Такой ли музей мы хотели? Нарвская версия by Rael Artel

ТАКОЙ ЛИ МУЗЕЙ МЫ ХОТЕЛИ?

Нарвская версия 23.01.–17.05.2020 Художественной галерее Нарвского музея

Раэль Артель Руководитель Художественной галереи Нарвского музея

Выставка “Такой ли музей мы хотели? Нарвская версия” – интерактивная выставка-обсуждение, которая приглашает всех, для кого важна художественная жизнь Нарвы, сотрудничать и дает возможность принять участие в качественной программе выставок как о художественном наследии, так и о современном искусстве в Ида-Вирумаа. Эта выставка – вестница перемены направления деятельности Художе ственной галереи Нарвского музея, ее цель – начать обсуждение того, какими должны быть современные художественные институции в пограничном городе, какую роль должны исполнять в обществе, как должны действовать, что и кому предлагать. Отправной точкой для выставки “Такой ли музей мы хотели? Нарвская версия” является Нарва и сама Художественная галерея, в которой мы находимся. С одной стороны, выставка сделана с очень субъективной точки зрения постороннего для Нарвы человека, которая отражает наблюдения, опыт, идеи куратора. С другой, выставка комбинирует художественную коллекцию музея и международно значимое современное искусство в попытке исследовать довольно универсальные темы – возможности художественных институций в постиндустриальной, постнациональной местности, вдали от столиц и гламура. Эту выставку можно смотреть по-разному: можно руководствоваться обозначенными вопросами, которые побуждают нас задуматься над дилеммами искусства и жизни, а можно следовать за представленными произведениями и теми мыслями-чувствами, которые они в нас вызывают. Можно просто прогуляться по выставке, задерживаясь на пару секунд перед заинтересовавшей работой, можно активно принимать участие, выражать мнение и приходить на выставку снова. Использование подходящего вам способа участия в этой выставке и деятельности Художественной галереи – приветствуется!

У Художественной галереи Нарвского музея много функций и направлений деятельности. Художественная галерея – музей, в котором экспонируется художественное собрание Нарвского музея, которое, правда, больше не пополняется; Художественная галерея – это городская галерея, домашняя галерея для Нарвского художественного сообщества. В Художественной галерее, как в коммерческой галерее, еще до недавнего времени продавали картины местных художников. Художественная галерея – хобби-центр, где дошкольники и младшие школьники могут весело провести время. Вдобавок ко всему, Художественная галерея – еще и место проведения концертов. Так как же Художественная галерея должна действовать? Как музей, дом культуры, коммерческая галерея, городская галерея или дом творчества? Или быть их комбинацией? Должны ли мы точнее определить основные направления деятельности, задачи и целевую аудиторию Художественной галереи или оставить все, как есть? Довольны ли мы таким состоянием Художественной галереи? Смогли бы мы воспринимать галерею по-новому? Если да, то как? Правильно ли вообще называть это учреждение галереей? Или должно быть другое зовущее, манящее, интригующее название, которое бы передавало захватывающую суть искусства?

ЧТО ЭТО ЗА МЕСТО, В КОТОРОМ МЫ НАХОДИМСЯ?

Алексей Гордин Без названия (Что происходит в художественной галерее) 2019. Холст, акрил, 70 × 70 см Предоставлено автором Без названия 2019. Холст, акрил, аэрозоль, 70 × 85 cm Предоставлено автором Ветры перемен 2019. Холст, акрил, 100 × 80 см Предоставлено автором Мальчик встречает девочку 2019. Холст, акрил, 60 × 70 cm Частная коллекция Место под солнцем 2019. Холст, акрил, 70 × 90 cm Частная коллекция Нация зомбаков 2018. Холст, акрил, 100 × 70 см Предоставлено автором Огни 2018. Холст, акрил, 50 × 50 см Частная коллекция Огонь, иди со мной! 2019. Холст, акрил, 90 × 110 см Частная коллекция Первая картина 2018. Холст, акрил, 70 × 110 см Предоставлено автором Пустыри 2018. Холст, акрил, 60 × 70 см Частная коллекция Прерванная жизнь 2018. Холст, акрил, 60 × 80 cm Частная коллекция С каждым днем становится только лучше и лучше 2019. Холст, акрил, аэрозоль, 92 × 72 cm Предоставлено автором

