RC15 by Revista Cineasta

Año 2 vol. 15 abril de 2012. Santo Domingo. República Dominicana

Entrevista

Entrevista Exclusiva

Isabel Polanco

Meryl Streep

Artículo

Las películas más esperadas para el 2012

i n d i c e

Editorial

Crítica Jaque Mate se estrena en abril en las salas de Cine Dominicanas 6 Hugo 8 Cine en casa Sideways (2004)

52 Artículos

Director del Mes John Hughes: icónico director y guionista de la década de los ochenta

Actriz del mes Meryl Streep

Impresceindible Phantom Of The Paradise

Los papeles más insólitos e importantes de Elijah Wood 12 La entrega del oscar 2012 32 Top 10 comedias negras 36 Y… ¿dónde está el director? 38 Las películas más esperadas para el 2012 44 Pina 52 Pina Provoca, Despierta, Agita, Enloquece…. Libera 53

Se Rueda 42 Estrenos Internacionales 49

Entrevistas

Retro IX 1969 56 Cine RD Refuge From The Storm

Actriz Dominicana: Isabel Polanco

Noticias

Circa 64

Celebran muestra de cine dominicano en Madrid Promoverán cine dominicano en Rusia Muestra de cine 2012

14 48 54

18 24 4

e d i t o r

i a l

racias a las 95.7 FM y al Grupo de Comunicaciones Corripio, Cineasta ya cuenta con un espacio en radio al que hemos llamado CineastaRadio. Con menos de un mes en el aire, el programa ha captado la atención de cinéfilos, cineastas, actores, actrices y del público en general. Los cómplices de la conducción de CineastaRadio son: Armando Almánzar, Hugo Pagán Soto, Rubén Peralta y quien suscribe. Ya hemos contado con la presencia de nuestro querido Jorge Cámara y de personalidades tan importantes en la industria del cine como Leticia Tonos, Julieta Rodríguez, Albert Xavier, Isabel Polanco, Frank Perozo, José María Cabral, Ian Padrón, Benito Zambrano y Elías Acosta. Es un programa interactivo de lunes a viernes en horario de 11AM a 12M y gracias a la gran cantidad de oyentes, las líneas no paran de sonar. CineastaRadio tiene muchas sorpresas en el porvenir y muchas entrevistas interesantes. Gracias a Mazola y a Folicuré por ser los primeros patrocinadores del programa y por confiar en tan importante proyecto. Varios patrocinadores más se van a ir sumando a tan importante proyecto y a esta industria que ya sólo va en subida. Ya se estrenó El Rey de Najayo; el 12 de abril se estrena Jaque Mate; el 3 de mayo arranca La Lucha de Ana que cerró la pasada Muestra de Cine, y el 5 de mayo la película del director dominicano Elías Acosta, Refuge from the Storm, Premio del Público en la pasada Muestra. Con orgullo, ya tendremos cinco actividades relacionadas con el cine en menos de tres meses. El crecimiento de la industria es indetenible. En esta edición entrevistamos a la grandiosa Meryl Streep por su más reciente papel en The Iron Lady, interpretando a una excelente Margaret Thatcher, que le llevó a nada más y nada menos que su octavo Globo de Oro y su tercer Oscar. Y de nuestro país, entrevistamos a la también excelente actriz dominicana, Isabel Polanco. Oliver Oller nos recuerda la década de los ochenta y nos trae un interesante artículo sobre John Hughes, guionista y director de muchas películas entrañables por ese público de los años ochenta y noventa. Por último, Jorge Cámara nos escribe un excelente artículo sobre la última entrega de los Oscar, los cuales en nuestra opinión, tendrán que reinventarse, porque han perdido mucha credibilidad. ¡Hasta la próxima edición! Pablo Mustonen 6

Presidente Pablo Mustonen Dirección y Edición Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com.do Beatriz Asilis beatrizasilis@hotmail.com.do Brando Hidalgo brandohidalgo@hotmail.com Ingrid Grullón ingridgrullon13@hotmail.com Diseño y Cuidado de Edición Samanta Sánchez Franco ssanchezf@yahoo.com Ventas Pablo Mustonen pablomustonen@cineasta.com.do Claribel Báez claribelbaez@cineasta.com.do 809-565-9599 Portada: Samanta Sánchez Franco Colaboradores Jorge Cámara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes Jorge Cámara Vice Presidente de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood, Ángel Haché, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Ingrid Grullón, Brando Hidalgo, Luis Beiro, Andrés Castillo, Katherine Bautista, Oliver Oller CINEASTA Ave. 27 de Febrero No. 260, Edif. Brigitte II, apto. 203, Santo Domingo, RD. Tel. 809-565-9599 www.cineasta.com.do EDICIÓN No. 15 abril de 2012, 3000 ejemplares. Impreso en Serigraf. Cineasta es una publicación mensual, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducción parcial o total sin consentimiento de cineasta.

c r í t i c a

JAQUE MATE Se estrena en abril en las salas de cine dominicanas

urante la Quinta Edición del Festival de Cine Global Dominicano auspiciado por FUNGLODE, y gracias a esta fundación estuvimos presentes en la gala de la “Alfombra Azul” y en la posterior presentación del filme dominicano Jaque Mate. Jaque Mate, dirigido por el joven dominicano José María Cabral, quien en su corta carrera ya presenta su segundo largometraje. El prometedor director nos presenta una obra alejada por completo de las convencionales comedias tontas, a las cuales ya la incipiente industria del cine dominicano nos tiene acostumbrados y se acerca más a un filme que mezcla el drama y el suspenso con dosis de acción. La historia de “Jaque Mate” nos lleva a través de la vida de David Hernández (Adrián Mas) un talentoso presentador de televisión y conductor de uno de los programas de mayor audiencia. Dicho programa es el que da el nombre al filme. David tiene como centro de su vida su trabajo y su vida personal parece estar totalmente descontrolada, la relación con su mujer y su hijo parece ir en picada. Un buen día David es sorprendido mientras conduce su show por una llamada anónima: el interlocutor al otro lado de la línea dice tener a su familia secuestrada y le exige seguir sus reglas si desea volver a ver a su familia con vida. Es aquí cuando la historia comienza a desarrollarse y el secuestrador solo conocido como Andrés (Frank Perozo) toma control total de la situación. A partir de este momento todo se vuelve una carrera contra el reloj en la cual David intenta salvar a su familia. 8

Apoyado en una idea interesante y llamativa, José María desarrolla su guión con la ayuda de César León López. Contiene secuencias muy bien logradas y que poseen un gran nivel técnico. La mayor parte del filme depende de las actuaciones, Adrián Mas en su rol de David, quien logra momentos muy buenos. En la contraparte tenemos a Frank Perozo en el papel del villano el cual desarrolla con destreza y demuestra que es un actor de estatura. Perozo nuevamente brilla en escena y nos muestra el por qué es el Mejor Actor dominicano en la actualidad. El filme maneja muy bien las secuencias de acción, especialmente una que incluye un manejo a alta velocidad por la calles de la ciudad. También debemos resaltar el manejo de la cámara y los ángulos que aportan mucho a la calidad técnica de la película. José María Cabral tiene mérito pues se adentra en aguas nunca antes navegadas por los cineastas dominicanos. Con su filme de alguna manera busca romper el molde y encausar el cine por otras vías. No nos cabe la menor duda de que en un futuro este joven talento pueda hacer un trabajo que nos deslumbre a todos. Dirección: José María Cabral. Guión: José María Cabral, César León López. Reparto: Adrián Mas, Frank Perozo, Sharlene Taule. Género: Drama, Thriller. País: República Dominicana.

c r í t i c a

HUGO H ug o Pag á n Soto

uchas veces me he preguntado por qué me gustan tanto las películas, qué tiene el cine que me hace sentir tan a gusto cuando estoy sentado en una sala. Una y otra vez la respuesta es la misma: Magia, eso es el cine para mí: pura magia. Un arte que nació para entretener y que en sus inicios fue sólo parte de un acto de circo, una novedad que se pensaba como pasajera pero que cobró vida como si se tratara del propio invento del Dr. Frankenstein. El cine es como lo conocemos hoy gracias a un grupo de verdaderos artistas que pusieron en sus trabajos más corazón que razón y que se atrevieron a soñar y a compartir esos sueños con los demás.

“Si alguna vez te has preguntando de dónde vienen tus sueños, mira a tu alrederdor. Aquí es donde se fabrican”

Scorsese, un verdadero romántico del cine, un luchador incansable por preservar la historia del séptimo arte, Georges Méliès.- nos entrega quizás una de sus obras (1861-1938) más personales: es como si el propio director hiciera un exorcismo y liberara de su interior todos esos sentimientos que lo apegan al 10

mundo del cine. Scorsese nos lleva en un viaje cargado de nostalgia, de viejos recuerdos y de homenaje hacia aquellos primeros maestros que hicieron del cine una verdadera “máquina de sueños” y que lograron cautivar al mundo. Adaptado del libro “La Invención de Hugo Cabret” del escritor Brian Selznick, nos llega el guión de John Logan, ambientado en el París de los años 30. Conocemos a un niño llamado Hugo Cabret (Asa Butterfield), quien vive entre los muros de una estación de tren. Es en este lugar donde el pequeño Hugo pasa sus días y se relaciona, de cierta forma, con todos los que trabajan en la gran estación. Por causas del destino, Hugo termina cruzando caminos con un señor mayor (Ben Kingsley), dueño de una tienda de juguetes, al cual en ocasiones había robado pequeñas piezas para usarlas en un proyecto secreto. Esta relación lo lleva a conocer a Isabelle (Chloë Grace Moretz), una niña que vive con el anciano y que de inmediato hace una gran química con Hugo y lo ayudará en su gran aventura. Hugo nos atrapa con un despliegue visual asombroso utilizando a la perfección el recurso de la tercera dimen-

c r í t i c a

sión, desde la primera secuencia del filme con un plano secuencia, característico de Scorsese, que nos lleva por toda la estación de trenes hasta nuestro personaje y su peculiar refugio. Sabemos que estamos a punto de presenciar a un verdadero maestro jugando con la cámara, cual niño con su juguete favorito. La fotografía de Robert Richardson es simplemente fabulosa y con cada plano y encuadre nos hace revivir una magia que en estos días en el mundo del cine se ha dejado de lado para dar pasos a otro tipo de historias. Un filme que resulta un verdadero alarde de dirección artística; nos sumerge en un París mágico y nos hace sentir como si pudiéramos oler el aroma de sus bistros y de sus croissants. Para complementar esta magnífica ambientación, la música de Howard Shore se encarga de poner a palpitar nuestros corazones. Scorsese logra sumergirnos en el maravilloso mundo de Hugo y de paso nos muestra la vida de uno de los grandes revolucionarios del cine, Georges Méliès, con una realización maravillosa que muestra retazos de su vida, su inspiración, sus sueños y su legado. El elenco de la película es formidable: Asa Butterfield (El niño con el pijama de rayas) le da vida al singular Hugo Cabret, un joven que vive su vida arrastrado por un sueño que lo permita revivir su pasado y encontrar una razón para su vida; el veterano Ben Kingsley nos regala a un genial Geroges Méliès con un personaje digno de recordar y Chloë Grace Moretz encarna a Isabelle, la intrépida niña fascinada con la lectura y los libros que nos hace reír cada vez que utiliza una de esas palabras rebuscadas. También nos topamos con un Sacha Baron Cohen (Borat) como nunca lo habíamos visto, en un personaje que sin duda dejará una marca en su carrera. El resto de los personajes los llenan Emily Mortimer, Christopher Lee, Helen McCrory, Michael Stuhlbarg, todos con momentos muy importantes dentro del filme y con buenas interpretaciones.

“ Si el mundo es una gran maquinaria, yo no puedo ser una parte sobrante. Entonces debo estar aquí por alguna razón”. Como un gran maestro, Scorsese logra traernos de vuelta un cine olvidado y lo hace de manera irónica utilizando la tecnología más avanzada para mostrarnos las más primitivas técnicas de edición y de efectos especiales, como si nos quisiera decir que «no hay nada nuevo bajo el Sol». “Bravo” debemos decir y gracias por hacernos sentir una vez más que el propósito más puro del cine es entretener y hacernos sentir que vivimos un sueño. Calificación: 10/10

Cuando vemos a Hugo, vemos a Scorsese en la piel de ese niño enamorado del cine que se deja embriagar por la magia de la gran pantalla y que no puede olvidar esa primera experiencia cinematográfica. Hugo busca reparar un viejo artefacto que es lo único que lo aferra a su padre y en el proceso logra restaurar más que eso: logra sanar viejas heridas, logra enamorar, logra hacer sentir y logra encontrar su lugar en el mundo. Todo queda maravillosamente plasmado cuando el propio niño expresa:

Dirección: Martin Scorsese Guión: John Logan, Brian Selznick (libro) Reparto: Asa Butterfiel, Ben Kingsley, Chloe Gracë Moretz Género: Drama Duración: 126 min País: USA

C I N E

E N

C a S a

SIDEWAYS (2004) R u b é n P e r a lta R i g a u d

os amigos llamados Miles (Paul Giamatti), un divorciado con ansias de novelista, y Jack (Thomas Haden Church), un actor fracasado, se embarcan, una semana antes de que Jack se case, en un viaje por carreteras californianas con la intención de probar diferentes vinos y disfrutar, en el caso de Jack, de sus últimos días de soltería. Las cosas se complicarán cuando la pareja se encuentre con dos mujeres llamadas Maya (Virginia Madsen) y Stephanie (Sandra Oh).

