BITÁCORA
INDICE -ROMANICO -GOTICO -RENACIMIENTO -ETAPAS DE RENACIMIENTO -BASILICAS RENACENTISTAS -JARDINES RENACENTISTA -BARROCO FRANCES -BARROCO CHURRIGUERESCO -ILUSTRACION -ROCOCO -PARIS DE HAUSSMANN -LONDRES REVOLUCION INDUSTRIAL -FERIA MUNDIAL 1889-PARIS -ESCUELA DE CHICAGO -EXPOSICION DE LONDRES 1851 -IMPRESIONISMO -ARTS & CRAFTS/ 4 GLASGOW -ART NOUVEAU -ARQ. VERNACULA -CONCLUSION
ROMANICO El románico fue el primer estilo internacional de la cultura occidental tras la caída del Imperio Romano. La denominación del románico se usa para referirse al arte de Europa occidental entre los siglos VIII y XII. El arte románico surgió a mediados del siglo XI como la culminación de un largo proceso de ensayos, los estilos prerrománicos, a los que se incorporaron influencias bizantinas y orientales. Los estilos prerrománicos son Los estilos desarrollados en España entre los siglos VII y XI. arte visigodo arte asturiano arte mozárabe. El románico fue un arte plenamente feudal y religioso, que surgió en una Europa occidental que, desde finales del siglo X, comenzaba a estabilizarse gracias a varios factores El cese de la invasiones bárbaras • El fortalecimiento de la Iglesia como institución y foco cultural y artístico. La Iglesia acaparó y preservó todo el conocimiento desde la caída del Imperio Romano, llegando a cuotas de poder e influencia como jamás volvería a tener. • La implantación del feudalismo como sistema de organización social, económica y política. El feudalismo entró en crisis en los siglos XII y XIII al recuperarse el poder real. El sistema feudal supone la existencia de una sociedad estamental dividida en tres estamentos: la nobleza, el clero y el estado llano, este último formado mayoritariamente por campesinos. Los dos primeros poseían privilegios como no pagar impuestos. Es un sistema jerárquico que supone en
toda Europa la preeminencia de los estamentos privilegiados, la nobleza y el clero. Su poder político y económico los convierten en mecenas artísticos. Estamos pues, ante un arte monástico y aristocrático.
La expansión monástica: las órdenes religiosas alcanzan entonces un poder económico y un prestigio político que permiten su expansión más allá de sus núcleos de origen. Los monasterios en el siglo XI guardan reliquias de santos que les convierten en centros de peregrinación que les dan grandes beneficios. El mismo sentido tiene las grandes rutas de peregrinación hacia Roma, Jerusalén y Santiago en cuyos caminos se levantaron edificios que ofrecían características comunes. Las peregrinaciones también contribuyen a unificar el arte de la época. El desplazamiento de artesanos y artistas por estas rutas favorecen la difusión tanto de las técnicas constructivas como de la escultura y pintura lo que originaría el primer estilo internacional europeo.
ARQUITECTURA ROMANICO La arquitectura al igual que todas las manifestaciones artísticas, es esencialmente religiosa, debido al importante papel desempeñado por la iglesia. Las tipologías más características son la iglesia y el monasterio.
Es ante todo una arquitectura religiosa definida por dos principios: la monumentalidad y la perdurabilidad. Se pretende que sea perdurable puesto que la religión cristiana se considera una religión eterna y por ello sus edificios también deben serlo.
MATERIALES La piedra en forma de sillar El uso de la madera en las cubiertas, cimbras y andamio
PLANTAS Planta Central: circular o Poligonal Planta Basilical: Se trata de una planta de 3 o 5 naves Cruz latina
ELEMENTOS DE LA PLANTA Transepto Crucero Ábside Girola Absidiolos
ALZADO ELEMENTOS SUSTENTANTES El muro Contrafuertes Estribos Tribunas El pilar Pilar compuesto Pilar fasciculado Columna
ALZADO ELEMENTOS SUSTENTADOS El arco El intradós la rosca la imposta La flecha la cubierta
Bóveda de cañón Cúpula Pechinas Linterna Torres Cimborrio
GÓTICO El nombre de Gótico hizo referencia en un principio a lo grotesco y bárbaro de la arquitectura que fue concebida por los pueblos conquistadores que inician las llamadas Cruzadas, y que fue considerada como algo despectivo y carente de proporción y de belleza. El edificio más emblemático será la catedral. Si el románico era agrario, feudal y monástico, el gótico se desarrolla en las ciudades, muchas de ellas nuevas que crecen sin parar. Es el edificio representativo de la nueva sociedad urbana: es la iglesia de la ciudad. Se caracteriza por su verticalidad y su luminosidad. En las catedrales las columnas ganan altura gracias a los nuevos avances técnicos.
CARACTERISTICAS El juego del todo y las partes, que integraban un conjunto estructuralmente armonioso y resistente Existencia de representaciones escultóricas de escenas, personajes o pasajes de la Biblia, que se buscaba fueran conocidas por todas las personas. Los muros se transforman en vitrales, donde los símbolos y representaciones religiosos llenan de color y luz el interior de la Iglesia, pero buscan de igual manera educar y adoctrinar al pueblo.
