Contenido
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EDITORIAL
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ENSAYO Valoraciones
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CRÍTICAS Ghost in the Shell El Viajante Yo no soy Madame Bovary La Bella y la Bestia Logan Gold Kong: La Isla Calavera El Fundador Bajo la arena
LISTA Un repaso a algunas de las películas sobre robots, androides o cyborgs, por el estreno de Ghost in the Shell
EN CORTO Wednesday with Goddard
Editorial
Editorial Ya nos hemos pronunciado en anteriores ocasionas, pero lo haremos siempre que sea necesario: no podrán censurarnos. Ningún tipo de humor es delito, por muy malo que sea, y desde luego esta caza de brujas McCarthista está fuera de lugar y no debe amedrentarnos. Hace tiempo, cuando la cara visible de la crítica cinematográfica del diario El País era Ángel Fernández Santos, y El País el diario de referencia de la sociedad española, las distribuidoras estadounidenses llamaron a capítulo al director del medio. Este se presentó a una reunión ante los 20th Century Fox, Universal, Paramount, etc., que le pedían la cabeza del crítico por las malas críticas que realizaba de algunas de sus películas hollywoodienses. Desde El País se negaron en redondo. Tenían lectores y no necesitaban capitular para mantenerse. Ahora el cuento sería muy distinto, creemos. Son tiempos difíciles para expresarse libremente, sobre todo si es contra determinadas posturas reaccionarias o deliberadamente fascistas que desgraciadamente consiguen eco en la
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magistratura. Estamos en una situación donde la gente se empieza a aplicar censura previa para no meterse en problemas. Contra esto nos rebelamos. Queremos criticar las películas de Marvel, las de algunos popes del cine que a veces sacan una película que no alcanza los mínimos. Queremos, incluso que la gente pueda insultar a Tarkovsky libremente. Aunque no prometemos que entonces entre en juego la justicia extrajudicial y alguno de nuestros colaboradores se enzarce. La gente puede decir idioteces, mientras no sean amenazas directas. En definitiva, desde este humilde pupitre, más que púlpito, como no debemos nada a nadie, seguiremos escribiendo lo que queramos. En general no es nada demasiado polémico, pero queremos que todos los que se dedican a escribir, a rodar, a hacer monólogos, etc. puedan hacerlo estando tranquilos. No pedimos demasiado. O quizás sí. Puede que nuestro día de la marmota esté en 1973. A
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Valoraciones
Valoraciones Por Juan Romero
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ecientemente el productor y director Brett Ratner hacía unas declaraciones en las que criticaba duramente a la web Rotten Tomatoes por su sistema de valoración de las películas a través de las críticas. La web recoge un gran número de críticas de cada película y calcula un número que equivale a la “valoración” global de la película por esos críticos. Ratner se queja amargamente que el trabajo de crítica convencional acaba en muchos casos reducido a un simple número. Y pone el ejemplo en Batman v. Superman, que fue producida por él, masacrada por la crítica, y que tiene una valoración lamentable en Rotten Tomatoes. Es evidente que en el mundo en el que vivimos hay una tendencia a reducir casi todo a un número o una sencilla frase. Y que la reflexión y el análisis profundo suele brillar por su ausencia. Pero atacar la manera de hacer de Rotten Tomatoes es absurdo por varios motivos. En primer lugar porque junto a la valoración de la película, la web recopila un amplio número de críticas de esa película a las que puedes acceder con un solo clic. Por lo que si la queja de Ratner es que se prima un numerito a una valoración crítica, parece absurdo atacar a una web que precisamente recopila un gran número de críticas más profundas a las que puedes acceder. Los creadores de la web precisamente ha respondido a los comentarios de Ratner en esa línea, añadiendo además que la valoración global es solamente un
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punto de partida para los fans, que luego tienen a su alcance mucha más información. Por otro lado, los sistemas de valoración de las películas están más que implantados en el mundo actual. Desde críticos valorando películas en diferentes escalas, hasta webs que recopilan votaciones de la gente, como IMDb o filmaffinity, que además intentan ofrecer un sistema de recomendación de películas basado en tus votaciones y las del resto de los usuarios. La recopilación de valoraciones de muchos críticos puede ser un elemento mucho más interesante, de hecho, que coger la valoración de un crítico concreto, o la valoración de los votantes por internet, que suelen tener unos sesgos muy marcados. En cualquier caso, la queja de Ratner, aunque no deja de ser una pataleta por la valoración que la crítica hace de algunas de sus películas, es interesante para reflexionar, no ya acerca del comportamiento de una web concreta, sino de la dirección en la que se mueve la gente a la hora de buscar información acerca de un contenido cultural, y acerca de valorarlo. Si la gente hoy en día busca un número concreto para ver si le puede interesar o no una película, en lugar de guiarse por otros factores más profundos, el problema no es de quien recopila esos datos, sino de lo que busca la gente. Esa tendencia a simplificar lo que es bueno o malo, a decidir en
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Valoraciones
un momento si una cosa interesa o no, está cada vez más expandida. Y el último en moverse en esa dirección ha sido Netflix. Desde hace unos días, Netflix ha cambiado su sistema de votación de contenidos, pasando de valorar los contenidos en una escala de 5 estrellas, a valorar simplemente con un pulgar arriba o un pulgar abajo. Ya no podemos decirle a Netflix si un producto nos parece horroroso, malillo, pasable, bueno o genial. Ahora las cosas ya son buenas o malas, blanco o negro. Dice Netflix que eso hará que más gente vote y que las recomendaciones sean mucho más efectivas. Pero los resultados, por el momento, son bastante dudosos. Más bien parece un esfuerzo por buscar lo más simple, en lugar de algo más profundo. Además, puede haber otros intereses oscuros en este cambio, intentando proteger determinados
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productos propios, y ocultando información acerca de cómo exactamente funciona el sistema. Porque además, parece evidente que las recomendaciones serán mucho menos ajustadas cuanto más simple sea el método de valorar. En cualquier caso, es evidente que existe una tendencia a la simplificación, tanto por parte del espectador medio como por parte de las grandes compañías. Pero siempre, y más en esta época, hay mucha más información disponible para cualquiera que tenga el más mínimo interés en buscarla. Aunque se vaya a un modelo cada vez más simplificado sigue habiendo opciones para el que quiere más datos al alcance de la mano. A
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Ghost in the shell Ghost in the shell / USA / 2017 Dir.: Rupert Sanders
Rep.: Scarlett Johansson, Takeshi Kitano, Michael Pitt, Pilou Asbaek, Juliette Binoche.
Texto: Beatriz López
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sta crítica es muy difícil de elaborar por múltiples aspectos. Esta revista no se caracteriza por darle un gran protagonismo a las películas de animación pero, desde estas líneas animo a todo el que esté leyendo que vea la película original de Ghost in the Shell (1995) y al menos el primer capítulo de la serie que la sucedió, ya que engloba esta especie de corta-pega hollywoodiense que vamos a tratar a continuación.
