Revista Muebles y Decoración/ Edicion 138/ Otoño

Carta del

Editor

En México hay talento y en esta edición vamos a mostrarlo.

Entre técnicas, experiencia y talento, artistas y diseñadores mexicanos cuentan historias plasmadas en formas plásticas con sentidos poéticos entrelazando la cotidianeidad visual y arquitectónica.

La identidad se percibe a través de sus obras, su inspiración se enraíza a la cultura creando elementos decorativos que te llevan a lugares, formas y texturas del país.

El arte mexicano posee mucho carácter, por eso tiene un espacio particular dentro del mercado global, la mexicanidad se mantiene más allá de la moda, por que ahí, en su maravillosa Es importante conocer y apoyar a nuestros nuevos talentos mexicanos en cada uno de los sectores ya que sus obras son portavoces que representan nuestra cultura y sociedad, Muebles y Decoración se enorgullece y agradece a cada uno de ellos su colaboración, nuestro objetivo es mostrar el talento que existe en México desde una perspectiva actual.

No. 138 / Año XXX / 2018 Director Rodolfo García Hernández Consejo Editorial Alfredo Miguel A. Stephen Ianuzzi Kent Liquist Coordinación General Ma. Eugenia Castellanos D. marumueblesydecoracion@prodigy.net.mx Manager Editorial Andrea Castillo andreacastillo025@gmail.com Dirección Editorial Mara Yam Salinas Corrección de Estilo Ricardo Terrones Dirección de Arte Felipe Lara Producción Fotográfica Lorraine Molinari Fotografía Steve Lynch Víctor A. Alvarado 123rf.com Colaboradores Ana Alicia Arellano Carla de Vicente Edson Rubio Enciso Gazmira Brito Tammy García Publicidad Olivia Galindo Doménica Muñoz Georgina Santiago Víctor Ramírez Lauren Michelle G. Silvia Plata Distribución Víctor Lara Suscripción Ventas (55) 52116701 (55) 52864282 Impresión Corporación Publicitaria R.G. © Derechos Reservados Copyritht Derechos reservados a favor de su autor J. Rodolfo García Hernández.

Fernando Montes de Oca no.30, Col. Condesa, México, D.F. C.P. 06140 Tel. 5586 4282. Revista Bimestral con certificado al uso exclusivo del titulo de Muebles y Decoración. Certificado de Licitud de Titulo No. 3817.

Certificado de Licitud de Contenido no. 2897. Con registro de Derecho de Autor NO. 214/89. Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra. Impreso en: Corporación Publicitaria RG, SA de CV. Oriente 170 no 89 Col. Moctezuma 2ª Secc., México D.F. Tel. 5211 6701.

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Contenido

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8 Arudeko 10 Annie Flores 12 Alonso Delgadillo 14 Argeo Mondragón 16 Víctor Alemán 18 Pedro Cerisola 22 Ayres 24 En palabras de 26 Ricardo Lozano

Labarrère

Decapante

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Bohémio Coyoacán Arméntica Esmaltes Morillas Mutable Comité de proyectos Aldo Chaparro José Luis Rosas Landa Andros Díaz Ángulo 0 José Luis Contreras Agenda DWM 2018 Talavera

30 34 36 38 42 44 46 50 52 56 58 62

Los artículos firmados por los columnistas y articulistas no reflejan necesariamente la opinión de esta editorial. Los editores declinan cualquier responsabilidad.

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Ricardo Lozano

S

u trabajo se articula a partir del lenguaje primario propio de la geometría que suele ser aplicado ca básica derivada de las formas y aplicaciones simples con ángulos de 45 y 90 grados, círculos, esferas, cuadrados, rectángulos, cubos, colores primarios y secundarios, la luz para crear objetos que nos aporten una experiencia conceptual y estética. años en la Ciudad de México. Desde hace algún tiempo sintió la necesidad de trabajar con materiales físicos ya no solo en procesos virtuales y digitales, así que comenzó a materializar algunas tareas y conceptos de diseño en objetos. Encontrando una manera de expresar artísticamente su inquietud por la creación construyó lámparas, portarretratos y otros objetos, que más tarde evolucionaron en esculturas.

Trabajar en escultura le ha permitido experimentar con diferentes materiales y tareas, desde el diseño en papel y pantalla hasta el uso de herramientas mecánicas y eléctricas, pasando por electrónica, pintura y muchas otras que han recompensado con aprendizaje, satisfacción y superación de una serie de retos que se presentan en cada proyecto.

Técnicamente juega con la idea de recuperar aquello que ya existe y se presenta disponible: plásticos, metales,

instalaciones eléctricas, mother-boards, cableados.

Su relación con la técnica es fundamental, utiliza todo tipo de herramientas y materiales. Partes de objetos en piezas escultóricas divertidas: un gato, robots, una nave espacial.

Su atención esta enfocada en la idea del paso rápido del tiempo, “la obsolescencia del futuro”; la chatarra de hoy en día se genera más rápido que antes, nuestros referentes económicos pasan a la historia de manera vertiginosa, las computadoras, los autos, los teléfonos, cada vez son mejores y más capaces que los de hace una o dos décadas y sin embargo son menos duraderos, dos o tres años de uso y los convierten en basura.

“El desperdicio generado es enorme y es ahí donde yo veo materia prima en bruto y sustancia en términos estéticos. La tecnología por sí sola me es atractiva visualmente; las formas del interior de un disco duro o de cualquier motor automotriz están determinadas por su función y son creadas con cierta lógica que la utilidad misma y la tecnología le otorgan -sin quererlo así - una generosidad plástica. Así que todas estas piezas, vueltas inútiles cuando llegan al cementerio de objetos, me parecen riquísimas para reinventar. Creo que en todo lo ya existente se pueden encontrar soportes y materiales de gran provecho para crear arte y también para otras obras ambiente”.

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“La escultura para mi es como un juego y todo con lo que trabajo son juguetes, tanto las herramientas, como las esculturas terminadas.”

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Arudeko A

rudeko fue fundado en 2016 por las hermanas Nailea y Denisse Arnaiz. Ambas diseñadoras textiles egresadas de la Universidad Iberoamericana.

Nailea Arnaiz, complementó sus estudios con una maestría en Fashion Styling & Visual Merchandising en Domus Academy, Milán. Mientras que Denisse Arnaiz se especializó en el área de arte textil durante su carrera. Ambas, conscientes del impacto social y ambiental que tiene la industria textil, buscan ser el cambio. Fue así que nació ARUDEKO, cuyo ideal es mantener vivas las tradiciones de tejido y tinte natural dándole su valor justo.

En colaboración con artesanos mexicanos, crean piezas textiles, en su mayoría tapetes y cojines de lana y algodón. Lo que enriquece el proyecto es el intercambio cultural; ARUDEKO es el punto de encuentro entre manos expertas y mentes creativas.

Durante el proceso aprenden los unos de los otros, y siempre se motivan a seguir creciendo.

Los tapetes, y algunos de los cojines, se tejen con lana natural local, teñida con tintes naturales, que van desde hojas y tallos, cáscara de frutos, hasta pequeños insectos como la grana cochinilla. Es increíble la gama de colores que se pueden obtener de la naturaleza. Actualmente están incursionando con el algodón en la creación de cojines y pies de cama, ambos teñidos con tintes naturales.

Los diseños nacen de observar espacios arquitectónicos, de las sombras y luces que se proyectan en ellos. Otra gran parte nace de la experimentación directa en el telar.

“Disfrutamos mucho todo el proceso. Desde el bocetaje y lluvia de ideas, hasta la creación de las piezas en el telar. Sabemos que es un proceso lento, y requiere de paciencia. Cada tapete es una pieza de arte y lleva consigo un poco del corazón del artesano tejedor, y un poco de nuestro corazón también.”

“Estamos muy agradecidas de contar con un experimentar y crear diseños nuevos. Sin duda, Arudeko no sería posible sin nuestros compañeros artesanos.”

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Annie Flores

E

l trabajo de Annie Flores establece un juego entre la memoria personal y el acto creativo.

Durante 5 años de formación académica se ha dedicado principalmente al dibujo y a la pintubajo, como campo inagotable de investigación.

Ha participado en distintas exposiciones colectivas y proyectos de pintura mural en la Ciudad de México, ha tenido presencia en la Feria de Arte de Bruselas (affordable art fair 2018), exhibió su obra en galeria Gaudí, Madrid, España (2018); ganadora del concurso Autores UNAM 2017. Actualmente se encuentra trabajando en la A.C Escuelas Sustentables en la gestión de proyectos culturales y talleres de arte para niños en toda la República Mexicana.

El poder de evocación de los sueños, los objetos personales, las fotografías y los rostros de sus allegados sirven como inspiración.

que pretenden ser una metáfora de la indisoluble simbiosis entre el paso del tiempo y el olvido, de la calidad de seres vivos, de sus dueños: de la función del cuerpo y su caducidad. de un pasado que ya no existe pero que sirve para entender el presente, no sólo como huellas de una presencia o bien la exaltación de la ausencia, sino también como una construcción de la identidad personal, desde la cual puede construirse cierto tipo de continuidad en su biografía, posibilitando el tener consciencia a partir del recuerdo, de su actualización en el presente y de su proyección en el futuro. “volver”, no en el sentido de volver a habitar un espacio que ya no existe, a la presencia de quien ya no está, sino un volver sobre lo que ha sido su propia historia de vida, sobre las formas como se presentaron los acontecimientos, sobre las rupturas, sobre la discontinuidad

En su trabajo pictórico, “descomponer”, analizar y recrear el cuerpo humano en reposo le sirve para redeformidades de la piel que dan fe de su utilización, y

Este volver a retomar la cotidianidad y recomponer las formas de ser, habitar y concebir una nueva instancia de lo real, es lo que intentamos comprender en su es en este mismo marco de comprensión desde donde reparar, recomponer lo afectado, lo dañado, lo destruido como forma de darle sentido de nuevo a las prácticas, a las formas de supervivencia.

En sus retratos intenta evocar estados de sensibilidad que nos vinculan a nuestra propia existencia: carnalidad, soledad, vulnerabilidad, violencia, etc, para darles la memoria y la forma de dilatar el proceso del olvido restaurando memorias a través de la materialidad visceral de la pintura y el potencial expresivo del color. puestos por manchas, cuerpos y rostros que llenan todo el espacio aislando a los personajes con la intención de que el espectador experimente un efecto interno que surge: el sentimiento. Haciendo de la memoria, la empatía, crear una noción de la memoria del otro (la valipación por la manera en que se transmite la experiencia y/o un recuerdo mediante el lenguaje visual.

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“Mi arte es un trabajo que va más allá de una búsqueda estética, es algo más visceral e intuitivo que eso. Es la interacción entre cuerpo y alma como ejercicio catártico en donde se planta cara al olvido “haciendo carne” el sentimiento. Me importa intentar utilizar mi capacidad como ser humano. Quiero que mi trabajo llegue a la gente a nivel visceral e intento proyectar mis memorias y comprender el por qué del recordar. ¿Por qué negar la evidente necesidad de la memoria?”.

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Alonso Delgadillo

“NORTE” Narrador de historias visuales

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nteresado en dar evidencia de la cultura popular que lo rodea, sus historias y recuerdos, son plasmados en murales y dibujos que dan testimonio de la vida cotidiana con un estilo personal, utilizando las líneas de dibujo como característica de su obra.

Su enfoque es exponer la naturaleza desértica, destacando los misteriosos seres que la habitan y de como estos relatan historias a su imaginación.

En su obra sobresalen temas como migración desde su experiencia fronteriza, los paisajes urbanos y la artesanía latinoamericana.

Alonso Delgadillo conocido por “NORTE”, es un artista de la frontera Tijuana - San Diego, con base en el desierto de Tucson, Arizona.

Ha realizado obra en diversas ciudades de México, Guatemala, Estados Unidos y Argentina. Destacando las vivencias de las personas de cada lugar.

Su trayectoria viaja entre la comunidad y la docencia universitaria, logrando experimentar diferentes caminos artísticos como los proyectos comunitarios y la venta de obra original.

Neo-muralista que vio su primera creación pública cuando por razones de estudio viajó a Buenos Aires, Argentina, y plasmó junto con otros muralistas de distintas nacionalidades, una obra en el popular barrio de La Boca, casa del Tango, de la Bombonera y de Maradona.

Paredes que antes pasaban desapercibidas, ahora llaman la atención de los transeúntes, gracias a la expresión artística de muralistas jóvenes, capaces de llenar de color y embellecer con su toque urbano, áreas en desuso o en malas condiciones.

