REVISTA EL BONDI - MAYO/JUNIO 2020

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MAYO/JUNIO 2020

entrevistas SERGIO MARCHI - HUGO LOBO BLUHAUZ - NIKKA LORACH lanzamientos JUANSE - DOLORES COBACH TRAVIS - JAURIA - CCI KIU

LA LIBERTAD TE SALVA

Lucía Tacchetti

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2 Lucía Tacchetti vía webcam - Ph.: Anabella Reggiani

CONTENIDO DISCOS Pilsen 04 Los Indispensables 06-20 ENTREVISTAS Nikka Lorach 21 Pera de Goma 24 Bluhauz 25 Luciana Segovia 28 Mantra Gris 30 Hugo Lobo 32 Tigre Ulli 36 Inmigrantes 38 Sergio Marchi 40 José Unidos 44 María Campos 46 Pasado Verde 49 Lucía Tacchetti 52

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DISCOS - Pilsen

CARNE, TIERRAS

Y SANGRE

El nuevo material de Pilsen amplía el abanico punk con una variedad de sonidos que van desde potentes riffs hasta influencias del altiplano, más invitados de lujo.

En tiempos de cuarentena, el legendario grupo publicó su tercer álbum integrado por doce composiciones nuevas, un bonus de apertura -el instrumental “Intro del puñal”- y una versión renovada de “Nonsanto”, que cuenta con la participación especial de León Gieco en voz y armónica. Todo esto resulta en catorce poderosas canciones que muestran lo que podría ser uno de los puntos más altos del catálogo del conjunto liderado por Pil Chalar, publicado primero en formato digital, Carnes, tierras y sangre (2020), ya se encuentra disponible en físico a partir de mayo.

Si bien pasaron 26 años desde su anterior placa de estudio, Bestiario -editado en 1994-, este registro es especial no sólo por la cantidad de tiempo que trascurrió desde el anterior LP, sino también porque cuenta con una gran variedad de invitados, influencias, referencias literarias y hechos que marcaron la historia reciente del grupo, como fue el fallecimiento de su bajista Tomás Loiseau, en 2019.

Luego de la mencionada introducción instrumental, que le da un toque épico y aires porteños gracias al bandoneón que ejecutó Leo Barauskas -el hijo de Tucán-, el espíritu punk rock no da tregua hasta el final. Sigue la que titula el disco y enciende la energía a medida que hace un recuento de numerosas injusticias ocurridas en la historia argentina -tal como queda expresado en el video promocional del tema- y suma en el solo a Alex Musatov, violinista de la Orquesta Típica Fernández Fierro.

El banjo que se escucha en “Una Pilsen más” construye un ambiente festivo y permite trasladarse a un bar, a la vez que sirve como homenaje a la cerveza, además de sumar un mensaje antifascista y antiburocrático. Numerosas críticas se escuchan a través de las pistas, ya sea a la hipercomunicación generada a partir de los celulares y las redes sociales -“Una nueva religión”-, como la humillación que vivió una modelo iraní cuando llegó a Francia tras haber sido 4

expulsada de su tierra natal, tal como versa “Por las mil y una noche más (Rojo y negro persa)”, entre otras.

En la veloz “Marienbad (un año atrás)” se encuentra a la hija del antedicho bajista, Luna Loiseau, en los coros.

Otra colaboración suma el siku y la quena que se escuchan al principio de “Wakom y la Pachamama”, ejecutados por Micaela Chauque y Juan Cruz Torres respectivamente.

Estos instrumentos le dan un abrupto vuelco sonoro al flujo del álbum, pero así amplía el espectro antes de retomar la electricidad desde la segunda estrofa en adelante en la que parece ser una canción que dará lugar a un vigoroso pogo cuando se presente en vivo.

La diversidad estilística también se escucha en “Así está el rock”, que además de criticar al género en la actualidad, suma un pasaje rap mediante la voz de XXL Irione y tiene a un antiguo compañero de ruta del cantante cuando estaba en Los Violadores. Es así que en dicho track, las cuatro cuerdas quedaron a cargo de Robert “El Polaco” Zelazek. La energía se incrementa en “Greenwich soroche”, donde Pil muestra una referencia al país que lo recibió hace más de 20 años y luego se matiza con cierto aire de rockabilly en “Un punto dentro de otro” que se combinan con inspiración literaria de la obra “El Aleph” de Jorge Luis Borges.

La velocidad se incrementa aún más en “Tinello”, ya casi sobre el final del disco, para luego finalizar con otra pista que le da un toque épico con sus guitarras acústicas, piano, mandolina -que tocó el multifacético Juan Dallera, cabeza de la Atípica Orquesta Sin Rumbo- y cuerdas que se escuchan en “Tajo por puñalada”. Varios de estos arreglos fueron craneados por el mencionado violinista de la Fernández Fierro. Así cierra un registro que abre el juego a una multiplicidad de estilos, sin abandonar el nervio punk rock que moviliza tanto desde las guitarras, bajo y batería como desde la lírica a una banda que no detiene su marcha desde hace casi tres décadas.

Maximiliano Novelli Frutos 5

LOS ISPE IND 6

SEGUINOS EN

S E L B A S EN

Por Sergio Visciglia, Pablo Andisco y Anabella Reggiani

SENSAFILO: “Estribodrio” Grabado en plena cuarentena, este nuevo corto de su tercer disco Rara Mezcla regala el costado más desopilante de SensaFilo. Con una letra despotricando directamente y sin vueltas a lo que suena de moda (“¡no te aguanto más!”) el video la refuerza con desopilantes imágenes de los integrantes de la banda en la extraña cotidianeidad de sus casas. A divertirse un rato.

CUCUZA CASTIELLO: “Rubias (taradas) de Nueva York”

Al ritmo de una instrumentación bien tanguera casi jazzeado, el cantorazo Cucuza Castiello nos acerca una feliz conjunción del Abasto entre Luca Prodan y Carlos Gardel. “Rubias (taradas) de Nueva York” tiene deliciosas criaturas, caras conchetas, miradas berretas y boquitas pintadas. Una gran interpretación con dos clásicos de la música argentina, extraída de su show en La Trastienda junto a Ariel Ardit y WW. Para disfrutar.

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ADRIÁN BERRA: “Sendero Ceniza” El sonido de los grillos, una voz que susurra, un sonido que transporta. Adrián Berra sabe con sus canciones crear mundos debajo de mundos y con “Sendero ceniza” continúa con ese camino. Una melodía que sosiega, interpretada a dos guitarras junto a Tomás Sanguinetti, y una letra que reivindica a las simples cosas, y desde allí da pelea.

CCI KIU: “Tajo” Cci Kiu muestra un nuevo adelanto de su tercer disco solista, concebido en el sentido más estricto del término. Luego de Permiso para ser yo y Camaleonicx, dos álbumes a banda completa y con multiples invitados, aquí todo se construye desde su propio ser. Así entran en juego su voz, las programaciones, los teclados y un concepto que va tomando forma en torno a La Machine, una obra de estética retrofuturista que se articula desde lo más profundo del corazón. “Animándome aprendí a cantar cosas que no podía bajar, no importa si bien o mal”, canta Cci en pleno trance casero, otra pintura de época.

GUIDO VENE: “¿Por quÉ?”

Después de diez años y tres discos como cantante de Tamesis, Guido Vene da el primer paso de su carrera solista y con firmeza y swing, planta la semilla de lo que será el álbum Demo D. En “¿Por qué?”, marca cuatro y sale a comerse la cancha entre un beat de raíz afro y una base ajustada para que resalten los matices su voz, un color que hacía falta en la escena rockera.

LAS PASTILLAS DEL ABUELO: “InterpretaciÓn”

Bien al estilo pastillero de sus últimos trabajos, el poder rockero decora esa voz tan particular a cargo de Piti Fernández, entre melancólica y carrasposa. La instrumentación siempre acompaña como relojito a la poesía tan característica del cantante. ¿Una frase? “No hay gratitud en el ambiente”.

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VICENTICO: “No tengo” Más allá del histórico talento compositivo de Vicentico desde sus comienzos con Los Fabulosos Cadillacs, en su etapa solista comenzó a brillar su rol de intérprete, consolidándose como un crooner hecho y derecho. Aquellas ya lejanas “Algo contigo” o “Tiburón”, pasando por “Paisaje” o “No te apartes de mí”, llegan a una cresta altísima en esta exquisita versión de “Ain‘t Got No, I Got Life” de Nina Simone, traída al castellano como “No tengo”. El cantante está en la casa.

EL SONIDERO INSURGENTE: “De pueblos e imperios” Música y video grabados en cuarentena. El Sonidero Insurgente trae al presente un tema de hace más de diez años (de la banda anterior del cantante Marcos Rodríguez, La Sota y su Fiesta Pagana), con una letra bien actual y la lucha histórica entre los pueblos originarios y sus invasores. Todo a puro poder latinoamericano. “Un pueblo no pide permiso en su suelo para su liberación”, una temática que podría ponerse en prioridad de agenda en estos tiempos de cambio que se avecinan.

MEL MUÑIZ: “Ni una gota de amor” Desde su paso por Las Taradas, hasta su presente en Familia de Ukeleles y Bourbon Sweethearts, Mel Muñiz desarrolló un gusto musical y una estética moldeados por el bolero, el swing, el calypso y otros sonidos de la primera mitad del siglo XX. En su primer single en solitario, la cantante y multiinstrumentista bebe un poco de cada copa para ofrecer “Ni una gota de amor”, donde los aires bolerísticos de la letra permiten el lucimiento de su voz y la carga dramática de su interpretación.

COTI: “Por ahÍ”

Con una ayudita de dos amigos de reconocida muñeca para la melodía pegadiza y border –Cuino Skornik, histórico compadre de Andrés Calamaro y Nico Landa, formado en las filas decadentes- el rosarino da una muestra más de su condición natural de hitmaker. Con postales del cancionero nacional -“morder el anzuelo, la esquina del barrio”- Coti y su grupo Los Brillantes juegan con las guitarras y los climas para construir su “Color Esperanza” modelo pandemia, que formará parte de su próximo álbum y será cortina de la nueva temporada de ShowMatch.

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DAC2: “Amanecer” En un formato rock canción la banda puntana DAC2 saluda con este corte de difusión grabado en la segunda mitad del año pasado. Tanto el video como la letra nos llevan directamente a querer asentarnos en algún lugar lejano de la urbe, el ruido y la contaminación. Frases como “Una nueva generación de cambios” o “Aprenderemos de la madre naturaleza” casi que profetizan estos momentos de actualidad virulenta y de cuarentena.

FANTASMAGORIA: “Home Studio” Canción testimonial de este tiempo que nos toca vivir. Gori y su banda se preguntan qué hacer mientras tanto y proyectan para cuando la pandemia sea historia. En el medio, una canción propia del folk psicodélico que propone el grupo, flotando entre acústicas y teclados.

Grabado en plena cuarententa, cada músico registró su parte en su respectivo portaestudio y el grupo ofrece descargar las pistas por separado en su canal de bandcamp, para que cada uno en su casa arme su propia mezcla. Y elija su propia aventura.

HUGO LOBO: “Don’t say away” Hugo Lobo no para y la cuarentena no es la excepción, más bien todo lo contrario. Mientras produce el nuevo disco de Dancing Mood con temas propios, edita un simple por mes en plan solista canciones grabadas en su último viaje a Reino Unido. Carrol Thompson es la invitada estelar para cantar “Don’t say away”, clásico de Phyllis Dylon.

Exquisitez pura.

DOLORES COBACH: “Close to you”

El 14 de mayo de 1970, el dúo The Carpenters editaba “Closet to you”, y a medio siglo de distancia, Dolores Cobach publicó una versión en clave rhythm and blues. Como si fuera un outtake imaginario de su primer álbum -Plumaje, uno de los grandes discos del 2019-, Cobach pone todo el caudal de su voz sobre una base deluxe, por la que desfilan talentos como Nico Bereciartúa, Larry Cuffia y Yago Escrivá.

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LOS ANTIGUOS: “Senda de la luz fantasmal” Desprendiéndose del álbum Oro Para Las Naves (2019) llega el video de “Senda de la luz fantasmal”; acompañando la propuesta metalera de esta banda cada vez más aclamada por los especialistas del género. Imágenes de shows, de archivo, y visuales varias decoran perfecto el poder de la canción.

TURF: “Voy dejando atrÁs” En un nuevo adelanto de su sexto disco de estudio, Turf muestra lo mejor de su repertorio –la melodía imbatible, la elegancia para los arreglos, la lucidez para captar el sentir popular- y prepara la base justa para que Joaquín Levinton entone una proclama universal. “Voy dejando atrás lo que no me hace más feliz”, y que cada quien se la apropie y le aporte el significado correspondiente. Para cantar entre abrazos, cuando eso sea posible.

PEPAMAJALU: “Desborde” Nuevo corte de la banda de Quilmes, perteneciente a su disco Anchos Falsos editado hace tres años. Tiempos de cuarentena sirven para desempolvar y ofrecer novedad en formato audiovisual. Un tema que ofrece el costado más rockero de esta banda multigénero, y un video con fondo oscuro que le da un aspecto más sombrío a la pieza en cuestión.

YACARÉ MANSO Y LA ENCHAMIGADA: “Estamos”

Desde la ciudad correntina de Santo Tomé, Yacaré Manso se pone al hombro una orquesta que reúne a 60 artistas de diferentes lugares del continente americano. Willy Piancioli, Mavi Díaz y Franco Luciani son parte de este colectivo urgente denominado La Enchamigada que, desde un aislamiento con el mayor aire posible, hace de “Estamos” una declaración de vida y un grito de esperanza.