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Dentro de que esta es una crítica sin spoilers, en la cita de todos los carteles de la película se puede leer “No le salvaron la vida, se la robaron”. Efectivamente a la Mayor Mira le introdujeron el cerebro en una máquina de matar con la que ahora anda campando por un escenario mezcla de Hong Kong, Shanghai y Tokyo con amplias dosis de futurismo muy bien ejecutadas (lo único salvable de la película, lo visual). Toda la película se pregunta a sí misma, con miedo el enigma de su verdadera alma al haber sido introducida en
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Ghost in the Shell (Rupert Sanders, 2017)
este cuerpo cibernético, el guion, tratándonos de idiotas se encarga de recalcar el nombre de la película este aspecto en varios puntos, parafraseando la versión original “But you’ve still got your spirit… in this Shell”. Sublime. Esta adaptación pierde por completo la esencia de la película original, donde la Mayor Motoko Kusanagi se pregunta de manera más filosófica todo el tema del alma, de su diferencia con el resto de los seres, sin llegar nunca a sentir miedo, o a estar asustada por ella. La Mayor es la mayor experta en ciberseguridad que hay, en cambio en la película la ponen de novata pegatiros al ser hackeada en la primera intervención. A Mira las cosas le suceden, le ocurren sin que ella tenga que hacer nada y es así como va el tono general de la película. Qué novedad justo los dos personajes sentimentales de la película sean dos mujeres, Mira se enfada, pierde el control, es como una adolescente. La interpretación de Johansson en mi opinión está más que aceptable y se nota que ella quiere transmitir la verdadera forma de ser de la Mayor, es en el guión y el script de la película donde se ha patinado notablemente. Y qué decir de las escenas de la película, totalmente mal hiladas cuando no están copiando una escena exactamente igual al manga original y poniéndola en mitad de la película sin ton ni son para aplacar la ira fan, están creando una falsa Mayor que se dedica a dar tiros y a dejarse capturar (cuando por el contrario, es mucho más que “una máquina de matar”). Bastan unas líneas también para comentar los evidentes errores de toda película de Hollywood de explicar en exceso cosas innecesarias (funcionamiento de las prótesis, historia sentimental de un personaje) dejando otras muy importantes sin hacerlo: ¿Existe un mundo multilenguaje en que da igual hablar en japonés que en inglés? ¿Tienen un traductor simultáneo? ¿Conocen la lengua? Qué va, explicación sentimentalista de la protagonista y pim-pam a pegar tiros, no olvidando en crear una sentimental historia que
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nadie ha pedido detrás de cada personaje para que les cojamos cariño y se nos encoja un poco más el corazón cada vez que les ocurre algo. El villano de la película también ha sido mal tratado hasta la saciedad, con una burda escena final de notoriedad malévola para el lucimiento del mismo, destrozando el argumento de la película original para adaptarlo “ Esta adaptación al público (ese público) que realmente no sabe entender pierde por completo las cosas si no le pones una la esencia de la flechita al lado que indique película original.” “el malo”. Aunque, verdaderamente el villano de esta película es el que ha escrito el final. Horrible. Es cierto que mi dureza con esta película viene dada por las circunstancias de conocimiento de todo el material anterior que fue creado, con todo esto si nunca lo hubiera visto, mi nota se habría quedado en un 5.5 ya que visualmente es una buena película y está bien tratada (única y exclusivamente por eso) en cambio baja a un 3 con lo contado anteriormente. No descarto hacer una crítica con spoilers para aclarar todos estos temas más en profundidad y con todas las cosas que se han quedado en el tintero en un siguiente número de la revista. A
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El viajante Forushande / Irán / 2016 Dir.: Asghar Farhadi
Rep.: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati.
Texto: Juan Romero
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ras rodar en Francia la notable El Pasado, y antes de empezar un proyecto en español que reunirá a Penélope Cruz y Javier Bardem, el director iraní Asghar Farhadi vuelve a su país para dirigir un drama familiar con toques de misterio o incluso thriller protagonizado por Shahab Hosseini. Una fórmula que ya utilizó con gran éxito en Nader y Simin y que vuelve a repetir en esta El viajante, que igual que aquella ha venido cosechando un gran éxito de crítica, culminado en ambos casos con
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el premio Oscar a mejor película extranjera. Un premio que en esta ocasión ha venido rodeado de polémica por la negativa de Farhadi a viajar a Estados Unidos como protesta del veto migratorio de Donald Trump. La premisa de la película gira en torno a una pareja que tiene que mudarse de casa. En su nuevo apartamento la mujer sufre un asalto, quizás provocado en parte por la situación del anterior inquilino. A partir de ahí la película
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El viajante (Forushande, Asghar Farhadi, 2016)
se centra por un lado en el estado anímico y emocional de la pareja, con ambos en estado de shock, la mujer por haber sufrido en sus carnes el ataque, y el marido por no terminar de saber en ningún momento lo que ha pasado, ni cómo ayudar a su mujer; y por otro lado en la investigación sobre quién ha podido ser el atacante, y cómo actuar al respecto, con el marido intentando ir atando cabos, mientras la mujer prefiere de alguna manera dejarlo pasar para no tener que revivir la situación, y se niega a acudir a la policía. Ambos elementos están lógicamente relacionados, y es la situación psicológica de los protagonistas la que va marcando las acciones que van realizando en cuanto a la resolución del misterio, que va ganando más y más peso a medida que va avanzando la película, y que nos va dando a su vez respuestas al porqué del comportamiento de la mujer. En ese equilibrio entre el drama psicológico y el misterio que se va resolviendo poco a poco a través de interesantes giros, se nota la capacidad de Farhadi para narrar de manera precisa este tipo de situaciones. Acompañado además las grandes y emocionales actuaciones que suele sacar de sus actores protagonistas, en este caso la pareja a la que dan vida Shahab Hosseini y Taraneh Alidoosti. En esta ocasión, Farhadi opta además por contraponer a esa trama principal la puesta en marcha de una adaptación teatral de Muerte de un viajante de Arthur Miller, que protagoniza también la misma pareja. Debo decir que, en mi opinión, esos momentos quitan algo de interés a la historia principal, ya que no terminan de servir para desarrollar los personajes, más que en algún momento puntual. Y, además, durante gran parte de la película no se termina de ver por ningún lado el paralelismo entre la historia que Farhadi nos quiere contar en El viajante con la trama de la obra de Arthur Miller. Y el peso
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que se le da a esa subtrama, titulando incluso la película precisamente como la obra de teatro, se antoja excesivo. Si el desarrollo de la trama principal había sido notable, el último tramo de la película resulta especialmente inspirado. “Si el desarrollo de Aunque quizás caiga un poco en el exceso melola trama había sido dramático con ciertos notable, el último elementos, la resolución del conflicto es realmente tramo de la película brillante, atando perfecresulta especialtamente todos los cabos, y mente inspirado.” animando al espectador a reflexionar acerca de cómo afecta la violencia de manera diferente a las personas, y cómo actuar frente a ella. Y consiguiendo, además, que finalmente veamos algunos ecos en las secuencias finales entre la trama principal y el argumento de la obra de Arthur Miller que, si bien no terminan de justificar el excesivo peso que se le da en el guion, si sirven para entender de alguna manera la relación entre las dos historias. Como suele suceder con las películas de Fahradi, aquí nos ha vuelto a traer un magnífico análisis de cómo ciertas situaciones inesperadas influyen en la relación entre una pareja. A
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Robots, androides, cyborgs
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on motivo del estreno del remake de Ghost in the Shell, cuya protagonista es una joven cuyo cerebro se implanta en una máquina vamos a hacer un repaso de algunas de las películas protagonizadas por robots, androides y cyborgs. Y hemos decidido juntar robots, androides y cyborgs porque, aunque realmente hay una importante diferencia entre ellos, gran parte de las películas protagonizadas por estas criaturas se centran en los mismos elementos. En las diferencias que existen entre la máquina y el hombre. Y, en última instancia, en qué es lo que nos hace humanos.
