RGB 15 diseño industrial by RGB revista

RGB #

Edición especial DISEÑO INDUSTRIAL

Abril — Julio 2015

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EDITORIAL por Néstor Rocha

El diseño puede hacer que México prospere, active su economía y salga adelante con los retos que implica vivir en el siglo XXI, eso y más –estoy seguro– podemos hacer a través de él, claro, desde la perspectiva de un diseñador tiene sentido decirlo, pero si no estuviéramos inmersos en este ámbito, ¿opinaría lo mismo? Hemos llegado a quince números de la revista RGB y que mejor forma con este especial de diseño industrial, en el cual retratamos el momento actual que vive no solamente México, sino América Latina, con esta nueva generación de diseñadores que están resolviendo situaciones reales mediante nuevos materiales, ergonomía, distribución, ideologías y, sobre todo, necesidades de los usuarios de algún objeto, mobiliario, vehículo y un largo etcétera que en el que incide directamente el diseño industrial. Como tal no es un arte, pero estamos en una época en la que dicha disciplina está siendo reconocida por los grandes coleccionistas y museos del mundo, no queda duda de que estamos frente a un área que todavía no se agota y, por el contrario, la veremos como una de las nuevas manifestaciones sobre las que el humano, a través de la materia, puede crear emociones o experiencias, y como bien lo citó Christian Vivanco –invitado de honor para este número–: “falta salir a la calle y mirar a nuestro alrededor, entender el mundo que habitamos, comprender a los otros actores en la escena y saber qué es lo que ellos realmente necesitan, y solamente entonces empezar a diseñar”. Espero que disfrutes este número que cuenta con la presencia de distintos proyectos, en la sección Red y Green Light, que van desde diseño automotriz, cerámica, objetos, mobiliario o incluso artistas del modelado 3D. En la Blue Light encontrarás textos de buenos amigos e interesados en el tema. Ya estamos a meses de celebrar nuestro cuarto aniversario, con el segundo especial de “Denuncia al Artista”, preparando la mejor edición de la revista que puedas tener en tus manos y esto es gracias a ti, que sigues apoyando este esfuerzo colectivo, aunado a preparar la mejor fiesta a la que hayas asistido. Arte para todos.

Instagram: nestor_rrg

DISTRIBUCIÓN Encuenta la revista RGB en:

Portada y retratos págs. 2, 7, 8, 13, 15 y 36 Roberto Sánchez robertosanchez.mx DIRECTORIO Director Néstor Rocha Editor Cristina Cuéllar Comunicación Cecilia Orozco Ventas Gabriela Sandate Redacción Leticia Zwittag Webmaster Josué Reyes Diseño editorial Néstor Rocha Equipo de audiovisuales Enfoque Machín (Olaf / Khalil) Brenda Ramírez Elizabeth Pérez Pepe Juárez Joaquín Loustanau Arturo Contreras Diego García Consejo editorial #15 Guadalupe Nogueira Sandra de la Rosa Amadeo Medina Saadi Jiménez Juskani Alonso Agradecimientos Dulce Mireles Carolina Quintanilla Fé de erratas Fotografías de RGB 14 pág. 54 autoría de Jocelyn Sánchez RGB revista se imprime en:

Bóvedas Bar Simón Bolivar 500, Zona Centro, SLP. Studio 52 Madero 325, Zona Centro, SLP. Bike One Himno Nacional 925, Col. Las Águilas, SLP. Prodis Av. Dr. Salvador Nava 350, SLP. El Nido Simón Bolivar 636, Zona Centro, SLP. Mueblería Interno Amado Nervo 1300-B, Colonia Polanco, SLP. La Peluquería Vallejo 965, Barrio San Miguelito, SLP. Pro Alarmas 1º de Mayo 125-B, Barrio de San Sebastián, SLP. Callejón 7B Universidad 153, Zona Centro, SLP. La Legendaria Libramiento Sur 720, Colonia Garita de Jalisco, SLP. TCD Centro de Impresión Hernán Cortes 322, Colonia Jacarandas, SLP. Museo de Arte Contemporáneo Morelos 235, Zona Centro, SLP. Emergente Vicente Guerrero 835, Zona Centro, SLP. DI ESTUDIO Av. Carranza 1406, Col.Tequisquiapan, SLP. Instituto Potosino de Bellas Artes Av. Universidad, Zona Centro, SLP. Facetours facebook.com/facetours Trópico Pedro Vallejo 408, Barrio de San Miguelito, SLP. Groovy Burger Himno Nacional 3929, SLP. Museo Nacional de la Máscara Villerías 2, Zona Centro, SLP. Máscara de Látex San José Blvd. 5 de mayo 404-2 int. 1 Col. San Francisco, PUEBLA.

ÍNDICE GREEN LIGHT GOYO ESTUDIO DAVID ORTIZ KIMA DISEÑO O–LAB MONTSERRAT SALAZAR UP–A DIEGO ARÉVALO GERARDO CASTILLO ÁNAM RO OMAR ROMERO ROJO VIVO NADIA ARAIZA

6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18

RED LIGHT ALEJANDRO MACÍAS MAURO AZÚA CHRISTIAN VIVANCO JUSKANI ALONSO LUCÍA SALGADO DAVID VIVANCO RIGOLETTI

22 26 30 34 40 44 48

BLUE LIGHT GONZÁLEZ CABRERO FERNANDA FRANCO VINDRIA

54 56 58

YELLOW LIGHT UTILITARIO CALLEJÓN 7B

62 63

Revista RGB. Año 3, número 15 edición Especial de Diseño Industrial. Abril–Julio 2015. RGB no asume responsabilidad alguna por la información y las fotografías proporcionadas por los anunciantes. Las imágenes de los artistas publicados son cortesía de los mismo y fueron proporcionadas bajo consentimiento de los interesados. El logotipo, monograma y diseño editorial, nombres de secciones publicadas en ésta, son propiedad y de uso exclusivo de la revista RGB. Los textos aquí publicados son en su totalidad responsabilidad de su autor. Se prohíbe la

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reproducción total o parcial de esta revista sin el permiso del editor. Gracias por tu apoyo como desde hace 15 números, sin ti no es posible este esfuerzo. Costo $20.00 m.n.

SECCIÓN

GREEN LIGHT Luz verde, sección dedicada a los artistas emergentes que desean dar a conocer sus propuestas, dichos talentos son apuestas del futuro en el diseño.

GOYO ESTUDIO | DAVID ORTIZ | KIMA DISEÑO | O–LAB |

MONTSERRAT SALAZAR | UP–A | DIEGO ARÉVALO | GERARDO CASTILLO |

Facebook/RGBrevista | Twitter@RevistaRGB

Piezas Colección 02

GOYO ESTUDIO goyoestudio.com

Este colectivo de diseño está enfocado al desarrollo de mobiliario y productos con una propuesta contemporánea, sencilla, limpia y esencial. Su objetivo es crear colecciones puntuales, con una temática y enfoque distinto; tomar una acción, un momento o actividad específica como punto de partida para generar familias de muebles y accesorios.

DISEÑO INDUSTRIAL

Fotografía Decode

GREEN LIGHT

Pieza EVA

DAVID ORTIZ behance.net/david-ortiz

La filosofía de este joven diseñador se basa en generar más con menos recursos; dar soluciones prácticas a necesidades que mejoren la calidad de vida de los usuarios, haciendo hincapié en los valores de simpleza y funcionalidad. En su proyecto “EVA” (ganadora del concurso Utilitario 1.0) reflexiona sobre la optimización de recursos convirtiendo lo plano en un objeto funcional de tres dimensiones.

Pieza Luminaria OBSC

KIMA DISEÑO colectivokima.com.mx

Desarrollar proyectos de impacto social para el uso y aprovechamiento del bambú es el fundamento de este colectivo y no sólo se enfocan en el uso del material, sino en lograr concientizar sobre la planta como reemplazo de la materia prima convencional, que tiene un gran impacto en el planeta, creando así objetos que cubran todo tipo de necesidades, desde joyería y accesorios, hasta mobiliario y diseño de interiores.

DISEÑO INDUSTRIAL

Piezas

GREEN LIGHT

Familia Maceta

Pieza Aceitera

Piezas Eva

O – LAB o-lab.com.mx

A través de la utilización de metáforas en sus piezas, y siempre tomando en cuenta la parte divertida de las cosas, en O–Lab piensan en historias, en el pasado y futuro de los objetos para brindarles personalidad. Aunque, sin demeritar su trabajo, lo esencial para sus integrantes es “diseñar” sus propias vidas.

