Vanguardias pictóricas by felipe rincon

XIX & VANGUARDIAS PICTAGÓRICAS

Universidad Sergio Arboleda Historia del Arte II Felipe Rinc贸n y Camilo Ocampo 10 de noviembre de 2014

INDICE

CONCEPTO VANGUARDIAS PICTAGÓRICAS Pág. 6 PINTURA Pág. 22 EXPRESIONISMO Pág. 26 ARTE ABSTRACTO Pág. 29 EL DADÁ Y LA PROVOCACIÓN Pág. 32 EL SURREALISMO Pág. 35 MÉXICO EL NACIONALISMO Y LA PINTURA MURAL Pág. 38 GRANDES EXPONENTES Pág. 41 PABLO PICASSO Pág. 42 ERNST KIRCHNER Pág. 50

VASILI KANTDINSKI Pág. 62 MARCEL DUCHAMP Pág. 72 SALVADOR DALÍ Pág. 80 LAS VANGUARDIAS PICTAGÓRICAS APLICADAS EN LA ESCULTURA Pág. 90 APRECIACIÓN BIBILIOGRAFÍA

vanguardias Pictรณricas Seguramente para definir este concepto se encontraran infinitas fuentes, pero en este libro queremos citar tal vez a una de las mรกs acertadas; es por eso que trajimos una parte de la definiciรณn que se le da en el blog estudia-arte, conjunto con el libro que lleva el mismo nombre y finalizando este intento de definiciรณn con un fragmento de la apreciaciรณn de este movimiento de parte del investigador de vanguardias Mario de Micheli.

Avant-garde (término francés) o, en nuestro idioma, vanguardia, hace referencia en el vocabulario militar a todo destacamento de una fuerza armada que va por delante del resto en una acción cualquiera o en un ataque. En el siglo XIX empezó a aplicarse en Francia esta noción al mundo de la cultura para aludir a los compromisos progresistas de ésta. El pensamiento del siglo XX ha producido, por otro lado, una enorme literatura en torno a lo que se ha afianzado como teoría de la vanguardia. La vanguardia, en este sentido, se ha transformado en instancia clave de lo moderno. La acepción de vanguardia, en su sentido más inme-

diato, refiere a la comprensión elemental del término como aquél que sirve para denominar los exponentes artísticos que se consagran al desarrollo de formas de expresión y de representación que rompen con el marco establecido por los modos de figuración legados por la tradición y por las estructuras estéticas vigentes. Pertenecen a este fenómeno manifestaciones tales como: Fauvismo, Expresionismo, Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo y otros movimientos que crearon imaginerías artísticas que subvertían, muchas veches de forma provocativa, el orden dado en la cultura instituida.

Las vanguardias históricas que se gestan en torno a 1910, alcanzan su desarrollo hacia el final del período de entreguerras. Conocen una continuidad durante la segunda posguerra, y también en las décadas posteriores, hasta la actualidad. Pero, después de 1945, por muy diversas circunstancias, las funciones y las formas de legitimación y difusión de la vanguardia cambian notablemente, y aún más a partir de los años setenta y hasta el final de la guerra fría. Por consiguiente, las vanguardias históricas, aun siendo parte de esa producción que, de modo enfático y

globalizador, se denomina vanguardista, necesitan ser consideradas como un fenómeno específico y limitado a un contexto histórico, que es la Europa de entreguerras. hay otro aspecto que conviene tener muy en cuenta, y es que en sus primeras décadas de desarrollo el arte de vanguardia no dominó, ni mucho menos, el mercado ni el gusto del gran público. El vanguardismo urgía a un ensanchamiento, a una transformación de la sensibilidad de los receptores que no contó con una respuesta efectiva y generalizada durante mucho tiempo, si es que de verdad alguna vez la ha tenido. Si la per-

vivencia de los convencionalismos estéticos burgueses es un factor evidente aún hoy en día, en una época en la que se han normalizado las disposiciones estéticas promovidas por la aventura vanguardista, mucho más acusada era entre 1910 y 1940 la supremacía de esos preceptos artísticos rutinarios que hacían valer las clases dominantes, incluso de manera más terca, si cabe, de lo que hoy conocemos. Dice el investigador de las vanguardias, Mario de Micheli: “…que buscar una explicación a las vanguardias artísticas europeas investigando sólo acerca de las mu-

taciones del gusto es una empresa condenada al fracaso”. Ciertamente, los programas vanguardistas nos informan acerca de formas individuales de insurrección frente a un gusto vigente; sus experimentos se constituyen muchas veces como lenguajes exclusivos, descontextualizados o emancipados con respecto a lo que determina la conservación de la cultura establecida y el servicio a las instituciones. La pintura cubista, por ejemplo, crea mundo y visión de mundo mucho antes de que pueda considerarse la existencia de un gusto colectivo que asimile y comprenda sus propuestas. No es que los vanguardismos tuvieran vocación minoritaria,

sino que en sus primeras décadas de desarrollo estaban destinados a ser minoritarios. Y ésta es una condición fundamental de las vanguardias históricas. Se les resistió su enemigo, la cultura pequeño-burguesa, y apenas tuvieron entrada en la cultura de masas.