Alexander Payne es un director y guionista que, antes de su revelación popular con esta comedia dramática llamada Sideways, ya había ofrecido destellos de buen cine con el estudio psicológico de About Schmidt o la subestimada sátira Election. Con Sideways, una sencilla road movie, Payne, hábil escrutador del “American dream”, hace equipo con su usual colaborador Jim Taylor adaptando una novela de Rex Pickett para desarrollar una comedia agridulce e irónica sobre la amistad, las relaciones sentimentales, la confusión y expectativa vital, y la crisis de mediana edad, que, a través de un suficiente manejo del tempo narrativo y un dominio del matiz emocional, reflexiona sobre personajes maduros y desorientados con comicidad pero también con amargura y melancolía. Estos aspectos se encuentran en un meritorio guión y la dirección de Alexander Payne, que, al estilo de nombres como Hal Ashby o John Cassavetes, tanto muestra la acción en clave humorística como sentimental, sin perder un enfoque claro sobre lo que narra y el tono con 12

el que lo está narrando. Si a ello le sumamos las claves metafóricas del viaje y el vino, una adecuada creación y progresión de frustrados y reales personajes, y la interpretación inmejorable de los protagonistas principales que le dan vida, tendremos una película de cierto interés, centrada más en los caracteres que en la propia historia. Eso sí, el abuso de los premios cinematográficos Oscar, ignorando la fenomenal interpretación de uno de los grandes del cine americano actual, Paul Giamatti, perfecto semblante del antihéroe perdedor y también espléndido intérprete de American Splendor, siguen provocando que el fulano encueros de la gran espada (El Oscar) se siga cubriendo de “gloria”. Bueno, sí, es cierto, él no tiene la culpa.

Calificación: 9 de 10 Director: Alexander Payne Intérpretes: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen Género: Drama-comedia Año: 2004 País: Estados Unidos Duración: 126 minutos

a r t i c u l o

LOS PAPELES MÁS INSÓLITOS E IMPORTANTES DE ELIJAH WOOD

Frodo Baggins Película: El Señor de los Anillos (Trilogía)

Po r H ug o Pag á n Soto

La clave: Este es sin dudas el personaje que mayor fama le ha otorgado al actor y a su vez es un personaje que le exige mucho a Wood cuando encarna la piel del hobbit más querido por millones de fans de los libros de J.R.R. Tolkien, con el compromiso de llenar las expectativas de cada uno de los seguidores de la saga de libros. Podemos decir que Wood se entrega por completo y se transforma en un verdadero hobbit para lograr un papel para la historia. Kevin Película: Sin City (2005)

ste actor de origen norteamericano, nacido en Cedar Rapids, Iowa, un 28 de enero de 1981 bajo el nombre de Elijah Jordan Wood, hizo su debut en el cine a la edad de ocho años en la película Back to the Future II (1989) con un rol de reparto. Desde ese entonces no ha parado de obtener roles en grandes producciones y su nombre ha ganado mucho respeto en la industria del cine. Uno de sus mayores papeles lo obtuvo para la aclamada trilogía de El Señor de los Anillos, donde interpretó al hobbit Frodo Baggins, papel que sin dudas le ganó el mayor reconocimiento a nivel mundial. A su corta edad, Wood ya ha rodado más de 60 filmes y cuenta con un gran talento para interpretar todo tipo de roles desde los menos demandantes hasta papeles que en realidad le exigen una transformación tanto física como piscológica. Vamos a analizar algunos de los personajes más insólitos de Elijah Wood. 14

La clave: En esta adaptación de la novela gráfica de Frank Miller, Robert Rodríguez recrea un mundo extraordinario y de fantasía. Wood de su parte, interpreta uno de los papeles más extraños de su carrera cuando le da vida a un inusual ser al que sólo conocemos como Kevin. Una especie de humano convertido en “monstruo” que se alimenta de partes humanas y que posee un aire sobre-humano. Recordamos muy bien una secuencia magnífica cuando Kevin se enfrenta con Marv (Mickey Rourke) en una pelea mano a mano. Jonathan Safran Foer Película: Everything is Illuminated (2005). La clave: Este filme dirigido por Liev Schreiber convierte a Wood en un joven judío norteamericano, el cual se embarca en un viaje hasta Ucrania en busca de una mujer que supuestamente ayudó a su abuelo a sobrevivir durante la Segunda Guerra Mundial. En este rol, Wood se desdobla por completo y da vida a un personaje excéntrico que a la vez es un coleccionista obsesionado con clasificar todas las cosas “raras” que encuentra. Un papel exigente al máximo que le demanda transformarse desde su interior para deleitarnos con una fantástica interpretación.

2. BANESCO

n o t i c i a s

CELEBRAN MUESTRA DE CINE DOMINICANO EN MADRID

anto Domingo, D.N. 17 de febrero del 2012. El Director General de Cine, el Sr. Ellis Pérez, manifestó su gran entusiasmo por la celebración de la muestra de Cine Contemporáneo Dominicano que tuvo lugar en Casa de América en Madrid, España, durante la semana del 20 al 25 del mes de febrero, que es llamado el Mes de la Patria en la República Dominicana, y que se realizó como resultado de la iniciativa de la Embajada dominicana en Madrid, en la persona de su Embajador, el Sr. César Medina. El Sr. Pérez indicó que esta muestra proyectará una idea clara del contenido de las películas que se han estado filmando en los últimos años en la República Dominicana. Señaló que con la nueva Ley de Cine, que crea incentivos especiales muy generosos, tanto para los 16

Frank Perozo y Claudette Lali con el director de casting Luis San Narciso.

n o t i c i a s

Visita a los estudios Globo Media (globomedia.es).

Conversatorio Todo sobre Cine Dominicano en Casa América. Perozo, Lalí y Andrés Farias, joven cineasta dominicano.

Ellis Pérez, Juan Deláncer, Yvette Marichal y Omar de la Cruz.

n o t i c i a s

Con José Antonio Escrivá, director de los Estudios Ciudad de La Luz y Juan Deláncer.

productores dominicanos, como extranjeros, el cine dominicano deberá tomar un nuevo impulso para elevar la cantidad de producciones y la calidad de las realizaciones. Dijo que durante los últimos 15 años se han realizado un promedio de 2 películas por año en la República Dominicana, y que ahora como resultado de la nueva ley, se proyecta que se filmen entre 12 y 15 películas en el curso de este año 2012. También indicó que dentro del grupo de esas películas a filmarse en el curso de este año, 3 de ellas, serán realizadas por productores españoles. Igualmente comentó que está a punto de iniciarse el rodaje de una producción sobre la vida de Julio Iglesias. El Director General de Cine de la República Dominicana, hizo una visita especial el miércoles 22 de febrero a los estudios Ciudad de la Luz, en Alicante, invitado por su Director General, el Sr. José Antonio Escrivá. Prevé que a partir de ahora habrá una gran interacción entre los productores de cine dominicanos y españoles. 18

d i r e c t o r

d e l

m e s

JOHN HUGHES: icónico director y guionista de la década de los ochenta Oliver Oller Breakfast club.

principios de la década de los ochenta se podía observar cómo iba cambiando poco a poco el estilo de hacer comedias y de contar historias divertidas, dejando atrás el poco sentido del humor que tuvieron los setenta con grandes obras cargadas de dramatismo y fuerza bélica. Este estilo peculiar de contar historias empezó pronto a convertirse en sinónimo de un nombre, John Hughes, a quien le hacemos reverencia en este artículo por ser el escritor/director más completo e influyente dentro del género durante toda la década de los ochenta y gran parte de los noventa.

…Life moves pretty fast. If you don’t stop and look around once in a while, you could miss it… (Ferris Bueller)

John Wilden Hughes Jr. nació en los suburbios de Lansing, Michigan en 1950, de donde luego migraría en su adolescencia hasta Chicago, Illinois. Atendió la secundaria en Glenbrook North High School, la cual fue parte importante de su fuente de inspiración para la creación de la mayoría de sus personajes de estudiantes y adolescentes. Paralelo a sus varios trabajos y posiciones en empresas publicitarias, empieza a escribir historias cortas hasta 20

lograr poder introducir sus escritos en la revista cómica National Lampoon. Una de estas historias (Vacation’58), que contaba las anécdotas de un viaje que tuvo con su familia en ese año, fue luego la base del guión de la exitosa película, National Lampoon’s Vacation (1983) con Chevy Chase. Luego de haber escrito varios guiones de películas como Class Reunion (1982), Mr. Mom (1983) y Vacation (1983), toma de estas experiencias para iniciar detrás de las cámaras con su primer largometraje, Sixteen Candles (1984) que contaba de las vivencias de una joven adolescente en secundaria y de cómo sus padres olvidan su esperado cumpleaños 16, por estar preparando la boda de su hermana; repleta de escenas memorables y cómicas de la década, sirviendo como trampolín de varios actores jóvenes en ascenso de aquel entonces como Molly Ringwald, John Cusack y Anthony Michael Hall. El film fue todo un éxito y le abrió grandes puertas a Hughes para seguir acentuando su estilo. Sin detener su gran imaginación, vuelve al año siguiente con su primer film como productor, el cual también escribió y dirigió, The Breakfast Club (1985); ingenioso guión de un grupo de cinco estudiantes que deben

d i r e c t o r

d e l

m e s

Escena de ¨Sixteen Candles¨.

pasar un sábado completo castigados en la biblioteca de su secundaria, y de cómo experimentan la oportunidad de compenetrarse y descubrir que a pesar de sus tan distintas personalidades, pueden encontrar fuertes vínculos que los convierten en similares. Este film dio inicio al famoso grupo de jóvenes actores denominado “Brat Pack”, que incluía a sospechosos habituales como Molly Ringwald, Ally Sheedy, Anthony Michael Hall, Emilio Estévez y Judd Nelson, quienes en los ochenta participaron en más de una decena de películas junto a otros miembros del mencionado grupo. El éxito de The Breakfast Club fue enorme y rápidamente se fue calando entre las más vistas y preferidas dentro de las comedias de esos años: hasta el día de hoy es considerada dentro del listado de las primeras tres high school movies of all time por la revista Entertainment Weekly. Siguiendo su inagotable trabajo de ese mismo año, ahora como guionista solamente, se estrena European Vacation (1985), secuela de Vacation (1983), ahora tomando lugar en Europa, también conformada por el dúo de Chevy Chase y Beverly D’Angelo; dirigida por su amiga Amy Heckerling, quien ya se había casado con la fama en otro film icónico de los ochenta Fast Times at Ridgemont High (1982).

Para terminar el 1985 estrena Weird Science, escrita y dirigida por él, uniendo fuerzas por tercera y última vez con Anthony Michael Hall; entretenida comedia de fantasía en la que dos mejores amigos crean la “mujer perfecta” por medio de un programa de computadora, combinando los mismos recursos rudimentarios del personaje del Dr. Frankenstein; también exitosa en la taquilla, presentando a la hermosa modelo Kelly LeBrock y la participación secundaria de un novel actor en ese entonces, Robert Downey Jr. Empieza en el 1986 con el guión de Pretty in Pink, dirigida por Howard Deutch, protagonizada por Molly Ringwald, Andrew McCarthy, James Spader y Jon Cryer en su papel insignia del fastidioso y enamorado “Duckie”; este drama/ comedia juvenil contaba del contraste entre una linda pero ordinaria estudiante de secundaria con un apuesto y rico joven (McCarthy) y las dificultades de tratar de encajar dentro de un círculo de nuevos “amigos” hipócritas y consentidos. Ese mismo año vuelve a tomar el control como director/ productor/guionista de uno de sus más emblemáticos trabajos, Ferris Bueller’s Day Off, envolvente y entretenida comedia que reúne todos los toques de autor que caracterizaban la grandeza de Hughes de presentar his21

d i r e c t o r

d e l

m e s

torias que involucraran estudiantes en revuelo, el protagonismo de sus escuelas y las cualidades de cada uno de sus personajes. El film se centra en el transcurso de un solo día de clases, en el cual el personaje principal Ferris Bueller (Matthew Broderick) decide pasar fuera de la escuela con la excusa de tener un virus casi terminal; la participación de un estupendo elenco que incluía a Jennifer Grey, Jeffrey Jones, Alan Ruck y una breve participación del joven Charlie Sheen. El film cuenta con varias de las tomas más recordadas de los ochenta y frases tan famosas como “Bueller?... Bueller?” Empieza el 1987 con el guión y producción de la comedia romántica Some Kind of Wonderful, dirigida también por Howard Deutch, tocando nuevamente el tema social de las dificultades de los jóvenes en secundaria para poder mezclarse y sobrepasar las barreras de aceptación entre amigos. Aquí vemos a un joven Erick Stoltz acom-

Weird Science Robert Downey.

pañado de Lea Thompson, Mary Stuart Masterson, Elias Koteas y Craig Scheffer. El film cuenta con una de las escenas de beso más sobresalientes de la década. Le sigue a esta Planes, Trains & Automobiles con Steve Martin y John Candy, dirigida/escrita/producida, esta sería la primera comedia de Hughes en la cual no participaran jóvenes estudiantes ni las escuelas fueran escenario principal; cuenta de tomas jocosas y muy acertadas. La historia entre ambos personajes nos recuerda un poco a The Odd Couple con Lemmon y Matthau, la interpretación del vendedor ambulante por John Candy fue quizás sin temor a equivocarme la mejor actuación de su carrera y como de costumbre dentro de las historias de Hughes termina con un buen happy ending. Continúa en 1988 con la producción, guión y dirección de una de sus menos exitosas puestas en escena, She’s Having a Baby, que aunque contaba con la presencia