ELEMENTOS PRINCIPALES ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS Arco apuntado Bóveda de Ojival Pilar fasciculado Arbotantes Arquería
Triforio Claristorio Pinaculo
RENACIMIENTO Llamamos Renacimiento a un período de la historia de la humanidad que se extiende en Europa durante los siglos XV y XVI. Italia, cuna del arte renacentista, ve los inicios de esta nueva era un siglo antes: en el siglo XIV, mientras otros países aún estaban despertando a un cambio de mentalidad, en el período conocido como “Ars Nova”. El término “Renacimiento” hace referencia al verbo “re-nacer”. Después de casi diez siglos de mentalidad cerrada, centrada en refugiarse en Dios como “remedio” para los males de la época (enfermedades, hambre, muertes), la humanidad, cansada de vivir de esa manera, vuelve su mirada hacia los ideales de la cultura clásica (Grecia y Roma) como modelos de perfección. Grecia, cuna de la democracia y de la filosofía, era el mejor maestro. La visión teocéntrica del mundo, característica de la Edad Media, se transformará en una visión antropocéntrica (el hombre –la persona– como medida de todas las cosas). Junto al Renacimiento se desarrolla un movimiento cultural llamado Humanismo, en el que se busca formar a la persona en el estudio de las letras, las ciencias y las artes.
Tres hechos marcaron profundamente esta época: La idea de viajar supone un encuentro con el conocimiento, con saberes nuevos. Históricamente, el Renacimiento es contemporáneo de la era de los Descubrimientos y las conquistas ultramarinas. Esta «era» marca el comienzo de la expansión mundial de la cultura europea, con los viajes portugueses y el descubrimiento de América por parte de los españoles. Muchos compositores de la época viajaban a otros países, por lo que estaban en contacto con Europa. La invención de la imprenta por Johannes Gutemberg. Gracias a la imprenta, la difusión de la cultura a través de los libros permitió que aquélla llegase a un mayor número de personas. La introducción de la imprenta entre 1460 y 1480 y la consiguiente difusión de la cultura fue uno de los motores del cambio. El desmembramiento de la cristiandad con el surgimiento de la Reforma protestante supuso una crisis que dejó honda huella en el arte.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO
TRECENTO Un período muy creativo, fue testigo de la aparición de Pintura prerrenacentista , así como escultura y arquitectura durante el período 1300-1400. De hecho, dado que el trecento coincide con el movimiento prerrenacentista, el término se usa a menudo como sinónimo de Arte protorrenacentista – es decir, el puente entre medieval Arte gótico y el Renacimiento temprano
PINTURA Dos escuelas dominaron la pintura del siglo XIV. Escuela de pintura de Siena dirigido por Duccio de Buoninsegna. La Escuela Florentina de ProtoRenacimiento dirigida por Giotto
ARTISTAS
ARQUITECTURA La arquitectura gótica predominó en el norte de Europa hasta el siglo XVI, fue reemplazado en Italia durante el siglo XV por diseños renacentistas. Sin embargo, pocas obras arquitectónicas importantes tuvieron lugar durante el trecento . Las razones de esta calma no están claras, aunque vale la pena recordar que la Peste Negra (1346) acabó con un tercio de la población de Europa, y la brutal Guerra de los 100 años entre Francia e Inglaterra comenzó en 1339.
QUATTROCENTO Constituye el inicio de la ruptura con la estética medieval y la implantación de los nuevos ideales renacentistas. En este periodo todavía coexisten algunos elementos del pasado con las nuevas aportaciones que el renacimiento traía consigo El Quattrocento es uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo. Aparece la figura del artista creador en detrimento del anonimato. Surge el taller del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes. Este hecho podría considerarse como el nacimiento de la categoría de autor. El hombre es la obra más perfecta de Dios. Se pinta la figura humana independientemente de lo que represente. En este arte evolucionan técnicas de pintura y se consigue la perspectiva; en escultura se vuelve a la imitación de la clásica griega y romana, y con respecto a la arquitectura hay un retorno a las líneas del arte griego y romano.
CINQUECENTO Se caracterizó por la hegemonía artística de Roma, cuyos papas (Julio II, León X, Clemente VII y Pablo III, algunos de ellos pertenecientes a la familia florentina de los Médici) apoyaron fervorosamente el desarrollo de las artes, así como la investigación de la Antigüedad Clásica. Sin embargo, con las guerras de Italia muchos de estos artistas, o sus seguidores, emigraron y profundizaron la propagación de los principios renacentistas por toda Europa Occidental. Se caracteriza intelectualmente por el paso del teocentrismo medieval al antropocentrismo humanista de la Edad Moderna; y estilísticamente por la búsqueda de las formas artísticas de la antigüedad clásica y la imitación (mímesis) de la naturaleza. Comprende dos fases: comienza con el denominado Alto Renacimiento (finales del siglo XV y primeras décadas del s. XVI), y termina con el denominado Bajo Renacimiento o Manierismo.
BASILICAS RENACENTISTAS BASILICA DE SAN PEDRO Situada en la Ciudad del Vaticano. La basílica cuenta con el mayor espacio interior de una iglesia cristiana en el mundo, presenta 193 m de longitud, 44,5 m de altura, y abarca una superficie de 2,3 hectáreas. La construcción del actual edificio, sobre la antigua basílica constantiniana, comenzó el 18 de abril de 1506, por orden del papa Julio II, y finalizó el 18 de noviembre de 1626. Las obras de la nueva basilica comenzaron en el s. XVI y duraron un siglo y medio, durante este tiempo afamados arquitectos y artistas del renacimiento y barroco italiano (Miguel Ángel, y Bernini) fueron dejando testimonio de su grandiosa participación. La gran cúpula se encuentra justo sobre el altar mayor y la tumba del Apóstol Pedro. Concebida por Miguel Ángel, quien desde 1547 se ocupó sin interrupción de la Basílica, fue terminada 24 años después de su muerte.