Pintura

La pintura a finales del siglo XIX y por consiguiente a principios del siglo XX tuvo una transformaci贸n notable mostrando gran diferencia de estilos y diferentes tendencias. Las obras y sus autores empezaron a experimentar con diferentes estilos, formas de pintar y sobre todo que pintar; lo que lleva a ver como en cada autor es totalmente distinto del otro. De igual forma hubo grandes acontecimientos que rodearon esta parte de la historia a lo cual se refiere el editor de

Cossio.net, portal especializado en arte, esta etapa art铆stica de

las vanguardias corresponde a un periodo muy convulso de la historia, Primera Guerra Mundial, RevoluciĂłn Rusa y triunfo del comunismo, enfrentamiento absolutismo â&#x20AC;&#x201C; liberalismo, rivalidad colonial entre potencias europeas, etc. Un mundo en crisis revitaliza el arte y su expresiĂłn ya que conciencia al artista y le convierte en inquieto buscador de cosas nuevas y provocadoras, reaccionando contra las injusticias que le rodean.

Corrientes Pictóricas de Vanguardia La transición al siglo XX sucedió en el marco de un mundo que asumía rápidamente los avances de la técnica en su paso al progreso: en París, capital cultural de Occidente, el metro aceleraba la vida de la gente. En los primeros años del siglo, el uso del teléfono fue masificándose, apareció el Modelo T de la Ford e iniciaron los primeros vuelos en avión. La modernidad era el gran proyecto y para ello había que establecerse en este nuevo contexto urbano, cien-

tífico, democrático, en el que la técnica, la ciencia y la tecnología prometían resolver los problemas de la humanidad En el mundo del arte, surgió pronto la necesidad de romper con el academicismo decimonónico en un impulso de renovación e innovación constante, tal es el espíritu del arte de vanguardia, que planteaba, en términos generales, la constante invención de nuevas formas de expresión. Por ello, surgen profusamente corrientes y movimientos que unos a otros se oponen, se desplazan y evolucionan… había que ser modernos y, para ello, era necesario romper con las fórmulas del

pasado. El término vanguardia hace referencia a lo que “va adelante”, es por tanto un concepto aplicable no sólo a las manifestaciones de las primeras décadas, en términos genéricos. Sin embargo, en la historia del arte es común llamar La Vanguardia a los movimientos surgidos desde el inicio del siglo y con más fuerza en el período de entre-guerras, pues el primer gran conflicto bélico del siglo desató la reacción de los artistas que se rebelaron ante el poderío de la técnica para matar. El espíritu de la constante invención imperó en las vanguardias, pero no todas tomaron el mismo camino

o la misma postura: algunas reaccionaron a la tecnificación y la automatización producto del avance tecnológico. Otras, como el Futurismo italiano representado por Filippo Marinetti, adoptaron la consigna del desarrollo industrial y material como definitorios de “lo moderno” y como el camino hacia el progreso. La profusión de corrientes y movimientos de vanguardia en las tres primeras décadas del siglo XX establecieron los paradigmas estéticos del arte moderno, vigentes en algunos casos hasta los años sesenta y en otros casos hasta la segunda posguerra. (María de Lourdes López Gutiérrez. (julio-septiembre 2005).

La pintura del siglo xx. Episteme, 5, 25.)

Cubismo

A h o r a bien, después de la contextualización demos paso a las corrientes…

La primera corriente de vanguardia importante en la pintura fue el cubismo, bautizado así por un crítico quien, al salir de la primera exposición de este estilo, que presentaba obras de G. Braque, opinó que el artista

“maltrataba las formas reduciéndolas a cubos”. El antecedente de esta corriente es la pintura de Paul Cezzane, que redujo las formas básicas de la naturaleza y de los objetos, componiendo sus cuadros con base en líneas, triángulos y rectángulos. El cubismo tuvo su auge entre 1907 y 1914. Es un sistema plástico presente no sólo en la pintura, sino en la escultura, arquitectura y otras artes; un movimiento dinámico y analítico: analiza la naturaleza de las formas que componen el objeto, creando nuevos espacios pictóricos. Quizás en términos de exploración formal, el cubis-

mo fue, de todas las vanguardias, la de mayor impacto en el desarrollo de la pintura, aparece como un movimiento formalista, preocupado por reconsiderar y reinventar los procedimientos y valores pict贸ricos, manifiestos especialmente en el tratamiento de uno de los problemas perennes en la pintura desde el Renacimiento: la relaci贸n de un objeto con el espacio en el que es visto.

Picasso es el máximo representante de la corriente cubista, aunque su producción es tan extensa que tiene varias clasificaciones. Con “Las Señoritas de Aviñón”, Picasso establece las ideas básicas no sólo del cubismo, sino del arte contemporáneo: el uso del espacio, la máscara sustituyendo al rostro, la abolición de lo bello por un planteamiento estético que tardaría en ser comprendido y, sobre todo, la propuesta de la temporalidad, que trascendía el carácter de “congelamiento” que la pintura confería a los objetos representados.

expresionismo

Más que una corriente o escuela formada por un grupo determinado de artistas, puede considerarse una tendencia en la que convergen pintores, cineastas y artistas plásticos con un fuerte contenido psicológico y agresivo en sus obras, como reacción al carácter sensitivo y superficial del impresionismo. Es el resultado de una serie de acontecimientos, conocidos como las Secesiones (la de Viena, la más famosa), que consistían en la rebeldía de los artistas a ceñirse a los cánones de las casas y galerías expositoras; es decir, son una serie de rompimientos de los artistas en su

continua búsqueda de un artemoderno. Alemania, cuna del expresionismo, ha dado al mundo las principales corrientes filosóficas de los siglos XIX y XX; sus artistas han aludido siempre a fuertes contenidos sociales y psicológicos, reflejados en la música, la literatura, la pintura y en el cine. El grupo “El puente”, fundado en Dresden en 1905, tenía como característica fundamental la propuesta temática de denuncia social, fuertes en sus contenidos y violentos en sus colores.