Some Kind of Wonderful.

d i r e c t o r

d e l

m e s

de un ascendiente y cotizado Kevin Bacon, no pudo llegar a un público que estaba ya acostumbrado a un patrón de sus otras mejores producciones, pero eso forma parte del proceso de ascenso y descenso de cualquier artista. Algo similar sucedió con sus dos siguientes, The Great Outdoors (1988) con John Candy junto a Dan Ayckroyd, y Uncle Buck (1989) con John Candy otra vez, en donde podemos observar a un pequeñín Macaulay Culkin. El guión y producción de Christmas Vacation (1989) junto a Chevy Chase, convirtió esta película en una de las ya predilectas para la temporada navideña; en ella todos los miembros de la familia Griswold deben tratar de pasar en armonía sus tradicionales fiestas hasta que las cosas empiezan a tomar el rumbo del desastre. Hughes continúa con el mismo espíritu navideño, escribiendo y produciendo su siguiente trabajo Home Alone (1990), la cual sería su primera obra infantil y le consagraría su toque de Midas al convertirse en una de las películas más taquilleras de todos los tiempos al día de hoy. La historia de un jovencito que fue olvidado en casa por su familia en un viaje a Europa y de cómo tiene que ingeniarse para escapar de unos ladrones de temporada. Utilizó para el papel protagónico a Macaulay Culkin quien con solo 10 años en ese entonces se luce ante las cámaras dejando un personaje amado por todos. Luego de escribir y producir Career Opportunities y Dutch en 1991, dirige la que sería su última participa-

ción detrás de las cámaras, Curley Sue (1991), agradable comedia con John Belushi y Kelly Lynch que no tuvo tanta suerte en las salas, y muestra la historia de un padre viudo e indigente que utiliza a su hija para engañar a personas de su dinero, hasta que encuentra la mujer que lo retiraría de su degradable”profesión”. Algo curioso de Hughes es que en la década de los noventa empieza a veces a escribir guiones utilizando el pseudónimo de Edmond Dantes, en referencia y homenaje al personaje principal del libro El Conde de Montecristo escrito por Alejandro Dumas. Sus obras siguientes Home Alone 2 (1992) y el adorado perro Beethoven (1992) también alcanzaron grandes éxitos en la taquilla. Participó como escritor y guionista en Dennis the Menace (1993), Baby’s Day Out (1994), 101 Dalmatians (1996) y Flubber (1997) junto a Robin Williams, todas con muy buenos resultados taquilleros. La extensa filmografía de John Hughes no nos deja de impresionar, ¿cómo un individuo podía constantemente deleitarnos con tan buenas historias? Para finales de los noventa y la siguiente década, Hughes se mantuvo retirado de la vista pública, se rehusaba a dar entrevistas y de manera recluida solo participaba en eventos de bajo perfil y poca publicidad, aunque siempre trabajando como el incansable artista que era. En agosto del 2009 un ataque al corazón terminó con la vida física de este gran genio. Fue sin duda la década de los ochenta su punto de referencia y carta de presentación de aquel mágico estilo único de la eterna adolescencia; el cual ha quedado para siempre marcado en mí, debido a que es en esta década en la cual conocí la magia del cine. En ocasiones me he preguntado, ¿qué hubiesen sido los ochenta sin John Hughes? y la búsqueda a esta respuesta siempre me ha llevado a un solo enunciado: Muchas Gracias John!! Escena de ¨Home Alone¨.

e n t r e v i s t a

MERYL STREEP J O R GE C A M A R A

ollywood, CA.- Por si todavía quedaba alguna duda, su triunfo como la Mejor Actriz de 2011 por su encarnación de Margaret Thatcher en The Iron Lady (de acuerdo al Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, al Globo de Oro de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood, a los Críticos de Cine de Nueva York, y muchas otras agrupaciones del medio) reconfirma que Meryl Streep es verdaderamente la mejor actriz del cine contemporáneo trabajando actualmente en Hollywood. En su interpretación de Thatcher, que comienza como una anciana con no todas sus facultades mentales en forma, y retrocede a su época de gloria e infamia como la Primer Ministro de la Gran Bretaña de 1979 a 1990. Streep, detallada y precisa, nunca da un paso en falso. The Iron Lady, dirigida por Phyllida Lloyd, puede dejar como cine mucho que desear, pero el trabajo de su estrella central es impecable. Después de dos Oscar por Kramer vs. Kramer como Mejor Actriz de Reparto de 1979 y Sophie’s Choice como Mejor Actriz de 1982, y 14 más oportunidades a este premio, Meryl Streep se ha convertido así en la actriz más nominada en la historia de la Academia, pero pasaron casi dos décadas antes de que recibiera su tercera estatuilla. Lo irónico de la asociación de Streep con Lloyd, que también la dirigió en Mamma Mia, es que ambas cintas, a pesar de ni siquiera acercarse a ser las mejores de su ilustre carrera, han sido por otra parte especialmente significativas para la actriz: Mamma Mia es su película más taquillera, y The Iron Lady la que le ha proporcionado su tercer Oscar. JORGE CAMARA: Aquí estás, la actriz más celebrada de Norteamérica interpretando a una importante figura política británica. ¿Hubo algún resentimiento en Inglaterra por esto? MERYL STREEP: En realidad yo estaba muy nerviosa, no podía racionalizarlo. Pero Phyllida que es muy

lista, me dijo, “tú eres perfecta para este papel porque vienes de afuera, y Margaret Thatcher vino de afuera a su partido político”. Ella nunca sintió pertenecer o ser aceptada. Yo no sentí no pertenecer, pero sí estaba muy nerviosa. El primer día entré al salón de ensayos, y ahí estaban, 45 de los mejores actores británicos con profundos estudios sobre sus personajes. En ese momento verdaderamente me sentí como una mujer de Nueva Jersey (ríe). Pero fueron verdaderamente generosos conmigo, especialmente Jim (Broadbent, que hizo el papel de su marido) y Olivia (Colman, que hizo el papel de su hija), quienes me dieron la credibilidad que todo actor necesita. Tú solamente puedes creer en tí mismo cuando en los ojos de tus compañeros ves que te ven como la persona que estás pretendiendo ser. Por eso estoy muy agradecida de ellos. J.C.: Aparte de eso, ¿cuáles fueron las dificultades de encarnar a Margaret Thatcher? M.S.: Para mí lo mas difícil físicamente fue la interpretación de una anciana, y aún más porque teníamos un presupuesto muy bajo, fue de solamente 14 millones, de manera que nuestros días fueron muy largos y no tuvimos el lujo de poder descansar. El descanso no estuvo incluído. Y descubrí que estar encorvada como anciana por doce horas era doloroso. Me acordé de Daniel Day Lewis y sus contorsiones en My Left Foot. Todo lo que yo quería era un buen masaje. Si alguien conoce a un buen masajista en Inglaterra por favor avísenme, porque aparentemente hay muy pocos. J.C.: ¿Y el maquillaje? M.S.: Estuvo a cargo de Mark Coulier, que es un genio. Él construyó las piezas más pequeñas que he visto. Tienes libertad, te puedes mover, se sienten como piel, no te sientes encerrada en nada. Es lo último en este tipo de maquillaje. Tener algo que se viera tan real hizo mi trabajo mucho más fácil. J.C.: Para la directora obviamente este es un filme muy personal, pero tú vives del otro lado del Atlántico. ¿Qué tan bien conocías la carrera de Thatcher y su política? M.S.: Bueno, en 1979 cuando fue elegida, obviamente mis amigos y yo jugábamos en el otro equipo y no estábamos muy entusiasmados con su política. Pero me acuerdo que yo y mis amigas estábamos secretamente emocionadas de que, increí27

e n t r e v i s t a

blemente, una mujer fuera elegida Primer Ministro del Partido Conservador del Reino Unido. En ese entonces no había ninguna mujer, a ningún nivel, en el gobierno. Fue muy, muy, muy raro y emocionante. Y pensamos que si eso puede suceder en un país tan lleno de prejuicios raciales, sociales, económicos y sexuales como Inglaterra, en cinco años podríamos elegir a una mujer como Presidente de los Estados Unidos. Pero todavía estoy esperando (ríe). J.C.: La película ha recibido críticas porque no ataca más lo negativo de su política. ¿Es válida esta crítica? M.S.: Antes que nada no hay que confundir a Margaret Thatcher con el movimiento conservador de los Estados Unidos hoy en día. Ella estuvo en favor de las decisiones de la mujer, y reconoció el daño al medio ambiente. Algo que puede estar a discusión es su decisión de desmantelar el estado socialista en Inglaterra, de si todas las industrias debieran pertenecer y ser administradas por el gobierno, de si debió ser parte de la Unión Europea. Todas esas son cuestiones que no investigamos en la película porque nuestra historia se limita a tres días al final de la vida de una anciana, en la que miramos su pasado a través de sus ojos. No nos interesaba seguir todos los pasos cronológicos de la vida política 28

de Margaret Thatcher. Yo he perdido a mis padres y quería hacer una película sobre la mortalidad y el abandono de un estilo de vida. Para cubrir la historia política de Margaret Thatcher habría que hacer un documental, que no nos interesó. Esta es una mirada subjetiva a Margaret Thatcher al final de su vida y la pérdida de su poder. J.C.: ¿Te sorprendió descubrir algo de Margaret Thatcher haciendo esta película? M.S.: Si. Que no tenía cocinera. Ella estuvo a la cabeza del Reino Unido por once años y medio, y no tenía cocinera. Yo dejé de cocinar cuando hice Sophie’s Choice. De eso hace ya mucho tiempo y si ahora cocino es porque todos mis hijos han crecido. Pero ella quería cocinarle a Denis, su marido, todas las noches. Trabajaba tanto que a veces se olvidaba de comer, algo que a mí nunca me ha pasado (ríe). Tenía prodigiosa energía. Trabajaba hasta muy tarde por la noche y demandaba que los ministros de su gabinete trabajaran en su departamento con ella. Cuando Denis llegaba le decía, “mujer tienes que darle de comer a estos hombres, y se levantaba y preparaba de comer”. Me sorprendió que las oficinas del Primer Ministro en Downing Street solamente tuvieran 60 o 70 empleados, la Casa Blanca tiene 400.

e n t r e v i s t a

J.C.: En tus últimas películas has interpretado en Mamma Mia a una mujer promiscua en las isles griegas, en Julie & Julia a una celebrada cocinera, en Doubt a una estricta monja del Bronx, Nueva York, y ahora en Iron Lady a Margaret Thatcher. ¿Cuán fácil o difícil es para tí ir de un personaje a otro cuando son tan diferentes? M.S.: En realidad tan pronto terminé Mamma Mia comencé Doubt, y terminando “Doubt” comencé Julie & Julia. En los últimos dos años y medio he hecho nueve películas. Nunca he hecho eso en mi vida. Quiero decir, ¿quién trabaja así? Pero por alguna razón todos estos grandes papeles me llegaron al mismo tiempo y sentí que tenía que hacerlos. Ahora ya terminé Great Hope Springs con Tommy Lee Jones, sobre problemas matrimoniales, que se estrenará a fin de año; y estoy preparando Mommy and Me, con Tina Fey, que se estrenará el año próximo. J.C.: Increíble. ¿Cómo encuentras tiempo para poder trabajar tanto y poder llevar al mismo tiempo una vida familiar con tu marido y tus cuatro hijos? M.S.: El problema más grande de toda mi vida ha sido cómo manejar mi tiempo. Las decisiones de mi carrera han sido tomadas en base a mantener feliz a mi familia, no aceptando trabajos en lugares lejanos, a menos que mi contrato estipule que voy a estar en casa durante un determinado tiempo. No tengo la libertad de hacer ciertas cosas, pero mi vida es más rica. Y cuando estoy en casa no voy a ningún lado. Nunca me ha gustado asistir a premières y eventos así. A veces no voy ni a los estrenos de mis propias películas, lo cual crea un problema para su publicidad. Es una lucha constante con los complejos de culpa. Pero ya ves, ahora estoy aquí promoviendo The Iron Lady. J.C.: Efectivamente, y estamos muy halagados. Muchas gracias, Meryl Streep.

radio Lunes a Viernes, 11 am

95.7 fm

Armando Almanzar Pablo Mustonen Hugo PagĂĄn RubĂŠn Peralta

p Revista Cineasta @revistacineasta revistacineasta@gmail.com

i m p r e s c i n d i b l e

PHANTOM OF THE PARADISE H ug o Pag á n Soto

i buscamos en el diccionario la definición de “película de culto” existe una alta probabilidad de que nos topemos con una imagen de la película Phantom of the Paradise. Y es que este legendario filme del director Brian De Palma constituye tanto en su forma como en su concepto el arquetipo perfecto de lo que se conoce como película de culto. De Palma logra con esta cinta sentar un precedente cinematográfico que trasciende la pantalla y se inserta de manera definitiva en la cultura popular, aun cuando ya han pasado casi 40 años desde el nacimiento de “El Fantasma”. Su marca sigue tan vigente como el primer día, siendo aclamada, admirada e incluso reverenciada. Tomando como punto de partida la leyenda de Fausto, De Palma escribe un guión que mezcla de manera magistral la leyenda con la fantasía, el horror con la comedia y el drama con el musical para obtener como resultado una historia única e irrepetible. La historia nos lleva por un delirante viaje en el cual conocemos a Swan (Paul Williams) un importante productor musical con dotes de Rey Midas pero que guarda un funesto secreto. Swan se obsesiona con la música de Winslow (William Finley) la cual cree perfecta para inaugurar “El Paraíso”, un lugar que Swan desea convertir en una especie de catedral de la música. En su incontenible deseo de hacerse 32

de las composiciones de Winslow, el poderoso magnate envía a un emisario a obtener a como dé lugar las partituras y terminan engañando a Winslow, cuando el joven músico se percata de la estafa intenta recuperar lo que le pertenece pero su aventura termina por dejarle el rostro desfigurado y el habla notablemente afectada, tras el terrible accidente Winslow se transforma en “El Fantasma” y se escabulle dentro de “El Paraíso” donde atormentará a todos hasta conseguir el reconocimiento que merece. Más que una película “El Fantasma del Paraíso” constituye una experiencia que desborda los sentidos, cautivándonos visualmente con un derroche de color y una impecable cinematografía de Larry Pizer. Pero donde realmente la marea alcanza su nivel más alto es en el aspecto musical: Paul Williams además de interpretar a un memorable Swan también nos deleita con una de las más grandes composiciones jamás hechas para película alguna, desde la apertura con el premonitorio tema de “Goodbye, Eddie, Goodbye” hasta la brillante “Somebody Super Like You” cada una de las canciones funcionan a la perfección en el engranaje de la historia. Como si se tratara de un estimulante audiovisual el filme nos embriaga, nos hace alucinar, nos hace ser parte de ese “paraíso” donde el siniestro anfitrión mueve las fichas a su antojo.

