RUBRICA EDICIÓN 2 by Revista RUBRICA

AÑO 1 EDICIÓN 2

ColoresMayo

El arte del engaño

Alfredo Roagui

Guadalajara expresa

REDiseño

All City Canvas

Gabriela Alatorre

Inspiración Natural

Fashion Design

la red global del diseño

Diseño entre fibras 32

Lic. Héctor Manuel Robles Ibarría Rector Lic. Claudia Robles Morales Vicerrectora Académica Lic. Marco Antonio Robles Morales Vicerrector Administrativo Lic. Julieta Moreno Valadez Coordinadora de la Lic. en Diseño para la Comunicación Gráfica

ARTE Y ESTILO Diego Armando López Huacuja Andrea Angeles Eguiluz Luis Cruz Ramírez Ileana Lizbeth Flores García Patricia Medina de Anda Gustavo Ortíz López Soledad Ramírez González Alexis Reynoso y Fraga

LDCG. Óscar Vélez Leal Director / Editor

FOTOGRAFÍA Abraham Barba Barba Rodrigo Hernández Martínez Gabriela Pedroza Balderrama Saúl Rodríguez Martínez Jazmín Ivette Romo Campos

Soledad Ramírez González Jefa de Departamentos

Pensar con tipos

Color a tu look

Tutuni

Sensaciones Visuales

Reciclado de graffiti

Diseñando la Comunicación

Diseño en Gastronomía

El Mexicano un ser creativo

Me cambió el color

Adobe Creative CS6

PREPRENSA Israel Alejandro Ramírez Roldán Nestor Joseph Álvarez Campos Ernesto Contreras Villalobos Rodrigo Ketzally Coria Vargas Gabriel Cortés Sierra Edgar Antonio Ibarra Mercado César Said Ortíz Zamora Jesús Alfredo Parra Hernández

VENTAS Marisol Rodríguez Trillo Mayra Shantal Avila Gómez Sergio Daniel Cortés Vázquez Mayra Fernanda Jiménez Lozano Karla Gabriela Linares Villanueva Karen Rocío Martínez Rojas Yara Elizabeth Sandoval Solís Yeanette Anahí Trejo Terrones

RELACIONES PÚBLICAS Cristina Martínez Avendaño Miriam Lizeth Cortés Plasencia Bertha Angela Navarro Moranchel Alejandra Recillas Perales Claudia Ivette Solís Esparza

COLABORADORES Alma Carolina Quintanilla Kanter Octavio Francisco García Prado

PROYECTO MULTIDISCIPLINARIO ASESORES LAV. Evert Arrañaga Fotografía Publicitaria

LDCG. Francisco J. Ramírez Juárez Costos y Presupuestos I

LDCG. Aydeé M. García Mejía Serigrafía / Rep. de Proyectos II

LCC. Elsa González Alatorre

Mercadotecnia I / Lectura y Redacción

LD. Rocío del Carmen E. Arévalo R. Estética

Lic. Enrique Llamas Mercado Legislación del Diseño

RUBRICA, publicación semestral, Número 2, editada por los alumnos de 5to. “B” turno matutino de la Licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica de la Universidad Enrique Díaz de León (UNEDL), ubicada en Av. Enrique Díaz de León Sur No. 324, Col Americana, C.P. 44100, Guadalajara, Jalisco. Tiraje de 1,000 ejemplares. Registros en Trámite. Impresa en Guadalajara, Jalisco, México. Julio 2012.

quí les presentamos la 2da. Edición de RUBRICA, una revista elaborada por los alumnos de 5to. “B”, turno matutino de la Licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica de la Universidad Enrique Díaz de León; proyecto multidisciplinario que ha sido el resultado del trabajo en conjunto de talento y dedicación en cada uno de los temas aquí presentados. Bajo la temática del Color y Textura, ambos términos importantísimos para la expresión gráfica, esta edición nos muestra la forma en la que podemos encontrar estos elementos dentro del DISEÑO, dejando en claro que son factores determinantes para las reacciones emocionales de quienes los perciban dentro de algún diseño único e innovador.

Es por eso que la mezcla de ambos nos lleva a encontrar equilibrio y ritmo obedeciendo los principios básicos del Diseño. La tarea no ha sido sencilla, quienes son responsables de la realización de RUBRICA 2, se fijaron la meta de mejorar el anterior número, dejando un nivel de calidad difícil de igualar, heredando una meta muy alta a quienes continúen con la tarea de sumar más ediciones a esta revista. Ver impresas RUBRICA 2da. Edición y Azul XXIII han marcado el fin de un ciclo profesional y el inicio de nuevas expectativas profesionales, de modo que ambas revistas las llevaré como parte de mi aprendizaje y experiencia en lo que me ha tocado vivir como profesional del Diseño para la Comunicación Gráfica. Mi mayor objetivo siempre ha sido inculcar en los futuros diseñadores, el hambre de seguir aportando ideas nuevas a las necesidades y exigencias del diseño gráfico, evolucionar y educar nuestro ojo para crear cosas que lleguen a impactar al público. Acatando este ideal, les comparto mi necesidad de seguir buscando nuevos caminos que me ayuden a plasmar mis ideas en otras áreas de trabajo, sin olvidar claro, el espíritu de los alumnos de diseño gráfico que tanto he disfrutado. Agradezco a quienes han hecho posible que éste y otros productos editoriales que se realizaron en lo que llevo dentro de esta institución como docente.

LDCG. Oscar Vélez Leal Director / Editor

COLORES

MAYO POR: LUIS CRUZ // ISRAEL RAMÍREZ // ERNESTO CONTRERAS

FOTOGRAFÍA POR: LUIS CRUZ

Evento cultural que recurre a los expertos en diseño gráfico.

Cuyo origen data por primera vez del año 1998, la ciudad de Guadalajara Jalisco fue el escenario propicio para ver el surgimiento de un evento inigualable como lo es el Festival Cultural de Mayo. La Fundación J. Álvarez del Castillo teniendo la inquietud de contar con un espacio de esparcimiento e intercambio cultural entre países del mundo entero, elige como punto medular la ciudad de Guadalajara, con el apoyo del Gobierno del Estado de Jalisco a través de la Secretaria de Cultura, los municipios e iniciativa privada. Contando con una trayectoria de más de 15 años, el Festival Cultural de Mayo desde sus comienzos centró su objetivo en la activación de la economía Jalisciense, así también, brinda muestras artísticas de calidad mundial como música, cine, danza, plástica, artes escénicas, animación callejera, entre otras más.

FESTIVAL CULTURAL DE MAYO

CULTURA QUE

SE PALPA

Considerado como uno de los principales foros de expresión artística en nuestra ciudad, sus directores y coordinadores nos ofrecen de manera amable y con la mejor disposición un panorama a la realización, difusión, publicidad e identidad de esta décima quinta edición del FCM.

Para situarnos en el origen y transmitir una visión más clara, el fundador y director el maestro Sergio Alejandro Matos opinó lo siguiente: “se necesita proyectar en esencia lo que se quiere, cada festival se realiza con cariño, ilusión, trabajo, para que luzca lo planeado y llevarlo a la práctica en cada una de las actividades”. El Festival de Mayo se ha ido consolidando paulatinamente como una de las festividades más importantes en Guadalajara, ya que reúne a miles de personas en los diversos escenarios que son montados en los municipios de la Zona Metropolitana. De esta forma, el tiempo en el que dura este festival se pueden ver danzas, obras teatrales, cantantes, exposiciones de pintura y escultura entre muchas cosas más siendo un buen pretexto para visitar esta ciudad en el mes de mayo. Por lo tanto, la elección del país invitado jamás es una decisión personal, tiene que ser absolutamente fría y bien pensada, basado en lo que el país puede aportar culturalmente y con el presupuesto que el país aporta a los artistas, “por lo general una nación te lleva a otra siguiendo la tendencia, porque no puedes ir en contra de ella” nos comenta el maestro. No se busca resaltar algo en especial, lo que se requiere es que se note el trabajo que se realiza para lograr el festival, renovando cada año, con mejora continua cada edición.

coloresmayo

“ El color es una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo, causada por una longitud de onda luminosa.” Isaac Newton Para esta edición XV, Porfirio Torres ( Postof ) diseñador que realiza la imagen institucional del Festival, nos comenta que la colorimetría utilizada en la imagen fue determinada mediante los pantones oficiales del país invitado a sugerencia de los organizadores, sumando a esto, las nuevas tendencias del color que se utilizan actualmente en eventos similares. En cuanto a la relevancia que se vio en este último Festival de Mayo, se tuvo la aceptación del pantone oficial base (azul 293) con la multigama que se maneja en el circo. Este establece una perfecta armonía en todos sus contrastes, cabe mencionar que este pantone tiene una aleación perfecta con magenta y que a la suma de cálido con frío permea su posicionamiento visual.

