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dúplex Revista de diseño y cultura visual #05JULIO 2017

Rótulos que no volverán PEPE GIMENO Curiosidad y diseño Premios ADCV 2017 Cerámica y diseño El Flaco y Miguel Lorenzo, dos miradas sobre València Coderch, un arquitecto humanista

PVP: 4 euros

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SUMARIO 10

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Quién es quién en pechakucha night valència edición 25

Premios ADCV 2017

Listado de premios, entrevistas a Pepe Gimeno y Rafa Company

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Rètols que no tornaran.

Arquitectura Entrevista a Paty Nuñez sobre José Antinio Coderch

Reportatge sobre els rétols urbans desapareguts a València

Interiorismo

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El Espacio en transición, por NC Estudio-Vicente Navarro

Arquitectura Premios Porcelanosa de arquitectura e interiorismo

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Cerámica

Ilustración

De la tradición a las nuevas tecnologías

València en viñetas

Innovación

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Fotografía Miguel Lorenzo y García Poveda, El Flaco, dos miradas sobre València

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Héctor Serrano y Carmen Baselga y la impresión 3D

Las Naves, un laboratorio de innovación

Ximo Amigo; la pintura constante

firma invitada

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VICENT BERBEGAL PÉREZ, PRESIDENTE DEL GRUPO ACTIU

EL DISEÑO: EL ARMA EMPRESARIAL QUE REALMENTE FUNCIONA

Diseño gráfico Entrevista a Boke Bazan y Miguel Àngel Sánchez

Desde estas páginas muchas voces claman sobre la importancia del diseño. Nosotros hemos vivido esa influencia desde dentro, siendo sin duda, un impulso y un revulsivo que nos ha ayudado a crecer desde distintas perspectivas, a ser más competitivos y a mejorar nuestra visibilidad en el extranjero.

30 Arquitectura Proyecto de Isaac Peral y Luis Carreira para la antigua Estación Central de Autobuses de Alicante

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Dando Leña, un proyecto de Cristina Moya y Xavier Salvador

Hotel Meditarráneo de EmprenIdea

Desde hace casi 50 años que puse en marcha Creaciones Berbegal S.A, germen de la actual Actiu, supe que necesitaba del diseño para crear y seguir siendo fiel al propio nombre de la empresa, y poder diferenciarnos para crecer. Así, fuimos pioneros en la fabricación de muebles para los nuevos electrodomésticos que entraban en el hogar en los años 70 - 80: televisiones y poco después, ordenadores personales.

El diseño de producto nos convirtió en una empresa competitiva a nivel internacional, gracias al trabajo de estudios como Alegre Design, Sigfrido Bilbao, Lledó y Campos, Stone Designs, ITEMdesignwork o Ramos & Bassols que nos hicieron obtener premios como los Red Dot, If Design, FX, Premios Delta o los German Design Award, dándonos así la oportunidad de competir en proyectos internacionales contra otras multinacionales especializadas en mobiliario de oficina.

DÚPLEX 05 (julio 2017) Portada: Ilustración de Virginia Lorente.

Edición y coordinación de contenidos: Paco Ballester Edición, diseño y maquetación: Tomás Gorria Colaboradores: Alejandro Serrano, Mayte Piera, Abel Gimeno, Pilar Mellado Publicidad: Revista Dúplex Imprime: La Imprenta CG Tipografías utilizadas: Graphik, de Christian Schwartz, Miso, de Mårten Nettelbladt

El diseño de interiores y la arquitectura también ha sido clave en nuestra trayectoria, reflejados en nuestro Parque Tecnológico. Allí edificamos, junto al arquitecto José María Tomás Llavador y al interiorista Pepe Cosín, unas nuevas instalaciones que nos permitieron crecer desde lo local.

Un proyecto que poco después, vimos reconocido al ser la primera industria europea en conseguir ser LEED Gold, una certificación que reconoce a la construcción sostenible y que recientemente hemos incrementado a Platinum, la máxima categoria.

Edita: Eina Cultural, SL einacultural.com Ángel Guimerá, 8, pta. 2- 46005 Valencia NIF: B97970339

El diseño ha vuelto a empujarnos como empresa gracias a la dirección de arte que hoy realizamos con colaboradores como Odosdesign. Trabajar con profesionales que son capaces de mostrar tu mejor carta de presentación y la de tus productos, cuidando cada comunicación que se produce desde una empresa que llega a 90 países del mundo, desde sus catálogos, stands en feria o Showrooms, es sin duda una seguridad y garantía de calidad.

Depósito Legal: V-297-2016 ISSN: 97-72530604003 revistaduplex.es Contacto: einacultural@ gmail.com revistaduplex@gmail.com Tienda virtual einacultural.bigcartel.com

Desde aquí, aplaudo cada una de las iniciativas que se muestran en esta publicación e invito a todos los empresarios que no duden en la eficiencia del diseño.

Implementarlo en sus negocios es, sin duda, una inversión que nunca sale cara. Créanme, valdrá la pena con creces y consolidará, seguro, un futuro mejor a su proyecto.

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PechaKucha Night València vol. 25 CEN T R E C U LT U R A L L A B EN EF I C É N C I A J U EV ES 6 J U L I O ’ 1 7

© BOKE BAZÁN / NOCIONES UNIDAS

2 0 : 30 H

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QUIÉN ES QUIÉN EN PECHAKUCHA NIGHT VALÈNCIA EDICIÓN 25 01. MARCELO ALEGRE: Marcelo Alegre fundó Alegre Design en 2002 con el objetivo de rediseñar los objetos cotidianos bajo un concepto de diseño global: que traspasaba la estética y llegaba a los procesos productivos, los materiales y las necesidades empresariales para aportar, mediante esta disciplina, una solución capaz de abarcar todas las inquietudes del cliente. Estudió Diseño Industrial en la Universidad CEU Cardenal Herrera.

Actualmente compagina su trabajo como CEO en Alegre Design con la docencia, dando clases en la escuela de diseño ELISAVA, en el Master de Diseño de Producto de la Universidad Cardenal Herrera CEU y en la Universidad Paul Sabatier de Toulouse, en Francia.

02. CONJUNTO Conjunto, creado por Irene Serrano y Vicent Almiñana en 2014 a raíz del proyecto ORIGINAL Cruz Novillo, no es un estudio tradicional sino un formato flexible que permite a estos dos diseñadores expresar sus inquietudes y colaborar bajo una filosofía común.

03. PEDRO OCHANDO (PEREZOCHANDO) El estudio PerezOchando es una colaboración entre Claudia Perez y Pedro Ochando, que combinan dos perfiles profesioanles para abarcar diferentes proyectos en el ámbito del diseño. Desarrollan proyectos en los que el diseño es una necesidad; Diseño gráfico, mobiliario y productos de iluminación. Además trabajan como profesores en Universidades, organizan workshops de diseño de producto y colaboran simultaneamente con consultorias de Barcelona como Leadtochange y Bee&Butterfly. Han colaborado con empresas como Arlex, Sancal, Kendo Mobiliario, Fambuena, David Design, Lekué, Zurich Insurance, Politécnica University of Valencia Campus Alcoy, Universitat Pompeu Fabra, ILP Abogados y Baby Shower y Missana.

04. MODESTO GRANADOS: Modesto Granados es diseñador gráfico con amplia experiencia, actividad profesional que compagina con labores de docencia en los cursos superiores impartidos por UCH-CEU. Granados ha realizado proyectos para empresas del sector privado como la cerveza artesanal Galana o la compañía inmobiliaria Rimontgó, alternando estos trabajos con proyectos institucionales como los creados para Volvo Ocean Race o la marca Clòtxina de València.

podría trasladar carga y pasajeros a velocidades superiores a 1000 km/h con 0 emisiones de CO2.

Tras conseguir el premio de Mejor Diseño conceptual en Tejas 2016, el equipo trata ahora de llevar a la práctica sus ideas y construir su primer prototipo funcional para competir ante las Universidades más prestigiosas de todo el mundo en la competición Hyperloop Pod Competition organizada por la famosa empresa aeroespacial SpaceX, y que tendrá lugar en Agosto de 2017 en Los Ángeles, California.

05. ISAAC PERAL Al frente del estudio Isaac Peral Arquitectos, con sedes en Alicante y Valencia, Peral compagina su labor profesional con la docencia en la ETSA de UPV. Desde su estudio ha desarrollado proyectos de vivienda residencial, comercio y hostelería, así como encargos institucionales. Un ejemplo de ello es la rehabilitación de la antigua Estación Central de Autobuses de Alicante, en colaboración con el también arquitecto Luis Carreira.

08 CARLOS MARTÍN Y FRAN PENALBA (MOUET) Procedentes de los ámbitos del diseño y la arquitectura, Penalba y Martín han iniciado un proyecto en el ámbito de la moda, Mouet, con un alto componente de diseño, que dota de valor añadido su propuesta empresarial: gafas de calidad de fabricación artesanal manufacturadas en España, con proyección internacional.

06. SUSANA GUTIÉRREZ (SWEET SUE) Nacida en Bilbao en 1973 y valenciana de adopción desde 2003 es licenciada en BB.AA. en la rama de escultura por la UPV/EHU, Master en Gestión de Diseño Industrial por DZ Centro de Diseño y Titulada en Estudios Superiores en itinerario de Arte Cerámico por la Escola d’Art i Superior de Cerámica de Manises.

Responsable del taller de cerámica contemporánea Sweet Sue, trabaja en el diseño y producción artesanal de vajillas de porcelana.

Ha trabajado en colaboración con el departamento de I+D del restaurante Akelarre para el diseño y elaboración de una pieza de vajilla para uno de sus últimos postres.

07. HYPERLOOP UPV: Hyperloop UPV es un equipo de estudiantes de la Universitat Politècnica de València diseñando un prototipo de Hyperloop, el llamado quinto medio de transporte, popularizado por Elon Musk, que

09. CRISTINA DURÁN Y MIGUEL Á. GINER BOU (LAGRUAESTUDIO) Autores de cómic e ilustradores, desde hace más de 20 años se dedican a dibujar y a contar historias desde LaGRUAestudio, su estudio en Benetússer. Han publicado varias novelas gráficas, la mayoría de ellas con un marcado componente social. Miguel Ángel es actualmente Presidente de APIV y profesor de guión y narración gráfica en el Máster e Diseño e Ilustración (UPV) y en ESAT. Actualmente están trabajando junto a Laura Ballester en su nueva novela gráfica, El día tres, proyecto ganador del Premi Ciutat de Palma de Còmic 2016. Obra inspirada en el libro de Laura, Lluitant contra l’oblit (Sembra Llibres) y que narra el largo camino de las víctimas del accidente de metro de Valencia.

10. PEDRO JIMÉNEZ Infografista en El Mundo CV y freelance. Licenciado en Bellas Artes en la UPV y Máster de Diseño Creativo de la UPV. Desde segun-

do de carrera de BBAA colabora como becario en el departamento de diseño y publicidad de El Mundo Valencia. Realiza las creatividades para los diferentes anunciantes del periódico. Durante los siguientes tres años realiza esta tarea y además empieza a hacer también infografías para el periódico. En 4º de carrera BBAA le es ofrecido el puesto de responsable de infografía de El Mundo en las delegaciones de Valencia y Alicante. Desempeña este puesto desde entonces (11 años) además de realizar infografías para la edición de Nacional regularmente.

11. MIGUEL HACHE: El 6 de junio de 1984 nace en valencia Miguel Hernández Aguelo, sin embargo su infancia se desarrollara entre Valencia y un pueblito de la provincia de Zaragoza(Huermeda). A los 18 años comienza a trabajar como pintor, escultor e ilustrador, trabajando en diversos talleres, pintando murales y montando exposiciones hasta tener el suficiente apoyo económico para seguir formándose en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, la Facultat Belles Arts de la Universidad de Barcelona y la Faculta Artes y diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México.

12. JOSÉ GARCÍA POVEDA, EL FLACO. Fotógrafo de prensa (Sol, Qué y Dónde, Turia, Levante, Gaceta de los negocios...) Ha publicado, en la prensa y en libros, reportajes sobre Cuba, Centroamérica, Bosnia y Croacia, Egipto, Kenya, Camboya, Tailandia, Birmania, París, Portugal, Marruecos, El Sahara argelino…

Actualmente trabaja en Artero Fotógrafos y colabora con la Turia de la Comunidad Valenciana.

Algunas de sus fotos forman parte de la Colección de Fondo del IVAM, del Fondo de la Universitat Politècnica de València, del fondo de la Universitat de València, del Muvim y de colecciones privadas, como la de Martínez Guerricabeitia.

12 dúplex ACTUALIDAD > PREMIOS ADCV

PREMIOS ADCV 2017 Por primera vez en su historia, estos galardones han reconocido la trauyectoria profesional de un diseñador y la labor de una institución: Pepe Gimeno y MuVIM. 01

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01 A LA TRAYECTORIA PROFESIONAL PEPE GIMENO Premio ADCV como reconocimiento a una carrera consolidada, ejemplar y notoria, así como por su contribución al diseño.

