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Edición Bimensual. ENERO 2018/No. 28
Escuela de Fotografía Creativa de La Habana
[DOSSIER]
[REVELADO]
[NOVELES]
Todavía falta la que viene
La fotografía: el gesto de compartir
Diuber Sicilia: imágenes de pura reflexión
[ GABRIEL E. LAGUNA]
[ MAX BARBOSA MIRANDA ]
[ JOSÉ LEÓN DÍAZ ]
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[SUMARIO] [PRESENTACIÓN] El valor patrimonial de la fotografía MIGUEL HERNÁNDEZ MONTESINOS
[DOSSIER] Todavía falta la que viene JOSÉ LEÓN DÍAZ
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negra
La fotografía épica cubana: pujante aún en el intersticio de la historia YENNY HERNÁNDEZ VALDÉS
[DOSSIER]
Edición bimensual Enero 2018 / N0. 28
Che, Roberto Salas.
[FOTOMANÍA] El Malecón habanero triunfa en Florencia
DIRECCIÓN GENERAL Tomás R. Inda Barrera
LOURDES MEDEROS MATOS
Noviembre Fotográfico diversifica sus horizontes DEIVY COLINA
CONSEJO EDITORIAL Tomás R. Inda Abel Carmenate Ana Mahe Inda Márgel Alfaro Enrique Rottemberg Dorcas Rodríguez Osmany Bonet
Héctor Jozami revisita la ciudad DEIVY COLINA
[REVELADO] La fotografía: el gesto de compartir GABRIEL E. LAGUNA
[LA CLASE]
PRODUCCIÓN Max Cortés Cepeda
Algunos consejos para mejorar tus retratos TOMÁS R. INDA
[NOVELES]
EDICIÓN Y CORRECCIÓN Yoel Manuel L. Vázquez
[REVELADO]
Diuber Sicilia: imágenes de pura reflexión
S/T, Peter Turnley.
MAX BARBOSA MIRANDA
DISEÑO EDITORIAL nmm
]INTERIORES[
COORDINADOR Enrique Verdecia
Memorias del Hotel Trotcha
[ REVISTA NEGRA]
MANUEL VÁZQUEZ
negra.efch@gmail.com
[FOTO A FOTO]
www.efchabana.com/rv-negras
Con nombre de cacique y alma de mujer
TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS
YAMIRA RODRÍGUEZ
CADA AUTOR SE HACE RESPONSABLE POR SUS OPINIONES
[LA TENDEDERA] La Habana que no visitan los turistas
Calle 21 No. 706 e/Paseo y A Teléfono: (+53) 7832-6592 efchabana@gmail.com www.efchabana.com
[EL CUENTO] Choque de trenes MARIAN VELÁZQUEZ BARRERAS
[NOVELES]
III, de la serie Mundos paralelos, Diuber Sicilia.
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El valor patrimonial de la fotografía [MIGUEL HERNÁNDEZ MONTESINOS]
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ara Baudelaire lo más importante del arte tenía que ver no tanto con la realidad visual como con la poesía, los sueños y la imaginación libre. Daba por supuesto que todo o casi todo en fotografía era mecánico, por lo que no cabía hacer con ella algo verdaderamente creador. Para él, el factor técnico del medio, su vinculación estrecha a la realidad, no solo impedía el ejercicio de la subjetividad y del buen oficio, sino que además ataba las alas de la imaginación del artista. Pero la fotografía fue sustituyendo progresivamente a la pintura y a la miniatura en el retrato, y más tarde al dibujo y al grabado en la ilustración de textos y periódicos. Los fotógrafos fueron tomando conciencia de las posibilidades estéticas novedosas de su medio expresivo y de su valor social. La fotografía coadyuvó a la renovación de la tradición pictórica occidental. Abrió los caminos de la Vanguardia del siglo xx, y ella misma comenzó a experimentar. Los fotógrafos trataron de convertir –y lo lograron– a la fotografía en el
Fotografía: Pablo Larralde.
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medio artístico que deseaban. El material fotográfico se distorsionó mediante combinaciones, solarizaciones, retículas, negativos de exposición múltiple, etcétera. Desenfoque granular, instante dinámico, encuadres cortados o exagerados en picado o contrapicado, perspectivas planas, basculamientos y ángulos de visión in-
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Fotografía: Pablo Larralde.
sólitos, fenómenos de anamorfosis, azares imprevistos de la instantánea, influyen tanto en la fotografía como en la pintura del momento. Hoy, cada segundo, cada «instante», como diría Cartier-Bresson, se generan millones de fotografías que en tiempo real son difundidas a través de las redes sociales y de los medios y
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que, por tanto, circulan cumpliendo diferentes propósitos en origen, que se modifican e interpretan durante el recorrido. La fotografía digital da la falsa impresión de que capturar una buena imagen es juego de muchachos. ¡Es algo tan fácil!; lo cierto es que hoy abundan los tiradores de fotos, pero como
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antes, aún, los buenos fotógrafos no son tan fáciles de conseguir. Precisamente, ese es uno de los aciertos del número de Negra que hoy me atrevo a presentar, quizás teniendo en cuenta lo que en su presentación nos dice Inda: «la suerte por lo general acompaña a los osados, a los que se
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atreven…». Volviendo al tino, Negra nos muestra, y nos explica, qué es una buena fotografía. Desde sus primeras páginas confirma que la fotografía ofrece un amplio espectro para su estudio: desde la vida y obra del autor que la genera («Perfecto Romero: Las historias amadas» [Gabriel E. Laguna], «Titina: La esencia de mis fo-
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tos es que comuniquen» [Cecilia Arenas], «Nunca es tarde para hacer» [María Mora]), hasta su análisis particular, historia, técnica («La magia de la fotografía clásica (analógica) en plena era digital sigue viva» [Tomás R. Inda]), información, documentación o ciencia. Estos son algunos de los grandes campos con los que guarda relación,
además de su aplicación a la prensa, a la edición y su vinculación con los géneros informativos: guerra, deporte, sociedad, espectáculos, etcétera. Pero nada es excluyente, está claro en Negra, y por tanto será el lector quien determine, aunque la información no tenga límites. Nada tan apasionante como descubrir o averiguar lo que
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se busca, y en esta publicación está también la respuesta a la duda. No falta en este número la alusión, imprescindible, al valor patrimonial de la fotografía. La fotografía, entendida como mensaje sobre un soporte, es decir como documento, y también como obra de arte, se constituye en patrimonio…
Fotografía: Pablo Larralde.
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Aunque de manera general se le relaciona con la comunicación audiovisual o con las bellas artes, sus tres valores fundamentales (artístico, informativo y documental) le confieren un carácter transversal y por tanto la vinculan a muchas más especialidades y áreas de cono-
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cimiento que las reconocidas: ciencia, humanidades o ciencias sociales, etcétera. Hay otros aspectos que quisiera destacar de esta nueva entrega de Negra: La fotografía y Cuba (en imágenes y hacedores) son las grandes protagonistas; sus textos son amenos, sin
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que por ello descuiden la hondura teórica y el contexto histórico; la armonía en su diseño; y, reitero, su diversidad temática. Agradezco a la Escuela de Fotografía Creativa de La Habana esta oportunidad. Éxitos a la revista Negra y su equipo de realización.
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Termino con una afirmación de Joan Fontcuberta que comparto: «La fotografía es un ser proteico que absorbe todas las transformaciones culturales, y puede incluir en la categoría de arte las experiencias más aparentemente inocentes…».
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Todavía falta la que viene [ JOSÉ LEÓN DÍAZ]
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orprende ver hoy día en la prensa cubana la escualidez del periodismo gráfico. Conste que no lo digo por los fotógrafos; de ellos siempre los hay excelentes. Sorprende, teniendo en cuenta la historia de esta modalidad en la Isla, el acervo acumulado, en particular, durante los años 60 del pasado siglo. Se aducen razones de espacio u otras dificultades, pero lo cierto es que la situación actual del periodismo gráfico dista mucho de la vivida en aquel gran momento de la fotografía cubana. En esa década coincidieron dos fenómenos: el triunfo de la Revolución cubana y el arribo a planos creativos de una nueva generación de fotógrafos. No me atrevo a decir cuál de los dos aguardó por el otro, pero sin duda se beneficiaron mutuamente. La Revolución, porque encontró en la fotografía un vehículo eficaz para transmitir su mensaje a las masas –no olvidar que la
S/T, Roberto Salas.
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imagen podía alcanzar a ese gran porcentajede población analfabeta que afectaba a la Isla–, y de difusión de sus ideales y reclamos al resto del mundo; y en tales ejercicios, la fotografía, sus creadores – además de generar toda una iconografía de un pueblo en plena transformación– propiciaron una verdadera renovación de la prensa cubana, una puesta al día. En ese contexto y entre esos notables artistas del lente (Korda, Corrales, Liborio, Ernesto Fernández y otros), comienza el quehacer de Roberto Salas, quizá el más joven de todos ellos. Nacido en el Bronx, Nueva York, él y su padre, el también fotógrafo Osvaldo Salas, sobrevivían en la gran manzana gracias a que la gente no ha perdido la costumbre de retratarse en momentos como cumpleaños, bodas,
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bautizos... En cierta ocasión acogieron en su casa una reunión de Fidel Castro y otros colaboradores, cuando el líder de la Revolución andaba en busca de apoyos para su proyectada expedición a la Isla. Y por supuesto, lo retrataron caminando por el Central Park. La foto, hoy día paradigmática, la hizo el entonces adolescente Roberto Salas, lo cual denota muy bien su propia afirmación: «prácticamente había nacido en un laboratorio fotográfico». Poco tiempo después, otra de sus imágenes alcanzaría el rango de lo que en la actualidad, en el mundo de las redes sociales, llamarían viral: la bandera del Movimiento 26 de Julio, ondeando en la cabeza de la Estatua de la Libertad, fue replicada en varios medios norteamericanos, incluyendo la renombrada revista Life.
