RC16 by Revista Cineasta

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Editorial

Crítica Bronson (2008)

Artículos

Películas Eróticas

María Montez: ¿Estrella o Actriz? Por los Cien Años de su Nacimiento Los Destinos del Agente 007

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Por qué Fracasa una Película en Hollywood

Director del Mes Quentin Tarantino

Actriz del mes Greta Garbo

Impresceindible Trainspotting 30 Estrenos Internacionales

Se Rueda

Retro X 54

Las 25 Mejores Balaceras de la Historia del Cine 48 Actores y Actrices Importantes que Murieron a Destiempo

Entrevista Robert Downey Jr.

Actor del mes Robert Downey Jr.

Noticias

Film Noir Ace In The Hole

Claudette Lalí: Orgullo Dominicano Cinemaforum: Un Lugar para Hablar de Cine. Cine a Nivel Universitario en RD

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n esta entrega número 16 de la revista Cineasta, Armando Almánzar nos regala un artículo sobre la carrera y ascenso en Hollywood de nuestra María Montez, con motivo del centenario de su nacimiento. Una gran cantidad de homenajes se le están brindando este año en nuestro país a la Montez: calendario del Grupo Corripio, el ciclo de cine que le dedicara la Cinemateca Dominicana, exposiciones y una obra de teatro, entre otros. La Reina del Technicolor no fue buena actriz, pero su carisma y belleza la han hecho todo un ícono de la historia del cine y, pudo haber llegado más lejos, si no hubiera muerto a tan temprana edad. En otro orden, si hay alguien que está cotizado actualmente en Hollywood es Robert Downey Jr. Su papel de Iron Man/Tony Stark lo han hecho resurgir luego de su adicción a las drogas. Y ahora orgullosamente dice: ¡Estoy limpio! Desde jóvenes hemos sido seguidores de su carrera. Su repunte nos gusta y verlo en pantalla siempre es gratificante, aunque nunca ha repetido un gran papel como el de su personificación de Chaplin. Downey Jr. es nuestro actor del mes y estuvo recientemente con Jorge Cámara a quien le concedió una interesante entrevista que no deben dejar de leer. Hugo Pagán Soto nos habla sobre uno de sus directores predilectos: Quentin Tarantino. Realizador autodidacta que con sus técnicas y vasto conocimiento del cine ha creado un nuevo estilo y cuya corta filmografía no tiene desperdicios. Rubén Peralta nos trae tres artículos bien interesantes: Su top 25 películas de tiroteos, su top 10 de películas eróticas y un artículo de fondo sobre por qué fracasa una película en Hollywood. Travelwise nos invita a conocer los destinos favoritos de James Bond y Jorge Cámara nos habla sobre la gran actriz que fue Greta Garbo. Por último agradecemos las fotos que nos envió una actriz dominicana muy consentida por Cineasta, Claudette Lalí, en su más reciente participación en una serie junto a nada más y nada menos que Sofía Vergara. Hasta la próxima edición.

Pablo Mustonen 4

Presidente Pablo Mustonen Dirección y Edición Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com.do Beatriz Asilis beatrizasilis@hotmail.com.do Brando Hidalgo brandohidalgo@gmail.com Ingrid Grullón ingridgrullon13@hotmail.com Diseño y Cuidado de Edición Samanta Sánchez Franco ssanchezf@yahoo.com Ventas Pablo Mustonen pablomustonen@cineasta.com.do José Ferreras joseferrerasl@hotmail.com 809-565-9599 (117) • 809-885-3107 Portada: Samanta Sánchez Franco Colaboradores Jorge Cámara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes Jorge Cámara Vice Presidente de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood, Armando Almánzar, Frank Félix García, Ángel Haché, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Ingrid Grullón, Brando Hidalgo, Luis Beiro, Andrés Castillo, Katherine Bautista, Oliver Oller CINEASTA Ave. 27 de Febrero No. 260, Edif. Brigitte II, apto. 203, Santo Domingo, RD. Tel. 809-565-9599 www.cineasta.com.do EDICIÓN No. 16 junio de 2012, 3000 ejemplares. Impreso en Serigraf. Cineasta es una publicación mensual, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducción parcial o total sin consentimiento de cineasta.

c r í t i c a

BRONSON (2008) H ug o Pag á n Soto

omo sucedió con muchos, yo también conocí al director danés Nicolas Winding Refn gracias a su aclamado filme Drive, el cual causó un furor tremendo en el pasado 2011 y puso a sonar el nombre de Winding Refn en cada rincón del planeta. Pero claro, ante semejante obra no podíamos quedarnos de brazos cruzados y esperar a que el joven director nos sorprendiera con algo más. Claro que no, nos vimos obligados por una fuerza mayor a hurgar en su pasado y revisar su filmografía que antes de llegar a la muy conocida Drive. Ya contaba con siete largometrajes y una película para televisión.

A nuestras manos llegó su Opera Prima Pusher del año 1996 que para no alargarnos mucho nos limitaremos a decir que es simplemente genial, un primer trabajo que desborda originalidad, talento y que nos da un claro indicio de la calidad del director. Luego esta se convertiría en la primera parte de su trilogía Pusher. Luego dimos un salto en su carrera y nos lanzamos hasta 2008 cuando el director estrena Bronson, la que sería su sexta película y la que nos llamó poderosamente la atención, tanto por su historia como por las buenas críticas que pudimos encontrar. El filme nos cuenta con una mezcla de realidad y ficción la vida de Michael Gordon Peterson, uno de los criminales más conocidos del Reino Unido y el cual con su temperamento extremadamente violento se ha forjado una reputación en todas las cárceles inglesas. Su actitud lo ha hecho pasar el mayor tiempo de su vida adulta a estar confinado en celdas en «solitario». Gracias a un promotor de peleas clandestinas, Peterson llega a obtener el seudónimo de «Charles Bronson» que con el paso del tiempo se va apoderando de su personalidad hasta convertirse en un alterego. Contado casi a manera de monólogo, el filme nos lleva por la vida de Michael Peterson desde su turbulenta infancia hasta su adultez y posterior primer encarcelamiento por un crimen que podríamos calificar de «menor». A medida que el filme avanza, vamos observando la transformación asombrosa que va sufriendo el personaje central de la historia y vamos entrando más profundo en su desquiciado cerebro hasta perdernos en los oscuros rincones de lo incomprensible. De manera magistral Tom Hardy interpreta a Michael Petersen en una actuación que podemos catalogar como soberbia y que supone un verdadero reto para cualquier 6

actor, debido a la complejidad y profundidad emocional del personaje. Hardy nos deja boquiabiertos y nos muestra un lado totalmente desconocido para nosotros, haciendo alarde de unos dotes de histrionismo que le ayudan a lograr un personaje único y que sin temor a equivocarnos consideramos que merece un lugar desde ya en los libros de cine. La fuerza interpretativa y la presencia en escena de Tom Hardy hacen de ese «Bronson» un personaje que por sí solo mueve toda la película y la maneja a su antojo. Pero claro, un caballo sin jinete no va a ningún lado y en este caso el jinete no pudo ser mejor: Winding Refn se apoya en un guión de Brock Norman Brock y co-escrito por él para llevar esta insólita historia y plasmarla de manera brillante en la pantalla. Refn nos demuestra que es un verdadero artista y que la originalidad es definitivamente una virtud de la cual puede hacer gala. Sus imágenes se deslizan en la pantalla y cobran sentido gracias a una impecable edición de Matthew Newman. El uso de la música perfectamente ajustado a la historia nos hace recordar, salvando la distancia, a aquella Obra Maestra de Kubrick, La Naranja Mecánica. La perfecta mezcla incluye obras de Wagner, Verdi y otros ritmos más modernos de música electrónica que se ajustan como un guante a cada fotograma. Nicolas Winding Refn sin dudas se anota otro punto a su favor con esta excelente obra y nos obliga a seguir escudriñando más en su carrera para seguir descubriendo que otras cosas nos puede ofrecer. Recomendamos sin reparos Bronson. Todo amante del buen cine sin dudas la disfrutará. Calificación: 8/10 Dirección: Nicolas Winding Refn Guión: Brock Norman Brock, Nicolas Winding Refn Reparto: Tom Hardy, Kelly Adams, Luing Andrews Género: Biopic - Drama Duración: 92 min País: Reino Unido

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Películas Eróticas R u b é n P e r a lta R i g a u d

os griegos utilizaban la palabra érōs para referirse al amor apasionado y al deseo sensual. Ese sentimiento también se representó a través del dios Eros. En la lengua española, el término erotismo connota y denota lo relacionado con la sexualidad, tanto en respecto al acto sexual físico como a sus proyecciones. El erotismo suele verse observado en combinación con la líbido, ya que se trata de todo aquello que proviene de la zona libídica y que está relacionado con el sexo y el amor. Sin embargo, existe una dicotomía entre el amor erótico y el amor romántico, ya que éste se ha transformado en la asociación principal del amor en general (que es altruista y, se supone, sublima la sensualidad). Hay géneros en el cine, como toda expresión artística merece de vez en cuando un repasito, y el cine erótico no podía ser menos. Esta lista la componen un buen puñado de películas que forman parte del imaginario de muchos de nosotros y que marcaron a toda una generación; una forma de entender el erotismo desde el respeto al séptimo arte, con estilo y glamour. Desde “El último tango en París”, hasta “El imperio de los sentidos” pasando por la más reciente “Shame” (que 8

según he leído tiene una fuerte carga, aun no la he visto), “Crash” e incluso “Basic Instinct”, películas inolvidables que también forman parte de la historia del cine y que en su momento fueron enormes éxitos de taquilla. Les dejo con las mejores películas eróticas de la historia del cine, según mi criterio, claro está. Espero que la lista les guste y les traiga, como a mí, grandes recuerdos y si no les trae recuerdos, les invito a que busquen estas joyas: Last Tango in Paris La maravilla de Bertolucci tiene un hueco preferente en este caliente top, como no podía ser menos. Una mañana de invierno un hombre y una muchacha se encuentran casualmente mientras visitan un apartamento de alquiler en París. La pasión se apodera de ellos y hacen el amor violentamente en el piso vacío. Cuando abandonan el edificio, se ponen de acuerdo para volver a encontrarse allí, en soledad, sin preguntarse ni siquiera sus nombres.

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Ai no korîda (El Imperio de los Sentidos) Una leyenda del cine erótico que llegó de Japón y se convirtió en un mito. Una pareja de amantes vive una historia de amor llevada hasta límites inimaginables. La pasión se ha adueñado de ellos. El sexo ha pasado a ser lo único importante de sus vidas. Las ansias de la mujer por poseer a su hombre parecen inagotables y crecen cada día más hasta llegar a confundir el placer con el dolor.

de unos chaise lounges en la playa. Su vida es tranquila y pacífica, trabaja con dedicación y escribe en su tiempo libre. Pero un día Betty entra en su vida, una joven tan bella como salvaje e impredecible. De repente, el carácter sin reglas de Betty empieza a descontrolarse. Y Zorg ve como la mujer a la que ama enferma lentamente. Decameron Pier Paolo Pasolini convierte una serie de cuentos eróticos en un clásico imperecedero.

Viena, 1957. Una mujer judía, esposa de un director de orquesta, reconoce en el portero del hotel en el que se aloja al oficial nazi que, en un campo de concentración, la había utilizado como objeto sexual en una tortuosa relación sadomasoquista.

Basada en “El Decameron” de Boccaccio. Pasolini recrea con su personal estilo los cuentos eróticos y divertidos de esta obra universal. La película empieza con el cuento de Andreuccio de Perugia que se deja convencer por unos ladrones para quitarle un rubí al cadáver de un arzobispo. Otros cuentos están dedicados a temas licenciosos. Por ejemplo, el de Masetto de Lamporecchio, un hortelano que se finge sordomudo y mentecato para entrar al servicio de las monjas de un convento y experimentar con ellas las delicias del espacio compartido.

Bitter Moon (Luna de Hiel)

Eros: La Main

Il Portiere di Notte (Portero de Noche) Otro de los grandes clásicos del cine erótico, imprescindible para los amantes del género.

La incursión en el género del siempre genial Roman Polanski. Igualmente imprescindible.

Un maravilloso mediometraje de 44 min. Sublime y altamente erótico.

Nigel y Fiona (Hugh Grant y Kristin Scott-Thomas) hacen un crucero para celebrar su séptimo aniversario de boda. A bordo conocen a la hermosa y atractiva Mimi (Emmanuelle Seigner) y a su marido Oscar (Peter Coyote), que está inválido en una silla de ruedas. Nigel empieza a sentirse atraído por Mimi, y Oscar, que se da cuenta, le propone que intente seducirla, pero antes le cuenta cómo eran las experiencias sexuales con su mujer antes de sufrir el accidente que lo dejó paralítico.

Hong Kong, 1963. Un joven sastre se enamora de la seductora Srta. Hua (Gong Li) la primera vez que toma las medidas de su sensual cuerpo. A lo largo de los años, el sastre permanece leal a ese amor sin réplica, mientras la Srta. Hua se enfrenta a tiempos difíciles.

Betty Blue

Otra de Pier Paolo Pasolini. Una mezcla de comedia y erotismo única.

Otro de los clásicos del género. Tiene dos versiones: una de 120 min y otra de 180. Narra los apasionados encuentros entre Betty, una joven mentalmente inestable y Zorg, un reparador que está escribiendo una novela. Zorg es un tipo que trabaja en Francia como encargado

Il fiore delle mille e una notte (Las mil y una noches)

Película inspirada en cuentos eróticos orientales. La historia principal trata de un inocente joven que busca a su amada, una esclava de la cual fue separado al ser víctima de un engaño. 9

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Cet obscur objet du désir

Crash

Un clásico de Luis Buñuel con dos nominaciones al Óscar. Durante un viaje en tren, de Sevilla a Madrid, el otoñal caballero Mathieu cuenta a sus compañeros de vagón la historia de sus infortunios amorosos con la bailarina Conchita. A partir de su primer encuentro, Conchita juega con la obsesión de Mathieu, haciéndolo pasar del deseo a la frustración y del amor al odio más cruento.