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Robots, Androides, Cyborgs
Metrópolis Por Juan Romero
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n Metrópolis, de Fritz Lang, tenemos uno de los primeros y más icónicos robots de la historia del cine. La película está ambientada en un mundo futurístico que se divide entre ricos empresarios industriales y pobres trabajadores que se dejan su vida en las máquinas que aquellos poseen. El hijo del jefazo de la ciudad ve las condiciones en las que están los trabajadores y lucha por liberarlos de esas condiciones. Por otro lado, una joven llamada María predica entre los trabajadores la llegada de alguien que ayude a superar la brecha entre los empresarios y los trabajadores. Y por otro lado hay un inventor que está construyendo un robot para intentar sembrar caos y destrucción en la ciudad como venganza porque el jefazo de la ciudad se llevó a la chica a la que amaba, y murió dando a luz a su hijo. Y el robot acaba teniendo la apariencia de María por orden del jefazo de la ciudad. Sí, el argumento parece bastante confuso, y realmente lo es. En principio parte todo de una
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simple metáfora acerca de la lucha de clases, y el enfrentamiento entre el capital y el proletariado. Pero los roles que cumple cada uno acaban siendo un poco confusos, y el afán del inventor por destruir todo se adueña del centro de la película, que pierde totalmente ese eje claro de lucha de clases, abrazando simplemente la destrucción. Para finalmente llegar a un final en el que todo acaba bien porque el punto intermedio entre el cerebro y la mano es el corazón. Y el protagonista de la película consigue, sin hacer prácticamente nada, que los dueños y los obreros lleguen a un entendimiento para que todo vaya bien. En cualquier caso, y a pesar de su confuso, esquemático e infantil mensaje sobre la lucha de clases, la película es notable fundamentalmente por los efectos visuales de su época. Evidentemente, en una película que tiene ya noventa años, no vamos a encontrar efectos especiales que nos sorprendan hoy en día, pero sí que vemos una
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Robots, Androides, Cyborgs
serie de imágenes y de ideas realmente interesantes, tanto en el diseño de la ciudad, como en el de las máquinas. Haciendo uso de muchos de los elementos característicos del expresionismo alemán, Fritz Lang consigue una estética inolvidable, y que sin duda han influido mucho en innumerables obras posteriores. Lo cual que es posiblemente el mayor mérito de la película. En realidad, Metrópolis en su momento fue bastante maltratada por la crítica, con artistas de la talla de Luis Buñuel o H.G. Wells criticándola duramente, y con el propio Fritz Lang renegando de su mensaje. Y solo ha sido en tiempos más recientes cuando ha conseguido un estatus mucho más elevado en el mundo de la crítica.
importantes películas de ciencia ficción. Y como tal su fama de película legendaria es totalmente merecida. Sin embargo su argumento es extraordinariamente débil, tanto en la versión más corta, que es incluso más confusa e incoherente, como en su versión más larga, de casi dos horas y media, que es sin duda demasiado larga para el mensaje que intenta transmitir. Una película necesaria para entender gran parte de la ciencia ficción posterior, pero mucho peor de lo que la crítica la trata hoy en día, si la despojamos de ese halo mítico por la enorme influencia que sigue teniendo a día de hoy y la vemos simplemente como una película. A
Metrópolis es en cualquier caso una película imprescindible para cualquier amante de la ciencia ficción. Es la base para un enorme número de elementos visuales y de ideas que formarán parte posteriormente de muchas de las más
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Robots, Androides, Cyborgs
Blade Runner Por Juan Romero
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emos la inmensa, oscura y amenazante ciudad de Los Angeles del futuro, con sus enormes edificios, coches voladores, llamaradas de fuego y anuncios de neón. Unas imágenes que además vienen acompañadas por la espectacular banda sonora de Vangelis. Y no hace falta nada más. Con solo esos elementos Ridley Scott es capaz de crear una atmósfera totalmente única y perfectamente reconocible, que nos acompañará durante toda la película (durante toda la vida). Y sobre ese memorable escenario se va a desarrollar la primera adaptación para el cine de una novela de Philip K. Dick, quien a partir de entonces se ha ido convirtiendo en la más importante referencia a la hora de crear películas de ciencia ficción. Bien con adaptaciones directas de sus obras (Minority Report, Desafío Total,
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Screamers, Paycheck, A scanner darkly, Destino oculto), bien utilizando elementos e ideas características de su universo, sin llegar a ser adaptaciones directas (El show de Truman, Dark City, Videodrome, Matrix, Olvídate de mí). La película nos cuenta, con evidentes influencias de cine negro y policiaco, la misión de un antiguo agente de policía que tiene que volver al cuerpo para llevar a cabo una última misión, eliminar un grupo de androides, o replicantes, que se han escapado y pueden ser peligrosos. Ese punto de partida, y aunque evidentemente la misión tiene un peso específico en el argumento, le sirve a Ridley Scott para reflexionar acerca de algunos de los elementos que más se repiten en la obra de Dick. Fundamentalmente sobre la naturaleza humana, sobre qué es la realidad, y sobre qué diferencias hay, si es que las
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Robots, Androides, Cyborgs
hay, entre un hombre y una máquina suficientemente avanzada.
por un poco más de vida, que contrasta con sus métodos violentos para conseguirlo.
Harrison Ford compone aquí el tercero de sus más míticos personajes, junto a Han Solo e Indiana Jones, con un Rick Deckard que, encargado con la misión de acabar con los replicantes, empieza a tener dudas. Dudas que da la impresión que ya tenía de antes, pero que se acentúan cuando conoce una replicante a la que va conociendo y de la que se va enamorando. Y así se debate entre la moralidad de sus actos y la obligación de cumplir su misión.
Y las dos partes del argumento acaban confluyendo en una de las escenas más legendarias de la historia del cine, con Rick Deckard y el replicante Roy Batty (Rutger Hauer en su papel más memorable) enfrentándose entre los restos de un edificio abandonado, bajo la lluvia. Y con un monólogo final de Roy en el que reflexiona en profundidad acerca de la muerte y los recuerdos.