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Luego llegó la victoria de enero. Con solo dieciocho años, Salas puso los pies en la Isla y se insertó de lleno (armado de una cámara) en la vorágine de esos primeros días. A poco, de esas aventuras fue naciendo una nueva visión de la fotografía de prensa en Cuba. Ya no era el fotógrafo un mero acompañante del periodista, sino también un aportador de ideas. Muchas veces, era el redactor quien debía acomodar su texto a las imágenes que conseguían los fotógrafos. De hecho, cobró fuerza un concepto apenas existente en Cuba, el reportaje gráfico. Nunca en América Latina (y tampoco era frecuente en los Estados Unidos) un periódico se había cubierto de tanta gráfica como durante esos años en la Isla. De aquella época son, en el caso de Salas, algunas de las fotografías históricas más difundidas de Fidel Castro, Che Guevara, del pueblo en general, que se convirtieron en verdaderos símbolos. Y pensar, como reflexionaría él mismo alguna vez, que su padre no quería que se dedicara a esta profesión a causa de las dificultades padecidas en Nueva York.
S/T, Roberto Salas, 1959.
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Discurso de Fidel en la Plaza del Silencio, Caracas, Venezuela, Roberto Salas, 23 de enero de 1959.
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Fidel en Nueva York, Roberto Salas, 1959.
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En Cuba, sin embargo, el joven Salas comienza a hacer la fotografía que verdaderamente le interesaba. O la descubre. Al igual que sus colegas, se movía con una cámara de pequeño formato (35 mm), apoyado en la luz ambiental (nada de flashazos), trabajando con «picos» de películas del ICAIC, con escasez de carretes y químicos para el revelado, pues ya el bloqueo hacía de las suyas. La necesidad, que lo obligaba a ahorrar «disparos» y por tanto a ser preciso, provocaba que se esmerara en la técnica. Quizá por ello, por la sorprendente excelencia de los fotorreportajes de entonces, Salas se haya visto precisado a aclarar que aquel grupo de fotógrafos del cual formaba parte no era dirigido por ningún experto en publicidad política; ellos mismos eran los editores de sus propias imágenes. Y añade: «Todo pasaba muy rápido; no pensabas, o hacías la foto o la perdías». Osadía es una buena palabra para definir aquellos tiempos, aquellas imágenes. Los años trajeron otras ocupaciones a Roberto Salas. Siguieron exposiciones, premios, la incursión en el estudio, en la experimentación, en el aprendizaje de las nuevas tecnologías. Y claro, también llegó la experiencia y la madurez. Ello le ha permitido afirmar que la fotografía es un instrumento, que no es cierta su objetividad pues el fotógrafo nunca permanece ajeno, lo mismo en la prensa que en las galerías. Primer Día, Roberto Salas, 1961.
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Madre vietnamita e hijo, Roberto Salas, 1967.
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El Último Cabildo de Yemayá, Roberto Salas, 1961.
Porque una buena imagen, y estas son sus palabras, «debe de ser capaz de crear preguntas […] si el fotógrafo no es hábil para crear esas interrogantes, no está haciendo las cosas bien hechas. Mientras más cuestione dicha imagen
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a quien la observa, podremos decir que es una muy buena foto». Con los años también afloran insatisfacciones. Resalta en Salas la que nace del escollo de no poseer el don de la ubicuidad, uno de los de-
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seos inalcanzables de todos los fotorreporteros. Es su imposible, y a la vez el motor que lo lanza. Sucesos que no se exploraron lo suficiente, cosas que quedaron por hacer. Acicate tal vez del cuidado mostrado en toda su obra, el sabio uso
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de las luces y las sombras, las sorprendentes texturas, el humo de un tabaco que puede acariciarse, el encuadre exquisito. La prisa parece ser una de sus máximas; no puede hacer mella en la técnica, ni en lo estético. Es su legado.
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Roberto Salas, con más de medio siglo detrás del lente, no pierde los bríos. Siempre a la caza de un tema nuevo, o mejor, de una mirada novedosa sobre un tema que le apasione. Por eso, medio en broma, siempre cuando habla de su última realización, la califica como la penúltima, porque «todavía falta la que viene». Ojalá que ese optimismo, ese deseo de crear, volviera a impregnar a la prensa cubana de hoy. O, para ser precisos, al periodismo gráfico.
S/T, Roberto Salas.
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La fotografía épica cubana: pujante aún en el intersticio de la historia [YENNY HERNÁNDEZ VALDÉS] Una solución de nitrato de plata tiñe de negro la piel humana y el tinte es difícil de quitar. Albertus Magnus
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omentó Adelaida de Juan en una ocasión que la fotografía ha colaborado a redefinir no solo nuestro modo de ver las cosas sino también las propias cosas que vemos.[1] El triunfo de la Revolución cubana resultó un acontecimiento que trazó pautas, que marcó un antes, un durante y un después en la historiografía de la nación, no solo en el sector socio-político y económico de su momento, sino también de manera visceral en el universo cultural del país. Las transformaciones que con la Revolución se sucedieron trajo consigo un punto y aparte en la fotografía cubana respecto a los momentos que le precedieron. Y es que artistas, [1] Juan, Adelaida de. «La fotografía como ausencia y presencia». En: Abriendo ventanas. Textos críticos. La Habana, Editorial Letras Cubanas, 2006, pp. 273-289.
26 de julio, Osvaldo Salas, 1964.
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reporteros, cineastas y fotógrafos se lanzaron al ruedo para registrar las recientes circunstancias que inundaban día a día al país, como motivos de inspiración y tema central de las producciones. En verdad, el carácter reporteril y de inmediatez de la técnica hizo de ella el medio más eficaz para la toma fotográfica, súmesele a ello también su cualidad de ser reproducida en serie, lo cual favoreció la divulgación rápida, amplia y eficiente del proceso revolucionario a lo largo del país y fuera de este. Las imágenes que recorrieron el territorio después del año 1959 y que también se socializaron fuera de Cuba, no solo eran evidencia de una iconografía revolucionaria del período, de una imaginería popular de las luchas que se libraban en la Sierra, de las clases más humildes, de las masas vistiendo el uniforme verde olivo, de la nueva situación que experimentaba el país. La fotografía que se comenzó a producir en las décadas del sesenta y el setenta reflejaban a hombres, mujeres, ancianos, niños, obreros, estudiantes, médicos –por solo citar unos cuantos– afirmando la nueva Revolución que nacía en esos momentos. No puede entenderse este proceso de manera lineal. Muchos fueron los actores, dentro del entramado amplio que significa el pueblo, los que permitieron que el triunfo y su prolongación fueran posibles: del pueblo surgieron los campesinos, del pueblo florecieron las milicianas, del pueblo nacieron los líderes, del pueblo emergieron los seguidores
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de la Revolución. Y todo ello quedó ahí, en blanco y negro, en plata sobre gelatina, en las fotografías del conocido período revolucionario. El movimiento fotográfico en Cuba fue la expresión artística más representativa de la Revolución en su nacimiento, ya que por su propia naturaleza daba respuesta masiva a los imperativos políticos y estéticos del nuevo proceso (…).[2] La concepción que supuso el auge de la manifestación en estas décadas resultó darse en dos vertientes a la vez. Por una parte, en cuanto al nuevo sujeto a fotografiar. Ya no interesaba retratar escenarios turísticos, la clase burguesa o la agitada vida nocturna que se desataba en el país. Ahora el principal eje temático venía a ser el pueblo, los líderes, los obreros, así como también los cambios más significativos que tuvieron lugar. Por otra parte, en cuanto a lo formal: comenzó así a generalizarse el uso de la cámara de 35 mm y el predominio de la luz ambiente en las escenas que eran motivo de interés para los fotógrafos. Los pesados equipos que anteriormente eran empleados se volvieron obsoletos ante las exigencias de los nuevos tiempos, y el «instante decisivo» de Henri Cartier-Bresson se popularizó más aún entre los reporteros. Precisamente, fueron estos quienes hicieron posible esa nueva redefinición de la fotografía durante el proceso revolucionario. Fotógrafos del calibre de Raúl Corrales, [2] Vives, Cristina. «Korda, conocido desconocido». En: Arte Cubano. La Habana, No. 1, 2009.
Barbudos, Korda, 1959.
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Alfabetización, Liborio Noval, 1961.
