Duplex06b by Eina Cultural

dúplex Revista de diseño y cultura visual

#06 NOVIEMBRE 2017 4 EUROS

Capdell: Cincuenta años de diseño MANUEL ESTRADA

MEDIA VACA

MÚSICA ILUSTRADA

LOS MERINO

"El diseño ha de ser eficaz"

Dos décadas de libertad editorial

Siete diseñadores y siete portadas

Fotografía inédita del mundo rural

2 dĂşplex SECCION > entrevista

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firma invitada RAFAEL ARMERO DISEÑADOR Y PRESIDENTE DE ADCV

Diseño: el arma empresarial que realmente funciona

unque me gustaría, no puedo hacer una evaluación rápida y sencilla de la salud del diseño. Primero es necesario reflexionar sobre el momento de cambio que estamos viviendo. Y para lograr cierta precisión en esta valoración es importante que analicemos lo que sucederá en el futuro o, mejor aún, ser conscientes de lo que está aconteciendo en nuestro presente, que es lo que nos conducirá a ese futuro. Como ya sabemos, estamos en un momento de verdadero cambio, y aunque puede que el cambio sea una de las constantes en la vida del ser humano, es indiscutible sentir que éste está sucediendo a una velocidad y radicalidad desorientadoras para muchos. La tecnología y los nuevos avances relacionados con el conocimiento nos han conducido, con un ritmo vertiginoso, a no tener la oportunidad de asimilar el “qué”, el “cómo” o el “por qué” de las cosas. En los últimos cinco años, solo las plataformas móviles han conseguido remover los cimientos de las estrategias empresariales, así como la planificación de sus negocios. Por suerte, las empresas de nuestro territorio, favorecidas quizás por el cambio generacional, se están percatando de esta situación. Están asumiendo que ya no tienen tanto control en sus planificaciones y proyectos empresariales y empiezan a ser conscientes de cómo los mercados y sus tan nombrados “usuarios” están cambiando a la misma velocidad o más, con una celeridad que provoca incertidumbre sobre sus escenarios de negocio de los próximos años. Por supuesto, también saben que van a enfrentarse a nuevas variables relacionadas con ese soñado horizonte, como son la reorientación de la actual economía lineal a una economía circular, la desaparición de los límites entre producto y servicio, la incorporación del “internet de las cosas” a productos y espacios, los retos planteados por el envejecimiento de la población o los nuevos escenarios donde el big data y la tecnología ofrecerán nuevas oportunidades. Hoy más que nunca el sector empresarial, el sector industrial e incluso el sector público van a requerir de mucha creatividad para afrontar esos años venideros. Van a precisar de personas familiarizadas con la creación, con la supervivencia en la inestabilidad y con mucha experiencia en esto de diseñar. Entendiendo por diseño no solo hacer las cosas estéticas o funcionales, sino con la destreza, el talento, la técnica y la capacidad creativa para redefinir o pensar los nuevos planes de futuro.

La sociedad siempre ha necesitado soluciones a los nuevos problemas que surgen del progreso y el diseño ha sido la herramienta que ha permitido satisfacer esas nuevas necesidades y avanzar. La actual marea de cambios provoca que esa sociedad precise gestores que ofrezcan seguridad para enfrentarse a lo desconocido. Y es aquí donde emergen los puntos fuertes que han caracterizado al diseño desde sus inicios, donde podemos decir que la profesión va a sentir una transformación positiva para con su salud. Me gustaría afirmar que los diseñadores ya nos encontramos en ese estado saludable, sin embargo creo que aún seguimos en la sala de rehabilitación. Hemos conseguido grandes hitos, sí, pero todavía nos queda mucho por hacer. Estos aires de cambio y conjetura sobre el futuro por parte de la sociedad, la empresa y el sector público nos augura una recuperación rápida; puede incluso que lleguemos a vivir una era dorada. Una era en la que por fin se admita la capacidad de los diseñadores para usar su talento y perspectiva a la hora de manejar oportunidades, así como comprender y resolver problemas complejos. ¿Y mientras tanto , qué?

DÚPLEX 06 (noviembre 2017) Edición y coordinación de contenidos: Paco Ballester Edición, diseño y maquetación: Tomás Gorria Colaboradores: Alejandro Serrano, Mayte Piera, Abel Gimeno, Rafael Rodríguez. Armand Llácer Publicidad: Revista Dúplex Imprime: La Imprenta Comunicación Gráfica Tipografías utilizadas: Trola, de Jordi Embodas, Lato, de Łukasz Dziedzic y Miso, de Mårten Nettelbladt Contacto: einacultural@gmail.com / revistaduplex@gmail.com Tienda virtual: einacultural.bigcartel.com Edita: Eina Cultural, SL einacultural.com Ángel Guimerá, 8, pta. 2 46005 Valencia NIF: B97970339 Depósito Legal: V-297-2016 ISSN: 97-72530604003 Imagen de portada: Silla Eco, de Carlos Tíscar de Capdell.

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editorial: Capital local del diseño El pasado mes de septiembre, y con ocasión de la última edición de Valencia Disseny Week, el diseñador Xavi Calvo dedicaba en Cultur Plaza un extenso artículo a una virtual candidatura de València a Capital Mundial del Diseño. Desde entonces venimos escuchando cierto runrún en algunos mentideros sobre la posibilidad de materializar esta candidatura. Xavi Calvo apuntaba algunos de los motivos: talento, creatividad, bagaje histórico y un posible apoyo institucional, así como el papel de esta candidatura como acicate para un reposicionamiento y revitalización del diseño en nuestra ciudad.

LUIS DEMANO

Lejos de querer enmendar la plana, deberíamos situar esta posible candidatura no como botón de arranque, sino como objetivo a (muy) largo plazo, comenzando la casa por los cimientos a través de pasos estudiados que formen parte de una estrategia clara que involucre a instituciones públicas y privadas, diseñadores, medios de comunicación, y en última instancia y como receptor, la sociedad. Una estrategia no sólo con esa candidatura en el horizonte sino como dinamizadora de un sector que en estos momentos abre la ventana durante una semana (la de Feria Hábitat y VDW) y la cierra hasta el año siguiente.

Empecemos por hacer posible una programación que salpique de diseño todo el año. Un calendario de actividades en las que el diseño esté acompañado de otras expresiones (culturales, industriales, gastronómicas, musicales...) que permitan que el diseño traspase sus propios ámbitos y se acerque a un espectro de público más amplio. Expliquemos a las empresas privadas las ventajas de asociar su nombre a este sector. Trabajemos junto a los medios de comunicación para que el diseño ocupe un espacio no sólo en la sección de Cultura, junto a teatro o literatura, sino también en la económica, al lado de otros sectores productivos, así como en la futura parrilla de la nueva televisión autonómica. Intentemos conseguir un centro de referencia donde recibir, mostrar y explicar el diseño, pero que también sirva para difundir su cultura. En definitiva, se trata de establecer las colaboraciones oportunas para desarrollar a distintos niveles políticas culturales e industriales con el diseño como referencia, con el objetivo final de hacer partícipe a los ciudadanos. Dar mayor visibilidad al diseño para que la sociedad que lo vive y emplea a diario aprenda a apreciarlo. Solo de esa forma una posible candidatura futura será comprendida y apoyada. Comencemos por ser Capital Local del Diseño. Paco Ballester/T. Gorria

SUMARIO 05. Firma Invitada 06. Editorial. Luis Demano 08. Pechakucha Night València 10. Actualidad DISEÑO GRÁFICO/ EDITORIAL 20. Entrevista Manuel Estrada 22. Entrevista Media Vaca 26. Il·lustració i compromís social DISEÑO GRÁFICO/ILUSTRACIÓN 28. Cuando la música no solo se escucha 32. Diez años de carteles en una cabina 33. La Imprenta CG, en su mejor papel FOTOGRAFÍA 34. Un duro, dos fotos 38. Michael Ast, el ojo en la cerradura DISEÑO DE PRODUCTO 42. Capdell, 50 años de diseño 46. Un siglo de "macchina semplice" 48. Arquitectura: La Fonca Roja DISEÑO DE INTERIOR 52. Ramón Esteve /ELO Construcciones 56. Estudio NC / Vicente Navarro DISEÑO CONTRACT 58. Actiu y Premios Nacionales de diseño 60. Interihotel. Contract hotelero

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QUIÉN ES QUIÉN EN PECHAKUCHA NIGHT VALÈNCIA EDICIÓN 26 01. ESCOLA LATERAL (DÍDAC BALLESTER, ENRIQUE CASP, ANTONIO BALLESTEROS) Dídac Ballester es diseñador gráfico. De manera consciente el estudio mantiene una estructura pequeña. Esto le permite trabajar muy cerca de los clientes, con una red de colaboradores muy flexible y a medida de cada proyecto, haciendo hincapié en la calidad y en la sencillez de las soluciones. Casp y Ballesteros (estudio Formo) han colaborado en proyectos comunes como la reciente identidad corporativa de la Marina de València. Ballester, Casp y Ballesteros pertenecen al colectivo “Aplec de Disseny” y recientemente han fundado “Lateral, escola de disseny“, proyecto que presentarán en esta nueva edición de PechaKucha Night Valencia. 02. INMA PÉREZ Inma Pérez, nacida en Xàtiva, llegó a Dadá por casualidad y ya ha cumplido una década al frente de la librería sita en el MuVIM. En esta vida le gusta ser librera, vestir de negro, oler los libros y abrir las cajas de pedidos donde sé que va a haber revistas.

Versión c

03. MENADOR espai cultural MENADOR es un nuevo espacio destinado a la cultura, gestionado por la Universitat Jaume I y Ajuntament de Castelló situado en el edificio que anteriormente acogía la Delegación de Hacienda en Castellón de la Plana. MENADOR ha acogido recientemente la segunda edición de Besign Fest y aspira a convertirse en uno de los centros de difusión del diseño en la provincia de Castellón. Blas Jovells y Marta Negre, quienes han participado de forma decisiva en la nueva personalidad del edificio presentarán el proyecto en PechaKucha Night València.

4. ABASEDEBÉ Abasedebé es una pequeña agencia de comunicación. Vicent Molins, José Miguel Piquer y Quique Medina al aparato. Miramos adelante, cara al mar. La Marina de València, Deleste Festival, UNO, Federal, Cañada Blanch… 05. CARMEN BASELGA Y HÉCTOR SERRANO Carmen Baselga_Taller de proyectos es un estudio multidisciplinar que ha desarrollado buena parte de su actividad en el entorno del diseño y arquitectura interior, proyectando espacios expositivos tanto culturales como comerciales, espacios gastronómicos, vivienda y espacios exteriores. Héctor Serrano es diseñador, formado en València y posteriormente en Londres, donde cursó un Master en Diseño Industrial. En el año 2000 fundó su propio estudio en la ciudad inglesa desde la que realiza proyectos de diseño de producto y diseño de espacios. Serrano ha trabajado para firmas nacionales e internacionales como Gandía Blasco, Muji, Roca o Metalarte. Baselga y Serrano acudirán a #PKNV26 para explicar su proyecto de diseño de espacio y comisariado en la exposición Imprimir el Mundo, exhibida recientemente en Fundación Telefónica de Madrid. 06. CONCA Y MARZAL Estudio de diseño valenciano especializado en diseño gráfico, diseño de producto e interiores. Fundado por Vicente Marzal y Juanjo Conca en 1997, lleva años especializado en la creación de marcas, identidad corporativa y su aplicación a espacios, con proyectos de interiorismo y decoración. Trabajan para grandes marcas nacionales e internacionales como Heineken y Nestlé, han

diseñado las nuevas mascotas del Levante. U. D. y su logotipo y han desarrollado gráficas tan reconocidas como la nueva señalética de Metro Valencia, la identidad de BCN World, la comunicación gráfica de la Fórmula E y el logotipo y packaging de la ginebra Ginself, entre muchos otros proyectos. 07. VIRGINIA LORENTE Nacida en Valencia en 1973, arquitecta, ilustradora y madre de dos musas de lo más inspiradoras, desde el año 2000 proyectando, diseñando, ilustrando y publicando algún que otro libro, y siempre estudiando. Con la crisis de los 30 comienza a estudiar Bellas Artes, con la crisis de los 40 diseño gráfico y con la crisis del ladrillo comienza el proyecto @typical valencia, una excusa perfecta para ilustrar valencia, observarla con ojos curiosos, como si fuera la primera vez y poner en valor, a través del diseño la ciudad, su arquitectura, su paisaje, su tejido. Desde entonces, ilustrar arquitectura se ha convertido en una obsesión. 08. IGLOO Formado por Nacho Marí Beneit y Antonio Galindo Alvarado, IGLOO es un estudio de arquitectura, diseño y construcción con sede en Valencia, en el que desarrolla proyectos en campos como la vivienda individual y colectiva, el diseño de espacios de trabajo, de oficinas de farmacia, la reformulación del espacio público y sus infraestructuras, el comisariado de exposiciones, el estudio y modificación del branding empresarial y la edición de publicaciones. Podríamos describir el IGLOO como la casa de construcción fácil producida mediante el

apilamiento de bloques de hielo, que la convierte en un el emento económico y sencillo constructivamente. Su objetivo es proyectar desde esta idea de complejidad elemental, buscando siempre resultados que se adapten a cada situación y cliente. No existe hilo conductor en nuestro trabajo sino la intención de resolver cada problema desde una perspectiva nueva. 09. ANA ILLUECA De formación autodidacta, Illueca aplica a sus creaciones artesanales una visión poliédrica que añade el valor del diseño a la artesanía de la cerámica. Recientemente realizó junto al también ceramista Xavier Monsalvatge una masterclass en directo durante la última edición de Valencia Disseny Week. Desde su nuevo taller tiene previsto lanzar una serie de talleres de cerámica creativa que ayuden a la difusión de esta artesanía. 10. ÁLVARO PONS Álvaro Pons es uno de los mayores divulgadores del cómic, historieta e ilustración en España. Ponsa ha pasado por fanzines míticos como El Maquinista o EMM y en 2002 creó el blog La Cárcel de Papel (premio Expocomic) uno de los grandes referentes en la divulgación de la historieta en nuestro país. Este blog pasó en 2017 a formato papel a través de un libro prologado por Luis Alberto de Cuenca. En 2007 publicó el libro Viñetas a la luna de Valencia, historia del tebeo valenciano 19652007 (Edicions de Ponent). Pons donó recientemente 2.000 fanzines al IVAM, una selección de los cuales ha conformado la exposición “Fanzination!”.

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LAS NAVES APUESTA POR LA ANIMACIÓN LIDERADA POR MUJERES La presencia de la mujer en el sector de la animación en València es cada vez mayor. Tan solo como ejemplo, de los ocho proyectos de emprendimiento que trabajan en este área en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de València, todos (menos uno) están formados únicamente por mujeres.

Cartel de la exposición ‘Frame Up. Cine breve de animación UPV’. Hasta el 24 de noviembre en Las Naves.

TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: D.R.

as Naves, a través de su red Connecta Cultura, tiene como uno de sus principales objetivos el impulso de las industrias creativas y culturales de València, haciendo especial hincapié en visibilizar el trabajo de las mujeres creadoras. En esta línea, promueve la exposición ‘Frame Up. Cine breve de animación’ que permanecerá en el centro de innovación hasta el 24 de noviembre. Esta muestra forma parte del festival Prime The Animation! 5, la muestra internacional de cortometrajes de estudiantes organizada por la Universitat Politècnica de València. Inaugurada el pasado mes de octubre coincidiendo con el Día Mundial de la Animación, ‘Frame Up. Cine breve de animación’ está comisariada por Pterodactive, una startup formada por Desiré Díaz, Marta Gil, Julia Cruz y Vicente Puig que trabaja en el ámbito de la producción de animación y el desarrollo visual. Una iniciativa emprendedora surgida en el marco de la Universidad Politécnica de València, el Instituto Ideas y la Facultad de Bellas Artes San Carlos. La exposición recoge proyectos de cortometraje de animación realizados en diferentes técnicas que muestran el alto nivel de contenido y la proyección que este sector está adquiriendo en nuestra ciudad. Todos los cortometrajes seleccionados están vinculados con la Universidad Politécnica de Valencia, han sido producidos dentro del mismo ecosistema aunque abordando diferentes perspectivas y han sido realizados entre 2016 y 2017 para enfatizar la actualidad del sector. Esta muestra consta de dos áreas: una, dedicada al material de preproducción de los proyectos y la otra, a la proyección de los cortometrajes. Con ello se

pretende materializar las diferentes fases del proceso de realización de un cortometraje de animación. El público que asista podrá ver 9 cortometrajes, ocho de los cuales han sido dirigidos por mujeres: ‘Impromptu’, de María Lorenzo (directora nominada al Goya al Mejor Corto de Animación por “La noche del océano”); ‘The Neverending Wall’, de Silvia Carpizo; ‘Patchwork’, de María Manero; ‘Invisible’, de Paola Tejera; ‘Clito’, del Estudio Pterodactive; ‘Lights out’, de Duna Tàrrega; ‘Dafne y Apolo’, de Patricia Lara; ‘A Table Game’, de Nicolás Petelski; y ‘Jana’, de Lucía Gómez. Además de la proyección de los cortos de animación, las personas que visiten la exposición también podrán conocer los materiales que muestran el proceso creativo de los cortometrajes, como los concept arts, diseños de personajes y escenarios, cut out, etc. Los proyectos que se muestran en ‘Frame Up. Cine breve de animación’ llegan a Las Naves en pleno recorrido por festivales nacionales e internacionales. Por ejemplo, ‘Impromptu’ ha sido seleccionado en el festival Anim’Est de Bucarest; ‘The Neverending wall’, en Canterbury Anifest y, durante la fase de producción, en la selección de proyectos de animación; ‘Clito’ fue seleccionado en el certamen Non Stop de Barcelona; ‘Invisible’, en 3D Wire; ‘A table Game’, en Fest Anča, y ‘Patchwork’, en Animac-Lleida. OTRAS INICIATIVAS QUE VISIBILIZAN A LAS MUJERES CREADORAS Además de ésta, Las Naves apoya a través de Connecta Cultura diferentes propuestas de creación visual como AnimaEmprende (llevada a cabo el pasado mes de marzo), un evento organizado para poner en contacto a los distintos proyectos que trabajan dentro del campo de la animación y conocer los trabajos actuales que cada uno está realizando. En la misma línea de visibilización del trabajo de las mujeres, el centro de in-

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Arriba:. Fotograma de ‘Impromptu’, de María Lorenzo (directora nominada al Mejor Corto de Animación por “La noche del océano”) Izquierda: Amparito, en la última edición de Truenorayo Fest en Las Naves, en la exposición también se proyectará el cortometraje ‘Invisible’, de la valenciana Paola Tejera que ha participado en el festival 3D Wire.

novación del Ayuntamiento de València también ha colaborado en las jornadas ‘Shifting the conversation. Towards Balance in the Music Industry’, organizadas por Berklee València en colaboración con el Fondo de Naciones Unidas para los Objetivos del Desarrollo Sostenible. El objetivo fue analizar y abordar los principales problemas que rodean a la diversidad y la inclusión en la industria de la música, específicamente en lo que respecta a la igualdad de género. El apoyo al trabajo de las mujeres en la creación musical también se materializa en la organización del Truenorayo Fest. Un evento celebrado en Las Naves que pone el foco en la ilustración y la música, con grupos de la escena underground e independiente con una fuerte presencia de la mujer sobre el escenario.

FOTO: DAMIAN LLORENS

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MENADOR: DINAMIZAR LA CULTURA TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: D.R.

l término menador hace referencia a la figura del niño que ayudaba al artesano que fabricaba hilos con las fibras de cáñamo rastrillado. El menador se encargaba de hacer girar la rueda favoreciendo la formación del cabo. El nuevo espacio cultural, que ocupa el antiguo edificio de Hacienda que cedió en el año 2010 el Gobierno central, ha querido homenajear esta figura, en la plaza Huerto Sogueros, poniendo en valor la industria del cáñamo, que tuvo su apogeo en el siglo XVIII, y que fue clave para el desarrollo de la ciudad de Castellón, convirtiéndolo en lo que hoy es un punto de encuentro vecinal, cultural y académico en la capital de la Plana. Este término cuenta también con una segunda acepción, y que es la de guiar, conducir o traer, de ahí que el edificio también sea un símbolo, un ejemplo de colaboración y entendimiento entre instituciones por el bien de la ciudad y de todos los ciudadanos, y que albergará, por parte del Ayuntamiento, dependencias de cultura, educación, normalización lingüística, juventud

y diferentes entidades de carácter cultural. Por parte de la Universitat Jaume I habrá una sala de exposiciones, aulas de formación, un aula del centro de autoaprendizaje de lenguas (CAL) y una biblioteca digital. Además, contará con una programación propia. Blas Jovells Igual es el arquitecto responsable y Marta Negre la diseñadora gráfica de esta emblemática propuesta cuyo edificio está incluido en el Catálogo del Patrimonio Histórico del

municipio, donde destaca su fachada, compuesta por piedra de Borriol, que otorga solidez y belleza a esta construcción y se conserva como en el proyecto original. Todos sabemos que una imagen vale más que mil palabras, y la de Menador es amable, nos capta en un solo impacto. Es adictiva, viral, abierta y sugerente, sabe inspirar y posicionarte. La marca, según Marta Negre, “se ha de recordar y posicionar”, por eso el juego en la deconstruc-

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Imágenes del complejo Menador. En la imagenes inferior un detalle de la señaletica. En la página anterior, el edificio donde se encuentra ubicado el nuevo centro cultural. ción de las letras, el uso del monocroma indistintamente en blanco o negro, y la tipografía dinámica, son claves. Estamos ante un edificio de 4.000 metros cuadrados que se construyó conforme al proyecto redactado en 1946 por los arquitectos Francisco Echenique Gómez, Luis Felipe Quijada Martínez y Mariano Nasarre Audera, con dirección de obras del arquitecto Vicente Traver Tomás. Abrió sus puertas en 1955 y en la fachada se pueden observar diferentes estilos de arquitectura, donde predomina el constructivismo, que es también un buen ejemplo de la arquitectura oficial del franquismo en la posguerra, y que a día de hoy, se ha convertido en un foco de oportunidades para la dinamización cultural y el conocimiento, que se abre en el corazón de la ciudad, arrojando luz y esperanza, no sólo en el ámbito cultural, sino también en la ciudad de Castellón y su gente. Un ejemplo del papel de MENADOR espai cultural es la segunda edición de Besign Fest, el festival en torno al diseño promovido desde La Exprimidora, y que recientemente tomó el edificio de Menador así como su plaza aledaña.

14 dúplex ACTUALIDAD Imagen de los participantes del Pechakcha.

BESIGN FEST TRASLADA SU PROPUESTA DE DISEÑO A CASTELLÓN Besign Fest se posiciona como un evento que trata el diseño desde un punto de vista multidisciplinar y que aglutina las diferentes profesiones creativas de la provincia. TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: BESIGN FEST

l pasado mes de octubre MENADOR espai cultural acogió la segunda edición de Besign Fest, una propuesta promovida desde La Exprimidoras (Asociación de Diseñadores y Creativos de Castellón) que ha trasladado a la capital de la Plana (la primera edición se celebró en Benicàssim) una apuesta que gira en torno al diseño y la creatividad. Entre los profesionales que pasaron por el besign Fest destacan algunas de las personalidades más conocidas relacionadas con el diseño de producto, como Antoni Arola, especialista en iluminación, o Joan Rokeski, estudio de Castellón con clientes a nivel internacional. El diseño gráfico y la ilustración también han estado presente con la participación de Amaia Arrazola, Clase

BCN o Pati Núñez. Los componentes de El Equipo Creativo han sido los encargados de traer el diseño de interiores al festival. besign Fest se posiciona así como un evento que trata el diseño desde un punto de vista multidisciplinar y que aglutina las diferentes profesionales creativas de la provincia.

las anteriores", explican desde el colectivo Zuloark. Los participantes han construido de forma colaborativa una instalación que ha servido de escenario para los diferentes estudios creativos que han pasado por el Pechakucha. Paralelamente el diseñador Joan Quirós impartió un taller de lettering.

La primera jornada de besign Fest estuvo centrada en explorar la visión más práctica del diseño. El colectivo Zuloark desarrolló junto a los asistentes una estructura efímera de 'urbanismo épico'. “Estructuras de grandes dimensiones que se construyen en apenas unas horas y únicas, ya que cada una es diferente de

Besign Fest acogió una nueva edición de PaechaKucha Night, en el que diferentes creativos (Lebrel, Yonoh o Smallgran, entre otros) expusieron sus trabajos en intervenciones de 6 minutos en un ambiente relajado y de ocio. Esta segunda edición de besign Fest ha sido patrocinada por el Ayuntamiento de Castellón.

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El Equipo creativo / Joan Rojeski: mano a mano en besign fest EL EQUIPO CREATIVO ¿Qué os ha movido a participar en el Besign Festival? Nos gustó mucho que la propuesta del festival saliera del propio colectivo de diseñadores de Castellón y no de grandes marcas o entidades oficiales. Esto lo hace mucho más interesante y real. También el panel de invitados (tanto de esta edición como de la anterior) nos parecía muy potente. El Equipo Creativo ¿Qué habéis aportado a este festival? Supongo que todos hemos venido con la idea de compartir algo de nuestro trabajo y por supuesto también aprender algo de los demás. ¿Cuáles creéis que son las claves para un buen diseño? Escuchar mucho a tu cliente, entender lo que necesita, pero siempre “leyendo entre líneas”, no literalmente. Y después, dar una respuesta coherente pero no siempre obvia, es decir que sorprenda a tu cliente y también a ti mismo. Joan Rojeski ¿Hacia dónde creéis que tiende el mercado? ¿Y las necesidades? Aprovecho esta pregunta para decir que opino que “el mercado” y el trabajo de los diseñadores no acaban de entenderse bien. En general “el mercado” no valora correctamente el trabajo de diseño y muchas veces nos toca trabajar en condiciones económicas no adecuadas. Creo que los diseñadores hemos de luchar y trabajar juntos para evitar estas situaciones tan habituales en “el mercado” como concursos no remunerados, “me pasas una propuesta económica y una idea”, etc. ¿Qué proyectos del festival os han interesado? Solo pudimos participar el sábado, donde todas las ponencias me parecieron muy interesantes y también muy variadas. ¿Cuáles son los retos de los diseñadores de hoy? Vuelvo a la misma idea: conseguir que nuestro trabajo sea entendido y correctamente valorado por “el mercado” que nos contrata. Para concluir, ¿cómo habéis sido recibidos en el festival? Genial. Nos hemos sentido como en casa. Ha sido un gusto haber participado.

JOAN ROJESKI ¿Qué os ha movido a participar en el Besign Festival? Como estudio que participó en la creación del primer festival, hace 2 años, tenemos un cariño especial al Besign Fest. En esta ocasión no participamos como organización, así que cuando nos invitaron a intervenir como conferenciantes no lo dudamos ni un segundo. ¿Qué habéis aportado a este festival? Castellón es una ciudad pequeña en tamaño pero grande en talento. Nuestro estudio está camino entre Castellón y Valencia, así que una visión de nuestro trabajo creativo ha podido ser interesante como enlace entre el lugar de ubicación del festival y el entorno profesional que le envuelve. ¿Cuáles creéis que serían las claves para un buen diseño? Diseño es una visión creativa de la vida. La mezcla perfecta entre creatividad y función. El buen diseño está ligado con la sorpresa al encontrarte un objeto, proyect, etc. y decir: claro! la solución estaba delante de mis narices.

¿Hacia dónde creéis que tiende el mercado? ¿Y las necesidades? Ambos conceptos podrían estar tendiendo hacia la desmaterialización de las cosas. ¿Qué proyectos del festival os han interesado? Absolutamente todos. Creo que ayuda a ello que el festival sea multidisciplinar. Siempre hay algun aspecto que te capta. ¿Cuáles son los retos de los diseñadores de hoy? Cómo en otros aspectos de la vida, la rapidez de cambio del contexto en el que vivimos propone el reto de no enfocar éste como algo negativo, sino conseguir un enfoque optimista del mismo. La creatividad y las ideas siempre tendrán valor. Para concluir, ¿cómo habéis sido recibidos en el festival? Partíamos con ventaja al formar parte de la familia de La Exprimidora. Así que nos recibieron como en casa, con mucho afecto e ilusión. Creo que todos los ponentes podrían coincidir en que una de las cosas que destacan de este festival es la cercanía entre organización, conferenciantes y público.

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XIII BIENNAL INTERNACIONAL DE CERÀMICA La XIII Biennal, organizada per l’Ajuntament de Manises, té com a objectiu fomentar la creació i innovació en l’àmbit de la ceràmica artística i de disseny. TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: D.R.

mb la celebració de la XIII edició i a través de les seues dos categories de Ceràmica d’Art i Disseny de Producte, la Biennal Internacional de Ceràmica de Manises aconsegueix, una vegada més, posar en valor la ceràmica d’autor com a mitjà d’expressió artística i com a producte de disseny amb capacitat per a ser reproduït industrialment. El certamen ha rebut novament la participació d’artistes de tot el món, amb una representació de 33 països diferents. El nombre d’inscripcions ha alcançat les 213 sol·licituds. D’elles, s’han seleccionat un total de 39 peces d’art i 12 peces de disseny. El jurat qualificador ha estat integrat per membres procedents de diversos àmbits. Per la categoria d’Art: Román de la Calle, catedràtic d’Estètica i Teoria de l’Art de la Universitat de València, assagista i crític d’art; Ronit Baranga, escultora i ceramista; Ángel Garraza, escultor, ceramista i professor. Per la categoria de Disseny: Pilar Vélez, historiadora de l’art i gestora d’institucions culturals, actual directora del Museu del Disseny de Barcelona; José Manuel Ferrero, dissenyador i director creatiu de Estudi{H} ac atelier de disseny; Sara Valverde, directora de marketing, comunicació i branding de l’empresa Porvasal. Sara Blanes, tècnica del Museu de Ceràmica de Manises, ha exercit també de jurat en ambdues especialitats. Aquest jurat es va reunir el passat dia 25 de setembre per atorgar els següents guardons. En l’especialitat de Ceràmica Artística: Premi President de la Generalitat Valenciana, dotat amb 5.000 euros, per a Pablo Bellot García, d’Espanya, per la seua obra La vomitera como último acto. Premi

En total s’han atorgat quatre premis dotats de remuneració econòmica i una residència artística en la ciutat de Montelupo (Itàlia). Diputació de València, dotat amb 3.000 euros, per a Ruth Cepedano García, d’Espanya, per la seua obra Obertura en cinc temps. Premi Ciutat de Vénissieux, per a artistes menors de 35 anys i dotat amb 1.800 euros, per a Julia Saffer, d’Alemanya, per la seua obra Green Loop. A més, es va acordar concedir mencions d’honor a Weronika Lucinska, de Polònia, per la seua obra Icebergs; a Rafaela Pareja, d’Espanya, per la seua obra Sensualidad Vegetal; a Mehtap Morkoç, de Turquia, per la seua obra We’re on a road to nowhere. En l’especialitat de Disseny, el guanyador del Premi Disseny de Producte Ciutat de Manises, dotat amb 3.000 euros, va ser el Colectivo CSC, d’Espanya, per la seua obra Enotis. Mar de Dios Solana, d’Espanya, va ser reconeguda amb una menció d’honor per la seua obra Lámpara de Esquina, Versión II.

La vomitera como último acto., de Pablo Bellot, Premi President de la Generalitat Valenciana

Per altra part, la Fundació Museu de Montelupo, representada per Cinzia Compalati, directora del Sistema museale Museo Diffuso Empolese Valdelsa, i Ivana Antonini, ceramista de la firma Ceramiche d’Arte Dolfi, va atorgar una residència artística en la seua ciutat a la participant Françoise Joris, de Bèlgica, per la seua obra Eclosion. La cerimònia d’entrega dels guardons va tindre lloc lloc el passat 3 de novembre a l’Auditori Germanies de Manises. Abans d’aquest acte, a les s’inauguràl’exposició de les obres participants en la XIII Biennal. Aquest any, el lloc d’exhibició serà la sala d’exposicions temporals del Museu de la Fotografia de Manises (MUMAF). Aquests actes relatius a la edició de la XIII Biennal Internacional de Ceràmica es completen amb la celebració de tres exposicions temporals. Les de Petra Bittl i Sonia Ferragut, com a guanyadores d’Art i Disseny respectivament en l’anterior Biennal, ubicades al Museu de Ceràmica de Manises. Per altra part, Estela Miguel, com a artista convidada d’aquesta edició, exposa les seues obres a la Casa de la Cultura de Manises. Així mateix, s’ha programat també un Cineforum Ceràmic coordinat per Rafaela Pareja que acollirà la projecció de quatre films d’autor i temàtica relacionada amb la ceràmica, així com dues Master Class impartides per Petra Bittl i Estela Miguel i dues conferències d’Enric Mestre i Tan Hongyu.

