Revista Contraluz #28 by Agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra

contraluz OUKA LEELE

ÁNGEL FUENTES DE CÍA HELENA TABERNA

Revista AFCN

#28 junio 2012

editorial C

Por un futuro con memoria

uando la violencia de la Guerra Civil llega a la localidad de Alzania en la película La Buena Nueva, de Helena Taberna, el sacerdote al que da vida Unax Ugalde toma nota de los lugares donde yacen los cadáveres de los represaliados porque, como dice, los muertos que se olvidan mueren dos veces. Esta idea encierra la esencia de la memoria histórica y sobre este concepto reflexiona en estas páginas el conservador Ángel Fuentes cuando afirma estar dispuesto a salir de esta crisis empobrecido pero no dos veces pobre porque los recortes hayan provocado el deterioro de nuestro patrimonio. Unos recortes de los que el cine se está llevando la peor parte; los Presupuestos Generales del Estado han reducido un 35% el Fondo de Protección a la Cinematografía, y durante los primeros meses de 2012 se han comunicado una tercera parte de rodajes que un año antes. Además, muchos festivales viven una situación dramática; sin salir de Navarra, el ejemplo más evidente es el Festival Punto de Vista, que, después de siete ediciones, se ha asomado al abismo para sobrevivir convertido en cita bienal. Y la Fotografía no vive días mejores, inmersa en la crisis que amenaza de muerte a nuestros medios de comunicación. Un contexto que ha motivado la reciente creación de la ANIGP-TV Navarra (Asociación Nacional de Informadores Gráficos de Prensa y Televisión Navarra). Y en esta situación generalizada de desánimo, un equipo humano que compartimos ilusión y ganas de trabajar hemos hecho nuestra la definición que aporta la RAE de la palabra contraluz: “Vista o aspecto de las cosas desde el lado opuesto a la luz”. Hemos apostado por ir a la contra creando una revista nueva bajo el paraguas de una cabecera veterana; aunque tienes en tus manos el número 28 de contraluz, es también el primero de una etapa que se inicia ahora con diseño renovado, secciones nuevas y las páginas abiertas al cine, ya que hasta ahora se centraban en fotografía. Una aventura de futuro que hemos querido comenzar con una mirada al pasado, tan necesaria para no dejar la memoria en las garras del olvido. Tanto la memoria de nuestra historia colectiva, con el patrimonio fotográfico por el que vela Ángel Fuentes; como individual, presente en esas viejas películas anónimas de super-8 que conserva la Filmoteca de Portada: Ouka Leele, Me levanto una mañana, Navarra. Memoria del arte de vanguardia del siglo XX, recuperada en un encuentro al que convocamos a José Antonio hay un gran charco en mi casa. Sistiaga y Fernando Redón para recordar la mítica productora X Films o los Encuentros de Pamplona de 1972, de los que ahora se cumplen 40 años. Memoria perdida, como nos muestra Mercedes Álvarez en Mercado de futuros; y también memoria rescatada, en una maleta llena de fotos que llega desde México cargada de tesoros. Los únicos criterios seguidos para seleccionar los contenidos que nutren esta revista son el interés y la calidad de las propuestas, al margen de las firmas que se esconden detrás. Por eso, la obra de un Premio Nacional de Fotografía como Ouka Leele comparte espacio con el trabajo de Javier Lus, que no ha publicado nunca. Hemos estructurado nuestras páginas en una primera parte dedicada a la fotografía y una segunda al cine, diferenciando las dos por el tipo de papel e incluyendo una sección bisagra donde abordamos contenidos en los que confluyen ambos campos. También hemos abierto sede en Internet, con blog y redes sociales. Con esta nueva contraluz hemos intentado hacer un trabajo ambicioso y honesto. El tiempo dirá si lo hemos conseguido. Andrés García de la Riva Director

contraluz n.º 28 # junio 2012. Consejo Editorial: Junta de Gobierno de la AFCN. Director: Andrés García de la Riva. Consejo de Redacción: Natalia Ardanaz

Yunta, Cristina Núñez Baquedano, Andrés G. de la Riva. Diseño y maquetación: Cristina Núñez Baquedano. Colaboran en este número: Alberto Cañada, Josetxo Cerdán. Impresión: Gráficas Ulzama. Agradecimientos: Javier Armendariz, INAAC (Koldo Lasa y Ana Herrera). Depósito Legal: Na-915/1996. Contraluz es una publicación gratuita editada por la Agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra. La AFCN no se hace responsable de las opiniones de sus redactores y colaboradores. Fotografía contraportada: Ouka Leele, El forzudito. Contacto revista contraluz: info.contraluz@agrupacionfotonavarra.com. Blog: revistacontraluz.agrupacionfotonavarra.com. Dirección y Administración: Domicilio social de la AFCN: C/ Río Urrobi, 3 - 31005 Pamplona. Teléfono: 948 247 433 www.agrupacionfotonavarra.com. Esta publicación ha sido subvencionada por el Gobierno de Navarra, el Ayuntamiento de Pamplona y la Fundación CAN.

sumario

#28

en portada

el cuaderno de

ouka leele

joseba zabalza

en negativo

flashback

ángel fuentes de cía

la maleta mexicana

portfolios

José antonio sistiaga-fernando redón

30 foto fija

archivos de la filmoteca

la butaca de

cine no profesional

helena taberna

festivales

seminario punto de vista-offfpdv

diálogo de las artes

javier lus/maider kuadra

adolfo lacunza

modos de ver

estantería

agenda/noticias/galería contraluz-área ópera prima

da po rta

en 2

La Galería Contraluz de la AFCN acogió entre el 18 de noviembre y el 21 de diciembre de 2011 la exposición de Ouka Leele Una fuente que mana sedienta de sí misma o un volcán ávido de contemplar su propia lava. La muestra de la artista madrileña ha sido uno de los acontecimientos culturales del año en Pamplona. Bárbara Allende Gil de Biedma (nombre real de Ouka Leele, Madrid, 1957) lleva más de tres décadas creando una obra ecléctica y singular. Su incesante búsqueda de la belleza la ha llevado a utilizar medios tan dispares como la fotografía, la pintura, el vídeo, la poesía, la música o la moda. Obra que la ha consolidado como una de las artistas más inclasificables y creativas del país. Las fotografías, colgadas en las paredes de la agrupación, son una muestra de instantáneas realizadas en distintos momentos de su carrera, recopiladas con motivo de la gran exposición antológica titulada Ouka Leele. Inédita en reconocimiento al Premio Nacional de Fotografía recibido en el 2005. Por Natalia Ardanaz Yunta.

“Solo la vuelta al ser humano real puede hacernos ver que la crisis es una fea creación, que podemos crear otras cosas mucho más humanas, bellas e interesantes”

•Tu muestra instalada en Pamplona se titulaba Una fuente que mana sedienta de sí misma o un volcán ávido de contemplar su propia lava. ¿Cómo definirías tu estado creativo actual: más sediento o contemplativo? Pues me veo siempre sedienta y contemplativa. Contemplativa al saberme arte y parte de la gran obra cosmogónica en la que estamos inmersos y, por otro lado, sedienta siempre de mi propio interior creativo, sedienta de dar o de traer la Belleza y el Misterio a esta realidad. •¿Crees que, a nivel cultural y artístico, hemos pasado en este país del frenesí posdictatorial al conformismo posdemocrático? ¿Está sirviendo la crisis de acicate creativo en el arte como está ocurriendo con las movilizaciones sociales? Eso espero, en eso creo. Solo la vuelta al ser humano real puede hacernos ver que la crisis es una fea creación, que podemos crear otras cosas mucho más humanas, bellas e interesantes. Y claro, la crisis económica es fundamental para hacernos despertar de tanto apego a lo material y al consumo y vivir un despertar de lo que estábamos dejando dormido. •Siguiendo con la movida, se te asoció con un icono, símbolo de la posmodernidad. ¿Cómo te sientes con esas etiquetas? No me parece mal, formé parte de mi generación, había muchos tipos de iconos, cada uno muy diferente al otro, pero había un hilo de unión, un trabajo exahustivo, gran derroche de investigación, La fotografía como escudo.

creatividad y riesgo.

El Beso.

•Almodóvar decía “no teníamos memoria”… ¿Qué

aporta cada lenguaje? ¿Son todos vehículos distin-

crea y viene del ser, me tiene fascinada. Aunque…

recuerdas de esos años a caballo entre Barcelona

tos que permiten expresar los mismos conceptos o

antes está el pensamiento, la palabra es su vari-

y Madrid? ¿Eras consciente de estar viviendo un

reflexiones? ¿Qué surge antes, la idea que quieres

ta mágica. No hacen falta cables, ni artilugios ni

momento tan importante para nuestro devenir cul-

transmitir o el vehículo de expresión a través de la

grandes escenarios… Todos los escenarios imagi-

tural? Sin embargo, con el tiempo has huido de las

escritura, fotografía o pintura?

nables están dentro de ti, o fuera, pero accedes

grandes urbes...

Cada medio y cada técnica es una vía distinta, te

desde tu interior. Y lo mejor de todo es que el lec-

Sí, era consciente de estar viviendo algo importan-

aporta cosas distintas y transmites de forma dife-

tor, o el que escucha, forma esos escenarios e imá-

te y llevo toda mi vida manteniendo el tipo para

rente, y la búsqueda es la misma pero cada disci-

genes de forma libre, totalmente libre, en sí mismo

que así sea y no quedara en algo banal, como se

plina la encuentras más apropiada en cada mo-

y esas imágenes son cambiantes, están vivas en

ha intentado hacer ver algunas veces por algunas

mento diferente, en cada etapa de tu andadura.

esa persona y evolucionan con ella.

voces. Recuerdo como si fuera hoy, un día, ha-

Aunque te diré que para mí, el tiempo es redondo

blando con Ceesepe y que él me decía: “¿te das

y no lineal.

•Por otra parte, la poesía supone una de las formas

cuenta que estamos viviendo algo como pudo

A veces, ya después de tantos años y ya cono-

más íntimas de afrontar el proceso creativo, inclu-

ser lo que vivía Picasso en el Bateau Lavoir?” Y lo

ciendo bien el río de la creación, voy a ciegas,

so más que la pintura o la fotografía, ya que no

recuerdo exactamente porque en ese momento

cojo un papel en blanco y dejo que la poesía se

necesita de modelos o escenarios. Esto contrasta

sentí que lo que él decía era cierto. Se me que-

pose en él, sin ninguna idea preconcebida, otras

con el desarrollo de obras grandiosas tuyas como

dó grabado en mi memoria como otras cosas que

veces, el poema viene a mi mente y no se va has-

El jardín metafísico o performances multitudinarias

han sido clave en mi vida y que nunca podré ol-

ta que lo escribo, aunque últimamente he de ser

como las de la Cibeles o El Retiro. O una performance que hice delante

vidar. •Dice Rafael Gordon, comisario de tu última gran exposición y director de la película documental La mirada de Ouka Leele, que tu obra gráfica es cine en esencia. ¿Te hubiera gustado

“TODOS LOS ESCENARIOS IMAGINABLES ESTÁN DENTRO DE TI, O FUERA, PERO ACCEDES DESDE TU INTERIOR. CUANDO CONOZCO A ALGUIEN CUYO TRABAJO ADMIRO LE REVERENCIO Y LE AYUDO TODO LO QUE PUEDO; ANTE EL ARTE, SIEMPRE HAGO REVERENCIAS Y VOY COMO UNA MOSCA A LA LUZ”

del Palacio de Oriente con 1.500 personas formando una espiral. Lo mejor de esa fue lo que ha quedado grabado en el vídeo que rodamos, toda la espiral en movimiento, pues les pedí que se dieran la mano y empezaran a deshacer la espiral. Fue impresionante

crear más obra cinematográfica, tienes algún proyecto en mente?

rápida pues estoy metida en tantos fregaos que

verlo, yo estaba en una grúa a 40 metros de altura.

Claro que sí, el cine es para mí una pasión, lo único

enseguida se me van si no los apunto.

Pues sí, he de reconocer que me gustan los gran-

que me ha frenado es la gran cantidad de dine-

También puedo llegar a hacer una fotografía con

des retos y por eso hago cosas grandiosas. Pero la

ro que hace falta para producir una película. Si te

una ligera idea de lo que voy a hacer y dejo a la

creación intima de un poema, eso es una absoluta

das cuenta, en cada imagen cuento una historia.

foto ir apareciendo; otras veces, lo tengo todo

delicia.

Son como minipelículas y la producción es muy pa-

pensado pero el azar y el misterio me sobrepasan

O un dibujo, o una acuarela. Me encanta, es algo

recida a un rodaje, pero de un solo fotograma. Sé

y actúan y mejoran con creces todo lo que yo ha-

tan humano y divino a la vez…

que el cine es algo que tengo pendiente y que de-

bía pensado. •Tu página web en construcción se titula El para-

bería hacer. Al principio rodaba en super-8 y luego lo montaba con celo a mano. Tengo una película

•Tu obra, a lo largo de toda tu trayectoria está

guas de Ouka Leele. ¿Crees que hay que mojarse

de aquella época (1978-79) que es ya una reliquia

acompañada de una gran carga lírica. Última-

o cubrirse hoy en día? ¿Funcionan el paraguas y la

y que guardo como oro en paño. Acabo de ha-

mente has manifestado tu interés por centrarte en

cámara como instrumentos similares tras los que

cer una película corta, Pour Quoi? Y sigo rodando,

la poesía. ¿Supone tu carrera un viaje de búsque-

protegerte? Sin embargo, aunque por una parte te

pero me falta montarlo. En eso estoy…

da de la esencia en la expresión artística?

proteges tras la cámara, a la vez utilizas tu propia

Por supuesto, se trata de ir a la esencia, claro que

imagen como materia prima de tus obras.

•Has combinado fotografía, pintura, cine o litera-

sí, expresar lo máximo con lo mínimo. Y por eso,

Quién mejor que yo para expresar mis propias

tura como distintos medios de expresión. ¿Qué te

la palabra, que es un instrumento espiritual y que

emociones filosóficas… Creo que hay que mojarse

siempre. La idea del paraguas fue porque le conté una anécdota a David, que estaba haciendo la página (página misteriosa que lleva 5 años en construcción). Yo estaba haciando un retrato en el campo y se puso a llover, entonces dije que teníamos que ir al pueblo más cercano para comprar un paraguas y proteger con él la cámara. Cogimos el coche y nada más arrancar, a pocos metros, había un paraguas en mitad de la carretera, una carretera totalmente solitaria... He llegado a pensar que me llueve del cielo lo que necesito en cada momento. De ahí viene lo del paraguas, tiene más que ver con la Fe, con la creencia en que el Universo es bondadoso, que con la idea de guarecerse o de no mojarse por nada. •Has asegurado que “la tecnología ha convertido la fotografía en algo al alcance de todos. Los jóvenes no deben esperar a tener la cámara de sus sueños, cualquier aparato tiene su lenguaje e incluso un móvil puede ser poético”. La fotografía 6

al alcance de todos también tiene efectos negativos, como el intrusismo profesional, un debate de plena actualidad en esta crisis… No hay que tener miedo a nada, ni al intrusismo. A ver… que se midan conmigo, saquen sus móviles señores y si lo que hacen lo reconozco como arte, me quitaré el sombrero; si no es así, pues que se diviertan. El arte da igual quien lo haga, lo importante es que se haga. Cuando conozco a alguien cuyo trabajo admiro le reverencio y le ayudo todo lo que puedo; ante el arte, siempre hago reverencias y voy como una mosca a la luz. El aprendiz de payaso.