SANTA MARIA DEL FIORE ) Es la obra más antigua de Florencia construida en el siglo V. es una catedral gótica, iniciada en 1296 por el arquitecto Arnolfo di Cambio y continuada desde 1331 por Giotto, quién realizó su bello campanile exento, y posteriormente Finalizada en 1446 por otros arquitectos. La catedral tiene planta de cruz latina con tres naves. Como es típico en el gótico italiano, tiende a la horizontalidad y a la policromía, al intercalar hiladas de piedra y mármol. Está formada por dos cúpulas, el primer interior y auto portante, tiene en su parte inferior de apoyo con el tambor un ancho de 2,22m que al llegar a lo más alto se reduce a 2m. La cúpula externa, que se apoya en la anterior tiene en la parte inferior un espesor de 0.96m, reduciéndose hasta 0.40m en la parte superior tiene una linterna de 16 m de altura y un peso aproximado del 10 por ciento del peso total de la cúpula. las dimensiones de la catedral son: 153 metros de largo, 90 de ancho en el cruce, y 90 metros de altura desde el pavimento a la apertura de la linterna.
JARDINES RENACENTISTAS El jardín italiano clásico, también conocido como jardín renacentista, fue un nuevo estilo de jardín que surgió a finales del siglo XV en las prósperas villas de Roma y Florencia. Antes de esto, los jardines medievales italianos miraban hacia adentro, encerrados por paredes y dedicados al cultivo de verduras, frutas y hierbas medicinales (o para la meditación y oración silenciosa en los jardines del monasterio). El jardín del Renacimiento italiano derribó la pared entre el jardín, la casa y el paisaje exterior para mirar hacia afuera, tanto física como intelectualmente, y se cultivó principalmente con el propósito de placer, aunque se incluyeron los comestibles. Surgieron del redescubrimiento por los estudiosos del Renacimiento de los modelos clásicos romanos, inspirados en los ideales clásicos de orden y belleza, y estaba destinado al placer de la vista del jardín y el paisaje de los alrededores, para el disfrute de los sonidos y olores del propio jardín. Los estudiosos llegaron a llamar a esta forma de arte "tercera naturaleza", porque para ellos este arte y la naturaleza se unían en un todo indistinguible, en el que la naturaleza se convertía en creadora de arte y compartía la esencia del arte. Juntos producían algo que no es ni lo uno ni lo otro, y es creado por igual por cada uno. Los jardines del Renacimiento temprano fueron diseñados con túneles de vegetación, árboles para dar sombra y un jardín secreto cerrado.
A mediados del siglo XVI, la magnificencia llegó a ser percibida como una virtud, y los jardines se hicieron más grandes, grandiosos y más simétricos, llenos con fuentes, estatuas, grutas, piscinas y otras características que los Médicis y otras familias e individuos ricos construyeron en sus jardines para demostrar su propio poder y magnificencia a los visitantes. El jardín era una forma de teatro político, con el representaban el poder, la sabiduría, el orden, la belleza y la gloria que el Médici había traído a Florencia.
BARROCO FRANCES La primera mitad del siglo XVII coincidiría con el reinado de Enrique IV de Francia y el de Luis XIII (éste último muerto en 1643). Enrigue IV emprendió la obra de reconsolidación y enaltecimiento de la realeza en Francia. La continuaron su hijo y su nieto, Luis XIII y Luis XIV. Desde el punto de vista político Francia paulatinamente va alejando los fantasmas de las guerras religiosas entre católicos y hugonotes, y a medida que se refuerza la autoridad real (en especial, gracias a la figura del Cardenal Richelieu), va tomando posiciones hegemónicas en el concierto continental en detrimento de la otra gran monarquía católica de aquel periodo: España. Tras la muerte de Luis XIII le sucederá su hijo, de tierna edad, que tiene que soportar un periodo convulso durante la Regencia, pero que primero apoyado en el Cardenal Mazarino, y luego en su sentido de la autoridad y de la Majestad se convertirá en uno de los personajes claves del Barroco europeo. hablamos de Luis XIV, el autodenominado Rey Sol. Después del fallecimiento de Luis XIV (1714) seria Luis XV quien gobernaría hasta bien entrado el siglo. Es el periodo de esplendor de lo que hemos denominado estética Rococó. Iniciado durante el reinado de Luis XIII, será su hijo, Luis XIV, quien contribuya al desarrollo del aspecto que presenta en la actualidad. Pensado como una gran "escenografía" en la cual presentar al monarca y su corte en todo su esplendor, habría cumplido el papel de retiro a la par que de lugar de divertimento. El Barroco no inventa nuevas fórmulas estéticas sino que reinventa las previas ya existentes, potenciándolas. Sobriedad, armonía y claridad van a ser, de esta manera, las tres claves de la arquitectura barroca en Francia, la cual, a diferencia de lo que habría sucedido en el país de origen del movimiento, Italia, estará concebida al servicio del poder establecido político (en vez del religioso) al igual que el resto de las artes. De ahí su majestuosidad y su clara vocación de ostentación.