Y en el otro lado seguimos también la lucha de los replicantes fugados por saber más acerca de su naturaleza. Y, simplemente, por poder vivir. Seguimos la búsqueda por parte de los replicantes de sus creadores, para intentar suplicar
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Blade Runner es una de las obras cumbres del cine. Y una de las que más y mejor reflexiona acerca de la naturaleza humana, aunque lo hace paradójicamente a través de las experiencias de una serie de androides que lo único que quieren es vivir. A
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Robots, Androides, Cyborgs
A.I. Inteligencia artificial Por Juan Romero
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nteligencia Artificial es un proyecto que intentó llevar a cabo Stanley Kubrick durante muchos años. Pero fue postergándolo porque la tecnología aún no permitía hacer lo que él quería, y finalmente acabó pasando a manos de Steven Spielberg cuando Kubrick murió, entre otras cosas porque el neoyorquino había indicado que el proyecto de Inteligencia Artificial estaba mucho más cerca de las sensibilidades de Spielberg que de las suyas propias. Es complicado saber cómo hubiera sido la película a los mandos de Kubrick, o qué elementos de la misma fueron introducidos por Spielberg, quien también escribió el guion de la película. En cualquier caso, el resultado es muy interesante, aunque también bastante irregular. La película se divide claramente en tres actos completamente diferentes. Primero la llegada de un niño robot a una familia, y los problemas de comunicación y afecto que surgen entre ellos, basado en el relato corto “Los superjuguetes duran todo el verano”. Posteriormente la odisea
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del niño robot por el mundo, intentando encontrar la manera de conseguir ser un niño de verdad, inspirado en gran parte en las aventuras de Pinocho. Y finalmente un tramo en un futuro mucho más lejano en el que solo los robots han sobrevivido en el mundo, en el que finalmente, de alguna manera, le conceden al niño robot protagonista el deseo que tanto tiempo llevaba esperando. El primer tramo es posiblemente el más conseguido de los tres, particularmente por la relación que surge entre el niño robot, David, interpretado por Haley Joel Osment en el que posiblemente sea el mejor papel de toda su carrera, y su madre, a la que da vida Frances O’Connor. Cómo esa relación se complica aún más cuando entra en escena el otro hijo, real, de la pareja. Y los celos que se desatan entre los dos “hermanos”. Es posiblemente una de las películas que mejor trata este tipo de relaciones entre humanos y robots, en este tramo. Y consigue una emoción realmente notable.
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Sin embargo, la película cambia totalmente cuando entra en el segundo tramo. Conocemos a Gigolo Joe, un robot sexual interpretado por Jude Law, que se ve envuelto en las más sórdidas aventuras, y acaba encontrándose con David, que ha sido abandonado en el bosque. Juntos participan involuntariamente en un espectáculo en el que humanos masacran robots estropeados por diversión, y acaban uniéndose para encontrar las respuestas que busca el niño, que se basan en encontrar el hada de los cuentos de Pinocho para que le convierta en un niño de verdad. La sordidez y violencia de este acto de la película contrastan y chirrían con la emoción de la primera. Y además ciertas escenas que introducen no encajan demasiado bien con la trama, ni con el aire de cuento de hadas que sigue el argumento. Además, la secuencia en la que preguntan a una máquina donde pueden encontrar el hada se ha quedado dolorosamente anticuada por culpa de la tecnología de hoy en día y acaba haciéndose pesadísima.
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El último tramo de la película es, sin embargo, el que más divide al público. Allí retomamos muchos de los elementos que habían quedado casi olvidados de la primera parte de la película, y el cuento de hadas termina cumpliéndose a medias, propiciando una especie de reencuentro entre David y su madre. Vuelve el intento de emotividad, pero quizás demasiado atenuado por el alargado tramo central, y con algunos problemas de guion que se intentan solventar mediante escenas visualmente impactantes y diálogos expositivos. Es un buen colofón a la película, pero tiene el problema que el cambio entre los tres bloques no ha sido lo suficientemente paulatino, y acaba rompiendo gran parte de la emoción que quiere recuperar al final. Inteligencia Artificial, pese a todos sus efectos, es una película notable. Y una de las que mejor refleja la emoción que puede surgir entre robots y humanos, pero luego se pierde en el cambio de tono de su parte central, y cuando quiere recuperar esa emoción no termina de conseguirlo.A
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Robots, Androides, Cyborgs
Ex Machina Por Alberte Álvarez
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as películas sobre Inteligencia Artificial (IA) no dejan de sucederse: Chappie, Her, el remake de Robocop o esta disfrutable Ex Machina, realizada por el director debutante Alex Garland.
Ex Machina pone sobre la mesa muchas de las preguntas habituales en estas películas. ¿Qué nos hace humanos? ¿En qué consiste la humanidad? ¿Hasta qué punto una relación humano-robot puede ser una relación humana? Todo comienza cuando Caleb (Domhnall Gleeson) recibe un email diciendo que ha ganado una residencia en la mansión de su jefe Nathan (Oscar Isaac). Cuando llega a la inmensa y apartada casa y entra en las modernas estancias y laboratorios no sabe todavía que es un conejillo de indias para probar a una nueva androide, Ava (Alicia Vikander), mediante el test de Turing durante varios días. El objetivo es saber si Ava es capaz de desarrollar sentimientos
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verdaderamente humanos o hasta qué punto los emula. Conforme avanza la película empezaremos a dudar de quién está siendo testeado, gracias a una muy bien llevada trama, de ritmo pausado, que nos mantiene atentos gracias a una elegante puesta en escena, fotografía y efectos especiales perfectamente usados para ser una propuesta de bajo presupuesto. A lo largo del film vemos constantemente a Ava a través de los ojos de los dos protagonistas masculinos. A través de la mirada masculinizada. Tenemos a Nathan, que siempre crea androides femeninos, de diferentes razas y tipos, y que podemos leer como esa mirada objetivizadora de la mujer, que la transforma prácticamente en un juguete para cumplir los deseos del hombre. Esto lo podemos ver claramente (y a la vez enterarnos de por dónde van a ir las cosas antes de tiempo) con la androide asiática. Por otro lado tenemos a Caleb, el invitado, un buen tipo, bajo
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Robots, Androides, Cyborgs
cuya mirada conocemos a Ava, sus razonamientos y sus sentimientos. Es decir, la película gira en torno a la relación del “Hombre” con sus creaciones de la misma forma que gira en torno a la reductivista visión del “hombre” sobre la mujer. El giro final, en cierta forma, es predecible aunque satisfactorio y pretende darle una vuelta a todo el anterior punto de vista para centrarnos en la liberación, sea del androide sobre su creador o sea de la mujer sobre el hombre que pretende subyugarla.
que a Spielberg entre sus referentes. En definitiva, Ex Machina es una interesante visión masculina del mundo, que trata de deshacerse de ella en su clímax, y que nos dejará planteadas unas cuestiones para que le sigamos dando vueltas a la cabeza. Ciencia ficción minimalista, pausada, pero que engancha. Un gran debut del guionista de 28 días después o la muy interesante Never Let Me Go, de la que se pueden trazar ciertas similitudes. A
Alicia Vikander está extraordinaria en este film y realiza una actuación contenida y elegante. Oscar Isaac y Domhnall Gleeson también tienen actuaciones muy sólidas en lo que es una película centrada en los personajes, con escasa acción y construída en base a ir conformando una atmósfera cada vez más opresiva, lo cual no acaba de conseguir al cien por cien. Aun así, está claro que Garland tiene más cerca a Tarkovsky
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Había mucha gente en contra de este proyecto y yo mismo tenía muchas dudas, pero el Festival me ha dado la razón. Esta es una historia muy china y que solo podía darse allí. Es una película que usa el humor para contar algo triste. • FENG XIAOGANG
Yo no soy Madame Bovary Wo bu shi Pan Jinlian / China/ 2016 Dir.: Feng Xiaogang.
