Director Editorial Rodolfo David Gaona david@noisy.com.mx Editora de Música Eunice Rugama eunice@noisy.com.mx Editora de Arte y Cultura Marlene Oseguera Directora de arte: Haydeé Bueno Diseño editorial: Haydeé Bueno Ángeles Martínez Montserrat Rivera Diseño Gráfico Marcos Villanueva Diseño Web Diomedes Davor Corrección de estilo: RDG Ilustración: Diomedes Davor (Igual que cumming) Relaciones Públicas, Mercadotecnia y medios Andrea Becerra Eunice Rugama Colaboradores: Andrea Becerra, Mariel Ramírez, RDG, Eunice Rugama, Marlene Oseguera, Johan Sebastián “Eyes”, Pamela Hernández, Lucía García, Iraís Moreno, Oscar Carbajal, Heatzi Valdez, Elizabeth García, Luis Moctezuma.
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noisy.com.mx es una publicación independiente sin fines de lucro comercial. Comentarios a buzon@noisy.com.mx
Portada 1 Directorio 2 Contenido 3 Editorial 4 - 5 Publicidad 6 Demostrador 7 Freelance Whales 8 Yoshua 9 El hijo de la cumbia Eventos 10 -- 11 Concierto Coldplay 12 Concierto Julian Plenti 13 Aniversario Arst&Craft Publicidad 14 Publicidad 15 16-17 Smells Like Teen Spirit Discos 18 Liquits Publicidad 19 Entrevista 20-21-22-23-24-25 Furland Artículos 26-27 Arte y eros Artículos 28-29-30-31 Cómo sobrevivir a los festivales Artículos 32-33 Conciertos de abril Foto 34-35 Galeria de fotografìas Portada 36-37 Arctic Monkeys Cine 38-39-40-41-42-43 Ambulante Arte y Cultura 44-45 Agenda 46 Publicidad 47 Contraportada 48 noisy rock magazine
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Robar, del latín raubare, significa Tomar para sí lo ajeno, o hurtar de cualquier modo que sea. En México como en el mundo es un delito que se persigue. Tal hecho se hace en todos los niveles socioculturales: desde el hurto de un pan hasta la riqueza de un país. En el ámbito intelectual sucede lo mismo. Las grandes ideas se roban: son hurtadas por gente sin creatividad ni un ápice sólido de consciencia creadora. A lo largo del arte, las humanidades y la ciencia se han dado casos de robos intelectuales. Nombrarlos uno a uno sería algo tan ingenuo como innecesario para este editorial. Lo que sí sé es que levanto mi pluma en protesta por el hecho de ser plagiados de la manera en que ocurrió hace algunos días. Poner en contexto la situación sería delatar, a su vez, más ideas generadas en el seno de aquellos quienes hacemos esta publicación electrónica. Todo el equipo está indignado por las ideas que otros colectivos y revistas electrónicas —si a éstos podríamos llamarlos así— han saboteado de la revista que lees. Pero referir el hecho y dedicarle más de seis líneas de esta publicación sería tomarnos muy en serio el asunto (y aunque sí lo es, no puedo sino reírme), porque a final de cuentas la noisy ha comprobado que tiene ideas geniales, tanto que son exportadas a otras revistas y proyectos no sólo similares a nosotros, sino otros más “establecidos”. Podrán robar, pero jamás tendrán la simpatía, profesionalismo ni creatividad de la fuente donde surgió esa idea.
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Como quiera que sea, la intención no es sino alzar la voz. Ellos se quedarán con las sobras de nuestras ideas. Porque en realidad esta noisy que ves sigue en un cambio trascendental hacia otros rumbos donde ningún medio de comunicación musical en México podrá seguirnos. Sí, así de altas son nuestras expectativas. Y estos cuatro meses que dormimos una siesta no fue sino una etapa creativa de todos los que integramos este proyecto. Por eso seguimos, para traerte las mejores ideas, los mejores artículos y la más finísima prosa de todos los medios electrónicos. No somos pedantes, sino realistas. Pero, regresando a una de mis citas favoritas recopiladas por uno de los editores que han sido mentores en mi formación, Carlos López, director y fundador de la editorial Praxis, donde se afirma el sueño de todo creador artístico, “No he conocido a ningún escritor que no desee ser grande”, Vizinczey. Todos los que hacemos esta publicación estamos preparando muchísimas sorpresas con el fin de ser los mejores. Ya para finalizar, no es que el director de esta publicación se autoadule, sino que son los comentarios de ustedes, de músicos y de críticos en el medio quienes refuerzan el compromiso de esta revista hecha por comunicólogos, músicos, periodistas, artistas, fotógrafos y diseñadores de primer orden. Y así seguiremos: creando ideas tan noisys que serán del recuerdo común. Sin más. Rodolfo David Gaona Director editorial Ime conoximus ponsign ostandam ad acte iae nox me et; Ca
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Freelance Whales
Sin palabras… hay que limitarse a escuchar. Por: Pam Hernández
La sonrisa dibujada automáticamente en nuestro rostro cuando algo nos gusta, es inequívoca señal de que vamos por buen camino. Cuando además hay emoción, el deseo hace acto de presencia; en ese momento no hay más que dejarse llevar. Y así, dejándose llevar es como hay que escuchar a Freelance Whales. Quinteto de Queens formado a finales del 2008, el año pasado editaron su primera producción, Weathervanes; un disco pop, con destellos electrónicos, sugerentes elementos folk que han sido creados por Judah Dadonel, Kevin Real, Doris Cellasr y Chuck Criss. Voz principal femenina rodeada de las clásicas guitarras, bajo, y batería; chelo, sintetizadores, banjo, glockenspiel, armónica.
suavidad de la voz combinada al efecto del sinte. “Location” mantiene la capacidad de elevar momentos con una única aparición de voces y variaciones de texturas. “Generator 2nd Floor” avanza tímidamente entrando un instrumento a uno. Con influencias de la onda independiente electrónica y rockera de los dos miles y el folk setentero, Freelace Whales es para aquellos que disfrutan de tirarse en el sillón o en la terraza con los audífonos, sin hacer absolutamente nada mas que escuchar. Freelace Whales es aquella sonrisa, con emoción y deseo incluido. Weathervanes es el objeto de deseo. http://www.myspace.com/freelancewhales http://www.youtube.com/watch?v =sZPvp-HRRYQ&feature=related
Un gran conjunto instrumental para hacer canciones que se notan complejas pero se respiran ligeras. No parecen nuevos en esto de la música. Sueños y amaneceres que han sido estimulados desde cinco estados diferentes. Sobresaliente es el track 5 del Weathervanes: “Starring”, personal y universal al mismo tiempo, ruiditos combinados con cuerdas y una lírica que seguramente será recordada, emociona la
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Yeshua Elastik Una mezcla enigmática de sonidos con lirica profunda.