Actualmente trabaja en una serie inspirada en la artesanía popular latinoamericana, explorando con diversos formatos y materiales como: madera, tela, papel entre otros.

Con mas de 12 años de carrera profesional entre el diseño y el streeart, Alonso Delgadillo es orgulloso referente del arte contemporáneo en el norte de México. alonsodelgadillo.com

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varlo a la calle, en donde lo puede ver la gente que no tiene posibilidades de acceder a las galerías�.

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Argeo Mondragón

L

a pesca: “Este mural habla de la conservación de las especies, en una tempestad espiritual que busca la transformación de la bestia, invirtiendo la idea de que el hombre acaba con el mar, la naturaleza se posiciona ante el acaparamiento y destrucción de la fauna. La idea de que la naturaleza nos habita es una yuxtaposición a la cultura de la pesca.

Para este artista, en la travesía de nuestras vidas tenemos que enfrentar la furia de las circunstancias, pues es la naturaleza la que nos termina domando, y nos enseña a no hundirnos.

“Esta tempestad espiritual nos intenta ahogar y es esta misma la que nos hace nadar contra todo, a tierra la pesca de su alma.”

Argeo Mondragón, ha invertido su carrera en analizar la fenomenología y los lenguajes del espacio, creando así la Novela Arquitectónica, medio que une la forma biendo producido al día de hoy tres de ellas, La Grieta más Oscura en el 2011 y publicada por la UNAM y Ed. Resistencia, Azul Marino en el 2015 y Maldoror en 2016 apoyada por el FONCA. “El espacio como extensión de nosotros mismos, ha sido lo que motiva mi producción, es el cuerpo imaginario que surge desde el interior y logra materializarse a través de la intensión artística, a esa acción le llamo la relación entre ¨espacio interno¨ y ¨espacio externo¨.

En el primero surgen todas las decisiones de lo que nos construye como individuos, la motivación política, el

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como entes vitales y que da la forma a nuestras ideas, el amor a nuestro entorno y la digna rabia a su destrucción, ahí soñamos la arquitectura de nuestra vida. En el segundo le damos vida a todo ese movimiento interno, como una necesidad de despertar a la relación que entre todos hacemos al vivir en el espacio vital.

Las formas del espacio son siempre dinámicas, esta es una investigación sobre el movimiento estático, la cinética imaginaria que es la que alimenta nuestra imaginación, justo en el punto donde la semiótica común se rompe para generar un constante e impermanente código de símbolos, simplemente empuja al espectador en una manera omnipresente de concebir el entorno. investigar.”

Argeo Mondragón inició su educación artística en el Circo Ruso Clásico con el maestro laureado Anatoli Lokachtchouk. A la par estudió en la UNAM la carrera de Diseño; En 2015 se incorporó a la Maestría En Arte del Entorno. Cursó un Diplomado de Narrativa con Milo Manara. Ha expuesto de manera individual y colectiva en Ciudad de México (Carrillo Gill, MUCA, entre otros), en San Francisco y Los Angeles, California. Pintó murales en diferentes ciudades y festivales del mundo como Concreto en Brasil, Art Basel Miami 2014, Up Fest Bristol 2015, C.A.L.L.E. y Pinta Malasaña en Madrid del 2016 (ganando el segundo lugar), País Vasco y Granada.

Fue seleccionado primer lugar en el certamen de pintura universitaria de la UNAM y alcanzó el Top 10 en el concurso de Juxtapoz High Art. Ha trabajado como artista para Nike entre otras empresas. Actualmente sigue desarrollando proyectos interdisciplinarios entre

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Víctor Alemán ¿Quién es Víctor? Siempre he sostenido que la respuesta sólo puede ser tan creativa como la pregunta que responde, “Hay diseño contextual, hay diseño funcional pero en todo objeto existe el diseño, para mi encontrar la razón de ser de cada uno de los objetos y de cada uno de los detalles de estos objetos me parece algo asombroso”.

¿Quien es Víctor? Una de las preguntas más difíciles de contestar en este mundo es justo decir quienes somos y afortunadamente es una pregunta que muy pronto hice durante la carrera y como todos no supe contestar atinadamente al principio, así que como diseñador cree una estrategia para encontrar esta respuesta.

empresa de diseño propositivo comandada por Michel Rojkind y Alberto Villarreal, ahí realice algunos de los proyectos más aventureros, llevándome incluso a conquistar el Red Dot Luminary Award por un balon de futbol que diseñamos con tecnología tan prospectiva que nos mereció el reconocimiento más alto en el premio.

Es muy sencillo en realidad, la primera respuesta que uno da cuando se le pregunta ¿Quién eres? es dar su nombre, pero los nombres son solo formas de llamar a algo, nombrar como lo dice la palabra, sin embargo no

No solo eso, aprender de profesionales de la talla de Alberto y Michel me ayudó a construir las bases de lo que pasaría un año después, fundar el Estudio de Diseño de la mano de mi amigo y ahora socio Ismael Porras.

respecto del objeto, sólo lo nombra, para encontrar que es

Empezamos 3 personas y fue una aventura que elegimos sin casi pensarlo, nuestro primer proyecto fue hacer 8 piezas de mobiliario a la medida para un Hotel en Panamá, el Trump Ocean Club, si ese Trump. uno de los proyectos en los que más he aprendido sin duda, no solo en la parte de diseño, ahí empecé a coordinar producciones, logística, desde conseguir la materia prima, transformarla con herramientas especializadas, manufactura, acabados, empaquetado, instalación, garantías, manuales de armado, aduanas, impuestos y demás factores para que un cliente tenga tu producto en casa.

que la diferencia de ser un sillón o un banco y ahí es donde las cosas se vuelven complicadas. Tan solo la diferencia entre una silla y un sillón es tan sutil que es invisible para toda la gente y en la vida diaria lo debe de ser, mientras las personas puedan distinguir cual es cual para ellos es un tema sin complicaciones, pero… ¿Qué pasa cuando un diseñador no puede expresar las diferencias tan sutiles? Eso es muy grave y si eso pasa con dos simples objetos imagínense contestar esa misma pregunta pero de uno mismo. Los detalles hacen al objeto, pero no los detalles físicos, al igual que un lunar o el cabello rizado no te hacen a ti, los sutiles detalles escondidos a simple vista de un objeto lo pueden convertir de una silla a un sillón a un banco y etc. descifrar estos detalles y volverlos visibles a los ojos del diseñador para después manipularlos a mi antojo han sido el trabajo como diseñador.

Empece a diseñar profesionalmente desde el 2007, todavía cursando la carrera pero ya empezando a producir y proponer objetos que tenían cierto espíritu atrevido, aunque el inicio formal en la vida del diseño fue hasta 2009 cuando por casi un año completo trabaje para Agent, una

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A partir de ese momento no he parado, en agosto del 2010 comenzó el Estudio de Diseño, para 2013 llegó nuestro proyecto más ambicioso, una marca de mobiliario, pero no cualquier mobiliario, nos hicimos a la tarea de crear todo un nuevo sistema de manufactura para doblar la madera, y después de mucha investigación, prototipos para crear mobiliario ultra ligero y súper resistente con una estética única, así surgió LEFT. Un proyecto que he impulsado los últimos 5 años y que trata de una opción diferente en el mercado, muebles bien hechos, con una estética contemporánea y un sello geométrico característico que ha hecho al proyecto merecedor de algunos premios internacionales de diseño.

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Aparte de los proyectos propios, también llevo la dirección creativa del estudio, donde trabajamos de la mano con clientes de necesidades particulares, desarrollando desde colecciones de mobiliario, stands para ferias internacionales, empaques, interiores, logotipos, sitios web y lo que más nos apasiona (hablando personalmente) soluciones de manufactura de distintos proyectos, nos encanta meternos a las fábricas, descubrir los secretos de la producción, analizar sus procesos y crear soluciones que ayuden a mejorar el rendimiento, reducir sus costos y mejorar su calidad. mundo, el diseño es una de las tantas partes que deben de funcionar en un sistema más complejo creando bienestar para la humanidad y el planeta. El diseño tiene esa asombrosa cualidad de ser democrático, todo mundo puede oblas cosas, diseño es lo que un objeto hace por mi, para mi y Hay diseño invisible, hay diseño contextual, hay diseño funcional pero en todo objeto existe el diseño, encontrar la razón de ser de cada uno de los objetos y de cada uno de los detalles de estos objetos me parece algo asombroso, incluso podría decir que me obsesiona saber el por que de las cosas, no solo por saberlo si no también para proponer cómo mejorarlo, para aportar a la inteligencia colectiva que nos rodea a través de los objetos. No creo en la inspiración conocimiento crea los vínculos necesarios para resolver proyectos creativamente, en mi proceso de diseño no hay un sistema que incluya algo parecido a la inspiración o al proceso de inspirarse, para mi todo es más parecido a las matemáticas donde hay diferentes formas de llegar a un resultado y que entre más comprendas el contexto de lo que resuelves tendrás más formas de solucionar un problema.

Los proyectos de diseño se convierten en retos de una índole practica, como lograr “X” con “Y” y en el proceso

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crear algo único, esto se vuelve un reto que me fascina, un reto para crear soluciones que hablen tanto de mi como de mi cliente y de la persona que lo usara.

Un ejemplo de este tipo de pensamiento es “Loopita en el 2007” un mueble para exteriores en forma de “Loop” para un concurso de muebles en Madera. En este caso la pregunta era peculiarmente diferente, se nos pidió diseñar un punto de encuentro, el concurso era de mobiliario claramente pero la pregunta a responder era más interesante que el objeto a diseñar, por que aceptémoslo mueble puede ser cualquier cosa que se mueve pero ¿un punto de encuentro? ¿Qué es eso? Tan interesante pregunta me llevó a cuestionarme lo que entendía desde el principio (y me obligó a desarrollar una técnica que uso diario) un punto de encuentro es… en ese entonces para mi era donde la gente se encontraba, así que plantee los encuentros que conocía, los más cercanos, donde la gente se conocía, y empecé de atrás para adelante, el amor, gente besándose, gente conversando, y así llegue a un parque, el lugar donde la gente se reúne, y el único mobiliario ahí, las bancas del parque, así empezó mi búsqueda del por qué, ¿Porqué son bancas y no sillas? ¿Por que están al lado de la vereda? ¿Por que son largas? ¿Por qué la gente viene aquí en vez de a su sala? Miles de preguntas que abrían posibilidades de responderse diferente una vez entendiendo por qué el diseño de ese objeto era como permitía a las personas hablarse de frente, ver el paisaje y hablar al mismo tiempo, un objeto que hablara de una relación íntima entre los usuarios pero en un espacio público, un objeto que invitara a las personas no solo a usarlo, también a imaginarse al lado de alguien, teniendo de excusa al objeto, una forma de iniciar una plática, obviamente esto no lo descubrí de la noche a la mañana, me tomó meses entender el objeto y sus posibilidades pero una vez aprendida esta lección, replicarla ha sido uno de los retos más interesantes, crear experiencias a través de los objetos.

Para quien siga intrigado por la diferencia sutil entre una silla y un sillón, pueden escribirme y con gusto los guiaré para que ustedes mismos lo descubran…

Víctor Alemán vic@victoraleman.mx Muebles y Decoración 21

Pedro Cerisola

E

l Estudio de Pedro Cerisola es sin duda un referente en el diseño mexicano, este icono de creación nos platica como es impactar en este terreno desde su mirada…

¿Cuál es el sello de Cerisola en el mundo del diseño?

El trabajo de Estudio Cerisola parte de la investigación de principios matemáticos y su aplicación para la fabricación de estructuras modulares y se centra en profundizar en la belleza de la geometría y sus principios constructivos.

Estos sistemas, que se encuentran en la naturaleza, y los hallazgos que se hacen son aplicados para el diseño de muebles, esculturas, juegos infantiles, lámparas, juguetes y otros objetos de la vida diaria.

Se exploran principios constructivos asignando utilio exclusivamente expositivos y produciendo objetos nuestra relación con el mundo. ¿Cuáles son los principales proyectos que has realizado en tu carrera?

Los proyectos más enriquecedores son aquellos que hemos realizado en colaboración con personas de otras disciplinas o especializadas en otras áreas del diseño. Es en estas plataformas de colaboración donde se genera una transferencia mayor de conocimiento y experiencia para llegar a resultados completamente originales. Por ejemplo, esto sucedió en el proyecto del hipercubo quiral mexicano que realizó Estudio Cerisola en colaboración con un equipo de investigación del Instituto de Matemáticas de la UNAM para el Museo Universitario Ciencias Universum, probablemente la pieza más compleja que hemos hecho hasta el momento.