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CELESTE CARBALLO: “Lucille” Celeste Carballo compuso esta canción en 2015, luego de la muerte de BB King y pensando en su viuda Lucille, el nombre genérico y simbólico con el que el Rey había bautizado su guitarra. “Lucille, qué sola estarás esta noche…”, canta y llora Celeste en un blues a medida, tristón y melancólico.

JAURÍA: “Vamos juntos” Ciro Pertusi y compañía nos traen una canción perfecta para estos tiempos. Tras la intro de piano, el tema se vuelve un gen 100% Jauría, con un tinte épico y dispuesto a batallar. “¡Corre, corre, corre! Pero no te separes de mí: vamos juntos”. Gran momento en el final.

MINCO: “Lo que es” Luego de dos muy buenos álbumes, Julián Minckas sigue desafiando las paletas de colores y las dimensiones del sonido con su proyecto Minco. “Lo que es” puede ser tantas cosas como el escucha quiera.

Una repetición mántrica, un laberinto de palabras o una psicodelia mimosa, como sugiere el intérprete. El video, obra de Juan Bautista Selva, no hace más que potenciar el efecto sensorial.

TODO APARENTA NORMAL: “Pandora”

Todo Aparenta Normal muestra un adelanto de su próximo álbum, que se titulará El último abrazo analógico, y aporta una carta brava en el juego de paradojas en el que se volvió el mundo post pandemia.

Concebido al calor humano del estudio y registrado cuando el contacto físico era posible, la banda muestra en “Pandora” un entretejido de climas y efectos y da un paso más allá en su búsqueda musical y poética.

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LXS FAMILIA: “Chillin Mony” En su nueva faceta junto a su banda Forbato presentan nuevo tema grabado junto a Lito Vitale en su Estudio, quién potenció el groove y la fuerza de la banda, colaborando con los arreglos de teclado Moog Minimoog y la producción artística. Mucho beat, mucho flow y una letra bien cargada para viajar por los aires más traperos de esta banda que suele mezclar diferentes ritmos y estilos.

BLANCO RUSO: “Mery” Mery, un Taunus 79 de esos de los bien viejos, una ruta, un camino, un viaje, un destino. El nuevo corte de la banda cordobesa Blanco Ruso, desprendido de su trabajo Vida en un Retrovisor, nos lleva a recorrer un rock blusero bien cancionero. Ideal para escucharlo de viaje, pero mientras tanto, nos quedamos en caso y miramos el video para acompañar a Mery.

EVANESCENCE: “Wasted on you” Después de nueve años Evanescence lanza nueva canción, una balada que conjuga lo mejor de la voz de Amy Lee, sintetizadores y un poquito del metal alternativo que tan popular los volvió allá por los dos mil. Con una letra efectiva y llena de corazones rotos, el ABC de esta banda se refleja en esta pieza que formará parte de su nuevo material de estudio The Bitter Truth, el cual se lanzará de forma incremental a lo largo de 2020.

ELLA ES TAN CARGOSA: “Los dÍas felices”

El grupo del Oeste se prepara para celebrar sus veinte años de carrera con un disco de versiones, invitados y algunas novedades. Después de mostrar su faceta más rockera en “Enemigo”, llega el turno de “Los días felices”, una plegaria en ese formato de canción beatle que tan bien maneja la banda. “Sin pasar por la razón / hoy me guía el corazón / a seguir al viento que cambió de dirección”, canta Rodrigo Manigot, y dan ganas de acompañarlo en un abrazo imaginario.

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ESTELA STIER: “Decirte hoy” Con “Decirte hoy”, su primera canción en español, Estela Stier escapa de la zona de confort que habitaba luego de dos muy buenos discos de folk clásico americano y se abre a nuevas aventuras. Trabajando a cuatro manos con Gabriel Pedernera -baterista de Eruca Sativa, productor clave de la escena rock- la cantante abre el juego sonoro a una atmósfera pop apoyada en una base sólida: su probado buen gusto para la melodía y el encanto de su voz.

PANZA: “Guillotina” “Todavía sigo en pie” repite Mariana Bianchini en “Guillotina”, la vuelta al ruedo de Panza luego de seis años de silencio discográfico, y eso ya es motivo para celebrar. El tema es el adelanto de Rock, el álbum que el grupo terminó de grabar días antes de decretarse la cuarentena y que planea editar en noviembre. Los climas que tan bien maneja con su guitarra Sergio Álvarez y la potencia de la base conformada por Lulo Isod y Franco Fontanarrosa reflejan la esencia de una banda que siempre tiene cosas interesantes para ofrecer.

CAMELIA: “Figuras” Sin dudas un viaje sonoro el que plantea Camelia con “Figuras”, una canción entre nostálgica y moderna, guiños ochentosos a la orden de un indie bien popero. El misterio que va fluyendo es acompañado con un gran video. El viaje es interior, pero para afuera. O viceversa. ¿Quién lleva la máscara? ¿Y hasta cuando? Gran interpretación audiovisual para disfrutar.

LA PROVISORIA: “Tuki tuki”

Un poco de cumbia para alegrar la cuarentena de la mano de La Provisoria, con un feat bien particular como el de Gabi Cocina, el influencer salteño que la rompe en Instagram. Una mezcla de estilos, plataformas y medios de comunicación en tan solo un minuto y medio de música. Para bailar en casa.

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JUANSE: “Muchacho corazÓn” En pleno estado de gracia mediático, Juanse se despacha con “Muchacho corazón”, el adelanto de su próximo disco solista. Nuevamente con Andrew Oldham en la producción, el tema suena sesentoso y británico por dónde se lo escuche. En las guitarras dialogando con las voces, en los silencios establecidos como tercera posición y en la breve duración de ciento catorce segundos. “Cuando no puedo hablar empiezo a transpirar”: el próximo himno del líder ya tiene letra.

AUDIA VALDEZ: “Trozos de films” ¿Cuál es la realidad? ¿Cuál es tu realidad? ¿Y la mía? ¿Depende de quién? “Somos trozos de films”, remata Audia Valdez y giramos en torno a la cuestión de que tus ojos miran solo si vos querés ver. Una mirada crítica a las conductas humanas, acompañada de frases de clásicos de películas, todo envuelto en su autodenominado pop disidente que le cuaja perfecto. Ver y escuchar luego su anterior corte “Inventemos nuestra película de acción”.

LA TEORIA DEL CAOS: “Desde la ventana” (ft. El PrÍncipe Idiota)

Después del gran paso que dieron con Temporada de huracanes (2017), La Teoría del Caos continúa mostrando lindas canciones en formato de single. En “Desde la ventana”, el grupo platense muestra su faceta más cancionera, que con el aporte de El Príncipe Idiota suma un nuevo matiz a su amplia paleta de sonidos y colores.

MAX ETCHEBEST: “Cristalizo”

El cantante de la banda Ey Roble lanza su faceta solista con esta gran canción titulada “Cristalizo”, de melodía entradora y emocional, con una letra a pura introspección que se propone “Cerrar los ojos para estar despierto/sentir un poco más de mi”. Ideal para ser banda sonora de nuestra búsqueda interior en calma. “Cristalizo a la distancia la mirada para poder ver”.

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SUPERCHERIA: “Encontremos el tiempo” “Hay más maneras de encontrarnos”. Una letra que podemos cantar cualquieras de nosotros como un grito desesperado resignificándola según nuestra situación de cuarentena. Con una impronta bien cancionera, Supercheria cuela este tema bien ganchero ideal para pasar estos momentos. “Encontremos el tiempo para vernos de nuevo”.

NACHO VEGAS: “Arriba quemando el sol” Luego de su álbum doble Violética (2018), Nacho Vegas sigue rindiendo homenaje a la figura cada vez más vigente de Violeta Parra. El asturiano repasa uno de los himnos de la cantora chilena y las imágenes de las tragedias mineras a ambos lados del Atlántico conectan las almas e ilustran el clip de la canción. El asfixiante sonido de su banda completa el concepto del tema que adelanta el recopilatorio Oro, salitre y carbón, con el que su sello Marxophone celebrará una década de resistencia cultural.

ERASURE: “Hey Now (I Think I Got a Feeling)” “Traté de renovar mi amor por el pop. ¡Quiero que los jóvenes de ahora escuchen estas canciones!”, declara Andy Bell sobre su nuevo material The Neon pronto a salir en Agosto. En el mientras tanto, ese amor por el género que los volvió tan populares se repite una y otra vez en el estribillo de su nuevo single “Hey Now”. Una canción ideal para cantar mientras se camina por las gélidas calles de una calle Corrientes en invierno, mirando las marquesinas de los teatros y sintiéndose todopoderosos.

RUDY Y LAS DIFERENCIAS: “Blues #6346”

Fresco, vivo, casi como improvisado en el sentido bueno de la palabra. “Blues #6346” es un cruce entre la cantante cordobesa Rudy y la banda del oeste del conurbano bonaerense Las Diferencias, y nace desde una curiosa anécdota que parte de un robo de instrumentos a estos últimos. Convertir en música todo lo que suceda, sea bueno o malo, coherente o desopilante. Esa es la magia de los artistas y acá la disfrutamos.

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BABASÓNICOS: “Oportunidad” ¿El espíritu noventoso de Babasónicos en pleno Siglo XXI? Puede ser.

El lado oculto entre disco y disco, prometen ellos. Puede ser también.

Un poco de todo y mucho más en este nuevo single en tiempos de pandemia con guitarras bien presentes. “Antes que nosotros hubo otros y habrá muchos más”.

PUM: “Nunca cambiÓ” Cambian tantas cosas. “La esencia no se cambia”, afirma bien fuerte PUM y parece como si se hablaran a sí mismos. Es que la banda tuvo el privilegio de grabar en Abby Road gracias a ganar la edición 2019 del concurso que los llevó hasta allá a fuerza de poderosos riff y bellas melodías intrincadas. Y acá están los frutos, con esta gran canción de una banda de jóvenes que nos aseguran que el futuro (del rock) ya llegó.

TRAVIS: “A Ghost” De la mano de un divertido videoclip animado realizado por Fran Healy, su cantante, y unos misteriosos músicos fantasmas, la banda escocesa presenta el primer simple de su nuevo trabajo en estudio 10 Songs. Se trata de una canción simpática, cargada de simbolismos sobre el paso del tiempo y como la vida pasa delante de nosotros y el autor se pregunta si realmente hizo todo lo que debía. Pegadiza, efectiva y transparente, como “un fantasma”.

CREWROD – “Parc”

Envuelto en una especie de mantra psicodélico, CrewRod le mete todo el punch a esta cuarentena de la mano de “Parc”. Sentite bien si tus pies se quieren mover solos, estás envuelto en la movediza nube gris que gira sobre tu cabecita. Neo soul para darle átomos.

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ZOE GOTUSSO: “Ganas”

“Ahora que estoy bien, que ya lloré, ya me levanté”, canta Zoe Gotusso y abre una nueva etapa en su camino musical luego del fin de Salvapantallas, el dúo que formó con Santiago Celli. El reconocido productor uruguayo Juan Campodónico carga lo justo y necesario la instrumentación pop y la cordobesa flota por los diferentes ambientes de sus estados de ánimo, yendo de la terraza al living, y uniendo las piezas rotas del rompecabezas interior.

ATROPELLO CARREGAL: “Sin soltarte” Bien prolíficos tiempos de cuarentena, Atropello Carregal apela a su gran poder a la hora de reversionarse y regala una gran versión de una canción que aún no tenía registro en la voz de Gonzalo Fernández. Con rasguido más reggaero, la canción apela por su costado más rítmico y unas buenas visuales en tiempos de #homemade. Siempre disfrutable.

SANTIAGO MORAES & TRANSEUNTES: “Mi sangre” Luego de la experiencia más casera de “Hace bastante” Santiago Moraes presenta el primer adelanto formal de su segundo trabajo post Espíritus. Con una banda cada vez más ajustada, “Mi sangre” suena a blues embarrado en las orillas del Río de la Plata, para ambientar una historia inspirada en el Lobo Núñez, una leyenda de los tambores montevideanos. “Quieren mi sangre /quieren vivir de mis penas /quieren vivir de mis manos”, una cruda reflexión sobre quiénes son los verdaderos dueños del show y quiénes se llevan la torta.

JORGE ARAUJO: “Cuerpocomoderno” (feat. Ricardo Mollo) El nuevo single solista de Jorge Araujo despide un aroma de nostalgia y funciona como retrospectiva en su carrera. Desde la composición en guitarra criolla, hasta la participación de Ricardo Mollo y la estética retro del clip, circa Windows 95, que conecta en tiempo y espacio con su paso por Divididos. Además del juego del lenguaje, “Cuerpocomoderno” refleja parte de ese sonido más experimental que caracteriza la participación de Araujo en el trío.

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HUMA NOS: “EpifanÍa”

La calidad visual se lleva toda la atención con una fotografía envidiable gracias al paisaje hermoso que regala la Cordillera de los Andes.

En cuatro días y noches se concreta esta gran exposición audiovisual de Huma Nos. La canción es un adelanto de La Inocencia de la Crueldad, disco que saldrá en septiembre de este año.