Por Johan Sebastian Eyes.
En la escena del rock en México existen miles de propuestas, cada una de ellas con su estilo propio. Además, hay una evidente lucha por la originalidad en sonido, lirica, voz y desempeño dentro del escenario. Muestra de esto es el cuarteto originario del Distrito Federal, formado en el año del 2005, Yeshua Elastik, integrado por Ramón Cerrilla (teclados), David Lemus (guitarra y voz), Alfredo Larrosa (Bajo) y Jorge Aja (guitarra). Yeshua Elastik comienza su carrera discográfica con un E.P. homónimo, que deja entre ver un equilibro entre la voz y la usanza de sonidos, ritmos o melodías; que dan como resultado, música digerible. Mediante su música, Yeshua Elastik, busca que las personas encuentren una distracción llena de buenos contenidos y un producto de excelente calidad, para dejar a un lado los productos comerciales. Para Ramón Cerrilla, “el sonido de Yeshua Elastik, no puede ser etiquetado, ya que está compuesto de las influencias y vivencias de por las que ha pasado la banda. Yeshua Elastik está producido por Martin Thulin, mezclado y masterizado por Jason Carmer, Jorge Aja, Emily Lazar y Joe Laporta.
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Ritmos urbanos sintonizados
El Hijo de la cumbia Por Johan Sebastian Eyes
La cumbia es definida como un ritmo “guapachoso”, por el sabor, riqueza de sus sonidos y por ser de extracción latina. Si a esta música se le agregamos algo de experimental, dub, sonidera, hip-hop, reggae roots y una pizca de dance hall, tenemos como resultado Freestyle de ritmos, primer trabajo discográfico de El hijo de la cumbia. Este músico de origen argentino, presenta en su disco debut 13 tracks, que mezcla la cumbia villera (argentina), el hip-hop, los sonidos electrónicos y el acordeón, característico de la cumbia colombina. Sin duda, este trabajo musical da otra perspectiva sobre la fusión de ritmos, donde la cumbia se amolda a diferentes géneros. El hijo de la cumbia define a Freestyle de ritmos, como una licuadora de los sonidos de los barrios bajos, de las zonas discriminadas, como la Favela (Brasil) y Villa (Argentina). El hijo de la cumbia busca con su música, mayor apertura en su concepto artístico y herramientas para expresarlo. Cabe señalar, que este representante de la música urbana, ha sido considerado como uno de los mejores artistas de la escena sonidera y cumbiera de México (Sonido Cóndor) New York y Los Ángeles. Como dato curioso su nombre artístico lo recibió de un coleccionista de cumbia colombiana radicado en New York.
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¡Viva la vida, viva Coldplay! Foro Sol, sábado 6 de marzo de 2010 Por Lucía García / Iraís Moreno
Después de tres años de ausencia Coldplay regresó a México para cerrar a lo grande su gira mundial The Viva la Vida Tour. El Foro Sol fue testigo del primero de los cuatro conciertos que realizaron en tierra azteca.
Chris Martin, Jon Buckland , Guy Berryman y Will Champion aparecieron enérgicos frente a más de 50,000 personas. “Violet hill” fue la sucesora, los fanáticos, eufóricos cantaron con Chris por primera vez esa noche.
Cerca de las 8:30 salió como telonero el grupo tapatío Le Barón, seguido de la cantante inglesa Bat for Lashes quien cautivó al público con su voz. A las 10:20, El “Danubio Azul” de Johann Strauss anunció el comienzo del show, la oscuridad inundó el recinto y se escucharon las notas iniciales de la instrumental “Life in technicolor””.
“Damas y caballeros buenas noches”, expresó Martin como preámbulo de la famosa “Clocks”, con la que se desplegaron una serie de lásers que encendieron el escenario de rojo, al término de la canción se unió el beat de la batería de Will Champion en “In my place”, convirtiendo a los temas en los más coreados de la noche. “Muchas gracias amigos”, dijo el vocalista de Coldplay e inmediatamente el concierto alcanzó su clímax con “Yellow”, en la que gigantes pelotas amarillas circularon en la audiencia haciéndola parte del espectáculo. Después de que “Glass of water”, “42”, “Fix you” y “Strawberry swing” sonaron, la banda se trasladó a una de las dos pasarelas que salían hacia la cancha e interpretaron la versión techno de “God put a smile upon your face” y “Talk”. A pesar de que Chris Martin afirmó que su español era terrible, no titubeó al decir: “Estamos muy felices de estar aquí con ustedes”, y en el piano dedicó “The Hardest Part/ Postcards from faraway” a la pintora mexicana Frida Kahlo, quien inspiró el título del álbum Viva
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la Vida or Death and All His Friends. Uno de los momentos culminantes fue cuando los presentes se fusionaron en una sola voz para cantar la tonada principal de “Viva la vida”. Al ritmo de “Singing in the rain”, la agrupación subió al otro brazo del escenario para un set acústico que incluyó “Shiver”, “Death will never conquer” (Con
Will Champion al micrófono) y finalizó con “Spanish Rain”/ “Don Quixote”, pieza estrenada al inicio de la gira latinoamericana; en esta última, Martin pidió hacer una ola con los celulares. “Politik”, “Lovers in Japan” y “Death and all his friends”, hicieron volar mariposas de papel por todo el inmueble. Asimismo, el remix de “Viva la vida” sirvió como intermedio. Los cuatro músicos no tardaron en regresar, sentados, observaron y aplaudieron a su público que entonaba el “Cielito lindo”. Siguió “The scientist” y finalmente “Life in technicolor II” y “The escapist”, que marcaron el cierre del concierto con juegos pirotécnicos.