Jorge Oller, Ernesto Fernández, Constantino Arias, José Tabío, Tirso Martínez, Perfecto Romero, Osvaldo y Roberto Salas, Mario García Joya, entre otros, fueron algunos de los implicados directamente en el período. A ellos también se sumaron otros vinculados al universo de la publicidad como Liborio Noval, Luis Pierce
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Alfabetizadores, Mayito, 1961.
y Alberto Díaz Korda. La aguda visión como fotógrafos, la seriedad en las tomas y la vinculación estrecha con el proceso, hicieron de ellos los pilares fundamentales en el registro y la divulgación de la Revolución cubana. No obstante, ciertas diferencias se produjeron entre los sesenta y los setenta en la manera
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de concebir la fotografía. Si bien con el tiempo hubo ganancias en el plano formal, también se manifestaron cambios en el modo de reflejar la realidad. Después del triunfo revolucionario en 1959, obras como El sueño (1959), La primera declaración de La Habana (1960) y Sombreros en La Habana (1960), de Raúl Corrales; Mensa-
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jero de Ochun (1959), de José Agraz; Miliciana (1960), de Mayito; Cigarro (1962) y 26 de Julio (1964), de Osvaldo Salas; Alfabetización (1961), de Liborio Noval; Barbudos (1959), El Quijote de la farola (1959), la reconocidísima foto Che, Guerrillero Heroico (1960) y Comandante en Jefe, Ordene (1962), de Korda, constituyen algunos
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de los más importantes registros fotográficos de esos primeros momentos de la década del sesenta. Estas imágenes comenzaban a distinguirse por un sentido de la realidad de marcado tinte emocional, sensibilizadoras con la gesta, reflejos de una visión optimista de los nuevos tiempos que corrían. Resultaron ser el retrato de la realidad desde el accionar del sujeto emprendedor, héroe de su contexto, ídolo virtuoso a seguir captado en momentos de descanso y en medio de la pasión revolucionaria. Ya para la década de los años setenta la fotografía se desliga un tanto de ese sentido idealizador y sano de años anteriores, y comienza a verse en ella el retrato del hombre frente a las vicisitudes y crisis propias de su realidad. La estacada, de la serie «Escuela al campo» (1978), de Raúl Corrales; el ensayo fotográfico de Enrique de la Uz, No hay otro modo de hacer zafra (1970); Protesta ante la misión de intereses norteamericanos (1970) y Compatriotas (1974) de José Antonio Figueroa, dan fe de ello. Las composiciones se complejizan visualmente generando en el espectador una sensación caótica y de abigarramiento. Ahora el sujeto es mostrado de manera cruda, tan real como lo es su propia fisicidad y desgaste natural ante los enfrentamientos de la crisis por la que atraviesa el país. Se desmitifica al hombre idealizado de los sesenta y se presenta al obrero, al campesinado, a la mujer como héroes desde otra dimensión, en la medida en que se revelan sus avatares y su perseverancia ante ellos. La estacada, de la serie Escuela al campo, Raúl Corrales, 1978.
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No hay otro modo de hacer la zafra, Enrique de la Uz, 1970.
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El testimonio visual que nos ofrece la fotografía del período revolucionario hace que rememoremos escenas de un momento histórico que nos definió, en buena lid, para los años posteriores. Más allá de las diferencias que distinguen a ambas décadas, estas se caracterizaron por una fotografía hecha por una visión épica, promovida por una revolución social épica.[3] Las imágenes realizadas durante estos períodos confluyen en algunos aspectos. Entre ellos vale mencionar el deseo de perpetuar el detalle realista, la espontaneidad y lo verosímil de las escenas; el respeto por una técnica clásica heredada; la luz ambiente configuradora de encuadres: algunos interesantes, otros inusitados. Pero, tengamos claro, que todos esos procedimientos dieron lugar a la obtención de fotografías de notable calidad y destreza técnica, cuyos valores artísticos aun hoy día son elogiados. Recordemos, entre ellas, al pueblo aglomerado en masas como un océano de cabezas y sombreros indetenibles; al líder pujante cuyas palabras movilizan ese pueblo; a un Che con mirada de rabia y pose contenida; al mar de lápices que se alzan junto a las enérgicas voces de los que fueron nuestros primeros alfabetizadores; a esos barbudos disfrutando del deporte cubano por excelencia; al Quijote atento cuyo Rocinante viene a ser ahora una farola que Protesta ante la misión de intereses norteamericanos, José Antonio Figueroa, 1970.
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[3] Vives, Cristina. «Fotografía cubana. Una historia personal». En Arte Cubano. La Habana, No. 3, 2001, p. 51.
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Compatrotas, José Antonio Figueroa, 1974.
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se levanta en medio del gentío, o el humo del tabaco cubano que nubla la noche y provoca una expresión de júbilo en el rostro del Che; a la miliciana, la madre, la combatiente y ante todo la mujer que lleva en brazos a su hijo y en el hombro la charretera y la boina; recordemos también la mochila y el fusil, ese uniforme verde olivo siempre, la postura altiva y esa mirada visionaria del Comandante que nos supo guiar en cada época y ante los detractores. Sin dudas, volver en el tiempo y analizar desde este minuto un proceso como el triunfo de la Revolución cubana y su incidencia en los campos del saber y el contexto, desde el universo fotográfico, no implica repetir conclusiones anteriores que ya todos conocemos. Acercarnos nuevamente a ello significa quitar el polvo, refrescar, alabar, criticar –que no es destruir– y sentir un proceso social, político y cultural que conmovió a todos y que se mantiene hoy en la psiquis del sujeto: en el que vivió esos períodos, en ese hombre nuevo que quería el Che que se forjara en la Cuba libre después del ´59, en los que continuaron la proeza de la Revolución y en los más jóvenes también, quienes lo rememoran a partir de historias y fotografías.
Che fumando, Osvaldo Salas.
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Exilio, José Antonio Figueroa, 1967.
Un proceso de transformaciones fue documentado con maestría y solidez desde una plataforma igualmente renovadora. Las instantáneas no solo constituyen hoy testi-
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monios de una época, de sus líderes y seguidores, de un pueblo enérgico, del fervor de una nación que apenas comenzaba a crecer libremente; sino que además se han converti-
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do en símbolos de un proceso social que nos pertenece, en íconos artísticos y sociales que mantienen su vigencia. Ellas han trascendido en el tiempo porque son fieles reflejos de una
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verdad captada desde la esencia de quien vivió, sintió y sufrió en carne propia ese nuevo proceso social que significó el triunfo de la Revolución cubana.
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El Malecón habanero triunfa en Florencia
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S/T, de la serie Paisajes urbanos, Lissette Solórzano, 2007.
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El Malecón habanero triunfa en Florencia [LOURDES MEDEROS MATOS]
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n el mundo de la fotografía profesional el nombre de Lissette Solórzano es un referente nacional y a escala internacional. Su trabajo individual la ha llevado a realizar exposiciones en galerías de Cuba, México, Inglaterra, Estados Unidos, España y Venezuela. Su larga trayectoria como fotógrafa, curadora, diseñadora, la han llevado por el camino del éxito. Precisamente uno de sus últimos reconocimientos es el Gran Premio «Lorenzo el Magnífico» en la categoría de Fotografía con
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su serie «El Malecón», en la XI Edición de la Bienal de Arte de Florencia, Italia, a finales del pasado año. Se trata de la primera vez que un artista cubano participa en este certamen, que en cada edición otorga premios internacionales en las categorías de Dibujo y Caligrafía, Pintura, Técnica Mixta, Escultura, Cerámica, Arte Textil, Joyería Artística, Fotografía, Arte Digital, Videoarte, Performance e Instalación Artística. Sobre su experiencia en esta Bienal florentina, donde participaron 472 artistas de 70 paí-
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ses, para un total de 1300 obras; nos comenta esta reconocida artista. ¿Cómo llega la participación en el concurso donde te alzaste con el gran premio?
Realmente no es un concurso, estamos hablando de la Bienal de Florencia XI (2017), a la cual fui invitada por el Comité de Selección Internacional que creó la propia Bienal con consultores de varios países: México, Argentina, Brasil, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Francia, Polonia, Japón, China y Estados Unidos. Esta Bienal otor-
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ga premios a los participantes de las diferentes categorías al final del evento, apoyados por un jurado de prestigio internacional. Yo recibo el Gran Premio «Lorenzo el Magnífico» por mi obra presentada en la categoría de Fotografía. ¿Cuánta resonancia real tiene la fotografía cubana en el mundo? ¿Estamos al mismo nivel de excelencia profesional que otros países?
Son innumerables las exhibiciones de artistas cubanos en los museos, galerías y fundaciones del mundo entero. La fotografía cubana ha
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El Malecón habanero triunfa en Florencia
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S/T, de la serie Paisajes urbanos, Lissette Solórzano, 2007.
demostrado su alto nivel de realización; tanto es así, que es muy apreciada y consumida por galeristas y coleccionistas. Ha marcado, sin lugar a dudas, formas y estilos en todas las épocas. Hoy cada vez más se adentra en las nuevas tecnologías y formas de decir y hacer con un alto nivel de realización y valor artístico. ¿Qué importancia tiene un certamen como este dentro del circuito del arte?
Es de gran importancia pues es la vitrina excepcional de la producción de arte contemporáneo internacional, ofreciendo a los artistas y a su audiencia la oportunidad de comprometerse con el arte y la cultura, y saber más sobre el tema. ¿Qué revela tu serie premiada? ¿Por qué el malecón como escenario? ¿Hay algunos referentes de otros artistas en la obra?
«El joven en pleno vuelo al mar» es una de esas fotografías que la puedes atrapar por estar en el momento casual y donde todo el escenario se presenta disponible. Pasaba por el Malecón en un carro con la cámara y la capté en un solo disparo. Contando la historia de esta manera todo parece muy sencillo, pero aquí estamos hablando del reto con el tiempo, de la sensibilidad y el entrenamiento que te permite responder a todo un flujo de información valorada en un instante decisivo, que no se repetirá. Es la capacidad de sorprender ese momento irrecuperable. El otro reto era llegar a entender y recrear en un instante de dónde provenía toda esa amalgama de información que te atrapa y terminas proponiéndote darle continuidad, realizar una serie. No es solo el hombre, el mar o los objetos; desde mi perspectiva era la línea del Malecón y sus significados a uno y otro lado. Dos series anteriores vinieron a mi mente de manera inmediata: «Litoral», de Ricardo Santos, y «Aguas baldías», de Manuel Piña. Cuando estaba haciendo el trabajo de mesa con las imágenes que había captado en el Malecón recordé mucho el trabajo de Piña. Pensaba en aquellas hermosas fotografías impresas desde un negativo blanco y negro y me di cuenta en este análisis que los contextos y concepciones eran diferentes, a pesar de tener como protagonista el
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Pescador de sueños, Lissette Solórzano.
mar y la línea del litoral. Al final son dos obras con similar motivo, con muchos años de distancia y ambas con reconocimientos en importantes bienales de arte (la de Piña en la V Bienal de La Habana, 1994, y la mía en la más reciente edición de Florencia, 2017). Mis primeros intentos de realizar una serie en el Malecón fueron a principios de los años 90, con una imagen en blanco y negro que titulé «Cazador de sueños». Pero no fue hasta el 2004 que comencé hacer la serie de manera formal y la imprimí por primera vez en el 2005. Esa imagen en blanco y negro pasó a ser parte de la serie «Made in Cuba», emplazada entre 1990 y 2009. ¿Por cuál modalidad de la fotografía te inclinas? ¿Qué ventajas tiene hoy la fotografía digital?
