Rockaxis #113

¡EXCLUSIVAS!

NOELEN SUGALLAGHER PASO POR CHILE

GEDDYENERGÍA LEEFURIOSA de RUSH

Julio 2012 :: Nº 113 :: $2.500 I,II, XII Región $2.650 (IVA Incl.) - rockaxis.com

THE BEACH BOYS

SINERGIA

ROLLING STONES

SIX MAGICS

VISIÓN CRÍTICA

VERANO OTRA VEZ

ÁNGELES CAÍDOS

50 AÑOS DE COLECCIÓN

THE GASLIGHT ANTHEM PURA HONESTIDAD

Exclusiva con Chris Cornell

BARONESS

PERMANENTE ASCENSO

El fin del silencio. El reinicio de la leyenda

VOL. 48 01- SINERGIA – Toy Chato El primer single de su nuevo álbum “Aquí nadie debería ser pobre” llega para resonar en convulsionados momentos sociales, por supuesto, de mano de su característico y único “metal pájaro”. www.myspace.com/bandasinergia 02 - ALECTROFOBIA - Uno y Uno Gerardo Elgueta (vocalista y bajo), Rudy San Martín (guitarra y coros) y Roberto Ugarte (batería), originarios de Temuco, presentan la canción ‘Uno y uno’, de su segundo disco, “Desde el barro”, en una elegante fórmula rock pop que va a la conquista del público masivo. www.myspace.com/alectrofobia 03 - GALDAMES - Santiago en llamas Acaban de anunciar la salida de su primer trabajo y este es un adelanto, con el que planean capturar la atención del público santiaguino y demostrar el amplio background de los músicos que forman el conjunto. www.facebook.com/Galdamesbanda

IGITAL EN do DESCARGA Dc.c om/escu www.portaldis

04 - LOS VERDADEROS CABRERA - La puerta de atrás Se autodenominan una banda de “rock latinoamericano” y en ‘La puerta de atrás’ demuestran su variado cruce de innuencias, tan mestiza como Sudamérica. www.losverdaderoscabrera.cl/

08 - FUKA - Cierra los ojos Están ofreciendo en forma gratuita a través de su sitio web la descarga del disco “En guerra”, en el que intentan plasmar la música como banda sonora de la cotidianeidad. www.fukarocks.com/

05 - INERSIA - Pedazo de mí Participaron en el festival de bandas Escudo y salieron airosos. Llevan dos discos en el cuerpo, “Déjate llevar” (2008) y “Aires de cambio” (2011), donde han plasmado su cercanía al rock progresivo sin dejar de lado la vocación popular. www.inersia.cl

09 - DISCORDIA MENTAL - Romper conceptos (semimnalista) www.myspace.com/discordiamental

10 - ANIMA - FINAL (semimnalista) www.facebook.com/RealRockChileno

06 - SPIRAL VORTEX - Fuerza pirámide Viajes espaciales y sicodelia y la fuerza de unos Jimi Hendrix Experience, ellos son el cuarteto de Buin Spiral Vortex, quienes ya han dado que hablar en el circuito santiaguino y se aprestan por más. www.myspace.com/spiralvortexx 07 - ARMA MENTAL – Incertezas Son solo tres, pero suenan como una máquina. Arma Mental reclama innuencias del metal alternativo, en una reveladora cruza del virtuosismo de Dream Theater y el ritmo de Korn. www.myspace.com/armamentalshile

(P)

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SUMARIO

ROCKAXIS 113 JULIO 2012

64 84

Noel Gallagher: “Yo solo tengo mis canciones y mi música” Hablamos con el ex Oasis en su paso por Chile.

Geddy Lee: La energía furiosa de Rush El bajista del conjunto canadiense se expresa en esta entrevista sobre su último lanzamiento, “Clockwork Angels” 50 años de Rolling Stones Fotorreportaje de la colección del fanático de los Stones, Alex Carrasco.

The Beach Boys: Otra vez verano The Beach Boys acaban de editar su luminoso álbum “That’s Why God Made the Radio”, conmemorando cinco décadas de existencia.

80 88

10 Backstage: Cartas, Apuntes del mes, Imperdibles, opinión, Mi colección, Casi famoso, Vitrina Rock, Playlist, Rock Geek.