Una extraña película que no deja indiferente a casi nadie. Está llena de morbo y provocación. Una noche, James Ballard estrella su coche contra el de Helen y ambos son ingresados en un hospital. Lo sorprendente es que inmediatamente después del choque los dos experimentaron una extraña atracción mutua. A partir de entonces, la vida de James se precipitará hacia un mundo oscuro y prohibido, dominado por el peligro, el sexo y la muerte. 9 Songs

Basic Instinct (Bajos Instintos) Un clásico de todas estas listas. Posee algunas de las escenas eróticas más inolvidables de los últimos tiempos y un cruce de piernas memorable. Johnny Boz, antiguo cantante de rock y propietario de un night-club de San Francisco, aparece brutalmente asesinado en su cama. La última vez que se le vio estaba con su novia, Catherine Tramell, una atractiva escritora de novelas de intriga. El agente Nick Curran, que atraviesa un mal momento, pues acaba de desintoxicarse de su adicción al alcohol y a las drogas, recibe el encargo de vigilar a Catherine, principal sospechosa del crimen. Enter The Void Esta película de culto fue nominada a la Palma de Oro en Cannes. Del director Gaspar Noe. Óscar y su hermana Linda viven desde hace poco en Tokyo. Él sobrevive traficando drogas, ella trabaja como stripper en un club nocturno. Durante un forcejeo con la policía, Óscar cae herido tras un disparo. Aunque esté agonizando, su espíritu, fiel a la promesa de no abandonar a su hermana, rechaza abandonar el mundo de los vivos. Su espíritu vaga ahora por la ciudad y sus visiones son cada vez más caóticas. 10

Lisa (Margo Stilley) es una estudiante estadounidense que está pasando un año en Londres. Matt (Kieran O’Brien) la conoce en un concierto de Black Rebel Motorcycle en Brixton Academy y se enamora de ella. La película sigue el curso de la relación, jalonado por las canciones de cada uno de estos grupos a cuyos conciertos van: Black Rebel Motorcycle Club, The Von Bondies, Elbow, Primal Scream, The Dandy Warhols, Super Furry Animals, Franz Ferdinand y Michael Nyman. Entre la música y los grupos vemos a Matt y a Lisa haciendo el amor y cómo a través de esos encuentros sexuales se va desarrollando su relación, que dura hasta las navidades, cuando Lisa regresa a Estados Unidos. Shortbus Shortbus sigue la trayectoria de varios neoyorquinos cuyas tragicómicas aventuras navegan entre la sexualidad y los sentimientos. Sofia (Sook-Yin Lee) es una sexóloga que no ha tenido nunca un orgasmo; hace años que simula placer con su marido Rob (Raphael Barker). Conoce a Severin (Lindsay Beamish), una dominadora que se presta a ayudarla. Dos pacientes de Sofia, James (Paul Dawson) y su compañero Jamie (PJ DeBoy), piensan en incluir a un tercero, Seth (Jay Brannan), en su relación sexual, pero Jamie no acaba de decidirse. Todos se encuentran en “Shortbus”, un lugar fuera de lo común donde se mezcla la política, el arte y el sexo. La ciudad de Nueva York post 11 de septiembre y de los años de Bush no es un lugar donde la vida sea fácil.

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María Montez: ¿Estrella o actriz? Artículo Especial

POR LOS CIEN AÑOS DE SU NACIMIENTO Ar m a n d o A l m á n z a r

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María Montez, la Estrella

ara poder hablarles sobre María África Antonia Gracia Vidal de Santos Silas, una chica de Barahona nacida en 1912, tenemos que trazar un panorama histórico para que puedan comprender el por qué de su aparición en el Hollywood de los años 40 y su vertiginoso ascenso hacia el estrellato internacional. Estados Unidos de Norte América: antecedentes para situar a la estrella. Para cuando María Montez debuta en el cine de Hollywood en un rol de reparto en 1940, en el western de escasa importancia titulado “Boss of Bullion City”, film de Ray Taylor de apenas 61 minutos, la nación norteamericana había pasado por dos muy calamitosos períodos de su historia. Primero, el lapso turbulento y sangriento de la Ley Seca, los años de la Prohibición, que dieron como resultado una eclosión del crimen organizado y sus cruentas luchas entre pandillas rivales y frente a las fuerzas de la Ley, y la subsiguiente aparición del famoso Federal Bureau of Investigation (FBI) y luego, con inusitada fuerza, el período de la cruenta Recesión, el tremendo “crack” financiero que causó la ruina de millones y millones y la muerte por muy diversos motivos de miles de norteamericanos. O sea, que cuando alcanzamos ese mencionado año, el 1940, los ciudadanos de esa gran nación apenas empezaban a respirar un tanto aliviados por haber podido sobrepasar esas dos crisis, pero todavía con los pelos de punta y sufriendo muchos de ellos aún por las secuelas dejadas por ellas. Y, de buenas a primeras, el destino les golpea de nuevo cruelmente: se desata la Segunda Guerra Mundial, las ciudades y pueblos y campos de Norteamérica ven cómo sus jóvenes tienen que ser reclutados para luchar, apenas con un entrenamiento básico a cuestas, en lugares tan remotos como África, Europa y Asia, dando como consecuencia que a partir de ese año aciago prácticamente

no existiera un lugar de la nación donde no tuvieran que contar con un familiar muerto en combate. Es esa casi ininterrumpida sucesión de dolorosas situaciones lo que hace que Hollywood decida buscar a como diera lugar historias y personajes que alejaran de la mente de los ciudadanos norteamericanos el fantasma de la guerra, la aureola asfixiante de pesar y angustia que les arropaba. Pan y circo, decían los romanos, y los de Hollywood se encargaron, por lo menos en parte, de la segunda parte de la oferta, creando historias que llenaran de fantasía las mentes de hombres y mujeres, que le hicieran olvidar, aunque fuera por horas, la angustia vital que les arropaba. Pero, para esas historias cargadas de un escapismo calculado no podían ni siquiera pensar en actrices como Katharine Hepburn, Bette Davis, Joan Crawford, Olivia de Havilland o Vivien Leigh. Porque, aunque todas ellas eran hermosas y, sobre todo, estupendas actrices, no encajaban con ese tipo tan especial de cine que buscaba que el espectador olvidara la dolorosa vida real. Aunque excelentes, todas y cada una de ellas podían ser vistas por el norteamericano medio como “the girl next door”, o sea, que todas ellas eran hermosas pero su tipo físico es el tipo, vamos a decir, común de la mujer norteamericana. ¿Qué buscaba Hollywood y, en el caso particular que nos ocupa, la gran empresa Universal International? Pues, simple y sencillamente, una mujer que no pudiera ser tomada como “the girl next door”, como la bonita vecina del barrio, sino, precisamente, una hermosa que brillara por su exotismo, por ser, insistimos, diferente, por no parecerse a esas mencionadas “bonitas vecinas del barrio”. Y los “busca talentos” de la Universal se fijaron en Yvonne de Carlo, que en realidad era canadiense, pero del sector francófono, que no era tan común por su fí-

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sico, color algo atezado, pelo y ojos oscuros, pero que, de todos modos, hablaba el inglés como cualquier otra actriz del patio y por esa razón, aunque hizo de Princesa oriental y de bailarina árabe y un par más de roles exóticos, todavía no cumplía con las exigencias de puro y perfecto exotismo de los magnates de Universal.

María Montez, (Arabian Nights).

Y entonces alguien vio a la María Montez hablando un inglés con marcado acento extraño en el mencionado western, Boss of Bullion City y, luego de otro papel no demasiado importante en The invisible woman (1949) de Edward Strickland, aunque todavía en roles secundarios, la hicieron brasileña en That night in Río, de Irving Cummings, en 1941 y, a seguidas, fue Zuleika, hermosa y misteriosa mujer del desierto en un extraño país del medio oriente por ellos inventado. Pero la hermosa seguía a la espera del estrellato. Esos filmes eran producciones baratas, poco importantes, protagonizados por actores y actrices que tampoco eran estrellas de Hollywood, como no lo fue el siguiente, Moonlight in Hawaii, del mismo año 1941, obra de Charles Lamont, de apenas 60 minutos, donde nuestra María fue Ilani, una escultural chica hawaiana, como es natural, pero aún secundaria, aún en medio de intérpretes no muy populares como Mischa Auer y Leon Erroll. Pero ese mismo año, al fin, brilla María como estrella haciendo de hermosa y seductora tahitiana en South of Tahiti, de George Waggner, ahora flanqueada por el buenmozo Brian Donlevy y el tosco Broderick Crawford, que sí eran ya importantes en Hollywood, aunque no grandes estrellas. Y ya era, decididamente, la hermosa deseada y disputada por todos en aquella historia, y comenzaba a ser también admirada y deseada por miles primero, millones después de chicos y mayores yankis y de otras naciones. A partir de ese film y de ese mencionado año 1941, todo fue coser y cantar para la gentil barahonera. Hizo varias películas junto a John Hall, Turhan Bey y Sabú, todas de ambientes exóticos, y otras con actores de relevancia como Douglas Fairbankds Jr., y en las que figuraba

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e n t r e v i s t a

María Montez, la Actriz En resumidas cuentas, que la chica de Barahona que encandilara al mundo durante unos escasos diez años terminó su carrera en una bañera a los 39 años, y no seremos nosotros quienes nos aventuraremos a colegir sobre lo que habría sido de ella en sus años de madurez, pero, para serles sincero, no nos parece que hubiera sido un éxito. ¿Por qué razón nos aventuramos a decir tal cosa? Sencillo: porque su carrera nunca se basó en una real capacidad histriónica para caracterizar personajes de cierta profundidad sicológica, sino en una mera interpretación basada en características de los personajes exóticos escogidos expresamente para ella.

siempre en la cima del reparto, o sea, como la estrella indiscutible del grupo histriónico. En 1949 conoce a quien habría de ser su esposo, el actor francés, muy buen mozo y popular y requerido para esos días, Jean Pierre Aumont, pero, ya ese mismo año se inicia lo que habría de ser su decadencia: la Universal perdió interés en el tan resobado exotismo de la actriz y las historias y la María se fue con sus bártulos a Europa, donde hizo dos filmes en Francia, dos en Italia y otro en Alemania, pero no ya con tanta resonancia popular como las producciones de Hollywood que, al igual que hoy en día, tienen la particularidad de cubrir casi todos los rincones del globo. Su último film fue el italiano La vendetta del corsario, de 1951, dirigido por Primo Zoslio, junto a Jean Pierre y a Milly Vitale, en blanco y negro y no demasiado afortunado como cine.

En otras palabras, que María Montez fue una actriz fabricada, no una mujer nacida para ser actriz, ni tampoco una estrella que fuera superándose poco a poco por su talento como es el caso, pongamos como ejemplo, de una Marilyn Monroe que, envuelta en la leyenda de su belleza y su atractivo sensual y sus curvas, pudo probar, con el paso de los años (que, al igual que nuestra María, fueron pocos), que poseía un real talento natural. Lo de María Montez era un maquillaje especial para realzar su tipo exótico, una presencia hermosa pero hierática, una presencia atractiva pero que no podía imponerse por su capacidad histriónica sino por eso, por el magnetismo de su belleza. Hay quienes aseguran que, en sus años europeos, en especial en el film francés Portrait d’un assassin, ella pudo probar que actuaba. Desgraciadamente, no hemos podido ver esa cinta. Pero, repetimos, por lo que vimos y recordamos, ella fue toda una estrella a nivel internacional, pero no una actriz de categoría. Ángel Haché, nuestro ilustrador de CINEASTA, ha venido realizando retratos de María Montez desde 1989: Homenaje al Cine en Blanco y Negro, Mural en la escalera Nº 5 de la Ave. Mirador del Sur, la portada de agendas de Pintura Tropical de este año, en Un Siglo de Cine y en exposiciones celebradas en el Voluntariado del Museo de las Casas Reales, en el Colegio Dominicano de Artistas Plásticos, en Casa de Teatro y en nuestro primer número de la revista Cineasta.

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GRETA GARBO J O R GE C AMA R A

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ollywood, CA.- La mera mención de su nombre, y ni siquiera de su nombre completo, únicamente la palabra, Garbo, evoca entrañables recuerdos e inquietudes, una belleza impactante, un rostro que en apariencia inmutable podía reflejar aún en reposo las más encontradas emociones, una formidable presencia tan enigmática e impenetrable como conmovedora, una musa que inventó nuevos adjetivos (recordemos por ejemplo, “pisa morena, pisa con garbo” letra de la popular canción, “El Relicario”). Comparada con otras figuras del cine, la carrera de Greta Garbo duró solamente 19 años con 27 películas (dos en Suecia, una en Alemania, y 13 de ellas, mudas), pero su influencia, inspiración y el mito que su personalidad creó, todavía perduran. La menor de tres hijos, Greta Lovisa Gustafsson nace en Estocolmo, Suecia, el 19 de septiembre de 1905, hija de Karl Alfred, un limpiador de calles, cuyas delicadas facciones, casi femeninas, su hija hereda, y de Anna Lovisa, una sirvienta. Poco después de su nacimiento, la familia se muda a un edificio que ya no existe, pero que sugiere que la niñez de la futura estrella fue incómoda y poco saludable. Tímida y retraída, el interés de Greta por la actuación es evidente a muy temprana edad. A los seis años de edad solía estacionarse en la puerta de salida de uno de los teatros de Estocolmo, para escuchar a los actores ensayar obras que no podía pagar para ver. Pero el cine, siendo más barato, le permitía asistir a menudo, confesando más tarde haber sido una admiradora de Mary Pickford y sus películas. Cuando a los catorce años su padre abandona a la familia, Greta se ve obligada a trabajar, pero es su empleo en una tienda de ropa femenina el que cambiará radicalmente su futuro. Fotos de la joven modelando los sombreros y vestidos que vende, llaman la atención de Erik Petschler, un productor de comedias que le ofrece trabajo en sus producciones, oferta que ella inmediatamente acepta. En su primera película, la comedia, Luffar-Petter (Pedro, el Tramposo), escrita, producida y dirigida por Petschler y estrenada en 1922, la futura estrella, acre-

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ditada como Greta Gustafsson, luciendo una figura un tanto regordeta, se limita, como la hija de un general de regimiento, a hacer ejercicios ante la cámara. Esto, no obstante, le gana una beca en la Real Academia de Arte Teatral de Estocolmo. El afamado director sueco, Mauritz Stiller, reconoce el potencial de la incipiente actriz, y la hace abandonar sus estudios para darle el papel estelar femenino en su próxima producción, Gosta Berling Saga (La Leyenda de Gosta Berling), estrenada dos años más tarde con gran éxito. Greta hace una película más en Europa. La cinta, dirigida por G.W. Pabst y filmada en Berlín es Die Freudlose Gasse (La Calle Triste), en la que curiosamente Marlene Dietrich, quien más tarde se convertiría en su más seria rival, tiene un pequeño papel. Para entonces, Hollywood en general, y los estudios de cine más importantes de entonces, Metro-GoldwynMayer, en particular, habían demostrado interés en la joven estrella. A los diecinueve años de edad, después de un viaje de diez días en el trasatlántico Drottningholm, Greta Garbo, acompañada de Mauritz Stiller, desembarca en Nueva York el 6 de julio de 1925, durante una de las más fuertes ondas cálidas de ese verano. La leyenda internacional está a punto de dar comienzo. Prácticamente de inmediato, la actriz establece firmemente su imagen y talento, convirtiéndose en la estrella más cotizada de entonces. Garbo es vista en diez películas mudas antes de que su voz sea escuchada. Las más significativas son: The Torrent (1926) de Monta Bell, junto a Ricardo Cortez; The Temptress (1926) de Fred Niblo, junto a Antonio Moreno; Flesh and the Devil (1927) de Clarence Brown, su primera película con John Gilbert; Love (1927) de Edmund Goulding, la primera versión de Anna Karenina, también con Gilbert, papel que repetiría ocho años más tarde junto a Fredric March; y A Woman of Affairs (1929) de Clarence Brown, su tercera película con Gilbert. 19

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En lo personal, Garbo y John Gilbert habían anunciado su compromiso matrimonial, pero a la hora de la verdad, la actriz no llegó a la boda. La pareja, sin embargo, mantuvo una estrecha amistad, y años más tarde cuando la carrera de Gilbert iba en decadencia debido a que su chillante voz no se prestaba para el cine hablado, ella peleó para darle un papel en Queen Christina.

siempre quiso interpretar pero que por razones obvias nunca dio fruto, fue San Francisco de Asís.