Ernst Kirchner, uno de sus fundadores y miembro del grupo hasta su suicidio, realizó grabados y escultura, además de obra pictórica. Su obra, más tarde confiscada por los nazis, reconoce fuerte influencia de Van Gogh. Tomada de Biografías y vidas

Arte Abstracto

El grupo “El Jinete Azul”, fundado en Munich en 1911, agrupaba artistas preocupados por el misticismo y la espiritualidad del arte. Vassily Kandinsky, autor de obras como “Composiciones” o “Improvisaciones” y Paul Klee, quien pintó “Arquitectura espacial”, derivarían finalmente en el arte abstracto. Kandinsky, de origen ruso, venía de la tercera Secesión de Munich, es decir, la tercera ruptura del arte con las formas anteriores. Aborda el aspecto filosófico del arte, proclamándolo

como una necesidad interna y abriendo paso al arte abstracto. De él es la primera obra pictórica abstracta, es decir, que no representa ningún objeto ni forma de la naturaleza. Según sus propias palabras, se puede definir el arte abstracto con las siguientes impresiones: “... me vi de pronto ante un cuadro de belleza indescriptible. El cuadro carecía de todo tema: no describía objeto alguno identificable, y estaba totalmente compuesto de brillantes manchas de color. Finalmente, me acerqué y reconocí lo que era realmente: mi propio cuadro puesto de perfil sobre el caballete... Una cosa se me hizo ma-

nifiesta: la objetividad, la descripción de los objetos no era necesaria en mis pinturas, y, realmente, las perjudicaba”. (Kandinsky, Vassily (1979). De lo espiritual en el L a Arte. Ed. Premia) abstracción apenas abría camino entre las artes, sin embargo, a partir de las propuestas de Kandinsky, en obras como surgirían infinidad de variaciones, como el plasticismo o el geometrismo. Pero la gran difusión del abstracto adquiriría mayor relevancia en las décadas posteriores a la II Guerra Mundial.

El Dadá y la Provocación

El movimiento Dadá nació a principios de 1916, en el “Cabaret Voltaire”, de Hugo Ball, donde recitaban poemas, presentaban ready mades, (objetos hechos en el momento y para el momento), exponían locuras, pinturas, collages, esculturas. Era un espacio artístico en el que muchos intelectuales hallaban refugio ante la guerra. Importante figura del Dadá es Tristan Tzara, escritor rumano autor del “Manifiesto Dadá”; él dio a conocer las obras de Kurt Schwitters, que eran ensamblajes y collages de cartón, madera, alambre, boletos de ca-

mión y otros objetos rotos. Max Ernst fue considerado uno de los más subversivos artistas de la época. Sus obras: objetos de deshecho, collages, pinturas, llegaron a ser expuestas junto a un hacha, invitando al público a destruirlas. Francis Picabia pintó cuadros inspirados en la estructura de las máquinas; hizo collages como “Los Centímetros”, con trozos de cinta métrica, retratos deformados, etc. Estas obras causaron indignación y fueron consideradas como tomaduras de pelo; sin embargo, acabaron no sólo siendo aceptadas, sino que transgredieron los

valores del arte y abrieron paso a la actividad lúdica del artista, que retomaba los cánones de la teoría del “arte por el arte”, es decir, el arte sin ninguna sujeción a instituciones o necesidades sociales. Marcel Duurinario que, champ, el máximo fuera de su conexponente de este motexto, era redefinido vimiento, le debe el muncomo producto digno de do su famoso Portabotellas, ser expuesto. Sus obras picque consiste en el objeto vol- tóricas más importantes son quizá La Casada desnudada por sus teado de cabeza y expuespropios solteros y Desnudo to como obra artística bajando la escalera. o La fontaine, un

El surrealismo

Los surrealistas, a diferencia del dadaísmo, estaban preocupados en cambiar la concepción de la vida y suscitar una nueva sensibilidad en el mundo, regida por la lógica de los sueños. Para ellos el sueño es una “segunda vida”, que ayuda a liberar el espíritu de todo freno impuesto por la razón. André Bretón -escritor y padre del surrealismo- dio a conocer el “Manifiesto Surrealista”, en el que afirma: “...Creo en la futura resolución de esos dos estados de apariencia contradictorios que son el sueño y la reali-

dad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad. El lenguaje ha sido dado al hombre para que haga de él un uso surrealista.”(Bretón, André (1996). Antología. Ed. Siglo XXI.) La forma “natural” de la expresión del surrealismo fue la poesía, el verso libre como resultado del automatismo psíquico; ámbito prolífico en donde encontramos las obras de Paul Eluard, J. Peret, Louis Aragon, Antonin Artaud y el propio Bretón. El surrealismo habría de tener una influencia enorme en el arte del siglo. No sólo existió como corriente, sino que conformó un estilo, presente no sólo en la pintura,

sino en el diseño gráfico y, en general, en las artes visuales contemporáneas. Los artistas del surrealismo encontraron en México el ambiente propicio para la creación artística, influyendo en la plástica mexicana en forma importante. Una figura decisiva del surrealismo es, sin duda, Salvador Dalí, que introdujo en sus obras elementos religiosos e imágenes que suelen jugar con el tiempo, con el cuerpo humano y su desintegración, así como con diferentes perspectivas. Como en “La persistencia de la memoria”, su famoso cuadro con relojes blandos que yacen en una playa.