Я ничего не видел 2019. Холст, акрил, 80 × 110 cm Частная коллекция Действие картин Алексея Гордина разво рачивается в среде типичной тихой художественной галереи с белыми стенами, в музее или около них. Мы видим красивые чистые комнаты, художественные произведения на стенах – знакомая картина для любого интересующегося искусством. Эту обычную спокойную реальность художественного мира смещают невозможные или драматические события, которые и делают произведения художника интересными, яркими и интригующими. “Искусство, которое заставляет неудобно себя чувствовать, которое резонирует” – сказал Гордин о том, что в искусстве должно быть что-то странное или непонятное, чтобы взволновать зрителя. Картины Гордина имеют повествовательный характер, часто на картине обнаруживается текст, который создает впечатление кадра из фильма или фрагмента комикса. Кинематографичную драматичность создают и тревожные, неожиданные события. Сцены, приправленные абсурдом и черным юмором, ломают представление о профессиональном мире искусства, как о чем-то элитарном и гламурном. Можно ли представить себе, что в зале галереи может происходить что-то кинематографичное, сюрреалистичное или иррациональное, что сломает логич ный символический порядок художественного заведения и сложившуюся иерархию? Хотя … почему бы и нет? Алексей Гордин (род. 1989) имеет бэкграунд в живописи, но гармонично движется между несколькими медиумами и работает с рисунком, фотографией, видео, а также перформансами. Центром его художественной практики являются стереотипные мыслительные и поведенческие паттерны людей в современном обществе и абсурдный символический порядок художественного мира. Живет и работает в Таллинне. alexeigordin.weebly.com

Считается, что размер – не главное, но вопрос, насколько большое искусство мы должны экспонировать в зале галереи одного из далеких пограничных городов Восточной Европы, остается актуальным. Насколько крупным должно быть имя художника, насколько высокой цена произведения и его культурно-историческая ценность? Точнее – насколько далеко должно быть видно наши выставки? Должны ли мы сосредоточиться на связанных с Нарвой художниках, чьи работы есть в художественном собрании Нарвского музея, или шире, на творчестве современных художников, работающих в Эстонии? Как часто стоит экспонировать работы и идеи международных деятелей искусства? Какая пропорция эстонских, русских и зарубежных художников была бы целесообразна? Предпочитать ли творчество ныне живущих или уже покойных художников? Какие могли бы быть у нас амбиции на нарвской, эстонской, восточноевропейской художественной сцене? Насколько большой кусок мы способны откусить? Какой максимальной величины кусок сможет переварить публика? Должны ли мы привозить в Нарву большие имена художественной истории или системно показывать классику Эстонского искусства? Сможем ли мы это сделать? Захотят ли зрители взаимодействовать с незнакомым, на первый взгляд, непонятным произведением?

НАСКОЛЬКО БОЛЬШОЕ ИСКУССТВО МЫ ДОЛЖНЫ ЭКСПОНИРОВАТЬ?

Торил Йоханнессен Трансцендентальная физика 2020 Инсталляция (гипс, древесина) 350 × 137 × 218 см Предоставлено автором

В выставочном зале Художественной галереи Нарвского музея на полу находится огромный белый объект непонятной формы и назначения. “Трансцендентальная физика” – такое название носит скульптура, завоевавшая пространство – диктует траекторию движения посетителя и побуждает задуматься о том, что же это такое. Нет, это не геометрический абстракционизм, а наоборот, сайт-специфическое искусство Норвежской художницы Торил Йоханнессен, которое исходит из архитектуры самой художественной галереи. Художница измерила все окна, двери, лестничные марши здания и вычислила абсолютно самый большой объект, который можно вместить в пустой выставочный зал. Этот жест критики по отношению к институциям – результат строгих измерений, аккуратных опытов, взвешивания разных вариантов и трезвых расчетов. С одной стороны, “Трансцендентальная физика” показывает зрителю границы и архитектурные свойства выставочного зала, с другой стороны, поднимает вопрос об интеллектуальных и креативных границах художественной институции. И если этот белый объект дает представление о физических измерениях музея, то к чему должен быть готов посетитель в плане содержания? Какой интеллектуально и эмоционально самый большой объект поместится в этот зал? Торил Йоханнессен (род. 1978) – норвежская художница, которая годами в своем творчестве занималась связями искусства и науки. Ее работы, часто исследовательские, и появляются с помощью комбинации научных методов и методов искусства. Живет и работает в Тромсе, в Норвегии. toriljohannessen.no

