La línea consta de un número infinito de puntos; el plano, de un número infinito de líneas; el volumen, de un número infinito de planos; el hipervolumen, de un número infinito de volúmenes… No, decididamente no es éste, more geométrico, el mejor modo de iniciar mi relato. Afirmar que es verídico es ahora una convención de todo relato fantástico; el mío, sin embargo, es verídico. Jorge Luis Borges, El libro de la Arena.
A Diana, por sus innovadores mĂŠtodos para desperdiciar el tiempo.
Exploración del Dibujo en la escuela de Diseño Industrial de la Universidad Nacional de Colombia sede Bogotá. Raul León
Tesis de Grado
Diseño Industrial
Universidad Nacional de Colombia 2010 I Dir.William Vasquez
Contenido: 4
Introducción
12 14 28 34 40
Muestra Convenciones El proceso en el Universo del Diseño Nube de Conceptos Deconstrucción del dibujo en el diseño
46 48 52 56 58 60 64 66 68 70 74 78 80 82 84 88 90 94 98 100
Momentos I. Presentación formal de los Proyectos El Diseño Gráfico en la escuela Infografía e impulso comunicativo Nuevos medios y repetición II. Fotografía Análisis afectivo de una fotografía Desde el dibujo hasta el 3d III. Render Ilustrado protorender y la evolución del boceto Manejo del Color Composición Tecnica IV. Plano y Trazo El proceso de la abstracción Conexion mano- pincel V. El punto y la línea Punto, el bit inconcebible Linea, la mínima tensión VI. Cuadro conceptual Epílogo.El fluir psíquico
103 Apéndice 110 Bibliografía 111 Citas
Introducción:
Introducción.
El presente libro ha sido fruto de una búsqueda comprensiva y de una mirada aguda hacia el fenómeno del Diseño Industrial, que no ha sido estudiado mucho en profundidad debido a que siempre se han examinado los resultados o los sistemas que rodean el proceso del Diseño, (que ya de por sí es un fenómeno multidisciplinar que a veces olvida sus particularidades) y los motivos que lo hacen único como profesión. Si bien existen múltiples posturas acerca de si el Diseño Industrial se puede analizar como si de arte se tratara, la postura con la que se fundara este libro es de que sí, y me tomare adicionalmente el atrevimiento de clasificar el Arte como aquella actividad humana que no depende de urgencias fisiológicas, de modo que cualquier actividad que no tenga fines reproductivos ni de supervivencia, serán catalogados según este texto como creación artística. Por supuesto, las visiones del arte son derivativas dependiendo de las influencias y sentimientos del que lo experimenta, y, tal como lo decía Wollheim "Es uno de los problemas tradicionales más elusivos de la cultura humana" ¹ . No es mi intención por el momento discutir acerca de si el Diseño es arte , o si es una prostitución del mismo, ya que esto dificultaría la evolución orgánica que hace
Cristian Padilla Rincón, Silla, 2009 Bolígrafo. Octavo Semestre.
Terry Winters, Luminance, 2002 óleo en lino, 94 ½" x 133 3/4"
El impulso del dibujo tiene tambien un carácter lúdico. Diego Armando Pedraza, sin nombre, 2009 Bolígrafo. Octavo Semestre.
este análisis a lo largo de la Escuela de Diseño . Los factores externos que no sean pertinentes al estudio de la imagen y el dibujo a lo largo del proyecto del Diseño, serán desechados o enviados a un segundo plano, siendo el interés mas prioritario el desarrollar una mirada metafísica dentro del mismo proceso, descontando a veces factores económicos, sociales, políticos y hasta industriales en la marcha. Por ello, he entonces decidido encarrilar el viaje del lector a través de tres líneas axiológicas, que no avanzan de manera egoísta, sino que se intersecan a medida que avanza el producto, como los rieles de una estación de metro, que confluyen frecuentemente en puntos comunes. En ocasiones, ya ni siquiera estaríamos hablando de una estructura lineal en el libro, sino que más bien el mismo se convertiría en un propósito más o menos organizado de relacionar pequeños universos semiológicos, de modo que si hay tres axiomas que embarcan el recorrido del lector por caminos seguros, el mismo está en todo el derecho de bajarse en cualquier estación dependiendo de con cual se sienta mas cómodo: por ello he decidido reducir la cantidad de códigos numéricos en el "índice de contenidos" propuesto, para que el espectador pueda empezar por donde se le dé la gana, aunque esta pequeña introducción funciona de maravilla para plantear las reglas del juego. Si la estructura que estoy planteando les suena familiar, entonces es justo que entiendan que esto no fue idea mía, sino de un montón de escritores que intentaron desmedidamente romper con la estructura decimonónica de la prosa lineal. Uno de los experimentos más exitosos fue el de Julio Cortázar con su Rayuela.
En uno de sus capítulos Oliveira, el protagonista, asevera: El libro debía ser como esos dibujos que proponen los psicólogos de la Gestalt, y así ciertas líneas inducirían al observador a trazar imaginariamente las que cerraban la figura. Pero a veces las líneas ausentes eran las más importantes, las únicas que realmente contaban². Introducción.
Personaje
Sol Lewitt, Wall Drawing 289, 1970 lápiz blanco sobre pared.
Julio Cortázar (1914 1984) Escritor e intelectual argentino ,se le considera uno de los autores más innovadores y originales de su tiempo, maestro del relato corto, la prosa poética y la narración breve en general, rompio los moldes clásicos mediante narraciones que escapan de la linealidad temporal .
comunicación , que es mi intención final. El ultimo camino, y el más valioso, es el de poner en tela de juicio el trabajo actual en la Escuela de Diseño Industrial de la universidad Nacional de Colombia, que es una recolección exhaustiva de fotografías, dibujos, bosquejos y demás métodos de comunicación no verbal. Esta ultima línea es la columna vertebral de todo el texto y permite una riqueza iconográfica extensa, de la cual se pueden sacar conclusiones que pueden nacer de un método completamente intuitivo o del conocimiento previo a través de otros autores (estructurados por los dos ejes anteriores).
La imagen y el texto: Una muestra de imagen de relevo en el dibujo humorístico. Otto Messmer, Gato Félix .
Roland Barthes, en su ensayo La Retórica de la imagen trata de descifrar la idea detrás de la imagen publicitaria, en la que encuentra una función de relevo ³ mutuamente inclusiva entre la imagen y el texto. Muchas veces, y de manera más cotidiana de lo que creemos, vemos un equilibrio claro entre el lenguaje y lo que se ve: cuando vemos televisión, vamos a cine o leemos un anuncio en la calle. Siendo este un libro fundamentado en el estudio de material gráfico, ¿no sería apenas natural que su desarrollo tenga un amplio sentido no logo céntrico?: por ende , muchas páginas de este libro se van a dedicar a representar, a exhibir, y a dar pequeños indicios que pueden ayudar al espectador a sacar sus propias conclusiones. Se buscara dar a el lenguaje escrito el mínimo protagonismo pertinente para cada parte, a fin de lograr un equilibrio hipotético, un relevo.
Representación y función:
Introducción.
Casi desde la génesis del término "Diseño Industrial" y de su instauración progresiva sobre el mundo de la artesanía y la manufactura ha existido el debate acerca de si la actividad del arquitecto o del esteta debía limitarse a funciones y problemáticas concernientes únicamente al arte. Este debate se agudizó con el trabajo moderno de William Morris y Adolf Loos, quienes dieron los primeros pasos para una visión moderna del Diseño , limitando de manera bien definida la artesanía y la arquitectura, y liberando a esta última de una serie de tradiciones neoclásicas que perjudicaban la libre exploración. Así como la artesanía debe de ser liberada del yugo comprometedor de la producción industrial , el arte debe de ser claramente diferenciado de los factores industriales y administrativos que lo influencian. Conclusivamente, la etapa en la cual el Diseño esta menos contaminado de esta ambigüedad es la de la bocetación y el trazo a mano alzada. Es notorio también que, a través de mi trabajo, el proceso de lectura visual y artística se hacía mas fácil entre mas se acercara la mirada a las fases mas primigenias de la creación del diseño. La función , vinculada al estilo, es una de las más grandes ambivalencias no solo del mundo del arte, sino de muchas disciplinas que requieren representar o seducir muchos sentidos . A través del libro, quiero encaminar al lector a realizar ciertas miradas, de manera similar a Zenaida Osorio con su Personas Ilustradas. A través de estas sugerencias, el lector puede encontrar patrones comunes y sacar sus conclusiones intimas acerca del trabajo que se realiza en la escuela, y los ejes teóricos que la sostienen.
El análisis infográfico se centra en sitios puntuales o miradas. Osorio, Zenaida,Personas Ilustradas,COLCIENCIAS, 2001
Subjetividad en el mundo de la interpretación:: Probablemente uno de los problemas más grandes con la Iconografía reside en la paradoja de querer traducir algo cuya intención es la de comunicar subjetividades. Es por ello que el que analiza una ilustración y no conoce las fuentes de la misma tienen que recurrir a buscar referentes similares, o pasar por la trabajosa tarea de inferir sobre ellos basados en una muestra. Una de las ensayistas más reacias a esta afición por "traducir" el arte era Susan Sontag quien afirmaba que "El arte verdadero tiene la habilidad de ponernos nerviosos. Si reducimos el trabajo artístico a sus contenidos y a sus posteriores interpretaciones , uno domestica la obra de arte. La interpretación hace el arte manejable y conformable”⁴. Mi búsqueda es la de hacer la producción artística de un Diseñador alrededor de su dibujo e imagen distinguible, apenas manejable, sin caer en las trampas de las que habla Sontag, permitiéndole al lector ver más que leer, permitirle encontrar sus propias experiencias y sacar sus propias conclusiones, inclusive si difieren del pensamiento iconográfico que se plantea en cada una de estas páginas. Así como Newton postula que los colores nacen de una subdivisión de una luz blanca en los colores del arcoíris, yo quiero darle una mirada como la que planteaba Goethe, en la que los colores no solo son un fenómeno físico, sino que responden a un
Introducción.
Acá donde el documento se pudo haber transformado en una tediosa serie de encuestas acerca de los hábitos de dibujo de los estudiantes de la escuela de Diseño industrial, yo he decidido arriesgarme a realizar observaciones subjetivas y afectivas. Por ello hago un énfasis muy importante en este aspecto, ya que el trabajo del Diseñador no solo se apega a cifras y datos exactos, sino que, además del soporte teórico e histórico, el Diseñador se aventura a crear sus nuevas propuestas. Esta trifurcación (historia, teoría, actualidad) nos ayudan a conformar el pensamiento crítico iconográfico e icnográfico al cual se apega el presente texto.
Kandinsky, Wassily, Composition 8 ,1923,Oleo en Lienzo 140 x 201 cm (55 1/8 x 79 1/8 in) Solomon R. Guggenheim Museum, New York
A través del expresionismo muchos artistas lograron liberarse de la presión analítica y pedante de los críticos de arte, abriendo paso a la representación en su estado mas puro y espiritual.
Muestra:
La observación recogió más de 1000 imágenes de diversos proyectos y fue realizada desde la primera semana de abril hasta la primera semana de Mayo de 2010, y contempló el trabajo de estudiantes de los nueve primeros semestres de la carrera de Diseño Industrial de la Universidad Nacional de Colombia, realizando un paneo por las planchas de presentación ,fotografías, renders, cuadernos de notas, bitácoras y cuadros conceptuales de los alumnos. Los trabajos recolectados fueron elaborados para Laboratorios de Diseño, Talleres experimentales y Talleres de comunicación y contienen diversos niveles de calidad, pero los trabajos seleccionados no fueron elegidos por la calidad de su técnica, sino por su pertinencia a la hora de ejemplificar puntos comunes en el tópico se turno. Por ello, no sólo he escogido los trabajos finales, sino que he buscado en todos los momentos de desarrollo, incluyendo aquellos que aparentemente no tienen nada que ver y entran dentro de la categoria de dibujos por ocio.
Introducción.
anónimo, composición 3d para obra de teatro. Tercer Semestre.
Alejandro Castillo,Chupete Noveno Semestre Modelado Render 3d
Andrés Arias, propuesta de Porta comidas Séptimo Semestre, lápices de colores
Alejandra Rodríguez, estudio Quinto Semestre lápices de colores
Cristina Restrepo, Tangram Primer semestre lápices de colores
Convenciones:
A lo largo de todo el texto el viaje visual se verá constantemente acompañado de pequeñas ayudas graficas que servirán como una herramienta ágil para la comprensión y sensibilización más rápida de un tema en especifico. Lo ideal es exhibirlas para permitir una lectura infografía eficiente. Estas elementos gráficos están pensados para proporcionar una idea más enriquecida del texto, sin necesidad de obligar al lector a asimilar datos superfluos o de haber contado con un conocimiento extenso a priori de la experiencia . Por ello, y partiendo de la premisa de que es un libro de lectura casual , cada convención es manejada con un sentido lúdico muy especifico. Así, como ya he propuesto que el proyecto será abordado desde tres ejes temáticos, igualmente cada plancha del libro será físicamente dividido en sub segmentos con información de interés especifica en cada uno. El pequeño universo que viene a ser el documento, termina rompiéndose en fragmentos más pequeños, y estos en códigos de información aun mas diminutos: la sección axiológica de Momentos históricos, Teoría de la imagen y La academia en la actualidad.
Giorgetto Giugiaro(1938) Diseñador automotriz italiano. Famoso por el diseño de vehículos vendidos en todo el mundo. Además de diseñar vehiculos, también estuvo implicado en otro tipo de proyectos como el teclado de Bontempi, el Minstrel, donde Giugiaro intervino en el diseño de la carcasa. También ha diseñado carcasas de cámaras de fotos.
Convenciones.
Cada momento será referenciado con una sección de color verde. En este segmento el lector podrá enriquecer la información de la iconografía con un antecedente que lo va a arrastrar a un hito o evento en la historia del diseño. Bien configurado, el momento puede ayudarle a relacionarlo como anclaje a el universo temático que está contemplando. La mayoría de las veces cada uno de estos segmentos exhibirá imágenes relacionadas al mundo de la producción grafica, la ilustración, la bocetarían o el arte durante esos períodos históricos de tiempo.. Dentro de estos mismos segmentos , cada evento se seleccionara y se clasificara en uno de los tres momentos propuestos como ejes básicos: El Modernismo de finales del siglo XIX, La escuela de la Bauhaus y el Diseño Italiano de mitades del siglo XX. Consecuentemente, cada ítem será representado con su propio ideograma.
Personaje
Momentos históricos:
Por medio de la busqueda histórica se pueden rastrear puntos comunes entre momentos del Diseño. Giorgio Giugiaro, Fiat Panda, controles, 1970.
