todo el marco). Al igual que la medición puntual, algunas cámaras pueden utilizar puntos variables para tomar las lecturas de luminancia, (en general en modo automático) o tener un punto fijo en el centro del visor. La Medición parcial se encuentra principalmente en las cámaras Canon. Son adecuados para escenas de alto contraste que pueden confundir al exposímetro; normalmente se mide una zona intermedia entre ambos extremos. O se puede elegir medir una zona más luminosa para oscurecer las siluetas por ejemplo. Con experiencia puede utilizarse casi en la mayoría de las ocasiones.

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Medición Puntual (Spot Metering en las Canon y Nikon)

Con la medición puntual, la cámara sólo mide un área muy pequeña de la escena (entre 1-5% de la superficie del visor). Esto normalmente será el centro de la escena, pero algunas cámaras permiten al usuario seleccionar un centro de medición diferente para realizar la medición. La medición puntual es muy precisa. Es comúnmente usado para capturar escenas de alto contraste. Por ejemplo, si el sujeto se encuentra a contra-luz por el sol del amanecer y la cara es mucho más oscura que el halo brillante alrededor (the subject is “backlit”), la medición puntual permite al fotógrafo medir la luz que refleja la cara del sujeto y exponer correctamente. El área alrededor de la línea del cabello hacia atrás saldrá sobreexpuesta.

Medición Ponderada al Centro (Center-Weighted Average Metering en las Canon, o Center-Weighted Metering en las Nikon)

En la medición ponderada al centro, la cámara tomará la información de numerosos puntos de medición alrededor del marco, pero tendrán prioridad y dará mas peso a los del centro. En este sistema, el medidor se concentra entre los 60 a 80 por ciento de la sensibilidad hacia la parte central del visor. Una ventaja de este modo es que no está tan afectado por las pequeñas áreas que varían enormemente en el brillo y el contraste en los bordes del visor, como la mayoría de las escenas el tema está en la parte central del cuadro, los resultados pueden ser “consistentes”. Es útil para retratos, que suelen ocupar la mayor parte de la escena. Seguro que sabiendo ahora esto, te aseguro que ahora obtendrás mejores fotografías. Yo todavía sigo experimentando con estos modos, ya me cansé de usar siempre el modo matricial que es muy bueno para los principiantes, pero en algún momento tienen que dejar de serlo y convertirse en aficionados con conocimientos claros.

SENSIBILIDAD ISO *de las películas La sensibilidad de las películas esta dada por la mayor o menor concentración de haluros de plata en la emulsión. La sensibilidad de las películas esta estandardizada.

*Sensibilidad en fotografía Digital La sensibilidad ISO en fotografía digital es equivalente en valores a la sensibilidad en las películas. Incrementando la sensibilidad, incrementamos la ganancia De luz. Pero debemos atender también el incremento del ruido. Desagradable efecto de descomposición de la img. dejando en evidencia su sistema de color RGB: puntos Que hace imposible una ampliación. Escala de sensibilidad

ASA/ISO 25 50 100 200 400 800 1600 3200

DIN 15 18 21 24 27 30 33 36

Lentas (menos de 50ASA/ISO) gran poder de captación de detalles finos y finísimos. Medias (Entre 50 y 200 ASA/ISO) Sensibilidades intermedias aptas para variedad de motivos. Rápidas (Entre 200 y 800 ASA/ISO) Ganancia de luz, permiten el uso de luz ambiente, sin utilización de flash. Incremento del Grano. (ruido) Ultrarrápidas (mas de 800 ASA/ISO) Mayor ganancia de luz, el ruido se incrementa. Las cámaras profesionales trepan hasta los ISO 25600.

Propiedades Contraste: Baja sensibilidad rinde mayor contraste. Resolución: Es la capacidad para diferenciar detalles.

CURSO FOTOGRAFÍA A menor sensibilidad, mayor resolución Mayor ISO-Más ruido-

Balance de blancos Temp. del color (K)Grados Kelvin) Automático (predeterminada) 3500–8000* La cámara ajusta automáticamente el balance de blancos; recomendado en la mayoría de las situaciones. Si utiliza el flash integrado o uno opcional, el balance de blancos refleja las condiciones imperantes en el momento en que se dispara el flash. Incandescente 3000* Se utiliza con luz incandescente. Fluorescente Se utiliza para las siguientes siete fuentes de luz: Lámparas de vapor de sodio 2700* Se utiliza para iluminación de vapor de sodio (como la que se usa en eventos deportivos). Fluorescent. Blancos cálidos 3000* Se utiliza para luces fluorescentes blancas y cálidas. Fluorescentes blancos 3700* Se utiliza para luces fluorescentes blancas. Fluorescentes blancos fríos Ajuste predeterminado para Fluorescente) 4200* Se utiliza para luces fluorescentes blancas y frías. Fluorescentes día blanco 5000* Se utiliza para luces fluorescentes blancas. Fluorescentes luz de día 6500* Se utiliza para luces fluorescentes luz de día. Vapor mercurio a alta temp. 7200* Se utiliza con fuentes de luz de temperatura de color alta (es decir, lámparas de vapor de Mercurio). Luz del sol directa 5200* Se utiliza con sujetos iluminados por la luz del sol directa. Flash 5400* Se utiliza con el flash integrado o con uno opcional. Nublado 6000* Se utiliza con luz diurna bajo cielos nublados. Sombra 8000* Se utiliza con luz diurna con sujetos en sombra. Elegir temper. color 2500–10000 Elija la temperatura del color en la lista de valores Preajuste manual — Permite utilizar el sujeto, una fuente de luz o una fotografía existente como referencia para el balance de blancos.