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02. Obertura en cinc temps 03. Icebergs 04. Green Loop 05. We're on a road to nowhere 06. Sensualidad Vegetal 07. Colectivo CSC 08. Lámpara de esquina versión II

18 dúplex ACTUALIDAD La muestra promovida por Grupo Finsa propuso en el centro de València seis conexiones que unen al público con la cadena de valor de la madera: el bosque, la fábrica, la logística, el diseño, el oficio y el cliente final.

MÁS MADERA: DISEÑO Y CREATIVIDAD TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: D.R.

onexión by Finsa. Espacios conectados con la madera" mostró durante desde finales de octubre a principios de noviembre las conexiones con la cadena del valor de la madera desde un punto de vista creativo y guiado por tendencias contemporáneas. La muestra promovida por Grupo Finsa propuso en el centro de València seis conexiones que unen al público con la cadena de valor de la madera: el bosque, la fábrica, la logística, el diseño, el

oficio y el cliente final. Este proyecto, de vocación itinerante, recorrerá España y el extranjero en los próximos dos años. El planteamiento de la exposición ha sido formulado en seis estructuras modulares diseñadas por el arquitecto Ángel Rocamora. En estos seis módulos, en los que están integrados 220 tableros de Finsa, se muestran objetos etnográficos de diversa índole, como dibujos históricos de diseño de muebles, herramientas tradicionales de carpintería, materiales originales de la industria maderera… Elementos físicos en los que se entrelaza la tecnología por medio de la realidad virtual, que ofrece

al visitante la posibilidad de conocer el proceso productivo de la madera gracias a unas gafas de realidad virtual. En la última edición de los Premios Nacionales de Arquitectura Efímera, el proyecto de Ángel Rocamora para Finsa ha sido distinguido como Selección Emporia. Intervinieron durante la presentación de la muestra en Valencia, David Estal (arquitecto), Mercedes Rodríguez (instructora de Feng Shui y Coach Personal y Organizacional), Juanjo García (artista fallero), Gonzalo Abia: Socio fundador de cerveza artesanal Tyris, Paco Boigues (asesor gastronómico y el grupo de teatro Subit.

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ISOLA DESIGN TALKS: LA CONEXIÓN VALÈNCIA-MILÁN

sola Design District en Milán volvió recientemente a promover el diseño en sus múltiples facetas, en esta ocasión a través de Fall Design Week, (7 al 15 de Octubre), semana en la cual las calles de la zona de Isola volverán a poblarse de arquitectos, diseñadores, estudiantes, creativos y emprendedores que participarán a Isola Design Talks. EiDesign (España Italia Design), plataforma que da soporte y mayor visibilidad al diseño español-latino en Italia participó el 13 de Octubre en Isola Design District con el acto “De Valencia a Stocolmo, Isola se convierte en el centro del mundo”. Los diseñadores emergentes invitados fueron Borja Sepulcre, Algoestudio y We are forms. Esta jornada fue realizada con la colaboración del salón nude de Feria hábitat Valencia y la revista digital DissenyCV.

20 dúplex DISEÑO GRÁFICO/EDITORIAL > ENTREVISTA

MANUEL ESTRADA Premio Nacional de Diseño "Si fuéramos capaces de demostrar que el diseño es una herramienta eficaz que ayuda a cambiar resultados empresariales, ganaríamos mucho".

noviembre2017 I dúplex06/21 TOMÁS GORRIA/ALEX SERRANO FOTOGRAFÍA: STRADADESIGN

a sido premiado fuera de España, pero, ¿qué significado tiene para usted el Premio Nacional de Diseño? Es una alegría, un reconocimiento en tu propio país, muy estimulante, que excede el ámbito normal del trabajo, lo cual es muy satisfactorio. En ese sentido, ¿cómo ve el panorama del diseño gráfico español? El diseño español está muy bien, goza de muy buena salud. Ha retrocedido unos peldaños con la crisis, lo cual significa que está más en tejidos sociales cercanos a la formación de diseño que a una buena parte del perfil industrial, lo cual es un riesgo, uno de nuestros puntos débiles, porque la gente piensa que el diseño es un gasto secundario, y cuando hay poco dinero hay que dejar de gastar. Son años que para el profesional, han sido duros. Creo que el diseño español está en un bueno momento. Hemos llegado décadas tarde al diseño, porque hemos vivido tiempos que lo han retrocedido, pero ahora vivimos un tiempo que lo ha catapultado. Han proliferado las escuelas, lo cual es una muestra de reconocimiento civil y social. Hay miles de estudiantes de diseño en España. Ahora es necesario conseguir que todo ello tenga un reflejo en la actividad industria y económica, porque si lo consiguiéramos de verdad supondría un paso histórico para el colectivo de diseñadores. Teniendo en cuenta que las generaciones que han "inventado" el diseño en España fueron casi autodidactas, ahora, con tanta gente estudiando diseño, tendría que haber un repunte fuerte... Yo lo veo como algo muy positivo. Creo que la Administración yo creo que tendría que hacer más de lo que hace. No puede ser que las instituciones públicas que promueven el diseño se cierren, porque es el peor ejemplo posible: cerremos entonces el departamento de diseño de las empresas. Es lo mismo. Demos ejemplo y salida para que esa energía joven, que está ahí, formándose, no tenga que irse a trabajar fuera e invertir el talento en otro país. Tratemos de hacer lo contrario y recuperemos el talento joven que se ha visto obligado a salir fuera. El diseño es tan importante como la investigación para la economía. Intentemos darle la importancia que tiene nuestro campo. Si le diéramos más relevancia, tendría más presencia en el

futuro de nuestro país. Nuestro diseño se reconoce fuera, por tanto, no es un problema de talento. Pensamos que somos un país ignoto al sur de Europa y no es cierto. Tenemos altas dosis de creatividad, y yo creo que en ese sentido, los diseñadores tenemos una responsabilidad de contagiar esta creatividad a los demás.

"La motivación para continuar es la curiosidad para resolver problemas. El interés por saber, las ganas de conocer".

En su web figura una serie de citas sobre diseño: Milton Glaser dice que diseñar es como avanzar en la niebla; Alberto Corazon habla de diseño inteligente; Cruz Novillo de la importancia de dotar de significancia a las cosas. ¿Cómo definiría su concepto de buen diseño? Habría que añadir a un buen diseño que sea eficaz. Si tenemos la capacidad para reconocer al diseño una fuerza estética y cultural, la asignatura pendiente es la industria, el reconocer que sea eficaz. Si yo hago una marca nueva a una compañía, y le ayuda a cambiar al presentación de sus productos en el mercado. Además de que el trabajo sea culturalmente significativo, hay que conseguir que las empresas mejoren en su productividad de la mano del diseño. No siempre se puede, pero hay que intentarlo. Hay que conseguir que ambos mundos se encuentren. Si fuéramos capaces de demostrar que el diseño es una herramienta que ayuda a mover los resultados y permite una mayor eficacia también en el mercado, ganaríamos mucho.

"Los diseñadores debemos ser capaces de explicar a las empresas cuál es nuestro proceso de trabajo y como hemos llegado a esa solución".

¿Dónde se encuentras más a gusto trabajando como diseñador? Para mí, hacer portadas de libro para editoriales como Alianza, es un placer. Me permite leer y hacer un ejercicio de síntesis del contenido del libro para luego volcar en la portada. Me resulta un trabajo muy amable. Ahora, resolver un problema de una compañía, que trabaja en cosas que yo no conozco bien, lo cual me obliga a estudiarlas más a fondo y encontrar una solución que les ayude a ellos, es un reto que me gusta y que veo muy estimulante. Trato de ser consecuente con lo que decía al principio: es necesario demostrar a las empresas que es rentable invertir en diseño. Es que estoy convencido de que cuando el diseño se hace bien, no sólo mejora el aspecto de las cosas sino que las ventas suben y la compañía es más reconocida, en términos generales. ¿Qué importancia le concede a los tres aspectos importantes del diseño gráfico: tipografía, ilustración y fotografía? Creo que un diseñador tiene que manejar la paleta, cuanto más amplia, mejor. Y no me refiero de tipografía, si no de

recursos. Cuanto más adoptemos una mirada de 360 grados, menos nos arrepentiremos y más nos imbuiremos de la cultura de nuestro tiempo. En ese sentido, los diseñadores somos los cuidadores de la tipografía. Por eso habría que incentivarse y crear nuevas, no reproducir las ya existentes. Creo que los soportes pequeños están reduciendo las posibilidades y el uso de las imágenes. Pero si todos pensamos que vamos a mirar las cosas a través de un iPhone, por ejemplo, la gráfica es cada vez más pequeña. Pero pienso que esto cambiará, y no puede ser que nos acabemos quedando sin imágenes de calidad. ¿Qué opina del diseño que se hace en la Comunidad Valenciana? Tengo una opinión muy buena del diseño valenciano. Cuanto más tiempo llevo en el diseño, más veo su capacidad industrial, que es muy vigorosa. Y eso lo veo ejemplar en un país que ha tenido serios problemas para mantener la misma industria y darle perdurabilidad. Por eso me parece estupendo. Mi opinión acerca del diseño valenciano, es cada vez más positiva. Hay magníficos profesionales. Aunque cada vez es más difícil hablar de un diseño concreto, sea italiano, francés o español. Los diseños están interrelacionados y son globales. Hay particularidades en cada comunidad, pero cada vez cuesta más distinguir lo que hacen los italianos con lo que hacen los portugueses. Se notan unas influencias comunes muy homogéneas. Eso tiene algo de malo, porque los centro de las ciudades, por ejemplo, se parecen cada vez más. Pero también nos hace más cercanos. Las diferencias entre un diseñador alemán y uno valenciano, son cada vez menores lo cual también puede ser positivo.

22 dúplex DISEÑO GRÁFICO/EDITORIAL > ENTREVISTA

BEGOÑA LOBO & VICENTE FERRER Editorial Media Vaca "Editamos únicamente aquello que nos gusta, se trata de pasarlo bien" Encontramos aparcamiento justo delante de la puerta del almacén de la editorial. Era un buen presagio. El almacén, un antiguo local donde se jugaba al scalextric y que conserva todavía la barra y el grifo de la cerveza está ahora repleto de libros que van, como las pelotas postales descascarillables de El Persa, a muchos rincones del planeta. TEXTO: TOMAS GORRIA FOTOGRAFÍA: MAYTE PIERA

n el mismo edificio del almacén se encuentra la casa donde viven Vicente Ferrer y Begoña Lobo y es también la sede de la editorial. La casa está también repleta de libros, de carteles y de objetos varios y pintorescos, en un ambiente de querencia patafísica. Evidentemente, en esta casa no existe la tópica separación entre el trabajo y la vida. Vida solo hay una, y esta pareja parece que ha decidido que Media Vaca forme parte de su existencia desde hace casi veinte años, que cumplirán en unos meses. En la página (abierta por un entusiasta admirador de la editorial) de Wikipedia dedicada a Media Vaca aparece un listado de todos los premios recibidos por la editorial, más o menos a premio por año, pero el reconocimiento y la notoriedad pública no garantizan que esta aventura editorial sea siempre acompañada por un nivel equiparable de venta de libros. “Bueno, eso pasa en general con todas las editoriales, pero en realidad nosotros si que vendemos libros pero no los vendemos aquí, vendemos mas libros en Polonia que en Valencia, por ejemplo…” El criterio sobre los títulos que se editan en Media Vaca no responde a tendencias editoriales, sino a los gustos de los propios editores, y la premisa es pasarlo bien. En este trabajo “no hacemos caso a las modas, que además son muy cíclicas: si a ti no te interesa lo que vas a editar, es muy difícil transmitir ese interés a tus lectores. Lo que pasa con los libros en España es que hay un mer-

cado de novedades que es un horror, que generalmente va en contra de la lectura, de los autores, mediatizada por que esos libros han sido reseñadas en un medio influyente, y así muchas cosas interesantes permanecen ignoradas”. En esta línea de edición independiente, Media Vaca tampoco vive al tanto de las subvenciones oficiales. Estamos en contra de que un libro esté subvencionado, que no haya un riesgo del editor. Además las ayudas oficiales tienen que ver con el número de libros publicado el año anterior, y como nosotros sólo editamos una media de 3 libros el trabajo de buscar subvenciones no te compensa. Por otra parte, por lo que respecta a las ayudas de los libros en valenciano no podemos plantearnos hacer ediciones bilingües por una cuestión de presupuesto: además la mayoría de libros en valenciano están escritos por maestros que tienen un público cautivo entre los propios alumnos, y este no es nuestro modelo. Corre la leyenda de que vuestro plan editorial está en vuestro cuarto de baño. No es del todo cierto, En nuestro cuarto de baño tenemos una serie de azulejos ilustrados por Vicente con una selección de personajes, muchos de ellos son autores que nos gustan y de los que nos gustaría hacer un libro. Por lo que respecta a nuestros proyecto editorial, podríamos decir que viendo con distancia los títulos que hemos conseguido sacar adelante, podemos estar contentos de nuestra trayectoria editorial; ahora mismo tenemos veinte títulos previstos con lo que tenemos un número de proyectos interesantes

por delante suficiente. Hay libros que han tardado mucho tiempo en ver la luz y otros que todavía están en proceso y no hemos podido culminar. Hay un proyecto de Eloar Guazzelli que se titula Ciudad de Nanquin, (ciudad de tinta china, como se dice en Brasil) que se inicio con el dibujo de una ciudad, inventada por el, dibujada sin boceto previo, directamente con rotulador, que recrea espacios urbanos que a el le gustan, de diversas ciudades del mundo: Montevideo, Buenos Aires, Praga, París, Lisboa… y en este proyecto recrea una nueva ciudad con las imágenes de todas estas ciudades. Esto iba a ser un libro (de unas 676 páginas), y una exposición (el libro estaba hecho para que con cada libro pudiera montarse una exposición). A partir de este libro la idea era la de organizar talleres en varias ciudades, donde artistas locales eligieran una casa, una plaza y que describieran el interior de la casa o el espacio publico, y que esto sirviera para generar un debate sobre la ciudad en la que queremos vivir… En realidad lo más interesante del trabajo editorial no es tener el libro terminado (que está muy bien) sino el propio proceso de edición. La mayor parte de los libros son ideas que nosotros proponemos a autores (ilustradores) que conocemos (personalmente o por su trabajo) con textos previos de escritores, la mayoría fallecidos. Alguno de estos procesos duran 5, 6 u 8 años, y lo más interesante es lo que sucede en ese lapso de tiempo, en el que en ocasiones la idea inicial se transforma en base a conversaciones, vivencias; y a veces de esos proyectos surgen otros proyectos, que no estaban previstos inicialmente pero que son proyectos interesantes que vale la pena llevar a cabo. Por ejemplo, a Diego Bianchi le ofrecimos hacer el Libro del Desasosiego de Pessoa y finalmente hicimos el libro de la ciudad de Buenos Aires que también acabo siendo un poco un libro sobre el reciclaje de la basura. Finalmente este libro sobre Buenos aires se incluyó en la colección de Mi hermosa ciudad (que en este momento cuenta con libros sobre Tokio, Zaragoza, Valencia, Milano, Buenos Aires, y Warszawa). Como la idea es que al elegir una ciudad se excluyen las ciudades que empiecen con ese nombre, ya no podemos hacer otras ediciones de ciudades como Berlín o Barcelona ( que es la ciudad en la que conozco más ilustradores), que serian posiblemente más comerciales.