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Julian Plenti en México
Por Andrea Becerra
Fotos: Rodrigo Jardón y Susana Medina
Arts & Crafts México inició sus celebraciones de primer aniversario con el concierto de Julian Plenti, el pasado miércoles 24 de febrero, teniendo como recinto el Polyforum Cultural Siqueiros. El alter ego del emblemático Paul Banks deleitó a sus fans con un evento muy íntimo, que al filo de las nueve de la noche y al grito de ¡¡Plenti, Plenti!!, inició la presentación de su disco Julian Plenti is….Skyscraper con el tema instrumental “Running Man”, seguido de “Fly As You Might”. El también vocalista de Interpol dio la bienvenida a los asistentes con una gran sonrisa. Sorprendió con su español hablado a la perfección. La noche se llenó de mucha energía entonando canciones como “No Chance Survival”, “Fun That We Have”, “Madrid Song”, “ On
Fotos: Rodrigo Jardón y Susana Medina
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The Esplanade”, ”Only If You Run”, ”Girl On tHe Spotting News” y “Unwind”. También, atrapó a sus seguidores que lo esperaron ansiosos desde las nueve de la mañana, con dos covers impregnados de su propio estilo y su representativa voz, “Into the White” original de los Pixies y ”Horse With No Name” original de America. Con un sólo encoré, regresó al escenario para cantar y despedirse con “Games for Days”, brindando al público un momento efusivo donde todos cantaron al unísono. El Polyforum, con gran acústica y un mural sorprendente rodeando el escenario, fue el lugar adecuado para que Plenti conquistara los oídos de los mexicanos.
Arts&Crafts MX, Primer Aniversario
“El día que el jefe del Olimpo bajó a deleitarnos con sus melodías” Por Oscar Carbajal
El 15 de Marzo del 2010 fue una fecha México. Por fin, después de mucho trabajo y esfuerzo lograron completar su primer año de vida en la industria musical mexicana. El primer año no es cualquier cosa, representa cimentar las bases para un futuro prometedor. Ante esto, organizaron un evento que desde que se anunció resultaba precisamente eso, prometedor. La cita fue en el Teatro circular del Polyforum Siqueiros, un lugar lo suficientemente pequeño como para hacer como para que tres bandas con gran potencial explotaran por primera vez ante el público mexicano. El evento se retrasó quince minutos, debido a que la gran mayoría de los asistentes aún brillaban por su ausencia. Dada la dificultad del transito, que impide llegar espera valió la pena. Zeus fueron los encargados de iniciar la fiesta con temas de su álbum debut Say us, Asimismo, esta agrupación acompañó evitablemente recordó al gran Bob Dylan. Para culminar la velada, los integrantes de Timber Timbre se con su Folk canadiense. El escenario se oscureció para dar paso a unas cuantas velas que sirvieron como el ocaso de una estupenda carta de presentación en México y, sobretodo, de un gran primer año de A&C MX.
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Smells Like Teen Spirit, el olor que aún no desaparece
Por: Pam Hernández.
Representativa de toda una década, de toda una generación y de todo un estilo musical, “Smells Like Teen Spirit” sacó del underground al grunge popularizando no sólo un género; también, una moda que llegaba desde las calles marginadas de Seattle a importantes casas de moda. Mucho peso para una banda que con su primera producción, Bleach, no había logrado siquiera acercarse a lo que “Smells Like Teen Spirit” sería para la historia del rock. Contenida en Nevermind con créditos compartidos entre los integrantes de Nirvana porque la versión tal y como la conocemos, fue montada con la ayuda de Dave Grohl y Kirst Novoselic; estuvo a punto de no ser incluida en el álbum. Para Cobain, era un tema que mostraba su predilección por Pixies y en voz de los demás integrantes de la banda, no era el mejor tema de Nirvana.
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En 1991, año en que se editó su segunda producción y bajo el consejo de Sonic Youth, el trío de Seattle deja Sub Pop asegurando el control de su obra, además de aumentar su porcentaje de regalías. En 1993 el sencillo se había colocado en el número uno de Estados Unidos y había logrado vender más de tres millones de copias. El inicio de la década se caracterizaba por el nuevo sonido del grunge, una recarga de adrenalina que desafiaba a muerte el reinado del pop y desataba el hasta hoy presente dilema de la música alternativa: ¿el salto al mainstream implica responsabilidad?
En 1990 Katheleen Hanna, líder de Bikini Kill escribió con aerosol sobre la cama de Tobi Vail, baterista de la misma agrupación y novia de Kurt; “Kurt Smells Like Teen Spirit” para burlarse de Cobain. La intención era subrayar que el apego del músico por su novia era tanto, que hasta olía a su desodorante. El frontman le dio otro significado al pensar que se trataba del espíritu rebelde que emanaba un adolescente. Cuando la relación sentimental se rompe, Cobain escribe “Smells Like Teen Spirit” y la reescribe con el resto de sus compañeros de grupo; cambian frases, quitan tiempos, reducen solos. Una base dinámica, texturas hechas a base de varias capas, un sonido melódico y ruidoso con una guitarra fuerte fue suficiente para capturar el sonido de toda una década en una canción. “Smells Like Teen Spirit” a casi 20 años de existencia sigue teniendo el mismo olor.
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Kimono en Llamas De curiosos nombre, onírico contenido y asombroso arte llega la cuarta producción de esta banda. Bajo el nombre de Kimono en Llamas y el Regreso de los Insectos, Liquits presenta un disco que encierra una historia en el conjunto de la producción. Conformado por 15 tracks y una mezcla del DJ Angustias (Emmanuel del Real), contiene temas ya conocidos como “Oso Carpintero” y “Cabeza de Limón”; sumados a rolas que incluyen al “Loco” Valdés como narrador y a Natalia Lafourcade en las voces. Se revela así una cara nueva de Liquits. Divertido hasta la última nota el Kimono en Llamas… es intenso, diferente a sus predecesores, arriesgado y muy bien hecho. Canciones que van de los 28 segundos a los 26 minutos, variaciones sonoras y rítmicas le dan una dinámica especial. Adquirir la edición física, ponerse los lentes para checar el arte en 3-D mientras se escucha el disco, asegura un grato instante. “Let´s Eat Carrots”, “Liberen a la Libélula”, “Don Gregorio Almendras” y “When-Wow”, viajan por diversos géneros manteniendo siempre el particular estilo de la agrupación. Celebrando la reciente independencia del trío Kimono en Llamas y el Regreso de los Insectos, demuestra la creatividad que siempre ha tenido Liquits, pero esta vez potencializada.