Biografías más recientes en las que la vida privada y predilecciones sexuales de figuras famosas ya no son mantenidas en secreto, han dejado al descubierto la larga amistad de Garbo con la escritora, Mercedes D’Acosta, y supuestas aventuras amorosas con Marlene Dietrich (que ambas negaron) y Dolores Del Río.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas nominó cuatro veces a Greta Garbo como Mejor Actriz, por Romance y Anna Christie (el mismo año), Camille y Ninotchka, pero las ganadoras fueron respectivamente, Norma Shearer por The Divorcée, Louise Rainer por The Good Earth y Vivien Leigh por Gone with the Wind. En 1955 le otorgaron un Oscar honorario por “sus inolvidables actuaciones en el cine”, pero con la actitud que la caracterizaba rehusó asistir a la ceremonia, declarando que “no quería verle la cara a nadie”. La estatuilla la recibió Nancy Kelly en su nombre.

La llegada del cine sonoro no solamente no perjudicó a la actriz, sino que aumentó aún más su fama y popularidad. El personaje titular de la obra de Eugene O’Neill, Anna Christy, reveló una voz grave y profunda en perfecto acuerdo con su imagen.

Después de su retiro, Garbo guardó su privacidad con el fervor de siempre, evitando fotógrafos y prensa, aunque de vez en cuando se le podía ver caminando por los alrededores de su elegante departamento en Nueva York, escondiéndose tras enormes sombreros y lentes oscuros.

Y el cine hablado le ofrecería a Garbo los personajes que cimentarían su inmortalidad: Mata Hari (1931); Grusinskaya, la bailarina cuyo diálogo “quiero estar sola” en Gran Hotel (1932) la definiría; Margarita Gautier en Camille (1936); María Walewska, la amante de Napoleón, en Conquest (1937); y Ninotchka (1939), en la que finalmente la vimos reír a carcajadas.

La actriz se rodeó entonces de un selecto grupo de amigos íntimos que pertenecían a la alta sociedad y al jet-set, a quienes les tenía prohibido que hablaran públicamente de ella. Aquellos que se atrevieron a desobedecerla, jamás fueron perdonados.

Cuando la que sería su última película, Two Faced Woman (1941), no tiene el éxito esperado, las dudas e inseguridades que contínuamente plagaban a la actriz la llevan finalmente a retirarse del cine. Lo que es ahora sabido es que Garbo nunca intentó que su retiro fuera final, pero sus indecisiones no la ayudaron a encontrar al personaje que la regresara a la pantalla. Diversos proyectos ofrecidos a ella fueron rechazados y llevados a cabo con otras actrices: “Madame Curie” con Greer Garson, “Joan of Arc” con Ingrid Bergman, “Caesar and Cleopatra” con Vivien Leigh, “The Paradine Case” con Alida Valli, “My Cousin Rachel” con Olivia De Havilland, “I Remember Mama” con Irene Dunne. Curiosa y reveladoramente, un personaje que Garbo 20

A mediados de la década de los años 80, la salud de la estrella comienza a decaer, y el 15 de abril de 1990, a la edad de 84 años muere víctima de pulmonía y complicaciones renales. Sus cenizas son enterradas en un cementerio de Estocolmo, y su fortuna, estimada en 20 millones de dólares, es heredada por su único familiar, una sobrina suya que reside en Nueva Jersey. Afortunadamente el celuloide la mantiene viva, y entre las muchas imágenes suyas que perdurarán para siempre, hay una absolutamente impactante: la escena final de Queen Christina cuando, después de que el hombre que la reina ama es asesinado, ella regresa a España para siempre. De pie en la proa de la nave, el director, Rouben Mamoulian le indicó a la actriz que no pensara en nada y se mantuviera impávida, para que el público interpretara libremente sus emociones. Así comienza una insólita toma con un deliberadamente lento acercamiento que culmina y mantiene un extremo close-up de posiblemente el rostro más deslumbrante, embelesante y cautivante que haya producido el Séptimo Arte.

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“La gente me pregunta si fui a la escuela de cine y yo digo, “no, fui al cine””. Quentin

En el 2009 durante la filmación de Inglorious Bastards.

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El término B-Movie o Cine Clase B se acuñó en Hollywood casi a la par con el nacimiento de la industria del cine. El término se utilizó para describir aquellos filmes de bajo presupuesto, filmados con elenco de segunda y regularmente rodados en poco tiempo. Otra característica de este tipo de películas, era que con regularidad formaban parte de una doble cartelera (cuando los cines ofrecían presentaciones dobles) y a menudo no recibían ningún tipo de promoción.

uentin Jerome Tarantino nace un 27 de marzo de 1963 en Knoxville, Tenessee en los Estados Unidos. Su madre era una enfermera y su padre un actor y músico amateur; Tarantino fue criado por su madre ya que su padre se marchó de la casa antes de su nacimiento. Desde muy temprana edad tomó clases de actuación en el colegio, y con apenas 15 años decide dejar la escuela para estudiar actuación tiempo completo. Ya siendo un adolescente independiente, se muda a Nueva York donde trabajó en una tienda de renta de vídeos. Esta experiencia se convertiría en una gran influencia para su carrera. Tarantino pasaba horas muertas viendo toda la colección de películas del inventario de la pequeña tienda y así conoció todo el cine, desde las películas clase B hasta las grandes obras del cine mundial. Fue durante una fiesta en Hollywood que Tarantino conoce al productor Lawrence Bender, quien vio la capacidad de Tarantino para contar historias, y lo motiva a escribir un guión. De esta idea nace en 1987 su primer trabajo: My Best Friend’s Wedding. Fue una historia que se convirtió en un cortometraje y la cual tuvo problemas en la sala de edición debido a un fuego que terminó por destruir gran parte de los rollos de la cinta. Partiendo de ese cortometraje surge lo que sería el guión

de la película True Romance (1993), el mismo fue vendido por Tarantino al director Tony Scott por 50 mil dólares. Con este dinero financió parte de su primer largometraje. En esa misma época, Tarantino trabajó otro guión apoyándose en la idea de True Romance pero esta vez el material fue a parar a las manos del director Oliver Stone quien lo llevó al cine en Natural Born Killers. Era el año 1992 cuando Tarantino aprovechó el prestigioso festival de cine de Sundance para exhibir su Opera Prima Reservoir Dogs. El filme logró reunir un elenco fabuloso encabezado por Harvey Keitel, Michael Madsen, Steve Buscemi y Chris Penn. La película contaba la historia de un grupo de ladrones que planeaba un gran robo a un vendedor de diamantes. La película fue un éxito y los críticos la alabaron hasta el cansancio, los diálogos inteligentes y el ritmo acelerado de su narrativa de inmediato sentaron las bases para lo que sería su estilo y marca personal: con el paso de los años seríamos testigos de la depuración de este estilo. El filme contiene un estilo visual impactante, el uso de la narrativa no lineal, el excelente uso de la música, la construcción de los personajes y el toque original del director convirtieron de inmediato a Reservoir Dogs en un filme con características de película de culto. Tras el rotundo éxito de su primera película el director recibió una gran variedad de ofertas de grandes estudios de Hollywood, entre los proyectos que le llegaron a poner en el regazo se cuentan “Speed” y “Men in Black”, pero Tarantino declinó y decidió irse a Amsterdam, Holanda, donde trabajó en el guión de su siguiente largometraje. El proceso fue lento pero el siguiente paso fue gigantesco luego de dos años trabajando en su historia nace su segunda película Pulp Fiction. La misma fue toda una sensación en el Festival de Cannes del año 1994, llevándose el máximo galardón de la contienda, la preciada Palme D’Or. De paso el filme revivió la carrera de John Travolta con su papel de Vincent Vega. 23

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Con su Tiempos Violentos (nombre que recibió en español) Tarantino sentó un verdadero precedente en el mundo del cine, construyendo una obra que a todas luces posee el material para convertirse en una futura obra maestra y es sin dudas una de las mejores películas de los años 90. Como si se tratase de un fino artesano, Tarantino dibuja en la pantalla utilizando las imágenes, el sonido, los personajes y las historias cortas que se van entrelazando de una manera sublime. Siguiendo el mismo estilo que ya habíamos advertido de manera leve en su predecesora Reservoir Dogs el ingenioso director se supera a sí mismo y le regala a la audiencia una obra impecable que en su propia esencia hace una reverencia al cine. Es en esta película donde Tarantino dirige por vez primera a la actriz Uma Thurman, que a partir de ese momento se convertiría en una especie de musa para él.

Tarantino en Reservoir Dogs discutiendo con Lawrence Tierney.

Tarantino siempre toma su tiempo para hacer sus proyectos y luego de dos éxitos consecutivos entregó su tercera película, la muy subestimada Jackie Brown (1997) en la cual el director le hace un homenaje a las películas de Blaxploitation y para el personaje principal elige a Pam Grier quién fuera una de las actrices más importantes de este sub-género de películas. Esta es la única película en la cual Tarantino trabaja con un guión adaptado basándose en la novela “Rum Punch” de Elmore Leonard. El filme le valió a Robert Foster una nominación al Oscar como Mejor Actor de Reparto. No fue sino hasta 2003 cuando el director vuelve a presentar su próximo trabajo con Kill Bill, un proyecto en el cual plasmó un trabajo de diez años y el resultado final es una joya de película, pensado por el director como un gran largometraje. Los estudios forzaron para que dividiera el filme en dos, de ahí que nos quedáramos con el “Vol.1” en 2003 y el año siguiente el “Vol. 2”. En ambos capítulos de esta refinada obra, Tarantino hace alarde de su capacidad para crear personajes memorables, diálogos estupendos y montarlos sobre una narrativa ingeniosa e impecable. Para su papel protagónico, el director selecciona a su querida Uma Thurman a quien le pone el traje de “The Bride”, una ex-asesina a sueldo que se embarca en una venganza ciega contra su antiguo jefe Bill, interpretado por David Carradine. El personaje de “The Bride” se convertiría de inmediato uno de los íconos modernos del cine y la cultura popular. Con Kill Bill, Tarantino se aprovecha y logra crear la historia perfecta para hacer un homenaje a sus películas y directores favoritos de todos los tiempos. En la misma podemos ver claras referencias a las películas de Godard y Leone principalmente. Al mismo tiempo el director desarrolla su historia sobre el esquema de un western que mezcla: samuráis, duelos sacados del viejo 24

Escena de Reservoir Dogs.

De Niro y Samuel L. Jackson en una escena de “Jackie Brown”.

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oeste y una historia de venganza que bordea la locura. A nivel técnico ambas películas resultan un verdadero alarde de destreza y conocimiento de los principios cinematográficos, como si fuera un pintor trabajando sobre un lienzo. Tarantino nos impresiona con una puesta en escena que cargada de violencia que no perturba, sino más bien cautiva. Luego de esto, Tarantino colaboró con el director y amigo Robert Rodríguez. Ambos hicieron su GrindHouse, que no era más que un homenaje a todas esas películas clase B que se filmaban para los autos-cinemas y se ex-

hibían en presentaciones dobles. En esta dirige la parte de Death Proof (2007), donde una vez más plasma su marca y se divierte parodiando muchas películas de este sub-género. La experiencia de Death Proof le sirve al director para exorcizar algunos viejos demonios y de paso saca del closet todo un barraje de viejas películas que lo marcaron durante sus días de juventud en aquel viejo vídeo-club de la ciudad de Nueva York. La obsesión de Tarantino con los dobles de riesgo y de manera más específica con los conductores “a prueba de muerte” de las películas lo

Quentin Tarantino Django Unchained.

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llevan a incluir en su historia a Kurt Russell en el rol de Stunt Man Mike, un misterioso conductor para películas de acción que tiene un vehículo con el cual aterroriza a bellas chicas. Pero el director lleva su obsesión más allá al contratar para uno de los papeles principales a Zoe Bell, quien fuera la doble de riesgo de Uma Thurman en las películas de Kill Bill y lo hace primero para resaltar la capacidad y destreza de este tipo de profesionales y segundo para ponerla en el capó de un Dodge Challenger Blanco de 1970 mientras este ruge a toda velocidad. Y si se preguntan el por qué de ese vehículo en particular la respuesta es simple, es el mismo modelo del filme Vanishing Point de 1971 otro de los filmes que habitan la mente de nuestro director. En el año 2009, Tarantino entrega su trabajo más impecable Inglorious Basterds, donde cuenta la historia de un grupo de soldados que viajan a Francia con el fin de eliminar a Hitler durante la Segunda Guerra Mundial. En este filme logra dibujar unos personajes formidables que se apoyan en un guión sin fallas, una música perfecta y unas actuaciones sobresalientes, especialmente Christoph Waltz encarnando al malvado Coronel Landa en un papel para la historia y que le valió un Oscar. Una vez más, Tarantino vuelve a demostrar su capacidad para crear historias fascinantes partiendo de una idea simple, en este caso el filme se basa en la clásica historia de un grupo de hombres en una misión suicida, algo que hemos visto ciento de veces en el cine pero nunca antes de la mano de Tarantino quien le da un giro genial. Para cuando llega Inglorious Basterds, el director ha refinado sobremanera su destreza y su estilo, vemos elevado a la décima potencia todo lo que vivimos en sus anteriores trabajos, cada aspecto de esta espléndida obra está cuidado hasta el mínimo detalle lo que la hace, robusta, impresionante, apabullante. Los diálogos, los personajes, los escenarios, el manejo técnico, son todos factores que se conjugan para dar paso a un filme realmente inmaculado.

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Pero el ingenio de Tarantino no para y sus proyectos siguen. Él mismo ha expresado que piensa retirarse de las películas a la edad de 60 años, pero mientras nos seguirá deleitando con sus obras. Para este diciembre de 2012 tiene en agenda el estreno de su filme Django Unchained que cuenta con un reparto que incluye nombres como: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Christoph Waltz, entre otros. También se ha rumorado que trabaja en un guión para hacer la tercera parte de la muy popular Kill Bill aunque de esta no se conocen aún muchos detalles.