02 ENTIDADES MuVIM, Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat

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03 DISEÑO MOBILIARIO INTERIOR Raw Cliente: Gan Diseño: Borja García Estudio: Borja García Studio 04 DISEÑO MOBILIARIO EXTERIOR WEAVE Cliente: Point Diseño: Vicent Martínez Sancho Estudio: Vicent Martínez Disseny 05 DISEÑO MOBILIARIO COCINA Y BAÑO Vintage Cliente: L’antic Colonial / Porcelanosa Estudio: Yonoh

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06 DISEÑO MOBILIARIO AUXILIAR Xa.Xa.Xa Cliente: Quinti Sedute Diseño: Ximo Roca Estudio: Ximo Roca Diseño

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07 CONTRACT Lapse Cliente: Inclass S.L. Diseño: Carlos Tíscar Riveiro Estudio: Tíscar design

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08 DISEÑO ILUMINACIÓN ESPACIO PERSONAL Coco Cliente: Almerich Diseño: Ramón Arnau y Mariola Reyna Estudio: Savage 09 DISEÑO ILUMINACIÓN CONTRACT Io Cliente: Arkoslight Diseño: Rubén Saldaña Acle

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10 DISEÑO COMPLEMENTOS Sticky Notes (notitas adhesivas) Cliente: Normann Copenhagen Estudio: Joan Rojeski Studio 11 DISEÑO EQUIPAMIENTO HÁBITAT Motormood Cliente: MadLab Diseño: Borja García Estudio: Borja García Studio 12 DISEÑO DE ENVASE LAUDUM Cliente: Bodegas Bocopa Estudio: Lavernia&Cienfuegos 13 DISEÑO ESPACIOS EFÍMEROS Stand IVAJ, Instituto Valenciano de la Juventud Cliente: Instituto Valenciano de la Juventud Estudio: Nueve estudio y Ricardo Alcaide 14 DISEÑO ESPACIOS PERMANENTES Palanca Carnissers Cliente: Palanca Carnissers Diseño: Vicente Luján 15 DISEÑO WEBSITES Lois Jeans SS15 Cliente: Lois Jeans Estudio: Nectar 16 DISEÑO VIDEOJUEGOS Erthaland, Snowhite’s Mystery Tale Basado en las ilustraciones de Ana Juan Producido por: Unit Experimental 17 DISEÑO MOTION GRAPHICS Video partitura Grafía Cantada Cliente: CoroDelantal Estudio: Gimeno Gràfic 18 DISEÑO PLATAFORMAS MÓVILES Travel Angel APP Cliente: Grupo Nego Estudio: Nectar

14 dúplex ACTUALIDAD > PREMIOS ADCV 19

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ORO 19 DISEÑO INSTALACIONES Ana Juan. Dibujando al otro lado Exposición interactiva Producido por: Unit Experimental Diseño: M. Lleonart y Álvaro Sanchis 20 DISEÑO LOGOTIPO Yolanda de Haro, Arquitecto Técnico Cliente: Yolanda de Haro Diseño: Josep Gil 21 DISEÑO IDENTIDAD CORPORATIVA Naranja de Valencia Cliente: IGP Cítricos Valencianos Estudio: Lavernia & Cienfuegos 22 DISEÑO NAMING VIVIDOR Cliente: Bodegas Arráez Estudio: KIDS

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23 LIBRO Y COLECCIÓN Supersticions i manipulacions Cliente: Universitat de València Diseño: Ibán Ramón 24 PUBLICACIÓN PERIÓDICA Ferida Cliente: Ferida C.B. Diseño: Antonio Mateo 25 PUBLICACIONES CORPORATIVAS Y CATÁLOGOS Cubox 12 Cliente: Cubox Diseño: Ibán Ramón Estudio: Ibán Ramón, diseñador 26 DISEÑO EDITORIAL DIVERSO Tot el que sobra Cliente: Falla M. Sorell – Corona Diseño: Ibán Ramón 27 DISEÑO CARTEL Falles de València 2016 Cliente: Ajuntament de València Diseño: Ibán Ramón

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28 DISEÑO IMAGEN COORDINADA Falles de València 2016 Cliente: Ajuntament de València Diseño: Ibán Ramón 29 DISEÑO PROMOCIÓN Quaderns compartits de l’IVAM Cliente: IVAM Diseño: Ibán Ramón 30 DISEÑO AUTOPROMOCIÓN Catálogo Exposición Grafía Callada, versión mini Cliente: Pepe Gimeno Estudio: Gimeno Gràfic 31 DISEÑO GRÁFICO. PACKAGING ZARA Men VHS Cliente: Inditex – ZARA Estudio: Lavernia&Cienfuegos 32 DISEÑO GRÁFICO. ESTUDIANTE Tras los poemas Diseño: María Castellano

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ESTIU A LA BENE

CONCERTS ALS PATIS JULIOL AGOST SETEMBRE A LES 22.00 HORES Fotografías del proyecto realizado para la compañía Frigicoll

TOTS ELS DIVENDRES DE JULIOL, AGOST I SETEMBRE, A LES 22.00 HORES, CONCERTS DE MÚSICA JAZZ, MÚSIQUES DEL MÓN, FOLK, TANGO I MOLT MÉS.. *servici de restaurant i cafeteria als patis JULIOL 7/07/2017 Lochlainn 14/07/2017 Tango desde dos orillas 21/7/2017 Álex León Quartet 22/07/2017 Grupo Elefunk (orquestra de ball ) 28/07/2017 El Petit de Cal Eril

AGOST 4/08/2017 La bien querida en acustico 11/08/2017 Urbalia rurana 18/08/2017 A Contra Blues 25/08/2017 Carlos martin quintet

SETEMBRE 01/09/2017 la romántica del saladar 08/09/2017 victorija pilatovic 15/09/2017 Actuació sorpresa indie- fusion 22/09/2017 Rascanya 29/09/2017 Dómisol sisters

16 dúplex ACTUALIDAD > PREMIOS ADCV 01

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PLATA 01 DISEÑO ILUMINACIÓN ESPACIO PERSONAL Flap Cliente: Arkosligh Diseño: Rubén Saldaña Acle 02 DISEÑO COMPLEMENTOS Hotel Hanger Cliente: Nomess Copenhagen Diseño: Borja García 03 DISEÑO DE ENVASE ZARA Woman Cliente: Inditex – ZARA Estudio: Lavernia&Cienfuegos 04 LOGOTIPO A piacere Cliente: A piacere quartet de corda Diseño: Dídac Ballester

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05 DISEÑO EDITORIAL LIBRO Y COLECCIÓN Entre el mito y el espanto Cliente: Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) Diseño: Dídac Ballester 06 PUBLICACIÓN PERIÓDICA DXI magazine Cliente: DXI magazine Diseño: Alejandro Benavent

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07 PUBLICACIONES CORPORATIVAS Y CATÁLOGOS Memoria Importaco Cliente: Importaco Estudio: KIDS 08 DISEÑO EDITORIAL DIVERSO Patries de nailon Cliente: Falla Mossén Sorell – Corona Diseño: Ibán Ramón

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09 DISEÑO CARTEL Gran Fira de València Cliente: Ajuntament de Valencià Estudio: Yinsen 10 AUTOPROMOCIÓN En desorden Cliente: Ibán Ramón Diseño: Ibán Ramón 11 DISEÑO GRÁFICO. PACKAGING Utopick Cliente: Utopick Estudio: Lavernia&Cienfuegos 12 DISEÑO GRÁFICO. ESTUDIANTE Silence not Silence Diseño: Blanca Crovetto

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18 dúplex PREMIOS ADCV > ENTREVISTA

PEPE GIMENO:

“Vivimos una época de falta de cultura en torno al diseño”

El diseñador valenciano ha recibido recientemente el primer galardón a la trayectoria profesional concedido por ADCV. Cuando algunas de sus marcas de referencia celebran aniversarios, Gimeno se mantiene activo y reivindicativo en el diseño y arte.

TEXTO: PACO BALLESTER FOTOGRAFÍAS: MAYTE PIERA

A

niversario de marcas, premios honoríficos, pero sigues levantando la persiana del estudio todos los días.

Si, eso es tremendo. La motivación para continuar es la curiosidad para resolver problemas. El interés por saber, las ganas de conocer, de profundizar en cosas en las que hasta este momento solo habías rascado la superficie.Con el paso del tiempo me he dado cuenta de que una de las cosas más importantes para mante-

julio2017 I dúplex05/19 "Siempre he mantenido una labor paralela experimental a mi trabajo como gráfico profesional. Algunos diseñadores afirman que arte y diseño no tienen nada que ver pero yo pienso lo contrario".

"La motivación para continuar es la curiosidad para resolver problemas.

El interés por saber, las ganas de conocer".

"Los diseñadores debemos ser capaces de explicar a las empresas cuál es nuestro proceso de trabajo y como hemos llegado a esa solución".

nerse en activo es hacerte preguntas sobre aquello que te rodea, y en ese intento de responder -algo que no consigues casi nunca- se encuentra un rejuvenecimiento, un impulso para la investigación. Algunos de los pequeños éxitos del estudio nacen de esto: “¿Somos capaces de crear una tipografía? ¿Somos capaces de hacer un libro sin palabras?”.

Las instituciones públicas siguen confiando en tu trabajo. ¿A qué crees que se debe?

Sigo estando en el mercado. En los 80 es cierto que había menos profesionales, pero pienso que tenemos un volumen de encargos institucionales similar a otros estudios. En aquellos años había más encargos y más presupuesto, que ahora son muy ajustados. ¿Ha descendido el nivel de los encargos?

Si, porque ahora hay muy poca gente que te encargue un proyecto global. Ni empresas ni instituciones te encargan un proyecto de dos años.

Un trocito, a lo sumo. No hay una perspectiva y en nuestro ámbito lo ideal es una vista a largo plazo. En la empresa privada el encargo también llega fragmentado. Antes sabías que una parte del estudio podía desarrollar un encargo a lo largo de un año.

Nunca tienes asegurado el proyecto completo.

Te mantienes en constante evolución. De Pepe Gimeno has pasado a Gimeno Gràfic.

Ese cambio surge de la propia dinámica del estudio. Ten en cuenta que hay gente que colabora desde hace más de 20 años, por lo que era lógico que tuviera una mayor participación.

Obedece a una mayor integración del personal que a un cambio en nuestra forma de trabajo o proyectos. ¿Cómo compatibilizas tu labor como diseñador con tu faceta de artista plástico?

Siempre he mantenido una labor paralela experimental a mi trabajo como gráfico profesional. Algunos diseñadores afirman que arte y diseño no tienen nada que ver pero yo pienso lo contrario. Las finalidades son diferentes pero comparten un lenguaje común. En un encargo debes dar en la diana pero en un proyecto artístico el objetivo lo marcas tú, por lo que es más cómodo. Esos vasos comunicantes me han aportado mucho en mi trayectoria. Cuando hago arte se nota que soy diseñador y cuando trabajo el diseño se advierte la faceta artística.

Es muy enriquecedor. ¿Se refleja esto en el estudio?

Cuando estuve en Nueva York, ante el Type Director's Club, lo que más les sorprendió fue que el estudio fuera capaz de desarrollar proyectos tan diversos. Pensaban que Gimeno Gràfic era un gran estudio, con un montón de empleados. Allí los profesionales del diseño están muy especializados, pero esa situación la define el mercado.

Creo que estamos en una situación de dualidad respecto al diseño: ha mejorado la cartelería, hay llamadas a proyecto, pero pienso que no hay una apuesta real por el diseño.

Hay una falta de cultura en torno al diseño. La gente no sabe lo que los diseñadores podemos aportar, el potencial del diseño. Se ve como una especie de florero, que el diseño estructuralmente no importa, que el diseñador va a poner un lazo rosa al proyecto. Porque no se entiende y creo que una de las razones es que se liga demasiado al concepto “ de moda”. Siempre digo que a qué mala hora la palabra diseño la comparte “moda”, gráfico o producto. La palabra “moda” debería estar disociada del diseño. El diseño tiene un componente de moda dependiendo del soporte o del momento, pero nuestra labor está muy lejos de ser un trabajo “de moda”. Para mi “de moda” es un capricho, sobre todo cuando hablamos de la innovación per se. La palabra “original” me pone de los nervios.

Hacer algo diferente no significa que sea mejor. Yo podría estar todo el día haciendo cosas originales sin ningún sentido, que no te dan la solución a nada.

No se vislumbra una solución sencilla.

Porque vivimos en un país con una falta de cultura inmensa. Es un problema educativo. Las clases de dibujo no deberían consistir en poner una lámina ante el alumno, deberían consistir en enseñar a ese alumno a saber ver. Ese niño que se convertirá en el empresario que te encargará un trabajo, ese niño que comprará una pieza de arte o que desde su cargo público decidirá el urbanismo de una ciudad.

Y para ello es necesario que tenga un criterio estético. ¿Sería adecuada una mayor relación entre el diseño y otras disciplinas creativas para una mayor difusión pública?

El paso previo sería hacer entender qué es el diseño y eso tampoco lo saben los artistas. Los artistas han hecho diseño sin entenderlo. Hay mucha frustración e incomprensión. Y yo estoy a caballo entre los dos mundos y me parece muy interesante poder conectarlos. Hay otro problema y es que solo los diseñadores de moda tienen acceso a los grandes medios de comunicación y eso es lo que llega a la sociedad, por lo que diseño se asocia a algo frívolo, superficial, momentáneo. Esa sensación hacia nuestro trabajo se traslada a las empresas, que piensan que les podemos ayudar a vender, pero no porque solucionemos de verdad sus problemas cuando eso es precisamente lo que hace el diseño.

Puede que la razón radique en que no hay un discurso del diseño como sector económico o industrial.

El diseñador no desarrolla una labor didáctica que debería realizar. Cuando haces un proyecto la gente agradece que expliques el por qué de las cosas. Los diseñadores debemos ser capaces de explicar a las empresas cuál es nuestro proceso de trabajo y como hemos llegado a esa solución.

Pero parece que vivimos un tiempo en que en las empresas, medios, instituciones o escuelas, no se dispone de tiempo para reflexionar sobre el proceso de creación.

Pero eso sucede en todos los ámbitos.

Es la burbuja de lo superficial, de lo breve. No hay tiempo para profundizar porque vivimos en el reinado de lo efímero y esto se traslada a los proyectos.

En muchos de ellos ves una gran carencia de fondo, una falta de rigor.

20 dúplex ACTUALIDAD > PREMIOS ADCV

RAFAEL COMPANY "El premi ens ha confirmat que som un bon interlocutor amb el món del disseny" El MuVIM ha sigut premiat per l'ADCV per la seua labor de divulgació del disseny.

TEXT: TOMÁS GORRIA FOTOGRAFÍA: MAYTE PIERA

Com és la seua valoració del premi concedit per l'ADCV? Quan vam saber que era un premi donat pels socis la sensació que vam tenir era la d'estar veritablement commoguts. Nosaltres sempre pensem que la nostra activitat com a entitat pública està orientada a complir necessitats socials diferents, majoritàries o minoritàries. Per açò, des de l'inici d'aquesta nova etapa (des d'octubre de 2015), el museu hauria de reconciliar-se amb una part del seu públic i de la seua programació que havia estat diguem-ne en suspens. D'altra banda, no podem concebre un MuVIM aliè al món del disseny, perquè entenem el disseny com a part substancial en la nostra manera quotidiana de treballar. Hem de tenir en compte que la cultura del disseny en aquest país és molt recent. Recorde que fa 30 o 40 anys no existia la consciència de la importància del disseny que existeix avui en dia.

La nostra implicació en el món del disseny té dos vessants: una primera, amb una programació d'exposicions amb un contingut explícit relacionat amb el disseny. Un exemple és "Filogràfics", en la qual es combina dues disciplines tan interessants com a disseny i filosofia, i en segon lloc, la de la pròpia orientació del museu, que no es pot concebre sense el disseny.

Per açò, quan vam saber que el premi havia sigut concedit pels propis professionals valencians, comprovàrem

satisfets que havíem recuperat aquest públic tan important per a nosaltres.

En aquest sentit, l'equip d'aquesta nova etapa, concebut com un vertader equip de treball, hem arribat a la conclusió que som un bon interlocutor amb el món del disseny. Teníem aqueixa intuïció però amb el premi ja tenim l'acreditació.

Creu que el MuViM té capacitat per a la constitució d'un espai museístic dedicat exclusivament al disseny?

Un dels problemes de percepció sobre el MuVIM és que la gent pensa que som gegantescs, però no és així. Tenim una exposició permanent recentment restaurada que té 2500 metres quadrats, tenim la sala Parpalló, i finalment, la sala de planta baixa.

Tenim un espai limitat. El MuVIM ha de ser fidel a la seua idea inicial; un museu de la Il·lustració i la Modernitat.

Però, a banda del MuVIM, creu adequat que València disposara, com succeeix a Barcelona o Londres, com a senyal d'identitat cultural, d'un museu dedicat explícitament al disseny?