Fotografía Naoya Kokado

Pieza Take (tea set)

MONTSERRAT SALAZAR montserratsalazar.webs.com

El diseño sustentable y artesanal es su inclinación principal. Le gustan los productos con personalidad única, con detalles artesanales que expresen el sentimiento y la cultura de la persona que los fabrica. Ha coordinando proyectos de desarrollo social, enfocados a la producción artesanal, también cuenta con estudios en países orientales, pues tiene un particular interés en dichas culturas.

DISEÑO INDUSTRIAL

Pieza

GREEN LIGHT

Acorazado

UP – A up-a.com.mx

Trabajan bajo el ideal de dar un giro a la visión de diseño mexicano, creando piezas poco comunes con materiales duraderos y de alta calidad, como la madera y el metal. Han desarrollado un estilo experimental, escultural y atemporal, tratando de hacer elementos no sólo decorativos, sino útiles para la vida diaria y con comunicación usuario–objeto.

Pieza Honeycomb Chair

DIEGO ARÉVALO

facebook.com/wedgewoodfurniture

Inspirado por la armonía en las formas, la naturaleza, el color y las texturas, Diego se ha hecho acreedor a varios premios y reconocimientos por su trabajo, el cual busca complacer el sentido de la estética y la funcionalidad en sus objetos. Actualmente dirige Wedgewood Furniture, una línea de mobiliario para exteriores.

Pieza

DISEÑO INDUSTRIAL

GREEN LIGHT

Gladstoni

Pieza Pallilounge

GERARDO CASTILLO digerardocastillo.blogspot.mx

Con varios años de experiencia en el ámbito del diseño industrial y siendo especialista en la generación de ideas a través del 3D, Gerardo transmite sus conocimientos mediante la docencia, en talleres y cursos, compartiendo la forma de percibir y producir diseño.

Piezas Aceiteras

ÁNAM

facebook.com/colectivoanam

Este colectivo tiene como objetivo impulsar el estilo y diseño de cosas inimaginables, su área de especialidad es la cerámica, a través de un proceso creativo de conceptualización y aprovechando las características del material. Ánam ya es parte de una nueva tradición de diseñadores ceramistas.

Fotografía Eduardo Cortés / Decode

DISEÑO INDUSTRIAL

Pieza

Kibo

Roalle

Pieza

Cuelgalos Hang

Sienna

GREEN LIGHT

robledoojeda.com

Con una pasión inmensa por los objetos que nos rodean y forman parte de nuestro día a día, Robledo/Ojeda Estudio se enfoca en hacer del diseño nacional una vía de cambio económico y social, generando productos con personalidad, íntegros y funcionales para la vida diaria.

Fotografías Bernardo Figueroa / Miguel Reyes

Piezas Tazas V y Teteras MO

OMAR ROMERO es-estudio.com

Integrando oficios como la herrería y la carpintería, Omar explora elementos atemporales sencillos y ofrece una experiencia sensorial a través de terminados que evolucionan con el tiempo y el uso. Al proponer piezas de alta calidad, busca dejar a un lado lo efímero de un producto, con ideas alternativas, para mejorar el mañana.

Fotografías Arturo Haro / Armando Chávez

DISEÑO INDUSTRIAL

GREEN LIGHT

Piezas Arriba: Armada Izquierda: Kaktos Derecha: Orión

ROJO VIVO

facebook.com/RojoVIVOcolectivo

Rojo Vivo es un colectivo integrado por mujeres que comparten la pasión por la joyería, su estilo es una constante exploración de nuevos lenguajes, a partir de diferentes visiones e inspiraciones para que el portador se identifique con la pieza. Sus creaciones trasmiten vivencias, historias y emociones.

Pieza Santa María

NADIA ARAIZA

issuu.com/nadiaaraiza/docs/art_nadiabac

A través de su experiencia en la elaboración de bordados y productos tejidos, Nadia Araiza crea prendas y objetos a partir de tejidos artesanales típicos de México. Al mezclar sus dos pasiones en la vida, el diseño industrial y el diseño de textiles, ha generado un sinfín de productos que muestran tanto la parte contemporánea como tradicional, logrando así rescatar los elementos más importantes.

SECCIÓN

RED LIGHT Luz roja, dedicada a exponer el trabajo de artistas jóvenes con trayectoria y reconocimiento a nivel nacional e internacional, que gozan de renombre en la disciplina que desarrollan.

ALEJANDRO MACÍAS | MAURO AZÚA | CHRISTIAN VIVANCO | JUSKANI ALONSO |

LUCÍA SALGADO | DAVID VIVANCO | RIGOLETTI CASA DE DISEÑO |

Youtube.com/user/RGBrevista | Souncloud.com/radiorgb

Entrevista por Rocío Hernández

alejandromaciasdesigns.com

ALEJANDRO MACÍAS

Recuperando procesos artesanales Dedicado al diseño y desarrollo de productos, mobiliario e interiorismo, Alejandro Macías ve al diseño como una herramienta de cambio integral, transformando el entorno al introducir una nueva visión. Su trabajo contempla las necesidades básicas y gracias a la historia tras cada objeto, genera un lazo emocional con su entorno.

¿Cómo defines el Diseño Industrial en México? Como una masa pegajosa, armoniosa, voluble, volátil, inquieta y lúdica. ¿Qué diseñador, artista o personaje te ha servido como referencia para tus ideas en el diseño de un producto? Como referencia a nadie y todos, porque me gusta mantenerme informado de tendencias y de la situación actual; del panorama general, para decidir si generar disruptiva o continuar con algún lenguaje ya empleado. ¿Cuál crees que es tu área de oportunidad, respecto a otros estudios o firmas de diseño? Mi diferenciador de mercado es que trabajo con base en una metodología que se adapta a cualquier proyecto. Una ecuación en la que entran datos y se genera una solución óptima. Algo replicable que eventualmente me supere y se convierta, por sí mismo, en un motor de cambio integral. ¿Qué impacto pretendes generar con tus productos o servicios en la economía de tu estado? Sería utópico de mi parte creer en la idea de que lo que yo genero crea un impacto significativo en la economía de México. Lo que sí sé es que la economía está cambiando y con él los comportamientos, espacios, costumbres, arquetipos y procesos. Dando lugar a una nueva oportunidad de estudio e intervención.

Pieza Burrón

¿Por qué la innovación, el contexto y la trayectoria son ejes de diferenciación en tus diseños? El contexto, innovación y trayectoria son mi diferenciador de mercado dado que de esta manera aterrizo el proceso por el que pasa un diseñador. Generando así un sistema que va mas allá de mi noción e intuición alrededor de un producto y creando soluciones que atiendan necesidades reales y específicas.

Pieza Tres–Dos–Uno

Pieza y bocetos Al toro X los cuernos

La brecha entre la idea y el objeto es cada vez más corta La implementación del proceso artesanal con el industrial (modelado en 3D, corte CNC, corte láser), ¿cómo ha repercutido en el desarrollo y producción de tus productos? Ahora que tenemos acceso a procesos tecnológicos, la brecha entre la idea y el objeto es cada vez más corta. Repercutiendo de dos maneras en un entorno artesanal. La primera es facilitar la comunicación entre el diseñador y el artesano, cerrando el margen de error y que éste se preste a la interpretación del artesano. Y la segunda es en la exterminación de los procesos artesanales, dado que el acceso a procesos mecánicos permite que la manufactura sea más rápida, concisa y sin mucha intervención humana. Ejemplo claro de esto es la impresión en 3D, que ahora está atacando un mercado hogareño, poniendo a la disposición de cualquiera la materialización de sus ideas sin la necesidad de un experto. Según tu experiencia con clientes internacionales, ¿cuál sería la percepción que se tiene del diseño mexicano en otros países? En mi opinión personal, en la actualidad los clientes internacionales voltean a ver al diseño mexicano como una nueva oportunidad. Un diseño que es rico, lleno de diferentes caras, alimentado de una diversidad cultural impresionante. Malamente algunos diseñadores voltean a ver el diseño europeo y creen que lo ideal es tratar de replicar su sobriedad, sin comprender que este camino nos lleva por una crisis de identidad en la que las características que diferenciaban a cada país ahora no son divisibles. Cabe aclarar que no estoy diciendo que mientras más saturada esté una pieza, más mexicana, sino que tenemos la responsabilidad, como diseñadores, de observar comprender y comunicar estos gestos que se transforman en pequeños detalles simbólicos.

Pieza

DISEÑO INDUSTRIAL

RED LIGHT

Degollado

¿Cómo se te ocurren nombres como Burrón, Boteros o Degollado? Todos los nombres son fruto de la armonía entre una solución tangible, óptima y la comunicación lúdica entre el objeto y su usuario. ¿Dónde se verá el trabajo de Alejandro Macías en un futuro cercano? Estoy muy entusiasmado porque acabo de abrir un proyecto con mi socio Miguel Ángel Guevara: Integral Studio Mx, ya estamos colaborando con marcas en Monterrey como Astyl y Cemex, entre otras. Ha sido un proceso lento y con tropiezos, pero esta nueva etapa me está abriendo el panorama a generar un diseño que integre aún más elementos, interviniendo en distintas áreas y entendiendo como éstas se complementan para generar experiencias innovadoras que perduren en los clientes. ¿Que aptitudes deben tener los diseñadores industriales? Ingeniosos, inexpertos, curiosos, preguntones e intensos.