i m p r e s c i n d i b l e

Si miramos detenidamente, Swan representa una mezcla entre Fausto y El Retrato de Dorian Gray, desde el mismo momento que decide pactar con el mismo demonio para obtener la fama y la gloria, logrando también permanecer eternamente joven. Mientras Winslow es una fusión entre El Fantasma de la Opera y Frankenstein, convertido en una abominable criatura decide atormentar y destruir a todo el que ose interpretar su música. Pero el ingenio del director nos se detiene ahí, De Palma aprovecha para hacer unos guiños a algunas de la películas más emblemáticas del cine. Por ejemplo, parte de la secuencia inicial del filme cuando Philbin (George Memmoli) le está haciendo una solicitud a su jefe Swan, nos trae a la memoria la inmortal secuencia inicial de El Padrino (1972). Otra gran secuencia la vemos cerca del final del filme cuando el Fantasma entra al camerino de uno de los cantantes y lo ataca mientras este está en el baño, rememorando la imposible de olvidar secuencia de la ducha de Psycho (1960). Hasta el mítico Orson Welles recibe su pequeño homenaje en una secuencia que incluye una bomba en el baúl de un carro que nos transporta a la famosa secuencia inicial de Touch of Evil (1958). Como si se tratara de un collage de retazos de historias De Palma construye relato que desborda originalidad y atrevimiento, con unos personajes que aun sin quererlo estaban destinados a la inmortalidad. Para sumar a su irrevocable título de película de culto y en un astuto movimiento el director elige para los roles estelares a los actores Paul Williams y William Finley, el primero más destacado como compositor y el segundo logra lo que se podría definir como el rol de su vida. A ellos se suma Jessica Harper que para ese entonces era una total desconocida, interpretando a una joven cantante llamada Phoenix que juega un papel determinante en la película. Como dato curioso Harper logró el papel por encima de la famosa cantante Linda Ronstadt. Como si se tratara de una burla del destino, el filme tuvo un estreno nada halagador y fue un fracaso en la taquilla; la crítica del momento no fue muy benévola en sus comentarios pero aún así el filme logró hacerse de un espacio y poco a poco fue alcanzando el estatus de culto. El único lugar donde el filme fue bien acogido fue en la ciudad de Winnipeg en Canadá donde permaneció en las salas de cine por varios meses y el soundtrack de la película vendió más de 20,000 copias. El filme fue nominado al Oscar y al Globo de Oro en la categoría de mejor composición original lo que ayudó para impulsar el filme a nivel comercial y le dio un segundo aire.

Para Brian De Palma “Phantom of the Paradise” se convertiría en el filme del cual nunca podremos desligar su nombre, la obra que lo insertaría en los libros de historia del cine, la película que sentaría un antes y un después en su carrera. Como lo diría el propio personaje de Winslow Leach “Dream it never ends”, el “Fantasma del Paraíso” es un sueño vestido de cine que no acaba nunca, pues se queda en nuestra memorias enquistado para siempre.

Calificación: 9/10 Dirección: Brian De Palma Guión: Brian De Palma Reparto: Paul Williams, William Finley, Jessica Harper Música: Paul Williams Cinematografía: Larry Pizer Duración: 92 min.

a r t i c u l o

LA ENTREGA DEL OSCAR 2012 J O R GE C A M A R A

ollywood, CA.- Parece increíble que en sus 84 años de existencia, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que otorga el Oscar, el premio más importante y celebrado de la industria del cine norteamericano, se enfrente a los tropiezos que usualmente crea. Recordarán que el año pasado, supuestamente para atraer al público juvenil, contrataron a dos jóvenes y populares estrellas, Anne Hathaway y James Franco, como Maestros de Ceremonia. Hathaway vivaracha y sin miedo, y Franco un tanto desinteresado, lamentablemente no atrajeron, ni al público juvenil, ni críticas positivas al inevitablemente largo y tedioso programa. Esto año, la Academia, decidió aventurarse un poco más, seleccionando como anfitrión a Eddie Murphy, y como director a Brett Ratner, quien realizó, Tower Heist, la última película del cómico. La idea fue buena, pero el problema fue que Ratner, muy hablador y poco político, durante un programa de radio hizo declaraciones homofóbicas que Billy Crystal inmediatemente levantaron protestas. La crisis de relaciones públicas que esto creó para la Academia fue resuelta con la renuncia de Ratner como director del programa, a lo que Murphy dijo, “sin él no voy”, retirándose también. Así fue como Billy Crystal, que tuvo sus buenas épocas, volvió a la carga después de varios años de ausencia. Pero la cultura ha cambiado radicalmente, y que Crystal, como lo había hecho antes sin que nadie dijera nada, se pintara de negro para satirizar a Sammy Davis, Jr. levantó severas críticas. En cuanto a los premios, nadie puede negar el atractivo y encanto de The Artist, la cinta francesa que recuenta las épocas del cine mudo, pero ¿es de verdad la mejor película del año? ¿Mejor que Hugo, la producción de Martin Scorsese, mucho más completa y mejor lograda, que también hace homenaje a los comienzos del cine? No hay que olvidar que Citizen Kane perdió el año que How Green was my Valley ganó. Que Double Indemnity perdió el año que Going My Way ganó. Que

a r t i c u l o The Artist.

Hugo.

The African Queen perdió el año que The Greatest Show on Earth ganó. Que The Searchers perdió el año que Around the World in 80 Days ganó. Que Ragin’ Bull perdió el año que Ordinary People ganó. Que Goodfellas perdió el año que Dancing with Wolves ganó. Y no hay que olvidar que ni Notorious, ni North by Northwest, ni Rear Window, ni Vertigo, ni Singin’ in the Rain, fueron siquiera nominadas. ¿Necesitamos decir más? La perspectiva que da el tiempo es lo que verdaderamente decide cuáles son las mejores películas. No vamos a comparar el triunfo del francés, Jean Dujardin, como Mejor Actor por The Artist, con el vergonzoso año en que la Academia decidió que la mejor actuación masculina fue la del cómico italiano, Roberto Begnini, por La Vita e Bella. Entre paréntesis, ¿qué ha pasado con la carrera de Begnini? ¿No se supone que el Oscar lo convertiría en estrella internacional? Cuanto menos, hay que agradecer que Dujardin no pegara de gritos ni brincara sobre los asientos. El triunfo de Meryl Streep como Mejor Actriz por su encarnación de Margaret Thatcher en The Iron Lady, aunque merecido, sorprendió, ya que se esperaba que Viola Davis por The Help fuera la ganadora. Davis recibió el premio de la Liga de Actores, cuyos miembros son los mismos que votan por el Oscar, y tradicionalmente lo ganan. En realidad los actores nominan a los actores, pero en la votación final todos los miembros de la Academia participan, y ahí fue donde se efectuó la diferencia.

En cuanto a los actores de reparto: Octavia Spencer por The Help y Christopher Plummer por Beginners, su triunfo no tomó de sorpresa a nadie. A fin de cuentas, el suspenso no hizo acto de presencia en esta entrega del Oscar, que dividió sus premios más importantes entre las dos películas con mayor número de nominaciones, Hugo con 11 y The Artist con 10. Las cinco ganadas por The Artist fueron: Película, Director (Michel Hazanavicious), Actor, Fondo Musical y Vestuario; y las cinco (solamente técnicas) ganadas por Hugo: Fotografía, Dirección Artística, Edición de Sonido, Mezcla de Sonido y Efectos Visuales. Ahora, hay que reconocer que muy merecidas fueron las estatuillas de Mejor Edición para The Girl with the Dragon Tattoo, y Mejor Película Extranjera para A Separation. Esta extraordinaria producción iraní ha ganado los premios de prácticamente todos los festivales en los que ha participado. Un extraño momento durante el evento fue la presentación por parte de Tom Hanks de un personaje que por décadas ha funcionado como lo que el Oscar llama un “ocupador de asiento”. Estas son personas que toman el asiento de una estrella cuando esta se levanta para presentar o recibir un premio. Aparentemente que la cámara pueda ver asientos vacíos entre el público durante el evento es imperdonable. El número acrobático del Cirque Du Soleil fue indiscutiblemente espectacular con personajes volando asombroChristopher Plummer.

Jean Dujardin.

Roberto Benigni.

Viola Davis.

Octavia Spencer.

a r t i c u l o

samente sobre el auditorio. Pero ¿qué asociación tuvo esto con la industria del cine?, nadie ha podido aclarar. Y si el año pasado Melissa Leo, que recibió el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su trabajo en The Fighter, escandalizó a los conservadores miembros de la Academia exclamando durante su discurso de agradecimiento la prohibida palabra que en inglés comienza con la letra F, este año el culpable fue T.J. Martin, que junto a Dan Lindsay y Richard Middlemas ganó por Undefeated, en la categoría de Mejor Documental. “Antes que nada..”, dijo Martin en el cuarto de prensa, “…quiero pedir disculpas. No ha sido lo más elegante del mundo”. Pero los únicos posibles ofendidos fueron los presentes en el teatro, ya que con siete segundos de espera, la cadena ABC pudo eliminar la condenada palabra salvando así al país (o cuando menos a los estados rojos) de un serio soponcio. Pero después de todo, lo más comentado la mañana siguiente de “la noche más importante de Hollywood,” como la Academia autonombra a su evento, no fue quién ganó, o quién perdió, o la seductora pierna de Angelina Jolie, sino el escandalito causado por Sean Young, más conocida ahora por este tipo comportamiento que por sus películas. Aparentemente, Young fue arrestada públicamente después de golpear a un agente de seguridad, cuando este no le permitió la entrada a la fiesta oficial de la noche, el Baile de los Gobernadores, para el que no tenía boleto. Young inmediatamente le echó la culpa al abogado de la Academia. Hollywood será siempre Hollywood.

anto Domingo, D.N. 23 de marzo del 2012.- El reconocido actor venezolano Fernando Carrillo visitó las oficinas de la Dirección General de Cine el pasado martes 20 marzo, para reunirse con estudiantes y jóvenes amantes del séptimo arte. La actividad fue organizada por la DGCINE a solicitud del Movimiento Artístico Libre (MARLI) que es una fundación dirigida por el Sr. Celestin Corniell, radicado en New York y representada en el país por la Srta. Julissa Díaz. La misión de esta institución es contribuir con el desarrollo de jóvenes interesados en la cinematografía. Carrillo, quien se encontraba en República Dominicana grabando la película Lotoman 2.0, recibió con beneplácito la invitación a este encuentro al estilo Actor’s Studio, en el que compartió experiencias de vida y habló especialmente sobre su participación en la producción dominicana, aplaudiendo la Ley 108-10, dado que gracias a los incentivos fiscales que ofrece el artículo 34 de dicha ley, este largometraje fue posible.

Tom Hanks presenta un premio en los Oscar 2012

Mejor Película Extranjera ¨A Separation¨.

dgcine reune al Actor Venezolano FERNANDO CARRILLO con jovenes CINEASTAS DOMINICANOS

Sean Young.

Al finalizar el evento y acompañado por Roberta Bianci, Relacionadora Pública del actor y Presidenta de su Club de Fans en Italia, el artista firmó autógrafos y se tomó fotos con todos sus admiradores.

0 1 TOP DIAS E M O C S A R NEG a r t i c u l o

R UBÉN

E R ALTA

R IGAUD

Dr. Srangelove (1964). ¿Para qué sirven los clásicos? Pues por ejemplo para demostrarnos que el humor no es sólo un remedio terapéutico para el alma, sino que también puede ser un arma arrojadiza contra las injusticias y el absurdo de este mundo. En plena Guerra Fría, el bueno de Stanley Kubrick se descargó a gusto contra los políticos y militares rusos y americanos en esta delirante comedia sobre un posible fin del mundo a manos de una hipotética guerra nuclear. El sinsentido de la política mundial reducido a una grotesca caricatura, con Peter Sellers ganándose un lugar entre los grandes genios del humor. 38

Election (1999). Uno de los poderes de la comedia consiste en desfigurar la realidad hasta un extremo en el que se revela su completa absurdidad. En esta película de Alexander Payne, la frustración de un profesor (Matthew Broderick) y la desmedida ambición de una joven estudiante (Reese Witherspoon) convierten una elección al consejo escolar de un instituto en una batalla campal, en la que se dirimirán los principios éticos e (in)morales de los personajes.