Rep.: Fan Bingbing, Dong Chengpeng, Fan Wei, Guo Tao, Li Zonghan, Zhang Yi, Liu Hua.
Texto: Alberte Álvarez
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pesar de su nombre, Yo no soy Madame Bovary no tiene nada que ver con la heroína adúltera de Flaubert y sí con un examen de la sociedad de clases en la China moderna en forma de sátira. El título, de hecho, poco favor le hace a la obra en la medida que en la introducción de la película la comparación de la protagonista se realiza con Pan Jinlian, un personaje de la novela de 1610 “El ciruelo en el vaso de oro” que poco comparte con Madame
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Bovary. Pan Jinlian es famosa por conspirar con su amante para asesinar a su marido, convirtiendo su nombre en significado de una especie de femme fatale. La historia es sencilla. Li Xuelian es una mujer tremendamente desesperada que busca anular su divorcio argumentando que fue falso. Claro que, para todo el mundo (y para las autoridades) el divorcio es real, pero se suponía que el
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Yo no soy Madame Bovary (Wo bu shi Pan Jinlian, Feng Xiaogang, 2016)
matrimonio había pactado organizar este divorcio para así poder optar a una vivienda de la empresa donde trabajaba el marido y posteriormente volverse a casar. Sin embargo, el hombre una vez divorciado se casa con otra mujer. Aquí empieza la lucha sin cuartel de Xuelian para deshacer el divorcio o llegado el caso incluso asesinar a su exmarido (de ahí la comparación con Pan Jinlian). Una vez tenemos estos elementos iniciales, la película se centra en la tozudez de la mujer y en la fragilidad de la burocracia china, puesta en evidencia por la actuación de una sola mujer. La sátira se ceba con los funcionarios intermedios de la administración: el jefe de justicia, el diputado del distrito, el alcalde… que siempre miran por su propio interés, el de sobrevivir, peloteando y dando la razón a sus superiores inmediatos. Esto contrasta con los importantes delegados del PCC, como vemos en un fragmento en el que uno de ellos realiza una diatriba contra la corrupción, apoyándose en el propio caso de Xuelian, a la que se había encontrado momentos antes. Aquí empieza la pesadilla de un montón de cuadros funcionarios, todos hombres, por cierto, que querrán quitarse el problema de las protestas de esta mujer, con escaso éxito. El punto fuerte de la película de Feng Xiaogang, ganadora de la Concha de Oro a la mejor película en el Festival de San Sebastián, es su aspecto visual. Y es que es impactante y llama poderosísimamente la atención la relación de aspecto. Es una circunferencia. Vemos las imágenes dentro de una circunferencia como si viésemos la historia a través de un catalejo. Hay dos excepciones:
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las imágenes que suceden en Beijing tienen una relación de aspecto 1:1 (cuadrada), y la última escena, el epílogo, ya tiene un formato habitual, más panorámico. Hablando de la última escena, en ella se produce una revelación que cambia la forma en la que vemos la actuación de la mujer anteriormente, pero ya es tarde, porque hemos desconectado de la película porque su protagonista no genera empatía, porque en realidad es difícil darle la razón o entender su terque“Hay demasiado dad. Además, la historia se diálogo y en hace larga en exceso y nos mantenemos en ella por su ocasiones se fantástica fotografía.
abandona la sátira, donde la película triunfa, para pasarse un tanto al drama.”
Y es que el punto más débil de Yo no soy Madame Bovary es su narrativa. Hay demasiado diálogo y en ocasiones se abandona la sátira, donde la película triunfa, para pasarse un tanto al drama.
De todas formas, como se ha comentado, es un ejercicio muy interesante de forma, y además también es muy interesante ver cómo los chinos se ven a sí mismos y a su sistema. Por lo que se ve, se siente impersonal, jerárquico, masculinizado y poco flexible a la hora de aportar soluciones. Además es muy interesante ver la diferencia de la China campestre y la ciudad. Una lástima que una excesiva duración y una protagonista principal poco empática para el espectador, fastidien una película que podría haber sido una joya. A
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La Bella y la Bestia Beauty and the Beast / USA / 2017 Dir.: Bill Condon Texto: Aitana García
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iensa en algo que siempre hayas querido. Encuéntralo en tu mente y siéntelo en tu corazón”.
Parece que la época de la nostalgia y los remakes de clásicos no acaba, por lo menos todavía. Después de películas como Alicia en el País de las Maravillas (2010), Maléfica (2014), Cenicienta (2015) y El libro de la selva (2016), la última en subirse al carro ha sido La Bella y La Bestia,
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Rep.: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Kevin Kline, Josh Gad, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen.
interpretada por una dulce Emma Watson y un Dan Stevens en segundo plano. Es cierto que el hecho de que Emma Watson interpretara el papel de Bella ya olía a éxito por todas partes, puesto que la intérprete y la interpretada tienen algo más en común que el mero físico, no obstante, la brillante actuación de Emma Watson desbanca a Dan Stevens, que interpreta a un príncipe mucho más cohibido de lo que recordábamos, haciendo de la Bestia un personaje
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La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast, Bill Condon, 2017)
más humano. Es muy difícil innovar o sorprender con historias tan manidas como lo es el cuento de La Bella y La Bestia, sobre todo, teniendo en cuenta todas las adaptaciones que ha tenido este cuento en concreto: la adaptación de Cocteau de 1946 La belle et la bête, la famosa película de dibujos animados de Disney en 1991, otra en 2014 protagonizada por Vicent Cassel y Léa Seydoux y, la más reciente, la serie de televisión protagonizada por Blanca Suárez y Alessandro Preziosi. Por tanto, el factor sorpresa es prácticamente imposible de crear partiendo de una historia que todo el mundo se sabe de principio a fin. Aquí es donde Bill Condon ha sabido aprovecharse de los avances tecnológicos creando unos efectos visuales impresionantes, sobre todo en escenas musicales como ¡Qué festín!, en la que elabora, desde cero, todo un universo de luces y colores que invitan a quedarse. Además, en esta adaptación se le ha dado mucho más juego a los personajes secundarios que en versiones anteriores, como los sirvientes del castillo (Lumière, la señora Potts y Chip, Din Don, Plumette…) y el personaje de LeFou que se nos presenta de manera muy singular, una vuelta de tuerca que lo ha convertido sutilmente en homosexual, algo que ha causado mucha controversia tanto antes como después del estreno de la película. Y, ¿qué decir del villano de la peli? Luke Evans ha convertido al más cruel personaje de la aldea en un villano más atractivo aunque invisible para Bella. Sin duda, el elenco es de lo más completo, teniendo en cuenta que no sólo actúan sino que también cantan. Por poner algún pero, si hay algo que se echa en
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falta de esta película es el miedo. De todos los cuentos Disney, La Bella y La Bestia es el único cuento en el que uno de los protagonistas principales, el príncipe, se presenta como un monstruo, sin embargo, cuando Bella lo conoce no hay ni el más mínimo ápice de miedo, se cambia por su padre sin apenas pensarlo. Sin ir más lejos, le asusta más el momento “Que Emma Watson en el que descubre que los muebles hablan que interpretara el papel estar presa por una bestia. Aunque tam- de Bella ya olía a éxito bién es cierto que esta por todas partes, puesto adaptación contexque la intérprete y la tualiza mucho mejor interpretada tienen la película que la de Disney, tanto para Bella algo más en común que como para Bestia, pues el mero físico.” se llega a descubrir de dónde eran Bella y su padre y el porqué tuvieron que abandonar a su madre y su hogar y, en el caso de la Bestia, se ilustra el comienzo de la maldición y parte de la vida del príncipe desde su infancia. En resumen, La Bella y La Bestia sigue mostrando el mismo cuento de cuando éramos pequeños con algunas modificaciones que hacen de la historia un guión mejor, tanto que incluso ha llegado a superar el número de recaudaciones que tuvo la película original de Disney. El remake ya supera los 300 millones en sus primeros 10 días en cartelera y a nivel mundial acumula unos 690 millones de euros. Parece que la táctica usada por otras productoras como Marvel Entertainment con Spider-Man (2014) o DC Entertainment con Batman V Superman (2016) es muy útil y va para largo. A
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Logan Logan / USA / 2017 Dir.: James Mangold.