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24 dúplex DISEÑO GRÁFICO/EDITORIAL > ENTREVISTA ¿Es que sois muy coherentes con vuestros planteamientos iniciales, pero siempre cabe una excepción, no? Sí, decidimos no hacer nunca un libro sobre Caperucita Roja, y al final hicimos uno con veintiuna versiones del cuento (que se realizó en un taller en Japón) que se han convertido en nuestro libro de mas ventas, con reediciones y actualmente agotado. ¿Os habéis planteado versiones digitales de vuestros libros? La verdad es que no tenemos ningún prejuicio en este ámbito, son formatos que pueden convivir perfectamente, lo que ocurre es que no tenemos infraestructura para acometerlo. Lógicamente, si diéramos el paso no nos limitaríamos a una versión digamos estática de los libros, sino que tendríamos que aprovechar las posibilidades de interacción, animación, buscando la forma interesante de hacerlo. Hubo un momento en que parecía que iban a desaparecer los libros en papel, y creo que ese discurso se esta diluyendo. Obviamente, nadie va a reivindicar que el código civil o el BOE se sigan haciendo en papel, pero hay libros que seguirán teniendo sentido en papel, por su propias características. Nuestros libros, por tal y como son, están en el lado del papel. También corremos el riesgo de que las versiones digitales primen, digamos la “magia” de las animaciones al contenido. […] es como caer en el cuenta-cuentos, que para mi es lo contrario de un libro. El hecho de que tu no leas el libro te hace un sujeto pasivo, un consumidor… La lectura es mucho más enriquecedora, cuando tu lees mal una frase, por ejemplo, se abren posibilidades de interpretación de ese texto, o cuando tu haces las pausas, estas construyendo una manera peculiar del relato del libro… Se trata de pensar mientras lees. Lo que nos interesa a nosotros es la formación de lectores críticos e informados y para esto, creemos que el formato de libro en papel es el adecuado. Vuestro trabajo incluye estar al tanto del diseño, la maquetación, el tipo de papel, la impresión, la encuadernación… Estamos al tanto de todo. Tenemos colaboradores pero he de decir que algunos no asumen muy bien cual es su función en el proceso. Por ejemplo, los maquetadores tienden a creer que han de hacer el trabajo completo y nosotros buscamos a gente profesional pero que conozca bien cual es su papel. Un ejemplo de profesionalidad es el de Paco Roca, que hizo un trabajo ejemplar

cuando le encargamos (hace de esto bastantes años) que hiciera la separación de tintas en el libro de Crímenes ejemplares de Max Aub. ¿Cual es vuestra relación con los ilustradores valencianos? Hemos trabajado con Carlos Ortín, con Miguel Calatayud, y en libro del Cabanyal hay muchos ilustradores valencianos…, pero tampoco creemos mucho en eso de “ilustración valenciana”; muchos de los ilustradores o ilustradoras que trabajan en Valencia no son de aquí (Ajubel, Marta Pina, Mar Hernández, Elías Taño…) y muchos ilustradores de Valencia no vive en Valencia. […] Cuando hicimos el libro del Cabanyal, (en el que la premisa fue que los autores fueran valencianos) el coordinador fue Martín López (uno de los artífices de Tenderete) que es peruano…, y mientras duró el proceso de edición muchos de los ilustradores que estaban inicialmente en Valencia nos acabaron enviando sus trabajos desde Barcelona, Berlín… El problema es que aquí no hay una industria que pueda dar trabajo a este colectivo. Se echa en falta un museo o un archivo de la ilustración valenciana. Hubo un momento en que en Valencia si había una industria que diera de comer a los ilustradores valencianos (Editorial Valenciana,…) pero gran parte de los originales de aquellos ilustradores se quedo en manos de los editores y no existe ningún lugar donde pueda verse ese trabajo. Tampoco la obra de nuestros grandes cartelistas (la obra de Arturo Ballester está especialmente maltratada…) están recopilados y bien custodiados (son materiales muy delicados). […] El modelo es la biblioteca de Lisboa es el ejemplo de lo que se podría hacer en Valencia con la Ilustración, un espacio con garantías de documentación y conservación. En Valencia hay colecciones particulares muy interesantes (la colección de tebeos de Pedro Porcel, por ejemplo) En Valencia cada generación de ilustradores se reinventa, no ha habido flujo de comunicación entre las diversas generaciones y una entidad como la de un museo de la ilustración serviría para crear un continuum, un lugar de encuentro en el mundo de la ilustración en Valencia Vicente, ¿y tu trabajo como ilustrador? Yo era ilustrador hace tiempo pero yo ahora ilustro a través de otros ilustradores, eligiéndolos para los diversos proyecto de Media Vaca, es mi manera de ilustrar.

Construimos ideas, en proyectos reales.

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26 dúplex DISEÑO GRÁFICO/EDITORIAL

IL·LUSTRACIÓ I COMPROMÍS SOCIAL TEXTE: REDACCIÓ IMATGES: COMISSARIAT EXPOSICIÓ

INAUGURACIÓ DE L’EXPOSICIÓ

MANUEL GARRIDO BARBERÁ

COMISSARI

ls còmics i especialment els llibres il·lustrats constitueixen el primer acostament a la lectura i també el primer museu i la primera col·lecció d’art que coneixem i que fem nostra des de la infantesa. Però, més enllà dels llibres, també ens trobem diàriament il·lustracions i còmics en altres suports ben diferents com són els cartells que veiem als carrers, els fullets informatius, les xarxes socials i inclús les pel·lícules d’animació. A vegades, aquestes idees convertides en imatges ens serveixen per a parlar de coses que d’altra manera se’ns quedarien molt curtes en matisos o que resultarien menys impactants i, sense dubte, molt més avorrides.

Com a complement a l'exposició física, s ́ha creat el lloc web http:// grafica-compromesa.com/ on es poden consultar tots els continguts dels panells i més exemples, enllaços a ressenyes, vídeos, catàlegs digitals i altres materials. L’exposició, organitzada per la Fundació FULL com a part del Pla Valencià de Foment del Llibre i la Lectura i amb la col·laboració de l’Associació Professional d'Il·lustradors Valencians, tracta de fer valdre la il·lustració gràfica i el còmic creats per alguns dels més importants professionals valencians al llarg dels últims vint anys i té com a fil conductor el tarannà reivindicatiu amb què aquests han posat el seu treball al servei de diferents causes o lluites socials

NOVEMBRE 19.00

BIBLIOTECA PÚBLICA DE VALÈNCIA

C/ HOSPITAL, 13 VALÈNCIA

elíastaño

L’exposició «Il·lustració, còmic i compromís social» és una mostra itinerant dividida en tretze panells que, mitjançant els treballs de més d’un centenar d’autors i autores de la Comunitat Valenciana, exposa un vast recull de publicacions, projectes personals i encàrrecs de tota classe que conformen una àmplia panòplia d’estils, tècniques i poètiques, i que tractaran de colpir i remoure les consciències del públic al voltant de tot un seguit de temàtiques socials com ara la memòria històrica, la igualtat de gènere i les violències masclistes, la reivindicació LGTBI, la defensa de la llengua o el mediambient.

CONFERÈNCIA A CÀRREC DE

i polítiques. En paraules de Manuel Garrido, comissari de la mostra "una bona manera de posar-li un segon altaveu a aquestes reivindicacions, crítiques i exigències que han fet servir la il·lustració gràfica i el còmic com a important ferramenta d’expressió, divulgació i conscienciació."

En aquesta pàgina: Cartell d'Elias Taño, il·lustracions de María Herreros, Maria Rodilla i Lina Vila.

De dalt a baix i d'esquerra a dreta: il·lustracions de Luis Demano, Miguel Ángel Giner i Cristina Durán, Clara Iris, Cachete Jack, Paco Roca y Lalalimola.

28 dúplex DISEÑO GRÁFICO/ILUSTRACIÓN > REPORTAJE

CUANDO LA MÚSICA NO SOLO SE ESCUCHA Si esto fuera una revista modernita y tuviéramos que hacer un top con las cosas que tienen superávit en València, seguramente en las primeras posiciones aparecería el talento de músicos, diseñadores e ilustradores. Cuando trabajan juntos el asunto se dispara. Basta con rebobinar y mirar algunas portadas de discos de los últimos años. No importa el estilo musical de los grupos, ni la lengua en que canten, ni la edad de sus componentes. Se ve que hay calidad. La que atesoran, por ejemplo, las siete portadas seleccionadas para este artículo. presencia más humana. Incluso hubo un tiempo, durante ese periodo del disco, que soñaba con el leopardo, para mí representaba el grupo en su conjunto ese personaje, y cuando en mis sueños algo hacía referencia a Polock aparecía ese leopardo que hablaba conmigo.

TEXTO: RAFA RODRÍGUEZ IMAGENES: D.R.

ablamos con sus autores, Jordi Albinyana, Carla Fuentes, Begoña Pons, Pablo Fernández Serrano, Cèsar Amiguet, Aitana Carrasco y Josep Gil. Dos preguntas por cabeza. En la primera nos explican el proceso de creación de la portada que les hemos seleccionado. En la segunda comparten lo que significa para ellos diseñar portadas de discos. No están todos lo que son, de acuerdo, pero sí que son todos los que están.

Para mi es uno de los proyectos a nivel creativo más enriquecedor, porque la música es muy importante en mi vida, y para crear la imagen de un grupo puedes inspirarte en sus letras, en el momento en el que está pasando el grupo, en la música... y crear un universo alrededor de esas 12 canciones, para que la gente pueda sumergirse incluso más en esa música.

Te’n cantaré més de mil, Pep Gimeno Botifarra (2009) JORDI ALBINYANA

Este trabajo tuve mucho tiempo para prepararlo. Pep me encargó la portada antes de empezar a grabar, por lo que pasé por muchas fases hasta llegar a la imagen final. Tenía muy claro desde el principio que la edición la haría yo con serigrafía, uno a uno. Después de hacer decenas de bocetos, llegué a la imagen simple de Pep, con las piernas enraizadas en el suelo, las manos grandes y expresivas y la cabeza en alto, con una voz como una estela saliendo de su boca. Es un reto representar el legado cultural que un hombre como Botifarra lleva a sus espaldas. Utilicé el blanco, el negro y el rojo sobre cartón kraft; cada tinta tenia un relieve diferente, cada color con una malla de serigrafía más o menos gruesa. El diseño original fue concebido para verse con la funda abierta, con la figura de Pep entera, como en el Blonde on Blonde de Dylan. En los últimos diez años he trabajado en muchos proyectos con músicos y grupos muy diferentes. Botifarra, Miquel Gil, Senior i el cor brutal, Cavallo..., cada uno tiene un lenguaje diferente y empatizar con una

03 obra y adaptar el estilo según el tipo de sonoridad es un ejercicio muy muy chulo. Además, que artistas a los que admiras confíen en tu trabajo para sus portadas es un lujo. Haría una portada a la semana. Me queda el gusanillo de hacer alguna que salga en vinilo.

Getting Down From The Trees, Polock (2010) CARLA FUENTES Tanto la portada como el interior eran ilustraciones de animales y representaban, de algún modo, lo que te encontrabas si eras algún animal que bajaba de los árboles, haciendo referencia al título del disco y de algunas fotos de promo que hicimos. Yo empezaba a ilustrar y por aquel entonces recuerdo que me gustaba mucho darle apariencia humana a los animales, por eso el leopardo de la portada tiene esa mirada y esa

Entusiasmo, Tórtel (2012) BEGOÑA PONS

La búsqueda de lo que será el diseño final empieza con un concepto general del disco, qué es lo que significan esas canciones para Tórtel y cómo las imagino e interpreto yo. Me ayuda mucho sumergirme en las letras pero también pensar en lo que no hay explícito en ellas. A partir de ahí comenzamos a buscar ideas con las que el compositor se sienta totalmente representado; imágenes sugerentes, tratar de evocar a través del color, las formas. Con este disco, Entusiasmo, Tórtel me comentó que para él era un disco especial con el que sentía que había descubierto un pequeño nuevo mundo para sus canciones. La idea de conquistar un lugar nuevo fue algo que me sedujo desde el principio, y pensé que era un buen punto de partida para idear el arte del disco. Pensamos que revisitar la mirada un poco inocente y alucinada de Rousseau ante el Nuevo Mundo era una buena idea. Finalmente reinterpreté la obra El Sueño de Rousseau (1910), en lugar de trabajar con óleo y lienzo, utilicé mis propias herramientas digitales.

noviembre2017 I dúplex06/29 La música y el diseño tienen una relación muy estrecha y trabajado conjuntamente puede generar una pieza memorable. Para mí, trabajar junto con otro artista tiene una carga extra, trato de sumar lo que puedo y por supuesto de aprender mucho. La portada muchas veces es la primera sensación que el oyente tiene sobre las canciones. Tórtel me comentaba que las canciones comienzan incluso antes de sonar, con el título o con lo que queramos proyectar con el arte del disco. Me gusta concebir la portada del disco como una pista, no tiene que desvelar más de lo necesario, usando un término musical ha de armonizar, y tiene que estar a la altura.

Inagotable suministro, Capaje (2013) PABLO FERNÁNDEZ SERRANO La idea inicial nació a la hora de hacer un cartel para un concierto en el que presentábamos todas las canciones que iba a incluir el disco antes de editarlo. Como quería representar el aborregamiento pensé en la típica imagen de un burro siguiendo a la zanahoria y como en alguna de las letras se hacen alusiones al mundo marino y a las relaciones entre los seres vivos varié los elementos cambiando el burro por un pez y la zanahoria por un anzuelo para dotarla de ironía. Como el cartel gustó a la banda, se decidió partir de esa imagen para desarrollar todo el diseño basándome en una visión personal en forma de metáfora sobre la carrera del progreso, a costa de la naturaleza y del engaño, mediante 5 ilustraciones realizadas con la técnica del collage infográfico en las que se muestran seres vivos pertenecientes al mundo marino transportando a seres humanos utilizando ilustraciones y grabados pertenecientes a libros antiguos que fui encontrando en numerosas visitas a la biblioteca. En mi caso todas las portadas que he diseñado, principalmente, son de grupos en los que toco así que para mi es mucho más fácil diseñar cosas relacionadas con ellos ya que conozco plenamente los conceptos por los que me puedo mover, la estética, los detalles, etc… para darle un poco de sentido a todo. Además hay plena confianza con el resto de la banda y eso te da mucha libertad. Si hay algo que no les gusta a mis compañeros sólo tengo que recordarles que no estoy viendo un duro por hacer el diseño y entonces me dicen que les gusta (risas). Bromas aparte, el hecho de trabajar de esta forma me aporta por un lado la satisfacción de ver una portada de tu grupo que se adecúa a lo que quieres transmitir con la música y por otro lado la satisfacción de hacer algo que le gusta a tus compañeros de banda.

30 dúplex DISEÑO GRÁFICO/EDITORIAL > REPORTAJE rana de hasta 12 modelos diferentes, tantas como miembros del grupo–, mucho confeti y otras sorpresas: uno de los premios era una paella y concierto privado con el grupo. La gráfica resulta coherente con el tono divertido y colorista de sus directos. Cuando la música llega a nuestros oídos por múltiples medios antes que por el soporte físico, éste debe contener un valor añadido que genere experiencia. Ésta fue la premisa de la que partimos, y creemos que en la actualidad es una constante a tener en cuenta en cualquier proyecto de diseño de discos.

El que corre con los búfalos, Gilbertástico (2014). AITANA CARRASCO

Sobre sorpresa, La Ranamanca (2013) CESAR AMIGUET Y ANNA ROIG (LAVALENCIANA) Aunque no es un trabajo reciente, es del que más contentos estamos tanto del resultado como del proceso, que incluía naming, logotipo, diseño gráfico y packaging. Con Sobre sorpresa

convertimos una maqueta de 5 temas en un producto vendible que conectaba con el creciente público de este grupo de “Rumba de la Plana”. Para conseguir el tono desenfadado y rumboso que nos pedían, diseñamos un sobre, con su pestaña troquelada y todo –como los que comprábamos de nanos en la paraeta– que contiene, junto al cd, un libreto en origami con forma de rana, pegatinas de vinilo –ancas de

Yo ya había realizado varias portadas de discos cuando Gilberto me propuso vestir con mis imágenes su disco. Me hizo mucha ilusión porque me gusta mucho su música. Normalmente, el proceso que sigo es escuchar con atención, muchas veces, las canciones, e ir tomando apuntes, palabras sueltas, frases, sensaciones y bocetos rápidos. En este caso tuve un flechazo instantáneo con el disco: me gustó mucho, me hizo reír y llorar y tras apuntar trozos de las letras y sentimientos provocados por la música, lo único que se me venía a la cabeza era "Éste es un disco de amor". Porque el disco está lleno de árboles, de animales y de fantasmas, pero es, sobre todo, un disco de amor. En seguida me vino la imagen de un corazón cantando, un corazón que grita su amor, un corazón solo, en medio de una selva, que canta a gritos. Me esforcé en alejarme de la ñoñería y creé una imagen que es bonita y fea al mismo tiempo, que es potente, casi incómoda, y a la vez preciosa. Quería que fuera un grito de amor, con todo lo que eso significa: algo amable y desgarrador, apetecible e insoportable, algo que celebramos y maldecimos, que disfrutamos y lloramos, que nos acompaña y nos sume en la soledad. A Gilberto le gustó a la primera. Todo fue muy fácil, como pasa a veces con el amor. Ilustrar un disco es, siempre que te guste la música que contiene, un placer. Se trata de interpretar la música con imágenes, en lugar de con un instrumento. No deja de ser una visión personal, por eso es importante conectar con el autor o los autores, para que esa visión sea parecida. Como he dicho antes, suelo escuchar las canciones y tomo apuntes.

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Soysoft i Magda Arques, guanyadores del premi de disseny Ovidi El Col·lectiu Ovidi Montllor de Músics i Cantants en valencià (COM) va lliurar el passat 9 de novembre els Premis Ovidi en la seua dotzena edició. Júlia, Zoo, Smoking Souls, Tardor, Candela Roots i Mireia Vives i Borja Penalba s’han emportat els principals reconeixements.