PINTURA La pintura francesa se caracteriza por la fuerte vinculación con los modelos italianos, entre otras razones porque entre el grupo de pintores relevantes de la Francia de la época muchos de ellos se forman y trabajan antes de regresar, en Roma y en Italia en general. Así pintores como Valentín de Boulogne, Incola Tournier, Simón Vouet, y algunos más estuvieron formándose e incluso trabajando en Italia. Si a ello añadimos la llegada de obras procedentes del país transalpino a las diferentes provincias y regiones galas, obtenemos una explicación de la fuerza con la que entró el estilo.
ARQUITECTURA La primera mitad del siglo XVII se caracteriza por un continuo enfrentamiento entre el espíritu formal clásico y los elementos barrocos italianos importados. Luego este estilo clásico francés del s. XVII se diferencia rigurosamente del Barroco italiano coetáneo, aunque ambos se basan en los órdenes clásicos de columnas. Se rechaza el movimiento y la exageración delirante y en su lugar surgen la claridad, la simetría y la regularidad, normas que formula la Academia Real como institución absolutista vigente para todo el país. En Francia el barroco adquiere caracteres más sobrios que en Italia, con plantas menos complicadas, fachadas más severas, mayor respeto por las proporciones y renuncia a los efectos violentos. Es, pues, un arte cortesano en el que los artistas trabajan para el rey por lo que la mayor parte de las obras son civiles los edificios típicos son el palacio y el castillo de campo, donde se plasma el refinamiento, la suntuosidad y el poder absoluto Además del hotel para la burguesía y los grandes palacios suelen tener un gran cuerpo alargado y dos alas hacia el jardín las cubiertas son de estilo francés, que forman grandes cuerpos prismáticos, muy altos, en los que se abren buhardillas.
BARROCO CHURRIGUERESCO El churrigueresco es un estilo único que nació en España a partir de la arquitectura barroca. Se caracterizó por tratarse únicamente de decoraciones recargadas, formas ornamentales y de excesivos adornos tanto en el exterior como en el interior de las obras. Se caracteriza por las portadas monumentales y la aparición de las columnas en forma de espiral o salomónicas adornadas con elementos de la flora del lugar, en forma de lazos retorcidos, de igual forma se ve el los altares y retablos. El churrigueresco se consideró como un estilo simultáneo al Rococó. El Rococó fue un estilo que en España no tuvo mayor producción o importancia, ya que era considerado como una expresión artística más de las élites. Por ende, el Barroco en España se transformó más bien en decoraciones recargadas, que finalmente se denominó como churrigueresco. El churrigueresco no es un estilo arquitectónico. Es un estilo, mas bien, escultórico y decorativo, plasmado en fachadas, torres, retablos y mobiliario, pero con la imprescindible tarea arquitectónica de dibujar y labrar pilastras, cornisas, frisos, arcos, molduras, etc. que son elementos estructurales. No hay plantas Churriguerescas se usa siempre la cruz latina en las iglesias y el cuadrado en las casas- ni estructuras, ni espacios churriguerescos, si bien los retablos y los estucos transforman de manera peculiar los espacios tradicionales por medio de los volúmenes seccionados, variables y muy acusados.
RETABLOS
ILUSTRACIÓN La Ilustración fue un movimiento intelectual que se desarrolló en Europa en el siglo XVIII. Aunque surgió en Inglaterra, fue en Francia donde cobró mayor importancia. Se centró en la razón humana y su capacidad de investigar y conocer la naturaleza a través de la observación y la experimentación. La confianza en la capacidad humana hizo que los ilustrados fueran optimistas y creyeran que no había límites para el progreso que se podía alcanzar. Fue la base de las ideas de las revoluciones. La ilustración es una nueva forma de pensar, de entender la realidad, de encontrarse frente al mundo; la cual radicada en un período histórico determinado, preparó las armas ideológicas para el enterramiento del Antiguo Régimen y la entrada en una nueva época del hombre que, ya sin posible marcha atrás, culminaría en el decisivo y trascendental hecho histórico, cual es la Revolución francesa de 1789. Ilustrar es dar luz al entendimiento. El hombre ha vivido en la oscuridad, o por lo menos entre tinieblas. Y en este siglo todo cambia y ya nada volverá a ser como antes. Para Kant la ilustración es la liberación del hombre de su culpable incapacidad. La incapacidad significa la imposibilidad de servirse de su inteligencia sin la guía de otro. Esta incapacidad es culpable porque su causa no reside en la falta de inteligencia sino de decisión y valor para servirse por sí mismo de ella sin la tutela de otro. ¡Sapere aude! ¡Ten el valor de servirte de tu propia razón!: he aquí el lema de la ilustración.
