Andy Warhol-Pop Art

Monográfico Andy Warhol 1928-1987 Introducción a la Historia del Arte - Ldo. Humanidades Rocío Mesa Calvo (curso 2007/2998)

Monográfico Andy Warhol 1928-1987 Introducción a la Historia del Arte- Ldo. Humanidades Rocío Mesa Calvo (curso 2007/2008)

ÍNDICE BIOGRAFÍA .......................................................................................................... 2 ARTÍSTA POLIFACÉTICO ....................................................................................... 8 EL PINTOR ...........................................................................................................

8 EL CINEASTA ........................................................................................................ 9 EL DISEÑADOR ................................................................................................... 10 EL ESCRITOR ...................................................................................................... 11 EL EDITOR ......................................................................................................... 12 EL PRODUCTOR .................................................................................................. 12 POP ART ............................................................................................................ 14 MUSEO ANDY WARHOL .................................................................................... 18 FUNDACIÓN ANDY WARHOL ............................................................................. 19 BIBLIOGRAFÍA ................................................................................................... 21 BIBLIOGRAFÍA ....................................................................................................

21 ENLACES WEB .................................................................................................... 21

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Biografía Andy Warhol es quizás, uno de los artistas norteamericanos más conocido a nivel mundial. Su obra gráfica en serie, su arte pop y caras famosas; sus polémicas, películas y excentricidades lo transformaron en un icono del siglo XX. Andrew Warhola nació el 6 de agosto de 1928 en la ciudad de Pittsburgh; Tenemos gran cantidad de información sobre él, a diferencia de lo que ocurre con otros artistas, ya que él mismo facilitó mucho la tarea del biógrafo, al documentar obsesivamente su propia existencia con datos y fotografías producto de su narcisismo.

Fue el tercer hijo de Andrej y Julia Warhola, emigrantes checoslovacos instalados en la ciudad. Su padre era obrero de la construcción, y su madre trabajaba haciendo limpieza a domicilio. También hacía flores de hojalata y pintaba huevos, según la tradición folclórica de su país natal. Precisamente de su madre, con quien vivió muchos años y que colaboró de manera esporádica en alguna de sus obras, es de quien Andrew guardaba más recuerdos de la infancia. Tras la muerte del padre, la familia Warhola vivió al borde de la miseria.

Durante su infancia Warhol coloreaba, hacía recortes de papel, dibujaba y pintaba.

A la edad de ocho años le regalaron un proyector de cine con el que trasmitía caricaturas en las paredes de su casa. Un año después comenzó a interesarse por la fotografía y desde este momento hasta los 11 años, asistió todos los sábados a clases gratuitas de arte. En ese periodo comenzó a coleccionar fotografías de estrellas de cine.

En 1945 Warhol ingresa en el Instituto Carnegie de Tecnología, donde cursa estudios de diseño y recibe una formación artística poco convencional.

Durante su primer año en el Carnegie, por su bajo desempeño se ve obligado a

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tomar un curso de dibujo en el verano. Con la obra realizada en ese tiempo, gana el Martin B. Leisser Prize, y hace una exposición en la galería de las Bellas Artes de su universidad. Los dibujos se basaban en las observaciones hechas por Andy, mientras trabajaba con su hermano vendiendo fruta en un camión.

Durante las vacaciones de verano trabaja como escaparatista en unos almacenes, donde toma contacto, por primera vez, con lo que sería su ambiente específico: el mundo del consumo y de la publicidad. Los años 1948 y 1949 son fundamentales para su carrera. Presenta a la exposición anual de Artistas Asociados de Pittsburgh su pintura La Mujer me dio la cara, pero puedo escoger mi propia nariz, que, rechazada por el jurado, pasa a exhibirse en una muestra alternativa. Warhol había estado interesado, desde una edad muy temprana, en adoptar otra identidad. Esta obra prueba la profunda insatisfacción con su físico, que le llevó a usar sus famosas pelucas a partir de 1950 ya someterse a una operación de cirugía estética en 1957. Después de graduarse en el Instituto Carnegie, en el verano de 1949 marcha, junto a su amigo Philip Pearlstein, a Nueva York, punto de partida de una nueva vida. Andrew Warhola ha muerto y surge Andy Warhol. Trabajará para revistas tan conocidas como Glamour, Vogue, Seventeen, The New Yorker Harper's Bazaar y Tiffany & Co. como ilustrador comercial, logrando la ansiada seguridad económica. Su primer trabajo es para la revista Glamour, donde ilustra el artículo "What is Success?" (¿Qué es el éxito?), en el ejemplar de septiembre de ese año. Comienzan sus éxitos, y en 1952 celebra la primera exposición individual, "Andy Warhol: Cincuenta Dibujos basados en los escritos de Truman Capote", en una galería de Nueva York. A partir de aquí, los premios se suceden y sus sueños comienzan a hacerse realidad.