Para determinar el color que representará a cada país, independientemente de los colores oficiales, Porfirio nos comenta que se basa en su historia, las diferentes etapas que fueron determinantes para llegar al color actual, de hecho procuró sutilmente tomar en cuenta los colores de las regiones más importantes del país invitado para posicionar aun más su presencia, esto puede pasar inadvertido por nosotros pero para la parte invitada no, afortunadamente identifican este esbozo de su patria. “ Québec fue una elección difícil, ya que por su clara independencia con Canadá, no debía utilizar colores que llevaran a esa unión, sin embargo, debía unificar en él la gama de ambos, es por eso que elegí un rojo basado en las 17 regiones que se hermanan con este color ” nos comparte Porfirio.

coloresmayo

Retomando la cita de Newton, el color nos produce muchas sensaciones, sentimientos, diferentes estados de ánimo, mensajes, nos expresa valores y situaciones. Sin embargo, no existe más allá de nuestra percepción visual. Su referencia es exacta y precisa no deja vacío alguno, esta referencia ha sido trascendental y tomada para varios estudios científicos, coinciden en esta aportación y con base a ello es importante tomar con precisión la paleta que goce de equilibrio en nuestro diseño. En cuanto a texturas, se pudo ver la nieve, su blancura, frialdad y pureza a través del blanco, un sincretismo de la cultura quebécua, sumado a esto, se atribuyó la hospitalidad y alegría que ofrecen sus habitantes aderezado de su buen humor. Para la siguiente edición que se tendrá a Francia, se espera contar con la textura del terciopelo, puede sonar a cliché, pero no podemos negar que no deja de seducirnos la palabra “amor” al referirnos a Francia. En cuanto a colores se contará con una paleta de tintos, púrpuras, chocolates con leves toques de verde olivo. Una gama muy refinada y exquisita que provoque un estado en el que la pareja juegue un papel importante, un compartir, el disfrute bohemio y la presencia de este ilustre y culto país.

“ Mayo es una fecha estratégica en todos los ámbitos administrativos, artísticos por presupuestos estatales y la necesidad de tener un evento cultural de tan amplia trascendencia como la justa actual donde el color y textura son factores diferenciales de Rubrica Segunda Edición, son el preámbulo donde la sinergia de esta revista especializada y este festival convergen ”.

Alfredo Roagui

Ilustrador y Orgullosamente Tapatío Por: Karla Linares

Amante de la ilustración, Alfredo Roagui nos comparte su experiencia en esta área a través del Diseño Gráfico con su participación en distintas exposiciones y colaboraciones en publicaciones impresas dentro y fuera del país.

Fotografía por: Nancy Samano

En sus inicios, Alfredo nos comparte que la ilustración llegó a su vida incluso antes de decidir estudiar diseño gráfico, fue cuando le llegó la idea de cambiarle la vestimenta a sus personajes favoritos, por lo que los redibujaba con los cambios, incluso los mutaba de escenarios teniendo una facilidad para dibujarlos. Sin embargo, el estudiar diseño gráfico fue con la intensión de explotar las formas de comunicar, no solo a través de las ilustraciones, con una idea y un lápiz se pueden hacer grandes cosas, “así es como empieza la aventura del diseño”.

“En la emoción llevas el color” Alfredo Roagui

En cuanto a sus exposiciones nos comparte que su trabajo ha llegado a París, esto fue posible al intentar participar en un concurso local de cartel, donde ni siquiera salió en los primeros 10 lugares, sin embargo, tiempo después lo llamaron del Distrito Federal para poder llevar su trabajo a participar a un estado de la República, en ese momento no pudo ir por motivos personales, “creí que había perdido la oportunidad”. Más tarde lo contactaron a través de su página web un grupo de ilustradores de Francia, “mandé mi material y después de una semana me llegó la invitación formal para ser parte de la exposición y así fue como estuve en París, a través de mi trabajo”. Ahora, se encuentra trabajando en más ilustraciones, esperando que sigan trascendiendo sus creaciones a lo largo del mundo entero.

Inspiración Roagui “Lo que me inspira son momentos que me hacen feliz, por ejemplo, estar con mis amigos, hermanos, mis trabajos y experiencias tanto buenas como malas”. Aunque también nos comparte que una buena canción o un postre son motivo para inspirarlo a ilustrar. “últimamente los pecados capitales han sido mi fuente de inspiración (risas), debo admitirlo que me divierte mucho esta situación”.

“Con sólo una idea y un lápiz se pueden hacer grandes cosas”

TONOS VIBRANTES Alternativa en trajes de baño para disfrutar del sol...

POR: OSCAR VÉLEZ LEAL

Con la mezcla de los distintos estilos de vida alternativos e inspirado en las mujeres independientes nace RAVE, la nueva marca de trajes de baño para dama, la cual busca posicionarse como la 1er. línea que viste a la mujer contemporánea bajo un concepto innovador con diseños y colores actuales para disfrutar los días de sol. Su creador, Raúl Vélez ha tomado el electro hipster y los tonos vibrantes como una de sus principales inspiraciones para crear estos trajes de baño, consciente de los gustos y la figura de la mujer actual, la cual tiene una opinión muy clara respecto a lo que quiere usar, “se ha diseñado pensando también en la comodidad, no hace falta tener un cuerpo de diez para apuntarse a esta tendencia, basta con elegir la pieza correcta”, admite. RAVE ofrece a las mujeres una gama de trajes de baño diferente a lo que comúnmente se ve en las tiendas de competencia, “toda mujer tiene algo en su cuerpo que no le gusta y todas quieren sentirse sexy, por ello RAVE las enfoca hacia lo positivo y eso se logra con los cortes y proporciones que la marca ofrece”. La imagen de la marca ha sido desarrollada por el Diseñador Gráfico Oscar Vélez, utilizando los conceptos de independencia, autonomía y comodidad que la marca presume, dando este resultado que denota que la moda no sólo hace sentir bien a la mujer sino que le permite expresarse. RAVE estará en el mercado en julio próximo dejando a la vista una nueva tendencia en trajes de baño para mujer, todo a un precio de lanzamiento.

“ No hace falta tener un cuerpo de diez para apuntarse a esta tendencia, basta con elegir la pieza correcta”

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POR: CRISTINA MARTÍNEZ

Posicionada como una de las publicaciones más importantes para los amantes del diseño, la revista bimestral “Rediseño” muestra al lector contenidos clave sobre las nuevas tendencias de diseño gráfico, industrial, de interiores, multimedia, ecológico, y muchos más, forjándose como una importante referencia para los nuevos creativos de Guadalajara y México.

REDiseño es una de las revistas más importantes en el mercado

Cabe mencionar que Rediseño es la encargada de organizar el festival internacional de Diseño llamado Design Fest que anualmente se lleva a cabo en nuestra ciudad, y donde se convocan a miles de diseñadores de todo el mundo para hablar sobre esta disciplina creativa en sus distintas vertientes.

Esta revista, reúne a través de su red de asociaciones a diseñadores tanto nacionales como extranjeros, centros de diseño, universidades, profesionistas en diversas áreas del diseño, publicaciones similares y a su red académica, para cubrir la diversidad de opiniones, buscando abarcar las expectativas de sus lectores.

REDiseño.com

Tradiciones prehispánicas forman parte de REDiseño Nace del interés por adentrarnos en los nuevos cambios y formas de expresión.

Facebook.com

Ricardo Duarte Mendez, gestor cultural, curador, museógrafo, crítico y especialista en arte moderno y contemporáneo mexicano, especialista en artes populares mexicanas; ganador de múltiples premios por su arduo trabajo en el medio, formó parte del comité editorial de la revista Taxi, la cual se distribuye en México y en algunas ciudades de Europa. Actualmente participa como Secretario de cultura de Tonalá; es invitado a formar parte del comité editorial de la revista REDiseño.

Ricardo Duarte comparte su experiencia y conocimiento dentro de REDiseño

¿Cómo conociste REDiseño? Solicitaron la presencia del municipio de Tonalá por medio de un stand en Expo Guadalajara con motivo del Design Fest, así fue como Pop Tonalá participó, es un proyecto de la Dirección de Cultura del Municipio que contempla, explora y explota todas estas cualidades del arte cerámico regional. El diseño es una herramienta vital para muchos creadores en Tonalá. Así fue como recibí un llamado por parte del consejo editorial de la Revista REDiseño para formar parte.

En tu experiencia y como parte del Consejo Editorial de esta revista, ¿Crees que un cambio ayude a mejorar la calidad de la publicación? Si, la publicación editorial a pesar de ser una revista especializada en diseño no cumple con los objetivos de éste, ya que no llama la atención incluyendo a personas afines a los temas o artículos contenidos en esta revista. Su diseño es muy institucional y no se arriesga a jugar con más elementos, colores, formas o tendencias actuales; pues ya que tiene un patrón a seguir. ¿Has participado en algún otro proyecto referente a diseño editorial? Participé como parte del consejo editorial de la revista Taxi Art, distribuida en México y ciudades de España, fue una muy buena experiencia ya que la tendencia del diseño y el arte van de la mano en cualquier ciudad del mundo, a partir de ahí, fuí invitado por la Fundación Carolina de España para realizar una investigación y diálogo entre catorce museos del mundo, como el Museo del Prado o el Reina Sofía en Madrid.