Desde mis comienzos en la fotografía, hace ya 27 años, siempre mi pasión fue el laboratorio y descubrir cada una de sus membranas y misterios. Luego este entusiasmo también derivó en hacer mis propias imágenes y ensayos fotográficos. Toda la primera etapa de mi obra está soportada en negativo B&W e impresa en papeles fotográficos. Más tarde, me fui adentrando en la imagen color con la aproximación a la fotografía digital. Aunque en un principio fui muy reacia a aceptar las posibilidades de esta nueva forma de hacer fotografía, después me convencí de sus incontables beneficios. Por ejemplo, la serie «Malecón» (2004) fue de las primeras imágenes digitales que hacía con gusto y creo que fueron definitorias para acabar de dar mi paso al mundo digital. Me gusta investigar, estudiar y estar actualizada con lo más novedoso que pueda surgir en el nuevo mundo que ofrece el mercado digital, sobre todo para las artes fotográficas. ¿Qué elemento es el que más cuidas a la hora de tomar una foto?
La composición. Para mí es fundamental cuando estoy en el proceso de creación. Desde el momento de obturar la cámara hasta la captura final de la imagen tengo mucho cuidado, y trabajo hasta el detalle la obra o el conjunto de ellas. Con el tiempo vas adquiriendo entrenamiento visual y esto hace que te sientas más cómoda a la hora de trabajar.
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Aproximadamente 50 exposiciones quedaron inauguradas en esta ocasión, resaltando el interés de los creadores por cuestiones políticas, sociales y culturales, vistas en numerosas geografías, pero con un indicador común: el ser humano como centro de las mismas. Ello apunta a un marcado interés de los creadores por atravesar, desde la imagen, las múltiples realidades de las cuales también forman parte, y trasladar al panorama artístico sus preocupaciones por la identidad personal y colectiva, las migraciones, las tradiciones, el peso de la historia y la memoria, la protección del medio ambiente, hasta llegar a poéticas más auto reflexivas sobre la visión del cuerpo y el estar solo o vivir en soledad. Pero es, sin lugar a dudas, el entorno de la calle y los sujetos que la habitan, donde se evidencia una total conexión, aprovechada por los fotógrafos tras el inagotable juego con la cámara. Noviembre Fotográfico concedió a sus visitantes la posibilidad de apreciar las obras de Katharina Sieverding y Klaus Mettig, con excelentes muestras inauguradas el primer día del evento. La primera expuso en la propia sede de la Fototeca de Cuba, bajo el título «Arte y Capital», en la cual mostró seis piezas recientes, entre ellas la escogida en 1992 para diseñar el Parlamento de Berlín. Esta artista es conocida por su larga trayectoria en los autorretratos, los cuales también fueron mostrados, destacándose en ellos una vocación por la abstracción para complementar esa aguda mirada sobre la sociedad y sus individuos, tan presente en estos trabajos. Por su parte, el alemán Mettig sorprendió al público con la exposición «Viajero sin ticket»,
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l penúltimo mes del año regala una visualidad artística diferente a la capital cubana. Acostumbrados al significativo evento que agrupa buena parte del trabajo con imágenes, se desarrolla, desde 2008, Noviembre Fotográfico, iniciativa creada por la Fototeca de Cuba en coordinación con el Consejo Nacional de las Artes Plásticas y el Ministerio de Cultura. Importantes artistas nacionales y extranjeros agradecen la posibilidad de mostrar sus creaciones y difundir así lo más representativo de una manifestación que continúa sumando adeptos. El certamen ha mantenido la tradición de expandirse hacia la diversa red de galerías habaneras, y en este 2017 contó por primera vez con la colaboración de una muestra en Santiago de Cuba. Este despliegue museográfico ofrece al público la posibilidad de constatar las líneas discursivas de esta práctica y sensibilizarlos con un ejercicio muy interesado en mostrar los debates de la sociedad contemporánea, desde todos los ámbitos posibles. Otro rasgo importante, mantenido para esta edición, fue la realización de un encuentro teórico con conferencias, paneles, charlas con artistas y críticos, así como revisión de portafolios, acciones que contribuyen a la promoción, legitimación y expansión de la fotografía. S/T, Klaus Mettig.
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S/T, Klaus Mettig.
la cual tuvo lugar en la Casa Oswaldo Guayasamín del Centro Histórico habanero. Este fotógrafo utiliza la cámara como un medio eficaz para mostrar los avatares de la vida diaria en el ámbito público y reflexionar sobre la percepción y el impacto de los mecanismos de la política global.[1] Una suerte de gran collage cubrió el espacio galerístico, mostrando obras de grandes dimensiones resueltas en blanco y negro. Estas [1] Simon Hopf. «La historia mundial desde el punto de vista del artista de la fotografía». En: https://translate.google.es/translate?hl=es&sl=de&u=http://www.rheinische-art.de/cms/topics/ klaus-mettig-im-museum-kunst-palast.php&prev=search
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S/T, Klaus Mettig.
instantáneas completan los desplazamientos continuos de este creador por varios países, ligado indisolublemente a esa línea documental que ha caracterizado a la fotografía desde sus inicios. Imágenes de nuestros campos de batalla y sus protagonistas quedaron expuestas en la planta baja de la Fototeca, esta vez a partir de la reimpresión de obras de José Gómez de la Carrera, pertenecientes a esta institución. «Teatro de la guerra» fue el título seleccionado para la muestra, en merecido homenaje a su autor, quien aportó un registro documental de la GueDOSSIER
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rra de Independencia de 1895 y de sucesos como la explosión del Maine, que han permitido conocer y estudiar la historia nacional cubana. Parte de sus trabajos para la publicación El Fígaro fueron mostrados esta vez, resultado de su incansable despliegue como corresponsal en el conflicto bélico. Al evento se sumaron otras presentaciones como «Contemplacion(es)», de los artistas Alejandro Alfonso y Guillermo Corral, desarrollada el 3 de noviembre en el Museo del Ron. Imágenes proyectadas desde las emociones y el intimismo, convirtieron el lugar en una herramienta REVELADO
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para repensarlo cotidiano como un continuo diálogo entre pasado, presente y futuro. Estas ideas fueron retomadas por José Julián Martí en su exposición inaugurada en la galería Villa Manuela de la UNEAC, «Espacios vivenciales». Incluida en el programa de Noviembre Fotográfico, abordó tópicos muy relacionados con las experiencias personales y el tiempo en el cual trascurren diferentes momentos de vida. En palabras de Mabel Llevat para describir las obras del autor: Martí va, vive, viene, es capaz de presentar la realidad tal y como es sin perder por ello cierta dosis de empatía, de manifestación FOTO A FOTO
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de sus propios sentimientos y emociones a través de lo retratado. Dos exposiciones de gran valía contribuyeron a realzar la calidad del evento, «Panorama de lo fotográfico» y «Curar la Historia». La primera, tuvo lugar en el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam y constituyó un recorrido por la amplia colección de esta institución, exhibida por primera vez. Inaugurada a partir de octubre, incorporaba en su nómina a importantes artistas de la manifestación, nacionales e in-
ternacionales. Entre ellos pudimos encontrar piezas de Alberto Díaz (Korda), Adonis Flores, Alejandra Niedermaier, Ananké Asseff, Andrés Serrano, Arturo Montoto, Marta María Pérez Bravo, Pedro Abascal y René Peña. La segunda propuesta, curada por Cristina Erofeeva, fue emplazada en la Nave 2 de Fábrica de Arte Cubano, con una nómina de treinta artistas que reflexionaron sobre el decursar del tiempo y sus aconteceres, eso que se ha dado en llamar como «lo histórico», a decir de Ra-
fael Acosta de Arriba en el texto «La Historia no tiene cura». No fue una exposición pensada propiamente para la fotografía, pero se podían encontrar trabajos de varios creadores como Nelson y Liudmila, Enrique Rottenberg, que reforzaban el sentido de la misma. Noviembre Fotográfico se reafirmó, una vez más, como espacio necesario para la imagen y una oportunidad de refrescar la visualidad habanera desde los múltiples enfoques culturales explorados por la cámara. El evento po-
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Noviembre Fotográfico diversifica sus horizontes
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tenció, igualmente, el desarrollo de un coloquio interesado en abordar temas como la postfotografía, el paulatino aumento de mujeres en la manifestación, el uso del cuerpo y el sujeto queer. Presentaciones de novedosos proyectos curatoriales en el extranjero también fueron abordados y un merecido reconocimiento a la exposición «Homenaje», de Alfredo Sarabia y su influencia en la creación cubana actual, completaron el certamen que cada año diversifica sus horizontes.