Sistema de enfoque Multicam es una red de sensores que utiliza la cámara para realizar el enfoque, EJ: la d90 tiene un multicam 1000, o sea que tiene mil sensores para enfocar, se ve reflejado, en la velocidad, certeza y precisión del enfoque, además de que actúa mejor cuando utilizas el seguimiento en 3d o el vídeo

Selección de zona de enfoque AF de punto único El usuario selecciona el punto de enfoque utilizando el multiselector la cámara enfoca únicamente al sujeto que se encuentre en el punto de enfoque seleccionado. Utilice esta opción con sujetos estáticos. AF de zona dinámica En los modos de enfoque AF-A y AF-C, el usuario selecciona el punto de enfoque utilizando el multiselector ,aunque la cámara enfocará en base a la información obtenida de los puntos de enfoque circundantes en caso de que el sujeto abandone brevemente el punto seleccionado. Utilizar con sujetos en movimiento errático. Seguimiento 3D (11 puntos) En los modos de enfoque AF-A y AF-C, el usuario selecciona el punto de enfoque utilizando el multiselector). Si el sujeto se mueve una vez que la cámara haya enfocado, la cámara utilizará el seguimiento 3D para seleccionar un nuevo punto de enfoque y mantener el enfoque bloqueado en el sujeto original mientras el disparador es pulsado hasta la mitad. Si el sujeto abandona el visor, extraiga su dedo del disparador y recomponga la fotografía con el sujeto dentro del punto de enfoque seleccionado. AF de zona automática La cámara detecta automáticamente al sujeto y selecciona el punto de enfoque.

Selección del punto de enfoque En el modo de enfoque manual o cuando se combina el autofoco con los modos de zona AF que no sean (AF de zona automática), podrá elegir de entre 11 puntos de enfoque, haciendo posible componer las fotografías con el sujeto principal en prácticamente cualquier lugar del encuadre. Seleccione el punto de enfoque. Utilice el multiselector para seleccionar el punto de enfoque en el visor o en la pantalla de información mientras la medición de exposiciones esté activada.

Enfoque manual El enfoque manual puede utilizarse al no usarse un objetivo AF-S o AF-I o cuando el autofoco no produzca los resultados deseados. Ajuste el interruptor del modo de enfoque del objetivo.(M) Enfocar: Para enfocar manualmente, ajuste el anillo de enfoque del objetivo hasta que la imagen visualizada en el campo mate transparente del visor aparezca enfocada. Puede tomar fotografías en cualquier momento, incluso cuando la imagen no está enfocada.

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Fomentaría-Tipos de fotómetros Foto: luz metria: medición La fotometría es el hecho de medir la luz adecuada para exponer correctamente. El ojo por si solo es incapaz de realizar una medición exacta, por esto se usa un aparato específico llamado fotometro o exposímetro. El fotometro pude estar incorporado a la cámara o puede ser un exposímetro de mano. Los fotómetros trabajan convirtiendo la energía luminosa en eléctrica, la cual se lee en una escala de EV(valores de exposición)en función de la sensibilidad .(ASA o ISO seleccionada). Los exposímetros manuales llevan una célula fotosensible. Y miden luz incidente y luz reflejada. Los fotómetros incorporados miden luz reflejada. Existen fotómetros para medir Luz continua, y fotómetros para flash, miden destello. Usamos el fotometro de nuestra cámara antes de cada toma. Fotometreamos, para obtener un Valor de Exposición (EV): una combinación de diafragma y velocidad, también determinada por la Sensibilidad ISO, que signifique la cantidad adecuada de luz llegando al sensor(o film)para que nuestra fotografía se exponga adecuadamente.

CARTA GRIS 18% La carta gris es una herramienta fotográfica que consiste en un soporte liso, habitualmente papel o plástico, en el que se ha reproducido un tono gris que refleja el 18% de la luz que recibe. El objetivo de la existencia de este utensilio es funcionar como carta de ajuste, permitiéndonos indicarle a nuestra cámara las referencias que debe tomar a la hora de interpretar los colores de la escena.

Básicamente es lo mismo que realizar un balance de blancos Según la temperatura de color de la luz que incida sobre los objetos estos la reflejaran de una forma u otra. El ojo humano sabe interpretar y procesar estos parámetros de iluminación de forma casi instantánea. Desgraciadamente nuestras cámaras no poseen tal capacidad. Por lo tanto necesitarán puntos de referencia para que la imagen capturada posea unos colores lo más fidedignos posible a la realidad. Cualquier cámara, sea de foto o de vídeo tiene memorizados unos valores predeterminados de blanco, de negro y de gris. La máquina utilizará estos valores para generar los colores de la fotografía según los valores que hayamos aplicado nosotros a la hora de realizar la fotografía. Las cartas de ajuste nos permiten indicarle a la cámara que sustituya esos valores por otros que se adapten más a la situación lumínica de cada escena. 22

Sistema de zonas El sistema de zonas es una técnica de exposición y revelado fotográfico inventada por Ansel Adams y F. Archer a final de los años 30. Las zonas le proporcionan al fotógrafo un método sistemático para definir con precisión la relación entre la manera en la que ve el sujeto fotográfico y el resultado que alcanzará el trabajo. En cierta forma, el sistema de zonas juega el mismo papel que la gestión del color para los fotógrafos digitales. Permite una correlación directa entre el mundo visual y la copia fotográfica final.

Rango dinámico Lo que hace necesarias las bases conceptuales del sistema de zonas es el hecho de que tanto el papel fotográfico actual como los sensores digitales son capaces de captar un rango de valores tonales muy limitado, mientras que el Rango Dinámico, que así se llama, del ojo humano se mueve entre valores de 1 a 1.000.000 desde la máxima oscuridad en la que puede ver hasta la luminosidad mayor capaz de tolerar. Los papeles fotográficos actuales se quedan en un intervalo de 1 a 512. Es interesante señalar que en los inicios de la fotografía los papeles ofrecían escalas mayores[En contrapartida, presentaban una respuesta mucho menos rápida a la luz. Esto significa que los fotógrafos deben salvar esta limitación a través de un método que permita aproximar al máximo posible la copia final a la realidad capturada vista con nuestros ojos. El sistema de zonas busca este objetivo proporcionando al fotógrafo una manera sencilla de controlar el contraste de la película en su cámara.

Principio “Exponer para la sombras y revelar para las luces”. Un control de contraste de este tipo es posible gracias a un concepto resumido tradicionalmente en la expresión siguiente: “Exponer para la sombras y revelar para las luces”. El tiempo de exposición tiene un efecto directo sobre las zonas más oscuras de la composición mientras que el tiempo de revelado lo tiene sobre las zonas más claras. Exponiendo correctamente la película e incrementando o reduciendo los tiempos de revelado, los fotógrafos que usen el sistema de zonas podrán, dentro de unos límites, producir negativos que resulten en copias magníficas independientemente de cómo de contrastado o plano resultara ser el sujeto fotografiado. Muchos fotógrafos lograron comprender lo antes expuesto a través del procedimiento de ensayo y error mucho antes de que el sistema de zonas fuera formulado. La novedad de Ansel Adams y Fred Archer fue el crear la forma de que el fotógrafo pudiera traducir fácilmente el rango de tonos que podía observar en una guía visual que pudiera usarse para medir los diferentes rangos tonales del sujeto de forma práctica y predecible. Este proceso es conocido como “Previsualización” y depende de tres maneras interrelacionadas de definir algo llamado “Zona”.