México el nacionalismo y la pintura mural El proceso de nacionalización de la cultura que originó el movimiento revolucionario, encontró su expresión en el arte, en el que es evidente la búsqueda de la identidad nacional, a través de los elementos de la cultura indígena y la nueva organización del país. La obra de José Guadalupe Posada enmarca el ánimo nacionalista, redescubridor de los más profundos valores del alma del mexicano. La más evidente es, sin duda, la relación miedo-burla hacia la muerte, como

podemos apreciar en su famosa “Catrina” Con el movimiento muralista se consolidó el arte mexicano que trascendía universalmente, integrando los ideales revolucionarios con el arte popular: el retablo, los mitos precolombinos, las leyendas. El muralismo mexicano, con temática nacionalista, tuvo sus años de auge mientras en Europa estallaban las vanguardias. Los artistas mexicanos, hasta la fecha, suelen estudiar en el extranjero, o por lo menos, realizar viajes que los ponen en contacto con las propuestas de otros países y si bien no podemos hablar de murales cubistas, si encontramos una fuerte influencia del arte

europeo en nuestros artistas.

Los representantes fundamentales del muralismo mexicano son Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, que fundaron el “Renacimiento Mural”. Comparten créditos en el movimiento Juan O’Gorman y Enrique González Camarena.

GRANDES EXPONENTES

Cubismo Pablo Ruiz Picasso

Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España y murió el 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia. Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo

largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

Guernica A veces se considera El Guernica, la contribución de Picasso al pabellón de la República española en París en 1937, como un hito final en sus relaciones con el surrealismo, aunque una obra como ésta se resiste a cualquier adscripción.Pintada por encargo del gobierno español, Picasso hace un cuadro monocromo, de impacto directo, como alegato contra la agresión fascista en España y contra la guerra en un sentido más amplio. Pinta unos nuevos desastres de la guerra donde la violencia y el horror son protagonistas, y lo hace con medios muy depurados: pocos elementos, pocos

colores, ningún relieve y una carga expresiva muy fuerte. Picasso pinta el único cuadro histórico del siglo XX, como lo ha dicho Argan, un cuadro en el que los elementos vivos han desaparecido: un friso monocromo donde la muerte es el único protagonista, en un lenguaje propio que hace estallar el cubismo, como Las señoritas de Avigñón (1907, Nueva York, MOMA) hicieron estallar el lenguaje tradicional.

imagen tomada de <artehistoria.com>

Les Demoiselles d´Avignon Fecha: 1907 Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York Características: 245 x 235 cm. Estilo: Cubismo Material: Oleo sobre lienzo Copyright: (C) ARTEHISTORIA

Expresionismo

Ernst Kirchner Nación el 6 de mayo de 1880 en Aschaffenburg, Alemania y murió el 15 de junio de 1938 en Frauenkirch, Suiza. nicia la carrera de Arquitectura en Dresde, y dos años después se traslada a Munich, donde se inscribe en el Taller Experimental de Artes Puras y Aplicadas. Es entonces cuando se produce su primer contacto con el Jugendstil, además de sentirse atraído por artistas como Van Gogh, Lautrec, etc. De Durero le impresio-

nan sus xilografías que tiene la oportunidad de contemplar en Nuremberg. Cuando regresa a Dresde crea con otros artista el grupo Die Brücke -El Puente-. A esta época pertenece Muchacha con sombrilla japonesa una obra identificada con el fauvismo; y Calle, Dresde.

De esta última obra volvió a realizar una segunda versión, aunque influida por las tendencias que marcaba el cubismo. Hacia 1910 se instala en Berlín y comienza a relacionarse con Otto Mueller y la fundación de MUIM. De allí pasó directamente al frente durante el desarrollo de la Primera Guerra Mundial. Su experiencia y la enfermedad mental que padece rápidamente se refleja en su obra. Desde el fin del conflicto su obra fue expuesta en diversas ocasiones. Sin embargo, la nueva situación política que vive Alemania provoca que su obra sea confiscada por los nazis. De hecho más del cincuenta por ciento de ésta se expuso en 1937 en la

exposición de arte degenerado. Un año después moría.