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¿Porque elegir el diseño como una forma de vida?

Son varios los motivos que me llevaron a orientar mi carrera profesional en esta dirección. Siempre me gustó mucho hacer cosas con las manos y el diseño me da la posibilidad de construir cosas, materializar ideas en objetos y trabajar con distintos materiales.

También considero que el juego en la vida diaria es algo fundamental para el desarrollo de todos los seres humanos y el diseño me permite compartir esta idea en mi trabajo y con la gente que en un futuro interactúe con aquello que propongo.

Como diseñador me interesa y me gusta explorar las relaciones interdisciplinarias entre la fotografía, el dibujo, la geometría y el diseño industrial y es así como he logrado ampliar mi metodología de trabajo y mis resultados.

Al diseñar tengo en mente que mis diseños superen el aspecto funcional básico y se acerquen también a una experiencia estética, ya que pienso que los objetos con los que interactuamos determinan, en buena medida, nuestra interacción con el mundo.

Igualmente, muchas veces involucro al usuario en la adquirirlo no sea solamente un acto de consumo, sino un proceso colaborativo. En este mismo sentido, procuro salir de las dinámicas de consumo y deshechos comunes del mercado haciendo una elección responsable de los materiales que utilizamos, por eso parto siempre del uso de recursos locales, minimizando los procesos de producción y distribución.

Inspiración: ¿existe, se crea o se inventa?

Creo que la inspiración surge a partir de la pasión por lo que hacemos. Cuando algo nos gusta y nos resulta interesante y divertido, podemos dedicarle con gusto que dedicarle tiempo a las cosas y los procesos es también importante y necesario para llegar a resultados nuevos y profundizar en nuestros conocimientos y habilidades. ¿Cuál es la pieza que marca tu trayectoria y por qué?

Creo que el trabajo de Estudio Cerisola está marcado por una línea de investigación más que por una sola pieza, por lo que siento que cada una ha sido importante y ha funcionado como un escalón para llegar a un mejor entendimiento de los sistemas constructivos modulares, de la geometría y sus aplicaciones y del concepto de colaboración y juego que busco establecer con quienes utilicen lo que diseño.

La intención de formalizar sistemas geométricos a través de objetos útiles apunta a incluir lenguajes abstractos en la vida cotidiana, partiendo de la idea de que la geometría es un componente fundamental de las estructuras materiales existentes, así como las relaciones numéricas son una cualidad inteligible de todas las cosas. De igual manera, existe un eco y referente intencional a la abstracción geométrica moderna y sus cualidades metafísicas.

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L

Ayres

merecemos objetos con alma, que cuenten una historia dentro de nuestros espacios. La base fundamental de Ayres es el trabajo con los artesanos en diferentes regiones de México; Joana y Karim, diseñan piezas y crean junto a distintos grupos de artesanos piezas contemporáneas únicas. Por ello, sus materiales y procesos están cargados de la intimidad de las manos de quienes lo hicieron.

Sus productos se basan en formas básicas únicas, recordando los utensilios prehistóricos. Inspirados en nuestras raíces históricas, naturales y primitivas, destacan la belleza de los materiales, el diseño y la calidad.

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Trabajan con materiales naturales como bosques de Guayacán y Tzalam, rocas de lava y pieles naturales. Sus procesos son completamente artesanales, lo que permite que cada objeto sea una pieza única.

Elaboran artículos en diferentes estados de México, uno en Yucatán, donde producen en madera.

Buscan establecer términos de intercambio justos con los artesanos permitiendo ofrecer objetos 100% hechos a mano con materiales de alta calidad y el más bello trabajo manual de artesanía.

“Diseñamos y creamos objetos simples hechos a mano con los mejores materiales y una gran historia detrás, proponiendo una vida simple, natural y personal. Trabajamos con artesanos de Yucatán, Veracruz y Puebla”.

“Nos inspiramos en la cultura prehispánica de México, y queremos manera contemporánea ”

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En palabras de Labarrère

Una marca que nació por la curiosidad.

M

e inspiró mi mamá. Toda mi vida me he

por profesión, pero me di cuenta que la creación personal en los objetos siempre se podía aprovechar, y encontré en la piel una oportunidad de materializar todo un concepto estético y artístico.

Hay mucha gente que tiene marcas increíbles y tienen una visión del diseño muy diferente a la mía, pero en Labarrère siempre hemos buscado explorar lo sencillo, lo practico y pensado siempre que la pieza que estás comprando tendrá un digno

envejecimiento. Son de esas piezas que personalizamos con mucha dedicación. En si, creo que todo lo que hacemos es de la mano de nuestros clientes, que se vuelven colaboradores al momento de hacer algún tipo de pedido.

Lo que más me ha marcado ha sido la colaboración, he podido realizar piezas personalizadas a gente muy interesante de diversos medios tomando en cuenta su forma de ver el uso del objeto.

El éxito de Labarrère llego de manera inesperada, yo estaba disfrutando la cocina y ese estilo de vida, pero hubo un punto en el que me di cuenta que quería hacer cosas más memorables, y ahí es cuando nació la marca y su sello. Cuando un cliente tiene un producto tuyo que realmente le encanta y recuerdas el proceso de diseño y dedicación, es cuando todo el trabajo vale la pena.

La inspiración se trabaja. Uno puede ir por la vida absorbiendo todo, pero no todo es funcional, realmente tu vida no tiene un propósito, la pasión se vuelve absurda y tu trabajo no tiene ni pies ni cabeza. Es hasta el momento en el que le das un sentido práctico cuando la inspiración cobra vida y Creo que mis objetos favoritos son los que elaboramos para soldadores, carpinteros, Creo que las piezas han evolucionado gracias a mis clientes y lo siguen haciendo. Entendí que la vida la vivimos todos y por lo tanto son todos los que deben aportar a esas herramientas algún punto clave dentro de la práctica para que no solo personalicen, si no también creen una identidad dentro del uso cotidiano que se les da.

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Decapante ya han sido previamente pintadas es necesario el uso de un decapante, este producto está especialmente recomendado para utilizarse en aquellos soportes en los que solo con lija no es posible eliminar toda la pintura.

La esencia de este taller en donde las ideas de los mejores diseñadores son materializadas nos exhibe una total congruencia entre su nombre y su esencia…

Alberto Magaña es la mente creadora detrás de Decapante, para él la posibilidad de hacer realidad los diseños de sus colegas es sin duda el mejor incentivo para seguir fabricando piezas.

Un estudiante de diseño que al tener claras sus debilidades opto por construir un camino independiente para fabricar, construir y crear. A partir de las experiencias de fracaso y poniendo pasión en el trabajo el taller comenzó a tener una identidad que hoy en día lo respalda.

“La idea surge en 2010 en la Cd. de Veracruz, después de haber trabajado en dos talleres donde se maquilaban ideas internos pensé que podríamos lograr contar con muchos clientes ya que existen pocos talleres que se dedican a resolver de manera integral un proyecto.”

Así en el 2012 bajo la premisa de ser un taller especializado en procesos de fabricación como Soldadura Tig / Mig , corte asistido por computadora (CNC) y demás técnicas que hicieran de la producción y fabricación toda una experiencia surge Decapante. de cada proyecto” fabricar, materializar y convertir una idea ducción detallada y con mucho análisis ya que en muchas ocasiones el diseñador tiene la idea pero no sabe cómo apropia de ella y le da un sentido real de producción con un servicio integral de diseño, fabricación, montaje, maquila de de publicidad y diseño, dentro de la Ciudad de México y Área Metropolitana.

“Decapante es un taller a puerta abierta, un punto de encuentro para aprender a trabajar entre amigos. Las técnicas utilizadas y los procesos de producción hoy en día no son secreto para nadie, en un mundo tan globalizado y con internet a la mano cualquiera puede tener acceso a esa información, sin embargo en Decapante el trabajo colaborativo entre clientes y fabricantes enmarca la diferencia central al momento de crear.”

De la mano de grandes diseñadores y clientes como Siete Media Decapante impacta en el diseño mexicano poniendo a disposición una serie de maquinaria especializada y el mejor equipo de producción.

“La comunicación con los clientes es indispensable, siempre es mejor avisar que tenemos un retraso en la producción una semana antes cuando lo sabes, que el día de Trabajar con decapante es trabajar con un equipo comprometido en “materializar sueños”, el constante movimiento y la inspiración surgen todos los días, desde el desperdicio de madera que da paso a la creación de una serie de piezas para escribir y dibujar hasta la fabricación de grandes esculturas, pasando por la creación de muebles únicos y con gran estilo, Decapante es hoy un punto de referencia para todos aquellos que estén dispuestos a soñar y quieran arriesgarse a convertir esos sueños en realidad.

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personal y profesional gracias a una ruptura en mi vida decidí que lo que quería hacer era fabricar cosas, así nació Decapante, de esa posibilidad de en la que pudiera crear y fabricar los sueños e ideas de todos aquellos que quieren crear algo grande”.

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“Hace miles de años, el surgimiento de una cadena de volcanes dio lugar a la creación de una prodigiosa cuenca, que alojo en su seno a 5 lagos que dieron vida a pueblos, barrios, villas y ciudades. Con el paso del tiempo han ido conformando la Ciudad de México una de las más grandes, complejas y bellas del mundo”.

E

ntre los pueblos prehispánicos está Coyoacán, un antiguo -

coyotes”.

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Fue el primer lugar en el que residió Hernán Cortés y en donde preparó su ataque a Tenochtitlan. Franciscanos y dominicos se encargaron de evangelizar el lugar: pequeñas capillas y hermosos templos fueron levantados junto a grandes mansiones barrocas que aún están en pie.

Célebre por sus huertas, haciendas, conventos y fábricas textiles –obrajes– que de alguna manera se beneposible todavía vislumbrar algunos vestigios de estos elementos en los barrios y pueblos. En casi todos sus templos, cuya historia se remonta a la época virreinal se

punto de encuentro entre las tradiciones más arraigadas y el impulso de la modernidad.

En los años treinta del siglo XX Coyoacán era un pueblo pintoresco, compuesto por sus haciendas, ranchos y Típica y Pintoresca el 5 de octubre de 1934. La vocación cultural de Coyoacán se forjó a lo largo del siglo pasado cuando una serie de artistas, escritores, historiadores y algunos, incluso, se mudaron a vivir aquí.

Uno de los lugares más visitados dentro de este lugar es el Parque Hidalgo en donde se encuentra el famoso

días determinados, en que la alegría salta a la vista.

Al hablar de su arquitectura y su arte indígena, Luis Everaert destaca que “durante el dominio tenochca ‘lugar del zacate’, conjunto dedicado a un ritual religioso- deportivo relacionado con la cacería”, y que los habitantes “tenían fama de haber sido los mejores talladores de la piedra de mejor calidad del valle de Anáhuac”.

Después de la caída de Tenochtitlan, Coyoacán se convirtió en un territorio de mestizaje y continuó siendo un importante enclave cultural que participó en la conformación de la nación mexicana. A lo largo de la historia fue

bicentenario de la Independencia de México, compuesto por 16 gajos de cristal que conforman una cúpula coronada por un águila imperial de bronce y la Parroquia de San Juan Bautista uno de los tres templos mas antiguos de Ciudad de México, de estilo Novohispano y una gran cantidad de ornamentos barrocos. El interior esta constituido por una nave decorada con replicas barrocas, su joya es la capilla dedicada al Santísimo Sacramento, retablo del siglo XVII forjado en hoja de oro. Adjunto al templo se encuentra el antiguo convento. Este atrio cuenta con una gran extensión de plazuela cruzando hasta el jardín centenario en donde podemos observar dos grandes arcos los cuales eran la entrada principal del santuario.

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Casonas majestuosas van apareciendo a ambos lados de este camino. La iglesia de Santa Catarina, ya reconstruida, data del siglo XVI . Junto a su bella plaza hay varios sitios de interés, comenzando con la Casa de Cultura Jesús Reyes Heroles, restaurantes de comida mexicana y casonas de carácter señorial.

Al sur, cruzando la Avenida Miguel A. de Quevedo, los callejones estrechos y tortuosos nos indican la presencia de un antiguo pueblo: San Francisco, con una capilla cuya historia se remonta al siglo XVI. Notaremos aquí que las calles comienzan a ascender porque hasta aquí llegó la lava que el volcán Xitle expulsó hace unos 3,000 años.

Fernández Leal, aparece “La Conchita”. La mejor obra arquitectónica de entre las capillas de Coyoacán, con la decoración mudéjar de su fachada, en un estilo también barroco (s. XVIII) y con interior de retablo y pinturas virreinales. Se cuenta que Hernán Cortés mandó construirla para marcar el sitio donde fue el día 8 de diciembre y alrededor de la plaza hay varios lugares para visitar, como la Casona Colorada o de la Malinche, el Jardín Frida Kahlo y el Foro Cultural Ana María Hernández.