FABRITZIO: “Cuando no te conocÍa” Pop electrónico en 16 bits para este nuevo corte de Fabritzio, “Cuando no te conocía”. Con toques indies, sintes melancólicos y ritmo puro, el multi instrumentista se da el lujo ir colando guitarras rockeras y la bata para dar la estocada final. Grabado en plena cuarentena, fue producido por Mariano Bejar, quien acompaña también en la composición.

LA RENGA: “En bicicleta” Cada noticia de La Renga es un mimo a los corazones del rock argentino. Una caricia repleta de su típica pesadez, la potencia más cruda en tiempos de cuarentena de la mano de “En bicicleta”. Ideal para escuchar con auriculares y así apreciar mejor la voz de Chizzo, la que con audio de celu o compu pierde demasiado protagonismo. En tiempos de abstinencia poguera, no escucharla con objetos de valor cerca que se puedan romper.

ESTELARES: “MontaÑas de amor”

El temazo que es “Montañas de amor” tiene su video como cuarto corte de Las Lunas en tiempos de cuarentena. La opción elegida es la animación y un corazón gigante a la deriva. Un tema bien Estelares, de esos que nos dan ganas de dsifrutar, con guitarras poderosas y destino de hit.

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CRUZANDO EL CHARCO: “MontaÑa rusa emocional” El grupo de La Plata deja su foto de cuarentena con una canción de reflexión y esperanza. El concepto “Montaña rusa emocional” funciona a varios niveles. Como un álbum de fotos y de secuencias del encierro, con una música, que, como las emociones, sube y baja en su intensidad y con una letra para que cada uno se lo apropie y le ponga nombre, lugar o situación: “Cuando salgamos de esta / yo voy a irte a buscar”.

MELANIE WILLIAMS & EL CABLOIDE: “Denadie” En un nuevo adelanto de su álbum Somos 2, Melanie Williams continúa explorando el lenguaje, los sonidos y los sentidos de su experiencia con su banda El Cabloide. En modo trip, la multiinstrumentista se sube a un groovy chill experimental de efectos espaciales y lírica superadora. “Ríos de silencio me deslizarán / hacia las melodías que quiero encontrar”, así, en futuro. Porque la mejor canción todavía no está compuesta.

LA SANCHEZ VIAMONTE: “La casa de las Flores” “Tengo que pintar mi transparencia para no ser tan clara”. Hipnóticamente nostálgico el combo que ofrece la banda platense. Desde las visuales viajantes en rutas montañosas nevadas de filtros añejos, las melodiosas guitarras, y por sobre todas las cosas, la particular y atrapante voz de Carmen Sánchez Viamonte. La profundidad lírica corona una gratificante pieza musical que, entre tanta introspección, sale optimista: “Algún día va a caer el amor que merecemos”.

GUITARRICADELAFUENTE: “Ya mi mamÁ me decÍa”

El alter ego del músico español Álvaro Lafuente sigue sacudiendo las plataformas musicales mientras proyecta su primer álbum. En apenas un año de meteórica carrera, el guitarrista empezó a contar sus vistas por cientos de miles y logró trasladar esa virtualidad a los escenarios.

En “Ya mi mamá me decía”, ratifica las raíces folklóricas de su tierra y ofrece un clip en formato work in progress junto al artista plástico Ignasi Monreal, quien trabajó en el arte del single.

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ENTREVISTA

Nikka Lorach

“QUISIERA QUE HAYA REFERENTES DRAG EN LA ESCENA MUSICAL” 21

El artista, en la piel de Nikka Lorach, lanzó “Les dos”, el segundo video de su carrera y se permite jugar con personalidades que confluyen en un mismo lugar. Además, se trata del primer material registrado íntegramente en lenguaje inclusivo.

Cronista: Maia Kisz | Fotos: Gentileza Prensa 02 de Mayo Cuando Nikka se sube a un escenario está tranquila. Sabe lo que va a hacer. A Nico, en cambio, le daría mucho vértigo cantar sobre una tarima. Nico es quien se abriga cuando baja la temperatura. Nikka jamás sentiría frío. Nikka y Nico comparten la voz, pero son distintos a la hora de hablar. El confinamiento obliga a que la entrevista sea telefónica y, durante los primeros minutos de charla, es imposible develar quién está del otro lado de la línea.

de mi vieja y los zapatos de mi abuela. Había pasado mucho tiempo, pero algo quería llevarse a cabo y me pareció que la música era el lenguaje que me estaba esperando”.

Nico estudió canto, baile y actuación. Hizo comedia musical y trabajó como bailarín desde los 17 años. A los 25, no quiso saber más nada: “Sentía que estaba siendo un prostituto del arte. Lo entregaba por plata y no por lo que me apasionaba”, recuerda el artista. Durante ese Nikka acaba de publicar el video tiempo, se alejó un año y medio de “Les dos” y eso fue lo que del mundo cultural y se conectó motivó esta conversación. Cuán- con un negocio familiar: una do le pregunto a ella sobre su empresa de calzados. Abrió un “nacimiento”, el que responde showroom en Palermo y, cuanes Nico y explica que, hace dos do todo comenzaba a funcionar, años, tuvo un momento de crisis sintió la necesidad de volver al y que eso lo motivó a una búsarte. “No dejé de trabajar, ni de queda para encontrarse con su hacer mis zapatos, ni de tener arte. Fue en ese entonces que mi negocio, ni a mi marido. No se animó a probar la libertad: cambié mi vida. Simplemente “Me compré unos maquillajes, le agregué otro condimento”, hablé con mi marido y mi mejor explica y deja entrever que esa amiga. Les conté la idea y me crisis fue su punto de partida. dijeron que lo haga. Y lo hice: “Es un final y un principio. En me monté. Saqué esta ella que una crisis hay algo de romper sentía que estaba conmigo. Lo para volver a ser. Con la cuahice en casa y fue como volver- rentena me pasa lo mismo. me a ver cuando era chiquito y Hay algo que buscar adentro. jugaba a ponerme el maquillaje Encontrarse. La naturaleza nos 22

puso el parate y quizás sea el momento de pensar: ¿Sos quién querés ser? ¿Te sentís feliz con todo lo que estás haciendo o, quizás, hay algo más que vos no descubriste y tenés para dar y ser mejor, o más feliz? En mi caso fue conectar con mi pasión, poner mi cuerpo en algo interpretativo que me libera: ¿cómo no voy a estar buscando esa liberación constante?”.

Una voz detrás del teléfono suelta “Nico es quien la lleva a hacer todo. Es el conductor de un tren, en el que Nikka es la locomotora”. Más tarde, explica que la experiencia es mucho más que eso: “Ella es un canal artístico y hay algo espiritual en el drag en donde todo lo que te rodea es arte. Desde el maquillaje, hasta tu posición actoral”.

Nico explica que el drag se trata de elevar un personaje a un extremo y exteriorizarlo: “Hay un lenguaje que va más allá”. El hecho de montarse es entendido como mucho más que maquillarse o ponerse una peluca, como si se tratara de un ritual que invoca la llegada de otro ser y puede, o no, tener que ver con el género. “Yo llego a mi casa,

hago lo que tengo que hacer, termino y voy al espejo. Me afeito y ahí empieza a entrar ella. Una vez que ella está, se queda hasta que me saqué el maquillaje. Hay cosas que me pasan siendo Nikka que no me doy cuenta, soy consciente de que le pertenecen a ella. La forma de hablar, la forma de caminar. Se convierte tu cuerpo en algo distinto. Estás trucada.

Capaz que estoy 5 horas con cinta en el pito sin hacer pis”.

Nikka es artista y tenía un show previsto en Vorterix que se pospuso. Mientras, tuvo que adaptarse y aumentar su presencia en redes sociales, lo cual dificulta su llegada porque montarse para hacer un video en casa no es lo mismo que hacerlo para un show. “No es el mismo ritual. Es cuando yo me subo a un escenario a cantar que tengo ese encuentro con ella”, explica Nico.

“Les dos”, el más reciente video de Nikka, en el que pone en palabras esa historia personal de cosas que, quizás, hay quienes no entiendan. Pero el mensaje es claro: hay que escuchar al sentimiento. Un mensaje que además de artístico, es político. No solo porque se trata del primer tema registrado en SADAIC con lenguaje inclusivo, sino también por el ejemplo. “El drag es político. Es subir una bandera, porque es una comunidad: somos drags. Somos diferentes para las sociedades, creencias y religiones. Eso es política. Lo que se diferencia y tiene un mensaje revelador es política. Asique el drag es sumamente político”, define Nico, con convicción, y agrega que, consciente de eso, eligió al rock como estilo. “Quiero que lo que hago se escuche en todas las casas y no sólo en un boliche. Me interesa que mi mensaje llegue en forma de música y no solo en clave de perreo”.

A Nico le hubiera gustado tener, de chico, referentes drag que sean artistas. “Quisiera que, como se escucha a Cerati, se pueda escuchar a una drag queen y mostrar que no hay límites. Es música, es arte”.

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ENTREVISTA

PERA DE GOMA

“EN ESTUDIO NOS SENTIMOS CADA DÍA MEJOR” Cronista: Nahuel Perez | Fotos: Gentileza Prensa/ Michelle 02 de Mayo

En tiempos de barbijo, Pera de goma relanza “Tempestad” en todas las plataformas para que te contagies solo de alegría.

La multitudinaria banda nos retrotrae “Tempestad” y ya se puede escuchar en todas las plataformas digitales. Eso sí, desde casa.

Pera de Goma está integrada por Sebastián Sanguineti (voz), Ramiro Vulijscher (bajo), Martín Rodríguez (guitarra), Nahuel Paredes (teclados y guitarra), Gabriel Guazzaroni (batería), Martín González (teclados), Pablo Marcón y Julián Caramanti (percusión) y conversó con revista el bondi sobre el nuevo material y sus planes para el 2020 de cuarentena.

-¿Qué cambios hicieron al relanzar Tempestad?

-Como estaba grabado originalmente en los estudios de Camarón 24

Brujo, era un video clip en vivo, pero decidimos meternos en el estudio y grabarlo para subirlo a todas las plataformas digitales.

Musicalmente presenta algún que otro cambio que no altera a la estructura original del tema.

-Hasta ahora sabemos que el próximo disco será todo de canciones originales. ¿Qué pueden adelantar del sucesor de “Angiulino”, su primer trabajo de estudio?

-Estamos laburando con canciones nuevas. Adelantamos Suaves Tubos a finales del año pasado.

Teníamos planes de subir otro adelanto a principios de abril, pero la cuarentena nos demoró todo un poco.

-Dada la historia de la banda, ¿Consideran que el fuerte de Pera de Goma es el vivo?

-Sin dudas es dónde más cómodos nos sentimos. Igualmente, en estudio nos venimos sintiendo cada día mejor.

-¿Qué tienen preparado para este 2020?

-Estamos aprovechando el encierro para terminar de trabajar canciones nuevas y así llegar al final de la cuarentena con todo listo para entrar a grabar. Esperamos para fin de año/ principios del año que viene sacar un nuevo EP.

ENTREVISTA

Bluhauz

“VOY A HACER UN COLLAGE DE MIS FACETAS DE ROCK, PERO MANTENIENDO LA ESENCIA”

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Revista El Bondi conversó con el músico argentino acerca de su nuevo proyecto solista, el primer simple, el álbum que se viene y sus influencias.

Cronista: Maximilano Novelli Frutos | Fotos: Gentileza Prensa/ Anne Godoneo 08 de Mayo Bluhauz es el flamante proyecto de Sebastián Fernández, que, como él mismo reconoce, “mi intención es que sea un nombre artístico”. En enero pasado publicó su primer corte como solista, tras poner en suspenso a su histórica banda, Stone Giant, a fines de 2019. A diferencia de su anterior agrupación, que tenía un sonido más orientado al hard rock, el guitarrista de origen argentino afincado en Miami, decidió explorar viejas influencias que van desde el blues hasta el dance beat.

con eso, pero con sonido rock”.

En el título de la canción, que en español se traduce como “purifica mi alma”, aparece un indicio de una nueva etapa, por eso, el músico afirma y lo vincula con su propia trayectoria, “puede ser visto así, después de tener tantos proyectos en mi vida, es el momento en el que digo que esto va a ser algo totalmente mío, buscando una cierta purificación”.

Si bien el contexto de la pandemia por el coronavirus obligó a cambiar muchos planes, Luego de un período frenético Bluhauz se mantiene activo y de presentación en festivales con impulso para avanzar en su como el Lollapalooza Argentina, carrera con mucha fuerza. “La el Personal Fest, el BUE, durante idea es largarme con este pro2016 y 2017, el músico decidió yecto a full. Saqué un acústico que era momento de probar del tema la semana pasada y en nuevas cosas. “Quería hacer unas semanas sale el segundo algo más mío, entonces decidí single, después publicaré otro y largarme como solista”, sostieeventualmente, saco el disco”. ne, a la vez que amplía, “de ahí empecé a escribir demos; ‘Purify El larga duración que vendrá en My Soul‘ fue el primero de toun futuro cercano -“idealmente dos, habré escrito cerca de 200 me gustaría que salga en agosen el 2019”. to”, declara el ex Stone Giant-, tendrá producción propia, lo Frente a la pregunta acerca de que refuerza su propósito de hacómo surgió ese simple, el artis- cer lo que él quiere, “sin influenta explica, “era un blues lento, cia de mucha gente”. Asimismo, en verdad, era una cosa más confiesa que no hay una idea a lo (Jimi) Hendrix y después de hacer un álbum conceptual, decidí meterme con el dance, “quiero hablar de cosas copadas que desde hace años flasheaba para mí”, enfatiza el compositor, 26

mientras que desde el punto de vista sonoro aclara que “va a haber una mezcla de dance blues rock, también hard rock más parecido a lo que hacía antes, meteré un tema acústico medio (Led) Zeppelin, alguna balada.

