Playlist #15 by Revista Playlist

PIXIES

La nueva era de

NÃºmero #15 - Octubre 2016

E D I T O R I A L Autocuidado. Esa palabra debería ser un mantra para todos. Tal

vez para nosotros, las personas comunes y corrientes, es mucho más fácil hacerlo que para aquellos que hacen de las luces y la veneración de miles, su trabajo. Le pasó al guitarrista de la banda de nuestra portada, Joey Santiago, que días después de conversar con nosotros acerca de las nuevas dinámicas de Pixies y el nuevo disco, entre otras cosas, tuvo que internarse para combatir sus problemas con el alcohol y las drogas. Luego de más de treinta años haciendo música y siendo una figura emblemática para miles de jóvenes, no es de extrañar que la vida del “rockstar” tenga estos episodios. El autocuidado le falló a Santiago y los excesos se llevaron lo mejor de él. Pero como el viejo lobo de mar que es, no dudamos que el músico reseteará sus costumbres y comenzará a tratarse mejor a si mismo de una vez por todas. A otro que le falló el autocuidado fue a Scott Hutchison, líder de Frightened Rabbit, banda que

también entrevistamos para esta edición. En realidad esta entrevista iba a suceder a comienzos de agosto, pero dos días antes de conversar con el carismático músico, la depresión y el alcohol tomaron el control de su persona y en un episodio que incluyó decir que la banda había llegado a su fin a través de Twitter, el escocés tuvo que cancelar entrevistas, shows y una gira por Europa, para auto-enrolarse en un centro de rehabilitación y lidiar así con sus fantasmas internos. El cuerpo siempre da algún tipo de señal cuando las cosas no están bien y es responsabilidad nuestra escuchar esas señas. Tal como decía al principio, para nosotros las personas comunes y corrientes, es más fácil ya que no tenemos miles de ojos pendientes de cada movimiento que hagamos. No somos ni el guitarrista de una banda icónica del rock norteamericano, ni el líder de unas de las mejores grupos salidos de Escocia del último tiempo, pero nuestras vidas valen lo mismo que la de ellos y la clave es cuidarse. Hernán Carrasco C. Director

REVISTA PLAYLIST Director Hernán Carrasco Editor general Fernando Duarte M. Diseñador Christian Vivanco Webmaster Cristian Berrios Fotógrafo Fabián Ortíz Colaboradores Natalia Araya Francisca Bastías Ignacio Cisternas T. Fernández-Miranda Diego Huenchur Javier Muñoz Paulina Portal Fotos Reuters Shutterstock www.revistaplaylist.com

Í N D I C E 6 Agenda 8

Modo Shuffle

Mi lista de Spotify: Chini And The Technicians

10 Noticias 12 Banda que escuchar: Roosevelt 16 FÁRMACOS Diego Ridolfi afrontó varios cambios antes de lanzar su nuevo disco “Estado de Gracia”. Con una nueva formación y un sonido renovado, el compositor nacional salió airoso de un desafío que no era para nada fácil. Conversamos con él. 18 PIXIES Una de las bandas más influyentes de los últimos treinta años regresó con un nuevo disco de estudio, el primero que componen como tal, desde “Trompe Le Monde” (1991). Sobre el renovado ánimo del grupo, el nuevo LP y más, conversamos con Joey Santiago, guitarrista fundador del grupo. 24 WHITE LIES El baterista de la banda, Jack Lawrence-Brown, nos contó en exclusiva acerca de su nuevo álbum “Friends”, del camino que han recorrido hasta ahora, sus recuerdos de Chile y la independencia que están gozando en estos momentos. 28 FRIGHTENED RABBIT Lanzaron uno de los mejores discos de la temporada, pero no lo tuvieron nada de fácil. Conversamos con exclusiva con Scott Hutchison, líder de la banda, sobre los difíciles caminos que los llevaron a “Painting Of a Panic Attack”, el mejor disco que han sacado en su carrera. 36 LOLLAPALOOZA CHILE 2017 Luego de mucho esperar, el lineup del festival más importante de nuestro país por fin mostró sus cartas. Nos detuvimos a analizar el cartel de artistas que darán vida a la séptima edición del #LollaCL. 48 Moda y activismo 54 Masters of Sex 58 Rogue One: A Star Wars Story CRÍTICAS 61 Pixies 62 Bon Iver 63 Warpaint 64 Local Natives

AGENDA 11 de octubre Julia Holter Lugar : Teatro NescafĂŠ de las Artes 21:00 Entradas : Ticketek Valores : Entre $20.000 y $36.000

17 de octubre Zaz Lugar : Movistar Arena 21:00 Entradas : Puntoticket Valores : Entre $ 16.500 y $ 71.500

12 de octubre Wilco Lugar : Teatro Caupolicรกn 21:00

13 de octubre

Entradas : Ticketek

Pet Shop Boys

Valores : Entre $ 25.000 y $ 82.000

Lugar : Espacio Riesco 21:00 Entradas : Puntoticket Valores : Entre $ 32.000 y $ 360.000

20 de octubre Richard Ashcroft Lugar : Teatro Caupolicรกn 21:00 Entradas : Puntoticket Valores : Entre $18.900 y $87.500 7

MODO SHUFFLE Una selección con las mejores canciones nuevas que eligió el equipo de PLAYLIST.

Kings Of Leon – “Walls” A mediados de mes la banda de Tennessee regresa con un nuevo LP y esta emotiva balada que casi protagoniza, Caleb Followill, nos hace esperar con más ansias el séptimo disco de los Kings Of Leon.

Bloc Party – “Stunt Queen” A comienzos de este año regresaron con un nuevo disco que no emocionó a casi nadie. Ahora, en la primera canción que escriben con los nuevos miembros, la banda tomó un nuevo aire y suenan casi como en sus comienzos.

Kasabian – “Comeback Kid” Hace mucho tiempo que no escuchábamos nada nuevo de los ingleses. Ahora gracias al juego FIFA 2017, la banda liderada por Tom Meighan nos muestra una refrescante faceta que incluye mucho groove.

4 Keane – “Tear Up This Town” Están oficialmente en un receso, pero los británicos se las arreglaron igual para sacar una nueva canción. Parte de la película “A Monster Calls”, el trío despacha un tema que tiene el ADN clásico de sus primeras composiciones. 8

5 The White Stripes – “City Lights” (video) Fue un regalo del colaborador frecuente de la ahora desaparecida banda compuesta por Jack y Meg White. Parte del nuevo disco de rarezas acústicas, esta inédita canción nos toca la fibra sensible de una banda que siempre estará en nuestro corazón.

* Cada mes le pedimos a distintos músicos que nos cuenten qué es lo que está sonando con mayor frecuencia en sus audífonos en el último mes.

MI LISTA DE SPOTIFY

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15

“Sundown Syndrome” por Tame Impala “Frutos de Otoño” por Adelaida “Cadets” por Trash Kit “Burn Burn” por Nico Vega “Barbarism Begins at Home” por The Smiths “Black Hearted Love” por PJ Harvey “Tempo” por Boogarins “ Nueces de Bangladesh” por Astro “Unluck” por James Blake “Secrets” por Headlights “Give Up” por FKA Twigs “Beautiful Mother” por Dirty Projectors “Spellbound” por Siouxie and The Banshees “The headmaster´s Ritual” por The Smiths “Born Under Punches “ por Talking Heads

Por María José Ayarza de Chini And The Technicians

NOTICIAS

APOSTADORES DE INGLATERRA APUNTAN A UNA REUNIÓN DE OASIS PARA 2017

La banda británica Oasis estrenó un nuevo documental llamado “Supersonic”, que fue hecho con autorización del grupo y con acceso a mucho

El año pasado Win Butler, el frontman de Arcade Fire, organizó un evento deportivo denominado “POP Vs. Jock” y este año la historia volvió a repetirse. La idea fue reunir fondos para caridad durante un partido de básquetbol en el que músicos enfrentaron a algunos jugadores profesionales. Este año el evento se llevó a cabo en el Centro de Deportes de la Universidad de McGill, en Montreal, Canadá, donde participaron Win y Will Butler de Arcade Fire, Chris Tomson de Vampire Weekend, Nikolai Fraiture de The Strokes y el actor Martin Starr de la serie “Silicon Valley”. Además de los músicos, en el encuentro participaron Matt Bonner, jugador de los San Antonio Spurs de la NBA y su hermano Luke, quien se retiró hace algunos años. 10

material inédito. El lanzamiento se realizó el 2 de octubre en Manchester y el director de la cinta, Matt Whitecross, está “convencido que la banda se reunirá”. Debido a eso jugadores en Inglaterra ya están realizando apuestas sobre la reunión del grupo liderado por los hermanos Gallagher. Sus fundamentos son ese documental y la reedición del disco “Be Here Now”, que en 2017 cumplirá veinte años. Las apuestas que dicen que se juntarán el próximo año están 5 a 4. Mientras que hay otros que afirman que Oasis se reformará antes de fin de año (3 a 1). Pero algunos creen que el reencuentro será en 2018 (3 a 1), 2019 (4 a 1) y en 2020 (5 a 1).

El partido terminó 105 a 97 en favor de Butler y compañía. MIEMBROS DE ARCADE FIRE, THE STROKES Y VAMPIRE WEEKEND JUGARON BÁSQUETBOL POR CARIDAD

LA MADRE DE LOS KINGS OF LEON QUIERE QUE SEAN MÁS COMO TAYLOR SWIFT

El próximo 14 de octubre, vía RCA Records, la banda norteamericana Kings Of Leon lanzará un nuevo disco de estudio llamado “Walls” y que se convertirá en el sucesor de “Mechani-

cal Bull” editado en 2013. En entrevista con la revista Q el bajista del grupo, Jared Followill, afirmó que Betty Ann Murphy, madre de Caleb, Nathan y el mismo Jared, quiere que la banda sea más como Taylor Swift. No estaba hablando a nivel sonoro, sino en cómo manejan su popularidad. “Ella siempre ha opinado mucho sobre nuestra carrera. ‘Tienen que hacer esto y esto otro’. La otra vez dijo que había visto a Taylor Swift firmar autógrafos por cuatro horas y nos reprochó que nosotros nunca hiciéramos ese tipo de cosas. ‘¿Por qué ustedes no salen y firman autógrafos por cuatro horas?’, nos reclamó para luego rematar diciendo que por eso ella es la mujer más famosa del mundo”, contó entre risas Jared Followill.

IGGY POP LANZARÁ “POST POP DEPRESSION” EN VIVO EN EL ROYAL ALBERT HALL En mayo la leyenda del rock estadounidense, Iggy Pop, ofreció un concierto en el mítico Royal Albert Hall de Londres. El show fue parte de la gira para promocionar su último álbum, “Post Pop Depression” (que grabó junto a Josh Homme de Queens of the Stone Age), y se registró para ser lanzado el 28 de octubre a través de Eagle Rock Entertainment. El concierto saldrá en Blu-ray, DVD y un CD doble. Además de las canciones de “Post Pop Depression”, el “Padrino del Punk” tocó temas de “The Idiot” y “Lust for Life”, sus dos discos más célebres. Este show pertenece a la misma gira

que traerá al músico a Chile, quien debutará el próximo 10 de octubre en el Movistar Arena. Los precios de las entradas van de los $ 25.300 a los $ 57.500 a través del sistema Puntoticket. 11

BANDA

QUE DEB

MARIUS LAUBER NACIÓ EN UN PEQUEÑO PUEBLO llamado Viersen, ubicado en el Oeste de Alemania y cercano a Bélgica y Holanda. Era 1990 y años más tarde, después probar suerte con algunas bandas de corte más indie, decidió mudarse a Colonia, una de las ciudades más importantes del país germano. En esa urbe le tomó el gusto a los ritmos más electrónicos debido a sus constantes visitas a clubes nocturnos. Allá conoció a distintos DJs y se animó a dedicarse a lo mismo por un tiempo. Todas esas influencias lo llevaron a comenzar con su proyecto personal que denominó Roosevelt y que si bien tomó algunos elementos de los clubes que visitó, la música no es de corte electrónico, sino más ecléctica. Lanzó un aplaudido EP lla-

ROOSE 12

B E R Í A S E S TA R E S C U C H A N D O

mado “Elliot” y al poco tiempo firmaría con el sello de Joe Goddard de Hot Chip: Greco-Roman Records. El talento del alemán sale a relucir en su disco debut llamado simplemente “Roosevelt”, un trabajo que mezcla electropop, percusiones africanas y funk para un resultado sumamente adictivo. Es un disco que huele a verano y que despliega todo el bagaje musical del germano. Con canciones como “Fever” y “Hold On”, Lauber rompe cierto paradigma de que los músicos alemanes hacían sólo rock o electrónica más dura. El futuro de Lauber se ve brillante igual que esas melodías que dan vida a uno de los mejores álbumes que han salido este año. Canciones clave: “Fever” y “Colours” “Roosevelt” está a la venta vía Greco-Roman Records.