La Casona Colorada por su tipo virreinal, es sin duda la construcción más antigua de Coyoacán, se encuentra ubicada entre las calles Vallarta e Higuera, y se considera que las paredes más gruesas corresponden a las de la estructura original, que era de un piso.

La famosa Casa Azul de Frida Kahlo en Coyoacán, Ciudad de México aguarda todavía el íntimo jardín donde Frida pasaba ratos de armonía y lucidez de la mano de sus pinceles y caballete. Se sabe que Frida cultivó en este santuario surrealista muchas plantas nativas mexicanas, entre ellas biznagas y otras cactáceas menores, girasoles, geranios, cempasúchil, enredaderas y algunos bellos árboles frutales. Además gustaba de adornarlo los que se fascinaba), arte colonial, algunas pinturas pareja (prueba de ello es el bello basamento piramidal con cráneos de basalto que Diego mandó a construir).

“La casa, pintada de azul por dentro y por fuera, parece alojar un poco de cielo.”

Carlos Pellicer

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La riqueza cultural de Coyoacán alberga museos importantes como el Museo Nacional de las Intervenciones, Museo Anahuacalli, Museo Nacional de la Acuarela, el Centro Cultural Universitario, el MUAC y por supuesto Ciudad Universitaria, sede institucional educativa más importante y grande de México. También podemos encontrar uno de los pulmones de la ciudad “Los Viveros de Coyoacán”, fue creado por el eminente conservacionista y urbanista mexicano Miguel Ángel de Quevedo.

Coyoacán posee una identidad urbana que lo distingue como un lugar con historia, se aprecia por ser espacio de cultura y educación, morada de intelectuales, artistas, personajes y políticos. Los historiadores locales también lo nombran como “la provincia de México” que atrae a visitantes locales, nacionales y extranjeros por su arquitectura colonial y su oferta cultural y de esparcimiento.

Es una villa esplendorosa, un conjunto multifacético en donde conviven su centro histórico, sus nuevas colonias y sus pueblos ancestrales, caminar por sus calles empedradas llenas de historia y tradición que cuentan historias plasmadas en los ornamentos de los muros y en las sonrisas de sus habitantes.

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Arméntica Ritual Artístico

P

ara nuestros antepasados cada creación iba más allá de adorno pues representaba un lienzo lleno de simbolismos, cuyos bordados en colores vivos y adornos de listones y encaje dan cuenta de su visión de la vida; piezas

la vida y la muerte.

Es de aquí que parte este proyecto. Arméntica son un grupo de mujeres cuyo objetivo es potenciar sus capacidades artísticas contribuyendo con ello a una iniciativa El taller fue fundado en el 2005, ubicado en Puebla, lo dirigen Mercedes Martínez y Angélica López, dos años más tarde se integro Cristina Martínez, estas mujeres llenas de ideas, talento y dedicación formaron un hermoso proyecto en el cual se integran la búsqueda de crear un estilo propio con estilizaciones geométricas y Sierra Nor-Oriental y el estado de Puebla.

Su capacidad de evolución se plasma en cada uno de sus acabados creando un universo de posibilidades dentro del diseño mexicano actual.

Comparten ideas, técnicas, procesos creativos, nuevos proyectos de creación y reproducción de artesanías, riquezcan la oferta contemporánea artística del país.

Una gama de productos acompañan este espacio; accesorios para decorar, textiles, cuadros, mobiliarios, juguetes mexicanos; todo es pintado a mano ofreciendo originalidad y funcionalidad en cada detalle.

El taller esta en constante evolución, debido a la imaginación del equipo de diseño y a las manos talentosas que se han unido a este proyecto… hoy día, Arméntica cuenta con un extenso catalogo de muebles, accesorios decorativos, juguetes tradicionales, textiles y otros, que han permitido generar escuela y empleos, junto con un desarrollo integral de todos los que conforman este gran equipo.

Los invitamos a recorrer el universo de Arméntica…

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Artesanas poseedoras de un don artístico, capaz de imprimir su cosmovisión en cada una de sus obras, apoderándose de la identidad que nuestros antepasados nos regalan, empoderándose como mujeres, fuertes, unidas y creativas.

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Esmaltes Morillas

El arte de lo cotidiano

Fueron los pasillos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas los que la condujeron hasta el taller de la maestra Ana Teresa Fierro y la técnica del esmaltado. Fue la dedicación quien la llevó, años después, a perfeccionar su trabajo en la Academia de San Carlos, bajo la tutela de los maestros Aurora Guerrero y Alejandro Flores.

Espontáneamente, de utilizar el peltre como un lienzo, Maritza comenzó a intervenir trastes esmaltados en su proceso de creación hasta que se convirtieron en un elemento indispensable para su lenguaje artístico, por la singularidad de sus formas y lo trascendente de las historias que los contienen.

De ese modo se consolidó Esmalte Morillas, una propuesta de arte objeto inspirado en su producción pictórica, que busca brindar algo más que un artículo único, libre de plomo, imperecedero y de calidad, al hacer una reinterpretación de los objetos a través de colores e imágenes que representen la identidad de quien o quienes lo poseen, a la vez que atrapa la mirada de los que lo contemplan.

L

a popularidad de los productos hechos con peltre ha traspasado las fronteras de la creatividad hasta convertirlo en un objeto artístico capaz de protagonizar la hora del té en forma de taza o de ser el cuadro que decore un muro. Así lo percibe el concepto creado por la artista mexicana Maritza Morillas (1969), quien desde hace más de treinta años ha utilizado la técnica del esmalte vítreo para hacer de las obras pictóricas un recurso nómada que deambule por los rincones de los hogares y las galerías.

Cada una de las creaciones de esta marca es diseñada y hecha en México, bajo un proceso tradicional que consiste en tomar una pieza de acero, recubrirla con esmalte y hornearla a una temperatura mayor de 850 °C, hasta convertirla en un utensilio de uso diario, sin riesgo de deformarse o perder su valor estético.

De la serie Vintage, emblema de Esmalte Morillas, se desprende un catálogo de colecciones conformadas por una amplia gama de utensilios, que van desde una taza hasta una vajilla completa. Algunas de ellas son: “Muero por un café” dedicada al Día de muertos, “Retrocats” un tributo a los gatos o “Te miro cuando té tomo”, una oda al té.

Con el propósito de recordarnos que el peltre y el arte pueden fundirse en un producto ornamental que combina durabilidad y belleza, los productos de Esmalte Morillas están disponibles en distintos puntos de venta.

Foto: Mercedes Aguado

Karina Vargas

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¿

Mutable

“El pastel no debe ser para uno solo, el pastel es para

Qué sucede cuando juntas a dos diseñadores los de la guerra fría? La respuesta es que surge algo diferente, algo que cambia el sentido del diseño, algo que rompe las normas y experimenta para crear piezas únicas llenas de historia y mucha creatividad… surge algo “Mutable”.

César Pindter y Ernesto Azcárate son las mentes maestras detrás del talento Mutable, dos diseñadores más que muebles de diseño, ellos tienen un objetivo claro “la cultura del NO engaño en el uso de los materiales para diseñar muebles que puedan traspasar generaciones”.

La capacidad de experimentar que tiene estos dos diseñadores al momento de trabajar con materiales para fabricar muebles es sin duda el sello característico estándares de calidad en sus procesos de producción.

Así nos cuentan como a partir de fabricar una serie de habitables en un barco petrolero se dieron cuenta que su ingenio era el mejor capital que tenían.

“Nos enfrentamos a un proyecto diferente en todas las dimensiones, queríamos crear habitaciones con mucha calidez para las personas que pasarían meses enteros dentro del barco, pero sus pasillos hacían imposible meter muebles ya armados, así que el montaje debía ser simple, amigable y muy estético, sin perder tiempo, porque una vez que un barco así tiene orden de zarpar no hay manera de que se retrase la salida, ese fue el primer gran proyecto con bases de innovación que desarrollamos”.

Para ellos el proceso de logística y análisis de los materiales comenzó a ser la base de sus diseños, y con el tiempo llegaron a una sencilla pero elaborada conclusión: “si la madera que se va a utilizar es oscura no vamos a fabricar un mueble de nogal intentando que parezca caoba.”

“Nosotros teníamos que crear una línea mexicana que tuviera estándares de calidad alemana”

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“El uso que se le da a los materiales hoy en día merece un respeto y una conciencia ya que impacta directamente en el ambiente y el entorno, nosotros creamos muebles atemporales, esos que no te cansarán la vista 4 o 5 años después”.

Un diseño de líneas simples y elegantes que permiten admirar los selectos materiales con los que cada pieza se elabora integrando una armonía visual y funcional.

“Nos gusta que nuestros muebles no sean impredecibles, en muchas ocasiones mientras estamos creando alguna pieza nos damos cuenta en un punto del proceso que esta debe cambiar y transformarse en otra cosa… así es como se convierte en parte de la colección Mutable, para nosotros lo más importante radica en el momento en que te enfrentas a un material y tienes que resolver lo que sea necesario para lograr

“La necesidad y la competencia son la base de la excelencia, nosotros aprendimos técnicas sin tutoriales en redes sociales, teníamos que experimentar con lo que se leía en libros y revistas de diseño, eso nos permitió cometer muchos errores pero tener muchos más aciertos porque gracias a eso pudimos experimentar con nuestro propio entendimiento e intuición”.

La serie de vasijas de “árboles urbanos” cortados en diferentes escenarios de la ciudad son un claro ejemplo de la esencia Mutable, con una serie de troncos destinados a los tiraderos de basura o compostas estos diseñadores crean una colección de vasijas, cada una única en su forma y características ya que “no hay dos tronal tronco y la manera en que resaltan las imperfecciones de cada trozo de madera con una mirada estética permite apreciar su carácter único y personal.

Sin duda alguna la capacidad de cambiar y transformar lo que hay alrededor de nosotros es la clave que encon-

La aproximación al diseño tiene diferentes maneras de llevarse a cabo, para los creadores Mutables esa aproximación se llevó desde la necesidad de resolver problemas con “trucos innovadores” que les permitieran lograr excelencia en su línea de producción.

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de serie son hechos a mano dejando un poco de cada una de las personas que forma parte de este equipo en ellos y permitiendo que cada mueble tenga un carácter, una personalidad, pero sobre todo una posibilidad de formar parte de ese rincón especial en el que queremos mutar.

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Comité de proyectos to directo con clientes; bajo este enfoque, colaboró con el diseño y desarrollo de piezas de colección. A partir de 2014 se independiza para formar junto con Andrea Flores el despacho Comité de Proyectos.

Durante los primeros años el despacho se ha dedicado de lleno al desarrollo de Proyectos de Interiorismo y es en el 2016 cuando empiezan a incursionar en el desarrollo de objetos propios.

“Pensamos el diseño como un conductor cultural y Tras ganar experiencia en el mercado trabajando con distintas personas, Comité de Proyectos decidió lanzar una exclusiva serie de muebles durante la última edición de “Desing Week” llamada Binomios. Esta colección está conformada por una mesa de centro, una lámpara de pared y un macetero, también dentro de la exposición nos mostraron un perchero; cada una de las piezas hechas con materiales mexicanos. Con estos diseños, se buscan llevar la naturaleza al interior de los hogares de sus clientes.

E

l estudio mexicano Comité de Proyectos, formado por las diseñadoras Andrea Flores y Lucía Soto, ha desarrollado proyectos en el ámbito del interiorismo y del mobiliario; todas sus propuestas tienen en común el interés por convertirse en constantes estímulos en la vida cotidiana y el afán por generar una estrecha relación con sus usuarios.

Su proceso de trabajo es minucioso e inclusivo, de tal forma que fomentan la participación activa de sus clientes y colegas. En cada proyecto desarrollan una aproximación que consta de observación, análisis e intuición con la cliente y satisfagan sus aspiraciones.

Andrea Flores estudió la carrera de Diseño Industrial en la ciudad de Barcelona en el Instituto Europeo di Design y cursó un año en intercambio en la ciudad de Milán. Al regresar a México en el 2007 inicia su experiencia laboral trabajando en despachos como diseñadora junior y en el 2011 se vuelve responsable del Área de Proyectos de Interiorismo en MOB. Gracias a esta experiencia, Andrea decide continuar en el camino del Interiorismo y desarrollar su propio espacio con Lucía Soto con quien comienza a diseñar muebles e interiores.