Voy a hacer un collage de lo que yo siento que son mis facetas de rock, pero manteniendo la esencia”.

Todo momento de transición implica desafíos, más allá de la experiencia previa en una enorme cantidad de shows, incluso, desde el hecho mismo de haber dejado su país de origen hace una década para estudiar música. “El reto es volver a meterme en el circuito porque yo dejé todo eso, el último año y medio me dediqué a la producción musical, me mudé de Nueva York a Miami, hice una purificación total. También me quedó el conocimiento de lo que se necesita para llegar a esos lugares. Ahora la clave de acá a los próximos 20 años de mi vida, es Bluhauz”, confiesa el intérprete.

Uno de los aspectos de ese circuito dentro de la industria, es el de los festivales. Con una notoria experiencia que acumuló en nuestro país y en donde reside actualmente, es fácil pensar en la posibilidad de

participar otra vez en un evento tan masivo. “Estuve en el Lollapalooza de Argentina y Chile, que fue el primer festival grande que toqué cuando tenía 25 años, recién graduado de Berklee. La experiencia en sí es increíble, eso hace un efecto dominó en otras cosas, porque después de tocar en un espectáculo así, una banda tiene una exposición muy grande. Si sabés usar esas oportunidades, ahí ya tenés algo”.

Otro suceso que marcó la carrera de Bluhauz ocurrió en 2014 cuando tocó frente a Jimmy Page, en un recital de graduación que formaba parte de un programa organizado por la Berklee College of Music.

“Lo que más me acuerdo es lo que sentí cuando estaba en el escenario. Recién egresaba de la facultad y era la primera vez que tocaba en un estadio para 10 mil personas, nunca me había pasado eso”, explica el músico y él mismo quedó involucrado en el proceso que trajo al legendario guitarrista inglés al concierto. “Hicimos un medley de un montón de canciones, tocamos “The Ocean” con Stone Giant y terminé cerrando la noche con el solo de “Stairway to Heaven”, eso también fue un impulso”.

Si se tiene en cuenta el origen de Bluhauz, como el de los integrantes de su ex grupo (de Brasil y Chile), parece que, en la actualidad, en el país del norte habría una oportunidad para aquellas bandas de rock que canten en castellano. “Todo lo que es la música latina hoy en día ha crecido muchísimo, pensando en el género urbano. Con respecto a bandas de rock que canten en español creo que también tienen una oportunidad porque hay una comunidad latina gigante en Estados Unidos”, explica, y agrega, “si viene alguien con un buen sonido así yo no creo que al estadounidense le importe si estás cantando en español o en otro idioma, el tipo se va a copar con la movida del sonido”.

-¿En algún momento te veremos en Argentina?

-Ojalá, siempre es el lugar que más me gusta ir a tocar. Todo lo que me pasó allá importantísimo para mí. Tengo que seguir explorando, tengo que regresar y estar con la gente. Sea en un festival o yo solo, obviamente cuando termine la cuarentena y saque el disco, ahí se vendrá el momento de empezar a volver al circuito.

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ENTREVISTA

Luciana Segovia

“MI NECESIDAD FUE TRATAR DE DESCUBRIRME” Cronista: Nahuel Perez | Fotos: Gentileza prensa / Jero Rajzak 09 de Mayo

La vocalista de la recientemente separada Cirse estrenó su primer sencillo, marcando los primeros compases de su carrera como solista, a la vez que cerrando un ciclo de década y media de trayectoria.

Con 16 años de trayectoria como vocalista de Cirse, con quien sacó cuatro discos y pisó fuerte en la escena rockera local, Luciana Segovia lanzó el sencillo “Irse” tras siete meses de duelo silencioso. En la búsqueda de la propia voz, del sentido artístico personal, de la experiencia de pintar cuadros musicales con colores propios, la cantante decidió que el éxito que su banda estaba teniendo en su gira por México era una llamada de alerta sobre su vida y el modo de sentir la música.

Desde la redacción de Revista el Bondi conversamos con ella para que nos cuente más detalles de este nuevo proyecto solista y el futuro de su carrera.

-Yo fuí una de las fundadoras de Cirse. Fueron 16 años donde le entregué muchísimo de mí.

Un hermoso trabajo en equipo, donde el resultado final fue eso, un laburo de todos, un mismo cuadro pintado por varios. El resultado final era una idea conjunta, desde el estilo musical, hasta la forma de trabajar. Volver a formar una banda, hubiese sido volver a pintar un mismo cuadro entre muchos. Pero mi necesidad fue tratar de descubrirme, tratar de saber quién soy, hacia dónde quiero ir o que cosas quiero cantar. Es una necesidad que apareció y por más que haya tratado, no pude evitar. Claramente mi felicidad depende de hacer cosas que me hagan feliz.

-¿Por qué elegiste seguir tu carrera como solista y no volver -El título y letra de “Irse” son a integrar una banda, o incluso claros hacia lo pasado, pero sin una banda con la que llevar formarla?

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adelante el proceso creativo, con sus negociaciones, sus tire y afloje, pero también con esa magia de hacer algo desde varios, ¿crees el que ‘ego’ juega un papel más fuerte cuando ese proceso pasa solo por vos?

-El ego es la valoración excesiva de uno mismo. Escuchar a tu propio corazón no tiene que ver con el ego, tiene que ver con la sinceridad y con la valentía.

Eso es crecer. Animarse a soltar para hacer un viaje introspectivo, dejar un proyecto que viene funcionando laboralmente para sentirse mejor espiritualmente, para mí, es crecer. Tarde o temprano, no hacerlo, trae sus consecuencias.

-¿Te llevas bien con el “nuevo modelo” de lanzar singles o sos militante del disco como unidad conceptual?

-Es una idea contradictoria para

mí. Como amante de la música me encantan los discos, soy de la vieja escuela en donde no existían las plataformas digitales y me encantaba coleccionar discos. Pero ahora, como artista, me encanta la idea de ir sacando singles. Yo me identifico más con esta metodología ya que me inspira frescura en el artista. Eso no significa que después pueda juntar todos simples y presentarlos como un disco.

-¿La estética de “Irse” es una nueva piel o una propuesta para esa canción?

-Supongo que a medida que pase el tiempo me voy a ir redescubriendo. Esa fue la intención desde que arranque como solista. Irse es una canción compuesta en el momento de duelo de Cirse, por eso el juego de palabras, que representa un cierre de ciclo. El tempo al igual que la estética fueron elegidos para terminar de cerrar la propuesta de la canción. Seguramente cada canción tenga su estética, su intención, su historia que contar.

-¿Qué proyectos tenés para el 2020 post Covid19?

-Estoy a la expectativa de que va a pasar después de esta cuarentena. Para este 2020 quiero presentarme en vivo, tengo muchas ganas de tocar todas las canciones que tengo guardadas y mostrarlas en vivo. Creo que la segunda mitad del año va a ser caótica con tantos artistas queriendo hacer lo mismo.

Así que, a organizarse y prepararse para cuando llegue el momento.

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ENTREVISTA

Mantra Gris

“EL GRUPO HUMANO SIEMPRE ES UN CONDIMENTO ESPECIAL” Cronista: Augusto Fiamengo | Fotos: Gentileza prensa 10 de Mayo

Revista El Bondi conversó con la banda santafesina Mantra Gris acerca de su disco debut, Trampa Macabra. “El arte no se detiene”, sostienen en tiempos de cuarentena.

“La intención era consolidar nuestras ideas artísticas a través de canciones que estaban en el aire queriendo ser el medio de expresión”, afirma Uriel Gottero (piano y sintetizadores) sobre los orígenes de Mantra Gris. La banda oriunda de la ciudad de San Justo, en la provincia de Santa Fe, nació en 2017 y publicó un primer EP titulado Red Nose. Su sucesor, Trampa Macabra, apunta a consolidar la propuesta musical y estética del grupo, que contó para este trabajo con la participación de un cuarteto de cuerdas y una sección de metales. Revista El Bondi conversó con el músico sobre la grabación del disco, el recorrido de Mantra Gris desde su formación y los próximos pasos de la banda.

-¿Qué nos podés contar acerca del proceso de composición de las canciones?

-La composición es algo que siempre está presente, es una constante. La capacidad creativa y artística nos alimenta como con30

sumidores de arte, y es uno de los pilares que tiene Mantra Gris.

Eso nos permitió en poco tiempo pasar de formar la banda a grabar las primeras tomas de Red Nose y posteriormente el disco Trampa Macabra. El grupo humano siempre es un condimento importante, nos permite llegar de manera más rápida y precisa a concretar ideas, no sólo canciones sino también proyectos reales sobre cómo nos vemos en el futuro y hasta dónde podemos llevar todo lo que tenemos para dar.

mos lograr.

-¿A qué se debió que el grupo grabara el disco en tres estudios diferentes?

-Se dio un poco por la disposición geográfica en la que nos encontramos los integrantes de la banda.

Pero también nos parecía más cómodo hacer algunas cosas en Buenos Aires, otras en la ciudad de Santa fe y en San Justo. Además, decidimos optar por lo que más seguridad nos daba en cuanto a la calidad del resultado que quería-

-¿Qué comentarios recibieron de parte del público de la banda y de los medios de comunicación que escucharon las canciones?

-Hemos recibido buenas críticas, incluidas las que nos demandan alguna mejoría. Siempre nos han remarcado la notoriedad de transmitir musicalmente una forma de arte que no sólo es de buena calidad, sino que trata de llevar al receptor a un punto de sincretismo entre los nuevos sonidos y las

-Han publicado su nuevo trabajo en Youtube y Spotify. ¿Tienen pensado editar el disco en formato físico?

-Tanto Red Nose como Trampa Macabra están en todas las plataformas digitales. Si bien en estos tiempos las formas de difusión son por esas vías, la idea de un disco físico está presente y esas ediciones están en carpeta como proyectos de la banda, junto con sorpresas que estamos terminando de armar.

reminiscencias de un rock argentino más tradicional.

-¿Cómo fue la recepción que tuvieron al presentarse en distintas salas de Buenos Aires?

-Desde un principio la recepción fue muy buena. Fue muy lindo para nosotros ver que el público regresaba al siguiente show y que se sumaba más gente. Nuestro objetivo en cada concierto es que el público se lleve guardado ese momento en la memoria y en la piel.

-¿Cómo les fue con la presentación del disco en Lucille este año?

-Salió todo perfecto. La presentación de·Trampa Macabra fue increíble desde lo sonoro, lo visual y lo sensorial.

Trabajamos mucho para ese show e hicimos un esfuerzo grande en cuanto a los ensayos y la preparación escénica. Pudimos grabar y filmar todo el concierto, así que estén atentos a nuestras redes.

-¿En qué medida los afectó como grupo de trabajo la actual situación de cuarentena?

-Con la cuarentena tuvimos que poner en pausa una gira que teníamos programada en varios puntos de la Argentina y países vecinos. De todas maneras estamos en contacto permanente para reorganizar el proyecto, hacer canciones y armar cosas nuevas. El arte no se detiene.

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ENTREVISTA

Hugo Lobo

“ES MUY INCIERTO EL FUTURO DE LOS MÚSICOS” Cronista: Sergio Visciglia| Fotos: Gentileza prensa 19 de Mayo

El prolífico trompetista nos adentra en sus múltiples actividades: música, deporte, solidaridad y conciencia social. Más allá de la incertidumbre del rubro aclara: “hay cosas más graves con gente que no tiene para comer”.

Una cuarentena bien activa para Hugo Lobo lo encuentra ahora lanzando nuevo simple solista, producto de su último viaje a Reino Unido. “Don’t say away”, clásico de Phyllis Dillon, es el tema elegido en esta ocasión, junto a la voz de Carroll Thompson, quien ya había colaborado con el trompetista en aquel maratónico y brillante Non Stop (2011) de su Dancing Mood.

“Vengo haciendo esta práctica desde 2009, grabando para Dancing y aprovechando mis viajes a tocar de forma solista.

Es una manera de grabar con gente que voy conociendo y con otros con los que ya tengo gran relación, de la vieja y la nueva escuela. Con Carroll tomamos la decisión de hacer un pequeño tributo a Phyllis Dillon, esta es la primera canción que sale”.

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-Desde hace muchos años ya que también conocemos tus propias composiciones, ¿cómo conviven con los clásicos de la música que seguís grabando?

-Desde el principio de mi carrera recreo canciones olvidadas más algunos clásicos. Con el tiempo se fue equiparando la cuestión con los temas propios, fue natural. Desde que empecé a componer nunca paré, estamos empezando a grabar a la distancia el disco de Dancing Mood con temas propios, que por cierto no es algo extraño para mi grabar así ya que lo hice siempre, no es algo nuevo para mí esta metodología obligada de estos tiempos.

tales. Tal vez pueda surgir alguno cantado pero por el momento no.

-¿Cuáles son los ejes que diferencian al proyecto solista de lo que siempre hiciste liderando Dancing Mood?

-Uno es más orquestal y el otro más rústico. La elección de un cover es diferente y la composición también. A Dancing Mood lo veo como una orquesta, como una mini big band, y lo otro es más tradicional. La forma de tocar también cambia, Dancing además se lo puede coquetear con el soul, con el jazz.