Rep.: Hugh Jackman, Patrick Stewart, Dafne Keen, Boyd Holbrook, Stephen Merchant.
Texto: Saúl Olmo
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ño 2024. Logan ya no es el que era. Su poder regenerativo se ha debilitado. Ha envejecido. Su cuerpo está lleno de cicatrices y achaques. Trabaja como chofer y cuida, con la ayuda de Caliban, de un también envejecido y senil Charles Xavier. Sin embargo un giro de los acontecimientos cruza sus destinos con el de Laura, una joven mutante perseguida por una poderosa corporación, que les pondrá, una última vez, en el punto de mira. Este
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es el argumento de Logan, película dirigida por James Mangold, y con la que Hugh Jackman se despide del emblemático personaje que le dió la fama y que lo acompañará por siempre en la memoria colectiva. La película está inspirada por el cómic «El viejo Logan». Si bien no adapta su historia, toma prestados muchos elementos sobre los que construir la historia. Un Logan envejecido, un
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Logan (James Mangold, 2017)
mundo donde los héroes están prácticamente extintos, su ambientación desértica, su tono oscuro, y su violencia explícita. Para cerrar el arco argumental de Lobezno en el cine, James Mangold cuenta, gracias a la rentabilidad de Deadpool, con la clasificación R, permitiéndole explotar el lado más violento y sanguinario del personaje, algo que muchos fans del personaje llevaban años reclamando. Pero lejos de una violencia banal y gratuita, los guionistas logran implementarla como un importante elemento narrativo. No se trata de una excusa para mostrar más sangre, vísceras y cercenaciones (que si, están ahí) sino que nos encontramos ante una obra para adultos, pudiendo así eludir los chistes fáciles y el ritmo ligero propio de obras para todos los públicos, lo que ayuda a construir una historia donde la columna vertebral son los personajes, algo que parece que se está olvidando en el cine de superhéroes. La historia se toma el tiempo necesario en presentarnos a los personajes. Nos sitúa en que momento de su vida están, se narra que es lo que quieren y por qué lo quieren. Todos estos elementos hacen que su ritmo sea lento, pero lejos de ser un problema, nos ayuda a empatizar. Los personajes nos importan y lo que pueda pasarles nos mantiene en tensión, una tensión muy bien manejada que nos mantiene en vilo (casi) toda la cinta. En este aspecto los villanos no tienen tanta suerte, y son construidos con un par de pinceladas muy breves. La cinta no se resiente demasiado por ello pero el cuidado puesto en el resto de los elementos deja cierto regusto amargo en este apartado. Para hablar de los aspectos técnicos tenemos que hablar de influencias, el ya mencionado cómic «el viejo Logan», westerns como «Sin perdón» y «Raíces profundas» (que no teme en referenciar directamente) y la saga «Mad Max». James Mangold y su equipo se empapan de estas influencias y las manejan de forma óptima. La
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dirección es tan solvente en los momentos de calma (aparente) como en las furiosas escenas de acción, donde con vehículos o sin ellos, se nota el influjo de George Miller. La fotografía de John Mathiesn combina de forma notable los tonos del western con un toque noir. Y redondeando la jugada tenemos una estupenda partitura de Marco Beltrami. La sinergia que se produce da lugar a una cuidada cinta “James Mangold de superhéroes, que rebosa se empapa de frescura por su carácter de road-movie crepuscular. influencias de cómic, Este tipo de producciones westerns y cintas de no suelen dar pie a grandes actuaciones, pero en esta acción y las maneja de forma óptima.” ocasión Hugh Jackman y Patrick Stewart pueden lucir todo su talento y explotar la química que existe entre ambos, regalándonos unos personajes para recordar. Destaca también la debutante Dafne Keen quien consigue estar a la altura de estos grandes actores, dándoles réplica con gran naturalidad. La película no está exenta de errores. Hay alguna subtrama que chirría e incluso sobra (esos granjeros que cortan el agua) y el comienzo del último acto no acaba de encontrar un tono coherente con el resto de la cinta, pero sus defectos se ven eclipsados por sus bondades. En definitiva, Logan es una gran película que sabe a despedida desde su primer fotograma, y logra tocar el corazón de todos los acérrimos del género y sorprender a todos los que no lo son. Un broche de oro para un gran personaje. Hasta siempre, Logan. A
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Gold Gold / USA / 2016 Dir.: Stephen Gaghan.
Rep.: Matthew McConaughey, Edgar Ramirez, Bryce Dallas Howard, Corey Stoll, Toby Kebell.