Heathers (1988). Winona Ryder y Christian Slater interpretan a una pareja de enamoradizos y excéntricos adolescentes que no se andan con chiquitas a la hora de vengarse de las “chicas hermosas” de la secundaria: deciden asesinar a un grupo de las chicas más populares y terminan haciendo volar por los aires todo el colegio. Si eso no es la cúspide de la rebeldía adolescente…

Burn After Reading (2008). Los hermanos Coen han hecho de la comedia negra una de sus principales señas de identidad. La media sonrisa es su materia prima favorita, sobre todo cuando se formula a expensas de la estupidez de sus protagonistas. En Burn After Reading, el dúo de directores pone en su certera mirilla a dos instructores de gimnasio (Brad Pitt y Frances McDormand) que deciden jugar a ser espías cuando cae en sus manos, por casualidad, el diario secreto de un agente de la CIA. El lío está servido.

Very Bad Things (1998). ¿Qué tendrá Christian Slater que parece el actor idóneo para encabezar comedias negras en las que lo siniestro no aboca a la carcajada? En Very Bad Things, todo empieza en tono festivo: un grupo de amigos decide ir a Las Vegas a celebrar una despedida de soltero. Pero claro, como era de esperar, la cosa se desmadra y uno de los colegas termina asesinando a una prostituta. Pensad en The Hangover y añadidle dosis extra de irreverencia, crueldad y mal rollo.

a r t i c u l o

Dogma (1999). Después de los Monty Python, en Life of Brian o Martin Scorsese con The Last Temptation of Christ, Kevin Smith saboreó la intransigencia de los grupos religiosos norteamericanos cuando Dogma fue boicoteada por dichas organizaciones. La película está protagonizada por Ben Affleck y Matt Damon, que interpretan a un dúo de ángeles caídos que tratan de hallar un modo de acabar con su exilio perpetuo en Wisconsin. Su plan consiste en eludir el dogma que les imposibilita retornar al Cielo pasando por debajo del arco bendito de la catedral de Nueva Jersey. El problema es que dicha maniobra eliminará, a la vez, toda existencia humana.

An American Werewolf in London (1981). El título de este filme de culto dirigido por John Landis puede hacer pensar en una típica película de terror con un punto sin sentido. Sin embargo, estamos ante una comedia negra con todas las de la ley. La trama tiene como protagonista a un joven que debe cargar con su condición de licántropo a cuestas y contra su propia voluntad. Las charlas que tiene con sus víctimas son simplemente hilarantes.

The Royal Tenenbaums (2001). Wes Anderson (Rushmore Academy, The Darjeeling Limited) es uno de los grandes talentos ocultos del cine americano. Su cine, barroco y excéntrico, se haya poblado de personajes melancólicos, atormentados por traumas familiares y abocados a la neurosis. En The Tenenbaums, Anderson reúne a una familia de genios venida a menos que busca la manera de reconciliarse y curar las heridas del pasado. Ben Stiller, Owen Wilson, Bill Murray, Gene Hackman y Gwyneth Paltrow encabezan el espectacular reparto del filme.

Harold and Maude (1971). La comedia no tiene límites, rompe tabúes y se atreve a navegar por aguas turbias que escapan a los dominios de lo políticamente correcto. En Harold and Maude, un joven determinado a suicidarse termina iniciando una relación con una mujer mayor que podría ser su abuela. Más allá de lo sorprendente del planteamiento, la película es todo un ejemplo de cómo el cine puede ser inquietante y entrañable al mismo tiempo.

Bad Santa (2003). Terminamos con una dosis extra de humor salvaje, un bálsamo para todos aquellos que, en fechas navideñas, se atragantan con las almibaradas y ñoñas producciones de Hollywood. Aquí, un ladrón alcohólico, mujeriego y sinvergüenza acepta un trabajo como Santa Claus en unos grandes almacenes. Billy Bob Thornton nunca estuvo más sembrado: el papel de granuja le viene como anillo al dedo.

10 39

a r t i c u l o

Y… ¿Dónde está el Director? R u b é n P e r a lta R i g a u d

ameo. Dícese de la aparición de un personaje famoso, interpretándose a sí mismo en una obra de teatro, película o serie de televisión. La puerta la abrió en 1924 el realizador francés René Clair en su película muda Entreacto. En ella, aparece fugazmente como el compositor Erik Satie. Una curiosa costumbre que surgió en el siglo XVIII en los teatros de Londres, donde actores famosos de la época aparecían fugazmente para atraer la atención del público y llenar las salas. Y muchos directores de cine, cómo no, la han adoptado. Aquí van cinco casos paradigmáticos. La aparición de un personaje famoso sirve para levantar una serie, darle brillo a una película o lograr que un espacio de televisión gane una buena porción del bizcocho de las audiencias. Pero en el cine, muchos directores, sin nada que ganar ni que perder, tienen la costumbre de aparecer, siquiera fugazmente en sus películas. La moda la instauró Hitchcock. La primera vez fue porque necesitaba un actor y no tenía ningún extra a mano. Luego siguió haciéndolo por superstición y porque las cintas con sus cameos tenían mejor acogida. Y, al final, sus apariciones terminaron siendo un caramelito para sus seguidores, que las esperaban como agua de mayo. Y lo mejor es que el director inglés ha tenido seguidores que se matan por aparecer en sus propias películas. Y no solo en los títulos de crédito... 40

Alfred Hitchcock: primero por obligación, después por devoción. Su primer cameo, en When Boys Leave home (1927), lo protagonizó por cuestiones prácticas, ya que se requería un extra que se sentara en un despacho. Esta costumbre se convirtió en una superstición y, más tarde, en un gag obligado que dedicaba a sus fans. En North by Northwest pierde un autobús; en The Birds se cruza con Tippi Hedren en una tienda de mascotas y en Catch a Thief aparece sentado en un autobús a la izquierda de Cary Grant. Su cameo más largo fue el de Rebeca, donde

a r t i c u l o

en una secuencia de más de dos minutos espera a que George Sanders salga de una cabina de teléfono, y el más curioso aparece en Lifeboat, en un anuncio de un periódico sobre unas píldoras para la obesidad.

M. Night Shyamalan, en escena.

El director de origen chileno ha dejado su huella en tres de sus cinco películas. Y siempre con un giro ingenioso. En Tesis, su nombre y apellido aparecen en la lista de usuarios de una cámara de video que Ana Torrent encuentra en el ordenador; en Abre los ojos sale del baño de una discoteca cuando Eduardo Noriega mira su cara deformada en el espejo; y en Los Otros asusta al personal cuando Nicole Kidman mira un álbum de fotos de muertos y le descubrimos acostado entre dos jóvenes.

En Sixth Sense le reconocemos como el médico que sospecha que el niño que se tira media película viendo muertos sufre maltratos por parte de su madre; en Unbreakable Bruce Willis lo revisa en un estadio de rugby; y en Signs atropella accidentalmente a la mujer de Mel Gibson. En The Village interpreta al guarda del coto protegido en el que recala Ivy Walker para buscar medicinas; y su voz se escucha varias veces al otro lado del teléfono en The Happening. Sin embargo, en su última película, Airbender, el último guerrero, el director de origen indio no aparece por ninguna parte. Y por el mal resultado de la película, parece que tampoco por la silla de director.

Martin Scorsese, entre taxistas y gángsters.

Steven Spielberg también ha jugado a ser actor

En Taxi Driver, Martin Scorsese se reserva el papel de cliente paranoico que sube al taxi de Travis Bickle y cuatro años después, nos lo volvemos a encontrar en Raging Bull, de nuevo junto a Robert De Niro, al que avisa para que vuelva al ring. En King of the Comedy interpreta a un director de televisión y en Age of Inocence, a un fotógrafo. Cameron Díaz le roba en su casa en Gangs of New York y en Bringing Out the Dead nos topamos con él en una ambulancia que conduce Nicolas Cage. Bueno, que cuando su carrera como director y productor le vaya mal, el bueno de Martin se podría dedicar a la interpretación. (Nótese el sarcasmo).

Al oscarizado cuatro veces por la Academia de Hollywood le hemos podido ver en Back to the Future, cuando Michael J. Fox se agarra al parachoques de su coche, subido a su skateboard; en Indiana Jones and The Temple of Doom, donde aparece caracterizado como un turista en el aeropuerto; y en Schindler’s List, donde da vida a uno de los judíos liberados al final de la película. También se coló en la escena final de Jurassic Park 2: Lost World, en la que se echa encima un cubo de palomitas, al lado de Jeff Goldblum y Julianne Moore, mientras disfruta de un reportaje sobre el Tiranosaurio Rex en CNN.

Alejandro Amenábar, fan del estilo hitchcockiano.

s e

r u e d a

Br a n d o H i d a l g o

Thérèse Raquin, la novela de Émile Zola de finales del siglo XIX, también será objeto de un remake a cargo del debutante Charlie Stratton. La historia de la joven que es obligada a casarse con su primo y luego planea junto a su amante el asesinato del marido. Fue originalmente interpretada por Simone Signoret en el filme de culto de Marcel Carné (León de Plata en Venecia, 1953). Elizabeth Olsen y Glenn Close en los roles protagónicos. El excelente actor y director italiano Sergio Castellito (“Padre Pio”, “La Sonrisa de mi Madre”, “Non ti Muovere”), terminó en Bosnia, Sarajevo y Roma el rodaje de Venuto al Mondo, drama de una madre soltera que regresa a Bosnia con su hijo adolescente, cuyo padre murió durante la guerra años atrás. Penélope Cruz, a quien veremos muy pronto en el último Woody Allen, Nero Fiddled, encabeza el reparto junto a Emile Hirsch y Jane Birkin.

Claqueta final para The Silver Linings Playbook, la cinta del galardonado David O. Russell “(Three Kings”, “The Fighter”) sobre un ex-profesor que luego de pasar cuatro años en una institución mental a causa de una aguda depresión, regresa a la casa materna e intenta recomponer su vida. Con Robert De Niro, Bradley Cooper, Jennifer Lawrence y Julia Stiles. 44

Javier Bardem se une al reparto del nuevo film del agente 007 en Skyfall, actualmente en rodaje en Turquía y el Reino Unido, bajo la dirección del británico Sam Mendes (“American Beauty”, “Road to Perdition”). Daniel Craig repite por tercera vez su personaje de James Bond, acompañado por Judi Dench y Ralph Fiennes. El veteranísimo cineasta francés Alain Resnais (“Hiroshima, Mon Amour”, “El Año Pasado en Marienbad”) a punto de cumplir 90 años, completa la postproducción de “Vous N’avez Encore Rien Vu” (“No Habéis Visto Nada Aún”), revisión del mito de Orfeo y Eurídice según la pieza teatral de Jean Anouilh. Lambert Wilson, Sabine Azéma, Anny Duperey y Michel Piccoli son los intérpretes principales.

s e

r u e d a

Belén Rueda (“Los Ojos de Julia, “Mar Adentro”, “El Orfanato”), José Coronado (“No Habrá Paz para los Malvados”) y Hugo Silva (“Mentiras y Gordas”), protagonizan en Barcelona el thriller El Cuerpo, del debutante realizador catalán Oriol Paulo. Thriller en torno a la misteriosa desaparición de un cadáver de la morgue, un inspector y el viudo de la víctima que investigan el hecho. Woody Allen estrena en USA el 20 de abril su Nero Fiddled (antes llamada “The Bob Decameron”), canto de amor a Italia según cuatro viñetas separadas de dos parejas italianas y dos norteamericanas en una versión libre del Decameron de Boccaccio. El título alude a que el emperador Nerón tocaba el arpa mientras Roma ardía en llamas…Ellen Page, Penélope Cruz, Jesse Eisenberg, Roberto Benigni, Ornella Muti y el propio Allen en el reparto.

Mark Tonderai ha completado en Canadá, con un presupuesto de 7 millones de dólares, el rodaje de La Casa al Final de la Calle. Historia de terror en la que una madre (Elisabeth Shue) y su hija adolescente (Jennifer Lawrence), se mudan a una nueva ciudad, al lado de una casa en la que una jovencita acaba de asesinar a sus padres.

El francés Claude Miller (“La Pequeña Ladrona”, “Garde à Vue”) organiza la pre-producción de una nueva versión de Thérèse Desqueyroux, la novela clásica del Premio Nobel de Literatura en 1952, Claude Mauriac, que había sido llevada al cine en 1962 por Georges Franju. La excelente Audrey Tautou en el rol de la mujer infelizmente casada que intenta envenenar a su marido con arsénico. Terrence Malick, celebrado autor de The Tree of Life, con solo cinco largometrajes en casi 40 años de carrera, termina de rodar un par de películas y prepara la producción de otras dos este año, ambas con la bellísima Natalie Portman de protagonista: Lawless y Knight of Cups. Ryan Gosling, Rooney Mara, Christian Bale y Cate Blanchett en el reparto de la primera, y de nuevo Christian Bale y Cate Blanchett en la segunda. 45

a r t i c u l o

LAS PELÍCULAS MÁS ESPERADAS PARA EL 2012 R u b é n P e r a lta R i g a u d

The Great Gatsby Director: Baz Luhrmann

World War Z Director: Marc Forster

Tras la pobre recepción de Australia, Baz Luhrmann intentará regresar a los primeros planos con The Great Gatsby, basada en la novela homónima de F. Scott Fitzgerald. El filme será protagonizado por Leonardo DiCaprio, quien trabajara con Baz Luhrmann hace 16 años en la singular adaptación Romeo + Julieta. Sin embargo, debemos recordar que en ese entonces DiCaprio era una estrella juvenil en ascenso, pero actualmente se trata de uno de los actores más talentosos de su generación. Debido a esto muchos auguran que la simple presencia del actor es una garantía de éxito crítico y taquillero, aunque más vale recordar que muchos pensaban lo mismo con Nicole Kidman y Hugh Jackman en Australia.