EVELT 13

UNA NUEVA ERA

FÁRMACOS

CON NUEVA FORMACIÓN Y UN SONIDO RENOVADO, Fármacos lanzó en agosto su segundo disco de estudio, “Estado de Gracia”. Como uno de los grupos independientes más destacados de la escena local, la banda liderada por Diego Ridolfi presenta en esta placa una propuesta más tradicional y menos introspectiva, sin dejar de lado su sonido característico. Conversamos con Ridolfi acerca de este trabajo, la nueva era de Fármacos y lo que 16

podría depararles el futuro. ¿Cuál es el espíritu que quisiste inyectar a “Estado de Gracia”? - Lo que venía rondando mi cabeza antes de hacer el disco era comenzar a aprender a hacer más canciones en formato canción, que es algo que siempre me ha gustado mucho, pero me daba pudor ser muy obvio. No sé si me puse en evidencia completa en este disco, pero al menos siento que hay una soltura respecto a las canciones anteriores. Y ya

cuando se estaban agrupando los demos, quería que en lo posible fuera más luminoso, más cálido, pese a que igual en el disco hay momentos profundos. Siempre traté de buscar la luminosidad, hacer un disco que fuera agradable de escuchar. Creo que es un disco en el que por primera vez me siento completamente orgulloso, y que no me da pudor mostrar. No es soberbia, pero es agradable esa seguridad de sentir que lo que estás haciendo es de calidad.

¿Qué cambió en la forma de trabajar produciendo este disco? - Los últimos cuatro meses del disco, de lunes a lunes estuve enfocado en esto, sentado todo el día en mi estudio. Pero en este disco la colectividad jugó un rol súper importante. Es primera vez que había opiniones de personas externas. Desde mi novia, que me guía mucho y siempre es muy valiosa, hasta Francisco Holzmann que fue uno de los ingenieros de sonido y quien

masterizó el disco, y Pablo Muñoz, que es otro productor. Cristian Heyne también tuvo una participación. Produjimos mano a mano una canción (“Belleza”), y después siguió como una especie de guía. Era primera vez que abría el trabajo de Fármacos, que por lo general era muy cerrado. Quería que los filtros no solo fuéramos nosotros. ¿Fue muy difícil adaptarse a la salida de Fran Straube y Rodrigo de la Rivera? - Especialmente la partida de Rodrigo fue dolorosa, porque era mi partner más allá de lo creativo. Lo vi todo negro en un minuto, fue como haber terminado con una polola, y ahora siento que es lo mejor que le podría haber pasado a la banda en términos evolutivos. Ahora llegaron Magdalena a la batería, y Andrés a guitarras y teclados. Los dos son mucho más jóvenes que nosotros, y justo coincidió con la experiencia de montar el disco nuevo en vivo. Y se dio una energía súper refrescante. Me gustaría mucho que Fármacos se convirtiera en algo más colectivo, en el sentido de que venga a trabajar más gente, que se integren otras personas, de alguna forma la forma de trabajo que tiene Gorillaz, que sabes que es Gorillaz, pero que no tiene una estructura definida de banda. Es un proyecto. Creo que eso me entrega una libertad que quizás no encuentras en un formato más tradicional. Se me abrió la cabeza a la idea de trabajar en una colecti-

vidad, de la manera en que fluya. Cada disco de Fármacos me significa una inversión de energía muy importante, y la calma la encontraba en la liberación de escuchar las opiniones de otras personas y de la banda. ¿Cómo fue haber financiado “Estado de Gracia” con un crowdfunding de Fondeadora? - La verdad es que siempre me ha gustado que Fármacos sea autosuficiente, siempre hemos encontrado formas de hacerlo funcionar, haya plata o no. Y este era un disco mucho más pretencioso en cuanto a su producción, así que dijimos “necesitamos plata, y ponerla de nuestros bolsillos puede ser muy desgastante”. Primero postulamos a un Fondart, no salió, y de repente surgió esta posibilidad. La verdad es que yo le tenía mucho, mucho miedo. Soy súper transparente en esto: hay muchas bandas que al final terminan poniendo ellos el dinero para llegar a la meta. Sinceramente nosotros habremos puesto, 30 o 50 mil pesos para aumentar un poco el número, pero de verdad llegamos a la meta gracias a personas que se sumaron a ayudar. Es agradable saber que contamos con la gente, porque para mí eso es hacer canciones. No son para mí, siempre las planteo como canciones para otros. Pero creo que no se puede hacer dos veces, ya matamos ese cartucho (risas). Por Francisca Bastías V. 17

Reenc

El próximo año, una de las bandas más importantes del rock alternativo (sino la m La celebración fue anticipada porque los liderados por Black Francis acaban de la mismas emociones y dinámicas que sus majestuosos y determinantes primeros guitarrista de la banda, sobre la carrera de Pixies, las dinámicas internas, su nuev

contrándose con el pasado

PIXIES

más importante), cumplirá treinta años de carrera. anzar un nuevo disco de estudio que busca las s trabajos. Conversamos con Joey Santiago, va bajista y sus memorias de Chile.

SI DE BANDAS LEGENDARIAS SE TRATA, PIXIES ES UNA GRANDE. Porque desde la simpleza, la honestidad y una actitud absolutamente “humana”, forjó los pilares del rock alternativo y sin quererlo fueron una de las influencias más directas en un movimiento que a principios de los noventa se tomó el mundo: el grunge. Kurt Cobain, el difunto líder de Nirvana, era un fanático empedernido del grupo y parte de sus trucos al mando del trío de Seattle eran guiños directos a Black Francis y compañía. La originalidad de Pixies tuvo a una generación completa cantando crudos himnos de tres minutos que hablaban de extraterrestres, olas de mutilación, monos en el cielo y otras temáticas surrealistas que siempre rayaron en la genialidad. Francis es un intrigante poeta al que debemos en gran parte la estética noventera que hoy tratamos de replicar desde la nostalgia. Fueron siete gloriosos años entre mediados de los ochenta y comienzos de los noventa donde la banda se transformó en un referente obligado al hablar de rock. Mucho antes que apareciera Cobain, Pearl Jam y la camada de Seattle, Pixies ya estaba golpeando con esos riffs cortos y poderosos de la dupla Francis – Santiago. Su primer álbum “Surfer Rosa”, fue lanzado en 1988 y después de el vendrían en años consecutivos “Doolittle” (1989), “Bossanova” (1990) y “Trompe Le Monde” (1991). Desde siempre fueron un grupo intenso y que 19

parecían aprovechar cada minuto que estaban vivos. Al igual que su súbita explosión, el fin de la banda llegó de la misma manera: rápida y sin anestesia. Francis afirmó en una entrevista con la BBC en 1993, que el grupo estaba terminado y no ofreció más explicaciones. Al rato telefonearía a Santiago para contarle lo mismo y días después, vía fax, les notificaría a Kim Deal (bajista) y David Lovering (baterista), la casi dictatorial decisión. Cada uno siguió por su lado y eventualmente a Francis le volvió a picar el bicho de sus antiguas canciones. Luego de algunos llamados, la banda anunciaría su reunión en 2003. Diez años después de su rompimiento. Giras fueron anunciadas e incluso el grupo realizó, en 2009, shows conmemorativos por el vigésimo aniversario de su disco “Doolittle”. Así llegarían al fatídico 2013, cuando

la banda empezaría a desmoronarse. Meses antes habían grabado un par de temas nuevos que dividieron en tres EPs y que hacía pensar que el grupo tenía cuerda para rato, pero no era así y las tensiones entre Francis y Deal escalaron hasta que esta última dejó la agrupación en junio de 2013. Si bien la salida fue amigable, Deal no ha dado vuelta atrás a su decisión y no

parece que lo hará en el futuro. La solución de emergencia se llamó Kim Shattuck, quién cinco meses después sería despedida y reemplazada por Paz Lenchantin. Con ella en el bajo, Pixies retornaría a Chile para tocar en el Lollapalooza luego de su histórico show de 2010 (Teatro La Cúpula) donde interpretaron 33 canciones, una por cada minero rescatado en el norte del país. Lenchantin se ha adaptado bien a la banda y al parecer volvió a despertar el bicho creativo en Pixies. “Somos como hermanos, nos conocemos muy bien y Paz se ha acoplado de manera excelente. Algunos días son felices, otros tristes, pero siempre lo hacemos funcionar. Sabemos cómo relacionarnos entre nosotros, y al final del día somos como una familia. Cuando salimos de gira muchas veces hacemos nuestras vidas por separado, y luego llegamos

contando al hotel nuestras experiencias, lo que hemos conocido y las comidas que hemos probado. Es muy familiar”, dice Santiago sobre la dinámica que tiene la banda ahora con la argentina en sus filas. ¿Cómo ha sido la incorporación de Paz a esta nueva etapa de la banda? - Trabajar con Paz ha sido muy, pero muy refrescante. Es un elemento que agrega tranquilidad, siempre muy positiva, trabaja muy duro en las canciones. Trajo una liviandad en estos tres años con ella. Pensamos que sería un gran desafío encontrar a alguien que se acoplara bien a nuestra dinámica y se llevase bien con toda la banda. Es divertida, y encajó de inmediato. ¿Era importante para ustedes incorporar a otra mujer en reemplazo de Kim? - No podríamos imaginarnos la banda compuesta sólo por hombres. Necesitamos una

voz femenina para los temas, estamos acostumbrados a una ser una banda con un componente femenino. El haber perdido a Deal fue un golpe duro, porque una parte importante de la identidad del grupo se definía con la suave voz de Deal, su sencilla pero precisa ejecución en el bajo y su adorable prestancia en el escenario. Con su femineidad poco convencional, pero que lograba incluso opacar el carisma de Francis sobre el escenario, algo que ciertamente provocó roces y choques de ego en su momento. Llenar los zapatos de Deal no era cosa fácil, y finalmente este año con Lenchantin, pudieron cerrar ese capítulo. EL NUEVO/VIEJO SONIDO Cuando una banda ha definido de tal manera a una generación con su sonido, le puede resultar difícil abandonar el molde o las costumbres sónicas que tenían adquiridas. En

2014 lanzaron el disco recopilatorio “Indie Cindy” –que juntó las canciones de los tres EPs que habían publicado entre 2013 y ese mismo año–, el que se transformaría en su primer LP después de veintitrés años. Pero ese álbum nunca fue concebido como una obra propiamente tal, sino que era eso, un disco recopilatorio. Ni sus fanáticos ni la crítica se mostraron muy convencidos del regreso discográfico de la banda. La partida de Deal se dio precisamente en las sesiones de grabación de esas canciones y como han comentado en varias entrevistas, lo que buscaban con esos EPs era explorar y hacer las cosas distintas como las habían hecho antes. Un nuevo enfoque que claramente no dio mucho resultado. Por eso las expectativas eran altas con este nuevo registro llamado “Head Carrier”, que ya está disponible vía PIAS Recordings. El afianzamiento de Len-

chantin como miembro permanente y la disposición del grupo ha “encerrarse” por ocho semanas para grabar el nuevo álbum, sacaron lo mejor del conjunto formado en Boston. Con “Head Carrier”, vuelven al ruedo con una nueva energía. Además es la primera vez que Lenchantin escribe material con ellos. Los años no han pasado en vano y claramente el sonido de esta placa no es el mismo que mostraron en “Doolittle” o en “Surfer Rosa”, pero el espíritu del Pixies de esa época ronda en todas estas nuevas canciones. Es de alguna forma un regreso a casa. “Estoy súper emocionado con este nuevo disco. Ojalá que pueda impactar a la gente en un buen sentido. Yo lo siento como una batalla interna, donde teníamos dos caras y sólo una de ellas salió vencedora. Este se siente como un disco de Pixies en un 100%”, afirma Santiago. Con Lenchantin como miembro permanente, la banda ha tomado un camino más definido y da pasos firmes en una nueva etapa que los tiene más vigentes que nunca. El pasado está presente y el grupo está haciendo las paces con los años que han quedado atrás. Esa suerte de enmendación se refleja en una de las canciones más emotivas del nuevo álbum, “All I Think About Now”, que cuenta con la voz de la argentina y las letras de Francis hablando de reconocimientos tardíos y disculpas igualmente atrasadas. Para Santiago, esta nueva etapa es un reflejo claro de la madurez de una banda que tiene muy claro cómo 22

tiene que sonar. “Estamos tratando de ir al futuro, pero abrazando el pasado”, dice. “Definitivamente suena como un disco de Pixies. Cuando se trata de la maquinaria de la banda, cualquier canción suena como nosotros aunque estemos tocando un cover”, explica sobre cómo suena este “Head Carrier”, el sexto disco del grupo. Como guitarrista siempre tu sonido ha sido muy característico, y sin duda se ha convertido en una gran influencia para miles de jóvenes. ¿Cómo lograste ese sello y cómo lo definirías?