Zonas

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Imagine todos los valores tonales que pueden verse o que pueden aparecer en una Copia fotográfica representados en una gradación continua desde el negro hasta el blanco: Gradación tonal completa.

Desde aquí, se forman las Zonas: Dividiendo el espectro en once secciones iguales:

Gradación en once pasos Tomando para cada sección el tono medio: Once tonos simbólicos

Numerando cada sección en cifras romanas desde 0 para el negro hasta X para el blanco: La escala de zonas

III

VII

VIII

Zonas, textura y detalle En términos de la textura y el detalle que podemos ver en la realidad, encontramos tres tipos de zonas: • Zonas que bien son blanco puro (Zona X) o negro absoluto (Zonas 0) y que carecen por completo de textura y detalle. Estas zonas se utilizan para visualizar y representar los puntos extremos en una fotografía. • Zonas que presentan una cantidad limitada de textura y detalle y que se utilizan para representar objetos muy oscuros o muy iluminados con ligera textura (Zonas I y IX). • Zonas con textura y detalle total (Zonas II, III, IV, V, VI y VIII). La escala de zonas según textura se ha representado tradicionalmente de la siguiente manera: Zona

Descripción

Negro puro

Negro, con leve tonalidad pero sin textura

Negro con textura; la parte más oscura de la imagen en la que se registra un leve detalle

III

Gris oscuro con poca textura

Gris oscuro con textura: follaje oscuro, piedra oscura o sombras de paisaje

Gris medio: piel oscura

Gris claro: piel caucásica; sombras sobre la nieve en paisajes soleados

VII

Gris claro: piel muy clara; sombras en la nieve con iluminación lateral aguda

VIII

Blanco con textura: textura de nieve

Blanco sin textura; nieve flagrante

Blanco puro: luz fuentes

Midiendo zonas Las Zonas representan cantidades de luz que se duplican en cada paso hacia el IX y se dividen hacia el 0. En este sentido, las Zonas equivalen a los demás controles de la cámara. Una variación de una Zona en un sentido o en otro equivale a un punto de diafragma (f/stop) más (hacia el 0) o menos (hacia el IX), un paso en velocidad de obturación (+ hacia el 0 y – hacia el IX) o a la variación del número ISO (+ hacia el 0 y menos hacia el IX). Para el propósito del sistema de zonas es todo lo mismo y podremos combinar estos conceptos técnicos de la cámara para “colocar” nuestro sujeto en la zona deseada como veremos a continuación.

El sistema de zonas en la exposición

Una superficie oscura bajo una iluminación intensa puede reflejar la misma cantidad de luz que una superficie clara bajo una luz débil. El ojo humano puede percibir la diferencia entre las dos pero un fotometro las medirá como iguales. Por esta razón, los fotómetros están diseñados para situar el valor tonal medido en la Zona V. Como se comentó antes, cada zona es equivalente a un paso de apertura de diafragma o de velocidad de obturación así que, combinando estos dos factores, el sistema de zonas ofrece al fotógrafo una manera muy fiable de exponer correctamente una fotografía: 1. Previsualizar el área de la composición que quiere que sea una zona oscura con textura y detalle (típicamente, zona III) en la copia. La correcta exposición de la zona III es importante porque si esta área queda por debajo de esta zona, el detalle y la textura se perderá con la subexposición. 2. Tras esto, medir cuidadosamente la zona previsualizada como III y anotar la exposición recomendada por el fotometro. 3. Recordar que la exposición dada por el fotometro se sitúa en la zona V en lugar de la zona III que buscamos. Para corregirlo, compensaremos la exposición en dos puntos sobre la recomendación del fotometro.

El sistema de zonas en el revelado Cada combinación de película y revelador tiene un tiempo de revelado “normal” N recomendado que da como resultado un negativo con un contraste igual al del sujeto. En otras palabras, este tiempo de revelado dará un negativo plano en tomas de bajo contraste y, por consiguiente, excesivamente contrastado en fotografías de alto contraste. Es por este motivo que antes decíamos que la fotografía de gran formato, al permitir el tratamiento individual de las tomas, permite un mayor control. Un revelado correcto implica comprender cómo aumentar o reducir el tiempo de revelado de la película para permitir que una fotografía plana o demasiado contrastada dé una buena copia en un papel fotográfico actual. El sistema de zonas proporciona al fotógrafo una manera de medir el contraste de una fotografía en términos de la escala de zonas lo que ayuda a determinar si una película necesita más o menos revelado que el “normal” (N+ o N-) siendo N el establecido típicamente en concepto de tiempo, temperatura y disolución. Según necesitemos, la corrección del revelado será N ± n lo que nos permitirá colocar las luces en zonas inferiores (para –n) o zonas superiores (para +n). Es importante señalar que en el proceso de revelado de la película son las zonas de luces las que se ven más significativamente afectadas por esta modificación del revelado típico, quedando las sombras prácticamente inalteradas en la mayoría de los casos. Para ilustrar este punto, veamos lo siguiente. Tras haber seguido los tres puntos establecidos en el apartado anterior (la exposición), habremos colocado la zona de sombras deseada en zona III. El siguiente paso sería comprobar, de nuevo en el área de composición, la zona de luces que se quiere que sea blanca y con textura (típicamente zona VII). Bien con ayuda de un fotometro puntual bien recordando la relación entre valores EV y zonas (visto más arriba), estudiamos en qué zona caen nuestras luces. Según la lectura, que deberemos recordar, modificaremos el tiempo de revelado: 25

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Si las luces para las que queremos textura completa caen en zona VII, no hay que modificar revelado: revelado N.

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Si caen en zonas superiores a VII, estarán sobrexpuestas con lo que tendremos que aplicar un revelado N-n, siendo ‘n’ el número de zonas que queremos hacer “bajar” las luces para obtener la textura deseada. Esto puede ser necesario por ejemplo en una situación en la que queramos salvar un fuerte contraluz (alto contraste).