•¿Cómo afecta la revolución digital a la esencia

•Tu jardín metafísico de 300 metros me ha lleva-

Esa obra es mi luto y mi curación tras su muerte. Es

de la fotografía? ¿Cómo ha cambiado tu trabajo

do a mirar de nuevo El jardín de las delicias de El

la vida que nace de la muerte. Exactamente.

el photoshop?

Bosco, un cuadro que recoge simbólicamente el

Lo ha hecho más cómodo, más de silla. El photos-

principio y fin del ser humano… Su jardín metafísi-

•En la actualidad estás trabajando en una reedi-

hop para mí es como el laboratorio, pero con otra

co, ¿es lo que han denominado la sublimación de

ción de bibliófilo de El Quijote. ¿Sigues guiándote

forma de hacer. En cantidad se hacen muchíiiiisi-

lo cotidiano, la creadora de la mística doméstica,

por la pasión y la capacidad de conmoverte a la

mas más, pero en calidad, pues como siempre, los

o tiene algo de trascendental?

hora de decidirte?

artistas son raras avis.

No sé… El mural lo comencé al morirse mi madre.

Me cuesta decir que no… Pero si no siento nada

“Sueño con un apagón y que no tengamos que seguir tan pendientes de tantos cables y ondas eléctricas. Y volver a las velas, al silencio, a escribir cartas…”

ante un trabajo o veo imposible para mí hacerlo, por ética o porque no me siento comprendida por quien lo encarga, entonces, sí, me sale un no rotundo. •Internet, redes sociales, ¿la obra sin público no tiene sentido? ¿Cómo las usas, por qué te atraen? Porque son divertidas, pero no te creas que las utilizo con algún fin, me dejo llevar. Me hace gracia cuando veo a Santiago Segura en el twitter con un millón de seguidores, y pienso, tengo que ponerme a ello, pero luego no hago nada, me acuerdo del twitter y pongo algo, pero es que es otro lenguaje nuevo que me cuesta. Sueño con un apagón y que no tengamos que seguir tan pendientes de tantos cables y ondas eléctricas. Y volver a las velas, al silencio, a escribir cartas… Pero por otro lado, creo que estas redes sociales nos enriquecen y favorecen mucho la comunicación; son también un tipo de prensa viva, a veces prefiero enterarme de las noticias por las redes que por los informativos oficiales. •Susan Sontag decía que “se admira a los fotógrafos sobre todo si revelan verdades ocultas de sí mismos o conflictos sociales no cubiertos del todo en sociedades próximas y distantes de donde vive el espectador”. ¿Por qué crees que se te admira, o qué es lo que admiras ? Lo que se admira no lo sé, no estoy en el pellejo de los que puedan admirarme, pero… por lo que he oído en todos estos años, pues porque derrocho color, creatividad, libertad… Y eso me dicen que les ha ayudado a ser más libres o a atreverse a dedicar su vida a su pasión. •Ouka Leele es el nombre de una constelación inventada. Después de treinta años de creación, ¿con que nombre bautizarías a tu universo? Con el mismo siempre: AMOR.

El Principito.

cuaderno de

joseba zabalza

Basurero Ciudad de Guatemala, 1999.

welcome to the garbage mountain Welcome to the garbage mountain es el trabajo más extenso que he realizado. Empezó en Guatemala en el año 1993, aunque se puede decir que fue en mi segundo viaje a ese país en 1999 cuando me planteé esta locura que me ha llevado por muchas zonas del planeta para saber cómo viven los millones de personas que se dedican a la recolección de residuos. Mi querencia a mirar desde pequeño entre las basuras, como una forma natural de conseguir objetos valiosos, la aventura que para todo niño es buscar un tesoro perdido, hizo que me quedase enganchado al mundo de los herederos del “Hombre del saco”. Sin embargo, aquello no era un juego infantil, no era buscar algo de chatarra para venderla y tener algo más de dinero para pasar las fiestas del barrio. Era la lucha por sobrevivir de unas personas que son tratadas como desechos, que sus vidas y sus ilusiones valen tanto como la lata de aluminio que recogen, la historia de los primeros ecologistas a tiempo completo y dedicación forzosa. 10

Después de todos estos años he aprendido que la basura es muy distinta dependiendo la zona del planeta donde se tire, incluso la zona de la ciudad de donde provenga, pero que la gente que la recoge es la misma. Chamarileros, Cirujas, Guajeros, Pepenadores, Buitres, Rebuscas y Scavengers aunque con nombres distintos, forman parte de una gran familia, de la estirpe de los millones de personas que viven de las migajas que nos sobran a los privilegiados.

Foto izqda. Basurero Ciudad de Guatemala, 1999. Foto dcha. Basurero de Antananarivo, 2001.

Querian que bebiese con ellos y yo queria tomarles fotos. Me pase un buen rato en esa taberna. Basurero de Payatas Manila, 2002.

Los traperos decidieron, que era la forma mas facil de sacar los cojines.

Traperos de EmaĂşs, Pamplona, 2010. 14

Era muy dificil aislar una imagen entre tantos, en la zona de libre acceso, donde descarga el camion volquete.

Basurero de Ciudad de Guatemala, 1999.

Muchos de los cinujos que rebuscan en la basura son ninos. Por la manana algunas veces van a la escuela. No hay tarde que dejen de ir a trabajar.

Tren Blanco, Buenos Aires, 2004. 15

Basurero de Payatas, Manila, 2002.

Un sombrero - paraguas es muy practico contra esos diluvios. Anteriormente solo los habia visto en Sanfermines, en el tendido de sol.

Y se tumbo entre la basura, era la reina del vertedero y posaba para mi. Basurero de Antananarivo, 2001.

Joseba Zabalza (Iruñea, 1966) Fotógrafo trotón, realiza trabajos fotográficos de todo tipo que compagina con su trabajo fotoperiodístico diario y con reportajes de interés personal. En los últimos años ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. Tiene cinco libros y catálogos publicados: El Bulevar del Zope, año 2008; Welcome to the garbage mountain, 2010; y Té Amargo, 2012. Este último trabajo, realizado junto al fotógrafo catalán Xavi Piera en el Centro de heridos de guerra y minas Mártir el Sheriff situado en los campos de refugiados saharauis en Tindouf, se presentó el pasado abril de 2012 en Anaglifos Art Factory de Barcelona. www.josebazabalza.com

Fuentes d

Considerado el restaurador y conse cultural en soporte fotográfico más este navarro ha tenido en sus manos historia de la fotografía mundial. Por Fotografía de Cristina Núñez

Ángel de Cía

ervador de patrimonio s prestigioso del país, una buena parte de la

r Andrés García de la Riva. Baquedano.

en negativo Cuando al comienzo de Drácula de Bram Stoker (Francis Ford Coppola, 1992) el joven abogado Jonathan Harker llega al castillo del conde, el vampiro descubre en un retrato de Mina, la prometida de Harker (interpretada por la actriz Winona Ryder), a la viva imagen de un amor perdido siglos atrás y decide entonces viajar a Londres para seducirla. Pocos saben que ese retrato es un daguerrotipo realizado por un navarro; y es que, a pesar del prestigio que supone para un profesional de la imagen recibir un encargo de un director como Coppola, Ángel María Fuentes de Cía (Pamplona, 1955) no se refiere a este proyecto hasta el final de nuestra entrevista y lo hace tras la insistencia de contraluz: “Había dificultades para hacer el daguerrotipo de Winona y, como había que trabajar mediante matriz negativa y yo tenía cierta práctica, me lo plantearon a mí. Les propusimos alternativas, como hacer un negativo y poner un espejo o hacer una transparencia pero Coppola quería el daguerrotipo. Hice una serie de 22; la productora me pidió 20 y me quedé dos por cuestión sentimental. Coppola cometió errores tremendos voluntariamente; la película transcurre en 1892 y desde 1860 ya nadie hacía daguerrotipos, pero la película es un homenaje a la modernidad, a la fotografía, al cinematógrafo, a la máquina de escribir… y se empeñó en incluir el daguerrotipo”. Coppola se encomendó a Ángel recomendado por Grant Romer, conservador jefe de la George Eastman House de Nueva York, institución donde el navarro se formó a final de los años setenta, considerada el faro de la restauración fotográfica en el mundo. Además, se licenció en Filología Hispánica y Restauración de Patrimonio Cultural y completó sus estudios en Dinamarca, Francia e Irlanda. Miembro de los institutos Americano e Internacional de Conservación y de las sociedades Argentina, Francesa y Española de Fotografía, en la actualidad, Fuentes es un reconocido especialista en procesos fotográficos del siglo XIX y se le considera el conservador y restaurador de patrimonio cultural sobre soporte fotográfico más importante de España y uno de los más destacados a nivel in-

ternacional. Durante casi cuarenta años, Ángel ha compaginado este trabajo con la docencia, contribuyendo a formar profesionales en medio mundo después de haber impartido más de 300 cursos de tecnología fotográfica y conservación a archiveros —”la última línea de defensa entre el patrimonio y el olvido”—, conservadores, historiadores del arte o fotógrafos. Ángel nos abre las puertas de su casa en Zaragoza una mañana de sábado. En esta ciudad vive desde hace 39 años y aquí tiene su estudio de restauración, aunque en Pamplona se encuentra la sede de la empresa que fundó en 1993 junto a su amigo Jesús Cía: CAAP (Conservación y Acceso a Archivos Patrimoniales). Durante una extensa conversación, también nos abrirá su corazón cuando recuerde con cariño su juventud en aquella Pamplona “carlista y de misa diaria”; una época, sin embargo, de apasionamiento artístico, contrabando literario y estraperlo musical compartida con Paco Avizanda, Jesús Cía y Fernando López Baquedano. “Conseguíamos un montón de discos traídos de sitios como París y los propios locutores de las emisoras nos los pedían para radiarlos”. Eran unos años en los que “la relación entre lo que soñabas y lo que hacías tenía muy poca distancia”, como rodar cine: “Con 16 años hicimos una película en 16 mm. completamente underground, reuniendo nosotros el dinero para producirla”.

“No he encontrado sentido a dedicar el tiempo que exige ser un autor fotográfico; he preferido disfrutar del trabajo de otros” A pesar de su mirada dura y su voz grave, la distancia corta revela a una persona cercana, humilde, generosa, amante de los placeres sencillos, dotada de una delicada sensibilidad artística y voraz devoradora de cultura. “Llevo toda la vida escribiendo y haciendo fotos porque no puedo evitar hacerlo pero no he encontrado sentido a dedicar el tiempo que exige ser un autor fotográfico; he preferido dedicar mi tiempo a leer y disfrutar egoístamente del trabajo de otros. Y eso que lo tuve fácil para ser artista porque trabajé durante 14 años en la galería Spectrum de Zaragoza, pero deontológicamente no podía utilizar la galería para promocionar mi obra”. Convencido de que el arte es algo “fundamental porque sin él solo somos una sociedad cutre y primitiva”, Ángel Fuentes confiesa su pasión por la literatura y la pintura anteriores al siglo XXI. “Tengo la sensación de que la relación discurso-plástica estaba más equilibrada antes que ahora; hoy hay que ser artista y también hay que ser millonario.

“Creo que la fotografía afecta a la gente y puede provocar emoción de muchos tipos. Tiene la capacidad fascinante de enlazar memorias sentimentales y eso le da un alto valor, por eso la gente guarda las fotos. Para mí, la fotografía más importante es la de mi padre, que ya falleció. Por eso, si ante un incendio tengo que elegir entre llevarme una de Avedon o la de mi padre, dejo la de Avedon; ya la veré en el Metropolitan o en el Moma” Disfruto más del arte prehistórico que mucho del contemporáneo; de lo acCaja realizada por Jesús Cía para albergar el original del Grafoscopio de J. Laurent; la caja permite el avance informatizado y autónomo de la pieza de más de diez metros formada por un mosaico de copias a la albúmina adheridas a una banda textil, ello permite evitar deformaciones y garantizar su protección.