CARACTERISTICAS Predominio de la razón • Ejercicio pleno de la crítica • Confianza en la práctica transformadora • Defensa del progreso • Tolerancia religiosa • Fomento de las ciencias, las técnicas y las artes • Desarrollo de la industria y la agricultura • Reivindicación de la moralidad pública y personal • Libertad en todos los sentidos de la vida humana • Igualdad de todos los hombres ante la ley • Fraternidad entre los hombres • Búsqueda de la verdad mediante la investigación • Libertad de opinión o uso público de la razón • Exigencia de cumplimiento de los derechos y deberes ciudadanos
PERSONAJES
ROCOCÓ El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. Este estilo se caracteriza por la opulencia, la elegancia y el empleo de colores vivos. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad aristocrática, por lo que se le considera un arte frívolo. El Rococó floreció en Francia y se expandió por toda Europa, pero, a diferencia del estilo Barroco que lo precedió, regularmente no iba más allá del entretenimiento. El rococó es un simple estilo decorativo para muchos, con tendencias de naturalismo y realismo, con líneas y formas orgánicas. Todo lo que tuviera movimiento era muy característico de este nuevo estilo. Se utilizan todos los medios al servicio de la alegría, la gracia y la fantasía. Cada ambiente era planteado como un mundo autónomo en el que el artista decorador podía dar rienda a su creatividad sin tener que pensar en el conjunto del edificio. En el Rococó desaparece la tendencia hacia lo monumental, lo solemne-ceremonial y lo patético, dejando lugar a la preferencia por lo gracioso e íntimo. Los elementos decorativos y convencionales tomados del Barroco se van disolviendo paulatinamente y son sustituidos por las características del gusto artístico burgués. El Rococó no es un arte regio, como el del Barroco, sino un arte de la aristocracia y de la alta clase media, que se acerca al gusto burgués por las formas diminutas. Si el Barroco es un arte macizo, estatuario y espacioso, el Rococó da la impresión de débil, nimio y frívolo. El Rococó, con su sensualismo y su esteticismo, está entre el estilo ceremonial del Barroco y el lirismo romántico, es el mediador entre el Barroco cortesano y el prerromanticismo burgués. El Rococó es el Barroco pero sin su contenido religioso y político, pues se convierte en mera decoración. Ésta se basa en la rocalla, forma ondulada y asimétrica que, inspirada en conchas y rocas, lo invade todo para lograr una evasión de lo real a través del capricho, reflejando así lo transitorio de la naturaleza. Por tanto, el objetivo principal ahora no es la persuasión sino la sensación, con lo que se invita al disfrute de todos los sentidos y a un nuevo modo de vivir basado en la comodidad y en la intimidad como estados más naturales y como reacción al pasado más reciente, donde todo giraba en torno a la majestad real.
PINTURA A pesar de que el Rococó debe su origen puramente a las artes decorativas, el estilo mostró su influencia también en la pintura, llegando a su máximo esplendor en la década de 1730. Esta pintura debe llamarse propiamente como Pintura Galante y no como Pintura Rococó, pues este término engloba el contexto estético en que se encontraba. El nombre proviene del verbo galer, que en francés significa ser valiente y hábil en el trato con las mujeres. El galante es aquel que sabe tratar y complacer a una mujer. La figura de la mujer es un foco inspirador de la pintura. La mujer es un figura bella y sensual, cada vez más culta. Ella seduce y participa en aventuras prohibidas.
ARQUITECTURA
PARIS DE HAUSSMANN Entre la Revolución de 1789 y la renovación de Haussmann cambiaron los ideales de los parisinos: de ser una ciudad políticamente motivada pasó a tener los ideales propios de una ciudad centrista, tanto a nivel económico como social. La tecnología moderna, como los ferrocarriles y las lámparas de gas, serían mejoras que la burguesía en auge podía disfrutar en un estilo de vida más cómodo. Con la renovación se crearon nuevos espacios en los que la burguesía hizo ostentación de su nueva riqueza, creando una economía floreciente Todos los ejemplos de cambios que acontecieron en París en esta época pueden verse en representaciones de la ciudad. En consecuencia, hay dos visiones del Barón Haussmann: una la representa como el hombre que destruyó el París antiguo, y la otra como el hombre que creó el Nuevo París. En efecto, gracias a sus intervenciones, la ciudad se transformaría en menos de dos décadas, dejando de ser una ciudad medieval para convertirse en la ciudad más moderna del mundo… si bien a altos precios de segregación social. Haussmann en su concepción, pretendía que París tuviera calles más seguras, mejores casas, comunidades más salubres (esto es una constante, como hemos visto, de los problemas de higiene y enfermedades en la historia de esta ciudad), comunidades hospitalarias y que facilitaran las compras, además de una mayor fluidez en el tránsito, es decir, mejoras en la comunicación. El cambio fue posible porque hubo un progreso en las técnicas urbanísticas y, además, se adaptaron leyes adecuadas. Fue así como Haussmann se permitió eliminar muchas calles antiguas, serpenteantes, de la trama medieval parisina, así como derribar casas de apartamento para sus regulados planes. A cambio, construyó anchos bulevares rodeados de árboles, creando además extensos jardines, por los que hoy en día es famosa la ciudad de París. En concreto, se aumentó el límite de altura de los edificios (hasta 20 metros, antes 17,55) en calles de más de 20 metros; y en los nuevos edificios construidos era obligado que las plantas tuvieran la misma altura en todos y la misma alineación de fachada
LONDRES REVOLUCIÓN INDUTRIAL El termino Revolución Industrial Inglesa hace referencia al periodo comprendido entre 1740 y 1850. Inglaterra fue el primer país en experimentar dicha revolución, es decir, fue el primer lugar donde se produjo un crecimiento económico y un aumento de la productividad sin precedentes hasta entonces. Esta revolución trajo consigo la llamada economía capitalista, fundamentada en dinero para producir y mano de obra para llevar a cabo dicha producción Hasta la llegada de la Revolución Industrial, París haba sido la cuna de la civilización europea. Sin embargo, es Londres la que pasa a ostentar dicho poder tras la revolución. Esta ciudad pasa de tener unos dos millones de habitantes cuando Victoria subí al trono en 1837 a tener unos 6.5 millones en 1903. El rápido crecimiento de la ciudad, el cambio de una vida básicamente rural a una economía basada en la industria y un desarrollo tecnológico sin precedentes evidencian La innovación tecnológica es, precisamente, la que constituye la esencia primordial de la revolución, con la industria como su principal fuente de riqueza, pero donde la explotación laboral de, incluso, mujeres y niños fue una realidad, de hecho, sin ellos no hubiera sido posible la revolución tal cual la conocemos hoy en día. Por tanto, aunque los ciudadanos de la poca victoriana admiraban la sociedad en la que vivan por el enorme desarrollo tecnológico, la clase humilde padeció el aspecto ms negativo de la revolución: la explotación laboral. Los trabajadores cobraban salarios muy bajos y trabajaban unas 14 horas diarias. La revolución trajo, pues, consigo enormes cambios, cambios sociales, cambios políticos, pero esta no hubiera sido posible a no ser por el hecho de que Inglaterra era un gran imperio colonial, que compraba barato y venda caro. Los cambios económicos también se evidenciaron por la adopción de un pensamiento económico liberal, donde solo la oferta y la demanda jugaban un papel importante.