Lucía Soto egresó de la carrera de Diseño Industrial en el CIDI UNAM, en 2010 inicia su experiencia laboral y posteriormente se integra al equipo de MOB para dirigir el showroom donde desarrolló sus habilidades en el tra-

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La atención en los detalles es una de sus principales características y tienen como propósito fundamental provocar sensaciones a través del diseño, ya que lo consideran como un importante conductor cultural.

“Exploramos las formas de habitar el espacio y las relaciones que surgen con los objetos para ofrecer soluciones a través de un diseño personalizado y accesible”.

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Aldo Chaparro

A

ldo Chaparro es un artista contemporáneo cuyo trabajo se centra principalmente alrededor de la escultura, el diseño y la arquitectura, conocido especialmente por sus esculturas hechas con acero inoxidable. Actualmente vive y trabaja entre la Ciudad de México, Nueva York, Madrid y Lima.

Mucho del trabajo de Aldo Chaparro esta basado en procesos rápidos, lo cual le obliga a tener una relación estrecha con sus materiales. Sus esculturas en acero inoxidable doblado remiten por un lado al error, teniendo un parecido con hojas de papel desechadas, así como a una de las maneras más primitivas de darle volumen a un plano. distorsionados que sirven como un visor del espacio alternativo que construyen. Las láminas de acero, dobladas con el cuerpo y la fuerza premisas de la obra de Chaparro es el tiempo y la relación que éste tiene con el material. Sus esculturas con acero son el resultado de la interacción de su propio peso, fuerza y estado de animo, con las hojas de acero inoxidable o latón, de modo que la producción de las mismas funciona como un diario de su cuerpo Chaparro es representado por la galería de Pierre Huber en Suiza, la Galería Casado Santapau en España, Ginsberg Galería en Lima, y OMR en México.

Además de su trabajo como artista, Aldo Chaparro también ha sido editor y director de arte. Como director del Grupo Editorial Celeste produjo más de 40 publicaciones de arte contemporáneo y moda del año 2000 al 2012, incluyendo Celeste y Baby baby baby, dos de las mundial.

Su trabajo se encuentra en colecciones como: The Jumex Foundation/Collection (México).

The Coppel Collection (México).

The CIFO–Cisneros Fontanals Art Foundation (Miami–U.S.).

The Helga de Alvear Foundation (Cáceres–España).

Simon de Pury (Londres – U.K.).

Douglas Baxter’s Collection (New York – U.S.).

Collection Domenico de Sole,(Hilton Head, U.S).

Collection Guler Sabanci, (Istambul, Turquía).

Pierre Huber Collection, (Suiza).

Museo de Arte Contemporáneo Lima, (Lima, Perú).

Perez Art Museum Miami (Miami, U.S.).

Totems Mármol 30 x 30 x 200 cm 2018 Foto: Carlos Baeza

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Intervenciรณn al Palacio Pamphilij 2010

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José Luis Rosas Landa

“Un primitivo del arte”

C

on más de 30 años de trayectoria en el mundo artístico Rosas Landa presenta y representa su visión de la cultura mexicana mediante la creación de diversas series de cuadros elaborados con una técnica de arenas erosionadas.

“Soy un artista primitivo porque sé cómo me puedo reconstruir continuamente… aprendo todo el tiempo y pretendo hacer una valoración de lo primitivo a través del arte, no soy solo un académico, mi pintura es más natural y primitiva que académica. Tengo un proceso contrario a regresa siempre a sus orígenes naturales y se apega a ellos”.

La técnica con la que se elaboran sus cuadros requiere de un estudio y análisis del color ya que el lienzo sobre el que pinta no es blanco, lo cual requiere una aplicación de combinaciones de colores con mayor composición, la técnica de arenas erosionadas y teñidas permite que sus cuadros tengan colores vibrantes y con diferentes texturas haciendo de cada obra una experiencia única desde lo visual, pero poniendo en juego varios sentidos.

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“Los colores que utilizamos para pintar, decorar y vestir cambian porque el entorno y el ambiente cambia, la estética y el entendimiento de lo estético para el ser humano se vincula a la naturaleza de las cosas, es por eso que un cuadro que representa a Oaxaca en los años 20´s no puede tener la misma paleta de colores de un cuadro de Oaxaca en el siglo XXI”.

Para Rosas Landa estas obras de arte parten del estudio de culturas mexicanas, y son estas las que tienen un sentido determinante en su proceso de creación.

“La inspiración surge, se crea y se inventa”, “Todas las obras hoy en día tienen que tener un discurso estético que liguen la obra en sí con algún contexto social y desde la representación del artista intenten explicarlo o plasmar una idea de ese discurso, de lo contrario no logran atrapar al público que las observa”.

El artista de “Globos de Cantoya”, “Papaloapan”, “Por los caminos del sur” y un número extenso de obras nos cuenta la manera en que observa al mundo y recuerda los grandes acontecimientos que han marcado su vida a través del color de sus cuadros.

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“El movimiento del 68 fue una de las grandes cosas que marcaron mi vida y mi representación del arte. Después de ver tanques del ejército pasar frente a mi escuela y vivir varios días de incertidumbre por la matanza de jóvenes en Tlatelolco mi mamá nos llevó de paseo a un lugar llamado Santa Rosa donde había una feria del pueblo y lo que más recuerdo son los globos de cantoya que habían por todos lados, llenos de color y luz, poder observar ese espectáculo y después entender la manera en que mi mamá intentó cambiarnos la vida y hacer menos estresante ese momento me demostró que con color se puede cambiar la manera de ver las cosas y hacerlas más bellas”.

Rosas Landa cuenta con diversas exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales, entre otras y las más recientes: “Arqueología Poética XI Edición”, “Etnografía de la Pintura”, “Ritual de Petición de Lluvia”, “Ascetismo en la Pintura” y “Convergencia; Cada Mundo su Arte”, “IL Colore della Vita”, “La Endiablada”, “El color en el mundo” y “Luz y color en la central”, todas ellas comunidades étnicas y culturales de México.

“Mi cerebro me dice cuando frenar las obras, pero en muchas ocasiones esas obras resurgen y vuelven a tomar vida para transformarse en nuevas representaciones más complejas y completas.”

Una de las más grandes aportaciones de Rosas Landa al mundo del arte es su labor como docente en el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, donde lleva más de

30 años impartiendo clases. De acuerdo con su discurso la mejor manera de promover el arte es enseñando a crearla.

Es coordinador de artistas: “Jóvenes Pintores de Arte Oaxaqueño”, investigador y promotor de proyectos artísticos, conferencista en diferentes Instituciones tales como: “Murales de Diego Rivera”, “El Arte del Siglo XX”, “El Arte de Invertir en Arte”, “Vida y obra de Frida Kahlo”.

Además de performance e Instalaciones Plásticas en la UAM, UNAM, INBA, Sistema de Transporte Colectivo Metro, el Museo Centro Cultural Mexiquense Bicentenario y el Museo de la Fundación del Centro Cultural del México Contemporáneo, Museo de las Culturas.

Su último proyecto dentro de la Bodega de Arte en la Central de Abastos de la Ciudad de México le ha permitido vivir una experiencia diferente en su proceso de creación artística ya que se adentró en los pasillos de frutas y verduras para crear “bodegones con esencia frutal”, mientras pintaba al lado de las sandias, cerezas, papayas y aguacates que se venden en este recinto el artista replanteo la posibilidad de convertir aquellos bodegones en obras micrométricas que permitan representar las montañas y los campos de cultivo.

Un bailarín, historiador, pintor, escultor y primitivo artista que nos muestra los colores de México y su cambio en la historia mediante intensas pinceladas dignas de colgarse en los muros de importantes museos pero también de convertir un hogar en una historia que contar.

Andrea Castillo

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Pasado Neo Gótico

E

instalaciones del Museo del Policía de la construyó entre 1906 y 1908, se realizó bajo la dirección del arquitecto Federico Mariscal, quien fue alumno de Adamo Boari, arquitecto italiano que participó en la construcción

Correos en el Centro Histórico.

El estilo de la construcción es una mezcla de diferentes formas funcionales y estéticas, entre ellas , Neo Gótico y Art Deco, estos estilos siguen las pautas arquitectónicas que estaban de moda en Europa y que durante el gobierno modernidad y progreso.

En aquel momento la Ciudad de México se encontraba en constantes cambios, ya que se acercaba el Centenario

en la zona centro de la ciudad, muy cerca de la Plaza de la Ciudadela, durante la llamada Decena Trágica sirvió como hospital, en el cual se atendieron los heridos de este enfrentamiento entre los ejércitos maderistas y felicitas. más emblemáticos de la Ciudad de México. Durante el siglo XX Estación de Policía, Juzgados, Estación de Bomberos y centro de operaciones de la Cruz Verde, aquí llego gravemente herido el revolucionario León Trosky, quien posteriormente murió.

Este museo alberga la historia de la Policía de la Ciudad de México. Por medio de dioramas, fotografías y objetos diversos, el Museo ofrece un recorrido por la historia de la sociedad mexicana, desde la época prehispánica hasta nuestros días; destacando la organización institucional de la seguridad pública en el Distrito Federal, el papel que ha jugado la Policía, las funciones que ha realizado, así como las transformaciones de que ha sido objeto. En 1991 se adaptó como el Museo de la policía Preventiva, adecuando sus espacios interiores para una sala de exhibiciones.

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Andros Díaz Una duela que se rompe durante un vaciado de concreto no es un error, es una historia en el objeto…

“Diseñamos y fabricamos para la Escuela Bancaria unas piezas. Ese fue el proyecto con el que empecé mi estudio y fue todo un reto, trabajamos las piezas desde la concepción del diseño luminotécnico y fabricamos desde cero. Tuvimos la oportunidad de llenar nuestras manos de grasa y entrar en contacto con la materia por primera vez. Las diseñamos, las fabricamos e instalamos con nuestras propias manos y que hayamos realizado jamás”.

Cada pieza puede estar ligada a un concepto personal o estético del entorno donde será colocada, el juego de la luz es indispensable para lograr un ambiente determinado en los salones de estar, museos, galerías o habitaciones donde será colocada, esto hace que las luminarias se conviertan en piezas claves al momento de decorar e intervenir en el diseño estético de un espacio.

“

El respeto a la materia y a su pureza más brutal es algo de lo que más me gusta explotar. Sería difícil pensar en un sello

en la forma de fabricar y en los materiales usados. Para mí las cosas que la gente consideraría errores son detalles”.

Andros Díaz es un destacado diseñador en luminarias que ha montado uno de los mejores despachos en la Ciudad de México. Egresado de la carrera de arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México y con una sólida trayectoria en proyectos con grandes empresas y diseñadores Andros mundo del diseño mexicano.

“No sabría decir con exactitud qué es lo que me llevó a esto, si bien tengo que decir que tomé la decisión de estudiar arquitectura un poco al azar, también puedo decir que fue la mejor decisión que he tomado, es algo de lo que tengo absoluta certeza, porque la satisfacción de ver materializado algo que comenzó como una idea, es única”.

Ha colaborado en el estudio, galería y casa del escultor Aldo Chaparro; así como en el diseño de luminarias para los salones y museo de la rectoría de la Escuela Bancaria como algunos de sus proyectos más sobresalientes, ya que el cuidado de cada detalle al momento de crear una serie de luminarias

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“Para mí la inspiración simplemente existe y es cosa de encontrarla. A veces uno la encuentra en la naturaleza, a veces en la música o en el arte. Todo el mundo es inspirado por distintas cosas y encuentra detonantes en las más diversas y raras situaciones. A mí me gusta mucho observar cómo pasa la luz a través de las hojas de los árboles, es algo que me encanta y me hace pensar en la fugacidad y constante cambio que sufren las cosas”.

La luz como pieza clave en el diseño de un ambiente nos lleva a poder explorar un sinfín de posibilidades emocionales, el uso adecuado de la iluminación es nuestro mejor aliado en materia de diseño y decoración. Encontremos una nueva mirada a través de la iluminación y creemos esos espacios únicos que nos permitan reconectar con nosotros mismos.

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Angulo 0

G

alería de diseño coleccionable y arte emergente latinoamericano con sede en la Ciudad de México. Comisiona piezas únicas y ediciones limitadas que promueven la intersección entre arte y diseño, incluyendo arte decorativo, mobiliario, cerámica, tapetes, luminarias, accesorios de decoración y joyería. Ángulo Cero se complace en presentar el lanzamiento de la primera colección de la marca For Generations to Come (FGTC) de la diseñadora puertorriqueña Michelle Gratacós-Arill. A principios del 2017 Michelle se muda a con la escena de diseño local y estudiar los recursos de producción industrial y artesanal disponibles en el país.