“La tendencia del diseño y el arte van de la mano en cualquier ciudad del mundo”.

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All City

CANVAS en la

All City CANVAS POR: ALEXIS REYNOSO

Espacios públicos y edificios céntricos de la ciudad de México, fueron intervenidos por 9 artitistas urbanos en el marco del festival All City Canvas 2012. Artistas de renombre mundial procedentes de Alemania @HERAKUT, Ucrania @INTERESNI KAZKI, España @ARYZ, y @ESCIF, Bélgica @ROA, Portugal @VHILS, Estados Unidos @EL MAC y los Mexicanos @SANER y @SEGOVAL, quienes dieron vida a las paredes de 9 emblemáticos edificios históricos de la ciudad de México creando piezas de gran impacto llenas de color y textura, con el estilo y sello de cada uno. All City Canvas sobrepasó las expectativas de los organizadores y el público en general, llamando así la atención de la gente y no sólo de los seguidores del arte urbano, sino también por los medios de comunicación.

Fotografía por : Alexis Reynoso.

x SANER x EYOS DSR x México D.F.

@SANER

www.saner.com.mx

Nos comenta: “Lo que voy hacer es una interpretación de México, pongo algunos símbolos y signos que son importantes dentro de una nación y al final la idea es pintar un corazón en la punta que será como el anhelo de la unión como nación, con los problemas que están pasando ahora”. .

Victor Celaya

(Organizador del evento)

“El evento tiene como objetivo, unir esfuerzo como movimiento alrededor del mundo en un sólo lugar en una semana y acercar el arte urbano a la población para que lo entiendan como obra de arte y no como vandalismo”.

@VHILS www.alexandrefarto.com Intervino a tan sólo una cuadra de Bellas Artes, quien trabajó con el material que se encuentra en la calle, plasmó en el edificio “Dolores” el rostro de una mujer que conoció en un mercado mexicano.

@EL MAC

www.elmac.net Pintó la cara de una mujer que lucha en pro de los derechos humanos. No lo completó como él deseaba, ya que a días de terminar el evento, tuvo que salir de viaje a Cuba para crear otro mural.

@ARYZ www.aryz.es Dibujó sobre el muro del Hotel Madrid, que por problemas de logística comenzó con su pieza los últimos días del festival, con un mural impresionante siendo el artista más joven y con gran espectativa del público.

INSPIRACIÓN

NATURAL POR: SOLEDAD RAMÍREZ // SAÚL RODRÍGUEZ

FOTO: ERNESTO CONTRERAS // SOLEDAD RAMÍREZ // SAÚL RODRÍGUEZ

La naturaleza es un libro abierto, en el que nos podemos sumergir y abstraer infinidad de conocimiento; sin embargo, no todos somos capaces de interpretar lo que ella sabiamente nos ofrece. Aprendemos a descifrar mensajes que inspiran a diseñar un mundo paralelo, construido con base a: texturas, colores, formas y figuras. Desde el principio de su existencia el ser humano se ha maravillado de la misma belleza de la naturaleza, la sensibilidad ante lo natural lo ha llevado en ocasiones, a tomar como inspiración desde lo más simple hasta lo sublime que puede existir, desde el paisaje más excelso, la mariposa más caleidoscópica o la nube más blanca y suave. La próxima vez que necesitemos inspiración observemos el inmenso mundo de posibilidades que la naturaleza tiene para nosotros.

Cada color es un

sentimiento… Más allá de un fenómeno físico producido por la luz, el ser humano tiene la capacidad de darle una interpretación propia al color. Vassily Kandinsky mencionaba que al percibir el color entran en juego nuestras propias vivencias y sensaciones, inclusive basados en algunos recuerdos. De ahí vienen aquellas frases de “La vida color de rosa” o esas sensaciones que nos produce al observar un tono. La naturaleza nos ha otorgado la virtud de poder apreciar el color como un ente en la comunicación de sensaciones y emociones. Nos demuestra que el color tiene una capacidad comunicativa comparable con la palabra. Esta apreciación de los colores se basa en una coordinación complicada de procesos físicos, fisiológicos y psicológicos. Los griegos de la antigüedad, consideraron a este elemento como una ciencia, sin dejar de percibirla como una filosofía profunda, pues ambos aspectos van de la mano. Desde esas civilizaciones hasta nuestros días, la constante relación del hombre con el entorno natural ha logrado que el color contenga un esencia propia, conciben el azul serenidad del cielo, el negro enigmático de la noche, el verde fresco de los campos, el árido y cálido amarrillo de los desiertos, el blanco gélido de los glaciares y el rojo intenso de la sangre. Por ello, al hacer un buen uso de los colores logramos enriquecer los datos que están siendo presentados para añadirles otra dimensión.

“De los animales somos alumnos en lo más importante: de la araña el tejido y el zurcido; de la golondrina en la albañilería… del cisne y el ruiseñor, en el canto por imitación.” Demócrito, filósofo griego.

Una sensación, una superficie… La textura es una de las principales cualidades físicas y estéticas de la materia; consigue transmitir sensaciones de aspereza, rugosidad, suavidad y tersura, etc. Si observamos atentos alrededor de nosotros encontraremos una gran variedad de decorados en la superficie con cualidades táctiles y visuales distintas, mismas que ayudan a crear una impresión, efecto o percepción particular a cada elemento, evocando sensaciones que provienen de nuestra experiencia táctil: áspero, suave, dureza, elasticidad. Logra una adaptación personalizada de la realidad añadiendo dimensión y riqueza al diseño. La textura es un factor determinante e importante en la respuesta emocional de un usuario a un diseño. Equilibrio, proporción, ritmo, acento y color son los principios básicos, y ésta es una mejora necesaria. No debemos temer al experimentar con combinaciones poco probables. La clave del éxito es mezclar la textura con aspectos favorables como figuras, formas, líneas, ilustraciones, telas, papel y color. La sinergia entre textura y color puede duplicar la efectividad de la trasmisión de mensajes, acoplar estos dos elementos puede dar resultados fascinantes y polifacéticos, enriqueciendo la comunicación visual y sensorial.

Tenemos como fuente de creatividad al mayor de los referentes, la naturaleza, pues ella tiene las soluciones a diversos problemas que se presentan, de aprender a observar las riquezas visuales que ella nos ofrece podríamos encontrar aplicaciones de nuevos materiales, tejidos, estructuras y retículas, composiciones, mecanismos, esquemas de color, nuevas texturas, figuras y formas atractivas. El diseño se ha convertido en un instrumento poderoso que forma estilos de vida y tendencias que influyen en el desarrollo de la mayoría de los aspectos de nuestras vidas. Mismo que inspirado en la naturaleza, permite a los usuarios sentirse más conectados o relacionados estrechamente con el entorno natural. De esta forma alternativa de encontrar inspiración natural, no sólo se queda en la intensión, pues existen también el Eco Diseño, por ejemplo, el cual tiene como principal función crear con base en materiales no contaminantes, ofreciendo que el entorno en donde se dispersa tenga armonía. Así también, existen las formas altruistas de ayudar al ecosistema, una de ellas es la fundación de Green Peace, la cual a través de su publicidad persuade al público para mantener una conciencia hacia los problemas que afectan la estabilidad de la naturaleza o la preservación de las especies. Igual que el diseño editorial enfocado al medio ambiente nos invita no sólo a disfrutar del texto con tendencias ambientalistas, sino que el impreso es sobre materiales reciclables o bien, tintas hechas a base de agua que enaltecen el objetivo del diseño ecológico, apoyar al medio ambiente. Estas y otras formas de ayudar a cuidar el medio ambiente han inspirado al diseño, de ahí la necesitad de apoyar estas formas verdes, de cuidar y amar lo que el entorno natural nos brinda a través de la creatividad de los diseñadores.

EL Arte del ENGAÑO POR: PATRICIA MEDINA DE ANDA // ABRAHAM BARBA BARBA.

“N unca

dejes de probar , y tu publicidad

nunca dejará de mejorar .” David Ogilvy.

No es fácil tener buenas ideas para la publicidad teniendo en cuenta que la principal función es vender algún producto o servicio de forma creativa y eficaz al consumidor, esperando influir en su decisión en el momento de la compra. De modo que nosotros los diseñadores gráficos, tenemos la tarea de encontrar la forma más creativa y viable para impactar al consumidor y recordarle el producto o servicio cada vez que necesite de éste. Suena sencilla la función de la publicidad, pero va más allá de una fotografía que impacte, colores llamativos, sustratos, texturas o relieves exagerados, mejor aún, tiene que ver con una doble comunicación, lo que se percibe visualmente y lo que me provoca al verla. La creatividad puede penetrar más allá de los sentidos, entra en juego el cerebro y la realidad interior, el marketing creativo se entiende como la capacidad especial para cambiar la realidad exterior del consumidor.

“La mercadotecnia estudia, analiza,

identifica y proporciona información a la publicidad”.

“La creatividad no es necesariamente inventar algo nuevo, pero si, de una percepción mental nueva”.