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Warhol retorna a la pintura en 1960, después de hacerse con una formidable reputación como ilustrador en el mundo publicitario, comienza a pintar imágenes Pop. Este año intenta el cambio de su identidad profesional de artista comercial a artista de Bellas Artes. Es entonces cuando pinta los primeros óleos utilizando como temas los personajes de las tiras cómicas, y se sorprende al descubrir, en 1961, que Roy Lichtenstein trabaja sobre la misma idea. Del mismo modo que el diseño publicitario de Warhol se mezcló con el arte de vanguardia que (a diferencia del artista comercial medio) él conocía bien, su trabajo artístico seguía influido por técnicas comerciales como la producción en serie.

En 1961, cinco de sus pinturas hicieron de telón de fondo en un escaparate de Bonwit Teller.

De un año después son algunos de sus temas más famosos: las sopas Campbell o los Desastres, así como los retratos de Elvis y Marilyn, en los que experimenta con técnicas serigráficas. Warhol empezó a interesarse cada vez más por el cine, y en 1963 -año de Sleep- hace sus primeros experimentos fílmicos. Lo que le interesa tanto del cine como de la fotografía es su inmediatez; además, ambos exigían una mínima intervención: el verdadero trabajo es de la cámara y el objeto.

En esa época, establece su estudio en un cuartel de bomberos vacío, ubicado en East 87th Street; y en 1963 lo traspasa al 231 east 47th Street. La metamorfosis de Warhol, y su significado para la historia del arte, es muy espectacular: de artista privado pasa a ser el jefe de una fábrica de trabajadores del arte en la que se pueden producir obras como en una cadena de montaje; él decía que "la razón por la que pinto de esta manera es que quiero ser una máquina, y siento que siempre he querido serIo". Con los ayudantes y asociados, entre los que destaca el nombre del joven poeta Gerard Malanga, creó a su alrededor una corte al estilo renacentista para mantener un alto ritmo de producción y satisfacer su necesidad de seguridad; por otro lado, Warhol siempre estuvo abierto a las sugerencias ajenas. Además de lugar de trabajo, The Factory es también su residencia, un espacio plateado cubierto con papel aluminio e impregnado por la obra artística de Warhol, música y constante actividad, se vuelve el lugar de moda de Nueva York. Las fiestas que se daban en

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la "Factory", eran comentadas en todas las columnas sociales de los periódicos de Estados Unidos. Por ella pasaron todo tipo de personajes: estudiantes, artistas jóvenes, actores, músicos, y se convirtió en verdadero centro del mundillo cultural de la ciudad.

Warholl fue quien creó el adjetivo superstar, un título que otorgaba únicamente a las personas que tuvieran un rasgo característico, que fueran una pieza indispensable para construir su mundo, el mundo de Andy.

La falsa timidez del artista le excusó de ofrecer sus rasgos, prefería observar a ser observado. Representa la Cultura del Voyeur: mirar sin participar y sin embargo, saber que lo que está sucediendo es por y para ti. Se ha cuestionado cómo no la sexualidad del príncipe de hielo...La respuesta general ante los adjetivos habituales -straight o gay- es otra: simplemente voyeur.

El rey del pop trató la seducción como una celebración perpetua en fiestas y reuniones que generaron sin pretenderlo la Cultura del Club. Los sesenta fueron unos años muy creativos, cualquier acto social se convertía en una excusa para expresarse estéticamente: quien llevara el modelito más extravagante era el mejor, se convertía en alguien, el vestido transgredía los estratos sociales.

El consumo constituía buena parte de su creatividad y forma de vivir. No sólo la representación del objeto de consumo era su delirio. Él mismo se convirtió en un comprador y coleccionista compulsivo. Durante los años setenta y hasta su muerte, la actividad principal de sus ayudantes fue conseguirle encargos de retratos, que eran su principal fuente de ingresos. Aunque estuviera haciendo otras cosas, siempre había retratos a medio hacer por su estudio. El modelo posaba mientras Andy le tomaba más de 60 polaroids. A continuación escogía cuatro y las mandaba al laboratorio. Cuando se las devolvían, seleccionaba una, la cortaba y la manipulaba. Una vez lista, ampliaba el tamaño y las serigrafiaba.