Clar, estic convençut, però de disseny en un sentit ampli, conjuminant mobiliari, de producte o gràfic. I a més relacionat i contextualitzat amb la història

"No podem concebre un MuVIM aliè al món del disseny, perquè entenem el disseny com a part substancial en la nostra manera quotidiana de treballar". dels moviments artístics, com per exemple existeix en la Galeria Nacional de Praga on es van unir la pròpia Galeria amb el Museu d'Arts Decoratives per a una exposició permanent.

A més, s'està perdent patrimoni de disseny i aquest espai podria ser un bon lloc de recuperacio, documentació i arxiu. D'altra banda València està ben situada en el turisme gastronòmic, i s'està situant bé en altres àmbits, però convertir-la també en una referència en el món del disseny ajudaria a crear un tipus de visitant més respectuós i mes interessat en la cultura contemporània, o simplement com a usuari d'objectes, de mobles o arquitectura en la qual el disseny és la part essencial. Amb València en vinyetes hem atret a molts turistes i és un bon exemple que aquesta proposta podria funcionar.

22 dúplex DISEÑO GRÁFICO > ENTREVISTA

DISEÑO COMO MOTIVO DE CELEBRACIÓN El Colegio de Diseñadores de Interior de la Comunidad Valenciana celebra su 40 aniversario en un momento de cambio. La creación de la nueva identidad ha recaído en el diseñador Boke Bazán, quien ha colaborado estrechamente con la Junta Directiva de CDICV encabezada por su Decano, Miguel Sánchez.

TEXTO: PACO BALLESTER FOTOGRAFÍA: MAYTE PIERA

¿Cómo surge la posibilidad de crear una nueva identidad para CDICV? Miguel Sánchez: Pensamos que toda posibilidad de dar más visibilidad al colectivo es bueno y este año, coincidiendo con el 40 aniversario, al igual que las grandes empresas, hemos creído conveniente generar una marca paraguas que aglutinara todas las acciones relacionadas. La idea eres tener una presencia y difusión importante a través de una gráfica destacada. ¿Cómo llegáis hasta Boke Bazán?

Miguel Sánchez: En las reuniones previas hicimos una lluvia de ideas con diferentes propuestas y estéticas.

Uno de los nombres que salió a la palestra fue el de Boke Bazán, cuyo lenguaje creativo además de gustarnos, contrastaba y complementaba nuestro trabajo como institución.

Boke Bazán: Cuando me llega la propuesta, entiendo que CDICV cum-

julio2017 I dúplex05/23 BOKE BAZÁN: “El uso del color era imprescindible ya que estamos en un espacio de celebración” MIGUEL SÁNCHEZ: “La intención ha sido disponer de una presencia importante a través de una gráfica destacada”.

de ritmo, de color, de potencia visual, pero teniendo claro que estábamos trabajando para diseñadores de interior, cuyo trabajo es riguroso, basado en la planificación y estrategia. Una creatividad enmarcada en un proceso técnico. Este perfil invitaba al uso de formas geométricas limpias y sencillas. Formas sintéticas, de vector cerrado. El uso del color era imprescindible ya que estamos en un espacio de celebración y nos permite transmitir multiplicidad. Ayuda a metaforizar diferentes estilos, englobados en un colectivo heterogéneo. La marca tiene, por supuesto, su declinación a una tinta para cuando sea necesaria su unión con la identidad colegial.

ple cuarenta años y esto es un hecho suficientemente noticiable como para ofrecer una comunicación especial que vaya unida a su identidad colegial durante este año. Me doy cuenta de que CDICV, a pesar de sus 40 años de historia, mantiene ganas y energía. Me llegan inputs de generar una gran actividad en torno a este aniversario. He de destacar la libertad absoluta que CDICV me trasladó desde el principio de las conversaciones. Esto es lo mejor que le puede pasar a un diseñador y al mismo tiempo, la cota más alta de responsabilidad.

Desde ADCV, ¿qué puede aportar Boke Bazán al discurso sobre la nueva identidad?

Miguel Sánchez: Una bocanada de aire fresco. Nuestra imagen, creada en su momento por Nacho Lavernia es muy marcada, seria, institucional. Buscábamos un contraste, que la identidad reflejara una fiesta de aniversario.

Boke Bazán: Evidentemente, este nuevo trabajo debía coexistir con el diseño anterior. La evolución del trabajo sobre esta nueva marca ha permitido que compartan el espacio sin una confrontación visual. En el caso de los aniversarios, es difícil huir de las soluciones más trilladas.

Boke Bazán: El único punto de encuentro es el “40”, una cifra que debe dar toda la información. Hemos planteado que esta cifra sea el leit motiv sobre el que articular la propuesta.

Esto ya me parece un criterio rupturista. En el lema también hemos optado por prescindir de palabras como “aniversario”, “cumpleaños”, “años”, etc.

En este trabajo no te has apoyado en el lettering o la ilustración.

Boke Bazán: Aunque me gusta mucha el trabajo “manual”, entendía que en este caso el trabajo debía ir en consonancia con la personalidad del cliente. Queríamos aportar una dosis

¿Cuál es la valoración que se hace desde ambas partes del resultado del proyecto?

Miguel Sánchez: El feedback ha sido muy bueno desde el principio. El proceso de colaboración ha sido el que teníamos previsto desde un primer momento. El proyecto deja patente que vivimos una celebración pero desde la óptica de una institución oficial, como es CDICV. A la nueva identidad se une un punto de inflexión como es el cambio de sede, los Encuentros EAD –que en consonancia tendrán un carácter más festivo- y otras acciones que remarquen un año de celebración.

Boke Bazán: El proyecto, en realidad, comienza a andar ahora, cuando empieza a aplicarse y a tener vida.

Estoy satisfecho porque creo que deja bien a las claras que en el estudio no somos complacientes con un único estilo, nos gusta plantearnos retos que puedan sorprender como en este caso, en el que tal vez esperaban un registro más de pincel, más expresionista. Ahora voy tomando más distancia con el proyecto lo que me permite disponer de más argumentos de juicio.

24 dúplex DISEÑO GRÁFICO > REPORTAJE

RÈTOLS QUE NO TORNARAN La desaparició de rètols en les nostres ciutats denota un alarmant desinterès per preservar una part important del nostre patrimoni gràfic i cultural.

TEXT: TOMÁS GORRIA IMATGES: TONO GIMENEZ, JUAN NAVA, T. GORRIA

L

a polèmica generada arran de la possibilitat de la desaparició de l'edifici Metropol ha posat de nou de manifest la importància dels rètols en el nostre paisatge urbà. En aquest cas, a la sensibilització ciutadana sobre la conservació de l'edifici s'ha afegit la presència d'un emblemàtic rètol, obra de l'arquitecte que també va projectar l'immoble, Francisco Javier Goerlich, autor així mateix dels rètols de la Pastisseria de Sant Francesc o el del projecte del Frontó Valencià, que no va arribar a edificar-se.

Aquest últim guarda clares similituds amb un dels rètols més significatiu de la nostra ciutat, el de Refugio.

Desgraciadament, molts altres dels rètols que han marcat el paisatge urbà de València han desaparegut sense que cap moviment ciutadà reclamara la seua rellevància patrimonial.

En aquest article tan sols ressenyarem gràficament els que han sucumbit en els últims anys, encara que la nòmina de rètols desapareguts és extensa, i només podrem tornar a vore-los a través de la memòria de les fotografies que o bé es van realitzar amb el propòsit de preservar alguns rètols o aquelles instantànies que els

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arrepleguen involuntàriament en reflectir alguna escena dels nostres carrers. En aquest sentit cal recordar l'article i el disseny de la portada de la Cartellera Turia del 30 de gener de 1978 (sobre aquestes linies) en el qual l'il·lustrador Miguel Calatayud (possiblement en el primer article que s'interessava per la tipografia urbana de València) reflectia amb el seu talent gràfic una composició amb rètols de València que avui podem considerar en la seua gran majoria desapareguts.

Sant Ferran, el rétol de Torres al carrer periodista Azzati, la papereria Sena Alós (carrer de les Barques), la papereria Vila, el lluminós que coronava l'edifici de Jabones Catalá (Plaça d'Espanya), el Taller Cinematogràfic Precisión, (Plaça del Doctor Collado) les rotundes lletres del Refugi del Carrer Espassa o les primoroses lletres del carrer Alt que anunciaven Perfumes o Lanas para Labores, i que ja són només records fotogràfics.

Rètols tan rellevants i tan presents en la memòria visual dels valencians com el de la Farmàcia del carrer

Molts altres rètols tenen signada la seua carta de defunció. Malgrat una sensibilitat creixent entorn

de la seua conservació per part d'alguns col·lectius ciutadans, aquests rètols, memòria de la nostra ciutat, manquen en la seua grandíssima majoria de qualsevol protecció oficial. Com a element patrimonial i de gran valor històric, seria necessari començar per part de les Institucions, un treball de documentació i catalogació per a posteriorment actuar en la seua defensa, emparant aquests rètols històrics per a evitar la seua destrucció. La seua desaparició és també la d'una part important de la nostra memòria històrica com a ciutadans.

26 dúplex ARQUITECTURA > ENTREVISTA

PATI NÚÑEZ: “Coderch fue un humanista, un hombre de valores más allá del arquitecto”

Periodista y consultora de estrategia en arquitectura, Núñez reivindica en su último libro la figura de José Antonio Coderch como precursor del racionalismo moderno en la arquitectura TEXTO: PACO BALLESTER española.

FOTOS: D.R.

TEXTO: FRANCISCO BALLESTER FOTOS: D.R

P

uede parecer innecesario, pero, ¿por qué es necesario recordar a Coderch? ¿No disponemos de su legado arquitectónico?

Siempre me ha interesado divulgar proyectos que contribuyan a explicar cómo la arquitectura puede mejorar la sociedad y proponer modos de habitar más avanzados. Desde el festival Open House Madrid, junto con Paloma Gómez, tratamos de acercar el hábitat cotidiano de la ciudad a sus usuarios y hacer que entiendan por qué un edificio tiene la forma que tiene o un espacio público está diseñado con un material y no con otro. Cuando se comprenden los conceptos que hay detrás de las obras y se conocen los detalles, se empieza a valorar lo que nos rodea. Con estos principios, comenzamos a investigar sobre la figura de Coderch para rendirle un homenaje en el centenario de su nacimiento. La idea surgió en 2013 a partir de una propuesta de Ginés Górriz, escritor, empresario y mecenas que tiene varias empresas en edificios de Coderch y que fue el impulsor de este homenaje.

Izquierda: Pati Núñez Bajo estas líneas, retrato de José Antonio Coderch en su estudio.

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La investigación, que duró dos años, acabó con la producción de un film documental que dirigió Poldo Pomés, una exposición que comisarió Elina Vilá y este libro sobre el personaje que profundiza en su modo de entender la arquitectura pero también la vida.

De hecho, este es un libro de entrevistas a grandes arquitectos e intelectuales como Oscar Tusquets, Oriol Bohigas, Rafael Moneo, Federico Correa o Miguel Milá en el que hablan sobre el personaje pero también sobre anécdotas relativas a un genio y a un modo de entender, no sólo una profesión, sino una época y unos valores. Es un libro para todos los públicos, muchos amigos no-arquitectos que lo han leído han quedado sorprendidísimos por el personaje. ¿Cuál es el principal legado que ha dejado Coderch en la arquitectura de España?

Coderch influyó probablemente a la hora de definir el paisaje urbano y también el de la costa. Su preocupación central fue siempre la persona y proyectaba los espacios teniendo en mente cómo se iban a habitar. Eso generó un tipo de obras, en general, muy respetuosas con el entorno y enfocadas a la calidad de los espacios interiores.

Basándose en la arquitectura popular y tradicional, consiguió crear una arquitectura moderna, muy progresista en su concepción, vinculada a las corrientes internacionales, y que dio un nuevo significado a los materiales y a los espacios. Podemos decir que Coderch fundó las bases del racionalismo moderno en España. Él fue el responsable de introducir la modernidad en la arquitectura española durante el franquismo. Y su obra continua siendo tan moderna como la pensó entre los años cuarenta y sesenta. ¿Se implica Coderch en la construcción de vivienda social?

Coderch defendió la arquitectura popular y renegó siempre de las grandezas de los más elitistas. Coderch consiguió realizar vivienda social de una gran calidad arquitectónica, ambiental y espacial. De hecho, la Casa de la Marina (1952) -o viviendas de la Barceloneta- de Coderch es la obra que representa los valores, la maestría, la influencia y la concepción y el avance en la construcción de vivienda social de la historia de nuestra arquitectura.

En una situación de aislacionismo, ¿de qué forma accede Coderch a las corrientes internacionales en la arquitectura? ¿Resultó sencillo importar estos valores internacionales a la arquitectura que en esos años se realizaba en España?

Coderch siempre miró más allá de

nuestras fronteras para nutrir su visión arquitectónica y se movía en prestigiosos círculos internacionales. Fue miembro del Team 10 participando en discusiones junto a Peter Smithson, Alison Smithson, Aldo Van Eyck y otros.

De algún modo, Coderch buscaba aplicar en nuestro país esta visión arquitectónica, enriquecida por sus contactos internacionales. De hecho, fue uno de los principales responsables de que la arquitectura de posguerra local se abriera a las corrientes contemporáneas internacionales. Convivió con el legado del movimiento moderno y con las vanguardias pero se mantuvo alejado de manierismos, fiel a una manera de entender la arquitectura que se centraba en lo esencial. Bebiendo de la tradición y lo artesanal conectó con nuevos modos de hacer arquitectura que, más allá de modas, se han mostrado como verdaderos referentes. ¿De qué manera has balanceado el Coderch privado frente al Coderch arquitecto en el libro? ¿Se corría el riesgo de que la marcada personalidad de Coderch dejase en segundo plano su obra?

La idea era ir más allá del Coderch arquitecto, al que ya muchos conocen, para indagar más en la personalidad de Coderch que, de un modo u otro, también explica su manera de entender la arquitectura. Mi intención con el libro es desgranar su persona, revelar quién fue Coderch a través del testimonio vivo de quienes lo conocieron y acercar su figura y su personalidad a quienes aún no lo conocen sean o no arquitectos.

Las anécdotas que cuentan los entrevistados son realmente interesantes y plasman a uno de los personajes que marcó la cultura de la segunda mitad del siglo XX, un humanista, un hombre de valores más allá del arquitecto.

En cuanto a su posicionamiento político, ¿de qué forma influyó en el ámbito profesional?

Coderch era muy conservador en un momento en el que los arquitectos y los intelectuales eran bastante progresistas. Eso hizo que fuera relativamente desplazado, aunque, tal y como afirma Oriol Bohigas, Coderch nunca recibió encargos del régimen. No sería cierto afirmar que su posicionamiento influyó en su manera de hacer arquitectura, al contrario. Actualmente, el sector de la arquitectura coincide en admirar su importante legado como arquitecto independientemente de su ideología. ¿Cómo se inserta la figura de Coderch dentro de la escena de la arquitectura de la época? ¿Quiénes fueron sus principales apoyos dentro de la arquitectura?