Detalle de la pieza antes de su restauración en el Museo del Prado llevado a cabo por un equipo multidisciplinar dirigido por Ángel Fuentes.

tual, me interesa más una instalación que una pintura. Tengo el cerebro demasiado abollado para que me baste el mero impacto visual; ahora necesito mucho más discurso. A veces de todo un Arco no me llevaría ni 10 cosas”. También admite su “admiración” por el cine: “Tiene un lenguaje muy complicado porque no es estático y requiere de un conocimiento extraordinario”. Como conservador de fotografía ha estudiado los mecanismos de custodia y degradación de la película fílmica: “Ambos soportes están muy unidos, la fotografía dio paso al cine y casi todo el cine está rodado en películas Kodak”. Cinéfilo declarado, posee una colección digital de varios miles de películas y ha llegado a ver Ciudadano Kane “plano a plano”. En su terreno, Fuentes prefiere la fotografía monocroma que en color y, sobre todo, los negativos fotográficos, “ver la matriz más que las propias copias”. Para él, un buen fotógrafo es el que articula un discurso, “cuando sabe elegir una opción entre todas las variables posibles y construye un relato a través de una tecnología compleja”. Y una buena foto debe tener “alma fotográfica; a veces lo con-

“Una buena foto debe tener alma fotográfica; a veces lo consigue la instantánea más trivial y a veces, auténticas catedrales del discurso estético” sigue la instantánea más trivial y a veces, auténticas catedrales del discurso estético, como las de Tina Modotti, Rafael Navarro o Manuel Álvarez Bravo”. En su faceta de fotógrafo, Ángel se ha especializado en procedimientos preindustriales, como daguerrotipos, ambrotipos, albúminas o papeles a la sal, “donde, desde el principio hasta el final del proceso de producción, todas las decisiones son tuyas. Esto me genera una sensación que me une al inicio de la fotografía y me hace valorarla de una forma muy especial. Soy un hombre del siglo XIX que aguanto el XX porque nací en él y sufro el XXI como puedo”. Y también ha coqueteado con el coleccionismo. “He sido comprador de fotografía pero empecé muy tarde. Antes era asumible pero hoy el mercado es muy caro, me excluye. Ahora custodio una gran cantidad de

imágenes del siglo XIX porque para conocer las pautas de deterioro tienes que examinar mucho material y como docente tienes que disponer de procedimientos históricos”. Como conservador, Fuentes ha tenido entre sus manos buena parte de la historia de la fotografía mundial. “Aunque con mi profesión no te vas a poder comprar un Ferrari, me ha permitido trabajar con auténticos tesoros, como el primer daguerrotipo de Daguerre ralizado por Sabatier, un retrato en papel a la sal de Henry William Fox Talbot o uno de los tres únicos daguerrotipos

“El nacimiento de la foto digital no tiene nada que ver con el de la foto físico-química. Entonces había muy pocos operadores que producían muy pocos registros y estaban muy bien pagados porque eran el brujo de la tribu, podían detener el tiempo”

que existen de la memoria urbana de Nueva York. Todo el mundo los ha visto reproducidos en libros y yo los he tenido en las manos”. Aunque se pueda pensar en la restauración fotográfica como un trabajo de artesanía, Ángel asegura que está más próximo a la ciencia. “Se cree que tenemos una mano exquisita y dedicamos cientos de horas a un trabajo preciso y precioso, pero lo hacemos a través de analítica, con la ayuda de microscopios y de utillaje complicado”. Ángel trabaja normalmente en su propio estudio porque casi

“A mí la fotografía digital me parece una matriz apta para destilar información, ya que aplica los mismos criterios que la fotografía físico-química, como la exposición o el balance de blancos”

ninguna entidad que custodia patrimonio fotográfico dispone de instalacio-

greso internacional en el que se revisaron treinta años de ciencia aplicada

nes apropiadas para la restauración. En contadas ocasiones lo hace para

a la restauración y conservación del patrimonio fotográfico. Fuentes ejerció

particulares, como recientemente para el embajador de Estados Unidos en

de director científico en esta cita donde se actualizaron los míticos encuen-

España, Alan Solomont.

tros de París de 1984 y que contó con la presencia de los protagonistas de

A diferencia de otras áreas del patrimonio cultural, la restauración de foto-

entonces, como Anne Cartier-Bresson, Grant Romer o James M. Reilly. “Estu-

grafía tiene unos límites deontológicos muy severos. “En la pintura, se puede

vimos analizando qué quedaba en pie en cada parcela de la conservación.

reintegrar la pérdida de materia pictórica pero nosotros no podemos inven-

Cuando yo empecé, defendíamos cosas que hoy son insostenibles. Soy la

tarnos al fotógrafo ni la información fotográfica. Somos uno de los campos

última generación del vudú y la primera que aplica ciencia a la conserva-

donde el concepto de restauración genera menos satisfacción”. Fuentes

ción”.

advierte de que “la gente tiene una visión extraña y peligrosa de la restaura-

Después de tres décadas de vida, esta profesión afronta en la actualidad

ción; se cree que podemos hacer cualquier cosa con el patrimonio porque

sus mayores retos, comenzando por el económico: “Custodiar patrimonio es

si se produce un accidente ya vendrán los restauradores y lo dejarán como

caro, y más en un país tan viejo como España, donde hay mucho. Nadie

nuevo y eso es desconocer la restauración. No es lo mismo restaurar que

obliga a una institución a custodiar, pero si se hace con la propiedad de un

reparar, que es devolver una cosa a su función; restaurar es algo que se lleva

bien, está obligada a su custodia; hay una responsabilidad civil y política”.

a cabo sobre un patrimonio cultural valioso y que en consecuencia te obliga

Y aunque la situación ha empeorado con los recortes aplicados por la cri-

a extremar los criterios”.

sis, “hay límites en patrimonio que no son negociables. Puedo aceptar que

Cuando Ángel se formó como conservador en Estados Unidos, la distancia que separaba a aquel país del nuestro era de una generación, “pero hoy en 22

cuando se pase la crisis sea un 30% más pobre, pero no dos veces más pobre porque se haya perdido patrimonio”.

día trabajamos con los mismos criterios, normas y procedimientos”. Prueba

La conservación también se enfrenta a la ingente cantidad de imágenes

de ello es la celebración en 2011 en Logroño de Fotoconservación, un con-

que se generan hoy en día: “A la velocidad a la que estamos produciendo

“Con la luz y los cambios de humedad y temperatura, el color de nuestras fotos, como las de la primera comunión, cambia y se vuelve de ciencia-ficción. Mi madre las guarda en unas latas de Colacao que pone fotos. Pero como a todo el mundo le gusta disfrutar de sus imágenes familiares colgadas en las paredes de casa, una buena solución es la digitalización y la adecuada custodia de los negativos, ya que son la matriz que permite nuevas copias”

Daguerrotipo de formato placa completa que presenta un severo deterioro químico por lixiviación en la hoja de vidrio original. Cambiar un elemento de la estructura morfológica histórica es una decisión difícil que se toma en contadas ocasiones. El segundo registro muestra la pieza tras la sustitución del vidrio; presenta un claro aumento de su legibilidad como documento. Colección privada, EE.UU.

“Hay mucha gente que edita sus fotografías con pro-

“Con las copias que produce la fotografía digital, pa-

gramas muy simples y les va haciendo modificacio-

sando de una impresora a otra, o de autores que tie-

nes, cambiando el color... Si no guardan memoria de

nen un control de la gestión de color extraordinaria

cómo estaban esas fotos antes, se van produciendo

a autores que dan menos valor a la toma porque de-

mutaciones y al final lo que ves en pantalla no tiene

positan su esperanza en el photoshop, sucede que

gran cosa que ver con el click que se había hecho al

hay momentos en que uno no sabe lo que está viendo

principio”

aunque reconoce que es bellísimo”

no todo es ingresable. Como decía Grant Rommer, trabajar con material fotográfico en su conservación es como reorganizar el naufragio del Titanic, siempre habrá más pasajeros que botes. Y esto es dramático y por eso las decisiones deben ser mesuradas y colegiadas con distintos colectivos, ya que hablamos sobre algo que es de todos y en donde se invierte dinero público. Con demasiada frecuencia, la clase política confunde patrimonio e información patrimonial y piensan que por digitalizar una foto se puede descuidar el soporte. Pero una foto de un Stradivarius no es un Stradivarius”. Y a todo esto se suma la irrupción de las nuevas tecnologías: “Yo tengo una

deuda impagable con Internet, que me permite trabajar en tiempo real con gente de todo el mundo. Pero no hemos sido capaces de interpretar lo que supone porque la tecnología va muy por delante de cualquier planteamiento archivístico, deontológico o patrimonial. Vamos a sufrir un periodo confuso en el que cuando intentemos entender los 20 primeros años de la tecnología digital aplicada a la fotografía habrá un vacío muy notable de criterio”. Regresando a su origen, Ángel Fuentes reivindica la aportación de su tierra natal a la fotografía. “Navarra se incorporó pronto a la fotografía porque los operadores itinerantes que venían de Francia entraban por San Sebastián y pasaban por Pamplona de camino a Madrid o a Barcelona. Hay daguerrotipos realizados en Navarra. Y desde el principio, los fotógrafos navarros han llegado a las más altas cotas de su profesión. Aquí hay una pasión por de-

y ahora vamos a consolidar los registros dañados y vamos a preparar el ma-

fender lo fotográfico, como hace la Agrupación Fotográfica en su labor de

terial para que sea conservado”.

difusión, con sus exposiciones”. Como ejemplos de esa pasión cita también

La grabadora deja de funcionar y Ángel se relaja. Antes de marcharnos,

el Fondo fotográfico de la Universidad de Navarra, “a nivel privado, el más

tenemos la oportunidad de descubrir algunos de los tesoros que Fuentes tie-

importante del país sobre fotografía del siglo XIX; guarda tesoros en condicio-

ne en casa: una colección de cámaras antiguas; una instantánea con el

nes excelentes y no se le ha dado la importancia que merece”. O el Archivo

fotógrafo Aron Siskin, “mi padrino en Estados Unidos”; o cuadros de Fernando

Municipal de Pamplona, “en el que estamos a punto de empezar a trabajar

López Baquedano. “También tengo obra de Agustí Centelles, pero las obras

con los originales del fondo Sarasate. Ya hicimos un trabajo de facsimilación

maestras las guardo en una caja”.

flashback LA MALETA MEXICANA Las fotografías redescubiertas de la Guerra Civil Española de

Robert Capa, Chim (David Saymour) y Gerda Taro

Fred Stein [Gerda Taro y Robert Capa en la terraza del Café du Dôme en Montparnasse, París], principios 1936. © Estate of Fred Stein. International Center of Photography

La vida al límite, la historia contada a través de un visor “Afirmaba Capa que si tus fotos no son lo suficientemente buenas es porque no te has acercado lo suficiente” Robert Capa, Gerda Taro y Chim llevaron esta manera de mirar al límite, tan-

El 18 de julio de 1936, un grupo de militares se levantan contra el gobierno

to que esa aproximación a la realidad más cruda acabó con sus vidas. Fotó-

democráticamente constituido de la República. Capa y Taro llaman a su

grafos del período más convulso de la historia del siglo XX, para ellos mirar a

amigo Chim, no lo dudan y suben al primer tren para luchar contra el fascis-

través de un visor era algo más que captar un instante, era escribir la historia

mo con la mejor arma que cuentan, sus Leicas. O quizás, atraídos por esa luz

en un fotograma, congelar la vida en un instante. La muerte les llegó a los tres

que no encontraron en la Europa Central de su infancia. Gerda morirá en el

mientras fotografiaban guerras, y ese final ha teñido de romanticismo sus vi-

frente de Aragón en el 37, Capa desolado buscará en China otra guerra, y

das. La historia ya había encumbrado a estos tres fotógrafos como los padres

regresará a España cuando la República ha perdido ya prácticamente la

del fotoperiodismo, pero el azar guardaba un enorme secreto: tres cajas de

guerra.

color rojo, verde y manila con 4.500 negativos de la Guerra Civil Española, un

Robert Capa tomó en la Guerra Civil su foto más reconocida; “El milicia-

descubrimiento que ha sido recibido por historiadores, conservadores, artis-

no muerto” (5 de septiembre de 1936). El debate sobre la autenticidad de

tas o aficionados como un tesoro que brilla con luz propia.

la foto también ha durado setenta años, verdadera o falsa, representa un

Poco se puede añadir a lo ya escrito sobre Robert Capa. En 1938 era con-

símbolo: la muerte de la República, el idealismo de los que lucharon por de-

siderado el mejor fotógrafo de guerra del mundo, y en la actualidad sigue

fender la libertad y la democracia ante el fascismo. Ninguna guerra como la

siendo un referente difícil de superar por la fuerza desgarradora de sus repor-

de España ha marcado tanto a escritores, fotógrafos o simples trabajadores

tajes en conflictos bélicos como la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra

anónimos que se enrolaron a luchar por defender un mundo que se desva-

Mundial o la Guerra de Indochina, donde falleció en 1954.

necía.

Unos pocos años antes, en 1947, había fundado la Agencia Magnum, junto

La escena de cómo fue tomada la fotografía continúa desenfocada, pero

con su inseparable Chim, Henri Cartier-Bresson, George Rodger y Bill Vandi-

lo importante es lo que todavía representa. En el 2007, se estrenó La sombra

vert, además de Maria Eisner y Rita Vandivert, una agencia cooperativa para

del iceberg, un documental realizado por Hugo Doménech y Raúl M. Rie-

defender su trabajo, libre del control de un medio, periódico o revista. De

benbauer que aborda todo el debate generado alrededor de este tema.

este modo, trabajarían con la libertad creativa y de expresión esencial para

La historia de estos fotógrafos es tan apasionante como el viaje realizado

realizar esas imágenes que han escrito la historia del siglo XX y que continúan

por dicha maleta. Cómo llegaron esos 4.500 negativos de París a México es

siendo iconos en la actualidad.

un periplo con varias versiones, pero lo que sí es seguro es que en octubre del

André Friedman (Robert Capa) nació en Budapest en 1913, con 18 años se

39, Robert huyó a Nueva York ante la inminente entrada del ejército alemán.

fue a Berlín a trabajar como fotoperiodista. Cuando el Partido Nazi tomó el

A partir de ahí, el relato es propio de una novela de aventuras o una epo-

poder, André, joven revolucionario y judío, se trasladó a la romántica París.

peya griega. En 1995, llega a los oídos de Cornell Capa, hermano de Robert

París era una fiesta, y en el París de Hemingway, Scott Fitzgerald, Picasso, en

y encargado de conservar su legado, que los negativos están en México

ese ambiente de fiesta, creación y pasión, se enamoró de la alemana Gerta

en manos de Benjamin Tarver, sobrino de un general que había ayudado a

Pohorylle (Gerda Taro) y ambos comenzaron a compartir trabajo y sueños.

escapar a miles de republicanos. Cornell dedicó parte de su vida a difundir

En ese París de entreguerras pronto encontrarían a otro romántico errante, el

la obra de su hermano, y en silencio seguía las huellas de esos negativos

polaco David Robert Szymin (Chim).

perdidos.

Gerda Taro [Muchedumbre en la puerta de la morgue después del bombardeo aéreo, Valencia], mayo 1937. © International Center of Photography / Collection International Center of Photography

A partir de ahí un historial de negociaciones sobre la legalidad de su propiedad y conservación. Hasta que apareció en escena Trisha Ziff, documentalista que lograría trasladar las cajas al International Center of Photography de Nueva York, fundado por el propio Cornell para conservar el legado fotográfico de su hermano y sus colegas. Trisha Ziff ha realizado el documental La Maleta Mexicana, producción realizada a caballo entre México y España, donde na-

Chim (David Seymour) [Dolores Ibárruri (La Pasionaria), Madrid], finales abril–comienzos julio 1936. © Estate of David Seymour / Magnum Photos / International Center of Photography

rra las peripecias de esas cajas, y donde establece un símil entre el exilio de esos negativos y el de los 500.000 republicanos que cruzaron las fronteras hacia Francia y México. La directora utiliza el pretexto de este descubrimiento para contar la historia de generaciones cuyos recuerdos han sido enterrados. El mismo año que comenzó el rodaje, 2007, el gobierno español aprobaba la Ley de la Memoria Histórica, por la que se reconocían las víctimas de la guerra y de la dictadura. Momento en el que el juez Garzón inicia su causa contra los crímenes del franquismo y autoriza la apertura de fosas comunes. Trisha Ziff aprovechó la coyuntura para abrir esa maleta al tiempo que esas fosas, para desenterrar la memoria borrada. Además de la película, el ICP emprendió la labor de organizar una exposición itinerante para mostrar los negativos y la misteriosa historia que les ha rodeado. La exposición primero llegó a Barcelona al MNAC, dando vida en colaboración con el Periódico de Catalunya a un proyecto apasionante: “Los niños de la maleta”, una labor de búsqueda sobre los niños que aparecen en las fotografías. La maleta expuesta en Barcelona, se encuentra en Bilbao en el Museo de Bellas Artes (27/02/12-10/06/12) con motivo del 75º aniversario del bombardeo de Gernika. El pasado nunca estuvo más cerca… Texto: Natalia Ardanaz Yunta.