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y el Regreso de los Insectos
LiQuits Por: Pam Hernández
Por: Pam Hernández y Mariel Ramírez
Con relativa juventud en la escena nacional independiente, Furland ofrece en poco más de treinta minutos todo un mundo de colores, fantasías y atmósferas con su primer material de larga duración Historias de la Luz. Sergio, Carlos, Ricardo y Jacinto platicaron con noisy.com.mx para revelar los detalles antes, detrás y durante este disco.
Con tan sólo cuatro años, han evolucionado de una forma muy natural. Han encontrado un estilo un tiempo corto. ¿Cómo ha sido el proceso para llegar a esto? Ricardo: Para nosotros el sacar un disco y sacar un EP no fue en tan poco tiempo. En realidad, nos hubiera gustado sacar el disco mucho tiempo antes, pero creo que al final, esa etapa en la que Sergio hizo todos los demos del disco y luego en lo que hicimos una pre-producción, encontrar a Terrícolas. Nos juntamos con Meme, e hicimos otra pre-producción. Algunas de las canciones las estuvimos tocando en vivo durante algún tiempo, entonces eso hizo que las canciones maduraran al igual que nosotros evidentemente. He pensado que si ese disco lo hubiéramos grabado dos años antes no hubiera tocado tan chido como toco ahora, entonces por ese lado estuvo muy bien.
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¿El lapso entre A Casa Voy e Historia de Luz, a qué se debió? Sergio: Pues todo lo que pasó con el primer EP fue muy rápido. Desde que empezamos a mover ese material, todo se fue dando rápido en ese momento. Empezó a sonar en el radio antes de que lo tocáramos en vivo, ese acelere fue muy fuera de lo común. Lo que hicimos en dos años es lo que hace una banda comúnmente en cuatro años, creo. Entonces, cuando empezó eso del EP, ya traíamos ganas de que de inmediato se dieran más cosas , ya teníamos el material del nuevo disco casi completo en demo y montado en vivo, pero faltaba mucho para tener alguien con quien grabarlo y que quedara muy bien. A finales de 2008 ya empezamos a trabajar de lleno en este disco. Carlos: Ese lapso no fue por decisión nuestra, queríamos sacarlo en el 2008. La tardanza no fue por decisión nuestra pero estuvo muy conveniente. El resultado hubiera sido diferente.
Del 2005 para acá, ¿qué es lo que recogen que se queda impreso en este material? Sergio: Fue un trabajo de muchísima paciencia, y creo que fue lo que más aprendimos en todo este tiempo. Que las cosas se dan cuando se tiene que dar. Además de que musicalmente el haber tocado tres años en vivo, ya nos dio cierta madurez como músicos y nos permitió saber que cosas funcionan en vivo y que cosas no. Hubo decisiones que fueron tomadas por la sensación que nos daba el espectáculo en vivo, como subirle el tempo a una canción.
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¿Cuál fue la aportación de Meme como productor? Ricardo: El trabajo de Meme fue potenciar las canciones de las maquetas y pulirlas. Ahora que escucho el disco, veo que muchas de las cosas que suenan están desde el EP. Es algo que hemos platicado con Meme, el disco y la esencia están ahí; las letras, la intención y todo lo que querían expresar las canciones. Meme potencializó todo eso y lo limpió. Con respecto al proceso de grabación, ¿cuál fue el momento que más disfrutaron? Ricardo: Pues cuando cada quien grabó sus partes. Sergio: Cada quien tiene sus momentos. El primero que grabó el disco fue Ricardo, las baterías, luego, el bajo, guitarras, luego teclados. Yo en lo personal, mi momento favorito fue cuando grabamos al trombonista y las cuerdas porque es muy padre haber compuesto algo y ver a alguien más trabajar sobre eso. Saber que alguien que toca el chelo se tuvo que aprender mis canciones, es algo muy inspirador.
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A lo largo del disco se escuchan canciones muy dulces, música que es bonita. ¿Se trata de una decisión premeditada? Ricardo: Eso es responsabilidad de Sergio. Él lo sabe, pero nosotros nos damos cuenta de que es de forma natural. No pretendemos hablar de cosas bonitas por hacer algo distinto, sino simplemente la música que compuso le gusta y a nosotros nos gusta. Es demasiado natural. Una de las últimas canciones que compusimos “El Explorador”, ese día tenia ganas de hacer un ritmo súper tranquilo, y empezamos a armar la canción de acuerdo a eso. Fue como decir estoy triste, quiero hacer una canción lenta y eso es todo, las cosas son naturales. Sergio: Lo que tratamos de hacer en el disco es que las canciones por si solas ya eran muy bonitas, muy alegres, muy suaves, y más bien tratamos de contrastar un poco con algunos elementos. De que no sonara a un disco de flojerita que pones para dormir, sino que fuera un disco de canciones bonitas pero con cierta energía que te haga sentir como más vivo. Ricardo: Eso pasó en la mezcla. Teníamos la idea de un disco suave, orgánico, con los instrumentos lo menos procesado posible. Y Meme conocía a Marco, entonces le pasamos el
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La música se ve reflejada en el arte del disco: orgánica y muy natural. Sergio: El arte lo hizo Carlos, surgió en una madrugada. Ya había varias propuestas para la portada pero ninguna nos convencía del todo. Había una que es el poster que viene adentro, nos gustaba pero sentíamos que no era tan contundente y sucedió que Carlos se iba a ir por un mes; así que fui a su casa y dijimos que no íbamos a salir de ahí sin una portada. Estuvimos trabajando, de repente surgió eso. Carlos: Fue como volver a empezar desde cero porque ya estábamos muy viciados. Tiramos todo lo que nos había gustado. De repente se dio Este año van por su segunda aparición en el Vive Latino. ¿Nerviosos? Sergio: No, emocionados ahora si. Eso lo dejamos para cuando estemos arriba… Ricardo: Para mi los nervios más grandes son cuando estas en el camerino antes de salir a tocar. Escuchas tocar a las bandas y a la gente gritar. Carlos: En el Vive pasado desde un día antes ya estaba nervioso, aparte tocamos el primer día y no sabía que esperar.