Как-то само собой разумеющимся принято считать, что художественный вкус нарвитянина консервативен и ему больше нравится старое искусство. На чем основывается это утверждение и справедливо ли оно? Если это правда, то откуда происходит такой художественный вкус? Заставляют ли нарвские воздух и вода понимать классическое искусство, или в нарвском роддоме всем делают прививку от форм современного искусства? Скорее всего, корни такого художественного вкуса уходят сюда же – в Художественную галерею Нарвского музея. Систематическое экспонирование более старых художественных произведений и проведение образовательных программ по ним же, сделало такое искусство привычным, понятным и безопасным. Должно ли так и остаться, или у жителя Нарвы есть право поучаствовать в современной культуре? Может нарвитянину нужна возможность качаться между современными эстонским и европейским мирами искусства, знакомится с уникальным образом мыслей и мироощущением современных художников? Должна ли Художественная галерея позволять это делать? Является ли визуальная грамотность универсальной и врожденной или ей надо обучать с детства?

ЧТО ТАКОЕ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ВКУС И КАК ОН ФОРМИРУЕТСЯ?

Иван Айвазовский Остров Капри 1891 Масло, холст, 25 × 40.5 cм Нарвский музей Иван Айвазовский Пролив Боспор ночью 1890 Масло, холст, 65 × 98 cм Нарвский музей Вильгельм Котарбинский Сон Конец XIX в Масло, холст, 56 × 122 см Нарвский музей Лев Лагорио Вид Ялты 1893 Масло, холст, 63 × 107 см Нарвский музей Александр Маковский Врет 1897 Масло, холст, 64 × 81.5 см Нарвский музей

Михаил Ульянов Вид Нарвы 1897 Масло, холст, 50 × 69.5 см Художественная коллекция Нарвского музея Неизвестный художник Портрет Петра I Начало XVIII в Масло, холст, 112 × 87.5 см Нарвский музей Неизвестный художник Портрет Александра Меньшикова Начало XVIII в Масло, холст, 114.5 × 88.5 см Нарвский музей Неизвестный художник Портрет молодой женщины Конец XVII – начало XVIII вв Масло, холст, 67.5 × 56 см Нарвский музей

Филиппо Марантонио Музыканты Конец XIX в Масло, холст, 33 × 50.8 см Нарвский музей Николай Семенов Видение Пелгусию Бориса и Глеба 1889 Масло, холст, 153.5 × 123.5 cм Нарвский музей Иван Шишкин Лесной пейзаж II половина XIX в Масло, холст, 55 × 41 см Нарвский музей

Подбор художественных призведений сделан Галиной Смирновой

Для кого мы делаем в Нарве выставки? Кто тот человек в Нарве, который регулярно ходит на художественные выставки? Почему таких людей так мало? Это вопрос отсутствия отсутствия интереса, денег или времени? Вопрос отсутствия интересных выставок? Отсутствие художественного образования и страх почувствовать себя глупо? Отсутствие привычки ходить на выставки? Почему бы не потреблять культуру и посещать выставки и в Нарве? (Знает ли кто-то кого-то, кто знает еще кого-то, кто ходит на все выставки?) Кто мог бы быть потенциальной аудиторией нарвских выставочных залов? Что заставило бы людей приехать сюда из Таллинна, Тарту, Петербурга, Хельсинки или Китая? А из Кохтла-Ярве, Йыхви, Силламяэ? Каким образом изобразительное искусство смогло бы быть таким же респектабельным выбором стиля жизни, как и поход в кино, театр или за грибами? Почему в выставках не видят возможности испытать что-то иное, увидеть чтото неожиданное, узнать что-то интересное, познакомиться с мыслями, до которых сам бы не дошел? Что мы можем сделать в выставочных залах, чтобы каждый нарвитянин хотя бы три раза в год приходил в Художественную галерею? Что каждый из нас может сделать, чтобы чаще попадать на выставки?

