Revista Muebles y Decoración/ Edición 142

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Carta Editorial

La Arquitectura y el diseño tienen un objetivo en común, ambas se guían por necesidad de crear espacio s o productos que satisfagan al consumidor o al propio creador. Están relacionadas con todas las artes debido a que son formas de expresión; así como hay quienes se expresan con la escritura, pintura, escultura, música, también hay quienes lo hacen a travez de la arquitectura y el diseño. Como lenguaje universal, está dirigido a todo el mundo.

Todo el bagaje cultural del diseño nacional se ve plasmada en sus hermsoso murales, textiles creados de la mano de talentosos artesanos, talavera que cuanta historias a travéz de cada trazo y el diseño contemporaneo, entre otras cosas. En esta época hay un gran orgullo del diseño mexicano sobre la síntesis de miles de años heredados.

arcia Rodolfo G

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Contenido

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Director

Rodolfo García Hernández Consejo Editorial

Alfredo Miguel A.

Stephen Ianuzzi

Kent Liquist Coordinación General

Ma. Eugenia Castellanos D.

marumueblesydecoracion@prodigy.net.mx

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© Derechos Reservados Copyritht Derechos reservados a favor de su autor J. Rodolfo García Hernández. Fernando Montes de Oca no.30 , Col. Condesa, México, CDMX. C.P. 06140 Tel. 5586 4282. Revista Bimestral con certificado al uso exclusivo del titulo de Muebles y Decoración.

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Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra. Impreso en: Corporación Publicitaria RG, SA de CV. Oriente 170 no 89 Col. Moctezuma 2ª Secc., México CDMX. Tel. 5211 6701.

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La creación de la estética con barro 6 Las musas en el diseño 12 El rebozo mexicano 20 La cultura de la madre tierra 23 La arquitectura y el color de la luz 26 Biofilia 30

Encanto de otoño 34 Arquitecto Francisco Elías 42 Obra en blanco 44 Design Week 48 Liliana Méndez 54 Pantone 2020

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´ La creaciOn ´ de la estetica

con barro

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uchas son las historias con las que podemos identificarnos con el barro, desde la concepción religiosa donde nos cuentan que Dios tomo arcilla y creo al hombre, hasta aquella en la que del barro emergió una civilización, lo cierto es que este material ha perdurado a lo largo de los siglos llenando de historia, arte y estética las culturas, civilizaciones y países donde se ha utilizado.

El barro es una composición de tierra arcillosa con agua, cuya característica principal es la dualidad de estados que presenta y que le permiten ser un material de gran impacto para la decoración y elaboración de diversos objetos ornamentales o funcionales para el hogar. La tierra arcillosa al entrar en contacto con el agua forma una masa moldeable que pone en juego la creatividad de los alfareros que moldean y elaboran una serie de delicadas piezas.

Hablemos de barro.

La palabra barro es una voz del castellano y el portugués, en castellano es preponderante la acepción de “masa” resultante de la mezcla entre tierra arcillosa y lluvia, mientras que en portugués la equivalencia se acerca más al término “arcilla”.

La voz barro está documentada en castellano desde el año 1250, sin embargo existen registros del año 952 donde encontramos una forma derivada de dicho termino en “barrial o barriales”.

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Aunque no se tiene un dato certero de su origen lo cierto es que todas las grandes culturas alrededor del mundo han utilizado la alfarería y el barro como un recurso para determinar su concepción estética.

En la actualidad el barro es uno de los elementos decorativos más utilizados por artesanos, artistas, escultores e incluso arquitectos.

La creación de vasijas, platos, platones, jarros, y objetos como el tradicional árbol de la vida elaborado en Metepec pone y propone al barro mexicano como un elemento característico de nuestra cultura reconocida a nivel internacional.

La propuesta por ejemplo de Sam Barón un diseñador francés que ha reinterpretado las tradicionales vasijas de barro rojo implementando una serie de elementos en las asas de las misas son una prueba contemporánea de la influencia estética de nuestra cultura en la concepción del diseño.

El barro negro originario de San Bartolo Coyotepec, Oaxaca es sin duda un sello tradicional de impacto internacional en materia de decoración, un dato curioso de este material es la manera en la que los artesanos de Oaxaca le imprimen este característico tono, si bien se pensaría que la arcilla de este barro presenta de manera natural este tono la creencia de ello es un error común, el barro negro debe su particular color por el proceso de horneado.

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Una vez moldeada la pieza, se seca a la luz del sol durante cuatro días, después de los cuales si no hay algún corte necesario, si la pieza esta brillante y si no tiene manchas en ella, se da por completado el trabajo.

En caso de que la pieza necesite algún corte, este se lleva a cabo por manos firmes, ya que es un trabajo muy preciso.

El efecto brillante se logra puliendo la pieza a mano con cristales de cuarzo. Después de rasparse, se deja secar al sol por otros 3 o 4 días. Al pasar este tiempo, la pieza se coloca en un horno (normalmente de leña) por un día. Es durante este proceso donde la cerámica negra adquiere su distintivo color. Esta es una forma única de adquirir esa coloración negra, y solamente se hace en Oaxaca.

Incorporar un elemento decorativo en barro en los diseños contemporáneos permite crear un concepto estético natural, cada tipo de creación en barro presenta connotaciones culturales especificas que determinan el carácter de la pieza.

Pensemos por ejemplo la elegancia que refleja el barro negro con el alto contraste que nos aporta su particular tono, o bien la pigmentación terracota del barro rojo digna de contrastar con tonos neutros para lograr un ambiente de aires naturalistas.

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Sin importar cuál sea la elección por la que optemos, el barro puede ser sin duda uno de nuestros grandes aliados al momento de crear espacios únicos y con carácter en materia de diseño, decoración en interiorismo, ya sea en una espectacular vajilla de barro negro, un cántaro barro rojo para el agua o las flores de centro de mesa, hasta un magnánimo árbol de la vida que enmarque nuestra sala o un simple pero detallado portarretrato en el que perduren los grandes recuerdos de nuestro hogar.

Por Isabella Meneses

Cuando estás en la región de la montaña de Guerrero puedes palpar su virginal belleza al igual que escuchar una diversidad de voces, aullidos, cantos y estruendos de basta fauna que te puedes encontrar en ella.

Nuestra línea “Animal” está inspirada en la entrañable naturaleza y fauna de la región de la montaña de Guerrero.

Búhos, jaguares, gatos, colibrís, palomas manifiestan emociones y nos hacen sentir a través de una pieza hecha a mano.

Así lucen nuestros platos base, creados en colaboración con artesanos de la región de Olinalá, Guerrero.

Nos sentimos muy felices del resultado de esta línea, que traspasa el sentir de las manos que realizan cada pieza y respeta la tradición y técnica original.

Alicia Rosas Benítez Fundadora y Directora General.