Láminas de Marco histórico: Introducción: El encabezado marca el tono y el tópico que se va a explorar en la revisión histórica. Icono: El ícono indica el momento histórico del momento que se está estudiando. Dato Histórico: Descripción puntual del dato relevante a la categoría presentada en la introducción. Mini Conclusión: Vínculo final entre el Universo de el Dibujo y el momentúm historico.
Imagen: Está imagen por lo general mostrará producción gráfica del momento, o una fotografía que ejemplifica el caso tratado.
Referencia: Cita pequeña acerca del contenido y el origen de la Imagen.
La elaboración planar proyectiva es infinitamente más rica en la labor de los Arquitectos, que por lo general son mejores dibujantes técnicos que los Diseñadores industriales.
Van de Velde 1863-1957, Arquitecto Belga, consideraba que las artes decorativas eran el fin ultimo del arte. Su meticulosidad lo llevo a realizar estudios de forma, perspectiva y composición.
Henry Van de Velde Estudio para un museo de artes apicadas en Weimar, 1903 Archiv La Coambre, Bruselas
La Arquitectura se basa más en la perspectiva cónica, si bien los artistas Modernistas basaban sus conocimientos sobre Dibujo técnico en antecedentes como la pintura clásica.
la concepcion del carro deportivo implicaba transmitir la sensación de rapidez y de lujo que e posicionaría al Styling Italiano . Eventualmente, la imágen del auto proyectandose hacia el espectador se estandarizaria en la imagen publicitaria.
Pininfarina Ferrari "Testarosa" , 1986
El Diseño echa mano de metodos tecnicos de representación más centrados en los detalles y en las formas complejas y orgánicas. Por lo general emplea perspectivas más simplificadas, como la Axonométrica.
William Morris (1834 1896) Artesano, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts. Su obra ejercería gran influencia en el diseño de libros, en el arte de la impresión, en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.
Convenciones.
Personaje
Definición de los Momentos: Modernismo Europeo 1885-1919:
Personaje
Escuela de la Bauhaus 1919-1933:
Walter Gropius(18831969) Arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus. Sus principales teorías fueron la economía expresiva y la adecuación a los medios productivos para todas las formas de diseño, una especie de unión entre el arte y la ingeniería. Entre sus obras encontramos el Harvard Graduate Center(1949)
Diseño Italiano 1870-1985:
La historia del Diseño Italiano puede compaginarse con la historia del Diseño mundial, pues fácilmente ambas tuvieron que evolucionar y sortear obstáculos similares (guerras, dictaduras, revoluciones artísticas).El ideograma que simboliza al Diseño Italiano proviene de un automóvil icónico en la cultura Italiana: la motocicleta Vespa de Corradino DÀscario .
El styling Filosofías de diseño con énfasis en hacer un producto atractivo para los consumidores con el fin de venderlo. Esta filosofía se opone al funcionalismo y su mayor representante fue el diseñador industrial norteamericano Raymond Loewy. El styling surgió en los Estados Unidos con el objetivo de incrementar las ventas.
Convenciones.
El Diseño italiano como momento no es más que una simple excusa para ver el progreso de la historia del Diseño a través de la segunda mitad del siglo: la línea Italiana es la creadora de la imagen de Diseñador prestigioso que conocemos hoy en día y que muchos aspiran a ser. Durante cuatro generaciones la obsesión por la Línea Italiana permitió una serie de fenómenos completamente particulares que inmediatamente modificaron el paisaje periférico del Diseño mundial. Primero, la época de la industrialización que abrió un nuevo mercado para arquitectos y artesanos , posteriormente la época en la que estos arquitectos necesitaban reconstruir un país devastado por la guerra, y comenzaron a crear una identidad basada en el consumo de productos de Diseño por parte de cualquier escala social. Para la mitad del siglo XX, Italia ya se había posicionado como el epicentro de la buena forma, y pronto el styling, la baquelita y el Diseño automotriz se convirtieron en los estandartes de un país renovado, hasta que el consumismo y el exceso llevaron al mundo del Diseño a renovarse con gente nueva (Studio Alchimia, Memphis), capaz de emanciparse y reivindicar el aspecto formal.
Marco Teórico:
Durante el progreso y la exploración del libro, el lector se verá ayudado de laminas de información que se nutre de diversas disciplinas y fuentes de conocimiento. Debido a que el contenido del libro que abarca los caminos de la imagen (territorio más apto para un Diseñador Gráfico o Artista), la ayuda en texto que se va a presentar en ella será diversa, desde teoría especifica de la imagen hasta semiología, psicología del color y comunicación. Todo este material funciona retroactivamente para explicar los motivos de una crítica o una descripción disponible en el área de exploración iconográfica. El color de la lámina será el azul, y por lo general vendrá acompañada de su contraparte histórica en una misma página. Por supuesto, reproducir gran cantidad de información en un solo sub tópico es muy difícil, de modo que se expondrá la teoría de la manera más concisa posible. Asimismo, el marco teórico se clasificará en pequeñas categorías derivadas, siendo estas Comunicación, Representación, Ideas y Conceptos, y Proyecto de Diseño.
Láminas de Marco Teórico: Para teóricos de la forma como Wassily Kandinsky, cada forma básica del plano genera una respuesta psicológica particular en el ente que la observa.
Introducción: El encabezado marca el tono y el tópico que se va a explorar en la revisión histórica.
Icono: El ícono indica el eje temático en el que está catalogado el marco teórico.
Círculo: La circunferencia es el símbolo de los ciclos, y es el antagónico del triangulo. Su color es el azul.
Dato Teórico: Descripción de el pedazo de teoría que se está exponiendo. Su configuración varía dependiendo de la clase de tema que se esté manejando.
Triangulo: Es agresivo y ataca hacia todas partes, es el antagónico del circulo, simboliza lo inestable. Su color es amarillo.
Imagen ó esquema: Está imagen o esquema p o r l o g e n e r a l ejemplificará el tema aboradado. Kandinsky, Wassily, Composition 8(detalle) ,1923,Oleo en Lienzo
Si bien la teoría del plano de Kandinsky se presta a subjetividades, sí es posible descifrar las caracteristicas formales de cada forma básica, para lograr desglosar cada componente de un objeto de diseño.
Referencia: Cita pequeña acerca del contenido y el origen de la Imagen. Mini Conclusión: Vínculo final entre el Universo de el Dibujo y la teoría examinada.
Convenciones.
Cuadrado: Se asocia con la tierra, ya que es una forma pesada y equilibrada. Lo asocia por tanto con el color rojo.
Definición de los Subtemas: Representación: La representación se centra en las propiedades físicas del medio que comunica el mensaje, es decir, que este eje, pese a que se llama representación, no se centrara en la creación previa del elemento gráfico como el hijo de una tradición gráfica y de un aprendizaje previo, sino en las características especificas del elemento que se quiere representar al momento de agarrar el lápiz. Examinará aspectos como la psicología de las formas, los colores, la semiótica de las formas, la gestalt, y los problemas estéticos. La representación será simbolizada con un icono con apariencia de sketch, la representación de un cubo que parece recién esbozado.
Comunicación:
Proyecto de Diseño: Este eje temático se nutre de las demás teorías y procede a formular su propia y única teoría del proyecto de Diseño. Este eje examina factores más cercanos a aspectos característicos del oficio del diseñador: aspectos funcionales, formales, industriales, sistémicos y culturales.
Idea y Concepto:
Convenciones.
La convención que fue diseñada para señalar que se está hablando de teoría exclusiva al diseño fue una silla Thonet, aunque ciertamente pudo haber sido cualquier otro icono del diseño.
Convenciones Periféricas:
Contextos: Adicionalmente al progreso del texto y de las láminas, cada modulo contendrá unas pequeñas fichas que explican brevemente contextos o explicaciones netamente históricas ya que, si bien se espera del lector un conocimiento previo sobre el tema, también pueden existir vacios o dudas al respecto de un autor o movimiento en específico. Están diseñados para ubicar al lector, y no pretenden darle un trasfondo completo de información, de modo que pueden incitar a que se busque más información al respecto si el ítem le ha despertado algún interés en particular.
Cuadro contextual sobre un personaje y un movimiento histórico.
Filosofías de diseño con énfasis en hacer un producto atractivo para los consumidores con el fin de venderlo. Esta filosofía se opone al funcionalismo y su mayor representante fue el diseñador industrial norteamericano Raymond Loewy. El styling surgió en los Estados Unidos con el objetivo de incrementar las ventas.
Personaje
El styling
Frank Lloyd Wright (1869 - 1959) Arquitecto estadounidense, uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX fue conocido por su arquitectura orgánica y lo funcional de sus diseños. Estableció por primera vez la diferencia entre "espacios definidos" y "espacios cerrados. Una de sus principales obras las Casa de la Cascada.
Mini Infografía:
Convenciones.
Muy frecuentemente , y para reforzar una idea, el lector encontrara en el transcurso del libro pequeños jeroglíficos visuales que funcionan para proporcionar datos conceptuales que sería innecesario proporcionar en cajas de texto como la de los contextos. Estas pequeñas pistas gráficas o mini infografías aparecerán esporádicamente durante el texto para enviar al lector a consultar otra página, proporcionarle un dato visual diminuto, o esclarecer alguna inquietud . Por lo general tienen una composición plástica que se amolda al dato que se quiera comunicar, que puede ser de contenido teórico , histórico o gráfico.
Ejemplo de la infografía con datos relevantes sobre la estancia de la Bauhaus en su sede en Weimar y la llegada del De Stijl.
Citas: Se incluirán ademas citas e imágenes alusivas a artistas y pensadores de diversas épocas, que dan su punto de vista sobre algún tópico derivado del tema correspondiente.
"¿Qué es el arte? Si lo supiera, tendría buen cuidado de no revelarlo." Pablo Picasso
El proceso en el Universo del Diseño:
Jorge Alvarado, Concept car, 2009 Bolígrafo. Octavo Semestre.
Colani, Luigi. Estudio para un auto.
Proceso en el mundo del Diseño.
Se podría especular que aquel proceso creativo al que se le llama diseño se llega por medio de una metodología rigurosa y compleja, pero la verdad es que la proyectual del diseñador durante la escuela suele optar por caminos mas orgánicos de evolución. Ezio Manzini cree que muchas de las soluciones de Diseño responden a una Heurística de solución de problemas que reaccionan intuitivamente a los problemas que le acaecen. Pero este autor de la sostenibilidad también cree que hay mas factores en juego, que diferencian este proceso al de otras artes aplicadas: su característica flexibilidad le permite acomodarse día a día a las nuevas tecnologías 5, y la capacidad de trabajar en conjunto con otras disciplinas y con otras personas la enriquecen y la nutren. Lejos están ya los días del genio solitario que erigía su propia casa, como lo hacían los artesanos decimonónicos. El trabajo en conjunto, la hipermedia y la cultura modifican ampliamente el camino que toma un proyecto. Por ende, los antecedentes , los factores ambientales, Políticos, económicos , sociales e industriales actuales afectan de igual manera el tan antes espontaneo ejercicio del dibujo: muchas decisiones concernientes al material , a la forma , al uso y a una estética predeterminada marcan al diseñador a la hora de representar .
30 Proceso en el mundo del Diseño.
Inclusive Manzini considera al error como una característica común entre muchas criaturas que generan evoluciones a nivel micro que les ayuda a "salir del paso" de la misma manera en que el ser humano a veces simplemente pone un borrador debajo de la pata dañada de su mesa. Al respecto, y partiendo del supuesto que cada proyecto humano es una proyección miniaturizada de un proceso evolutivo epistemológico, vale la pena citar una teoría reciente de Stephen Hawking en la que afirma que la evolución humana no se limita tan sólo a sus atributos físicos: ...Estos cambios serán diseñados para reparar defectos genéticos, como fibrosis quística o distrofia muscular. Estos están controlados por genes simples, fáciles de identificar y corregir. Otras cualidades, como la inteligencia, son probablemente controlados por muchos más genes. Será más difícil encontrarles. Sin embargo, estoy seguro de que durante el próximo siglo, la gente descubrirá como modificar la inteligencia y los instintos tales como la agresividad6. El hecho de que el pensamiento humano "evolucione" de manera veloz nos hace creer que estos cambios ya no se dan de manera introvertida en nuestro cuerpo, sino también se proyectan en nuestro mundo exterior: no podemos crecer branquias, pero nos hemos ideado un submarino para navegar por las profundidades del océano. Así ,y de manera similar a la forma en que el pensamiento humano fluye, he ideado una pieza de arte secuencial que ejemplifica algunos de los múltiples caminos que toma este proceso en la escuela de Diseño Industrial:
El Universo del Proyecto Diseñístico:
Investigación Usuario sin definir
Diseño
Comunicación
Concepto sin definir Objeto sin definir
Fuentes
Inicio del Proyecto
Fases del Proyecto:
Proceso en el mundo del Dise単o.
Alternativas
Nube de Conceptos:
“Básteme, por ahora, repetir el dictamen clásico: La Biblioteca es una esfera cuyo centro cabal es cualquier hexágono, cuya circunferencia es inaccesible." Jorge Luis Borges, La Biblioteca de Babel
Google labs responde a la definición del fonema "imagen" con más de 5.790.000 resultados distintos 7. Es decir que, para cada concepto , existen una infinitud de variables muy personales y particulares (dando de supuesto que dentro de estas definiciones se encuentran también las que están supeditadas a libros de texto y a la cultura general). Sería interesante categorizar estas cinco millones de respuestas diversas y ver que similitudes existen entre ellas, dependiendo del grupo social, de la cultura, del país y de la época de la que provienen. Por supuesto, esto sería hilar muy fino y rayaría en lo imposible y en lo Borgeano. Para establecer las reglas del juego que es este libro, he decidido plantear una "nube de conceptos" similar a las nubes de Tags que abundan en la Web 2.0, prestadas de algún marco teórico o definidas por mí propia experiencia durante el proceso de este semestre. De esta manera, no habrán discordancias, o al menos estarán claras las pocas concordancias que deben haber en la terminóloga del lector y la que se propone para leer este documento.
Imagen:
concepto
Nube de Conceptos
Del latín imago. El concepto de imagen inmediatamente nos remite a la idea de un artefacto (subjetivo) que representa un objeto . Plotino asevera que la naturaleza tiene dos aspectos, uno inteligible, y otro sensible8justificando así la idea Neoplatónica de múltiples representaciones de un sujeto ideal. En el sentido moderno de la palabra, el termino aborda muchos carices, y contempla una extensa teoría de la Imagen, pero creo que una de las aproximaciones más interesantes nos remiten a Regis Debray en su Vida y Muerte de la Imagen: "Hablamos en un mundo, vemos en otro. la imagen es simbólica, pero no tiene las propiedades semánticas de la lengua: es la infancia del signo. Esa originalidad le da una fuerza de transmisión sin igual. La imagen sirve porque hace de vínculo". concepto
mensaje codificación
decodificación
Comunicación: Del latino comunis. La definición del término puede simplificarse a la "manera en que dos entidades transmiten información", siendo la definición voluble, ya que diversos mediólogos frecuentemente le agregan o sustraen pasos a la primitiva propuesta de Shannon y Weaver (Emisor , receptor ,canal, código, mensaje, contexto).