КТО МОЯ ПУБЛИКА?*

* Вопрос задает Анн Мирьям Вайкла, руководительница Нарвской художественной резиденции

Марк Райдпере Пять смотрителей 2006 Видео, 40 мин 8 сек Предоставлено автором

Марк Райдпере представляет зрителю разные судьбы людей со сходной позицией в обществе, снимая в видео “Пять смотрителей”, в основном, пять женщин старшего возраста, которые работают в Риге смотрителями на выставках. Это особые люди в художественной среде: они проводят посреди искусства свои длинные рабочие дни и, вольно или невольно, являются публикой на выставке искусства. Это люди, у которых есть время, чтобы погружаться в произведения искусства часами, смотреть на них снова и снова. С другой стороны, их задача – обеспечивать безопасность произведений искусства, оставаясь незаметными. Только в том случае, если посетитель делает что-то потенциально опасное, смотритель становится заметен. Парадоксально, что для охраны как финансово, так и культурно, бесценных произведений искусства, используют минимально оплачиваемый труд женщин старшего поколения, которые в нынешней ситуации на рынке труда в в Восточной Европе находятся в самом невыгодном положении. Пять смотрителей рассказывают, что и как им нравится смотреть, о своих любимых произведениях искусства и о совре менном искусстве. Это простая и душевная серия видеопортретов работников, так сказать, первого фронта в художественном заведении. Она дает слово тем людям, которые часто для широкой публики являются единственными видимыми работниками музея. Марк Райдпере (род. 1975) – фэшн- фотограф, видео- и фотохудожник, чьи работы чутки и эмпатичны. Он – мастер портрета, его работы исследуют желания, страхи и одиночество портретируемых. Представлял Эстонию на 51-ом Венецианском биеннале (2005). Живет и работает в Таллинне.

На каком языке нужно разговаривать в Нарве? На своем родном, будь то эстонский или русский? Или нужно пытаться разговаривать на эстонском как на государственном? Или на русском, потому что на нем говорит большинство? Или быть отзывчивым и говорить на том языке, которым владеет собеседник? Или оставаться в любой ситуации самим собой, как в языковом, так и в культурном плане? Чьи интересы и образ мысли выражаются, когда мы решаем говорить на одном или другом языке? Какие чувства и мысли рождаются в нас, когда мы говорим или слушаем один или другой язык? Кто нас слышит, когда мы используем один или другой язык? Кто нас слушает, когда мы используем один или другой язык? Кто использует нас, когда мы используем один или другой язык? На каком языке мы должны говорить об искусстве? Могли бы искусство и культура быть тем единым языком, на котором стоит разговаривать? Владение языками – это элитарно, элементарно или нормально? Как найти единый язык в месте, где языки встречаются? Pоgоvоrim pо-angliiski?

КТО ГОВОРИТ И НА КАКОМ ЯЗЫКЕ?

Катарина Здьелар Идеальное звучание 2009 Видео 14 мин 30 секунд Предоставлено автором