A veces estos apuntes son palabras que se dicen en las letras pero, muchas otras, son aquello que el conjunto me hace sentir. Puedo apuntar cosas como "un escarabajo pelotero baja por una pendiente mientras el sol se pone", cosas como "hace calor en el Polo Norte", cosas como "los peces hacen las maletas". Luego, se trata de buscar imágenes que reflejen esas sensaciones, esa música, y que a su vez funcionen como portada de disco, que tengan cierta potencia, cierto atractivo. Para mí es fascinante poner imágenes a la música, ya que, además de lo literario, entra en juego lo musical. Y es un festín para los sentidos, y un privilegio, poder dotar de color y de forma a la música.

De tornada a les ribes, Urbàlia Rurana (2017) JOSEP GIL Y SUSI MARTÍNEZ Toni y Carles, músicos de Urbàlia Rurana, me trasladaron toda la información que pudieron sobre el proyecto: un disco sobre la música que nace en los pueblos y culturas que lindan con el Mar Mediterráneo. El proceso de diseño lo llevé a cabo desde un principio en colaboración con Susi Martínez. Como en cualquier proyecto de diseño elaboramos propuestas y generamos un pequeño caos en el que elegir y juntar conceptos, ideas y líneas gráficas. Es uno de los pocos proyectos en los que le he planteado un par de propuestas al cliente, al tener dos líneas muy distintas muy avanzadas. En este caso nuestro protagonista claro era el Mediterráneo.

Trabajamos los conceptos de aquello que nos trae el mar, lo que nos une, o la mezcla entre culturas desde el punto de vista fotográfico, desde la propia estructura del contenedor, con troquel y plegados, queríamos que el mar fuera el contenedor real de la música, en este caso el cd, hasta un lenguaje gráfico más icónico. Al final nos decantamos por estas olas que tienen todos los colores del Mediterráneo. Cercana a la costa encontramos una ola de color rojo, intentando simbolizar la propia vida, el reflejo de los pueblos y la conexión emocional entre los pueblos y el mar. Una de las cosas más gratificantes que tiene el diseño es que no tienes más remedio que empaparte de aquello sobre lo que vas a trabajar. A mí la música, al igual que otras expresiones artísticas, es algo que me aporta muchísimo, detrás de cada disco, como detrás de cada libro, hay un discurso, un desarrollo intelectual muy importante por parte de su autor y tienes la oportunidad, en cada proyecto, de vivirlo de primera mano, que el propio autor te comparta sus ideas, las dudas que ha tenido o simplemente el por qué de todo lo que tenemos aquí, todo aquello que debes tener en cuenta en el proceso de diseño. A parte, el disco no deja de ser un proyecto editorial que tiene mucho del proceso de creación de un libro, otro de los soportes que tanto me interesan. Y para acabar tienes la música, otro lenguaje, otra textura, de aquello que tú has trabajado a nivel gráfico, en un intento de fijar físicamente algo que por naturaleza es inmaterial.

D’altra banda, els reconeixements al disseny, dictaminats per Sebastián Alós, Cèsar Amiguet i Maria Estrada, han sigut per a Soysoft i Magda Arques per Pròxima B (Malatesta) de Júlia. En paraules de les dissenyadores: "El projecte gràfic sorgeix d’un mateix concepte: l’espai físic transformat com un espai metafísic i poètic mutant. Les dues vies que s’han treballat són el procés d’impressió i creació grà ca destinada als elements grà cs impresos i les visuals per als directes. Tant la gràfica impresa com els visuals són obres úniques. Cada obra gràfica està generada de forma individual i impresa com a peça única. Utilitzant l’Axidraw, un plòter que l’utilitzem per dibuixar i pintar amb retoladors. Així generem cada portada de forma única amb la combinació dels relleus topogràfics.

32 dúplex DISEÑO GRÁFICO/EDITORIAL

DIEZ AÑOS DE CARTELES EN UNA CABINA La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València, con motivo de su décimo aniversario, expone una retrospectiva de todos los carteles que han sido imagen del festival desde su primera edición. TEXTO: REDACCIÓN IMATGES: D.R.

racias a la colaboración del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, la exposición abrirá sus puertas hasta el 10 de diciembre en la Sala Oberta del Centre Cultural La Nau. En ella podrán verse los trabajos de diseñadores e ilustradores de la talla de Paula Bonet, Carla Fuentes (Littleisdrawing), Luis Demano, Escif, Jorge Lawerta, Julia Valencia, Estudio Menta, Gloria Vilches, Mireia Pérez y Cachete Jack, diseñadoras estas últimas del actual cartel. La exposición “La Cabina: 10 anys, 10 cartells” albergará los 10 carteles que han sido imagen del festival de mediometrajes y la utilización de esa imagen en los diferentes soportes de comunicación. Además, también

podremos ver el proceso por el que los artistas pasaron hasta llegar al resultado final. ILUSTRACIÓN, DISEÑO, LETTERING, COLLAGE… Estas son algunas de las técnicas empleadas por los artistas que pusieron la imagen a cada una de las ediciones de La Cabina. Mireia Pérez fue la primera ilustradora en realizar el cartel de La Cabina; en su cartel utilizó la cabina de la famosa película de Antonio Mercero que más tarde se convertiría en logotipo del festival. En la segunda edición, Julia Valencia utilizó una imagen en espejo de un hombre mirando a través de una mano que simulaba el objetivo de una cámara. Por su parte, Gloria Vilches empleó el collage e introdujo el reloj en la tercera edición, uno de los elementos más repetidos en posteriores carteles. Al año siguiente, Estudio Menta utilizó el lettering para plasmar la idea de que

un mediometraje es “El tiempo justo para atrapar a un asesino”, por ejemplo. Carla Fuentes, en el quinto año de La Cabina, volvió al reloj para transmitir la importancia del tiempo, que define la existencia del mediometraje. En 2013, Paula Bonet y su Alicia en el País de las Maravillas causó furor entre los seguidores de la artista y el festival: muchos de ellos arrancaban sus carteles en las calles para llevárselos a sus casas. Luis Demano, con su estilo inconfundible, plasmó una cabina-edificio en el que vivían personajes cinematográficos que formaban parte de su imaginario. Con Escif, ya en 2015, llegó el minimalismo y un estilo más conceptual con el poni como metáfora del mediometraje: pequeño en tamaño en comparación a un caballo, pero un animal con entidad propia. Al año siguiente, Lawerta representó su visión particular de La Cabina de Mercero, mostrando a un José Luis López Vázquez feliz de estar encerrado en ella. Este año, en el décimo aniversario de La Cabina, las Cachete Jack han querido homenajear, con una explosión particular de colores, a todos los profesionales que hacen posible que el mundo del cine siga funcionando.

noviembre2017 I dúplex06/33

La Imprenta CG, en su mejor papel TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: D.R.

l pasado mes de octubre, ASOAGVAL (Asociación Industria Gráfica de Valencia), entregó sus premios anuales, que reconocen los mejores trabajos impresos durante 2016. Estos galardones premian la excelencia de las empresas del sector de la industria gráfica de la provincia de Valencia. La Imprenta Comunicación Gráfica, responsable de la impresión de revista Dúplex fue galardonada con once premios (seis primeros premios y cinco segundos premios). Enrique Bayo, responsable de Proyectos de La Imprenta CG fue el encargado de recoger los galardones de manos de Ramón Simón, Presidente de ASOAGVAL. 1º Premio en la modalidad Catálogo Digital: Elisa Palomino, “Memories” Recopilación visual de las colecciones de la diseñadora Elisa Palomino. 2º Premio en la modalidad Catálogo Digital: Guía de Ultramarinos ‘Turia’. Ilustrada por Ana Penyas. Fotografías de Tania Castro. Promovido por Cerveza Turia. 1º premio al Producto Gráfico innovador: Libreta de notas ilustrada por Mar Hernández (Malota) para La Imprenta CG. Cosidas a mano con hilo vegetal de colores. 2º Premio al Producto Gráfico Innovador: Agenda del IVAM 2017, diseñada por el estudio Gallén + Ibáñez. 1º Premio en la modalidad Revista Offset: Gràffica #6, ‘Clientes y creativos’. El sexto número aborda las relaciones profesionales entre clientes y creativos. 2º Premio en la modalidad Revista Offset: ‘Ferida’ #1 y

#2. La revista ‘Ferida’ nació de la mano de un grupo de entusiastas multidisciplinares (periodistas, fotógrafos y diseñadores) para dar a conocer el juego de la Pilota Valenciana. 1º Premio en la modalidad ‘Offset artístico’: Catálogo ‘Seul avec la Nuit’ (H.R. Giger) Se trata del catálogo que acompaña a la exposición retrospectiva de H. R. Giger que el centro de arte francés Le Lieu Unique le ha dedicado este verano. 2º Premio en la modalidad ‘Offset artístico’: Seis esculturas monumentales de Manolo Valdés. Catálogo que acompañaba la exposición de esculturas monumentales en la Ciudad de las Artes y las Ciencias. 1º premio en la modalidad de ‘Revista Digital’: DXI Magazine #52. A4 de encuadernación rústica y con sobrecubierta. Idea, diseño y desarrollo de Alejandro Benavent con la colaboración de Fedrigoni. 1º Premio en la modalidad ‘Offset’: Catálogo ‘CasaDesús Collection’ 2º Premio en la modalidad de ‘Offset’: Andreu World – ‘Outdoor’

34 dúplex FOTOGRAFIA > REPORTAJE

UN DURO, DOS FOTOS Una exposición de fotografías en un pueblo de la Serranía descubre el trabajo de una pareja de fotógrafos "minuteros" que ha contribuido a la recuperación de la memoria gráfica del pueblo. TEXTO: TOMÁS GORRIA FOTOGRAFÍA: MAYTE PIERA

E Arriba, una de las imágenes de "Los Merinos" de los quintos de Alpuente, de los primeros años de la posguerra. Sobre estas líneas, la máquina de fotos "minutera" y unas cajas de papel fotográfico.

sta historia comienza cuando en los primeros años de la posguerra, el médico de Alpuente le comentó a Blas Debón, (el Merino), que se ganaba la vida arreglando todo tipo de cacharros, bicicletas y tocando el acordeón, que se acercaban tiempos en los que haría falta en el pueblo alguien que hiciera fotografías para la cumplimentación de los nuevos documentos que el nuevo orden franquista requería: Carnets varios, libros de familia… Así que Blas se acercó a Valencia y con lo que consiguieron al vender una “borrega” que les habían dado como dote y compraron una vieja cámara (similar al modelo Mandel, fabricadas en USA a principios del XX) a uno de los denominados fotógrafos

minuteros de Valencia, el que hacía las fotografías de la playa de Las Arenas. Era una máquina que no utilizaba película, sino que impresionaba directamente un negativo en papel fotosensible para más tarde, hacer una nueva foto y conseguir una imagen en positivo: de ese modo podían ofrecer en muy poco tiempo las fotografías a sus clientes, que podían llevárselas in situ. Tras aprender de manera autodidacta los rudimentos técnicos de aquella máquina, comenzaron con aquel negocio, (dos fotos formato media postal, un duro) con el que toda una generación de vecinos de Alpuente y sus aldeas han podido retener su memoria gráfica. Un negocio que hoy llamaríamos de autoemprendimiento, pero que en aquella época no era sino una manera de dar de comer a sus hijos.

noviembre2017 I dúplex06/35 Un día, según nos cuenta Consuelo Sánchez, la mujer de Blas que en la actualidad cuenta con 94 años y goza de una buena memoria, fue con su cámara a La Yesa y montó su pequeño estudio ambulante para hacer las fotos a los vecinos. Ese mismo día estaba también Blas con el acordeón y parece que ganó más dinero Consuelo con la “máquina de patas” que Blas con su acordeón. Con el tiempo, Consuelo se involucró más en el negocio y empezó a encargarse de hacer las fotografías. Adquirieron una máquina de fotos “de reportaje” en expresión de Consuelo, pero no les rentaba el hecho de tener que llevar a revelar los carretes a Valencia y el negocio cerró cuando Blas y Consuelo emigraron a Valencia; a Consuelo le ofrecieron trabajar en una portería y Blas encontró trabajo en una fábrica de motos. La segunda parte de esta historia es la del “descubrimiento” casual por nuestra parte de estas fotos en una exposición sobre la memoria gráfica de Alpuente, en la que nos sorprendieron estas fotos de Consuelo y de Blas, (“los Merinos”). Más allá de las deficiencias técnicas impuestas por las limitaciones técnicas de su máquina de fotos intuimos en aquel momento que había, sobre todo en los retratos de Consuelo, una calidad fotográfica relevante, en su sentido más esencial, en el que como decia Susan Sontag, "no es la mirada, sino la manera de mirar", la que marca la diferencia de los fotografos y fotografas que más nos gustan y nos emocionan.

Consuelo Sánchez observa algunas de las imágenes recuperadas.

Consuelo Sánchez y Cristina Albir conversando durante la entrevista.

El Museo Etnológico de Alpuente y su Archivo Fotográfico Alpuente es un municipio situado en el interior de la provincia de Valencia, en la comarca de La Serranía, a unos 96 km de la ciudad. Conserva un paisaje rural de montaña y agricultura de secano y un importante patrimonio arquitectónico. A partir de ahora será conocido también por ser la cuna de Blas Debón y Consuelo Sanchéz, fotógrafos minuteros de Alpuente. El Museo Etnológico está concebido para la conservación y recuperación del patrimonio y de la memoria de Alpuente y sus aldeas. Casi cuatro décadas después de su nacimiento, con el patrocinio del Museu Valencià d’Etnologia de la Diputació de València, se ha hecho una profunda renovación que se reinaugurará el próximo 1 de diciembre. El Ayuntamiento de Alpuente ha apostado por un trabajo de recuperación del patrimonio etnológico llevado a cabo por la arqueóloga e investigadora Cristina Albir Herrero, natural de la aldea de El Collado (Alpuente) que ha sido posible gracias al apoyo económico de la Diputació de València con la Beca Post. No se ha realizado únicamente el inventario y estudio científico de la colección. Se ha iniciado un trabajo con los diferentes colectivos del municipio para conseguir un Museo multivocal que represente a la población de Alpuente y de todas sus aldeas y que promueva la donación

de fotografías y recuperación de memoria oral. Uno de los principales colaboradores es el Aula de Respiro y sus talleres de memoria con temas locales. En el proyecto de Archivo Fotográfico se han recopilado alrededor de mil fotografías desde principios del siglo XX hasta los años ochenta, entre la que destaca el legado de Blas y Consuelo. Esta colección se compone prácticamente de fotografías familiares y fiestas locales. Cuenta con casi 400 fotografías y 94 negativos en papel. Se trata, por tanto, solo de una pequeña parte de las miles de instantáneas que realizaron durante su época de fotógrafos y que ahora son el único recuerdo y memoria gráfica que tenemos de nuestros antepasados. Para la difusión del fondo fotográfico se han realizado dos exposiciones donde se anima al “Etiquetado de fotos” para la recuperación de los recuerdos, de las sensaciones y de los sentimientos que evoca cada foto. Con este trabajo el Museo Etnológico de Alpuente inicia una trayectoria que, con el apoyo del Ayuntamiento de Alpuente, pretende visibilizar el trabajo, oficios y vida de los vecinos de la localidad, personajes esenciales en la historia del municipio. Cristina Albir Herrero. Comisaria de la exposición.