-Esta esa cuestión de cantidad de músicos.

El formato y la cantidad nacie-¿Todos temas propios escucha- ron por el trasfondo que tiene remos en lo nuevo de la banda? el proyecto en sí, que es viajar por todo el país con músicos de -Sí, todos propios e instrumen-

cada lugar. Siempre fue menos caótico tener un combo chico, respecto al armado, a ensayar, es más seguro todo. Tiene más que ver con eso, y no con las ganas de estar con menos gente.

De no ser por eso Dancing hubiese viajado por todo el mundo, al menos por Latinoamérica

mucho más de lo que lo hizo. Es uno de los grandes impedimentos, son muchos los costos.

-¿Ese fue el gran freno de la banda en su momento de mayor exposición?

-Eso y la independencia. Para que alguien apueste e invierta

esa cantidad de billetes tiene que tener la certeza de que es un producto que va a explotar.

Al ser independiente, no tener discos editados en el exterior, ni rotación o convenios con multinacionales, para quien tiene que poner guita no es seguro.

-Siempre remarcaste esa elección por convicción de la independencia. ¿Has llegado a planteártelo cuando veías esas trabas que tal vez podían cortar el crecimiento de la banda?

-No, no me lo plantee. Hubo un montón de ofertas hasta que desistieron ante la negativa de siempre, o hasta que yo empecé a tener la oportunidad de decirlo en algunas notas que era por decisión propia. Creo que a la larga para mí fue una gran elección: la banda nunca bajó la cantidad de gente que va a los shows. Conozco un montón de bandas que han viajado, sonado en la tele, llenado lugares grandes y hoy están en la casa hace cinco años mirando la tele, sin actividad, o conoces dos canciones que tuvieron rotación y chau, ya nadie les da más bola.

Dancing creó como un mito, y como te decía antes yo tuve la suerte de viajar por todos lados y es como algo que se espera un montón. Crea como eso casi imposible y esa expectativa que sin querer genera mucha más expectativas. Y repito, es una banda que hace más de quince años que toca todos los fines de semana y lleva mucha gente todos los fines de semana, no conozco una banda de una mul33

tinacional que pueda lograr eso.

-Y tal vez ese sea en su caso el secreto para perdurar.

-Totalmente. No es una estrategia pero evidentemente no es una mala decisión.

Siempre con la música como principal estandarte, Lobo fundó en Atlanta, el club sus amores, la Orquesta Vamos Los Pibes, que desde hace muchos años les brinda un lugar de contención a niños de familias de escasos recursos, y la posibilidad de empezar a jugar con instrumentos musicales dentro de un marco donde lo social es el objetivo mayor. “Es algo que nutre mucho, una de las cosas que más me llena, poder compartir eso, ver el cambio y la evolución de los chicos en cuanto a la música”, se sincera de emoción el músico. “Tener la satisfacción de ver a pibes y pibas que terminan su ciclo en la orquesta por la edad y muchos van eligiendo el camino de la música, entrando a un conservatorio o estudiando su instrumento en profundidad, es hermoso. En Vamos los pibes todo es más didáctico, lúdico, un recreo, un lugar de esparcimiento, que merienden juntos”.

cias al club Atlanta, a mucha gente de la comisión que se copó, estamos llevándole viandas semanalmente a cada una de las familias de los chicos. Por eso entonces la música queda ya en otro plano.

-¿Cómo nació tu gran amor por Atlanta?

-Del lado de la familia de mi vieja. Mi abuelo y toda su familia, todos hinchas de Atlanta. Mi viejo perdió la chance de que me haga de Boca por ser músico y salir de gira cuando yo era chiquito, pero al menos son los mismos colores. Mi abuelo me llevaba a la cancha cuando tenía cuatro meses, era un bebé en un cochecito durmiendo y la gente le decía “¿Que hace acá? ¡Es una locura!” (risas).

Además de su amor por esos colores, Hugo Lobo tiene una rica historia practicando deportes.

Mucho básquet de niño y adolescente (hasta que una agresión a un juez terminó abruptamente su carrera con una suspensión), y el boxeo que ya lo lleva consigo hace doce años.

“Antes de que empiece esto venia entrenando mucho. Entre los 19 y 27 tuve un parate que me hice mierda, cuando dejé de -Resalta más que nada la cues- jugar el básquet. Después agatión social. rre el boxeo y hoy en día entreno -Es lo que es, sin dudas, es más todos los días, incluso ahora en social que musical, pero luego cuarentena. Cada vez cuesta muchos terminan eligiendo ese más arrancar pero una vez que camino y es genial. Ahora estaestoy en el baile es algo que me mos en una situación muy difícil, gusta mucho, trato de tomarlo no pudimos arrancar las clases como una rutina, y me hace seny hay muchos chicos y familias tir bien. El básquet por su parte que están hasta las bolas. Graes una deuda pendiente que ya 34

no tengo con quien jugar”.

-¿Sigue la suspensión?

-No sé, tendría que probar, al menos que me dejen jugar en la Liga de vetaranos (risas).

-Jugaste en muchos clubes.

-Jugué mucho, en Pueyrredón, Deportivo San Andrés, Vecinal de Villa Adelina, 17 de Agosto y terminé mi carrera catastróficamente en Círculo Urquiza.

-Buenos equipos aquellos, eh.

-En San Andrés era todo muy top, mi entrenador era Gonzalo García (reconocido entrenador de Liga Nacional y ayudante muchos años de la Selección Argentina), y el de la primera era León Najnudel (una eminencia, fundador de la Liga Nacional de Básquet). Cuando jugaba en Pueyrredón el clásico era 17 de Agosto y eran batallas campales cada partido, de hecho yo termino mi carrera pegándole a un juez porque para mí era algo normal pegarnos en masa todos los partidos: yo antes iba a un club y terminaba saliendo corriendo mientras te rompían los vidrios del bondi. Mis viejos no iban a verme, les tenía prohibido porque eran batallas campales, una locura. Después cuando pasé a clubes mejores como San Andrés y Urquiza eso ya no pasaba, pero ya venía de la otra escuela y entonces lamentablemente quedaba en evidencia.

-¿Cómo te encuentra a vos esta cotidianeidad de la cuarentena?

-No me agarra de sorpresa por lo que decía antes respecto a la forma de grabar. Sí es extraño no tocar en vivo para mí que estoy acostumbrado a tocar tres veces por semana desde que tengo 15 años. Tengo muchísimas cosas que hacer en lo artístico y lo sigo haciendo, estoy ocupado, una vez por mes sacando un tema nuevo, más el disco de Dancing que se está gestando. Cambió mucho todo y está muy incierto el futuro de los músicos, es una situación extraña. La entrada económica que llega desde tocar en vivo desapareció, y para los músicos que solo nos dedicamos a la música la cosa se complica.

-Esto desnuda muchas cuestiones que suceden en la música desde el plano laboral.

-Sí, y también desnuda mucha hipocresía y mucho oportunismo. Hay músicos que solamente viven de tocar en vivo cuando los contratan, y si eso no pasa no cobran un sorete de SADAIC ni nada, no tiene ningún otro tipo de entrada el músico de profesión. Uno capaz cuando piensa en músicos piensa en Abel Pintos, Diego Torres, gente que tiene un pasar económico muchísimo más duradero y sustentable en este parate, podrían estar varios años así. Hay gente que no tiene casa propia y ahora no tiene para pagar el alquiler, somos un montón de músicos a los que nos pasa eso. Pero por otro lado no estamos en la misma situación que las familias de Vamos los Pibes, gente que no tiene donde vivir, no tiene para comer y tiene que hacer una fila de 200 personas para un plato de sopa. Entonces, viéndolo de esa manera, no hay ninguna desesperación por salir a tocar, al menos de mi parte. Hay cosas mucho más graves, y más allá de que sea nuestra profesión, uno tiene un techo y plato de comida todos los días.

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Tigre Ulli

ENTREVISTA

“ME COSTÓ ASIMILAR EL CRECIMIENTO DE LAS LIGAS MENORES” Cronista: Lucas González | Fotos: Gentileza Prensa 19 de Mayo

Tras alejarse del grupo que co-fundó en 2012, la bajista armó Tigre Ulli y sacó un disco con guiños al indie estadounidense de los 90. “La crisis me ayudó a componer”, afirma.

María “Luli” Zamtlejfer nunca soñó con tener una banda. Tampoco con pegarla, sacar discos, agotar Niceto, tocar en Coachella, girar por Chile, España y México. Mucho menos con ser popular. Pero pasó.

Y pasó muy rápido: “Desde afuera puede que no se haya notado tanto, pero fue todo muy vertiginoso”, reconoce hoy la ex bajista de Las Ligas Menores, el grupo que fundó en 2012 y del cual se retiró, con el anillo de campeonato, en 2019.

-¿Cómo fue el momento en el que se lo comunicaste a tus compañeros?

-Triste, doloroso, pero sigue todo bien.

-¿Se lo esperaban?

-Sí, aunque no es lo mismo suponerlo a que te lo digan.

-¿Por qué te fuiste?

-Pasó de ser un juego, divertido y con cero presión, a algo mucho más profesional. No era la idea.

O por lo menos no lo era al princi36

pio. El crecimiento se dio de forma precipitada. Y me costó asimilarlo, más que a los chicos, que se lo tomaron muy en serio. Eso los ayudó un montón para seguir el ritmo de giras y fechas. Los motivó.

Y yo tenía que decidir, porque no quería complicar la expansión de un proyecto que me encanta y que todavía siento propio.

-¿Cuál era la idea post alejamiento?

-Dedicarme de lleno a la arquitectura. Estudié en la UBA y tengo mi estudio con Nina (Carrara, tecladista de Las Ligas). Es una profesión bastante demandante, que me apasiona. Pero era la fantasía inicial...

-¿Y cómo fue el después?

-Bastante duro.

-Pero si fue tu decisión.

-Por eso, pensé que iba a estar todo bien, que sería un alivio. Y descubrí que no, que nada es tan lineal como parece. Me encontraba

muy angustiada. Pasaba del enojo a la angustia, y de la angustia al enojo.

-¿Te arrepentiste en algún momento?

-Un montón de veces. Creía que me había equivocado y tomado la peor decisión, pero visto a la distancia fue un proceso que al final resultó necesario, más allá de lo malo. Me llevó a cuestionar muchas cosas que daba por seguras.

Alejada de la vorágine que demanda un conjunto en franco ascenso, encontró amparo en una santísima trinidad: ocio, rutina laboral y música. Aunque no puso canciones triste para sentirse mejor, sí invirtió horas componiendo las que, sin saberlo, formarían parte del reciente Tigre Ulli (2020). “Al principio las hacía sólo para mí, y rápido, casi una por día. Las letras empezaron a gustarme. Tenían coherencia con lo que siempre había escrito, pero las sentía distintas, como si fuesen la foto de otro momento”.

Con guiños al indie estadounidense de los 90, el disco también publicado bajo el seudónimo oriental remite a uno de Las Ligas Menores (más al primero que al segundo).

Parece inevitable: ambas partes crecieron con Pavement, Pixies, Galaxie 500 y Luna. Zamtlejfer, de hecho, versiona libremente a Tobin Sprout, ex Guided by Voices, en “Bestia de las almas”. Aclara ella: “Quedó otro tema. No había forma de hacer una traducción literal”.

Tigre Ulli es un quiebre. Un punto de inflexión. Un tour de force melancólico. Una purga sentimental que surge de la incomodidad. La mejor manera que encontró para mutear pensamientos y mitigar la angustia de una separación que no fue tal. Es un proyecto de transición, un álbum de contrapuntos que habla de superar la barrera

de los 30 años y que se construyó sobre la base de melodías luminosas, pero que se cimentó a partir de letras autobiográficas y un tanto nostálgicas. ¿Se puede crear desde la felicidad? ¿O la felicidad se vive? “A mí, por lo menos, la crisis me ayudó a escribir de nuevo, algo que me estaba costando bastante”, responde ella y por si acaso sostiene que sus canciones “son catárticas”, historias mínimas y responsablemente afectivas (“Especial T”) en las que puede homenajear a Mariana Enríquez (“Las cosas que encontramos en el fuego”) y hasta reflexionar acerca de su pasado con el quinteto (“Fotos y videos”).

“No tenía ni idea si alguien lo escucharía, o qué podía llegar a pasar.

Todo se dio sobre la marcha. Igual, eso no quita que esté contenta y

sorprendida con la repercusión, trascendió el círculo de amigos y afectos”, admite Luli (¿o su doppelgänger artístico?), demostrando así que bajar no siempre es lo peor: “Me fui del grupo pensando que lo mío era únicamente la profesión universitaria. Cuando en realidad se trataba de mandatos, de una mochila que debía quitarme. Y fue lo mejor que me pudo haber pasado, porque al final del día confirmé que también quería dedicarme a la música”.

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ENTREVISTA

Inmigrantes

“LA IDEA ES RESPETAR NUESTRA INTUICIÓN” Cronista: Augusto Fiamengo | Fotos: Gentileza Prensa 25 de Mayo

La banda de los hermanos Pablo y Carlos Silberberg regresa con nuevas canciones que serán parte de su próximo trabajo, titulado América.