“COMUNICAR SIN PALABRAs” En primer lugar, la fotografía se encuentra en los niveles de iconicidad más altos. Esto contribuye a facilitar la identificación, tanto del producto, servicio o idea, hasta con los personajes y sus acciones dentro de la fotografía. Se reconoce fácilmente el producto, sus beneficios, sus usos y/o el público al que se dirige.

El poder de la imagen sin palabras, nos da a conocer el producto por medio de mensajes subliminales y mantiene cierta pregnancia en los espectadores para reforzar el impacto de las palabras, éstas son una de las mejores maneras de captar la atención, ilustrar una idea o aumentar el atractivo de las comunicaciones. Hoy en día, gracias a los avanzados softwares de edición de imágenes, la fotografía adquiere unas posibilidades de diseño y composición casi ilimitadas. Es por esto y por todo lo anterior, que la fotografía es la técnica más utilizada en publicidad gráfica.

Diseños únicos Alegría, impacto, repudio, antojo, morbo y hasta lujuria es algo de lo que nos puede llegar a provocar la publicidad, efecto único de la creatividad y buen manejo de los medios que utiliza un típico diseñador gráfico. Es crucial darle rienda suelta a todo lo que el creativo se le ocurra hacer para vender el producto, ahora en cualquier parte de la gran urbe, podemos encontrar publicidad en cualquier

presentación, forma, tamaño, color y espacio. De modo que nuestra tarea como diseñadores gráficos pide más que sólo “picarle un rato” al diseño que se imprimirá, sino idear la forma en que la impresión sea en el material adecuado, en el producto o lugar idóneo, incluso hasta el momento exacto en el que el cliente sea más susceptible para darse cuenta del

impacto publicitario. Todo esto y más, hace que la publicidad se vuelva cada vez más compleja, pues el consumidor al ser expuesto ante una publicidad creativa, es difícil volver a impresionarlo, cada vez se necesita de un gran potencial creativo para formar ideas nuevas e innovadoras para que los clientes apuesten por vender su producto como ninguna marca antes lo había hecho.

La publicidad es la mayor forma del arte del siglo XX “Convierte algo con apariencia ordinaria en algo asombroso para todo el mundo”. 29

Guadalajara Expresa POR: EDGAR IBARRA // ALFREDO HERNÁNDEZ

“El diseñador gráfico vive de su creatividad”.

Linyera El nombre de LINYERA, en Sudamérica se le atribuye a los vagabundos; en México le llaman a un palo con un trapo amarrado en un extremo que a veces utilizan los vagabundos, siendo esto un emblema para el significado para la revista, ya que busca hacer que la sociedad se interese por el arte tapatío.

“Los diseñadores somos cirujanos de la imagen”.

Entrevista con el diseñador Alberto Arreola “El gallo” Entendiendo la necesidad de crear una publicación que resalte el arte urbano de la ciudad de Guadalajara, el Diseñador Gráfico Alberto Arreola mejor conocido como “El Gallo” nos comparte lo que es “Linyera” y su aportación en ella. Linyera es una revista impresa que habla sobre las vertientes del Diseño Gráfico, como el diseño editorial, ilustración, fotografía, imagen corporativa, entre muchas cosas más, esperando que el público se interese en las nuevas propuestas que muestran los jóvenes diseñadores y las viejas técnicas de esta área gráfica. De igual forma, Alberto Arreola nos comparte la necesidad de llevar el arte a las calles de Guadalajara, admirarlo y apreciarlo como merece, siendo una oportunidad para incentivar la creatividad de quienes tienen la posibilidad de verlos en el entorno urbano. Con base en esta necesidad, la revista “Linyera” quien a decir de su diseñador utiliza un estilo urbano que no interfiera en plasmar la información expuesta, de forma que se podrán ver desde garigoles hasta tipografías simples en los textos largos, y muchos atractivos más dentro del impreso. Cabe mencionar, que para el apoyo del diseño se cuenta no sólo con Alberto Arreola, sino también, con la colaboración de su amigo Yair, mismo que sugiere estilo y formas que hagan de la revista una buena propuesta para ser leída por los amantes del arte y las expresiones gráficas. Finalmente, Alberto nos comparte sus expectativas en cuanto a Linyera, ya que su publicación formal fue el pasado febrero del 2011, “a corto plazo esperamos que se sostenga del patrocinio, a mediano plazo me gustaría contar con más colaboradores como personal de ventas y aumentar el tiraje ya que actualmente se publican dos al año”.

Digital Art

Estas imágenes son algunos carteles publicitarios de algunos patrocinadores de la revista Linyera, hechos por Yahir Vázquez, encargado de la edición de imagen de esta publicación impresa a través del grupo Digital Art, mismas que pueden ser vistas dentro de su página de facebook. http://w w w.facebook .com/pages/Linye ra/201580813223384

Por: Yair Vázquez

Fotografía: Gabriela Pedroza

POR: ANDREA ANGELES // GABRIELA PEDROZA // ANGELA NAVARRO.

Como profesional de la expresión y comunicación gráfica, el diseñador encuentra en el ramo textil un área de oportunidad al encontrar el algodón, tejidos, estampado, corte y confección de telas y texturas que inciten a la creación de diseños originales que se adaptan a las necesidades del consumidor, sin dejar de lado las tendencias en la moda. El diseño textil corresponde a la elaboración de productos como fibras, hilos, tejidos con propiedades y características específicas con fines comerciales que usualmente se encuentran en las tiendas de moda.

Pieles de animales, colores de la naturaleza, formas que sin pensarlo, dan vida a nuestro entorno y son precisamente las herramientas que inspiran al diseñador textil a crear cualquier tipo de tela haciendo especial alguna prenda. Puntos, rayas, manchas, líneas, animales, siluetas, son sólo algunas de las formas que nos encontramos en diseño textil. Cuando adquirimos alguna prenda, sin duda, antes de pensar lo funcional que puede ser, nos fijamos en el corte, forma, talla, estampado o color, eligiendo de entre miles de ellas tal vez, una que nos gustó por identificarse con nuestra personalidad o forma de vestir. Esta característica es pensada todos los días por los diseñadores textiles, quienes ponen mucha atención a lo que los consumidores prefieren y necesitan.

Cualquier objeto que se tope en nuestro paso, puede ser importante para ayudar a darle ese plus a un diseño. “Formas, puntos, rayas, manchas, líneas, animales, siluetas, son sólo algunas de las formas que nos encontramos en diseño textil”.

“Formas que sin pensarlo, dan vida a nuestro entorno”. 33

“La libertad que tiene la mente del diseñador para crear grandes cosas con el uso de colores y texturas de telas”.

Aquí les presentamos algunos ejemplos de diseñadores que han tomado como referencia para crear algunos modelos en telas o estampados. Esta artista es un claro ejemplo de la libertad que tiene la mente del diseñador para crear grandes cosas con el uso de colores y texturas de telas. Louise Saxton actualmente, mantiene una exposición en el Santuario en Heide Museum of Modern Art Merlbourne, en Australia, donde se exhiben aves e insectos representados con retazos de telas como tejidos, encajes, sedas y algunas más.

Dicha exposición evoca una sensación de recogimiento y pérdida de potencial, según palabras del autor quien refiere en cuanto a su trabajo; “Se basa en las tradiciones y reinterpreta el hogar de última generación que me rodeaba con un máximo de crecimiento, como la de tejer, crochet, bordado y acolchado”.

Por lo anterior, comenta que su trabajo consiste en rescatar y reconstruir los restos de una casa para el arte y en la última década esto ha incluido varias instalaciones de gran tamaño hechas de sobres con dibujos de negocios de todos los días, fondos de pantalla de época y, más recientemente, la costura heredada de los demás. Así es como podemos ver patrones motivados por las artes decorativas de algunas culturas orientales y occidentales, dejando como reflexión un cambio en el contexto del arte contemporáneo. Finalmente, Louis comenta: “Mi cuerpo de trabajo actual reinterpreta la historia natural y pinturas botánicas, lo que refleja la pérdida potencial de ambas especies en el mundo natural y las tradiciones dentro de la casa”.

www.visualarts.net.au/gallery

“Mi cuerpo de trabajo actual reinterpreta la historia natural y pinturas botánicas”.

D. I.

Revelación Fotográfica POR: ALEJANDRA RECILLAS // RODRIGO HERNÁNDEZ // SHANTAL AVILA

La fotografía es una ventana a un universo de imaginación y posibilidades, donde podemos crear y transformar nuestra propia realidad de una manera más artística, y esto es precisamente lo que Gabriela Alatorre nos presenta en su trabajo, mismo que trataremos en esta edición. Gabriela Alatorre, fotógrafa tapatía formada en la licenciatura en Artes Audiovisuales, cuenta con Diplomado en Técnicas avanzadas de Fotografía, pintura al óleo y diferentes cursos de diseño; ha participado en varias exposiciones colectivas y su trabajo ha sido publicado en blogs y revistas de fotografía como The Flood, Creative Arts and Culture Zine, Empty Kingdom, Youinside.Me y Tónica.