No fue una persona fácil y ya en vida se

convirtió en un personaje complicado de digerir para muchos por su carácter histriónico, con el que defendía valores como la honestidad y la verdad en un momento en que las vanguardias empezaban a imponer una visión relativizada del mundo.

Más allá de su ideología, Coderch era muy poco gregario y siempre iba por libre, como todos los genios. Esto provocó que, aunque su arquitectura entrara a estudiarse en todas las facultades, socialmente, su figura quedó bastante relegada. Además, él mismo evitó integrarse. Aunque el arquitecto creía, como los arquitectos que conformaron el “Grup R” (agrupación de la década de los 50 creada como reacción a la arquitectura academicista de la postguerra) que era necesario renovar la arquitectura, rápido abandonó el grupo porque no se sentía cómodo en él.

Era, además, un personaje quijotesco, que defendía el honor y que tenía unos principios muy estrictos y conservadores que llevaba al extremo. Además, no escribía en los periódicos, no explicaba su obra y no formaba parte de asociaciones.

El título de su artículo en Domus (1961) es perfectamente explícito: "No son genios lo que necesitamos ahora". ¿Era Coderch como profesional en cierta forma un estajanovista de la arquitectura?

Coderch tenía la honestidad como bandera, nunca traicionaba sus principios y nunca lo hubiera hecho con el objetivo de ganarse una mejor consideración.

Por ejemplo, Coderch se dedicaba única y exclusivamente al proyecto que le habían encargado. Ninguno más.

Además, dicen quienes le conocieron que no aceptaba proyectos que buscaban alzar grandes edificios del estilo del siglo pasado y que tanto se alejaban de su ideal de modernidad.

El mismo artículo incluye esta frase: "Que trabajen (los arquitectos) con una cuerda atada al pie, para que no puedan ir demasiado lejos de la tierra en la que tienen raíces". A pesar de estar al tanto de las inclinaciones internacionales de la arquitectura, ¿es Coderch consciente de sus orígenes? ¿Se aprecia esto en su arquitectura?

Coderch fue muy consciente de dónde venía. Su arquitectura es también muy mediterránea. El paisaje de la costa catalana contiene muchas de las obras de Coderch donde proyectó casas blancas entre árboles o frente al mar.

En el proyecto inacabado "La Herencia", Coderch se adelanta a los tiempos, flexibilizando al máximo los usos en planta. ¿Vio Coderch con antelación los cambios en los usos de la arquitectura residencial, las "nuevas

28 dúplex ARQUITECTURA > ENTREVISTA formas de habitar"?

Creo que la reflexión de Coderch sobre la necesidad de una casa cuyo tamaño se adapte a las necesidades que tiene una familia en diferentes épocas de su vida es más actual que nunca. Fue una idea muy innovadora para la época y aún no ha sido superada. Nuestra ilusión es que, poniendo al alcance de los estudiantes todo este material inédito, se pueda estudiar mejor el legado que dejó Coderch y, si es el caso, evolucionar su idea.

En relación con la pregunta anterior, La Herencia plantea el intercambio de espacios dentro de la misma vivienda.

La idea es que una habitación periférica pudiera cambiar de “habitante” según las circunstancias de la familia para que el mismo piso creciera más o menos según las necesidades.

De hecho, para Coderch era muy importante la búsqueda por alcanzar la máxima intimidad. Estaba obsesionado por el interior de los edificios, por cómo se vivía en ellos. Así que esta concepción de Coderch casa totalmente con los deseos de nuestra sociedad actual.

Más allá de sus edificios, uno de sus

elementos más característicos es la famosa lámpara DISA que también suma en esta búsqueda por la intimidad. Coderch decía: “El problema esencial para nosotros era el proyecto de una lámpara de luz ambiente. Una vez realizada se vio que la luz que producía daba intimidad y se parecía a la del fuego de una chimenea.”

La mayoría de los entrevistados en el libro son arquitectos. ¿Te planteaste en algún momento incluir voces procedentes de otros campos o no fue necesario para obtener un retrato fidedigno de Coderch?

El hecho de que su condición de arquitectos no fue un criterio esencial para seleccionarlos. El único criterio que usamos fue que nos pudieran hacer el mejor retrato personal de Coderch. Por lo tanto, escogimos a aquellas personas que lo conocieron o trabajaron con él.

De hecho en el libro también hay figuras que no provienen explícitamente de la arquitectura como, por ejemplo, Josep Maria Ballarín que era cura, o Joan Margarit que, aunque también es arquitecto, destaca por su faceta de poeta.

Izquierda: edificios Trade (1966) Sobre estas lineas, en orden descendente: Casa de la Barceloneta (1951) Casa Ugalde (1951) Cocheras de Sarrià (1968) Edificio Girasol (1966)

30 dúplex ARQUITECTURA > REPORTAJE

ARQUITECTURA PARA RECUPERAR LA MEMORIA CIUDADANA El trabajo desarrollado por los arquitectos Isaac Peral y Luis Carreira para la antigua Estación Central de Autobuses de Alicante potencia el proyecto original de Félix de Azúa y recupera la relación del edificio con la ciudad y sus habitantes. Dúplex entrevista a los autores del proyecto.

TEXTO: PACO BALLESTER FOTOGRAFÍAS: DAVID FRUTOS

C

uál era el estado inicial del edificio? ¿Tenéis formada una opinión acerca de estas reformas parciales efectuadas con anterioridad?

Isaac Peral: El edificio estaba obsoleto para su uso original. Cerrado desde 2011, ya no cubría las necesidades mínimas y se había construido la Nueva Estación de Autobuses de Alicante.

Por lo tanto era necesario dotarlo de un uso nuevo. El edificio era (y es) muy reciclable, ya que tiene grandes luces y los elementos de soporte vertical se concentran en los perímetros.

El edificio es muy diáfano y luminoso.

Cuando llegamos al edificio, encontramos el lugar envuelto en un sentimiento de pérdida. Donde había un edificio vivo que dinamizaba el barrio, ahora había un edificio abandonado que irradiaba tristeza. La estación había estado funcionando durante 68 años (1943-2011) y los ciudadanos se encontraban estrechamente unidos a él, formaba parte de la identidad del lugar. La última reforma se había ejecutado en los 90, introduciendo

cerámica color azul en las paredes.

El exterior se pintó también en color azul y se reconstruyo de obra la cabina de información. Previamente se había hecho otra reforma en los años 70 donde se había hecho algo parecido pero con cerámica color verde y el exterior se había pintado de un color ocre rojizo. En los años 60 se habían clausurado unos pasajes subterráneos que comunicaban directamente con los andenes para evitar el cruce de circulaciones peatones-autobuses.

Las diferentes reformas respondían a necesidades y modas de las diferentes épocas. La reciente actuación se ha hecho estudiando el proyecto original de Felix de Azúa y sobre todo, respetando la memoria ciudadana sobre el edificio. El color del edificio se ha elegido con criterios de paisaje urbano, para una correcta integración en el entorno.

la pérdida de la vida que aportaba el edificio al barrio, pero no existía la necesidad real de un nuevo uso. En un principio se pensó en un edificio híbrido: mercado de alimentación y artesanía alternando con un uso lúdico y cultural. En segundo lugar se pensó en un uso mixto: espacio central dedicado a coworking y los espacios perimetrales a uso comercial. La planta de arriba iría destinada a consultorio médico por la demanda social.

Finalmente, lo ejecutado es un espacio multifuncional y flexible, equipado para usos culturales y sociales. El resto se ha dejado preparado para la instalación de posibles usos comerciales en planta baja y la planta piso se ha dejado diáfana, para albergar usos futuros. También se han acondicionado los accesos, escaleras, ascensores, fachadas y entorno.

¿Cuáles son los objetivos que se trasladan desde el Ayuntamiento respecto a los futuros usos de la Estación Central?

Isaac Peral: En realidad, existía la necesidad de activar la zona que sufría

¿Se han consensuado estos usos con asociaciones vecinales?

Isaac Peral: Se realizaron varias consultas ciudadanas y a asociaciones que consensuaron la solución final.

Actualmente el antiguo hall se ha

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convertido en una gran plaza pública cubierta a disposición de todos ciudadanos. ¿En qué situación se encuentra en estos momentos la Estación dentro del Ensanche y en la trama urbana actual de la ciudad?

Isaac Peral: En cualquier proyecto la relación con el entorno es fundamental. Un buen proyecto siempre debe aspirar a mejorar el espacio público. La Plaza Séneca está situada en pleno Ensanche de Alicante y aparece situada en diferentes emplazamientos desde la segunda mitad del siglo XIX. En el plano de 1920, ya se puede ver la plaza Séneca en el lugar actual. El ensanche se fue desarrollando en Alicante de forma muy lenta, ya que no tuvo éxito, lo contrario de lo que ocurrió en Valencia. La sociedad burguesa prefirió construir sus casas frente al mar, por lo que no se consolido hasta el final de los años 40.

La Plaza Séneca fue un espacio que siempre estuvo desprovisto de árboles debido a la falta de recursos propia de la posguerra, algo que siempre reclamaron los ciudadanos. La plaza existió hasta 1947. La construcción de la estación en 1943 y posteriormente las ya desaparecidas viviendas para funcionarios, supuso la desaparición de este lugar público. Actualmente, dicho espacio se ha recuperado para la ciudad.

Numerosos edificios que configuran la trama urbana de Alicante han sido demolidos durante estos años y con ello la identidad de la Ciudad de Alicante se está desdibujando. Llama la atención que en los frescos que Gastón Castello pintó en el hall aparecen numerosos edificios que el artista mostraba orgulloso a los forasteros que llegaban a la estación de Alicante, que ahora ya no existen.

Con los usos de transporte obsoletos, la Estación debe cambiar su relación con el entorno. ¿De qué manera se plantea su apertura a la Plaza Séneca?

Isaac Peral: Este es un punto importante de la estrategia del proyecto. El

32 dúplex ARQUITECTURA > REPORTAJE edificio inicial se encontraba cerrado a los andenes exteriores, un espacio dominado por los vehículos. Este entorno se había transformado en un parque por lo que surgía la gran oportunidad de abrirse al exterior, que no desaprovechamos.

El muro oeste del edificio se ha convertido en un gran vidrio con cuatro accesos, que relacionan el edificio con la Plaza Séneca. El espacio interior fluye hacia el exterior y viceversa, de forma que se integran en una unidad.

El edificio de Azúa, racionalista, respondió en su momento a unos intereses funcionales. ¿La arquitectura del edificio facilitó vuestro trabajo de rehabilitación?

Isaac Peral: En el proyecto de Azúa se distinguen dos partes diferenciadas. Por un lado el volumen edificado cerrado, de lenguaje historicista, y por otro, los andenes de los autobuses, espacio configurado por las marquesinas exteriores. El gran volumen edificado y másico configura en su interior un gran espacio vacío, el gran vestíbulo de viajeros, que se relaciona con los andenes mediante un pasaje subterráneo.

La concepción funcionalista de la arquitectura lleva al arquitecto a separar el tránsito de viajeros hacia los andenes de la circulación rodada de los vehículos mediante un pasaje subterráneo que conduce desde el gran hall central hasta los andenes.

Se separaba así la circulación rodada de las máquinas y la de las personas, que se consideraba incompatible.

Azúa introduce el concepto funcional del movimiento moderno donde la arquitectura debe funcionar como las máquinas. Para ello separa el edificio de modo que el tránsito de la gente no coincida con el de los vehículos.

Azúa introduce también las formas arquitectónicas del movimiento moderno: diseña las marquesinas de los andenes y el gran hall de transito, donde la estructura de hormigón cobra protagonismo. En estas zonas más funcionales el arquitecto puede expresarse con más libertad y utiliza, en mi opinión, la arquitectura que le gustaba: la del movimiento moderno.

Como he comentado anteriormente, el edificio era muy adecuado para reciclar, ya que tiene grandes luces y los elementos de soporte vertical se concentran en los perímetros generándose un espacio muy diáfano y luminoso. La concepción racionalista del hall hace que el espacio sea muy flexible y adaptable a diferentes usos.

El planteamiento de nuestra intervención ha rescatado y potenciado esta dicotomía arquitectónica, reflejo de un momento único de nuestra historia, de forma que se produce un gran

contraste entre interior y exterior. ¿Cuáles son las principales dificultades observadas a la hora de plantear el proyecto?

Isaac Peral: Cuando se interviene en patrimonio, hay que tratar con varios entes públicos. Existen múltiples agentes internos que influyen en el proyecto. Pero también existen agentes externos que influyen en las decisiones de proyecto como asociaciones de vecinos, opinión pública, medios de comunicación, etc. Los arquitectos debemos ser más bien gestores, negociadores o solucionadores de conflictos de todas esas fuerzas para que el edificio preexistente llegue a buen puerto y no naufrague.

A veces esta labor es más importante y costosa que el mismo proyecto, ya que de ello depende a veces que un edificio se mantenga o se derribe, o simplemente se haga una intervención adecuada, no destructiva, o al contrario, que degrade aun más un edificio.

Es inevitable establecer paralelismos con la Estación de Autobuses de Valencia. ¿Es necesario plantear una renovación similar?

Isaac Peral: No conozco este caso a fondo, pero creo que lo ideal es plantear una estación intermodal que integre la estación de autobuses junto con la de tren, metro y tranvía. Para esto hay que esperar aún varios años para que se ejecute el soterramiento de las vías y el gran Parque Central.

Mientras tanto, Valencia debe decidir si mantiene la actual estación o construye una provisional, como Alicante.

Personalmente, creo que las estaciones tanto de autobuses como de tren, deben estar en el centro de la ciudad, ya que dinamizan la vida urbana y hacen que estos transportes sean más competitivos frente a los aeropuertos y el vehículo privado. Tampoco soy partidario de construir edificios provisionales que al final se convierten en definitivos.

FICHA TÉCNICA Promotores: Ayuntamiento de Alicante y Patronato Municipal de la Vivienda.

Autores de proyecto: Isaac Peral Codina y Luis Carreira (Isaac Peral Arquitectos) Colaboradores: David Bisquert Cabrera y Javier López Baustista Fecha de encargo : noviembre 2013 Dirección de obra: Miriam Jareño y Carlos Campos (Crystalzoo) Fecha de final de obra: diciembre de 2016 Inauguración: Enero de 2017

¿Se llegó a plantear en un determinado momento el derribo del edificio?

Isaac Peral: La protección del edificio, por la normativa municipal, se limitaba a los frescos de Gastón Castello, la estructura del hall principal y una de sus marquesinas, por lo que en un determinado momento se planteó derribar el resto de elemento. Esto hubiera sido una gran pérdida para la identidad de la ciudad. Por esta razón el proyecto se ha planteado de forma que el edificio siga siendo reconocible por los ciudadanos, respetando la memoria identitaria.

Siempre que se plantea la actuación sobre una preexistencia se debe extraer sus valores para decidir que se puede derribar o eliminar.

Después debes plantear cuáles conservar y el modo de hacerlo, y en paralelo adquirir nuevos valores.

La antigua Estación de autobuses tenía múltiples valores: -Valor material: por la calidad y durabilidad de su construcción en hormigón armado y el elevado coste de construcción del edificio, andenes y pasajes subterráneos que forman un todo unitario.