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Andy Warhol en la “Factory”

Después de los años sesenta la producción de Warhol se dispara con incursiones en todos los campos, extendió sus talentos intelectuales e hizo algunas cosas dentro de la edición de libros, la escritura, el cine, la televisión y la música. Fue uno de los artistas más prolíficos y famosos que haya conocido el mundo. En 1964 exhibe sus primeras esculturas: cientos de réplicas de grandes cajas de productos de supermercado como: Brillo, Heinz Ketchup, Del Monte, Mott´s Apple Juice y Kellog´s Corn Flakes. Poco después utiliza la serigrafía cortada a mano para reproducir sus dibujos de billetes de dólar, recurre a la técnica de la fotoserigrafía, uno de los medios más importantes de su producción.

En 1965, en París, donde se inauguraba su exposición Flowers, Warhol declara públicamente que se retira de la pintura para dedicarse de lleno al cine.

Afortunadamente siguió produciendo series de grabados y esculturas y dos años más tarde comienza a pintar de nuevo.

A partir de 1966 y durante 1967, Warhol extendió su creatividad al performance artístico, con su show itinerante llamado “The Exploding Plastic Inevitable”, protagonizado por la banda de rock and roll "The Velvet Underground". Al “Exploding Plastic Inevitable” se le acredita el invento del espectáculo de luz psicodélica como parte del entretenimiento en un centro

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nocturno. Incluso "The Velvet Underground" se vuelve una de las bandas de rock con más influencia en la historia e ingresa al Rock and Roll Hall of Fame (El Salón de la Fama del Rock and Roll). En 1967, Warhol también operaba un club nocturno en Manhattan llamado The Gymnasium, con equipo para hacer ejercicio en la pista de baile.

Dos años más tarde, la feminista radical Valerie Solanis le disparó hiriéndole de gravedad, lo que le obligó a estar hospitalizado durante varios meses. Este ataque marcó el declive de la primera época de la “Factory” y el comienzo de la segunda etapa de Warhol, quien ya consagrado comenzaría a fraguar una nueva estrategia para lograr aquello que más disfrutaba: el dinero y la fama.

En 1972 muere su madre en Pittsburgh a la edad de ochenta años.

Aunque las exposiciones antológicas se multiplican, sorprendentemente la obra de los setenta y los ochenta se exhibe poco en los Estados Unidos, excepto en pequeñas series. Se trata de un arte más rico pictóricamente, con un pincel más expresivo y mayor complejidad visual, que añade vitalidad a la fría serigrafía. Su carrera sufre un giro final con series como Oxidaciones, Sombras, Huevos o Hilos, las más abstractas de su producción. El 22 de febrero de 1987 muere en un hospital de Nueva York a consecuencia de una operación de vesícula biliar. Es el fin de un gran actor. El funeral se celebra en Pittsburgh, su ciudad natal, donde su cuerpo sería incinerado.

La obra de Warhol es fiel exponente del mundo moderno, en ella la reproducción, la pérdida de originalidad y la disponibilidad de imágenes son arte "el arte comercial es mucho mejor que el arte por el arte", convencido de ésto creo la Factory, un taller creativo donde concurrían artistas que, al igual que él, creían que el arte no es más que lo que los espectadores consumen. Imágenes en las que la firma del autor se convierte en marca registrada. Cultivó su propia imagen con la misma mercadotécnica publicitaria que su obra y disfrutaba provocando con actos y declaraciones.

El análisis de su obra queda perfectamente descifrado en sus palabras "todo el significado de mi obra está en la superficie, detrás no hay nada".

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Artísta Polifacético Warhol no se conformó con presentarse sólo como pintor, quiso ser también cineasta, diseñador, escritor y editor de una revista de modas. El objetivo era estar en la boca de todos por algo más de 15 minutos, legándonos así una de las expresiones más “masticadas” por la sociedad contemporánea: los 15 minutos de fama.