Reservoir Dogs... Es en esta película donde Tarantino dirige por vez primera a la actriz Uma Thurman que a partir de ese momento se convertiría en una especie de musa para él.

Tarantino ha utilizado su fama y su reconocimiento en el mundo del cine para proyectar muchos filmes y ayudarlos a alcanzar mayor fama, tal es el caso de películas como Hero y Hostel. Además de director también es productor y posee su propia compañía de producción llamada A Band a Part (nombre tomado de la película de Jean-Luc Godard) de igual manera en asociación con la empresa Miramax fundó la productora Rolling Thunder Pictures para re-estrenar ciertas películas antiguas que el director consideraba importantes, pero este proyecto no tuvo éxito y solo llegó a presentar unos pocos filmes.

Tanto como estar detrás de la cámara a Tarantino también le gusta estar frente a esta y ha concebido pequeños papeles que él mismo interpreta en muchas de sus películas y en otras se las ingenia para hacer al menos alguna especie de cameo. Fuera de sus películas también ha obtenido papeles en otras producciones como por ejemplo en 27

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From Dusk Till Dawn de su amigo Robert Rodríguez y en Sukiyaki Western Django de Takashi Miike. Dentro de las muchas características que definen las películas de Tarantino, podemos encontrar muchos elementos recurrentes que con el tiempo se han convertido en marcas registradas del director. Podemos destacar las tomas desde el baúl de los carros, las cuales son una constante en sus películas; también el uso de los planos secuencias en tomas sin cortes largas donde la cámara sigue los pasos de alguno de sus personajes por un largo trayecto. Es usual ver en sus películas escenas que se desarrollan en restaurantes o comedores. En todas sus películas incluye una secuencia que incorpore un “Mexican Standoff” que no es más que una escena donde dos o más personajes se apuntan con armas mutuamente. El extrovertido director siempre se ha caracterizado por seleccionar actores que no están en el mejor momento de su carrera o que ya han sido “olvidados” para interpretar papeles principales en sus películas y sus castings en ocasiones parecen atrevidos o muy fuera de lo convencional. Dentro de la lista de actores a los que Tarantino les dio el chance para una “segunda oportunidad” podemos contar a: John Travolta (Pulp Fiction), Pam Grier (Jackie Brown), David Carradine (Kill Bill), Sony Chiba (Kill Bill), Robert Foster (Jackie Brown), Lawrence Tierney (Reservoir Dogs) y Kurt Russell (Deathproof).

... siempre se ha caracterizado por seleccionar actores que no están en el mejor momento de su carrera o que ya han sido “olvidados”

Tarantino es el ejemplo perfecto de que viendo cine se puede aprender a hacer cine y tiene una frase muy famosa en la que dice: “La gente me pregunta si fui a la escuela de cine y yo digo, “no, fui al cine””. Quentin es un confeso amante del cine clásico y tiene mucha influencia de directores como Jean-Luc Godard y de Sergio Leone y como ellos de muchos otros más, de los cuales constantemente “roba” para hacer de las suyas en sus propias obras.

Sin temor a equivocarnos podemos decir que Tarantino ha aportado al cine estilo y carácter, sus películas se han convertido en referencia obligada a la hora de hablar de cine y su nombre se ha convertido ya en un adjetivo que con frecuencia se utiliza para definir determinadas situaciones en las películas. En una época donde la creatividad parece una especia en extinción, Tarantino se destaca por ofrecer al público dosis elevadas de una creatividad que nunca deja de asombrarnos. 28

Escena de “Inglorious Basterds”

Tarantino y Waltz en Los Oscar. Robert Foster (Jackie Brown)

John Travolta (Pulp Fiction)

Kurt Russell (Deathproof).

David Carradine (Kill Bill),

Lawrence Tierney (Reservoir Dogs)

Pam Grier (Jackie Brown)

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TRAINSPOTTING F r a n k F é l i x G a rc í a

esde que nacemos hasta que morimos, la vida es un camino lleno de decisiones a tomar. Debemos elegir los amigos, la carrera universitaria, con quién reproducirnos, qué colores usar al vestir, creencias espirituales, marcas de preservativos, fecha para irse de vacaciones, elegir la vida, nombre para los hijos, y hasta nombre para las mascotas…

-Yo elegí no elegir la vida, y la razón es… ¡no hay razones! ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?

¿Qué sucedería si abandonáramos esta tendencia a elegir?

La palabra trainspotting, según algunos, se refiere al acto de quedarse mirando el tren pasar cuando no se tiene algo mejor que hacer, también se le llama así al papel tapiz con dibujos de trenes.

-Yo elegí no elegir la vida, y la razón es… ¡no hay razones! ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?

¿Qué sucedería si en vez de cumplir fielmente con el papel que la sociedad ha preparado para nosotros, nos arriesgáramos a interpretar un papel totalmente diferente? Mark Renton es el personaje principal de esta película y decidió no elegir la vida, se negó a llevar una existencia convencional y asfixiante. Y si preguntan cuál fue su razón para dicha elección, aquí les dejo su respuesta:

Trainspotting es una película escocesa del 1996, dirigida por Danny Boyle y basada en la novela homónima escrita por el grandioso Irvine Welsh quien además de haber realizado el guión para el film junto con John Hodge, tiene un pequeño papel en la misma.

Durante 90 minutos, este largometraje narra con un excelente espíritu irreverente, la historia de un grupo de amigos de Edimburgo: Renton, Spud, Sick boy, Tommy, y Begbie. La primera escena se adueña de la pantalla con la canción “Lust for life” de Iggy Pop mientras vemos a Renton y a su amigo Spud correr a gran velocidad perseguidos por guardias de seguridad. De entrada Renton nos informa que a diferencia de la gente que eligió vivir de acuerdo a los moldes esta-

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blecidos por la sociedad, el ha elegido vivir como un heroinómano. Renton es interpretado por Ewan McGregor, quien sin duda alguna se adueñó del personaje y logró en cada escena, en cada diálogo, y en cada imagen, convencernos de los ideales del personaje y hacernos parte de ellos. Al unir la fantástica dirección de Danny Boyle, el guión del mismísimo Irvine Welsh, la música de culto de Iggy Pop con la excelente actuación de Ewan McGregor, es prácticamente imposible no quedar prisionero de este film de principio a fin.

...aprendemos a elegir la heroína junto a él, luego nos levantamos y aprendemos a dejar todo atrás con el...

Esta película es explícita, cruda e inspiradora, tiene un poder sorprendente para hacernos vivir cada etapa en la evolución de sus personajes. Empezamos rebeldes como ellos, adictos a la heroína como ellos, luego intentamos dejarla y sufrimos en carne viva los azotes de la abstinencia, y así cambiamos de ciudad y nos adentramos en una aventura final.

Renton es de principio a fin nuestro perfecto guía: aprendemos a elegir la heroína junto a él, luego nos levantamos y aprendemos a dejar todo atrás con el, admitimos que somos malas personas, pero con un deseo inherente de elegir la vida y todas las pequeñas cosas que mantienen vivo a la mayoría de los mortales. Firmes y adelante empezamos a caminar junto a él por un mundo que a pesar de todo no es tan malo como parece. Y es que esa es la misión del ser humano: andar siempre mirando al frente, luchando y luchando hasta que la muerte nos atrape…

Director: Danny Boyle Intérpretes: Ewan McGregor, Ewen Bremner, Jonny Lee Miller Duración: 94 minutos Género: Drama País: Reino Unido Año: 1996

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POR QUÉ FRACASA UNA PELÍCULA EN HOLLYWOOD R u b é n P e r a lta R i g a u d The Alamo.

uestra historia comienza en 1919, cuando cuatro estrellas del cine (Charles Chaplin, entre otras) fundaron United Artists, estudio que pretendía proteger a los “verdaderos artistas” de Hollywood. Medio siglo después, UA apostaba por jóvenes como Sylvester Stallone o Woody Allen y tenía franquicias como The Pink Panther o James Bond y se arriesgaba con Midnight Cowboy o Last Tango in Paris. Quizá por eso la compañía produjo en 1980 Heaven’s Gate de Michael Cimino (el niño mimado, gracias a The Deer Hunter, de Hollywood). Pero, creyéndose todopoderoso, el director enloqueció, y Heaven’s Gate se convirtió en pasadizo al infierno: absurdos planes de rodaje, denuncias por maltrato a animales y un presupuesto desbocado, no presagiaban nada bueno, y las peores perspectivas se quedaron cortas cuando los críticos vieron las cuatro horas de película con opiniones devastadoras. Tras invertir cuarenta y cuatro millones de dólares, Heaven’s Gate recaudó tres millones de dóla32

res y United Artists, en bancarrota, fue absorbida por MGM. Un triste y ejemplar The End. Volvamos al 2012. Hace unas semanas, Disney estrenó John Carter, dirigida por Andrew Stanton (Wall-E y Finding Nemo), basada en textos de Edgar Rice Burroughs y con el respaldo de Pixar (que, hasta ahora, no sabía lo que era un fracaso). Este cruce de Avatar, Flash Gordon y Star Wars: The Phantom Menace costó trescientos millones de dólares. Sus efectos especiales, la fortuna destinada a publicidad (más de setenta y cinco millones de dólares) y el superior costo de las entradas en 3D, hacían augurar un éxito, pero la realidad es otra: Con solo ochenta millones de dólares recaudados en EEUU y ciento treinta y cinco millones en el mundo, el Estudio anuncia pérdidas de casi ciento cincuenta millones de dólares. ¿Se repetirá la historia de United Artists? Claro que no. El músculo financiero de Disney es grande, y el pre-

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visible éxito de The Avengers (que reúne a Thor, Iron Man y Hulk) y Brave (animación de Pixar, triunfo seguro) saneará las cuentas. Pero el descalabro es una clara advertencia. En el cine, como en tantas otras cosas, no hay nada seguro. Fichen, por ejemplo, a Geena Davis tras Thelma y Louise, a un director como Renny Harlin, autor de triunfales entregas de Pesadilla en Nightmare on Elm Street y Die Hard, capaz de arrasar con Cliffhanger y marido de la propia Davis. Y usen un guión de los que llenan las salas, lleno de chistes, aventuras y piratas. ¿Apostarían?

“Que tu ego no extienda cheques que tu bolsillo no pueda pagar”

No lo hagan. En 1995, Cutthroat Island se convirtió, según el Libro Guinness de los Récords, en el mayor fiasco (o flop, como se dice en Hollywood) de todos los tiempos. Costó setenta y cuatro millones de dólares, recaudó siete millones y, al final, las únicas cabezas cortadas fueron las de Davis (nunca recuperó su estatus) y Harlin. También, claro, las de los dueños de Carolco, Mario Kassar y Andrew Vajna, que tras éxitos del calibre de Terminator 2, Basic Intistinct o los tres primeros Rambo, cerraron. Tampoco ayudó Showgirls, un thriller erótico del mismo autor de Basic Intistinct, Paul Verhoeven. ¿Es que acaso no era buena (y morbosa) idea mostrar a Elizabeth Berkley, protagonista de la exitosa serie infantil Saved by the Bell, desnuda durante casi todo el metraje? Pues no. Showgirls les hizo perder otros cuarenta millones de dólares. ¿Dónde nacen los fracasos? Depende. Como ha pasado con John Carter, muchas veces el origen son unos brutales gastos de producción. Ya lo decían en Top Gun: “Que tu ego no extienda cheques que tu bolsillo no pueda pagar”, cuento que más de un egocéntrico magnate debería haberse aplicado.

dinero de las entradas ha de repartirse con los cines. A los gastos de producción hay que sumarles los de publicidad y marketing. Y más vale ahorrar, tarde o temprano, como el iceberg de (la exitosa) Titanic, el fracaso llegará y hará zozobrar el barco. Quien esté libre de un fracaso, que tire la primera piedra. Que se lo digan a Steven Spielberg, cuya carrera peligró tras la fallida 1941 (1979) y que, después, triunfó con Indiana Jones y E.T. Menos suerte tuvo Kevin Costner, que solo pudo dirigir una película tras The Postman (1997); o Terry Gilliam, un imprescindible en este tipo de listas, que se estrelló con The Adventures of Barón Munchausen y hasta tiene una película sin terminar: The man who killed Don Quixote. Los 5 fracasos más conocidos en el cine de Hollywood Dicen que el que no arriesga, no gana. Sin embargo, si se apuesta demasiado y se pierde, la caída del valiente (o del idiota) puede ser monumental. Disney hace unas semanas acaba de admitir que su ambiciosísima película John Carter es un gigantesco fracaso financiero. Con un presupuesto de US$300 millones y una inversión de más de US$100 millones en publicidad, el emporio de la fantasía indicó que proyecta pérdidas de US$200 millones. De confirmarse el pronóstico, la cinta sobre las aventuras marcianas de un soldado estadounidense que es erróneamente transportado al planeta rojo se convertiría en el mayor fracaso taquillero de la historia del cine. Sin embargo, este filme no es el primero en tirarse de cabeza a una piscina tan honda como vacía. Con ustedes, los cinco desastres monetarios más monumentales del séptimo arte. 5. Mars Need Moms (2011)

A Martin Bregman, por ejemplo, no le sirvió de nada haber representado a Al Pacino, Woody Allen o Barbra Streisand, y se dejó buena parte de su fortuna en Pluto Nash, horrible comedia de ciento cincuenta millones de dólares y una recaudación de solo cinco millones. Hasta Eddie Murphy se negó a promocionarla por su escasa calidad, ¿cómo pretendían que alguien pagara por verla? En Hollywood, la fórmula es clara. Para ser rentable, una película ha de recaudar el doble de lo que ha costado. El

Ni este gigantesco desastre de taquilla hizo que Disney comprenda una 33

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lección: No hacer más películas que tengan como escenario a Marte. Tal como hoy repite con John Carter, en 2011 el imperio de Mickey Mouse perdió varios millones. En esta cinta de animación se invirtieron US$175 millones y solo se recaudaron US$38 millones. Cuando fue estrenada, las pérdidas ascendieron a US$136 millones, lo que (por la inflación) actualmente equivale a casi US$141MM. La cinta que relata las peripecias de un niño cuya madre es llevada al cuarto planeta del Sistema Solar además produjo una reacción en cadena que miles de fanáticos lamentan. Gracias al fracaso se canceló el proyecto de presentar en 3D Yellow Submarine, la emblemática película animada de 1968 que tiene a los Beatles como protagonistas. Ahora esta solo se presentará en DVD y Blu-Ray.