-Valor de uso: por el espacio central diáfano y luminoso y las marquesinas que cubren del sol a poniente. Flexibilidad para adaptarse a diferentes usos a lo largo del tiempo fácilmente.

-Valor histórico: representativo de un momento concreto de nuestra historia.

-Valor tecnológico: en cuanto que supuso un avance local en el uso del hormigón armado.

Fue el primer edificio con estructura completa de Hormigón armado en Alicante.

-Valor arquitectónico: representa una manera de pensar y de hacer la arquitectura moderna en una época pasada: “la que funciona como una máquina”.

-Valor espacial: la belleza del gran espacio central diáfano, luminoso con sinceridad estructural, y de la pureza de las marquesinas exteriores no puede pasar desapercibida.

-Valor artístico: trasmitido por los frescos de Gastón Castello.

-Valor identitario: muchos los alicantinos acumulamos vivencias y experiencias que convierten al edificio en lugar de significado personal.

No podíamos permitirnos el lujo de perder ninguno de sus elementos, tanto las marquesinas exteriores como el volumen principal forman una unidad inseparable cuyo valor se refuerza por el contraste entre ambos. A pesar de explicar estos valores no fuimos capaces de convencer a los agentes externos del proyecto y fueron derribadas dos de ellas. La tercera está protegida. También se derribaron algunos elementos interiores importantes, como el altillo de las taquillas y las vigas estructurales que lo soportaban.

Daban al espacio interior una doble escala muy interesante.

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34 dúplex ARQUITECTURA > REPORTAJE

PORCELANOSA: PREMIOS DE PRESENTE Y FUTURO La Bolsa de Madrid fue el marco para la última edición de los galardones concedidos por la compañía valenciana.

TEXTO: DUIPLEX FOTOGRAFÍAS: D. R.

E

l Palacio de la Bolsa de Madrid fue el escenario, el pasado 3 de mayo, de los Premios PORCELANOSA Grupo 2017 de Arquitectura e Interiorismo.

Una entrega de galardones en la que se dieron a conocer los proyectos más destacados de todas las candidaturas presentadas, atendiendo a cada una de las tres categorías: Proyectos de Futuro-Estudiantes, Proyectos de Futuro-Profesionales y Proyectos Realizados.

En cuanto a la categoría de Proyectos de Futuro-Estudiantes, el galardón recayó en Inmaculada Piqueres Díez y Augusto González Bello, que presentaron un innovador Work Studio o proyecto de oficinas moderno, cálido y acogedor, pensado para ser ubicado a las afueras de Madrid. Los autores son alumnos del Máster de Infoarquitectura Avanzada en la madrileña Escuela Profesional de Nuevas Tecnologías CICE.

En relación con la categoría Proyectos de Futuro-Profesionales, el proyecto galardonado fue el de Ismael Dris Martínez De Tejada, de ARQVI Estudio de Arquitectura y Visualización. Ismael Dris presentó Spiral, un proyecto vanguardista, con singular distribución y espacios amplios y diáfanos.

Por último, en la categoría Proyectos Realizados, resultó ganador el estudio José Manuel Sanz Arquitectos. Este equipo es el artífice de los nuevos quioscos de Turismo de Madrid, situados en cinco ubicaciones: la plaza de Callao, el Paseo del Prado, el Paseo de Recoletos, la Plaza Emperador Carlos V y la Plaza de Lima. Todos ellos destacan por su carácter innovador, así como espaciosidad y fácil contacto con el público, gracias a su ergonómica forma y grandes cristaleras.

Por último, los X Premios PORCELANOSA Grupo otorgaron tres reconocimientos a profesionales con una larga trayectoria en el sector: Juan Antonio Gómez Pintado, Emilio Tuñón y el estudio británico March & White.

José María Coloques, Verónica Ruiz, Zdenka Lara Goricelaya, Sara Sánchez Roig, Isabel Chover Cañamas, Paula Chover Montañana Lorena Gonzalez Rueda, Lucia Ferrer González Susana Lozano Miralles y Sandra Figuerola Peiró.

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PROYECTOS DE FUTURO (ESTUDIANTES) Inmaculada Piqueres Díez y Augusto González Bello. Work studio Ubicado en las afueras de la ciudad de Madrid, el proyecto de oficinas está formado por 4 volúmenes que giran en torno a un patio central y a la vez se vuelcan sobre el entorno, buscando una sensación de amplitud y unión con la naturaleza.

Siguiendo una línea sencilla de diseño, los edificios se elevan unos 30cm del terreno y se conectan por dos planos que conforman suelo y techo de los distintos espacios, uniendo todo el proyecto, a la vez que refuerzan la horizontalidad y simplicidad del mismo. En cuanto al cerramiento se ha optado por 3 sistemas: en primer lugar, y con mayor uso, se utiliza el cristal para permitir la comunicación visual y la conexión con el paisaje.

En segundo lugar, un sistema de lamas recubiertas con piezas cerámicas imitando acero corten para tamizar la privacidad de los ambientes; y, por último, un cerramiento completo de aplacado de piedra, por temas de instalaciones y protección.

Evocando de este modo una arquitectura simple pero moderna, donde se demuestra que las superficies de trabajo pueden ser espaciosas y agradables, sin la necesidad de buscar formas complejas para generar el atractivo.

36 dúplex ARQUITECTURA > REPORTAJE

PROYECTOS DE FUTURO (PROFESIONALES) Ismael Dris Martínez de Tejada: SPIRAL Se parte de la idea de un espacio continuo de volumen creciente en su desarrollo. Para hacer viable la continuidad del espacio segmentando las diferentes estancias para que el uso sea compatible, la pieza inicial se pliega en ESPIRAL generando diferentes estancias comunicadas que van dando paso unas a otras.

Dado que se parte de un volumen continuo, y que se diferencian las estancias mediante el plegado de la pieza, los materiales también son continuos en todo su desarrollo.

Se trata de una pieza de doble piel de Krion con núcleo de poliuretano que al rellenarse y por las propiedades del material funciona como elemento autoportante con altas prestaciones de eficiencia energética y sostenibilidad.

Se puede entender como un sistema prefabricado y ensamblado insitu con el insuflado del núcleo de poliuretano, lo que facilita su transporte y reduce los costes de producción.

Se consigue así un acabado final interior y exterior de Krion, con un pavimento técnico continuo Link Floor Contract Gravel, generando un espacio neutro, polivalente, para cualquier trabajador que lo requiera para su ámbito laboral.

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PROYECTOS REALIZADOS José Manuel Sanz Arquitectos Nuevos quioscos de Turismo de Madrid Se diseña esta pieza urbana para la difusión de los valores culturales de la ciudad de Madrid. El Quiosco de información turística es una pieza singular resulta reconocible como lugar de información de la ciudad.

El diseño permite adaptarse a espacios urbanos muy distintos, situándose en diversos lugares estratégicos: Plaza del Callao, Paseo de Recoletos, en el entorno del Museo del Prado, en el entorno del Museo Reina Sofía y en el Paseo de la Castellana. El Quiosco presenta tres puntos de atención, que surgen que la intención de generar espacios cóncavos de acogida al visitante y que se manifiestan en un único mueble-mostrador que resuelve todas las necesidades de funcionamiento del Quiosco.

Una estructura de tubos y perfiles de acero lacado, atornillados, resuelve su estabilidad. Todos los elementos constructivos se fijan a esa estructura directamente o a través de subestructuras de montaje. El mueble-mostrador resuelve todas las necesidades funcionales del quiosco con un único gesto. Se trata de una superficie del material tipo Solid Surface de KRION (grupo Porcelanosa) que protege un mueble de madera y hace las veces de mostrador de atención a turistas así como de almacenamiento, además en el mismo se ha incorporado el sistema de refrigeración y oculta todo el paso de instalaciones del quiosco. El material permite que, aunque se fabrique en diferentes piezas para facilitar el transporte, el mostrador resultante sea una única pieza mediante el rejuntado y lijado insitu, en obra, resultando una junta imperceptible a la vista.

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TEXTO: REVISTA DÚPLEX FOTOGRAFÍA: DAVID FRUTOS

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mplazada en un edificio singular situado en pleno centro de la ciudad de Valencia encontramos una amplia vivienda (200 m2 de superficie) en la que NC Estudio-Vicente Navarro ha desarrollado un proyecto de rehabilitación integral. Entre las metas del proyecto, sin perder de vista la tradicional compartimentación de estancias según su uso, se ha logrado aunar esta división con la consecución de un espacio común, de uso cotidiano, a través de una comunicación visual y espacial.

La celosía de fresno lacado limita con el vestíbulo de entrada y se extiende a lo largo del salón y estudio, filtrando la luz natural que recibe la vivienda desde su fachada principal.

ESPACIO INTERIOR EN TRANSICIÓN La rehabilitación integral efectuada por NC Estudio-Vicente Navarro sobre una amplia vivienda del centro histórico de Valencia da como resultado un nuevo espacio caracterizado por la continuidad visual entre estancias.

La vivienda, que recae a la fachada principal del edificio, recibe una abundante luz natural que es filtrada por la celosía (en madera de fresno, lacada en blanco), que se extiende a lo largo del espacio que comprende salón y estudio. Esta celosía linda con el vestíbulo de entrada a la vivienda, que a su vez conecta con un espacio que aglutina cocina, comedor y lavadero. Para la cocina, de la firma italiana Dada, se ha optado por un cálido roble claro, que además enfatiza la continuidad de materiales empleados en el resto de la vivienda. Visualmente, la conexión de la zona de acceso con este espacio puede independizarse gracias al empleo de puertas de vidrio electrocrómico, que alternan entre transparencia y opacidad a gusto de los propietarios.

El proyecto de rehabilitación se ha diseñado bajo los parámetros de elegancia, sencillez y funcionalidad. La luminosidad natural de la vivienda, filtrada en todo el perímetro de fachada por persianas de lamas de madera de roble, se apoya en una paleta de color neutra,

El vestíbulo de entrada actúa como primer conector de la vivienda, tanto a su derecha, con el salón-estudio, como frontalmente, con el área de cocina y comedor.

Una puerta corredera permite el paso desde el salónestudio a una zona de estar.

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Un pasillo de generosas dimensiones linda con la zona de salón. La luz natural que recibe la vivienda se complementa con iluminación elegante que pretende pasar desapercibida.

Un pasillo de generosas dimensiones linda con la zona de salón. La luz natural que recibe la vivienda se complementa con iluminación elegante que pretende pasar desapercibida.

en busca de una sensación de relajación visual, refrendada por una elección breve de materiales: madera lacada con texturas y panelados de roble blanqueado y el empleo del mármol como pavimento en la totalidad de la vivienda.

NC Estudio-Vicente Navarro Cirilo Amorós 83-85, Valencia www.vicentenavarro.es

La cocina de la firma Dada, en roble claro, garantiza la continuidad de materiales respecto al resto de la vivienda. Para el mobiliario se ha optado por la firma Molteni.

40dúplexmarzo2017 DISEÑO INTERIOR > REPORTAJE

En el dormitorio principal, el baño se integra en el espacio gracias al aislamiento visual proporcionado por el vidrio electrocrómico.

Sobre estas líneas, imagen del dormitorio infantil que comparte paleta cromática con otras estancias de la vivienda, combinando la madera en roble claro con los tonos blancos.

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42 dúplex SECCION > entrevista

DAR LA BRASA Tras el éxito de la Tasqueta del Mercat llegó el Food Club, y hace apenas unos días, se inauguraba Dando Leña. Todos ellos en Ruzafa, y todos ellos restaurantes producto de la actividad incansable de su creador, Tomás Guitxán, un cocinero inquieto enamorado de su profesión a quien le gusta innovar y sorprender a sus clientes con nuevas propuestas. Las más recientes las ofrece precisamente en su nuevo local, Dando Leña, situado en la calle Sueca y que, tal y como deja intuir su nombre, de brasas va el asunto…

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TEXTO Y FOTOGRAFIAS: MAYTE PIERA

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a idea era traer aquí la carta del Food pero dándole otro enfoque. Un enfoque que fusionara el toque ahumado de las brasas con el wok”, comenta Tomás.

Y lo cierto es que esa fusión entre el sistema de cocción tradicional de las brasas y el toque asiático funciona. La brasa le aporta a la cocina unos ligeros aromas ahumados que sorprenden en cada plato: “todo lo que podemos lo pasamos por la brasa, así conseguimos ese suave sabor ahumado que está presente en todos los platos pero que no cansa, que es llevadero porque no se apodera de la comida”. Formando parte de esta nueva propuesta, en Dando Leña se pueden degustar los baos, pequeños bocadillos de origen asiático que se han puesto de moda y que causan auténtico furor.

UN DISEÑO ACORDE Una cocción tradicional que busca modernizarse precisa de una serie de elementos en el diseño que dejen ver esa fusión entre ambos conceptos. La arquitecta Cristina Moya y el diseñador de interiores Xavier Salvador han sido los encargados del diseño del local. Su propuesta ha combinado elementos

tradicionales en el ámbito de la construcción trabajados desde nuevas perspectivas. Así pues, el ladrillo refractario y la madera, tan relacionados ambos con el mundo de la brasa, se combinan en el local buscando ese juego entre la tradición y lo innovador. Se reinventa la manera de colocarlos y de tratarlos: la madera se tiñe de negro, emulando el carbón y se combina con el rojo terracota del ladrillo que se dispone buscando resaltar las texturas y los juegos geométricos.

La planta alargada y estrecha creaba un efecto de túnel que había que romper visualmente, para ello, haciendo uso de los materiales y del mobiliario, se crearon diferentes ambientes a lo largo del local, fragmentando el espacio y suavizando así la sensación de tubo.

44 dúplex DISEÑO DE INTERIOR > REPORTAJE

El centro es presidido por una mesa alta con taburetes, un espacio informal junto a la barra, el punto más luminoso del local. Reforzando esa luminosidad la barra se ha revestido con azulejo blanco, en contraste con el negro de paredes y techos. Para la barra se ha diseñado un botellero recubierto con celosía cerámica hueca de color terracota en la que se inserta alguna pieza lacada en blanco.

Buscando cierta continuidad y remitiendo a un ambiente típico de barbacoa campestre, en los lucernarios del techo se han dispuesto una serie de plantas que, con su color verde, generan ciertos toques de frescura.

Frescura en el diseño pero sobre todo en la cocina, trabajada con el distintivo “cent per cent cuina Guitxán”, marca diseñada por Josep Navarro, que acompaña el quehacer de Tomás desde sus inicios y que le hace no parar de investigar para crear una cocina con la que hacer disfrutar y no dejar de sorprender.

Texto y fotos: Mayte Piera Arquitectura: Cristina Moya Interiorismo: Xavier Salvador Diseño Gráfico: Josep Navarroe.

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46 dúplex DISEÑO DE INTERIOR > REPORTAJE

El HOTEL MEDITERRÁNEO

EmprenIdea ha sido el estudio creativo encargado de renovar las instalaciones de este emblemático hotel situado en la avenida Barón de Cárcer, en el centro histórico de Valencia.