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Héctor Jozami revisita la ciudad
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Héctor Jozami revisita la ciudad [DEIVY COLINA]
La fotografía es, antes que nada, una manera de mirar. No es la mirada misma. Susan Sotanag
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olmada de historias singulares y personajes cautivadores, vuelve a ser La Habana ese espacio de inspiración artística para los creadores cubanos. Esta vez, desde la
sutileza contenida en la fotografía, Héctor Jozami revisita los entrecruces culturales de la ciudad, a través de una aguda mirada que busca penetrar en la cotidianidad y su gente. La Casa Museo Juan Gualberto Gómez, institución perteneciente a la Oficina del Historiador, ha sido el espacio aglutinador para la primera muestra
personal de este artista, la cual lleva por título Escenas seculares. La exposición deviene entonces como plataforma visual para pensarnos la ciudad desde encuadres fotográficos atractivos, conectados con espacios públicos herederos de un pasado histórico y cultural. El creador recorre varias
zonas de la capital como El Cerro, La Habana Vieja, El Vedado y Centro Habana, en busca de imágenes que conectan con una sensibilidad empírica y un oficio aprehendido. Las obras son una síntesis de cultura sensorial, intelectual y formativa, recibida esta última, en buena medida, gracias a los influjos de la Escuela de
Desorientado, Héctor Jozami.
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El faro del Morro y la bandera, Héctor Jozami.
Fotografía Creativa de la Habana y los excelentes profesionales que allí laboran. A partir de una rigurosa selección, la muestra presenta imágenes de sitios arquitectónicos y urbanos conectados al desarrollo y expan-
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La esquina de O´Reilly, Héctor Jozami.
sión de la ciudad. La calle Línea, el Cementerio de Colón, el Malecón habanero, las plazas fundacionales, se convierten en escenas congeladas por el accionar de la manifestación artística. Héctor se interesa en estos fragmentos
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Héctor Jozami revisita la ciudad
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de cotidianidad transitados a diario y expone de ellos instantes coloridos o desolados, cercanos a un espectador que muchas veces camina sin percibir la riqueza de su entorno o de sitios con un contraste entre luces y sombras,
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sujetos sociales y contexto, realidad recreada o ficcionada. Buena parte de la fotografía contemporánea se ha convertido en una posibilidad de documentar el desenlace de historias de vida,
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Plaza San Fco de Asís, Héctor Jozami.
atravesadas por la subjetividad y el carácter íntimo de la escena. Otros han preferido volcarse a la calle y su gente en busca de relatos y huellas culturales que aún el tiempo no ha podido borrar. Así se mueve la fotografía de
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Entrada del Gran Teatro, Héctor Jozami.
Héctor, aferrándose a la poesía y la metáfora, a la transitoriedad de la luz natural o sugerida, a la quietud de un personaje fotografiado, en muchos casos sin conciencia de ello. La Habana se muestra otra vez como sitio ecléctico
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en edificaciones y en sujetos que a diario se reinventan maneras de vivir. La propuesta destaca igualmente en variedad de soportes de impresión y dimensiones de los trabajos, en relación directa con las
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características del espacio y el concepto curatorial abordado. Se prestó especial énfasis al diseño de los soportes promocionales, priorizando el impacto visual de las obras y la acertada estructuración de las composiciones.
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Héctor Jozami revisita la ciudad
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Desorientado, Héctor Jozami.
En el contexto de la celebración de un aniversario más de la fundación de la otrora villa de San Cristóbal, esta exposición llega como antesala de los festejos habituales por la conmemoración y se inserta en el trabajo desplegado por la Oficina del Historiador de la Ciudad con los
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diversos públicos consumidores de sus ofertas culturales. La Casa Museo Juan Gualberto Gómez diversifica de esta manera su programación y logra crear un diálogo entre historia, patrimonio y contemporaneidad artística, el cual fortalece su labor promocional.
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Héctor Jozami comienza un camino importante a partir de esta oportunidad. Sus obras han participado en concursos internacionales de fotografía, en los cuales ha alcanzado mención y ello contribuye a validar el nacimiento de un creador que ya da muestras de
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su talento. El tiempo y el oficio se encargarán de devolvernos a un artista genuino y consagrado, con una propuesta capaz de dinamizar el circuito expositivo de esta manifestación. El andar ha comenzado con nuevas luces sobre la ciudad.
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La fotografía: el gesto de compartir
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S/T, Peter Turnley.
La fotografía: el gesto de compartir [GABRIEL E. LAGUNA]
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eter Turnley, conocidísimo artista de la fotografía para todos los entendidos en este arte, visitó La Habana una vez más para dialogar y trabajar en conjunto con el gremio de fotógrafos cubanos, e interactuar con los jóvenes en la Escuela de Fotografía Creativa de La Habana.
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La percepción del ser humano respecto a su realidad es muy limitada. ¿Cómo logra Peter Turnley que el espectador, a través de una fotografía, logre ir más allá de esa imagen y pueda ver toda una historia de fondo rompiendo esas barreras de los sentidos?
Como su trayectoria artística es tan amplia y recurrida, aproveché este encuentro para conocer más sobre otras temáticas de su historia como la parte más humana, filosófica y conceptual de este hombre, que más que estadounidense pertenece a todo el mundo.
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Para mí lo que es importante, además de la técnica, es la profundidad de las ideas. Algo que tengo siempre muy presente en mi obra es la noción de compartir. Pienso que el propio acto de la fotografía es esencialmente un acto de compartir. El fotógrafo no solamente observa algo, sino que siente y quiere transmitir algo.
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La fotografía: el gesto de compartir
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Por eso creo que incluso más importante que la observación, es la noción de sentir. Con eso, en mi caso tengo una filosofía que es una filosofía de mi vida, y es la noción de que el mundo entero está conectado y comparte muchas cosas.
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En el mundo hay muchos aspectos que distinguen a cada región como la cultura, la religión, las etnias o la historia; pero teniendo en cuenta esas mismas cosas, yo trato de captar las que nos unen como seres humanos, sin importar de dónde seamos.
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En mi obra lo más importante es entender esas cosas que nos unen. Yo respeto mucho las diferencias, pero creo que lo más importante es lo que nos acerca. Pienso que en la actualidad el enemigo número uno del ser humano es la ignorancia. Muchos
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de los problemas en el orbe están dados por el hecho de que las personas no se conocen entre sí. Yo nací en los Estados Unidos en 1955; en el momento de la Revolución Cubana yo tenía solo cuatro años. Durante toda mi juventud escuché muchas historias sobre Cuba, pero
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La fotografía: el gesto de compartir
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yo siempre quise conocer este país con mis propios ojos. Cuando vine por primera vez, en 1988, observé una vida muy soñadora, luchadora y de espíritu alegre. Vi algunas diferencias con respecto a lo que yo conocía en mi
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país, y la más importante fue el humanismo tan grande que existe en Cuba, eso lo percibí desde la primera vez que vine. Esta experiencia mía te la transmito para explicar lo que dije antes sobre la ignorancia, y el
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sentido de mi vida como fotógrafo. Yo me autodenomino como una especie de embajador, pero embajador del conocimiento, las ideas y la realidad, pues mi trabajo es ir por todas partes del mundo y mostrar, a través de mis fotos, la
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realidad de otros lugares a la gente, para intentar acercar un poco más a todo el mundo. Esa realidad es una realidad humana, sincera y objetiva. Me gusta captar esa realidad a flor de piel, interesante para criticar o reflexionar. Por
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La fotografía: el gesto de compartir
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ejemplo, cuando hacía fotografías en Sudáfrica, en el momento en que existía el Apartheid y antes de que Nelson Mandela saliera de prisión, yo no estaba de acuerdo con ese sistema. Luego estuve muy de acuerdo cuando Mandela fue liberado y todos los cambios que hubo, transformaciones que iban en dirección a un país más humano, más equitativo y justo para todos. Ese contexto fue muy rico para mi trabajo, pues fue un gran motivo de inspiración. En su trabajo se nota mucho su visión estética y artística de la obra y su mundo filosófico. ¿Existen también dos Peter que confluyen y dialogan, o es el mismo con estas dos características?
Cada mañana yo me veo como una persona sencilla y sincera. Es muy importante para mí nunca verme como una persona grande e importante, eso a mí no me interesa. Yo vivo más para realizar siempre gestos de bondad y sinceridad. La fotografía entra dentro de este concepto de manera muy fácil porque cada vez que hago mis fotos tengo la impresión de que yo hago un gesto, que es sencillo, rápido, espontáneo, humano, pero sin querer ser complejo, me doy cuenta que, de alguna forma, tengo la capacidad de lograr una estética interesante. Logro entender el momento donde la creación fotográfica es más completa. En ese sentido tengo una relación muy especial con los ojos, que para mí son elementos muy atractivos y que ofrecen muchísimos detalles. Así yo me doy cuenta que de vez en cuando tengo la capacidad de tomar decisiones rápidas para captar en la fotografía una interacción interesante con los ojos. Es como el amor o el odio, todos los sentimientos que son un misterio, que se revelan de alguna manera a través de los ojos.
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Su criterio es valioso dentro de la fotografía mundial; por eso, me gustaría conocer lo que piensa sobre el estado del arte en la fotografía cubana actual.
No conozco demasiado la fotografía cubana en la actualidad. Sí tengo más conocimiento de
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S/T, Peter Turnley.
la tradición fotográfica. Es por ello que tengo tantas expectativas y me encanta el intercambio con esta Escuela de Fotografía Creativa de La Habana, para poder ver mucho más de lo que se está haciendo en estos tiempos en la fotografía cubana.
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Me gustaría mucho ver a los fotógrafos jóvenes cubanos, pero ver a los jóvenes en interacción directa con su realidad, fotografiar la cotidianidad de este país y su gente. Para mí esta idea está muy presente en este país: la idea de vivir y experimentar la realidad en el momento actual.