Sahara US$5 millones por daños y perjuicios y cerca de US$14 millones en honorarios legales. 3. Pluto Nash (2002)

4. Sahara (2005)

Desértico, desolado, abandonado. Así es el Sahara y así probablemente estuvieron las salas de cine cuando se presentó esta película protagonizada por Matthew McCounaghey y Penélope Cruz, quienes tras el filme comenzaron un romance que, como su película, no resultó. La cinta de acción, comedia y aventuras tuvo un presupuesto total de US$ 241 millones, pero solo recuperó US$119 millones. Esto se tradujo en pérdidas de casi US$ 122 millones, las que hoy ascenderían a US$144 millones. Por si no fuera poco, también acarreó problemas legales para su productor, Phillip Anschutz, quien fue denunciado por Clive Cussler, el escritor de la novela en la que se basa el filme. Este dijo que Anshutz no consultó con él para hacer el guión. Mientras tanto, el productor dijo que el comportamiento del escritor tuvo mucho que ver en el desastre financiero de la cinta. Finalmente a Cussler se le volteó la tortilla y un juez ordenó que le pague al ejecutivo de

Probablemente los cineastas deberían darse cuenta que rodar grande epopeyas interplanetarias no es necesariamente un buen nego-cio, no todos somos George Lucas ni tenemos un Star Wars bajo el brazo. Pues, esto es lo que le pasó a Warner Bros, la cual en 2002 se estrelló más que fuerte con esta cinta protagonizada por Eddie Murphy. La cuestión va así. Es el año 2087 y Pluto Nash es el dueño de la discoteca más “in” de toda la luna. Sin embargo, cuando se niega a venderle su club al capo de la mafia, este amenazará con destruirlo. ¿Te suena interesante? Sea como sea, para el público el argumento no resultó para nada atractivo. El filme en el que se invirtió US$120 millones recaudó solo US$7 millones, lo que se traduce en pérdidas netas de cerca de US$121 millones. Esto equivale actualmente a US$144 millones.

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2. The Alamo (2004) Esta ambiciosa historia épica basada en hechos reales pretendía enaltecer nuevamente al “western”. Sin embargo, lo único que terminó consiguiendo fue una mención en la lista de las películas menos afortunadas de la historia. La cinta, protagonizada por Dennis Quaid y Billy Bob Thornton, cuenta una de las más trascendentales batallas de la historia del proceso de expansión de Estados Unidos de América. En ella, el ejército mexicano se enfrenta a 200 tejanos que defendieron durante 13 días el fuerte de El Álamo. El filme contó con un presupuesto de US$145 millones, pero solo recuperó cerca de US$26 millones, lo que supuso pérdidas de más de US$119 millones. Actualmente ese monto equivale a más de US$146 millones. 1. Cuttthroat Island (1995) Y por fin llegamos al final de esta lista del desastre. Probablemente jamás hayas escuchado de este filme. Que no te sorprenda, no por gusto es por ahora (y hasta que se cumplan los pronósticos y John Carter la supere) el más grande

fracaso fílmico de la larguísima historia de Hollywood. Pues parece que la cosa partió mal desde el inicio. Y es que Geena Davis puede ser una buena actriz, ¿pero acaso se imaginan a la protagonista de Thelma y Louise como una pirata? Pues la señorita interpretó a Morgan Adams, la hija de un capitán pirata en esta pieza tristemente célebre. La mujer se hará capitana del navío de su padre tras su muerte, lo que provoca protestas en la tripulación. Luego, los piratas se embarcan en una búsqueda del tesoro que llevará a que Morgan se enfrente a su propio tío; Perro Adams. ¿Los resultados de esta aventura en altamar? Desastrosos. Con un presupuesto estimado en US$115 millones y una recaudación de menos de US$19 millones, las pérdidas ascendieron a nada más y nada menos que US$ 96,482,678, lo que hoy equivale a US$ 147,157,681.

e s t r e n o s

Br a n d o H i d a l g o

Una brigada especial compuesta por cinco agentes de la policía sevillana, denominada Grupo 7, tiene como misión reducir la criminalidad a cualquier precio y acabar con la droga, previo a la celebración de la famosa Expo-Sevilla ’92. Mario Casas, Antonio De La Torre e Inma Cuesta (nominada al Goya por La Voz Dormida), dirigidos por Alberto Rodríguez (7 Vírgenes).

En Madrid 1987, Ángela (María Valverde), una joven y bella estudiante de periodismo, acude a una entrevista con el veterano redactor Miguel (José Sacristán), afamado y temido por su implacable cinismo, quien en medio del debate intelectual intentará seducirla. Guión y dirección de David Trueba (Soldados de Salamina).

Las Nieves del Kilimanjaro es un nuevo drama social del multipremiado cineasta francés Robert Guediguian (Marius y Jeannette, La Ciudad está Tranquila), premio del Jurado en el pasado Festival de Valladolid. Un matrimonio ejemplar en un pequeño pueblo de Marsella deberá luchar para no sucumbir tras quedarse sin trabajo el marido y ser víctimas de un atraco a mano armada. Arianne Ascaride y Jean-Pierre Darroussin en los personajes principales.

i n t e r n a c i o n a l e s

Wilaya es el cuarto largometraje del valenciano Pedro Pérez Rosado (Agua con Sal; La Mala), presentado con críticas muy favorables en el pasado festival de Berlín 2012. Film de ficción con características de documental etnográfico, narra el regreso de una joven española de origen saharaui a los campamentos de refugiados en el desierto del suroeste sahariano tras la muerte de su madre.

Verónica Echegui (Yo Soy la Juani), una guapa no vidente de 29 años obsesionada por ser madre, rompe con su novio al descubrir que éste no puede dejarla embarazada, lanzándose a la búsqueda de un espermatozoide ideal sin necesidad de enamorarse ni de involucrarse sentimentalmente. Seis Puntos sobre Emma es la Ópera Prima del celebrado guionista español Roberto Pérez Toledo. Monsieur Lazhar es una producción canadiense dirigida por Philippe Falardeau, nominada al Oscar 2012 como Mejor Película Extranjera. El experimentado profesor de origen argelino Bachir Lazhar es contratado como sustituto por una escuela primaria en Montreal, donde tendrá que aplicar toda su experiencia y particular carisma para sacar adelante el curso. 37

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Los Destinos del Agente 007 H ug o Pag á n Soto

i tuviéramos que elegir un agente de viajes que nos llevara por los lugares más exóticos del planeta Tierra, no sería mala idea consultar con el legendario agente James Bond. Sirviendo siempre bajo los mandatos de la Reina, las aventuras del 007 lo han llevado a recorrer el mundo entero y a conocer los lugares más fascinantes que la mente humana pueda imaginar. Desde las tierras templadas del norte, pasando por el Medio Oriente, el lejano Oriente y hasta las agradables tierras caribeñas con sus playas de revistas, James Bond tiene más millas de vuelo que un piloto comercial. De seguro que si nuestro querido Bond pierde su trabajo en el MI:6 o se ve forzado a retirarse, tiene un futuro asegurado como consultor en materia de viajes. Gracias a su amplia experiencia en la materia, estamos confiados que esta es una tarea que le vendrá como anillo al dedo. Ahora veamos algunos de los destinos que Bond se conoce como la palma de su mano: 38

JAMAICA Dr. No (1962) / Live and Let Die (1973) La clave: Una de las más paradisíacas islas del Caribe Mayor sirve de telón para más de una de las aventuras de Bond, pero más importante, es el escenario donde el agente ve por vez primera la luz, con Sean Connery en el papel de Bond. Aunque por los malvados planes del Dr. No, el 007 no puede disfrutar de las maravillosas playas de Jamaica ni explorar sus impresionantes cascadas si le queda chance para conocer a la bella Ursula Andress. VENECIA, ITALIA From Russia with Love (1963) / Casino Royale (2006)

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La clave: El destino que es sinónimo inequívoco del amor y del glamour, Venecia es un destino codiciado del cual James Bond ha sido huésped en más de una ocasión y es que nuestro héroe además de un intrépido súper-espía es también todo un donjuan que no escatima recursos para complacer a sus compañeras. Una de las escenas más impresionantes de los filmes de Bond es la secuencia final de Casino Royale en los canales de Venecia.

su lugar; pero si le interesan las compras pues aquí encontrará donde realizarlas. Lamentablemente el 007 no tiene tiempo para esas cosas; su lujosa suite de hotel en Miami permanece intacta mientras él se ocupa de salvar el mundo de un ataque nuclear en Thunderball.

NASSAU, BAHAMAS License to Kill (1989) / Casino Royale (2006)

La clave: La ciudad pecado es otro de los destinos más solicitados de los Estados Unidos, su inmensos casinos y fascinantes hoteles le han dado a Las Vegas prestigio a nivel mundial. En “Diamonds are Forever” Bond le sigue la pista a una red de traficantes de diamantes y sus pistas terminan llevándolo a la ciudad de Las Vegas donde se enfrentará a su archirrival Ernst Stavro Blofeld.

La clave: Las Bahamas es uno de los destinos más atractivos del Caribe por sus exuberantes playas y lujosos hoteles, su clima y la cantidad de cayos e islotes que constituyen las Bahamas, es un destino perfecto para disfrutar en familia. ISLANDIA Die Another Day (2002) La clave: Cuando el agente 007 viaja a alguna parte lo hace con estilo y su viaje a la indomable Islandia no es la exepción. Una vez allí Bond se hospedará en el único hotel hecho de hielo en el mundo, “The Ice Palace”. Este lujoso castillo es literalmente de hielo en toda su infraestructura, hasta las camas son hechas del mismo. Pero claro para Bond estas no serán vacaciones: su estadía pronto se convierte en una lucha a muerte para salvar a la humanidad. La misma culmina con una impresionante persecución en automóvil a través de unos caminos congelados. MIAMI, FLORIDA Thunderball (1965) / License to Kill (1989) / Casino Royale (2006) La clave: Quizás uno de los destinos más llamativos de los Estados Unidos, la Florida ofrece variedad para todos los gustos. Los que gustan del sol y la playa, aquí encontrarán lo que buscan; si su elección es la vida nocturna, este es 40

LAS VEGAS, NEVADA Diamonds are Forever (1971)

TOKYO, JAPON You Only Live Twice (1967) / Diamonds are Forever (1971) La clave: Ningún viaje alrededor del mundo estaría completo si no visitamos el lejano Oriente, tierra de tradición milenaria que marca el principio de las civilizaciones más antiguas y que su singularidad lo convierte en uno de los destinos más enigmáticos que existen. Al estilo Bond conocemos Japón cuando el 0 07 tiene que solicitar la ayuda de un grupo de agentes “ninjas” para evitar una catástrofe nuclear. NEW YORK, NEW YORK Live and Let Die (1973) La clave: Un destino imperdible. La ciudad que nunca duerme es uno de los lugares que todos queremos conocer: sus icónicos rascacielos, Times Square, Grand Central, Rockefeller Center, La Estatua de la Libertad, en fin. Cada parte de esta ciudad es una atracción en sí misma. En Live and Let Die, James Bond comienza su aventura en esta majes-

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tuosa ciudad, pero como ya es costumbre se marchará antes de disfrutar de todos sus encantos. BANGKOK, THAILANDIA. The Man with the Golden Gun (1974) La clave: La cabeza de Bond tiene un precio y uno de los más experimentados asesinos a sueldo está tras él. Con la finalidad de salvar su pellejo, el agente 007 termina en la lejana tierra de Thailandia tras la pista de su verdugo. Por encontrarse localizado en el sureste de Asia, este país es rico en cultura y posee lugares exó- ticos para conocer, templos, ruinas ¿y por qué no?, también hay tiempo para disfrutar de alguna playa. MONTE-CARLO, MONACO Película: Goldeneye (1995) La clave: Cuando decimos Monte-Carlo nuestra mente inmediatamente evoca lujo y exclusividad, palabras que a su vez definen parte de la personalidad de Bond. El país es reconocido por sus monumentos históricos, por sus fabulosos casinos y por ser la sede de uno de los más importantes circuitos de carreras. En Goldeneye, nuevamente el agente 007 impide una inminente guerra nuclear pero también saca tiempo para jugar un par de fichas en algunas de las mesas de los casinos de Monte-Carlo.

CLAUDETTE LALÍ: ORGULLO DOMINICANO

as bellísimas actrices Sofía Vergara (colombiana) y Claudette Lalí (dominicana) posan en el set de una filmación en Nueva York, ambas hicieron el papel de mejores amigas. Claudette Lalí, actriz dominicana, fue seleccionada para dicho papel luego de varias audiciones donde compitieron actrices de todo Estados Unidos, siendo esta la que obtuvo el papel, demostrando así el gran potencial que le acompaña. Nos cuenta su publicista Raúl Cohen que lo primero que le preguntaron a la actriz después de finalizar su audición fue: “¿De dónde eres, rubia?”, al que ella con mucha alegría les dijo «¡Dominicanísima!» Claudette se siente muy contenta de haber actuado con la estrella de Hollywood Sofía Vergara y poner bien en alto el nombre de todos los dominicanos en aguas extranjeras. 41

radio Lunes a Viernes, 11 am Armando Almánzar Pablo Mustonen Hugo Pagán Rubén Peralta

95.7 fm Revista Cineasta @revistacineasta revistacineasta@gmail.com

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ROBERT DOWNEY JR. R u b é n P e r a lta R i g a u d Sherlock Holmes

obert Downey Jr. nació el 4 de Abril de 1965 en Greenwich Village, Nueva York. Hijo del cineasta Robert Downey y de la cantante y actriz Eldie Downey, comenzó su carrera apareciendo en las películas de su padre. Es actor, cantante, músico, compositor, escritor y único. Abandonó la Santa Mónica High School para trasladarse a Nueva York a estudiar interpretación, pero acabó trabajando de vendedor de zapatos y de extra en un cabaret del Soho. Reconocido por la crítica como uno de los actores con más talento y versatilidad de su generación. Criándose en Nueva York, Bob, como lo llamaban entonces, tuvo que mudarse muchas veces debido a las profesiones de sus padres. En Londres, recibió clases de ballet clásico, pero siguió sus estudios hasta los diecisiete años. En ese momento, dejó los estudios convencionales y volvió a Greenwich Village para profesionalizarse en el arte de la interpretación. Su debut llega con su aparición en el famosísimo programa de televisión “Saturday Night Live”. Tenía veinte años y los productores ya lo fichaban, más que nada 42

por sus dotes innatos, tenía facilidad para contactarse con el público y seducirlo con sus guiños y otros gestos característicos. A la gran pantalla llegó con un papel que parecía una broma, algo macabro, del destino. Se trató de una película, basada en el libro de Bret Easton Ellis, Less Than Zero, interpretando a Julien, un joven adicto a la cocaína. Ya siendo conocido en el mundo del espectáculo, los directores más cotizados le ofrecieron papeles en sus películas: Desde Robert Altman hasta Oliver Stone. Fue Richard Attenborough el director que le dio la oportunidad de trabajar la creación de un personaje único en Chaplin. Robert Downey Jr. consiguió adentrarse en la piel misma del genio antológico. Su trabajo logró un éxito inconmensurable y el reconocimiento de la crítica y el público a la vez, fin nada fácil de conseguir. Fue nominado para el Oscar. En los dos años siguientes, protagonizó la comedia romántica Heart and Souls, que contó con el respaldo del público y de la crítica, así como también el drama de historias paralelas, del destacado director Robert Altman,

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Short Cuts. En 1994 con veintinueve años de edad, Downey estrenó la película de culto de Oliver Stone, Natural Born Killers, donde interpretó a un amarillista reportero que sigue las funestas hazañas de dos despiadados asesinos en serie. Ese mismo año, protagonizó la comedia romántica Only You, junto a Marisa Tomei. Cuando parecía que la vida profesional le sonreía, y personalmente tras la relación de siete años con Sarah Jessica Parker, contrajo matrimonio con Deborah Falconer y tuvo un hijo. En 1994, su vida comenzó a tornarse en una adicción que lo hizo protagonizar uno de los capítulos más sonados de la crónica negra de Hollywood en la década de los noventa. Cumplió su condena por consumo de drogas, y luego se le ofreció al actor un papel protagonista en la serie “Ally McBeal”. Todo un éxito alcanzó para el público, en especial para las seguidoras del actor, que se emocionaron al ver que, además de actuar, Robert Downey Jr. sabía cantar y bastante bien. Pero la música en ese entonces le trajo pocas alegrías. El en abril de 2001 fue detenido por conducir alcoholizado, y en consecuencia, el productor de la serie, David E. Kelley, lo despidió inmediatamente.