Robert Capa [Ernest Hemingway (tercero por la izquierda), el periodista del New York Times Herbert Matthews (segundo por la izquierda) y dos soldados republicanos, Teruel, Spain], finales de diciembre 1937. © International Center of Photography / Magnum Photos / Collection International Center of Photography

modos de

ver

La particular crisis de la Fotografia

Los principales problemas a los que se enfrenta la Fotografía son los mismos

la facilidad más absoluta, gracias a las nuevas tecnologías, para proporcionar

que los de cualquier ciudadano en este momento de crisis económica pero

un testimonio visual de un momento concreto del que está siendo testigo di-

debemos añadirle los de la propia crisis de la profesión.

recto. Las televisiones, los periódicos digitales, las webs, las redes sociales, los

Está claro que la situación actual por la que atraviesa la Fotografía, y más

blogs, están deseosos de tenerlo todo. Esto se merece el mayor de los respetos

en concreto el fotoperiodismo, se remite a aspectos fundamentales como son

pero eso no es ser un periodista gráfico. Debemos marcar la diferencia con el

el alto porcentaje de cierre de periódicos y otros medios de comunicación,

rigor y la ética profesional. Tenemos el privilegio de poder contar experiencias

despidos masivos, EREs, precariedad laboral, etc…

muy diversas en nuestra profesión gracias a una buena formación, historias

Si a esto anudamos la crisis del sector, nos topamos con trabas como la

reales que ocurren en el mundo y en nuestro entorno, historias de personas

censura informativa por la politización de los medios de comunicación, la éti-

que existen, de sus problemas… hagámoslo con responsabilidad. Esta es una

ca profesional por culpa de la manipulación de informaciones y fotografías,

actualidad que nos deja perplejos ante las cientos de fotos que se publican en

y en consecuencia, la falta de credibilidad por la 28

mala prensa que, en parte, nos hemos creado nosotros mismos. Otro problema, la dificultad para dar cabida a los reportajes de documentación o con un trasfondo social que seguramente tengan más

La Fotografía es absolutamente vocacional y necesita seguir transmitiendo la ilusión y la profesionalidad que nos caracteriza en cada una de la imágenes que hacemos

estos medios y que están convirtiendo lo que era una profesión, en ocasiones un arte, en una banalización. Pero lo que llama la atención fundamentalmente es la falta de sensibilidad de los que rigen los me-

interés para el ciudadano que las informaciones impuestas desde los gabine-

dios hacia los profesionales, o más bien hacia el producto bien hecho y aca-

tes de prensa. No hay nada más que ver los periódicos y sus portadas, todos

bado. ¿Por qué se admite el todo vale? ¿Qué ha dejado de importar para

ofrecen los mismo.

que esto ocurra? Son cuestiones que nos hacen pensar en que la calidad

Transcurridos unos años del siglo XXI, la Fotografía es más que nunca parte de

deja paso a la cantidad sin coste alguno, a cambio de perder lo que durante

nuestras vidas. El trepidante cambio tecnológico ha universalizado de forma

muchos años se había trabajado, la preparación, el estudio, el encontrar la

exponencial el acceso al ámbito de la Fotografía. Pese a que los periódicos

manera de poder explicar a través de una fotografía una historia, etc...

han hecho una apuesta firme por acentuar el contenido y la edición fotográ-

El fotoperiodismo, y la fotografía en general, nos atreveríamos a decir, es

fica, la realidad es que se enfrentan a una pérdida de lectores incontrolable.

toda una incógnita en un futuro no muy lejano. Es así como surge la idea de

Los continuos rediseños en un intento de conceptualizar al lector como un es-

que el profesional se asocie en la ANIGP-TV Navarra (Asociación Nacional de

pectador han fracasado ante el tsunami de la Red. El reloj de las rotativas pa-

Informadores Gráficos de Prensa y Televisión Navarra), puesta en marcha re-

rece detenerse ante el abismo de las vertiginosas transformaciones tecnológi-

cientemente, con el objetivo de caminar juntos y en una misma dirección para

cas. En definitiva, los periódicos se enfrentan al ingobernable paso del tiempo.

dignificar una vez más una profesión absolutamente vocacional y que nece-

El futuro de los fotógrafos de prensa esta inexorablemente ligado a estos

sita seguir transmitiendo la ilusión y la profesionalidad que nos caracteriza en

nuevos avances. A nuestro favor tenemos la ventaja de seguir pisando la ca-

cada una de la imágenes que hacemos.

lle, el escenario de las noticias para tratar de ser testigo de lo que ocurre. El fotoperiodismo nació en 1880 con la publicación de una fotografía en el diario Daily Graphic y en la actualidad no podemos obviar el intrusismo de manera especial. Hoy en día cualquier persona es capaz de hacer fotografías y tiene

José Carlos Cordovilla (fotógrafo de Diario de Navarra y presidente de la ANIGP-TV) Antonio Olza (fotógrafo Freelance) Villar López (fotógrafa de la Agencia Efe)

II Premio Nacional de Fotoperiodismo, 2011

Huelga general del año 2010, en Bilbao, mientras manifestantes protestaban a la entrada de un centro comercial. Foto: Álvaro Barrientos. Foto sumario: 15 de mayo de 2011, en Pamplona. Una joven indignada durante la concentración de la Plaza del Castillo. Foto: Villar López.

Portfolio

Javier Lus 50 mm

Las imágenes que acompañan a estas líneas explican, de una forma rápida y sencilla, sobre lo que ha girado mi vida desde hace ya unos cuantos años siendo mi lado más personal, y que además muy pocas habían dado el salto a papel. Todas estas imágenes han partido desde la motivación que supone para mí todo este movimiento lleno de manos manchadas con pintura, locos girando por el suelo, gente patinando... Crecí contando las monedas para ir corriendo al kiosko a comprarme alguna de las pocas revistas de Skate que llegaban por aquí. Ya por aquel entonces la vieja cámara de mi padre también acaparaba gran parte de mi atención. Cuando comencé a tomar mis primeras fotografías no pudieron ser de otra cosa que de mis amigos con los monopatines, y con el paso del tiempo me empecé a preguntar: ¿Cómo se harán las fotografías que veo en las revistas? ¿Por qué parece que la luz viene desde un lateral? A partir de ese momento, y sin saberlo, empecé a saborear una dulce condena que daría paso a un constante flujo de preguntas en mi cabeza. Con el paso del tiempo fui conociendo a personas que más o menos tenían que ver con todo aquello que ocurría a nuestro alrededor, y de esa forma descubrí otras actividades que me llamaban la atención y que podía fotografiar. Años más tarde llegue a la Escuela de Artes y Oficios de Pamplona motivado por una optativa, que era Fotografía, en la que aprendí lo básico utilizando todavía la Canomatic de mi padre.

portfolios Con dieciséis años conseguí mi primer sueldo y tardé dos días en invertirlo en una cámara de fotos. Con lo aprendido en clase comencé a comprar bovinas de película en blanco y negro, comprarme chasis de plástico, hacerme yo mismo los carretes para ahorrar dinero y pasarlos a negativo en el baño de mi casa. El cuarto oscuro que utilizaba consistía en encerrarme a cal y canto en mi cuarto con la persiana bajada, y una toalla en la ranura de la puerta, para así meterme en mi armario como podía para manipular las películas. Para positivarlas, acudía posteriormente al lugar de donde procede esta revista, a la Agrupación Fotográfica de Navarra, donde posiblemente algunos se acuerden de mí. En aquel entonces la fotografía se me planteaba como divertido juego que cada vez me gustaba más y más. Con el paso de los años, el juego se convirtió en lo que actualmente es mi profesión. Mi pasión siempre ha estado presente así como seguir fotografiando todo lo que pasa a mi alrededor.

foto 1. Ayala 2010. foto 2. Alsasua 2011.

Soker- Team Rockers, 2010.

Nosemanual, 2010.

Irún, 2010.

Javier Lus

(Pamplona, 1986) Tras muchos años trasteando con cámaras de vídeo y foto, actualmente trabaja en BiebelStudio, puesto en marcha junto a su socio Akier Percaz en 2011. Trabaja habitualmente en fotografía de producto, publicidad, cobertura para empresas y reportaje social. www.biebelstudio.com

Portfolio

Maider Kuadra Reflejo en un espejo

Los reflejos son la memoria del pasado y los espejos nos devuelven un reflejo, que es nuestro pasado, nuestro recuerdo, nuestra identidad, nosotros. Tengo muy buenos recuerdos de pequeña, recuerdo que siempre me hacía mucha ilusión ir a casa de mis abuelos, me pasaba días y días revolviéndolo todo, para mí eran tesoros que iba encontrando y que luego se los enseñaba a mis familiares, incluso a ellos les sorprendía con agrado ver las cosas y me contaban historias sobre ellas. En realidad se habían olvidado de esos tesoros y algún día también se olvidará la casa y las personas que allí habían pasado sus vidas. Cada rincón de la casa, cada objeto, me llama poderosamente. Hay algo o alguien ahí... que me cautiva. Entro en contacto con esas cosas cotidianas y su energía despierta mi imaginación y mi forma de sentir. Allí están, la esencia de las cosas y los seres queridos viviendo un poco más gracias a nuestros recuerdos. Son muchos los buenos recuerdos y los buenos tiempos en los que estábamos todos. Por eso creo que es importante este proyecto, no quiero olvidar a mi familia y en especial a mi abuelo. Fotografío para no olvidar, ese es el vínculo entre el pasado y yo, con este proyecto logro dar vida a mi pasado y entender mi presente.

Mis proyectos fotográficos versan, en su mayoría, sobre lo efímero e intangible, como los recuerdos, el pasado, los sueños o la vida y la muerte. En mis trabajos nada es casual; busco la belleza y la melancolía que me provoca cada lugar, objeto y circunstancia. Para ello siempre trabajo con bocetos que luego represento.

Maider Kuadra (Pamplona, 1976) Experta en Artes Visuales: Fotografía y Acción Creativa por la Universidad Miguel Hernández de Elche, donde fue becada. Técnico Superior en Fotografía por la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Pamplona. Completa sus conocimientos con diversos talleres con fotógrafos como Jhonn Kimmich-Javier, J. H. Engström, Oscar Molina, Carlos Cánovas, David Jiménez y Manel Úbeda, Julio Álvarez Yagüe, Ciuco Gutiérrez, Xavier Mollá (procedimientos pictóricos), Israel Ariño (heliografía contemporánea “Atelier Retaguardia”). Actualmente está realizando el Postgrado de Dirección de fotografía en cine y HD, CPA (Centro de Producción Audiovisual) avalado por la Universidad de San Jorge de Zaragoza. www.maiderkuadra.com

Para inaugurar esta sección hemos querido juntar al arquitecto Fernando Redón y al pintor José Antonio Sistiaga, dos viejos amigos que comparten un pasado marcado por las vanguardias artísticas de los años sesenta y setenta. Ambos llevan años sin verse. El encuentro se produce un sábado de mayo en el estudio de Sistiaga en San Sebastián. Durante un par de horas, evocan las figuras de Jorge Oteiza y Juan Huarte, la mítica productora X Films o los Encuentros de Pamplona de 1972. Por Andrés García de la Riva. Fotografía de C. Núñez Baquedano.

diรกlogo de 41

las

artes

JOSE ANTONIO SISTIAGA San Sebastián, 1932. Pintor abstracto autodidacta, vivió entre 1954 y 1961 en París y a su vuelta pasó dos años en Ibiza. Durante los años 60 entró en contacto con Jorge Oteiza y fundaron el grupo GAUR. Como cineasta es autor de Ere Erera Baleibu Icik Subua Arauren (1968), una película muda de una hora y cuarto que Sistiaga pintó fotograma a fotograma sobre el celuloide. La película, financiada por Juan Huarte, obtuvo el premio Mikeldi a la mejor película experimental en el Festival Internacional de Bilbao. En 1989 vuelve a unir pintura y cine en la película Impresiones de la alta atmósfera. Su obra se encuentra en museos como el MOMA de Nueva York, el Georges Pompidou de París o el Reina Sofía de Madrid.

Fernando Redón: Tú y yo nos conocimos en los años setenta. Aunque a lo mejor habíamos tenido algún contacto en Madrid, con Jorge Oteiza. José Antonio Sistiaga: Pero yo nunca he vivido en Madrid. Después de volver de París y de estar en Ibiza, entro en contacto con Oteiza en el año 62 aunque, según él, nos conocíamos de mucho antes... Pero no lo recuerdo bien. Tengo una memoria un poco rara. F. R.: Un poco rara no, un poco mala. (Risas) F. R.: Con Oteiza yo tuve mucha relación, primero en Madrid, cuando tenía unos sótanos bastante siniestros, donde había creado un mundo atractivísimo. Aunque no lo parezca, yo soy alférez eventual de complemento. Seguro que no sabes ni lo que es... J. A. S.: Pues no, nunca hice la mili. F. R.: Entonces era obligatorio ir a casa de Jorge. Y ya sabes como era él. Llego un día con el uniforme de campaña, llamo, me abre y dice: “Pero, ¿qué es esto Fernando, un águila disfrazada de coleóptero? (risas). Y una de las cosas que recuerdo con más ilusión de casa de Jorge eran las panzadas de percebes. Él decía que era el más rápido comedor de percebes del mundo porque lo hacía a la vez con las dos manos... (risas).