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Si caen en zonas inferiores a VII, estarán subexpuestas con lo que tendremos que aplicar un revelado N+n, siendo ‘n’ el número de zonas que queremos hacer “subir” las luces para obtener la textura deseada. Esto puede darse en una situación en la que queramos corregir una escena de bajo contraste.

El tiempo, temperatura y/o disolución concretos para el N±n vendrá determinado a través de ensayos sistemáticos o usando las tablas de revelado proporcionadas por ciertos libros sobre el sistema de zonas. Ansel Adams usaba generalmente virador de selenio para tratar sus copias. Este virado da una estabilidad enorme a las copias, lo que las protege del paso del tiempo. Además, otra virtud del selenio, es que puede ofrecernos hasta una zona más de rango tonal en la copia, produciendo sombras más intensas y más ricas en detalle.

HDR(HIGH DINAMIC RANGE)Alto RANGO DINAMICO En fotografía y procesamiento de imágenes las imágenes de alto rango dinámico (HDR) son un conjunto de técnicas que permiten un mejor rango de luminancia entre las zonas más claras y las más oscuras de una imagen. (LDR-LOW DR)Las técnicas de mapeo de tonos, que reducen todo el contraste para facilitar que dispositivos con menos rango dinámico muestren imágenes HDR, pueden aplicarse para producir imágenes conservando o exagerando el contraste. Otra forma de obtención de imágenes HDR,es a través de la edición y renderizado. Las fotografías HDR se consiguen en general capturando varias fotografías, usando a menudo HORQUILLADOS (Bracketing), y después combinándolas en una imagen HDR a través de postprocesado-

Luz Definición: es una forma de energía electromagnética. Es energía radiante, ya que un cuerpo la emana, pudiendo este ser natural o artificial. Puede propagarse en cualquier medio, en el espacio a través de ondas electromagnéticas. Es intangible y solo cuando entra en contacto con la materia, puede ser percibida por el ojo humano y medida. Para que se produzca la percepción de la luz necesitamos: -una fuente emisora de radiaciones visibles al ojo humano. -un espectador o visualizador . -un elemento que refleje la luz.

Tipos de Luz Luz natural Luz generada Luz real Luz simulada

Espectro Electromagnético

Espectro electromagnético visible Se denomina así a la porción del E.E que es visible al ojo humano. Este espectro puede descomponerse en sus distintas longitudes de onda, mediante un prisma de cuarzo, que refracta las distintas longitudes selectivamente. El ojo humano discrimina entre las distintas longitudes y frecuencias. Lo que da la sensación de COLOR. Lo azules y violetas corresponden a longitudes de ondas cortas. El rojo y naranja a ondas largas. El Amarillo y verde a ondas medias.

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Temperatura Color Al calentar una barra de hierro, el típico hierro usado en construcción, este va cambiando de color según la temperatura que adquiera. Por ejemplo al llegar a los 2.700 K (grados Kelvin) la barra emite una luz del mismo color que emite una ampolleta casera, con un tono amarillento. Si continuamos calentando la barra hasta los 3.200 K obtendremos un tono de luz ideal para fotografiar con películas para luz de tungsteno. Si la temperatura aumenta todavía más hasta los 5.500 K obtendremos el mismo tono que la luz que emite un flash. Este tono de luz es similar a la luz del mediodía y es el tono conocido como Daylight. Es decir a temperaturas más bajas encontramos mayor presencia de amarillos y rojos, mientras que a temperaturas más altas encontramos tonos azulados.

Temperatura color Probablemente todos habrán escuchado el término, pero no muchos saben con certeza de qué se trata, de qué modo influye en nuestras fotografías y como trabajar las películas de acuerdo al color de la luz. La representación del color de la realidad siempre ha sido un desafío para los fabricantes de películas fotográficas o incluso también para los fabricantes de cámaras digitales y de vídeo. El gran conflicto es la constante variación en el color de la luz, lo que modifica constantemente el color de los objetos, el color de la realidad. Nuestro cerebro tiene tendencia a engañarnos al respecto, y si nosotros sabemos que una vaca es blanca, a pesar de estar sobre un prado y bajo los árboles, la vemos blanca, pero en la realidad al recibir la luz verde rebotada del pasto y los árboles hacen cambiar su coloración y en ese minuto la vaca tiene un tono verdoso. Otro ejemplo más cotidiano, la luz del día sabemos como es, podemos diferenciarla de la luz amarilla de las ampolletas por ejemplo, pero dentro de la luz del día existe también una amplia gama de colores, desde la luz del amanecer, la brillantez del mediodía o los tonos rojizos del atardecer.

Temperatura color -

1700 K: Luz de una cerilla

1850 K: Luz de vela

2800 K: Luz incandescente o de tungsteno (iluminación doméstica convencional)

3200 K: tungsteno (iluminación profesional)

5500 K: Luz de día, flash electrónico (aproximado)

5770 K: Temperatura de color de la luz del sol pura

6420 K: Lámpara de Xenón

9300 K: Pantalla de televisión convencional (CRT)

28000 - 30000 K: Relámpago 28

En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma equilibrada en las tres componentes de color Rojo-Verde-Azul (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial una de las componentes de color suele prevalecer sobre las otras. Por ejemplo, en iluminación basada en bombillas incandescentes (tungsteno) el color rojo es predominante.

El Balance de Blancos en las Cámaras Digitales La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático. Como hemos explicado anteriormente, lo que hace este sistema es ajustar la parte más brillante de la escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro

Tarjeta 18% Para realizar el balance de blancos, se toma una fotografía a la tarjeta gris en el sitio donde vamos a hacer la sesión fotográfica, de modo que la tarjeta se encuentre bajo las mismas condiciones de iluminación que los elementos que queremos fotografiar posteriormente. Sobre la foto realizada, realizamos el ajuste del balance de blancos siguiendo el manual de usuario de la cámara digital con la que estemos trabajando. El valor porcentual que se indica (18%) en una tarjeta gris se refiere a la propiedad de reflectancia de la tarjeta, coincidente con una tonalidad media para la fotografía. No hace referencia, como muchos podrían pensar, a un 18% de negro en una escala del negro al blanco ni tampoco a un valor específico en RGB. El gris 18% no es, por tanto, un color de referencia, sino una propiedad que en conjunto con un material (generalmente algún tipo de cartón) y una tonalidad relativamente neutra (gris neutro) permite medir un tono medio en forma reflejada. De hecho, la tonalidad de la tarjeta puede variar.