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El convertirse en el actor de moda en Hollywood trajo consigo importantes oportunidades de trabajo. Además de filmar para otras dos partes de Iron Man y un regreso más como Tony Stark en The Avengers en este 2012, Downey Jr. también se esforzó por conseguir que Guy Ritchie, que tenía en mente a otro Sherlock, ya que consideraba que Downey era muy pequeño y no poseía la característica nariz aguileña del personaje, lo contratara, haciendo por su parte un muy buen trabajo. Aunque su carrera a comienzos del nuevo milenio se vio notoriamente afectada al ser considerado un actor de alto riesgo, ha logrado mantenerse limpio desde entonces, retomando el control de su vida personal y profesional. Ahora es catalogado según la revista Time como una de las personalidades más influyentes en el mundo, por superar sus problemas de adicción. Un ejemplo de que si existen segundas oportunidades… siempre y cuando las aproveches. Iron Man.

Sin embargo, a pesar de estas circunstancias, de verse siempre envuelto en el ojo del huracán, de parecer más conocido por los escándalos que por su trabajo, Robert y su capacidad interpretativa tan versátil sigue haciéndose respetar en el mundo cinematográfico. Para el 2005, con cuarenta años, Downey Jr. estrenó la comedia negra de acción dirigida por Shane Black, Kiss Kiss Bang Bang, donde interpreta a un ladrón de poca monta que termina resolviendo crímenes junto a un detective de verdad interpretado por Val Kilmer. Ese año también apareció en la película nominada Good Night and Good Luck. También aparece de forma irreconocible junto con Nicole Kidman en Fur y en dos filmes independientes más, Memorias de Queens y Charlie Bartlett. A finales de 2006, Downey Jr. fue seleccionado para asumir el papel principal del millonario inventor de armas Tony Stark, en Iron Man, versión para cine del cómic homónimo de Marvel. Dirigido por Jon Favreau, Iron Man fue la primera película autofinanciada por Marvel, como estudio cinematográfico. Distribuida por Paramount Pictures, la película contó con un presupuesto estimado de ciento cuarenta millones de dólares y además fue la película encargada de abrir la temporada de verano de 2008, estrenándose el 2 de mayo.

Filmografía más importante de Robert Downey Jr:

The Avengers (2012) Tony Stark Sherlock Holmes: A Game of Shadows (2011) Sherlock Holmes Iron Man 2 (2010) Tony Stark Sherlock Holmes (2009) Sherlock Holmes The Soloist (2009) Steve Lopez Tropic Thunder (2008) Kirk Lazarus Iron Man (2008) Tony Stark Zodiac (2007/I) Paul Avery Good Night, and Good Luck (2005) Joe Wershba Kiss Kiss Bang Bang (2005) Harry Lockhart Restoration (1995) Robert Merivel Natural Born Killers (1994) Wayne Gale Short Cuts (1993) Bill Bush Heart and Souls (1993) Thomas Reilly Chaplin (1992) Charles Spencer Chaplin Soapdish (1991) David Seton Barnes Air America (1990) Billy Covington Chances Are (1989) Alex Finch Less Than Zero (1987) Julian The Pick-up Artist (1987) Jack Jericho

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Cinemaforum: Un Lugar Para Hablar de Cine.

inemaforum nace como una idea fugaz, como un impulso de una tarde de domingo cualquiera en la que sentado frente a una computadora Hugo decide que “va a sacar un blog para hablar de cine”: un espacio para plasmar opiniones e intercambiar ideas con un grupo de amigos que al igual que él comparten su pasión. Eso era lo que estaba en su mente y nada más, no imaginaba que meses después iba a venir otra idea y otros amigos para hacerla realidad. Es así como de un simple blog personal Cinemaforum se convierte en un verdadero espacio para los amantes del cine. Cinemaforum: Un Lugar Para Hablar de Cine La página de Cinemaforum fue evolucionando del simple blog a convertirse en una web más dinámica con noticias, trailers de películas, artículos de interés, artículos especializados, artículos de cine clásico y por supuesto la habitual crítica de películas de actualidad y de cine de todas las épocas. En la página, los usuarios pueden suscribirse para recibir las informaciones de las nuevas publicaciones y también pueden comentar sobre los artículos. De esta manera se inician debates dentro de la misma web entre los usuarios y los miembros de Cinemaforum. Cinemaforum Radio

Esta fue la verdadera idea que revolucionó el concepto de Cinemaforum. Es aquí donde el trío se junta y nace la química; tres amigos que deciden grabar podcasts de cine y subirlos a la página de Cinemaforum. Así iniciamos y en un abrir y cerrar de ojos ya nos acercábamos al año, en ese tiempo Cinemaforum Radio grabó 27 Podcasts, cada uno con temas variados, algunos de ellos con invitados especiales entre los cuales se destaca la directora dominicana ganadora del premio Casandra, Leticia Tonos. Cinemaforum en Palacio En el persistente afán de evolucionar y brindar a los seguidores de Cinemaforum lo mejor, decidimos transformar los tradicionales podcasts y llevarlos a otro formato, uno donde los seguidores formaran parte de la ecuación. 44

Oliver Oller, Marc Mejía y Hugo Pagán

Es así como nacen los podcasts de Cinemaforum en Palacio del Cine. En los mismos, los temas se tratan en vivo con el público presente y se fomenta el debate de los temas planteados. En este marco también se proyectan cortometrajes y se hacen cine-forums luego de cada presentación. El espacio seguirá evolucionando hasta convertirse en una especie de cine-club donde luego podamos asistir a presentaciones de películas para posteriormente comentarlas. Este espacio tiene lugar todos los miércoles a las 7:00 p.m en el Palacio del Cine, Blue Mall en el salón “Fun Plex”. Cinemaforum busca establecerse como un espacio para los amantes del cine, un lugar donde los amantes del celuloide puedan encontrar informaciones actualizadas y artículos de interés, busca ser una herramienta útil y accesible para todo aquel que disfruta de ver películas. Cinemaforum es “un lugar para hablar de cine”. El staff de Cinemaforum está compuesto por los tres amigos: Hugo Pagán, Oliver Oller y Marc Mejía. Tres enamorados del cine con gustos diversos y enfoques diferentes, lo que deja como resultado la mezcla perfecta a la hora de debatir los temas. Hugo es un enamorado del cine de Akira Kurosawa, y de los directores modernos tiene una fascinación con Quentin Tarantino; Oliver por su parte es un gran conocedor del film noir, género por el cual siente gran pasión, siempre lo escuchamos decir que su filme favorito de todos los tiempos es GoodFellas; Marc creció viendo cine gracias a su padre, el señor Pericles Mejía, se caracteriza por su estilo jovial y jocoso que aporta dinamismo al grupo. Para conocer más de cinemaforum: www.cinemaforumblog.com Twitter: @cinemaforum @marcmejia @OllerOliver Facebook: Cinemaforum

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Anne Hathaway completamente transformada y Hugh Jackman en Los Miserables.

El talentoso realizador británico Tom Hooper (The King’s Speech, The Damned United) continúa el rodaje en Reino Unido de Les Miserables, nueva adaptación del exitoso musical de Broadway, según la novela homónima del inmortal Víctor Hugo, ambientada en la Francia del siglo XIX. Hugh Jackman, Russell Crowe y Sacha Baron Cohen en los roles masculinos principales, y Anne Hathaway, Amanda Seyfried y Helena Bonham Carter en los femeninos. Hugh Jackman en Les Miserables.

El norteamericano Zack Snyder (Watchmen, 300, Suc ker P u nc h), completa la postproducción de Ma n of Steel, nueva versión del superhéroe de DC Comics creado en 1932. Henry Cavill encarna a Clark K e nt- Su p e r m a n , Russell Crowe a su padre real Jor-El, Amy Adams a la periodista Lois Lane, mientras que Kevin Costner y Diane Lane son los padres terrestres. Rodaje en California, Illinois, Chicago y Canadá, tiene estreno previsto para el verano 2013.

Tras finalizar el rodaje de Comedia Inapropiada, nuestra Michelle Rodríguez acaba de rodar la última entrega de Resident Evil Retribution, donde comparte con Milla Jovovich, Sienna Gillory y Jason Isaacs, dirigidos por Paul W. S. Anderson, especialista en el género y autor del primer Resident Evil en 2002, en el cual también estuvo Michelle. Además, la actriz tiene dos estrenos más para el año que viene, Machete Kills y The Fast and the Furious 6. 46

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Kate Hudson, Kiefer Sutherland, Liev Schrieber, Om Puri y Martin Donovan son los protagonistas de The Reluctant Fundamentalist, dirigida por la extraordinaria cineasta hindú Mira Nair entre New York, Atlanta, India y Pakistán. Cuenta la historia de un joven empleado de Wall Street cuya vida se transforma tras los ataques terroristas del World Trade Center en 2001. Basada en el bestseller de Mohsin Hamid.

Mira Nair, directora de The Reluctant Fundamentalist.

Salman Rushdie y Deepa Mehta, escritor y directora de Midnight´s Children.

Salman Rushdie, autor del libro Midnight´s Children.

La excelente realizadora hindú radicada en Canadá, Deepa Mehta (Water, Fire, Earth) terminó la postproducción de la esperada Midnight’s Children, basada en la novela homónima de Salman Rushdie publicada en 1980. Narra la historia de dos niños, uno de ellos con poderes paranormales, que nacen en la medianoche de 1947, día de la independencia de India y Pakistán. Coproducción de Sri Lanka y Canadá, tiene estreno previsto en octubre.

Maribel Verdú, Angela Molina, Inma Cuesta, Daniel Giménez Cacho y Macarena García son los protagonistas de la cinta española Blancanieves, que acaba de rodar Pablo Berger (Torremolinos 73), revisión del cuento de los hermanos Grimm, descrito como un melodrama gótico en el que una bella joven atormentada por su madrastra emprende un viaje alucinante con una troupe de enanos toreros. Ambientada en la Sevilla de los años veinte.

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LAS 25 MEJORES BALACERAS DE LA HISTORIA DEL CINE R u b é n P e r a lta R i g a u d

l 28 de febrero de 1997, Larry Eugene Phillips Jr. y Emil Matasareanu atracaron una de las sucursales del Bank of America en el Distrito de North Hollywood, al norte de Los Ángeles. Una patrulla policial cazó a los sospechosos entrando en el banco y dio la alerta. A la salida de los atracadores se desató un tiroteo de más de cuarenta minutos en el que se dispararon más de dos mil balas y que acabó con Phillips y Matasareanu muertos y con diez policías y seis civiles heridos. En Youtube pueden encontrar decenas de vídeos caseros que recogen fragmentos del tiroteo. Búsquenlos como “North Hollywood shootout”. Ya les anuncio que no van a ver gran cosa: a duras penas podrán atisbar manchas borrosas grabadas desde un helicóptero que vuela a cincuenta metros de distancia de la acción. Pero eso sí: pueden hacerse la ilusión de que están viendo “The Real Thing”, como cuando se tragaban las películas porno del Plus codificadas. El tiroteo duró cuarenta minutos porque Phillips y Matasareanu vestían chalecos antibalas y utilizaban fusiles automáticos capaces de penetrar las armaduras de la policía. Esta, por su lado, solo contaba con pistolas y escopetas de pequeño calibre incapaces de atravesar los chalecos de los atracadores. De hecho, la policía decidió hacerse con los fusiles y los rifles de una armería cercana cuando vio que sus armas reglamentarias no 48

lograban hacer mella en las protecciones de Phillips y Matasareanu. A pesar de que durante el tiroteo llegaron a congregarse más de trescientos agentes en la zona, ambos delincuentes mantuvieron la partida en posición de tablas hasta que la llegada de un equipo SWAT armado con fusiles capaces de penetrar chalecos antibalas decantó la contienda a favor de la policía. Phillips murió cuando se le encasquilló el arma, algo que por lo visto no solo pasa en el peor momento en las películas. Al verse superado por la policía, se pegó un tiro en la mandíbula al mismo tiempo que una bala disparada por un agente le partía la columna vertebral. Phillips había recibido once heridas de bala antes de caer muerto. Matasareanu, por su lado, logró alejarse tres manzanas de la sucursal bancaria, pero un SWAT lo derribó al dispararle en una pierna con un M16. Matasareanu se rindió inmediatamente, aunque la policía impidió durante setenta minutos que la ambulancia llegara hasta él. Ya saben que los Estados Unidos es un país serio en el que se tienen claras las prioridades. Solo aguantó cuarenta minutos: había sufrido veinte y nueve heridas de bala y murió por un paro cardiorespiratorio. Su familia demandó a la policía de Los Ángeles ante la sospecha de que le habían dejado desangrarse hasta morir sin aplicarle ni un miserable torniquete.

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Sin más preámbulos, y en orden descendente, para mi las 25 mejores balaceras de la historia del cine.