X FILMS, LA FAMILIA HUARTE Y EL MECENAZGO F. R.: X Films fue como tantas cosas, algo de la familia Huarte. J. A. S.: No solo X Films, Alfaguara... Algunos hermanos tenían más interés por la literatura, otros por la música. Estaba la revista de arquitectura Nueva Forma, que tocaba poesía, filosofía, arquitectura, escultura, pintura, todo... F. R.: No es porque me dedicaran un número entero, pero era estupenda. Y todo eso lo hacía una familia de derechas que hizo más por la cultura contemporánea, en un montón de años, que todos los gobiernos sucesivos. Y salió mucho más barato que lo que le hubiese salido a una institución. J. A. S.: El que pone el dinero se juega su dinero y el artista su trabajo, pero el diálogo es mucho más rápido que si tienes que estar presentando proyectos a una organización cuyos responsables no tienen el nivel para el cual han aceptado el puesto. Me acuerdo que Miren Azkarate, consejera de Cultura en el País Vasco, me dijo viendo una exposición: “Lo que hacéis Oteiza y tú es el pasado; ahora a las nuevas tecnologías”. Y me dije: pero Cervantes cuando escribe El Quijote lo hace con una pluma o hasta con su sangre. ¿No es una tecnología también esa pluma? Un lápiz también lo fue en algún momento. Un autor, en cualquier disciplina, es quien decide con qué instrumentos hace su obra, no la tecnología. Estoy en contra de esa obsesión. F.R.: La tecnología es un maravilloso instrumento bien utilizado Yo he disfrutado en mi carrera la evolución del tiralíneas, grafos, rotring… pero la tecnología en sí misma no es creadora. J. A. S.: La tecnología nueva es carísima, tienes que cambiar de instrumentos cada año y medio porque lo anterior se vuelve obsoleto. Eso es una trampa y mi norma es hacer con el mínimo el máximo. Puede ser necesaria para mandar un cohete a la Luna pero no para pintar. Yo pinto al óleo en cartón con pinceles de más de 30 años. F. R.: En arquitectura, el ordenador es un instrumento fantástico. Tengo un equipo de arquitectos jóvenes que da gloria ver las cosas que

“Mi ordenador es mi cerebro, y mi ratón son mis diez dedos. Trabajo con la mano, tiene más de 24.000 movimientos diferentes. Desde la Prehistoria, se ha hecho casi todo con las manos hasta la aparición de la maquinaria; hay que tener un mínimo de respeto por el trabajo que hacen las manos”

porque no sé qué pintar. Y

hacen en 3D. Es estupendo porque dibujarlo podría costar un año. F. R.: Cuando comenzó X Films yo trabajaba en Pamplona y se gestó en Madrid. Me llamaron, tuve un par de reuniones, pero en el proceso creativo intervine muy poco. J. A. S.: En X Films estaban trabajando Chumi Chúmez o Rafael Ruiz Balerdi, que me regaló un rollo de cine y pude hacer mi película. En realidad, hice dos. Una primera, en verano del 68. Era un trozo de 7 u 8 minutos. La llevé a Madrid, hablé con Juan Huarte y alquiló un cine en la calle Carretas a las 10 de la mañana. Cuando terminó la peli, me dijo que me la compraba y le dije que no podía vendérsela porque no estaba acabada pero que podía ayudarme económicamente a hacerla. Nos dimos la mano y nuestro contrato de palabra se mantuvo. Cuando se proyectó en París en 1971, Henri Langlois, el creador de la Cinemateca francesa, me preguntó: “¿Cómo ha hecho esta película?” Le conté la anécdota de Juan, que nunca hubo un papel firmado, y me dijo: “Yo conozco todo lo que ocurre en el cine y no he visto una historia parecida. Hay que hacerle un monumento”.

pintar por pintar no quiero.

ENCUENTROS DEL 72

Sin embargo, estoy escri-

F.R.: Los encuentros fueron muy insólitos. ¿Dónde se habían hecho algo así? Apareció por Pamplona gente muy importante de la música, la pintura, los coloquios y todo. Aunque también con sus pequeños rifirrafes. Marcaron un hito. J. A. S.: Y menos mal que no continuaron... Aparte de lo complejo que podría ser y los costos económicos, el hecho de que solamente fuera un año ha quedado en la memoria como algo mítico. Yo filmaba con una cámara de 16. Hice una película que se llama Encuentros 72. Filmé hora y media y me quedé con una película de 51 minutos, muda. La compró el Reina Sofía hace tres años. F. R.: Mejor que fueran únicos. Durante mucho tiempo he pensado: ¿en qué han quedado los encuentros, donde están las filmaciones? J. A. S.: Aquella fue mi primera experiencia en cine. Cambiaba los rollos en la calle, cubierto con una chaqueta para que no entrara la luz. Rodaba donde me encontraba. Hay muchas obra artísticas que se manifestaban allí pero yo no podía estar en dos lugares diferentes a la vez. Televisión Española también filmó. Unos meses después le propuse un intercambio de imágenes a un operador porque nunca coincidimos filmando las mismas obras y me dijo que no tenían ni la menor idea de dónde se encontraba ya ese material. J. A. S.: Lo que hubo es una oposición que venía de Cataluña. Juan Huarte era considerado un personaje de derechas y la izquierda en Cataluña estaba en contra. Por otro lado, estaba Ibarrola, que también quiso organizarlo él; un personaje insoportable, y sigue siéndolo. Quiso boicotear los Encuentros a través de un cuadro que se censuró. (…) Recuerdo a tres catalanes que iban corriendo por la calle. La Guardia Civil les paró y les preguntó: ¿qué están haciendo? Andando. No corrían, andaban muy deprisa y con el gesto de hacer marcha. Pues no se podía hacer eso en el paseo de Sarasate. Tuvo que venir Juan Huarte, que andaba por allí, para solucionar ese problema. Así era la ineptitud del gobierno de aquella época, su incompetencia, la falta de

“Cuando dejé de hacer arquitectura, tenía más tiempo y dibujaba y pintaba, pero lo hacía como un dominguero. Aunque cuando vendo, me pongo muy contento, no nos engañemos. Ahora no pinto

biendo “

Fotogramas extraídos de la película rodada por Sistiaga, Encuentros 72.

FERNANDO REDÓN Pamplona, 1929. Estudió Arquitectura en Barcelona y Madrid, donde obtuvo el título en 1957 y se doctoró en 1968. Es autor de proyectos emblemáticos como la Casa Huarte; el edificio de Las Hiedras (1959), las Torres de Huarte (1963), el pabellón de Navarra de la Exposición Universal de Sevilla; o la peatonalización del Casco Antiguo de Pamplona. Ha sido asesor del Departamento de Cultura del Gobierno de Navarra y del Ministerio de Cultura y profesor de Proyectos de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra. Como fotógrafo, en 1979 obtuvo el segundo premio en el Concurso Internacional de Fotografía Nikon, en Japón. Como pintor ha protagonizado varias exposiciones. En 2004 recibió el Premio Príncipe de Viana.

sentido del humor... F. R.: La gente lo recibió con muchísimo asombro, pero en general se respetó. Si me hubieran preguntado antes, hubiera dicho que no les iban a dejar hacerlo. Pero yo creo que funcionó y fue una suerte de revulsivo para Pamplona. Supuso un antes y un después. J. A. S.: Me acuerdo de Cunningham, el bailarín, que no vino a actuar sino a escuchar un concierto de John Cage, que se quedó afónico durante 2 o 3 días. Estaban Juan Hidalgo, Esther Ferrer, el compositor Isasa también hizo un concierto… Cage dijo que lo que más le había interesado de los Encuentros fue la txalaparta. F. R.: Me alegro mucho de que tengas eso filmado porque si no se pierde absolutamente todo. Recuerdo que vino a dar una conferencia Stockhausen y estábamos cuatro gatos. Cogí a los que conocía, que eran Fernando Remacha, Jorge Oteiza, Fernando Pérez Ollo y Stockhausen, y les llevé a mi casa. Pues no les saqué ni una fotografía y fíjate qué documento era aquel. O ya en casa, Jorge y Stockhausen no se entendían ni palabra pero hablaban frenéticamente. Y decías: ¡Pero si no se entienden! Pues se entendían... Lo que hubiera sido grabarlo. J. A. S.: Tú dices que había cuatro personas en esa charla. Hace tres días escuché una conferencia sobre Oteiza en Irún y estábamos siete espectadores. En el año 66, en una conferencia que di, había

“Entré en la Escuela de Arquitectura de Barcelona con un dibujo del Esclavo de Miguel Ángel. Los profesores me preguntaron si no había pensado en ser pintor y se me encendieron los ojos. Cuando me quedaban dos cursos de Ciencias Exactas, le dije a mi padre que quería hacer Bellas Artes y se puso muy triste. Decidí sacar la carrera porque había muerto un hermano de mi padre que era arquitecto. Al final fui arquitecto y me gustó”

“La película la pinté y la dibujé con boli. No quería titularla y puse palabras sin significado; en el Ministerio no entendían nada. Los personajes eran responsables de Cultura que venían de la Luna al País Vasco a salvarnos en la torre de una iglesia como cohete espacial. Luego se transformaba en botella de txakoli y en balón. Al llegar a Donosti salían cantando: Desde Santurce a Bilbao... ”

seis personas. Fíjate lo que ha mejorado la cosa. F. R.: El nivel cultural es ese, no se puede abrir como si fuera un grifo. Pero tiendo a ver la botella medio llena, auque luego te das cada susto... Pienso realmente que el tema ha mejorado. La palabra cultura es como una pirámide, vas especializándote pero necesitas una base. En España, a principios del siglo XX, había muchos analfabetos y se dio el salto a un nivel cultural medio. Creo que los profesores tienen que ser cultos, y tienen que tener poder de convicción y de transmitir. Y cuando hacen pruebas a los profesores no se les examina la capacidad de transmisión. J. A. S.: ¿Quién educa a nuestros educadores?¿Dónde se ha educado el ministro de Cultura? ¿Qué es cultura?¿Quién educa a las personas de los medios de comunicación? La gente repite lo que ve. Y ya nadie quiere leer. Eso es un drama. Todo el fascismo de Europa viene por falta de educación. Los que tienen el poder saben que pueden tener a la gente evitando que piensen por sí mismos. Te condicionan de tal forma que no tienes ni tiempo material. F. R.: Esa es la dificultad de que progrese el nivel cultural de un país. A ningún gobierno y a pocas familias les interesa. En cultura no se puede ir con atajos.

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FOTO FIJA

ADOLFO LACUNZA En 2007, este fotógrafo navarro especializado en publicidad trabajó como foto-fija en el rodaje La Buena Nueva, tercera película de Helena Taberna.

Adolfo Lacunza (Huarte, 1956) nos recibe en su estudio, instalado en una nave del cinturón industrial de Pamplona. En la actualidad compagina la fotografía publicitaria con su trabajo en el Parlamento de Navarra, donde desarrolla la cobertura de actividades de protocolo, y en los Civivox, con reportajes, talleres de fotografía digital y como jurado de distintos certámenes. Además, colabora con publicaciones como Negocios de Navarra y Ze Berri? El motivo de nuestra visita es una experiencia que le permitió aunar dos de sus grandes pasiones, como son la fotografía y el cine; en 2007, Lacunza trabajó como foto-fija en el rodaje de la película La Buena Nueva, de Helena Taberna. Esta cinta recrea la historia real de un sacerdote joven, interpretado por Unax Ugalde, que se enfrenta a la postura oficial de la Iglesia durante la Guerra Civil. La grabación se desarrolló durante siete semanas en localidades de Navarra, como Leitza o Aldatz, y de Guipúzcoa, como Azpeitia o Itxaso. Adolfo recuerda que le llamó por teléfono Andrés Martorell, guionista habitual de Helena Taberna. Ambos habían coincidido años atrás en el diario Navarra Hoy; Martorell como redactor de cultura y Lacunza de fotógrafo. “Me dieron una copia del guion y un calendario con los lugares y las horas más importantes del rodaje.

Me propusieron que me pasara cuando me apeteciera, sin ninguna presión. Y fui todo lo que pude, unos 20 días sueltos, entre mayo y junio”. El encargo de Lamia, productora de Taberna, incluía material promocional para prensa y para elaborar el cartel de la película. Para Adolfo, lo más complicado de este proyecto fue “incorporarme a un equipo de producción ya hecho que tenía su forma de trabajar y donde yo era un extraño. Tuve que aprender cuándo podía hacer fotos. En un rodaje tienes que ser muy discreto para no molestar y que no se note que estás porque durante las tomas no se puede escuchar el click de la cámara”.

LA BUENA NUEVA

“YO LLEGUÉ A LA FOTOGRAFÍA A TRAVÉS DEL CINE. LA COMPOSICIÓN, EL DESENFOQUE Y LA PROFUNDIDAD DE CAMPO IMPREGNAN MI TRABAJO”

o más gratificante para nuestro fotógrafo fue disponer

actores fuera del set. Aprovechaba las escenas para sacar-

de una escenografía de lujo, iluminación privilegiada

les arreglados, despeinados o sudorosos según lo que se hu-

y modelos profesionales. Así, localizaciones como la

biera grabado. Y trabajar con Unax Ugalde o Bárbara Go-

plaza de Leitza se llenaron de banderas franquistas

neaga es un lujo, saben posar muy bien”. Adolfo tiene claro

para dar vida a una imaginaria Alzania tomada por falan-

que “si no sabes hacer fotos en una situación así, mejor dejas

gistas durante el alzamiento nacional. “Era una gozada tra-

la fotografía”.

bajar en esos platós, la escena ya estaba hecha y solo tenía

Lacunza recuerda que la idea para la composición del

que reencuadrar y disparar, siempre sin flash, aprovechando

cartel promocional evolucionó durante la producción de la

su luz, aunque yo no sabía el tono que se le iba a dar a la

película. “Al principio hablábamos de algo basado en cine

película. Durante las tomas no podía hacer fotos, excepto

independiente y también en cine inglés e irlandés sobre el

en exteriores con mucha figuración. Y al acabar, le pedía

IRA”. El montaje definitivo incluye un collage con imágenes

a la directora algún actor y ella los ponía a mi disposición,

de seminaristas armados, falangistas y, en primer plano, un

Helena me dio muchas facilidades. Hacía fotos durante los

retrato de Ugalde ataviado de sacerdote. “Aparece como

ensayos y después de grabar hacía muchos retratos a los

en los cuadros de Rembrant, con media cara iluminada y

media en sombra porque su personaje, siendo buena persona, tiene también sus zonas oscuras”, explica el fotógrafo. Para realizar este proyecto, utilizó su equipo habitual: Canon EOS-1 con objetivos 24-70 y 70-200 mm. Y aunque la experiencia profesional de Adolfo en el cine, al margen de La Buena Nueva, se limita a un reportaje para prensa del rodaje de La vaquilla (Luis García Berlanga, 1985), este fotógrafo reivindica la influencia del séptimo arte en su trabajo: “Yo llegué a la fotografía a través del cine. La composición, el desenfoque y la profundidad de campo impregnan mi trabajo. Por eso, me gusta hacer fotos apaisadas y, cuando hago retratos, darle un aspecto cinematográfico cortando un poco la cabeza al entrevistado”. Adolfo confiesa su debilidad por Clint Eastwood, Stanley Kubrick y Francis Ford Coppola. Entre los españoles, se queda con la fotografía de Almodóvar. Y en cuanto a fotógrafos, sus influencias pasan por los clásicos, como Henri Cartier-Bresson, y también Raymond Depardon o Annie Leibovitz. Otra de las pasiones de Adolfo es la música. De su objetivo han salido portadas de grupos como Parabellum, Negu Gorriak, La Polla Records, Aurora Beltrán o La venganza de la abuela. Además, en el campo de la danza, ha colaborado con Laida Azkona, y en teatro, desde hace más de 20 años, con el IES Navarro Villoslada de Pamplona. Con una formación autodidacta, Adolfo se inició en la fotografía a los 27 años de la mano de Koldo Chamorro. Como profesional, comenzó realizando bodas; durante seis años trabajó en Navarra Hoy; y hace ahora dos décadas se decidió a abrir su propio estudio. En sus años analógicos le gustaba retratar en blanco y negro a mujeres de su entorno, y hace ya trece dio el salto digital y se convirtió al color. Como fotógrafo, Adolfo apuesta por el reportaje ya que “donde me desenvuelvo con naturalidad es trabajando con la gente”. Y antes que grandes fotos, persigue “pequeños momentos fotografiados. Una buena foto es ver algo que te provoca fotografiarlo. Y para saber lo que has fotografiado hay que verlo después en el ordenador, por eso hay que conservar todas las fotos que se hacen, luego te puedes llevar una sorpresa”. Después de tres décadas con una cámara colgada al cuello, confiesa sentirse “ilusionado por seguir haciendo fotos”. Texto: Andrés García de la Riva.

la BUTACA de

Por Andrés García de la Riva. Fotografía de C. Núñez Baquedano.