Piezas Entre las piernas

Entrevista por David Ortiz

behance.net/mauroazua

MAURO AZÚA

Surgido de la cantera A muy poco tiempo de haber egresado, Mauro se ha consolidado como una de las figuras emergentes en el diseño industrial. Con inquietud hacia los materiales de su tierra, este joven trabaja con artesanos y da una nueva proyección al uso de la cantera. Platicamos con él acerca de sus procesos, influencias y el diseño en general.

¿Cómo es tu proceso de trabajo y cómo produces tus piezas? Suelo enfocarme en actividades de la vida diaria porque son escenarios de los que yo también soy parte, de ahí trato de localizar alguna oportunidad donde pueda aportar algo. Como gran parte de los jóvenes diseñadores, por el momento, me valgo de pequeños talleres para la maquila de las distintas piezas que componen los objetos que van surgiendo. Tu trabajo utiliza materiales propios de San Luis Potosí, como la cantera, ¿qué experiencia has obtenido de trabajar con este material y con artesanos que dominan la técnica? ¿De dónde surge este acercamiento? Siempre he considerado muy importante que un diseñador primero aproveche los recursos que tiene disponibles en su entorno, antes de querer experimentar con materiales o procesos que a veces no suelen estar a nuestro alcance. El primer acercamiento fue con tres amigos, buscábamos desarrollar un proyecto para participar en Generación Decode 2014 y vimos en la cantera una oportunidad para generar una serie de objetos aprovechando un material local poco usado. Respecto al trabajo con artesanos, es algo sumamente enriquecedor, ya que suelen ser personas que provienen de familias que se han dedicado al oficio por generaciones; no hay mejor forma de entender al material y al proceso que empapándote de su retroalimentación, sugiriendo, preguntando, experimentando y demás.

DISEÑO INDUSTRIAL

RED LIGHT

¿Qué materiales son tus favoritos y por qué? La madera, por ser muy noble, versátil y dar un margen de maniobra sumamente amplio. El vidrio también me gusta mucho, no lo he aprovechado tanto como quisiera por ser un material más complicado en su transformación; la capacidad que tiene para ser reciclado y la elegancia que puede transmitir en cosas tan sencillas me parecen sus principales virtudes. ¿Tienes alguna filosofía como diseñador industrial? Para mí hay tres cosas esenciales: el diseño debe ser honesto, práctico y rentable. Honesto en todos sus niveles, diseñador–productor, diseñador–cliente, diseñador–medio ambiente, diseñador–usuario; todos tenemos derecho a proponer lo que queramos, pero me parece importante ser claro, no querer vender la idea de una cosa como algo que no es. Práctico, porque el diseño está para resolver necesidades, no para hacerlas más complicadas; si no, no está cumpliendo su cometido. Y rentable por que el diseño industrial es una profesión que, como todas, debe tener un impacto económico donde varias partes tengan un beneficio. Pieza Martina

El arte habla de quien lo hace, el diseño de quien lo compra

¿Has realizado alguna colaboración con otros diseñadores? ¿Con quién te gustaría hacer algún proyecto? Hasta el momento no se ha dado. Me gusta mucho el trabajo de Moisés Hernández y Joel Escalona; la carga que Moisés le ha dado a objetos tan aparentemente sencillos, me parece impresionante; de Joel admiro la manera en que se ha abierto camino trabajando para empresas y marcas grandes vendiendo diseño como tal. Algunos han dicho que la nueva Meca del diseño industrial es San Luis Potosí, ¿qué opinas? Más bien lo vería como una especie de incubadora, hay gente con mucho talento y ganas, pero falta la consolidación; espero que en un futuro no tan lejano se volteé a ver al diseñador potosino, se apueste por él y se le dé una oportunidad para que no acabe buscándola en otra ciudad o país. ¿Qué es más importante en tu trabajo, función o forma? Es muy complicado decantarse por una, creo que un objeto con una forma muy sofisticada, si no le es útil a nadie, de poco sirve, pero tampoco se trata de hacer objetos que sólo cumplan y ya. Una vez escuché a un profesor decir que “el arte habla de quien lo hace, el diseño de quien lo compra” y esa frase se convirtió en mi motor, hay que ofrecer cosas que primeramente sean útiles, pero la otra parte también es vital.

Pieza Martina (detalle)

RED LIGHT

DISEÑO INDUSTRIAL

Pieza y boceto Jacinto

¿Tienes alguna técnica para incentivar tu proceso creativo o siempre estás inspirado? No creo que la inspiración sea una especie de gracia divina, hay momentos en los que está más que en otros, pero siempre se necesita estimular que llegue, tener un hobby o en cosas tan sencillas como poner la mesa puedes encontrar el punto de partida de tu nuevo diseño. Hay que estar alerta de lo que pasa alrededor de nosotros, a veces podemos enfrascarnos en querer encontrar el hilo negro y hay algo justo enfrente de nuestras narices que demanda ser atendido o que es la solución que buscábamos. La inspiración es como agarrar un taxi, va a pasar, pero tienes que ir a pararte donde existan más probabilidades de que esto suceda.

Entrevista por @gonzalezcabrero

christianvivanco.com

CHRISTIAN VIVANCO

Des–Conociendo al Sr. Vivanco La primera vez que tuve interacción con el Sr. Vivanco fue una corta llamada telefónica en su amada Barcelona. —Hola, Christian, soy José Luis, ando por acá, ¿nos podemos ver hoy? —¡Hola, caballero!, hoy es un lío, ¿podemos reagendar? Nunca hubiera imaginado que del otro lado de la bocina, y con esa actitud llena de parsimonia, estaba uno de los referentes del diseño mexicano contemporáneo y una persona a la que acabaría llamando amigo. Este ejercicio de “entrevista” gira en torno a su persona y a lo mucho que tiene que decir con respecto al diseño. Hola, Christian, ¿cómo estás? ¿Qué andas haciendo? ¡Hola, José Luis! Todo muy bien por Monterrey; muchas cosas de este lado: acabamos de recibir a Joel Escalona en CEDIM, quien fue nuestro diseñador invitado de este ciclo, y lo pasamos increíble. El poder traer a alguien como Joel bajo un formato de colaboración directa y horizontal con estudiantes universitarios siempre es una gran experiencia. Sabemos que tu trabajo crea una percepción de ti, pero ¿cómo lo definirías? ¿Cuánto han influenciado tu modo de ser y personalidad en tu trabajo? Una vez alguien muy importante para mí me dijo que yo baso mi trabajo en intentar hacer localidad y promover la idea de la permacultura cultural, revalorizando principios y costumbres locales desde lo local y hasta lo global. A mí me gusta creer que mi trabajo es auténtico, congruente e inclusivo. Sobre la segunda pregunta; siempre he pensado que somos una especie de embudo social que capta toda esa información y conocimientos que nuestro contexto y día a día nos aportan, y gradualmente la sintetizamos en algo que llamamos diseño; sin embargo, mientras más lo pienso más llego a la misma idea: los diseñadores no somos artistas y, por lo tanto, no tenemos derecho alguno a creer que podemos

DISEﾃ前 INDUSTRIAL

Tﾃｭtulo Antes de despertar

Pieza Traven

RED LIGHT

No aspiren a diseñar un producto, anhelen diseñar una experiencia. Pieza y bocetos Corazón Coraza

reflejarnos en nuestro trabajo, pero “del dicho al hecho hay mucho trecho”, y te puedo confesar que aún me resulta imposible que las experiencias, vivencias y aspiraciones personales no se expresen en mis proyectos. ¿Sigues alguna metodología estricta para crear objetos? Explícanos tu proceso creativo (sin spoilers). La respuesta fácil es que no hay una metodología que aplique para todos los proyectos; sin embargo, no es la respuesta correcta. Hay una especie de juego en el que participan distintas “fichas” que cambian de posición. Esas fichas son como un equipo de fútbol, hay titulares y banca, y en algunas ocasiones, dependiendo del juego, entran unas y salen otras. Habitualmente juegan: bienestar (el futuro que quiero vivir); cultura (el valor de lo propio); juego (el gesto como conexión emocional); hábito y costumbre (los rituales como atributo); congruencia (hacer algo responsable y consciente para todos los contextos). Mi estrategia en este juego es enfocarme en la experiencia, en el instante que aspiro provocar en la persona, ya sea hacer sentir que algo es más fácil, más rápido, más divertido, más humilde, más sereno, más amoroso, más cálido. Siempre empezar y terminar en ese instante, y eliminar todo lo posible del objeto, que, al final de cuentas, es sólo una excusa para garantizar que el mensaje llegue sano y salvo. Sinceramente, pienso que el diseñador no debe preocuparse por el objeto, sino ocuparse de la experiencia.