ARQUITECTURA La llegada del capitalismo también significa mayores diferencias entre las clases sociales. Las clases altas y medias se beneficiaron mucho ms que las clases bajas, lo cual creo malestar y disconformidad, provocando huelgas y revueltas. Esta situación llevó a la unión de los trabajadores, que culminó en la sindicalización de los mismos para luchar contra la explotación. La clase humilde luchaba contra la reducción salarial, los altos precios, la introducción de la maquinaria Inglaterra se convirtió en el escaparate del mundo. Pero probablemente la Exposición de 1851 supuso el mayor acierto de la sociedad victoriana. La exposición se celebra en el Palacio de Cristal en Londres, el cual se construyó para mostrarle al mundo los logros, la riqueza y el poder de los ingleses de la poca. La persona que se encargó de dicha exhibición de poder fue el marido de la reina, el Príncipe Alberto, el cual insistió que dicha exposición deba mostrar algo ms que el poder inglés, que deba ser una lección de moralidad. Este didacticismo subraya el sentimiento de superioridad dominante en la sociedad.
La Revolución Industrial trajo consigo cambios sociales y políticos, agitación, intranquilidad Las ms arraigadas tradiciones cambiaron en poco tiempo de tal manera que en un breve espacio de tiempo el país paso de basar su economía en la agricultura a basarla en la industria. El campo necesitaba menos trabajadores y las ciudades ms mano de obra cada da, con lo que se produjo un éxodo del campo a las zonas urbanas. En las ciudades las chimeneas y humos de las fábricas conformaban el nuevo paisaje. El país se dividía en dos: por un lado, aquellos que posean tierras, que eran ricos, y por otro lado, aquellos que no las posean, que eran pobres.
FERIA MUNDIAL DEL 1889- PARIS
En este contexto, la Exposición Universal de París de 1889 se presenta como uno de los acontecimientos más importantes de finales del siglo XIX. La torre Eiffel, la más alta del mundo en ese momento, pasó a ser el emblema de la modernidad, es decir, de esa construcción conceptual que la sociedad industrializada llevó a cabo como forma de autorrepresentación y de la que las Exposiciones Universales no eran más que sus ciudades ideales. El grabado y el desarrollo de la técnica fotográfica convirtieron a la torre en icono popular protagonista de postales y álbumes de vistas y, desde ella, los visitantes de la Exposición se divertían lanzando globos con tarjetas que alguien recogería y enviaría a su destino
ESCUELA DE CHICAGO reconstrucción era una cuestión de orgullo comunitario.La ciudad iba a resurgir de sus cenizas con menos ataduras que nunca. Se materializarían concepciones arquitectónicas alejadas de lo tradicional, sin inhibiciones y con singular atrevimiento. Los ambiciosos arquitectos de Chicago pensaron una metrópoli vertical. Necesitaban dar solución a la gran demanda de espacio de todo tipo que experimentaba la ciudad en su reconstrucción. Para ello introdujeron el uso del armazón de hierro para soportar las estructuras. Estos esqueletos eran livianos y facilitaron el nacimiento de los rascacielos. Otra de las innovaciones de la época fue el uso de pilares de hormigón como soporte o cimiento de las construcciones, lo que daba solución al desafío de un suelo arenoso y fangoso. Las ventanas extendidas horizontalmente fueron también impuestas por esa generación de arquitectos, las ventanas podían ahora tener las dimensiones que se desearan, lo que eliminaba los muros de carga. Estas innovaciones generaron la necesidad de desarrollar los ascensores eléctricos, permitieron suprimir elementos decorativos tradicionales en beneficio de gigantescas superficies acristaladas, y propiciaron un equilibrio estético entre líneas horizontales y verticales. La Escuela de Chicago, es el nombre de un estilo arquitectónico originado en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX, en la ciudad de Chicago. Se caracteriza por ser el primero en utilizar cierto tipo de materiales y por implementar nuevas técnicas para la edificación de grandes construcciones.