“En 2018 viajamos a Los Ángeles para reunirnos con nuestro amigo Ettore Grenci y fue muy hermoso volver a trabajar juntos en un estudio después de diez años sin vernos. Parecía que el tiempo no había pasado, la química estaba intacta”, rememora Pablo Silberberg sobre el reencuentro con el productor de Turistas en el paraíso (2007), el primer disco de Inmigrantes. Parte del resultado de esas sesiones vio la luz a comienzos de 2020: “Cenit” y “Propaganda” son las canciones que el dúo eligió para compartir como adelanto de su próximo disco, América, que será lanzado bajo el sello discográfico independiente One Little Blue Records.

Ambos cortes cuentan con sus videoclips y llevaron a Pablo y Carlos a girar por Estados Unidos y México en febrero de este año, completando el grupo con dos refuerzos de lujo: el baterista Víctor Indrizzio (Queens 38

of the Stone Age, Beck, Alanis Morissette) y el bajista Curt Schneider (Joe Bonamassa, Sara Bareilles, Colbie Caillat). “Tocar con ellos fue un lujo mezclado con nervios, se trató de un gran aprendizaje”, afirma Pablo sobre la experiencia.

grabamos las bases en un día con dos de los mejores músicos de Los Ángeles, Víctor Indrizzio y Curt Schneider. El resto lo hicimos en el estudio de Ettore.

-¿Qué temáticas recorren las canciones?

-“Cenit” es un tema en el que conviven el pasado, el presente -Pablo, ¿qué nos podés contar y el futuro. “Propaganda” es una acerca del proceso de comporeflexión sobre el mundo que sición y grabación de los dos nos toca vivir, donde la rutina, nuevos singles? la sobreinformación y las expec-Son canciones que salieron tativas nos depositan en una hace un tiempo. Muchas veces trampa de infelicidad. Nosotros las melodías llegan y perduran proponemos un escape diario en la mente hasta que pueden ser materializadas, y en el medio como parte de esa rutina. van mutando y adaptándose.

-¿Sentís que en estas composiPor algún motivo algunas se olvidan mientras que otras siguen ciones aparecieron elementos nuevos en lo musical que no avanzando, y este es el caso de estaban presentes en otras “Cenit” y “Propaganda”. Nunca las olvidamos, sólo estábamos épocas, o se trata de una continuidad respecto de Turistas en esperando el momento indicael paraíso y el EP Surplus? do, que llegó en 2018. Entramos al estudio sin mucho más -Siempre fuimos haciendo lo que quisimos en cada momento que las canciones en guitarra, y somos muy respetuosos de lo no hubo demos ni maquetas, y

que pinta. No se trata de hacer algo diferente a propósito o porque sí, la idea es respetar nuestra intuición. La continuidad está implícita porque siempre somos los mismos dos tipos que componen, cantan y piensan melodías y letras. Pero musicalmente es un trabajo más ecléctico y tiene algo de todos nuestros discos. Hay una madurez inevitable y trabajar con un productor te ordena las ideas, te ayuda con los caprichos u obsesiones de artista.

-Con la perspectiva que ofrece el paso del tiempo: ¿Qué significó el EP Surplus en la carrera del grupo? ¿Qué representa ese trabajo para ustedes?

-Surplus es combativo en su modo de creación. Pudimos liberarnos de un contrato, encontrarnos con algunos de nuestros miedos y dedicarle un disco a la muerte, el dinero, los sueños, las enfermedades y el amor.

-¿Tenían planeado acompañar ambos temas con videoclips?

-Queremos tratar de acompañar todas las canciones con un video, nos propusimos ese objetivo. En el caso de “Cenit”, la idea surgió de Mariano Dawidson, el director. “Propaganda” incluye imágenes que fuimos tomando de nuestra visita a Los Ángeles y Ciudad de México, ya que encontramos un mensaje en esas imágenes que se conectan con lo que la canción invoca. Ambas ciudades son bien particulares y se ven cosas muy locas, de un contraste realmente cínico.

-¿Qué nos podés contar acerca de ese viaje por México y Estados Unidos?

-Se trató de una gira promocional. Nunca habíamos ido a EE.UU. a tocar e hicimos la presentación de “Cenit” en un estudio mítico de Los Ángeles, The Village. En Ciudad de México tocamos en el Foro Indie, que es una sala muy especial por lo que representa en la escena mexicana de rock.

-Inmigrantes comenzó el 2020 con mucha intensidad, y de repente el COVID-19 alteró los planes de todos. ¿Cómo se encuentran ustedes y cómo llevan adelante esta etapa en el plano musical?

-Estamos preparando el video de nuestro tercer single, que saldrá en unas semanas, y el lanzamiento de América. Aprovechamos también para juntar energía e ir hacia donde nos lleve la música.

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ENTREVISTA

Sergio Marchi

“MIENTRAS MÁS SE PROPAGUE LA OBRA DE SPINETTA, MEJOR SERÁ EL PLANETA” Cronista: Augusto Fiamengo | Fotos: Gentileza Prensa 01 de Junio

El periodista y escritor conversó con Revista El Bondi acerca de Ruido de magia, la biografía oficial de Luis Alberto Spinetta publicada a fines de 2019. “Fue como recibir la 10 de Maradona”, aseguró Marchi en referencia al desafío de escribir sobre el legendario músico fallecido en 2012.

“Lo que son las cosas… Le hice una nota a Spinetta de una hora y media que casi no se usó para televisión, donde Luis repasó su obra con mucha gracia. Esa nota me la guardé”. Sergio Marchi no imaginaba en ese momento que la charla con el músico se convertiría años más tarde en la columna vertebral de Ruido de magia, la biografía oficial de uno de los artistas más trascendentales de nuestro país, publicada en noviembre de 2019 por Grupo Planeta.

La primera edición del libro se agotó, pero el éxito de ventas no sorprendió al periodista y escritor. “Lo esperaba y lo deseaba. Sé que Planeta hizo una tirada muy grande, pero sí me sorprendió que se agotara tan rápido.

Entiendo también que había mucha avidez por una biografía oficial de Luis que abarcara toda su vida”. Marchi reconoce la importancia de algunas trabajos previos relacionados con el músico como “Spinetta: Crónica e iluminaciones”, de Eduardo Berti (en coautoría con Luis) y “Martropía: conversaciones con Spinetta” de Juan Carlos Diez. “Yo me apoyé mucho en esos dos libros”, señala el periodista.

A lo largo de más de tres años y con decenas de entrevistados, Marchi construyó un trabajo minucioso sobre el músico al que vio por primera vez en el programa televisivo “Rock en Teleonce” a comienzos de los años ’70, y por el que desfilaron entre otras bandas Pescado Rabioso e Invisible. Uno de los compilados de música beat que consumía por aquel tiempo lo puso en contacto a temprana edad con “Muchacha (ojos de papel)”, “un tema omnipresente en 1970”, y su bautismo de fuego en vivo llegaría con los míticos conciertos que ofreció Almendra en el Estadio Obras en diciembre de 1979.

Pero el trabajo de Marchi no se agotó con la publicación del libro. Recientemente creó en su perfil de Spotify un playlist con las canciones citadas en Ruido de magia, capítulo por capítulo, “para tener la referencia musical a un click de distancia”.

-¿De qué manera surgió la posibilidad de escribir una biografía sobre Spinetta?

-El libro surge en parte porque Dhani Ferrón (músico y amigo de Spinetta) me llamó en 2010 o 2011 para 40

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contarme que Luis llevaba el libro de Pappo que yo le regalé (Pappo.

El Hombre Suburbano. Planeta, 2011) y se cagaban de risa con algunas anécdotas que aparecen allí. Entonces pensé: “Bueno, si a Luis le gustó, en una de ésas, quién te dice…”. La primera vez que lo entrevisté fue en 1983, cuando estaba promocionando el disco Mondo di Cromo, y siempre tuve muy buena relación con el Flaco.

Pero proponerle hacer un libro sobre él era como pedirle la mano (risas). Poco tiempo después me enteré por distintas vías lo que estaba pasando con su salud, y la noticia de su muerte me agarró completamente desprevenido, fue devastadora. Se trató de un golpe muy duro tanto para mí como para todos los que estamos en esto.

El proyecto del libro durmió una larga siesta, hasta que un día me despertó y dije: “Tendría que hacer algo, tendría que hacer algo…”.

A través de un amigo me contacté con su hija, Catarina Spinetta, nos juntamos y charlamos sobre la propuesta. Ella lo conversó con sus hermanos y con su mamá, Patricia Salazar, y me comunicó: “Ya es hora de que papá tenga una biografía oficial”.

-¿Cómo fue la elección del título del libro?

-Yo tomé tres decisiones. La primera fue hacer el libro. En segundo lugar, tenía que contar con la participación de la familia, porque de otro modo el espíritu de Spinetta no iba a estar presente en este trabajo. La tercera fue el título, Ruido de magia (N.de la R.: Nombre de la canción incluida en El Jardín De Los Presentes, 1976, el tercer disco de Invisible). Fue el primero que se me ocurrió, pero decidí no quedarme con la primera idea ya que Luis 42

tiene miles y miles de títulos. El libro se iba a llamar de otra manera, pero al final, cuando fuimos a la casa de Luis en la calle Iberá a ver el tema de las fotos con Cata y Patricia, Cata me dijo: “Sergio, no me gusta el título, es muy largo”.

Entonces le mandé una lista donde estaba Ruido de Magia en primer lugar, y le gustó.

-Contar con la autorización y la colaboración de la familia del protagonista del libro, ¿condiciona en algún punto?

-La verdad es que laburé muy bien con la familia de Luis. No existieron condicionamientos, pero ciertas cosas teníamos que conversarlas.

Por ejemplo, la lista de invitados para participar del libro. Al comienzo teníamos una lista inmensa y Cata me dijo: “Sergio, no vas a poder. Son muchos”. Consulté varias cosas con ella en el medio, porque tiene una mirada muy piola y directa, un poco como la que tenía Luis pero sin tanta poesía. Cata, Patricia y Ana (hermana mayor de Spinetta) fueron los puntales. Las charlas con Ana y Gustavo -hermano menor de Luis- fueron de un nivel de emoción tremendo. Pero nadie me pidió “no digas esto, o no digas lo otro”, porque la verdad es que no hay mucho que ocultar en Luis Alberto, es bastante transparente.

Por supuesto que existieron decisiones que tomé solo y después le consulté a la familia, porque siempre es bueno conversar con Cata o Patri.

-¿Cuáles fueron las principales sensaciones que te acompañaron a lo largo del trabajo?

-El laburo fue enorme y difícil, hubo gente que no quiso hablar o quienes al comienzo fueron remisos a hacerlo. Tuve que hacer

mucha investigación periodística porque ciertas cosas no estaban documentadas. Determinados momentos fueron epifánicos y en otros pensé que no iba a poder completar todo el plan de entrevistas. Cuando hacés una obra de estas características, el laburo es titánico y llega un momento en donde experimentás una fatiga.

Con el libro de Pappo me pasó algo parecido, en un momento determinado dejé el trabajo porque me pareció que era demasiado. Otro momento difícil llegó en el último tramo del libro. Vos sabés el final, Luis se muere y lo que menos querés es que se muera de vuelta cuando estás escribiendo. Pero finalmente todo fluyó, salió bien y se lo atribuyo a Luis. Él me dio una mano sin que yo lo supiera. Estoy orgulloso y contentísimo del libro.

-Investigaste y escribiste sobre las vidas de Charly García, Pappo y Spinetta. Son artistas con fuertes personalidades, que se cruzaron en diferentes momentos de sus vidas.

-Ellos se encuentran todo el tiempo, en distintas situaciones y con distintas modalidades. Luis y Pappo eran amigotes a finales de los ‘60 y comienzos de los ‘70. Al ver tocar a Pappo, Spinetta se animó a hacer solos de guitarra y hay muchos yeites de Luis que tienen la influencia del Carpo, pero que el Flaco hace a su manera, como siempre hizo todo. Después se distancian un poco, pero siempre hubo una onda entre ellos. Luis y Charly ya fueron otra cosa, porque en un momento determinado eran como Boca y River, y finalmente se juntaron para demostrar que el rock no tiene nada que ver con el espíritu del fútbol, que no hay rivalidades de ese tipo. Intentaron hacer un disco

juntos, pero en ese momento no se podía por cómo estaba Charly.

Y entre Charly y Pappo siempre hubo como una especie de distancia, pero hacia el final de la vida del Carpo se encontraron y cuando le regalé el libro que escribí sobre García (No digas nada: Una vida de Charly García, 1997), me dijo: “Con Charly está todo bien”. En algún punto el rock es como una hermandad.

haber acompañado a mucha gente durante la cuarentena y hacerle un poco más llevadera esta etapa tan difícil, y por otro lado, haber acercado a muchas personas a Spinetta. Es gente que por ahí se compró el libro porque nunca lo entendió y quiso entenderlo, o tuvo ganas de acercarse a su mundo. Mientras más se propague la obra de Spinetta, mejor va a ser el planeta. Ruido de magia es mi granito de arena.

-A lo largo del libro queda de manifiesto la obsesión de Spinetta por no repetirse y lograr que cada disco se desmarcara de los anteriores.

-Todo artista tiene la tozudez de querer ir hacia adelante. En Luis, ese rasgo era casi patológico, lo llevó al extremo: “Hice un disco ‘así’, y ahora el otro tiene que ser totalmente distinto”. Te diría que la banda más armónica de todas, la que tuvo una curva más elegante de evolución, fue Invisible. Porque en Almendra, Pescado Rabioso, Spinetta Jade e incluso en Los Socios del Desierto está más presente ese estilo rupturista. Luis sentía algo de culpa, al estilo “No le puedo dar a la gente un disco que sea igual al anterior, porque me estoy repitiendo”. Tenía una integridad como artista…

-A través de tus redes sociales, unos días después de la salida del libro hiciste una mención especial a León Gieco. ¿Qué importancia tuvo durante el trabajo con Ruido de magia?