El pintor Andy Warhol, más que al óleo y los lienzos se dedicó a la serigrafía. La reproducción seriada de las imágenes que desmitifican la pintura y su supuesta originalidad de "obra única". Se le reconoce como el máximo exponente del pop art, surgido en el Londres de los 50. Warhol toma la cotidianidad hogareña de Hamilton, el uso del cómic de Liechtenstein y el neodadaísmo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg y lo lleva hasta el extremo. Según el teórico del arte norteamericano Arthur Danto, la obra de Warhol pone fin a la historia del arte.

Al menos al arte no religioso que se desarrolla desde el renacimiento hasta que

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pinta cajas Brillo tridimensionales. Una tan interesante como polémica tesis que se basa en la imposibilidad de pintar, o crear, después de haber calcado la realidad.

Warhol sigue pintando. En sus últimos años prefiere hacer retratos que vende en 25.000 dólares la primera copia y 5.000 las siguientes. Le encargan cerca de 50 al año, la mayoría de personas famosas o en vías de serlo, a las que reproduce conjugando su talento de pintor con una actitud de cirujano plástico en la tradición de los pintores cortesanos. Posan para él Mick Jagger, Carolina de Mónaco, Michael Jackson, el sha de Persia, Silvester Stallone y Liza Minelli, entre otros.

Liza Minelli

Mick Jagger

El cineasta En 1963 el artista se compra una cámara de cine y comienza a filmar en 16 milímetros. Sólo puede rodar películas de cuatro minutos, pero hace cientos.

La mayoría consisten en "fotografías con movimiento" de sus amigos y colaboradores de la “Factory” que él y ellos llaman "screen tests". Andy está

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feliz experimentando con la cámara y dice que dejará de pintar, lo que además de subir el valor de sus obras hizo que se rodeara de actores aficionados pidiéndole roles en las próximas películas. Warhol estaba interesado en formar parte del movimiento de cine underground que entonces tenía un papel destacado en el movimiento contracultural de los 60. En Nueva York estaban Jonas Mekas, Jack Smith y Stan Brackhage filmando cintas que intentaban oponerse a cada una de las fórmulas hollywoodenses. Warhol se les une y aboga por una cámara neutra que registra situaciones o cosas. Se empecina en que el tiempo del rodaje se homologue al tiempo real y al de exhibición y llega a hacer una película de ocho horas en la que registra como duerme un hombre. "Él toma cosas de otros cineastas underground, pero cierra el ciclo, es que el que desarrolla las experimentaciones más intensamente. Le interesa el registro, la máquina que registra, que es un tema que aparece también en su pintura. A Warhol le interesa esa objetividad, mostrar ese entorno que se vuelve algo así como la celebración de la decadencia", afirma el profesor Luis Cecereu.

Edie Sedgwick en Kitchen.

David McCabe (fotografía), Edie Sedgwick, Roger Trudeau (sentado en la mesa), Rene Ricard (en el fregadero),Donald Lyons (sentado delante) and Electrah (de pie)

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El diseñador Cuando todavía era Andrew Warhola y recién había llegado a Nueva York desde Pittsburg, Warhol se ganaba la vida como diseñador. Se inició dibujando gráfica publicitaria. Después se dedicó a la pintura y la serigrafía, pero a principios de los 70, incursiona en el diseño de las portadas de discos. Dibuja el plátano de The Velvet Underground y la polémica tapa de Sticky Fingers de Rollings Stones en la que muestra un pene erecto bajo un ajustado blue jeans.

En los años siguientes hará otra cubierta para su amigo Mick Jagger y una para Aretha Franklin, pero sin lograr el mismo nivel de atención.

El escritor

En 1967 la editorial Random House editó Index (Book) y Screen Tests (A Diary) que escribió a dúo con Gerard Malanga. Años más tarde Warhol llegaría a las vitrinas de las librerías con Mi Filosofía (de A a B y de B a A), POPism, Exposures y America. Warhol pasa a ser un filósofo del mundo contemporáneo que enseña a vivir en el aspiracional mundo del consumo.

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El editor En 1969, después de que fuese agredido por una de las asistentes a la “Factory” y a él le diesen miedo sus propios amigos, Warhol cambia las condiciones de su vida social. De la “Factory” a la revista Interview, que crea con la idea de que sea una publicación dedicada al cine y termina dirigida hacia la industria de la moda que siempre pareció cautivarle más. "Me fotografían, luego existo. Éste es el único objetivo de la revista Interview", afirma el destacado crítico de arte Robert Hughes. "Debido a que la revista es básicamente un instrumento de ascenso social para el propietario y el personal, los chismes que publican son bastante inocuos. No levantan ninguna piedra debajo de la cual pudiera haber gusanos, pero tampoco dejan ningún culo sin lamer", escribió en un artículo para The N. Y. Review of Books.