TEXTO: MAYTE PIERA FOTOGRAFÍA: CRIS CATALÁ PHOTOGRAPHY Y JUAN F. GONZÁLEZ ESTUDIO CREATIVO: EMPRENIDEA CONSTRUCTORA: ELO CONSTRUCCIONES

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aciendo honor al nombre, el Mediterráneo tenía que ser el hilo conductor del proyecto, el eje del diseño desde el que definir tanto las formas como los colores empleados para la renovación. Así pues se partió de una serie de grafismos de formas geométricas que representaran diferentes animales marinos. Esas formas geométricas fueron posteriormente reproducidas también en los diferentes elementos que conforman la decoración y en algunas de las piezas del mobiliario.

Luces indirectas y tonos cálidos se mezclan con turquesas y grises creando una atmósfera envolvente.

Los materiales naturales elegidos convierten las diferentes estancias en

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espacios acogedores donde se respira la frescura mediterránea.

Las piezas geométricas ya cobran gran presencia desde el exterior del hotel, tanto en fachada como en los grandes ventanales donde se aplica el mismo grafismo, y sirven de enlace visual entre el exterior y la zona de acceso, donde el mostrador de recepción, las paredes, las lámparas o el propio mobiliario recuerdan esa precisa geometría.

En las habitaciones, también los cabeceros de las camas establecen el mismo juego de formas y las paredes, donde se evitó intencionadamente el uso de cuadros para la decoración, se ven salpicadas con diferentes especies marinas propias del Mediterráneo.

La labor de EmprenIdea ha convertido el hotel Mediterráneo en un espacio actual, fresco y divertido, donde el visitante se podrá hacer una idea de la vitalidad de nuestro clima.

48 dúplex DISEÑO DE PRODUCTO > REPORTAJE

Diseño & cerámica

de la tradición a las nuevas tecnologías Cada vez un mayor número de profesionales ahondan en la tradición cerámica valenciana buscando nuevas vías de expresión que aúnan artesanía y nuevos procesos.

julio2017 I dúplex05/49 TEXTO: PILAR MELLADO FOTOS: D.R.

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a cerámica fue la base constructiva de los primeros útiles creados por el ser humano. La evolución del uso de esta materia prima ha sido constante y creciente, en unas culturas más que en otras, hasta nuestra época. Espacio de tiempo del que cabe destacar el periodo musulmán, origen de la tradición cerámica por la que hoy en día es reconocida la población de Manises, en Valencia. Lugar donde, entre los siglos XII y XVIII, nació y se estableció un entramado industrial en torno a ésta materia prima que terminó por ser el origen de la denominada “cerámica manisera”. La industria de la cerámica se extendió a poblaciones vecinas como Paterna así como a la provincia de Castellón donde se desarrolló una producción cerámica singular en la fábrica del Conde de Aranda, en L´Alcora. Fueron diversas las poblaciones del Mediterráneo que dedicaron su labor a esta industria, aprovechando la facilidad que su geografía les otorgaba para conseguir la materia prima necesaria, la arcilla, para crear cerámica de primera calidad.

La cerámica logró ser durante décadas la segunda fuente de ingresos de la Comunidad Valenciana, siendo el clúster de la provincia de Castellón un enclave industrial de vital importancia. La crisis más reciente fue la principal causante de la caída económica de dicho sector, que también afectó de lleno a su vertiente más artesanal, la cerámica de Manises, reduciendo el número de empresas y talleres, en el espacio de 40 años, hasta en un 90″%. Hechos y datos que generan tristeza y añoranza para quienes encontramos en el valor de lo artesanal, el significado y razón de ser del producto. Conceptos que, con el objetivo de recuperar el valor de lo “bien hecho” y a su vez hacerse eco de la tendencia europea del “hand made”, sirven como base creativa para la ideación y desarrollo de nuevos proyectos por parte de profesionales del diseño.

A la izquierda: Atlas, de estudio La Selva.

Sobre estas líneas, de abajo a arriba: Ishtar. estudio Pardiez para ADEX, Colección Vitra, estudio Inserta, Manducan, estudioInserta, Pomo, de estudio Pardiez y Colección Lins, de estudio Yonoh.

La Selva Entre ellos se encuentra el estudio LaSelva, desde donde Manuel Bañó y David Galvañ han desarrollado su inquietud por conocer y trabajar el sector de la cerámica.

“La cerámica es un material con el que no habíamos trabajado nunca, ni siquiera en la escuela de diseño. Acudimos a Feria Habitat en una de las ediciones coincidentes con Cevisama y vimos muchos proyectos que nos abrieron caminos que queríamos aprovechar.

Decidimos hacer un proyecto diferente a los que hacíamos en la carrera y el concurso de Cevisama y la cerámica nos proporcionaban un nuevo reto.”

A raíz de la atracción que ambos diseñadores sentían hacía la cerámica, en 2011 decidieron presentarse al concurso Cevisama INDI con su proyecto Alquimia, una canaleta cuya funcionalidad requería de la resistencia térmica y porosidad que tan capaz es de dar la propia cerámica. Lograron el primer premio, pero el proyecto se quedó en concepto debido a sus dificultades productivas. Dos años más tarde, en 2013, presentaron al concurso Cevisama LAB, Atlas, una baldosa modular producida de manera artesanal que “ofrece una trama con seis posiciones creando un patrón semejante a un laberinto”. Proyecto originalmente concebido para ser una baldosa de cerámica con relieve y monocromática, Atlas ha terminado siendo una baldosa plana y con colores, producida por una empresa de baldosas hidráulicas con un gran interés por recuperar el valor de lo artesanal. Labor con la que sus creadores han logrado recuperar la belleza estética y exquisitez decorativa propia de los antiguos ámbitos domésticos del área Mediterránea.

Yonoh Álex Selma y Clara del Portillo, de estudio Yonoh, han trabajado la cerámica en diferentes proyectos evidenciando su atracción y admiración hacia esta materia prima. La tradición artesanal e industrial del sector de la cerámica en la Comunidad Valenciana fue el paso decisivo para que desde Yonoh decidieran sumergirse en el mismo. Paso que les llevó a crear el proyecto de las baldosas Lins, desarrolladas para la firma castellonense con sede en Onda, Peronda Group. Un proyecto con el que Alex y Clara han buscado trasladar el característico entramado natural y la diversidad cromática de las marjales valencianas al ámbito doméstico, aunando con atino dos aspectos tan autóctonos de nuestra tierra como su peculiar estética orgánica y la industria cerámica.

Mut Design En Mut Design desde siempre han tenido claro que algún día debían afrontar el reto de trabajar con la cerámica, debido a la fascinación que sienten hacia los procesos de elaboración artesanales y el hecho de poder ser adaptados a las más recientes tecnologías productivas.

“Creamos objetos modernos pero que están enraizados en nuestro carácter y en la tierra que nos ha moldeado como personas y como diseñadores también. De ahí que poder trabajar la cerámica, que es algo tan nuestro, sea siempre agradable.”

En este contexto desde MUT Design han desarrollado tres proyectos con la cerámica como materia prima principal, todos ellos para la mencionada firma, Peronda Group. El primero fue

50 dúplex DISEÑO DE PRODUCTO > REPORTAJE “queremos avanzar no debemos olvidar que la tecnología está ahí, ha venido para ayudar donde la mano del artesano no llega sin tener que perder su identidad”. Tal y como se puede apreciar en su colección de baldosas Vitra creada para la mencionada firma Adex.

Piezas cuyo diseño toma como referencia los motivos florares característicos de los tejidos ideados por William Morris (1834- 1896) en el periodo del Arts & Crafts. Un motivo diferente para cada baldosa, destacado mediante un sutil volumen que permite ensalzar el esmalte metálico de su acabado.

Foresta Houtspel, de Jonay Cogollos y Colección Nuc, de Mut Design

Scales, creado en 2014, cuya estética toma como referencia “la vitalidad y el dinamismo” de las escamas de un pez, mecidas por las olas. Inspiración que tiene su origen en la propia naturaleza, al igual que ocurre con Studded, ideado en 2016 con el objetivo de evocar el brillo de las estrellas en la oscuridad de la noche. Ambos, trabajos integrados en el proyecto Peronda Fashion Lab, para el que también colaboró el diseñador Jonay Cogollos con Foresta Houtspel, una textura de madera tintada producida en porcelánico, mediante la que Cogollos busca trasladar al ámbito doméstico todas y cada una de la posibilidades expresivas de la madera. Sin embargo, uno de los proyectos más ambiciosos de Cogollos es Ljin, realizado en colaboración con la EA+SC de Manises y la firma Adex, con el mercado anglosajón como publico objetivo. Proyecto amparado por el lema “An American Project”, para cuyo desarrollo se ha aplicado la denominada, aunque a día de hoy sin definición oficial, “artesanía High-Tech”. Es decir, si bien Lijn (Línea) toma como referencia la aplicación de técnicas propias del grabado calcográfico (además de caracterizarse por la aplicación de

esmaltes cerámicos sobre cada pieza a diferentes niveles), para su producción se ha hecho uso de las nuevas tecnologías productivas, en aras a industrializar su proceso de fabricación aunque sin perder el toque artesanal y humano del proyecto en cuestión.

Aspectos que vienen determinados por la propia evolución tecnológica a la que nadie ni nada es capaz de escapar, tal y como cita Pascual Timor, profesor de la l'Escola d'Art i Superior de Ceràmica de Manises; “Más allá de los tópicos del gesto y la impronta manual, que según algunos, debe caracterizar a la artesanía cerámica, las impresoras 3D representan en el siglo XXI lo que en el s. IV a. de C. significó el torno del alfarero: una revolución.” –Pascual Timor Estudio Pardiez Marco productivo y empresarial del que también forma parte el Estudio Pardiez con su colección de azulejos Isthar de perfil innovador, elegante y sutil, a la par que con cierto toque nostálgico.

Tecnología y proceso productivo por el que también apuestan Ana y Alicia de Estudio Inserta, quienes afirman que si

No obstante, tanto los estudios Inserta y Pardiez como el propio Jonay Cogollos, trabajan por mantener con vida el aspecto artesanal que caracteriza la cerámica y con ello la posibilidad de su versatilidad. Inserta lo evidencia a través de su nueva línea de complementos para mascotas, Manducan. Cada una de las piezas que la componen está realizada a torno en gres y cocida a alta temperatura, con un acabado esmaltado apto para su uso en la alimentación, y protegida por un protector de esparto trenzado totalmente a mano con el objetivo de recuperar las técnicas más tradicionales como solución a problemas actuales. Mientras, los segundos lo hacen mediante la colección de Pomos Pardiez (proyecto finalista de los premios ADCV 2017) gracias a la variabilidad del proyecto así como su particular y posible constante evolución creativa.

Aspecto por el que también destaca la colección de jarrones Vases creada recientemente por Cogollos, y realizados en gres cerámico con engobes coloreados aplicados mediante aerografía.

En todos los casos, los diseñadores coinciden en haber decidido trabajar con la cerámica por ser una materia prima con una larga tradición artesanal e industrial en tierras valencianas de la que han podido y pueden seguir aprendiendo, porque “La tradición está principalmente para aprender de ella y sacarle el máximo partido para adecuarla a nuestra visión personal como artistas o creativos.”, puntualiza Jonay Cogollos – Se trata de una materia prima relativamente nueva para el diseño contemporáneo y profesionales emergentes, la cual nos permite viajar en el tiempo y regresar a nuestros inicios creativos, a mancharnos de nuevo las manos para poder palpar, ver y comprobar las propiedades y capacidades de una materia prima con tanta historia, a la par que tan bella y delicada, además de resistente y versátil como es, la cerámica. Aspectos que logra mantener vivos incluso siendo trabajada con las más recientes tecnologías.

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52 dúplex ILUSTRACIÓN > REPORTAJE

VALÈNCIA ES GRÁFICA Representantes de distintas generaciones de ilustradores valencianos se dan cita en una exposición del MuVim, con más de 100 obras entre dibujos, maquetas y carteles, que repasa la huella de la ciudad de València en el cómic local y nacional.

TEXTO: D.R FOTOGRAFÍAS: MUVIM / MAYTE PIERA

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omisariada por Enric Trilles la muestra (que se quedará hasta el 17 de septiembre), exhibe el trabajo de 18 artistas que a lo largo de su trayectoria han convertido la ciudad de València en escenario y fuente de inspiración para numerosos trabajos de cómic y novela gráfica.

tigio y el reconocimiento que han conseguido en los últimos tiempos.

Entre los autores que aparecen en la exposición encontramos nombres reconocibles y consagrados con una extensa trayectoria y producción, así como autores menos conocidos y publicados, aunque

Ilustradores locales y nacionales han recorrido sus calles y paisajes construyendo una suerte de Valencia caleidoscópica, medio real medio imaginaria, en la que conviven el urbanismo, la arquitectura, y la historia con las capas más subjetivas de la memoria colectiva y personal de sus habitantes (ficticios o no). Ilustraciones, bocetos, revistas, carteles, fotografías, maquetas y esculturas ofrecen un repaso por la historieta y la ilustración valencianas.

El contenido expositivo —más de 100 obras entre dibujos, carteles y maquetas, sin contar una selección de publicaciones originales— se articula en torno a dos ejes centrales: "La Valencia vivida" y "La Valencia soñada", planteando un recorrido por el trabajo de 18 artistas que además de ceder sus obras han participado activamente en el proceso de diseño y producción de la misma exposición.

La muestra pone en valor a los artistas del mundo del cómic valenciano que han plasmado nuestros paisajes urbanos y reivindica un arte que ha dado en esta ciudad tantos y tan buenos profesionales, a pesar de no haber contado siempre con el pres-

igualmente importantes. Conviven, además, "clásicos" de la generación de los 80 —como Sento, Gimeno o Torres— y otros de la generación de los 90 —como Miralles o Fonteriz— con los grandes ilustradores que se hicieron conocidos en la primera

década de este siglo como Roca, Acelga, Durán o Kubala y exponentes de más recientes hornadas como Castillo, Almansa o Zarzo.

Participan también artistas multidisciplinares como Burguitos o Txemacantropus.

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LISTADO DE ARTISTAS PARTICIPANTES Ana Miralles Burguitos César Sebastián Cristina Duran Daniel Torres Inma Almansa

De arriba a abajo: ilustraciónes de Ana Miralles, Inma Almansa y Sergio Bleda, de los álbumes De mano en mano, Regaliz y Una pequeña historia, repecrivamente. A la derecha, ilustración de Cristina Durán, de El día tres.

Joan Marín Joan Verdú Jose Luis Platero Manel Gimeno María Lorenzo Miguel Delicado

Paco Roca Rafa Fonteriz Sento Sergio Bleda Txemacantropus Zarzo

54 dúplex FOTOGRAFÍA > ENTREVISTA

MIGUEL LORENZO Y GARCÍA POVEDA, EL FLACO

Dos miradas sobre València

José García Poveda, el "Flaco" y Miguel Lorenzo son dos fotografos que han desarrollado la mayor parte de su vida profesional en València y que han visto reconocido su trabajo recientemente: Miguel recibió el I Premio como "Millor Fotoperiodista Ajuntament de València" y El Flaco muestra su trabajo en la exposición "La Valencia d'El Flaco", en La Nau. Dúplex ha querido conocer algo más de ellos y de su trabajo.