OBRAS
EXPOSICION MUNDIAL DE LONDRES 1851 En 1851 se celebró en Londres la primera de las grandes exposiciones universales. «The Great Exhibition of the Works of Industry of all Nations», fue su nombre official. El edificio de la exposición debía estar situado en Hyde Park, parque público situado en una zona residencial que no había terminado de consolidarse del todo. Se constituyó un comité y se convocó un concurso público para el proyecto del edificio de la exposición. Se rechazaron los 233 proyectos. A última hora se presentó el proyecto de Joseph Paxton, el Crystal Palace, una estructura ligera de hierro y cristal, la cual eligieron. Promotores • Thomas Cubitt • Henry Cole • Sir Robert Peel • Príncipe Alberto
El Palacio de Cristal siempre tuvo la intención de ser una muestra de la destreza tecnológica británica, porque fue diseñado como la sala de exposiciones principal de la Gran Exposición de 1851. El Palacio de Cristal de Paxton fue diseñado por Joseph Paxton en 1851, en Inglaterra. Entre el 1 de mayo y el 11 de octubre de 1851, albergó la Gran Exposición Mundial en Londres. Desde el exterior el edificio se percibía como una imponente estructura de 600 metros de largo por 120 metros de ancho y 34 metros de altura. Se convirtió en un símbolo de la era moderna para el Imperio Británico, Está directamente influenciado por la amplia experiencia que poseía Joseph Paxton como diseñador y constructor de invernaderos. Durante años Paxton había trabajado como jardinero en los jardines de Chatsworth al servicio del Duque de Devonshire. La experiencia desde el exterior era otra completamente diferente, la sensación de estar siendo visto aún a sabiendas de que muchas veces el interior permanecía invisible para los paseantes del parque
DISEÑO Constaba de una nave central de 563 metros de largo y 124m de ancho, atravesada por un transepto de bóveda de medio punto de 33 metros de alto. Delgadas columnas de hierro sustentaban las paredes de cristal que cerraban la construcción recordando las estructuras de los invernaderos en los que se inspiró Paxton. La estructura se realizo en fundición de hierro y hierro forjado. Los muros estaban cubiertos al igual que el techo en su totalidad en vidrio. En la construcción también se podían apreciar las primeras vigas en celosía diseñadas para minimizar su peso garantizando su resistencia y que se utilizaron para generar los distintos forjados. Se utilizaron mas de 1000 columnas de hierro.
IMPRESIONISMO El impresionismo es el movimiento artístico más importante desarrollado en Francia durante el siglo XIX. Su posición innovadora ha tenido un profundo eco sobre las sucesivas generaciones de artistas europeos. El inicio oficial del impresionismo se remonta a 1874. En ese año tuvo lugar, de hecho, la famosa exposición de «artistas independientes”, celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar. Los organizadores de la exposición fueron los mismos artistas que participaron en ella, señalando la exclusión repetida de sus obras de las exposiciones oficiales, en primer lugar, el Salón.
De hecho, los elementos que caracterizan el movimiento estuvieron presentes en las obras de los principales protagonistas desde finales de los años sesenta. Según algunos estudiosos, los primeros signos del impresionismo pueden incluso rastrearse en las obras de Pissarro, Monet y Renoir a fines de los años cincuenta. El término impresionismo surgió debido a una de las primeras pinturas de Claude Monet, «Impresión, amanecer», de una crítica hecha a la pintura por el pintor y escritor Louis Leroy. La expresión fue originalmente utilizada peyorativamente, pero Monet y sus colegas adoptaron el título, sabiendo de la revolución que estaban comenzando en la pintura.
CARACTERISTICAS La pintura debe registrar las tonalidades que los objetos adquieren al reflejar la luz solar en un momento determinado, porque los colores de la naturaleza cambian constantemente, dependiendo de la incidencia de la luz del sol. Las figuras no deben tener contornos nítidos, ya que la línea es una abstracción del ser humano para representar imágenes. Las sombras deben ser brillantes y coloridas. Los contrastes de luz y sombra deben obtenerse de acuerdo con la ley de colores complementarios. No se deben obtener colores y matices mezclando las pinturas en la paleta del pintor. Por el contrario, deben ser puros y disociados en las imágenes en pequeños trazos
ARQUITECTURA
ARTS & CRAFTS 4 DE GLASGOW El movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios) surgió en las últimas décadas del siglo XIX como reacción contra el primer estilo industrial, que se había desarrollado en Inglaterra a lo largo de esa centuría. El llamado estilo Victoriano. Eran asombrosos los avances tecnológicos que se percibían en los productos realizados en dicho estilo y momento, pero lo más sorprendente era el mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa. Es así, que la idea de progreso industrial comenzó a mezclarse con la visión de que era necesario que se devolviera a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética, que el objeto no cumpla simplemente con su función sino que a su vez sea bello y decorativo. Esa reacción se denominó Arts and Crafts y su objetivo principal fue devolver la dignidad estética al diseño y a todas las artes aplicadas, generando un entorno armonioso y bello.
Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativa. Se inspiraba en el gótico rural inglés y en la artesanía. Rechazaba la estructura empresarial y propugnaba la vuelta a los gremios medievales.
4 DE GLASGOW Y LA ESCUELA La Escuela de Arte de Glasgow fue el centro del Movimiento de Artes y Oficios en Escocia. Esta escuela, a diferencia de las demás, no muestra ninguna influencia historicista. Esto es así ya que el principal objetivo del Art Nouveau es evitar el clasicismo, tradicionalismo e historicismo. Su distinción sería la sinceridad y la originalidad en sus obras En Glasgow, Escocia, surgió un grupo de arquitectos y diseñadores vanguardistas vinculados a la Escuela de Arte de Glasgow, quienes fueron fundamentales para el desarrollo del Art Nouveau en el Reino Unido. Este grupo denominado como “los cuatro”, estaba integrado por Charles Rennie Mackintosh, Herbert McNair (arquitectos) y las hermanas McDonald, Margaret y Frances (diseñadoras gráficas).