Autorretrato de soldado

Una de las fuentes de referencia para Kirchner y todos los miembros del grupo Die Brücke fue Vincent van Gogh, tal y como podemos observar en este Autorretrato de soldado, donde encontramos referencias al Autorretrato con la oreja cortada pintado por el holandés en 1888. Kirchner se presenta ante el espectador vistiendo su uniforme del 75º regimiento de artillería -tal y como podemos observar en los distintivos rojos de sus hombros- , con un cigarro apagado entre sus labios, reforzando así el aspecto desgarrado del enjuto rostro que se impone con violencia en un primer

plano. Su mano derecha aparece mutilada de manera horrible, apreciándose aún el rojo de la sangre, mientras que la izquierda se asemeja a un pico de ave, apoyándose sobre la tela que ocupa la zona derecha de la composición. El pintor no

parece percatarse de la modelo desnuda que hay tras él, volviendo su vacía y ausente mirada hacia el espectador, reforzando así la violencia que envuelve a la escena, violencia resaltada por el anguloso y deformado espacio. La sensación de desazón que rodea la composición es una muestra del estado de ánimo del artista, angustiado por una guerra que no comprende, provocándole la pérdida de su propia identidad, simbolizada aquí en la mano amputada. Incluso parece sugerir la pérdida del contacto con las mujeres al renunciar a dirigir su mirada hacia la modelo. El potente colorido empleado -con tonalidades intensas y vivas, heredero

del fauvismo- remarca la sensaciĂłn de angustia y crisis habitual en Kirchner, estado anĂmico que le llevarĂĄ al suicidio.

imagen tomada de <artehistoria.com>

Desnudo femenino con sombrero Fecha: 1911 Museo: Museo Ludwig CaracterĂsticas: 76 x 70 cm. Estilo: Expresionismo Material: Oleo sobre lienzo Copyright: (C) ARTEHISTORIA

60 Cinco mujeres en la calle Fecha: 1913 Museo: Museo Wallraf-Ritchartz CaracterĂsticas: 120,5 x 91 cm. Estilo: Expresionismo Material: Oleo sobre lienzo Copyright: (C) ARTEHISTORIA

Arte abstracto

Vasili Kandinski Nació el 4 de diciembre de 1866 en Moscú y murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine Nace en Moscú el 4 de diciembre 1866, ciudad en la que estudia derecho y economía. En 1896 se traslada a Munich para estudiar arte en la Academia. En 1901 funda el grupo Phalanx, cuya misión era dar a conocer la pintura francesa de vanguardia en la ciudad alemana. Entre 1903 y 1908 viaja por Italia, Holanda, Túnez y París. En los veranos se reunía en Murnau con Ga-

briela Münter y otros artistas como Jawlensky, August Macke y Franz Marc, junto con quienes organizó el grupo "Der Blaue Reiter" (El Jinete Azul). Al estallar la Primera Guerra Mundial vuelve a Moscú donde se dedicó más a la teoría que a la práctica pictórica. Sin embargo, la obra de los constructivistas dejó huella en la obra posterior del pintor ruso. En

1921 abandona el país para aceptar, un año después, un puesto docente en la Bauhaus de Weimar. En esta época su obra es más disciplinada, alejándose de la anterior influencia de la vanguardia rusa de Malevitch y Lissitzky. En 1933, cuando el gobierno nacionalsocialista cerró la Bauhaus, Kandinsky se instaló definitivamente en Francia, donde muere el 13 de diciembre de 1944 . Se le considera el padre del expresionismo abstracto, tanto teórico como artístico.

A diferencia de Klee, Kandinsky prescindió en su pintura de toda relación con el mundo de las cosas visibles. Su aportación pionera al arte de vanguardia había sido la pintura sin tema, con la que instó a la abstracción. Pero cuando Kandinsky se integró en la Bauhaus su pintura ya no guardaba fidelidad a lo que había sido su primer expresionismo abstracto, como se lo denominó. Durante su estancia en Rusia (1915-21) había reorientado su imaginería. Encontró afinidades con Malevich y asumió algunos principios constructivistas. En los años veinte su reto pictórico seguía siendo la unidad interna de la imagen sobre la base de acordes

formales y cromáticos, pero buscó una determinación más exacta de la forma, el compromiso constructivo propio de la abstracción geométrica. El orden intelectual se hizo más acusado. Abundó en las equivalencias entre vivencias ópticas y vivencias musicales.

Cuadro con mancha roja Fecha: 1914 Museo: Centro Georges Pompidou CaracterĂsticas: 130 x 130 cm. Estilo: Abtraccionismo Material: Oleo sobre lienzo Copyright: (C) ARTEHISTORIA

Composici贸n 218, Dos 贸valos Fecha: 1919 Museo: Museo del Hermitage Caracter铆sticas: Estilo: Material: Oleo sobre lienzo Copyright: (C) ARTEHISTORIA

Dadaísmo

Marcel Duchamp Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon y murió el 2 de octubre de 1968 en Neuilly-sur-Seine Marcel Duchamp pertenece a una familia de conocidos artistas de la vanguardia parisina, con miembros tan relevantes como su hermano Raymond Duchamp Villon, escultor cubista, y su hermanastro Jacques Villon, pintor. La primera etapa de Marcel Duchamp se caracteriza por sus frecuentes visitas a la Académie Julian de París y por una pintura que pone de manifiesto las referencias al impresionismo, fauvismo, cubismo y

futurismo. En este periodo, que abarca los años 1908 y 1912, pintó obras tan relevantes como Nu descendant un escalier nº2 (1912), hoy en día en el Museo de Arte de Filadelfia. Es una obra que evidencia el alejamiento del cubismo en una búsqueda más próxima con el futurismo. El rechazo de esta