Inspirada en la novela homónima de Max Brooks, World War Z explora los horrores de una guerra en contra de los zombies a partir de una serie de entrevistas realizadas a supervivientes alrededor del mundo. Aunque algunos puedan pensar que se trata de una historia más que no tiene nada que aportar al género, el éxito del libro fue suficiente para que las casas productoras de Leonardo DiCaprio y Brad Pitt se disputaran los derechos para realizar la adaptación. Al final Pitt obtuvo los derechos y decidió protagonizar el filme como Gerry Lane, agente de las Naciones Unidas que intentará detener la pandemia. Por si esto no fuera suficiente razón para ver el largometraje, éste será dirigido por el experimentado Marc Foster, director de Stranger than Fiction, Finding Neverland y 007 Quantum of Solace.

¿Habrá secuela? Sin posibilidad alguna. 46

¿Habrá secuela? Hace apenas unos días Brad Pitt manifestó su deseo por realizar una trilogía, aunque al tratarse del filme de zombies más caro de la historia todo dependerá de los resultados en taquilla de esta primera entrega.

a r t i c u l o

Brave Director: Mark Andrews, Brenda Chapman Luego de las críticas negativas de Cars 2, Pixar buscará reconquistar al público con Brave, primer proyecto del estudio protagonizado por un personaje femenino: la Princesa Merida. Sin embargo, esto no significa que el estudio de Luxo Jr. haya decidido seguir los pasos de Disney, pues lejos de mostrar una damisela en búsqueda de su príncipe azul, Merida deberá utilizar sus habilidades como arquera para salvar a su reino de una catástrofe. Lamentablemente, las expectativas de algunos sectores del público descendieron considerablemente luego de Cars 2, e incluso se teme que un nuevo fracaso podría representar la debacle de Pixar. Sin embargo, un estudio que dio vida a cintas como Toy Story, Finding Nemo, Wall-E y Up merece el beneficio de la duda. ¿Habrá secuela? Poco probable, pero en caso de realizarse esta llegaría en un periodo de 5 a 10 años. Skyfall Director: Sam Mendes James Bond, una de las franquicias más populares de todos los tiempos regresa con Skyfall. En esta ocasión el agente británico no sólo deberá enfrentar a un nuevo enemigo, sino que las circunstancias lo obligarán a cuestionar su lealtad hacia M. De nueva cuenta, 007 será encarnado por Daniel Craig, quien buscará consolidarse como uno de los mejores James Bond de todos los tiempos, si no el mejor. Para lograrlo contará con la compañía de Javier Bardem, Ralph Fiennes y la eterna Judi Dench, mientras que la dirección correrá a cargo de Sam Mendes, quien tendrá la oportunidad de realizar su primer blockbuster. ¿Habrá secuela? OBVIO. ¡Es James Bond! Lincoln Director: Steven Spielberg El 2011 fue un año sumamente ocupado para Steven Spielberg, quien además de trabajar en The Adventures of Tintin y War Horse,

comenzó el rodaje del drama histórico Lincoln. Originalmente el filme representaría el reencuentro de Spielberg y Liam Neeson, quienes trabajaran juntos en la ovacionada Schindler’s List. Sin embargo el actor decidió retirarse del proyecto por sus numerosos retrasos, por lo que el papel del presidente fue otorgado al multifacético Daniel Day Lewis. Aunque el histrión es famoso por sus peculiares formas de adentrarse en el personaje, la producción no ha revelado el comportamiento del actor en el set, sin embargo un par de fotos filtradas revelan un parecido impresionante con el antiguo gobernante de los Estados Unidos. ¿Habrá secuela? Con Steven Spielberg y Daniel Day Lewis haciendo equipo lo que menos importan son las secuelas, sino la cantidad de Óscares que ésta película podría obtener. De hecho, hay quienes se atreven a asegurar que el histrión tiene la nominación a Mejor Actor en en su mochila, ¿será? Prometheus Director: Ridley Scott Aunque Ridley Scott ha demostrado ser un maestro de la ciencia ficción, su última incursión al género sucedió en 1982 con Blade Runner. Por ello no podríamos estar más emocionados por esta cinta, aun cuando nadie está seguro si se trata de una pre-cuela de Alien –cruzamos los dedos– o de una historia independiente. Además de la dirección de Scott, el filme ser estelarizado por los ascendentes Michael Fassbender y Noomi Rapace, sin olvidar a la talentosa Charlize Theron, quien dará vida a la villana. De cualquier modo, estamos seguros de que los protagonistas tendrán mayores problemas que Charlize… ¿Habrá secuela? En este momento ni siquiera sabemos si el filme es una pre-cuela, pero podemos estar seguros de que el filme dará mucho de qué hablar. Django Unchained Director: Quentin Tarantino Quentin Tarantino, uno de los realizadores más ovacionados de los últimos tiempos, está de regreso a tres años del impresionante éxito de Inglorious Basterds. El papel estelar del filme será para Jamie Foxx, quien dará vida a un esclavo que logra escapar de su sádico 47

a r t i c u l o

propietario, se convierte en un temible asesino y regresa a la plantación en la que trabajaba para vengarse de su antiguo amo. Si la historia no es suficiente para atraerlos, el violento propietario de la plantación será interpretado por Leonardo DiCaprio, cuyo talento histriónico nos garantiza que su personaje podría convertirse en uno de los más odiados en la historia del cine. A esto agreguemos que Tarantino tendrá la oportunidad de trabajar nuevamente al lado de Samuel L. Jackson y Christoph Waltz, a quienes dirigiera en Pulp Fiction e Inglorious Basterds respectivamente.

arácnido. En esta ocasión la responsabilidad del proyecto recaerá en Marc Webb (500 days of Summer) y en Andrew Garfield, quienes tendrán la difícil misión de refrescar la carrera cinematográfica de Spiderman y de paso justificar las abruptas decisiones del estudio.

¿Habrá secuela? Lo dudamos seriamente, pero tampoco pensamos que la necesite.

A casi 10 años de haber concluido The Lord of the Rings, la Tierra Media está de regreso con esta pre-cuela que relata la peligrosa travesía de Bilbo Baggins hacia la cueva del dragón Smaug. Originalmente, Guillermo Del Toro sería el encargado de dar vida a esta adaptación, pero una serie de conflictos y retrasos durante la pre-producción lo obligaron a retirarse del proyecto. Su lugar fue ocupado por Peter Jackson, quien intentará levantarse del tropezón sufrido por The Lovely Bones y repetir el éxito de The Lord of the Rings. Por otro lado, la interpretación de Bilbo correrá a cargo de Martin Freeman, quien intentará dar el salto a la fama luego de que sus participaciones más recordadas sean Arthur Dent en The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy y el actor porno de Love Actually.

The Amazing Spiderman Director: Marc Webb Tras una serie de conflictos con Sam Raimi, Sony decidió cancelar la cuarta entrega de la saga arácnida para realizar un reboot de la franquicia. Esta noticia generó sentimientos encontrados en la afición, pues algunos aseguran que es demasiado pronto para reiniciar una historia que comenzó hace exactamente diez años y que fue bien protagonizada por Tobey Maguire. Sin embargo otros piensan que Raimi perdió el rumbo con la tercera entrega y que sus filmes nunca fueron capaces de hacer justicia al héroe 48

¿Habrá secuela? Por extraño que suene, ya tiene fecha de estreno: 2 de mayo del 2014. The Hobbit: An Unexpected Journey Director: Peter Jackson

a r t i c u l o

¿Habrá secuela? Aunque El Hobbit sólo es un libro, la historia fue dividida en 2 partes. La verdadera pregunta aquí es si algún día veremos una adaptación de The Silmarillion.

Tras años de planeación y de mantener a los aficionados esperando una emocionante escena postcréditos, el ambicioso crossover de Marvel Comics finalmente será una realidad. Aunque la cinta tiene lo necesario para ser un éxito abrumador, deberá superar numerosos retos si anhela convertirse en el más grande filme de superhéroes en la historia, como mejorar la calidad de las cintas individuales de cada personaje, las cuales fueron buenas a secas. Por si esto fuera poco, los aficionados esperan que la producción no conceda prioridades a ninguno de los héroes –¿alguien recordó X-Men? – y que éstos enfrenten un reto tan grande que realmente requiera la unión de los más grandes héroes del planeta. ¿Lo logrará? ¿Habrá secuela? Sin duda, la cual podría contar con la incorporación de nuevos héroes. The Dark Knight Rises Director: Christopher Nolan Tras el impresionante éxito de The Dark Knight, Christopher Nolan tendrá la difícil misión de superarse a sí mismo para el anticipado cierre de la saga gótica. Para lograrlo, el director recurrió a la legendaria Catwoman –su rol sigue siendo un misterio– y a Bane, quien alcanzó la fama tras quebrar al murciélago en el cómic Knightfall. Aunque los primeros comentarios de quienes han visto el prólogo auguran que Tom Hardy ofrecerá una brillante interpretación del poderoso villano, su participación se ha visto opacada por diversos comentarios y burlas alrededor de la incomprensible voz del personaje. A pesar de esto estamos seguros que el filme no sólo cerrará dignamente la trilogía del murciélago, sino que tiene fuertes posibilidades de convertirse en el primer filme de superhéroes nominado a un Oscar por Mejor Película. ¿Habrá secuela? Mientras Nolan asegura que no planea una cuarta entrega, los rumores señalan que Warner ya planea un reboot. Sólo nos queda cruzar los dedos para que no recurran a Joel Schumacher. 50

Promoverán cine dominicano en Rusia El Director General de Cine, Ellis Pérez, y el Embajador dominicano en Rusia, Jorge Luis Pérez A., acuerdan llevar a cabo un programa de acercamiento de la gran industria del cine que se ha desarrollado en Rusia y la naciente industria del cine que actualmente se desarrolla en la República Dominicana Santo Domingo, D.N. 20 de febrero del 2012. En reunión realizada en las nuevas oficinas de la Dirección General de Cine, los dos funcionarios acordaron llevar a cabo un programa de acciones que contempla la visita de afamadas personalidades del cine ruso, incluyendo productores, directores y actores, así como la organización de un ciclo de cine dominicano en Moscú y otro de cine ruso en Santo Domingo. También contemplaron el desarrollo de programas de capacitación, trayendo profesores rusos que hablen español, a impartir talleres y cursos en República Dominicana.

NOTICIA

The Avengers Director: Joss Whedon

Tras considerar que la actividad cinematográfica debe contribuir al desarrollo cultural del país y de su identidad, perseguirán promover relaciones con Rusia que permitan concertar acuerdos de coproducción y de creación de mercado común cinematográfico ideales para ampliar las posibilidades de ocupación de los autores, directores, guionistas, compositores, directores de fotografías, jefes montadores y de todo tipo de personal creativo, dedicados al desarrollo de la industria del cine nacional. Igualmente encaminarán esfuerzos para dar a conocer en los organismos y entidades dedicadas a la producción cinematográfica en Rusia, las amplias facilidades y ventajas que ofrece la nueva Ley de Cine del país para la filmación de películas, así como también subscribir la participación de las producciones dominicanas en los importantes festivales internacionales de cine de la Federación de Rusia, considerado por la Federación Internacional de Productores de Cine, entre los mas prestigiosos del mundo, junto con los festivales de Cannes, Berlin, San Sebastián, Venecia y Karlovi Vary, en Praga, Chejia.

e s t r e n o s

Br a n d o H i d a l g o

i n t e r n a c i o n a l e s

La Montaña Rusa es la nueva propuesta del realizador español Emilio Martínez Lázaro (Las 13 Rosas, El Otro Lado de la Cama), comedia romántica de los contratiempos de dos amigos de la adolescencia (Alberto San Juan y Ernesto Alterio) que vuelven a reencontrarse con la chica de sus sueños (Verónica Sánchez). Estreno en marzo en España.

Mark Wahlberg, Kate Beckinsale, Diego Luna, Giovanni Ribisi y Lukas Haas protagonizan el thriller Contraband, del islandés Baltasar Kormakur (101 Reykjavik, Inhale). Remake de su Opera Prima 101 Reykjavik, que interpretara Victoria Abril, un asunto de drogas ahora en Panamá, mezclado con un importante contrabando de billetes falsificados, para ayudar a su cuñado a pagar una deuda con la mafia.

Miel de Naranjas es la nueva película de Imanol Uribe (La Muerte de Mikel, El Rey Pasmado, El Viaje de Carol), con Blanca Suárez, Ángela Molina, Karra Elejalde, Bárbara Lennie y Eduard Fernández. Drama ambientado en la Andalucía de los años 50, en la que un joven soldado es destinado a un juzgado militar durante la dictadura franquista y va descubriendo las injusticias del régimen. El español Nacho Vigalondo (Los Cronocrímenes) estrena en Madrid su nueva comedia de ciencia ficción, Extraterrestre, historia de dos jóvenes que se enamoran en una noche de borracheras mientras descubren un gigantesco OVNI sobre la ciudad. Con Michelle Jenner (No Tengas Miedo), Carlos Areces y Julián Villagrán.

La veterana directora checa Agnieszka Holland (Europa, Europa, Copying Beethoven) estrena en abril en Europa In Darkness, coproducción alemana-polacacanadiense, ambientada en 1943 en la Polonia ocupada por los nazis. Drama de un grupo de judíos que trata de huir de la matanza del ghetto y se esconden en un alcantarillado.