El productor Warhol produce. A mediados de los 60 cuando descubre a Lou Reed y sus desconocidos The Velvet Underground, el artista de pelo gris les ofrece hacer de manager. Les presenta a Nico, una de las mujeres que “rondan” por la “Factory” y los lleva a escenarios en los que tocan teniendo como escenografía sus estáticas filmaciones. Entonces Warhol se presenta como productor musical. Dos años después debuta como productor cinematográfico de las películas de Paul Morrisey, el realizador que dirige las filmaciones durante los últimos años de la Factory. "Warhol delega, él comienza a ser el

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que da los lineamientos generales, el de las ideas", explica Luis Cecereu. Estas últimas cintas -entre las que se encuentran Trash, Flesh, Heat y Women - se presentan todavía como películas de Warhol, aunque él ni tome la cámara ni dirija a los actores.

Firma y consumo

Morrisey sigue la línea de la experimentación del artista pop, pero llevándola hacia un terreno en que la comercialización es más fácil y que algo tiene que ver con los desnudos frontales masculinos y las escenas homosexuales. Hoy estas cintas, las últimas de Warhol, se pueden encontrar en VHS y DVD.

Pero Warhol es un productor aún cuando no explicite ese rol. Ya en los 50, cuando era un artista joven y vendía barato, él trabajaba con un grupo de asistentes. Robert Hughes afirma que en muchas de sus reproducciones Warhol a duras penas le daba el visto bueno a los colores utilizados. Más que un artista, él es quien encabeza la producción industrial de productos que llevan su firma.

Desde las serigrafías, hasta las películas que realiza en su taller con nombre de industria. Se suponía que su obra era una forma de subversión ante la sociedad de consumo y la omnipresencia de la publicidad, pero el artista acabó grabando spots para vender ron y radios Pionner. Como figura pop.

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Pop Art A mediados de los años cincuenta dos críticos británicos de arte propusieron el término popular art para referirse a un conjunto creciente de imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de la publicidad, la televisión, el cine, los cómics y en general en los nuevos medios de comunicación, y que adquirían un papel cada vez más relevante en la cultura urbana de masas de la época. El concepto de lo popular a que nos remitían aquellos críticos estaba despojado de todo halo revolucionario o simplemente romántico, para enlazar directamente con la cultura de masas de la nueva sociedad industrial, estaba obteniendo unos resultados espectaculares.

El Pop Art nace en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista. Constituye uno de los movimientos artísticos más representativos del siglo XX, y también uno de los más polémicos: vinculó directamente al arte con la comunicación de masas, uno de los fenómenos propios de la centuria que termina y elemento explicativo de su carácter y su desarrollo. Pero también se ligaba al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, a una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero.

La publicidad junto con el diseño estimula y satisfacen esperanzas que se empiezan a convertir en lago real en el mundo burgués. En este tipo de movimiento se reflejan la banalización de preferencias reales y vivas en composiciones pictóricas aparentemente insustanciales. La capacidad de seducción de la escena degenera en la nada, ahora los elementos individuales se vuelven insignificantes e intercambiables como móviles decoraciones estándar.

Aquí los accesorios de lo cotidiano hacen más bella la existencia, ya que todo esta determinado por estereotipos y marcas. Aquí nace una nueva cultura de masas. Aquí los helados, la bebida Seven-up, Pepsi, Coca-Cola, pasta de dientes, la sopa de conserva, los cigarrillos y las cajas de cerillas, todo esto fueron las insignias de una forma de vida programadas para el bienestar se convierten en iconografía del Pop Art. Pop Art no es un término estilístico, sino un término genérico para fenómenos artísticos que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época. Establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad. Puede afirmarse que el pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop), caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de

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ser únicos para producirse en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.

Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.

Con algunas modificaciones, el pop se apropió de técnicas expresivas, inspiradas y probadas en los distintos medios de comunicación. Todas ellas contribuyeron, desde los niveles sintácticos y formales, a la concreción de la lectura inequívoca de las obras creadas.