26 Futura advertencia: The Virginmarys 32 Capel Puro Rock: Diestra & Siniestra, Timo 34 PIL: John Lydon vuelve por lo que es suyo 38 The Offspring: A pie mrme 42 Pennywise: Formados por el rigor 46 Carlos Figueroa: “Si no te esfuerzas y trabajas duro, no conseguirás algo” 58 Señal establecida: Gaz Coombes, Turbonegro, The Walkmen 68 The Gaslight Anthem: Hecho a mano 72 Baroness: Crecimiento sostenido 94 Young Guns: A la mitad del camino 96 Gojira: Salvajes 98 Revival del NWOBHM: Nueva sangre, nuevas bandas 102 Sinergia: Retomando las raíces 106 Six Magics: Ángeles caídos 110 La Mano Ajena: Multiculturalidad y visión de futuro 112 Milodonte: Instinto animal 114 2120: Adrián Otero 116 Huellas: 70 años de Roger McGuinn 119 Reviews: Disco del mes, cdaxis, reedición, dvdaxis, rock shop, cineaxis 136 Street Rock 138 Opinión por Daniel Matamala

48

Soundgarden

Exclusiva con Chris Cornell. La reunión y el disco de uno de los emblemas de Seattle.

IDENTIDAD Director: Director de contenidos: Editora: Diseño:

Alfredo Lewin Juan Ignacio Cornejo Ma. de los Ángeles Cerda Claudio Torres

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-EDICIÓN MENSUAL-

EDITORIAL

E

ste mes de julio se cumplen cincuenta años del primer show de los Rolling Stones, medio siglo también de carrera casi ininterrumpida. Independiente de que no pudieron realizar algún tipo de celebración con gira -una que se daba por hecho- postergándola peligrosamente para el próximo año, es justo en estos días que el grupo se reúne en Londres para discutir más a fondo las posibilidades de volver a tocar y a grabar después de lo que fuera el “Bigger Bang” del 2005.

Estos cincuenta años son algo que muchos celebrarán y que otros considerarán como poco relevante. Algo normal si tenemos en cuenta que aunque muchos por diferentes razones no le tengan simpatía a los Rolling Stones, los tipos son una de las mejores bandas de todos los tiempos y los autores de algunos de los registros más importantes y memorables de la historia del rock, y en cierto modo ellos son una metáfora sobre el rock´n´roll en sí mismo. Si bien nadie les niega sus méritos pasados, no ocurre así con el hecho de que sigan activos, un hecho de la causa que algunos parecen no perdonarles.

Porque ni el fan más acérrimo los podría considerar ahora tan relevantes como lo fueron en su primera, incluso en su segunda, década de existencia. Su momento como centro creativo e innovador dentro del rock pasó hace mucho tiempo. Del mismo modo que el rock ya no es “central”, ellos tampoco. Tan sólo aceptamos que continúen grabando discos y sobre todo tocando en vivo porque son parte del sistema del entretenimiento masivo y jamás los despreciamos por el mero hecho de que acometan estas giras con setenta años de edad.

Aún cuando sus giras y discos fueran una decepción, esto no les haría más merecedores de salir de la circulación que cualquier banda de veinteañeros que haga malos discos y malos shows. Considero absolutamente defendible seguir produciendo a los cincuenta años de haber comenzado. Como es obvio, no es obligatorio que te gusten, ni hablar bien de ellos. Pero utilizar el argumento de la edad es extremadamente pobre. Los Stones pueden ser graciosos y hasta un circo freak por hacer lo que hacen en la “tercera edad” pero zafan de forma digna.

Si los Stones saben que ellos son el “ticket más valioso de la industria”, no creo que deban conformarse con cobrar menos que los que mueven menos gente. En lo que se lo gasten después, es asunto de ellos. Es mucha plata, pero la verdad, es que nadie renuncia a ella si te la dan por hacer tu trabajo. Por eso dudo que sigan sólo por el dinero: tienen ya más del que pueden gastarse, ellos y sus nietos. Moviéndola con la inteligencia de economista de Jagger podrían ganar cada temporada más en la Bolsa que haciendo shows.