Helena Taberna niqueos; donde la ficción parte siempre de la La directora navarra Helena Taberna (Alsasua) realidad más próxima; y donde el principal valor nos recibe en las oficinas de su productora en es la pervivencia de la memoria. Pamplona a punto de coger las maletas rumHelena comienza su trayectoria profesional bo a Estados Unidos para participar en el XXVIII como coordinadora de Nuevas Tecnologías en Chicago Latin Film Festival y realizar una gira por el Gobierno de Navarra. En 1994, da el salto al universidades de Chicago, Minnesota, Phoenix y cine profesional. En 2002, funda su propia emColorado donde proyectan sus películas. Son los presa, Lamia Producciones, en la que se apoúltimos reconocimientos que recibe después de ya desde entonces para poner en marcha sus otros brindados por instituciones como la Acapelículas y proyectos de cineastas debutantes demia de Cine de España, el Instituto Cervancomo el cortometraje La media pena (2011), tes de Frankfurt o la Cinemateca de Ecuador, y de Sergio Barrejón. En 2003, comienza a editar festivales de cine como el de Mujeres de Graguías didácticas sobre sus películas consciente nada, de Mujeres en Foco de Buenos Aires o el de que “la difusión del cine se puede aproveIberoamericano de Dusseldorf. char para realizar un análisis fílmico y temático, Y pese a la vorágine de los últimos preparativos aunque aún hay muchos profesores que siguen de su viaje, Helena se muestra serena, radiante; un poco apartados del formato audiovisual, le se nota que vive un buen momento. Disfrutantienen miedo como herramienta didáctica”. En do todavía de la buena acogida de su último 2006, funda, junto a otras directoras, CIMA, Asotrabajo – Nagore –, la película La Buena Nueva ciación de Mujeres Cineastas y de los Medios se acaba de convertir en la cinta más vista del Audiovisuales. programa de ETB La Noche de… en los últimos Durante la década de los noventa, Taberna dos años. Además, la directora se halla inmersa se foguea como directora realizando una deceen la preparación de varios proyectos cinemana de cortometrajes y mediometrajes en los que tográficos, de los que prefiere no desvelar nada. aborda el vídeo-arte, la ficción y el documenHelena se reconoce afortunada de continuar tal, siempre con una haciendo las películas “Recortar en cine es una actitud de búsqueda y que quiere a pesar de experimentación. la situación que vive un irresponsabilidad. El cine tiene unos De esta época datan sector que recibe este valores añadidos; un país sin un cine trabajos como La mujer año un 33% menos de los Presupuestos Gene- sobre su historia es un país sin álbum de de Lot (1990), vídeocreación sobre la liberfotos” rales que en 2011. Al tad femenina cargada respecto, advierte de de poesía visual; Nerabe (1996), ensayo audioque “recortar en cine es una irresponsabilidad. visual onírico sobre la experiencia de la materEl cine tiene unos valores añadidos; un país sin nidad; 87 cartas de amor (1992), ficción sobre el un cine sobre su historia es un país sin álbum desamor en clave de fábula; Busto de un poeta de fotos. Deberían recortar más de otros sitios; (1991) y Emiliana (1993), documentales de creasin arte, el ser humano no puede sobrevivir; es ción sobre el escritor José Ángel Valente y la como la comida o los medicamentos”. compositora Emiliana de Zubeldia; o Recuerdos En tan solo una década –entre 2000 y 2010– en del 36 (1994) y Alsasua 1936 (1994), acercamienla que ha dirigido cuatro largometrajes, Helena tos desde el documental y la ficción al papel de Taberna se ha convertido en una de las mujeres la Iglesia durante la Guerra Civil con los que enmás importantes de nuestro panorama cinemasaya lo que acabará siendo La Buena Nueva. tográfico, dueña de una filmografía tan original como aplaudida por el público y la crítica Helena admite la importancia del formato vínacional e internacional. Vista en perspectiva, deo en su carrera: “sin él, jamás hubiera hecho estamos ante una trayectoria rompedora y cocine, aunque reconozco que el cine en 35 tiene herente, con un marcado estilo fílmico debajo una textura más rica y un volumen que el vídeo de su apariencia heterogénea. Cine ideológidigital todavía no da. Soy una entusiasta de las co, que no panfletario; didáctico, pero sin monuevas tecnologías, son determinantes para ralejas; apegado al localismo aunque con voque exista una democratización de la fotografía cación universal; protagonizado por mujeres, o y el cine. Me parece un regalo que cualquiera por hombres sometidos a una fuerte influencia pueda contar una historia”. femenina; con personajes complejos, nada ma-

“Es tan difícil hacer cine que prefiero hacer dos por uno; en vez de contar solo una historia de amor, abordo el argumento dramático y a la vez, el contexto histórico y político”

extranjeras

yoyes

nagore

“Me hizo especial ilusión el ciclo ‘Descubre a...’ que me dedicó la Academia de Cine. Proyectaron toda mi filmografía, los largometrajes y los cortos”

La Buena De la experimentación formal que caracteriza a sus primeros trabajos, Helena pasa en sus largometrajes a firmar un cine de narrativa clásica aunque absolutamente innovador en su contenido. Con el cambio de milenio realiza Yoyes (2000), un verdadero salto sin red a la escena cinematográfica, ya que si una mujer ya lo tiene difícil para sacar adelante una ópera prima, casi se antoja temerario que lo haga con una historia sobre la primera mujer que llegó a la cúpula de ETA. “Esta historia me pareció tan apasionante, hermosa y compleja, y estaba tan dentro de mi vida y cultura pero a la vez era tan universal, que, como cine, lo tenía todo”. A pesar de las presiones que rodearon a su gestación, la película consiguió una buena recaudación en taquilla y se convirtió en una de las cintas españolas más premiada del 2000. Helena recuerda “las dificultades sobrehumanas que tuvimos para hacerla y estrenarla, más que con ninguna otra película, aunque podía haber tenido apoyos, porque me echaron los tejos de un lado y de otro. Firmé en el contrato que el corte final sería mío, no estaba dispuesta a hacer algo en lo que no creyese”. Tres años después, Taberna aborda la inmigración en Extranjeras (2003), un documental donde se adentra en la realidad más cotidiana y menos conocida de este fenómeno a través de un grupo de mujeres que narran sus experiencias en su viaje hacia una vida mejor. “Huí de los temas más sensacionalistas, como la prostitución, que es de lo que más se habla pero representa a una minoría. La película invita a viajar por el mundo sin salir de Lavapiés. Al hacerla comprobé lo parecidas que somos todas la mujeres”.

a Bueva

Su regreso a la ficción llega con La Buena Nueva (2008), donde sube un peldaño en la calidad de producción con respecto a Yoyes. Aquí recrea la historia real de su tío Marino Ayerra, un sacerdote que durante la Guerra Civil se enfrentó al apoyo oficial del clero a los sublevados. En esta película, Helena aporta una mirada inédita al presentar las dos iglesias antagónicas que “desgraciadamente, siguen coexistiendo hoy en día, cuando sigue siendo muy débil el poder de incidencia de la iglesia más humana y cristiana”. La cinta obtuvo más de quince galardones, entre ellos el de Mejor Actor en la Seminci para Unax Ugalde, que interpreta aquí el papel más complejo de su carrera. Su filmografía se completa con Nagore (2010), documental en el que narra la muerte violenta de la joven Nagore Lafagge a manos de un joven psiquiatra en los Sanfermines de 2008. La película se estructura en dos líneas argumentales: una emocional, protagonizada por la madre de Nagore; y otra judicial que sigue el curso del proceso, ahonda en la figura del jurado popular e incluye material inédito en el cine, como la reconstrucción del crimen en el mismo lugar de los hechos o la reproducción de las llamadas de auxilio de la joven al 112. Helena asegura que “quería que cuando terminase la película, el espectador decidiera si el acusado era inocente o culpable. Hice esta película por el valor de memoria

con los seres humanos. El documental me ha enseñado a dirigir actores porque con los entrevistados necesitas que se sientan abrazados para que digan algo más que obviedades”. Le gusta decir a esta directora que “uno hace cine según es”. Y definir a esta mujer por sus películas nos lleva a hablar de una persona feminista, iconoclasta, apegada a su entorno más próximo, con intuición para anticiparse a la actualidad, comprometida y metódica con los detalles: “Me importan mucho la decoración y el vestuario, ser fiel a la realidad. La hermana de Yoyes me preguntó cómo podía saber que vestía así mi hermana. Y la hija de Marino Ayerra dijo que Unax le recordaba a su padre”. Se confiesa hedonista –“me gusta disfrutar de la vida y no pararme demasiado en el dolor”– y asegura no ser mitómana, aunque reconoce la influencia de Marguerite Yourcenar y Jorge Oteiza, “un genio que estimuló mi creatividad”. Se considera una cineasta de la periferia –“soy navarra, y por lo tanto vasca”– y declara su debilidad por el celuloide galo. Últimamente le ha encantado Mademoiselle Chambon (Stéphane Brizé, 2009). Cree que el cine francés “mira a la periferia y por eso tiene buena salud. Solo necesitan historias con alma, bien contadas y con alcance universal. No entiendo que aquí muchas películas estén rodadas en Madrid con historias ajenas donde no hay

“Cuando estrené ‘La Buena Nueva’ me acusaron de oportunista porque coincidió con la noticia de Garzón sobre la Ley de Memoria Histórica. La reacción del historiador Ian Gibson fue inmediata y rotunda: ‘La Buena Nueva es una película oportuna, no oportunista’. Me gusta que los espectadores así lo hayan considerado” que tiene el cine y que quedara para el futuro como un documento de lo que ocurrió en el pasado. Cuando hablé con la familia de Nagore les dije que no iba a hacer una película para que les gustase sino para contar una historia, y me encontré con su entrega total. Para la familia ha sido un bálsamo grande”. En todas sus películas Taberna recurre a sus colaboradores habituales. Para sus guiones de ficción, confía en Andrés Martorell: “Hacemos muy buen tándem. Trabajar a cuatro manos es más difícil, pero lo que importa es el producto final”. La dirección de fotografía cambia en función de la industria, “de quien está ocupado en cada momento. Con todos ha sido un placer trabajar, tienen una sensibilidad similar”. De las bandas sonoras se han encargado Ángel Illarramendi y Aránzazu Calleja. “He trabajado con ambos muy a gusto y espero repetir con los dos. Fue especialmente emocionante la grabación de la banda sonora de ‘La Buena Nueva’ con la Orquesta Filarmónica de Varsovia. Estoy segura de que a mi padre (el organista lesakarra Luis Taberna) le hubiera encantado acompañarme en ese momento en el que 130 músicos interpretaban Eneritza”. Con los actores, “el trabajo siempre es placentero; lo que más me gusta del cine es tratar

posibilidad de identificación con los personajes, que son copia de una copia de lo que se hace en Estados Unidos. Para hacer una buena película solo hace falta un buen guion, buenos actores y que te lo creas, y para eso viene bien incluir referencias cercanas al arraigo de tu tierra”. Terrorismo, inmigración, memoria histórica, apoyo de la Iglesia a Franco, violencia de género… el cine de Taberna invita a realizar un viaje por los principales conflictos que han agitado nuestro país en el último siglo; temas siempre polémicos que esta directora ha sabido abordar de una forma cruda y directa, saliendo airosa de cada envite. En sus historias siempre late la violencia política, religiosa, social o machista, pero al final queda un espacio para la esperanza, como ocurre con la fuerza que transmiten las protagonistas de Extranjeras, el futuro que representa la hija de Yoyes, el triunfo de la libertad interior en La Buena Nueva o la pervivencia de la memoria de Nagore Laffage. “Me gustan los finales que dejan una puerta abierta a la esperanza. Quiero poder mostrar los aspectos duros de la vida pero que el espectador sienta que merece la pena luchar por cambiarlos”.

archivos de la Salvaguardia del cine no profesional en la Filmoteca de Navarra

La constitución de la Filmoteca de Navarra satisface no solamente los an-

la tranquilidad de que haya una entidad que se preocupa de que sus obras

helos de muchos cinéfilos e investigadores -principales destinatarios de sus

queden custodiadas en las óptimas condiciones para que puedan pasar

servicios-, sino que va a cubrir una necesidad real que es la salvaguarda de

años sin que se deterioren. Sin embargo, en los archivos fílmicos se encuen-

una parte del Patrimonio Cultural de Navarra. Inaugurada el 1 de marzo de

tran casi tantos metros de películas realizadas por autores anónimos o no

2011, se encuentra en el edificio de la Biblioteca y Filmoteca de Navarra

profesionales como por autores reconocidos. Las filmotecas registran en sus

situado en el barrio de Mendebaldea (Paseo Antonio Pérez Goyena, 3) en

almacenes documentos sobre imágenes en movimiento, con o sin firma. En

Pamplona. Su gestión depende del Instituto Navarro de las Artes Audiovisua-

muchas ocasiones, son más valiosas incluso estos fotogramas que los filmes

les y de la Cinematografía (Fundación INAAC).

célebres. ¿Por qué?. Seguramente por su carácter inédito, por la información

El Cinematógrafo, la imagen en movimiento, ha sido el fenómeno cultural

documental que en ellas se contiene (a menudo se trata de escenas o mo-

-junto con la música-, más popular y fascinante del siglo XX. La pedagogía, la

mentos de la vida cotidiana, en películas sin argumento o guion). Son cintas

didáctica, además del mundo del espectáculo, se benefició enseguida de

filmadas por aficionados, por personas que han elegido el cinematógrafo

esta técnica descriptiva o narrativa.

como manera de registrar su mundo.