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Ricardo: Algo excelente para este año es que ya tenemos la experiencia del pasado, experiencias de otras tocadas que de alguna manera nos han puesto nerviosos. Y esta vez seguro lo vamos a disfrutar más, hasta cierto punto estaremos más relajados.
Lo más noisy que han hecho en un escenario, ¿qué sería? Ricardo: Si es original tocar borrachos… Sergio, Carlos, Ramiro: ¡No! Es lo menos original. Carlos: El solo del pollo. Sergio: Tenemos un pollo que grita si lo aprietas y una vez intentamos hacer un solo de pollo en el escenario, pero no se escuchaba. Hay una canción que se llama “Las Demás Criaturas del Pantano” que es como la más enérgica del disco y en vivo es la más rockera, una vez en Valle de Bravo se subieron unos chavitos a brincar en el escenario y estuvo muy gracioso.
No cabe duda de que los años a Furland le vienen muy bien. En a penas unos meses “Quiero ser un color” captó la atención de músicos y amantes de la música; en espera del segundo corte de Historias de la Luz, el primer álbum de la banda, rechazan presunción y encanta n con sonidos capaces de iluminar cualquier instante.
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Sensualidad artistica 26
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Por: Elizabeth García Sonidos espectaculares y únicos, voces desgarradoras e imágenes que evocan una de las experiencias más gratas en los seres humanos, el erotismo. Una de las actividades más placenteras de los hombres ha sido fuente de inspiración para varios artistas, ellos han logrado crear verdaderas obras de arte. La palabra erótico proviene del término eros, que significa amor; en ella convive todo lo considerado erótico, desde lo más cursi, como pétalos de rosa en una cama, hasta las llamadas parafilias, el masoquismo, el fetichismo o el exhibicionismo, todo aquello que represente estímulo para los involucrados en prácticas sexuales. Para muchos artistas fuente de inspiración, para otros el erotismo es un tabú que se debe mantener oculto y no se debe hablar de él; sin embargo, es un tema recurrente dentro del mundo del arte y también una forma de expresión para algunos artistas. Algunas bandas han explotado el erotismo en sus composiciones, ya sea para vender o escribir acerca de ello, dando resultados excepcionales y únicos; de ahí, que muchas parejas las utilicen en sus noches de amor. Dentro del mundo del rock existen varios ejemplos, desde la voz hasta la lírica. Muestra de ello es la banda inglesa Depeche Mode, quienes tienen varias canciones provocativas, como “I feel you, World in my eyes” o “I want you now”. Por su parte, el músico Trent Reznor, líder de la banda Nine Inch Nails (NIN), ha creado una de las piezas más sensuales del mundo de la música, llamada “Closer”, incluida en el álbum The Downward Spiral de 1994. Robert Smith, líder de The Cure, también ha cooperado con sus grabaciones sensuales como “Just like heaven” o “Lullaby”. En el caso del pop, las canciones de Madonna siempre evocan sensualidad, en específico, “Erótica”, cuyo video influye para agrandar el sentido erótico. Lo mismo ocurre con Chris Isaak y su covereada canción “Wicked Game”.
La lengua de habla hispana tiene sus canciones eróticas, algunas de ellas son “Kumbala” de La Maldita Vecindad, “Yegua” y “Putita” de Babasónicos y “El baile y el salón” de Café Tacvba. En el mundo de la letras existen infinidad de ejemplos de literatura erótica, basta caminar entre las librerías y buscar la sección mencionada para que los autores aparezcan por si solo. Tan sólo la editorial Tusquets tiene una sección especial que se distingue por sus pastas color rosa. El Marqués de Sade, autor de Julieta, Justina y Las 120 jornadas de Sodoma, escribió la considerada literatura erótica más transgresora, pues en sus libros se narra la tortura física. De hecho, la palabra sadismo proviene del apellido del Marqués. Leopold Sacher-Masoch es otro de los autores que contribuyeron a la creación de la literatura erótica, gracias a su texto La Venus de las pieles. A él se le debe el término masoquismo, el cual proviene de la relación de dolor físico con lo emocional. George Bataille, escritor francés del siglo XX, descubrió una manera diferente de entender el erotismo, sus libros son únicos y deberían de ser de cabecera en lo concerniente a sensualidad y filosofía. Una de sus obras es Mi madre, de la cual se realizó una película, El Abad C, Historia del ojo y Lo imposible. Dos de los autores mexicanos que se han adentrado al mundo del erotismo son Juvenal Acosta, con sus libros El cazador de tatuajes y Terciopelo violento, con una sensualidad que raya en lo vulgar. En contraparte, el escritor Alberto Ruy-Sánchez, ha logrado crear un erotismo elegante, lleno de metáforas exquisitas que vinculan a la naturaleza. Algunos de sus textos son Los nombres del aire, En los labios del agua y Los demonios de la lengua. El erotismo siempre será un tema recurrente para los artistas, una fuente de inspiración que los lleva a inventar mundos fantásticos o situaciones extremas que alientan a los espectadores a navegar en el complicado pero fascinante océano de la sensualidad humana.
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Para sobrevivir en ĂŠpoca de Por: Luis
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Los festivales de rock son una tradición que comienza en primavera y se mantiene hasta que las lluvias hacen imposible seguir festejando al aire libre. Por uno o más días se reúne una multitud de fanáticos y una congregación de músicos en diferentes sedes, desde sitios arqueológicos hasta estadios deportivos, pasando por parques y otros espacios públicos. Con esta variedad de escenarios posibles un buen adicto a la música en vivo necesita prepararse tanto física como mentalmente para soportar las exigencias de estos eventos. Para vivir un festival hay que correr. Para muchos esta es la parte difícil que obliga a elegir entre ver a las bandas de un sólo escenario o morir de inanición en el camino. Aunque las distancias suelen ser pequeñas entre escenarios, el ir de uno a otro, obliga a un desgaste que difícilmente se alcanza en el cotidiano cruce entre extremos de la ciudad. Un buen rockero no puede entrenarse participando en pentatlones cada fin de semana, por eso aquí van algunos consejos para disfrutar al máximo de un ritual de sudor, música y un clima intempestivo. Para quienes piensan que presenciar el espectáculo que encierra un festival sentado en alguna grada es lo más común del mundo, pueden omitir el resto del artículo. Lo más importante es la motivación, hay que tener la seguridad de llegar al último show en condiciones de gritar, bailar y todo lo necesario para mantener el ambiente. El resto se puede resumir en esfuerzo físico y en algunas ocasiones sacrificar alguna costumbre; nada de gimnasios ni dietas, no es necesario exagerar. Ahora vayamos a lo que roba más tiempo: la preparación física. Para soportar uno o dos días de saltos y carreras, lo más importante es tener un cuerpo preparado para actividad física aeróbica, esto es, toda aquella actividad que prepare al cuerpo para consumir grandes cantidades de oxígeno. Sin embargo, no es necesario sacar los calentadores del guardarropa. El ejercicio aeróbico va más allá de imitar los videos en que aparecía Jane Fonda hace un par de décadas.