О привыкании, слиянии, проникновении говорит видео Катарины Здьелар “Идеальное звучание”. Это одновременно и поэтичное и политическое видео, чья звуковая дорожка напоминает бессловесное, состоящее из позвукового проговаривания произведения звуковой поэзии; а картинка переносит зрителя на частный урок, где логопед дает консультацию ученику (может быть, эмигранту из Восточной Европы, может быть, вашему соседу и коллеге), как говорить без акцента. Его рука учит невидимому и тому, чтобы стать невидимым; как бы переводя специфичные способы произнесения в ритмичные жесты. Это классический урок языка – речевой терапевт сначала говорит, а ученик повторяет следом. Так учат говорить без иностранного акцента, без классово- или региональнохарактерного выговора. Так учатся владеть идеальным звучанием языка. Такая эксклюзивная услуга существует не для того, чтобы достичь выдающихся успехов во владении языком, а наоборот – чтобы получить наиболее нейтральную дикцию, которая бы скрывала настоящее происхождение говорящего и не вызывала бы в потенциальном работодателе или в возможных друзьях предубеждений. “Идеальное звучание” учит, как лучше справляться с трудностями и быть успешнее. Катарина Здьелар (род. 1979) работающая в Роттердаме художница, которая работает с движущейся картинкой и звуком. Звуки, голоса, речь, язык и разные способы выражения – центральные темы в творчестве художницы и основные объекты исследований. Участвовала в выставках по всему миру, представляла Сербию на 53-ем Венецианском художественном биеннале (2007).

Какие есть стратегии выживания в постиндустриальном городе, где в один момент не осталось ни работы, ни производства и это никого, кажется, не волнует? Нужно ли уехать и попытаться найти счастье в другом месте? Или остаться и надеяться, что что-то изменится? Попытаться ли самому что-то изменить? Сражаться ли с находящимися рядом за те немногочисленные ресурсы, которые еще остались, или пытаться кооперироваться, чтобы хоть как-то прожить? Сосредоточиться на выживании своей семьи или пытаться сделать что-то вместе с друзьямисоседями-коллегами? Выращивать овощи и ходить по грибы для своей семьи или растить-собирать на продажу? Или совершать обмен с людьми, у которых есть доступ к другим ресурсам? Начинать ли свой бизнес, затевать ли старт-ап? Идти ли на выборы? Если идти, то за кого голосовать? Присоединяться ли к какой-нибудь политической партии и пытаться что-то изменить или удовлетвориться тем, что уже есть и не усложнять себе жизнь? Надеяться на Господа бога? На правительство? На общество? На самого себя?

КАК ВЫЖИТЬ В ПОСТ ИНДУСТРИАЛЬНОЙ СРЕДЕ?

Сандра Косоротова Чтобы существовать, нужны многие 2018 Инсталляция (текстиль) примерно 400 × 650 см Предоставлено автором

Посыл сконструированной из десяти связанных вместе фартуков инсталляции Сандры Косоротовой – “Чтобы существовать, нужны многие”. На первый взгляд малопонятное название работы указывает на то, что мы все, чтобы существовать, нуждаемся в других видах существ, чтобы их есть, чтобы прятаться в их тени, нуждаемся в создаваемой ими среде. Наше существование полагается на множество других живых организмов, из которых мы состоим. Понимание этого очень важно в мире, где чистота среды и многообразие форм жизни становится вопросом жизни и смерти. Этот вопрос остро стоит и в Ида-Вирумаа: продолжать ли жечь горючий сланец, усугубляя глобальное потепление, или реформировать весь сектор энергетики и встретить лицом ситуацию, в которой регион погрязнет в безработице и нищете? Второй важный элемент инсталляции – фартуки – указывает на работу и рабочие отношения, ведь, в основном, фартук надевают, занимаясь грязной работой. Солидарность рабочих и поддержка друг-друга – явление, которое осталось, во многом, в памяти о фабриках и шахтах. Нынешняя экономическая модель основывается на постоянной конкуренции и соревновании, которое ослабляет всех участников. Гораздо разумнее держаться вместе и помнить, что вместе мы сила и можем справиться со всем. Чтобы существовать, надо быть вместе. Сандра Косоротова (род. 1984) закончила факультет моды и дизайна в Эстонской художественной академии и занимается в своем творчестве модой, текстилем и текстом. Ее интересует политический потенциал моды, опыты человеческого тела, надвидовые отношения, власть и возможности. Живет и работает в Таллинне. sandrakosorotova.com