Modelo muy básico de Shannon y Weaver sobre la comunicación.
Era Visual: Para DeBray la ecuación de la era visual es lo visible= lo real= lo verdadero?. la era visual es el período reciente de tiempo que, para este autor, han reemplazado las imagenes por meros codigos matematicos: lo virtual y la telepresencia han convertido al arte en una serie de fenomenos meramente visuales, con una carga simbólica inestable.
Alejandro Castillo, Escena. Noveno Semestre. Render digital.
Idea:
Diego Romero,Sandra Benítez, boceto de un contenedor. Segundo Semestre. Plancha.
Del griego eidon, 'yo ví' Partiendo de la idea cartesiana de que la idea se encuentra en el interior de la experiencia humana, se podría afirmar de manera muy general que una idea es una imagen que se va formando en nuestra cabeza de un objeto. muchos conceptos pueden ser imagenes, pero los conceptos no dependen solo de una imagen. En el mundo creativo, una idea es la abstraccion que tengo de un objeto en mi mente en el instante previo a una representacion.
Concepto:
Personaje Lenguaje: Una definicion muy popular de Lenguaje y lengua proviene del Linguista Ferdinand De Saussure: "¿Que es la lengua? Para nosotros, no se confunde con el lenguaje, no es más que una parte determinada de él, cierto que esencial. Es a la vez un producto social de la facultad del lenguaje y un conjunto de convenciones necesarias, adoptadas por el cuerpo social para permitir el ejercicio de esa facultad en los individuos."¹¹
Régis Debray (1940 - ) Pensador, filósofo y escritor francés. Fue adepto de las doctrinas marxistas de Louis Althusser, además de amigo de Fidel Castro y Ernesto Che Guevara. Escribió su primera obra en 1967, llamada Revolución en la revolución. Fue miembro del Partido Socialista francés, del que se retiro tras diferencias ideológicas.
Nube de Conceptos
Del Latín conceptum. Nombrada por muchos como "la unidad del conocimiento" el concepto se desdobla como mas que eso, y se transforma en un ente síntetico que exprime todas las capacidades del hombre para reducir una idea amplia a un solo elemento abstracto. Nietzche: " Todo lo que eleva al hombre por encima del animal depende de esa capacidad de volatilizar las metáforas intuitivas en un esquema; en suma, de la capacidad de disolver una figura en un concepto" ¹°.
Creatividad:
Halsman,Philippe Dali Atomicus, 1948 silver-gelatin print)
Del Latín creare. La creatividad es el proceso mental en el cual se da origen a una idea ó concepto. El proceso nace de un pensamiento original, aunque puede estar influenciado por experiencias previas. Si bien es difícil definir como se articula el pensamiento creador debido a su naturaleza espontanea, es posible generar espacios creativos que incentiven o faciliten este tio de procesos. Otto Ranks :" Consiste en el proceso de romper presunciones".
Semiótica: del griego semeiotiké, arte de los signos. En medidas tímidas, la definición escueta de la semiología o semiótica se refiere al estudio de los signos y de la relación entre el significado o significante saussureano. Este signo se puede manifestar de un sinnúmero de formas, desde el común signo lingüístico (semántica) hasta signos gráficos, imágenes y medios de expresión artísticos. Barthes hace un énfasis importante en la función de estos elementos simbólicos dentro del lenguaje publicitario y la televisión, acercándose cada vez más al lenguaje visual.
Representación:
Ana María Jaramillo, llave. Primer Semestre.
Una representación es un signo que toma el lugar de algo más . En el medio artístico, el artista recrea un fenómeno objetual o subjetivo, un concepto o una idea y la plasma de infinitas maneras sobre un plano, una escala musical o una filmina. Cada medio le permite al artista representar una emoción o un elemento de manera auténtica.
Trazo: El trazo es la marca bidimensional que se puede realizar en la escritura con el uso de una línea o una línea curva. En la caligrafía China y Japonesa, el concepto es ampliamente espiritual y sus caracteres se jerarquizan dependiendo de la cantidad de trazos que requieren.
Klee, Paul, Rocky Landscape,1919 Oleo sobre linzo.
Abstracción: Del latín abstrahere, "separar". De acuerdo a su etimología, la definición de abstraer estaría ligada al acto de disociar un objeto de su contenido formal, a fin de aislar un fenómeno en sus componentes mas basicos.La abstracción de un árbol seria, entonces, una figura con forma de arbusto, sostenida por una línea. Existen distintos niveles de abstracción de una imagen.
Sinestesia: De sin- y el griego α?σθησις, “sensación”. La sinestesia es un recurso literario, un campo de estudio de la sicología y del arte que explora la mezcla de los sentidos. El recurso es usado frecuentemente en la poesía, en la visión a color de las notas musicales y ,en casos particulares, en la divertida teoría de Goethe acerca de los colores de las vocales.
Nube de Conceptos
Shodo Tomoko. El trazo es un componente fundamental en la estructura mental Oriental, y en la disciplina
Deconstrucción del dibujo en el proceso de Diseño:
Deconstrucción..
Uno de los efectos de la época posmoderna en el mundo del arte es, precisamente, el de su muerte. Con la llegada de la era pura de la imagen, lejos de toda clase de aura (como la designaría Benjamín)¹¹ , también ha llegado la metafísica de la videosfera, y bajo ese efecto, la lectura metafísica del Diseño . Debray lo suma todo cuando afirma que la diferencia radica en que si la imagen arcaica y clásica funcionaba con el principio de la realidad, la visual funciona con el principio del placer. Lo visual es en sí mismo su propia realidad. Inversión no exenta de riesgos para el equilibrio mental del colectivo¹². Esta visión banal y hedonista, contrario a lo que muchos creen, no contiene ningún subtexto, y no está supeditado a una intelectualidad exhaustiva. Muchas de las manifestaciones gráficas que surgieron durante la última década no solo fueron los directos responsables de la agonía y desaparición del aura del arte, sino que fueron los directos herederos de aquellos creadores que se arriesgaron a mostrar las cosas sin ninguna máscara, basándose en la pura representación: los herederos originales del legado fetichista y superficial de Warhol y de todo el pensamiento posmoderno de la década de los 60.
Los trabajos clandestinos de Banksy recapturan el aura mística del arte original, y, aun utilizando serigrafías y esténcils, el grafiti obra contrario a las leyes posmodernas de la repetición y la sobresaturación. Banksy, Sin nombre. Estencil sobre muro, retocado digitalmente
“¿Que es propiamente el aura? Un entretejido muy especial de espacio y tiempo: aparcimiento único de una lejanía, por más cercana que pueda estar”. Walter Benjamin
Mi labor, evidentemente, no es la de condenar esta visión tan cerrada de lo que es el Arte, ya que el mundo del arte mismo decidió darse su propio sentido de solemnidad e inmunidad, que fue lo que a la larga lo extermino (o lo muto) hacia caminos inesperados de creación. Debido entonces al aumento de la población, a un mundo disponible bajo un telemando y a la aldea global, la videosfera se ha abierto hacia el mundo de la creación excesiva, y del exceso de oportunidades. Lejos están los días en los cuales unos pocos genios privilegiados accedían a la capilla Sixtina para instalar sus andamios y dibujar sus cielorrasos, lejos los días del artesano hábil en múltiples oficios. En un mundo de exceso de información, tan solo queda la especialización y la metamorfosis vertiginosa de un mundo tecnológico que crece a niveles exponenciales. Estamos regresando a una especia de barroco digital, donde los artistas aglomeran la mayor cantidad de información y detalles en sus obras, tan solo para desecharlas al otro día y arrojarlas a la papelera de reciclaje. Cada reflexión que hago cada vez que observo los trabajos gráficos del Diseñador de la escuela se compagina con las meditaciones del arquitecto modernista Adolf Loos en su ensayo "Ornamento y Delito":
"...¿Quien no habría tenido ganas alguna vez de demoler algo? El albañil tiene un hermoso día cuando puede golpear con el mazo y picar con todas sus fuerzas para destruir. El sastre coge las tijeras y corta. Esa es la parte noble, humana de su trabajo.
Personaje
Deconstrucción..
Después de cortar la tela le sigue el coser, el trabajo incomodo, pesado y antihumano: construir. El cortador tiene, gracias a su trabajo destructivo, una posición social, el hombre que está sentado a la mesa de sastre con las piernas cruzadas y que cose no la tiene. Aquella clase de gente condenadas a hacer solo trabajo constructivo tendrán que derrumbarse mental y espiritualmente"¹³.
Adolf Loos 1870- 1933. Arquitecto Checo ,constantemente criticaba a sus contemporáneos arquitectos modernistas. En sus ensayos “Ornamento y delito”(1908) y “Arquitectura” (1910), criticaba fuertemente la mezcla entre el oficio del artesano y el del arquitecto, y abogaba por un pensamiento más refinado, que eventualmente fomento el racionalismo en la Arquitectura.
La exploración inicia en la imagen formal (entiéndase el termino formal no como un derivativo de forma, sino de la manera expresiva y comunicativa con la que se expresa el dibujante para poder llegar a un público externo al proyecto) que contempla las planchas de presentación y los medios alternativos que en buena medida involucran al dibujo en la carrera (modelado en 3d, render digital). La involución directa de este proceso es el mundo del plano, al cual dividiré en dos universos bien definidos . Posteriormente el dibujo se va a descomponer en sus planos, líneas y puntos, pasando por toda clase de grabatos, dibujos informales, abstractos y doodles. Esta descomposición es tan solo un eje que utilizo como medio para mostrar lo que en verdad me interesa (el dibujo a través de la escuela y su sustento histórico) y puede deformarse para pretextos pedagógicos .
Comunicación Formal Fotografía
Render
Diseño Gráfico plancha
Técnica Color Forma
Analógica Digital Virtual
Era Visual Gráfica del proceso deconstructivo en el libro.
Plano
Plano
Línea Construcción Trazo GeometríaB Concepto Tensión Movimiento osquejo Idea
Punto
Era del Arte
Era del Idolo
Génesis Estático
Momentos:
Deconstrucción..
Durante el correr del proceso de exploración, el lector puede adelantarse y encontrar el capitulo que más le interesa, ya que la linealidad estructural del mismo no es rigurosa. El lector encontrara por lo general una pequeña argumentación en prosa con las conclusiones que se han realizado sobre la muestra en particular , un ejercicio iconográfico con los casos más relevantes para el tópico tratado, y un contexto teórico e histórico que lo respalda. Cada subdivisión de cada momento tiene un titulo evocativo que ha sido extraído de la lectura de las fotografías recolectadas.
I. Presentación formal de los Proyectos:
Presentación Formal de los Proyectos..
Cuando hablamos de la presentación formal de los proyectos regularmente nos referimos a la manera en la que el estudiante exterioriza , exhibe los puntos más prevalecientes de su proyecto. En esta presentación por lo general confluyen varios medios explicativos (textos, infografías ,modelados, videos, maquetas y dibujos), y debido a su interés claro de comunicar, el esfuerzo de representación es mayor y muchas veces no es exitoso, abriendo paso a errores de diagramación, edición, y configuración del montaje. Debido a que este montaje final es un proceso definitivo, y no siempre se piensa en él cuando se está produciendo el modelo, mucho menos cuando se está diseñando, se suele caer en lugares comunes que dependen del esmero y de los requerimientos intrínsecos del proyecto. Durante el paneo general durante los diez semestres existe un nivel irregular de calidad en las planchas, y los alumnos que tienen cierta sensibilidad gráfica, siempre conservarán esas preocupaciones estéticas hasta el final de la carrera. Las variables que he manejado para juzgar críticamente la muestra son, entre otros: porcentaje de contenido, equilibrio entre texto e imagen, construcción, esfuerzo comunicativo, técnicas de representación (fotografía, render digital, render ilustrado, plano, infografía), tipografía y rótulos.
Plancha ,”Cerámica Marco Zanuso”, Estudiantes de Laboratorio de Diseño III Tercer Semestre.
Célebre tarjeta de invitación para exposición de la Bauhaus.
Schmidt Joost, Sello de la Bauhaus, 1922 Tinta impresa sobre cartón
Diseño Gráfico en la escuela de Diseño Industrial:
Hace 20 años, el boceto en el diseño estaba más involucrado con la Arquitectura y el Dibujo técnico. Camilo Ospina, sin nombre, 1988 Docente.
Desde los inicios de la carrera en la Universidad Nacional , en 1978, ha existido un interés aplicado en comunicar eficientemente lo que se diseña: inclusive ilustrando sistemas por medio de diagramas de flujo. Este interés estaba más enraizado en la Arquitectura y en la necesidad de enfatizarse en procesos, encajes, y demás vicisitudes técnicas: esta necesidad descendía de los principios de construcción y dibujo técnico que se adquirían en los "Talleres de Proyectos" básicos, era consecuencia de un aprendizaje tradicional ( el modelado por CAD llegaría en la primera mitad de los 90). Lo que se ve en las imágenes de la escuela en los 80 es, curiosamente, lo que se puede observar en las entregas de los primeros semestres de la carrera actual, en los cuales se les exige a los estudiantes hacer sus planchas sin asistencia de ordenadores: aumenta el volumen de material gráfico en la muestra, y se construye con recursos a soluciones de problemas que, en medios digitales, se hubieran solucionado en pocos minutos. Lo que el estudiante gana a cambio de este retroceso tecnológico es un ojo más afinado, que debe empezar a distribuir con más cuidado los elementos que quiere colocar en la plancha, ya que una equivocación no se puede remendar con un solo click. En respuesta también a estas dificultades, el estudiante recurre a hacer sus ilustraciones en papeles aparte para posteriormente recortarlas y adherirlas a la inmaculada plancha central. También acude al uso de materiales secos como pasteles, que puedan ser removidos en caso de error: inconscientemente, el estudiante comienza a adherirse a conceptos del Diseño Gráfico como la jerarquía, la tipografía, el empleo correcto de los colores y la pregnancia , con algunos resultados más afortunados que otros.
Las planchas elaboradas por ordenador contienen un equilibrio más cerrado entre texto e imagen, debido a que escribir prosa en un´formato grande elaborada a mano es tedioso, y cumple una función de anclaje, o como simple explicación de la ilustración elaborada. En este ejemplo la imagen evoca remotamente lo que se dice en el texto, y por ende no cumple una función puntual que ilustre la plancha, acercandose mas a una utilidad cosmética en la diagramación de la plancha.