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A partir de la educación, ¿cómo cree que se pueda desarrollar mucho más la fotografía en Cuba?
Pienso que el principal reto de todo fotógrafo, donde sea que esté, es vivir de su arte, de su obra. Eso no es nada fácil, pero con pasión creo
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que es posible. Vuelvo a mi punto de partida y es mi noción de compartir a través de un gesto artístico. En ese sentido, ahora más que nunca, es posible compartir mucho arte, mucha fotografía, mucha información, por todos los avances tecnológicos que existen en todo el mundo. Un fotógrafo cubano hoy tiene la posibilidad de compartir su experiencia fotográfica con cualquier parte, y si un fotógrafo hace una buena foto, esta va a sobrevivir por siempre. Por ello, lo principal que se deberá educar es la sensibilidad artística y sobre todo humana del gesto fotográfico, y luego la importancia de compartir las obras para lograr una interacción y un acercamiento entre los que aman esta manifestación artística.
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Algunos consejos para mejorar tus retratos
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a escuela gradúa cada mes nuevos fotógrafos. Este artículo está dedicado a los fotógrafos más jóvenes. Se trata de una serie de consejos que te ayudarán a mejorar tus fotos de retrato, recordando los errores que suelen estropear las imágenes y algunos trucos con los que conseguirás que tus fotos sean más interesantes o atractivas.
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4. Enfoca bien los ojos:
En los retratos es imprescindible asegurarse de que los ojos quedan bien enfocados. En todo caso, el ojo mejor enfocado debe quedar al centro del encuadre.
Algunos consejos para mejorar tus retratos [TOMÁS R. INDA]
1. Rellena el encuadre:
2. Observa el fondo:
3. Analiza el sujeto:
Cuando hacemos un retrato, queremos mostrar las características físicas, morales y/o sicológicas de un determinado individuo, por lo que el sujeto principal deberá resaltar frente al resto de la imagen. Este es el motivo por el que hacemos que el sujeto ocupe una porción importante de la foto.
Antes de hacer la foto, asegúrate de que el fondo no contiene ningún elemento que pueda distraer al espectador. Si es así, prueba a mover tu posición alrededor del sujeto que quieres fotografiar para ver cómo varía el fondo.
Analiza bien a quién estás retratando, en busca de peculiaridades o características que hagan más interesante su representación. Los mejores retratos se realizan después de conocer bien al sujeto que será retratado.
S/T, Richard Avedon.
5. Mira donde cortas:
Eisenhower, Arnold Newman.
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Audrey Hepburn, Cecil Beaton.
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Sontag, Annie Leibovitz.
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Muchas veces tenemos que cortar al sujeto por algún sitio. Elige bien las partes que deseas dejar fuera de la fotografía.
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Algunos consejos para mejorar tus retratos
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mente tus resultados.
S/T, Raul Cañibano.
10. Haz varias fotos:
Vinnie, Bob Carlos Clarke.
Nunca te quedes en una sola toma, recuerda que si haces una sola foto corres el riesgo de los imprevistos. Después podrás estudiarlas, y elegir la mejor.
6. Varía la orientación del encuadre:
11. Aprende de los demás:
Puedes realizar encuadres verticales y horizontales; cada uno tiene su encanto y, en ocasiones, el encuadre seleccionado te permite hacer empleo del espacio negativo.
Estudia la fotografía de otros y no olvides conocer el trabajo de los clásicos. Es común entre los artistas el empleo del término «apropiación». La mayoría de los fotógrafos comenzamos «apropiándonos» del trabajo de otros fotógrafos en los que nos inspiramos.
S/T, Gonzo.
12. Aprende de ti mismo:
vel, desde tu posición natural estando de pie. Pero cada punto de vista pretende decirte algo distinto acerca del sujeto fotografiado. 8. Observa la luz:
Aprende de tus propios errores. Haz muchas fotos, analízalas y trata de recordar qué recursos te funcionaron mejor en las situaciones pasadas similares a la que te encuentras haciendo una fotografía determinada.
La iluminación constituye una parte muy importante de tu retrato. Luz natural o artificial, en la calle o en el estudio, es imprescindible elegir la luz apropiada o identificarse con la luz que tenemos, entendiendo el lenguaje de las luces y las sombras.
13. Enseña solo tus mejores fotos:
7. Cambia el punto de vista.
9. Emplea la regla de los tercios:
No realices todas las fotos con el mismo punto de vista. Es común el empleo del punto de vista a ni
Es la más básica de las reglas de composición. Es muy sencilla de aplicar y su uso mejorará notable-
Este es el mejor consejo entre todos. Si la fotografía no te divierte, no harás nada bueno. Diviértete y disfruta mientras haces fotos.
Pechito, Kaloian.
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Vietnam, Don Mc Cullin.
Si tienes pensado mostrar tu trabajo a través de cualquier medio, elige tus mejores fotografías para enseñar únicamente esas. 14. Disfruta lo que haces:
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Tras la cámara, Inda.
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Diuber Sicilia: imágenes de pura reflexión
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[NOVELES]
Diuber Sicilia: imágenes de pura reflexión [MAX BARBOSA MIRANDA]
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a fotografía le gustó desde siempre. Así se convirtió primero empíricamente en un hobbie; luego, en una afición y hoy, en el arte que complementa su profesión de Ingeniero Industrial. Lo agradece a la Escuela de Fotografía Creativa de La Habana (EFCH), donde terminó de «curtirse» como alguien que recrea lo circundante en la experimentación, no pocas veces surreal y minimalista. Los cielos grises y pardos y una Habana medio mustia marcan en las instantáneas de Diuber Sicilia una Cuba que se aleja de la imagen país que vende el mainstream publicitario.
Utilizo con frecuencia la posproducción digital, aunque hay fotógrafos que no lo recomiendan; pero a mí me gusta transgredir la realidad, lograr un equilibrio entre lo documental y lo conceptual. Me muevo en ambas vertientes, pero a veces trato de hacer algo que contenga metáforas a partir de lo tangible. En ocasiones, esas fotos son muy surrealistas o trastocan la realidad, pero no de modo radical. ¿Dónde encuentras los motivos de tus imágenes?
Me influye el lugar donde estoy, lo que veo. Nací en Sancti Spíritus, pero donde empecé a despertar con la fotografía fue aquí en la Habana. Este entorno es lo que me motiva en la forma de expresarme. Y miro la ciudad con tonos pasteles y colores envejecidos, porque evocan en mi obra a las fotos antiguas hechas con película analógica. Eso no quiere decir que me decante por los motivos épicos nacionalistas de la Cuba de mediados de siglo. Lo que pasa es que, en mis fotos, La Habana es un lugar nostálgico y con aires de cambio; incluso, es un lugar denso y la ausencia de colores vistosos me ayuda a transmitir esa sensación. También uso el blanco y negro, porque a veces me sirve para lograr una atmósfera específica en lo que busco reflejar. Asimismo, me gusta incluir nubes, como una representación de los sueños, y árboles –muchos
¿Qué busca despertar la obra de Diuber Sicilia?
Siempre trato de mostrar reflexiones, aunque sea sobre un mismo tema. Busco crear la duda en el espectador. Me preocupa mucho el hoy y hacia dónde vamos mañana. Me interesa que quien vea hoy mis fotos piense en qué cambio quiere para después. ¿De dónde nace tu inspiración?
Eso es complicado. A veces me pongo a editar y sale de la música que estoy escuchando mientras compongo la foto. Otras veces, la imagen llega por casualidad durante ese proceso, pues cuando empiezo a trabajar con ella, a buscarle otro punto de vista, me salen cosas diferentes de lo que parecía muy sencillo. III, de la serie Mundos paralelos, Diuber Sicilia.
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II, de la serie Mundos paralelos, Diuber Sicilia.
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Permanencia, Diuber Sicilia.
editados de manera digital– para significar esperanzas a medias, porque mis árboles nacen torcidos, mustios, ausentes, faltos de verdor. Tengo una serie que se llama «Éxodo», donde las fotos que la componen no solo tienen que ver con la migración; también con la salida espiritual, con el viaje del ser hacia otros PORTADA
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¿Y cuáles son los paradigmas que influencian fotos así?
lugares no imaginados o que pueden cambiar su percepción. En esa serie hay fotografías duras. Por ejemplo, hay una donde pongo unos gajos de aroma junto a unas libélulas que parecen que se van. Cuando la hice quería representar las cosas que cargas contigo a donde vayas: tus espinas, tus sueños, tus decepciones. DOSSIER
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Hay algunos fotógrafos que, de cierto modo, han «envenenado» mi obra con su visión del mundo circundante, aunque siempre trayéndola a mi realidad. Han influido, sobre todo, en los temas: la soledad, lo temporal, la naturaleza. Esas son cosas que he tomado de ellos y lo REVELADO
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hago visible en mis trabajos. Cuando cursé el módulo de Semiótica y Composición Fotográfica en la EFCH, empecé a definirme más por lo conceptual. A partir de ahí fui conociendo trabajos que me interesan, y que de algún modo influyen en mi obra: Sarol Taban, Anka Zhuravleva, Martin Stranka, Brooke Shannon y otros. FOTO A FOTO
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Wrong Way, de la serie Éxodo, Diuber Sicilia.
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El más puro consejo, Diuber Sicilia.
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S/T, Diuber Sicilia.
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¿Hay secretos detrás de tus fotografías?