DOMINANTES

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El Espectro Electromagnético

Sistema de Color Aditivo (RGB)

D-Lighting activo La función D-lighting activo conserva los detalles en las zonas destacadas y sombras, creando fotografías con un contraste natural. Utilice esta función para escenas de alto contraste, por ejemplo, al fotografiar una escena exterior altamente luminosa a través de una ventana o al fotografiar sujetos que están a la sombra en un día soleado. Para utilizar D-Lighting activo: 1 Seleccione medición matricial. La medición matricial se recomienda al utilizar D-Lighting activo. 2 Seleccione D-Lighting activo. En el menú Disparo resalte D-lighting activo 3 Seleccione una opción. Resalte Automático, Extra alto, Alto, Normal, Bajo, o Elija Automático para dejar que la cámara ajuste la función D-Lighting automáticamente según las condiciones de disparo.

Objetivos/Distancia Focal Todos los objetivos nos indican la distancia focal. Para 35 mm: -

Objetivo NORMAL(de 45 a 55 mm)

El ángulo de captación de este objetivo esta próximo, es semejante, al del ojo humano(45 grados) y esta distancia es la medida aproximada a la diagonal del negativo(47 mm). -

Objetivo GRAN ANGULAR(menos de 45mm)

Objetivos de menor distancia focal que un objetivo normal. Captan un mayor ángulo de visión y alejan las imágenes. A menor distancia focal, mayor exageración de la perspectiva.(Ej: ojo de pez:10mm) -

TELEOBJETIVO(mas de 55 mm)

Objetivos de mayor distancia focal que un objetivo normal. Captan un menor ángulo de visión, aproximación de la imagen y aumentan la compresión de planos. -

OBJETIVOS ZOOM:

Son objetivos de distancia focal variable. EJ: 35-70 mm (Varían desde un gran angular a un teleobjetivo corto) Útiles para fotografía social, practicidad por 3 objetivos en 1, pero sacrifican Luminosidad. Según la distancia focal del objetivo que tenemos en uso, debemos considerar la trepidación, el movimiento/ la vibración de la cámara en el momento del disparo. A mayor distancia focal (teles) mayor trepidación, debemos incrementar la velocidad de obturación; aun implementar trípodes o mono pies. 31

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Profundidad de campo La profundidad de campo es el área de visión nítida que existe por delante y por detrás del motivo que fotografiamos.

Leyes de profundidad de campo 1) A MENOR DISTANCIA FOCAL,MENOR PROFUNDIDAD DE CAMPO Y VICEVERSA. Ej. Un gran angular, menos profundidad de campo que un normal. 2) A MENOR DIAFRAGMA,MAYOR PROFUNDIDAD DE CAMPO. Ej: diaf: 16, mayor profundidad de campo que un diaf:5.6 (Orificio pequeño, mayor profundidad/orificio mayor, menos profundidad). 3) A MAYOR DISTANCIA SUJETO/CÁMARA,MAYOR PROFUNDIDAD DE CAMPO.

Fotografía digital Zoom óptico y zoom digital Zoom: son aquellos objetivos capaces de variar su distancia focal. Sean analógicos o digitales nos permiten acercar una imagen o sección o alejarla. Las cámaras de gama intermedia (compacta avanzada)poseen Zoom óptico y digital. Las SLRD al poseer objetivos intercambiables, disponen de una amplia variedad de estos tanto fijos como zoom. Zoom Óptico: El zoom óptico trabaja de la misma manera en cualquier tipo de cámara, cuerpos de lentes que se mueven en el interior del objetivo. Para acercar o alejar la imagen. El zoom se define por la cantidad de aumentos que puede proporcionar. La X,ej:2x,3x,etc indica la cantidad de veces que se amplía la imagen. Un zoom 2x amplia la img 2 veces, un 3x,tres veces. Para tomas básicas con un zoom óptico de hasta 3x es suficiente. Para tomas a mayor distancia como las de naturaleza la mejor opción es un zoom óptico de mas de 10x o 12x. 32

Zoom Digital: El zoom digital utiliza una menor parte del sensor para registrar la foto. Toma una sección y la amplia digitalmente, reduciendo el numero de pixeles, perdiendo en consecuencia nitidez y calidad. Lo cual determinara a posteriori también el tamaño de ampliación. El uso del zoom digital es el último recurso. Esta operación es la misma que puede realizarse luego en la computadora con cualquier editor de imágenes.

Limitaciones del autofocus Cómo obtener buenos resultados con el enfoque automático La función de enfoque automático no funciona bien bajo las condiciones que se indican a continuación. El disparador puede quedar inhabilitado si la cámara no logra enfocar bajo estas condiciones, o el indicador de enfoque puede aparecer y la cámara puede emitir un pitido, permitiendo abrir el obturador incluso si el sujeto no está enfocado. En estos casos, gire el selector de modo de enfoque hacia M y utilice el enfoque manual , o utilice el bloqueo de enfoque para enfocar otro sujeto que se encuentre a la misma distancia y, a continuación, recomponga la fotografía.

La luz de ayuda de AF Si el sujeto se encuentra escasamente iluminado, la luz de ayuda de AF se iluminará automáticamente para ayudarle con la operación de enfoque automático al pulsar hasta la mitad el disparador. La luz tiene un rango de alcance de aproximadamente 0,5–3,0 m; al utilizar la luz de ayuda, emplee un objetivo con una distancia focal de 24–200mm y retire el parasol del objetivo.

Eemplo: Si el contraste entre el sujeto y el fondo es escaso o inexistente. Ejemplo: El sujeto tiene el mismo color que el fondo. El punto de enfoque contiene partes oscuras y claras de alto contraste. Ejemplo: La mitad del sujeto se encuentra a la sombra.

El punto de enfoque contiene objetos que se encuentran a diferentes distancias de la cámara.

Ejemplo: El sujeto se encuentra dentro de una jaula.

Los objetos del fondo aparecen más grandes que el sujeto.

Ejemplo: hay un edificio en el encuadre detrás del sujeto.

El sujeto consta principalmente de patrones geométricos regulares.