Debido a que la bocetacion es un proceso que no está pensado para la presentacion formal, es frecuente el uso de fotografias en los dibujos, que no hacen justicia a su contenido. por lo general no son profesionales, y su resolución es pobre (habitualmente de 800 x 600 pixeles).
La jerarquia del rótulo por lo general le atribuye un tamaño de fuente mayor a los datos generales (Universidad, facultad, escuela), visualmente más pregnantes que los datos secundarios (estudiantes, maestros, asignatura). La estructura del contenido es similar, debido a que es un requerimiento o a mímesis de otros estudiantes.
Ana María Forero, cerámica, 2010 Laboratorio de Diseño III, Tercer semestre
Presentación Formal de los Proyectos..
El formato de papel más popular es el pliego (100 cm x 70 cm), el medio pliego vertical u horizontal y el tabloide. las impresiones se realizan con chorro de tinta, y rara vez se utilizan metodos tradicionales como la litografía. En las planchas elaboradas por ordenador existen valores de diagramación más acentuados, debido a la naturaleza geométrica de los cuadros de texto y fotografías.
Diseño Gráfico en la escuela de Diseño Industrial: La presentación formal de los proyectos de Diseño a través de la historia involucra el nacimiento del Diseño gráfico como vocación . Previa a esta evolución, los Arquitectos hacían gala de los planos artísticos y la producción gráfica manual. La conceptualización de un proyecto Arquitectónico exigía, en los artistas aplicados de comienzos del siglo XX, un dominio completo de perspectiva, dibujo técnico, y técnicas artísticas como la acuarela y el grabado en tinta orgánica.
Frank Lloyd Wright, 1900 Perpectiva de la casa hardy en Racine.
En el trabajo multidisciplinar, las presentaciones de los Arquitectos comprendían la elaboración de maquetas, planos estrictamente técnicos y perspectivas cónicas con fines descriptivos (cortes y vistas de planta). La concepción del Diseño Gráfico como un arte aplicada diferente de las artes plásticas se consolidó con la llegada de los pensadores de la Bauhaus. Exponentes geniales de principios de construcción y geometrización fueron Herbert Bayer, Joost Schmidt y El Lissitzky
Herbert Bayer, 1926. Poster para una publicación de la Bauhaus, litografía.
El Styling y la visión romántica del Diseño abrió paso al mensaje publicitario, con una gran carga en signos y en elementos fotográficos. Para mediados del siglo XX, este oficio ya se habia consolidado por medio de revistas de glamour, donde las ilustraciones de los objetos adoptaban un nuevo papel no solo representativo, sino económico y cultural.
El Diseño Gráfico busca transmitir mensajes específicos a grupos sociales, siendo el de la presentación formal una propuesta gráfica dirigida a los profesionales del Diseño: el lenguaje debe de ser profundamente visual y la comunicación se debe basar en signos comunes y en representación. Para Barthes, el lenguaje publicitario tiene el privilegio de poseer un significante intencional: el lenguaje del Diseño Gráfico busca atrapar el ojo del espectador escogido: cliente, jurado o colega diseñador. Schawinsky, Xanti Olivetti MP1, 1934
A fin de exteriorizar la necesidad interior del artista, el dibujante debe acudir a puntos comunes para transmitir exitosamente el mensaje. Para ello se vale de signos, capaces de representar objetos: Iconos: Conexiones similares con el objeto. Indices: Representaciones que señalan hacia. Indicios de una causa y un efecto. Símbolo: Son normas de referencia y significado, que pueden ser natural, cultural y abstracto. El proceso gráfico por lo general cuenta con una industria que lo respalda y, si bien hoy en día la mayoría de estas industrias han sido suplantadas por el ordenador, aun existen planchas realizadas por medios tradicionales: Litografía, Xilografía y Serigrafía.
La configuración horizontal suele ser más práctica a la hora de una lectura secuencial: puede colocarse al nivel del espectador, para una fácil lectura de corrido. Esta plancha en particular demuestra aceptable manejo de colores, empleando tonos pasteles de manera uniforme.
Joost Schmidt (1893 1948) Fue un pintor, tipógrafo y maestro. Estudió escultura en la Bauhaus para luego convertirse maestro en la misma. Destacó con sus trabajos tipográficos. Una de sus contribuciones fue en el campo de la técnica de la exposición.
Aquí hay un uso Clara Inés Perilla, Ilustración, interesante del volumen del 1988, tinta china. papel: hay un contraste puro La plancha raramente entre blanco y negro, que contiene un contenido no curiosamente responde a la logocéntrico, extento de estética de colores sólido que alguna clase de texto. Si manejaba Josef Albers (el bien este fenómeno (la Diseñador que inspiró la carestia de texto) es más propuesta de cerámica que se común en la publicidad, si es ilustra en la plancha). por medio posible encontrar ejemplos de esta organización se delimita de ilustraciones puras la información de la historia del cuando el autor tiene una proyecto y la secuencia de uso con un relieve. comunicación excelente.
Personaje
Plancha ,”Cerámica Marco Zanuso”,Estudiantes de Laboratorio de Diseño III, Tercer Semestre, 2010. Frank Lloyd Wright (1869 - 1959) Arquitecto estadounidense, uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX fue conocido por su arquitectura orgánica y lo funcional de sus diseños. Estableció por primera vez la diferencia entre "espacios definidos" y "espacios cerrados. Una de sus principales obras las Casa de la Cascada.
Presentación Formal de los Proyectos..
Personaje
Diego Bohórquez, Plancha para Hipoterapia, Quinto Semestre, 2007
Infografía e impulso comunicativo:
“Un signo es cualquier cosa que pueda ser utilizada para mentir” Umberto Eco
La infografía es un medio gráfico que explota la intersección que existe entre la imagen y el texto para persuadir al espectador. Entre sus pioneros están los trabajos ilustrados de Christoph Scheiner en 1626, que, a consecuencia lógica de intentar explicar sus investigaciones astrológicas del Sol, comenzó a generar híbridos entre sus anotaciones y sus croquis ilustrados. Para los medios modernos, la infografía es uno de los medios visuales que se utilizan con frecuencia en la prensa, al lado de cuadros, diagramas, flujogramas y listas. La naturaleza versátil de la infografía, sin embargo, le ha dado un carácter universal, y yo sospecho que se pueden buscar ejemplos de este medio en todas las culturas pictóricas del mundo. Hoy en día las agencias de Infografos trabajan para transmitir información inmediata y legible en los medios escritos ¹⁴ , de modo que son útiles para recrear y ejemplificar noticias: el Diseñador también recurre instintivamente a generar medios personalizados de expresión que podrían catalogarse dentro de la Metaliteratura, el arte secuencial, el esquema conceptual y ,en especial, la Infografía. Dedico un sub capítulo especial a estas expresiones graficas ya que encontré que en bitácoras y cuadernos de bocetos existen múltiples de estas manifestaciones ,que varían dependiendo de su autor ó del objeto que se está representando: alguno tan solo ilustra un texto, y otros construyen un amasijo de flechas y códigos visuales comunes para hacer énfasis en algún detalle o articulación: Indicar un material especifico, un color, una propiedad física ,una corrección en el boceto, un movimiento (giros, roscas) o aclarar la identidad de un elemento que en el dibujo no ha quedado muy claro.
El producto focal de la infografía es , en casi la totalidad de los casos, representado en una perspectiva isométrica. A veces se tratan de cortes o zooms de un producto mas complejo.A través de estos enfoques se pueden hacer más detalles sobre encajes, piezas y, en el caso de esta plancha, los íconos que el diseñador quiere que aparezcan en la pantalla de su reproductor ( ).
Presentación Formal de los Proyectos..
Manolo Suárez, reproductor de sonido. Segundo Semestre.
En este caso no existe un uso activo de la simbología infográfica (flechas, puntos, líneas), y el autor se remite a comentarnos las bondedes de su producto. Esta misma clase de prosa se utiliza también para describir alguna acción en general “presionando este botón se puede visualizar el display en la pantalla...” para informarle al lector que más tiene el proyecto que no se puede divisar en el render. La parrafada funciona también para aclarar causasefecto: “El botón activa un sistema GPS capaz de localizar a los amigos más cercanos..” y para especificar propiedades no visuales del objeto: olor, sonido, tacto.
Infografía e impulso comunicativo:: Si la explicación grafica surge como una necesidad estetica del Diseñador, no sería díficil entonces encontrar prueb a de este empeño en los ancestros vocacionale del Diseñador. El Pedagogical Sketchbook de Paul Klee busca explicar de una manera pseudo científica ,bastante personal y muy lírica algunos de los fenómenos mecánicos de la naturaleza (funcionamiento de tendones, del ciclo del agua). Para explicar estos sistemas Klee se expresa sin verguenza por medio de flechas, esquemas y figuras geométricas. Pier y Achille Castiglioni fueron empresarios italianos, especializados en objetos altamente funcionales, “listos para armar”, que requerían de indicaciones precisas elaboradas de manera gráfica para que sus usuarios pudieran ensamblarlas en casa cómodamente. Fueron los creadores del “techno funcionalismo”.
Klee, Paul ,Pedagogical Sketchbook , 1925 Detalle del proceso inductivo del maestro de la Bauhaus.
En la expresión gráfica libre no existen reglas ni limites aparentes de a donde se debe llegar, pero , para que el mensaje sea descifrado eficientemente, existen códigos y signos que , si bien no pueden cambiarse, si pueden ser explotados plásticamente..
Según la visión Saussereana de la comunicación, el signo debe obedecer a una serie de códigos ,que no son mas que una serie de convenciones preestablecidas comunes a emisor y receptor ¹⁴ . Saussure afirmó tambien que el signo contiene un significante (imagen acustica) y su respectivo significado (concepto representado por su significante). En una especie de monólogo interior pictórico, el Diseñador co m i e n za a a g re ga r comentarios y datos útiles a su ilustración conforme le van brotendo ideas y necesidades , es la creación, el fluir psiquico de joyce y de Woolf.
Luz para Flos y Stilnovo,Hermanos Castiglioni, circa 1945. Rapídografo en papel.
En un curioso contrapeso a los estrictos planos Arquitectónicos, los Diseñadores contemporáneos son más adeptos a incluir notas libres o indicaciones en sus dibujos, debido a la dificultad formal de ls mismos o a particularidades estructurales.
Esteban Arias, boceto 2,. Lapiz en papel.
Frecuentemente se utiliza la infografía para poder ilustrar temas, en los que se emplean lenguajes técnicos como en biología, economía, etc. Ya que, se ha comprobado que el lector presta más atención a lo visual, y en especial a los infogramas. La técnica infográfica depende, al igual que con los Diseñadores Gráficos, de factores estílisticos ,estéticos y creativos.Actualmente los infografos profesionales emplean el ordenador y el dibujo con vectores.
En los dos ejemplos existe una gran carga textual en la Infografía: el dibujo ya no complementa la informacion escrita, sino que se plataforma para servir como punto de referencia a otras funciones (no visibles en el dibujo) del proyecto. Es lógico pensar que el talento comunicativo del autor aumenta entre menos textos tenga que usar para sustentar el boceto.
Personaje
Esteban Arias, sin nombre, 2010, Primer Semestre.
Leonardo Estupiñán, apoya pies., 2010, Quinto Semestre.
Paul Klee (1879 - 1940) Pintor alemán nacido en Suiza. Su estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción, usó el color de formas diversas y únicas, y conservó con él una relación que perfecciono con el tiempo. Entre sus obras tenemos Pequeño abeto (1922), Teoría del arte moderno (1879-1940), Me llamo Paul, Paul Klee (1941)
Presentación Formal de los Proyectos..
Leonardo Estupiñán, sillín., 2010, Quinto Semestre.
Personaje
Nuevos medios y repetición:
Walter Benjamin (18921940) Filósofo y crítico literario marxista y filósofo judeo-alemán. Fue colaborador de la Escuela de Frankfurt adaptó su temprana vocación por el misticismo al materialismo histórico, aportando un sesgo único en la filosofía marxista. Su ensayo La labor del traductor es uno de los textos teóricos más célebres .
Takeshi Murakami, flores, 2004 litografía.
Uno de los pequeños fenómenos que vinculan favorablemente el Diseño Gráfico con la tecnología es la capacidad novedosa que tiene para multiplicarse y difundirse de manera masiva. Poco importa si yo tengo una simple reproducción del Diseñador Gráfico Takashi Murakami en mi billetera, pero muchos encontrarían ridículo o pop el tener una obra de Arte como la monalisa en una reproducción barata o un afiche de oficina. El Diseño ha decidido intencionalmente perder su manto de solemnidad para someterse a las necesidades de su industria: poco importa si pierde su aura en el proceso. ¿Podría tener algún valor poético el mundo visual, si se repite infinitas veces y se tergiversa su belleza? Esta es la inquietud que más entretuvo a William Benjamin con la llegada en su momento de la Litografía y la producción en serie del arte. Aún así , el parecía admitir que todos estos cambios eran indetenibles y productos de la tecnología de su época: “Aberrante y enmarañada se nos antoja hoy la disputa sin cuartel que al correr el siglo diecinueve mantuvieron la fotografía y la pintura en cuanto al valor artístico de sus productos” ¹5. Hoy en día el uso de figuras predeterminadas que fácilmente se pueden copiar y pegar han posibilitado explorar campos de representación que, sin un poco de tacto, han probado ser sobresaturados, como en alguna clase de alegoría precisa sobre los excesivos tiempos posmodernos. Si se creía que un lienzo era un espacio bidimensional donde se podían generar n cantidad infinita de planos, podríamos decir que, en el oficio gráfico, la abundancia de patrones repetitivos (texturas, referentes, artilugios de software) han sacrificado la creatividad por la novedad.
Los límites del trabajo manual que han sido sobrepasados le permiten al diseñador jugar con la formas, hacer , deshacer y rehacer. Se les ha dado a los Diseñadores la capacidad de jugar con la tesis (crear), destruir (antítesis) y volver a generar los patrones hasta que queden exactamente como se quiere (síntesis): se le ha arrebatado al artista el accidente surreal del que hablaba Picasso cuando sus obras se ensuciaban o tomaban otro rumbo inesperado.
Javier Andrés Mozo ,about horrible things Diseñador egresado, Ilustración digital.
Presentación Formal de los Proyectos..
The band Accesorios, Diseñadores Universidad Nacional. Afiche publicitario.
El mensaje publicitario responde a unas exigencias comerciales, por ende recurre a tipografías y fuentes prediseñadas. A fin de satisfacer esas necesidades, la creación no tiene más opción que repetir patrones pictóricos. Las posibilidades entonces infinitas comienzan a condicionarse con lenguajes de marca, signos que responden a movimientos híbridos, herederos del arte urbano y el arte pop.