Pieza y bocetos

DISEÑO INDUSTRIAL

RED LIGHT

Quieto

La escena del diseño contemporáneo en México se está volviendo un lugar muy activo, platícanos tu experiencia, ¿éxitos? ¿Sustos? ¿Aprendizajes? El diseño en México es hoy algo activo, dinámico, inquieto, pero también voluble, me recuerda a un comentario de Jasper Morrison en el que hace alusión al diseño describiéndolo como “un adolescente inmaduro e insoportable, emocional e irresponsable”. Nuestra disciplina está creciendo, sin duda alguna, pero nos falta muchísimo camino por recorrer; y el peligro está en creer que ya llegamos (ojo a los estudiantes). Nos gana el ego y la soberbia, y la idea de creer que el diseño puede salvar al mundo. Experiencias al respecto son muchas: la enorme oportunidad de crear algo como Cooperativa Panorámica y aprender de la mano de los mejores diseñadores de mi generación; o trabajar junto a Nido Muebles en uno de los proyectos más complejos y satisfactorios que he vivido, sin dejar de lado la enorme gratitud que tengo hacia la docencia, que cada día me enseña algo nuevo. ¿Qué les aconsejas a los estudiantes que están formándose en el diseño? No aspiren a diseñar un producto, anhelen diseñar una experiencia. Finalmente, hablando te la tierra que te vio nacer, hay argumentos que proyectan a San Luis como exponente de diseño a nivel nacional, ¿crees que los potosinos hacen y consumen diseño? ¿Cómo podemos crecer como comunidad? Creo que esta pregunta se puede responder en distintos sentidos: de inicio, el diseño debe responder a las necesidades y aspiraciones de una sociedad, y hoy esas necesidades y aspiraciones tienden a ser más empáticas con la mercadotecnia y los medios de comunicación y menos cercanas al usuario. En ese sentido, creo que el diseño en San Luis está creciendo. Ahora, si nos detenemos a pensar qué tanto está aportando el diseño a la sociedad que lo alimenta, creo que hay mucho por hacer, y esto no es exclusivo de San Luis; es algo presente en todo el país. El diálogo con la industria, la sociedad y el entorno es una tarea pendiente para todos los diseñadores mexicanos; no nos hemos puesto las botas de trabajo dispuestos a ensuciarnos. Falta salir a la calle y mirar a nuestro alrededor, entender el mundo que habitamos, comprender a los otros actores en la escena y saber qué es lo que ellos realmente necesitan, y solamente entonces empezar a diseñar. Lo mejor que me has platicado nunca te lo he preguntado, así que termina tú, gracias por todo… Muchas gracias, José Luis, para mí es un placer responder a tus preguntas y tener la oportunidad de expresarme y compartir con los lectores de la revista RGB. Me alegra muchísimo darme cuenta de cómo el diseño empieza a ser una disciplina relevante para nuestra sociedad y si bien me preocupa toda la responsabilidad que tenemos sobre nuestros hombros, me puede más el reto y la oportunidad de hacer la diferencia. Me gustaría cerrar reflexionando sobre lo que dijo alguna vez Bruce Mau y desear que pronto los diseñadores dejemos de hablar del mundo del diseño y empecemos a hablar del diseño del mundo.

juskanialonso.mx

JUSKANI ALONSO

Raíces mexicanas para diseñar Juskani Alonso es parte de una nueva generación que no se conforma con crear objetos o mobiliario, sino que busca desarrollar proyectos multidisciplinarios. Ha colaborado con empresas y colectivos como Tupperware, Kikkerland, Ariel Rojo, Mob, Thierry Jeannot y Pekka-Harni, esto lo ha llevado a experimentar y ver el diseño desde diferentes perspectivas. ¿De qué va el trabajo de Juskani? ¿Qué te mueve, qué te inspira? Crecí entre el jardín de mi casa y el cerro de Tepepan, al sur de la Ciudad de México, siempre inquieto, explorando los rincones, inventaba mis juguetes y el juego se convirtió en el proceso de creación. Es así que mi trabajo se centra en el desarrollo de soluciones mediante un proceso creativo que he ido desarrollando a lo largo de este tiempo, lo que me permite moverme entre escalas sin problema, lo mismo hago desarrollo de objeto como soluciones urbanas, pasando por mobiliario e interiores. El material siempre cambia, dependiendo de las necesidades y proyectos, aunque si debo decir que tengo algún favorito, tendría que quedarme con la madera y las fibras naturales. Sobre los temas e inspiraciones, me gusta entender la vida como un todo, nunca me ha gustado separarla en sus diferentes aspectos, por lo que mis preocupaciones e inquietudes son las mismas que se reflejan en mi trabajo, vida personal e interacciones. La cultura mexicana es un tema que nunca ha dejado de estar presente en mi trabajo, tengo un gusto muy especial por la parte histórica, que se suma a la fascinación que tengo por la época actual, meterme a las calles del Centro Histórico, cerca de la Merced, un sábado a medio día, me puede volver loco de emoción, la cultura es muy basta y siempre hay sitio hacia donde mirar.

DISEÑO INDUSTRIAL

Izquierda

Abajo

Indómitos I

Autorretrato | Serie recuerdos habitacionales

RED LIGHT

Imágenes Silla San Miguel

En 2014 tuviste la oportunidad de colaborar con personalidades como Hector Esrawe, Tom Dixon y Laurence Llewelyn–Bowen, cuéntanos sobre esta experiencia. Design House es un proyecto interesante, pone a convivir e interactuar a un grupo de 20 firmas de Arquitectura, Diseño e Interiorismo bajo el mismo techo. Comandados por Andrea Cesarman, de C Cúbica Arquitectos, los despachos participantes intervienen una casa, generando un proyecto de arquitectura de interiores y cada firma se vuelve responsable de la transformación de un espacio específico. En 2014, Reino Unido fue el país invitado en la celebración de Design Week México por lo que el proyecto de Design House contó con diseñadores de dicho país. Tom Dixon y Laurence Llewelyn–Bowen fueron los responsables de representarlos. Conocí a Andrea después de la primera edición de TOCA Diseño, celebrada en 2014. Me invitó a concursar por el espacio que DWM abre en DH como Despacho Promesa, para formar parte del grupo de Diseñadores que intervendrían la casa. Presenté mi propuesta y estaba dentro. El desarrollo del trabajo en los meses siguientes estuvo lleno de aprendizaje, imagina veinte equipos, veinte visiones y veinte maneras de entender, ejecutar y solucionar los proyectos. El sentimiento de complicidad y equipo que se forma entre los integrantes de la casa (diseñadores, arquitectos, organizadores, residentes, patrocinadores y contratistas) la vuelve una verdadera experiencia transformadora. La Cochera fue el proyecto responsable de dar la bienvenida a los visitantes de Design House, invitándolos a la reflexión y revalorización de un espacio altamente usado y pocas veces atendido, en esta reflexión proponemos dignificar La Cochera como el área fundamental de la casa.

Pieza El Principito

Con tu proyecto “El Principito” has tenido buena exposición como diseñador, ¿cómo surge y se desarrolla este proyecto? Cuando el autor, a la edad de 6 años, le preguntó a las personas adultas si su primer dibujo les daba miedo, ellos le respondieron: “¿Por qué nos habría de atemorizar un sombrero?”, entonces, se dedicó a desarrollar su segundo dibujo con la finalidad de que las personas adultas pudieran comprender, es así que dibujó el interior de la serpiente digiriendo un elefante. El consejo de las personas adultas fue que se retirara del dibujo y se dedicara a cosas más serias. Inspirada en el libro del mismo título, escrito por Antoine de Saint–Exupéry, “La Banca” parte de la reflexión del verdadero significado de ser adultos y la visión del mundo que con ello adquirimos. “La Banca” se vuelve un juego y contraste entre las visiones y el entendimiento de los niños y adultos. Un juego de volúmenes que irónicamente nos muestran un elefante a modo de banca y un sombrero que brinda la superficie suficiente para trepar, jugar o divertirse. “El Principito” surge en 2010, cuando nos invitan a formar parte de la exposición “Toma asiento y lee”, para la 9ª Feria del Libro de Paseo de la Reforma, es ahí que se da la colaboración con Taina, Perla, Tatiana y Cointya, y que tiene como resultado el diseño y desarrollo de la banca–montable. Desde entonces “La Banca” ha emulado el viaje del propio Principito visitando múltiples espacios, festivales y ferias donde, al igual que el personaje, en cada planeta ha encontrado ambientes, contextos y situaciones socioculturales totalmente distintos, lo que en lo cotidiano se ha visto reflejado con comentarios, interacciones y usos igualmente distintos. El carácter mexicano –como lo defines– es una constante en tu trabajo, con nombres como Cholula, Yucatán, Mixquic o Tlayacapan, ¿qué tan importante es para ti conservar esta riqueza lingüística de nuestro país? Desde pequeño, cuando conozco a alguien y pregunta mi nombre, las preguntas obligadas siempre son: ¿qué significa?, ¿de dónde es?, ¿por qué te llamas así? Mi respuesta natural es la misma: “mis papás son hippies”. Llamarme así me enseñó, desde chico, la importancia de ser auténticos, dejar de buscar en otros lados la riqueza que tenemos