No. Actualmente hago fotos con una cámara Nikon D7000, pero yo pienso que para lograr una buena imagen una parte radica en dominar los elementos técnicos: encuadre, enfoque, composición; y la otra va en la posproducción artística, porque más allá de la buena técnica, la fotografía tiene que decir algo. Normalmente, luego de tener las imágenes capturadas, las proceso con Lightroom, Camera RAW y Photoshop. También uso filtros
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en la cámara, porque son herramientas que están a la mano del fotógrafo, útiles cuando se busca determinado resultado visual como objetivo final.
buscaré sacarle un provecho conceptual al acto de documentar con la cámara. La foto más querida…
Son muchas, algunas que poca gente ha visto y que me gustan. Pero una muy especial es «Utopía», porque fue la primera que expuse en Fábrica de Arte Cubano, gracias a la EFCH. La hice en Malecón, donde desemboca el río Almendares, y hace un guiño a esa reverencia que le debe el hombre a la naturaleza, en momentos
¿Qué momento le falta capturar a tu cámara?
Tengo miles en mi cabeza. A veces me limita el clima, o no tengo el equipo necesario, o la persona indicada. Pero me gusta que las imágenes me sorprendan. Cuando salgo a la calle si la veo y la puedo hacer, la hago. Ya después
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donde lo que en realidad sucede es que estamos acabando con ella. Me gustan muchas más. Las series dedicadas a La Habana, por ejemplo. ¿Cómo se llega a la obra de Diuber?
He participado en varias exposiciones colectivas. Tengo que agradecerle, otra vez, a la EFCH porque siempre incluyen mi trabajo en las muestras que realizan dentro y fuera de su sede. Y eso vale, porque es el fruto de lo que ellos me enseñaron.
Utopía, Diuber Sicilia.
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Estuve en la primera edición del concurso Jóvenes en el Lente y obtuve una mención. Ahora trabajo en un libro para ARTEX con fotos de la ciudad. Pero mucho de mi trabajo está en las redes sociales, en un espacio al que llamé Sicilian Eyes Photography. Mi apellido es Sicilia y desde que empecé a subir mi primera foto, antes de hacer esta página –incluso, antes de empezar en la EFCH–, Sicilian Eyes es mi firma, mi nombre artístico; es lo que ven mis ojos: la realidad a través de mi fotografía. ¿Cuáles son las complejidades de hacer fotografía en Cuba?
La fotografía es un arte caro y en Cuba aún más por el Bloqueo. Pero como joven fotógrafo, que estoy «saliendo a la selva», veo muy pocos espacios para exponer. Tienes que seguir luchando y no perder las esperanzas, sentirte bien con lo que haces. Y eso es lo que me pasa a mí. Perseverando, poco a poco, he ido haciendo fotos y presentándome donde pueda. Creo que a la fotografía cubana le falta, también, abrirse un poco más en cuanto a temáticas. Hay que ampliar el espectro y generar oportunidades. Me imagino que sea igual para todas las ramas del arte, porque es así: una competencia, una carrera; pero si existieran más galerías, montar una exposición tal vez sería menos caro. Tienes que seguir luchando hasta donde puedas, sin decepcionarte. Defínete como artista.
¡Oh…! (Risas). Para mí eso es lo más difícil. Me cuesta trabajo hasta poner un título, porque hay cosas que uno hace y no las puede explicar sino con las imágenes. Cosas que salen. Es mejor que el espectador vea y lo asuma, que él mismo lo interprete y saque sus conclusiones. Pero si tuviera que definir mi obra, la frase sería «pura reflexión».
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Distant satellite, de la serie Mundos paralelos, Diuber Sicilia.
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]INTERIORES[ Memorias del Hotel Trotcha [MANUEL VÁZQUEZ]
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os vientos del huracán Irma derrumbaron los últimos vestigios de una edificación que llegó del siglo xix a nuestros días, burlando los años. El tiempo es implacable, arrasa con todo. Pero solo no puede con la memoria histórica, aquella que queda en papeles, en pa-
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labras y se trasmite de generación en generación. Mientras sea así, el Hotel Trotcha seguirá erigiéndose en el corazón del Vedado. Burlemos al tiempo y hagamos una visita imaginaria, posible gracias a descripciones que nos han llegado de mano de quienes admiraron DOSSIER
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su belleza. Bienvenidos al Trotcha: un salón de recreo –con billar, restaurante, sala de lectura y varios espacios complementarios–, construido por el catalán Buenaventura Trotcha en la intersección de las calles Calzada y 2. Este, poco a poco, se convirtió en sitio de moda para las faREVELADO
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milias habaneras, y por esta razón tuvo su primera ampliación en 1890. La ciudad fue atraída por una noticia: las mejores comidas de La Habana se puedenn degustar en el nuevo Salón de Recreación del Trotcha. Manjares españoles, criollos y franceses, FOTO A FOTO
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Memorias del Hotel Trotcha
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además de los mejores y más selectos vinos. Como ha apuntado el periodista Ciro Bianchi, «Buenaventura Trotcha ordenó acondicionar algunos salones y jardines como adorables sitios de estar, y en ese paraíso encontró aposento la “Sociedad del Vedado”, fundada por él». Ahora mismo paseamos por los dos pisos de madera del Trotcha. Seguimos transitando por los altos, por sus 20 habitaciones, una suite, servicios sanitarios, baños comunes; también podemos visitar su cocina y su restaurante-bar; pero sobre todo, admirar la belleza de sus jardines, los cuales rodeaban la instalación. Así nos describe el lugar el gran poeta modernista Julián del Casal: «Tiene a la entrada una verja de hierro cuyas hojas permanecen siempre abiertas. Detrás de la verja se encuentra un jardín encantador, lleno de plantas deliciosas y de arbustos floridos. Los senderos están cubiertos de arena, a la manera de un parque inglés. En los ángulos del jardín se han levantado cuatro glorietas espaciosas, bajo cuya sombra pueden descansar los huéspedes, sentados alrededor de elegantes mesitas, saboreando sus licores predilectos». Por estas razones, nadie puede dejar de posar sus ojos sobre el Trotcha. Pero además, por su cubierta de madera y tejas francesas, los vitrales de medio punto y cristales de colores en las ventanas exteriores en el nivel principal, resguardadas con barandas de hierro fundido de 90 cm de alto, creando así pequeños balcones. Belleza sin par en un entorno que cada vez va ganando más esplendor en la barriada del Vedado.
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Sigamos nuestro recorrido, con las diversas ampliaciones del hotel: la de 1902, en la que Don Ventura construyó un nuevo bloque en el terreno aledaño –a esta nueva sección se le llamó «El Edén» y era portadora de una arquitectura de madera muy poco frecuente en la ciudad–. La tercera y última ampliación, en 1904, y a este nuevo bloque se le llamó «Washington». El conjunto funcionó como hotel hasta la crisis de los años treinta, fecha en que se convirtió
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en casa de huéspedes con unas 60 habitaciones. Así se mantuvo los años siguientes hasta que fue perdiendo su esplendor de antaño y con el tiempo – ¡vuelve él con su paso inexorable! – fue adueñándose del lugar el descuido y dejadez. Fatalismo total: en 1986 un fuego devastador lo destruyó totalmente. Si recorremos sus salones en las diversas épocas quizás nos encontremos con grandes figuras como Rubén Darío, Mazzantini el torero, Sarah Bernhardt –de estos dos últimos se
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dice que vivieron un romance en el hotel. Quizás los veamos besándose–… El Trotcha también fue sede del primer gobierno interventor estadounidense, la primera Administración de Correos de la ciudad y el primer Tribunal Supremo de la Isla. La gran escritora cubana Renée Méndez Capote se refiere al Trotcha en sus Memorias de una cubanita que nació con el siglo: «El Vedado de mi infancia era un peñón marino sobre el que volaban confiadas las gaviotas y en cuyas malezas
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crecía silvestre y abundante la uva caleta. Las únicas calles dignas de ese nombre, sin verse interrumpidas por las furnias, eran Línea y 17 y parte de Calzada. Todas las demás eran trillos abiertos entre la maleza, derriscaderos y dientes de perros. En la loma había pocas casas, la mayoría con techos de tejas catalanas. Y en la parte baja, además de alguna que otra casa quinta, solo recuerdo al Hotel Trotcha, la casona de tablas de la Asociación de Propietarios y alguna casa de dos pisos muy cerca del mar».
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Hotel Trotcha, Gretell.
Ruinas del Hotel Trotcha, de la serie Habana por dentro, Dazra Novak.
Vuelve el tiempo inexorable. Vuelve a jugarnos la mala pasada de borrar los vestigios de algo que marcó pautas y época en la sociedad habanera. Ojalá algún el día vuelva el Trotcha a erigirse. Será difícil, pero ahí están las fotos, los artículos, la «palabra y la imagen viva». Contra ese testimonio, nadie podrá y el Hotel Trotcha seguirá de pie, como símbolo y parte también de la historia de Cuba.
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ndarina y marinera, La Habana se arropó finalmente a la vera del canal de su anchurosa bahía de bolsa, la misma que la convirtió en punto de encuentro entre el Viejo y el Nuevo Mundo, en talega codicia-
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da por filibusteros y crisol de razas, pueblos y culturas. Fue aquí, en la urbe más próspera de Cuba y el Caribe colonial, donde mejor España y África borraron las diferencias de sus regiones y se maridaron para alumbrar una nueva
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nación que mantuvo el nombre dado por sus hijos naturales. Para defender su privilegiado enclave geográfico, La Habana fue objeto del alarde de ingenieros militares que hicieron de ella una
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de las ciudades mejor fortificadas de América, cuyas construcciones son testimonio y embrujo de su tiempo. Con todo, fue villa, ciudad y capital; inglesa por once meses y valerosa hasta hoy.