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Las musas en el diseño

Mosaicos MUEBLES Y DECORACIÓN /

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ajestuosas composiciones pictóricas realizadas con una maestría de color y composición, detalladas con pequeños trozos de vidrio recortado, cerámicas, cristales y materiales que permean los sentidos de una vibrante experiencia, así son los mosaicos.

La palabra mosaico proviene etimológicamente de la palabra griega “musa”. Según el historiador griego del S.II Pausanias, al principio las musas fueron tres: Aedea (el canto, la voz), Meletea (la meditación) y Mnemea (la memoria).

Juntas representaban las precondiciones del arte poético en la práctica del culto religioso. En el antiguo mundo clásico griego el arte de los mosaicos era tan representativo y hermoso que se creía solo podía estar inspirado en las musas.

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El arte musivario se conoce desde hace miles de años, aparece y desaparece en diferentes épocas de la historia. Es muy utilizado durante algunos periodos históricos y en otros apenas aflora, para volver a aparecer en épocas posteriores y dar un estético toque a aquellas majestuosas edificaciones que los poseen.

Orígenes…

Los registros históricos nos indican que uno de los primeros mosaicos de la humanidad hecho con cilindros pequeños y conos, lo encontramos en Mesopotamia, en el templo de Uruk (la actual ciudad iraquí de Warka), construido entre el 3800-3400 a.C. donde encontramos algunos edificios y santuarios cuyos muros se decoraron con revestimientos que consistían en una decoración romboide, dando aspecto en zigzag generado por decenas de miles de pequeños conos o agujas cerámicas, cocidas en horno y sumergidas en tintas de colores, rojo, negro y el propio de la arcilla. Estos conos puntiagudos de dos centímetros de diámetro de base y más de doce centímetros de longitud se encastraban en la gruesa capa de mortero de barro y en la capa superficial de yeso mostrando su base cuadrada.

Este tratamiento se utilizaba como capa resistente a la humedad y, aunque se realizó en contadas ocasiones, puede decirse que es la técnica precursora del opus reticulatum y opus misivum.

Clásicos…

En la Grecia Clásica, los mosaicos se emplearon desde muy temprano en pavimentos compuestos por guijas de río de distintos tamaños y colores con los que se diseñaban motivos geométricos. En la ciudad de Pella, que fue capital del antiguo reino de Macedonia, encontramos bellos diseños con figuras en los que se utilizan guijarros de colores de matices muy delicados. Solían ser con un fondo oscuro y el resto de tonos más claros, delimitados con tiras de plomo o cerámica (Caza del Ciervo).

Las primeras teselas datan del siglo IV a. C., donde empezaron a sustituir a los guijarros. Eran fragmentos de piedra tallados en forma de cubo, por lo que podían colocarse más juntas logrando imágenes de mayor precisión. Algunas teselas, incluso, eran pintadas para conseguir una mayor gama cromática.

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Cuando los romanos conquistaron Grecia y Asia en el siglo II, los mosaicos eran algo común en todo el mundo de habla griega, desde allí paso a Roma iniciándose un género al que los romanos dieron un gran impulso, haciendo de él una especialidad artística propia. Los mosaicos más antiguos de Italia son los que han llegado desde Pompeya, y constituyen una magnifica fuente para el estudio de estos. En esta ciudad encontramos un gran tesoro arqueológico que nos muestra la vida cotidiana interrumpida por la dramática erupción del Vesubio en agosto del año 79 d. C. La técnica más utilizada por los romanos fue la conocida como opus tessellatum (piedra, vidrio, cerámica). El mayor desarrollo del mosaico tuvo lugar en esta época y, con su expansión, aumentó la demanda de ornamentación para suelos, lo que popularizó el uso de este arte decorativo.

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Del ayer al hoy…

A principios del siglo XX los mosaicos recuperaron su popularidad, fruto de un creciente interés por las artes decorativas. El Art Nouveau (Modernismo) utilizó los mosaicos como forma elevada de decoración y, tanto artistas como arquitectos, los integraron en sus obras. El arquitecto catalán Antonio Gaudí cubrió edificios de mosaico, abriendo camino a muchos otros musivarios. La técnica favorita en esta época de la historia es el trencadís (término de la lengua catalana que podría traducirse como troceado o “picadillo”) un tipo de aplicación ornamental del mosaico a partir de fragmentos cerámicos y vidrio unidos con argamasa.

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Cada mosaico cuenta una historia no solo en las imĂĄgenes plasmadas que podemos apreciar en cada uno de ellos, si no en las manos de aquellos artistas que los crean cuidando cada detalle para formar un paisaje multicolor donde los relieves de cada pieza juegan un papel fundamental para consolidar un momento, un paisaje, un rostro o simplemente un juego lucido de colores que desborda los sentidos.

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El Rebozo mexicano

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el telar a la vestimenta y del guardarropa al diseño, está icónica prenda mexicana ha destacado por su versatilidad en colores, materiales y usos, el rebozo mexicano símbolo de una cultura textil que enmarca una gran tradición mexicana se ha convertido en un estandarte de diseño al rededro del mundo…

De acuerdo con información proporcionada por la Casa de las Artesanías en San Luis Potosí y el Museo de Arte Popular Asociación de Amigos, existen discrepancias en cuanto al origen del rebozo, pero son tres las teorías que pueden explicar su presencia en México.

La primera afirma que es una prenda proveniente de la India y llegada a México por el Galeón de Manila; la segunda sostiene que es resultado de la fusión de la cultura indígena y europea, una derivación de las mantillas españolas; y la tercera, señala que surge de la combinación del ayate indígena, elaborado con ixtle o mamatl, lienzo rectangular con bordes de un material distinto, ambos usados por hombres y mujeres para carga y transporte de diversas mercancías con los materiales, colores y formas de las prendas españolas.

En 1572, fray Diego Durán menciona en su obra Historia de las Indias de Nueva España e islas de Tierra Firme que las mujeres mestizas usaban telas para cubrirse antes de entrar en las iglesias, quizá inspiradas en los lienzos que los frailes católicos obligaban a las indígenas a usar al entrar en dichos recintos sagrados.

En lengua náhuatl, el nombre de la prenda era “ciua nequealtlapacholoni”, que significa “lo que toca una mujer o algo semejante” y los antiguos habitantes del hoy estado de Morelos la llamaban cenzotl, cuyo significado del náhuatl es “tela de mil colores”.

Si bien el rebozo es un estandarte en la vestimenta femenina en la actualidad este emblemático elemento de la cultura mexicana se ha colado hasta las más reconocidas galerías de todo el mundo para llenar de textura, color y tradición los rincones de los hogares y oficinas de vanguardia con sus más expresivos diseños.

Algunas de las manifestaciones de esta prenda en el diseño de interiores las encontramos en la creación de edredones para cama, almohadas decorativas, sillas de descanso o comedor.