Texto: Juan Romero
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n los últimos tiempos hay una cierta tendencia a un tipo de película que cuenta la historia real de uno o varios personajes peculiares que intentan la manera de conseguir dinero y éxito de manera fácil a través de métodos muy particulares, caminando siempre en el filo de la ley. Siempre con el mismo arco de comenzar en lo más abajo, perseguir una idea delirante hasta sus últimas consecuencias, asegurándose el éxito, y acabar con una inevitable
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caída, en muchos casos a manos de la policía. Esa tendencia comienza posiblemente con la monumental El lobo de Wall Street y, a rebufo además de ese estilo característico de Scorsese, de altísimo ritmo y ciertas dosis de humor, surgen obras mediocres que palidecen en comparación a aquella como son La gran estafa americana, Juego de armas, o esta Gold, la gran estafa. Stephen Gaghan, director de la confusa Syriana
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Gold (Stephen Gaghan, 2016)
y guionista de la aclamada Traffic, de Stephen Soderberg, dirige esta historia centrada en el auge y caída de un empresario dedicado al negocio del oro. Matthew McConaughey se transforma físicamente del mismo modo que hizo Christian Bale precisamente en La gran estafa americana, apareciendo calvo y gordo para dar vida al protagonista de la película, Kevin Willis. Willis es un empresario que ha dilapidado el gran negocio que había heredado de su padre, y que finalmente se lo juega todo a una carta para, convenciendo al explorador Michael Acosta, buscar oro en la selva de Indonesia. A partir ese elemento inicial, la película se desarrolla más o menos como cabe esperar. Con el éxito de esa misión suicida, diversos problemas aparejados a conseguir ese éxito, el ataque de los competidores en el sector, mucho mejor preparados para manejar una fortuna de esas características, y la caída final del protagonista. Y realmente, durante la mayor parte de la película te da la impresión de estar viendo una historia que ya has visto demasiadas veces. Al igual que sucedía en Juego de armas, la película crece cuando los protagonistas están sobre el terreno, y termina por aburrir cuando se centra en los aspectos económicos y financieros. Así, las secuencias de la búsqueda del tesoro en Indonesia, encabezadas por un sensacional Édgar Ramírez interpretando a Michael Acosta como una especie de mezcla entre Indiana Jones y el personaje de Humphrey Bogart en El tesoro de Sierra Madre, son lo mejor de la película con mucha diferencia. Pero acaban resultando realmente escasas, ganando cada vez más y más peso la vertiente financiera, y los tejemanejes
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de empresas competidoras por hacerse con el negocio de Willis. Ese tramo central de la película, excesivamente largo, aburrido y formulaico, y aderezado además con un par de flashforwards que lejos de “Gold crece cuando generar interés por lo que los protagonistas está por venir solo sirven están sobre el para fastidiar alguna de las terreno y aburre sorpresas que el guion nos tiene reservadas, es una losa cuando se centra demasiado pesada. Así, esos en los aspectos giros de guion que aparecen en el último tramo de la financieros.” película, aunque muy interesantes, llegan demasiado tarde, y están resueltos de manera demasiado apresurada como para poder levantar la película. Así, una historia que sobre el papel podría resultar muy interesante, y que seguramente después de ver la película te quedes con ganas de saber más sobre la historia real, acaba sepultada por una estructura y un ritmo lamentables, que relega los elementos más interesantes como son la excavación en Indonesia y los giros finales a los márgenes de la película, para centrarse en situaciones mucho más aburridas. A
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Kong: La isla calavera Kong: Skull Island / USA / 2017 Dir.: Jordan Vogt-Roberts.
Rep.: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John C. Reilly, John Goodman, Toby Kebell.
Texto: Juan Romero
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s muy curioso el hecho de que en el último año hemos tenido dos películas que homenajean claramente a la gran obra maestra que es Apocalypse Now en la forma de un mono gigante que adopta de alguna manera el papel del Coronel Kurtz que interpretó en su momento Marlon Brando. Primero fue El libro de la selva, la que en el cambio más destacado con respecto a la película original de dibujos animados sustituía al divertido y jazzista Rey
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Louie por un mono gigantesco, mucho más peligroso y oscuro que aquel, y que recordaba notablemente al personaje interpretado por Brando. En esta Kong: La isla calavera es el mítico King Kong quien personaliza hasta cierto punto el rol del coronel Kurtz. En realidad toda la película, aunque parte del mito de King Kong, está claramente inspirada en Apocalypse Now. Desde el escuadrón militar
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Kong: La isla calavera (Kong: Skull Island, Jordan Vogt-Roberts, 2017)
que llega directamente desde Vietnam en helicóptero a ritmo de rock setentero; pasando por el personaje del militar que lleva décadas en la isla y ha hecho buenas migas con los nativos, interpretado por John C. Reilly, y que es un evidente trasunto del periodista al que dio vida Dennis Hopper; hasta el nombre del personaje de Tom Hiddleston, que se apellida Conrad en un claro homenaje al escritor de El corazón de las tinieblas, que fue a su vez la base para Apocalypse Now.
monstruos, los monstruos con King Kong, y los militares con King Kong. Algunas de ellas más inspiradas que otras, pero que acaba con una cierta sensación de buscar la espectacularidad por la espectacularidad, y de alargar innecesariamente algunas de esas peleas en busca de una épica que podrían haber conseguido mejor si hubieran definido más claramente los parámetros de la misión, y el objetivo de cada uno de “Entretenimiento con ellos. algunas interesantes
Probablemente sean esos ecos a la obra maestra de Francis Ford Coppola los elementos más interesantes de esta nueva película sobre el mono gigante más famoso de la historia del cine. Los militares perdidos en la selva rodeados de peligro, o el descenso por el río en la destartalada barcaza terminan por resultar, junto a algunas de las peleas, en los mejores momentos de la película.
Como suele ocurrir en las secuencias de acción, grandes superproduccioargumento débil nes hoy en día, la película e innumerables sirve además para sentar las bases de una saga referencias a que debe culminar en un Apocalypse Now.” crossover con Godzilla. En este caso, afortunadamente, no se hipoteca la película en función de una próxima entrega, como suele suceder en demasiadas oasiones hoy en día, sino que la relación con la saga se limita a un par de guiños casi imperceptibles y una escena postcréditos que es la que realmente planta la semilla del futuro crossover.
La película consiste, como suele ser habitual en la mitología de King Kong, en un grupo de personas que se adentran en la selva hasta darse de bruces con un montón de peligrosos animales extraños coronados por el gorila gigante. A diferencia de otras películas sobre Kong, en las que normalmente ese grupo de personas va a la isla por otros motivos, en este caso la expedición está liderada por un grupo de científicos del gobierno que sospecha de la existencia de estos monstruos. En todo caso, los objetivos de los diferentes miembros de la expedición no terminan de estar del todo claros, y no se sabe muy bien si el objetivo es capturar o matar al mono, o por qué se centra todo en él y no en el resto de monstruos que pueblan la isla. Así, gran parte del metraje acaba focalizándose en una serie de peleas entre los militares y los
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En cualquier caso, Kong: Skull Island es un buen entretenimiento, con algunas escenas de acción realmente espectaculares, aunque quizás acaba habiendo demasiadas. Sin un argumento demasiado sólido detrás. Con una serie de personajes totalmente desdibujados y estereotipados que desaprovechan un gran reparto (Tom Hiddleston, Brie Larson, John Goodman, Samuel L. Jackson). Y con innumerables referencias a Apocalypse Now, que acaban regalándonos algunos de los mejores momentos de la película. A
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El fundador The Founder / USA / 2016 Dir.: John Lee Hancock
Rep.: Michael Keaton, Nick Offerman, John Carroll Lynch, Laura Dern.