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25. The Professional (Luc Besson, 1994) Presenta al equipo SWAT más idiota sobre la faz de la tierra y al asesino más nerd. 24. Inglorious Basterds (Quentin Tarantino, 2009) “Dile adiós a tus pelotas nazis”. Directo y al grano: Veinte segundos de tiroteo furioso. 23. The Good, The Bad and The Ugly (Sergio Leone, 1966) Cinco minutos de planos y contra planos para el tiroteo más interesante de la historia del western. 22. Terminator (James Cameron, 1984) Masacre en la comisaría. Una pequeña joya de cuando James Cameron no era el insoportable y soberano que es ahora. 21. Miller’s Crossing (Joel y Ethan Coen, 1990) A falta de puntería, buenas son las ametralladoras con munición infinita. 20. Hard Boiled (John Woo, 1992) A mí John Woo me deja frío, pero hay muchos que lo consideran un Dios, creador del Kung Fu con pistolas. 19. Collateral (Michael Mann, 2004) Profesionalidad. Tom Cruise, impecable. 18. Equilibrium (Kurt Wimmer, 2002) La película no llegó a estrenarse en República Dominicana, lo cual es sorprendente teniendo en cuenta que Christian Bale y Angus MacFadyen se van en un tiroteo con coreografía flamenca, único en la historia del cine. 17. The Matrix (Andy y Larry Wachowski, 1999) El único tiroteo de la historia del cine coreografiado por el Cirque du Soleil. 16. Ghost in the Shell (Mamoru Oshii, 1995) ¿Coincidencias? Sí, son las mismas escenas que fusilaron los directores de la película anterior. 15. True Romance (Tony Scott, 1993) Básicamente, el mismo tiroteo a tres bandas que pueden ver en el puesto cuatro de la lista, pero multiplicado por diez. 14. Tombstone (George Pan Cosmatos, 1993) La versión clase B de cualquiera de Clint Eastwood 13. Wyatt Earp (Lawrence Kasdan, 1994) …y la históricamente fidedigna.

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12. John Rambo (Rambo 4) (Sylvester Stallone, 2008) Con una ametralladora antiaérea también podría yo. 11. Unforgiven (Clint Eastwood, 1992) “¿Quién es el dueño de esta pocilga? Tú, bola de grasa, ¡contesta!” 10. The Wild Bunch (Sam Peckinpah, 1969) El primer tiroteo de videojuego de la historia del cine. Atentos a los disparos al barril de dinamita, que llevan bonus. 9. No Country for Old Men (Joel y Ethan Coen, 2007) Si no puedes ver al tipo que te dispara, estás jodido. 8. Road To Perdition (Sam Mendes, 2002) O cómo inyectarle dramatismo a un tiroteo eliminando uno de sus elementos más característicos: el sonido. 7. Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976) ¡Qué decir! 6. The Untochables (Brian de Palma, 1987) O como crear tensión con el clac, clac, clac neurótico de un carrito de bebé a la Potemkin. 5. Scarface (Brian de Palma, 1983) “Say hello to my little friend!” 4. Reservoir Dogs (Quentin Tarantino, 1992) Sí, Mr. White (Harvey Keitel) dispara dos veces. 3. Open Range (Kevin Costner, 2003) El que dispara primero… dispara antes que el segundo. 2. The Hurt Locker (Kathryn Bigelow, 2008) ¿Sabían que las balas que disparan los fusiles de largo alcance de los francotiradores tienen el tamaño del pulgar de un adulto y que sólo necesitan rozarte para partirte en dos? Pues ahora ya lo saben. 1. Heat (Michael Mann, 1995) De rodillas, por favor. Lo curioso es que Heat se estrenó dos años antes del tiroteo de North Hollywood.

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ACTORES Y ACTRICES IMPORTANTES QUE MURIERON A DESTIEMPO (Menos de 60 Años)

Bruce Lee (1940-1973) – 32 años

Judy Garland (1922-1969) – 47 años

Actrices Françoise Dorleac (hermana de Catherine Deneuve) (1942-1967) – 25 años Miroslava (1925-1955) – 30 años Jayne Mansfield (1933-1967) – 34 años María Montez (1912-1951) – 39 años Jean Seberg (1938-1979) – 40 años Linda Darnell (1923-1965) – 41 años Dorothy Dandridge (1922-1965) – 42 años Carmen Miranda (1909-1955) – 46 años

Grace Kelly Christopher Reeve Heath Ledger 1982) – 52 años 29(1952-2004) – 52 años (19 (1979-2008) – 28 años

John Belushi James Dean (1955-1979) – 24 años (1949-1982) – 33 años

John Candy (1950-1994) – 44 años

Actores Brandon Lee (1965-1993) – 28 años Brandon De Wilde (1942-1972) – 30 años Gérard Philipe (1922-1959) – 36 años Brad Davis (1949-1991) – 41 años John Cazale (1935-1978) – 42 años Leslie Howard (1893-1943) – 50 años Steve McQueen (1930-1980) – 50 años Alan Ladd (1913-1954) – 50 años Pedro Armendáriz (1912-1963) – 51 años Rock Hudson (1925-1985) – 59 años

Jean Harlow (1911-1937) – 26 años 52

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Montgomery Clift (1920-1966) – 45 años

Marilyn Monroe (1926-1962) – 36 años

Raúl Juliá (19401994) – 54 años

Romy Schneider (1938-1982) – 43 años

Natasha Richardson (1963-2009) – 43 años

Sal Mineo (1939-1976) – 37 años

Anthony Perkins (1932-1992) – 60 años

Natalie Wood (1938-1981) – 43 años

Rudolph Valentino Patrick Swayze (1895-1926) – 31 años (1952-2009) – 57 años

River Phoenix (1970-1993) – 23 años

Tyrone Power años (1914-1958) – 44

Peter Sellers (1925-1980) – 54 años

Sharon Tate (1943-1969) – 26 años 53

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RETRO X Á n g e l H a ch é

ontinúo en Madrid haciendo el segundo año de la carrera de actuación en La Escuela Oficial de Cine. En el Colegio Mayor Guadalupe, donde resido, me nombran como director del Cine Club Guadalupe, soy el encargado de la programación semanal. Se me había olvidado que en diciembre del pasado año pasé las navidades y el año nuevo en París, allí vi en el cine Imperial El Satiricón de Fellini ya comentada en el Retro IX. En enero veo en Madrid Dos hombres y un destino de George Roy Hill con Paul Newman y Robert Redford que no me convence totalmente y con un final donde quedan mal parados los latinos. De este mes destaco Esa clase de amor filme inglés de John Schlesinger, con el buen actor Alan Bates, esta la vi en la televisión española; un filme excelente con Greta Garbo, La calle sin alegría de Georg W. Pabst, antes de su paso a la meca del cine; la obra maestra de Serge Eisenstein Iván el terrible en la Escuela de Cine; Modesty Blaise de Joseph Losey con Mónica Vitti y Terence Stamp, 54

en el cine club Guadalupe; Buscando a Gregory, película inglesa dirigida por Peter Wood, con Julie Christie y John Hurt; el clásico western Río Rojo de Howard Hawks con Wayne y Montgomery Clift en la Escuela de Cine; la excelente Isadora del inglés Karel Reisz con una soberbia interpretación de Vanessa Redgrave; Heroica cinta polaca de Andrzej Munk. En febrero, ¡albricias! otra de las grandes de Bergman El manantial de la doncella que me deja turulato, con Max von Sydow, Birgitta Valberg y Gunnel Lindblom, dando cátedras en sus respectivos roles; La mujer mono del italiano Marco Ferreri con Ugo Tognazzi y Annie Girardot; Sam Peckinpah, director norteamericano, irrumpe poderosamente en el cine aportando al género western con

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Grupo salvaje y un destacado elenco: William Holdem, Ernest Bornigne, Robert Ryan y Emilio Fernández; en el cine club Guadalupe programo Juguetes rotos del nuevo director español Manolo Summers; por fin veo del nuevo cine cubano Manuela de Humberto Solás en la Escuela de Cine. En marzo Harper con Paul Newman, Janet Leigh, Lauren Bacall y Shelley Winters bajo la dirección de Jack Smight; de Michel Deville El oso y la muñeca con la Bardot; la espléndida El submarino amarillo dibujos animados sobre Los Beatles a partir de sus canciones y a las órdenes de George Dunning; la también inglesa Un trabajo en Italia de Peter Collison con Michael Caine y el fabuloso actor italiano Raf Vallone; una, de uno de mis profesores de la Escuela, Carlos Serrano, con su regular película Las gatas tienen frío y cerrando el mes El secreto de Santa Vittoria del destacado Stanley Kramer con Anthony Quinn, Virna Lisi, Anna Magnani y Hardy Kruger. Joan Manuel Serrat, mi cantautor preferido, incursiona en el cine en una película estrenada en el mes de abril, pero lo suyo es cantar. La película se titula La larga agonía de los peces dirigida por Rovira Beleta; Adiós Mr. Chips remake dirigido por Herbert Ross con Peter O´ Toole haciendo galas de su buen hacer; me emociona y me deja encandilado Ma nuit chez Maud de Eric Rohmer con Jean Louis Trintignat y Francoise Fabián; Las distracciones de Jacques Dupont con Belmondo y Silvia Koscina; Claude Chabrol vuelve a dar en la diana con La mujer infiel con Maurice Ronet y Stephane Audran. Total que el dicho de abril ¡aguas mil! no se cumplió, mientras yo veía John y Mary de Peter Yates, con excelentes actuaciones de Dustin Hoffman y Mia Farrow. Llega mayo y comienzo a trabajar en varios cortos y mediometrajes de los estudiantes de dirección de la Escuela. Mi feliz incursión el pasado año en El paraíso ortopédico defi-

nitivamente me abrió las puertas para trabajar como actor. La bola de cristal me predice que Patricio Guzmán, el director de El paraíso ortopédico, hará una destacada carrera como documentalista y caigo en cuenta que la bola de cristal tiene un poder de adivinar el futuro más de lo que yo tenía previsto. Por primera vez veo una película boliviana que resulta muy buena Ucamau de Jorge Sanjinés en el Instituto de Cultura Hispánica que pasaba películas de vez en cuando; Los desafíos dirigida por tres directores españoles: Claudio Guerín, José Luis Egea y Víctor Erice, quien logra destacarse entre los tres y como ya he dicho, la bola de cristal me dice que va a ser uno de los mejores directores españoles; los bonos suben cuando veo en la Escuela de Cine la notable IF del inglés Lindsay Anderson con el actor del momento Malcolm Macdowell; Hello Dolly, musical dirigido por el genial Gene Kelly en su incursión como cineasta, con Barbra Streisand y Walter Matthau; y los bonos suben aún más con Tristana del inconmensurable Luis Buñuel, adaptación de la novela de Benito Pérez Galdós con un formidable elenco: Catherine Deneuve, Fernando Rey, Franco Nero y mi compañero protagonista de El paraíso ortopédico, Fernando Cebrián; la película que le trajo otro Oscar a la maravillosa Katherine Hepburn, El león en invierno, acompañada por el gran actor Peter O´ Toole bajo el mando de Anthony Harvey. Los cortos en los que intervine como actor en La Escuela de Cine fueron: Mañana es ayer de José Ángel Rebolledo, fotografiada, nada más y nada menos, por Javier Aguirresarobe que en el transcurso de los años se convertiría en uno de los cinematógrafos de más fama internacional, donde hice el papel protagónico; ¡Oh claro, claro, claro del director Jaime Chavarri quien también haría una carrera destacada en el cine español; La mujer, adaptación de un cuento de Juan Bosch, dirigida por Emilio Hernández Blanco donde tengo el papel del citadino; El hombre de la bicicleta dirigida por Lorenzo Betancort donde protagonizo el papel del hombre; finalmente Las purgas de Julio Sánchez Andrada en el papel principal de un comunista. Mientras esto ocurre en Madrid, en mi país, en las elecciones electorales del 16 de mayo, con la abstención del Partido Revolucionario Dominicano debido a la represión política y con el apo55

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yo de las Fuerzas Armadas, Balaguer se reelige para el período 1970-1974. En junio, del nuevo cine brasileño veo Ganga Zumba, muy buena realización de Carlos Diegues; en el Guadalupe programo el extraordinario clásico Tiempos Modernos dirigida e interpretada por el inigualable Charles Chaplin; llega también del nuevo cine brasileño la ganadora de la Palma de Oro en Cannes Antonio Das Mortes de Glauber Rocha, uno de los fundadores y más prestigiosos directores de ese movimiento; de Truffaut una película menor, la divertida La sirena del Mississipi con Jean Paul Belmondo y la Deneuve. En este mes, bajo un contrato previo, me voy a Inglaterra a fregar platos en la isla de Wight (Sundown), la idea era pasarme luego un mes en Londres con los ahorros logrados. Al cumplir los dos meses, le dije al gerente del hotel que ya no iba a trabajar más. No me quiero acordar de lo rabioso que se puso al saber mi decisión y sentenciando que no iba a contratar más latinoamericanos en el hotel. Ya en Londres, Elsa se me une. Había venido desde Santo Domingo en abril a hacer un postgrado en la Academia de San Fernando de Madrid. Ya juntos, vimos la famosa obra musical Hair y el documental, también sobre música, Woodstock, del cual ya tenía buenas referencias. Al regreso a Madrid, al presentar mi pasaporte en migración me dicen que no había sellado la hoja de contrato de trabajo en uno de los destacamentos de policía y que por lo tanto no podía salir en el vuelo. No sé qué cara puse porque finalmente me selló el pasaporte con la advertencia que no podría volver a viajar a Inglaterra, es decir que ya tenía una ficha con impedimento de entrada. A fines de septiembre, ya de nuevo en Madrid, me entero de que Balaguer había mandado a asesinar a Otto Morales y al brillante ciudadano izquierdista Amín Abel, que fue muerto de un tiro en la cabeza delante de su esposa embarazada. Esto me cayó muy mal. En octubre llega a los cines El compromiso de Elia Kazan con buenas actuaciones de Kirk Douglas, Faye Dunaway y Deborah Kerr; Borsalino del francés Jacques Deray con Delon y 56

Belmondo; la sonada Un hombre llamado caballo de Elliot Silverstein con el gran actor inglés Richard Harris de protagonista; me doy banquete con Lola Montes del prestigioso director alemán Max Ophuls con Martine Carol, Peter Ustinov y Oskar Werner; mi ídolo Elizabeth Taylor falla en El único juego de la ciudad de George Stevens, indudablemente empieza su decadencia; en el Guadalupe pongo Orfeo del renombrado Jean Cocteau con Jean Marais y Juliette Greco. Ya el frío en noviembre comienza a hacer de las suyas y me refugio en una de las salas de cine para ver Los Golfos de Carlos Saura donde da muestras de su talento e inmediatamente, también de él, El jardín de las delicias, crítica soterrada a Franco con uno de los más cotizados actores de la comedia española que rescatan grandes directores para hacer películas serias, logrando actuaciones aplaudibles, me refiero a José Luis López Vásquez; Salvatore Giuliano, precedida de buena fama, dirigida por Francesco Rosi; le toca el turno a La vuelta del hijo pródigo, excelente filme del checo Evald Schorm. En diciembre vuelvo a ver la grandiosa Sed de mal de otro genio del cine Orson Welles que elegí para el público asiduo al cine club Guadalupe. Esta película comienza con una de las más impactantes escenas-secuencias en la historia del cine, película que ha servido de estudio para directores y cinematógrafos; me morí de la risa con la alabada La noche de los muertos vivientes de George A. Romero cuando se suponía que debería aterrorizarme; Los asesinos de la luna de miel del norteamericano Leonard Kastle con Tony Lo Bianco y Shirley Stoler; la magnífica El demonio de los celos del italiano Ettore Scola con grandes actuaciones de Marcello Mastroianni, Mónica Vitti y Giancarlo Giannini; la fabulosa Danzad, danzad malditos de Sidney Pollack con electrizantes actuaciones de Jane Fonda, Gig Young, Susanah York y Red Buttons y para finalizar un western musical maravilloso La leyenda de la ciudad sin nombre de Joshua Logan con un buen trío: Lee Marvin, Jean Seberg y Clint Eastwood. Este año no pude ver más películas porque los estudios en la escuela de cine, conjuntamente con los cortometrajes, me tomaban mucho tiempo, además de mi viaje de tres meses a Inglaterra. Nos vemos en el próximo retro.