Una filmoteca se preocupa de recoger, catalogar, conservar y, en la medi-

El cine de aficionado o amateur es muy heterogéneo. Hay algunos que

da de lo posible, restaurar esos miles de imágenes que han retratado la vida

realizan películas (con argumento, sonorización, actores no profesionales,

en movimiento contemporánea y pretérita. Pero el patrimonio cinematográfico no se refiere únicamente a las películas; alrededor del fenómeno cinematográfico hay muchos documentos que completan este universo testimonial y que es

Una filmoteca se preocupa de recoger, catalogar, conservar y, en la medida de lo posible, restaurar esos miles de imágenes que han retratado la vida en movimiento contemporánea y pretérita

etc.) sin mayor interés que el de conseguir un filme para un reducto de espectadores; otros filman sin orden y sin pensar en una edición posterior, simplemente porque consideran que la imagen en movimiento es el más potente registro de la realidad. Su

preciso conservar para comprender mejor el mundo de la imagen en movi-

rasgo común es el anonimato, la intrascendencia a través de sus registros.

miento. Todo ello se integra en la función de ARCHIVO, donde encontrare-

Sin embargo, las filmotecas sabemos que esos documentos tienen un valor

mos la Filmoteca (depósito de películas, en todos sus soportes), la Biblioteca

extraordinario como testigo de un momento y de un lugar concreto. Por eso,

(depósito de libros y similares), la Hemeroteca (depósito de revistas, boletines,

desde la(s) cinemateca(s) se anima a los inconscientes notarios de su entor-

etc.), la Fonoteca (depósito de materiales sonoros), la Fototeca (depósito

no a que contribuyan con sus depósitos al enriquecimiento de los archivos

de imágenes fijas relacionadas con el mundo audiovisual) y Otros materiales

patrimoniales cinematográficos.

(carteles, programas de mano, propaganda, objetos, etc.). Estos documen-

Muchos se preguntan qué interés pueden alcanzar sus escenas familiares

tos se archivan y catalogan para su fácil localización y para ser puestos a

rodadas con su cámara de Super-8. Ahora no lo sabemos, sin embargo los

disposición del público y especialmente, de los investigadores.

historiadores consideran una joya de la Historia del Cine las películas tituladas

Cuando pensamos en filmotecas o cinematecas, y en su patrimonio, se nos

Adolphe tocando el acordeón en el jardín de la granja Oakwood y La se-

vienen enseguida a la cabeza los grandes nombres de la Historia del Cine y

cuencia del jardín (A. Le Prince, 1888), La comida del bebé (L. Lumière,1895)

filmoteca

Captura de imágenes: Silvia Casagrande (Archivo de la Filmoteca de Navarra).

o Partida de cartas (L. Lumière, 1896), cintas de apenas unos segundos de duración en las que, además de su valor como documentos primitivos, podemos estudiar vestuarios, mobiliarios, gestos y otros detalles importantes para conocer mejor cómo éramos hace más de un siglo. Y es precisamente este factor, el paso del tiempo, el que va otorgando valor a esos filmes que involuntariamente alguien recogió con una cámara hace un tiempo. Por otra parte, el material en que están registradas esas imágenes es frágil y sujeto a quiebras y descomposiciones por mor de las condiciones climáticas. En los archivos cinematográficos disponemos de estancias climatizadas para prevenir ese deterioro y garantizar la longevidad de estos documentos. Es una razón más para invitar a los propietarios de películas en soporte fotoquímico principalmente (filmes registrados en 9,5 mm., 8mm., Super-8 mm., 16 mm.) a depositar sus películas, antes de que los procesos de deterioro sean irreversibles. La Filmoteca, como se decía más arriba, registra y documenta estos materiales para su conservación y para su consulta, pues de nada serviría una acicalada colección de filmes si no se pueden visionar. Con la autorización de los depositarios, estos filmes se ponen a disposición de los investigadores y, en ocasiones, se organizan sesiones públicas con material seleccionado para que el resto de la sociedad pueda conocer y recordar cómo fuimos. De esta manera, el círculo vital del registro de imágenes se completa: filmación, conservación y visionado. Alberto Cañada Cordinador del área de la Filmoteca de Navarra Para depositar películas se pueden poner en contacto con Filmoteca de Navarra a través del correo electrónico filmoteca@navarra.es o en el n.º de teléfono 848 424 759. 1. Carrera ciclista en el colegio de Jesuitas de Tudela, 1943. (Legado Hamsí). 2. Plaza de Carlos III de Olite. Años 40. (Depósito: Javier Ochoa Martínez). 3. Romería a Ujué, 26 de abril de 1970. (Depósito: Javier Soria Goñi). 4. Encaje de bolillos. Años 70. (Depósito: Ana y Nieves Oteiza Goñi). 5. Parque de la Media Luna. Pamplona. 1945. (Depósito: Javier Medrano Chivite). 6. Vista aérea de la Ciudadela. 1970. S8mm. (2.º Depósito Vicente Galbete). 7. Feria agrícola de Estella, años 60-70, 8mm. (Donación): Ion Lasa Aristu. 8. Día en el campo. 1970. 8mm. (Depósito): Juan José Lopez-Vallejos. 9. En bici. 1983, S8mm. (Depósito): Javier Ballano. 10. Plaza de toros. Años 70. S8mm. (Depósito: José Miguel Gamallo).

PUNTO DE VISTA 2012 / DEL FESTIVAL AL SEMINARIO

Tras su séptima edición celebrada en febrero de 2011, el Festival Internacional Punto de Vista de Pamplona se ha asomado recientemente al abismo de su desaparición para terminar adoptando una periodicidad bienal los años impares y convertirse en seminario en los pares. Los acontecimientos se precipitaron el pasado mes de septiembre, cuando su director creativo, Josetxo Cerdán, recibió una llamada que confirmaba la suspensión del festival debido a los recortes presupuestarios. La situación provocó una respuesta contundente en internet a través de las redes sociales. Cineastas como Fernando Trueba, Montxo Armendariz, Isaki Lacuesta o José Luis Guerin se sumaron a responsables de festivales como el de Gijón, Documenta Madrid, DocLisboa o Mar de Plata para reivindicar la conveniencia de esta cita de referencia internacional con el cine de no ficción independiente, radical y socialmente comprometido que se ha convertido en punto de encuentro para una generación de creadores, espectadores y críticos unidos por el compromiso con el cine de vanguardia. Se recibieron más de 5.000 apoyos; una muestra de resistencia colectiva que convenció a los responsables de Cultura del Gobierno de Navarra para reconsiderar su política de recortes, cumplir con el programa electoral y acordar la celebración del festival con carácter bienal a partir de 2013.

Fue entonces cuando el equipo de Punto de Vista ideó una solución económica y de urgencia para dotar de contenido a los años sin festival: un seminario, que en su primera edición ha contado con la presencia de 108 profesionales y estudiantes. Y así, entre el 22 y el 25 de febrero de 2012, el director francés Sylvain George y el malayo Amir Muhammad protagonizaron un programa con retrospectivas de su obra, clases magistrales y debates en torno a las “poéticas de la urgencia” y al “cine ensayo y compromiso”. George y Muhhamad son dos realizadores que comparten una mirada reflexiva y de denuncia ante el discurso imperante en la sociedad que les rodea. El Seminario también acogió la tercera convocatoria del proyecto XFilms, impulsado por el Festival Punto de Vista en 2010 y 2011 con el fin de producir películas que “revistan un singular interés artístico o representen especiales valores”. En esta ocasión los directores invitados fueron Oskar Alegría, Diana Toucedo y Jorge Tur, ganador con Dime quién era Sanchicorrota. El primer Seminario Internacional Punto de Vista se completó con la proyección de un título sorpresa: Ensayo final para utopía, segundo largometraje de Andrés Duque. Texto: Andrés García de la Riva. Fotos: Cristina Núñez Baquedano.

RESISTENCIA DESDE LA RETAGUARDIA Un grupo de simpatizantes del festival puso en marcha OFFF PDV: ¡RESISTENCIA!, un evento lúdico y cultural de apoyo a Punto de Vista con dos veladas de conciertos y proyecciones desarrolladas el 24 y 25 de febrero en la sala El Bafle de Pamplona. Algunos cineastas vinculados al festival como Isaki Lacuesta, Andrés Duque, Los Hijos, Fernando Franco o Lluís Escartín realizaron pequeñas películas en Super8 inspiradas en canciones de grupos como Mursego, Corcobado, Kokoshca, Remate, La Débil, Salvaje Montoya o El Teatro Magnético. Todos los artistas trabajaron de forma desinteresada y los gastos de producción se costearon con microdonaciones recaudadas a través de una campaña de crowdfunding.

FESTIVALES / PUNTO DE VISTA

FORTÍN Hay una imagen de Nostalghia (1983), de Andrei Tarkovski, que siempre me ha resultado enigmática y conmovedora a la vez. Es aquella en la que uno de sus protagonistas escribe “1+1=3”. Hoy estaría tentado de iniciar este texto planteando un juego metafórico con dicha imagen y llegar a afirmar, músicos y cineastas y programar 10 conciertos en dos noches) hubiese sido aunque fuese elípticamente, que un seminario más un off (promovido posiquiera imaginable. pularmente) es igual a un festival. Pero estaría mintiendo. Por muy bien que A todo ello hay que sumar que mientras en otros lugares de la península funcionaran el Seminario Internacional Punto de Vista y el OFFF PdV: ¡RETAiniciativas culturales concomitantes con el espíritu de Punto de Vista eran boGUARDIA!, que los dos lo hicieron, tanto en cuanto a calidad de las propuesrradas del mapa sin ningún tipo de pudor, por una vez Navarra se podía mostas (aunque eso no soy yo la persona más indicada para decirlo, al menos trar como un ejemplo de saber salvar la situación por mucho que la situación en el primer caso por ser el último responsable de esos contenidos), como en apretase: y eso fue gracias tanto al trabajo realizado por parte de las institucuanto a la calidez con la que respondió el público (el de Pamplona, el de ciones (Seminario Internacional), como por parte de los públicos (OFFF PdV). Navarra y el que hasta aquí se desplazó desde otros puntos de la península y Inaugurar Punto de Vista este año se convirtió así en un acto de resistencia y de fuera de ella, en algunas ocasiones de lugares tan remotos como Islandia de reivindicación. Era emocionante por lo que tenía de estar inventándose o Uruguay). algo en lo que todo el mundo participaba de manera diferente a cómo lo Así pues, uno más uno no suman tres, pero como director artístico de Punto podía haber hecho hasta entonces en el festival. Era hermoso y era único. de Vista hay varias cosas que tengo que apuntar que me parecen muy imComo esa situación que se plantea en las películas clásicas en las que los portantes para entender lo que sucedió en Pamplona entre el 22 y el 25 de héroes están rodeados en un fortín por cantidades ingentes de enemigos y febrero de 2012. En primer lugar el peso de la historia: las siete ediciones de son, de alguna manera, conscientes de que tienen que resistir sin importar Punto de Vista son la mejor carta de presentación posible. Desde el principio el precio que se tenga que pagar por ello. Dicha el festival realizó una apuesta muy específica que situación de fortín rodeado por enemigos es hermoInaugurar Punto de Vista este año se buscaba un espectador cómplice y exigente. Un sa, pero es peligrosa. Por ello siendo emocionante, convirtió así en un acto de resistencia y espectador que cuesta esfuerzo conseguir, pero de reivindicación. Como en las películas lo mejor es que sea única y que las cosas regresen que resulta un espectador muy fiel porque se siente a su normalidad lo antes posible (es decir: tener un clásicas en las que los héroes están parte de un colectivo, un colectivo que ha crecido festival anual) y dejar que la leyenda crezca con rodeados en un fortín por cantidades de manera exponencial edición tras edición. el paso del tiempo y que la gente pueda recordar: ingentes de enemigos En segundo lugar, la profesionalidad, pulcritud y la ‘Hubo un tiempo, en plena crisis económica, en entrega con la que los sucesivos equipos que han trabajado en Punto de Vista que no se pudo hacer el festival Punto de Vista y este se sustituyó por un Semihan desarrollado su labor (primero bajo el amparo de la delegación de Cultunario Internacional y una serie de conciertos y proyecciones organizados de ra del Gobierno de Navarra y en los últimos años desde la Fundación INAAC). manera popular. Yo estuve allí’. La mayoría de las personas que conozco que han trabajado en el festival (en Desde que, a mediados de 2009, me propusieron ser director artístico de cualquiera de sus etapas), todos ellos excelentes profesionales, se han entrePunto de Vista por un periodo de entre 3 y 5 años siempre pensé que en 2012 gado al mismo por encima de lo que su condición contractual se lo exigía. podríamos intentar hacer una edición especial que homenajease los hoy míLa tercera cuestión nos lleva de nuevo a ese colectivo que son los especticos Encuentros de Pamplona de 1972 en su cuadragésimo aniversario. Imatadores. Hay muchas formas de vivir un festival. Una de ellas es la de formar giné un congreso paralelo o incluso anterior al desarrollo del festival… Claro parte de una colectividad, de una comunidad. Eso es lo que hace verdadeque entonces la crisis aún no se había mostrado con la radicalidad con que ramente grande a Punto de Vista. La capacidad empática que ha tenido el lo haría poco más tarde. Nunca hicimos, y nunca haremos, ese homenaje a festival para permitir a sus espectadores sentirse partícipes de una aventura los Encuentros del 72, pero quizá, y solo quizá, hemos sido capaces de hacer colectiva. Si a lo largo de los años no se hubiese desplegado dicha empatía, nuestros propios encuentros de Pamplona. Hemos pasado de ser narradores ni la reacción popular a favor del festival que se generó en su momento hude la historia de otros, perpetuadores del mito, a protagonistas de la nuestra. biese sido posible, ni la matrícula del seminario hubiese sido tan exitosa (más El tiempo dirá. de 100 personas cuando nuestros mejores augurios nos hacían conformarnos Josetxo Cerdán con la mitad), ni un esfuerzo como el del OFFF (coordinar la acción entre Director artístico del Festival Internacional Punto de Vista

f&C

estantería

una selección de novedades editoriales de fotografía y cine

Gervasio Sánchez

Lubben Kriste

Quentin Bajac

Luka y Unai Pascual

Antología

Magnum Hojas de contacto

La invención de la fotografía

Luka y la máquina de congelar el tiempo

Art Blume 2012

Blume 2011

Unartemedio Cenlit 2012

José María Mellado,

Fotografía de Alta Calidad. Técnica y Método Artual Ediciones 2011

Vicent Laforet

Relatos Visuales. Tras el objetivo de Vicent Laforet Anaya Multimedia 2012

María Adell y Pau Llavador

VV.AA

El Nueva York del Padrino y otras películas de la Mafia

Contactos. (3 DVD) Los mejores fotógrafos revelan los secretos de su profesión

Lunwerg 2012

2012

festivales

Concurso de Fotografía “Enfoca Pamplona” XVI Rincones de Pamplona 2012

Plazo de entrega del 17 de noviembre del 2012 Convoca Civivox +Info: 948 21 25 75