36 dúplex FOTOGRAFIA > REPORTAJE

En las dos páginas, algunas de las fotografías realizadas por "Los Merino", retratando a su propio familia y a los vecinos de Alpuente.

noviembre2017 I dúplex06/37 Fotografia y memoria “Que la fotografía salve del olvido las ruinas colgantes, los libros, las estampas y los manuscritos que el tiempo devora, las cosas preciosas cuya forma va a desaparecer y que piden un lugar en los archivos de nuestra memoria…” Si eliminamos las connotaciones despectivas con las que Baudelaire escribió el párrafo anterior en su ensayo “El público moderno y la fotografía”, lo cierto es que salvar del olvido cosas hermosas no es solo una labor grata, es además un acto necesario. Baudelaire estaba desvinculando cualquier relación de la fotografía con el arte, otorgándole a esta un papel meramente documental, como si eso la convirtiera en un acto carente de dignidad o de belleza, “una actividad meramente al servicio de la ciencia”. Obviamente las cosas han cambiado desde finales de 1800, cuando escribió el ensayo. Seguramente no pensaría lo mismo si viera lo que hoy en día se cuece en museos y galerías, pero en aquel momento la fotografía estaba naciendo y lo cierto es que convulsionó el mundo del arte en el París de entonces, provocando las reacciones más dispares con respecto a cuál iba a ser su función. Salvar del olvido y documentar la historia y el devenir del municipio de Alpuente fue precisamente lo que Consuelo y Blas realizaron a principios del siglo XX con su “cámara minutera”. Más allá de la anécdota de cómo la vida les llevó por esos derroteros, lo fascinante es el legado documental que su cámara ha traído hasta nuestra memoria. Escenas entrañables, celebraciones, costumbres populares y retratos de gentes que captaron entonces y que hoy son pedacitos de la historia de este municipio valenciano. Parte de esa historia gráfica puede verse en el Museo Etnológico de Alpuente gracias a la labor que Cristina Albir ha realizado junto a la familia de Consuelo y Blas. Visitar la exposición es descubrir pequeños fragmentos de la vida de un pueblo que llegan a nosotros en blanco y negro y en formato pequeño, tal y como se trabajaba con este tipo de cámaras, utilizadas en su mayoría por fotógrafos ambulantes. Un viaje al pasado de Alpuente, cosas preciosas que desaparecieron y que gracias a ellos tienen hoy un lugar en los archivos de nuestra memoria. Nada carente de dignidad y belleza.

Mayte Piera.

38 dúplex FOTOGRAFIA > ENTREVISTA fotógrafo capaz de hacerlo, nada aseguraría que el espectador pueda ver las cosas del mismo modo preciso que el autor. Se trata de un callejón sin salida, de un enfoque sin sentido. No hay autenticidad en esas intenciones. ¿Qué es lo que te lleva a querer fotografiar algo/alguien? Mi fotografía Todos los hechos que creemos conocer y que damos por ciertos tiene mucho que ver con la naturaleza son, en el mejor de los casos, medias sensible y la experiencia. Mi forma de verdades. Así lo pienso. Una fotografía abordar la fotografía carece de guión. ofrece grandes recompensas cuando La mayor parte del tiempo no estoy buscando hacer fotos, sino dejándome introduce preguntas y desestabiliza lo que creemos comprender. Esas son las llevar por los aspectos ocultos de imágenes sobre las cuales merece la determinados lugares. De un modo u pena volver. otro, las emociones que construyen nuestra personalidad vienen condicionadas por nuestro entorno. Mi ¿Crees que una buena foto está al trabajo fotográfico consiste en explorar alcance de cualquiera? Según lo que acabo de contestar, obviamente no lo esa relación dual. La vida está llena creo. No. Tal vez técnicamente, con de corrientes subterráneas. Hacer fotografías es una manera de concretar los avances de hoy en día, cualquiera puede hacer una foto bonita o que visualmente los sentimientos. Nos tenga un buen aspecto, pero los permite hacer uso de las capas de la avances técnicos no definen la calidad realidad que todos reconocemos y contextualizarlas individualmente, con de las imágenes. Yo veo montones de fotos que me dejan indiferente. Han varios niveles de significado. sido maravillosamente positivadas e impresas pero no resultan ¿Qué te hizo dedicarte a la convincentes. Son demasiado obvias en fotografía? Muy simple: yo soy muy su enfoque uni-dimensional y pasan de propenso a expresarme. Soy alguien largo fácilmente. No invitan a regresar. muy curioso y consciente de sus preocupaciones, afectos, confusiones, Menciona 3/4 referentes fotográficos frustraciones, esperanzas y tantos que hayan influido en tus fotos. otros asuntos existenciales que me interpelan, tirando constantemente del William Christenberry. Uf, hemos perdido a un héroe tras su reciente cuello de mi camisa. fallecimiento. La sinceridad y la naturaleza inquietante de su trabajo ¿Qué cualidad consideras siempre me acompañan. He sido fundamental en el trabajo de testigo de muchas exposiciones suyas fotógrafo? El deseo. De nuevo, que llevaban una marca importante. el deseo de expresión. Todos Me gusta mucho su mezcla de los fotógrafos que admiro están objetividad y expresión propia. Walker continuamente investigando el Evans. Su impacto es innegable. lenguaje y el medio. La fotografía falla Fue el primer autor que hizo que muy a menudo a la hora de transcribir me enganchara a la fotografía y que la realidad y ofrece al espectador permaneciera en ella.También debo algo mejor y más misterioso que se reconocer la influencia de la mirada transforma en pensamiento. de Lee Friedlander y cómo su tono guasón me estimuló desde el principio. En una época de “sobreinformación” de imágenes, según tu opinión ¿qué es lo que hace que una foto sea especial? Por último, menciono un fotolibro. Llevo más de 20 años coleccionando Creo que una fotografía es más fotolibros de forma compulsiva. Y impactante y sobrecogedora cuando siempre regreso una y otra vez al el contenido respira y gruñe poco dentro del marco. Las imágenes que me fotolibro de Robert Adams “What We Bought”. Es una gran obra maestra, un interesan suelen ser más reservadas libro que integra muchas disciplinas y no desvelan sus intenciones de y va más allá de los enfoques forma manifiesta. Sé que se trata de generalizados. Muchos de los libros de algo ambiguo y poético. Para hacer Adams hacen eso. Es un autor supremo fotografías, todos hemos oído el en su liberación. Cuán agradecidos concepto de “captura” del instante. estamos por tenerlo todavía activo en La palabra “captura” en sí misma la actualidad. Un profesor divino. levanta dudas en el 98% de las fotos que vemos. Nadie puede realmente capturar un momento con todas sus implicaciones. Incluso si hubiera un TEXTO: ARMAND LLÁCER /I. GOMEZ FOTOGRAFÍA: MICHAEL AST

MICHAEL AST, EL OJO EN LA CERRADURA Michael Ast (1973) reside en Lehigh County, Pennsylvania, entre Filadelfia y la ciudad de Nueva York. Ha trabajado profesionalmente como fotoperiodista y fotógrafo comercial. Con el paso de los años, Michael Ast ha ido desarrollando un trabajo creativo propio, profundizando en una narrativa fotográfica que mezcla documentalismo fotográfico y expresión personal.

noviembre2017 I dúplex06/39 "Las imágenes que me interesan suelen ser más reservadas y no desvelan sus intenciones de forma manifiesta. Sé que se trata de algo ambiguo y poético".

40 dĂşplex SECCION > entrevista

PUBLI LA IMPRENTA

42 dúplex DISEÑO DE PRODUCTO > ENTREVISTA

JESÚS NAVARRO: "La dimensión humana de Capdell es la clave para haber cumplido 50 años" La compañía valenciana cumple medio siglo de vida. Charlamos con su Director Gerente sobre la trayectoria de la empresa, su apuesta por el diseño como factor estratégico y su colaboracion con diseñadores de prestigio TEXTO: PACO BALLESTER FOTOGRAFÍA: D.R.

edio siglo es una trayectoria que pocas empresas, de cualquier sector, llegan a cumplir. ¿A qué factores se debe en el caso de Capdell? A un sinfín de variables: razones económicas, laborales , comerciales, etc. Pero sobre todo a la voluntad y el deseo de hacer las cosas bien, creando un ambiente familiar y altamente motivado. En la década de los 90, Capdell atraviesa por una transformación a todos los niveles. ¿Cuáles eran los motivos que llevaron a este cambio? Salíamos de un mercado local y tradicional. Supimos ver en el inicio de nuestra apuesta internacional que el mercado demandaba algo más: diseño. De la mano de Vicente Soto y otros diseñadores locales empezamos a apostar tímidamente por el valor añadido del diseño.

¿Cuáles son las señas de identidad que no han cambiado en el DNI de Capdell a lo largo de estos 50 años? La empresa en sus inicio trabajaba en unas sillas de madera con un muy acusado carácter “tradicional”, apostando por la ebanistería y el saber hacer. Y a eso no sólo no hemos renunciado, sino que lo hemos potenciado en los últimos años en los que de manera definitiva apostamos por el diseño y la cultura del proyecto, en la evidente voluntad de internacionalizar la marca. El relanzamiento de Capdell empleó la ebanistería aplicada a la silla como valor diferenciador de marca, Capdell apuesta en un momento determinado por diseñadores internacionales de prestigio. ¿Es un factor más de internacionalización? Sin duda, y un factor determinante. En un mundo global no podíamos quedarnos parados dentro de nuestras fronteras, eso es desaparecer. El mercado exigía una decidida apuesta

noviembre2017 I dúplex06/43 "De la mano de Vicente Soto y otros diseñadores locales empezamos a apostar tímidamente por el valor añadido del diseño". "Salíamos de un mercado local y tradicional. Supimos ver en el inicio de nuestra apuesta internacional que el mercado demandaba algo más: diseño." "Estamos centrados en Europa pero tenemos presencia en los cinco continentes, especialmente en América (norte y sur)" "Isidro Ferrer es un gran diseñador y una extraordinaria persona, que nos supo entender de inmediato. Talento, humanidad y amabilidad, así que la valoración en cuanto a resultados, proceso y experiencia global es extraordinaria"

por el producto diseñado, las otras variables para producir productos de alta calidad las teníamos. Innovación e internacionalización son las claves que han permitido a las empresas del sector del mobiliario sortear la crisis y progresar. ¿Es la sostenibilidad un factor añadido y hoy en día imprescindible? La sostenibilidad también ha sido una constante en Capdell, pero no solo por lo que tú apuntas, sino por verdadera convicción. Y ahí está cómo producimos: maderas cultivadas y controladas; barnices al agua no contaminantes; control energético y de emisiones; aprovechamos los desechos para reciclarlos en energías limpias, la tinta de los embalajes y el cartón utilizado, etc. Por otro lado mantenemos un convenio de colaboración con la Fundación Theodora, para la que hemos materializado la exposición que puedo verse en la última edición de Feria Hábitat. En Navidades la podremos ver en el Colegio de Arquitectos de Valencia y en Loft, una tienda de diseño de Valencia y simultáneamente, en otro prestigioso espacio expositivo en Barcelona. También se está en conversaciones avanzadas para ser expuesto en otros lugares como Nueva York o Asia. Capdell estuvo presente en la última edición de Feria Hábitat? ¿Cuál es vuestra valoración de la edición 2017? Exitoso en lo comercial, en lo cultural y en lo social. Desde el punto de vista de Capdell, hemos mostrado el trabajo y el esfuerzo de tantos años, y el resultado de ello. ¿Es este aniversario el momento adecuado para dar un impulso

añadido a la empresa? Esa es una buena pregunta. Se podía haber caído en la autocomplacencia, pero no es nuestra forma de hacer. Existe la responsabilidad de crear las bases para que otros, en un futuro puedan celebrar el centenario de la empresa. Podemos brir un tiempo de reflexión para ver cómo debemos construir la estructura que otros puedan seguir en el futuro.. ¿Qué mercados son actualmente aquellos en los que Capdell está centrando sus esfuerzos? ¿Se cuenta con el suficiente apoyo institucional? Como es lógico por proximidad, estamos centrados en Europa pero tenemos presencia en los cinco continentes, especialmente en América (norte y sur), pero también en Asia y Oriente Medio. Recibimos alguna ayuda institucional, pero no toda la necesaria o deseada. Son malos tiempos para la lírica. ¿Qué criterios sigue Capdell a la hora de escoger un diseñador? Esta pregunta la debería responder el director de producto, pero desde la gerencia y como parte del equipo de oficina técnica, lo primero que se busca es que tenga una trayectoria acreditada en el diseño de sillas. Dentro de mundo del mueble, lo más complicado de diseñar es una silla. Después y para cada uno de los proyectos o tipologías se elige a un diseñador determinado, por sus características, lenguaje formal, experiencia y capacidad de proyección e imagen. Esto es algo que no se puede obviar en el mundo actual de la hipercomunicación. Colaboráis con diseñadores con una amplia trayectoria, caso de Tiscar, Teixidó o Rifé, pero Capdell

44 dúplex DISEÑO DE PRODUCTO también apuesta por dar cancha a estudios más jóvenes, caso de Yonoh o Edeestudio. Así es, desde que se inició esta nueva etapa se tuvo claro que la estrategia debía pasar por maestros como los que has citado, pero tampoco quiero olvidar a nuestro actual Premio Nacional, Mario Ruiz; a nuestro querido y entrañable Vicent Martínez, también Premio Nacional y a Vicente Soto, iniciador del diseño en Capdell. Y a escala internacional , por ejemplo, a Fiorenzo Dorigo, Claesson-KoivistoRune o Patrick Norguet. La apuesta por los jóvenes valores siempre es arriesgada pero eso es de lo que hablábamos antes: compromiso aplicado también a las personas. Ahí tenemos a Sigel o una jovencísima Lucy Kurrein, galardonada por la butaca Panel. Igual que a Kazuko Okamoto, con un RedDot por la silla Stir, o ahora finalmente con el arquitecto valenciano Fran Silvestre. Para el 50 aniversario habéis colaborado con un Premio Nacional de Diseño e Ilustración como Isidro Ferrer. ¿Cómo surgió esta posibilidad? Es un gran diseñador y una extraordinaria persona, que nos supo entender de inmediato. Talento, humanidad y amabilidad, así que la valoración en cuanto a resultados, proceso y experiencia global es extraordinaria. Y eso que el reto era enorme: logo, marca y aplicaciones, web y catálogo, intervención integral. Somos afortunados de contar con un caudal enorme de talento y proximidad, de implicación que va más allá del hecho laboral. La dimensión humana, aún a pesar de que Capdell es una empresa de buen tamaño, es una constante en nuestra naturaleza y quizá sea la clave para cumplir tantos años.

Una de las protagonistas de este aniversario es la nueva imagen corporativa que lucirá a partir de ahora Capdell. Diseñada por Isidro Ferrer, Premio Nacional de Diseño y Premio Nacional de Ilustración; una la marca habla de evolución, pasión, emoción y que presenta un especatcular desarrollo en la nueva página web de Capdell. La celebración de este aniversario se completa con la edición de ¿Qué tal ? un cuaderno de edición limitada, también diseñado por Ferrer y con textos de Grassa Toro con diversas variantes tipográficas con el número 50 como motivo.

En la parte nferior de las páginas de este reportaje, diversos modelos de sillas y mesas del catálogo actual de Capdell.

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46 dúplex DISEÑO DE PRODUCTO > REPORTAJE

UN SIGLO DE "MACCHINA SEMPLICE" Olivari celebra cien años de manillas, objeto conector entre diseño y arquitectura TEXTO: D.R. FOTOGRAFÍA: D.R.

“In casa mia ho le maniglie OLIVARI” era una frase que se escuchaba habitualmente y que representaba el orgullo de poseer un producto con eel prestigio del elaborado por la empresa italiana, fundada en 1911 en Borgomanero, por Battista Olivari, y que actualmente, sigue siendo el mayor referente internacional de manillas. Y aunque pasa el tiempo, a día de hoy, se sigue concibiendo la arquitectura y el diseño como dos campos paralelos, cuando tienen mucha más relación de lo que se percibe a simple vista. De hecho, los arquitectos clásicos diseñaban los objetos pensando en su arquitectura interior. La manivela tiene una carga política y poética extraordinaria, porque es el vínculo de la persona con el espacio, del diseño de la arquitectura con el diseño del objeto. SIMPLICIDAD APARENTE. Desde los años treinta del siglo pasado, Olivari contó directamente con diseñadores para sus productos. Grandes arquitectos y diseñadores de todo el mundo se han sentido atraídos por el reto de diseñar un producto, “aparentemente simple”, como es una manilla para Olivari. Uno de ellos fue MarceLlo Piacentini, uno de los arquitectos más importantes de la época, que diseñó las manillas

Jean Nouvel.

Ejemplo de manilla realizada con la técnica del Guilloché" Arriba: Los cien años de trayectoria de Olivari han sido recogidos en una muestra de carácter itinerante ("Macchina semplice"

Zaha Hadid.