Simplemente no saben hacer otra cosa. En casa se deben aburrir. Armaron el grupo porque era lo que les gustaba y cincuenta años más tarde les debe parecer más interesante la música que el estilo de vida que les vino de regalo con ella, y para el que la edad sí es un inconveniente insuperable.

“Demasiado joven para morir, demasiado viejo para el rock´n´roll”. “Muere joven y deja un bonito cadáver”. Son la clase de tonterías que sólo pueden decir los jóvenes punk.Y los adultos que no se resignan a asumir que lo son.

Feliz cumpleaños número 50. Bienvenidos a esta rock ‘n rollera edición 113.

Alfredo Lewin

Lo que se dice en

twitter

Manuel García (@manugarpez) Terminando el disco esta noche.

Mezclando el último tema junto a Marcelo Aldunate y Walter Romero.

(19 de mayo)

Matt Bellamy (@MattBellamy) El nuevo disco está casi 100% terminado (27 de mayo)

Corey Taylor (@CoreyTaylorRock) El mundo perdió una verdadera leyenda, y uno de los hombres más simpáticos que haya conocido. Su nombre es MCA. RIP Adam Yauch (4 de mayo)

Indio Solari (@IndioSolariPR) CHARLY GARCÍA NOS VA A ENTERRAR A TODOS (12 de junio)

Redes sociales

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10III ROCKAXIS

Cobertura al rock chileno

Rockaxis en celulares

¡Muchos saludos a todos en Rockaxis! como agradecido lector de esta revista, he disfrutado mucho todo el trabajo realizado en estos años, cubriendo eventos, entrevistando de manera exclusiva a los grandes protagonistas y con reportajes y reviews con los que uno puede estar o no de acuerdo, pero que se hacen de manera muy profesional. Por otro lado, como seguidor del rock chileno, me encanta que tengamos tan buenas bandas a las cuales seguir, sin tener que recurrir a frases chauvinistas como “si es chileno es bueno”, sino que sabiendo que simplemente son buenas, viniesen de donde viniesen.

En este punto, reconozco el espacio que tiene el rock chileno en sus páginas, pero me gustaría ver a veces alguna reseña a tocatas de bandas locales, más allá de las celebraciones que siempre comentan. En muy poco tiempo he asistido a tremendos shows de La Mala Senda, Engranaje y Kuervos del Sur, entre otros, y me gustaría que apareciese alguna reseña a estos, quizás pequeños, pero potentes eventos que sacuden nuestra escena a diario, y mueven pequeñas masas que esperamos se multipliquen y empujen definitivamente a nuestro rock, desde el rol secundario en el que lo tienen los medios hoy en día, hacia el sitial que se merece.

Hola amigos de Rockaxis. Soy un antiguo lector de la revista y, de a poco, ustedes han sabido progresar. Pero existe un vacío para quienes nos gustaría leerlos en nuestros celulares, mientras vamos al trabajo o de vuelta a la casa o incluso viajando de una ciudad a otra. Desde sus inicios, Rockaxis dijo ser la multimedia del rock, pero ahora les falta dar el salto, más allá de la web.

Felipe Canales Pangui

José David Pérez

BACKSTAGE

TOMEN NOTA Peter Gabriel celebra los 25 años de “So”. El músico inglés dará una serie de conciertos en conmemoración del cuarto de siglo de su quinto disco de estudio, que trajo clásicos como ‘Sledgehammer’ y ‘Big Time’. Las primeras fechas conmrmadas son para Estados Unidos, entre septiembre y octubre.

“Queremos que nuestros fans sepan que intentamos buscar una resolución en común, pero al mnal, lo mejor fue separarnos de Geoff para que todos pudiéramos avanzar en una dirección positiva”.

18

La cantid Red Hot C ad de singles que hil lanzar de i Peppers planean ntro de lo s pró seis mese s, en una ximos sorpresiva movida .

El baterista Scott Rockenmeld a Billboard, con respecto a la salida de Geoff Tate de Queensrÿche

Frank Zappa El genio reeditado Aerosmith rompe la sequía. Tras ocho años, el grupo norteamericano regresará a las bateas con “Music from Another Dimension”, disco que saldrá a mnes de agosto, contendrá catorce tracks y ya dispone de un adelanto, titulado ‘Legendary Child’.