obra en la exposición del Salón de Independientes de París, permite su presentación en España, en concreto, en la Exposición de arte cubista celebrada en las Galerías Dalmau de Barcelona en 1912. Al año siguiente, sería presentada en el Armory Show de Nueva York. Entre 1915 y 1923, se puede hablar del siguiente periodo de Duchamp caracterizado por el abandono de la pintura. Desde 1914 había comenzado una corriente nihilista estética, planteando polémica e ironía en sus obras de arte, sobre todo, en objetos cotidianos ya realizados. Los sacó de su contexto y los puso su firma, son los llamados ready-made como Rueda de bici-

cleta (1913), A Bruit secret (1916) o La Fuente (1917), una taza de urinario que fue rechazada por la Society of Independent Artists. Durante la década de los 20 se dedicó a la investigación de teorías ópticas, realizó varios cortometrajes surrealistas como "Anemic Cinéma" (1925) y fotografías experimentales de las que destacan Élevage de poussière de 1920.Tras un periodo de dedicación como asesor de arte para coleccionistas y museos estadounidenses, regresa a la creación de objetos irónicos y absurdos, desde Biôte à valise hasta French window. Fue precursor con estas series de la conceptualización del arte, al negar la calidad estética objetiva

de la obra de arte y valorar el comportamiento subjetivo que luego se verá en el arte conceptual de las siguientes décadas.

Retrato del doctor Tribout Fecha: 1910 Museo: Museo de BB. AA. de Ruan Características: 55 x 45 cm. Estilo: dadaísmo Material: Oleo sobre cartón Copyright: (C) ARTEHISTORIA

Desnudo bajando la escalera Duchamp coqueteó en esta composición con las formas de representación cubistas. Sólo que la multiplicación de puntos de vista le llevaron a sugerir fundamentalmente la sensación de movimiento, de forma parecida a lo que se dio entre los acólitos del dinamismo futurista. Como en éstos, es evidente que la cronofotografía sirvió como motivo de inspiración. Poco después de estos trabajos Duchamp perdió el interés por el cubismo y comenzó a formular su vocabulario artístico privado, inaugurado con el invento del readymade.

Surrealismo

Salvador Dal铆 Naci贸n en Figueras el 11 de mayo 1904 y muri贸 el 23 de enero 1989 en Ibidem.

Los relojes blandos, La persistencia de la memoria Fecha: 1931 Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York Caracter铆sticas: 24 x 33 cm. Estilo: Surrealismo Material: Oleo sobre lienzo

Desde su exposición en la Galería Pierre Colle de París, en junio de 1931, esta pintura se ha convertido en una de las imágenes más reproducidas, e identifica a su autor entre el gran público, incluso entre aquél que apenas tiene ningún conocimiento previo sobre los objetivos o la naturaleza del arte contemporáneo. La teoría de Dalí sobre lo blando y lo duro encuentra en las estructuras de los relojes su máxima expresión, sobre todo como manifiesto del tiempo que se come y que come. Alude al aspecto que obsesiona al hombre del siglo XX: espacio-tiempo. Después del conocimiento y las consecuencias de la relatividad, de las teorías

de Einstein que perturbaron al mundo e influyeron en todo, la obsesión por el paso del tiempo y la obsesión por el espacio fueron los argumentos más utilizados por Dalí en su arte.Es, por otro lado, la culminación de la imagen del gran masturbador, que había tenido un gran impacto en el espectador. El reloj no sirve, no es materia, no funciona, de manera que aparece la estructura blanda simbolizando la idea pasional, vivencial y no racional, sobre la cabeza del gran masturbador como una masa viscosa, con un ojo, una pestaña y una gran nariz. Es el triunfo de los sueños que no están controlados por nada, es el canto al triunfo del

deseo sobre la realidad. En definitiva, la capacidad de Salvador Dalí para mostrar, mediante imágenes inéditas, los mitos eternos del ser humano. Otros estudiosos insisten en la victoria del deseo sobre la presencia obsesiva del tiempo. Parece que estaba vinculado a una reflexión sobre la teoría de la relatividad, en la cual la postura de Dalí, que abogaba por acabar con el existencialismo y con la angustia del hombre ante su propio destino, lideraba a un gran sector del público.

85 Niño geopolítico observando el nacimiento del hombre nuevo Fecha: 1943 Museo: The Salvador Dalí Museum (San Petersburgo) Características: 45´5 x 50 cm. Estilo: Surrealismo Material: Oleo sobre lienzo Copyright: (C) ARTEHISTORIA

En ocasiones anteriores, el huevo había sido el principal objeto de atención de los cuadros de Salvador Dalí. Uno de los más antiguos y espectaculares es el huevosemilla-cebolla que sostiene una enorme mano en Las metamorfosis de Narciso, de 1937.Si en esa ocasión, el huevo servía como introducción al recurso de la imagen doble, una de las nuevas posibilidades que ofrecía su método "paranoico-crítico", en el lienzo que contemplamos no sucede así. El huevo no se transforma en nada; es el lugar donde se produce el nacimiento de un ser humano. Su apariencia blanda, más que viscosa, contrasta con la naturaleza líquida del mapa de la

tierra que está representado en la superficie. Por encima de tan curiosa escena de alumbramiento (no olvidemos que para ciertas culturas el huevo es el símbolo del alma) una gran sábana actúa como protección, que no sólo ofrece sombra sino seguridad. La posición que ocupa en lo alto y el huevo nos remiten de inmediato a una de las obras más enigmáticas de la historia de la pintura: la Sacra Conversación del italiano Piero della Francesca, más conocida popularmente como la Madonna del huevo. Tan peculiar escena tiene lugar en un vasto paisaje, de grandes horizontes y en el que los escasos elementos naturales que se reúnen (colinas,

montañas) están realizados con la ya habitual técnica de Dalí, prodigiosa en el dibujo. El recuerdo de los pintores clásicos y su admiración, en especial, por aquéllos que habían dominado el dibujo (Rafael e Ingres) no le abandonaría nunca. Ya en noviembre de 1925 había ilustrado el catálogo de su primera exposición individual en las barcelonesas Galerías Dalmau con tres aforismos del pintor francés, en los que se defendía el valor del dibujo como expresión de la esencia de la realidad.