Al momento de tomar una fotografía, Gabriela generalmente parte de conceptos o ideas bastantes simples, que en su mayoría están vinculadas con la imagen femenina combinado con un poco de fantasía y mucho color. Como buen artista, encuentra su fuente de inspiración en el trabajo de otros grandes artistas y fotógrafos, entre los que destacan Rodney Smith, David Hamilton, Graciela Iturbide, Robert & Shana Parkeharrison, Ryan Mcginley, por mencionar algunos. A pesar de que su estilo fotográfico es muy peculiar, no le gustaría encasillarse o enfocarse en un mismo género por completo, todo lo contrario, siente que tiene muy poco tiempo en esta industria y le gustaría experimentar, probar diferentes estilos artísticos de la fotografía que expandan sus conocimientos a nuevos horizontes.

Por eso, no suele pensar si su trabajo es algo artístico o no, finalmente el espectador es quien decide y tiene la última palabra respecto a eso, ya que lo principal es hacer algo honesto y realizar sus ideas sin importar mucho en qué categoría se incluya su trabajo mientras que el resultado final sea satisfactorio para ella. Un artista siempre plasma su sello característico en cada obra y para Gabriela, al tomar una fotografía no solo es importante, sino inevitable involucrar sus sentimientos ya que estos de algún modo la guían.

Foto: Ulises Tarin Modelo: Ana Chinas

FASHION

DESIGN

POR: KAREN MARTÍNEZ // MAYRA JIMÉNEZ // ILEANA FLORES

Diseño, Moda e Historia El ciclo de la moda es corto y cambia prácticamente dos veces por año. La persistencia de las mismas características se especifican durante varias temporadas, responde al nombre de tendecia. Ésta evoluciona durante una década aproximadamente, y llega a desarrollarse por completo, se llama estilo.

Cuando un diseñador de modas muestra su colección al mundo, se refleja en cada una de las prendas no sólo la esencia de su visión sobre algún tema, sino que tiene que obedecer reglas de oro del mundo de la moda que dicta el consumismo, diseñando ropa que es utilizada por personalidades del mundo del espectáculo creándose fama y renombre entre las altas firmas de ropa. Por eso, el diseñador Reyes Trigueros nos comenta sobre su nueva colección, inspirada en el folklore, colores del entorno en donde vive, la música y el alma de México. “Las tendencias de esta temporada son colores frescos, que indagan en la naturaleza del momento, vivos y fuertes; una gama de colores naturales” nos comparte Reyes al hablarnos sobre las tonalidades de esta su nueva colección. Hablando sobre su gusto por el diseño de modas, nos da su opinión sobre esta profesión, “para mí es un juego artístico, que fluye desde tu alma hasta hacer de tus pensamientos que lleva a transformar lo que deseas ver y crea”. Al preguntarle sobre su inspiración nos platica que le gusta escuchar música, ver artes en general y sobretodo observar la naturaleza, la textura y formas de los animales, plantas y colores del mundo que nos rodea.

De igual forma, le preguntamos ¿Cuál era la forma de poder identificar sus diseños? a lo que nos respondió sin meditarlo, “siempre busco reflejarme en lo que quiero ver”. Pensando en el área laboral de un diseñador de modas nos comentó que para él, ser diseñador mexicano no es un impedimento, “los límites los ponemos nosotros”, es por eso que sus creaciones tienen que ver con que te sientas cómodo con tu cuerpo, o bien, te ayude a identificar tu estilo. Finalmente, nos comenta que en el diseño de modas se hace la confección de la ropa, en el diseño gráfico o el arte que va plasmado en la ropa, en ambas se requiere de mucha creatividad y precisión, así se logra algo novedoso.

Foto: Ulises Tarin Modelo: Ana Chinas

1950 Ropa cómoda dando lugar a la ropa juvenil, dejando atrás el lujo Borges. 1960 Las flores fueron el principal símbolo, nacieron las patas de elefante y las camisas hindú. 1970 Surgió la ropa diferente, divertida, extravagante, cabello corto en formas geométricas. 1980 La ropa interior visible. Colores fuertes, estampados y hombreras gigantes. 1990 Se usaba maquillaje recargado y pantalones harem. 2000 Pantalones de tiro bajo, tops y ojotas. 2011 Ropa con cortes modernos, donde los accesorios agregan el color.

Pensar con TIPOS

Por: Joseph Álvarez // Marisol Rodríguez // Yeanette Trejo

Diseño y Composición La tipografía, actividad destinada al diseño y composición de la letra impresa, está unida al lenguaje de manera inextricable, pues las letras componen palabras, y las palabras son vehículos de la comunicación. Si cambiamos la apariencia de una palabra, alterando el tamaño, grosor, espaciado y estilo de las letras que la componen, cambiamos su forma de comunicar y entran en juego nuevos matices de significado. El texto ha evolucionado desde un cuerpo cerrado y estable hacia un ecosistema fluido y abierto, cuyos atributos, grano, color, densidad y silueta, pueden ajustarse de maneras infinitas. Muchas de las personas que trabajan en conjunto o relación con algo que tenga que ver con un tipo, se hacen a la referencia de cual es el adecuado para determinar de modo visual y austero una forma de distinción. La sintaxis visual es uno de los modos primordiales para amplificar el uso característico para la forma de la tipografía que se determina.

Algo que muchos optan al realizar un modo de tipo, es sólo por el hecho de realzar significativamente el trabajo o lo que se está produciendo, sin dejar atrás la legibilidad. Para esto tiene como objetivo hacer nuestro texto funcional, es decir, fácil de leer y llamar la atención, el peso tipográfico muchas veces es una bomba que te favorece o de verdad perfidia tu trabajo, es decir un tipo demasiado ligero no se distingue oficialmente y por el contrario una pesada alenta.

Perfidia: Es una forma de engaño, en la que una parte se compromete a actuar de buena fe.

Inextricable: Se aplica al asunto que es complicado o confuso (intrincado).

¿Qué hacer? ¡Me sentiré profesor por un rato! Lo primero que se debe realizar en cualquier cosa que determines realizar y para trabajar con tipos, es: 1. Obviamente qué realizarás 2. Determinar qué tipo de producto editorial es (revista, invitaciones, tarjetas de presentación, manuales, comic, etc.). Siempre debes de visualizar la temática, en resumen ¿para qué es? 3. La selección de la tipografía, determina qué caracteres tienes abiertos y bien proporcionados con cierta regularidad en su trazo (diferente y doc.), tipo de remate, ya sea clásico o palo seco, los caracteres irregulares rebuscados y decorativos se recomiendan en textos muy breves o capitulares. 4. Anchura, estrecha o condensada, la mejor forma de ahorrar espacio ya que extendida requiere más E S PA C I O .

Ojo: Las cursivas e itálicas de-

ben usarse con prudencia para resaltar partes del texto. A gran cantidad dificultan la lectura, las mayúsculas solo consumen más espacio y alentan la lectura. Letras con serif, la legibilidad es la misma pero su carácter es distinto, obviamente los terminados y medidas la determinas tú. El registro completo de un tipo latino hoy en día, es de 185 signos, y para su preparación y desarrollo sistemático debe partirse de una base sólida y homogénea. La belleza formal y el juego caligráfico no bastan, sin embargo, para crear una tipografía útil a escala internacional, hay que tener en cuenta sistemas de composición modernos y los equipos asistidos por ordenador. El acabado que se da a una tipografía y el uso que se hará de ella, son las cuestiones centrales del perpetuo proceso de creación, basándose en un perfecto conocimiento de la tipografía y sus exigencias históricas. La creación de un caracter tipográfico, sobre todo si es de un tipo usual, es una tarea compleja que no puede basarse únicamente en consideraciones estéticas. Hacer que las cosas formen un todo, para crear siempre nuevas tonalidades y nuevas composiciones en el ámbito de la escritura y el diseño de tipo, asímismo para su uso.

Verla nacer, darle cariño para que crezca, corregir sus defectos o terminar por aceptarlos y al final dejarla ir.

“ Así es diseñar tipografía ”

Color. . . A tu look POR: CLAUDIA IVETTE SOLÍS ESPARZA El color es uno de los códigos de comunicación no verbal más importantes, nos remite a sentimientos determinados. Azul marino o gris denotan autoridad, posiciones de poder. El café se dirige a poder medio, posiciones burocráticas, choferes, escoltas de seguridad. Un azul claro o medio, significa tranquilidad. Amarillo brillante denota alegría. Rojo es pasión o sentimiento de ira. Verde es estabilidad y equilibrio de la naturaleza. Estos significados tienen razones de ser, están ligados con la psicología del color, siendo necesaria para el estudio de imagen personal. El tener conocimiento sobre el tema, no solo ayuda a decidir correctamente el color de la vestimenta, también influye en los colores que son adecuados para nuestro tono de piel, cabello, etc.