Lluís Homar, Oriol Vila, Blanca Suárez, Marina Salas y Daniel Bruhl en los roles principales de Los Pelayos, impactante thriller de Eduard Cortés (Otros Días Vendrán). Un grupo de jóvenes con pocas perspectivas encuentran la forma de cambiar su vida radicalmente al dedicarse a desbancar casinos manipulando las ruletas… Estreno previsto en abril 2012. 51

e n t r e v i s t a

Cineasta: Tenemos entendido que eres una de las actrices mejor formadas con que cuenta el cine dominicano, ¿podrías hablarnos un poco de tu formación? Isabel: Hice teatro por primera vez con Lidia Ariza en el ICDA; estudié piano, ballet, jazz, theatre jazz y pintura. Pero luego vi a Robert De Niro en Awakenings de Penny Marshall y comprendí que la actuación era verdaderamente una profesión y un arte. También me influenció el prestar más atención a los personajes de carácter que a los principales. Dejé la universidad y me inscribí en la Escuela Nacional de Arte Dramático. Ahí conocí a quien sería mi primer profesor de actuación y mentor: Ángel Haché. Otro maestro, Reynaldo Disla, me instó a ver escuelas en el extranjero y luego de graduarme partí al Lee Strassberg Theatre Institute en la ciudad de Nueva York de donde egresé también a los dos años certificada y habiendo estudiado con Robert Castle, Geoffrey Horne, Irma Sandrey y George Loros.

ACTRIZ DOMINICANA: ISABEL POLANCO

Cineasta: ¿En qué medios has tenido la oportunidad de incursionar y cuál de ellos es tu preferido? Isabel: Siempre hice teatro, es mi primer amor. Primero de Ángel que al ser mi maestro me enseñó el método Meisner versión Layton; también trabajé con Enrique Chao, Karina Ubiñas, Franklyn Domínguez y Carlota Carretero, entre otros. Curiosamente, aunque me preparé para hacer teatro, incluso clásico y musical, por alguna razón los medios audiovisuales se abrían hacia mí. Sin dificultad alguna, surgían oportunidades en comerciales (llevo como 14 ó 15) en televisión nacional e internacional y eventualmente llegó el cine. Descubrí hace unos años algo que me gusta casi tanto como la actuación y es la docencia. Desde el 2008 imparto talleres de actuación en el Instituto de Cine de Santiago. Cineasta: Tu carrera ha sido apreciada por la crítica e incluso sabemos que has obtenido nominaciones. Háblanos un poco de ellos y de tu experiencia con directores dominicanos. Isabel: Antes de partir a NY, hice dos cortos con Víctor Ml. Ramírez: Sin Miedo y Pica como el Sol; el primero nominado al Casandra como cortometraje. Al regresar de NY, empezamos a hablar de Espejismo; se suma Frank Perozo que vino de allá expresamente para el proyecto. Hasta ahora, la película con más nominaciones a este premio. Asimismo conozco a Albert Xavier con quien colaboro en Hermafrodita que se presenta en 29 festivales alrededor del mundo, siendo agraciada en algunos de estos y también con nominaciones al Casandra. Ambas cintas fueron alabadas por la crítica y sin falsa modestia, de las mejores producciones realizadas en el país. 52

Cineasta: La crítica te ha tratado bien, ¿por qué no has tenido mayor presencia en las producciones locales? Isabel: Yo no puedo quejarme de las críticas, pues siento que soy una consentida de los críticos; yo soy por mucho más dura conmigo misma. Soy, o trato de ser, muy perfeccionista; quizás demasiado autocrítica. En mi caso particular yo prefiero el respeto de mis compañeros y los éxitos de críticas a un éxito taquillero. El primero lo disfruto yo, el segundo es para el productor. Calidad contra dinero…esto no quiere decir que no cobro por mi trabajo y ya ese viene siendo otro tema: dinero. Cineasta: Sobre el cine dominicano, ¿qué nos falta o qué nos sobra? Isabel: Ver con objetividad y honesta crítica los resultados de los filmes locales en el ámbito de realización y aceptación del público. Nos falta mucha formación, organización y sobretodo ética de integración.

e n t r e v i s t a

Eso de que los actores de teatro no sirven para cine es una leyenda urbana. En el mundo entero los grandes comediantes, actores y directores se inician allí. Aunque no creo tampoco que deba de existir un dogma de cómo debe de ser el camino del actor, pero generalmente, si en serio quieres que te tomen, tómate en serio lo que haces y prepárate. La formación en el actor le obliga a que salga de su zona de confort para experimentar y crear sin causarse a sí mismo un daño emocional. El talento crudo siempre es sobrevaluado y se convierten casi siempre en los one-hit-wonders de esta profesión.

preferidos

Cineasta: ¿Qué tienes en carpeta? Sabemos que lo último que has hecho es un corto de Albert Xavier. Actores Robert De Niro Robert De Niro Robert De Niro Leonardo DiCaprio Benicio del Toro

Actrices Cate Blanchett Juliette Binoche Angelina Jolie Tammy Blanchard Sarah Polley

Isabel: Vuelvo al teatro con mi profe Ángel, ya habiendo trabajado en el pasado con él tanto de actriz como de asistente en producción y dirección, volvemos a juntarnos como actores en un proyecto dirigido por él. También “reincido” con Albert Xavier en el cortometraje Mi Abuelo en el que también trabaja Miguel Ángel Martínez. Corto elaborado con la cooperación de Cinefondation y seleccionado para el Festival de Cannes que fue exhibido la noche de apertura de la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo en Marzo. Las ofertas siguen llegando, falta que se materialicen para poder hablar de ellas. Ya sabes lo que dicen…

Directores Tim Burton Martin Scorsese George Clooney Christopher Nolan Federico Fellini

Películas Azul (trilogía KK) Requiem for a Dream Amélie 8 1/2 Tacones Lejanos

a r t i c u l o

Pina Bausch

Lidia León

uego de presenciar el documental, el pasado mes de febrero y ser provocadas por la densidad e intensidad de Pina, un grupo de amigas, tuvimos la oportunidad de compartir en Casa Jardín la sesión de:

Mas que un documental, Una experiencia estética para vivir, Una vivencia existencial para experimentar

PINA invita a expresar ARTE CON EL CUERPO, Nos hicimos una con el tiempo. Cada quien penetró en el movimiento natural de la respiración. Inhalamos y exhalamos, todo el cuerpo se expandía y contraía. Sin control, todo fluía. Sin juicio todo se liberaba…

Despertando cada célula, nos mecíamos con espontaneidad, sin temor a la vulnerabilidad, con autenticidad… Reconociendo el caudal de vida que fluye en cada órgano, mientras más adentro, mayor el torrente, éramos uno, todo y nada. Libremente expresábamos la sabiduría del presente colectivo, el canto del cuerpo, la ingenuidad del ser. 54

Terminamos todas como una sola masa de agua, que reflejaba el OCEANO del pozo, de donde todos venimos y regresamos… así como la ola de mar que se escucha en cada caracol, sin importar la distancia. Esa noche fuimos bendecidas por una hermosa luna llena, que celebraba con nosotras un nuevo renacer. … cuantas historias pueden ser contadas sin pronunciar una sola palabra… Luego Pina, como Virginia Woolf no en “Un cuarto propio” sino en “Una danza propia”, en una búsqueda apasionada por la verdad, acepta incondicionalmente y sin juicio las experiencias de los bailarines y las transforma en piezas teatrales; en vivencias crudas y personales que despiertan no sólo al artista- ejecutor, sino al observador-interprete. La coreografía de Pina, transporta a su audiencia a esos lugares de soledad íntima donde el corazón palpita con arritmia; donde lo sublime va acompañado de una miel triste, de una melancolía provocadora y donde la honestidad va permeando toda la narrativa gestual.

a r t i c u l o

PINA

provoca, despierta, agita, ENLOQUECE…. LIBERA

S a r a h Am a l i a J o r g e L e ó n y M a . Am a l i a L e ó n

bailarines y plasmada en la fotografía deslumbrante que acompaña estas piezas. Esta filmación incluye cuatro de los montajes más famosos de Bausch. “Café Muller”, “Le Secret du Printemps”, “Vollmond” y “Kontakthof.” En adición a estas se sumaron como homenaje a la gran artista, piezas creadas por los miembros del elenco. La complementan las entrevistas a personas y bailarines que durante los años eran parte cercana al trabajo de Bausch.

l documental que Win Wenders hace en honor a la vida y trabajo de Pina Bausch captura la trayectoria de una mujer que desde niña “bailó sus sentimientos” y prefirió expresarse con movimientos.

De una factura impecable, completa, profunda y con un objetivo constante de develar la verdad… Las frases memorables expresadas por Bausch se presentan como luces fugaces, acordes que resuenan, espejos que nos reflejan…

A través del documental se evidencia cómo Pina abordaba el montaje de sus coreografías; …interpelando, cuestionando a sus bailarines sobre algún momento personal importante en sus vidas y los sentimientos que estos les generaban. A su vez, el elenco debía responder a estas interrogantes no con palabras, sino con movimientos que expresaran respuestas desde el interior, desde cada intimidad. Constantemente los invitaba a buscar más adentro, a sumergirse en mayores y menos conocidas profundidades.

“¿Qué es esta búsqueda que tenemos?

El documental se inicia con la introducción de los cuatro elementos de la naturaleza: fuego, aire, agua y tierra. Bausch era amante de las texturas, de las sensaciones, haciendo de ellas las fuentes de inspiración de sus piezas…vemos a través del film el uso de todos estos elementos, contrapuestos por el uso de espacios urbanos y campestres, captados espectacularmente por la fotografía. Cada elemento que se introduce en la filmación se transforma en un símbolo certero que apoya la filosofía y la narrativa del trabajo de Pina.

“No me interesa cómo se mueve la gente, sino lo que a la gente le conmueve. Mis obras crecen desde dentro hacia fuera” Pina Bausch

El minimalismo del vestuario, los colores, la riqueza de los espacios, la vida interna despierta y activa de los bailarines, acompañada de una técnica precisa, hace de esta entrega una pieza que transforma al auditorio. Al salir de la sala, afloran sentimientos y sensaciones como si se hubiéramos llegado de un viaje atemporal…un viaje sin destino establecido, pero con una simbología que permite al interprete crear su propia historia, penetrar en su mundo personal… fluyendo, consintiendo a que sea contada por los pasos, los movimientos de los

¿Qué andamos buscando…?” Estas palabras retumban como un eco luminoso dentro de cada espectador…

“

Pina, considerada la mejor coreógrafa del siglo por el público, críticos y algunos de sus pares, esta mujer deja un precedente en el género de la danza-teatro. Las obras de Pina Bausch no siguen una estructura narrativa ni una progresión lineal. Se construyen a partir de series de episodios. Múltiples acciones escénicas simultáneas, imágenes impactantes, la utilización de las experiencias específicas de sus bailarines, de actividades cotidianas, de textos dirigidos a menudo al público y de una gran variedad de músicas; son elementos que llevan el sello reconocible de Bausch y que han pasado a formar parte de un léxico de la danza-teatro en Europa.

”

Adolfo Vásquez Rocca.55

n o t i c i a s

MAZOLA INAUGURA XIV MUESTRA DE CINE 2012 Hugo Pagﾃ｡n Soto, Isabel Polanco, ﾃ］gel Hachﾃｩ y Albert Xavier.

Karina Larrauri.

n o t i c i a s

Félix Manuel Lora.

Leticia Tonos, Albert Xavier.

Peyi Guzmán, Ángel Haché y Armando Almánzar.

Héctor Moreta (al centro) en la Muestra. Robert Carrady, Joan Patricia Landolfi, Héctor Moreta, Félix Manuel Lora y Zumaya Cordero.

r e t r o

RETRO IX 1969 Á n g e l H a ch é

espués del “boche” que le di, mi bola de cristal comienza a portarse bien, me dice que 1969 va a ser un año muy activo para mí, que me voy a dar un banquete de películas e incluso hasta me dice los títulos que voy a ver, que voy a viajar a mi país en las vacaciones de verano donde trabajaré en una obra de teatro y participaré en una exposición colectiva de pintura, además que trabajaré como actor en una película de la Escuela de Cine de Madrid. En esta ocasión las películas, las anotaré por nacionalidades y por su gran calidad con datos muy escuetos porque es una lista un poco larga y se llevaría toda la revista. Vamos a comenzar con las películas europeas. De Francia: la obra maestra Play time del director Jacques Tati, el renombrado creador del personaje Monsieur Hulot; Au Pan Coupe de Guy Gilles; Qui Etes-Vous Polly Maggoo? de William Klein; El silencio de un Hombre de Jean Pierre Melville con Alain Delon; Judex de Georges Franju vista en la Escuela de Cine; Eva de Joseph Losey con Jeanne Moreau y Virna Lisi; Le Depart de Jerzy Skolimowski; Pickpocket la fa58

Play time

La Viaccia.

La Piscina.