-Nace de aceptar y aprovechar mis limitaciones como guitarrista. Cuando comenzamos había muchas bandas de metal que tocaban lo más rápido y difícil posible. Yo lo veía como algo imposible y decidí buscar un sonido con las menos notas posibles. Un máximo de cinco. Si son más de cinco notas, en realidad no estás pensando lo suficiente musicalmente hablando. Me gusta el hecho de haber aprendido solo y confío en mi trabajo, y mi teoría sigue siendo la misma. Es una especie de lenguaje que manejamos como banda cuando trabaja-

mos en el estudio. De hecho, he escuchado de bandas que han dicho que tocan buscando un “sonido Santiago”. ¡Soy un estilo! (risas). TRUMP, CHILE Y REHABILITACIÓN Con las elecciones presidenciales en Estados Unidos a la vuelta de la esquina, muchos músicos han tomado parte de la que se dice es “la votación más importante en la historia de EE.UU”. “Realmente no hablamos de eso de manera pública. Sí puedo decir que hay un idiota que no sabemos cómo llegó tan lejos con una

campaña basada en el odio. Eso no está nada bien”, comenta Santiago en una velada declaración de principios anti-Donald Trump. Aparte de Kid Rock, es bastante difícil encontrar músicos que estén de parte del polémico magnate estadounidense. El grupo ha comentado previamente sus gratas memorias que mantienen de nuestro país y por ende, el regreso de Pixies a suelo nacional es una pregunta obligada antes del final de la entrevista. “Definitivamente tenemos en mente volver a Chile y Latinoamérica

pronto. Tenemos muy buenos recuerdos de Chile, en especial de una ocasión en la que tocamos 33 canciones para conmemorar el rescate de los mineros (2010). La gente no lo podía creer. Fue fascinante”, asegura el guitarrista. Pocos días después de esta entrevista, Santiago se internó en un centro de rehabilitación para tratar en sus problemas con las drogas y el alcohol. La banda emitió un comunicado expresando todo su apoyo al guitarrista y asegurando que sus planes de salir de gira no serían modificados, aunque el itinerario podría sufrir algunos cambios. “Esto es lo mejor que podría haber hecho Joey y estamos muy orgullosos de que haya dado este paso. Pretendemos cumplir totalmente con nuestra gira por Reino Unido y Europa en noviembre y diciembre, sin embargo, el tiempo de rehabilitación de Joey afectará algunas de las actividades para promocionar este nuevo álbum”, cierra la declaración. Con un sólido nuevo álbum bajo el brazo y con una mejorada salud de Santiago, Pixies parece haber encontrado nuevamente el camino correcto. Esperamos que este retorno a sus raíces sea el impulso definitivo para escuchar lo mejor de ellos y que ojalá dure por mucho tiempo, pero si todo termina en los próximos meses, este “Head Carrier” es un bonito testimonio de cierre. Sólo el tiempo lo dirá. Por Francisca Bastías y Hernán Carrasco 23

JACK LAWRENCE-BROWN, BATERISTA DE WHITE LIES

“Probamos muchos estilos distintos en este álbum y es un verdadero mix” 24

CORRÍA ABRIL DE 2008 CUANDO “UNFINISHED BUSINESS” se escuchó por primera vez. Era el debut de White Lies, el trío oriundo de Ealing, Londres, que casi un año más tarde lanzaría al mercado “To Lose My Life…”, su primer disco de estudio. El post punk revival de los británicos irrumpió en la escena como una bocanada de aire fresco y canciones como “Death”, “Farewell to the Fairground” y “To Lose My Life…” estuvieron en los recuentos de lo mejor de ese año. El reconocimiento al trabajo de la banda, que apenas se había formado dos años antes, fue tal que recibieron nominaciones a los MTV Europe Music Awards y a los BRITs Critics’ Choice Award, además de ser aplaudidos por la BBC y revistas especializadas como NME, Q y MOJO. Dos años más tarde el grupo compuesto por Harry McVeigh (voz y guitarra), Charles Cave (bajo) y Jack Lawrence-Brown (batería) lanzó “Ritual” y “Big TV” en 2013. Pero estos ingleses son inquietos y en pocos días más estrenarán su cuarto disco de estudio titulado “Friends”. De eso y más conversamos con el hombre encargado de la percusión en White Lies, Jack Lawrence-Brown. Ustedes están a punto de cumplir 10 años como banda. ¿Cómo se sienten? - En realidad es increíble y no

sé si lo esperábamos cuando partimos, pero creo que hemos hecho mucho más de lo creíamos. Es asombroso y nos sentimos afortunados por eso y por tener la suerte de salir a tocar nuestras canciones a otros lugares del mundo. Estamos felices de haber llegado tan lejos y que tanta gente esté interesada en lo que hacemos. ¿Y te acuerdas cuáles eran sus objetivos cuando partieron? - Sólo recuerdo que lo único en lo que estábamos interesados cuando empezamos era grabar un álbum. Cuando niños soñábamos con tocar en lugares como Brixton Academy, pero nunca esperamos que pasara lo que pasó, que fue presentar nuestro primer disco en ese lugar un par de veces. Eso fue un momento muy especial para nosotros.

Recuerdo haberlos visto en Santiago cuando estuvieron de gira por su álbum debut. Era un domingo por la noche. ¿Qué recuerdas de aquella visita a Sudamérica? - Eso estuvo increíble, en términos de lo que siente una banda cuando está de gira. Sudamérica es en muchos sentidos el último lugar del mundo al que se puede llegar y es tan complejo ir allá porque implica un gasto demasiado alto. Pero pese a ello, el público es famoso por ser el más increíble con el que te puedes encontrar en el mundo y estoy muy seguro de que eso es verdad porque lo comprobamos durante la visita que hicimos. Realmente nos voló la cabeza y fue muy interesante para nosotros, que éramos un grupo de chicos que viajó y creció tan lejos. Y de Santiago puntualmente recuerdo que nos gustó mucho y que pedimos quedarnos un día extra para recorrerlo mejor y la verdad es que lo pasamos muy bien. Ahora, me gustaría traerte de regreso a 2016. ¿Cómo fue el proceso de composición para su nuevo álbum? - Este disco tomó bastante tiempo en hacerlo y grabarlo. Cuando terminamos la gira de nuestro trabajo anterior, “Big TV”, nos tomamos seis u ocho meses para descansar. Y luego decidimos que nos pondríamos a escribir el álbum sin tener un sello, cuestión 25

que encontramos sería una buena oportunidad para hacer nueva música sin presión, que es lo que no pasa la mayoría del tiempo cuando tienes una casa discográfica. Así que para nosotros fue un proceso liberador, porque lo escribimos todo en unos ocho meses y si una canción no funcionaba con Harry y Charles buscábamos un nuevo sonido. Todo fue muy entretenido porque nunca habíamos estado en una situación así, donde tuviéramos el control total de lo que estábamos haciendo. Cuando terminamos estábamos felices de tener unas 15 canciones y ahí decidimos no trabajar con sellos discográficos porque esto lo 26

hicimos sin productor, o sea, lo producimos nosotros. Así que todo el proceso fue conducido por nosotros tres, que es lo que más disfrutamos. ¿Y cuáles son las principales diferencias entre “Big TV” y este nuevo álbum? - Creo que este disco es una especie de progresión natural de “Big TV”. Si escuchas el primer álbum y éste hay una diferencia enorme, pero si escuchas “Big TV” y “Friends” las diferencias no son tantas o no tan grandes. Muchas de las ideas con las que trabajamos en nuestro disco anterior, como beats de las canciones por ejemplo, están presentes aquí. Pero las mayores diferencias diría que son que nosotros

lo producimos y que tuvimos control completa sobre nuestra obra. De todas maneras tengo que decir que si hay una canción que va en un sentido contrario a lo que habíamos hecho esa es la quinta de este disco: “Is My Love Enough?”. Ella no tiene nada que ver con lo que habíamos escrito antes, pero probamos muchos estilos distintos en este álbum y hay algunas canciones muy poperas, otras como Tom Petty, algunas punkies y otras un tanto melódicas. Es un verdadero mix y muy diversas en términos de estilo. ¿Eso lo planearon o sólo pasó cuando pusieron manos a la

obra en el nuevo disco? - Antes cuando escribíamos, tratábamos de imaginar como la gente creía que iban a sonar nuestras canciones y las íbamos cambiando. Pero ahora cuando Harry y Charles escriben una canción y no suena como White Lies, sólo la terminan, siguen trabajando en ella y dicen ‘está bien, este tema no suena como nada que hubieramos hecho antes, pero por qué no terminarla’. Y creo que canciones como “Hold Back Your Love” y “Is My Love Enough?”, son muy diferentes a todo lo que habíamos hecho antes. Pero no planeamos que las cosas fueran así, no fue algo predeterminado, sólo disfrutamos del proceso e hici-

mos lo que quisimos. Y se siente así, como un disco muy liberador… - Sí, creo que esa una buena palabra para describirlo. ¿Cuál es tu canción favorita del nuevo disco? - Eso va dependiendo del momento, pero siento que por ahora es “Swing”, que no es una canción que se aleje mucho del sonido más característico de White Lies, pero es lenta, tiene una gran melodía y una progresión interesante, que hace que sea mi favorita y creo que es la mejor canción que hemos hecho. ¿Tienen algún plan de regresar a Sudamérica en un futuro no muy lejano?

- No tenemos planeado nada por el momento, porque no sabemos qué interés despertará este nuevo álbum, más allá de la buena recepción que ha tenido en Internet. Pero independiente de eso queremos volver con este disco porque lo que sentimos cuando estuvimos allá fue una especie de shock y hemos estado mucho tiempo interesados en entender qué pasó, así que estaríamos muy decepcionados si no pudiéramos regresar. Y especialmente a Santiago, que es uno de los lugares a los que queremos volver. Por H.Carrasco y F. Duarte 27

FRIGHTENED RABBIT Sangre, confusión y redención

El conjunto escocés esquivó una bala de separación y esos momentos los reflejaron en el excepcional “Painting Of a Panic Attack”, su nuevo disco de estudio que cuenta con la producción de Aaron Dessner de The National. Acá Scott Hutchison, su líder, nos cuenta en exclusiva sobre la trayectoria de la banda, lo que vivieron antes de lanzar ese LP y mucho más. 28

“ESCOCIA ES UN LUGAR FANTÁSTICO PARA EMPEZAR UNA BANDA. Hay una floreciente comunidad de música y artes allá, especialmente en Glasgow, y todos los que pertenecen a esa esfera se apoyan mutuamente. Hay muchos recintos pequeños con buena infraestructura alrededor de la ciudad, entonces es un lugar perfecto para dominar tu arte tocando en vivo y viendo a otras bandas. Tengo recuerdos muy bonitos del tiempo cuando empezamos con Frigthened Rabbit. Hicimos grandes amigos en ese periodo y fue increíble ver bandas como The Twilight Sad, We Were Promised Jetpacks y Errors ir creciendo y creciendo”, nos cuenta Scott Hutchison sobre su tierra natal, aquella donde comenzó

con un proyecto que tenía todas las luces de ser algo más personal, pero con el paso del tiempo se transformó en algo muy colaborativo. Formado en 2003 por Hutchison como un proyecto propio y donde usaba el apodo de Frightened Rabbit –nombre que le dio su madre por su timidez infantil– creció cuando incorporó a su hermano Grant y luego al guitarrista, Billy Kennedy. A pesar de tener más gente en la banda, Hutchison seguía escribiendo las canciones enteramente por su cuenta, sólo en los últimos años ha podido entregar parte de ese control al resto de los integrantes. En sus comienzos, luego de tocar en vivo, el grupo entregaba un email para aquellos que quisieran recibir demos. No muchos escribieron, pero luego de un cambio de estrategia, que incluyó mandar pequeños pastelitos junto con el demo, la popularidad de la banda empezó a crecer. El gesto hizo que el nombre de Frightened Rabbit ya fuera algo usual de escuchar en el circuito de Glasgow. “Me siento increíblemente afortunado de que todavía estemos haciendo música juntos y tocando nuestras canciones para audiencias tan entusiastas. Hemos pasado los últimos diez años trabajando duro para construir esta banda en lo que

es y por esa razón, nunca la daré por seguro. El hecho de que podamos ganarnos la vida haciendo lo que amamos es algo de lo que estamos muy orgullosos. Nunca pensé que haríamos cinco álbumes de Frightened Rabbit… Es realmente un privilegio llamar a esto mi trabajo”, reflexiona con emoción Hutchison cuando recuerda los comienzos de la banda. ................... h ................... Parte de esa emocionalidad viene por algunos sucesos que ocurrieron en el último tiempo, unos mientras se estaba creando el excepcional “Painting Of a Panic Attack”, el quinto disco de los escoceses y candidato a álbum del año para esta redacción. “Resulta que soy un completo imbécil. Es importante que todos lo sepan. No soy una buena persona. No compren mis discos”. “Adiós Frightened Rabbit. De lo que se ha tratado esta banda es de mi aburriendo a la gente con mentiras y ser creativo a costa del sufrimiento de otras personas”, fueron algunos de los inesperados tweets que Hutchison escribió una madrugada de domingo, cuando su depresión y algunos problemas personales gatillaron la reacción visceral del músico. El día después se arrepentiría y achacaría esas revelaciones a “el resultado de mezclar alcohol con depresión y redes sociales” y confirmó que la banda no se estaba separando y que las cosas que había dicho esa fatídica madrugada no las sentía “de corazón”. Luego de ese acontecimiento, 30

el escocés recibió tratamiento y tuvo que cancelar algunas apariciones en festivales europeos y también una entrevista que tenía con Revista Playlist y que nos privó de tenerlos en la portada de nuestra edición de agosto. La salud siempre está primero y eso fue lo que entendió finalmente Hutchison. Los otros problemas fueron de relaciones interpersonales entre los miembros de la banda y que casi terminaron con Frightened Rabbit. “Cuando terminamos el tour de ‘Pedestrian Verse’ había una gran interrogante sobre si íbamos a seguir o si grabaríamos otro disco”, recordó el tecladista Andy Monaghan en una entrevista reciente. “Era como una sensación no hablada que estaba en el ambiente. Creo que todos