ART NOUVEAU El Art Nouveau nació de la convicción de que cualquier objeto debía tener cualidades estéticas (belleza), y de la reacción contra el maquinismo que amenazaba la creación tradicional (la artesanía), aunque implementó la nueva tecnología y el desarrollo industrial en sus obras pero siempre conservando el espíritu de lo artesanal, lo elaborado a mano y las piezas únicas de arte y decoración. A diferencia del Arts and Crafts, que fue el antecedente más cercano que se conoce, el Art nouveau se desarrollo en más disciplinas, como por ejemplo la arquitectura, el mobiliario, objetos de decoración, joyas, pinturas, artes gráficos, esculturas, etc. y se emplearon materiales y técnicas nuevas que se pudieron realizar gracias a los avances tecnológicos y la industrialización.
ARQUITECTURA VERNACULA CARIBEÑA La arquitectura vernácula caribeña se rige por sencillas edificaciones construidas por los habitantes nativos de la zona y por la imposición de la arquitectura colonial. Disfruta de una gama bastante amplia de influencias : africanas, españolas, danesas, francesas, holandesas y criollas adaptadas al contexto tropical.
CARACTERISTICAS GENERALES Las primeras construcciones fueron de piedra o madera, a menudo con techos de palma. Los muros, ya sean de horcones, tejamanil o tablas de palma, normalmente van pintados de diferentes colores de forma irregular, con pinturas hechas con pigmentos minerales, aunque cada vez más utilizan pintura industrial. Se emplean ventanas de madera de celosía, columnas clásicas y molduras alrededor de las cornisas. Suelen tener una galería frontal que se repite en las fachadas laterales. El uso del tragaluz Los colores aplicados son vivos y cálidos, estos son: el amarillo, rojo, rosado, azúl, verde, naranja y blanco. La cocina, baños o letrinas están ubicado en el exterior de la casa (en la parte posterior). Materiales ligeros normalmente de fibra vegetal. Los pavimentos suelen ser de tierra o cemento pulido.
CARIBE FRANCES La arquitectura criolla francesa es un estilo colonial estadounidense que se desarrolló a principios del siglo XVIII en el valle del Misisipí, especialmente en Luisiana. Los edificios criollos franceses tomaron elementos prestados de otras tradiciones de Francia, el Caribe, y otras muchas partes del mundo, como españoles, africanos, americanos nativos, y otros patrimonios. Las casas criollas francesas de la época colonial fueron especialmente diseñadas para el clima cálido y húmedo de la región.
CARACTERISTICAS Entramados de madera con ladrillo o "Bousillage" (barro combinado con musgo y pelos de animales) Anchas cubiertas a cuatro aguas que se extienden sobre los porches Delgadas columnas de madera;barrios residenciales erigidos por encima del nivel del suelo Anchos porches, llamados "galerías" No hay pasillos interiores Porches usados como vía de paso entre las habitaciones Puertas francesas (puertas con muchos cristales pequeños).
CARIBE INGLES Inglaterra exportó el estilo Victoriano; esta manifestación artística fue adoptada y asimilada en los Estados Unidos y en el Caribe, donde aparece enmarcada entre 1870 y 1920. En el Caribe, esta modalidad victoriana deviene en la arquitectura “anglo antillana” y en la interesante vertiente conocida como “gingerbread”. Con el Victoriano “se multiplicaron salidizos, cornisas, aguilones (gabletes, frontones, hastiales), ventiladores, columnetas y balaustres, torneados, ménsulas y madera elaborada artísticamente, en recortes pequeños. Se aplicaron estarcidos en madera; en frontones, barandillas y escaleras interiores.
En el Siglo XIX la estandarización y fabricación en serie utilizando la madera como material de construcción, permitió que los elementos ornamentales se hiciesen por primera vez y se produjeran en cantidades para la exportación, difundiéndose de esta manera atisbos de decoraciones victorianas. También se importaban al Caribe otros materiales de construcción como balaustres de hierro, y columnas de diferentes materiales. También en el Siglo pasado llegó a Trinidad la influencia de los trabajos en hierro forjado de Glasgow, Inglaterra.
CONCLUSIÓN Los humanos siempre hemos buscado maneras para expresar, y representar nuestros ideales, para llevar el mensaje o deseos de muchos en nuestras creaciones. En cada etapa de la historia podemos comprobar que siempre se ha tratado de expresar el ambiente en que se vive, lo que se ve el día a día, y podemos ver como esto va muy de la mano con los sucesos históricos. Podemos ver aumentar el progreso de la arquitectura con el tiempo, ya que esta requiere de las nuevas tecnologías del momento. Es interesante para mí, la comparación de un edificio siendo construido por 100 años que uno siendo construido en 1 año o menos tiempo. Opino que algunas de las iglesias del barroco son simplemente majestuosas. No me gusta el hecho de que la arquitectura vernácula, es un sancocho hecho por la gente que paso por el caribe , hubiese querido ver como seria la arquitectura nativa de los indígenas si aún estuvieran vivos. Me he dado cuenta de que los europeos son muy ostentosos, y se creen duelos de todo, y piensan que son el oasis en el desierto, aunque se le debe reconocer que su arquitectura, es distintiva y majestuosa. De todos los temas, mi preferido fue el de los jardines renacentistas, como el hombre trabajo con la naturaleza para crear obras de arte hibrida, una parte hecha por el hombre y otra aportada por la naturaleza.
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