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De la moda al diseno

Ya sea mediante la creación o transformación del rebozo en almohadas decorativas o bien como cubre cama hasta la silla expuesta en 2013 por la firma “Espiral Arquitectura” donde la inspiración fue el diseño del rebozo clásico de franjas de colores para la creación de dicho mobiliario.

Uno de nuestros favoritos sin duda es la reinvención del uso de estas majestuosas obras de arte, utilizadas como lienzos de paredes aportando una calidez y sello característico a los más distinguidos rincones, en Europa podemos encontrar el uso del rebozo enmarcado y expuesto sobre los muros de algunos hoteles 5 estrellas donde no solo son apreciados por sus suntuosos colores, si no también admirados por la historia y tradición que cada uno cuenta.

Si de elegancia y lujo en decoración hablamos una de las grandes aportaciones de esta artesanía al diseño es el rebozo de Santa María del Río.

Un municipio localizado en el sur del estado de San Luis Potosí, y fue fundado por guachichiles y otomíes, estos últimos reconocidos como espléndidos tejedores. “La cuna del rebozo”, como se le conoce, es famosa precisamente por la elaboración de rebozos de seda de alta calidad que pasan por un anillo.

Actualmente una de las grandes aportaciones al diseño internacional utilizada por el arquitecto Legorreta en la creación de espacios y escenarios emblemáticos donde ha creado piezas de tapicería inspirada en este estilo de rebozo.

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"LA CULTURA DE LA MADRE TIERRA"

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illiam Vive es el pintor de la madre tierra desde hace 24 años y propone contribuir a un nuevo cambio cultural, ecológico y social por medio de la promoción de sus obras de arte, murales y esculturas que aportan de manera evidente e ideal a generar un sentido de reconocimiento, afecto, respeto y admiración por la madre tierra, sustento y apoyo para nuestras vidas cotidianas.

Las obras de arte de la madre tierra son un manantial de asombro e inspiración para los ávidos espectadores que han identificado en estas obras de arte a la figura femenina que representa la fuente de la vida en la naturaleza y que posa ante nuestros ojos como el símbolo ecológico que genera un impacto emocional y visual que provoca un sentido de conciencia y comprensión por la naturaleza y nos ayuda a concebirla como el ser vivo que por medio de sus actividades naturales nos provee continuamente del oxígeno, el agua, los alimentos y los elementos necesarios para fomentar y perpetuar la vida en este maravilloso planeta.

La madre tierra ha sido reconocida por muchas culturas ancestrales desde tiempos inmemoriales como la pachamama, Gaia o Tonanzin como es más conocida en México.

Las obras de arte de la madre tierra en la forma en que William Vive las concibe y presenta, generan un caudal de inspiraciones analíticas y emocionales que planean un nuevo estado de comprensión, armonía y convivencia con nuestra madre tierra lo cual se manifiesta también en el nuevo modelo geo-político propuesto y promovido por la ONU que propone como base operativa una interacción y convivencia con el planeta, donde se puedan desarrollar las tecnologías auto-sustentables, las fuentes de energías limpias y renovables y donde el ser humano pueda vivir en mayor paz y armonía con la naturaleza sin que está sufra consecuencias adversas e irreparables.

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"La madre tierra ha sido reconocida por muchas culturas ancestrales desde tiempos inmemoriales como la pachamama, Gaia o Tonanzin como es más conocida en México"

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"La cultura de la madre tierra" Es un movimiento ecológico, artístico, social, político y cultural que desea cambiar el modelo actual y propone un nuevo paradigma basado en la cooperación, participación social, la auto-sostenibilidad y un mayor aprovechamiento de los recursos naturales para poder preservar y perpetuar la vida en nuestro planeta para nuestros hijos y las generaciones venideras y es en ese nuevo cambio social, político, y cultural que ha sido identificado como la tercera revolución industrial donde las obras de William Vive son el complemento visual ideal qué contribuye a generar cambios positivos en la conciencia colectiva

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seduciendo, invitando e Incluyendo a los ciudadanos, a los ecologistas, activistas y demás a ser parte de este nuevo y anhelado movimiento ecológico global que plantea transformar positivamente nuestro modus operandi social y estilo de vida y ser una vez más parte natural de la solución y no del problema ambiental que de una u otra manera nos afecta directa o indirectamente.

"Una imagen vale más que mil palabras"

Es, en esencia, la función principal de las imágenes y obras de arte de la madre tierra: generar un cambio de conciencia y crear y contribuir con el discurso visual y estético a promover y establecer un estado de conciencia y comprensión qué nos permita reconocer que el planeta también está vivo, que fluye y respira y genera fuentes incontables de apoyo continuó a la vida y convive con nosotros en una delicada e intrínseca armonía desde el principio de los tiempos.

Las obras de arte de la madre tierra son el complemento visual ideal para complementar cualquier campaña o movimiento ecológico que proponga generar conciencia y convivencia con la naturaleza porque instantáneamente generan una nueva percepción de nuestro planeta y nos ayudan a comprender de forma

evidente e indiscutible que dependemos de la vida en el planeta para nuestro sustento cotidiano.

Una vez más las obras de arte de William Vive fueron escogidas como las imágenes oficiales del segundo foro mundial por los derechos de la madre tierra que se realizó en Sao Paulo, Brasil en junio del 2018 donde las obras de arte de la madre tierra obtuvieron un mayor reconocimiento internacional.

A través de sus pinceladas mágicas William realiza obras de arte únicas, coloridas, armoniosas y estéticas que causan un gran impacto visual y emocional lo cual es el propósito principal de una buena obra de arte; impresionar, inspirar y contribuir a crear momentos gratificantes de admiración que duran toda una vida...

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La arquitectura del color y la luz André Hernández

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l término francés “vitrail” llegó al castellano como vitral. Se trata de un sustantivo que alude a una vidriera que exhibe diferentes colores. También conocidos como vidrieras policromadas, los vitrales se fabrican con piezas de vidrio de distintas tonalidades. Por lo general estos vidrios son coloreados con esmaltes y luego ensamblados entre sí a través de varas.

En el año 3000 AC y mil años más tarde se comenzaron a moldear objetos de cristal transparente. En las ruinas de Pompeya y Herculáneo, se encontró que los romanos de la clase alta utilizaron vitrales en sus villas y palacios.

Pero era considerado un lujo de decoración más que un medio de expresión artístico. Se empezó a considerar una forma de arte cuando Constantino permitió a los cristianos practicar su religión abiertamente para el año 313 DC y comenzaron a construir iglesias basadas en los modelos bizantinos. El ejemplo más antiguo de un vitral es una Cabeza de Cristo del siglo X, excavada del Lorsch Abbey en Alemania.