-En su momento, cuando me cansé del libro de Pappo, Spinetta me hizo recuperar el entusiasmo con una entrevista que hicimos. Lo mismo sucedió con León en este caso. Yo sabía que él iba a hablar, pero además tuvo un hermoso gesto conmigo. Me dijo: “Te paso a buscar, vamos a comer y charlamos”. Me llevó al lugar donde arrojaron las cenizas de Luis, al lado del Parque de la Memoria. Después fuimos a comer y conversamos sobre el Flaco, Charly y su propia vida. Estuvimos juntos como cuatro o cinco horas y finalmente me trajo de vuelta a casa. ¡Y es León Gieco, el tipo que yo escuchaba cuando era un pibe! Me cargó de entusiasmo para acometer la segunda mitad de las entrevistas, que fue lo más difícil del libro. En ese momento me cambió el tanque de oxígeno. Después vino a la presentación y estuvo muy amable con todos. Para mí es un lujo tener cerca a León.

-¿Qué comentarios recogiste de aquellas personas que leyeron Ruido de magia?

-Leo los comentarios de todos los lectores y noto en ellos mucha emoción, agradecimiento y cariño hacia Luis. Leo todo y cada cosa te pega de una manera distinta.

Vi también cierta mala leche de algún lado. Pero en definitiva estoy muy contento con este libro, las devoluciones son muy lindas. Me alegran dos cosas: por un lado,

que los medios bautizaron como “rock barrial”. ¿Cómo se llevaba el Flaco con las novedades de aquella época? ¿Les prestaba atención?

-Me parece que Spinetta estaba al tanto, pero no se identificaba mucho. Uno vez Ciro Martínez me dijo que se encontró con él y Luis le tiró muy buena onda. Después, sin querer, le hice de puente con La Renga. Spinetta habla sobre La Renga en mi libro El Rock Perdido (El Rock Perdido, De los Hippies a la Cultura Chabona, 2005), donde rescata a la banda y creo que también menciona a Los Piojos.

Un tiempo más tarde me llegó un mensaje del grupo en el que estaban muy contentos de que Luis los hubiera mencionado y se ilusionaban con la posibilidad de juntarse a zapar con él. Es una pena que eso no haya sucedido. Pero el Flaco veía cosas que se deberían haber detenido mucho tiempo antes, relacionadas con el bardo que hacía la gente en aquél momento: la violencia en los shows, el reviente, el mamarse e ir con el espíritu de un barrabrava a ver un recital de rock.

-¿Quiénes notás que en la actualidad, de una manera u otra, empuñan la antorcha de Spinetta?

-Veo a muchos que tienen cositas de Spinetta. Pero por momentos no sabés si son de él, o son de Cerati, y me parece que eso es lo bueno. Para mí la mejor manera de empuñar la antorcha de Spinetta es llevar la de uno mismo, tener la propia. Creo que el tipo que continúa un poco el legado de los grandes es Lisando Aristimuño.

-En los ‘90 hubo una renovación en la escena del rock argentino.

Por ejemplo, la aparición de lo 43

ENTREVISTA

José Unidos

“LA MAYOR PARTE DE NUESTRA ENERGÍA VA A LA COMPOSICIÓN Y PRODUCCIÓN” Cronista: Nahuel Perez | Fotos: Gentileza prensa 10 de Junio

El trio porteño lanzó 5 apostándole al vinilo, con un disco que parece compuesto como banda sonora de Buenos Aires 2020.

“El fruto cae maduro” promete en su letra ‘El árbol de pera‘, primera canción de 5, el quinto álbum de José Unidos, cuyo nombre que no denomina a una persona sino a tres -Lucas Colonna en guitarras y voz, Matías Bollinger en bajo y Tomás Molina Lera en baterías- a su vez representa el aporte musical de muchos más. Una obra de madurez sonora, de búsqueda, que llega en un momento en que la música -en casa- adquiere un nuevo valor nostálgico que coincide con el espíritu de esta obra.

Mientras la música de otros busca colarse en las casas con “vivos” a la distancia y recitales online, Lucas Colonna, capitán sonoro de esta experiencia, conversó con Revista el bondi y ya está pensando en su próxima visita al estudio.

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-¿Lanzaron 5 “a pesar” de no poderlo interpretar en vivo hoy por hoy, o fue una manera de responderle a la situación actual por parte de ustedes?

-En realidad, el disco estaba listo y quisimos sacarlo, el contexto vino después de esa decisión.

Igual, siendo sinceros, somos medio erráticos con los vivos.

Tocamos tres o cuatro veces en el año en vivo. La mayor parte de nuestra energía va a la composición y producción. Nos gusta más grabar que otra cosa... quizás, después de todo, este sea un contexto no tan extraño para un disco como 5...

visceral. La orquestación fue pensada y creada de una forma muy intuitiva, por lo tanto, esos elementos pueden ser resignificados con otros algo más rústicos, que tenemos más a mano...

Ahora que lo pienso, espero que estemos a la altura de las circunstancias (risas).

-Como artistas, ¿sienten que el actual estado de “distanciamiento social” del mundo dejará secuelas permanentes en la cultura de la “música en vivo” o algún día cercano será un recuerdo distante y nada más?

-No sé si tenemos el privilegio de llamarnos “artistas” a noso-El trabajo de orquestación de tros mismos, pero asumiendo 5 lleva a preguntar cómo serán que tenemos algo para decir al respecto, diría que esperamos, las versiones en vivo... al igual que el resto de la huma-Es una buena pregunta... pero nidad, que esto termine y sea supongo que serán versiones apoyadas en el lado más crudo, un recuerdo en todos los ámbiy rural-punkie que tiene 5, y que tos de la vida pública, incluido el de la música... hace de las canciones algo más

-A muchos músicos no le gustan las etiquetas, pero cuando ganan cierta notoriedad, las reciben de todas maneras. ¿Tiene sentido para ustedes que se los “etiquete” de “indie post-punk” cuando se los menciona en las distintas notas de prensa?

-No sé, es uno de esos dilemas de todo nuestro sistema de vida, porque en verdad ponemos y recibimos etiquetas todos, todo el tiempo, y a todo. Mejor que cada uno decida si somos un género en particular, o la mutación de varios géneros. Está todo ok con todo, salvo algunas etiquetas que no vale la pena mencionar -rie- y que seguro rechazaríamos de plano.

-¿Qué planes tienen como banda para cuando se puedan hacer presentaciones en vivo, viajar, reunirse, etc en este 2020?

-Irnos a Mallín Ahogado a grabar el sexto disco.

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ENTREVISTA

María Campos

“HACER CANCIONES ES UN DIÁLOGO CON UNO MISMO DENTRO DEL ALMA” Cronista: Juani Lo Re | Fotos: Gentileza Prensa 11 de Junio

La cantante conversó con Revista El Bondi acerca de su nuevo single, su forma de componer, de como fue cantar con Fito Páez y trabajar Adrián Suar el año pasado.

“Fueron dos sueños”, afirma.

Una pandemia mundial frenó lo que significaba un ascenso meteórico en la carrera de María Campos. Tras sacar su primer disco Popular (2018), en 2019 cantó con Fito Páez, trabajó con Adrián Suar y filmó un videoclip junto al influencer Martín Cirio “La Faraona”. Ahora lanzó “Corazón Verde”, parte de un segundo disco que terminó de grabar justo antes de la cuarentena e iba a presentar en el Teatro Ópera.

pareciera que tu próximo disco va a seguir el estilo arrabalero del primero, ¿es así o nos vamos a encontrar con otros sonidos?

-Va a ser similar pero más power. Es más jugado. Desde los ritmos hasta las letras. Rapeo un poco. De repente quise cantar más rápido pero también volver a melodías más clásicas. Estoy escuchando rap por primera vez en mi vida así que algo de eso entró un poco.

-Tu single “Corazón Verde” salió hace apenas un mes y tiene muchísimas reproducciones en Spotify y YouTube, ¿esperabas esa repercusión?

-¡No! ¡Fue una sorpresa gigante! Una nunca adivina cuanto puede empatizar los demás con un sentimiento propio. Fue una linda sorpresa.

-¿De dónde surge tu acercamiento al tango y la milonga?

-En lo de mi abuela se escuchaba a Carlos Gardel, aunque la verdad es que me lo pasó mi profesora de muchos años Josi Garcia. Me enseñó a cantar con tangos y no se equivocó. Fue muy duro.

-Por el tema que adelantaste, 46

-Hay mucho humor e ironía en las letras de tu primer disco Po-

pular, ¿es un estilo que buscás? ¿Forma parte de tu personalidad?

-Si, forman parte de mi personalidad. Y cada vez estoy peor. O mejor. No lo sé. Pero si, la ironía y cierto leve sadismo me acompañan y los quiero cerca, por ahora los necesito. Sobrevivo así. ¡Si no, no se puede!

-Una vez contaste que mucha gente piensa que la canción “Salí Adelante” la compusiste tras una relación fallida, y sin embargo te la escribiste a vos misma, ¿cómo te sentías en ese momento?

-Estaba y estuve muchos años deprimida, con trastornos de ansiedad. Pedí ayuda y después de muchos años salí adelante.

El enemigo, el que te lastima, no siempre tenés la suerte de que sea un otro. En este caso era yo misma. Tuve que curar una herida, un vacío infinito

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durante muchos años, el cual a veces entiendo y a veces todavía no. Pero aunque tropiece sigo, porque creo y quiero.

-En entrevistas pasadas hablaste mucho sobre “aprender a quererse uno mismo”, ¿hacer canciones te ayuda a aprender a quererse?

-Sí. Para empezar es un diálogo con uno mismo adentro del alma. Los demás son extras. La historia es una anécdota. Lo que se juega en una canción es el amor propio y desde donde te parás a transitar una herida, un temor o al simple amor.

-En tus canciones narrás historias de desamor que le pueden pasar a cualquiera, ¿se te acercan a contarte vivencias personales que sean parecidas a las tuyas?

-Me escriben muchas mujeres y hombres por Instagram. Me cuentan que se han sentido contenidos con mi música.

Contribuir en los demás como la música contribuyó en mí me llena de felicidad.

-El 2019 fue vertiginoso para vos. Cantaste con Fito Páez y apareciste en una serie de Adrián Suar, ¿Cómo viviste esas dos experiencias?

-Dos sueñazos. No tengo palabras para describir lo de Fito.

Fue de otra dimensión. Me rompió la cabeza en mil pedazos. No entiendo cómo se animó a subirme básicamente ante 25.000 personas a cantar con su piano “La Despedida”. Entiendo que es un hombre brillante y 48

talentoso, pero la apuesta conmigo fue feroz. No podía fallarle.

Me abrió el alma de par en par esa noche. Esa noche cambio mi vida. Cambiaron los colores de mis emociones. Fue mágico.

-¿Cómo fue el momento que Fito Páez te contactó para cantar con él?

-Me llamó después de muchos años y me lo propuso. Dije que sí, como quien dice de salir a almorzar y cuando corté no sabía si reírme, llorar, cortarme las venas o qué.

-¿Por qué cantaste “La Despedida”?

-Fue decisión de él. Ama esa canción, hace mucho que no la cantaba y quería que yo lo haga.

Es una canción bastante difícil.

Es muy grave, y muy aguda, y la letra es una delicia tan profunda...

-¿Y trabajar con Adrián Suar?

-Lo de la novela también fue un sueño cumplido. Siempre soñé en poner un tema para una tira de Suar. ¡Desde el colegio!

(NdeR: compuso la cortina musical de la tira “Separadas”).

-También participaste de un videoclip con Martín Cirio “La Faraona”, cantando “La Mariposa”. ¿Cómo se dio ese encuentro?

-Lo fui a ver a un show con un amigo. Fue amor a primera vista. Lo fui a saludar al camarín, y le dije que estaba por hacer un videoclip de un tema “Popular”, que quería que esté y me dijo

que sí. No me lo esperaba porque es muy famoso y labura mucho. Me morí de amor. Después de un show en La Trastienda lo invite a cantar “La Mariposa”.

Así que después la grabamos, y el mismo día de la grabación hicimos un video. Fue muy divertido. A él le fascina cantar. ¡Ahora va a sacar su propio disco!

-En una entrevista contaste que hay varias canciones que llevabas con vos hacía casi 10 años, sin embargo grabaste tu primer disco a los 35. ¿Cuál fue el momento bisagra en el que decidiste grabarlas?

-Apareció un productor serio y me animé. Si no me hubiese animado estaría muy mal o muerta.

Bajo la presión de saber que era el último tren. Uno no sabe cuándo llega.

ENTREVISTA

Pasado Verde

AHORA DIOS ATIENDE EN MENDOZA Cronista: Lucas González | Fotos: Gentileza Prensa 24 de Junio

Declaración de principios, lo primero que el grupo cuyano edita en cuatro años, es uno de los álbumes más finos de la cosecha 2020 y un material de consolidación. “Entendimos que, si bien todo se concentra en Buenos Aires, hay otras alternativas”, asegura el cantante Exequiel Stocco.