Texto: Juan Romero
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l fundador nos cuenta la historia real de los orígenes de McDonalds, con Michael Keaton como gran protagonista de la función, acompañado por John Carroll Lynch y Nick Offerman, y dirigida por John Lee Hancock. Ya desde el mismo título la película juega con la función real de Ray Kroc, el personaje de Michael Keaton, en la creación del imperio de McDonalds. Porque la palabra fundador da la impresión de que fue ese personaje el que crea el primer restaurante de McDonalds y acaba expandiendo su imperio, y la realidad es completamente diferente. Cuando comienza la película Ray Kroc es un simple trabajador que vende máquinas para hacer batidos, pero que tiene la ambición de hacer algo grande. En un momento dado, conoce un restaurante de comida rápida regentado por los hermanos McDonalds y se queda prendado de la rapidez y la alta calidad de la comida que preparan. Y decide que ahí hay un negocio importante. El resto de la película consiste en ver como Ray Kroc intenta expandir el modelo de negocio de los hermanos en diversas franquicias por todo el país, pese a las reticencias de éstos. Y en cómo va manipulando y quebrando sistemáticamente los contratos que ambos han
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firmado para ir haciéndose con el control del negocio, y buscando cada vez más los beneficios aún a costa de la calidad. Es una película desagradable de ver, en el que el mensaje que se nos lanza es que no hace falta solamente una buena idea o un buen producto para triunfar, sino que posiblemente lo más importante sea el transformar esa idea inicial en un modelo de negocio, pasando por encima de quien haga falta. Da igual que acabes haciéndote con el control de una idea que no era tuya, que acabes sacrificando calidad buscando solo provecho propio, o que abandones a tu familia por otra mejor en cuanto consigues el éxito. Todo vale para conseguir ese éxito. La película en sí es uno de tantos biopics intercambiables que se ruedan al año, elevado simplemente por la presencia de Michael Keaton y el respaldo de una gran marca como McDonalds, pero muy vacío en cuanto a contenido. Lo más destacable sea quizás la ambientación, sobre todo de algunos de los restaurantes al principio, y algunas de las escenas entre los hermanos, que ven que Ray Kroc les está robando y timando y haciendo lo que quiere con su negocio, y no pueden hacer nada contra él. A
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Bajo la arena Under sandet / Dinamarca / 2015 Dir.: Martin Zandvliet Texto: Juan Romero
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ajo la arena es una película danesa que nos cuenta un episodio bastante desconocido del final de la segunda guerra mundial, en el que prisioneros de guerra alemanes fueron utilizados para detectar y desactivar una enorme cantidad de minas que el ejército alemán había colocado en las costas danesas. La película se centra en un grupo de estos prisioneros. En este caso se trata de soldados alemanes muy jóvenes que bajo el mando de un sargento danés tienen que limpiar una playa de estas minas. Pero estos soldados en realidad casi acababan de ser reclutados y no tienen ni la más mínima idea de cómo llevar a cabo el proceso. Así, el sargento les da breves instrucciones de cómo tienen que llevar a cabo el proceso, y en seguida se ponen a ello.
Bajo la arena ofrece muy pocas concesiones. La mayor parte del metraje se dedica a la acción del desactivado de minas en sí, y las pocas veces que se desvía de ese elemento central lo hace para destacar las lamentables condiciones de los soldados alemanes, con escasez de comida, sin tiempo para el ocio, y despreciados por los pocos habitantes de la zona que se encuentran, y
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Rep.: Roland Møller, Louis Hofmann, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro, Joel Basman, Oskar Bökelmann, Emil Buschow.
por los mandos del ejército danés a cuyas órdenes trabajan. El grueso de la película como digo se centra en el desactivado de las minas en la playa. Pese a lo reiterativo de la situación, la película consigue mantener la tensión en muchas de sus escenas, y nos muestra las consecuencias de mandar a unos chavales sin mucha idea a desactivar una playa llena de minas. Que no es otra que numerosos accidentes y explosiones, que se van sucediendo. Conforme avanza la misión, el mando danés va dándose cuenta de la dimensión de la tarea y empieza a empatizar con el grupo de soldados, que a su vez van quedando más y más afectados, física y psicológicamente por las condiciones de su trabajo. En definitiva, Bajo la arena es un relato muy interesante de una situación bastante desconocida de la Segunda Guerra Mundial, contada de una manera muy directa. A
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En Corto
Wednesday with Goddard Wednesday with Goddard / UK / 2017 / 4 min Dir.: Nicolas Ménard
Rep.: Animación. Prod.: Random Acts & Nexus Studios
Texto: Aitor Boada
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on frecuencia declaro por aquí mi amor al menos es más, y el estilo sencillo y preciso de Nicolas Ménard no hace otra cosa que reafirmarlo. Sin embargo, que no lleve a confusión la palabra minimalismo: todo esto se aleja mucho de lo simplón y poco preparado, de hecho, es allí mismo donde reside, en la complejidad de lo sencillo, el verdadero creador, aquél que es capaz de expresar con una línea un mundo entero.
Wednesday with Goddard recuerda, inevitablemente desde el título, al Esperando a Godot
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de Samuel Beckett, y no ha sido sin querer: igual que su inspiración en el teatro, la cinta de Ménard gira en torno a una búsqueda, a una espera de algo o alguien, en su caso a Dios (God-dard). Sin embargo, en la cinta del francés su personaje decide ir a buscar la respuesta que ansía, apartándose con firmeza de los dos hombres que esperan quietos frente a un árbol en la obra de Beckett. Se muestra un personaje osado, un personaje que decide encontrar respuestas guiado por algo tan natural e inherente al ser humano como es la duda. Igual que en su paralelo dramático, Wednesday with Goddard roza
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En Corto / Wednesday with Goddard (Nicolas Ménard, 2017)
con frecuencia el absurdo: presenta situaciones divertidas para tapar un telón de fondo mucho más oscuro y abstracto. Impulsado en su innato afán descubridor, el personaje se topa con todo tipo de negativas y burlas en su búsqueda de Dios; encuentra el amor, se enamora perdidamente, lo pierde, aprende a vivir con ello…y por fin encuentra su anhelada búsqueda. No es de extrañar que este corto haya resultado ganador en el festival estadounidense SXSW
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(South by Southwest) que se ha celebrado en marzo, pues, en tan sólo cuatro minutos, con unos personajes que en sí mismos alcanzan la definición de absurdo, compuestos de trazos rectos y formas geométricas, que contrastan de una manera deliciosa con los dibujos detallados hechos a lápiz por su compañera Manshen Lo, Nicolas Ménard alcanza las cotas más altas de expresión y narración de historias, convirtiéndose en uno de nuestros favoritos del mes y probablemente del año.A
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Número 24 - Mayo 2017
Creación, contenido y diseño Colaboraciones
Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Aitor Boada Beatriz López Alfonso Romero Saúl Olmo Aitana García
¿Te interesa colaborar en la revista? ¿Tienes preguntas. comentarios o sugerencias? ¡Escríbenos al correo electrónico! revistaerebus@gmail.com
Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.
Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.
José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.
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Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.
Saúl Olmo Aitor Boada Amante del cine , la Me gusta embarcarme literatura, los cómics, los en nuevos proyectos y si videojuegos y cultura geek además juntan mis dos en general que disfruta aficiones, parece hasta criticando el séptimo arte. obligado. La pasión por el Objetiva y constructivamente, claro. cine me viene desde pequeño. Era de esos niños que creen -y sigo pensándolo- que viven en una película.
Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr.
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ISSN: 2444-1406
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