DISEÑO INDUSTRIAL

RED LIGHT

Dejar de buscar en otros lados la riqueza que tenemos dentro

dentro. Mis padres también me enseñaron a viajar, observar y ser perceptivo; en viajes dentro de México descubrí la riqueza cultural de nuestro país. Una nación que conjuga, con creatividad, su cosmogonía con el quehacer cotidiano de su gente. Fuera de México descubrí que sólo siendo sincero y mostrando la voz verdadera que tenemos dentro podemos evidenciar, ante un mundo global, el verdadero carácter de nuestras propuestas. Es mediante el diseño que encontré la voz con la cual conjugar estas dos grandes experiencias, y es la palabra la que le da nombre a las cosas, entonces pregunto si el lenguaje no tendría que ser también un elemento que forme parte fundamental en el proceso de diseño. Tu trabajo no se centra en la creación de un solo objeto, sino en la creación de entornos, ¿qué has aprendido de los equipos multidisciplinarios? Hace aproximadamente 4 años realicé un internship en el Área de Desarrollo de Producto de Tupperware, ubicado en Orlando, FL. Durante el desarrollo del trabajo me parecía fascinante cómo se realizaban los proyectos, ya que trascendían el hecho de que el objeto y el equipo del diseño se ampliaba a todo el equipo de desarrollo de producto, que incluía físicos, químicos, ingenieros en múltiples ramas, chefs, mercadólogos, financieros, economistas, usuarios y directivos, todos estos de naturalezas y nacionalidades completamente diversas. El resultado de esta complejidad social, que confluye en este tipo de equipos, se traduce en riqueza. Riqueza social, cultural y de diversidad en puntos de vista y experiencias, que vertidos y compartidos con orden pueden traducirse en una fuerza de cambio impresionante. Regresando a México decidí, junto a mi familia, que son arquitectos, conformar un equipo de trabajo multidisciplinario llamado Wayak’, que en maya significa “visión entre sueños” (haciendo referencia al proceso creativo mediante al cual respondemos a los proyectos) en el que confluimos profesionales de diversas ramas del medio creativo, mezclando las experiencias y saberes que nuestras formaciones, vivencias y diferencias generacionales nos brindan.

Pieza y bocetos Mesa Mixquic

Entrevista por Guadalupe Zárate

muneceramica.com

LUCÍA SALGADO

Del concepto a la producción Lucía cuenta entre sus reconocimientos el Premio Clara Proset y haber expuesto su trabajo en el Ciao Cidi-Salone Satellite (Milán). Platicamos sobre su experiencia como microempresaria, y lo que se necesita para desarrollar un proyecto de diseño como el que ella lidera, Mune Cerámica.

¿En qué momento decidiste que querías especializarte en cerámica? Fue un tanto casual mi acercamiento a la cerámica, buscando obtener nuevos conocimientos en diferentes materiales y procesos, encontré un curso de técnicas de torno y acabados. Ahí tuve la oportunidad de involucrarme en el proceso de diseñar y producir una pieza en cerámica, tornear y sentir el material, esperar a que la pieza pierda humedad para poder esmaltarla, emocionarme cuando se abre el horno y tu pieza quedó como la proyectaste o manejar la frustración de que no es lo que esperabas. Todo esto es muy apasionante para mí e hizo que me involucrara cada vez más e incluso me llevó a tener reconocimiento como diseñadora. ¿Cuál es la parte del proceso que más te gusta? Al ser un material en el que cada etapa del proceso de producción debe ser sumamente cuidada, la parte más emocionante es cuando abres el horno y sacas tu pieza terminada, ya que ves culminado todo tu esfuerzo y dedicación. ¿Cuál fue tu experiencia como diseñadora en una empresa tan importante como Ánfora y cuál es tu experiencia como emprendedora? Mi experiencia en Ánfora fue muy enriquecedora, tuve la oportunidad de trabajar en una empresa que tiene una gran infraestructura, con

Fotografﾃｭa Ileana ﾃ］geles

DISEﾃ前 INDUSTRIAL

RED LIGHT

Dejo un poco de lado mi papel como diseﾃｱadora y me convierto en empresaria

Pieza Kaleidos

Pieza Matte

personal capacitado de gran calidez humana y que comercializa volúmenes muy grandes. Esto me ayudó a conocer nuevas técnicas y procesos para producir piezas a nivel industrial, hizo que entendiera la gran responsabilidad que tenemos como diseñadores, ya que debemos involucrarnos y entender el proceso por el cual pasa el producto, desde la proyección hasta el momento en el que el usuario lo está utilizando, para lograr la calidad y nivel de satisfacción deseado. Con Mune la experiencia es completamente distinta, ya dejo un poco de lado mi papel como diseñadora y me convierto en empresaria, tengo que estar al tanto de los nuevos productos, publicidad, ventas, contratos. Lo que he aprendido es a aplicar el pensamiento de diseño para crear estrategias de negocios que me permitan crecer como empresa. Algo que no dejo de lado en cada producto es la calidad, esto es algo que me dejó trabajar en una empresa como Ánfora. Hablando de Mune, dices que uno de los objetivos es diseñar productos enfocados al diseño de la experiencia, nos podrías platicar un poco más sobre eso. Una de las mayores aportaciones que podemos hacer como diseñadores es proyectar objetos que vayan más allá de la función, producción, ergonomía y estética, objetos que estén pensados en parámetros tan sutiles e importantes como la temperatura, las texturas, los olores, que son percibidos a través de nuestros sentidos, generando sensaciones y experiencias agradables, y que, a su vez, puedan impactar en nuestra calidad de vida. Como seres humanos podemos ser mejores, si nos sentimos mejor. ¿Qué proyecto te ha costado más trabajo materializar y sintetizar en un producto? Cada proyecto tiene dificultades para crear la experiencia deseada, pero el más especial ha sido la taza Matte. Como problemática encontré que nuestro acelerado ritmo de vida no nos permite momentos de calma para relajarnos y contrarrestar la ansiedad del día a día, la

DISEÑO INDUSTRIAL

Pieza Mohme

RED LIGHT

respuesta fisiológica más común –relacionada con el deterioro de nuestra calidad de vida ante esta problemática– es el estrés. Por otro lado, como posible solución, encontré que una de las bebidas más populares en el mundo, y que está relacionada con diversas propiedades terapéuticas y tranquilizantes, es el té, ya que su consumo es benéfico para la salud, por contener antioxidantes y propiedades antiinflamatorias que pueden ayudar en la regulación del dolor y la ansiedad. Esta problemática y su posible solución me llevaron a la determinación de diseñar una taza para té, pero aún faltaba un elemento importante: la experiencia, para ello observé las relación que tienen los usuarios con el té. Encontré que la forma básica de un ser humano para tomar literalmente un líquido es juntar la manos en forma de concha. El cambio en la forma de uso de la taza, la relación con la temperatura y el líquido que contiene son los elementos que logran que el usuario tenga una experiencia reconfortante y personal. ¿Cómo fue tu proceso creativo al momento de diseñar una colección para Ánfora y como es para Mune? En Ánfora los parámetros son bastante claros y están enfocados a rediseñar, solucionar la pieza para producción, diseñar el molde según el proceso. Lo cual implica conocimientos teóricos y prácticos, del material y procesos por parte del diseñador. En Mune el proceso da oportunidad a la experimentación, se parte de una problemática o una pieza en específico (platos, tazas, charolas), después trabajamos en el brief del producto, una vez que se tienen estos parámetros comenzamos a entender el contexto y la experiencia que queremos generar en el usuario, que al final va a ser el elemento que distingue cada una de nuestras piezas. ¿Cómo es tu forma de trabajo? Nuestra forma de trabajo, ya sea para una pieza de nuestra línea o para un cliente, se divide en tres etapas: diseño, se define la configuración y la propuesta de valor de la pieza; moldería, se realizan los modelos, moldes y matrices necesarios para producir en tiempo y forma; producción, se obtienen la primeras muestras del producto final y se autoriza la manufactura del mismo. Actualmente contamos con nuestro propio taller, MuneLab, en el cual estamos trabajando para poder ofrecer lo mejor a nuestros clientes y donde desarrollamos todos nuestros proyectos. Algunos expertos apuestan a que el futuro del diseño industrial en México es prometedor, ¿qué opinión tienes al respecto? Creo que es prometedor, ya que muchas grandes empresas están apostando y valorando el talento de los diseñadores mexicanos. Por otro lado, la PyMES son un sector que también está en crecimiento y representan una importante fuente de empleos para los diseñadores en México, si como profesionales del diseño somos capaces de satisfacer las necesidades de éstas, podremos no sólo hablar de que el futuro del diseño es prometedor, sino nuestro futuro como sociedad y economía.