Joel-Peter Witkin, frutero.Puesta en escena y fotograf铆a anal贸gica.
Fotografía
1990
George Astman
1888
1880
Fotografía
Louis Daguerre
Revelado en celulosa
1904
Nicéforo Niépce
El papel de la fotografía como medio representativo no publicitario en los ámbitos del Diseño Industrial está claramente subestimado. Pocas veces el diseñador utiliza una fotografía de su entorno o del producto- maqueta elaborado para realizar un estudio juicioso de la forma . Como un modo de convulsión contra lo convencional, la fotografía se transmuta como la forma más pura de representación (Sontag)¹6 ya que es tomada directamente de los fenómenos externos. Es decir, que el ojo del lente es imparcial y es completamente objetivo con respecto a lo que muestra, aparte los fotomontajes y los cuidadosos encuadres en los cuales el fotógrafo intenta infructuosamente imponer su punto de vista. Porque , a pesar de esta preparación (una fotografía a la larga estará dispuesta dentro de un marco especifico), la imagen que se percibe significara siempre algo distinto a la persona que la observa: no es lo mismo una foto familiar de un ancestro para sus hijos , para los que no lo conocían y para el mismo personaje retratado en ella. tal vez el poco éxito que la fotografía tenga a la hora de representar una utilidad ilustrativa en el proceso del diseño (exceptuando su papel informativo y de registro, que es más un papel periférico y de relevo) se deba a que los problemas cognoscitivos no son, históricamente, la primera línea de defensa de la fotografía. Tal vez es por ello que artistas de la bauhaus como Moholy-Nagy optaron por el camino de la abstracción y la experimentación.
Sergéi León Favre Prokudin-Gorski Heliografía Daguerrotipia Coloreado de fotos Cámara Kodak Foto a color Foto Digital
II. Fotografía :
1816
Personaje
Personaje
Análisis afectivo de una imagen fotográfica:
`
Laszlo Moholy-Nagy (1895 - 1946) Artista húngaro. Como pintor y fotógrafo desenvolvió un arte no figurativo y basó sus obras en elementos netamente visuales: color, textura, luz y equilibrio de las formas. También se desenvolvió en otro tipo de proyectos entre ellos escenografías y vestuarios teatrales y diseño de exposiciones.
Susan Sontag (19332004) Novelista y ensayista estadounidense. Aunque se dedicó principalmente a su carrera literaria y ensayística, ejerció la docencia y dirigió películas y obras teatrales. Se dio a conocer con una recopilación de ensayos y artículos como Contra la interpretación (1964) y \Estilos radicales (1969)
Barthes, en su último libro La Cámara Lúcida equipara a la fotografía ¹7, porque es como una captura momificada, congelada de un espacio, un personaje y un tiempo pasado: su característica desalmada abre camino a los fotógrafos que registran fríamente y hacen fotomontajes inquietantes pero es cuando presenta sus características mas teratológicas cuando resulta más interesante para los ojos del Diseñador. Ayudado de un análisis afectivo, Barthes busca las razones filosóficas de su atracción por la fotografía, y descubre que ese mismo distanciamiento entre el observador y el papel fotográfico es lo que ennoblece la labor de la cámara. La foto es objetiva, y el fotógrafo la imbuye de subjetividad: en ello consiste su capacidad dual, en ello se encuentra su espiritualidad Kandinskeana. Cita Susan Sontag que en palabras de Lewis Hine: Si pudiera contarlo con palabras, no me sería necesario cargar con una cámara. ¹8 Durante el proyecto de Diseño, la fotografía genera posibilidades inesperadas que enumerare en este capítulo y son, a saber: La fotografía en el contexto del Diseño, la Yuxtaposición, la documentación ,el foto montaje, la narración y el registro definitivo.
Fotografía
Carlos Ramírez, análisis comunidades lecheras, Octavo Semestre 2008
Yuxtaposición: Uno de los fenómenos particulares del Diseño Industrial y Gráfico reside en sobreponer a fotografías preexistentes una película transparente de acetato ó de papel cebolla para dibujar por encima de ella y realizar estudios formales, de interfaz ó estéticos. Estos suelen realizarse con marcadores, y tienen componentes iconográficos (pg. 55). Al retirar la fotografía de atrás, el dibujante ha conseguido generar un plano que duplica algunas propiedades formales del original. Otra cualidad de la Yuxtaposición consiste en el empleo del imágenes tipo croquis, en la cual se calca repetidas veces un patrón (auto, zapato, cuerpo) para diseñar sobre el múltiples alternativas sin volver a componer todo de nuevo.
Luisa Gomez ,Analisis Gestáltico, 2010
Giorgio Giugiaro,Auto Lotus Espirit, 1968
Análisis afectivo de una imagen fotográfica: La imagen fotógrafica ha estado intimamente relacionada con el lenguaje publicitario y la presencia de un objeto o proyecto: es la ventana más directa para familiarizar a un cliente con el diseño. Laszlo Moholy - Nagy fué un maestro de la bauhaus célebre por su experimentación sobre la iluminación en la fotografías. Su Von Material zur Architektur (1928) es un libro con microfotografías y vistas aéreas excelentes para mostrar un punto de vista inédito de los proyectos Arquitectónicos. A la par del Diseño Gráfico, la fotografía y su alcance técnico alcanzar on un cénit funcional en la escuela de la Bauhaus , que exploró su potencial lírico y técnico. El estilo Futurista de los años veinte liderado por To m a s s o M a r i n e t t i empleaba montajes fotográficos y collages Walking City, 1964,Ron dadaístas para presentar Herron.(Archigram) obras arquitectonicas Rapídografo en papel. meramente conceptuales. Posteriormente, la fotografia se posicionaria como la ama absoluta de la imagen publicitaria , desplazando a la Ilustración y a la tipografía.. Como un oficio que trasciende lo espiritual, la fotografía es testigo y participe del proceso histórico de la construcción de la imagen del Diseño, ofreciendo posibilidades tan infinitas como el mundo fotografiable.
Debido a que no existe un examen iconográfico de la fotografía que no caiga en la deducción ó en la filosofía, y que no termine en los puntos comunes de aspectos técnicos (encuadres, perspectivas ,iluminación), es más lógico realizar un análisis afectivo de la fotografía. Roland barthes nunca dudó en crear su propio método muy personal de estudio de las fotografías: para él, una fotografía me es indiferente o me causa interés gracias a su studium, que es un afecto que me genera cierta fotografia a primera vista. Posteriormente a esta conexion poetica existen pequeños punctum que, tal como su nombre sugiere, son pequeños punzones visuales que capturan por completo la mirada del observador: un an illo, un pequeño detalle en la foto. El uso técnico del medio fotográfico se limita a los conocimientos previos del estudiante, o de su afición al oficio. En la actualidad existen cámaras muy económicas que le han permitido a la gran cantidad de la población el hacerse con los medios para documentar y acumular toda clase de información circundante a sus proyectos. El uso de técnicas más profesionales de captura fotográfica suele incentivarse cuando el proyecto es de una importancia mayor (tesis de grado) ó tienen un plus ecónomico o publicitario (catálogos de moda, folletos).
Foto montaje:
Registro: La función más común que tiene la fotografía es la de ser utilizada como medio de captura de los elementos relativos a la entrega definitiva: modelos, fotografías del stand, y planchas de presentación. Narración: Vehículo de carga liviana,1987 Sonia Patricia Paredes Pilar Espinosa..
Diego Bohórquez, Plancha para Hipoterapia, Quinto Semestre, 2007
Una de las metamorfosis más curiosas en la fotografía en función del diseño consiste en la manera en que se utiliza con cierta nocion narrativa. Cuando el producto ha evolucionado lo suficiente como para ser (o parecer) funcional ante los lentes fotográficos, se genera una progresión que recuerda a un cómic o a una cenefa. El recurso suele utilizarse para ilustrar secuencias de uso ó procesos de elaboración: entre cada foto el lector crea la imagen inconsciente que llena ese vacío.
Fotografía
Raul León, Mobiliario urbano. 2009,Noveno Semestre, Retoque digital.
Gracías a la manipulación digital, la fotografía apuesta más a enriquecer su contenido mediante medios hibridados. En la carrera por lo general se necesitan estos montajes para contextualizar el producto (colocar una bicicleta en medio de un entorno urbano), pero raramente se explota el trucaje para plantear generalidades alternas (como las del temprano futurismo Italiano).
Desde el dibujo hasta el 3d:
Barra de herramientas del software CAD Rhino 4.0.
Manuel Figueroa, propuesta de mueble, 2009 Noveno Semestre , Software: Rhino 4.0
A pesar de ser elaborados en espacios virtuales, el modelo en 3d aún necesita de reglas físicas naturales para funcionar correctamente. Una de las más importantes y estudiadas es la Iluminación, que debe de ser suministrada cuidadosamente a través de pantallas de luz, a fin de acentuar algo importante en el modelo o dar la impresión de penumbra o lucidez. Estos estudios se basan en la teoría de la luz explorada por fotógrafos analógicos.
László Moholy-nagy. detalle de el arte de la luz ,Fotografía.
Una de las cualidades del Diseño contemporáneo aplicado en la tecnología es la repetición (pg. 56). En el microuniverso que el Diseñador establece virtualmente, muchas de las representaciones utilizadas estan preformadas , de modo que el modelador puede encontrar en internet un televisor modelado previamente, para copiarlo directamente a su montaje . Sería muy tedioso para el autor tener que modelar las piezas una por una, sabiendo que alguien previamente ya la hizo. Alejandro Castillo, family, 2010 Noveno Semestre , Software: 3dsmax 8
Fotografía
Si lo consideramos fotográficamente, el acto de renderizar es el acto virtual de fotografiar, y organizar los modelos en un contexto es una puesta en escena. En cuestión de segundos, el “fotógrafo virtual” puede dirigir el ojo del espectador , haciendole ver materiales, texturas ,colores y acabados con técnicas veloces .
Pininfarina, Lancia “Aprilia”, 1930.Tintes húmedos sobre cartón.
III. Render Ilustrado:
Render Ilustrado
formal render
Personaje
Formas
Wassily Kandinsky (1866 1944) Pintor ruso, predecesor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la lírica. Su investigación sobre la abstracción lo ubican entre los más innovadores del arte moderno. Fue importante como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto.
Durante este capítulo del plano me encargaré entonces del impulso excéntrico, simbolizado por una espiral que se desenrosca hacia afuera , el impulso del creador por intentar hacerse entender por medio de sus ilustraciones hacia un público más ó menos uniforme . Es, por supuesto, un esfuerzo innoble e inhumano, ya que en el proceso debió de haber racionalizado su dibujo y debió haberlo pasado por una cantidad enorme de restricciones que han limitado su ímpetu creativo. Estos clases de factores técnicos llamados filtros diferencian la creación artística de la creación visual - funcional que tiene el Diseño Industrial por naturaleza. por ende, y para simular texturas, formas y tridimensionalidad, el diseñador recurre a técnicas formales para aplicar color y perspectiva.
Personaje
El Protorender y la evolución del boceto:
Josef Hoffmann(18701956) Arquitecto y diseñador industrial austríaco. Fue uno de los precursores más importantes del modernismo debido a la claridad funcional y la pureza abstracta de sus t r a b a j o s . S u s construcciones las podemos encontrar en Vienay en algunas ciudades como Londres.
Charles R. Mackintosh Diseño de Interior, 1904
Kurt Schmidt Raymond Loewy, Render Marionetas de Teatro de Bus para Greyhound, bauhaus 1932
Personaje
La Exposición Universal de París (1889) Tuvo lugar en París, Francia del 6 de mayo al 31 de octubre de 1889. Fue celebrada en el centenario de la toma de la Bastilla, un acontecimiento tradicionalmente considerado como el símbolo del comienzo de la Revolución francesa. El símbolo principal de la Exposición Universal fue la Torre Eiffel.
Raymond Loewy (1893 1986) Uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Su carrera profesional abarcó siete décadas, entre sus aportes a los iconos de la vida moderna se encuentran el logotipo de la empresa petrolífera Shell, los autobuses Greyhound, la locomotora S-1,y el paquete de cigarrillos de la marca Lucky Strike.
Alejandro Castillo Render digital Avión Skyline,Noveno Semestre, 2010
Render Ilustrado
Así , conocidos Arquitectos como Joseff Hoffman se convirtieron en Diseñadores Industriales por circunstancias relativas a su oficio de estetas: cuando representaban sus diseños interiores en Ilustraciones, era inevitable el representar también objetos de uso cotidiano (sillas, candelabros, cubertería ) y por ende, era inevitable también aprender a dibujarlos y construirlos. Este es el protorender del Diseño industrial , el nacimiento del dibujo especializado en la poiesis de objetos no Arquitecturales, supeditado en ese entonces a la estética arquitectural del contexto en su totalidad, con trazos fuertes y líneas bien definidas. Posteriormente ,y con gran ayuda de la Internacionalización del Diseño fomentado opr la feria mundial de París , el diseño evolucionó hasta generar su propia estética y sus propios códigos visuales. ya con la llegada de la Bauhaus, nacieron principios formales basados en los construccionistas, y elaborar elementos ya no se guiaba por premisas del dibujo técnico urbano, sino por la abstracción de las figuras geométricas. ya para la mitad del siglo XX, diseñadores como Raymond Loewy consolidaron al boceto exclusivo del Diseño Industrial, con técnicas bastante definidas (marcadores profesionales, aerografía) y un estilo inconfundible fomentado por el Diseño dinámico y automovilista de Italia.Hoy en día se está dando un tercer gran salto hacia la era visual de Debray, que he reseñado ya en el apartado del render digital (pg. 64).
Manejo del Color: "...producen un efecto agradable aquellos colores entre los cuales existe una relación, una organización conforme a una ley. Si no lo hay, originan un resultado desagradable o nos dejan indiferentes" William Ostwald, ABC de los
Personaje
colores.
Johannes Itten (18881967) P i n t o r , diseñador, profesor y escritor suizo. Formó parte de la escuela Bauhaus. Su obra se identifica por la variedad cromática resultado de sus investigaciones acerca de los distintos valores psicológicos que él asociaba a cada color y por su gusto por la abstracción.