sentíamos internamente que lo mejor que podíamos hacer era separarnos por un tiempo”, explica Hutchison. ................... h ................... A esos conflictos internos se le sumó el cambio de hogar del vocalista que se trasladó de Escocia hasta Los Angeles para vivir con su novia. Sin duda, en ese momento, el futuro se veía incierto para los escoceses. Con comunicaciones algo cortadas entre ellos, los cimientos de “Painting Of a Panic Attack” fueron bastante endebles. Hutchison escribió algunas canciones en L.A, pero lo que estaba redactando no lo satisfacía por completo. Algo faltaba. El frío o la niebla del Reino Unido lo llamaba de vuelta. El ambiente soleado

en California no era para él. “Siempre es un reto (hacer un álbum) y esa es la manera en que debería ser. Nunca sabemos que esperar cuando comenzamos el proceso de composición y ese viaje de encontrar nuevos sonidos e ideas es lo que nos mantiene vivos. Me costó al principio en Los Angeles, pero amo pasar horas en el estudio tratando de entender el puzle que me presenta una nueva canción. Si fuera algo fácil, no sería nada de divertido”, explica. EL FACTOR DESSNER Hutchison no volvió a Escocia, pero sí se mudó de Los Angeles a Hudson (New York) y allí se sintió como en casa. En medio de ese caos espiritual, se encontró con Aaron Dess-

ner, guitarrista de The National, quien sería el encargado de producir “Painting Of a Panic Attack”. El músico voló junto a Hutchison para conocer el resto de la banda y ver si podían congeniar. La química fue instantánea y el grupo viajó de vuelta a Estados Unidos para grabar en diferentes locaciones que incluyeron, la propia casa-estudio de Dessner y los estudios Dreamland en Woodstock, Nueva York. “Había pasado unos días con Aaron trabajando en unos demos para el nuevo álbum. Al final de esos días era claro que estaba totalmente involucrado en el nuevo material, así que (contratarlo) como productor fue una decisión muy fácil para nosotros. Trabajar de manera cercana con uno de mis héroes musicales fue una experiencia increíble. Todos somos grandes fanáticos de The National y él trajo algo de ese sonido al álbum, aunque no mucho. Aaron tiene la mente musical más analítica con la que me he encontrado en mi vida. Siempre está pensando en cómo algo puede ser mejorado o cambiado y siempre parecía estar tres pasos delante de nosotros. Él es realmente un músico muy talentoso y terminó casi todas las canciones del disco. Mucho tenía que ver con el elemento de confianza que teníamos con él. Sabíamos que no lo arruinaría, incluso cuando había días difíciles en el estudio”, recuerda Hutchison. ¿Qué buscaban esta vez en términos de sonoridad? - Creo que queríamos ampliar nuestra paleta sónica y

dejar de apoyarnos tanto en las guitarras. Buscábamos también algunas maneras de cambiar la forma en que estábamos trabajando. Grant, nuestro baterista, se compró una maquina de batería. Billy (bajista) y yo empezamos a usar softwares musicales y Andy se sumergió aún más en su banco de extrañas nuevas texturas de sintetizadores. Queríamos retener algo del sonido característico de Frightened Rabbit, pero presentarlo en una nueva luz. ¿Cuáles crees tú que son las principales diferencias entre este nuevo álbum y “Pedestrian Verse”? - Creo que con “Pedestrian Verse” llegamos a la conclusión de algo. Después de ese disco queríamos terminar con el calificativo de ser una “banda de guitarras” que nos forjamos desde el comienzo de Frightened Rabbit. Con el nuevo álbum nos acercamos más a un sonido más electrónico y escribí muchas más canciones en mi computador que con la guitarra. Creo que el proceso tuvo más que ver con salirse de nuestra zona de confort para que todo volviera a sentirse fresco y emocionante sin perder de vista quienes somos como banda. Creo que es un disco más contenido que los anteriores, aunque el tiempo de cada canción refleja un cierto grado de mayor confianza en nuestras armas. No busca la atención del oyente de la manera en que lo hacía “Pedestrian Verse”. ................... h ................... No se equivoca Hutchison 31

porque el nuevo disco de los escoceses es sin duda, un paso adelante en su evolución sonora. Las bases programadas, los sintetizadores y los teclados le dan un nuevo aire a la música del grupo sin perder un ápice de lo que los hacen tan atrayentes como banda. No es un disco electrónico o de R&B precisamente, sino que un esfuerzo más balanceado de un grupo que evitó repetirse en el éxito y salió con algo totalmente nuevo y que se siente como una redención luego de los problemáticos acontecimientos que narramos antes en el texto. SANGRE BAJO EL PUENTE El grupo ha vuelto a los escenarios luego del “impasse” de Hutchison y ya tienen algunos shows en Estados Unidos antes de volver a Europa para tocar en diferentes países, entre ellos, su natal Escocia donde en diciembre tienen 32

tres shows consecutivos en el escenario principal de ese país: Barrowland. De esos tres conciertos, dos ya están totalmente vendidos. La popularidad del grupo en Escocia creció de manera considerable años después de mandar demos con pastelitos. “Lo volvería hacer. Fue un bonito gesto”, dice riendo Hutchison recordando esos primeros años de Frigthened Rabbit. ................... h ................... La banda es conocida por sus intensos shows y con un nuevo álbum bajo el brazo y canciones más dinámicas, la experiencia de ver a los escoceses ha cambiado bastante con el paso del tiempo. “Intenso es bueno. Siempre es difícil el proceso de elegir qué canciones tocaremos cada noche. Hay un montón de nuestras canciones que realmente disfruto y que no son parte del setlist, pero

últimamente siento que debemos tocar más para la audiencia que para nosotros mismos. Un concierto más ‘egoísta’ no es divertido para la gente. Nos gusta tocar un poco de todos los discos en un esfuerzo de que todos se vayan a casa con una sonrisa”, reflexiona Hutchison antes de terminar esta entrevista. ¿Cuándo será el turno de Chile y el resto de Sudamérica de ver a Frightened Rabbit en vivo? - ¡Nos encantaría ir a Chile! Nunca hemos ido a Sudamérica, ni siquiera por vacaciones. Sería un gran honor para nosotros poder tocar en tu país y el resto del continente. ¡Espero que sea pronto! Gracias por ayudarnos a estar un paso más cerca de lograrlo.

Por Hernán Carrasco C.

#RETROFOTO

Bob Dylan tocando una guitarra eléctrica Fender Stratocaster mientras grababa su álbum de 1965, “Bringing It All Back Home” en el Studio A de Columbia, Nueva York. Enero 13, 1965. Foto: Michael Ochs

LA FOTO DEL MES “La foto del día”, es un espacio de difusión para fotógrafos amateurs y profesionales. Una imagen diaria, que muestra el trabajo y la forma de mirar de distintas personas, con diversos estilos y motivaciones. Si quieres mostrar tus fotos escríbenos a fotodeldia@ molecula.cl. Pedimos entre 6 y 8 fotos por autor. Estas deben ser horizontales y estar dimensionadas en 800 x 600 a 72 dpi. Cada imagen debe tener título y reseña. También necesitamos una breve biografía del autor. ¡Esperamos tu material! 34

“Despierto”

Por David Romero

Registro de tormenta eléctrica en el puerto. Madrugada en Valparaíso, Quinta región, Chile. David Romero Merino es fotógrafo publicitario freelance. Titulado del Instituto Profesional Arcos, se especializó en fotografía de figura humana, retrato, moda, productos y naturaleza. También en revelado, edición y post producción. Web: www.puntodevistayencuadre.cl Instagram: @vistayencuadre

BALANCEANDO LA FIESTA

LOLLAPALOOZA CHILE 2017

El lineup más esperado del año por fin llegó y luego de un par de días, nos sentamos a analizar con más detalle el cartel de artistas que darán vida a una nueva versión del festival más importante del país. Estas fueron nuestras conclusiones. SE TERMINARON LOS RUMORES Y LOS CARTELES FALSOS que proliferaron en internet. Se reveló el lineup del Lollapalooza Chile 2017 y que tal como habíamos adelantado, The Strokes, Metallica, The Weeknd y The XX serán los headliners de esta séptima edición del festival importado de Estados Unidos. Mientras que en la línea media encontramos nombres de peso como Duran Duran, Rancid, Two Door Cinema Club y MØ, el resto de los artistas promete mucha diversidad. De todo habrá en la nueva versión del Lollapalooza Chile: rock, punk, indie, electrónica, pop, folk, cumbia y los más diferentes estilos musicales posibles. Con toda esa gama de números disponibles, nos sentamos a analizar en detalle el anuncio del lineup. LO MEJOR Cada vez que se les preguntaba a los fanáticos del festival qué banda les gustaría ver en los escenarios del Parque O’Higgins, un nombre siempre asomaba con más fuerza: The Strokes. Luego de seis años,

el deseo por fin será cumplido en 2017 cuando Julian Casablancas y compañía regresen a suelo nacional doce años después de su mítico debut en el Estadio Víctor Jara. ¿Con qué pretexto llegarán los estadounidenses? Esperemos que con un nuevo disco de estudio bajo el brazo, si no tendremos que conformarnos con las tres nuevas canciones de su último EP, “Future Present Past”. En todo caso, el grupo tiene temas de sobra para plantarse y transformar el escenario principal del Lollapalooza en una verdadera fiesta. Otro de los grupos de peso que pasará por el evento es Metallica. El cuarteto californiano estuvo en los primeros años del festival itinerante organizado por Perry Farrell y en Chile son mega estrellas capaces de llenar un estadio. Ese poder de convocatoria es algo que el festival echó de menos en sus dos últimas ediciones. Los liderados por James Hetfield llegarán además con un nuevo álbum (el décimo de sus carreras) llamado “Hardwired… to Self-Destruct”,

y que por las dos canciones que hemos escuchado hasta ahora, promete bastante. Para qué hablar del arsenal de éxitos que acumulan en sus más de 35 años de carrera. Tendrán una convocatoria gigante, tal como la que gozaron Pearl Jam y Foo Figheres en ediciones anteriores. Una de las bandas que viene pisando fuerte en los últimos años es Two Door Cinema Club, trío que ya estuvo en la versión 2013 del certamen y que volverá el próximo año con un nuevo registro llamado “Gameshow”. El grupo ha ido desarrollando su sonido, y a esas vibras desenfrenadas y juveniles de sus comienzos, le han ido agregando más matices, pero sus composiciones siguen siendo “más fiesteras” que cerebrales. Algo que calza perfecto con el público que asiste al Parque O’Higgins. Fueron uno de los últimos grupos que se sumaron al cartel y uno de los más significativos. Duran Duran es una de las bandas más importantes de los 80’s y tal vez una de las menos valoradas. Con una ca37

rrera que está por llegar a los 40 años y con catorce discos de estudio, los liderados por Simon Le Bon tienen un catálogo de éxitos casi imposible de no conocer. Su presencia le da al cartel, la cuota de diversidad tan necesaria a este tipo de eventos. LOS QUE SERÁN SORPRESA Siempre en los anuncios de lineup de un festival habrá artistas que para el ojo del espectador común, no dirán mucho. En 2013 Alabama Shakes era un nombre más dentro de un cartel que tenía actos como Pearl Jam, The Black Keys, Queens Of The Stone Age, Franz Ferdinand y Keane. Luego de su emotiva actuación en uno de los escenarios más pequeños del festival, el grupo liderado por Brittany Howard fue una de las grandes “revelaciones” para la masa. Este año regresaron para tocar en uno de los escenarios principales a mitad de la tarde. Hay y habrá muchas historias de ese tipo en los años que dure el festival. Uno de los nombres que probablemente replete su escenario es G-Eazy. El rapero estadounidense bautizado como Gerald Earl Gillum, es uno de esos números capaces de atraer a una larga cantidad de espectadores. En el último 38

Lollapalooza Chicago, tocó en uno de los escenarios principales ante un lleno casi total. El californiano ha tomado la posta de raperos blancos como Eminem y Macklemore y sus últimos dos discos han sido muy bien recibidos por la crítica. Muchos apuestan que se dará un fenómeno similar a lo que paso con Twenty One Pilots en la edición de este año del festival. Algo parecido se podría dar con The 1975 y su efervescente nueva popularidad. Se formaron hace cuatro años, pero luego de dos álbumes de estudio, el último lanzado este año, han ido ganando adeptos por todo el mundo y Chile no es la excepción. Antes del anuncio del lineup tenían agendado un show que vendieron completamente y que los hizo moverse a un recinto más grande. Su confirmación en Lollapalooza Chile hará probar cuál es el alcance de una banda que ha conseguido un sonido bastante original dentro de la camada de nuevas bandas salidas del Reino Unido. Otro de los actos festivaleros que podrían despertar más efervescencia es MØ. La noruega comenzó su carrera en 2012 y con un sólo álbum de estudio bajo el brazo ha conseguido una enorme populari-

dad mundial. ¿La razón? Sus colaboraciones con artistas como Iggy Azalea y el dúo electrónico, Major Lazer. Con estos últimos participó en la canción “Lean On”, un éxito veraniego que rompió muchos records en Norteamérica y el mundo. Glass Animals es otro de los grupos que puede transformarse en una de las revelaciones del #LollaCL. Tal vez no a nivel de público que congregarán, sino en términos artísticos y por la calidad de sus shows. Con sólo dos discos de estudio hasta el momento, han tocado en los festivales más importantes del mundo y se les ha comparado con bandas como Alt-J, Dirty Projectors e incluso a Foals. Su nuevo disco salió hace sólo unos meses y confirmó que estos ingleses están para grandes cosas. LOS QUE FALTARON Como hemos dicho en otras ocasiones, este ítem es totalmente subjetivo y depende mucho de quién lo escriba, pero hay algunos nombres que están de gira y que perfectamente podrían haber pasado por estos lados. Uno de esos grupos es The Last Shadow Puppets, el binomio compuesto por Alex Turner de Arctic Monkeys y Miles Kane. Con un sólido nue-

vo disco llamado “Everything You’ve Come To Expect”, sin duda hubieran sido una de esas bandas que tendrían que haber estado en lo más arriba del cartel. El show que monta el dúo es uno de los más eléctricos de la actualidad y la base de fanáticos que tienen por estos lados habría asegurado una presentación memorable. Bloc Party es otro de esos grupos que siempre pide la gente cuando hay una nueva versión de Lollapalooza Chile. El conjunto liderado por Kele Okereke está girando con “HYMNS”, su regular último álbum de estudio y con dos miembros nuevos. Sus presentaciones se han redirigido un poco más a la electrónica y al pop, dejando de lado esas guitarras de las que nos enamoramos en “Silent Alarm”. Habrá que seguir esperándolos. Una banda festivalera que asegura un buen show, más aún si es en los últimos turnos, es M83. El grupo creado por Anthony Gonzalez está de gira con su nuevo disco llamado “Junk” (irregular trabajo) y su visita a Sudamérica está largamente “adeudada”. Nos hubiera gustado mucho escuchar una canción como “Midnight City” en el festival, pero vamos a tener que seguir esperando. 39