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S/T, Julia Gutiérrez.
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S/T, Yolanda Remón.
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Testigos de su jerarquía son los edificios, plazas y monumentos que representan el curso de cinco siglos de historia, en los que La Habana se vistió con las prendas del Barroco y el Neoclásico, se puso a la moda con el Art Deco y el
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movimiento moderno, más siempre fue ecléctica, auténtica y criolla. Desde su núcleo primitivo se irradiaron nuevos barrios, y se abrieron calles y calzadas con portales que hicieron de ella, al de-
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cir del escritor Alejo Carpentier, la «ciudad de las columnas». En un cerro no lejano nació un poblado repleto de hermosas casas quinta y del monte vedado surgió la ciudad jardín; el oeste se premió con los baños de mar y en la
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otra orilla emergían asientos de pescadores y careneros. Abierta a las olas del golfo, originó un perfil único y se agenció un asiento de siete kilómetros que llamaron Malecón, excelente repertorio
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S/T, Indiara Rivero.
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S/T, Carlos Alfredo Sánchez.
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S/T, Gretell Aragonés.
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de estilos arquitectónicos y de la más clásica estatuaria de la República, pero, sobre todo, de una confluencia social sin precedentes que atrapa a nativos y visitantes. Mestiza, crédula y sensible, La Habana devino espacio ecuménico de los cultos más diversos, cuyos templos erigidos dan fe del camino recorrido. Fueron los habaneros quienes primero en Cuba disfrutaron las ventajas del ferrocarril, el tranvía, el automóvil, la luz eléctrica, el teléfono, el cine y la televisión; pudieron apreciar las celebridades internacionales del teatro, la ópera y el ballet, así como forjar en estas artes el talento de la nación. Con nombre de cacique, pero alma de mujer, esta ciudad maravillosa es musa de genios; es poema, óleo, canción.
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La Habana que no visitan los turistas ARIEL LEY, BABETTE ZANFORLIN, DIANE KOLSKY, GABRIELA X SÁNCHEZ, GHYSLAINE PEIGE, INDIARA RIVERO, JENY APPELKIST, KMY ROS, YANIA APPELKIST
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S/T, Indiara Rivero.
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[MARIAN VELÁZQUEZ BARRERAS]
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stuve par de meses sin entrar a la casa antes de las 8 de la noche: el trabajo, el transporte, la distancia… Por x o por y, las luces de mi terraza solo se prendían después del noticiero. Antes, solían esperarme inquietas. Como uno de esos cocuyos que sirven de guía cuando la noche aparece. Al bajarme de la guagua, sabía que él estaba esperándome gracias al leve titilar del bombillo que asomaba por la ventana. En realidad, nosotros habíamos empezado a vivir juntos casi por casualidad. Él no tenía dónde quedarse y a mí un testamento me dejaba unas inesperadas cuatro paredes. «¿Quieres venirte a vivir conmigo?», le había soltado a bocajarro mientras él, más aturdido que sorprendido, me respondía que no con la misma naturalidad con la que se llevaba el cigarro a la boca. Juro que en ese momento pensé que había esquivado una bala. La pregunta había saltado a mis labios sin antes haberla procesado el cerebro. ¿Vivir juntos cuando apenas nos conocíamos? ¿Cómo se me había ocurrido semejante idea?
Por supuesto, a la semana ya estábamos compartiendo cama. Y yo andaba por las calles columpiándome en las nubes. Como él siempre había odiado la tecnología y yo soy una adicta furiosa, solo accedió a llevar arriba su celular para escribirme «te quiero». Sé que suena extremadamente cursi, pero esa absurda manía suya me sacaba una sonrisa en los lugares más insospechados. Yo le podía escribir 5 mensajes para ponernos de acuerdo en algo y lo único que respondía de vuelta era «te quiero», las 5 veces. Luego, como aflojando la cuerda, buscaba un teléfono fijo del cual llamarme. Durante los primeros 5 meses vivimos en una especie de algodón rosado. Cada noche, antes de acostarnos, nos leíamos un cuento – teníamos nuestra propia manera de creernos Sherezada– y al final hacíamos el amor como, imagino, hicieron los amantes en aquella amenaza de octubre nuclear. Éramos un par de idiotas felices. Y como idiotas, al fin y al cabo, acabamos con la alegría con la misma rapidez que nos enamoramos. De un día a otro acumulamos culpas y un portazo acabó por devorarse el algodón de azúcar. La soledad, esa ecuánime compañera que no se inmuta por nada o nadie, se instaló en la casa el mismo día en que algún ladrón oportuno (y oportunista) aprovechó el vacío y se llevó el bombillo mientras él recogía sus maletas. Solo se llevó algunas ropas. Prometió volver por el resto en cuanto consiguiera un lugar. Yo le miré partir y no se me movió ni un pelo. El orgullo es como un dique contra lágrimas.
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EL CUENTO:
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Se fue durante un tiempo a trabajar en otros países. Yo borré su número de mi teléfono y evité a toda costa las canciones que hablaban de amor. Me obligué a una especie de amnesia selectiva. En realidad, nunca me llegué a sentir realmente sola. A pesar de la lejanía de aquellos meses, la casa siempre se había percibido llena. Sus libros y documentos le habían arrebatado las esquinas al apartamento e incluso, contra mi voluntad, esa colección de sellos que le escondía siempre, encontró su lugar en la gaveta de mi mesa de noche. Mi ropa se abarrotaba en la mitad del clóset y no me atrevía a descolgar de las perchas aquellos abrigos lejanos hechos con cuero. Seguía cocinando para dos y botando la comida a los tres días. La ropa sucia me miraba anhelante y el gas de la cocina (ese que jamás supe dónde buscar porque él se había encargado siempre) encendía titilante al quinto intento con la fosforera. Hasta esa noche. Al prender la luz, como si de un acto de magia se tratara, habían desaparecido de un tirón los libros, los sellos, los documentos, la ropa sucia, los abrigos viejos… haciendo uso de la llave que no me atreví a quitarle: se había llevado hasta los recuerdos. Fue tanto el vacío, que sentí que me sacaban todo el aire de dentro. Subí hasta la azotea, me paré en el borde y prendí el teléfono. Una luz pequeña parpadeó en el cielo. Titiló un segundo. Miré la pantalla; aparte de mi reflejo, un pequeño texto y, además –algo inesperado–, ¡una foto!… Derrota, Jessyca San Román.
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[AUTORES] [DEIVY COLINA] Santa Clara, 1989. Graduado de Historia del Arte de La Universidad de la Habana. Especialista en Artes Visuales de la Oficina del Historiador de la ciudad de La Habana. Ha trabajado como crítico y curador de exposiciones. [GABRIEL E. LAGUNA ] Las Tunas, 1991. Periodista de Radio Ciudad de La Habana. Ha colaborado con diversos medios como el Canal Educativo 2 y el Diario del Festival de Cine. [JOSÉ LEÓN DÍAZ] La Habana, 1962. Escritor y periodista. Ha colaborado con diversos órganos de prensa (escritos y digitales) y desde hace años se desempeña como subdirector de la revista Revolución y Cultura. [LOURDES MEDEROS MATOS] Camagüey, 1977. Licenciada en Periodismo. Ha publicado textos en El caimán barbudo y la Gaceta de Cuba, entre otras publicaciones.
PORTADA
SUMARIO
PRESENTACIÓN
[MANUEL VÁZQUEZ] La Habana, 1976. Licenciado en Filología. Cursó Diplomado de Periodismo. Editor y colaborador de varios medios de prensa.
[YENNY HERNÁNDEZ VALDÉS] Artemisa, 1992. Licenciada en Historia del Arte por la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de La Habana. Crítico y curadora de arte.
[MARIAN VELÁZQUEZ BARRERAS] La Habana, 1988. Ingeniera Informática. Trabaja como programadora en Lombao Estudios.
[YAMIRA RODRÍGUEZ] Camagüey, 1968. Graduada de Historia del Arte en la Universidad de La Habana. Labora como especialista en Estudios Históricos en la Dirección General de Proyectos de Arquitectura y Urbanismo de la Oficina del Historiador de la ciudad de La Habana.
[MAX BARBOSA MIRANDA ] La Habana, 1988. Titulado en Fotografía por la Academia de Artes y Oficios de La Habana (2005), técnico de nivel medio en Realización Digital (2007) y Licenciado en Periodismo por la Universidad de La Habana (2015). Actualmente se desempeña como profesor de la Facultad de Comunicación de dicha universidad. [TOMÁS R. INDA] La Habana, 1952. Fotógrafo y director de la Escuela de Fotografía Creativa de La Habana.
DOSSIER
CAJA DE LUZ
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LA CLASE
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¿CÓMO ESTUDIAR EN NUESTRA ESCUELA? Nuestra premisa es propiciar el crecimiento individual haciendo del aprendizaje diversión. CURSOS
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Nivel básico
Fotografía en Acción (documental)
Fotosafaris temáticos Exposiciones colectivas Revista de Fotografía Negra Club Fotográfico Concurso [en]foco Foto-rally Evento Teórico Fotón Conferencias Especiales Talleres Fotográficos Internacionales
Nivel medio
Fotografía Social
Nivel medio superior
Fotografía Conceptual y de Autor
Nivel profesional
Video con DSLR Edición de Imágenes Digitales Fotografía Comercial (Publicitaria)
Todo aquel que le interese aprender e intercambiar experiencias sobre el arte de la fotografía, será bienvenido en nuestra Escuela. HORARIOS DE CURSOS Y TALLERES 9:00 am - 11:00 am / 11:30 am - 1:30 pm 3:30 pm - 5:30 pm / 6:00 pm - 8:00 pm
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