TEXTO: ALEX SERRANO FOTOGRAFIAS: D.R.

¿Cómo has recibido el I Premio al mejor Foto-periodista del Ayuntamiento de Valencia? ¿Te lo esperabas?

Miguel: Fenomenal. Sobre todo porque se le están dando también a una profesión que no se reconoce, y donde hay mucha gente que no se la toma en serio.

Me gusta este premio porque no va dirigido a una sola fotografía, sino que es un premio que se ha dado por la labor de un año y por el trabajo que se ha desarrollado. Además, me parece interesante, no sólo porque me lo hayan dado a mí, sino porque nos ha tocado a todos, a todos los que formamos parte de este campo.

José, ¿Qué te llevó a plantear tu exposición en La Nau? El Flaco: Cuando la universidad me lo sugirió, yo ya tenía una idea hecha, a raíz del trabajo que hice en La Habana, que era un homenaje al pueblo cubano. La exposición de Valencia me llevó

tiempo, porque tenía un archivo muy grande. La selección ha sido larga y dolorosa, pero aún así, estoy contento, porque veo que la gente la ve y les gusta. Y el hecho de que la gente vea tus fotos, le agrada mucho a un fotógrafo. Y si además te lo dicen, mejor. ¿Cuál ha sido tu criterio a la hora de seleccionar las fotos?

El Flaco: He seleccionado pensando en lo que a mi me gustaba y en lo que le pudiera gustar a la gente. Que cuando lo vieran percibieran la energía de aquellos años de esperanza, recién salidos de la dictadura franquista. Las casas se nos caían encima, por eso la gente salía a la calle día y noche, viviendo intensamente el momento.

Tanto tú, José, como Miguel, sois casi contemporáneos, ¿no?

Miguel Lorenzo: Eso es, casi contemporáneos. Nos llevamos una década.

Aunque también es verdad que hay figuras en las fotos de la exposición

julio2017 I dúplex05/55 Dos fotografías de José García Poveda, el Flaco.

Una imagen de Blanquita, entrañable personaje de los años 80 en Valencia y Artur Heras junto a David Lynch.

que yo conocí, mientras José las fotografiaba.

habían muchas inquietudes artísticas y culturales.

El Flaco: Miguel, ¿desde qué año estás en Valencia?

Miguel: Desde 1987. Antes de esa fecha, tú estuviste fotografiando una movida que también se vivió en Madrid. Por entonces, yo estudiaba y me quedaba muy lejos eso de salir de noche y fotografiar a los personajes célebres. Recuerdo que en aquella época

¿Soléis ser más ausentes o activos en el contexto en el que fotografiáis?

Miguel: Yo suelo estar más ausente, pero José es mucho más activo. En la mayoría de sus retratos aparecen posando para él. José los reclama. En ese sentido, no tenemos el mismo estilo. En mi caso, a la hora de retratar, prefiero que la gente no esté muy pendiente de mí.

El Flaco: Son dos estilos, cada uno tiene su propia historia. Yo prefiero que no hablen cuando les hago fotos, porque luego te echan la culpa de que salen feos.

Alex: ¿Creéis que está habiendo una revitalización del fotoperiodismo en la actualidad? Viendo la reciente exposición en La Nau, y la buena acogida que está teniendo, junto con los recientes premios a fotoperidistas

56 dúplex FOTOGRAFÍA > ENTREVISTA locales, uno está tentado a pensar que cada vez hay un mayor reconocimiento tanto institucional como local.

El Flaco: Yo creo que cada día que pasa está más de capa caída. El que tiene calidad, funciona, si tiene trabajo, claro. Pero como no hay trabajo, la gente funciona precariamente.

Miguel: No estoy de acuerdo, el fotoperiodismo no ha dejado de estar en primera página, entre otras cosas, porque los periódicos se hacen gracias al fotoperiodista, y gracias a las exposiciones también. La Nau tiene un interés por el fotoperiodismo desde hace mucho antes que El Flaco. Siempre ha interesado el fotoperiodismo, otra cosa es que se haya maltratado. Y se sigue maltratando debido a la crisis periodística, que ha barrido a muchos trabajadores. ¿Crees que el desarrollo tecnológico tiene algo que ver?

Miguel: El problema es que se confunde el desarrollo tecnológico con la profesión. Es decir, se aprovecha la facilidad que te da el desarrollo tecnológico, para captar imágenes, cuando este trabajo no se trata en captar imágenes.

Se trata de saber captar, profesionalmente, una noticia o una situación, y eso todo el mundo no sabe hacerlo, por muchas facilidades que brinde la tecnología, porque requiere de una profesión, de un lenguaje y de un código ético, que no todo el mundo tiene.

El Flaco: Así es. Pienso que eso que hacen muchos medios, de mandar a periodistas con la cámara del móvil, está matando también la imagen del periódico, porque la imagen del periódico tiene que tener el mismo valor que la escritura de cualquiera noticia. Tiene que acompañar y ser coherente.

Miguel: Hay una falta de cultura periodística, como también sucede en el diseño. En este país hemos llegado, como en casi todo, un poco tarde. Por suerte hoy, ya se empieza a reconocer la labor de un buen diseño como de una buena fotografía. Recuerdo cuando hace unas décadas a alguien le hablaban de diseño y nadie sabía lo que era. Hoy sucede al contrario, parece que todos sean diseñadores, puesto que todo el mundo es capaz de hacer cualquier cosa con el Photoshop. En el sector de la fotografía sucede igual. ¿Hasta qué punto repercute este problema en el contenido de los medios?

Miguel: Cuando se está en situación de crisis, las cosas se tienden a complicar, y es cuando se empiezan a hacer experimentos. Por ejemplo, para que entren más gente a las páginas, se generan muchas noticias de mujeres, donde lo importante es, por ejemplo, la operación bikini, los lugares más top para

MIGUEL LORENZO: "Siempre ha interesado el fotoperiodismo, otra cosa es que se haya maltratado. Y se sigue maltratando debido a la crisis periodística, que ha barrido a muchos trabajadores".

EL FLACO: " La selección de la exposición ha sido larga y dolorosa, pero aún así, estoy contento, porque veo que la gente la ve y les gusta. Y el hecho de que la gente vea tus fotos, le agrada mucho a un fotógrafo".

viajar o el culebrón por el culebrón.

Algo bastante penoso que te lleva a preguntar quién puede leer esos contenidos y por qué se trata así a la figura de la mujer. ¿Y vosotros encontráis alguna salida a esta situación?

El Flaco: Yo suelo ser bastante negativo con esto. Si antes se cobraba una cantidad, ahora se cobra apenas una cuarta parte, porque ya hay otra persona que lo hace, sin importar la calidad, sino la cantidad.

Miguel: Yo creo que haciendo buenos contenidos sí que se puede conseguir que hayan buenos lectores. Entiendo la evolución de las cosas, y si el papel no tiene tanta acogida en sociedad, me parece bien que exista el soporte en digital. ¿Por qué tendría que haber problemas por la digitalización de los medios? Pero los contenidos tendrían que seguir siendo interesantes y buenos. Una cosa no quita a la otra. Yo no puedo ver una foto desenfocada hecha con un móvil por un ayudante de prensa, o por un becario. La adulteración de los becarios, hoy en día, es algo impresionante. Se utilizan becarios en labores que debería hacer un profesional para evitar costes, y esto no sólo ocurre en empresas privadas, sino también en instituciones públicas. ¿Qué ve un fotoperiodista que no ve cualquier fotógrafo?

Miguel: Para empezar, no sólo trabajamos de fotoperiodistas, también hacemos otras formas de fotografía. Yo, por ejemplo, he hecho mucho paisajismo, cosa que me ha llevado a cambiar el chip con respecto al periodismo. Cada campo tiene sus claves y lugares más comunes, y de los cuales intentas captar lo más interesante, para no aburrirte ni aburrir a nadie. ¿Hasta dónde llega vuestro límite de manipulación de la realidad?

Miguel: En el momento en el que elegimos qué fotografiar y qué no, estamos tomando partido. Uno manipula la realidad que ha elegido. En ciertos trabajos, no se debería permitir la deshonestidad en el trabajo y la manipulación de acuerdo a unos intereses. En publicidad, en cambio, se manipula todos los días y no tiene nada que ver cono el fotoperiodismo.

El Flaco: Yo tengo el ejemplo de un encargo que me hicieron, en el que querían que apareciera un yonqui picándose. Eso era imposible hacerlo. ¿Cómo ibas a sacar una foto de un hombre, sentado en el váter, picándose, a todo color? Eso no podía ser una fotografía periodística, sino de estudio, la cual necesitaba a un modelo.

Miguel: En la Unión Soviética eso se utilizaba muy a menudo.

Entre todas las especialidades de fotografía que practicáis, ¿os quedáis con el fotoperiodismo?

Miguel: Por mi parte, no. Tengo un abanico bastante amplio de temáticas que me interesan y tipos de fotografía que me interesa. Sobre todo cuando te empiezas a descubrir más, te gusta más. El fotoperiodismo es un tipo de fotografía que se puede combinar fácilmente con más tipos de fotografía. En este sentido, me gusta retroalimentarme y enriquecerme de más géneros y tipologías, que al final acaban nutriéndose las unas a las otras, que quedarme sólo en una.

Para ir cerrando, y retomando lo que comentaba José en relación a la pérdida de la ilusión de vivir, ¿veis mucho cambio en la ciudad de Valencia con respecto a aquellos años?

El Flaco: Yo creo que la gente está amuermada. Si sales a la calle, verás a poca gente contenta. Parece que estén más pendientes de los números de la hipoteca, del banco, de si le querrá su mujer, de si le querrán los amigos... La gente no se relaja mucho. Yo consigo que se relajen. Por lo menos, les hago sonreír. Diciéndoles tonterías, la gente se relaja.

Miguel: Yo creo que tiene que ver con lo que ha sucedido, y que no ha sido una crisis, sino que han sido

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58 dúplex FOTOGRAFÍA > ENTREVISTA varias. Tampoco diría que la gente está amuermada, como dice José.

Es verdad que hubo un momento de esperanza, en aquel 15M, donde salieron tantísimos a protestar, y después de los palos que nos han dado, desde aquella famosa crisis, ha hecho que no nos queden muchas fuerzas. Como mínimo, para protestar. Así que entiendo también que la gente no proteste.

Por eso es normal que la gente no esté muy ilusionada tampoco.

El Flaco: Lo triste es que hemos llegado a un punto que a la mayoría de la gente le da igual que la gente robe.

Y esa gente es la que yo no soporto.

Como todo el mundo entiende que aquí roba todo el mundo, roban ellos también.

Miguel: Pero también es verdad, que ahora con el cambio de gobierno local, aquí, en Valencia, se respira mucho mejor. De hecho, en mi archivo, desde el anterior gobierno, no guardo ninguna foto en la carpeta de “corrupción”.

EL CATÁLOGO DE EL FLACO, DESPIECE POR EL ESTUDIO GALLÉN+IBÁÑEZ CATALOGO en los catálogos de arte, Reseñamos parte de nos ha permitido la entrevista publicada EL FLACO esto llevar imágenes a sanen dissenycv al estudio Gallén+Ibañez sobre las peculiaridades del catálogo de la exposición.

gre, aunque siempre manteniendo su integridad y su encuadre.

[...] El concepto gráfico está basado en el hecho de que se trata de fotografía analógica, de ahí que las imágenes elegidas para abrir y cerrar han sido las del laboratorio que hemos convertido en duotono para crear la ilusión de luz roja. Del mismo modo el hilo conductor de los inicios de capítulo son hojas de contacto analógicas, recurso retórico que se vuelve a utilizar como principio y fin de catálogo.

Por tratarse de fotoperiodismo no estamos sujetos a la sacralización de la obra como sucede

[...] El protagonista es El Flaco y su exposición, y ese protagonismo debe quedar reflejado en el catálogo y en toda la gráfica promocional.

Como diseñador de un catálogo de estas características debes ponerte al servicio de la exposición y del autor. Por eso la elección de la imagen de portada, ese ciclista rumboso que circula por la ciudad contaminando amistad, alegría y paz, nos pareció la que mejor reflejaba ese espíritu bienhumorado que representa el trabajo del Flaco y su relación con Valencia.

Dos fotografías de Miguel Lorenzo: La desaparecida Alcaldesa de València, Rita Barberá, y una persona sin techo durmiendo en una entidad bancaria.

En la página siguiente, una fotografía de El Flaco de una pintada en una calle de València (arriba) y una imagen de Miguel Lorenzo de Francisco Camps en una comparecencia de una comisión de Les Corts.

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60 dúplex INNOVACIÓN > ENTREVISTA

HÉCTOR SERRANO Y CARMEN BASELGA Los diseñadores valencianos comisarían la exposición “Imprimir el mundo” TEXTO: ALEX SERRANO FOTOGRAFÍAS: D.R.

¿

En qué consiste la impresión en tres dimensiones y cuál ha sido su recorrido hasta la actualidad? ¿Qué capacidad transformadora tiene esta tecnología en los procesos productivos, en la relación del individuo con los objetos y en la sociedad en general? ¿Qué tipo de objetos impresos se encuentran en la actualidad y en qué ámbitos se utilizan? ¿Hasta dónde puede llegar el uso de impresoras 3D? Estas y otras cuestiones se abordan en “3D. Imprimir el mundo”, una exposición comisariada por los arquitectos y diseñadores españoles Carmen Baselga y Héctor Serrano y que podrá verse en la planta 4 del Espacio Fundación Telefónica hasta el 22 de octubre de 2017 ¿Qué os llevó a ambos a comisariar un evento como el de Fundación Telefónica”?

Carmen Baselga: Nace a partir de nuestras inquietudes profesionales, porque tanto a Héctor como a mí, siendo diseñadores, nos interesa mucho desde hace tiempo. Recuerdo a un amigo arquitecto, que está viviendo en Polonia, que me enseñó una serie de objetos que había empezado a diseñar. Había conseguido transformar formas arquitectónicas en pequeños objetos. Aquello me pareció muy interesante y me abrió los ojos hacia algo aún por descubrir. Fue a raíz de esta inquietud inicial cuando empecé a investigar, elaborar y desarrollar, junto a Héctor Serrano, hasta dar con un anteproyecto muy potente, que finalmente ha visto la luz en Fundación Telefónica.

Héctor Serrano: Por mi parte, cuando empecé a profesionalizarme, hará

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más de quince años, se utilizaba sólo para hacer prototipos. Posteriormente, vimos que se llegaron a hacer exposiciones sobre la impresión 3D, pero se centraban demasiado en el diseño, la moda, o eran demasiado técnicas. Ahora bien, nunca vimos una exposición más ambiciosa donde se demostrase el impacto que está teniendo en la sociedad y creíamos que sería interesante hacerlo, porque es un tema que se está empezando a escuchar con más frecuencia, pero mucha gente todavía no sabe bien en qué consiste. ¿Cómo ha impactado y puede impactar el desarrollo de esta tecnología en diferentes disciplinas?