“LA POLÍTICA YA NO ES SOLAMENTE UN TEATRO, es un espectáculo, así que montemos el mejor show en el pueblo”. La frase dicha por Frank Underwood en la cuarta temporada de “House of Cards”, parece cobrar vida por estos días en que la elección del próximo presidente de Estados Unidos está más cerca que nunca. El 8 de noviembre millones de norteamericanos deberán decidir si será Hillary Clinton o Donald Trump, quien reemplazará a Barack Obama en la Casa Blanca los siguientes cuatro años. Los electores, eso sí, tuvieron un approach el 26 de septiembre pasado cuando en la Universidad Hofstra, en Nueva York, se llevó a cabo el primer debate entre ambos. Un evento en el que según los especialistas se impuso la demócrata. Y aunque todavía restan dos enfrentamientos más para que la población se informe y decida, ya hay varias figuras del mundo del espectáculo —incluidos los de la música—, que eligieron y que llevan meses respaldando públicamente a sus candidatos. Como los actores Jon Voight, padre de Angelina Jolie; Stephen Baldwin, el menor de los cuatro hermanos de esa familia que se dedica al cine y Lou Ferrigno, quien en la década de 1970 interpretó a Hulk 40

LOS ARTISTAS DETRÁS DE LOS CANDIDATO

CLINTON V

El 8 de noviembre millones de norteamericanos deberán d resta algo de tiempo, varios actores y músicos ya han revel postulantes a la Casa Blanca. en la serie de televisión. Todos ellos apoyan a Donald Trump, quien pese a ser racista, misógino y lejos el personaje más detestado del último tiempo en las redes sociales, cuenta con un conspicuo grupo de seguidores. En el listado también aparecen dos personajes relacionados con el entretenimiento deportivo. Uno de ellos es el ex campeón de peso completo de boxeo, Mike Tyson y el otro Hulk Hogan, una de las mayores legendas en la historia de la lucha libre en Norteamérica.

Sin embargo, a la hora de hablar de músicos la lista no es muy larga. Y es que entre quienes lo respaldan están la cantante country Loretta Lynn, el rockero Ted Nugent y el veterano Wayne Newton, más conocido como “Mr. Vegas”, quien se ganó ese apodo luego de desarrollar una carrera de 40 años en la “Ciudad del Pecado”. Pero de si de intérpretes famosos se trata aquí habría que mencionar a Kenny Rogers y Kid Rock. Este último, quien se hizo famoso en todo el mundo por estar casado

OS A LA PRESIDENCIA DE ESTADOS UNIDOS

VS. TRUMP

decidir quién reemplazará a Barack Obama. Aunque aún lado sus preferencias y respaldado públicamente a sus

con la actriz Pamela Anderson, ha declarado en más de una oportunidad que respalda a Trump y que tal vez debiera manejar al país como lo ha hecho con sus negocios. MEGAESTRELLAS Y LEYENDAS En cambio en la otra vereda, la de Hillary Clinton, los famosos sobran. Sigourney Weaver, Meryl Streep, Lena Dunham, Chlöe Grace Moretz y Elizabeth Banks, son algunas de las actrices que la han apoyado públicamente. Y si de músicos se trata, el

listado que está con la candidata demócrata es aún más impresionante. Pharrell Williams, Lenny Kravitz, Bon Jovi, 50 Cent, Beyoncé, Katy Perry, Barbra Streisand, Lady Gaga, Elton John, Ricky Martin, Stevie Wonder, Ariana Grande y Alicia Keys son algunas de las megaestrellas que se han comprometido a votar por Clinton. Pero si había alguien que concitaba simpatía entre las bandas que hacen buena música (de esa que le agrada a los que integran la redacción de esta revista), ese era Bernie

Sanders. Con un discurso en favor de los derechos humanos, el bienestar social y una economía más alejada del mercado, el precandidato del partido demócrata logró captar la atención de varios músicos con un perfil más independiente. Como Justin Vernon de Bon Iver, Thurston Moore de Sonic Youth o los miembros de Vampire Weekend, quienes tocaron en algunos de los eventos para respaldar a Sanders. Entre quienes lo apoyaban también había otros más mediáticos como Diplo, el compositor de bandas sonoras para películas, Hans Zimmer, o Red Hot Chilli Peppers, quienes a estas alturas pueden ser considerados casi leyendas. No de la talla de Neil Young o Roger Waters, quienes también respaldaban al precandidato demócrata, pero megaestrellas al fin y al cabo. ¿Qué pasó con los votos de todos esos famosos tras la bajada de Sanders? No lo sabemos, pero lo cierto es que la elección del próximo presidente de Estados Unidos está a la vuelta de la esquina y habrá que ver cuáles fueron los llamados que surtieron más efecto entre los votantes. ¿Clinton o Trump? Llegó la hora de hacer sus apuestas. Por Fernando Duarte M. 41

El pinchazo EL SEMIÓLOGO FRANCÉS ROLAND BARTHES, en su libro “La cámara lúcida” explica de manera magistral y bellísima qué es una fotografía. Para ello establece dos conceptos básicos: El studium y el punctum. El studium tiene que ver con la cultura y el gusto. Puede llamarme la atención una fotografía, “a veces emocionarme, pero con

una emoción impulsada racionalmente, por una cultura moral y política. Tan solo provoca un interés general. Me complace, pero no me marca”. El punctum, por otra parte, “es ese azar que en ella me despunta (...) Surge de la escena como una flecha que viene a clavarse”. El punctum de Barthes es un pinchazo directo al corazón. Es

un proceso personal, lejos de las generalidades del bagaje cultural. Lo que me conmueve a mí. Es mío, mi propio proceso. Cuando leí este libro terminé de enamorarme de la fotografía (y de Roland) y a menudo aparecen en mi vida estos dos conceptos, que extrapolo constantemente en la música. Porque las melodías también

tienen ese efecto de atravesar el alma e instalarse dentro de ti, en un pequeño rincón que es solo tuyo y que no puedes explicar. Nunca me gustó Pink Floyd. Nada personal. Simplemente no sentí el pinchazo. La primera vez que escuché Tame impala, simplemente no lo podía creer. Recibí una cachetada sonora muy difícil de describir. “There’s a party in my head and no one is invited” resumió a la perfección lo que pasó en mi cabeza

con el “Innerspeaker”. Una flecha directa a mi emoción.

(melancolía pre-internet). Este pinchazo me sigue acompañando.

Esta banda tuvo un efecto parecido al primer grupo del que me hice fanática cuando era chica: Rush. Tenía 14 años y estaba en una fiesta en un balneario chiquitito llamado Mirasol. El DJ tocó “Time stand still” y tuve que preguntarle quién cantaba y llegar a Viña para conseguir el “Roll the bones”, que menos mal tenía el hermano grande de una compañera del colegio en casette

Y así pasan, canciones amenas que luego se vuelven importantes por pura memorabilia y esas otras que se transforman en himnos del alma porque te pellizcan la emoción cada vez que suenan. Y todas, todas nuestras canciones, van armando la banda sonora de nuestra vida. Fotografías en movimiento, que construyen historia. Por Natalia Araya

Recuerda esa motivación que te impulsó en la niñez. Ahora es cuando puedes realizar tu sueño como profesional. Postula como voluntario/a en www.americasolidaria.org

Los gestores culturales de la ciudad PUEDE SER ADICTIVO REVISAR FOTOS AÑEJAS DE UNA CIUDAD que ya se fue: El intenso tráfico vehicular de calle Ahumada en 1960, una panorámica de una hoy inexistente rotonda Kennedy en 1975, o la estación del Tren a Pirque en 1915 que, hasta antes de su demolición, estaba en pleno Parque Bustamante. Hay algo de nostalgia cuando de un día para otro la casa o el edificio que vimos día a día se convierte —en el mejor de los casos— en una torre de 20 pisos. Baudelaire decía que “la forma de una ciudad cambia más rápidamente que el corazón de un mortal”. A veces, incluso, ni siquiera se trata de recordar. Quizás sólo sea descubrir un modo de vida anterior, la perspectiva estética de algo que no volverá. Como dijo alguna vez el ex presidente del 46

Colegio de Arquitectos, Sebastián Gray, “la innovación y la calidad sólo son posibles con una visión crítica de la historia”. Alberto Sironvalle (53) ha hecho de esa nostalgia y ese recuerdo su razón de ser. Diariamente a través de su cuenta en Twitter (@alb0black) comparte fotos del Santiago antiguo: en tres años ha subido cerca de 15 mil imágenes. Sironvalle, quien trabaja como cualquier mortal (en una empresa metalúrgica), anda con un pendrive siempre en el bolsillo por si acaso, navegando por internet, se encuentra con esa fotografía que le falta. Posee tantas que ya olvidó cuántas tiene. Su computador de escritorio ya no da abasto y tuvo que comprar un disco externo para meter más imágenes. ¿Por qué dedica buena parte de su tiempo en publicar imágenes del pasado? “Lo que hago

no es para historiadores ni para expertos. Se trata solo de entregar información para que todos aprendamos (...) quiero que la gente sepa cómo era la ciudad y cómo se vivía en ella”, dijo no hace mucho. Lo suyo, y lo deja en claro, no tiene pretensiones doctas. El no es fotógrafo ni académico, lo que tiene es un gusto por la historia. PERSONA NON GRATA Tomás Domínguez (39) es persona non grata en el Cementerio General. A instancias suyas, y en contra de lo que opinaba la municipalidad encargada del camposanto y su administración, logró que en 2010 el Consejo de Monumentos Nacionales declarara el lugar como Monumento Histórico. Antes de que los hipsters le encontraran gracia a la necró-

Dos personas, con dos proyectos distintos, el rescate de las fotos antiguas de Santiago y la recuperación del Cementerio, tratan de poner en valor a una ciudad.

polis santiaguina y empezaran a colmar sus instagrams con fotos de mausoleos y esculturas, Domínguez —arquitecto de profesión— se pasó años y años recorriéndolo. Para quien se lo pida muestra un plano —1 m de largo x 1,20 m de ancho— del cementerio y hecho por él mismo, donde aparecen ilustrados y en detalle, los 167 patios del lugar, calle por calle, nombre por nombre. Sin repetir ni equivocarse te dice que el cementerio tiene 86 hectáreas, 40 mil construcciones y 2.500.000 de personas enterradas. O que el monumento ‘Al Dolor’ que está en la plaza frente a la entrada es, en realidad, la tumba de las 2.000 víctimas del incendio de la Iglesia de La Compañía ocurrido en 1863. Además de todo esto Domínguez debe ser el único —literalmente—

que se preocupa por el estado de alarmante deterioro que vive el cementerio, el que incluye tumbas abandonadas, mausoleos históricos que a nadie le interesa refaccionar y constantes robos de esculturas. Denuncias ante el Consejo de Monumentos y la policía; y cartas a los medios es parte de su autoimpuesta labor. “Mi trabajo con el cementerio no está relacionado en torno a la muerte, sino a la lucha que se da para afrontar los efectos destructivos de la muerte, que es a través del recuerdo, la monumentalización, las obras de arte y el urbanismo que puedes ver aquí”, ha dicho. Por trabajo he tratado con los dos en diferentes oportunidades y no me ha dejado de impresionar la pasión que le imprimen a estos proyectos, porque claramente las fotos y el cementerio dejaron de

ser simples hobbies. Que yo sepa no ganan dinero y le dedican una gran cantidad de su tiempo. Ese es quizás su principal fuerte: en un ambiente en donde algunos, apenas leyendo y escribiendo, son capaces de convertirse en diligentes gestores culturales, Sironvalle y Domínguez, en silencio, humildemente y sin cobrarle un peso a nadie, se han transformado verdaderos divulgadores de la historia de la ciudad. Ponen en valor —inconscientemente— el patrimonio urbano y cultural de una ciudad que ha sido olvidada por la buena onda políticamente correcta de los graffitis, de los ciclistas que andan por las veredas y de los urbanistas caviar que piensan que la ciudad debe una foto congelada en los años 50’. Por T. Fernández- Miranda 47