Periodo Romanesco…

Durante los siglos IX y X la demanda por la construcción de iglesias aumentaba y de igual forma la producción de vitrales para las ventanas. En este periodo el arte del vitral estaba influenciado por el Arte Bizantino y por eso vemos patrones lineales y frontales característicos de este arte. Las imágenes eran realizadas mayormente en cristales rojos y azules y rodeados de cristal blanco. Encontramos ejemplos de este periodo en la Catedral de Canterbury en Inglaterra y en la Catedral de Strasbourg en Francia.

Otros monumentos de cierta importancia se remontan a principios del siglo XII y se encuentran en Alemania en la Catedral de Augusta y en Francia. La técnica empleada en esta época era cortar los cristales de color y

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pintarlos con un barniz hecho de óxidos metálicos y someterlos a una cocción en horno para fijar la pintura. Los diferentes pedazos de cristal eran unidos mediante unos bordes de plomo. Las diferencias de tonalidades cromáticas son muy definidas y se pasa de una zona de color a otra sin ninguna modulación tonal. En Francia encontramos este estilo en la Catedral de Chartres en la fachada occidental de la catedral y en el panel llamado Notre Dame de la Belle Verrierre Periodo Gótico…

En el siglo XIII vemos cómo el vitral queda enlazado a la arquitectura, pues el estilo gótico de construcción permite aumentar el número y el tamaño de las ventanas y esto trajo un extraordinario desarrollo del vitral. En la Chapelle de Paris se produjeron ventanales de dimensiones excepcionales.

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Durante el Siglo XIII, la influencia francesa se deja sentir en toda Europa, en España (Catedral de León), en Inglaterra, (Canterbury, Lincoln) y en Alemania (Catedral de Augusta).

El rojo y el azul continúan siendo los colores predominantes. Formas geométricas le dan forma a la narrativa de eventos bíblicos plasmados en secuencia. La “Ventana de la Rosa” en la Catedral de San Dennis y en la Catedral de Chartres, ambas en Francia, influencia a toda Europa al presentar formas más complejas de presentar la narrativa bíblica. Los bordes decorativos y el follaje se vuelven más naturalistas y detallados. A principios de siglo XIV se produce la técnica de la introducción del amarillo de plata, esto es, una sal metálica, que al ser cocida, adquiere un color dorado y hacía posible cambiar el color de la superficie del cristal. De esta forma un pedazo de cristal podía presentar dos colores, algo imposible hasta ese momento.

Durante el periodo gótico el arte del vitral experimentó la mayor variedad en diseño, estilo, color y sentimiento.

A mediados de Siglo XV se comienzan a emplear los esmaltes, la técnica más importante en la historia del vitral. Durante este siglo, los artistas del vitral comienzan a ser comisionados por clientes ricos y cada artista se deja conocer por sus destrezas y técnicas específicas. En los siglos XVI y XVII, se desarrollan los vitrales civiles suizos- pequeños vitrales con temas profanos, con blasones, retratos, etc. – para decorar edificios públicos o privados.

Durante esta época, problemas religiosos comienzan a afectar el arte del vitral. En la Reforma, la creación de imágenes religiosas fue prohibida y conllevaba severas penalidades, por esto los artistas del vitral se veían forzados a conseguir encargos de obras no religiosas.

Los ataques a las iglesias católicas destruyeron una gran cantidad de vitrales, particularmente en Inglaterra. En el 1547 la Disolución de los Monasterios ordenó la destrucción de todas las decoraciones en cristales de las iglesias. En 1633, muchas de las fábricas de cristal en Lorraine, Francia fueron destruidas por la guerra. De igual forma, del 1642 al 1653 el gobierno de Inglaterra destruyó miles de vitrales.

Renacimiento Gótico…

En el siglo XIX, con el romanticismo, reaparece el vitral y artistas famosos como Delacroix e Ingres proporcionan diseños para vitrales.

En este periodo reaparecen los “vitrales de estilo” durante el renacimiento gótico, en las que se copian el estilo y la composición de los vitrales del siglo XIII y se redescubren las técnicas antiguas.

El movimiento del Art Nouveau trajo nueva vida al arte del vitral y su estilo romántico de líneas sensuales.

En Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany produjo un nuevo estilo en el vitral. La opulencia de la sociedad industrial americana revivió el arte del vitral y se desarrollan talleres como los de Tiffany y La Farge, cuyos estilos románticos armonizaban con la arquitectura neoclásica de la época.

Vitral Contemporáneo…

La tecnología en la arquitectura del siglo XX abrió las paredes de los edificios para los artistas de vitrales alrededor de todo el mundo. Estas nuevas oportunidades dieron paso al desarrollo de nuevas invenciones en el medio, como el “dalle de verre”, pedazos de cristal con superficies cortadas en facetas y metidas dentro de resina epoxica o concreto. Como en todas las épocas desde el Renacimiento, muchos grandes artistas han diseñado vitrales. Importantes artistas como Matisse, Rouault, Marc Chagall Legar y De Chirico han sido grandes referencias para esta manifestación artística. También encontramos obras abstractas de Manessier y de Villon (Catedral de Metz).

Al comenzar el siglo XX, con el modernismo, se producen también obras muy refinadas en Francia, Alemania e Italia.

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BIOFILIA

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T endencia o amor hacia lo vivo

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onexión entre el humano, la naturaleza y los seres vivos, ya sean plantas o animales, según el biólogo especializado en evolución, Edward O. Wilson. Él indica que la naturaleza es esencial para el desarrollo psicológico humano.

Para el 2020, existe un mayor interés en la biofilia, enfatizando la conexión entre el ser humano y la naturaleza. Los materiales naturales y orgánicos, como los suelos de madera, la piedra, la luz del día y la vida vegetal, nos recuerdan el exterior y la naturaleza.

Se trata de una práctica que surge del diseño biofílico, que incorpora elementos naturales para darte un respiro de los interiores estáticos, y que además sirve para mejorar tu estado de ánimo al permanecer tantas horas en estos lugares. Para llevarla a cabo, solamente debes plasmar colores relajantes en las paredes (con inspiración en la naturaleza), agregar un par de plantas y tener fuentes interiores para que el entorno se vuelva tranquilo. Esto ayudará a que se purifique el aire, se mantenga un ambiente fresco y por supuesto se reduzca el nivel de estrés.

La esencia de esta tendencia es conjugar los detalles de la arquitectura con la naturaleza y crear un ambiente más cercano, para que así las personas que conviven en él puedan sentirse plenos. Según un estu-

dio realizado por Human Spaces de Inglaterra, en la que se encuestó a más de siete mil empleados alrededor del mundo. Éste indicó que su productividad y creatividad mejoró entre un 80 y 100 por ciento.

Si nos remontamos a los orígenes de la palabra, “biofilia” significa, literalmente, “amor a la vida”. Y eso se expresa de forma muy clara en esta tendencia de diseño.