Héctor Serrano: Donde más impacto social está teniendo es en la medicina. Ya existen numerosos implantes, prótesis, etc. donde se hace uso de la impresión 3D, porque una de las características de esta modalidad, es que cuesta lo mismo hacer un proyecto normalizado como uno más customizado, a medida del necesitado. En medicina tiene mucho sentido, porque al final tienes que adaptarlo al cuerpo humano, ya que cada individuo tiene una forma y una medida, por ello sale mucho más rentable hacerlo con una impresora 3D que con una aplicación digital.

Luego, en la industria se está utilizando mucho para hacer prototipos, y no tardarán en hacerse en moldes y matricerías, para poderlos proyectar en serie. Y no nos olvidemos de la aeronáutica, donde se precisan, para cientos y cientos de aviones, pequeñas piezas, cada una de una forma particular, lo cual tiene más sentido fabricarlas en 3D. El resultado sería más económico y eficiente, lo que supone un salto bastante grande a la industria tal y como la entendemos.

Con esto tampoco queremos decir que todo se hará en 3D, sino que convivirá la industria más tradicional y la industria más evolucionada.

Esto en cuanto a la industria, pero, ¿y a nivel doméstico?

Héctor Serrano: A escala doméstica significaría que cualquiera podría tener una impresora 3D, valorada entre mil o dos mil euros, aproximadamente, en su propio hogar. Así que de momento no sabemos bien qué hará la gente con esas pequeñas fábricas, pero sí que brindará infinitas posibilidades.

Carmen Baselga: Por lo pronto, uno de los objetos de la exposición, dentro del área “Cambios productivos”, a cargo de la diseñadora Danit Peleg, es ejemplar, puesto que gracias a

"Nosotros tenemos la idea de que esto es un artesanado digital, porque vuelve la producción a las manos del individuo, en contra de los sistemas de la industria, tal y como la conocemos hoy en día."

"La exposición consta de casi novecientos metros cuadrados de espacio donde hemos querido difundir unos cuantos conceptos de forma accesible".

una impresora 3D de uso doméstico ha llegado a crear un vestido entero.

Fragmentado, eso sí, porque no dejan de ser impresoras pequeña. ¿Y qué ocurrirá con la artesanía?

Carmen Baselga: Nosotros tenemos la idea de que esto es un artesanado digital, porque vuelve la producción a las manos del individuo, en contra de los sistemas de la industria, tal y como la conocemos hoy en día, tan mediados por los intermediarios. Pero es que el concepto de trabajo y salario, que ha tenido siglos de vida, según decía el catedrático Gregorio Martin Quetglas, en una entrevista que le hicimos, también va a cambiar.

Héctor Serrano: Este nuevo enfoque requerirá de otras habilidades, más visuales, que no pasarán por la manipulación. Además, se podrá ver físicamente lo que estás imaginando mientras moldeas, en una misma máquina. También es verdad que la aplicación artesanal, hoy en día, es muy escasa, puesto que la mayoría de los objetos se producen de forma masiva por máquinas. En definitiva, sólo afectará a unas partes concretas de la industria.

Este desarrollo tecnológico está afectando ya en el cómo fabricamos, distribuimos y compramos los objetos, porque lo que entendemos hoy por ellos, se convertirá en un archivo digital, con las mismas características, como ocurre con la música o el vídeo, donde podrás descargar, enviar, com-

partir, copiar y modificar el diseño.

Todo ello nos lleva a cuestionarnos si el objeto se convertirá también en un servicio, como ha pasado con la música, en el caso de Spotify; pagando una cantidad al mes y bajándote una serie de objetos. Son cuestiones que están en el aire.

Carmen Baselga: A veces es muy difícil juzgarlo en términos de bueno o malo, porque al final nosotros juzgamos bajo el prisma de la forma de ver el mundo tal y como lo conocemos. Al final, nosotros ponemos en relieve lo que hay, sin dar ninguna opinión, para que la gente lo vea, y a partir de ahí, reflexione. ¿Cómo habéis distribuido el espacio de la exposición?

Héctor Serrano: Está dividido en cuatro áreas. Por una parte está el área de presentación, “Del bit al átomo”, donde queremos mostrar, con un simple vistazo, qué es la impresión 3D, además de su repercusión social. Por otra parte, en el área donde están “los diez principios”, se muestran las características de este modelo de impresión, como la producción bajo demanda, donde no es necesario, por ejemplo, hacer un molde para producir miles de unidades, puesto que cuesta lo mismo producir una que cien, cosa que simplificaría muchísimo, tanto en el transporte como en el almacenaje.

Luego, en el área principal se pueden apreciar multitud de objetos reproducidos por las máquinas, cogiendo hitos muy representativos, y por último, en la cuarta área, se reflexiona sobre el futuro que se nos avecina con esta nueva tecnología.

Carmen Baselga: Son casi novecientos metros cuadrados de espacio donde hemos querido difundir unos cuantos conceptos de forma accesible.

Por ejemplo, hemos querido transmitir con la propia arquitectura del espacio el hecho de que cada vez se diluyen más las fronteras entre lo digital y lo físico. El mismo espacio es simbólico sobre lo que estamos exponiendo.

Si antes había una demanda en hacer de lo físico, algo digital, ahora parece que sucede lo contrario.

Carmen Baselga: Eso es lo interesante, que cada vez es más real la idea de que lo digital se pueda convertir en algo físico. ¿Cómo está siendo recibida la exposición?

Carmen Baselga: Por lo que nos han dicho, está teniendo multitud de visitas, porque realmente la gente va tomando conciencia de que esto no es un juego.

62 dúplex INNOVACIÓN > LAS NAVES 01

LAS NAVES

El laboratorio de innovación cultural No hay pócimas mágicas, microscopios, batas blancas ni pipetas. Lo que sí hay en el centro de innovación Las Naves es un equipo que trabaja buscando soluciones innovadoras para València y que, a través de su red Connecta Cultura, pretende crear comunidad alrededor de los sectores creativos y culturales de la ciudad.

S

olo con ver el calendario de actividades realizadas en el último año uno se da cuenta de que en Las Naves se apuesta por la creación digital, tanto en los sectores del videojuego como de la animación, que se fomentan soluciones innovadoras que impulsen la lectura, el proceso creativo del sector de las Fallas y el diseño como herramienta de sostenibilidad y bienestar social.

Connecta Cultura ya ha impulsado proyectos como: Parot Digital, una herramienta de realidad aumentada para difundir las Fallas y conservar el patrimonio; Falles Play and Go, una aplicación para móviles, creada por la empresa Non Spoon Lab e inspirada en el famoso Pokemon Go; y la realización de dos monumentos falleros hechos con paja de arroz, un material abundante en

València y mucho más sostenible que otros.

Por lo que respecta al fomento del sector del videojuego y la creación digital, el centro de innovación Las Naves, a través de Connecta Cultura, ha impulsado recientemente un espacio digital valenciano en la importante Feria Barcelona Games World. Otras iniciativas llevadas a

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1.- Las Naves propone, desde el Grau, soluciones innovadoras para València 2.- Parot Digital, un proyecto de realidad aumentada para disfrutar de las Fallas en cualquier lugar del mundo 3.- La paja de arroz como material de dos ninots de la Falla Municipal 2017 4.- Uno de los encuentros de desarrollo de videjuegos que tienen lugar periódicamente en Las Naves 5.- Presentación del Mapa de Industrias Creativas y Culturales, impulsado por Las Naves a través de Connecta Cultura.

cabo desde Connecta Cultura han sido la jornada “Leamos en familia, libros y más”, en colaboración con el Consell Escolar de la Comunitat Valenciana; la celebración periódica de grupos de trabajo con los distintos sectores culturales de la ciudad; y el fomento de la igualdad de género en la música mediante la firma de convenios con distintas entidades.

De hecho, la inclusión, la igualdad y la accesibilidad son aspectos que Connecta Cultura tiene en cuenta, apoyando proyectos innovadores que faciliten el acceso a los contenidos culturales de la ciudad a personas con diversidad funcional, así como los que fomentan sus capacidades creativas.

Las actividades cinematográficas y audiovisuales valencianas también son objetivo de Connecta Cultura, siempre que contengan componen-

tes nuevos y que apliquen tecnologías innovadoras en su producción y distribución. Otros campos: diseño, apoyo y promoción de programas y proyectos innovadores relacionados con la promoción, protección y difusión de la creación musical, la danza, el teatro y el circo para que sean inclusivos.

Un centro de gestión del conocimiento Ubicado en el barrio del Grau, Las Naves es el centro de innovación del Ayuntamiento de València que se reinventa, a partir de 2016, como un laboratorio en el que crear soluciones innovadoras a retos y problemas reales que València plantea como ciudad.

Soluciones que colocan a las personas en el centro de todas y cada una de las acciones que desde Las Naves se impulsan, involucrando para ello al sector público, el sector privado, el académico y a la sociedad civil.

Las Naves desarrolla su trabajo en cinco áreas estratégicas: agroalimentación, cultura, energía, movilidad y salud.

Cada una de ellas se plantea como una red Connecta con la que poner en comunicación a los principales agentes implicados e impulsar así la colaboración y la participación.

En definitiva, el Centro de Innovación Las Naves es un centro de gestión del conocimiento, con vocación de servicio público y en el que la innovación social no es algo transversal, sino una forma de trabajar: pensando que cualquier solución, proyecto o idea debe tener como fin último el bienestar de las personas que viven en la ciudad de València. La innovación social se erige, de esta forma, como impulsor de las soluciones que surgen de este “laboratorio ciudadano” en el que el análisis, la reflexión y la búsqueda colaborativa de alternativas son las principales herramientas.

64 dúplex ARTE > PERFIL

XIMO AMIGÓ

"Nunca he tenido otras inquietudes más allá de la pintura.

Siempre me he sentido cómodo en este ámbito y no he sentido la necesidad de explorar”

La pintura constante Nacido en Bonrepós i Mirambell en 1965, el artista valenciano ha labrado a lo largo de más de tres décadas una carrera definida por la coherencia.

el cierre ha sido generalizado y eso implica que pierdes todo el circuito por el que tu obra rotaba”. ¿Cuáles son las alternativas?

Hay artistas que se han metido de lleno en redes sociales pero desde luego no creo que sea la panacea.

TEXTO: PACO BALLESTER FOTOGRAFIAS: D.R.

U

n estuche heredado. Ese fue el inicio de la relación de Ximo Amigó con el mundo del arte a caballo entre los años 60 y 70. “No era muy bueno en ningún deporte pero el dibujo, el color, me atraían desde siempre”, recuerda Amigó. Su acercamiento al papel en blanco significó algo más que una mera afición. “Era la forma de expresión un niño reservado”.

Sus padres siempre le apoyaron.

Sin reservas. “Desde que era un crío mi obsesión había sido cursar Bellas Artes. Sinceramente, no veía un futuro distinto.

En mi opinión, y creo que casi todo el mundo coincidirá, poder estudiar tu vocación es la mayor de las suertes”. La entrada de Ximo Amigó en la enseñanza del arte en Valencia supuso un fuerte impacto. “Hablando claro, aluciné al entrar en la facultad y estar rodeado de aquel ambiente. Para mi, aunque suene cursi, era un sueño hecho realidad”.

Amigó destaca el ambiente “extraordinario” que se vivía en el campus y la excelente relación entre profesores y alumnos.

“Tras las clases nos quedábamos a trabajar con los profesores. Ya en el segundo año de carrera entré al taller de escultura de Pepe Ciriaco, en el que estuve un curso completo”. Con Ciriaco descubre el modelado, aunque la relación con la escultura apenas dura un año. “Modelar la piedra es un trabajo duro y frío.

Además, el proceso escultórico es lento y me producía frustración al no obtener resultados inmediatos. En cambio, con el lienzo, puedo plasmar de inme-

Amigó, como otros compañeros artistas de dilatada trayectoria, no se quedó parado cuando vio llegar los efectos de la crisis.

Junto con otros autores formalizó un colectivo denominado Cazadoras Asociados. “El objetivo era ganar visibilidad, exclamar que seguimos aquí, que no se nos ha llevado la crisis por delante sino que seguimos produciendo”. No solo produciendo, sino también exponiendo, ya sea en espacios alternativos, desde una escalera en un edificio señorial del barrio del Carmen al Café Malvarrosa. Con el tiempo han encontrado un espacio amigo, el Colegio Mayor Rector Peset. diato lo que tengo en la cabeza, aunque sea mediante un proceso de ensayo y error”.

Amigó entró de inmediato en el circuito artístico de la Comunidad Valenciana, con una primera exposición en la antigua Caixa d'Estalvis de Castelló y en Valencia, en la galería Gloria Rita García”. A partir de esta primera muestra, Amigó expone de manera regular, siempre en el ámbito de la pintura. “Nunca he tenido otras inquietudes más allá de la pintura. Siempre me he sentido cómodo en este ámbito y no he sentido la necesidad de explorar”. El método de trabajo de Ximo Amigó no ha variado un ápice desde sus inicios en la profesión: “Siempre me enfrento al lienzo en blanco desde la idea en la cabeza. No hago esbozos, aunque si tomo anotaciones previas. Admito que soy muy

caótico. No llevo un orden de trabajo exacto, sino qque me muevo de manera más instintiva, por intuición”.

Como ha sucedido en cualquier otra profesión, la crisis ha hecho mella en el mundo del arte, y Amigó no ha sido ajeno.

“La crisis se ha hecho -se está haciendo, más bien- muy larga y muy dura para nuestro sector.

Si no vendes, no produces. Lo necesitas para vivir. Es matemática pura”. Otro aspecto muy importante en el que la crisis se ha cebado es la visibilidad de los artistas. La razón es muy simple y Ximo Amigó la explica de forma muy sencilla. “Si cierran las galerías, como artista, te vuelves invisible. El público te pierde la pista. No ha sido solo en Valencia, el cierre ha afectado a galerías de Madrid Barcelona, Pamplona, Granada, Alicante...

“El mayor problema lo tiene el colectivo de artistas con una trayectoria consolidada, como es mi caso. Cuando llegó la crisis, te preguntas qué va ser de nosotros, hacia donde vamos, cuáles son las alternativas. Aunque no estoy muy vinculado con el mundo del arte, sobre todo con los artistas que ahora están comenzando, no puedo dejar de pensar que lo van a tener, y no quiero ser agorero, muy complicado, porque hay otro factor de importancia y es el cambio de prioridades del público. Antes, había personas interesadas en el mundo del arte cuya ilusión era tener un original en casa. En estos momentos sigue habiendo gente con este perfil, por supuesto, pero creo que el grueso del público ha cambiado su percepción o simplemente tiene otras prioridades como viajar o simplemente vivir el día a día de la mejor manera posible".

66 dúplex SECCION > entrevista

Foto: ©Alfred Weidinger

disseny: espai paco bascuñán

Les imatges del poder

29-06 / 15-10 / 2017 Organitza

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