Johannes Itten fue uno de los maestros de la Bauhaus (Junto a Moholy-nagy y Klee) que más estudió el efecto del color sobre las personas. A través de su libro Los Elementos del Color explora y concilia las diferentes versiones que existían precedentes a él, sobre la teoría cromática ²°. En la escuela de Diseño Industrial de la Universidad Nacional de Colombia, el estudio del color se relega a circunstancias derivativas y no se impulsa ni estimula el estudio de la teoría del color a la hora de realizar los bocetos, dejándolo todo a los factores que que enumeraré a continuación: 1. El elemento es iconográficamente reconocido por presentar ese color: El cielo es azul, las llantas son negras, los agarres y mangos de los productos suelen ser representados con color negro. Depende del color intrínseco del material. 2. Decisión inmediata y subjetiva: Responde a los gustos cromáticos personales del dibujante. 3. Elección previa de una paleta: gracias a factores como un lenguaje de marca, una familia de objetos o un acuerdo del grupo de trabajo, el producto utiliza una serie de colores específicos, que pudieron o no haber sido seleccionados afortunadamente. 4. Factores técnicos: Solo habían disponibles marcadores de x o y color, compramos tres pinturas y las elegimos en el momento de adquirirlas. Debido a la gran cantidad de bocetos oportunos para clasificar en estas categorías ,he realizado un Diagrama de Venn en la cual se recopilan bocetos que presentan dos o más de estas características (Pg. 73).
Cristina restrepo, Tangram, 2010 Primer semestre, Lápices de colores.
El uso del color también afecta a la línea. En este estudio de posiciones, cumple una función netamente infográfica, que funciona para distinguir distintos trazos previos sobre el mismo lápiz. La escogencia de los colores no depende de una paleta, sino de una Decisión inmediatasubjetiva.
El color, dependiendo de su tono y de la aplicación de penumbra (usando el negro ó el opuesto del color primario) puede dar el efecto creíble de s o l i d e z . Ta m b i é n p u e d e generar acabados mate o brillantes, dependiendo de cuanta exposición tenga el papel al blanco. El negro es usado frecuentemente para indicar el área de botones ó manijas, que iconográficamente suelen presentarse de tonos contrastantes.
Johannes Itten,contraste en sí mismo..
1922 Itten teoría del color
1920 Otswald estudios sobre color
1810 Goethe Psicología del color
1665 Newton Raul Forero,estudio de silla, 2010 Quinto semestre,marcadores.
Rubén Guzman, guitarra, 2010 Segundo semestre,marcadores y colores.
Física del color
Render Ilustrado
Itten clasificó en su obra siete clases de contrastes: Del color en sí mismo, del claroscuro, de caliente -frío, de los colores complementarios, simultáneo, cualitativo y cuantitativo. En esta muestra hay un contraste de colores en sí mismos, colores puros que no logran transmitir una sensación de armonía, debido a que muy seguramente fué coloreado arbitrariamente.
Manejo del Color:
Memphis E s u n movimiento que nació en Italia cuyo objetivo fue diseñar una colección completamente nueva de muebles, lámparas, objetos de cristal y cerámicos, que se produjeran en modestos talleres artesanales. Sus fundadores fueromn Ettore Sottsass, Marco Zanini, Matteo Thun y Aldo Civic a principios de 1980.
Debido a la necesidad de el manejo de color en la representación de proyectos, el Diseñador ha sido a través de la historia un maestro en la comprensión cromática a través deiluminación y texturización.. Itten y Kandinsky teorizaron sobre la psicología de los colores en cojunto a las formas. Para Itenn el rojo es el color de la materia y la estabilidad, el amarillo el color de la agrasividad, y el azul el color de la relajación y el espíritu.
Johannes Itten,gris como color neutralizador. fragmento de elementos del color, 1920
Personaje
El modernismo era hogar de un sinnúmero de excelentes acuarelistas. uno de ellos era Charles Rennie Mackintosh, quien consiguió no solo dominar Charles Rennie la técnica de tinte húmedo, Mackintosh, Casa para sino que demostró un gran aficionado al arte.1904 conocimiento de teoría de Acuarela. color con sus atmósferas envolventes, que transmitía la calidez que imaginaba al elaborar sus proyectos Arquitecturales.
Charles Rennie Mackintosh (1868 - 1928) Arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, fue fundamental en el movimiento Arts and Crafts y que además fue el máximo exponente del Art Nouveau en Escocia. Influencio en el desarrollo del movimiento moderno, gracias a su poética sencilla y racionalista. Una de sus obras para la Glasgow School of Art.
El radicalismo de comienzo de los años ochenta y el movimiento Memphis y anti-diseño le robaron la solemnidad al Diseño Industrial para experimentar y jugar con nuevos colores y formas. El Memphis y el Studio Alchimia promovieron la libertad de la creatividad en sus creaciones con fuertes contrastes cromáticos.
DeLucchi para Memphis, Peter Pan 1982 Lápiz de color.
Composición:
Movimiento
Camilo Ospina. Envases, 1988 Docente
Constructivismo Surge en el siglo XX, específicamente en 1920 en Rusia, su fundador es el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin. Vladimi se dedico a la elaboración de piezas escultóricas abstractas, haciendo uso de diferentes tipos de materiales industriales razón por la cual recibe su nombre.
Wassily Kandisnsky era el heredero de una corriente de constructivistas rusos entre los que primaba el pensamiento del arte funcional. basado en algunas de estas experiencias, Kandinsky llegó en 1922 a aplicar principios de geometría y de descomposición a la Bauhaus. Pronto, y gracias a la energía creativa de maestros y estudiantes, el producto industrial de la Bauhaus logró consolidarse en el mundo y muebles, edificios, objetos cotidianos y obras de arte aplicaron los principios de reducción a la geometría mínima aplicada por Klee, Lissizky y Van Doesburg. Uno de los dos componentes más importantes a la hora de hablar del dibujo volumétrico en las artes aplicadas es el color y la composición. Dentro de la composición me tomare el atrevimiento de incluir valores como la perspectiva, la jerarquía, el espacio negativo, la construcción, staging y geometrización: los principios que hacen también de el boceto un buen Diseño. A diferencia de la teoría del color, en la escuela se hace un profundo énfasis en enseñarles a los alumnos conceptos básicos de composición, comenzando por el acto básico de re aprender a realizar el trazo con ejercicios puramente prácticos: líneas verticales, horizontales y diagonales. Así como se planteaban los principios de la “buena forma” en el diseño italiano, así se puede llegar a una aproximación objetiva ante un espectáculo con gran variedad de subjetividades, que dependen, entre otros, de los siguientes factores:
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Render Ilustrado
1. Requerimientos específicos formales del proyecto: requerimientos técnicos, normalización, dimensiones ergonómicas que exijan la forma. 2. Formas simbólicas vistas por generalidad o por tradición: la forma característica de una cuchara, la imposibilidad de que un balón de futbol, por ejemplo, no posea una volumetría esférica. 3. Inspiración creativa y posterior reflexión sobre la forma ideal, causantes de la selección formal actual y definitiva hacia el producto final. 4. A consecuencia de alguna necesidad física que recae sobre el uso del producto: soporte, movilidad, características de la tecnología. Debido a la gran cantidad de bocetos oportunos para clasificar en estas categorías ,he realizado un Diagrama de Venn en la cual se recopilan bocetos que presentan dos o más de estas características (Pg. 77). En esta ilustración se ve claramente la composición planar, que le otorga al dibujo valores geométricos reconocibles fácilmente por el espectador: las líneas de composición tienen un grosor menor que las que conforman el dibujo final. También existe un interés por mostrar la estructura interna del elemento. La construcción de este elemento es cilíndrico, es decir, que nace de varias circunferencias extruídas. En podemos encontrar fácilmente ejes imaginarios, que funcionan como líneas de acción que sostienen el elemento y le dan un soporte físico y visual. Armando Buitrago, Bola Partes, 2006 Tercer Semestre, lápices de colores
joint David Luna, Lamy, 2010 Primer Semestre, Bol’igrafo
Composición: La elaboración planar proyectiva es infinitamente más rica en la labor de los Arquitectos, que por lo general son mejores dibujantes técnicos que los Diseñadores industriales.
Van de Velde 1863-1957, Arquitecto Belga, consideraba que las artes decorativas eran el fin ultimo del arte. Su meticulosidad lo llevo a realizar estudios de forma, perspectiva y composición.
Henry Van de Velde Estudio para un museo de artes apicadas en Weimar, 1903 Archiv La Coambre, Bruselas
La Arquitectura se basa más en la perspectiva cónica, si bien los artistas Modernistas basaban sus conocimientos sobre Dibujo técnico en antecedentes como la pintura clásica.
la concepcion del carro deportivo implicaba transmitir la sensación de rapidez y de lujo que e posicionaría al Styling Italiano . Eventualmente, la imágen del auto proyectandose hacia el espectador se estandarizaria en la imagen publicitaria.
Para teóricos de la forma como Wassily Kandinsky, cada forma básica del plano genera una respuesta psicológica particular en el ente que la observa.
Cuadrado: Se asocia con la tierra, ya que es una forma pesada y equilibrada. Lo asocia por tanto con el color rojo.
Círculo: La circunferencia es el símbolo de los ciclos, y es el antagónico del triangulo. Su color es el azul. Triangulo: Es agresivo y ataca hacia todas partes, es el antagónico del circulo, simboliza lo inestable. Su color es amarillo.
Pininfarina Ferrari "Testarosa" , 1986
El Diseño echa mano de metodos tecnicos de representación más centrados en los detalles y en las formas complejas y orgánicas. Por lo general emplea perspectivas más simplificadas, como la Axonométrica.
Kandinsky, Wassily, Composition 8(detalle) ,1923,Oleo en Lienzo
Si bien la teoría del plano de Kandinsky se presta a subjetividades, sí es posible descifrar las caracteristicas formales de cada forma básica, para lograr desglosar cada componente de un objeto de diseño.
Render Ilustrado
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Técnica:: Una última variable que es común a las artes aplicadas reside en el uso de los materiales a la hora de dibujar. A fin de crear una recopilación más o menos definida acerca de los materiales y los procesos que terminan en el dibujo, el boceto y la plancha he realizado un paneo estrictamente visual acerca de estas técnicas y de las maneras insospechadas como se hibridan con la nueva tecnología y el medio de lo visual.
Tinte húmedo: Acuarelas Plumas Rapidógrafos Tinte natural Tinta china Pinceles Marcadores Esferos Metal (bolígrafos) Oleos Tinte Seco: Tizas Crayones Piedra Grafito Cera Lápices de cera Pasteles Superficie: Papel Cartón Plástico Cuero Tela Tabla Roca Tablero Otros: Bujías, linóleos (xilografía) Ordenador Medios: Manuales Mecánicos Analógicos Digitales
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Ettore Sottsass, 1950.Diseño de cerámica.Tintes húmedos sobre cartón.
IV. Plano y Trazo:
Personaje
Plano y trazo
El plano básico²¹ es el cruce entre dos líneas paralelas verticales y dos líneas paralelas horizontales. Esta mínima expresión de plano estable es el cuadrado (un triángulo transmite la sensación de inestabilidad), y partiendo de él se pueden generar infinitas combinaciones de formas. Si. por ejemplo, extrusionamos ese plano en planos seriados y los unimos por un eje paralelo a través de cada una de sus aristas, ya podemos conformar un prisma. Esto nos indica que la ilusión de volumen no es más que la aglomeración metódica de líneas y planos. Durante éste capítulo me centraré en la producción de planos con valores más alejados de los del color y la construcción: los dibujos elaborados rápidamente, que sacrifican la volumetría y la comunicación diáfana por la voz interior. Estos planos son, categóricamente iguales que los expuestos en el anterior capítulo, pero tienen características definidas: el dibujante las crea con una interior concéntrica, simbolizada por una espiral que se enrosca hacia adentro, y con una intención lejana al render final ó al producto acabado. Estos planos se crean con espontaneidad en los cuadernos de apuntes y bitácoras, y su calidad es variable. la línea suele ser torpe y peluda, y a veces el dibujo es dejado sin terminar. He dividido el universo del plano en dos ejes canónicos, inspirados en la visión Platónica del mundo. Por un lado está el plano formal, que es aquel que se muestra en Bitácoras , influenciado por factores externos y aterrizado a un mundo terrenal, y por el otro el plano del mundo de las ideas, que responde más a un impulso espiritual, y comprende el garabato, el dibujo libre y el concepto (ver ideograma de la página 67).
Ettore Sottsass (19172007) Arquitecto y diseñador italiano de la segunda mitad del siglo XX. Fundador del Grupo de diseño Memphis y un importante consultor para Olivetti.Sus intereses se enfocaron en la arquitectura radical, proyectó viviendas populares, y tanto a otros reconocidos diseñadores italianos.
El proceso de la abstracción: La siguiente es una infografía diseñada para transmitir la idea clara de cómo el plano pasa por toda clase de manifestaciones semióticas a fin de representar distintos niveles de abstracción. Este es un método muy utilizado para explicar y relacionar tres variables determinadas. En cada uno de los vértices del triángulo existe un elemento en su máximo nivel de pureza. En el vértice A, se representa un objeto en la vida real (la fotografía de un auto), en el vértice B se encuentra la construcción geométrica de un auto (un prisma sobre cuatro circunferencias) y en C está la mínima abstracción posible de un auto (el significado de auto). Dentro de esta pirámide de la abstracción se exhiben una serie de elementos planares recolectados durante la muestra (dibujos de estudiantes de la Universidad Nacional de Colombia) y se ordenan dependiendo de cualquiera de estas tres variables: entre más fotorealista sea el render elaborado, más cerca el dibujo estará desde adentro en el vértice A, mientras más abstracto sea el garabato, más cercano estará a C, y así consecutivamente. El medio visual es utilizado para que el lector descubra cuantos niveles de abstracción existen ,y cuanto dependen de particularidades de su autor o del proyecto en el que enmarcó sus dibujos.