Los postulados básicos de este estilo refieren a que el contacto con el medio natural es algo instintivo y necesario para la buena salud. Pero no se trata simplemente de agregar unas plantas a la oficina o a la sala de la casa: la arquitectura biofílica se interna en los materiales mismos de construcción y en espacios urbanos, y en los diseños de espacios propios de entornos naturales.

Siguiendo esta tendencia, se busca desarrollar edificaciones más responsables con el ambiente que les rodea mediante la generación de sistemas que favorezcan el ahorro energético y, a la vez, propiciar el bienestar de las personas que habitan y transitan por estos edificios (lo cual, en espacios laborales, puede provocar mayor felicidad y niveles de productividad).

Es una corriente del diseño, arquitectura e interiorismo, no se puede considerar exclusivamente como “un estilo de decoración” dada las implicaciones sociales y profesionales que tiene; se describe de manera simMUEBLES Y DECORACIÓN /

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plificada como la tendencia de incorporar elementos de la naturaleza en interiores urbanos.

Cada vez son más las empresas que buscan incorporar los beneficios del llamado diseño biofílico en sus instalaciones sobre todo incorporando decoración vegetal en forma de jardines verticales y otras composiciones vegetales.

Tanto nuestro espacio laboral como nuestro hogar, a veces pueden resultarnos agobiantes o demasiado “estáticos”, lo que nos puede llevar a sentirnos desanimados o estresados. La práctica de la biofilia aporta muchas ventajas en este sentido, y se puede incorporar a cualquier entorno de diversas formas: - Pintar paredes de colores relajantes derivados de la naturaleza como verde, azul o marrón: estos tonos generan una sensación de relajación y estimulan la mente.

- Tener ventanas o balcones que permitan la vista hacia el exterior y, en lo posible, hacia los árboles.

- Agregar plantas en el piso, en las paredes o colgadas del techo. Está comprobado que las plantas de interior purifican el aire, mantienen el ambiente fresco y reducen el estrés.

- Colocar pequeñas fuentes interiores para generar sensaciones de calma y sonidos armoniosos.

- Generar un interjuego entre luces y sombras o espacios en los que se integren diferentes tonalidades de luz.

- Crear estímulos táctiles, olfativos o auditivos, formas, materiales y texturas que recuerden a un entorno natural como una temperatura templada, un relativo nivel de humedad y diversos flujos de aire.

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Encanto de

Otoño

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Etimológicamente la palabra Otoño significa “La Plenitud del Año”, entendiendo esa plenitud como símbolo de madurez. Si bien podría asociarse con decadencia por la sequedad de las hojas y la caída de estas de los árboles, por el contrario, representa el período en que los cultivos florecen, permitiéndonos recoger la cosecha.

El otoño nos invita a soltar, así como hacen los árboles que por efecto de la brisa sueltan sus hojas para que estas ahora nutran la tierra, dando vida a nuevas flores y cultivos en primavera. Trasladándolo a la vida, nos llama a soltar objetos, relaciones y sentimientos sin ningún arrepentimiento, para dar cabida a nuevas emociones en nuestra vida.

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l otoño siempre trae un buen número de ideas para decorar el hogar y darle un aire y un color distinto al del resto del año. Aunque mucha gente piensa que esta es una estación un tanto triste y aburrida, lo cierto es que la decoración de otoño puede dar mucho juego y te lo vamos a demostrar.

La llegada de una nueva estación siempre es un buen momento para plantear algunos cambios en la decoración de una vivienda y el otoño especialmente trae muchas novedades consigo. No hay que olvidar que se trata de una temporada en la que solemos pasar más tiempo en casa, por lo que es importante que nos encontremos agusto en ella.

Renovar las alfombras, cojines, cortinas, manteles y demás materiales textiles habituales en un hogar es la manera más rápida y sencilla de adaptar tu vivienda a esta nueva época del año. Apuesta por texturas suaves y cálidas como la lana o la piel, así como por colores tierra como el marrón o el beige. Gracias a estos consejos conseguirás que tu casa respire calidez por los cuatro costados y seguro que no querrás salir de ella.

En esta época también se recomienda adornar la casa con elementos que aporten un toque otoñal a la par que chic. Es el caso de piñas, hojas secas, madera o flores típicas del otoño como las hortensias o los girasoles. Se trata de elementos decorativos que cobrarán el absoluto protagonismo durante estos meses y seguro que enamorarán a las visitas que recibas.

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La baja temperatura hace que queramos estar más tiempo disfrutando cada rincón de nuestra casa. ¿No es así? Por eso mismo no hay nada mejor que usar los colores correctos para mantener un ambiente acogedor. Elige una paleta neutra que se base en tonos tierra con toques marsala.

Las velas también son un elemento muy recurrido en estos meses del año, pues no cuestan mucho dinero y permiten crear una atmósfera muy agradable. Puedes usarlas de múltiples tamaños y formas, y en prácticamente cualquier rincón de la casa. ¡El otoño es época de frutos secos! Castañas, nueces, almendras y avellanas. Se puede hacer un interesante centro de mesa en una bandeja o bol.

A falta de frutos secos, una bandeja de chocolates unas tazas de café o té resultarán igualmente indicados para dar lugar a una atmósfera cálida, relajada y plenamente otoñal. ¡También puedes agregar ramas de canela! Los centros de mesa son otra elección perfecta para el otoño siempre que contengan alguno de los elementos que hemos visto anteriormente: hojas caídas, piñas o ramas secas. Hay mil ideas para hacerlo de una forma original y elegante.

La decoración también se puede trasladar a la mesa e, incluso, hasta la alimentación. Si tienes invitados en casa saca una bandeja o bol con castañas, nueces, frutos secos y algo de chocolate. ¿Hay algo más otoñal que eso?

Puedes vestir la entrada de tu casa con un perchero o un paragüero que resultará muy práctico y útil Toma nota que los días de otoño bien merecen ser atrapados en una estancia que lucirá fantástica.

No pienses en otras temporadas con toques de color vibrante, porque este otoño van los suaves tonos. Así que aprovechemos en el sofá, los cojines o la ropa de cama, suaves tonos de naranjas y amarillos. Empolvados tonos de rojos, marrones, amarillos y verdes. Sin renunciar si te gustan, a mezclarlos con los colores más clásicos de otoño, los colores de siempre. Así que puedes crear una atmósfera a tu total gusto y en tendencia.

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FRANCISCO En 2006 funda su oficina de arquitectura, diseño y construcción bajo el nombre de ELÍAS ARQUITECTURA, con sede en la Ciudad de México, desde la cual atiende proyectos públicos y privados bajo la filosofía de crear una plataforma de pensamiento, análisis e investigación donde las colaboraciones con especialistas de diferentes campos del conocimiento se integran para realizar proyectos únicos y personalizados que atienden de forma estricta los requerimientos que cada condición demanda.