Ejemplo: Una hilera de ventanas de un rascacielos. El sujeto contiene muchos detalles finos.

Ejemplo: Un campo de flores u otros sujetos pequeños o cuyo brillo no varía.

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Percepción de la luz Definición de luz: Luz es una forma de radiación electromagnética, energía radiante, que se propaga

a través de ondas, capaz de excitar la retina del ojo humano, y en consecuencia producir una sensación visual-

El ojo es el órgano encargado de la recepción de los estímulos visuales, cuenta con una arquitectura altamente especializada producto de millones de años de evolución. El ojo es un globo esférico de unos 2,5cms de diámetro, que nos brinda una percepción visual estereoscópica con sentido espacial, y afectada por el factor tiempo.

Comparación del ojo y la cámara DEFINICIÓN DE VISIÓN: Este proceso visual está A cargo del sistema óptico. Para tal proceso hace falta un perceptor, una fuente lumínica y una superficie donde La luz se pueda reflejar. La VISIÓN comprende un aspecto fisiológico, los procesos físicos (ópticos, químicos y nerviosos)que “capturan” la sensación visual. Y otro aspecto Psicológico, que comprende las construcciones culturales que influyen y modifican la visión netamente fisiológica. El Aspecto psicológico interpreta el aspecto fisiológico, generando lo que llamamos MIRADA, es decir una visión cargada de subjetividad.

La Ley del Cuadrado Inverso Es útil saber sobre la ley del cuadrado inverso, especialmente cuando usamos flash o luz de estudio. La ley del cuadrado inverso dice que un objeto que está al doble de la distancia del punto de luz, recibirá un cuarto de la iluminación. EJ: si mueves tu sujeto de una distancia de tres metros a seis, necesitarás cuatro veces la cantidad de luz para la misma exposición. Esto se puede conseguir fácilmente abriendo la apertura de la lente dos aperturas de diafragma.O incrementando la potencia de los flashes. La razón por la que la potencia de la luz disminuye tan rápidamente no es porque ‘se quede sin energía’ o algo así, sino porque se expande y así una proporción más y más pequeña de luz golpea el objeto. 34

El lux (lx) es la unidad para la luminancia o nivel de iluminación. Equivale a un lumen /m². Se usa en fotometría como medida de la intensidad luminosa. La diferencia entre el lux y el lumen consiste en que el lux toma en cuenta la superficie sobre la que el flujo luminoso se distribuye.

Iluminación La luz es tema central en la fotografía, aprender a manejarla y aprovecharla es clave para el fotógrafo. Debemos aprender a observar, para luego aplicar una exposición adecuada. La fotografía es pues el manejo correcto de la luz, tanto Técnica como compositivamente. Consideraremos la luz existente, la luz incandescente y la luz de flash. Para la luz existente en exterior utilizaremos balances para luz día, pudiendo implementar también filtros UV o skylight ,.para evitar la intromisión de rayos ultravioletas. También polarizadores o de densidad neutraTrípode para tomas cuando la luz decae, es decir los valores de exposición dan velocidades inferiores a 1/30. Evitando así el movimiento. 35

CURSO FOTOGRAFÍA O si nuestra intención es aprovechar el movimiento, el trípode será también de utilidad para exposiciones largas, en B(bulbo) Si la luz es en interior consideraremos el tipo de luz existente: clásicas bombitas de filamento, fluorescentes, dicroicas, LEDs, vapor, descarga.etc. Utilizaremos un balance adecuado para el tipo de luz Que utilicemos(*WB-BALANCE DE BLANCOS)

Iluminación continua (incandescente - estudio) Antaño en el estudio se utilizaba iluminación de lámparas, lo que cambio con el advenimiento de los flashes. Este tipo de iluminación bien sirve al fotógrafo amateur en un sinnúmero de motivos: retratos, retrato social, productos, Con la ventaja de poder observar directamente los efectos. En la práctica podemos utilizar distintos tipos de lámparas, siempre y cuando sean de intensidad adecuada y Tratemos la luz con diversos accesorios como las pantallas de rebote, los paraguas, difusores, etc. La creatividad de un buen fotógrafo no es privativa de la toma .Existe en el mercado una parafernalia de accesorios A los cuales podemos echarle mano o bien experimentar con tramas, acetatos, telas de manera más plástica, mas lúdica. Los trípodes o pies son necesarios tanto para la cámara como para las luces.

Iluminación con Flash El flash es un mecanismo que emite luz artificial intensa. Existen los flashes incorporados a la cámara, en antorchas, electrónicos de estudio. Hay exposímetros para flash que miden la intensidad del destello, para poder adecuarla al motivo. Algunas marcas de cámaras, fabrican también sus flashes que se denominan “dedicados”, esto es que funcionan sincronizando todos sus mecanismos a los de la cámara. La mayoría de los flashes sincronizan en un rango de velocidad desde bulbo hasta 1/125 o 1/250. Los chicos se calzan en la zapata superior de la cámara (zapata caliente),los de antorcha se adosan a la 36

cámara mediante una barra metálica con rosca a la base de la cámara y un cable. Básicamente están constituidos por una lámpara, una célula que corta el destello por rebote y un condensador, alimentado por pilas o baterías recargables. La luz directa del flash, resulta generalmente dura y aplanadora de detalles, por lo que es aconsejable utilizar su luz rebotada en pantallas o cualquier superficie clara Que haga las veces de esta. El flash posee escalas de sensibilidad y distancia que nos indican las distancias que el flash cubre óptimamente. Pueden usarse mas de un flash, si el motivo lo requiere mediante el uso de una fotocélula o infrarrojos que sincroniza los disparos, sin la necesidad de cables de conexión.(Wireless) En cámaras digitales (compactas) el flash viene incorporado,(en algunos modelos sin conexión para otro flash externo),lo que es una desventaja, ya que si no se puede disminuir la intensidad del destello, pueden resultar fotos iluminadas rígidamente quemadas, con sombras duras y pronunciadas, ojos rojos si no posee el control de eliminación de este defecto, además de eliminar totalmente La luz ambiental, quitándole así naturalidad a la toma. Las cámaras digitales mas complejas tienen conexiones para flash, controles remotos, unidades wireless infrarrojas, control de la intensidad de destello, incluso pueden realizar una medición de exposición que si se requiere el flash emitirá la cantidad de luz necesaria.(dedicados),individual o hasta grupo de flashes. Luz de relleno: Siempre da buenos resultados ,aun con plena luz de día la utilización de un suave destello de flash, para suavizar sombras o iluminar correctamente el motivo sin perder la riqueza de la luz ambiente, que generalmente aporta dramatismo o calidez.