Daniel Libeskind.

noviembre2017 I dúplex06/47 “Lustitia” y “Libertas”, en 1932, para el palacio de justicia de Milán, y que fue uno de los primeros casos EN que Olivari contó con la participación de arquitectos y diseñadores de todo el globo interesados en diseñar para esta heterodoxa marca. Un ejemplo de ello es la manilla Lama, de Gio Ponti, que diseñó para el rascacielos “Pirelli” de Milán, y que además de expresar de forma muy clara el minimalismo y la ligereza que el diseñador buscaba en sus objetos, a día de hoy, es un ejemplo de permanencia en el diseño, pues 60 años después, sigue siendo vigente, como también lo hicieron los diseños de Rodolfo Dordoni, llevando la manilla a su concepto más esencial con los modelos Total y Radial. DEL LATÓN A OTROS MATERIALES ¿Cuál ha sido el ingrediente básico en la historia dde Olivari? El latón. Material con un peso y consistencia que proporciona tanta resistencia como un acabado impecable, y cuyo tacto resulta muy, muy agradable. Mucho más que el de materiales como el aluminio o el acero inoxidable. A lo largo de su trayectoria, la empresa italiana tuvo tiempo más que suficiente para experimentar con otros materiales, como el aluminio anodizado, en los años 60, que aplicó por primera vez en la manilla Bica, y en 1970, lo intentó con el plástico con color, con la manilla Boma. Se tratan de dos modelos que se convirtieron rápidamente en “best-sellers” y objetos de inumerables copias. La repercusión que tuvieron algunas de estas propuestas fue clave para la internacionalización de la empresa en la década de los ochenta SOSTENIBILIDAD Tras estas incursiones, Olivari recupera el latón y lo mejorará introduciendo la tecnología de estampado por prensa hidráulica,

garantizando así una mayor solidez en el material, además de la ausencia de poros de aire o residuos en el interior del material. Esta mejora fue aplicada a partir de 1993, en todos sus modelos, hasta que en el año 2003, se renovó con la idea de compatibilizarla con el medio ambiente. Para ello, utilizaron cromo trivalante en lugar del habitual cromo exavalente, tan nocivo para la salud, garantizando con ello una mayor resistencia al uso y a la oxidación. Esta tecnología se desarrolló en 2005 con los modelos Space Q y Time Q, de Alessandro Mendini, las primeras manillas del mercado con roseta cuadrada, un elemento que se ha convertido en estándar y donde se empezaba a aplicar el acabado SuperFinish, de extraordinaria resistencia. El resultado asegura una resistencia de hasta 30 años,. Estos acabados han sido relizados con instalaciones sofisticadas, típicamente usadas en el sector del automoción y de la aeronáutica, donde se exige a las superficies de los productos prestaciones extremas en términos de resistencia al desgaste y a los agentes corrosivos. Desde el punto de vista del diseño de interiores, estos nuevos acabados ofrecen además una variedad cromática muy amplia, desde el cromo a la antracita, del oro al níquel, cobre o bronce. WANDERS, URQUIOLA, NOUVEL... El año 2007 supuso un punto de inflexión estético en la firma cuando el diseñador Rodolfo Dordoni presentó el modelo Total, la primera manilla sin roseta, y donde cada elemento se comprendía de una forma pura, integral e impecable, sin perder la ergonomía, un concepto que posteriormente desarrollaron diseñadores como Jean Nouvel, Marcel Wanders o Stefano Giovannoni, dando un resultado escultórico, pero quizá todavía demasiado frío. En 2012, la diseñadora Patricia Urquiola aportaría

Co-Ren Koolhaas.

Olivari se ha introducido en el campo de la joyería a través de la técnica decorativa del "guilloché"

la sensibilidad contemporánea necesaria, con su modelo Lucy, donde la combinará con la síntesis formal, o el desarrollo en el refinamiento con Nina, el modelo diseñado por Daniel Libeskind, o la nostalgia expresada por Marcel Wanders con su modelo Dolce Vita. Estos proyectos culminan con las reinterpretaciones que llevaron acabo recientemente arquitectos y diseñadores como Zaha Hadid, Rem Koolhaas o el mismo Marcel Wanders. INCURSIÓN EN JOYERÍA Esta culminación se expresa en una de las últimas incursiones de Oliveri en otro campo: el de la joyería, a través del “Guilloché”, técnica decorativa que permite obtener infinidad de patrones diferentes, al variar los parámetros según la sensibilidad técnica y estética del operario. Expresión de esta técnica es la obra del estudio MAD Arquitectos, con Marilyn, un modelo equilibrado, elegante y muy ergonómico. EXPOSICIÓN ITINERANTE Los cien años dde trayectoria de Olivari han sido recogidos en una muestra de carácter itinerante ("Macchina semplice") que reúne, en distintos paneles, algunos d elos modelos más representativos de la firma italiana, así como a sus creadores. Esta exposición estuvo presente en la última edición de Fereia Hábitat de València y ha viajado recientemente hasta el Colegio Territorial de Arquitectos de Castellón.

Patricia Urquiola.

Rodolfo Dordoni.

48 dúplex AQUITECTURA > LA FINCA ROJA

Hay espacios que seducen por su confort. La sensación de calidez, la disposición armónica de objetos y mobiliario, la iluminación cuidada o una paleta de colores suaves, son elementos que contribuyen a que nos sintamos bien cuando llegamos a un lugar nuevo, desconocido hasta entonces. Sentirse bien es sentirse seguro, ejercer cierto dominio sobre el espacio, notar que todo está en orden y controlado. El equipo formado por la arquitecta Ana Martí y su compañero Alfonso Zumárraga, han sido los creadores de este singular espacio.

ESPACIOS SIN ARTIFICIO TEXTO Y FOTOGRAFÍA: MAYTE PIERA

n nuestro afán por mostrar en un espacio solo lo claramente bello, tendemos a esconder las estructuras que lo hacen funcionar, elementos que no solemos considerar estéticamente atractivos. Ocultamos los entresijos dentro de un cuerpo que siempre trata de mostrar su mejor cara. Sin embargo, existen otros espacios que cautivan por todo lo contrario. Lugares que nos muestran sus entrañas sin temor a generar cierta perturbación, que atrapan por su rotundidad, por su ferocidad. Son lugares desnudos, son espacios en crudo. Ya de por sí la Finca Roja sorprende. No solo llama la atención su curiosa estructura con miradores y torres circulares de cúpulas verdes, también asombra descubrir lo que el edificio esconde en su interior. Construido en 1933 por el arquitecto Viedma Vidal, fue un experimento social que trató de dar forma a los utópicos ideales de vida comunitaria. El edificio, que ocupa toda una manzana, alberga un gran patio ajardinado, símbolo de esa idea de espacio de relación social. Al patio se accede a través de los 14 zaguanes que conforman el edificio y en cada zaguán hay una serie de bajos, muchos de los cuales hoy son viviendas. En uno de los bajos encontramos la vivienda que Ana y Alfonso han reformado. Se trata de uno de esos lugares rotundos, en el que asombra la absoluta naturalidad con la que está tratado el espacio. Tras el acceso, un pasillo que alberga los dormitorios dirige la mirada y los pasos hacia la zona principal. El pasillo desemboca en una gran estancia diáfana en la que se encuentran el salón-comedor, la cocina, el despacho y una pequeña terraza que da paso al deslunado. Visualmente, todo está conectado. También lo está conceptualmente, aunque por un momento una no sabe muy bien dónde ha llegado. Los techos en bruto le dan al espacio un aspecto inacabado. El suelo, formado por una alfombra de diferentes tipos de baldosas hidráulicas, conserva las divisiones que el piso tuvo en su origen. Todo está aparentemente “sin terminar”

pero curiosamente, todo es extrañamente armónico y, sin duda, algo hay en el ambiente que seduce y atrapa. “Hay que tenerlo muy claro para hacer de un lugar así tu hogar”, comentábamos el día en que me enseñaron la obra. Y sí, ellos lo tuvieron claro desde el principio: el lujo es el espacio, no hacen falta ornamentos. Por ello decidieron empezar por desnudarlo para mostrar así su esqueleto, sus tripas, para eliminar adornos y mostrar su esencia. Comenzaron por quitar los revestimientos de los techos dejando a la vista el ladrillo estructural y las vigas de hormigón. Ahora, las vigas, imponentes, dibujan líneas rectas y generan encuentros de formas anguladas. Los techos, altos y desnudos, crean una verticalidad muy marcada y todo ello le da al espacio un aspecto contundente. Continuando con su filosofía de destapar la esencia, también lo tuvieron claro cuando diseñaron las instalaciones. Había que seguir enseñando. Tuberías y conducciones se cruzan ante los ojos de quien habita, de manera que son las propias soluciones arquitectónicas y funcionales las que se convierten en elementos decorativos. Solo hay que fijarse en detalles como las griferías o las luminarias para darse cuenta de ello, elementos que por su tosquedad adquieren una gran presencia y fuerza visual. Sin duda, esta manera de tratar el espacio es ciertamente arriesgada. Como decía, la apariencia de vivienda inacabada, la diferencia entre la dureza de algunas texturas y la delicadeza del blanco usado para puertas y tabiques, la combinación del brillo radiante y el mate más tosco, genera contrastes de gran dureza estética. Y mientras observo alrededor buscando puntos de vista para contar lo que veo, vuelvo a pensar: “sí, hay que tenerlo muy claro”… Ellos lo tienen y yo también. Pocos espacios transmiten tanta sinceridad como este, sin ornamentos, con absoluta desnudez, sin artificios.

Proyecto: Ana Martí /Alfonso Zumárraga @lafincaroja

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50 dúplex AQUITECTURA > LA FINCA ROJA

Imágenes de la reforma efectuada en La Finca Roja de Valencia realizada por Ana Martí y Alfonso Zumárraga,

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52 dúplex DISEÑO DE INTERIOR > REPORTAJE

LA SOBRIEDAD DEL ESPACIO INTERIOR Ramón Esteve y ELO Construcciones transforman la arquitectura interior de una clínica dental situada en València consiguiendo un nuevo espacio que transmite serenidad y confianza.

Arriba, vestúlo de la clínica. Izquierda; detalle de iluminación.

TEXTO: D.R. FOTOGRAFÍA: ALFONSO CALZA

l reto del proyecto desarrollado por erel arquitecto Ramón Esteve con la colaboración de ELO Construcciones consistió en la transformación total de un espacio sin cambiar su distribución y manteniendo elementos tan significativos como el pavimento de mármol macael. Gracias a la utilización del binomio blanco-negro se ha conseguido un espacio neutro que destila sobriedad y limpieza. En la recepción y en la sala de espera predomina el negro sobre el blanco tanto en paredes como en vidrios y techos. Sin embargo, a medida que aumenta el grado de privacidad, el blanco va ganando protagonismo. Los gabinetes se han tratado como espacios asépticos y pulcros que inspiran confianza y serenidad al paciente. Se han empleado materiales que contribuyen a aportar la imagen de neutralidad buscada como vidrios blancos y negros, superficies lacadas y pinturas. De este modo el pavimento preexistente adquiere un mayor protagonismo.

Todo el amueblamiento se ha diseñado especialmente para la clínica dental. Cada pieza refuerza la idea del proyecto sin perder la funcionalidad, como las butacas y sofás de la sala de espera, que pertenecen a la colección Elements de Inclass, diseñados también por Ramón Esteve. Para la iluminación de la clínica se han empleado lámparas led integradas en la propia arquitectura. Todo el espacio se ha tratado con una temperatura de color fría, necesaria en espacios médicos.

ELO Construcciones Avda. País Valencià, 24 B, 46139 Pobla de Farnals Valencia, www.eloconstrucciones.com

noviembre2017 I dúplex06/53 Imágenes de la reforma efectuada por Ramón Esteve y Elo Construcciones.

En ELO construcciones somos una empresa muy metódica y basándonos en la filosofía de trabajo lean construction hemos creado el ME¯TODOELO. Con el ME¯TODOELO realizamos una cuidada y personalizada atencion al cliente, optimizamos los tiempos, costes y recursos, tenemos una gestión proactiva y garantizamos la atención post venta. Con el ME¯TODOELO conseguimos la excelencia constructiva.

54 dúplex DISEÑO DE INTERIOR > ENTREVISTA

RAMÓN ESTEVE: "Hemos recurrido al binomio blanco/negro con la intención de obtener una imagen sobria" ¿A grandes rasgos, cuál era el estado del espacio previo a la intervención? El proyecto planteaba renovar la imagen de una clínica dental con muchos años de experiencia, pero con una imagen muy tradicional. El mayor hándicap fue el tiempo de ejecución de una reforma integral, ya que la clínica estaba en funcionamiento y el impacto de la obra debía minimizarse al máximo para no alterar el ritmo normal de la clínica. ¿Cuáles son los principales objetivos que plantea la intervención? El principal reto de este proyecto ha consistido en realizar un cambio integral del espacio, sin tocar la distribución y al mismo tiempo, siendo necesario la conservación de elementos preexistentes tan significativos como el pavimento de mármol macael. Los proyectos de arquitectura interior relacionados con el ámbito médico, ¿deben responder a un perfil de pulcritud acorde a su uso posterior? El interiorismo debe ser funcional y responder a las necesidades del cliente. Por ejemplo, en el caso de este proyecto en particular, se ha utilizado el blanco en los gabinetes y de este

imagen sobria y elegante a la vez que limpia y neutra. ¿Cuáles han sido los principales materiales empleados? Para el pavimento general se mantuvo el mármol macael existente ya que le daba un carácter singular al espacio. Simplemente se pulió para darle un aspecto renovado. En los gabinetes se colocó un pavimento cerámico de gran formato para darle continuidad a esta idea de neutralidad y limpieza.

Ramón Esteve.

modo, hemos obtyenido espacios pulcros con la finalidad de que el paciente asuma una poosición de tranquilidad y serenidad. ¿La elección de paleta de color es acorde a esto? Por supuesto. Está relacionado. Hemos recurrido al binomio blanco y negro con la intención de aportar una

¿Cómo se ha resuelto la iluminación? En este proyecto se ha buscado una iluminación homogénea y se ha evitado la generación de sombras. En las zonas de recepción, espera y pasillos, la luz se integra en las formas que genera la arquitectura, y en los gabinetes la iluminación es uniforme. Todo el espacio se ha tratado con una temperatura de color fría, necesaria en espacios médicos. Finalmente, cómo valoras la colaboración con ELO Construcciones a lo largo del proyecto? Creo que la experiencia ha sido muy satisfactoria, la comunicación e implicación en el proyecto por su parte fue muy buena.

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56 dúplex DISEÑO DE INTERIOR

Izquierda: fachada del edificio, situado junto a la Estación del Norte de València.

REVISANDO LA HUELLA DEL TIEMPO

Bajo: acceso con banco volado y panel retroiluminado. Rótulo en acero inoxidable.

Estudio NC - Vicente Navarro actualiza un espacio con recorrido histórico, dotando al proyecto del punto de sofisticación requerido. TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: DAVID FRUTOS

l edificio señorial donde se ha articulado el proyecto de diseño interior desarrollado por Estudio NC guarda estrecha relación histórica con su ubicación, ya que se encuentra situado a escasos metros de la Estación del Norte de València. El inmueble albergó en el pasado una escuela de formación para ferroviarios, mientras que algunas de las familias de estos trabajadores residían en las viviendas superiores.

FOTO 1. Fotograma de ‘Impromptu’, de María Lorenzo (directora nominada al Mejor Corto de Animación por “La noche del océano”)

noviembre2017 I dúplex06/57 En esta página: tres imágenes de la planta baja, con el acceso a la escalera que conecta con la planta superior. Puede observarse la carpintería existente y el mármol blanco Macael. La lámpara (foto izq. inferior) es de Fontana.

FOTO 1. Fotograma de ‘Impromptu’, de María Lorenzo (directora nominada al Mejor Corto de Animación por “La noche del

El proyecto trae al presente el espacio histórico al alternar referentes ya existentes de notable carácter neoclasicista con elementos de diseño de nuevo cuño. El proyecto desarrollado desde el Estudio NC-Vicente Navarro (Victoria y Paz Navarro), llevó a cabo una actualización integral que abarcó zona de recepción, despachos, quirófanos, salas de post-operatorio o salas de espera. El objetivo fue conservar la identidad de un espacio, con un marcado pasado, al tiempo que rejuvenecerlo y modernizarlo al ritmo de las corrientes actuales, sin dejar una huella no justificada. De este modo, el proyecto trae al presente el espacio histórico al alter-

58 dúplex SECCION > entrevista

nar referentes ya existentes de notable carácter neoclasicista con elementos de diseño de nuevo cuño. En este sentido, el proyecto ha mantenido y realzado tanto la carpintería como la forja, representada en la puerta de entrada o la escalera por la que se accede a la planta superior, adaptadas puntualmente para la ocasión. El proyecto de interiorismo ha buscado alejarse del aspecto docente que atesoraba el espacio, mantener el carácter señorial y valorar los elementos arquitectónicos con el fin de situarlos en el punto de sofisticación y diseño requeridos. El espacio había sido sometido a distintas intervenciones con el paso del tiempo, por lo que algunas de estas huellas han sido mantenidas en el nuevo proyecto en aras de un continuismo histórico que era necesario respetar.

Arriba: Zona de recepción/sala de espera en planta primera con pavimento vinílico de aspecto marmóreo. Sobre estas líneas: El mobiliario existente se ha recuperado y tapizado con un diseño de Fritz Hansen. Derecha: Zona de recepción.