C
Plano y trazo
B
Conexión mano- pincel:
"El arte es, de todas las mentiras, la que engaña menos.” Gustave Flaubert
Wassily Kandisnsky era el heredero de una corriente de constructivistas rusos entre los que primaba el pensamiento del arte funcional. basado en algunas de estas experiencias, Kandinsky llegó en 1922 a aplicar principios de geometría y de descomposición a la Bauhaus. Pronto, y gracias a la energía creativa de maestros y estudiantes, el producto industrial de la Bauhaus logró consolidarse en el mundo y muebles, edificios, objetos cotidianos y obras de arte aplicaron los principios de reducción a la geometría mínima aplicada por Klee, Lissizky y Van Doesburg. Uno de los dos componentes más importantes a la hora de hablar del dibujo volumétrico en las artes aplicadas es el color y la composición. Dentro de la composición me tomare el atrevimiento de incluir valores como la perspectiva, la jerarquía, el espacio negativo, la construcción, staging y geometrización: los principios que hacen también de el boceto un buen Diseño. A diferencia de la teoría del color, en la escuela se hace un profundo énfasis en enseñarles a los alumnos conceptos básicos de composición, comenzando por el acto básico de re aprender a realizar el trazo con ejercicios puramente prácticos: líneas verticales, horizontales y diagonales. Así como se planteaban los principios de la “buena forma” en el diseño italiano, así se puede llegar a una aproximación objetiva ante un espectáculo con gran variedad de subjetividades, que dependen, entre otros, de los siguientes factores:
El trazo puede ser también conformado para generar superficies uniformes similares a las b ro c h a s q u e , m i c ro s có p i ca m e nte e stá n conformadas por muchos puntos y generan la sensación de unidad. En este caso el trazo genera muchas líneas , que a la vez dan una sensación texturizada. Este trazo también se puede dividir según la fuerza de la línea, que le da una jerarquía . Al esbozar una penumbra, se comprenden fácilmente valores como la iluminación y el relieve volumétrico. Adicionalmente, el grafito en el trazo puede deformarse por medio de la técnica del difuminado, empleado en las técnicas de dibujo secas (pasteles, lápices de colores). La sensación de luz se transmite borrando la superficie deseada con goma ó con plastilina limpia tipos. Jorge Alvarado, torso, 2010 Noveno Semestre ,Lápiz
Plano y trazo
Diego Pedraza, ejercicio, 2010 Octavo Semestre ,Lápiz
En la escuela se realizan con frecuencia ejercicios de trazo, en la cual el autor debe entrenar su mano para darle valores de grosor a sus composiciones. Existe una gran habilidad en el uso de técnicas de precisión (lápiz, bolígrafo y marcador), y deficiencias en técnicas húmedas: acuarelas, aguados y óleos. El grosor y la densidad de este trazo determina también el nivel de saturación de luz en el aérea tratada, lo cual le da al volumen representado la sensación de tridimensionalidad a partir de tonos de color : la voz interior de un trazo no solo se mide en la seguridad y continuidad de la línea, sino también se puede sentir en factores como la capacidad de soltar la mano para ir degradando el color que generan las líneas ,ó la precisión del trazo para colorear una área determinada.
Conexión mano- pincel: La comprensión y estilización del trazo y de su línea generaron movimientos artísticos y de Diseño que influenciaron la estética del siglo XX. El desarrollo del Art Noveau impulsó el uso literal de sinuosidades que se aplicaban directamente hacia los productos, como meros adornos (ver las piezas cerámicas de Behrens). Si bien la belleza de muchas de estas creciones era innegable, y la calidad del trazo (linea limpia y color bien delineado)era muy alta,el Diseñador moderno optó finalmente por desechar la idea del ornamento , ya que fácilmente terminaba disgustando con el tiempoal que adquiría el producto. Para los años 50 la fama del Diseño Italiano como industria altamente comercial impusieron una estética en productos tan disímiles como máquinas de afeitar y computadoras. Los diseños se inspiraban en una línea simple y funcionalista, y sus bocetos y dibujos trataban de encontrar el equilibrio entre el racionalismo y la artesanía.
La expresión gráfica depende de factores como la nurtura, la experiencia y la práctica del dibujante, su proceso cognoscitivo y su talento innato para comunicar . Las cosas que definen un estilo dependen íntimamente de factores como la calidad de las líneas y el trazo, la composición de las formas y los impulsos estilísticos que lo hacen único. Así como Kandinsky estudiaba las formas, y así como el reducía cada plano a una serie limitada de líneas, es posible comprender la naturaleza de un trazo basándose en tres variables: la fuerza del trazo, la dirección y la forma del mismo. Estos factores inciden directamente en la manera en la que el dibujante elabora texturas basandose en cientos de líneas, siluetas temblorosas basadas en múltiples líneas, y mosaicos interesantes retorciendo y deformando cada uno de los trazos. Lo que decide completamente el hecho de que un dibujo sea una creación única reside en el factor creativo, que va desplegándose a medida que el dibujante realiza el doodle. Este impetu por lo general stá frenado por factores como la composición de la figura y los límites de la superficie. Entre cada pequeño trazo y otro existen diferencias milímetricas.
Nizzolli para Olivetti, Máquina de escribir, 1959, Rapidógrafo
Alejandra Rodríguez, guante, 2010 Bitácora, Quinto semestre,
Una de las características del dibujo a mano alzada en cuadernos de bocetos, del dibujo por ocio , es la poca preocupación por los acabados de las ilustraciones realizadas. Los elementos compositivos (círculos ,bosquejos y líneas) y las líneas inestables reemplazan al proceso, común en dibujos de plancha finales y bitácoras de presentación , de trazar todo en lápiz, reteñirlo en tinta indeleble y luego borrar el lápiz. Durante este proceso de delineación por lo general se pierde la fuerza inicial del boceto.
Olivetti Ing. C. Olivetti & Co., SpA. es una empresa italiana fabricadora de computadoras, impresoras y otras máquinas de negocios. fue fundada en 1908 en Ivrea, por Camillo Olivetti, como fábrica de máquinas de escribir.
Personaje
Debido a la formación técnica que recibieron los alumnos en las primeras décadas de las escuela, es más sencillo encontrar en los archivos de las mismas bocetos perfectamente elaborados a mano alzada, con trazo seguro y especializado.
desconocido,revista de diseño Universidad Nacional, 1987
Peter Behrens(1868-1940) Arquitecto y diseñador alemán. Una de sus obras fundamentales se encuentran la nave de turbinas para la AEG (1909) en Berlín donde fue director artístico, allí trabajaron tres jóvenes que más tarde se convirtieron en los maestros del movimiento moderno: Walter Gropius, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier.
Plano y trazo
Santiago Melo, sin nombre, 2010 cuaderno de apuntes ,Quinto semestre,
V. El punto y la línea :
El punto y la línea
El génesis grafico básico de toda figura pictórica es el punto, y su hermano cinético, la línea. Dejando aparte definiciones técnicas del Dibujo Técnico , es posible encontrar manifestaciones menos evidentes de la presencia de estos elementos en el Diseño, y tal vez las más fáciles y menos figurativas de conseguir se encuentran en los dibujos de los artistas: sus cuadernos de notas están llenos de garabateos. Entre más cercanos estén estas divagaciones pictóricas a una necesidad interior, más claras se verán las propiedades de las líneas y los puntos: dibujar es dejar rastro del paso de la mano. Dibujar es inmortalizar el movimiento corporal humano, de la misma manera en que los primeros homínidos erigían monolitos en honor a sus muertos: un vestigio de que alguien estuvo allí. ²² Estoy seguro de que el trazo es el primer impulso comunicativo con el que contamos, aún más que el lenguaje y el ruido: el feto patea dentro del vientre de su madre, de modo que proyecta una de sus extremidades hacia una dirección y causa un movimiento de huesos y tendones. También estoy convencido de que , si hipotéticamente se le diera a un feto un medio de escritura (superficie y tinta, hembra y macho, materia fecundada y material fecundador), se produciría un intento de trazo en cuanto el niño descubriera que las huellas de su actuar son permanentes: el mínimo acto creativo, la mínima intención transformadora del universo.
Pintura hecha por Melody, un joven chimpancé del santuario “Save the Chimps” en Florida. ¿Es el trazo una invención humana ó una necesidad de algunos seres con cierto nivel de abstracción?
Línea, la mínima tensión:
Personaje
La experiencia en el dibujo técnico asegura un trazo firme , seguro y una línea consecutiva Camilo Ospina, mesa de dibujo abatible, 1988 Docente.
Ludwig Mies van der Rohe (1886 - 1969) Arquitecto y diseñador industrial alemán n a c i o n a l i z a d o estadounidense, uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. Una de sus obras más destacadas es el Seagram Building (1958) en Nueva York.
Una línea es la definitiva mínima sucesión de puntos . Las líneas tienen ya una connotación cinética, y representa al punto alejado de su mutismo e inercia. una vez que comienza el trazo, el punto se vuelve movimiento, y, para Kandinsky, movimiento y tensión²³. En la conferencia dada en la Universidad nacional de Colombia "El punto y el código analógico" del profesor Alemán Wolfgang Schaeffner , el punto era considerado el cero en el código binario. Bajo esa misma lógica se podría concluir que la línea es la mínima tensión entre dos puntos supuestos, la mínima unidad, el 1. Basándonos en ceros y unos , podríamos configurar el universo entero tal y como el programador de sistemas genera un ciber universo, de modo que las subsecuentes construcciones de los puntos y líneas se convierten en una mera ilusión, similar a la ilusión de color plano que proyectan los puntos de benday sobre una plancha a color en un diario: si el orden del mundo no es más que un simple ardid retiniano, entonces deberíamos algún día poder ser capaces de ver a través de la matrix de puntos y líneas agrupadas. La línea es una invención de los dibujantes, ya que en la naturaleza la diferencia entre las formas se da por la iluminación y los tonos de los colores: el trazo es, tal vez, la invención más primitiva, y resulta una característica común de muchas culturas en distintos lugares del planeta: es el paso lógico siguiente a la comprensión y conceptualización de signos verbales el utilizar los no verbales.
Ana María jaramillo, curvas Primer semestre, 2010.
Mies van der Rohe, Perspectiva de court house, 1934 Tinta en papel montada en tabla.
Andrés Arias Nemocón, variante de la alternativa Séptimo semestre, 2010.
Este boceto es interesante ya que podemos ver a través de el, y podemos divisar el proceso compositivo que lo creó. El uso de nociones de composición garantiza que la noción de volumen se vea creíble. Esta es la línea de acción de el volumen, es la columna vertebral del mismo. Funciona como eje de los distintos radios que lo circundan. Desde puntos específicos en la línea de acción se trazan figuras elipsoides que se van reduciendo y acercando al eje entre más cerca se trazen al final del eje. Estos perfiles nacen de la unión de los dos puntos que más se distancian entre sí en cada elipse trazada. El trazo con el que están hechos es inestable y forma minúsculas líneas que generan una línea general de a .
El punto y la línea
Diego Armando Pedraza, ejercicio Octavo semestre, 2010.
Las materias de comunicación de la escuela de Diseño Industrial hacen énfasis en la práctica del trazo y el entrenamiento de músculos finos. Por lo general, se incentiva realizar ejercicios de líneas horizontales y verticales en planchas con tamaño de pliego, para posteriormente hacer líneas diagonales y mallas a mano alzada. Estos son ejemplos de ejercicios realizados en cuadernos de bocetos, donde se prueba el contraste de la línea con respecto a sus diversos valores cromáticos , y los valores de línea dependiendo de la fuerza de su trazo.
Línea, la mínima tensión: La comprensión de la línea a través de la extensión de la mano puede ayudar a transmitir información con mayor nitidez Esto es algo que los grandes artistas sabían de antemano en lasgrandes escuelas de la representación. El trabajo arquitectural exigía acabados perfectos y líneas de distintos grosores y valores. Es de notar el trabajo con plumillas de maestros cono Olbrich, cuyos planos son verdaderas joyas de la diagramación y la presentación.
Joseph María Olbrich, 1901, Sección de la casa Ernst ludwig.
Gracias a sus sensibilidades, el Diseñador Modernista íntegro tenía pleno conocimiento de presentación de planos , tras una rigurosa capacitación en el uso de los trazos a mano alzada y la técnica de ese entonces. Ta n t o K l e e c o m o Kandinsky reflexionaron sobre el papel de una línea en el proceso creativo. Sus estudios comprendían el análisis de la óptica perspectiva con líneas entrecruzadas, la observación de fenómenos naturales y la íntima relación lineaabstracción de movimiento. La línea dinámica (presente en los diseños de autos de carreras) y el Racionalismo (basado en líneas rectas sobrias) fueron la respuesta italiana al styling y al funcionalismo de países extranjeros.
Paul Klee, Pedagogical Sketchbook , 1925
Gio Ponti,Silla Dormitio
En la teoría del arte la linea recta y la línea curva tienen variables simbologías, y su disposición y combinación en el plano dan cabida a un número infinito de interpretaciones Su interacción con otras líneas causan planos , ángulos y puntos..
Semióticamente, una línea recta es un sendero ,un camino, una dirección hacia la cual confluye el cuerpo y la mirada. Por ello, es apenas natural que en el desarrollo de cuadros conceptuales ,de flujo y demás fenómenos visuales, el ideograma de la dirección y el sentido sea una línea, ó una flecha (que contiene pequeñas cargas visuales en uno de sus terminaciones) para hacer énfasis en la direccción.
Wassily Kandinsky,Curva flemática de su libro Punto y Línea en el Plano ,1926
Kandinsky caracterizaba las clases de ángulos sinestésicamente CITA: mientras que los ángulos agudos eran puntudos y agresivos (como el color amarillo), los ángulos obtusos eran abiertos, blandos y faltos de cáracter (de color azul) . Entre ambos posicionaba al ángulo recto ,que forma un cuadrado, de color rojo, equilibrado y pesado . También clasificó las clases de líneas curvas: geométricamente ondulada (cuando es simétrica y se puede descomponer en geometrías) y libremente ondulada (caótica) CITA. También encontraba muestras de líneas compuestas en elementos de la naturaleza (bacterias, algas,los canales de irrigación de una hoja).También estudio la psicología de la linea segun su dirección: vertical, al cielo, reposo frío.Horizontal, el suelo, reposo caliente.CITA
Personaje
Gio Ponti (1897-1979) Diseñador italiano, uno de los principales difusores de la modernidad en su país. Entre sus obras más destacadas encontramos la primera sede Montecatini (Milán, 1936), la Escuela de Matemáticas de la Universidad de Roma (1934) y las oficinas de la RAI en Milán (1938). También destacó en el diseño de muebles.
Personaje
En el Shodo o caligrafía japonesa cada caracter debe ser realizado sin repetir ni borrar ni corregir, para de esa forma capturar el carácter de su practicante. El análisis de las líneas en los bocetos nos dejan ver principios de seguridad en el trazo simple e indecisión en el trazo entrecortado ó zigzageante. También se puede ver cómo factores como el tener que delinear un trazo previo ó una interrupción en el flujo natural del trazo merman la calidad de la línea. Por último, se puede entrever la técnica con la que el dibujante es más hábil: en se ve un uso más firme del bolígrafo y dificultad en el manejo del plumón.
Santiago Melo, dibujo en bitácora Andrés Arias Nemocón, Vaso Séptimo semestre, 2010. Quinto semestre ,2010.
Joseph Maria Olbrich (1867 - 1908) Arquitecto y diseñador industrial uno de los principales representantes de la Sezession vienesa junto a con J. Hoffmann, precursor de la arquitectura del movimiento moderno. Fue discípulo de O. Wagner de quien hereda la concepción racionalista plasmada en su obra con un rigor constructivo.