Así nace la primera colección de FGTC, la cual se compone de varios diseños en herrería para colgar plantas y una serie limitada de tapetes hechos en colaboración Michelle Gratacós-Arill (San Juan, Puerto Rico, 1984) es artista y diseñadora, egresada de la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico. Cuenta con una maestría en Diseño de Experiencias (Experience Design: Multidiciplinary Studies) de Konstfack (University College of Arts, Crafts and Design) en Estocolmo, Suecia.

Actualmente Gratacós-Arill cuenta con su propia línea de diseño, la cual busca promover la producción artesanal contemporánea y el debate sobre la accesibilidad y función del arte. Asimismo, le interesa que en su práctica exista interacción humana, especialmente con artesanos, y que los productos sean sustentables y mantengan una conexión con la naturaleza.Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Xalapa, Veracruz. Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Veracruzana. Mediante diversas técnicas como la pintura, la cerámica y el bordado con pelo de animales, sigue una línea basada en la estética miniriales usados. La constante en su obra es el profundo interés por la calidad formal y la insistencia en el detalle hasta sus últimas consecuencias, invitando al espectador a una lectura minuciosa. Su obra se ha expuesto en México, Canadá, Bélgica, Inglaterra, Estados Unidos y Japón.

Fotografía: Cortesía de Ángulo Cero

Ah Hoc Fundado en 2014 por Juan José Nemer y Mauricio Álvarez, Ah Hoc es un taller de objetos, muebles y espacios que busca la perfección del detalle a través del diseño.

Su trabajo se basa en resaltar la belleza natural de los que existe en el país, revalorizando el proceso manual y el detalle personalizado. De esta manera, logran entremezclar lo tradicional con lo contemporáneo.

En 2013 expusieron en el Salón del Mueble de Milán y en 2015 representaron a México en Wanted Design en Nueva York.

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Michelle Gratacรณs-Arill

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Ah Hoc

Juan José Nemer y Mauricio Álvarez

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José Luis Contreras

E

n 1857, en su obra Historia de las Indias, el fraile dominico Diego Durán ya hace mención del rebozo; prenda mestiza por excelencia, que nació de la necesidad que tenían las mujeres mestizas de cubrirse para entrar en los templos. Inspirándose en las tocas que los frailes impusieron a las mujeres indígenas con tal motivo, así como en los mantos de españolas, los tejedores aprovecharon el telar prehispánico para tejer rebozos de algodón y más tarde de seda y lana.

Las indígenas acostumbraban a hilar con uso o malacate las seda y la lana sin abandonar el ixtle, ni el algodón blanco ni el de color coyuebe, de origen prehispánico.

En castellano el nombre del rebozo parece sugerir el acto de embozarse, lo que literalmente quiere decir: “cubrirse el rostro por la parte inferior, hasta la nariz o los ojos, con la capa u otra prenda de vestir”.

El rebozo se convirtió en un símbolo de nuestra mexicanidad y su uso ha sido de lo más variado. Mientras las damas de alta alcurnia lo utilizaban dentro de sus casas, las mujeres del pueblo no salían sin él; para ellas era abrigo, monedero, tendedero, pañuelo, lienzo para bautizar, cuna y mortaja. Y cuando se presentaba una riña, se convertía incluso en arma. Hasta las monjas en su vida claustral lo usaban, de color azul y blanco; en contraste, la mujer otomí mojaba la punta de su rebozo en el agua de la fuente cuando recordaba a su novio. Al paso del tiempo se convirtió en una apreciada prenda para las damas de la nobleza.

Santa María del Río, cuna del rebozo… Y no es para menos: ahí rebozos que se conocen; por su gran trabajo artesanal y su complejidad de elaboración algunos de ellos han ganado premios nacionales e internacionales. Ahí nació el rebozo más famoso del mundo: el de bolita, que debe su nombre a que el hilo venía hilado en “pequeñas bolas”.

El rebozo es un accesorio que era usado por nuestros antepasados y una tradición que ha encontrado su lugar en la moda actual, es una de las artesanías más representativas de México, con usos tan variados como la imaginación lo permita.

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El minucioso y complicado proceso de elaboración de un rebozo de seda o Artisela consta de 6 pasos: Devanado / Urdido / Teñido / Reservas / Tejido / Rapacejo Los artesanos se han negado a entregar la elaboración tradicional a las bondades de la industrialización. Hoy en día el rebozo sigue elaborándose en el telar de cintura, igual que en el resto de los instrumentos de trabajo, con técnicas de origen prehispánico.

El rebozo es hoy un apreciado símbolo de nuestra identidad, que se extiende orgullosamente para mostrar su belleza y sus colores.

Es una pieza artesanal que ocasionalmente aún deleita la vista en mercados, plazas, y parques, pero el rebozo es hoy, además una prenda que dignamente sale de su lugar de origen para aparecer como un accesorio que embellece no solo los atuendos de las mujeres, también el de caballeros.

Teniendo un rebozo no solo se apoya la actividad de un municipio artesanal, que día a día realiza un esfuerzo de dedicación, sino que las manos que lo elaboraron.

José Luis Contreras, Diseñador Industrial. Se mantiene mediante múltiples proyectos, entre ellos: “El rebozo: rescatando la tradición en un sentido contemporáneo”.

Con este proyecto SC Design y CONTRERASALEJO han trabajado en la colaboración y búsqueda de un nuevo lenguaje ornamental aplicado esencialmente a los rebozos, conjuntamente con Fundación Advento A.C., con el objetivo de recuperar la tradición en el sentido de una contemporaneidad; entendiendo con esto la tradición como evolución y no como involución, tanto SC Design, CONTRERASALEJO y Studio SESMA, pretenden ser un puente entre el diseñador y el artesano, no solo en el sentido de desarrollar nuevos patrones, sino de generar nuevos mercados que permitan a ellos ampliar sus posibilidades de vida y profesionales.

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Agenda

C

on más de 13 programas, Design Week México 2018 será uno de los eventos de cierre de World Design Capital CDMX 2018, designación bianual, impulsada por DWM y el Gobierno de la Ciudad de México, que promueve el papel del diseño y la creatividad como agentes de cambio social y cultural dentro de un contexto urbano; además de brindar propuestas para mejorar la calidad de vida en la ciudad.

A lo largo de 10 años, DWM ha impulsado la creatividad y el diseño con miembros de la comunidad: arquitectos, e instalaciones de clase mundial en 7 museos, 16 programas

de residencia para diseñadores emergentes, 2,447 arquitectos y diseñadores participantes, y 30 eventos que incluyen exposiciones y ciclos de conferencias; reuniendo en la Ciudad de México a cerca de 15 millones de visitantes.

La participación internacional ha sido clave para consolidar a Design Week México como una plataforma mundial de países con gran tradición de diseño, siendo estos Brasil (2013), Reino Unido (2014), Italia (2015), Alemania (2016) y Suiza (2017). Para este año, México será el país protagonista de las actividades de DWM con la intención de impulsar las prácticas y los proyectos que han logrado internacionalización a lo largo de 10 años.

PRINCIPALES ACTIVIDADES DE DESIGN WEEK MÉXICO 2018 hacer crecer las construcciones añadiendo cuartos alrededor de un espacio abierto. Partiendo de la silla Arrullo, el trabajo de Hagerman se ha caracterizado por el enfoque local en medio de un mundo globalizado que va perdiendo identidad.

Con este enfoque que busca preservar el paisaje y los usos locales del espacio, ha realizado escuelas, maternidades, hospitales, refugios, casas y puentes en distintas localidades de México, entre ellas, la Sierra Huichola, la Sierra Norte de Puebla y la comunidad de Acteal en Chiapas.

PROYECTO TAMAYO DWM Del 10 de octubre a marzo 2019

“OSCAR HAGERMAN” Museo de Arte Moderno Del 10 al 21 de octubre

En el marco de la Semana del Diseño, el Museo de Arte Moderno, en colaboración con Design Week México, presenta la muestra “Oscar Hagerman”, una selección de sus proyectos hechos en distintas comunidades de México pensando por la sencillez espacial, el uso de materiales de la región y

58 Muebles y Decoración

Conocido como el Serpentine Latinaomericano por la reconocida revista británica Wallpaper, el Proyecto Tamayo DWM es una plataforma que invita a los arquitectos y diseñadores a crear estructuras efímeras en los jardines del Museo Tamayo. Es diseñado cada año por un reconocido despacho mexicano, quien desarrolla una estructura temporal para convertirla en un elemento social central del Museo y del Bosque de Chapultepec.

A partir de esta edición, el Proyecto Tamayo DWM será presentado por Arch Days CDMX, y estará a cargo de la arquitecta Fernanda Canales. En ediciones anteriores han participado los despachos: Tatiana Bilbao, Alejandro Castro,

EXPO DW

Expo Reforma Del 12 al 14 de octubre La tercera edición de Expo DW, presentará un tradeshow de más de 2,700 m2 con alrededor de 140 exponentes nacionales e internacionales de diseño contemporáneo. Esta plataforma fomenta la promoción, exposición y comercialización de propuestas de mobiliario, acabados arquitectónicos, accesorios para el hogar, moda y joyería.

VISIóN Y TRADICIóN

Museo Nacional de Antropología Del 10 al 14 de octubre

Paralelamente, y con el propósito de impulsar el potencial económico de las industrias creativas en México, DWM generará un espacio durante Expo DWM en conjunto con ProMéxico llamado ‘Rueda de Negocios’. Esta iniciativa permitirá a los representantes de industrias creativas locales y nacionales realizar reuniones de negocios durante dos días consecutivos (12 y 13 de octubre) con compradores internacionales, con miras a impulsar las relaciones comerciales, ampliar mercados y contactos, y fomentar la exportación de productos o servicios a corto, mediano y largo plazo.

Por primera vez el Museo Nacional de Antropología alojará del diálogo cultural entre comunidades creativas nacionales e internacionales y la artesanía tradicional mexicana.

Iniciado en 2015, Visión y Tradición es un programa de residencia con diseñadores emergentes de México, representantes de la comunidad creativa internacional y maestros artesanos, que busca promover la colaboración e tradicional en el diseño contemporáneo.

Este año, 22 artesanos de 11 comunidades de los estados de Hidalgo, Guerrero, Oaxaca, Puebla y CDMX trabajarán con 6 marcas para crear nuevas piezas de diseño de artesanía tradicional con toque contemporáneo. Los 17 diseñadores participantes pertenecen a los despachos: V&T Plata, Fábrica Social, Taller Lu’um, Tributo, Made in Mexico, Onora, y Rituales Contempo.

INÉDITO

Museo Tamayo Arte Contemporáneo Del 10 al 21 de octubre INÉDITO es un espacio único que busca impulsar el talento mexicano y donde la comunidad de diseñadores, artesanos, talleres, estudios y actores clave de la industria creativa se reúnen para dialogar y crecer conjuntamente.

En su quinta edición, INÉDITO exhibirá y celebrará ante más de 13,000 asistentes las nuevas propuestas de diseño utilitario de 76 estudios de diseño y diseñadores.

Durante la exhibición, los 76 participantes serán evaluados por un jurado internacional, quien entregará 8 menciones producción y desarrollo de la mejor propuesta. Así mismo, los se sumarán a una exposición en Espacio CDMX Arquitectura y Diseño, a celebrarse de octubre a diciembre de 2018.

DESIGN HOUSE

Monte Líbano 930, Lomas de Chapultepec Del 12 al 28 de octubre Design House es un ejercicio de intervención que integra disciplinas como el diseño, arquitectura e interiorismo. A lo largo de nueve años ha presentado, en distintos inmuebles, las propuestas de vanguardia de cien despachos participantes en colaboración con los showrooms que forman parte de la Ruta del Diseño, quienes ponen a disposición de los despachos las piezas y accesorios que integran las diversas propuestas.

En la edición de este año, Design House contará con la participación de 24 renombrados despachos de arquitectos e interioristas, quienes con su visión transformarán diferentes espacios, inspirados en reconocidas personalidades de distintos ámbitos sociales de México.