Cuando ubicas un color cerca del rostro, puede favorecerte al aportarte luz, pero también, puede pejudicarte. Por instinto, sabemos que colores nos quedan, ya que desde pequeños vemos que unos nos hacen lucir mejor y saludables; en cambio nos opacan y nos hacen lucir mal. Aún así, existe toda una teoría que nos puede ayudar a saber cuáles son los colores que nos quedan. La principal característica para saber qué color nos favorece es el tinte. El tinte es la cantidad de amarillo o azul que un color tiene y que nos divide en cálidos (mayor cantidad de amarillo) o fríos (mayor cantidad de azul). El truco es poner en armonía el tinte de los colores a utilizar cerca de la cara, con el tinte del color natural de nuestra piel, ojos y pelo. De esta manera también podrás entrar en una categoría de cálido o frío. Esta será tu carnet del color.

La principal característica para saber qué color nos favorece, es el tinte.

Cálidos & Fríos

Si dos características de las partes de tu cuerpo coinciden en la misma cronometría sabrás qué tipo de persona eres en cuanto al color. Otra forma de saber, es observar que pasa con tu piel cuando vas a la playa, si eres de las que soporta el sol y rápido tomas un tono bronceado que te dura mucho tiempo, eres cálido; si por el contrario, tu piel es muy sensible y te tienes que cuidar mucho porque ardes y te pones roja, seguramente eres fría. Los colores, formas y texturas también afectan a la percepción física que tienen los demás sobre tí, aquí unos consejos prácticos para verse más alto y delgado.

Cabello: Cálido: Café, castaño claro, dorado, rubio oscuro. Frío: Negro, rubio platino o cenizo, café cenizo.

Utiliza: Colores oscuros y opacos en la ropa. Un sólo color de pies a cabeza. Patrones en rayas verticales. Pantalones largos, rectos y lisos. Manga ¾ o manga larga. Zapatos y pantalón del mismo color. Cuellos en pico, halters y escotes bajos. Pelo corto o recogido.

Piel:

Evita:

Cálida: Morena, beige, dorada, caoba. Fría: Clara, marfil, rosa, aceituna.

Colores claros y brillantes en tu ropa. Patrones en rayas horizontales. Pantalones que cubran los zapatos, anchos o acampanados. Pantalones pesqueros o a cuadros. Cuellos redondos o de tortuga. Tejidos rígidos o voluminosos. Sombreros. Cinturones anchos o de colores contrastantes. Cabello con mucho volumen o fleco.

Ojos: Cálidos: Cafés, miel, verdes profundo. Fríos: Negros, azules, verdes, grises, violetas.

TUTUNI

Joyería y Accesorios de papel

Fotografía por: Tutuni

POR: LIZETH CORTÉS // YARA SANDOVAL // SAID ORTÍZ

FLORES DE PAPEL Cada una de sus creaciones, están inspiradas en formas orgánicas en su mayoría flores, una combinación perfecta para el éxito de Tutuni, su originalidad, creatividad y a una mentalidad emprendedora, que inició de un proyecto escolar, y desde entonces ha ido abriéndose paso. Esto se debe al arduo trabajo de sus creadoras; Angélica de la Rosa, Emma Arriaga y Victoria Valencia, tres jóvenes diseñadoras potosinas.

¿Qué significa la palabra Tutuni? Surge del prefijo Tutu que en lengua huichol significa “flor de peyote”, esta cactácea se dá en el altiplano del estado y es usada en ceremonias religiosas por los habitantes de la región. Todos los accesorios están inspirados en formas orgánicas, mayormente flores y sus colores, reinterpretamos la forma y figura, englobamos todos estos elementos y buscamos el nombre para la marca, así es como encontramos el prefijo, el resto fue jugar un poco para que fuera pregnante y suave.

¿De dónde nace la idea de crear accesorios de papel? Durante la licenciatura, precisamente en una semana dedicada al diseño, dónde los alumnos podiamos comercializar o bien presentar trabajos realizados en cada una de las carreras. Nos reunimos un grupo de compañeras y cada una presentó diferentes aplicaciones en papel, de hecho eran restos de papel que nos quedaban en las entregas de taller.

Originalidad, creatividad y mentalidad emprendedora.

¿En qué se inspiran para realizar cada uno de sus diseños? En la naturaleza, en los colores, a veces en tendencias de la moda.

¿Por qué es tan importante para ustedes reciclar? Porqué ponemos nuestro granito de arena para no tener residuos o bien solo haciendo bulto, porqué es mas económico reciclar que comprar.

¿Tiene algún accesorio favorito dentro de sus colecciones? Cada uno de los accesorios, significa algo especial, algunos son caprichos nuestros o son los accesorios que sí nos pondriamos, otros son gustos de amigas, clientes y por lo mismo también son favoritos. Algunos otros nunca salieron a la venta en colecciones pero se hicieron por algún sentimiento y/o razón.

¿Qué sienten cuando su trabajo es bien recibido en otros estados?

Diseño con Papel

Emoción, motivación, es muy grato ver la reacción de las personas al ver el trabajo detallado de cada una de las piezas, nos ayudan a generar nuevas ideas.

¿Hay algún diseñador que admiren? Sí, tenemos varios gurús en diseño y en específico diseño con papel, admiramos lo que trasmiten, que a fin de cuentas nosotras también intentamos transmitir emociones con los accesorios, algunos son Alejandro Magallanes y Yulia Brodskaya.

¿Conocen a otros diseñadores o grupos que realicen objetos de papel? Si, gracias a la maleabilidad del material, es amplio el catálogo de propuestas, algunos de ellos son: Nel Linssen, Kiff Slemmons y Mark Langan.

¿Qué proyectos aguarda Tutuni en el futuro? Proyectos, tenemos varios en puerta, exposiciones, colecciónes, materiales de reuso, colaboraciones, pronto sabrán de nosotras.

Algún mensaje o anécdota que quisieran compartir: El día en que nadie nos creyó que se podía hacer una empresa de diseño de joyería con papel.

¿En dónde podemos adquirir un accesorio Tutuni? San Luis Potosí: Tauro 136 Fracc. Central Casa Grande. Universidad 220 Centro Histórico Museo Laberinto de las Ciencias y las Artes. Tangamanga I. Querétaro: Hecho a mano y más. 5 de Mayo No. 6, Centro Histórico Guanajuato: Chick*le. Campanero No. 8, Centro Histórico Distrito Federal: MUMEDI. Madero No. 74 Centro Histórico, Bazares de diseño 52

“Alguien nos dijo un día que no podíamos tener una empresa de diseño de joyería con papel.”

D SEÑ

GASTRONOM A POR: JAZMÍN IVETTE ROMO CAMPOS // GABRIEL CORTÉS SIERRA // GUSTAVO ORTÍZ LÓPEZ

El diseño no tiene límites y puede abarcar diferentes áreas. Imagina regresar a una época evocativa de tu vida, donde puedes recordar con exactitud los olores, colores, texturas, sensaciones; donde cada segundo es invocado y degustado por un solo sentido. En los últimos años hemos visto como la creatividad rompe tabúes, ideologías y ha jugado con nuestros sentidos para darnos ese plus en la vida; ese momento donde ser niño regresa. Ahora bien, el diseño gráfico también se ha llegado a involucrar en la gastronomía para hacerla atractiva visualmente y lograr tener impacto en el cliente.

Gerardo Montoya Guerrero Profesor de Gastronomía de la Universidad Enrique Díaz de León egresado de la licenciatura en Gastronomía y Hotelería, Alta Cocina, Cocina Mediterránea, además cuenta con diplomados en repostería y decoración.

En los años 70´s la gastronomía comenzó a tener un realce a través de la Nueva Cocina, años más tarde se tomó una forma simétrica; para los 90´s , gracias a la revolución en el país Vasco con Chefs españoles, se hizo la propuesta de dar a conocer ésta nueva cocina, juntándose para hacer nuevos diseños y darle un toque moderno a sus platillos, de ahí surge lo que vemos en la Gastronomía. Así como Milán, Tokio, Nueva York y París para la moda y el vestir, España lo es para los alimentos. Ellos están a la vanguardia y la Gastronomía Mexicana se basa en lo que los españoles van dictando en el arte culinario. Desde los años 70´s se le ha dado más importancia al diseño. Hay chefs muy importantes a nivel internacional que no sólo son ellos los que se involucran en un platillo, sino se unen a un equipo de Químicos, Físicos, Matemáticos, Diseñadores Industriales, de Moda y Gráficos, para darle una mejor presentación a los platillos . En el siglo XVII se hacían banquetes fenomenales en los cuales se les tomaba mucha importancia a lo visual, incluso en el periodo del renacentista en Italia, escultores y pintores se dedicaron a la elaboración y decoración de platos y cubiertos,

Leonardo Da Vinci fue uno de ellos. Muchos pintores ayudaron a impulsar la gastronomía a través del diseño de copas de cristal cortado, “una copa de bacara en cuanto al arte.” Actualmente, saber lo que estéticamente está bien, se puede ver en revistas, nuevas tendencias, congresos de chef profesionales, todo para obtener información de vanguardia en la gastronomía. Hoy en día, se están empezando a despertar nuestros sentidos a través de las texturas y sabores. Para poder diseñar un platillo, Gerardo nos comenta que primero se analiza ¿Qué es lo que tengo, en qué voy a emplatar? ¿Cuáles son los ingredientes? ¿Qué tengo para saber qué hacer? ¿Qué objetos poseo? Hay que darle mucha importancia al eje principal, nuestro platillo tiene que lucir y los demás ingredientes tiene que acompañar, apoyar en texturas, colores, sabores más no opacar a nuestro elemento principal. “Uno de los principales fundamentos en los que me baso, es que tenga un punto focal, el platillo debe decir por dónde comenzar. Si tienes un taco de carnitas con salsas y ensaladas, el punto focal es el taco y sus acompañantes son elementos integrantes que resaltan el producto final. Otro de los fundamentos es el color. No deben de ser colores monocromáticos, hay que jugar con ellos. Hoy en día, se utilizan las flores y brotes