Flashes electrónicos de estudio Este tipo de iluminación es la que se utiliza en la actualidad sumada a la manipulación de la edición digital, La publicidad esta apoyada en un 80% por la imagen, la fotografía. La era de la imagen; basta con asomarnos a la calle, todo descripto en imágenes. Los grandes estudios tienen las posibilidades económicas Para acceder a baterías (conjunto de flashes) electrónicos, cuya luz es totalmente controlable. Poseen luces guía, que simulan la luz que emitirá el flash en su destello final, o que permite prever los resultados y hacer las correcciones necesarias. Se utilizan fotómetros de flash, se mide luz rebotada, luz incidente, temperatura color. Todos estos datos de iluminación se suman a los que proporciona la cámara Y todo este conjunto de datos va a parar al ordenador, para que el editor comience su trabajo. Pero mas allá de todo este despliegue tecnológico, un profesional sabe que “el momento decisivo ”sigue siendo el de la toma. Analógico o Digital el “negativo” debe ser de calidad. 37

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Flash Flash en sincronización lenta Cuando ajustamos el flash de la cámara en el modo de sincronización lenta lo que hace es disparar el flash y en vez de cerrar el obturador inmediatamente después del disparo de flash como lo haría normalmente lo que hace es dejar abierto el obturador un poco más de tiempo para absorber más luz y así se podrá ver aquello que no ha iluminado el flash. Se recomienda utilizar un trípode para evitar fotografías movidas ya que la cámara trabajará a velocidades bajas-

Flash sincronización segunda cortina.

En esta opción se deja el obturador abierto para absorber la luz de los cuerpos que tengan luz propia y al terminar la exposición se dispara el flash para que los cuerpos que no tienen luz propia salgan iluminados.

Ej: un auto rodando por la noche, y la descripción de estelas.

Iluminación-puesta de luces básica Puesta Básica de Luces

Cuando hablamos de la puesta de luces hay que tener en cuenta el principio fundamental por el cual iluminamos, el cual consiste en tener en cuenta que la cámara solo puede ver 2 dimensiones (el alto y el ancho de los objetos), mientras que el ser humano puede ver 3 dimensiones (alto, ancho y profundidad de los objetos). Sabiendo esto, vamos a trabajar tratando de generar una sensación de tercera dimensión a los objetos y/o personajes que tengamos en nuestro encuadre. En la Puesta Básica de Luces trabajamos con 4 fuentes lumínicas, pero esto es solo para dar referencia a como se debe de empezar a iluminar, ya que no siempre se dan las condiciones que vamos a ver a continuación: 1. Luz Principal o Key Light: es la domina y da carácter a la “escena”, nos dirá si es de día o de noche, interior o exterior. 2. Luz de Relleno o Fill Light: es la que atenúa o suaviza las sombras que genera la Luz Principal y define el ratio de contraste en el genero de la película que estamos realizando. Ejemplo: Alto Ratio de contraste estamos hablando de Terror o Suspenso; Bajo Ratio de Contraste sera Comedia o Drama. 3. Luz de Contraluz o Back Light: es la encargada de despegar el personaje del fondo y de ayudar a definir el volumen o profundidad del objeto o sujeto. 4. Luz de Fondo o Backstage: es la que ilumina y da volumen o profundidad a lo que tengamos de fondo.

Diseño de puesta de Luces En cuanto a requerimientos técnicos, equipo, además de un manejo adecuado del lenguaje fotográfico. A priori de fotografiar una escena, plantearemos un diseño de luces, con el cual se potencien determinados aspectos, según el tipo de motivo a fotografiar, el destino de esa serie de fotografíasExisten en el mercado gran variedad de accesorios, para iluminación, Diversidad de técnicas, el planteo de luces se hace Pues, necesario, seleccionando el material que mejor resultados nos brinde. Puesta de luces en exterior-

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Puesta para producto

Puesta para retrato es Fotografía documental La fotografía constituye un instrumento social clave para la visualización de las actividades humanas de todo tipo, y es por ello que desde la década de 1850 se la ha utilizado para documentar eventos históricos importantes. Anteriormente se señaló que la fotografía documental, a más de mostrarnos el mundo real y a la sociedad mediante imágenes, lleva también implícita la visión propia del autor, o en otras palabras, la forma en que el autor construye la imagen La fotografía documental en épocas tempranas no era objeto de tanta influencia como lo es en la actualidad. Al no existir tantos métodos con los cuales alterar la imagen fotográfica, esta tendía a mostrarnos los eventos de una forma ciertamente más objetiva. Tomemos por ejemplo a Eugéne Atget: representante importante y pionero de la fotografía documental directa (tendencia fuerte a mantener sus imágenes documentales lo más directas posible.)

¿Qué es un ensayo fotográfico? Se debe buscar un tema, que puede ser de interés o de actualidad y en forma sistemática, ir tomando fotografías del mismo durante un período de tiempo, que consideremos necesario. Será conveniente hacer un argumento e ir tomando las fotos necesarias, para ir cubriendo los puntos del plan de trabajo.