El 30 de julio serán reeditados los últimos tres discos de Nick Cave & the Bad Seeds. “Nocturama”, “Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus” y “DIG!!! LAZARUS, DIG!!!” cerrarán el proyecto en que todo el catálogo del conjunto australiano ha sido remozado.

Luego de estar inmiscuido en diversos proyectos, mnalmente Jim James lanzará material solista. El líder de My Morning Jacket ya terminó el registro de la obra que, según sus propias palabras, “creo que tiene algunos paisajes sonoros diferentes que he escondido en algunos discos de My Morning Jacket”. ¿Fecha de salida?, febrero del 2013.

Aún sin saberse una fecha demnitiva de lanzamiento, The Killers ya tiene un nombre para su nuevo trabajo de estudio.

Según las declaraciones del vocalista Brandon Flowers, el cuarto disco del grupo de Las Vegas se llamará “Battle Born”, en honor al estudio de grabación que ocupan.

12III ROCKAXIS

El próximo año se cumplen dos décadas de la muerte de Frank Zappa. Este 2012, su familia y la industria lo honra con un ambicioso proyecto en que todo su catálogo será relanzado, con una renovada calidad de sonido y que buscará engrandecer aún más la leyenda de uno de los genios de la música estadounidense.

Qué duda cabe. A cerca de veinte años de su muerte, Frank Zappa sigue despertando una adhesión que colinda con el fanatismo. Es el legado del genio norteamericano, que este segundo semestre del 2012 verá su historial nuevamente visitado, para el deleite de sus seguidores.

La primera noticia de que algo se tramaba en torno a la vida del oriundo de Baltimore, Maryland, llegó a fines de mayo con la publicación de “Paul Buff Presents Highlights from the Pal and Original Sound Studio Archives”, compilatorio que abarca registros del estudio que tenía el ingeniero Paul Buff a fines de los años cincuenta, dueño de una de las pocas grabadoras multi-track de la época, lo que era una verdadera innovación. En él, aparece la no despreciable cantidad de más de medio centenar de pistas de Frank Zappa, antes de su etapa con la banda The Mothers of Invention, y algunas temporadas antes de que el artista comprara el lugar y lo transformara en el mítico Studio Z. Lo que era una buena oportunidad para desempolvar recuerdos de la primera época de Zappa fue sólo un apronte para algo más espectacular. El sello Universal Music, en acuerdo con la Zappa Family Trust, ha decidido lanzar toda la discografía del artista en nuevas reediciones. “El artista y compositor Frank Zappa es uno de los artistas más importantes

e inÁuyentes en la historia de la música con su prolíÀco trabajo, incluyendo sus avanzados álbumes conceptuales. Nos honra que Gail Zappa (viuda del artista) y la Zappa Family Trust nos haya conÀado su legado. Intentamos honrarlo a él y llevar lanzamientos de alta calidad a los formatos físico y digital, para sus nuevos y viejos fans”, declaró recientemente Bruce Resnikoff, Presidente y CEO de Universal Music, que adquirió los derechos de distribución de su catálogo.

Por su parte, la segunda esposa de Zappa, alabó la instancia, arguyendo que “La tinta todavía no se seca en el acuerdo mundial de The Zappa Family Trust con Universal Music Enterprises”, y concede que la iniciativa nace porque “Ellos nos hicieron una oferta que no pudemos rechazar, por todas las razones correctas.

Es un gran acuerdo para todos nosotros pero principalmente para Frank Zappa. Su batuta puede ondear largo tiempo. Estamos listos para partir”.

El material que será intervenido abarca sesenta discos, que serán relanzados desde fines de julio hasta fin de año. Algunos de ellos han sido remasterizados totalmente, fortaleciendo y enriqueciendo la calidad de sonido de un intérprete que coqueteó en sus 52 años de vida con estilos como el jazz, lo clásico, el rock y toques experimentales, además de incursionar en el cine como productor y director.