BUSCANDO LA COMPATIBILIDAD

MODA Y ACTIVISMO ACTIVISMO Y MODA NO SON CONCEPTOS QUE UNO SUELA UNIR EN UNA MISMA ORACIÓN; o al menos no por quienes no somos críticos de moda ni trabajamos en eso. Pero cuando se va más allá y firmas como Chanel u Opening Ceremony se atreven a usar la pasarela como una plataforma para el activismo, empezamos a ver con otros ojos lo que esta industria tiene para mostrarnos. Fue el 2014 cuando Karl Lagerfeld convirtió su show para Chanel en una protesta feminista. Carteles con frases como “Ladies first” o “Women’s rights are more than alright” quedaron registrados en las fotos del que probablemente 48

es uno de los desfiles más activistas que se hayan visto en los últimos años. No recuerdo otro que generara tanto revuelo, sobre todo considerando que es una de las casas de moda más importantes del mundo y claramente el impacto iba a ser inmediato. Un año después, fue también Lagerfeld quien marcó un hito sumándose a uno de los hechos históricos que marcó el 2015: la reapertura de relaciones entre Cuba y Estados Unidos. Fue así como el diseñador se tomó La Habana para celebrar la noticia, transformando el Paseo del Prado en una pasarela como nunca antes se vio. Pero no sólo el Kaiser se ha

atrevido a hacer de la moda un manifiesto político. Como ya les mencionaba, la firma norteamericana Opening Ceremony también hizo lo suyo y se agarró este año de la contingencia electoral de Estados Unidos de una manera muy original. Dejando los diseños un poco en un segundo plano, lo que hicieron sus directores creativos, Carol Lim y Humberto Leon, fue una especie de convención de mujeres talentosas e influyentes de la actuación, quienes se subieron a la pasarela para levantar sus voces. Whoopi Goldberg, Aubrey Plaza, Felicity Jones, Carrie Brownstein, Alia Shawkat, Diane Guerrero, Natasha Lyonne y Rowan Blanchard fueron protago-

CUANDO SE TRATA DE MODA, CUESTA IR MÁS ALLÁ DE LO QUE ENTRA POR LOS OJOS. Uno ve ropa, colores, texturas o diferentes estilos, pero creo que algo en lo que pocos reparamos es que en que vestirnos es una de las principales maneras que tenemos de expresarnos; de presentarnos frente al mundo. Es por eso que a veces me cuesta entender a quienes ven la moda como algo banal o vacío, cuando en el fondo es lo contrario y existe todo un discurso detrás. nistas de uno de los shows más polémicos en Nueva York, dando todas un par de buenas razones para ir a las urnas el próximo 8 de noviembre. Pasándonos a otros planos, no podemos dejar de mencionar la creciente ola plus size en las semanas de la moda. Christian Siriano, Chromat, Ashley Graham e incluso Zac Posen han intentado dejar de lado los estereotipos e incluir modelos XL a sus desfiles. Aún es difícil ver pasarelas 100% libre de mujeres extremadamente delgadas, pero creo que se está avanzando y que existe una clara intención detrás y esa es aplaudir el cuerpo en todas sus formas. Ojalá algún día Victoria’s Secret

también se atreva a lo mismo. ¿Qué efecto tiene este tipo de iniciativas en el resto de los mortales, los no vinculados a la moda? De partida logra una mayor visibilidad y no se queda sólo en el nicho de quienes siempre han seguido las nuevas tendencias. Vivimos en un mundo plagado de información y es bueno que los discursos vengan desde todos lados, no sólo de parte de los medios de comunicación o desde quienes siempre han tenido la palabra . Por otro lado, da nuevos aires a la moda y desmitifica las pasarelas como un espacio superficial y sin contenido. Eso no es así y nunca lo ha sido; al menos ahora hay pruebas más contundentes.

La moda tiene aún mucho que decir y con estos ejemplos queda clarísimo. Una pasarela puede instalar un debate de la misma forma en que puede hacerlo una columna de opinión en cualquier diario de renombre internacional. Eso tenemos que recordarlo cada vez que volvamos a pensar en la moda como algo superficial; cada vez que juzguen esta industria como “poco seria” o sin mucho contenido relevante sobre el cual conversar.

Por Paulina Portal Editora de The Pocket 49

Recuerda esa motivación que te impulsó en la niñez. Ahora es cuando puedes realizar tu sueño como profesional. Postula como voluntario/a en www.americasolidaria.org

CUANDO “HOMELAND” EMPEZÓ HACE CINCO AÑOS, era difícil verla como una serie que llegara a perdurar en el tiempo. La historia de la primera tanda era casi auto-concluyente, pero los productores supieron ver el potencial de su protagonista, Carrie Mathison, interpretada perfectamente por Claire Danes, y decidieron que era imperativo darle más historia, enriquecerla y hacerla indispensable para la televisión. Lo lograron. Estamos ad portas de su sexta temporada y, al parecer, tienen varias cosas por hacer. ¿Cómo se viene? Vamos por parte. El 15 de enero es la fecha escogida por Showtime para estrenar la sexta temporada de la serie protagonizada por una agente del FBI que combate el terrorismo tanto dentro de Estados Unidos como en el extranjero. Ha pasado el tiempo y Carrie estará de vuelta en pantalla. Esta vez, la historia no estará en otro país, sino que en los mismos United States of America. Según lo que se ha comentado en diversas entrevistas y paneles, esta nueva tanda seguiría la historia de una elección presidencial y tendría al personaje de Danes trabajando en una fundación que ayuda a musulmanes viviendo en Estados Unidos. Obviamente, suena como una trama bastante menos peligrosa que las demás que hemos podido ver a través de las temporadas, pero ojo, porque las sorpresas se están armando. Algunos de los otros datos que se han 52

HOMELAND

Las elecciones, el terror Carrie Mathison

rismo y n

revelado, es que nuevamente podremos ver a Peter Quinn, interpretado por Rupert Friend, en acción. ¿Por qué es sorpresivo? Porque su desenlace en la quinta temporada fue bastante complejo. Otra cosa a analizar con detención es la inclusión de un nuevo personaje: la Presidenta de Estados Unidos. Como ya les mencioné, esta nueva temporada comprenderá un período de elección presidencial y la encargada de llevar el mando en la ficción será Elizabeth Keane, papel protagonizado por Elizabeth Marvel. Interesante elección tomando en cuenta el período de elecciones que vive actualmente Estados Unidos. Y si bien han tenido que hacerle frente a las críticas y a las múltiples comparaciones con Hillary Clinton, los productores de la serie han salido a decir que este personaje, además de estar semi inspirado en la candidata, también tiene muchos matices de Donald Trump y hasta de Bernie Sanders. Habrá que ver cómo les va con eso, sobre todo si tomamos en cuenta que para la fecha de estreno, el nuevo dueño del salón Oval ya habrá sido electo. Polémicas más, polémicas menos, “Homeland” es una serie que merece respeto y que se ha sabido mantener en la palestra a punta de cambiar el foco, mover la historia y no quedarse detenida en problemáticas sin salida. Han hecho saltos. Han cambiado historias. Se han ido de países. Han desaparecido

personajes. Es una producción que sabe moverse frente a las aguas turbulentas de contenido que sea capaz de atraparte, manteniéndose siempre vigente y dentro de las series más aclamadas por la crítica, independiente de su temporada. Aún así, los creadores de la serie han estado revisando la situación y pensando al respecto, llegando a la conclusión de que es muy probable que vea su final luego de finalizada la temporada ocho. ¿Por qué? Según palabras de la gente detrás de la producción, todo tiene su momento. Según ellos, la historia podría seguir avanzando y se pueden hacer muchas historias interesantes, pero llega un punto en que las cosas se hacen insostenibles. Pensando de ese modo, “Homeland” fue una revelación, pero ha ido decayendo con el tiempo. Sí, la crítica la ama, pero sus temporadas ya ni siquiera están siendo nominadas para los grandes premios. Claire Danes, en ese sentido, es la única que sigue estando en la palestra. ¿Será el momento de decirle adiós? Lo dudo. Esta nueva temporada se vuelve a instalar en una temática contingente. Guerra, refugiados, elecciones, musulmanes, acción. “Homeland” tiene todos los ingredientes necesarios para seguir entreteniéndonos por un buen rato más. Carrie, queremos saber más, así que mantennos informados. 10-4. Por Diego Huenchur 53

LIZZY CAPLAN FUE A MEDIADOS DE LA DÉCADA DE 1950 que el ginecólogo William Masters inició una investigación sobre la sexualidad humana junto a la psicóloga Virginia Johnson. Aunque publicaron seis libros, no fue hasta 2009 que su trabajo se hizo más conocido para el común de la gente. Ese año salió a la venta “Masters of Sex”, una biografía que revelaba detalles de lo que habían hecho y que en 2013 fue llevada a la pantalla chica por Showtime. El 30 de septiembre HBO comenzó a transmitir en Latinoamérica la cuarta temporada de la producción protagonizada por Michael Sheen (William Masters) y Lizzy Caplan (Virginia 54

Johnson). Conversamos con ella sobre la evolución de la serie, los cambios que ha ido sufriendo su personaje y cómo se sintió al pasar de la comedia al drama, entre otras cosas. ¿Cómo las transformaciones de los 60 y 70 influyeron en la historia y los personajes? - En el comienzo de la serie estábamos en 1956 y Virginia tenía una manera muy moderna de ser, adelantada a su tiempo para encarar el sexo y su sexualidad. Creo que una de las cosas más memorables en esa primera temporada fue como vivía esa mujer. Pero el mundo empieza a pensar como ella, es una época con separaciones y más promiscuidad. Este es uno de

los principales atractivos ahora, porque algo que quería mostrar es que a Virginia la mueve su ego. Le gusta estar a la vanguardia y cuando todos comienzan a adherirse a las nuevas ideas una parte de ella que quiere decir: “No se olviden que yo lo hice primero”. Qué la mueve en esta temporada, porque ella fue una pionera. ¿Dónde quiere llegar ahora? - En el comienzo de la cuarta temporada Virginia no está en una posición cómoda y eso está representando de varias maneras. No la habíamos visto tomando mucho antes, pero está bebiendo bastante y también muy agresiva. Pero es interesante que, mientras el mundo a su

La actriz interpreta a Virginia Johnson en “Masters of Sex”, serie que hace poco comenzó su cuarta temporada. En esta entrevista habla de la evolución que ha tenido la historia y los cambios que ha sufrido su personaje, entre otras cosas.

“Hago este personaje hace mucho y es difícil no llevarme un poco de ella a casa” alrededor comienza a adherir a pensamientos más progresistas, ella adopta ideas más tradicionales: matrimonio, compromiso, esas cosas. Si bien no debería hablar de matrimonio porque eso es mucho más adelante, sí quiere una relación más tradicional. ¿Tuviste que investigar más sobre las mujeres de esa época o sigues trabajando con el libro que dio origen a la serie? - Es interesante porque la serie ahora mezcla realidad y ficción. En el comienzo se basaba mucho en el libro “Masters of Sex”, pero el texto –nuestra principal fuente de información porque los dos eran muy reservados– tiene una laguna entre el

momento en que se conocieron y la publicación del primer libro. Esa etapa fue abordada en la segunda temporada y tuvimos que rellenarla con ficción. Entonces, en ese aspecto, siento que el personaje de Virginia Johnson no corresponde a la Virginia Johnson real. Por supuesto que está inspirado en ella y tiene sus características, pero el personaje tiene existencia propia. ¿La serie ha generado algún cambio en tu vida? - Muchos. Básicamente era una actriz de comedia y siempre quise hacer tanto drama como comedia, pero no había tenido la oportunidad porque las personas no pensaban en mí para dramas, mucho menos

para una historia de época. Entonces, esta serie permitió que las personas me vieran de otra manera y que yo me vea de otro modo. Ahora me siento cómoda para hacer tanto comedia como drama. Le debo mucho a esta serie. ¿Qué habilidades adquiriste con este drama que no tenías cuando hacías comedias? - Es interesante, me siento como los actores de comedia que tienen más oportunidades de usar recursos dramáticos sin nunca haber hecho un trabajo así, que un actor dramático que incursiona en comedia. La comedia no es algo que puedes aprender o tienes timing o no. Esa es la gran lección. No estoy 55

abordando el trabajo de una manera diferente, tal vez en la primera temporada sí porque sentía que era un gran drama, pero ahora quedó muy claro para mí que los grandes dramas tienen elementos de comedia y mis comedias favoritas suelen tener momentos muy profundos. Dices que tus comedias favoritas tienen elementos dramáticos. ¿Cuáles son? - ¡Muchas! “The Philadelphia Story”, “Groundhog Day”, “Grosse Pointe Blank”, me encanta esa película y podría nombrar diez. Crecí viendo “Saturday Night Live” y me hubiera gustado haber hecho más improvisación, pero no hice. Volviendo a la serie, nadie conoce a Virginia mejor que tú. ¿Cómo es tu relación con los guionistas? 56