Entrevista por Claudia Zárate

david-vivanco.com

DAVID VIVANCO Pasión por el detalle

Siguiendo los pasos de su hermano, David Vivanco dejó de ser una promesa para convertirse en una realidad como diseñador industrial, con un estilo lúdico y estético en cada una de sus piezas. Sus inspiraciones, tan simples como un juego típico mexicano, dan lugar a piezas inteligentes y funcionales, siempre con un toque de humor, quizás es por eso que su sello particular y cuidado en los detalles están teniendo reconocimiento no sólo en México, sino en algunas otras latitudes. ¿Por qué decidiste estudiar diseño industrial? Fue una decisión extraña, siempre sentí esa vena creativa dentro de mí, desde pequeño me gustaba dibujar, experimentar con ramitas de árboles, plastilina u otras cosas. Pero nunca lo supe a ciencia cierta, hasta que mi hermano Christian me contó lo que estudiaba y lo que podíamos hacer los diseñadores. Fue como ponerle un nombre a esos juegos con plastilina y palitos. ¿Cuál crees que ha sido el aporte más importante del diseño industrial mexicano o la pieza fundamental? Una pieza icónica y fundamental del diseño mexicano es la silla “Acapulco”, llena de misterio y belleza. O la “Knit Chair” de Emiliano [Godoy], que –a mi parecer– fue el debut contemporáneo del diseño mexicano en el mundo. ¿Qué responsabilidad crees que tienen las actuales generaciones respecto a los problemas pendientes por resolver en nuestro país? Como bien dijo Dieter Rams, tenemos que hacer diseño que simplifique, resuelva y solucione esto de una forma estética; dejando de diseñar por diseñar, dejando los objetos innecesarios de lado y realmente aportando un diseño sustentable en todo el sentido que implica.

Pieza y boceto

DISEﾃ前 INDUSTRIAL

RED LIGHT

Leap Spring Stool

No estarﾃｭa donde estoy si no fuera por este tipo de concursos, es muy importante que los diseﾃｱadores participemos en ellos

Pieza y boceto Tuuk

¿Qué influencias tienes como diseñador? ¿A quién admiras? Muchísima gente, desde el gran Dieter Rams (¿quién no lo admira?) hasta el carpintero Nacho Rodríguez. Personas como mis hermanos Christian y Coko son un gran ejemplo para mí; o diseñadores como Emiliano Godoy, Héctor Esrawe, mi jefe, Ricardo Casas, entre otros. ¿Cómo consigues inspirarte? Observo e interactúo. Cada uno de mis diseños nacieron gracias a algún detallito que pasó en mi día a día. ¿Qué proyecto es, hasta ahora, tu favorito? Estoy orgulloso de M. del 8, una de mis mesas favoritas. Al ver tu trabajo creemos que tienes un sello muy particular, ¿te consideras un diseñador con un estilo definido? Para mí la interacción es algo muy importante a la hora del diseñar, ya sea en cómo interacciona el objeto con el usuario, con sus distintos componentes o en el espacio. Tratando de mantener un diseño limpio y sencillo. ¿Qué herramientas consideras básicas para un diseñador industrial? Un cuaderno y algo con qué rayarlo, una laptop con programas dispuestos a trabarla y una agenda con buenos contactos.

DISEÑO INDUSTRIAL

Piezas

RED LIGHT

Tuux (silla), M. del 8 (mesa auxiliar) y Sunni (lámpara)

¿Crees que sean relevantes concursos como Dimueble o Utilitario? ¿Cuáles han sido tus experiencias? Yo no estaría donde estoy, si no fuera por este tipo de concursos. Es muy importante que los diseñadores participemos o, al menos, los diseñadores por emerger, ya que te motivan a diseñar y dan a conocer tu trabajo. Por último, sabemos que todo creativo debe tener ruido en su taller, ¿ qué música escuchas mientras trabajas? ¡Eso depende! Para diseñar, música neoclásica, principalmente en piano, escucho instrumentalistas como Olafur Arnalds, Ryuichi Sakamoto, Max Richter. Para chambear, pues algo de indie, rock o, incluso, algo de música tropical, artistas como Bombay Bicycle Club, Phoenix, Bon Iver o El Guincho no pueden faltar en mi playlist. Bocetos Tuux y M.del 8

rigolettidi.com

RIGOLETTI CASA DE DISEÑO Diseñando movilidad

Alberto Rigoletti es un diseñador y empresario que cuenta con más de 15 años de experiencia en el desarrollo, diseño y creación de proyectos, productos y asesorías en los sectores industrial y automotriz a nivel internacional. Su experiencia y talento lo han posicionado como una autoridad en temas de diseño en nuestro país. En una charla para RGB, Alberto Rigoletti (presidente) y Sandra De La Rosa (directora) compartieron sus puntos de vista sobre el arte del diseño. ¿Cuál es la filosofía de diseño de Rigoletti Casa de Diseño? ¿Sobre qué ideales fundamentan su trabajo diario? Alberto: Potenciar y promover el diseño nacional a un nivel globalizado. Sobre la ética profesional y el trabajo en grupo, haciendo de cada proyecto una colaboración multidisciplinaria que no sólo logre concretar el motivo de la integración, sino que provoque un constante intercambio de conocimientos que siga generando aprendizaje para los miembros del equipo. ¿Cuál es el mayor reto en el diseño de automóviles en estos tiempos? Alberto: La competencia a nivel mundial, el avance tecnológico y la adaptación al mismo. Según su experiencia, ¿México es un semillero de talentos en diseño industrial? Sandra: México tiene todo el potencial para ser semillero, por la cultura y la pasión que traemos en nuestro ADN, desafortunadamente en nuestro país todavía no se cree en la dimensión e importancia que tiene el diseño, estamos en manos de empresas que poco invierten en innovación, pero en RCD esto no nos ha detenido y seguimos persiguiendo proyectos nacionales e internacionales para demostrar que sólo hace falta voluntad para darse a conocer a través del trabajo.

Fotografﾃｭa Roberto Sﾃ｡nchez

DISEﾃ前 INDUSTRIAL

RED Proyecto LIGHT Concept car Audi

Bocetos Ideation sketch Ford Elaborado por alumno de Rigoletti Casa de Diseño

¿Cómo se dio la alianza con el IAAD (Istituto d'Arte Applicata e Design) y qué beneficios tiene? Alberto: La alianza se dio con la intención de trabajar con el mismo esquema que se maneja en Europa, de esta manera, nuestros egresados tendrían el mismo nivel competitivo que cualquier diseñador de un país de primer mundo. ¿Cuál es el proyecto más importantes en el que han participado hasta el día de hoy? Alberto: Colaboraciones en conjunto con Nissan Design America, Alfa Romero, Chrysler y Ford, y en proyectos de Research and Development (R&D). Recordamos proyectos realizados para Ben 10, Campagnolo y otros más, ¿qué otro tipo de ejercicios hacen o con qué empresas trabajan para hacer experimentos por el estilo? Alberto: Trabajamos con todo tipo de empresas que tengan necesidad no sólo de diseño de movilidad, sino de diseño de producto, diseño de interiores, capacitación para sus empleados, etcétera. ¿Qué recomendaciones le darían a un estudiante de diseño industrial para destacar en esta disciplina? Sandra: Que siempre esté actualizado, no solamente con lo que se enseña en la escuela, sino investigando lo que están haciendo los diseñadores en todo el mundo, la pereza mental es lo peor que puede existir, siempre debemos estar informados e investigando.

DISEÑO INDUSTRIAL

Proyecto Concept car Audi

Además de diseño automotriz, ¿qué otras áreas de interés tiene Rigoletti Casa de Diseño actualmente? Sandra: En Rigoletti Casa de Diseño nuestro principal interés es seguir capacitando gente para que puedan tener un nivel competitivo a nivel no sólo nacional, sino internacional, quizá la visión de mucha gente sea corta y no se percate de la competencia que hay en el mundo laboral. Hoy en día, con los cambios –sociales, comunicación, transporte, adaptación, tecnología– nuestra competencia se ha globalizado y no hablamos de que sólo competimos entre diseñadores, ya hay ingenieros con conocimiento de diseño, arquitectos con conocimiento de diseño de producto, diseñadores gráficos con conocimiento de fabricación de empaque, diseñadores industriales con conocimiento de procesos de manufactura y muchos más.