Cuenta con obras en varias ciudades del país, así como en Miami, Florida; San Antonio, Texas; Manhattan, N.Y.C. en los USA, y en París, Francia.

Destacan dentro de la producción arquitectónica oficinas para jóvenes empresas, clínicas de especialidades en el norte de México, casas de playa en el Pacífico mexicano, restaurantes y apartamentos, así como colaboraciones para el desarrollo de edificios institucionales de investigación en ciencias para la U.N.A.M. en colaboración de arquitectos renombrados.

Siguiendo su compromiso por la educación, ha desarrolla de forma paralela, labores académicas al dictar seminarios de diseño, teoría e historia de Arquitectura en la Facultad de Arquitectura de la U.N.A.M., Posgrado de la Universidad Anáhuac, CENTRO de Diseño, Cine y Televisión, I.T.E.S.M. Campus Ciudad de México, Santa Fe, Hermosillo; además de fungir como juez invitado por instituciones de educación superior en México.

Ha colaborado en investigaciones y exposiciones de carácter urbano-arquitectónicas y sociales como es el caso del proyecto CITAMBULOS que se presentó en el MUSEO NACIONAL DE 42 /

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ELÍAS

ANTROPOLOGIA de México en 2010 y que sigue exhibiéndose en museos alrededor del mundo.

Su gusto por contar con conocimientos actuales le hicieron cursar el programa de estudios de posgrado en la Maestría en Arquitectura, campo del conocimiento Tecnología, donde se ha especializado en el desarrollo sostenible bajo el pensamiento de crear estrategias de reuso de materiales en la arquitectura contemporánea.

En noviembre de 2012 presentó el nuevo Design Hotel en la ciudad de Cuernavaca llamado FLOR DE MAYO, donde el concepto fue una revisión de las bondades que el clima produce en la “ciudad de la eterna primavera” en México, siendo de esta manera el arquitecto más joven a nivel mundial en formar parte del selecto grupo de arquitectos y diseñadores en la plataforma internacional DESIGN HOTELS™.

En los años 2013 y 2014, se dedicó a trabajar en el desarrollo de viviendas de lujo en Miami Beach, en la Florida, así como en Manhatthan, en la ciudad de Nueva York no dejando de lado su labor en su país natal al desarrollar oficinas corporativas y espacios comerciales en la Ciudad de México.

Durante los últimos dos años ha consolidado su trabajo al atender empresas internacionales con sede en México, así como a clientes privados en el ámbito de la Arquitectura Residencial.

En mayo del 2016, durante el World Interior Day Mexico, el Arq. Francisco Elías fue nombrado “Columna del Diseño en México”, reconocimiento otorgado por su labor durante los primeros 10 años de trabajo.

Durante el 2017 funda el grupo corporativo ELÍAS GROUP que reúne de forma mucho más especializada una empresa de diseño arquitectónico y una constructora en pro de lograr dar un servicio completamente llave en mano, muestra de esto está el resultado de los proyectos realizados en este año como por ejemplo la Casa Cancún donde se ha contado con la colaboración del Centro de Tecnología del Cemento y del Concreto (C.T.C.C.) de CEMEX, aliado con el grupo empresarial.

En el mes de junio del mismo año la revista Architectural Digest seleccionó al Arq. Elías como uno de los cien arquitectos más destacados de Latinoamérica, reconocimiento que ha provocado múltiples publicaciones mensuales hasta la fecha donde se muestra el trabajo dirigido por el creador.

En 2018, el grupo empresarial ha adquirido compromisos de apoyo a causas sociales tales como las de la reconstrucción de vivienda para damnificados del terremoto de septiembre de 2017, trabajando con asociaciones como Construyendo Comunidades Integrales A.C., donde se trabaja en mejorar la calidad espacial de los espacios a construir.

Gracias al trabajo conjunto de las empresas del ELÍAS GROUP, en la edición de junio de este año la revista Architectural Digest ha mencionado al Arq. Elías como una de las 15 personas creativas más destacadas que están cambiando la escena nacional mexicana.

Las ideas que rigen el grupo corporativo tienen como finalidad la excelencia de los productos creados y de los servicios otorgados por lo cual se sigue trabajando para la obtención de la misma por medio de profesionalización de procedimientos, mejoras constantes, así como de alianzas estratégicas con empresas nacionales y extranjeras del sector. El objetivo a lograr es una arquitectura de altísimo nivel para lo cual se trabaja día a día para conseguirlo.

Cortesía: German Concepts

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Obra en Blanco 44 /

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En el marco de Obra Blanca Expo (Expo Santa Fe, 1517, octubre), German Concepts –firma importadora, representante en México de las mejores marcas del mundo en la industria de grifería, cerámica sanitaria y soluciones para el cuarto de baño y spa– en alianza comercial con AF|New York –compañía que por más de 90 años ha sido la principal fuente de suministro de productos de lujo para el equipamiento de baños para profesionales en Estados Unidos–, lanzaron en México un nuevo concepto en interiorismo llamado UNIQUE #MakeItUnique, que pretende cambiar por completo la forma de especificación de todo tipo de proyectos para el área de baños.

A través de UNIQUE #MakeItUnique, German Concepts ofrecerá a los arquitectos e interioristas, la posibilidad de fabricar artículos de baño con un diseño personalizado, acabado o color determinado. En este contexto, permitirá la producción a la medida según las exigencias de cada proyecto, brindando una configuración para el cuarto de baño de acuerdo al ritual personal de cada individuo, logrando una experiencia diaria, diferente y ÚNICA al usuario.

“Nos sentimos muy emocionados de introducir a México este concepto que ha dado grandes muestras de innovación en otros países. Estamos ciertos que sumar nuestra experiencia y alcance, a la maestría en fabricación, diseño y prestigio de AF|New York, nos permitirá innovar el mercado de especificación en el país. Sin duda, nuestro objetivo al lanzar este concepto: UNIQUE #MakeItUnique es ofrecer a la comunidad arquitectónica y de diseño una posibilidad de realizar proyectos verdaderamente ÚNICOS, con la opción de complementarlo con nuestra oferta de renombradas marcas como son Dornbracht, Duravit, Alape, Tece o Effegibi”.

La amplia experiencia que posee AF|New York den-

tro de los diseños personalizados y fabricación a la medida, ha llevado a reconocidos arquitectos y diseñadores a trabajar de la mano con la firma. Un claro ejemplo es el reconocido diseñador Karim Rashid, que desarrolló su propia línea de grifería con su pantone y su firma. De igual forma, AF|New York ha suministrado proyectos icónicos, con productos personalizados, como son el Public Hotel de Ian Schrager y el 56 Leonard Building de Herzog and De Meuron.