Muebles y Decoración 59

El Foro contará con la participación de arquitectos internacionalmente reconocidos como Edward Barber & Jay Osgerby de Barber & Osgerby, Dror de Stuido Dror, Borja Ferrater de OAB, Mario Cucinella, Fernanda Canales, Peter Ruge de Peter Ruge Architekten, Bodo Sperlein, José Francisco García de IED City Lab, Julian Ellerby de Radical Matter, entre otros Los interesados en asistir podrán adquirir sus boletos a través del sitio web de Design Week México y Arch Days CDMX: www.designweekmexico.com y www.archdayscdmx.com

DOCUMENTALES

Cinépolis Diana, Sala de Arte Funciones: 11 de oct de 19:00 h a 21:00 h 13 de oct de 11:00 h a 13:00 h Design Week México, a través de la plataforma Arch Days CDMX, presentará una serie de documentales “Visión & Tradición”, “Faces and Places”, “The Future of Cities”, “H2O MX”, con múltiples perspectivas sobre el impacto del diseño en la sociedad. Su propósito principal es mostrar la relación entre realidad, investigación y el pensamiento crítico como una manera de educar sobre y para el diseño.

DISEñO CONTENIDO Y ESTRUCTURAS EFíMERAS Parque Lincoln (Polanco) 13 y 14 de octubre

CREATIVITY & CHANGE

(Foro Arch Days), Museo de Antropologia 12 de octubre En 2018 el Foro de design thinking conocido como Creativity & Change, será parte de la programación de Arch Days CDMX, plataforma hermana de DWM, convirtiéndose en el Foro Arch Days.

Este evento ofrecerá una plataforma de diálogo y debate entre profesionales, académicos y escritores para examinar la relación dinámica entre el diseño, la educación, la innovación y la sostenibilidad, destacando el impacto social del diseño dentro del contexto urbano y la calidad de vida en la ciudad.

60 Muebles y Decoración

las propuestas de jóvenes diseñadores mexicanos. Con más de 50,000 visitantes, esta feria presenta 20 contenedores que se convierten en escaparates temporales en una de las zonas comerciales más importantes de la Ciudad de México.

Los visitantes también podrán interactuar con las Estructuras Efímeras montadas alrededor de los espejos de agua del parque Lincoln, que a partir de este año serán parte de la programación de Arch Days CDMX, y presentarán el trabajo y creatividad de diversas universidades, así como de los destacados despachos de architectura City Ink y Alt y T-O.

EXPO TORRE DE RELOJ Parque Lincoln (Polanco) 13 al 21 de octubre

Como cada año, la Galería de la Torre de Reloj presenta durante DWM una serie de exposiciones de arte, diseño o arquitectura vinculadas a la producción creativa. En esta edición, los visitantes podrán ver una exposición de objetos sobre luz, espacio público y diseño presentado por el Ayuntamiento de Barcelona.

RUTA DEL DISEñO Polanco / Lomas 13 y 14 de octubre

Como cada año, la Ruta del Diseño ofrecerá camionetas en un Lomas de Chapultepec, San Miguel Chapultepec, Roma y Condesa, para que los usuarios puedan descubrir las últimas colecciones, tendencias y lanzamientos de las marcas de interiorismo y galerías de arte más importantes de la CDMX.

WORLD DESIGN CAPITAL 2018: EN LA RECTA FINAL

La última etapa de actividades de World Design Capital CDMX 2018 contempla los eventos protocolarios de la World HDesign Organization, así como actividades culturales y el

FORO INTERNACIONAL DE DESIGN WEEKS (World Design Weeks Summit Mexico) 11 de octubre, Museo Tamayo

Reunión privada entre Design Weeks de todo el mundo, así como otras organizaciones de diseño con el objetivo de establecer acuerdos de colaboración e intercambio entre la programación de cada plataforma. Entre las organizaciones participantes destacan: Helsinki Design Week (Finlandia), Dutch Design Week Eindhoven (Países Bajos), Seoul Design Week (Corea del Sur), San Francisco Design Week (EU),

TERRITORIO URBANO

San Miguel Chapultecpec / San Rafael / Santa María la Ribera / Roma 13 y 14 de octubre Territorio Urbano reunirá una serie de eventos, talleres, exposiciones y stands de comida en la calle General Francisco Ramírez, donde destacan la Casa Estudio y Talleres Luis Barragán, la Galería Archivo Diseño y Arquitectura, y la Galería Labor.

(Canadá), Beijing Design Week (China), Barcelona Design Week (España) y Design Week México.

Agenda local WDC CDMX 2018 Finaliza en noviembre 2018.

Los eventos y actividades de la agenda local de World Design

Muebles y Decoración 61

Talavera

400 años de una hermosa tradición Cortesía de Talavera de la luz

T

odo comenzó cuando en 1550, un pequeño grupo de artesanos provenientes de los talleres de Talavera de la Reina, Sevilla y Génova se establecieron en la Nueva España, exactamente en Puebla, y comenzaron a producir la loza estannífera, la popular talavera.

Fue entonces cuando estos artesanos españoles aprovecharon el conocimiento prehispánico que tenían los pueblos indígenas en el manejo de las arcillas, comenzaron a incorporarlo en sus talleres junto con el propio personal europeo e incluso con esclavos negros y así nació un producto original denominado talavera poblana.

La Ciudad de Puebla, a 120 kms. de la ciudad de México es la ciudad colonial más grande del país, reconocida por su Centro Histórico y por su centenaria y tradicional producción de cerámica de Talavera.

En México, los conquistadores encontraron una producción de cerámica con varios siglos de desarrollo y excelente calidad que además de los utensilios de uso doméstico tenía un importante papel en ceremonias religiosas, ritos funerarios y también extraordinarias esculturas.

62 Muebles y Decoración

Muebles y Decoraciรณn 63

En la Colonia, se inició la llegada de cerámica importada y el establecimiento de talleres de alfareros españoles. Puebla fue el principal centro productor de cerámica no sólo de la Nueva España sino del Nuevo Mundo. En 1550, a 20 años de la fundación de la ciudad, ésta ya contaba con talleres de loza vidriada y azulejos de la que se conocería como Talavera Poblana y que, a partir de la colonia difundida.

Su nombre proviene del origen de los primeros artesanos y por ser copia de la producida en Talavera de la Reina, España.

Su elaboración conserva su carácter primitivo que mezcladas con elementos locales le imprimen características únicas e inconfundibles.

En los mismos talleres se producían azulejos, recubrimiento que enriqueció a la arquitectura virreinal convirtiéndose en elemento de identidad de la imagen urbana que se conserva hasta la fecha.

Su uso se inició en la arquitectura religiosa y más y en detalles decorativos. Con el tiempo, se fueron llegar al máximo en el siglo XVIII cuando su empleo se generalizó y combinando azulejos con ladrillos llegaron a cubrir fachadas completas.

El proceso de elaboración de la Talavera se origina en la época colonial y se mantiene hasta hoy. Las piezas se forman a partir de dos tipos de barros, uno negro y otro blanco, que se encuentran en la región y se combinan en partes iguales.

Talavera de la Luz se fundó en la ciudad de Puebla en 1996, en un esfuerzo por preservar el legado cultural y la tradición artesanal de más de 400 años.

El taller se encuentra en el Barrio de la Luz, el asiento tradicional de los alfareros poblanos.

Desde su fundación, se ha realizado una exhaustiva investigación de los materiales y las técnicas tradicionales y ha conformado un equipo de artesanos comprometidos con el proyecto. En el año 2000, consiguió el apego riguroso a la normatividad establecida.

Por su alta calidad y valor cultural, las obras del taller han sido expuestas en múltiples sedes en México y el extranjero incluyendo el Museo Franz Mayer, el Museo de Arte Popular, el ex Convento de Santo Domingo y el Museo Universum de la Universidad Nacional Autónoma de México, entre otras.

64 Muebles y Decoración

ARTESANÍAS ANDRES MARTIN DEL CAMPO CUADROS Y FIGURAS DE METAL JALISCO (33) 36 95 59 14

ARCILLA MEXICANA

ARTESANIAS EN BARRO QUERETARO (44 ) 2217 79 61

CONTEMPOARTE

NUEVO ESCULTURAS Y ARTE LEÓN (81) 1464 4054

EMOZIONI

JALISCO LAMPARA, CUADROS (33) 36 80 73 24

GALERÍA DE ARTE MERCHANT FABRICANTES CUADROS PUEBLA (22) 24 13 68 70

CASA DE ARTESANIAS TUKULNA CAMPECHE (981) 816 9088

COLECCIÓN JOSÉ TORRES JALISCO (33) 36 09 33 39

CUADROS

CUADROS LÁMPARA JALISCO (33) 36 86 63 21

GALERÍA MARTÍNEZ

JALISCO ARTE MODERNO EN BARRO (33) 36 83 05 96

GALERÍA SORAYA

DISTRITO IMPORTACION ART DE TODO EL MUNDO DISTRITO FEDERAL (55) 52 59 93 43

ICASAMEX

ARTESANIAS MORELOS (77) 73 72 72 91

ARTICULOS RELIGIOSOS AGACAM

FABRICANTES DE ESCULTURAS RELIGIOSAS Y ARTICULOS DE REGALO EN RESINA DISTRITO FEDERAL (55) 55 19 94 33

ARAGÓN ARTE Y FIGURAS

FABRICACION Y VENTA DE FIGURAS RELIGIOSAS JALISCO (33) 36 43 38 87

ARTICULOS RELIG Y DEC. DE NSTRA SRA. DE LA LUZ FIGURAS, ARTICULOS RELIGIOSOS HIDALGO (77) 17 15 54 20

ESTAMPA MURGUIA DISTRITO FEDERAL (55) 52 60 80 22

VIFORMA

GABRIEL’ S

(777) 102 0807

ARTÍCULOS RELIGIOSOS GUANAJUATO (47) 70 00 70 85

ARTSA ARTE SACRO MEXICANO ARTICULOS RELIGIOSOS IRAPUATO, GUANAJUATO, MÉXICO (462) 624 7220

LAMPARAS, CUADROS,ESPEJOS

SATTIA

DECORACION GUADALAJARA, JALISCO, MÉXICO (33) 36182776

VANGARDI

ACCESORIOS

CUADROS, ESPEJOS Y DECORACION GUANAJUATO (477) 293 5532

JOSE TORRES

VENTA DE ARTÍCULOS PARA DECORACIÓN MEXICO (33) 3609-3339

JUAN RAMÓN SOTO DISEÑO ARTESANAL

ARTICULOS DE TERRACOTA PARA DECORACION JALISCO (38) 77 63 02 96

ON DESIGN

DECORACIÓN

BAZZAR SANTA SOFIA ACCESORIOS JALISCO, MÉXICO

ATMOSPHERE

ARTICULOS PARA DECORACIÓN (55) 58773444

ARTÍCULOS DE DECORACIÓN Y HOGAR (55) 5531 843

REGIO GLASS

ARTÍCULOS DE VIDRIO SOPLADO GUADALUPE, NUEVO LEON, MÉXICO (81) 8354 1208

BLACK&WHITE BY DLAURI

DECORANDO ESPACIOS

ACCESORIOS DECORATIVOS SAN LUIS POTOSI (444) 8203 276

PRODUCTOS DE DECORACION (55) 5341 0942

TREZ GLASS STUDIO

ACCESORIOS DECORATIVOS EN VIDRIO GUADALAJARA, JALISCO, MÉXICO (33) 3671 5299

LA PRIMAVERA DEL VIDRIO SOPLADO PRODUCTOS EN VIDRIO (55) 52071159

RUNNING

ACCESORIOS DECORATIVOS LEON, GUANAJUATO, MÉXICO (477) 211 4141

NAMARO DESIGN

ACCESORIOS DECORACIÓN NAUCALPAN, MÉXICO (55) 5300 1660

LA PETTITE BOUTIQUE

VELAS, JABONES, RECUERDOS (55) 1285 6272

PACHE HABITAT

ARTICULOS DECORATIVOS GUADALAJARA, JALISCO, MÉXICO (33) 31263024

PATMOL

ACCESORIOS DECORATIVOS ZAPOPAN, JALISCO, MÉXICO (33) 3629 1434

HÄUSER-DUÖMO ACCESORIOS

ARTÍCULOS DE DECORACIÓN Y REGALO ZAPOPAN, JALISCO, MÉXICO (33) 3849 6049

RONVO

RELOJES DE PARED (55) 5524 2021

LA CASONA FIBRA DE VIDRIO ARTÍCULOS DE DECORACIÓN JALISCO, MÉXICO (33) 1525 4246

LA MANSIÓN

DECORACIÓN EN LÁMINA TONALÁ, MÉXICO (33) 3792 5905

SPASCIOS ARTE Y DISEÑO MEXICANO ACCESORIOS DECORATIVOS JALISCO, MÉXICO (33) 3683 4562

PLACIDO ARTE EN ONIX

ACCESORIOS Y MUEBLES DE BAÑO PUEBLA, MÉXICO (23) 8384 8732

SLEEP MART

ACCESORIOS PARA INTERIOR Y EXTERIOR (55) 5359 6929

AMADA DESINGS INC.