Boceto Asientos (mecanismo y puertas) Elaborado por alumno de Rigoletti Casa de Diseño

RED LIGHT

SECCIÓN

BLUE LIGHT Luz azul, en este apartado se incluyen ensayos, poesía, cuentos, reseñas o cualquier género literario, y colaboran escritores invitados o artistas emergentes o con trayectoria.

JOSÉ LUIS GONZÁLEZ CABRERO |

FERNANDA FRANCO |

VINDRIA |

Portafolios digitales de artistas RGB en Bravoreviews.com

...MÁS BUENO QUE EL PAN por@gonzalezcabrero

Me levanto antes que el sol, camino menos de treinta y cinco pasos y toco al portón de lámina todavía cerrado. —Buenos días —dice Carmela—, ¿listo para hacer pan? Resuena en mí el verbo “hacer” y eso me emociona. Entro en el local, el ambiente tibio de los hornos y el olor a harina y azúcar despiertan mis sentidos, desde que tengo memoria la panadería Lomelí tiene estos olores que activan a toda la colonia, muchos en el Centro de las Artes recorren esos mismos treinta y cinco pasos buscando el mejor pan dulce de la calzada. Empiezo a verlos trabajar, hoy se hacen palitos de pan. Observo de lejos, mientras me lavo las manos, parece una cadena de montaje que enorgullecería al mismo Henry Ford; de un lado un cajón con la masa fresca, ya revuelta con el queso y otras cosas, es la receta secreta. Del otro, una mesa de acero inoxidable con tres pares de manos trabajando en conjunto, enrollando y seccionando la materia maleable, hacen tiras uniformes que luego cortan con rapidez y precisión. —¿Qué tenías en mente?, ¿hacer palitos de queso? —me pregunta Carmela. Y otra vez retumba en mi cabeza esa palabra llena de posibilidad: “hacer”. Me acerco a la mesa, reconozco el material con su consistencia dócil al tacto y me quedo un momento pensando. Hago memoria: la gente toma los palitos de queso y se los come como botana, recuerdo en qué contextos y con qué comidas se consumen, pienso en las dimensiones y en las proporciones de sus formas, en los gestos y los escenarios de uso; de repente todo se alinea y algo se gesta, sonrío, la idea ha llegado. Me pongo a configurar la versión femenina del palito de queso, una “palita de queso”, con las connotaciones formales de una pala, con su superficie plana y su cuerpo a manera de mango, pero también con una función: “embarrar”. Me imagino logrando alcanzar la mayonesa “rezagada”, ésa que queda al final del frasco y que ya no puedes sacar con la cuchara, para luego embarrarla en el pan de caja y lo que sobre comerlo directamente con la “palita”. Me imagino escarbando en platos, cambiando de lugar la porción del atún, haciendo una buena analogía de un albañil y su montaña de arena o utilizándola para revolver el mole con el arroz. Termino la forma fresca y la pongo en el horno junto a la producción de los otros palitos, no pasa tanto tiempo, veo la transformación a través del vidrio del horno que emana calor, el cambio de color revela su estado, están listos. No puedo esperar y degusto el objeto recién concebido, funciona, pero esta planeación exprés, este proceso catártico, esta manera de

Fotografía Javier Villalba

DISEÑO INDUSTRIAL

BLUE LIGHT

acercarse a un pseudoproblema, ¿es esto diseño? No, no lo es y aún está muy lejos de serlo. El diseño es un ejercicio complejo que debería ir mucho más allá de su actual percepción, esta “hambre de proyectos” banaliza la infinita injerencia de un proceso creado para resolver, aportar, mejorar. Me pongo a pensar: ¿cuánto me importa que salga publicado? —¿Qué tienes de nuevo, en qué proyecto estás trabajando. ¿Cuánto me importa que alguien lo entienda y le interese comprarlo? —Está simpático, venderías muchísimos. ¿Cuánto me importa hacer algo transdisciplinario, ahora tan de moda? —Esto es gráfico. —No, es industrial. —Mmm, esto es comida. ¿Cuánto aprovecho que la disciplina es mutante por naturaleza y está en una continua evolución con sus periódicas crisis de identidad? Elijo la definición casi utópica, elijo crear objetos que mejoren la calidad de vida de las personas que los usan, ya sea por su forma, su utilidad o su experiencia. ¿Esto? Esto es sólo un primer acercamiento, una mera exploración. Me gusta pensar que el diseño afecta a su contexto para bien y cada que lo pienso me tiemblan las piernas de la responsabilidad, falta tanto por “hacer”, pero eso me emociona. Me como la palita de queso como consolación, el diseño es más bueno que el pan, el diseño debe ser más.

gonzalezcabrero.com @gonzalezcabrero

EL DISEÑO NOS HARÁ INMORTALES por Fernanda Franco

El diseño, como tal, siempre ha sido reconocido más como una herramienta, que como una parte importante de la mecánica que tenemos al momento de consumir algo. Puede que no nos hayamos percatado de que todos los días convivimos con el diseño, al final, para algunos, es ese acompañante invisible de nuestra dinámica con el mundo. Aunque, por otro lado, para otros es el modus vivendi que rige sus vidas, ya sea porque directamente están involucrados al ser su fuente de trabajo o se inspiran con frecuencia en él. Todos estamos conectados mucho más de lo que creemos con el diseño. Pero, ¿por qué habría de importarnos que lo estemos o no? Muchas personas que no son conscientes de esta relación viven y sobreviven el día a día. Hacernos conscientes de que el diseño que consumimos es parte de nosotros y de lo que proyectamos a otros es, quizás, una de las fórmulas más sencillas para que un mercadólogo haga un buen producto y éste se consuma, pero también es la fórmula inequívoca de crear nuestra propia cultura. El diseño es una herramienta no sólo para crear una estética en productos que sea visualmente digerible para un público determinado, es también funcional para crearnos una identidad visual tanto para nosotros mismos como para quienes nos observan (nos importe o no). Esto tiene un fundamento tan fuerte como la evolución del arte en el mundo. El diseño, al igual que todas las artes, no sólo es un recurso, sino que en los últimos años se ha transformado en un medio para lograr que el ser humano exprese su individualidad, que es –además de todo– nuestro propio recurso para crearnos una identidad propia, construir nuestro entorno y defender nuestra manera de ser únicos ante una sociedad. Podría ser un poco romántico este fundamento, pero vayámonos al lado consumista, duro y real, con el que nuestra sociedad vive. Ser conscientes del tipo de diseño que consumimos, y que a su vez somos, nos permite exigir calidad en lo que adquirimos y también fomentar la competencia entre quien vive de él, a través de sus diversas categorías. Generando así una competencia de mercados real y que vive gracias a uno. Así el diseño y sus categorías permiten que la funcionalidad y la estética convivan y que, a su vez, logren dos cosas sumamente importantes para un desarrollo económico y cultural: por una lado, impulsan al creador a mejorar los productos que nos ofrecen y, por otro, fomentan que se busque una forma de que sea único, cree o sea parte de una cultura. El diseño ayuda a que la individualidad de las personas viva tanto como la cultura, y podría ayudarnos a siempre estar vivos, es decir, podría hacernos inmortales. Algunos se preguntarán si todos los tipos de diseño

DISEÑO INDUSTRIAL

BLUE LIGHT

que existen en la industria pueden acercarse a esta característica eterna… considerando que el diseño es reflejo de un alguien, más que de un algo; podemos asegurar que sí es posible. Para ejemplificarlo mejor, podemos hablar del diseño industrial, el cual parte de una necesidad para llegar a un algo y posteriormente a un alguien. Muchos son los personajes que han surgido de esta disciplina de manera continua. En México pareciera que todos estaban escondidos con sus ideas, hasta que llegó la parte industrial para enseñarles de medidas, materiales y desgaste para materializarlas. Pero también en México surge algo en particular. Dadas nuestras raíces prehispánicas, hay una conexión más que el diseñador industrial lleva a cabo, además del público que consume su producto. El diseñador industrial es uno de los pocos que puede presumir de tener un vínculo con el artesano. En San Luis Potosí, específicamente, esto se ha vuelto tangible de una manera lenta, pero trascendente, por no decir única hoy en día. Los ponentes que han surgido de este lado de la República (tales como Mauro Azúa, David Ortiz o hasta el recientemente famoso Christian Vivanco) poseen algo que es difícil encontrar en el diseño de otros. En su diseño hay vida. Normalmente lo que podemos encontrar en los ponentes de la Ciudad de México, por ejemplo, son historias. Objetos que narran o son parte de una narración y así alcanzan la inmortalidad, al menos en el recuerdo del consumidor. Como algunos proyectos de Andrés Lihma, que entre un chiste local mexicano y una composición robusta, cuentan chismes, albures, historias y hasta cuentos con su diseño. En Monterrey y Guadalajara el diseño se hace eterno porque las ideas nunca mueren, siempre están innovando, siempre están dando de qué hablar, siempre aparecen en plataformas digitales, siempre, siempre están hablando sin usar palabras. Están vivos porque no se cansan de crear. Pero en San Luis Potosí lo que sucede es así de peculiar, como quien siempre está hablando. En este lugar son muy exactos los momentos en que surge un proyecto, porque literalmente es como una historia bien contada. No altera tu adrenalina como Monterrey o Guadalajara, no se es sólo espectador de una historia como en México, en nuestro estado se tiene un personaje de la historia en tus manos. No se puede más que concluir que en México, con todo y su caos y malos momentos, el diseño industrial nos muestra que somos una nación que nunca morirá, gracias a sus ideas, su creatividad y, sobre todo, su diseño.