El punto y la línea
El mínimo nivel de abstracción de un Diseño se puede encontrar en bocetos, bitácoras y cuadernos de dibujos. Por lo general estos g a r a b a t o s s o n completamente instintivos y se pueden localizar en la periferia de las hojas, lo que indica que fueron hechos con ocio. A veces, la línea pura funciona como manera de Ana María pulido, dibujo bitácora resolver mecanismos o Segundo semestre ,2010. movimientos complicados de explicar con volumetría.
Punto, el bit inconcebible:
los famosos puntos Ben Day del arte pop se aprovechan del efecto de uniformidad cromática en una superficie con puntos pequeños del color.
El punto visto de cerca no es más que una aglomeración de más particulas en 2d. Wassily Kandinsky, detalle de punto y línea en el plano,1926
En su teoría, Kandinsky reflexionaba frecuentemente sobre el valor del punto como la génesis de la producción artística, si bien simboliza el momento previo al nacimiento, la nada, el cero:.CITA "El punto geométrico es invisible: De modo que debe ser definido como un ente abstracto".²⁴ Como el eje abstracto de todo impulso lírico, el punto se suma a otros puntos para generar cuerpos completamente, de la misma manera en que las moléculas se conglomeran para producir un elemento químico, ó las células del cuerpo se unen y generan sistemas y tejidos. Por supuesto, una célula tiene dimensiones y volumen, y por ende es finita. El punto es un concepto en su forma más pura, y puede ser sólo equiparable con los átomos en la naturaleza. En el sistema Didot, un punto tipográfico (con el cual se conforma todo el material tipográfico) equivale a unos 0,376 milímetros. En la conferencia dada en la Universidad Nacional de Colombia "El punto y el código analógico" del profesor Alemán Wolfgang Schaeffner , se manejaba la tesis de que ,si en lo digital (código binario) el cero es el elemento operativo básico, en lo analógico el punto tiene las mismas características, además de una historia mucho más larga y dramática. Evidentemente, si destruimos un dibujo de la escuela de Diseño Industrial en sus puntos mínimos, encontraremos un lenguaje mudo basado en una sucesión especializada de puntos. Inclusive, los podríamos encontrar en las construcciones tridimensionales reales y virtuales: en los puntos de soldadura que unen el marco de una bicicleta, en las infinitas ordenadas entre dos puntos x,y,z de un programa de modelado.
En el dibujo y composicón digital, cada cruce entre líneas y ejes x,y genera un punto (ordenada). Entre más curvas de control tenga el modelo, más preciso quedará y su malla generará más intersecciones. Se puede decir que en una superficie podemos encontrar un numero infinito de ordenadas matemáticas, y que sin ellas el dibujo sería físicamente imposible o caótico: el mismo entorno del software de modelado está repleto de puntos , generados por una cuadrícula.
El dibujo está completamente repleto de puntos proyectados hacia otros puntos, y podemos localizar un punto hipotético en los dibujos , de igual manera que lo hacemos con las coordenadas del modelado digital. Esto se cumple especialmente cuando el dibujante quiere realizar una figura compleja con superficies alabeadas y decide crear un croquis como matriz para darle volumen a la ilustración. En este caso se crea una ilusión de volumen bastante aceptable generando nodos en líneas verticales y horizontales. Eliana Aldarraga, silla.Quinto semestre ,2010. El punto juega un papel importante en el acto de atribuirle texturas a una superficie de papel bidimensional. El grafito del lápiz se adhiere a l papel rugoso y se fija como pequeñas partículas de color, generando la textura granulosa que suelen dar los lápices de colores. Este principio es utilizado en la aerografía (que escupe pequeños puntos de pintura) y en el mundo del arte con el puntillismo o neoimpresionismo.
Eliana Aldarraga, silla.Quinto semestre ,2010.
El punto y la línea
Pantallazo de Rhino 4.0, software.
Punto, el bit inconcebible:: El nodo abstracto es el testigo mudo de la creación artística, y el primer componente a la hora de generar toda clase de planes pictóricos. Podemos encontrar al punto en muchos contextos históricos, escondido entre las estructuras y composiciones.. Los puntos pueden equipararse, en obras modernas, a las tuercas funcionales de las construcciones, las intersecciones entre las barras de acero de la torre Eiffel, en inclusive cada unidad de los azulejos que Antoni Gaudí, La utilizaba Gaudí para sagrada Familia, conformar una superficie 1915 fragmentada en sus obras. Toda elevación que requiera estructuras requerirá de ejes que se cruzan, y por lo tanto de uniones y puntos de soldadura. En el Diseño lo mismo ocurre con modelos estructurales y trigonométricos. Uno de los maestros de la Bauhaus que más hizo énfasis en la importacia del punto fue Kandinsky, quien lo catalogaba de tensión concéntrica y mínima unidad temporal ²5 (filosofía que aplicaba en las notas musicales , que se representan con un punto). En sus ingeniosas descomposiciones de fotos encontraba al punto siempre como un constructor silencioso de universos.
Wassily kandinsky, descomposicion del cuerpo humano.Detalle de Punto y línea en el Plano.
La teoría del arte menosprecia el papel de la nada como unidad inerme , potencial absoluto de toda creación histórica. Fue con la llegada del lirismo y la teoría abstracta que el artista comenzó a valorar su potencial infinito, como el de una molécula de hidrógeno que explota en niveles atómicos. Semánticamente, el punto es un ente gravitatorio, que transfiere al lector el sentimiento de la nada, por ello es tan solemne cuando se utiliza para finalizar una sentencia (punto final), Kandisnsky le atribuye una fuerza grande en la frase Hoy voy al cine. ,pues cierra definitivamente la oración que s quiere transmitir, pero asevera que el punto pierde su voz interior cuando es mal utilizado gramáticamente: Hoy voy al. cine ²6. En semántica, el punto se vuelve funcional, idealmente circular y sumiso frente a las necesidades de la oración. Puede ser explicativo (:), referencia para la dirección de un signo de admiración o pregunta (!,?) ó reincidente para enfatizar en una ausencia ,convirtiéndose en el signo de la mudez (...).
El punto es referenciado como una circunferencia negra, como un hoto negro que representa en su interior la nada. En realidad, su naturaleza bidimensional es imperfecta, y suele tener forma de mancha amorfa.
Personaje Santiago Melo, dibujo en bitácora Quinto semestre ,2010.
Oskar Schlemmer,Leyes del movimiento humano abstraídas.
Humanoide creado por Schlemmer para su ballet triádrico. El movimiento humano puede despedazarse en componentes geométricos, y , si este movimiento describe una superficie invisible, esta se puede abstraer aún más en nodos indefinibles indefinibles. También se pueden crear estas divisiones en los entornos, que se descomponían también para entender la capacidad de translación del cuerpo humano sobre un escenario.
Personaje
Este sketch descompone de manera interesante al cuerpo humano y lo abstrae en forma de maniquí: las extremidades son líneas, el torso y la cabeza son planos elípticos, y las articulaciones son puntos. De igual manera Oskar Schlemmer ideaba figuras androide para su teatro de la Bauhaus, abstrayendo sus personajes en puntos y circunferencias: el punto es el centro del compás, el pivote que posibilita el movimiento mecánico de la línea.
Oskar Schlemmer(1888 1943) P i n t o r y escultor alemán. Sus obras tuvieron influencias de Cézanne y se relacionaron con el movimiento cubista. Realizó grandes relieves sobre pared y pinturas, cuyo tema más principal es la figura humana como forma esencial). También realizo diseños para teatro y ballet.
El punto y la línea
Antoni Gaudí (1852-1926) Arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán. Fue mas allá del modernismo ortodoxo, creó su propio estilo basado en la observación de la naturaleza. Algunas de sus obras el Parque Güell (1900-1914) y la casa Milá (1906-1912), conocida como La Pedrera.
VI. El cuadro conceptual: Durante mi observación de la muestra sobresalían cualidades gráficas en los estudiantes que at i e n d e n n e c e s i d a d e s m u y p e rs o n a l e s d e comunicación, que responden a una semántica propia, pensada para ser comprendida por la misma persona que la escribió. Por lo general estas manifestaciones nacen producto de la necesidad interior de: 1.Documentar 2.Resumir 3.Conceptualizar 4.Traducir (al grupo de Diseño ó a uno mismo)
Movimiento
Fragmento del mapa mental de este proyecto elaborado en el software Mind Manager..
El expresionismo Movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, el cual se desarrollo en diversos campos como las artes plásticas, literatura, música, cine, fotografía entre otros. El fin el expresionismo es busca la expresión de los sentimientos y emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
En el lenguaje técnico muchos los llaman mapas conceptuales, flujogramas, croquis u organigramas, pero a la larga cada manifestación mental solo recae dentro del fluir psíquico pictórico (proyección de la conciencia en la manera más inmediata), similar a los soliloquios que desarrollaba Virginia Woolf en sus textos ó a el trazo impulsivo de los expresionistas, sin reparo en incoherencias o problemas estéticos, tal y como se desarrolla el pensamiento en la mente: una sucesión de imágenes mentales con una fuerte carga semiótica que aligera la comprensión de los conceptos en función de acelerar el discurso propositivo. En conjunto al garabateo, estos elementos dibujados son la génesis del proyecto del Diseño. Debido a la naturaleza polimorfa de estos productos gráficos, el epílogo del fluir de la conciencia sólo se encargará de realizar un paneo iconográfico de los cuadros recopilados..
Esta clase de conceptualización no responde a una lectura textual, pero es considerado un flujo de ideas. Es interesante ver cómo se ilustra una idea meramente conceptual sin utilizar los métodos ortodoxos del mapa mental, inclusive si sólo sorven para informar gráficamente a los miembros del mismo equipo de Diseño.Ell uso de colores acentúa la fuerza con la que la imagen se queda en el subconsciente.
El cuadro conceptual
Este es un ejemplo bastante admirable del fluir aleatorio de las ideas, producto de una toma de apuntes. En ningún momento se detiene a darle un carácter estético a su escrito, y acantona el texto hacia el lado izquierdo de la página, lo que puede sugerir que es zurda. Si hubo alguna clase de linealidad, ésta probablemente surgió hacia esta dirección. Al agregar datos adicionales , se general pequeños micro textos que también van descendiendo independientemente del texto central. Los dibujos y esquemas que ayudan a explicar lla narración de manera gráfica, son en sí pequeñas entidades autónomas que generan una secuencia icnográfica (ver pg.52) y gran pregnancia a primera vista.
Epílogo.El fluír Psíquico:
“Me rehúso a ser confidente, y me desagrada cuando la gente escribe acerca de arte”. Balthus
La idea es la imagen abstracta previa a un concepto, está completamente virgen de signos hasta que comenzamos a nutrirlo de otras ideas, conceptos exteriores y elementos visuales. El propósito final del creador es que esos impulsos sean transferidos al exterior con la menor cantidad de intermediarios posibles. A pesar de generarse en la mente, el fluir de conciencia necesita de signos y factores semiológicos que funcionen para agruparse en pensamientos lineales, a veces apartados los unos de los otros. Si hubiera una forma de dibujar el pensamiento ,lo más cercano sería el de una serie concatenada de opiniones y conceptos prefabricados, avanzando de manera espiralada ascendente e irregular (similar a la visión histórica de Hegel). Cuando hay una nueva idea provocada por una reflexión (interacción química entre todas estas espirales en 4d), se genera una nueva entidad, que también avanzará pero podrá devolverse o tambalear hacia cualquier dirección: las espirales aparecen y desaparecen a medida que se avanza en el tiempo del pensamiento. Si un mapa mental fuese de esa manera, sería algo tedioso de plasmar: el pensador debe sacrificar muchas de sus ideas mientras saca un lápiz y escribe el primer fonema. Por ello, al terminar un mapa conceptual no se siente la completa satisfacción de haber transferido todos mis pensamientos al papel, y más bien sí se siente una abrumadora realización por haber acumulado tanta información y tantos datos en un solo lugar, aunque no sean abarcables con facilidad.
El cuadro conceptual
Yo creo que la manera más inmediata e hipótetica de transmitir estas sensaciones es a través de puntos con diferentes colores y pulsaciones: la música. Si cada concepto individual pudiese ser representado por un pequeño punto de un color específico en CMYK, se podría hacer seguimiento a los puntos que van apareciendo en el pensamiento, como un electrocardiógrafo que cuenta los nodos de colores. Cuando uno de estos conceptos se une a otro, generan un nuevo color que mezcla dos ó tres conceptos nuevos. Cada uno de ellos queda registrado y memorizado, enriqueciéndose con lo que la persona lee ó recibe del exterior. Si creemos que todo lo que dije anteriormente es posible, estaríamos volviendo a la alegoría de la caverna de Platón, en la que sólo nos acercamos a una aproximación fracasada hacia lo que es la verdadera, perfecta e inmutable idea . Cada proceso creativo que salga de el fluir natural mental del hombre es, por ende, un fracaso. La historia del arte es, por extensión, una historia de fracasos, y la belleza que no proviene de la naturaleza no es más que la celebración del hombre de su lucha sisífica contra el inevitable vacío del punto, del hoyo negro.
Apéndice
Apéndice :
Como un rastrojo de tripa que se queda colgando, el apéndice no es más que una excusa para ceder ante los caprichos del autor: lo que viene a continuación está extraído del trabajo de campo realizado en Abril del 2010, y rescata algunas imágenes que no pudieron entrar al contenido nuclear del libro por razones de espacio o de despiste .
Jose Mar铆a Olbrich planos, 1904 Ilustraci贸n en Acuarelas.
Apéndice
Vannesa Mora, secuencia de uso Laboratorio de Diseño II, segundo semestre 2010 Bolígrafos.
Esteban Arias. sin nombre, 2010 Primer semestre Dibujo por ocio.
ApĂŠndice
Diego Armando Pedraza. Spider.man, 2010 Octavo semestre Dibujo por ocio.
Cristian Padilla Rinc贸n ,ideogramas, 2010 Octavo semestre. Bol铆grafo.
Apéndice
Jennifer Guillen, Cerámica Luis Barragán , 2010 Tercer semestre. Cerámica.
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Citas :
Raul León es estudiante de Diseño Industrial en la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente desempleado, endereza entuertos ,empeora las cosas cuando ya estaban mal y ,como se puede apreciar , está convencido de que el lente fotográfico succionará su alma. De entre sus pocos gustos ñoños está dibujar arte indefendible, escribir libros ilegibles y cocinar comida indigerible. A riesgo de no parecer cool , Raul se ha adentrado en un mundo de gentlemen decimonónicos y genios incomprendidos ,ha batallado contra las fuerzas del bloqueo de escritor y contra sus propias manías polisindetónicas, tan solo para llevar este libro a tus manos frívolas y posmodernas. Este es el fruto de su trabajo, y ha dolido, porque él comparte con nadie la teoría de que no hay nada más punzante que crear.