Como se dijo anteriormente, la primera tanda saldrá oficialmente el 31 de julio, concentrándose en el período entre 1966 y 1972, con los discos “Freak Out!”, “Absolutely Free”, “Lumpy Gravy”, “We’re Only In It for the Money”, “Cruising With Ruben & the Jets”, “Uncle Meat”, “Hot Rats”, “Burnt Weeny Sandwich”, “Weasels Ripped My Flesh”, “Chunga’s Revenge”, “Fillmore East, June 1971” y “Just Another Band From L.A.” Jean Parraguez

Nunca es tarde

IMPERDIBLES

Los discos que pasaron lejos de nuestro radar…

“Spooky Action At a Distance” •¿Qué? Malavida lanza su disco homónimo, grabado en estudios Rockaxis, junto con sus amigos de Concepción, Los Muertos.

•¿Cuándo? Jueves 12 de julio •¿Dónde? La Batuta. Entrada gratuita, para mayores de 18 años.

•¿Qué? Ángel Parra Trío celebra sus 20 años.

•¿Cuándo? Viernes 13 de julio.

•¿Dónde? Centro Cultural Amanda. Entradas a la venta a través de Ticketek.

Lanzado: 2 de abril Sello: Kranky Se veía venir. En cualquier momento, Lockett Pundt saldría la luz como el compositor brillante que es. Opacado por Bradford Cox en Deerhunter, una de las bandas más apasionantes de la última década, y hundido en un pantano shoegaze en el debut de Lotus Plaza, su proyecto personal, el guitarrista y cantante por fin se atreve a relucir en la segunda entrega del grupo que comanda. “Spooky Action At a Distance” es un gesto de confianza en la voz propia (‘Monoliths’, ‘Dusty Rhodes’) y en las melodías (‘Strangers’, ‘White Galactic One’), pero sobre todo es un disco que promete envejecer bien.

Imperdible para los pacientes que no desechan los álbumes tras escucharlos una sola vez.

BACKSTAGE

Lotus Plaza

Die Toten Hosen “Ballast Der Republik”

•¿Qué? Nano Stern en vivo, pasando su primer invierno en Chile en siete años.

•¿Cuándo? Sábado 14 de julio.

•¿Dónde? Sala SCD Bellavista. Entradas a través de Feriaticket.

•¿Qué? Manuel García celebrará su nuevo lanzamiento discográfico con dos grandes conciertos en Santiago.

•¿Cuándo? Viernes 20 y sábado 21 de julio •¿Dónde? Teatro Caupolicán. Entradas a la venta por Ticketek.

•¿Qué? At The Gates en Chile. En el marco de su gira de reunión, la banda de Gotemburgo, Suecia, pisa por primera vez suelo nacional para tocar lo más destacado de su carrera.

•¿Cuándo? Lunes 25 de julio.

•¿Dónde? Teatro Caupolicán. Entradas a la venta por Puntoticket.

Lanzado: 4 de mayo.

Sello: JKP Con tres décadas, ¿hay algo más que se les pueda exigir a Die Toten Hosen?. Los germanos no se molestan en esperar una respuesta y nos siguen brindando justificaciones para prestar oídos y, luego de cuatro años, regresan con “Ballast Der Republik”. Un álbum doble, en que el ojo crítico de los oriundos de Düsseldorf se sigue volcando a la situación mundial y de su país, en un continente que se hunde de a poco en crisis económicas –‘Europa’-, y también se dan tiempo de tributar a sus bandas alemanas favoritas, y musicalizar poemas de Erich Kastner y Herman Hesse.

Interesante y combativo.

Cloud Nothings “Attack on Memory” Lanzado: 24 de enero Sello: Wichita Recordings El 2011 lanzaron su debut homónimo, pero llegaron muy tarde al estilo que registró The Libertines. Sin embargo, el grupo de Cleveland volvió totalmente reinventado, con un noise rock manejado por Steve Albini, e influencias que citan principalmente a lo más crudo de Nirvana. Se destacan canciones como ‘No Future/No Past’, ‘No Sentiment’ y la épica ‘Wasted Days’, que se mueve cómodamente en el nihilismo del punk sin perder un ápice de las melodías. Para tener en cuenta: su líder, Dylan Baldi, apenas tiene 20 años.