@phersoix

OBJECTIFIED

El documental del objeto, y las personas que los diseñan; Objectified de Gary Hustwit (2009)

por Vindria

En la búsqueda de un lenguaje y una estética que pudiera abordar las temáticas del diseño gráfico, la tipografía, el diseño industrial, los objetos, la arquitectura y la urbanización, sin faltar el respeto a las propias reglas y estética del diseño, Gary Hustwit, editor independiente y vicepresidente de salon.com, cofundador con Sean Anderson de Plexifilm, logra, a través de su Trilogía del Diseño –Helvetica (2007), Objetified (2009) y Urbanized (2011)– hacer accesible, para todos, los grandes temas del diseño y sus implicaciones en nuestro entorno. Helvetica, el primer documental como director de Hustwit, parte de un gran lienzo blanco en el que con lápiz traza y lentamente va entintando. Con este trabajo, Hustwit se aventuró en la búsqueda de una estética visual propia, una propuesta con profundos fondos blancos, entrevistas contundentes y reflexivas, secuencias altamente estéticas y apreciativas, con un montaje fluido y suave. Esta trilogía profundiza en la esencia de las cosas, de las ideas y, sobre todo, de los procesos. Hustwit narra Objectified desde el brote de una idea y el flujo para convertirse en un objeto, como en cepillo de dientes, una silla, un palillo, una computadora, un tocadiscos, una cámara fotográfica, entre un millón de cosas más, a través del testimonio de: Paola Antonelli, Chris Bangle, Ronan & Erwan Bouroullec, Andrew Blauvelt, Tim Brown, Anthony Dunne, Dan Formosa, Naoto Fukasawa, Jonathan Ive, Hella Jongerius, David Kelley, Bill Moggridge, Marc Newson, Fiona Raby, Dieter Rams, Karim Rashid, Alice Rawsthorn, Davin Stowell, Jane Fulton Suri y Rob Walker. Objectified no es para especialistas, ni sólo para diseñadores, está tan bien narrado que cualquiera puede disfrutar de su capacidad visual para sorprenderse con las cosas que nos rodean; de comenzar a sentir horror ante las cosas, las obtusas figuras y, principalmente, la incomodidad de un entorno mal diseñado y carente en su estética que no es agradable de ver, tener o tocar. ¿Cuántas veces te has sentado en una silla incómoda o intentando descansar en una banca del parque? Te has preguntando: ¿por qué es tu sillón favorito?, ¿tu pluma preferida? ¿Por qué determinado objeto se ve tan bien y es tan incómodo de usar? Este documental ocurre alrededor del mundo, a través de un millón de cosas, y no dejo de pensar en los principios de diseño que plantea Dieter Rams: un buen diseño es innovador, hace un producto útil, es estético, hace un producto comprensible, es discreto, es honesto, es duradero, es minucioso hasta el último detalle, es amigable con el ambiente, es tan poco diseño como sea posible.

vindria.blogspot.com @vindria

SECCIÓN

YELLOW LIGHT Luz amarilla, éste es el espacio designado a reseñar colectivos, asociaciones civiles, festivales y empresas culturales, que realizan actividades comprometidas socialmente con el arte o el diseño.

UTILITARIO |

CALLEJÓN 7B |

Números anteriores y descarga: issuu.com/rgbrevista

Reseña

UTILITARIO

Un espacio al talento en la escena del diseño Fundada en 2007 por el arquitecto Saadi Jiménez León, mueblería IN.TERNO está enfocada en la comercialización, diseño y venta de mobiliario, así como en el desarrollo y construcción de arquitectura. Ante el auge del diseño como una herramienta de cambio y transformación para el entorno y la economía, es que –en marzo de 2014– esta empresa lanzó la primera convocatoria para UTILITARIO 1.0, concurso de diseño industrial en el que participan desde objetos de uso cotidiano hasta mobiliario especializado, con el objetivo de que sea un escaparate para las nuevas generaciones de diseñadores industriales, en especial de la escena potosina. La respuesta que obtuvieron por parte del público fue más de la esperada en la primer emisión; participaron alrededor de 40 proyectos y fueron premiados 4 de ellos: primer lugar, David Ortiz, con su silla "EVA”; segundo lugar, Colectivo R/O (Miguel Ojeda y César Robledo), con el "CANOPY", y, en el tercer lugar, David Romo, con su reloj "DO2"; la mención honorífica fue para David Vivanco, con su taburete “Leap”. UTILITARIO está dirigido a todo el público que desee impulsar proyectos de diseño que puedan ser empleados en la vida diaria; y en especial pretende posicionarse entre los estudiantes de diseño que busquen experimentar o proyectar sus ideas a una escala masiva, ya que se lleva a cabo un showroom y un evento de premiación. UTILITARIO pretende forjar en los participantes una sana competitividad para elevar los estándares de calidad y creatividad en la rama del diseño industrial en nuestro estado.

El diseño como una herramienta de cambio y transformación para el entorno y la economía Justo cuando tengas en tus manos esta edición estará en marcha la segunda edición de este concurso, que en esta ocasión contará con la participación de Aldo Álvarez Tostado, Christian Vivanco, Antonio Gorab y Dinka Costilla, quienes fungirán como jurados, y habrá dos categorías en competencia: Mobiliario y Objeto. UTILITARIO 2.0 será la plataforma y parteaguas para ver nuevas ideas y soluciones a la vida diaria, así como celebrar la genialidad y creatividad del ser humano.

Publirreportaje

DISEÑO INDUSTRIAL

YELOW LIGHT

CALLEJÓN 7B

Un buen lugar para tomar una buena cerveza ¿Comer cerveza artesanal? Así es, en Callejón 7B, además de disfrutar de bebidas artesanales totalmente potosinas, mientras escuchas buena música –desde trova hasta electrónica–, puedes comer cerveza. Suena raro, pero este lugar trae para ti un nuevo menú que incluye platillos como perlas de queso acompañadas con mermelada de cerveza 22–12, elaborada en Monterrey N.L, por citar un ejemplo.

Especializados en cerveza artesanal, esto quiere decir que sabrán recomendarte la cerveza que necesitas La propuesta es fusionar ingredientes clave en la elaboración de cervezas artesanales, como la malta, y aplicarlo en alimentos como las hamburguesas: “en Callejón nos dedicamos a vender cerveza artesanal, pero no habíamos volteado a ver hacia nuestra cocina, ahora que lo hacemos, nos damos cuenta de las cosas que podemos crear, como un rico platillo con los menos conservadores posibles, para que acompañes tu cerveza”. Callejón 7B, con su diseño mobiliario –de mesas amplias para varias personas–, invita a socializar y convivir. Está especializado en cerveza artesanal, esto quiere decir que sabrán recomendarte la cerveza ideal de acuerdo con tus gustos, ya que conocen a la perfección sus productos. También es un espacio que alberga arte en sus paredes, podrás admirar nuevas y diversas propuestas gráficas, exposiciones fotográficas o de ilustradores; asimismo abre sus puertas para colaboraciones, como la que tuvieron con el Centro Cultural Alemán, cuando realizaron el Oktober Fest 2014. Por otra parte, tiene en puerta el proyecto de integrar a su menú comida típica de los siete barrios de San Luis Potosí, haciendo honor a su nombre: Callejón 7B. Y, como un distintivo de la calidad de sus servicio y productos, cuenta con un certificado otorgado por la Secretaría de Turismo. Si no conoces el Callejón 7B, sin duda, no te arrepentirás de probar una nueva experiencia. facebook.com/Callejon7b twitter:@callejon7b www.callejon7b.com Instagram.com/ callejon7b