ARTICULOS DECORACION BASE DE SEMILLAS DISTRITO FEDERAL (55) 54 21 71 98

GAF COLLECTION

ACCESORIOS DE DECORACIÓN GUADALAJARA, JALISCO, MÉXICO (33) 3640 1953

CAHI

ARTÍCULOS DE RATTÁN, DERIVADOS Y PLÁSTICOS

CORUNDA DESIGN STUDIO ARTÍCULOS DE DECORACIÓN 5601 6030

CUORE INOX

ACCESORIOS DE COCINA, DE HOGAR, MUEBLES DE OFICINA

KUAUTLI TRADE AND IMPORT

LÁMPARAS, INCIENSOS, AROMÁTICOS VARIOS (55) 5601 7910

ARECA GALERIA

ACCESORIOS DE BAMBU, MUEBLES Y FLORES PUEBLA (22) 22 35 68 69

D-CO GLASS

ARTICULO DE DECORACION JALISCO (33) 36 93 19 97

DECORA NATURA

VENTAS DE CENTROS DECORATIVOS NUEVO LEÓN (81) 22 82 54 60

DUOMO ACCESORIOS / HAUSER ACCESORIOS DECORATIVOS JALISCO (33) 38 54 37 63

GAF COLLECTION ART AROB ARTE EN DETALLES FINOS ACCESORIOS DE DECORACION DISTRITO FEDERAL (55) 56 60 36 75

LAMPARAS, PORTARETRATOS JALISCO ( 33 ) 36 40 19 53

GALERÍAS EL TRIUNFO ART-DEC

ARTESANIAS CON DISEÑO DE LATON NIQUELADO TABASCO (99) 33 10 31 10

ARTE EN DECORACIÓN

ACCESORIOS PARA OFICINA Y HOGAR DISTRITO FEDERAL (55) 55 46 20 07

ARTICULOS PARA DECORACION (55 ) 55 10 40 18

ISRAEL REGALOS Y FIGURAS FIGURAS DECORATIVAS GUANAJUATO (44) 54 45 03 36

BLANCOS AMSALA

BAAZAR SANTA SOFIA

ACCESORIOS DECOTATIVO Y PLANTAS JALISCO (33) 38 33 50 91

FABRICANTE C/IMPROT DE BLANCOS JALISCO (33) 36 42 45 76

ARTICULOS DE MEZCLILLA CHRISAL SALTILLO

ARTICULOS DE VIDRIO COAHUILA (84) 44 12 99 12

JUEGO DE COCINA, BAÑO, PUFF, LÍNEA BEBE, COJINES (52) 5657-2682

LISANTY

MANTELERÍA Y BLANCOS (55) 5335 3308

RENZO LIVING

COJINES, EDREDONES (55) 5611 4254

ON DESIGN

MODA TEXTIL DECORATIVA (COJINES) GUADALAJARA, JALISCO, MÉXICO (33) 36581000

FENIX MANTELERIA

MANTELERÍA Y BLANCOS (449) 918 1255

DISEÑOS BLAME

MANTELERÍA Y BLANCOS (442) 384 8892

DECOZONA S.A DE C.V. COJINES JALISCO (33) 36 75 76 23

CASA DEI / DISTINCION INTERNACIONAL ARTICULOS PARA EL HOGAR JALISCO (33) 33 45 03 15

HANSGROHE

CALEFACCIÓN

BAÑOS/GRIFOS (55) 5261 4191

CALEFACCIÓN ALEMANA

CALEFACCIÓN Y ENERGÍA RENOVABLE ESTADO DE MÉXICO (55) 5378 5016

VILBOMEX

MUEBLES PARA BAÑOS SALTILLO, COAHUILA (844) 411 90 00

HOGARTE

HOGAR DISTRITO FEDERAL (55) 55 43 67 37

CUIC

ARTÍCULOS IMPORTADOS PARA EL CLOSET Y ORGANIZACIÓN DE LA CASA

IN SINK ERATOR TRITURADORES (55) 5809 5013

CERÁMICA AZUL BOLOS

CERAMICA, MADERA, ETC QUERETARO ( 44 ) 21 48 92 93

CERAMICA ESTANZUELA

VAJILLAS Y PRODUCTOS DE CERAMICA DE ALTA TEMPREATURA DISTRITO FEDERAL (55) 52 27 31 37

CERAMICA LOYA CERAMICA VERACRUZ (228) 56345762

ETB DISEÑOS

JARRONES CARLOTA 1062-2, GUADALUPE TEPEYAC DF, MÉXICO (55) 55378276

CORPORACION PARA SU ÉXITO CERAMICA, CUADROS (55) 5264 5719

O-LAB EMPRESA DE DISEÑO ESPECIALIZADA EN CERÁMICA GUADALAJARA, JALISCO, MÉXICO (33) 3658 1000

CHIMENEAS DECO FUEGO

CHIMENEAS ECOLOGICAS NAUCALPAN, MÉXICO (55) 35475957/58

HABITAT CALEFACCIÓN

SISTEMAS HIDRAÚLICOS

CHIMENEAS Y CALEFACCIÓN

LITERAS, CAMAS Y COLCHONES

(55) 1163 6038

(55) 5607 3696

HOME DESIGN MÉXICO

CRISTALERÍA

CHIMENEAS Y PISOS DE MADERA ESTADO DE MÉXICO (55) EXT: 5560-5796

REGALOS NUVO

CRISTAL Y PORCELANA (55) 5590 50 55

CLOSETS DISEÑO Y REPARACIÓN DE CLOSETS

ISIDRO PÉREZ · DISEÑO Y MANTENIMIENTO EN GENERAL

CUADROS SALVATORE MAGNI

CUADROS Y ESCULTURAS (55) 9000 3654

CLOSETS VANGUARDIA CLOSETS

52 19 58 32

COCINA ARTE Y DISEÑO

ARTICULOS DE COCINA JALISCO ( 33 ) 37 67 62 02

QUEEN SENSE

SARTENES, OLLAS, COMALES

RODANGO ARTE EN DISEÑO CUADROS, FUENTES (55) 5016 2228

PORTAL PASTEN GALERIA

CUADROS & PINTURAS TEQUISQUIAPAN,QUERETARO, MÉXICO (414) 2739420

GABRIELA VILLAREAL ARTE Y JOYAS

CUADROS MONTERREY, NUEVO LEON, MÉXICO (81) 8345 1620

(33) 3135 1638

KUMMO GALLERY

COLCHONES FABRICACION DE COLCHONES Y ALMOHADAS DE MEMORY FOAM

CUADROS JALISCO, MÉXICO (33) 3792 5950

GALERIAS EL TRIUNFO 56-90-88-91 / 55-10-40-18

DELACON DESIGN

ARTICULOS PARA DECORACION EN VIDRIO DISTRITO FEDERAL ( 55 ) 55 43 73 48

HERRERIA LINA

HERRERIA ARTICULOS PARA DECORACION DISTRITO FEDERAL ( 55 ) 55 55 86 15

HOME AND BODY

PRODUCTOS DE LA INDIA NUEVO LEÓN ( 81 ) 83 90 23 45

PULSO ACTUAL

DECORACIÓN DE MUROS, RELOJES, MUEBLES (55) 3601 3769

ONICE TECNO BLINDS

ESCULTURA Y PINTURA

PISOS, MUEBLES Y DECORACIÓN (55) 5521 7147

(55) 5352 6595

DISEÑO DECORACIÓN DECORACIONES PARA CASA Y JARDIN ARTICULOS EN ALUMINIO GUANAJUATO ( 47 ) 77 18 40 50

CONTRABANDO

DISEÑO Y ARQUITECTURA MEX DF (55) 5763 6487

DISEÑOS IMPRESIONISTAS

LIBROS DE DISEÑO Y ARQUITECTURA 55 5528-51-47

AYA SOFYA

LÁMPARAS DE FILIGRANA JALISCO (33) 3641 6725

LA CASA MORETT

EXPOSICIONES HABITAT

LÁMPARAS ZAPOPAN, JALISCO, MÉXICO (33) 3636 5170

WTC CIUDAD DE MÉXICO

ESPACIO SALPRO

CENTRO DE EXPOSICIONES BANAMEX

LUMINIERE

LÁMPARAS, CANDILES NAUCALPAN, MÉXICO (55) 5280 0925

DECOESTYLO

WTC CIUDAD DE MEXICO

SAIE

WTC CIUDAD DE MEXICO

CASA&JARDÍN

WTC CIUDAD DE MEXICO

CAD POLANCO

ILUMINACIÓN BRITE LITE DE MÉXICO LAMPARAS NUEVO LEÓN ( 81 ) 83 38 22 48 ETX-28

CANDILES TIFFANY

VENTAS DE ARTICULOS DE ILUMINACION DISTRITO FEDERAL ( 55 ) 52 60 10 10

INTER ROYAL

LAMPARAS DECORATIVAS Y MUEBLES NUEVO LEON ( 81 ) 83 46 98 98

SMART & GREEN TAO.BTR. ECOLEDS LÁMPARAS LED NAUCALPAN, MÉXICO (55) 5371 2400

LAITING

LAMPARAS (55) 5782 0077

APARIENCIA NATURAL FLORES Y PLANTAS JALISCO ( 33 ) 36 32 73 73

ARDEC COMPREMENTOS

INTERIORISMO ARQUE DESIGN

MACETAS, MUEBLES CANDELABROS NUEVO LEÓN ( 81 ) 89 89 92 11

INTERIORISMO

(55) 5616 2876

JOCAVA

DISEÑO DE INTERIORES

BAC FLORES Y FOLLAJES DESHIDRATADOS

FLORES, FOLLAJES, SEMILLAS DISTRITO FEDERAL (55) 55 93 61 48

(55) 5659 4852

DAYSA S.A. DE C.V.

JARDINERÍA

PLANTAS NATURALES DISTRITO FEDERAL ( 55 ) 56 87 79 08

GENERACIÓN VERDE JARDINES VERTICALES (55) 62 77 57 76

GÉNESIS DECORACIÓN Y DISEÑOS CENTROS, FLOREROS, ARREGLOS COAHUILA (84) 44 17 43 01

ARTE PLÁSTICO

DECORACIÓN / MACETAS

M&R HOME

DECORATIVO, JARDIN (55) 58127193

MACETA.COM

MACETAS JALISCO, MÉXICO (33) 3792 4563

FUENTES JALISCO

ESCULTURAS QUE DECORAN SU CASA U OFICINA 045 333 846 5960

ZAHRO

DECORACIÓN PARA FLORERIAS CUERNAVACA, MORELOS, MÉXCIO (777) 3101355

ARTE PLASTICO

DISEÑO Y FABRICACION DE MACETEROS (55) 5585 3366

JARDECO

ARBOLES ARTIFICIALES JALISCO, MÉXICO (33) 3616 63 30

MUEBLES ASARA

KRISMA

FLORES Y PLANTAS ARTIFICIALES

MUEBLES Y ACCESORIOS QUERETARO ( 44 ) 22 15 48 80

(55) 5748 1808

SAMUEL SEGOVIA

DISEÑO DE MUEBLES Y OBJETOS

JARESA

PALMAS PRESERVADAS JALISCO, MÉXICO (33) 3695 2220

(444) 123 03 03

BASIC PUFF GRUPO JR DE MÉXICO

MACETAS EN FIBRA DE VIDRIO GUADALAJARA, JALISCO, MÉXICO

FABRICANTES DE PUFF DISTRITO FEDERAL ( 55 ) 31 85 33 15

DISEÑOS EN VIDRIO Y FORJA

HIDRO + Z

MACETAS DE CERÁMICA ECOLÓGICAS +52 5524 1858

NUEVO LEÓN ( 81 ) 83 27 67 57

SAND AND GARDEN

MUEBLES EN FIBRAS NATURALES (55) 8421 6005

ARDEC COMPLEMENTOS MUEBLES DE ACENTO NUEVO LEON, MÉXICO (81) 8989 9211

ARTE METAL MÉXICO

MUEBLES EN METAL TULTITLAN, ESTADO DE MÉXICO (55) 4987 1900

ASSANTI BY URIZZ

MUEBLES SOBRE DISEÑO (55) 5576 5703

MEMORIA CASTIZA

MAKA

MUEBLES TOLUCA (55) 1718 0403

NOGALYA

MUEBLES DE MADERA PUEBLA (222) 130 9873

MOSAICOS SOL SCHAJIRIS MUEBLES TEPOZTLAN, MORELOS (739) 395 4047

MUEBLES

(55) 4173 8329

PASSPORT MÉXICO

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