LAS VANGUARDIAS PICTÓRICAS APLICADAS A LA ESCULTURA

SIGLO XIX

Impresionismo y Postimpresionismo (1880-1905) El Impresionismo fue movimiento fundamentalmente pictﾃｳrico. No existe en arquitectura y apenas en escultura. Debido a la gran importancia de la luz en sus obras, Auguste Rodin (1840-1917) es el representante del Impresionismo. Rodin fue el mejor escultor de su ﾃｩpoca y un renovador de la escultura. Influido por Miguel ﾃ］gel tras un viaje a Italia en 1875 se interesﾃｳ por las calidades de los materiales, dejando al modelar partes inacabadas para conseguir mayor expresividad y estudiar los contrastes

y juegos de la luz. En 1876 realizó La edad de bronce, en la que fue acusado injustamente de utilizar un molde humano. Luego hizo otras muchas esculturas: Los burgueses de Calais, Balzac, Catedral, retratos y especialmente las famosas y enormes Puertas del Infierno porque están

EL beso, Rodín (1888)

inspiradas en La Divina Comedia de Dante, a las que pertenecen los grupos de Paolo y Francesca (el célebre El beso) y Ugolino y sus hijos. En el centro del enorme dintel, representó la figura sentada de Dante (El pensador). Ha ejercido una enorme influencia en los escultores posteriores. Algunos pintores impresionistas se dedicaron también a la escultura. Uno de ellos fue Renoir quien, en su vejez, creó algunas obras plásticas donde reproduce los temas de sus cuadros; como en “Madre e hijo” de 1885. Degas también incursionó en la escultura; su obra, en general fundida en bronce, son estudios de movimien-

to conectados con su obra pictórica. Entre ellas se destaca “Danzarina con tutú”, única obra expuesta sobre su vida. Art Nouveau (1880- 1925) La escultura del art nouveau tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes. Más allá de la sucesión cronológica entre art nouveau y art decó (antes y después de 1920) no hay una nítida separación estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con ambas etiquetas. En ambos se utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los monumentos de envergadura y el bronce, el mar-

fil, los metales preciosos (muy a menudo la combinación crisoelefantina de marfil y oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño, muy relacionadas con la orfebrería. Entre los principales escultores relacionados con el estilo aplicado a esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss, La danseuse, Chiparus

Demetre Chiparus, Joseph Lorenzl o Clare-Jeanne-Roberte Colinet. Expresionismo (1885-1933) La escultura expresionista o escultura del expresionismo alemán tiene algunas manifestaciones en pintores como Kirchner, que realizó tallas en madera de un asentado primitivismo. El gran escultor alemán de esta época es Ernst Barlach (1870-1930), que también fue grabador, poeta y dramaturgo. Su estilo maduro se define a partir de un viaje a Rusia, en 1906, cuando traduce sus impresiones ante la miseria campesina en obras como La mendiga

(1907), y sobre todo, por el estudio de la escultura medieval. Su material predilecto fue madera, maderas duras; incluso en muchas de sus obras en bronce, mantuvo el carĂĄcter semejante a una talla de la superficie. Sus piezas mĂĄs caracterĂsticas son, figuras aisladas y siempre vestidas. En esto

Lehmbruck: Die Kniende, (1911).

se contrapone al otro escultor alemán destacado de ésta época, Wilhelm Lehmbruck. Simbolismo (1880)

Venus, Maillol (1936)

El Simbolismo posee una estética académica, y se presta más a las realizaciones escultóricas de vanguardia. Junto con Rodin destacan Aristide Maillol (1861– 1944), que es el gran maestro de la escultura simbolista. La noche, Isla de Francia, Flores en la pradera, Venus, Flora, El río. También destacan Adolf von Hildebrand, Estatua ecuestre del príncipe regente, Medardo Rosso, Niño enfermo, Cabeza de niño, Emile-Antoine Bourdelle, Hércules arquero.

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SIGLO XX

Los rasgos definitorios primordiales del arte escultórico durante el siglo XX fueron la pérdida de la condición figurativa y, a través del amplio abanico de opciones abierto por las sucesivas vanguardias, la aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional, convenientemente sometido a la acción o a la interpretación del creador. Cubismo (1907- 1914) A fines de la primera década del siglo Pablo Picasso (1881-1973) y George Braque (1882-1963) crearon el cubismo. El propio Picasso aproximó pintura

y escultura a través de la técnica del collage y desarrolló después su obra escultórica, fundamentalmente en hierro. Otros artistas que, desde diferentes perspectivas, aplicaron los preceptos cubistas a la escultura fueron Alexandre Archipenko (1887-1964), Jacques Lipchitz (1891- Mujer en el jardín, Picasso (1930)

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1973) y Pablo Gargallo (1881-1934). En la obra de todos ellos se percibe la articulación de planos y la síntesis de formas propias del cubismo. Futurismo (1910- 1918) La escultura del futurismo italiano aportó dinamismo y percepción de movimiento a los principios cubistas de descomposición de perspectivas. El más destacado escultor futurista fue Umberto Boccioni (1882-1916). Arte abstracto (1910- 1940) La escultura abstracta es la escultura realizada según las convenciones del arte abstracto, es decir, la no figurativa.