Lo nuevo de Pasado Verde confirma que Dios está en todas partes, pero que ahora también abrió una de sus oficina en Mendoza. Grabado a fines de 2019 y publicado recién el 14 de febrero, Declaración de principios es a esta altura uno de los discos más interesantes del año y una de las últimas producciones locales en editarse previo a la cuarentena, a los permisos de circulación y al aislamiento social, preventivo y obligatorio.

“Salir de la rutina (ensayar, tocar, reunirte) te cambia la perspectiva y los objetivos.

Falta la zanahoria que te haga avanzar”, comenta del otro lado de la línea el cantante y guitarrista Exequiel Stocco sobre una situación que lo encuentra poniéndose al día con algunas lecturas. Visto con los ojos de la

nueva normalidad, el reciente material se registró en condiciones que hoy serían impensadas: con el quinteto trasladándose a Villa Mercedes, Salta, e instalándose durante una semana en el hospedaje que posee la Casa de la Música.

Dicho esto: ¿Declaración de principios es el Exile on Main St. del rock mendocino? En esencia, la experiencia de los cuyanos poco tuvo que ver con la de los Rolling Stones en Francia a comienzos de los ‘70. “Nosotros nos levantábamos a las ocho y media, desayunábamos y arrancábamos. Terminábamos a las siete de la tarde y al otro día lo mismo. Sólo respirábamos música”, detalla Stocco y cuenta que, lejos de miles de euros que pagaba semanalmente Keith Richards por el alquiler de la

Villa Nellcôte, ellos consiguieron el estudio puntano a un precio mucho más accesible.

Aunque rehúsan de las etiquetas, lo cierto es que el cuarto trabajo de Pasado Verde navega en aguas musicalmente conocidas (hay un poco de punk melódico, otro tanto de rock alternativo y pequeñas dosis de hardcore), pero se despega de sus antecesores principalmente por la forma en la que están reguladas las intensidades. El álbum explota sólo cuando es necesario. O, parafraseando a Stocco en “Prender fuego el mar”, no desespera a la espera del momento.

Aclara Exequiel: “Supongo que tiene que ver con cierta madurez y no querer largar todo de una.

Básicamente, intentamos no 49

pero sí, soy yo solo”) ratifica que la eclecticidad sonora tiene su correlato en las letras. Letras que por otro lado presentan a un autor sintético (“Tu visita inesperada, y mi casa tan desordenada”), pero detallista (“Tu cara brilla en la oscuridad, lo descubrí mientras dormías”).

“Las canciones están cerca de la emoción, del temor a la pérdida, pero con una visión esperanzadora, de avanzar. Las utilicé como terapia. Necesitaba El responsable del proyecto superar determinadas pérdidas unipersonal Dos aviones se emocionales, personas que se estrellaron (“no lleva mi nombre alejaron o de las que tomé dispor una barrera de protección, tancia”. aburrirnos, sumar algunas texturas que, por prejuicios, creíamos no eran parte de nuestro repertorio, como las guitarras acústicas y las programaciones”.

Por caso, “Tiempo y soledad” arranca con un ritmo de batería mecánico que nunca habían utilizado. Como contrapartida, “Postal”, donde colabora parte de Mi Amigo Invencible, es “súper despojado y con muy pocas capas sonoras”.

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-Entonces, ¿es casualidad que haya una canción de Fuego y Flora (2016) que se llame “Lo difícil es olvidar” y que “Tiempo y Soledad”, del último álbum, incluya la frase “lo difícil siempre es olvidar”?

-No, es una causualidad (risas).

Es parte de una costumbre, incluir frases de otros temas para relacionar distintos momentos. Hago lo mismo en “Retirada”, también de Fuego y Flora, donde canto una estrofa de “Superhéroes”, que está en Fuimos y Seremos (2011). Es como un Dark (la serie), pero de canciones.

-Siendo que sos el compositor e intérprete, ¿la banda también tiene que compartir el mensaje que cantás o no necesariamente?

-El grupo tiene que sentirlo propio, identificarse con lo que está pasando. Si les llega y les gusta, le doy para adelante. Cuando es demasiado propio o no se justifica ni es necesario que mis compañeros se hagan cargo de lo que digo, queda afuera o lo saco por mi cuenta.

Formados en la escuela melódica de Cadena Perpetua, curtidos en la filosofía DIY de Fun People y criados a la par de La Skandalosa Tripulación, los integrantes de Pasado Verde van camino a su decimocuarto año de actividad. A diferencia de los Invencibles, también contemporáneos, optaron por hacer base en Mendoza, relegando así varias temporadas de posible proyección nacional, pero afianzando la relación con el público local.

-¿Cuál es tu relación con la obra de Julio Cortázar? Lo sampleaste en “La soledad y los amigos”, de tu proyecto solista, y “La costumbre”, que abre Declaración de principios, incluye una frase teñida del realismo mágico: “Quise verte de cerca y me perdí, no hace falta decirte lo que vi”.

-Me gusta, lo leí, pero mis preferidos son otros. Mi relación con la literatura es más general (leo mucho, marco frases, señalo páginas, capítulos) y a veces encuentro frases o situaciones que terminan de compensar una idea o un sentimiento que quiero mostrar. Por ejemplo, “Gracias por el fuego”, la que cierra Declaración de principios, es por el libro homónimo de Mario Benedetti (también agrega uno de sus diálogos: “es magnífico aprender de quien no sabe”).

Pasa lo mismo con “Siento al revés” -otra de las nuevas- y la frase “lo difícil es el miedo del otro”, que es una cita de Plata quemada, de Ricardo Piglia.

A punto tal que, gracias al hitero Fuego y Flora (“El monstruo”, “El plan”, “Aquí vamos”, “Vamos bien”), hace tres años fueron el conjunto más reproducido por lxs mendocinxs en Spotify y en 2019 se presentaron ante 20 mil espectadores en la Fiesta Nacional de la Vendimia. En el medio, cambió la formación, viajaron, convivieron, consolidaron un equipo de laburo y concretaron el sueño de la sala ensayo propia.

samos un montón sobre cómo seguir y entendimos que, si bien es donde todo se concentra, hay alternativas. Igualmente, hay que ir y vivir la experiencia, pero no sentirse mal si uno no lleva gente. Los tiempos y las formas son diferentes, ya no alcanza con tener un vivo atractivo o un buen disco. Hay que saber moverse entre tanta oferta.

-Por otro lado, y para ser sinceros, son muy pocas las bandas dentro del “manso indie” que agotan salas en Buenos Aires.

-Tampoco esperamos llevar gente por estar dentro de un rótulo o de una movida. No sería correcto ni justo pretenderlo.

Aparte, uno también le debe mucho a ese boom: además de visibilizar la provincia e impulsar a que los pibes hicieran música, hubo medios locales que recién se enteraron de todo lo que pasaba gracias a que explotó en Buenos Aires.

-Después de todo ésto, ¿cuál es la meta con Declaración de principios?

-Despegar. Viajar más a Santiago de Chile, Córdoba y al sur del país. O al norte, donde hay una movida relativamente nueva con respecto al indie -¿Y Buenos Aires?

-Es una materia pendiente, siempre nos costó un montón.

No es que Mendoza esté en medio de la nada, pero Buenos Aires es una jungla, un lugar muy grande y complicado. Conver51

ENTREVISTA

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ENCONTRÉ UNA VOZ QUE ME GUSTA Y ME REPRESENTA

Lucía Tacchetti

Cronista: Lucas González| Fotos: Anabella Reggiani 30 de Junio

Luego del disruptivo Vol.3D (2018), la bahiense prepara un disco de pop más minimalista.

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Más allá de mirar Netflix en continuado y loopear a los españoles Cupido y C. Tangana, la cuarentena de Lucía Tacchetti pareciera ser bastante más productiva que el promedio. Desde el inicio del aislamiento, la bahiense integró la grilla de un festival trasatlántico, versionó a El mató a un policía motorizado y remixó a la chilena Javiera Mena. “Los primeros días estaba abrumada con todo lo que pasaba a nivel mundial. La gente moría y yo pensaba: ‘¿es momento de sacar música?’”. Superadas las contradicciones internas, se sumergió de lleno en la nueva normalidad. Es decir, Instagram Live y los eventos virtuales.

La también productora autodidacta recuerda: “Al principio tuve uno o dos por semana y siempre trataba de hacer algo diferente”. Así afloró la idea de interpretar “El Magnetismo”, estandarte del grupo que lidera Santiago Barrionuevo, en el Cuarentena Fest a fines de marzo.

El trip la obligó a ensayar varias canciones de los platenses, aunque sólo sintió un approach con esta última. “La toqué y a la gente le gustó. No planeaba subirla a Spotify, fue muy orgánico”.

El tema en cuestión, compuesto por “El Chango” y editado originalmente en La Dinastía Scorpio (2012), bordea los dos minutos de duración, tiene una producción despojada y un puñado de versos que en retrospectiva lucen premonitorios (“en este mundo peligroso tenemos que estar juntos”). “La letra tomó otro significado, uno increíble. Es un himno”, se entusiasma Lucía, que para la relectura sumó sintetizadores (Blofeld, Roland JDX, Nord), una máquina de ritmo y pedales de efecto para las 54

voces. Un trabajo de laboratorio que no opaca la calidez del texto.

La experiencia con Javiera Mena fue diametralmente opuesta, dado que la artista trasandina -referente actual del electro pop- ofició como impulsora de un happening sónico: “Me enteré por Instagram que subió a una página todos los tracks por separado de ‘Flashback’.

Había una semana para mandarlo, así que le metí. Soy muy fanática”.

Además de Tacchetti, que por estas horas define los detalles de su cuarto álbum de estudio, el EP de remixes incluye colaboraciones de Human Fader, Collrbone, Fernanda Arrau. Con la vida suspendida, Mena presentó las intervenciones en una fiesta a través de la plataforma Zoom. “Pude conocerla virtualmente y deseo que podamos hacer algo juntas. Sería un sueño”.

-Teniendo en cuenta que la canción de Javiera se mueve en un registro similar al tuyo, ¿cómo la trabajaste?

-Intenté darle un giro diferente, generar otro clima. Ya que es súper bailable y alegre, le bajé los bpm (beats per minute) para hacerla más suave, cambié muchos de los bajos, jugué con las voces y metí algunos coros más graves.

contexto?

-Te dan ganas, aunque tenés las emociones un poco raras. Hoy me resultaría complicado, porque la pandemia me encontró con un disco “casi” terminado, al que dediqué todo el verano y buena parte de 2019.

-¿Qué significa “casi” terminado?

-Que está masterizado, pero tengo la sensación de que puedo darle un toque más, cambiar detalles que no cuadran. Quedó súper lindo, y puede estar mucho mejor.

Pasa que lo hicimos (con el productor Juan Stewart) muy rápido, porque íbamos a presentarlo en el Lollapalooza.

-¿Saldrá este año?

-Sí. Dudamos y al final nos dimos cuenta de que estaba bueno mostrarlo. Saldrá, más pausado, pero saldrá. Tendrá un feat local y dos internacionales (España y México) y habrá un nuevo simple el 10 de julio.

-Después de Feriado (2015) y Degradé (2017), registros de corte folk e influenciados por la figura de Julieta Venegas, hiciste un upgrade con Vol.3D (2018) e incursionaste en terrenos inexplorados. ¿Por qué?

-Era algo que tenía adentro y nece-Tras 100 días de confinamiento, sitaba expulsar. Y si bien me cuesta ¿desarrollaste una inmunidad a definirme o encasillar lo que hago, las fluctuaciones emocionales? hoy me paro en la vereda del -Es todo muy cíclico. Hay momenelectro pop, porque me sirve para tos en los que me levanto angustia- ordenarme y tener un eje. Igualda, y otros en los que estoy súper mente, siempre investigo, busco activa. Trato de seguir adelante y cambio de estilos. De hecho, lo y no quedarme bastante tiempo que viene es un disco de pop más quieta, para no bajonearse. Si esto minimalista. sigue así no descarto sacar otro disco (risas).

-¿Y cómo atravesaste el proceso de deconstrucción sonora?

-¿Es posible componer en este -Lo sufrí y después me amigué.

Ya es una parte más de mi carrera. Entendí que lo importante es sentir orgullo por lo que se está haciendo y defenderlo con ganas.

-“Hoy desperté” (“Todo se derrumbó y no pienso como vos”), “Mandamiento” (“No busques en el otro tu propia belleza”) y “Gritan fuerte” (“La libertad te salva”) confirman que el quiebre también fue discursivo. ¿Lo sentís así?

-Totalmente. Tiene que ver con cierta madurez, con el paso de los años, con las cosas que viví, con habermela pegado en la pera, con querer buscar otro impacto desde las letras. Siendo bastante suave, porque no soy combativa, ahora hablo de temáticas de las que antes no me animaba. Encontré una voz que me gusta y representa.

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contacto@elbondi.com Dirección General: Anabella Reggiani Jefes de Redacción: Pablo Andisco y Sergio Visciglia Directora de Fotografía: Bárbara Sardi Edición General: Fernando Villarroel Redes: Daniel Prieto y Juani Lo Re COLABORARON EN ESTE NÚMERO: FOTOGRAFÍA DE TAPA: Lucía Tacchetti por Anabella Reggiani CRONISTAS Anabella Reggiani, Augusto Fiamengo, Lucas González, Maia Kisz, Maximiliano Novelli Frutos, Nahuel Perez, Sergio Visciglia y Pablo Andisco.

FOTOGRAFXS Anabella Reggiani

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