¿Discuten el personaje contigo? - Esta serie tiene un proceso muy colaborativo que es maravilloso. Diría que el 95% del tiempo es fantástico y el otro 5% estoy completamente exhausta y me gustaría estar haciendo una de esas series en la que los guionistas y productores dicen todo lo que tienes que hacer. Tenemos guionistas de mucho talento, y eso es excelente, pero todos los guiones son discutidos para que el trabajo quede mejor. Hace un rato hablaste de la diferencia entre actuar en comedias y dramas. ¿Ha sido útil trabajar con un actor dramático experimentado como Michael (Sheen)? - ¡Sí! He aprendido mucho con él. La relación entre Bill y Virginia es divertida. En el comienzo ella es un espíritu libre y Bill tenso y frío. Pero a lo largo de 30 años

fueron cambiando y ella se puso más dura, mientras que él más amable. Me parece fascinante ver esa transformación de la personalidad en función de las circunstancias y de su carrera. Michael y yo trabajamos bien juntos, hablamos mucho del guión, pero nunca discutimos los monólogos interiores ni qué piensan realmente los personajes sobre esos momentos, lo que hace que todo sea emocionante. No tengo la menor idea de qué hará él en escena y viceversa; entonces, actuar con él es un placer. Al final de la tercera temporada, todos los personajes parecen ocupar posiciones más verdaderas en relación a sus historias anteriores. ¿Qué pasa con Virginia? - Suceden las dos cosas. Algo que me encanta es que los

guionistas no le dieron una vida fácil a nadie. Sea el pene que no funciona, la mujer que traiciona o las dos cosas. Es genial cuando Virginia se siente muy segura, pero también sé que esos son momentos fugaces y algo va a afectarla, que es lo que se espera de una serie así. Es divertido interpretar esa espiral descendente porque hago este personaje hace mucho y es difícil no llevarme un poco de ella a casa. Lamento cuando las cosas le salen mal o cuando está sola. Como actriz es estimulante interpretar a una persona para quien la vida no está necesariamente saliendo bien y tengo mis sentimientos con relación a ese personaje semi ficticio. ¿Eso sucede porque ella es semi real? ¿O porque es un personaje

con quien creciste y te conectaste? - Las dos cosas. Ella está basada en una persona real y siento la responsabilidad de ser justa con su memoria. Pero al mismo tiempo filmamos el piloto hace cinco años, entonces crecí junto con Virginia y ocurrieron grandes transformaciones en su vida y en la mía. Todo está conectado. Nunca había hecho una serie tan larga y la gente dice que es muy extraño cuando una serie larga llega a su fin. Tienes que sufrirlo. Creo que eso va a suceder. Pero no pienso en el día en que ya no voy a interpretarla. ¿Qué ha sido lo más difícil en la historia hasta ahora? - Muchas cosas. No tengo hijos, pero la Virginia Johnson real no priorizó a sus hijos sobre el trabajo. Para mí eso suena

comprensible, pero por otro lado imperdonable. Lo lamento por ella y sé que eso pesó en su cabeza y también en la mía porque eso sucedía por estar haciendo su trabajo. Estamos en un punto en el que podemos decir que hay amor entre Bill y Virginia, y es muy doloroso que nunca parezcan enamorados. Uno siempre se está alejando y yo hago fuerza por el momento en que puedan ser felices juntos. Sabemos que eso no va a durar mucho porque tenemos esta serie y seguimos una historia real, que sabemos que no terminará bien para ellos. Pero probablemente el mayor impacto todavía esté por suceder, que es como termina la historia. Por Fernando Duarte M. 57

EXPANDIENDO EL UNIVERSO

ROGUE ONE: A STAR WARS STORY

HAY FIEBRES QUE NO SE PUEDEN SUPERAR. Enfermedades que se pegan en el ADN y es difícil dejar de lado. “Star Wars” es una de ellas y estamos bastante contentos de que así sea. Con el inminente estreno de “Rogue One” y la segunda apuesta de la nueva trilogía, es un gran momento para ser fan de “La Guerra de las Galaxias”, como reza su traducción al español. Ahora, ¿Qué podemos esperar de lo que se nos viene? Con un poco de optimismo, podríamos entender que nos estamos preparando para enfrentar una película que, si bien no tiene el hype de “The Force Awakens”, pretende darle un giro a la saga. “Rogue One: A Star Wars Story” es la primera de una trilogía de películas antológicas que girarán en torno al universo de la saga, pero que intentarán contar historias que quedaron en el tintero. Todo esto con el fin de expandir la galaxia y mostrarnos un panorama más enriquecido. Por ejemplo, en esta primera instancia, podremos presenciar cómo fue el robo de los planos de la Estrella de la Muerte por parte de los rebeldes. Si esto les suena, es porque la información mencionada es la que tiene oculta en su sistema nuestro querido R2-D2 en “A New Hope” (Episodio IV). ¿Ven? Enriqueciendo el universo. Pero obviamente, como toda película que se alista para ser grande, no han faltado los contratiempos. Primero que todo, la producción se vio alargada debido a que Disney, quienes ahora

tienen los derechos de la franquicia, decidieron hacer una larga ronda de re-shoots. ¿Qué significa eso? Que vieron las escenas que estaban listas y decidieron que no era suficiente material para poder ejecutar la película de la manera en que ellos querían. Y si bien se puede tomar como algo desastroso, los re-shoots no son tan mal augurio como se podría pensar. Muy por el contrario. Cuando una cinta se ve sometida a esta medida es, básicamente, porque el estudio quiere que la película llegue a ser la mejor versión posible de sí misma y si para eso se necesita volver a grabar un par de escenas, lo mejor es que lo hagan. Estamos claros entonces. Las regrabaciones, en sí mismas, no son un gran problema, pero de rebote nos encontramos con otro contratiempo. Como el período de grabación se extendió, hubo que posponer varias cosas y cambiar agendas. Alexandre Desplat, quien se ganó el Oscar a “Mejor Banda Sonora Original” por “The Grand Budapest Hotel” de Wes Anderson, iba a ser el encargado, en primera instancia, de musicalizar “Rogue One”. Todo bien por ese lado, hasta que los tiempos se movieron. Por problemas de compromisos, Desplat tuvo que dar un paso al costado y, en una decisión de última hora, la tarea de musicalizar esta primera instancia de cintas antológicas, quedó en manos de Michael Giacchino, a quien conocemos por haber hecho la música de series como “Lost” o de

grandes películas de Pixar como “The Incredibles” o “Up”, además de musicalizar las últimas entregas de “Star Trek”. “Rogue One” es una gran interrogante, una cinta que de seguro va a tener muchos ojos encima, pero que se sigue manteniendo fuerte frente a la ansiedad. Todos estos cambios de último minuto, seguramente funcionarán para hacer que la cinta termine siendo un producto enriquecedor para la saga. Después de todo, la historia es diferente, ya que trata de un robo, de un plan, de una elaboración peligrosa. Confiemos en que pueda beber de diversas fuentes y que no sea, solamente, “otra película en el espacio”. En este momento, no nos queda mucho más que seguir esperando y confiando en que el camino que se eligió es el correcto. Gareth Edwards, su director, tiene una gran misión por delante y esperamos que pueda impregnarle su estilo. Después de todo, “Rogue One” no es otra “Star Wars”, es una aventura en base a un universo. Es una dimensión que no conocíamos, pero que existe sutilmente en nuestras cabezas. ¿Lograrán hacer que nos enamoremos de los personajes, anhelemos un desenlace y suframos con el viaje? Confiemos. Confiemos en que todo va a salir bien y en que ese 16 de diciembre la fuerza estará con nosotros, una vez más. Por Diego Huenchur C. 59

RÍTICA DE DISCOS

PIXIES

esa primera mitad que no tiene puntos bajos.

“Head Carrier” (PIAS Recordings, 2016) 7/10 Este es, formalmente, el primer disco que Pixies hizo luego de su regreso en 2003. Claro, hace dos años hubo un “nuevo álbum” que se llamó “Indie Cindy”, pero ese registro fue una mera compilación de canciones que antes aparecieron en una tríada de EPs, registrados entre 2013 y 2014. El panorama para el grupo era bastante desafiante en esta ocasión: este era el primer disco donde Paz Lenchantin, la nueva bajista, escribiría material con Black Francis y compañía. Y no defraudaron. Los de Boston parecieron revitalizarse con la llegada de la argentina a sus filas y compusieron un disco que tiene mucho de sus fundamentales primeros trabajos. No podemos decir que este “Head Carrier” es la segunda parte del

“Doolittle” o del “Bossanova”, pero sí que el grupo entregó un conjunto de canciones que perfectamente podrían haber estado en cualquiera de esos álbumes y salir bien paradas. La pesada canción que le da el título al álbum y que abre esta placa, le da el tono a este sexto LP de Pixies, para darle paso a la melódica “Classic Masher”, que es sólo un oasis ante la llegada casi punk “Baal’s Back”. Así el grupo, por lo menos en la primera parte del álbum, intercala melodía y agresión a la perfección. Con la punzante “Talent” –que tiene mucho del “Doolittle”–, se cierra

En la segunda parte del álbum nos encontramos con la sentida disculpa de Francis hacia su ex–compañera de grupo, Kim Deal, a través de “All I Think About Now”, que de pasada la interpreta Lenchantin y que tiene unas guitarras muy similares a uno de los clásicos de la banda: “Where Is My Mind??”. “Um Chagga Lagga” y “All The Saints”, son dos de los temas que destacan casi llegando al final del disco. Con “Head Carrier”, Pixies volvió a mostrar una vitalidad que la mayoría pensaba no tenían y de paso, se amigaron con su pasado para hacer su presente mucho más esperanzador que hace dos años atrás. Volvieron y eso siempre es una buena noticia. Ignacio Cisternas

BON IVER

más que para emocionar. Los sintetizadores, el vocoder, las bases programadas y los loops, se asemejan más a Daft Punk que a un compositor indie que sigue batallando contra sus propios demonios.

“22, A Million” (Jagjaguwar Records, 2016) 9/10 Mucho pasó entre el último disco de Bon Iver –nombre de escenario para el proyecto de Justin Vernon– y este nuevo disco llamado “22, A Million”. Vernon y su banda se ganaron dos Grammy gracias a “Bon Iver, Bon Iver”, editado en 2011 y premiado un año después en la ceremonia anual de esos premios. Pasaron de ser una banda reconocida sólo en el mundo del indie a una audiencia más masiva y que llevó a Vernon a colaborar con artistas de alto perfil mediático como por ejemplo, Kanye West. Si segundo disco aún mantenía trazos de ese apacible y delicado folk con el que nos sorprendió en “For Emma, Forever Ago”, su excepcional álbum debut, en este nuevo registro Vernon se despojó de todo lo que había hecho en el pasado y salió con un disco que parece habitar en un extraño

mundo de maquinas, pero aún así conserva ese frágil corazón que nos mostró en su primer LP. El cambio de estilo, si es que se puede llamar así, comenzó con “Beth/Rest”, la última canción de su anterior disco. Fue como la introducción a este nuevo mundo que Bon Iver parece haber creado siglos después de esta era. Quizás los más complicado de asimilar acá son los nombres de las canciones, pero si hacemos el paralelo entre un mundo habitado por máquinas y este disco, que los temas tengan más números que letras no nos debería extrañar. Es increíble como Vernon puede emocionarnos con elementos musicales que, por lo general, son ocupados para hacer bailar

Momentos altos se viven en canciones como “29 #Strafford APTS”, “666”, “8 (circle)” y “00000 Million”, donde Vernon parece ir redescubriendo mundos cada vez que esas canciones cambian de tono y tiempo. Este es un disco que en vez de analizarse, debería sentirse, porque con cada oída crece más y más. Es como un puzzle que se tiene que ir develando de a poco para ir encontrando belleza en cada una de sus esquinas. En un época donde los artistas se repiten a si mismos eternamente, Vernon nos muestra que cuando hay talento, las posibilidades son infinitas. I. Cisternas

WARPAINT

“Heads up” (Rough Trade Records, 2016) 7.0/10 “New Song”, el fiestero primer corte del tercer disco de Warpaint, hizo que muchos creyeran (y creyéramos) que las californianas habían dado un giro en su estilo. Pero por más que hicieran el esfuerzo de incluir beats y elementos electrónicos en “Heads up”, su sonido sigue siendo el dream pop de siempre. Un poco más adornado, cierto, pero en esencia el cuarteto es el mismo que se hiciera conocido con “The Fool” en 2010. ¿Eso es malo? Claro que no, tomando en cuenta que este álbum es equilibrado rítmicamente hablando y tiene una factura muy cuidada. Tanto es así que las chicas parecen haberse preocupado hasta del orden en que entran y salen las 11 canciones. El disco comienza con “Whiteout”,

un tema de mediotiempo con baterías programadas y que resulta ser la introducción ideal para “By Your Side”, una canción que evoca los sonidos más primitivos de Portishead o Tricky. Como sea, ese track antecede a “New Song”, una canción bailable y las más alejada de todo lo que estas chicas habían hecho antes. Después de moverse y agitar la cabeza con el que es lejos el tema más popero del disco, y tal vez de su discografía, la banda pasa a “The Stall”. Un track elegante, marcado por el bajo y las cuerdas de unas guitarras difusas que se mueven dentro de una sintonía oscura. Pero esa especie de solemnidad se rompe con “So Good”, una canción más melódica y quizás la más cercana a “New Song”. La parsimonia vuelve con “Don’t Wan-

na”, una melodía bastante plana y minimalista hecha en torno a una base rítmica adornada con algunos sonidos que parecen tribales. Ya es pasado la mitad del álbum cuando aparece “Don’t Let Go”, una balada que habita entre el lo-fi y el dream pop. Luego irrumpe “Dre”, otro tema minimalista y sintetizado que a antecede a la canción que le da el nombre al disco. “Heads Up” empieza como un tema salido de un sueño, pero comienza a crecer para transformarse en una de las mejores piezas de toda la placa. La sensación onírica, sin embargo, se replica en “Above Control” una composición de poco más de 5 minutos que también se mueve entre una nebulosa sonora salpicada con agradables acordes de guitarra. El remate corre por parte de ‘Today Dear”, un tema melancólico que pone fin a 51 minutos de canciones diversas hechas con el sello de las californianas. Javier Muñoz