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A diferencia de la mayor parte de las producciones de pintura abstracta, la escultura abstracta se basa en la tridimensionalidad, apoyada en los recursos tradicionales de la escultura, como son la textura y las formas geom茅tricas, marcadas o matizadas. El color a veces puede alcanzar un gran protagonismo. El hecho de que una parte de los pintores abstractos experimenten con la inclusi贸n de texturas extremas, les llev贸 a la denominada pintura mat茅rica, el espacialismo (Lucio Fontana) y la escultopintura (Gerardo Rueda), donde las fronteras entre pintura y escultura se difuminan. Entre los principales escultores que han desarrolla-

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do obra abstracta se encuentran Constantin Brancusi, Henry Moore o Richard Serra. Dadaísmo (1915- 1922) y surrealismo (1924- 1940) El anti-arte planeado por los dadaístas y la valoración del trasfondo psicológico de los objetos y las formas de los surrealistas dieron lugar a creadores de importancia capital para la evolución escultórica del siglo XX. Entre estas figuras destacan las siguientes: • Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de la escultura al presentar como obras de arte, en la década de 1910, una serie de objetos de la vida cotidiana. Sobresale por su espíritu transgresor su célebre Urinario

(1917). • Kurt Schwitters (18871948) fue, junto a Duchamp, el otro gran exponente de la escultura dadaísta. Alcanzó su mayor dimensión creativa trabajando con materiales toscos y de desecho, a partir de los cuales obtenía piezas de notable belleza. Urinario, Duchamp (1917) • Alberto Giacometti (1901-1966), aportó una

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personal interpretación del surrealismo a partir de sus longilíneas imágenes, la mayoría de ellas en hierro. • Jean Arp (1887-1966) y Joan Miró (1893 -1983) realizaron una obra escultórica afín, resultado de una refinada interpretación de las formas desde postulados surrealistas. Cabe citar, por último, al rumano Constantin Brancusi (1876-1957), en cuya obra convergen los principios escultóricos clásicos, refundidos en clave de vanguardia, aunque sin vinculación a un movimiento concreto.

Apreciación

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Las vanguardias artísticas de finales del siglo XIX y principios del XX lograron abrir las fronteras del arte, en un momento de miras estrechas y de un arte rancio e inmovilista. Eso favoreció la expresividad de los artistas. Nada suponía un límite para una obra de arte si el artista así lo sentía, siendo una época de experimentación y de nuevas técnicas artísticas El arte del vanguardismo recoge el pasado y el presente, refleja la forma actual de mirar el mundo, el modo de vivir y nuestra comprensión de todo lo que acontece.

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En el caso de la escultura, no adquiere tanta relevancia en las diferentes vanguardias como lo fue la pintura, pero de todas formas en las diferentes obras, la mayoría de los artistas quiere dejar claro su independencia y rebeldía frente al arte oficial, que en la época era muy valorado por una burguesía conservadora y desconfiada ante cualquier novedad artística. Es bastante interesante como los precursores de este movimiento quieren aprovechar los descubrimientos científicos y aplicarlos a su arte. Por ejemplo; los fauvistas llevan hasta las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color que los impresionistas habían

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iniciado. El Cubismo a partir de la teoría de la relatividad llegó al descubrimiento de la "cuarta dimensión". En el expresionismo se incorpora rasgos de culturas primitivas, más conocidas gracias a la etnología. Y los surrealistas parten de las teorías del psicoanálisis para reproducir imágenes de sueños y del subconsciente. Todos en general aprovechan los nuevos materiales y las técnicas para usarlos en sus pinturas y por consecuente en las esculturas. Dándole un nuevo y respetado manejo estético y comunicativo al concepto artístico.

110 Desde el estudiante

Las vanguardias pictóricas son la muestra y la prueba, por pate del arte, de que todo lo que rodea al hombre está sujeto a la evolución; es por esto que aparecen las nuevas muestras de originalidad como el cubismo, el expresionismo, el surrealismo, el arte abstracto y seguramente muchísimas más muestras de arte que no están clasificadas en ninguna de estas categorías. De esta forma es imprescindible no estar rodeado de arte y de una u otra forma hacer parte de él, dejando por un momento atrás el concepto pitagórico; es notable como cada persona es sujeta a evolucionar confor-

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me lo hace el medio que lo rodea, una muestra clara es ya no ver a personas entre 17 y 25 años con pantalones bota campana o zapatos de plataforma, al contrario de esto están vestidos como los demás individuos que lo rodean, al momento en que algunos de estos innove el grupo probablemente lo hará con él, hasta que llegue uno y así en un círculo interminable. Visto de esta forma y teniendo ya claro es el sistema de evolución que tiene todo lo que nos rodea podemos entonces apreciar más la forma de actuar de las vanguardias, además sabiendo que tarde o temprano la vanguardia se convierte en tradición y así pues es el fin.

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