La fotografía fue una de las primeras técnicas asumidas. Inicialmente, servía para clasificar las imágenes representadas. Sin embargo, con Hamilton, Blake, Paolozzi y los americanos Rosenquist, Lichtenstein y Warhol, dejó de ser un modelo a imitar con medios pictóricos para convertirse en un proceso donde el artista controlaba el desarrollo mecánico de la obra.

En Dick Tracy (1960), de Warhol, se formalizó técnica e iconográficamente el cómic como pertinente al pop. De 1961 a 1964 se convirtió en el tema principal de Lichtenstein, quien estaba interesado en la estructura formal de la viñeta aislada.

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La composición de varias fotografías derivó hacia el espacio cinematográfico. En este ámbito, la mayor influencia sobre el pop fue ejercida por la escena, la secuencia o acción compleja, aunque única.

El cartel publicitario fue el principal género visual estático de la sociedad de consumo y, por ello, el que influyó más en el pop. Reunía el inventario más sistemático de las técnicas visuales.

También fue frecuente la alteración de imágenes en relación a su contexto. Por ejemplo, la transformación de obras de arte en imágenes populares, como las copias de Lichtenstein sobre obras de Picasso, Cézanne o Monet. Este procedimiento dio origen a la parodia o figura que retiene la forma o el carácter estilístico de la obra primaria, pero la altera con un contenido o contexto ajeno. Esta idea abunda en Rauschenberg y Rosenquist.

Otra figura socorrida fue la supresión de elementos representados, en el sentido que el espectador percibía la ausencia y podía reconstruir el objeto ausente. La supresión se tradujo en la condensación de una escena completa en alguno de sus elementos característicos.

Sin embargo, la técnica más socorrida fue la repetición y seriación en lo que destacó Warhol a partir de sus serie "Marilyn Monroe", "J. Kennedy", "Flores" y otras.

Flowers 1970

Marilyn Monroe 1967

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No debe extrañar que el pop art deba parte de su trascendencia en las artes a la crítica implícita que hizo de ese fenómeno, ni que Andy Warhol, representante de la línea del social criticism precisamente, de reflexión sobre la condición del hombre y sobre las contradicciones de la sociedad contemporánea, sea uno de los máximos exponentes de ese movimiento.

Andy Warhol dedicó muchos de sus mejores años como artista a parodiar las imágenes de consumismo masivo, multiplicándolas en series que muestran variaciones en las tonalidades, desde una perspectiva que destacó ante todo su falta de profundidad y significado. Al hacerlo, puso en tela de juicio no sólo comportamientos y valores sociales de su tiempo, sino también en la solemnidad hacia la cultura y la admiración de las manifestaciones del arte por su mera celebridad.

Los artistas del pop pretenden llegar al máximo público posible, sin elitismos ni exclusiones. Su mensaje es sencillo y claro y se dirige al común de la sociedad. No se persigue la originalidad sino más bien la reinterpretación de fotografías, grabados y pinturas anteriores. Fundamental es el color, chillón y provocador, así como la temática, muy simple y directa.

El consumismo y la imagen, reyes de nuestro tiempo, son los dueños del POP. De ahí la complicidad con el mundo de la publicidad y el cartel promocional. A los artistas POP les interesaba más vender que innovar artísticamente.

Quizás se pueda pensar que este arte POP es tan simple que cualquiera lo puede hacer. Es posible, pero en arte, lo valioso es la originalidad, lo nuevo. Sin embargo la copia no se cotiza casi nada.

Entre otros artistas, Andy Warhol y Roy Lichtenstein son los más representativos.

Roy Lichtenstein

Andy Warhol

Obras

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representativas del Pop-Art:

A. Warhol, Elvis, 1964.

R. Lichtenstein, El beso.

A. Warhol, Marilyn.

R. Lichtenstein, El crack.

Museo Andy Warhol El Museo Andy Warhol abrió sus puertas en mayo de 1994 en la ciudad de Pittsburgh, Pennsylvania, su ciudad natal. Es considerado el museo más grande de todo Estados Unidos dedicado a un artista, en este caso, Andy Warhol.

Aquí podemos encontrar, como no podía ser de otra manera, sus experimentos con Marilyn y con las latas de Campbell’s, también a Elvis, Marlon Brando, Mao, Jackie Onassis o las botas de The Beatles.

Pero más allá de estas expresiones artísticas, en este museo podremos acceder a varias partes de lo que fue la vida de este genio. Cartas y postales escritas por él, fotografías y sus famosas Cápsulas del Tiempo son algunos de los elementos definitorios de Warhol que podremos encontrar aquí.