Un diseño de Fritz Hansen en papel y textil reviste en la planta superior muebles y paredes, dando nueva vida a los muebles existentes y ornamentos murales. Otros aspectos reseñables incluyen la pintura de la carpintería original, así como la de zócalos y molduras en dos tonos (blancos y grises). La continuidad entre los espacios se ha trabajado al dotar de uniformidad a los pavimentos, mientras que la iluminación se ha basado en la recuperación de lámparas ya existentes y la inclusión de lámparas de sobremesa de diseño.

NC Estudio-Vicente Navarro Cirilo Amorós 83-85, Valencia www.vicentenavarro.es

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states of mind & matter

60 dúplex DISEÑO CONTRACT > REPORTAJE

PREMIOS NACIONALES: PANORÁMICA DEL DISEÑO ESPAÑOL El primer encuentro entre empresas Premio Nacional de Diseño, convocado por la firma Actiu en la pasada Feria Hábitat, puso de relieve la calidad del diseño Marca España

TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: D.R.

a última edición de Feria Hábitat València fue el escenario del encuentro, por primera vez en la historia, de un nutrido grupo de empresas ganadoras del Premio Nacional de Diseño a lo largo de los treinta años de recorrido del galardón. La Fiesta del Diseño, como se denominó el evento, fue organizado por RED-Aede y Actiu, última empresa merecedora de este reconocimiento. Figueras, Metalarte, Mobles 114, Nanimarquina, Punt Mobles, Santa&Cole, Simon y Actiu fueron las participantes en un interesante debate sobre el estado del diseño en nuestro país, que se celebró en el espacio Actiu Meeting Point de Feria Hábitat y que fue moderado por Juan Mellen, Director Ejecutivo de RED. POTENCIAL FALTO DE COMUNICACIÓN Todos los participantes coincidieron en su visión de gran potencial,

autenticidad y fuerza del diseño nacional, aunque también reconocieron que la estrategia de comunicación llevada a cabo, sobre todo a escala internacional, no ha sido suficiente. VALOR DIFERENCIADOR EN EL DISEÑO ESPAÑOL Vicent Berbegal, presidente y fundador de Actiu, Premio Nacional de Diseño 2017, destacó durante el debate que “el diseño español está conquistando el mundo porque transmite valores de dinamismo, calidez, colorido y sobre todo funcionalidad de sus productos. El diseño en España lo hemos contemplado desde una perspectiva de creatividad unida al concepto de uso, de transmitir aquellas soluciones que necesita la sociedad, sin restricciones, ni límites. Y esa es la diferenciación que nos da valor”. Para la Directora Estratégica de marca de Actiu, Soledat Berbegal, quien fue la encargada de representar a la firma alicantina en este encuentro, “somos impulsivos y pasionales. Durante dos años hemos trabajado para conseguir este premio y ahora queremos compartirlo y que sea el principio de algo mucho más

noviembre2017 I dúplex06/61 empresa es auténtica cuando tiene un relato detrás y creo que todos los que estamos aquí lo tenemos”. Figueras nació con un perfil industrial que continúa marcando su ADN y al que incorporaron con el tiempo el diseño como valor intrínseco de su estrategia.

Figueras, Metalarte, Mobles 114, Nanimarquina, Punt Mobles, Santa&Cole, Simon y Actiu aseguran que el diseño es un gran activo en las empresas españolas, con gran reconocimiento internacional, aunque hay que aprender a comunicarlo mejor

El Premio Nacional de Diseño supone un reconocimiento a la trayectoria y a una forma determinada de hacer las cosas, además de un gran impulso para todas aquellas compañías que lo reciben. Un argumento en el que han coincidido todos los presentes.

En la imagen Juan Mellen, dirigiéndose al auditorio. Sobre estas líneas Vicente Berbegal, máximo responsable de Actiu.

Nanimarquina, fue la primera empresa fundada por una mujer que recibió el Premio Nacional de Diseño, en 2005. Representada en la Fiesta del Diseño por María Piera, Directora General y segunda generación de la empresa, quien aseguró que “fue un empujón muy grande para todos los que formaban parte de la firma. El diseño ha sido una manera de vivir y entender la empresa. El premio es una confirmación”. En la misma línea se ha manifestó Tomeu Gomila, Director de Marca de Metalarte, que recibió el galardón en 2004: “el premio te abre puertas, nuestra producción se vende en un 80% fuera de España, y te posiciona cualitativamente. Además, es una muy buena herramienta de comunicación”. Santa&Cole, Premio Nacional de Diseño en 1999 y Mobles 114, en 2001, fueron dos ejemplos de empresas que nacieron por y para el diseño como base de su actividad. Para ellos el diseño perdura más allá de la vida de una empresa. De hecho una de las actividades más destacadas de Mobles 114, según señala su directora General, Mercé Rovira, es la reedición de piezas clásicas como la lámpara Gira o la butaca Torres Clave.

grande, que pueda continuar en el tiempo y que consiga poner de relevancia la fuerza del diseño y de las empresas de nuestro país”. CAMBIO HISTÓRICO EN CONCEPCIÓN DEL DISEÑO Las ocho empresas participantes compartieron con el numeroso público asistente las sensaciones y posteriores actuaciones al recibir el reconocimiento al diseño de mayor prestigio a nivel nacional. Punt Mobles, que recibió el Premio Nacional de Diseño en 1997, destacó, de la mano de su fundador, Vicent Martínez, que “a lo largo de estos 20

años hemos vivido un cambio muy importante en España en cuanto a la concepción del diseño. Cuando empecé fui empresario y emprendedor por carencia, por no encontrar empresas que fabricaran lo que yo estaba haciendo. Había que generar un sector moderno. Poco a poco fueron apareciendo escuelas, profesionales, generaciones apasionadas que creían en el diseño. Actualmente contamos con importantes referentes”. Figueras fue Premio Nacional de Diseño en 2013, tras presentarse 13 veces, tal y como reconoció su Design Manager, Pau Borrás: "Fuimos insistentes. El premio significó un reconocimiento a la autenticidad. Una

Simon recibió el Premio Nacional de Diseño el año pasado, coincidiendo con la celebración de su centenario. Salvi Plaja,Design Manager, destacó que “nos preparamos mucho y nos arriesgamos a presentarnos el año de antes y año del centenario”. Plaja ha comentado que una de las cosas que más cuestan mantener en el tiempo es “ser fiel al cuidado de los detalles. Detalles en la forma de comunicar, de fabricar, en el trabajo de nuestra gente. Para nosotros es parte de nuestra identidad, cuidar hasta de aquellos detalles que no se ven, como las partes no vistas de nuestros productos. Son valores que contribuyen a mantenerte a lo largo de tantos años”.

62 dúplex DISEÑO CONTRACT > REPORTAJE

AFIANZAR EL CONTRACT HOTELERO La última y reciente edición de InteriHotel sirvió para reforzar la cita catalana como feria cohesionadora de diseñadores, empresas, cadenas y presciptores en torno al contract hotelero. Charlamos al respecto con Antonio Zaragoza, responsable de este salón, la diseñadora de interior Teresa Sapey y Arantxa Porter, Marketing Manager de la firma valenciana Equipo DRT. TEXTO: REDACCIÓN FOTOGRAFÍA: D.R.

Teresa Sapey, Diseñadora de Interior

¿cómo valoras la tendencia, tanto del mercado como estética, del interiorismo de hoteles? Los hoteles están cambiando muchísimo, es uno de los sectores del diseño que más ha cambiado. Antes, servían solo para dormir, ahora se han convertido en espacios creadores de experiencias. Se están convirtiendo en las nuevas iglesias, donde la gente puede ir y vivirlas para luego hablar de ellos. En cuanto a diseño y construcción, ¿cuáles son las necesidades actuales? ¿Qué creéis que se debería

potenciar? Seguramente hay que potenciar el confort y el lujo, que no el espacio. Se pueden tener habitaciones más pequeñas, pero pensadas y diseñadas con todo lujo de detalles. Por ejemplo una calidad de cama impresionante, un lugar donde los clientes puedan dormir y trabajar cómodos. Ahora los lounge se han convertido en salas de estar que hay que vivir, con varios rincones, donde se pueda experimentar el espacio de distintas formas.

Hay que crear una personalidad propia para el hotel y eso se consigue haciéndose las preguntas anteriores.

¿Cómo valoras la evolución del interiorismo de hoteles en España? España vive del turismo, es la primera industria, por lo que es fundamental que los hoteles estén actualizados. Primero hay que posicionar en el mercado los hoteles, ¿Qué voy a hacer? ¿Un hotel de negocios, un resort, un hotel boutique? Porque no se puede abarcar todo. ¿De qué estilo? Y por último, ¿qué tipo de cliente va a venir y de cuanta duración va a ser la estancia?

¿Cuál es su visión de la última edición de InteriHotel? Agradezco mucho la invitación y debo decir que me ha encantado. El unico hándicap es que me pareció un espacio muy pequeño. Creo que hay que ser más selecto en la selección de la gente que participa y creo que hay tener algún nombre de alto nivel para que haga de remolque al resto. Desde luego, es una cita necesaria, pero debe albergar más oferta para el que la visita.

¿Cuáles son vuestras expectativas para InteriHotel en un futuro próximo? Que la feria crezca en cuanto a producto y expositores, y se inviten a más nombres conocidos del sector. Así InteriHotel se pondrá convertir en un punto de referencia escala nacional, la cita anual en el sector hotelero.

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¿Crees que tu estudio se adapta bien a las nuevas exigencias del mercado del interiorismo de hoteles? Desde luego, considero que nuestro estudio tiene las cualidades necesarias actualmente a la hora de proyectar un hotel; rapidez de obra, calidad de acabados (hay que intentar evitar las chupuzas), precio, personalidad e imagen. ¿Qué es lo esencial en el encargo de un proyecto de interiorismo de hoteles? Lo esencial es crear una historia, pensando siempre en crear un “momento Instagram” y generar sorpresa en el usuario. También que la inversión sea justa para tener un buen retorno de ingresos, y sin duda crear un diseño con mantenimiento coste cero. ¿Cuál es la principal aportación que destacarías en el sector hotelero? Creo que el sector hotelero es un gran sector de inversión en este momento, puede aportar mucho y necesita grandes profesionales. Por otra parte, cuando hablo de grandes profesionales, yo, que llevo diez años en este sector, no me refiero solo al diseño, sino que hay que conocer bien el funcionamiento de un hotel, su manteniento y preocuparse de que el diseño envejezca bien. Es muy importante que un hotel sea bonito hoy, pero también mañana y pasado mañana.

Antonio Zaragoza, Director de Interihotel ¿Cómo valoras la tendencia, tanto del mercado como estética, del interiorismo de hoteles? Está cambiando al tiempo que lo hace la sociedad. El usuario está cada vez más informado y, antes de reservar alojamiento, iniciará un proceso de búsqueda en el que elegirá aquel establecimiento que más se ajuste a sus gustos. Esto obliga al hotel a ser más transparente, a mostrar públicamente aquellos elementos característicos que le ayuden a conectar con el público al que se dirigen, en definitiva, a tomar un posicionamiento en el mercado. El interiorismo es un factor clave en la generación de ambientes y escenas que favorecen experiencias, que se potencian mediante decoraciones con un claro enfoque al público de cada establecimiento, más que con decoraciones inocuas. En cuanto a diseño y construcción, ¿cuáles son las necesidades actuales? ¿Qué creéis que se debería potenciar? Aquellos hoteles que siguen una estrategia de diferenciación disfrutan de una ventaja competitiva en el mercado. En este sentido, el diseño original juega

un claro papel en la diferenciación y por tanto su principal función es la de cubrir esta necesidad. Por lo que respecta a la construcción, desde mi punto de vista profano, entiendo que los criterios de sostenibilidad y accesibilidad son necesidades que los proyectos hoteleros deben cubrir. Un hotel sostenible es más eficiente en términos de consumo de recursos y un hotel accesible puede abrirse a un amplio abanico de públicos, lo cual impacta claramente en la cuenta de resultados del hotel. ¿Ha resultado positiva la apuesta por el contract? ¿De qué forma se va a potenciar? Sí. España es un país líder en turismo. La inestabilidad en algunas zonas turísticas de los últimos años, especialmente en los países árabes, ha provocado que el turismo en España viva un momento dulce con récord histórico de turistas y de pernoctaciones en los hoteles. Aquellas empresas que apostaron en su día por hacer un cambio de canal (retail a contract-hospitality), han podido acceder a un importante número de oportunidades de negocio, por los numerosos proyectos de reforma o nueva construcción de establecimientos hoteleros en España. InteriHOTEL se creó en 2011 en la Sénia, para cubrir una necesidad clara e insatisfecha para operadores contract, que necesitaban conectar con compradores y prescriptores de este canal. En 2013 se trasladó a Barcelona

64 dúplex DISEÑO CONTRACT > REPORTAJE y en esta ubicación ha experimentado su importante crecimiento. ¿Cómo valoras la evolución del interiorismo de hoteles en España? Sin duda, el diseño español goza de un reconocimiento internacional. Esto ha sido posible gracias al esfuerzo de las marcas que apuestan por el diseño original, filosofía que defiende sin fisuras InteriHOTEL. Como he explicado antes, el diseño es un factor de diferenciación y esto lo han entendido bien los hoteles. Un hotel es un espacio de uso colectivo, del que un profesional del diseño de interiores debe conocer, no solamente las necesidades del promotor, sino requerimientos técnicos, normativas, etc. Para garantizar el éxito del proyecto el interiorista debe ser experto en este tipo de proyectos y en España tenemos una muy buena cantera. ¿Cuáles son vuestras expectativas para InteriHOTEL en un futuro próximo? Año tras año venimos consiguiendo un importante crecimiento. Hemos sido reconocidos oficialmente como evento internacional, lo que contribuirá a tener una mayor visibilidad en el exterior. En la pasada edición, celebrada del 25 al 27 de octubre de 2017 en Barcelona, se alcanzó la cifra récord de 173 marcas expositoras y 4.841 asistentes, la mayoría de ellos con perfil de comprador o prescriptor del canal contract-hospitality, duplicando la asistencia de profesionales extranjeros procedentes de más de 20 países. Pero lo importante de este proyecto es su productividad, ya que entre los profesionales asistentes se han podido detectar 1.170 proyectos hoteleros de reforma o nueva construcción lo cual, a nuestro entender, augura un futuro prometedor

Arantxa Porter. Equipo DRT. Después del pasado encuentro en InteriHotel, ¿cómo valoráis la tendencia, tanto del mercado como estética, del interiorismo de hoteles? En general, el mercado del contract está en un momento de demanda y crecimiento, hay ganas y necesidad de renovar la oferta que durante muchos años ha estado parada y ha quedado un tanto obsoleta. Ahora se necesita una nueva imagen, una nueva sensibilidad, asociada a las nuevas demandas que tienen los usuarios de los hoteles. El hotel ya no

"Cada día hay más apuesta por un interiorismo hotelero que piensa en el cliente y que busca una experiencia enriquecedora". A.Porter es un espacio disfrutable sólo para los huéspedes, sino que cada día más es un espacio de ocio en el que conviven área de descanso y áreas dinámicas como los restaurantes. En cuanto a diseño y construcción, ¿cuáles son las necesidades actuales? ¿Qué creéis que se debería potenciar? La apuesta debería tener foco en el diseño, la diferenciación y la calidad. Pienso que en muchos proyectos el precio y la calidad priman a la hora de tomar las decisiones de compra con lo que nos encontramos con resultados de decoraciones muy estándar, con un visillo blanco y un blackout beige del precio más barato. En el caso del textil se da por sentado que las telas deben de pasar la homologaciones oportunas, las normas de seguridad respecto al fuego y la resistencia al los lavados. Un paso más está en apostar por nuevas soluciones que ayuden al confort, como puede ser los textiles acústicos para mejorar el descanso y la privacidad en las habitaciones. ¿Ha resultado positiva la apuesta por el contract? ¿De qué forma se va a potenciar? Sí, ha sido positiva porque abre nuevas posibilidades de mercado, de seguir investigando y evolucionando hacia tejidos y productos más en consonancia a la demanda de este mercado. ¿España se encuentra a un buen nivel en relación al resto de países de Europa? ¿Cómo valoras la evolución del interiorismo de hoteles en España? Cada día hay más apuesta por un interiorismo hotelero que piensa en el cliente y que busca una experiencia enriquecedora. En general, en cuanto a precio-calidad España se encuentra a un buen nivel. ¿Cuáles son vuestras expectativas para InteriHotel en un futuro próximo? Interihotel cada año crece un poco más y a este paso seguro que se consolidara como una feria referente en el sector.

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