Durante la filmación de ¨La piscina¨.

mosa película de Robert Bresson; La Vía Láctea del gran Luis Buñuel; Je Táime, Je Táime de Alain Resnais; Una Noche un Tren de Michel Delveaux; Las Dulces Amigas del director de la nueva ola Claude Chabrol, con su esposa Stephane Audran y Jean Louis Tringtignant ; Besos Robados de Francois Truffaut, también de ¨la nueva ola¨, con su alter ego Jean Pierre Leaud; Benjamin de Michel Deville con Catherine Deneuve, vista en mis vacaciones en Santo Domingo en una nueva modalidad de ver cine que eran los auto-cinemas; La Piscina de Jacques Deray con la pareja, en ese momento, de Alain Delon y Romy Schneider, visionada a mi regreso a Madrid; LÁtalante de Jean Vigo y Don Quijote versión francesa dirigida por el cineasta alemán Georg W. Pabst. Ahora le toca a las italianas: La Viaccia de Mauro Bolognini con Claudia Cardinale y Jean Paul Belmondo; Las Manos en el Bolsillo de Marco Bellocchio; El Grito del celebrado Michelangelo Antonioni; Mani Sulla Citta de Francesco Rosi con Rod Steiger; Divorcio a la Italiana, la fabulosa comedia de

r e t r o

Pietro Germi con Marcello Mastroianni; La aventura también de Antonioni, la mejor de una trilogía junto con La noche y El eclipse, con su musa Mónica Vitti; Break Up de Marco Ferreri, vista en Santo Domingo, también con Mastroianni y en el cine Lido pude ver una de las últimas películas de nuestra María Montez, Los Quince Bandidos, no anoté más datos, pero podría ser El Ladrón de Venecia y la menciono por la participación de nuestra gran estrella pero no porque la película fuera buena; Rocco y sus Hermanos del renombrado Luchino Visconti con Delon y la Cardinale; Roma, Ciudad Abierta la película cumbre del neorrealismo italiano dirigida por Roberto Rosellini, con la magistral Anna Magnani; El Desierto Rojo, sigue bateando Michelangelo Antonioni y por supuesto repite con Mónica Vitti; finalmente El Satiricón del genio Federico Fellini.

M el vampiro de Duseldorf.

El acorazado Potemkin. Ordet 1955

El siguiente turno es para el cine sueco, y quién más que su mejor representante, Ingmar Bergman. La primera que vi de él fue en Santo Domingo, La Hora del Lobo, en el cine Apolo, por mi afán por agarrar películas que no había visto, no importaba el cine que la pasara. Con su musa Liv Ullman como actriz principal. La segunda fue, ya en Madrid, La Vergüenza también con Ullman acompañada de Max Von Sydow y la tercera El Rostro en la televisión española. Vean hasta donde llegaba mi afán por ver películas de arte. De las inglesas pude ver: Todo un Día para Morir de Peter Collinson; The Innocents de Jack Clayton, inigualable película de terror basada en la novela de Henry James, con la extraordinaria Deborah Kerr; A las Nueve cada Noche (Our mother´s house) también de Jack Clayton, con Dirk Bogarde; El Quinteto de la Muerte de Alex Mackendrick con el insuperable Alec Guinness; el documental The War Game de Peter Watkins; Soy una Cámara de Henry Cornelius, con Julie Harris y Laurence Harvey; Oliver de Carol Reed, Joanna que me encantó, del realizador Michael Sarne; Ceremonia Secreta de Joseph Losey la cual vi en el Autocinema Naco en Santo Domingo, y en los papeles protagónicos: mi amor platónico Elizabeth Taylor, y Mia Farrow. Para terminar con las inglesas, Morgan, un Caso Clínico, de Karel Reisz con Vanessa Redgrave. Del cine del este de Europa, incluyendo Rusia, tenemos dos checas: Trenes Rigurosamente Vigilados fantástico filme de Jiri Menzel y Las Margaritas de Vera Chytilova; una yugoslava, Encontré Zíngaros Felices de Alexander Petrovic y la rusa, considerada hasta este momento, como la mejor película de la historia del cine, por supuesto me estoy refiriendo a El Acorazado

r e t r o

El nacimiento de una nación.

Potemkin de Serge Eisenstein, vista en la Escuela de Cine. De las alemanas, la clásica M el Vampiro de Duseldorf del genio del expresionismo alemán Fritz Lang, con el magnífico Peter Lorre, la otra, Liebelei de Max Ophuls. No podía faltar la extraordinaria cinta danesa Ordet, de uno de mis directores favoritos, Carl T. Dreyer. Y llegaron las españolas: Las Vegas 500 Millones de Antonio Isasi Isasmendi; España Otra Vez de Jaime Camino; La Madriguera del director español del momento, Carlos Saura, con su musa Geraldine Chaplin. De Asia solo pude ver la obra maestra Cuentos de la Luna Pálida de Kenji Mizoguchi, con la excelente Machico Kyo. De Latinoamérica vi tres películas mexicanas: Los Cuervos Están de Luto de Francisco del Villar con Silvia Pinal, quien también repitió con Luis Buñuel en Simón del Desierto y la otra cinta destacada de ese país, Tarahumara, de Luis Alcoriza con el gran actor Ignacio López Tarso. De Brasil solo pude ver Los Fusiles de Ruy Guerra. 62

Para que vean que en esta ocasión las películas de otras nacionalidades ganaron en número frente a las norteamericanas. De estas se destacaron el clásico del cine mudo, El Nacimiento de una Nación, dirigida por David W. Griffith con Lilian Gish; La Semilla del Diablo del ya conocido internacionalmente Roman Polanski, con Mia Farrow; Scarface de Howard Hawks con el gran actor Paul Muni; La Leyenda del Indomable de Stuart Rosenberg, con Paul Newman dando demostraciones de su valía como actor del Método; Código del Hampa de Don Siegel con Lee Marvin; Charly de Ralph Nelson, donde Cliff Robertson ganó el Oscar como Mejor Actor; El Nadador de Frank Perry con el extraordinario Burt Lancaster; El Incidente gran filme de Larry Peerce; El Detective, un logrado thriller de Gordon Douglas, con Frank Sinatra y Lee Remick; El Graduado de Mike Nichols que nos descubre a Dustin Hoffman también del Método, con una gran interpretación al lado de Anne Bancroft; Bullit de Peter Yates con Steve Mcqueen; Sweet Charity del gran director de musicales Bob Fosse, estelarizada por Shirley Mclaine; La Última Carta de Garson Kanin; Rachel, Rachel ahora con Paul Newman como realizador, y dirigiendo a su esposa Joanne Woodward; Larga Jornada Hacia la Noche, del dramaturgo Eugene O´Neal, dirigida por Sidney Lumet con Katharine Hepburn; Funny Girl, otro musical esta vez dirigido por William Wyler y en el cual Barbra Streissand ganó un Oscar y El Circo película muda del genial Charles Chaplin. Ahora contaré algo sobre mí. En enero de este año formé el grupo de teatro Guadalupe en el Colegio Mayor de ese nombre donde resido. En la Escuela Oficial de Cine estoy encantado con las clases de William Layton y su método de actuación heredado de su profesor Sanford Meisner, uno de los de la técnica Stanislavskiana creada en Nueva York y conocida como El Método, y quien lo introdujo en España. Por fin estoy conociendo como se prepara un actor, pero a la vez estoy descorazonado porque todavía en mayo ninguno de los que estudian dirección en la escuela me ha seleccionado para trabajar en los cortos y mediometrajes que deben realizar cada año escolar, quizás debido a mi acento. Patricio Guzmán, estudiante chileno que estaba terminando su carrera en la especialidad de dirección, necesitaba al protagonista de su película El Paraíso ortopédico, un collage sobre América Latina, con guión de él y del conocido dramaturgo Jorge Díaz, también chileno. Por invitación mía asiste a ver la obra La Granada del dramaturgo argentino Rodolfo J. Walsh, que nuestro grupo de teatro estaba montando en el colegio Guadalupe y en la que yo tenía el rol protagónico. Queda convencido de mi actuación y me asigna el papel de “ocho”, símbolo numérico representante del pobre latinoamericano. En mayo se realizó la película en

r e t r o

una semana y estaba muy contento por hacer mi primer papel en una película ¡todo un sueño! Luego en noviembre cuando estaban proyectando todos los cortos y mediometrajes realizados por los alumnos de dirección, pude verla en la Escuela Oficial de Cine y fue algo muy gratificante verme por primera vez en la pantalla, con una actuación que fue muy bien acogida al igual que la película de Patricio Guzmán. En las vacaciones en Santo Domingo tuve la oportunidad de trabajar con Rafael Villalona, recién llegado de Moscú, donde se había graduado de director dentro de las enseñanzas de Stanislavski. La obra seleccionada fue “Proceso de un hombre loco” de nuestro dramaturgo Franklin Domínguez, innovación de su grupo Nuevo Teatro que revolucionó la forma de montar una obra en mi país. También junto con mi novia Elsa Núñez participé en una exposición colectiva titulada “La ventana”.

Me trasladaba con mucho cuidado, todas las noches, al apartamento de Geo Ripley en el edificio Baquero de la calle El Conde para realizar mis cuadros, Geo era otro de los exponentes. Esto era así porque estamos viviendo en el régimen opresivo de Balaguer, quien ya había hecho desaparecer y enviado a asesinar a figuras como Henry Segarra, apresado en Dajabón, y de quien nunca se supo más; así como al miembro del MPD Jorge Puello “El Men” y a Flavio Suero, uno de los líderes estudiantiles de la UASD, que estaba luchando por conseguir el medio millón para dicha universidad. También fueron asesinados varios ex militares constitucionalistas y estudiantes izquierdistas. En Madrid muere Rámfis Trujillo, hijo del dictador, en un accidente automovilístico. En este 1969 se nos fueron Boris Karloff, Thelma Ritter (gran actriz secundaria), Robert Taylor, la inolvidable Judy Garland y los directores Leo McCarey y Josef von Sternberg.

c r í t i c a

Una separación

Lu i s B e i r o Á lva r e z

sí de simple, pero no simplista; así de cotidiana, pero no común; así de tensa, pero emotiva, transcurre esta película que ha cautivado a todas las audiencias. ¿Qué tiene “Una separación” para conmover a un público diverso?

tual que en ocasiones se interrumpe por una banda sonora que se involucra en el naufragio de los personajes que, a la deriva, luchan por lo que consideran su verdad sin aunque mientan o acepten su propia verdad como absoluta.

Primero, su argumento es una daga que rasga el sentimiento. Su argumento retrata el mundo interior del ciudadano iraní de hoy, ese que sobrevive, a duras penas, dentro de un régimen que amenaza con lanzarlo a una guerra absurda. Conflictos familiares, malas decisiones personales, egoísmos, procedimientos jurídicos pecaminosos, ineficacia de los servicios domésticos e insensibilidad ante la problemática de los semejantes nos llegan en forma de señales que desbordan las huellas del destino. Los giros argumentales, el culto al temor y al qué dirán sobresalen como espectros de impiedad. Pocas veces el engaño –que no la mentira- disfrazado de iniquidad lastimera o de falsa verdad estuvo tan delineado en una obra cinematográfica reciente. En Una separación, los secretos, las culpas fabricadas, los espejismos dibujados como abuso de género y la dinámica minimalista de cada personaje trascienden (juntos y revueltos) de la mano de un artista.

Cuarto, la fotografía no titubea y sabe despojarse del talento bisoño. Aquí hay pulcritud que no murmura, sino posa; hay encuadres que no tiemblan, sino secan; hay planos incontenibles, no infortunios. La cámara parece un extenso poema posmoderno que leemos dentro de un e-book por sus claras influencias con la dinámica del presente. Esa fotografía sabe estremecer y perdurar como fantasma furtivo.

Segundo, su guión impacta por su pericia literaria; sus parlamentos advierten las premoniciones de lo que va a ocurrir sin delaciones, de manera que el espectador siempre quede a la expectativa. El guión hace todo esto sin apartarse del día a día de una familia de clase media en medio de un conflicto que termina en un divorcio: un padre con Alzheimer, una hija sin atención, una esposa que reclama un merecido porvenir y un marido que la ama, pero le niega lo que quiere: estos son los puntos que desarrolla la historia. Ese guión está escrito con sabiduría cinematográfica y sale adelante dentro de unos personajes que constantemente cambian de colores. Sus colores son creíbles, circundantes, enigmáticos, sorprendentes y provocan sentimientos que transcurren entre la irritación, la solidaridad, la duda y la nostalgia. Tercero, la música es un ángulo desnudo a contraluz que resalta las esencias del conflicto. Es una sinfonía espiri64

Quinto, sus personajes saben respirar. Ninguno es inocente. Todos tienen sus pequeñas culpas y sus grandes frustraciones. Ninguno escapa del ruedo de la absolución. Arrastran sus pecados como reos que caminan con una enorme piedra atada a sus piernas. En los últimos años, la cinematografía de Irán ha dado muestras contundentes de su calidad. Hoy por hoy, junto a la israelita, constituye una vanguardia dentro del Medio Oriente. Películas como Nadie sabe nada de gatos persas o Las tortugas también vuelan, ambas del director Bahman Ghobadi, son piezas inolvidables que sirven de referencia cuando se habla de buen cine. Una separación se une a este grupo de obras consagradas. Película: Nader y Simin, una separación Título original: Jodaeiye Nader az Simin Dirección y guión: Asghar Farhadi País: Irán

Año: 2011 Duración: 123 min Género: Drama Interpretación: Peyman Moaadi (Nader), Leila Hatami (Simin), Sareh Bayat (Razieh), Shahab Hosseini (Hodjat), Sarina Farhadi (Termeh) Producción: Asghar Farhadi Música: Sattar Oraki Fotografía: Mahmuoud Kalari.

c i r c a

Primer largometraje en el que particip贸 Meryl Streep, en un rol secundario, en el papel de Anne Marie. Pel铆cula dirigida por Fred Zinnemann (High Noon) que tuvo once nominaciones al Oscar en 1977, ganando tres: Mejor Actor y Actriz de Reparto y Mejor Gui贸n Adaptado.