Когда гуляешь по Нарве, может возникнуть вопрос, что это за страна и что это за культурный контекст, в котором ты сейчас находишься? Это Эстония или Россия? Или это типичный восточноевропейский городок? Может, это существующий в какой-то своей реальности городгосударство, который мог бы называться Нарва-пограничье? Удобно ли это или неудобно для нарвитян? Кому такой город-государство полезен, правительству Эстонии или России? А опасен? Доверяет ли Эстония Нарве? А Нарва – Эстонии? Должны ли мы говорить так прямо и открыто о доверии? Всегда ли нужно выбирать стороны? Считает ли нарвитянин себя эстонцем или русским? Имеет ли вообще смысл такой вопрос в месте, которое за последние сто лет успело несколько раз побывать и в том и в другом государстве? Можем ли мы вдобавок к постиндустриализму и постсоциализму говорить о постнационализме? Каковы характерные черты такой культурной среды? Такая идентичность тут – это пережиток прошлого или, напротив, новая модель идентичности будущего? Как исторические события в Нарве могли бы сделать ее богаче сегодня?

КОМУ ПРИНАДЛЕЖИТ НАРВА?

Джон Филлип Мякинен Дети революции 2007. Инсталляция (текстиль, металл, дерево), 165 × 53 см Художественный музей Эстонии Инсталляция Джона Филлипа Мякинена “Дети революции” – парадоксальный объект, эта куртка просто нарывается! Произведение вдохновлено событиями бронзовой ночи весной 2007 года. Кадры беспорядков на улицах центра Таллинна той ночью, появившиеся в медиа, вызвали страх и ужас, но были при этом очень зрелищны. По своим противоречивым впечатлениям от освещения событий в источниках массовой информации, художник создал вызывающее противоречивые чувства произведение – куртку “бомбер”, одна сторона которой в цветах эстонского, а другая – российского флага. Отчасти кажется, что эта куртка принуждает занять какую-то позицию, выбрать сторону в эстонско-российские отношениях. Однако, можно воспринимать это произведение как обвинение в нелояльности или даже в государственной измене. Этот “бомбер” ни за что на свете не надел бы ни один эстонский или русский националист, который с удовольствием бы махал кулаками в куртке подобного фасона. Кто и как мог бы носить такую куртку? Или это произведение перед нами так и останется загадкой без простого ответа? Джон Филлип Мякинен (род. 1975) работающий в Хельсинки художник, которого интересует популярная культура, фильмы, черный юмор. Он создавал анимации и музыкальные клипы, давал концерты, участвовал в создании галереи и выставлялся на многих выставках. Живет и работает в Хельсинки. cargocollective.com/johnphillipmakinen

Эви Пярн Разные языки, один народ 2008–2019. Инсталляция (дигитальная печать, металл, осветительный прибор) 38 × 55 × 5,5 см Предоставлено автором Этот световой короб, на котором светится дигитальный рисунок плаката, изображающего двух страстно целующихся людей: только-только встретившиеся языки в цветах эстонского и российского флагов. Это изображение циркулирует в культурном пространстве Эстонии уже некоторое время. Это произведение Эви Пярн “Разные языки, один народ”, которое играет с изображением языка. Язык, как часть тела, которую используем, чтобы говорить, целоваться, есть, и язык, как средство общения, которое мы получаем в семье, и который во многом определяет нашу национальную идентичность. Для самой художницы тема языка очень актуальна – рожденная в этнически эстонской семье с русским домашним языком, она всегда чувствовала, что из-за ее родного языка в Эстонии ее не считают вполне своей. Изображением встречи двух языков, редуцируя интересы государства до отношений между людьми, она пытается создать атмосферу понимания того, что общего между людьми больше, чем различий. Похожее на рекламу произведение может принять форму чего угодно – плаката, наклейки, футболки или уличной рекламы. Принимайте это за рекламу! Эви Пярн (род. 1984) мультимедиа- художница, которая в своем творчестве занимается темами национальности, коммуникации разных общин между собой, интеграции и отверженности. Она художница – перформансист, иллюстратор, сценограф и активистка. Живет и работает в Таллинне. eviparn.wix.com/parnevi