Fotografía por: Zaira Gabriela Pedroza Balderrama Patricia Lizbeth Medina de Anda

de diversos vegetales para darle importancia a los elementos naturales que ayudan a la salud. “Una manzana roja, bonita, con un color vivo, puede ser el ingrediente principal en una ensalada, mezclada con unos brotes de lechuga hace que se vea fresco y antojable”. El profesor en Gastronomía nos platica la importancia de manejar una imagen dentro de algún punto de abastecimiento de comida, “los colores tienen un significado, incluso, los restauranteros están concientes de ello, por eso manejan una imagen desde el espacio en donde se colocan a los comensales, hasta el menú que usualmente tomamos para elegir, incluso hasta la vestimenta de los meseros”. La temporada. Hay que elaborar un platillo de acuerdo a la temporada de nuestros alimentos, para que bajen los costos y los productos sean frescos, tengan buen sabor y sobre todo mantengan su color y textura. Como Chefs, diseñamos con base al equilibrio visual y contraste en nuestros platillos, obviamente en el manejo del color. El diseño se ve reflejado en los platillos, incluso el interiorismo y ambiente del restaurant. “No puedo hacer una comida mexicana si mi restaurant tiene estilo árabe”, todo va relacionado en la gastronomía; hablando meramente de diseño como industrial que desde la cocina mantiene cierto orden para facilitar al Chef diseñar dichos platillos, así como el diseño de interiores, moda y gráficos.

El color es el matiz visual que va a reflejarse en el plato, por ejemplo, las frutas y flores comestibles (pétalos) son una buena opción de hecho es lo que se está utilizando hoy en día. Nosotros al tener una ensalada de lechuga monótona al colocarle unas flores frescas texturizadas y coloridas nos hace visualmente agradable la ensalada. Las flores se comen, obviamente todo lo que te pongan en el plato es comestible en cuanto a decoración. El color es la parte visual que como cliente me atrae y además puedo ver texturas siendo los distintos modos que hay de sentir en el paladar dentro de un platillo, por ejemplo un pastel de tres leches sencillo que cuando lo comemos se nos hace normal, pero si al mismo pastel se le pone nueces y se rellena con una mermelada y en lugar de betún

se le coloca un betún de merengue caramelizándolo empezamos a tener textura. Al comer este pastel descubres que al morder la nuez, o comer el betún de merengue tu paladar tiene sensación y empieza lo interesante descubriendo la textura misma que hay en la gastronomía. Hoy en día, se ha alejado un poco de la psicología porque antes se tenía que poner colores cálidos para la ansiedad de hambre. Hay diversidad de colores en los restaurantes como uno que tenga colores fríos o viceversa, “el tragón donde quiera va a comer, eso no importa”. En cuanto al color en un platillo es muy variable dependiendo del Chef. Gerardo nos comenta que a él le gusta utilizar tonalidades cálidas, me gustan mucho los colores rosas y morados en sus

gamas. También, los verdes porque me remite mucho a mi tierra. “Lo verde para mí representa lo bendito que es esta tierra que nos da de comer, yo creo que si nos morimos de hambre es porque somos tarugos”. Lo atractivo visual sí influye definitivamente en un platillo que está bien representado ya que se antoja, desde el color y textura del producto. El profesor nos comenta que a sus alumnos les dice “le faltó al platillo más estética o está mal distribuido y me quieren justificar con decir: -pero está bueno-, lo importante es que esté delicioso y que visualmente sea atractivo para que puedas vender, de lo contrario aunque esté muy rico pero estéticamente feo pues no lo vas a comer, en efecto si el platillo está bien decorado visualmente y

Fotografía por: Jazmín Ivette Romo Campos

la comida sabe mal de todas formas vendes, aunque no debería ser así porque no volverán a consumir”. Es por eso que se deben de tomar en cuenta las dos características: lo visualmente estético y el buen gusto. La finalidad de diseñar un producto con textura es que no sea monótono, que el cliente vaya descubriendo esas sensaciones. Hay un movimiento que se llama Slow Food (la comida lenta) que surgió en Italia, una de las finalidades de dicho movimiento es educar el paladar, yendo a las escuelas llevando una gran cantidad de productos para que los niños prueben, debido a que se está perdiendo el contacto directo con lo táctil del paladar; por ejemplo, probar algo crujiente, chicloso, suave, en fin diversas texturas, colores y sabores. Finalmente, cabe mencionar que si hablamos de color y textura en los ingredientes, el chocolate es uno de los preferidos, pues además de que puede ser un material moldeable, su sabor es inigualable y se posiciona como uno de los favoritos de la gente. El cacao, es uno de los productos que suele darse en diversas partes de México, debido a que tiene un color original y una textura única. Fotografía por: Gustavo Ortíz Lopéz

“EL OBJETIVO DE DISEÑAR UN PLATILLO CON TEXTURA Y COLOR ES CREAR ALGO ÚNICO”

Me cambió el

COLOR

POR: SERGIO CORTÉS

Hace tiempo estaba editando una fotografía en photoshop, metiendo filtros, borrando esos barritos, dándole luz, contraste, etc. Después de unas horas terminé y decidí que la tenía que imprimir… a la hora de ver la impresión, me doy cuenta que los colores que yo manejaba eran distintos a los que se plasmaron en el papel y molesto le reclamé al impresor sobre el cambio de colores y lo único que me

contestó fue ¿en qué modo de color hiciste la fotografía? y yo como un principiante que era, no le supe contestar. Muchas veces hemos oído hablar sobre esos modos de color, o los hemos visto en los menús del photoshop, o a la hora de ir a imprimir, misteriosamente, el impresor nos cambió de color; esto debido a que no nos damos cuenta cuál es el sistema de color que tiene nuestro archivo.

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Para poder identificar y no nos vuelva a pasar esto necesitamos saber cuáles son y para qué son cada uno: Empezamos por el que vemos más seguido el RGB, lo llamamos así por sus siglas en ingles (Red, Green y Blue) es por de más decir que los colores que utiliza este modo son el rojo, verde y azul. Este método es el que usa el monitor para mostrarnos sus colores y también es el predeterminado de las cámaras digitales.Posiblemente ya sepas esto, pero es indispensable no olvidarlo pues créeme que se nos seguirá cruzando por el camino y si no sabemos usarlo nos causará muchas discusiones con el impresor y con los programas. El modo que más utilizamos como diseñadores a la hora de ir a imprimir es el CMYK (Cyan, Magenta, Amarillo y Negro) también conocido como impresión cuatricromía, este es el formato más importante que debemos conocer cuando enviemos documentos a imprimir.

Fotografía por: Gustavo Ortíz López

Lo que debemos de entender en esto es que el RGB son colores luz mientras el CMYK son pigmentos. CMYK es simplemente una gama limitada de pinturas; solo contamos con 4 colores y todos los dem谩s resultan del producto de mezclar en ciertas proporciones 茅stos 4 colores. El pantone se trata de colores que se pueden mezclar usando una f贸rmula escrita bajo cada muestra de color. Aunque la f贸rmula sea la misma cada vez que buscas hacer el mismo color resultan algunas variaciones entre una mezcla y otra. Ahora que ya conocemos sobre los modos de color depende de nosotros saber utilizarlos para ya no sorprendernos o discutir con el impresor.

Sensac.ones visua.es POR: SAÚL RODRÍGUEZ // GABRIELA PEDROZA Fotografía por: Jazmín Romo Saúl Rodríguez Gabriela Pedroza

La textura es un factor determinante y una mejora necesaria en la respuesta emocional a un diseño, porque se toma en cuenta el equilibrio, proporción, ritmo, acento y color, siendo estos los principios básicos del diseño gráfico. 61

RECICLADO DE GRAFFITI POR: KETZALLY CORIA

Entendiendo que el Graffiti es una forma de expresión urbana, Roberto Marco Aguirre Gutiérrez aporta la idea de reciclar el graffiti creando figuras orgánicas aprovechando los colores y formas ya existentes por otros artistas en los muros de las principales calles de la ciudad. Egresado de la licenciatura en Artes Visuales orientadas a la pintura, Roberto cuenta ya con una trayectoria de 15 años en el medio de la pintura urbana, por lo que nos comparte que su técnica consiste en agregar rayas y formas puras del graffiti tradicional sobre pinturas que ya existen, dándoles un plus a estas nuevas imágenes. Este artista encuentra en este arte urbano una raíz donde surge todo y logra sentirse cómodo para expresar todo lo que tiene que decir con colores y formas. De igual forma, dice que necesita analizar la superficie la cual será modificada por nuevas formas que bien, pueden ir desde animales hasta paisajes y estampas de la vida urbana. Al preguntarle sobre lo que espera transmitir en sus obras señala “espero crear impacto, es por eso que hago gran formato, dejar en claro que no somos los únicos, resaltar que en la misma naturaleza viven más seres y de esta forma concientizar por medio del arte la preocupación por nuestro entorno”. Cabe mencionar, que el artista nos comenta que es de vital importancia elegir el lugar idóneo para colocar dicha pintura, pues siempre se busca que el impacto de la obra tenga el resultado en el público ideal.