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La actividad más simple que puede clasificarse como ejercicio aeróbico es caminar. Basta con agregar algunas cuadras extra camino al trabajo o de regreso a casa, si este tiempo suma 30 minutos puede ser suficiente. Si a esto se agregan otras actividades como subir escaleras con regularidad o correr los pulmones llegarán completamente listos la próxima vez. Y para evitar esos dolores post-festival algunas lagartijas y sentadillas pueden ayudar. Basta con empezar unas semanas antes; aunque después será difícil perder la costumbre. Y como esto no se trata de un artículo sobre vida saludable hay que mencionar que en cuanto a alimentación no es necesario hacer grandes cambios. Frente al escenario, lo que menos importa es la cantidad de fibra que se ingirió cada mañana recomendada por los anuncios de cereales. Por el contrario, quienes están equipados con un buen par de llantitas resistirán mejor un festival. La razón es sencilla, al realizar actividad física el cuerpo necesita energía y cuando se agotan las opciones inmediatas como carbohidratos el cuerpo recurre a la grasa, claro que tampoco hay que excederse.
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Y para el día del festival es recomendable comer todo lo posible antes de salir de casa, para almacenar energía y evitar los precios excesivos que fijan los organizadores. Aunque la oferta gastronómica cada vez es mayor, lo mejor que se puede conseguir en un festival es el agua, suficiente para mantener en pie a un ser humano mientras disfruta de su música favorita. Si el estómago exige algo sólido, basta con algún pedazo de carne envuelto en pan, o dulces, que darán energía suficiente para resistir lo que falte. Al final, lo importante es mantener la euforia hasta que el grupo principal diga adiós. Algo que no puede olvidarse es usar ropa ligera y llevar un suéter delgado, es un buen compañero a medio día cuando puede cubrir la cara de los ataques del sol o una vez que la música terminó y el calor humano se dispersa. Los lentes oscuros pueden ser una buena opción para quienes acostumbran lugares cerrados, aunque se convierten en un peligro en algunas situaciones como slam y empujones para llegar hasta adelante. Cualquier objeto pesado es una mala elección, aunque se trate de una cámara; las fotografías buenas las tomarán los profesionales, un celular basta para el recuerdo. La posición siempre es importante para un concierto, principalmente cuando se trata de muchos en el mismo escenario. El lugar más cercano posible al centro siempre es el mejor, nadie que esté en primera fila en alguno de los extremos podrá negarlo, es una buena forma de distribuir el sonido entre ambos oídos y evitar problemas musculares en el cuello. Si se tiene cerca una valla hay que usarla, además de protección ofrecen una vista libre hacia adelante. Y una vez que todo está en su lugar, no queda más que disfrutar, al día siguiente quizá duela un poco la garganta pero ya pasará.
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Conciertos de abril De Rocktubre a Rockabril Por: Oscar Manuel Carbajal (@oskr_cm en Twitter)
En los 2 años anteriores al 2010, el mes de Octubre se caracterizó por la enorme oferta musical de conciertos; sin embargo, para este año, Rocktubre se nos adelantó a Abril. Los organizadores y promotores de festivales han dado a la magnífica tarea de traer cada vez más y mejores bandas a nuestro país, afortunadamente ya no tenemos que esperar años y años para que una banda de las llamadas grandes se presente en suelo azteca. Al ver y señalar en el calendario los días del mes del niño, nos damos cuenta de que hay conciertos para dar y recibir, desde la electrónica de Fischerspooner hasta el Indie Rock de los Arctic Monkeys, pasando por la resistencia de Muse y la energía del siempre bienvenido Vive Latino. Por si fuera poco, para todos aquellos que la crisis económica solamente fue un cuento chino, Rockabril también trae bajo el brazo el mágico festival Coachella, en el estado de California de nuestro vecino país del norte. El line-up de este ya bastante posicionado festival es simple y sencillamente brutal: Them Crooked Vultures, The xx, Gorillaz, Beach House y Phoenix son sólo algunas de las bandas estelares del 2010. Alucinante sin lugar a dudas El único negrito en el arroz que se le ve a esta desbandada de conciertos en Abril es el enorme gasto que para los amantes de la música. Debido a que el promedio del costo de la entrada a cualquier evento es de $400, más consumo de bebidas y alimentos, estacionamiento y demás. Considerando que en Abril se presentarán al menos 10 eventos de gran categoría, pues definitivamente las cuentas no saldrán para la mayoría.