Прекратившая массовое производство и стоящая с пустыми цехами Нарва достаточно одинока в Эстонии со своими проблемами. Однако весь западный мир полон городов, которые более или менее болезненно проживают свое постиндустриальное положение. Все производство переведено в Азию, и экономика предполагает, что вместо дешевых товаров будут предлагаться сложные услуги, для производства которых, правда, не нужно ни много места, ни тысячи рабочих. Что будет с этими зданиями и людьми? Сможем ли мы сразу найти новые применения им, или изменение направления требует серьезных инвестиций, переобучения и хороших идей? А если всего этого нет и не будет десятилетиями? В это время люди должны продолжать жить. Каковы возможности Нарвы в нынешней культурной, социальной и экономической реальности? Какие есть у Нарвы уникальные свойства, которые можно обернуть во благо? Как приумножить не только финансовый, но и культурный, эмоциональный и интеллектуальный капитал Нарвы? Как превратить недостатки Нарвы в достоинства?

ЧТО ПРИНЕСЕТ НАМ БУДУЩЕЕ?

Алтеа Таубергер Верните Бенчич 2014 Видео, 58 мин Предоставлено автором

Главным героем и местом действия видео Алтеи Таубергер “Верните Бенчич” является огромная фабрика в Риеке в Хорватии – Бенчич, которая стоит пустой с начала 1990 годов. Художница пригласила в заброшенную фабрику около 70 детей-актеров, и результат их многонедельной работы представлен зрителю. Жанр этого экспериментального фильма трудно определить – он как бы течет по экрану, являясь одновременно документальным фильмом об истории фабрики, импровизационным театром, детским танцевальным представлением, бесстрастной документацией пространства и спонтанной совместной деятельностью. Дети играют и двигаются в пространстве и обсуждают, что будет дальше. В их словах и жестах можно увидеть надежду и страх, поэтическое и политическое, понятия об обществе и о том, как оно действует. Дети наводят нас на мысль о будущем, фабрика – о том прошлом, когда карта жизни человека и его рабочие проблемы были сформированы совсем иными принципами. Как поколение будущего справится с наследием прошлого, как с физическими зданиями, так и со сложившимися представлениями и традициями? Одно ясно – будущее за ними. Алтеа Таубергер (род. 1970) Канадская художница, чьи работы рождаются при взаимодействии с разными общинами, ее художественные проекты реализуются в виде видео, перформансов, фильмов и книг. Участвовала в выставках, биеннале и фестивалях искусства по всему миру. Живет и работает в Ванкувере. altheathauberger.com

Данное издание сопровождает выставку, проходившую 23.01.–17.05.2020 в Художественной галерее Нарвского музея. Куратор выставки: Раэль Артель Участвовавшие в выставке художники: Алексей Гордин Торил Йоханнессен Сандра Косоротова Джон Филлип Мякинен Эви Пярн Марк Райдпере Алтеа Таубергер Катарина Здьелар Художники, работы которых из коллекции Нарвского музея были выбраны Галиной Смирновой: Иван Айвазовский Вильгельм Котарбинский Лев Лагорио Александр Маковский Филиппо Марантонио Николай Семенов Иван Шишкин Михаил Ульянов Неизвестные художники Консультанты: Мария Капаева Ярославна Назарова Анн-Мирьям Вайкла

Редакторы перевода: Дана Карьятсе (эстоноязычный текст) Светлана Андреева (русскоязычный текст) Мартин Рюнк (англоязычный текст) Благодарим: Художественный музей Эстонии Частных коллекционеров Рейго Куйвйыги Танеля Мурре Дмитрия Недопекина Лиину Раус Аннику Ряйм Дениса Зимина При поддержке фонда «Капитал культуры Эстонии» Каталог Автор текстов и идеи: Раэль Артель Графический дизайн: Яан Эварт Переводчик: Ярославна Назарова Редактор перевода: Светлана Андреева

Графический дизайн: Яан Эварт Оформитель: Тыну Нарро Музейные педагоги: Елена Ховарт Дмитрий Недопекин Переводчики: Ярославна Назарова (эстонско-русский) © Авторы Кристофер Риккен (эстонско-английский) © Нарвский музей