La primera materialización de UNIQUE #MakeItUnique en el país podrá ser visitada por profesionales y aficionados, en la próxima feria a realizarse Obra Blanca Expo, gracias a la colaboración con el reconocido arquitecto Francisco Elías, fundador de Elías Group, quien creó la primera pieza de diseño personalizada traducida en un monomando para lavabo. Elías intervino el modelo SERIE MIA con un patrón de líneas verticales, recurrente en su obra como elemento visual que crea ascencionalidad.

“Me siento muy contento y honrado por haber recibido esta invitación de parte de German Concepts así como de AF|New York, una de las marcas más importantes en el mundo sobre accesorios en la arquitectura y la construcción. Para este proyecto he diseñado una textura basada en franjas verticales que visten al monomando generando un efecto sutil de luz y sombra a base de un juego de acabados cromo y mate. La elegancia, la atemporalidad y la actualidad son conceptos que generaron la propuesta”, señaló el Arq. Francisco Elías, fundador de Elías Group.

Esta pieza podrá ser visitada en la intervención de un ambiente de baño completo (Dream Bath by Francisco Elías), que lleva por nombre RECINTO, inspirado en Teotihuacán, México; creando un espacio actual que hace referencia a las habitaciones de los complejos residenciales de la antigua ciudad, donde la decoración de muros y pisos tomó el rojo como base cromática, acompañada de texturas, franjas, patrones y diferentes elementos compositivos.

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MES DEL DISEÑO Ciudad de México 3–27 .Octubre. 2019 País y Estado invitados: Cuba y Yucatán #CapitalCultural deAmérica

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Se anuncia la próxima edición de Design Week Mexico del 3 al 27 de octubre 2019.

Este año se tendrán como País y Estado invitados a Cuba y Yucatán. Bajo el lema: El diseño en contextos patrimoniales y sin fronteras. Se desarrollarán más de 15 actividades simultáneas entre exposiciones, intervenciones en espacios públicos, conferencias, diálogos, muestras de documentales, actividades académicas, pabellones y rutas en torno al diseño y la arquitectura.

Design Week México ha asumido el compromiso de desarrollar un evento sustentable, responsable con el medio ambiente y será el primer evento de diseño Carbono Neutral.

Gracias al respaldo de la Secretaría de Cultura del Gobierno Federal a través de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, DWM fue seleccionado como uno de los festivales beneficiados por el programa Profest 2019. Con este apoyo continuaremos ampliando nuestra oferta cultural en nuevos espacios como el Bosque San Juan de Aragón. Durante esta edición se reafirma la importancia de colaboraciones internacionales con apoyos de Acción Cultural Española (AC/E) que a través del programa Internacionalización de la Cultura Española (PICE), en su modalidad de Movilidad, apoya a cuatro creativos españoles para exhibir diferentes piezas en Inédito y Estructuras efímeras. Así como el de la Fundación Japón en México que apoyarán con la ponencia de Chie Konno y Rie Allison de despacho de arquitectura Teco.

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Visión general 2019 Proyectos emblemáticos

Este 2019 lanzamos México Territorio Creativo (MXTC), una organización que engloba todas las iniciativas creativas que hemos trabajado a lo largo de nuestra trayectoria, que reúne y promueve la producción creativa en México.

El objetivo de MXTC es fomentar el potencial del diseño como agente de cambio y herramienta para afrontar los retos globales y generar soluciones que mejoren la calidad de vida de nuestras comunidades.

Al mismo tiempo construyendo una plataforma para el análisis y la reflexión del diseño en torno al medio ambiente, la educación, la innovación, la cultura y la economía.

Actualmente, MXTC conjunta tres plataformas creativas en la Ciudad de México: Design Week Mexico (DWM), Arch Days CDMX (ADC) y Espacio CDMX Arquitectura y Diseño, pero también busca sumar esfuerzos de otras organizaciones e instituciones de promoción de producción creativa en México para lograr dar más fuerza al diseño y consolidar una comunidad creativa.

MXTC es un equipo interdisciplinario de profesionales apasionados que creemos en las industrias creativas como un modelo de desarrollo sostenible para crear un mundo mejor.

Mes del diseño, País y Estado invitados: Cuba y Yucatán Este año las actividades se ampliarán a otras zonas de la Ciudad de México como en el Bosque San Juan de Aragón. Las siguientes categorías enuncian las actividades destacadas que se llevarán a cabo en el marco del programa: (1) Cultura y espacio público (2) Comunidad (3) Economía creativa

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Cultura y espacio público Cuba: La singularidad del Diseño 06 Exposición de diseño y arquitectura Museo de Arte Moderno 5 de octubre 2019 – marzo 2020

Visión y tradición

Exposición de los resultados del programa de residencias entre artesanos y diseñadores.

Museo Nacional de Antropología 10 – 27 de octubre 2019

Pabellón

Intervenciones arquitectónicas en espacio público Bosque San Juan de Aragón, Bosque de Chapultepec, Museo Tamayo de Arte Contemporáneo 10 de octubre 2019 – marzo 2020

Inédito

Convocatoria abierta para la producción de piezas inéditas de diseño utilitario.

Espacio CDMX Arquitectura y Diseño

5 – 20 de octubre 2019 La exposición examina el diseño y la arquitectura concebidos bajo la pauta ideológica de la Revolución cubana de 1959, observando los distintos alcances y materializaciones que dicha doctrina tuvo en el ámbito de la construcción y de la producción material e iconográfica. Mediante el despliegue de planos, documentos, mobiliario, carteles y otras referencias visuales que documentan aquella arquitectura y los sistemas de vanguardia desarrollados en Cuba para la agricultura y el urbanismo, se muestra cómo el proyecto revolucionario utilizó estratégicamente al Diseño como una herramienta para el cambio social.

El programa de residencias entre artesanos y diseñadores

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Las piezas de este trabajo entre artesanos y diseñadores hechas con materiales y técnicas artesanales como el telar de cintura de henequén, henequén costurado, filigrana, jipijapa, urdido y macramé, piedra y cuerno, serán exhibidas en la sala Media Luna del Museo Nacional de Antropología. Además el registro fotográfico documental de estas residencias será expuesto en la Galería Abierta de las Rejas del Bosque de Chapultepec.

Con el objetivo de ampliar la programación a nuevas zonas de la ciudad, por primera vez en colaboración con el Bosque de Aragón se exhibirá un nuevo Pabellón. C Cúbica Arquitectos diseñará una estructura que interviene este espacio creativo que invita a la reflexión sobre la apropiación de los espacios públicos.

En paralelo, el Pabellón diseñado por el arquitecto mexicano Gerardo Broissin, en el Bosque de Chapultepec y los jardines del Museo Tamayo, se plantea cómo la disputa constante entre la arquitectura tradicional moderna en un espacio reticular con dimensiones marcadas por su materialidad o por el uso de elementos para su construcción.