Exposiciones permanentes, muestras temporales, videoteca, librería y hasta un café Warhol costituyen la ruta particular hacia este universo de colores tan especial.

La colección permanente del Museo Andy Warhol está compuesta por más de 12000 obras de arte de Warhol entre pinturas, dibujos, grabados, fotografías, escultura, cine, vídeo, y un extenso archivo que consta de Ephemera, registros, material de partida para las obras de arte, y otros documentos de la vida del artista.

Juntos, el arte y los archivos que El Museo Andy Warhol tienen conforman la más completa de un solo artista museo en el El Museo Andy Warhol cuenta actualmente con una colección de 273 películas de Warhol y 228 “Screen Tests” de cuatro minutos de duración. El museo también posee la colección completa de videos (casi 4000 cintas de vídeo)

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La colección de arte del Museo incluye más de 4000 obras. Esta colección ofrece una profunda visión de cada período de la vida creativa del artista, desde la década de los 40’ a la de los 80’.

Lo más destacado de la colección son obras del tiempo de estudiante de Warhol en el Carnegie Tech; arte comercial y sketchbook, dibujos de sus primeros años en la ciudad de Nueva York; obras maestras del arte Pop tales como los más famosos retratos o ejemplos de grandes series.

El Museo Warhol exhibe alrededor de 500 obras en su colección permanente.

La colección permanente de exposiciones rota regularmente, y hay también un activo programa de exposiciones especiales en el Museo. Las actividades especiales incluyen exposiciones sobre áreas específicas de la labor de Warhol y el trabajo de artistas relacionados (de Basquiat y la fábrica de fotógrafo Billy Name, Mariko Mori y Jean Cocteau), así como las exposiciones dedicadas a temas específicos.

Los archivos son una parte del trabajo del artista y la mayor colección individual de que documenta cada uno de los diversos mundos en los que Warhol se desenvolvió. La colección consta actualmente de más de 225 m3 de material, y funciona como parte integrante del Museo Andy Warhol, junto con sus pinturas, películas, video, escultura y arte gráfico. La colección incluye scrapbooks de recortes de prensa relacionados con el trabajo de Warhol y su vida privada y pública; suministro artísico y materiales utilizados por Warhol; carteles publicitarios de sus exposiciones y películas, más de 4000 cintas de audio con entrevistas y conversaciones entre Warhol y sus amigos y asociados; miles de documentos fotográficos, una tirada de la revista Interview, que Warhol fundó en 1969, su extensa biblioteca de libros y publicaciones periódicas; cientos de objetos de arte decorativo; muchos artículos personales, como prendas de vestir y más de treinta pelucas que se convirtieron en uno de los elementos físicos más definitorios de Warhol.

Fundación Andy Warhol La Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales se creó en 1987. De acuerdo con a voluntad de Andy Warhol. Su misión es la promoción de las artes visuales La Fundación de esta fundación, como hemos dicho, es promover la expresión artística innovadora y el proceso creativo mediante el fomento y el apoyo a las organizaciones culturales que a su vez, directa o indirectamente, apoyan a los artistas y su trabajo. La Fundación valora la contribución que estas organizaciones hacen a los artistas y el público y para la sociedad en su conjunto mediante el apoyo, exhibiendo e interpretando un amplio espectro de la práctica artística contemporánea.

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La Fundación está comprometida con el precepto de que las artes son esenciales para una sociedad abierta. Por lo tanto, trata de promover una cultura de diálogo, mediante el suministro de recursos a organizaciones que apoyan a los artistas que reflejan una sociedad diversa y afirmando que la libertad de expresión artística es fundamental para este tipo de sociedad y deben ser protegidos Para alcanzar estos valores, se conceden subvenciones a organizaciones sin ánimo de lucro en los Estados Unidos y en el extranjero.

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BIBLIOGRAFÍA -

“Andy Warhol. 1928-1987. El arte como neocio”. Homel, Klaus. Ed.Köln: Taschen, 2000 “El arte pop”. Wilson, Simon. Ed. Barcelona : Labor, 1975 (1983 imp.)

“Pop art”. Honnef, Klaus. Ed. Köln: Taschen, [2004] “Mi filosofía de A a B y de B a A”. Warhol, Andy. Ed.Barcelona: Tusquets, 1993

ENLACES WEB www.warholfoundation.org

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