13III ROCKAXIS

OPINIÓN BACKSTAGE

Sin retorno Por Mauricio Jürgensen

P

asaron en tiempo récord de ser la excepción de la grilla a convertirse en el centro del negocio. No es que el creciente nicho de las reuniones de bandas clásicas sea un ítem discutible en sí mismo (puestos en el tema de quién tiene el derecho o no, la música popular históricamente se ha nutrido de la nostalgia y, al final del día, de los arrepentidos es el reino de los cielos). Pero sí llama la atención que, en los últimos años, probablemente desde el retorno de Jane’s Addiction en Coachella 2001, la rentable fórmula del “grupo famoso que vuelve a la actividad” esté copando los carteles de grandes festivales del mundo en desmedro de los que, por sentido común o legítimo derecho al relevo, deberían ser los protagonistas de esas citas: es decir, los conjuntos activos y que están publicando con regularidad.

En lo que va corrido de 2012, prácticamente no ha habido festival que no haya puesto sus esfuerzos -y gran parte del presupuesto- en contar con el último de los reformados para que encabece su estelar listado de artistas: el festival de Coachella en Indio, California, con At the Drive In y Refused; el de Bonnaroo, en Tennessee, con The Beach Boys, y el conocido Lollapalooza, en Chicago, con Black Sabbath (el año pasado fue el turno de Soundgarden en la versión celebrada en esa ciudad), son algunos de los eventos que han insistido en una fórmula que ya marca tendencia, pero que también abre el

14III ROCKAXIS

The Pixies

debate sobre un asunto esencial para los que aspiran a que el rock sea algo más que una bien adornada sala de museo: saber quiénes y cómo serán los que den tiraje a la chimenea.

Más allá del comprensible interés por ver de vuelta a gente como The Stooges, Faith No More, Pixies y Rage Against the Machine (cuatro que han vuelto en festivales durante la última década, aunque los tres últimos sin novedad discográfica alguna) y de la alta rentabilidad que esto genera (lo que, por cierto, demuestra que esto no es un capricho de la producción, sino un legítimo giro en el negocio), lo que queda en el aire es cierta insatisfacción y desánimo frente a eventos que están llamados a promover a los nuevos talentos -y muchas veces así se publicitan como en el caso de Lollapalooza-, pero que, al final, sólo sirven para sacarse el gustito con alguna vieja gloria, sin importar, si el mentado retorno incluye cierta continuidad o si sólo fue armado para vestir un cartel y llenarse los bolsillos de plata.

Al otro lado del Atlántico, gente como Libertines y Pulp en los festivales de Reading y Leeds, en 2010 y 2011, respectivamente, y Blur en Glastonbury 2009, también confirman que en el actual mundo de la música no hay festival grande sin “retorno”, ni “retorno” sin festival grande que lo ampare. Una decisión que podrá tener su justificación comercial (y sí que la tiene), pero que, paradójicamente, conspira contra el derecho a vitrina que, precisamente, permitió que esos viejos estandartes que hoy vuelven a cobrar la cuota de la nostalgia se convirtieran en lo que se convirtieron.

BACKSTAGE

Mi colecci贸n

Rodrigo Hurtado Director de Radio Horizonte Por: Francisco Reinoso Foto: Ignacio Galvez

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BACKSTAGE

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CASI FAMOSOS BACKSTAGE

Te invitamos a conocer a los personajes detrás de los personajes

David Ponce Si se trata de contribuciones al rock chileno, dentro del periodismo el nombre de David Ponce es un mjo para cualquier repaso. Ligado a la música desde los noventa y cuyo principal foco de atención ha sido la obra criolla, les presentamos a un referente obligatorio.

L

as publicaciones en que ha aparecido su nombre son tantas como los años que lleva hablando de música chilena.

Es David Ponce, con presente en EMOL, Música Popular y la revista/anuario Melódica y que a su haber suma también el libro “Prueba de sonido”, cuya perseverancia para dar espacio al trabajo local en medios escritos le han valido el respeto tanto de colegas como los propios artistas.

Ponce es de los afortunados (o desafortunados, dependiendo el enfoque) que trabajó en el periodismo escrito antes y después de Internet.

Respecto a la generación con la que se inició profesionalmente “tuvo que poner al día al periodismo de espectáculos chileno después de la dictadura. La prensa de espectáculos de los setenta y ochenta que recuerdo como lector era muy genérica. Los periodistas de los noventa representaron un cambio respecto de eso”.