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Si te sobra lana, noisy rock magazine deja su top 5 de conciertos para el mes de Abril, suerte y a mover esos pies: 1. Arctic Monkeys, 21 de Abril (Explanada del Estadio Azteca, $390 y $600) 2. Muse, 20 de Abril (Foro Sol, $250 a $1,100) 3. Fischerspooner, 09 de Abril (Vive Cuervo Salón, $350 y $500) 4. Franz Ferdinand, 10 de Abril (Auditorio Nacional, $250 a $990) 5. Festival Vive Latino, 23, 24 y 25 de Abril (Foro Sol, $1,060 abono de 3 días)
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GalerĂa
Zeus
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Timber Timbre
Jason Collett
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Por Mariel Ramírez / Iraís Moreno/ Eunice Rugama Se ha escuchado, se ha leído y es verdad, Arctic Monkeys vienen a México este mes. Provenientes de terrenos baldíos de los suburbios industriales de Sheffield, los primeros monos conformaron la banda en 2002. Actualmente, la agrupación está compuesta por Alex Turner(guitarra y vocal), Jamie Cook(guitarra), Matt Helders (bateria) y Nick O'malley(bajo). Los llamados Arctic monkeys son exponentes del Indie rock en su máxima expresión, de ahí, que meteóricamente hayan alcanzado la fama mundial, luego de iniciar su carrera hace ocho años. La historia de esta banda parece de ficción, sin embargo, demuestran que con talento y un poco de suerte, la fama y el éxito formarían parte de su vida. Pero, ¿ en dónde comienza la historia?... A sus 16 años, sus padres no sabían que los instrumentos que les regalaban a sus hijos serian pieza medular para el indie rock. Desde entonces, estos chicos autodidactas formarían un grupo parecido a Oasis. Luego de pensar en posibles nombres para la banda, decidieron nombran al grupo Arctic Monkeys, nombre que llevaba la agrupación del padre de Matt Helders cuando era joven. En ese momento, nadie imaginaba lo que pasaría, hasta que conocieron a Geoff Barradale, un músico experimentado que se convirtió en su manager. Barradale les llevaría a los escenarios del norte de Inglaterra para establecer su reputación, repartiendo copias de los CDs de demostración después de cada espectáculo.
Su fama fue creciendo entre sus seguidores, poco a poco los CD´s repartidos a los fans, empezaron a ser distribuidos por medio de archivos en línea. Su música se distribuyó a la misma velocidad con la que crece Internet, cambiando la distribución del mercado de la música. Miles de personas, comenzaron a descargar gratuitamente las canciones que el grupo tenía en la red. Para el 2005 se convirtieron en la banda con la mayor cantidad de descargas musicales y sin tener aún contrato discográfico. A partir de ese momento, todo cambió, ya que en la primera semana de lanzamiento de su primera producción, Whatever people say I am, that’s what I’m not, batieron el record de ventas en la historia de la Gran Bretaña vendiendo más de 360,000 copias; además, este disco fue premiado como mejor álbum en el Mercury Prize de 2006. La historia se repitió con su segundo disco, My favourite worst nightmare, del cual se desprende los sencillos “Brianstrom”, “Fluorescent adolescent" “Peddy picker", y “505. En Agosto 19 del 2009 fue lanzado en Japón, Hambug, un disco más retro con tiene influencias del rock de los sesenta y setenta. Con esta producción, Arctic Monkeys muestra su crecimiento y consolidación. Ahora, llega el momento de disfrutarlos en concierto por primera vez nuestro país con un concierto que dará mucho de que hablar. Puedes llamarme como quieras…Cornerstone".
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Ambulante gira de documentales, 2010 Por Marlene Oseguera
Durante catorce días, el Distrito Federal se engalanó con una exquisita muestra de documentales. Las historias invadieron cada una de las sedes, comenzando con el pie derecho para que todo cinéfilo de hueso colorado y también para aquellos que van aprendiendo como serlo, se agasajaran del programa de este año. Desde el 12 hasta el 25 de Febrero, Ambulante mostró una vez más, mucho del talento incluido en este año, además, en esta ocasión se sumó al festejo del Bicentenario con una selectiva muestra de documentales en su sección Enfoque: BI100. En esta selección se incluyeron trabajos muy significativos, en donde el público pudo explorar diferentes ideas sobre el significado de la lucha revolucionaria.
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Enfoque: BI100: Aquí y en otro lugar/ Francia/ 1976/ Jean-Luc Godard, Anne-Marie Miéville Esta cinta narra el conflicto entre Palestina e Israel, en donde una familia Palestina y otra Francesa viven el conflicto a través de lo medios de comunicación; donde supuestamente informan de todo, pero sin saber que la situación está manipulada. Este trabajo pertenece a un importantísimo cineasta parisino Jean-Luc Godard, gran exponente de la Nouvelle Vague.
Chile, la memoria obstinada / Canadá,Francia/ 1997/ Patricio Guzmán En 1973 el cineasta chileno Patricio Guzmán filmó La Batalla de Chile, documental sobre el final del gobierno de Allende. Pero tras el golpe de Estado huye y años más tarde vuelve para recorrer los lugares del film original y encontrar a algunos de los personajes. Este documental se volvió muy popular en la década de los 70 en pleno apogeo de la revolución chilena, pues retrataba de manera muy clara lo que se estaba viviendo en ese momento. Razón suficiente para que este director tuviera que huir y años más tarde otra generación pudiera conocer su trabajo.
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El General / México, Estados Unidos/ 2009 / Natalia Almada Esta talentosa cineasta rescató grabaciones relacionadas con un importante personaje histórico, su bisabuelo el presidente Plutarco Elías Calles, apodado también el “El Bolchevique” o “El Jefe Máximo”. Gracias a estas grabaciones, este documental permite ver no solo al General, sino a su familia y al legado histórico que dejó, pero que con el tiempo quedo en el olvido. Con gran experiencia y mucho talento, esta cineasta trae un trabajo por demás interesante e increíble.
Programa noticiario del tercer mundo Este programa compuesto por 3 documentales: Lucha por sobrevivir, Técnicas estadounidenses de genocidio en Vietnam y Jóvenes titiriteros de Vietnam. Son trabajos donde se explora y se ve claramente la resistencia en Vietnam del Norte durante el conflicto con Estados Unidos
Jóvenes titiriteros de Vietnam / República Democrática de Vietnam / 1969 Esta película aborda la vida de los adolescentes de las zonas liberadas por el Frente Nacional de Liberación, quienes deciden fabricar hermosos títeres con restos de aviones estadounidenses derribados. Una vez listos, recorren diferentes aldeas, donde montan espectáculos para los niños, mientras los aviones siguen en el aire. Es increíble ver como el arte, la música y muchas otras cosas, pueden ser un factor tan determinante cuando uno vive situaciones como esas y la creatividad se vuelve una forma de vida.
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Lucha por sobrevivir / Frente Nacional de Liberación de Vietnam/ 1968 Esta impresionante cinta relata momentos en donde la creatividad y la valentía son necesarios para salvar a muchos. En las zonas liberadas de Vietnam del Sur, las Cuadrillas médicas trabajan para salvar vidas de manera increíble durante la guerra. Demostrando que todo se puede hacer con ingenio y perseverancia. Mediante unos túneles muy bien escondidos, los médicos realizan todo tipo de cirugías para salvar a la gente con la ayuda de generadores alimentados por el pedaleo de bicicletas.