Photo España 2012

Festival internacional de fotografía y artes visuales Del 6 de junio al 22 de julio Madrid ww.phe.es

Visa Pour L´Image

Festival Internacional de Fotoperiodismo Del 6 de junio al 22 de julio www.visapourlimage.com

Festival Voies Off Arles

exposiciones Mapamundistas 2012 AIRE. Multidisciplinar

Jornadas de Arte Contemporáneo Sala de Armas de la Ciudadela Pamplona Del 25 mayo al 1 de julio www.mapamundistas.com

Metrópolis. Colección del IVAM

Festival Internacional de fotografía artística. Dedicado a la fotografía de los Países Nórdicos Del 2 al 7 de julio del 2012 www. voies-off.com

Varios autores (Walker Evans) Centro Andaluz de la Fotografía Almería Del 10 de mayo al 15 de julio del 2012 www.centroandaluzdelafotografia.es

GETXOPHOTO 2012

Niños y niñas de Senegal

Festival de Fotografía que apuesta por la utilización de formatos, soportes y espacios no convencionales. Septiembre del 2012 Getxo www.getxophoto.com

concursos VI Concurso de “Fotografía Erótica de San Fermín”

Convoca Kukuxumuxu - Playboy Plazo de entrega del 1 de julio al 1 de agosto del 2012 Temática Libre www.sanfermin.com

IV Concurso de Fotografía Digital para el calendario municipal 2013 Convoca Ayuntamiento de Pamplona Plazo de entrega del 16 de junio al 30 de septiembre del 2012 Temática: La ciudad de Pamplona www.pamplona.es

XV Rally fotográfico

Convoca Civivox Sábado 25 de agosto. 9 a 14.30 horas agosto del 2012 Temática: Espacios más característicos de Pamplona +Info: 948 21 25 75

Exposición de fotografía Casa de Cultura de Burlada Del 1 de Mayo al 30 junio del 2012 www.burlada.es

masters efti. ESCUELA DE FOTOGRAFÍA CENTRO DE IMAGEN (Madrid)

• Master Internacional de Fotografía de Moda (comienzo el 4 de octubre del 2012). 1 año lectivo. Dirigido por Miguel Oriola • Master Internacional Documentalismo y Narración en Fotografía y Vídeo. 1 año lectivo. Director - Coordinador Eduardo Momeñe • Master Internacional de Fotografía Conceptual y Artística. 1 año lectivo Director Ciuco Gutiérrez Coordinadora Beatriz M. Barrio +info www.efti.es

CDI. CASA DE LA

IMAGEN(Logroño)

• Master en Fotografía. Perfeccionar los resultados técnicos de una manera creativa y buscar el estilo personal, son las propuestas de estemaster para forjar el material visual de los nuevos fotógrafos del siglo XXI. 2 ciclos de 6 meses. Nuevo curso en octubre del 2012 +info www.camaraoscura.com

26ªExposición “Caminos de Hierro”

Bilbao del 12 al 22 de julio Santander del 24 de jullio al 27 de agosto Logroño del 30 de agosto al 10 de Septiembre www.caminosdehierro.es

XXVII Concurso Pamplona Jóvenes Artistas Multidisciplinar Sala de Armas 1ªplanta de La Ciudadela Pamplona Del 19 de julio al 9 de septiembre

cursos Cursos de la Agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra • Estética fotográfica • Intensivo Photoshop CS4/CS5 Nivel 3 • Introducción al uso del estudio • Taller de fotografía nocturna • Iluminación de estudio (Nivel II) • Procesamiento Raw • Fotografía de viajes +info www.agrupacionfotonavarra.com

CINE

FOTO

agenda

festivales

13 Festival de Cine Ópera Prima Ciudad de Tudela Tudela, octubre y noviembre 2012 www.operaprimafestival.com

5 Festival Internacional de Cortometrajes de Temática Social de Berriozar (FICBE) Del 21 de octubre al 29 del 2012 www.ficbe.com

60 Festival Internacional de Cine Donostia- San Sebastián Del 21 al 29 de septiembre del 2012 www.sansebastianfestival.com

44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya Del 6 al 16 de octubre del 2012 www.sitgesfilmfestival.com

50 Festival Internacional de Cine de Gijón Del 16 al 24 de noviembre del 2012 www.gijonfilmfestival.com

57 Semana Internacional de Cine de Valladolid Del 20 al 27 de octubre del 2012 www.seminci.es

ZINEBI 54. Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao noviembre www.zinebi.com

L´ALTERNATIVA. 19é Festival de Cinema Independiente de Barcelona

Del 16 al 24 de noviembre del 2012 www.alternativa.cccb.org

14 Octubre Corto - Festival de Cine de Arnedo en La Rioja Del 18 al 27 de octubre del 2012 www.octubrecorto.com

XIII Festival de Cine de Pamplona Primera semana de octubre www.festivalcinepamplona.com

se rueda en Navarra Blue Lips

Proyecto de la productora Navarra Cronopia Films 6 Directores: Daniela De Carlo, Julieta Lima, Gustavo Lipzstein, Antonello Novellino, Nacho Ruiperez y Nobuo Shima. Seis crónicas sentimentales, nacidas en diversas partes del planeta, convergen en este paisaje telúrico repleto de encanto y explosión vital. Escenario: Sanfermines 2012 en Pamplona +info www.bluelipsthemovie.com

X Films

de José Luis Pimoulier

Navazonia

de Francisco Uriz

El lenguaje de los objetos de Julia Juániz

próximos estrenos Baztan

de Iñaki Elizalde Octubre 2012

La vida de Iñaki - The Ridge

de Pablo Iraburu y Migueltxo Molina

noticias

estrenos

La película La casa Emak Bakia ha sido respaldada con su reconocimiento y apoyo por la Fundación Man Ray y ha sido estrenada en el BAFICI, el festival de cine independiente de Buenos Aires, donde ha sido elegida para la sección oficial en competición internacional. Además, participará en le Festival Internacional de Edimburgo y en el Festival de México Distrital, Cine y Otros Mundos. En España se estrena en septiembre en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

emak bakia LA CASA

La búsqueda de la casa donde Man Ray inspiró su cine libertario Una película de Oskar Alegría

“Esta es una película que le hubiera encantando a Man Ray”, afirma el director de cine Víctor Erice. Se refiere a La casa Emak Bakia, un documental que acaba de finalizar el cineasta navarro Oskar Alegria. En él se narra la búsqueda de una casa cerca de Biarritz en la que Man Ray se instaló y rodó una película con la que sentó las bases de su cine vanguardista en los años 20. Emak Bakia es una antigua expresión vasca que significa “Déjame en paz” y el artista estadounidense la adoptó como lema para expresar el individualismo y la libertad que pedía en todo acto creativo. El documental de Oskar Alegría parte a la búsqueda de esa casa 83 años después de que Man Ray filmara en ella su famoso cinepoema.

“Una gran película, que escapa a toda categoría fílmica, como un objeto rizomático”. Jean-Michel Bouhours, experto en cine vanguardista del Centro Pompidou. “El final, extraordinario”. Víctor Erice, director de cine.

Oskar Alegría (Pamplona, 1973) Periodista de formación, comenzó trabajando de reportero en Madrid en los informativos de Canal Plus y CNN+. Profesor de guion de documentales en el Master de Guión Audiovisual de la Universidad de Navarra, escribe desde hace diez años reportajes de viajes en el suplemento El Viajero de El País y es autor de un proyecto artístico de fotografía llamado Las ciudades visibles, avalado por el escritor Enrique Vila-Matas. www.oskaralegria.com

FOCUS ON GULU Gulu es una pequeña ciudad situada en el norte de Uganda en una zona asolada por una terrible guerra civil protagonizada por El Ejército de Liberación del señor (LRA) y el gobierno de Uganda. La dureza de un conflicto que dura ya casi 30 años y los problemas propios del África negra nos presentan un panorama sombrío y con poco espacio para la esperanza. Sin embargo, un buen día, un fotógrafo de Jerez de la Frontera movido por la inquietud personal de ayudar, llega a impartir un curso de fotografía en colaboración con una ONG local. Aquel primer encuentro con los jóvenes de Gulu le cambia la vida y decide embarcarse en crear una escuela permanente para ayudar a unos jóvenes ávidos de conocimiento. Entre ellos surge una bella historia de superación, de ilusión, de colaboración y de esperanza. La primera visita de Borja Luque en las navidades de 2006 fue el germen del proyecto HYPO (Heals Youth Photography Outreach), programa de fotografía que, amparado por la asociación HEALS, pretendía ampliar el abanico de actividades que esta ya desarrollaba: juegos, danza, talleres sobre salud, actividades educativas y de alfabetización. Ahora la fotografía sería una nueva disciplina. El proyecto creció, y el verano de 2009 fue un momento clave en su gestación, pues Borja Luque se asocia con el fotógrafo navarro Luis Arellano. La amplia experiencia de ambos se unió para buscar continuidad al proyecto. Desde entonces, los viajes a Gulu para llevar equipos, cursos e ideas han sido continuos. Esta unión y las capacidades de los jóvenes de Gulu han permitido la creación del primer centro de formación audiovisual en Uganda, cuya motivación principal y objetivo final siempre ha sido la comunidad. Entre el 12 y el 30 de diciembre del 2009 Luis Arellano, Borja Luque y un equipo de grabación de Navarra de Cine S.L. se trasladaron a Gulu para dar un nuevo impulso al proyecto HYPOHEALS. El objetivo del viaje: la filmación y realización de una película documental con el fin de divulgar el proyecto y acercar la realidad de todos esos jóvenes en el norte de Uganda. El resultado fue la película documental FOCUS ON GULU, estrenada en octubre de 2010 en el Festival de Cine de Pamplona y que cuenta la historia del proyecto y sus frutos desde su creación en 2006. Para apoyar la difusión del proyecto se ha puesto en marcha la exposición Cambiando balas por fotos, una muestra de 40 fotografías; y en 2011 se desarrolló el primer programa de voluntariado internacional de HYPOHEALS en Gulu. La película ha sido seleccionado en el Festival Miradas Doc de Tenerife y en el Festival internacional de Documental Etnográfico de Sobrarbe ‘Espiello’.

www.hypoheals.org

Mercedes Álvarez estrena en Pamplona

Mercado de futuros

La directora navarra de adopción Mercedes Álvarez ha estrenado recientemente en Pamplona su segundo largometraje, Mercado de futuros, en el que avanza por las senda iniciada con gran acierto en su ópera prima, El cielo gira. De nuevo, asistimos a una reflexión con trasfondo poético sobre el paso del tiempo pero ahora el peso del pasado y la memoria en el entorno rural de Aldealseñor dan paso a una mirada al futuro, a la pérdida de la memoria y al olvido en el marco urbano de Barcelona y Madrid. En esta ocasión la mirada de esta realizadora se centra en el mercado inmobiliario como quimera de un paraíso material, los brokers de la inversión financiera y los predicadores empresariales. Álvarez vuelve a recurrir al vídeo y a su propia voz en off cargada de referencias culturales. Pero esta vez su puesta en escena resulta menos introspectiva, fruto de una planificación más estética, de diversos momentos hilarantes robados por la cámara y de una considerable carga de humor.

Camino Laguilo

Burbujas de intimidad enero-marzo

“Junto a un semáforo fotografío a los coches en movimiento. Un fuerte foco los ilumina dejando por un momento ver su interior. La cámara aprovecha ese instante para detener el flujo anónimo y mirar dentro. Las sombras pasan a ser parejas, padres e hijos, personas solas. Vidas que de forma aleatoria se nos aparecen y de pronto no nos son ajenas”.

Luis Castelo

Naturalezas muertas y otras hierbas marzo-abril

“La fotografía embalsamadora plasma seres naturalizados con un doble efecto: dejar en suspenso la muerte a través de la mirada de lo fotografiado y conseguir una visión eterna de los seres vivos mediante la representación de naturalezas muertas, al fin y al cabo en ambos casos vanitas”.

Patricio Abad

Restos

abril-mayo

“Las fotografías que conforman la serie Restos nos evocan el paso del tiempo desde una nueva perspectiva, a partir de la cual los contornos y las formas definidas se convierten en simples huellas, en expresiones mínimas de las cosas que fueron”.

Amador Toril iNew York mayo-junio

“En mis anteriores viajes a Nueva York siempre me había dedicado a fotografiar sus inmensas calles e infinitos edificios. Sin embargo, esta vez he fotografiado las personas que viven sus calles. Comencé el trabajo con una cámara reflex, pero enseguida me di cuenta que no conseguía pasar inadvertido en cuanto me situaba a su lado. La cámara del iPhone me permitió captar la acción sin intervenir en ella. Era prácticamente invisible...”

Blas Campos

Caminando junto a John Berger junio-agosto

Esta exposición invita a realizar un recorrido fotográfico por el trabajo desarrollado por Blas Campos durante los últimos veinte años. La muestra reúne imágenes procedentes de tres proyectos realizados desde comienzos de los años noventa hasta la actualidad. Este diálogo entre proyectos ilustra un proceso evolutivo natural a través de distintos materiales de soporte y edición: blanco y negro analógico; color analógico; y color digital. En los tres casos, la inspiración surge de la figura del crítico de arte, pintor y escritor John Berger.

“Este proyecto fotográfico muestra la representación de mi mundo interior. Concretamente, a través de la impresión estética que el escritor Azorín ha dejado en mí”.

“Me conmueven los sentimientos, las vivencias, el bullicio ahogado, el griterío sordo de niños y familias que se hayan soterrados en cientos de cascotes, descansando eternamente bajo cielos estrellados de silencio y soledad”.

Rafa Molina

Vínculos. Azorín en mí junio

Javier Zalba

Interiores Afligidos abril

Guele Rodríguez

Momo-Yamo próximamente

“He querido reflejar esa mirada directa a los ojos, de igual a igual. Una mirada a la que no se le han interpuesto filtros de color ni de degradado, ni de desenfoque”.

Angélica Natal Cortezas del alma agosto

“El cuerpo se muestra como soporte material, tanto de la expresión natural, fruto de la evolución, como de la expresión humana, que nace de la conciencia individual”.

Si quieres exponer en Área Ópera Prima, contacta con: carlosmaito@gmail.com

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