Fotografía por: Abraham Barba.

“Si tienen algún sueño, luchen por el” Roberto Marco Aguirre Gutiérrez

FotografĂa por: Abraham Barba Barba Modelo: Irene Moya Madrigal

DISEÑANDO LA

COMUNICACIÓN POR: ALMA CAROLINA QUINTANILLA KANTER

Me pidieron escribir mi opinión y experiencia que he vivido en esta segunda edición de Rúbrica, por lo que me complace tener esta oportunidad de comunicar lo que significa para mí el DISEÑO viéndolo desde un punto de vista en la licenciatura de Ciencias de la Comunicación. Siendo casi una egresada de esta última carrera, he llegado a valorar lo que significa el diseño gráfico para un comunicólogo, no sólo porque requerimos de algunas fotos o vectores para la página de alguna revista o periódico, sino porque se requiere de una conciencia y sentido creativo para darle una presentación adecuada y agradable a lo que nosotros como comunicólogos escribimos. Por eso, he llegado a la conclusión de que los diseñadores también son comunicadores visuales, porque se dedican a difundir conceptos a través de imágenes, fotografías, formas, colores y texturas un mensaje que para los que nos dedicamos al periodismo necesita de una estructura de un párrafo o tal vez más. Cada vez que veo a un diseñador y me pide asesoría para algún escrito me dice: “Yo no sé escribir”, -y yo siempre les contesto-, “no te preocupes, yo no sé utilizar el Photoshop, Indesign o Ilustrador”. Pero lo que sí sé, es que un diseñador gráfico depende totalmente del mensaje, y éste, lo estructura un comunicador que a su vez es enviado por un acontecimiento que necesita ser transmitido al público. Este ciclo vicioso se repite cada vez que hay una noticia, información o circunstancia. Cuando regreso de visitar alguno de los salones en diseño, me preguntan mis amigos de comunicación, ¿a qué vas a diseño, qué puede haber allá que te llama tanto la atención?, entonces con una sonrisa siempre les contesto, -siempre que voy, me encuentro algo nuevo… Creo que, independientemente de subir, ver y saludar a mis amigos y compañeros de Diseño, mi necesidad de ir con ellos es porque me gusta admirar y conocer lo que es diseñar, me interesa ver su poder de síntesis que hacen en cada cartel, logotipo, revista, etcétera. Me gusta participar en su disciplina pensando que lo poco o mucho que les pueda ayudar, siempre lo haré con base en mis conocimientos en la profesión que amo, las Ciencias de la Comunicación, creyendo que no existe una rivalidad entre ambas, sino más bien, una dependencia innata, necesaria y exquisita que muestra a ambas partes las vertientes de la creatividad, producir y al escribir, hablar o estructurar un mensaje.

SER

El mercado Mexicano no se rige

Gente que ve una realidad transformada y diferente que no existe

CREATIVO

a su tiempo

TIEMPO Establece, el ritmo creativo

por cantidad si no por calidad

CREATIVO Equilibrio y estabilidad que provocan sensaciones visuales

Armonía

Nadie es profeta en su propia tierra

Mexicana

EXPORTACIÓN

..12.....1 . . . 1 .. .1

se ignora a quien diga que en MÉXICO no hay gente CREATIVA

1 0 . ...

En los últimos años se ha desarrollado más arte = más artistas

TAPATÍA

tierra .. . 2 ...

Inventó en 1940 un sistema para transmitir televisión en color, el sistema tricromático secuencial de campos.

Guillermo Camarena

ILUSTRE

El mexicano debe desarrollar una sensibilidad para contemplar el trabajo de los diseñadores nacionales, ya que estos entregan su corazón de forma lógica al analizar las necesidades del cliente de forma estética.

todo mundo

sólo es un segundo x hora

e e r

dis

or d a eñ

Ignorancia

¿creatividad? irónicamente no toda la gente sabe de ella

Se dice que esa chispa de creatividad

POR: NÉSTOR JOSEPH A. ÁLVAREZ CAMPOS

ADOBE

Imágenes por: Serial thriller

POR: DIEGO LÓPEZ

CREATIVE SUITE CS6 El nuevo software Adobe® Creative Suite® 6 te ofrece una experiencia completamente nueva en creación de medios digitales, permitiendo trabajar a gran velocidad. Por primera vez, las aplicaciones de CS están disponibles a través de Adobe Creative Cloud™, te ofrece una gran flexibilidad de descarga e instalación, además de acceso a aplicaciones adicionales, nuevas funciones y servicios.

Novedades Adobe Flash Professional CS6

Adobe InDesign CS6

En este último lanzamiento, Adobe® Flash® Professional CS6, nos brinda un entorno ergonómico, ideal para la elaboración de animaciones, con esta nueva versión podrá generar instantáneamente hojas sprite exportando símbolos y secuencias de animación que mejoran su rendimiento y flujo de trabajo.

Adobe® InDesign® CS6 a aumentado su función de maquetación versátil con sus nuevas aplicaciones, como diseño alternativo, mismo que nos permite trabajar en orientación vertical y horizontal desde un mismo panel de páginas, esto sin dejar de brindar un excelente control de diseño y tipografía permitiendo crear maquetaciones de alta calidad.

Adobe Photoshop CS6

Adobe Illustrator CS6

Esta nueva versión de Adobe® Photoshop® CS6 ofrece imágenes de última generación, un excelente rendimiento, nuevas opciones creativas como la plataforma para 3D, herramientas rediseñadas y la posibilidad de multiplicar su productividad, guardando los archivos más grandes de Photoshop en segundo plano.

En esta última versión, Adobe® Illustrator® CS6, obtenga líneas limpias, ajustes perfectos y resultados convencionales, convirtiendo imágenes rasterizadas en vectores editables con sus nueva función Calco de Imagen, además utiliza el nuevo sistema de rendimiento Adobe Mercury Performance System, el cual le permite trabajar con rapidez y estabilidad.

VIVE EXPERIMENTA Y CREA CON ADOBE CS6

Adobe Dreamweaver CS6

Adobe Premiere Pro CS6

En esta última versión, Adobe® Dreamweaver® CS6, le proporciona una plataforma adecuada e ideal para la creación y edición de apps para dispositivos móviles y sitios web, los cuales se podrán elaborar con mucha más fluidez gracias a su rendimiento mejorado de FTP, el cual permite cargar archivos grandes con mayor rapidez y eficacia.

Esta última edición, Adobe® Premiere Pro® CS6 combina un rendimiento increíble con un conjunto de nuevas funciones como el Estabilizador de deformación, el Recorte dinámico de la línea de tiempo, la Edición multicámara ampliada y las Capas de ajuste, además de su nueva compatibilidad con cámaras ARRI Alexa, Canon Cinema EOS C300, RED EPIC® y RED Scarlet-X.

Adobe Fireworks CS6

Adobe After Effects CS6

Con Adobe® Fireworks® CS6 experimente su compatibilidad mejorada con CSS, exporte diseños con hojas de estilo externas en un solo paso, extraiga código CSS desde el panel de Propiedades y cree sprites CSS a partir de composiciones de diseño.

Esta nueva versión Adobe® After Effects® CS6 le permite realizar efectos visuales cinemáticos y gráficos en movimiento más rápido que nunca con la nueva caché de rendimiento global.

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Rocket Por: Diego López

75 Seclusion Kls in Personal

Ribbon Por: Dan Gneiding

Fancy vector graphics

JEFE: Israel Ramírez

Ernesto Contreras

Joseph Álvarez

Edgar Ibarra

Gabriel Cortés

Alfredo Parra

Ketzalli Coria

Said Ortíz

Departamento de

Preprensa

Departamento de

Arte y Estilo JEFE: Diego López

Soledad Ramírez

Luis Cruz

Alexis Reynoso

Patricia Medina

Andrea Angeles

Gustavo Ortíz

Ileana Flores

JEFE: Abraham Barba

Gabriela Pedroza

Departamento de

Fotografía

Rodrigo Hernández

Jazmín Romo

Saúl Rodríguez

JEFE: Cristina Martínez

Angela Navarro

Departamento de

Relaciones Públicas Alejandra Recillas

Ivette Solís

Miriam Cortés

JEFE: Marisol Rodríguez

Mayra Shantal Avila

Sergio Cortés

Fernanda Jiménez

Karla Linares

Karen Martínez

Yara Sandoval

Yeanette Trejo

Departamento de

Ventas