Técnicas estadounidenses de genocidio en Vietnam / República Democrática de Vietnam / 1969 El avance tecnológico se ha vuelto el aliado perfecto para cualquiera que desee destruir lo que este a su paso. En esta cinta se ve el uso de sofisticadas armas estadounidenses contra objetivos civiles en Vietnam, los cuales no ocasionan muchos daños.
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Programa Santiago Álvarez Aquí se pueden ver cinco documentales, donde el cineasta cubano habla sobre el movimiento revolucionario de Cuba, el papel de Estados Unidos con Vietnam del Norte y sobre todo Estados Unidos como un imperio peligroso y dañino. -Now / 1964 -Cerro pelado / 1966 -Hanoi martes 13 / 1967 -Hasta la victoria siempre / 1967 -L.B.J. / 1969
Underground / Estados Unidos / 1976/ Emile de Antonio, con Mary Lampson y Haskell Wexler Este documental se baso en una serie entrevistas con el colectivo Weather Underground Organization, el cual se integraba por americanos muy radicales y agresivos en la década de os 70s y quienes protestaban de manera violenta por la intromisión de su país en la Guerra de Vietnam.
Viaje de una larga noche hacia el día / Estados Unidos / 2000 / Frances Reid, Deborah Hoffmann En este documental, Sudáfrica intenta salir adelante y lograr la paz, que tanto se les ha negado, y mas por lo fuerte de la segregación racial.
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Videogramas de una revolución / Alemania / 1992 / Harun Farocki, Andrei Ujica El documentalista alemán Harun Farocki, logra acomodar muy bien cada una de las piezas de su cinta, mostrando una serie de imágenes, sobre el fervor de la Revolución rumana. Son muchas las historias, personajes y común, una oportunidad de contar lo que paso en un momento clave donde las revoluciones, enfrentamientos, luchas raciales o dictaduras, marcaron una pauta en la historia. Es por ello que Ambulante decidió unirse al festejo y mostrar trabajos como estos, en donde nunca se sabe si se gana o se pierde, Lo fondo lo que pasa a nuestro alrededor. Ambulante sigue con su gira, a lo largo de 12 ciudades, por lo que no hay que perder la pista. Además en la sección de Injerto ahora se abordo el tema “Habitar”, donde se presentaron 20 propuestas enfocadas en el individuo, en su entorno, relación y sus vivencias.
Otro plus bastante interesante dende Gustav Deutsch, quien por primera vez presento su trabajo en la Ciudad de México con doce cintas proyectadas especialmente en la Cineteca Nacional. lante ha demostrado estar lleno de puro talento y con ganas de hacer la diferencia, y esta ocasión no ha sido la excepción y que mejor que unirse al festejo llego para quedarse y los documentales seguro no pararan de llegar, así que debemos ejercitarnos y estar listos, pues nunca se sabe que próxima aventura tendremos en Ambulante.
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Félix González Torres: somewhere / nowhere
Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), UNAM POR: RDG Félix González-Torres (1957- 1996), artista plástico cubano-
americano, sigue traspasando fronteras con su arte tan excéntrico y original. No pocos son los que hoy en día le deben alguna influencia gracias a su particularísima visión del arte. Esta exposición que se muestra en el MUAC da cuenta de la obra más representativa de Gonzalez-Torres como uno de los pináculos del arte contemporáneo y eso se muestra en las tres salas que contienen sus obras: ya desde el inicio se trata de algo tan ingenioso como una fotografía hecha rompecabezas o grandes pliegos de papel con los rostros de las personas muertas en NY; también se muestran montones de paletas y dulces, más “posters” con fotografías y frases como “somewhere” o “nowhere”… ¿la intención del autor? Que el arte sea para todos. Según su pensamiento, ningún coleccionista puede comprar la obra de Felix González Torres, sino que se trata de un arte contestatario que pugna por el artista mismo y su obra, por ello su muestra es accesible para todos y el público puede llevarse los carteles y el material con que hizo su obra: en otras palabras, todo el mundo puede tener un poco de su idea, no sólo estará exhibida en un museo al que jamás acudiremos.
Museo Universitario Arte Contemporáneo, Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario. Salas 1, 2 y 3 Del 27 de febrero al 30 de mayo de 2010 www.muac.unam.mx
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La idea del cubano es intensa y, al salir del museo, te cuestionas sobre lo que hasta ese momento podrías conocer del arte en general. Exposición altamente recomendable para quitar ese estigma de que todo arte es aburrido por sí mismo. Félix propone una serie de juegos lúdicos con el espectador, así como un gran contacto y gran interacción del público. Se presenta hasta mayo 2010. ¿Se te antojó?
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Conciertos y Agenda cultural de Abril Lunes
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Miércoles
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Jueves
Viernes
Sábado
Domingo
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Exposición Todo o Nada – MUAC Exposición: Tres Urbana “Somnolencia” – Museo Archivo de la Fotografía
Ruido RosaEl imperial
Fischerspooner José Cuervo Salón Los Weeds El Imperial
4 Franz Ferdinand Auditorio Nacional Los Jaigüey & Agrupación Cariño El Imperial Enjambre – Arriba Arriba Bar
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Simplifires El Imperial Los Daniels – Rockutla Veracruz
Juan Son - José Cuervo SalónEnjambre – S22 Carla Morrison, Andrea Balency y Polet – Soma Foro Bar
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Teatro: 9 Días de Guerra en Facebook – Foro Sor Juana Inés de la Cruz CCU
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Camera Obscura Lunario del Auditorio
Los Liquits – El Vicio
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Concierto Traffic de Mario Vega – MuAC
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Muse - Foro Sol
The Cristal Method Danza: Tour 4 - José Cuervo Salón Rooms – Sala Miguel Covarrubias CCU
Vive Latino - Foro Sol Vive Latino - Foro Sol Sander Kleinberg - Sussie 4 - Bulldog Café Woda Puebla
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Los Liquits – El Vicio
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25 Vive Latino - Foro Sol Gamma Ray - Circo Volador Mago de Oz – Auditorio Telmex Gdl.