LOCAL NATIVES

“Sunlit Youth” (Loma Vista Recordings) 8/10 Tres años se demoró la tribu compuesta por Taylor Rice, Kelcey Ayer, Ryan Hahn, Matt Frazier y Nik Ewing en sacar su tercer disco de estudio titulado “Sunlit Youth”. Pero la espera por escuchar el nuevo material de los californianos de Local Natives valió la pena. Todo comienza con “Villainy”, una canción que parte marcada por los sonidos del teclado y continúa con el sello característico del grupo: La percusión. Pero a medida que el tema avanza va quedado en evidencia que la mayor virtud de la banda es la voz Taylor Rice. Y es que el frontman tiene un registro privilegiado, que hace que parezca sencillo cantar hasta la nota más alta. Terminan los 3 minutos y 44 segundos del primer track y comien-

za “Past Lives”, una canción que sónicamente va creciendo hasta transformarse en una especie de marcha optimista. Luego de eso aparece “Dark Days”, un tema que no tiene nada de oscuro y que por el contrario brilla con luces propias. Y no sólo por los agradables acordes de las guitarras, también por la colaboración de Nina Persson, vocalista de The Cardigans. Los coros y la percusión marcan el inicio de “Fountain of Youth”, canción con un evidente corte político donde los californianos hablan de escuchar a los jóvenes y de dejar de ignorar las cosas que realmente importan. Termina esa especie de himno, que aparece en medio de la cam-

paña presidencial estadounidense, y parte “Masters” una canción en la que los protagonistas vuelven a ser los coros. La orquestación sigue con “Jellyfish” y continúa con la armónica “Coins”, que posee un sello que alterna entre el R&B y el blues. Después irrumpe “Mother Emanuel”, una canción que al igual que “Past Lives” crece a medida que avanza y que vuelve a dejar en claro que la percusión y la voz de Rice son los puntales de la banda. “Ellie Alice” toma la posta con las cuerdas como protagonistas antes de dar paso a la grandilocuente “Psycho Lovers”. La pausa corre por parte de “Everything All At Once”, que antecede a una electrónica y rítmica “Sea of Years”. “Sunlit Youth” es un disco optimista y luminoso con el al parece Local Natives quiere dejar la oscuridad que había en las letras de “Hummingbird”, su trabajo anterior. Javier Muñoz

en la Feria del Libro 2016

Los estrenos de Penguin Random House

DEL 20 DE OCTUBRE AL 6 DE NOVIEMBRE.

intercambiar miradas respecto de la sociedad contemporánea.

treno de “25 lugares imperdibles para comer en Santiago”.

Ese será el lapso en que se desarrollará la versión N°36 de la Feria Internacional del Libro de Santiago, FILSA, que como es tradición se llevará a cabo en el Centro Cultural Estación Mapocho.

Aunque este año el invitado de honor a la cita será México, lo importante corre por cuenta de las editoriales y allí uno de los que tiene más cosas que decir es Penguin Random House.

El libro, escrito por Álvaro Peralta, más conocido como “Don Tinto”, es descrito como “una guía deliciosa y adictiva para recorrer la ciudad”.

El evento nació con la idea de promover la difusión del libro y el fomento de la lectura, además de impulsar la circulación de ideas. Todo ello en el contexto de construir una plataforma para

Y es que el grupo presentará una serie de textos de distintos autores y temáticas, orientados a los públicos más diversos. Todo comenzará el sábado 29 octubre a las 16 horas con el es-

La presentación durará 60 minutos y se realizará en la sala Acario Cotapos. Ese mismo día, pero a las 18:45 horas, será presentada “La noche de la usina” del escritor uruguayo Eduardo Sacheri.

El grupo editorial presentará una decena de textos de las más diversas temáticas durante las más de dos semanas que durará el evento más importante de las letras en Chile.

El mismo autor aterrizará en Chile para referirse a su novela, la misma que este año ganó el Premio Alfaguara. La exposición del dramaturgo se extenderá por 60 minutos y se llevará a cabo en la sala Camilo Mori. Casi una semana después, el viernes 4 noviembre, se presentará el libro “Ahora puedes verme” de Ignacio Rebolledo. En el grupo editorial lo describen como uno de los booktubers más destacados del país, quien acaba de publicar su primera novela juvenil. El estreno del texto será a las ocho de la noche en la sala Acario Cotapos y también se extenderá por una hora.

Veinticuatro horas más tarde, aunque en realidad será un poco menos, se realizará la presentación de “Código América”. El periodista y escritor Carlos Basso retoma la historia que “Código Chile”, uno de los libros más vendidos en Chile en el último tiempo y que se transformó en todo un fenómeno literario. La actividad se llevará a cabo en la sala Pedro de la Barra a partir de las 16:15 horas y se desarrollará por 60 minutos. A las 17:30 horas de ese mismo sábado 5 noviembre, pero en la sala Lily Garafulic, la Universidad Diego Portales y el grupo editorial Penguin Random House rendirán un homenaje a la obra de José Donoso, uno de los autores más

importantes de Chile y de las letras latinoamericanas del siglo XX. Ese mismo día, pero a las 18:45 horas, se presentará el libro “Los herederos de la tierra” del escritor español Ildefonso Falcones. El autor arribará a Santiago para estar en la FILSA y referirse al contenido de su obra que continúa la historia de la exitosa “La catedral del mar”. El novelista encabezará la actividad que dudará 60 minutos en la sala Camilo Mori. La última presentación que el grupo editorial tiene preparado para ese día se llevará a cabo a las 20 horas en la sala Camilo Mori. Allí Nona Fernández, una de 67

las voces más relevantes de la narrativa chilena actual, se referirá a “La dimensión desconocida” su último trabajo. Aunque el 6 de noviembre será el último día de la feria, Penguin Random House tiene preparada una gran cantidad de actividades. La primera de ellas partirá a las 16:15 horas cuando Jorge Rojas y Pablo Villagra presenten su libro “Es de roto”. Los autores llegan desde las redes sociales con un texto que de seguro le sacará varias sonrisas a los lectores. La presentación será en la sala Acario Cotapos y se extenderá por 60 minutos. En el mismo lugar, pero a las 17:30 horas, el grupo editorial y la Cámara Chilena del Libro realizarán otro homenaje. Esta vez al escritor Roberto Bolaño, en una actividad que coincidirá con el lanzamiento mundial de su novela inédita “El espíritu de la ciencia ficción”. En tanto, a las 18 horas, el escritor Jorge Baradit estará durante 60 minutos en la sala de las artes de la Estación Mapocho para presentar “Historia secreta de Chile 2”, uno de los libros más exitosos del año. La última actividad organizada por Penguin Random House será un cuarto para las siete de la tarde. A esa hora el ilustrador Alberto Montt presentará “Laura y Dino” su El lanzamiento se realizará en la sala Lily Garafulic y se extenderá por 60 minutos. Por Fernando Duarte M. 68

Mauricio Palma, coautor de “El secreto del s

“Es una historia cinemato la Guerra Fría latinoam en su máximo esplend

Durante 10 años dos periodistas investigaron un incidente que el 10 de sept protagonizaron barcos de la Armada de Chile en la bahía de Valparaíso. El h en una leyenda urbana y tuvieron que pasar cuatro décadas para que la verd

submarino”:

ográfica, mericana dor”

tiembre de 1976 hecho se transformó dad saliera a la luz.

MAURICIO PALMA RECUERDA QUE ESTABA EN EL COLEGIO, en Coquimbo, cuando escuchó por primera vez la historia del submarino que había sido hundido en la bahía de Valparaíso en 1976. El 10 de septiembre de ese año barcos de la Armada chilena estuvieron involucrados en un incidente que incluyó el lanzamiento de bombas que provocaron explosiones y torres de agua de más de 10 metros de altura. Las autoridades de la época señalaron que todo fue parte de un ejercicio naval en el marco de la operación Unitas, sin embargo, nunca hubo claridad respecto de lo que realmente ocurrió. Pasaron los años y por cosas del destino Mauricio terminó estudiando Periodismo ahí, en la capital de la Quinta Región. Pero el tema del supuesto sumergible nunca dejó de dar vueltas en su cabeza. En la Universidad Católica de Valparaíso conoció a Daniel Avendaño con quien entabló una relación de amistad y también profesional. “En 2006 hice un reportaje para TVN sobre el submarino, pero no querían transmitirlo. En esos momentos Daniel trabajaba en el diario El Observador de Quillota y nos pusimos de acuerdo en que publicara algo sobre tema. La nota generó tanto revuelo que tras retener el material por tres meses, el canal se vio obligado a emitirlo”, comenta Mauricio. El impacto que generaron las notas periodísticas, se tradujo en que ambos comenzaran a recibir cientos de datos e informaciones a través de correos electrónicos, cuestión que sería el comienzo de una investigación que se extendió

por 10 años. La misma que se transformó en “El secreto del submarino”, un libro de 185 páginas que contiene detalles inéditos de, como consignan sus autores en la portada del mismo texto, la historia mejor guardada de la Armada de Chile. -¿Qué hicieron con la información que fueron recibiendo? -Nos llegaron muchos datos útiles, pero también harto mito urbano de esos que se escuchaban en los bares del puerto. En todo caso no dejamos nada afuera, todo lo fuimos chequeando. -¿Y qué vino después? -Viajamos a unos 8 o 10 países, incluido Perú, que es de donde se supone que era el submarino. En total entrevistamos a unas 500 personas, entre ellos todos los comandantes en jefe de la Armada, después de Merino en adelante. Y la verdad es que nos obsesionamos con el tema porque en realidad es una historia cinematográfica, la guerra fría latinoamericana en su máximo esplendor. -¿Pero en estos 10 años hubo algún hecho que se transformara en un punto de inflexión para su trabajo? -Sí, una persona de manera anónima nos hizo llegar la bitácora del destructor Portales y eso fue muy gráfico porque ahí se mencionaba el momento en que se detectó el submarino. -El libro está muy bien escrito, pero más allá de su experiencia como reporteros ¿Habían hecho otro trabajo similar? -Cuando estábamos en la universidad escribimos la primera biografía de Miguel Enríquez, pero la verdad es que de ese tiempo 71

a esta parte nuestra manera de trabajar y escribir cambió mucho. Aunque lo que pasó con “El secreto del submarino” es curioso, porque está relatado por funcionarios de la Armada, quienes lo único que querían era contar esta historia. -Imagino que en estos 10 años les ocurrieron muchas situaciones anecdóticas… -Sí. En Lima, por ejemplo, nos siguió personal de inteligencia de la marina de guerra de Perú, algo que suponíamos que iba a pasar por el tema que estábamos investigando. Pero también pasaron otras cosas como que una vez se acercó un tipo que no conocíamos en un bar en Valparaíso para preguntarnos cómo íbamos con el libro. O como que uno de los personajes clave en la historia lo buscamos por mucho tiempo y no pudimos encontrarlo hasta que un día se sentó a mi lado durante un acto en el colegio de mi hijo.

-Ahora que terminaron la investigación ¿Qué creen que pasó realmente? ¿Era un submarino peruano o soviético? -El libro lo que propone son dos hipótesis y lo que busca es que el lector decida. Entregamos antecedentes y las personas que lo lean deberán sacar sus conclusiones. -Ustedes lanzaron el libro el 8 de septiembre ¿Qué ha pasado desde ahí? -Se ha producido un efecto de catarsis entre la gente de la Armada y muchos se sienten liberados con el tema. Imagina que lleva menos de un mes y ya va en la segunda edición. Y capaz que tengamos que poner anexos o incluir nueva información en cada capítulo porque hemos recibido datos que son maravillosos. -¿Cómo cuáles? -Como que por un mensaje directo en Twitter nos enviaron las coordenadas de dónde estaría

hoy el submarino. -¿Nunca dudaron de la recepción que tendría el libro? -No, estábamos seguros de que tendría éxito porque es la leyenda urbana de la que todo el mundo hablaba. En Santiago la historia rinde como fenómeno literario, pero en Valparaíso es una cuestión social. -¿Y qué viene ahora? -El 1 de noviembre vamos a estar presentándolo en la Feria del Libro en Santiago y después actualizarlo tal vez porque teníamos por lo menos 50 páginas más que hablaban sobre espionaje e historias increíbles entre Chile-Perú y Chile-Argentina. Pero de lo que sí estamos seguros es de difundirlo más porque nos encantaría que llegara a Perú, por ejemplo, porque es un acontecimiento muy importante del que no se sabía mucho hasta ahora. Por Fernando Duarte M.

FRIGHTENED RABBIT Pintando emociรณn