Objetivos: -Asumir La fotografía como una herramienta documental, creativa y expositiva, -Profundizar en los lenguajes fotográficos. -Adquirir capacidad crítica y estética para elaborar imágenes fotográficas. La fotografía documental es un género de la fotografía el cual evidencia sucesos o momentos de la realidad, este concepto se refiere a una fotografía social y testimonial, no obstante es considerada fotografía documental a todas aquellas imágenes que se refieran algo o a alguien que pueden ser creaciones artísticas o imágenes manipuladas. Al ser un género las fotografías son documentaciones de las condiciones y el contexto en el que vive el hombre. Los inicios de la fotografía documental se inician con el daguerrotipo, el cual se utilizaba para hacer fotografías de expediciones de las clases burguesas, al inventarse la placa seca fue posible la fotografía de la Guerra de Secesión. A partir de 1870 empezaron a popularizarse las cámaras pequeñas en las que el tiempo de exposición era más corto, gracias a ello se dieron las primeras fotografías consideradas como documentales por el fotógrafo danés Jacob August Riss. Quien quiso denunciar algunos aspectos de la sociedad, fue un inmigrante en la ciudad de Nueva York y es allí donde decidió sacar fotografías mostrando las condiciones inhumanas en las que vivía la gente inmigrante en los barrios bajos, todo este material lo reunió en su libro How the Other Half Lifes (1890). Riss trabajó para la prensa de Nueva York y a través de sus imágenes y testimonios los lectores, conocieron las miserias en las que vivían los inmigrantes, por la falta de higiene, cantidad de personas viviendo en un mismo lugar sin ventilación, en la que no disponían de agua corriente. Estas fotografías luego fueron usadas en exposiciones y conferencias, como resultado de esto el estado de Nueva York aprobó en 1901 una ley estableciendo condiciones de habitabilidad en las nuevas viviendas que construyeran para ellos. Otro fotógrafo social que continuaría en esta tradición documental, fue el sociólogo Lewis Hine (1874-1940), quien empezó a tomar fotografías en 1905 con el mismo propósito de Riss, denunciar las injusticias sociales que el percibía, y realizar una investigación sociológica, basándose en su experiencia, ya que él había trabajado en una fábrica cuando era niño. Hine cursó estudios de esta disciplina en la Universidad de Chicago en 1900 continuando sus estudios en Columbia y Nueva York. Realizó trabajos de inmigrantes que llegaban a la isla Ellis, y a la ciudad. Entre los años 1908 y 1914 realizó fotografías en las fábricas mostrando las malas condiciones de trabajo a las que estaban expuestos los inmigrantes, y de la vida de los mineros las cuales fueron publicadas en la revista Charities and the Commons. Hine planteaba que por medio de las imágenes se podía cambiar la realidad en la que vivía. Uno de los trabajos que más tuvo repercusión fue cuando Hine saca una serie de fotografías sobre los niños, los cuales eran obligados a trabajar en las factorías textiles, doce horas diarias. Estas imágenes fueron publicadas y así mismo fue contratado por el National Child Labor Comitee (Comité Nacional de Trabajo Infantil) en 1911, con la misión de terminar con esa práctica y conseguir un cambio en la legalización laboral de los menores de edad. Durante la primera guerra mundial, La Cruz Roja envía a Hine a Europa para que fotografiara las condiciones en las que vivían los refugiados. Para los años 20 Hine realiza fotografías del hombre con las maquinas, en 1931 se convierte en el fotógrafo oficial de la construcción del Empire Satate Building de Nueva York.

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Fotografía macro La fotografía macro es la que reproduce una imagen en una relación de tamaño 1:1, es decir, que un centímetro en el mundo real se pro-yecta como un centímetro en el sensor. ¿Qué se suele fotografiar? Obviamente cosas pequeñas, principalmente insectos, plantas, flores, minerales y objetos de poco tamaño. Objetivos Macro Si has intentado enfocar con tu objetivo normal a una distancia muy pequeña habrás comprobado que éste tiene una distancia de enfoque mínima, debajo de la cual ya no enfoca. Pues bien, los objetivos Macro son objetivos que gozan de la habilidad de poder enfocar a distancia muy reducidas. Son objetivos que siguen pudiendo enfocar incluso estando casi pegados al objeto o sujeto que estamos fotografiando.

Accesorios para macrofotografĂa

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Fotoperiodismo El periodismo fotográfico es una forma periodística destinada a la adquisición, edición y presentación de material de actualidad en los medios de comunicación social, especialmente escritos, digitales y audiovisuales. Incluye, además, todo aquello relacionado con la imagen que cuenta una historia. El periodismo fotográfico se distingue de otras ramas de la fotografía como la documental, la fotografía callejera y la de estudio utilizada por ejemplo para el modelaje. El fotoperiodismo incluye todas las áreas de interés de la actualidad informativa como el periodismo de guerra,3 el periodismo deportivo, el seguimiento del mundo del espectáculo, la política, los problemas sociales y todo aquello en donde sea posible la creación de una imagen. De igual manera el fotoperiodismo repasa los géneros de la profesión informativa como la entrevista, la crónica, el reportaje y el documental en todas sus facetas. De los tipos de trabajos que lleva adelante un fotoreportero se destacan; fotonoticia, fotorreportaje, reportaje fotográfico, ensayo fotoperiodístico, retrato fotoperiodístico. La fotografía debe también cumplir con todos los rigores de la ética periodística en cuanto a veracidad, precisión y objetividad. La agencia Magnum Photos es una agencia internacional de fotografía, con oficinas en Nueva York, París,Londres y Tokio. Magnum fue fundada en 1947 por los reporteros de guerra Robert Capa, David Seymour, Henri CartierBresson, George Rodger, Bill Vandivert, María Eisner y Rita Vandivert. La agencia es una de las primeras cooperativas en el mundo de la fotografía, en la que cada uno de los fundadores puso un capital de 400 dólares. Por primera vez eran los propios fotógrafos los que tenían sus derechos, pues hasta entonces la empresa que compraba las fotografías las podía usar siempre que deseara sin pagar más a los fotógrafos. Por otro lado Magnum fue una iniciativa que permitía a los fotógrafos una relativa independencia en la elección de los temas a documentar, su edición y su publicación, procesos que en la Agencia Magnum estaban en control de los autores y no de los medios de prensa, como sucedía con los fotógrafos contratados por diarios y revistas de la época. La historia de Magnum es la evolución de la imagen documental, con sus momentos de auge y de crisis y cuestionamiento. Desde la figura mítica del gran reportero forjada en los años treinta hasta el reconocimiento en los últimos tiempos de que la representación tiene más peso que la propia realidad. Mirando la evolución de las fotografías de los autores vinculados a la agencia Mágnum, vemos primero la institucionalización de la noción de autor, siguiendo por la museificación de la fotografía de prensa, la crisis de la información en los setenta y la crítica de la imagen documental de los ochenta. Finalmente llegamos a la renuncia a las formas testimoniales para dejar ver una distancia crítica entre los hechos y su registro. La evolución del mundo y la nueva naturaleza de los conflictos así como los cambios tecnológicos han alimentado un inevitable cambio en las estrategias fotográficas que ahora necesitan cuestionarse el uso y la utilidad de las imágenes. http://www.magnumphotos.com/