Convocatoria abierta a proyectos de diseño utilitario en categorías de impacto social, impacto ambiental, innovación, función, estética, concepto,

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experiencia de usuario, materiales y procesos. MXTC y un jurado nacional e internacional otorgarán, por quinta ocasión, un premio de $100,000.00 (MXN) al proyecto más destacado con el objetivo de impulsar la producción de la pieza ganadora y ocho menciones honoríficas. En la categoría de estudiantes, DWM y el Istituto Europeo di Design (IED) otorgarán dos becas con un valor de $7,000.00 (USD) para estudiar un Curso de verano en julio de 2020, en las sedes de IED España e Italia.

En el marco del País invitado –Cuba– se llevará a cabo la exposición Ellas restauran, diseñada por la Empresa de Proyectos de Arquitectura y Urbanismo Restaura de la Oficina del Historiador de La Habana, que consta de una muestra de 17 carteles, una parte de la obra desarrollada en el Centro Histórico de la Habana. Esta muestra dialoga con los significantes que emanan de su propio enunciado: dar vida, sanar, restaurar atributos consustanciales de la arquitectura de la Ciudad de La Habana. La muestra inserta su discurso en aquellos estudios que tradicionalmente buscan modificar el punto de vista sobre el cual se ha construido la relación de géneros.

Las obras que motivan esta exposición fueron proyectadas por arquitectas e ingenieras que trabajan en la Oficina del Historiador de la Ciudad, bajo la dirección del Dr. Eusebio Leal Spengler.

Este año gracias al apoyo de AC/E la estructura True Blue, diseñada por Ventura, será una instalación que responda a la búsqueda de una nueva forma de acceder al Espacio CDMX usando la entrada peatonal original y potenciando el recorrido existente con la introducción de nuevas sensaciones en el público a lo largo del descenso hacia el edificio principal.

En colaboración con Ikea México y con el interés de conectar con otros puntos creativos de la ciudad, las Estructuras efímeras tendrán lugar en el Bosque San Juan de Aragón. Estudiantes de cuatro universidades tendrán la oportunidad de desarrollar una estructura que intervenga este espacio de reflexión creativa.

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econocida diseñadora artística colombiana con una trayectoria profesional de más de 30 años y un contundente reconocimiento a sus obras en certámenes nacionales e internacionales que le dan hoy el respaldo a su obra.

Esta diseñadora artística colombiana nació en Bogotá el 24 de diciembre de 1970. Su niñez transcurrió en medio del trabajo artesanal del bronce en la empresa familiar fundada por sus padres, Pedro Méndez y Miriam Builes.

Poco a poco, mientras cursaba su formación básica, fue entrando en el negocio familiar, conociendo los procesos, sus limitantes, posibilidades, y sobre todo sus diseños que le cautivaron y le permitieron descubrir un talento innato que hoy el mundo reconoce.

Así, inmersa en una naciente empresa de esculturas en bronce, pudo conocer de primera mano la tendencia del momento y una forma de comercialización limitada por los recursos en ferias artesanales, o de negocio en negocio cargando pesadas esculturas. Creció y generó una inquietud cada vez más grande a través del diseño de figuras que fue convirtiéndose en su pasión.

Era tiempo de capacitarse para explorar y explotar sus virtudes, así que empezó estudiando en la Academia Guerrero donde encontró nuevas técnicas para trabajar distintos materiales que la llevaron paso a paso a descubrir las nuevas formas de difícil de imitar, y un perfil internacional muy marcado.

De allí empezó a buscar un estilo propio y un diseño innovador. “Al principio la exploración me llevó a las bailarinas.

Su delicadeza, sutileza, equilibrio, libertad, tranquilidad, e incluso un deseo interno no cumplido de haber sido bailarina, me condujo a desarrollar un concepto estilizado que tenía que ir adaptado a la tendencia minimalista que se imponía” – comenta la diseñadora Liliana Méndez Luego el desarrollo la llevó a los equilibristas que jugaban mágicamente con las formas geométricas, y que junto con las bailarinas, empezaron a recibir una gran aceptación por parte del mercado nacional e internacional

LILIANA MÉNDEZ Escultora

Fue en un escenario colombiano -dentro de una de las ferias más importantes realizadas en Corferias-, donde se iniciaron los contactos con clientes internacionales, las exposiciones en la embajada norteamericana y el salto al mercado en Estados Unidos a través de ferias internacionales bajo el reiterado apoyo de empresarios internacionales que vieron en las piezas, verdaderos productos de exportación.

Esta entrada en la economía más grande del mundo le ha permitido a Liliana Méndez además entrar con pie derecho a otros países como Venezuela, Brasil, Ecuador, España, México, Panamá, Costa Rica y el Salvador con productos de calidad que se han posicionado con facilidad.

No solo su arte sino su diseño y calidad le han valido hasta hoy más de 20 reconocimientos internacionales entre los cuales se encuentran Stero Florida en el 2005 al diseño e innovación, Melburne Florida al diseño innovador en 2005, Virginia Walk a la creatividad y diseño en el 2007, 2º. Puesto en Maithand Rotary en el 2008 y 2º.

Lugar en 37th Annual South Miami Art Festival.

Además sus piezas han quedado en las colecciones particulares de famosos como Donald Trump (pieza: “Sueños de libertad”), Marco Antonio Solís (“Danza en la Arena”), Hill Allen, Jugador del Miami Dolphin (“Bailarinas y Negras”), Arnold Schwarzenegger (“Desnudo”) o el Exalcalde de Nueva York, Michael Blomberg (“Hechizo de Luna).

Y hoy su obra “Enlace” se ha quedado en Panamá, escogida por la alcaldía municipal para adornar una de las zonas más concurridas de la ciudad como lo es el Parque de la Urraca y demostrar que el arte colombiano tiene calidad internacional.

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20 PANTONE Propuestas 20 L

a previsión de las tendencias del color de PANTONEVIEW Colour Planner Primavera/Verano 2020 ofrece pautas de inspiración para las estaciones, directivas sobre los colores principales y sugerencias sobre armonías del color y aplicaciones de materiales y productos en diseño de ropa masculina y femenina, actividad, cosmética de color, interiores, industria y diseño multimedia.

Desde azules tinta y neones bioluminosos hasta marrones veraniegos y verdes alga, los colores incluidos en el producto Primavera/Verano 2020 exhiben profundidad y complejidad. Con el reflejo de un comportamiento de tipo tribal, cada paleta parece vivir en un mar propio, no necesariamente relacionado con el mundo que la rodea. Las armonías del color y su interrelación dan un paso al frente para mostrar contrastes de color más marcados: un turquesa con un gris laguna o un naranja brillante con color topo. Replicando el espíritu de primavera/verano 2020, ofrecemos una gran variedad de opciones para que pueda explorar todas las profundidades del color, desde tonos aguados de azul frío a la base térmica de rojo intenso de los volcanes submarinos.

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