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ACE IN THE HOLE Oliver Oller

uando hablamos de Billy Wilder hablamos de excelencia, uno de los grandes genios del celuloide y sin lugar a dudas se encuentra dentro de mis top cinco directores del cine clásico. Con una filmografía vasta y completa que incluye trabajos como Double Indemnity (1944), The Lost Weekend (1945), Sunset Boulevard (1950), lo identifican como un verdadero maestro; galardonado con seis premios Oscar, dos como director. Dentro de esta impresionante filmografía nos encontramos con una subestimada, poco comercial, pero increíble puesta en escena – Ace in the Hole (1951) que trata la historia de un frustrado reportero, Charles Tatum (Kirk Douglas) quien ha alcanzado la curva en declive de su carrera, por su difícil temperamento y apego al alcohol, vendiéndose al mejor postor con el anhelo de algún día conseguir esa “gran noticia” que lo ponga en el mapa otra vez y volver a su puesto de trabajo en New York. Consigue trabajo en un pequeño periódico de Albuquerque donde nada pasa, hasta que por casualidad encuentra en su camino que un hombre ha quedado atrapado dentro de una antigua mina de indios-americanos de más de 500 años. Aquí es donde empieza a desarrollarse una trama capciosa y envolvente al aparecer personajes claves que le dan a este film noir el toque de gracia. Tatum aprovecha esta desdicha para explotar por completo la situación, convertirla en su “Gran Noticia” y poder ser Charles Tatum el héroe que cuente al mundo la historia (Kirk Douglas) de Leo Minosa (Richard Benedict) quien se encuentra atrapado y así poder conseguir la mejor oferta de trabajo de vuelta a la gran ciudad; pero la avaricia y el deseo de crear un acontecimiento

“Bad news sells best; ‘cause good news is no news”.

histórico a las masas lo llevan fuera de control manipulando todos los recursos, sobornando, amenazando y engañando a todos los involucrados. Se crea una especie de carnaval fuera de la mina en espera de la salida de Leo, pero no todo le sale bien a Tatum hasta llegar a un clímax memorable y crudo que nos deja un sabor amargo de pura realidad. Esta película definitivamente envuelve todos los condimentos de film noir con una trama de denuncia contra la prensa, repleta de cinismo, egoísmo y decadencia moral; donde encontramos la fuerte presencia de una femme fatale (Jan Sterling) interpretando el personaje de Lorraine Minosa, el sheriff corrupto Gus Kretzer (Ray Teal), ambas actuaciones secundarias de muy alto calibre; y por supuesto el antihéroe Tatum que toca fondo cuando ve todos sus recursos. Este film fue controversial en su época debido a su fuerte crítica hacia la prensa y su forma de plasmar hasta dónde se puede llegar a doblar las reglas para presentar una historia y tergiversar los hechos. Extraída de un acontecimiento similar ocurrido en Kentucky en el 1925 a un minero llamado Floyd Collins, el cual murió a la semana de quedar atrapado en una cueva descubierta por el mismo, el hecho fue cubierto por el reportero William Burke Miller quien ganó el premio Pulitzer por su reportaje; Wilder fue demandado por los derechos de la historia de Collins y más tarde en 1956 perdió ante la corte, los cargos a pagar nunca fueron revelados.

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CINE A NIVEL UNIVERSITARIO EN RD K at h e r i n e B a u t i s ta

El film perdió dinero en la taquilla e inclusive se le cambió su nombre original a -The Big Carnival- sin el permiso de Wilder para tratar de recuperar ganancias, pero esto no funcionó. Lo más interesante de este guión, escrito por el mismo Wilder y Lesser Samuels, es que nunca suaviza la noción de la curiosidad mórbida, cuando vemos la multitud expandirse y asentarse en un pueblito que no tiene nada que ofrecer, ahí reconocemos nuestra propia inescapable parte dentro de esta patética producción; sin la multitud la historia simplemente sería vana e insípida hasta llegar al rescate final; pero gracias a la forma en que nos alimenta nuestra necesidad intelectual de participar en el proceso de tragedia, Wilder nos eleva entonces a buscar un mandato de humanidad.

ste mes nuestro cine nacional está de fiesta, pues por primera vez estamos participando en el prestigioso Festival Internacional de Cannes de la mano del joven cineasta Raymundo José Reyes Castillo, con su cortometraje Mónica. Castillo es estudiante de ciencias cinematográficas en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD).

Se ha convertido en una película de culto noir. A mi criterio la mejor actuación de Kirk Douglas que he visto. Calificación: 9/10 Título original: Ace in The Hole Título alterno: The Big Carnival Guión: Billy Wilder y Lesser Samuels Reparto: Kirk Douglas, Jan Sterling, Ray Teal, Richard Benedict, Robert Arthur. Género: Drama / Film Noir País: Estados Unidos Duración: 110 min.

ambién nos informan que la Universidad Central del Este (UCE) abrirá unos cursos de Diplomados de Cine, con duración de 10 semanas y que abarcaran las áreas de: Guión, fotografía, dirección entre otras. Los interesados pueden llamar directamente al teléfono 809-529-3562 extensión 446 para más información.

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ENTREVISTA CON ROBERT DOWNEY JR. J O R GE C AMA R A

ollywood, CA.- Once años han pasado después de los escándalos legales que a cualquier otro actor le hubieran costado su oficio y popularidad, pero Robert Downey Jr. se encuentra hoy en el mejor momento de su carrera. Problemas con drogas, alcohol, armas y encarcelamiento en 2000 y 2001 amenazaron con destruir la brillante trayectoria de un joven actor que había demostrado inusitado talento en películas como Less Than Zero (1987), Air America (1990), Natural Born Killers (1994), Restoration (1995), Wonder Boys (2000) y por supuesto, Chaplin, en la que su genial encarnación del legendario cómico le ganó una nominación al Oscar como uno de los Mejores Actores de 1992.

Curiosamente, su resurgimiento en el firmamento estelar de Hollywood ha sido gracias a los triunfos taquilleros de personajes fantásticos, películas de acción y secuelas como Iron Man, Iron Man 2, Sherlock Holmes y Sherlock Holmes: A Game of Shadows. Su nueva película, The Avengers, en la que nuevamente interpreta a Tony Stark, el Hombre de Acero, es la creación una vez más de las producciones de la tira cómica Marvel, con una insólita trama en la que todos los superhéroes de la compañía: Iron Man, Thor (Chris Hemsworth), Captain America (Chris Evans), Hawkeye (Jeremy Renner), Black Widow (Scarlett Johansson) y The Hulk (Mark Ruffalo), se unen para salvar al mundo de esos típicos villanos que en este tipo de cine contínuamente insisten en destruirlo. La película, para deleite de sus productores, actores, y los estudios Disney que la distribuyen, ha logrado excelentes críticas. Conversamos con Robert Downey, Jr. previamente al estreno del filme. JORGE CAMARA: ¿Qué satisfacciones encuentras en interpretar personajes fantásticos como este, a diferencia de otros en películas como Zodiac o The Soloist, que están más anclados en realidad? ROBERT DOWNEY, JR.: Bueno, hay diversión y entretenimiento en películas de género como esta, y también hay dramas que son aburridos y estúpidos. Cada situación es diferente. En películas como The Avengers, que para mí es lo más radical que he hecho en esa dirección, hay algo que emociona y divierte a mis primos y a los niños. Aún amigos que me critican por hacer estas películas, me han dicho, “oye, esta es muy buena”. ¿Qué quieres decir con eso, que necesito hacer cine más serio e importante? (Ríe) 60

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J.C.: No. Únicamente estoy tratando de averiguar qué es lo que te gusta de ambos géneros. R.D.Jr: Lo que me gusta es no ir en contra de mis contratos. J.C.: ¿Cuál crees tú es la fascinación del público con los superhéroes? R.D.Jr: No sé. Generalmente hablando creo que es la realización de una fantasía o algo así. Tony Stark es alguien que tecnológicamente puede existir. Tal vez ese sea su atractivo. Pero qué extraño es que Stan Lee escribiera este personaje en 1968. Pudo haber resultado una caricatura. La razón que a mí me gusta es que me ha dado la oportunidad de entregarme a una experiencia más comercial. Estaba hablando ayer con Jon Favreau sobre qué hacer con sus ojos más adelante. La verdad es que para mí Tony Stark es una combinación de las ideas de Jon Favreau con las mías que comenzó hace cinco años con un diálogo que todavía continúa.

En cuanto a Mel y yo, si él pudiera hablar sobre la historia de nuestra amistad, te contaría las muchas veces que me extendió la mano para darme de comer, y yo le quité la comida y le mordí la mano, porque yo no estaba saludablemente bien para responder apropiadamente.

J.C.: Generalmente, en la carrera de un actor hay un incidente o una persona que influye positivamente en ella. ¿Eso fue lo que pasó contigo?

R.D.Jr: Es curioso, yo mencionaría a Shane Black que escribió y en unas semanas más va a dirigir la tercera película de Iron Man, lo que espero con gran anticipación. Hace aproximadamente siete años hice con él Kiss Kiss Bang Bang, con la que fuimos al Festival de Cine de San Sebastián con mucho éxito. Fue una película muy dulce, muy inteligente y muy divertida, y resulta que fue la película que, cuando la vio, le dio la idea a Jon Favreau que yo podía interpretar a Tony Stark, el Hombre de Acero. Y ya sabes que fue lo que pasó con eso.

R.D.Jr: No sé si dije que me devolvió el respeto porque eso quiere decir que antes no me respetaban (ríe). Realmente ni siquiera sé que es el respeto. Bueno, lo que quiero decir es que sí sé lo que es, pero el respeto en la industria del cine es algo muy nebuloso. Lo que quise decir es que el viernes que la película se estrenó, las cosas iban de un modo, y tres días más tarde, después de recaudar cien millones en taquilla, la cosas iban un poco diferente (ríe). Nunca dije, más vale que ahora me respeten (ríe). Pero yo sí respeto a la gente que logró que la película fuera un éxito, y si eso quiere decir que vamos a hacer secuelas y yo voy a tener un cierto control en su calidad, estoy conforme. J.C.: Tu vida personal y tu carrera han cambiado radicalmente en lo positivo. Pero nuestra cultura actual parece poner más y más presiones a la juventud para tener éxito. ¿Sientes tú que fue ese tipo de presiones las que te causaron problemas? R.D.Jr: Mi problema fue una desesperación de hacer algo con mérito. Lo curioso es que esas presiones para tener éxito malinterpretan lo que es verdaderamente el éxito. El éxito no tiene nada que ver con la fama, yo creo. Tiene que ver con lo que tú haces de tí mismo, una sicología moral. Yo creo que primordialmente es un problema de la cultura de nuestra parte del mundo, pero yo veo que más y más se está convirtiendo en un problema global. Parte del problema es la época en que vivimos, la parte negativa de la edad de la información. Tal vez inintencionalmente impartimos a una entera generación que el éxito es algo que tiene que ver con una percepción externa. ¿Tuviste éxito en televisión? ¿Sacrificaste tu juventud para entrar a una universidad de la que tus padres puedan presumir a sus vecinos y amigos? Todo eso realmente me alarma. J.C.: Tú y Mel Gibson se hicieron buenos amigos cuando trabajaste con él en Air America. Cuando tú tuviste problemas él te defendió, y tú lo defendiste cuando él los tuvo. Pero ahora ha salido a la luz otra grabación suya que nuevamente lo hace verse mal. ¿Es un problema para tí saber en quién confiar y en quién no confiar?

J.C.: Por otra parte, tú has dicho que fue el éxito de Iron Man el que te devolvió el respeto de la industria. 61

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R.D.Jr: La idea de vivir tu vida asumiendo que siempre van a grabar lo que dices es terrible. En quien confías es tu responsabilidad, pero a veces esa confianza es traicionada. Aunque generalmente, si consideras a quien traicionó tu confianza, vas a tener la respuesta que necesitas. Es todo lo que te puedo decir. En cuanto a Mel y yo, si él pudiera hablar sobre la historia de nuestra amistad, te contaría las muchas veces que me extendió la mano para darme de comer, y yo le quité la comida y le mordí la mano, porque yo no estaba saludablemente bien para responder apropiadamente. J.C.: Tu próxima película obviamente va a ser Iron Man 3. Pero aparentemente Elton John está pensando en filmar su biografía y ha dicho que quiere que tú lo interpretes. ¿Se ha comunicado contigo? R.D.Jr: No, pero históricamente nunca me dice cuando me va a dar un papel (ríe). Yo recuerdo que hice un video musical para él. Me llamó y me dijo que no quería hacer el video de la canción “I Want Love”, porque ya 62

había estado en demasiados videos y quería que yo la cantara con su voz. Después me enteré que la verdad era que andaba por el sur de Francia comprando antigüedades y no quiso molestarse con venir a grabar el video. A lo mejor ese fue otro momento muy importante en mi carrera, porque me veía muy bien en ese video (ríe). J.C.: Antes de terminar, vamos a lo personal. Hasta hace poco las funciones de tu hogar estaban bien definidas, Susan tu esposa era la productora, y tú el actor. Pero ahora hay un nuevo personaje, Exon Elías, que nació el pasado 7 de febrero. ¿Cómo han cambiado las cosas? R.D.Jr: Bueno, ahora Exon Elías es el jefe que maneja todo. Es estupendo. Tú conoces a Susan, me has visto con ella y sabes que es una productora muy eficaz y creativa, pero ahora lo que produce son diez onzas de leche a la vez (ríe). Mi función es estar ahí para agarrar las botellas, llevarlas al refrigerador y después verla sacar más leche. La llamo la Lechera Poderosa.

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Portrait d´un assassin (1949) Una de las últimas películas en la que participó María Montez y que ha sido considerada por la crítica especializada como una de sus mejores actuaciones. Título en español: Retrato de un Asesino Año: 1949 Intérpretes: María Montez, Erich Von Stroheim, Arletty, Marcel Dalio y Pierre Brasseur Director: Bernard-Rolan Fotografía: Roger Hubert Duración: 100 minutos País: Francia Género: drama/thriller