Al mismo tiempo, el periodista recuerda aquella época con los sellos discográficos como fuentes de información, de poca “independencia”, y rescata a Extravaganza! Entre los casos excepcionales.

En cuanto al presente del rubro, David cree que se ha planteado un nuevo peligro con la llegada de Internet: “la sobreinformación que genera puede plantear problemas al momento de jerarquizar y discriminar la información”. No todo es igual de importante, claro.

A través de Música Popular, Ponce y el equipo que también comandan Marisol García, Íñigo Díaz y Jorge Leiva intentan aglomerar año a año las opiniones de todas las alas del periodismo musical en sus listados anuales con lo mejor de la producción chilena. “Tratamos de incorporarlos a todos, porque las plataformas online hacen el trabajo que los grandes medios no están haciendo: informan de rock, metal, punk, hardcore, rap, jazz, folclor, cueca, electrónica, cumbia o músicos chilenos en general”, apunta, al mismo tiempo que reconoce que tiene la mejor opinión de los a veces cuestionados periodistas jóvenes que han forjado su carrera desde formatos más cercanos al

18III ROCKAXIS

blog.

A su manera, Ponce representa también al periodismo que ha esquivado obstáculos para apoyar la producción criolla, asunto que tantas quejas ha despertado históricamente por parte de nuestros músicos. Su diagnóstico advierte que “el espacio destinado en medios como revistas y diarios a lo chileno viene mermando hace años. En los últimos años ha aumentado la producción y actividad en vivo de los músicos – chilenos y extranjeros – pero en general se ha empobrecido la información disponible. Esa información hay que buscarla en otra parte, como sitios web y blogs”.

No es difícil encontrar a David Ponce viendo música chilena en vivo. Todavía disfruta su profesión y es la conclusión final que deja más allá de revisiones de cómo el entorno en el cual se desenvuelve fue cambiando y tiene tanto por mejorar: “el periodismo ha sido una buena forma de conocer y escuchar música, eso es lo satisfactorio”.

Juan Ignacio Cornejo K.

Música de oficina

Los discos favoritos del equipo de Rockaxis del último mes “Locked Down” (2012) Dr. John. Un arquetipo de New Orleans a estas alturas, Dr John por momentos ha bordeado la autoparodia debido a la inemciencia de sus productores. El asunto se resolvió con Dan Auerbach de los Black Keys, haciéndose cargo del sonido de “Locked Down”. El doctor del vudú deja atrás un periodo de sequía creativa para sugerir pura magia, una revisión de lo que ha hecho tan bien durante años pero ahora con otro norte creativo. Jugado, místico... excesivo.

Cote Hurtado

“Clockwork Angels” (2012) de Rush. Veinte discos de estudio y el clásico power trío canadiense sigue vigente y más inspirado que en muchos años. Los clásicos dando cátedra.

Juan Ignacio Cornejo

“Tres Hombres” (1973) de ZZ Top. Cuando se dice que ZZ Top hace siempre la misma canción (al estilo AC/DC o Mötorhead) entonces se ignora la diversidad de uno de los mejores álbumes de blues rock de los setenta. Fuera de serie, sigue sonando bien cuarenta años después sin reediciones ni oportunismos.

María de los Ángeles Cerda

“Shakedown” (2012) de Hacienda. Otro trabajo supervisado por Dan Auerbach de The Black Keys, para quienes fuesen su banda de apoyo en su período solista. Las melodías de los de San Antonio, Texas, son irresistiblemente contagiosas desde ‘Veronica’, a la popera ‘Savage’ y la más personal ‘Pilot in the Sky’ y traen un poco de sol para este frío invierno.

Francisco Reinoso

“Slip” (1993) de Quicksand. Un completo manual de estilo. A mi parecer, el punto más alto en la prolímca carrera de Walter Schreifels. Podemos hablar de post hardcore, emo, proto nu-metal o lo que sea, pero lo que es indudable del primer elepé de los neoyorquinos es la fabulosa paleta de canciones expuestas. Su sorprendente reunión, semanas atrás, no hace más que encender la ilusión de, mnalmente, verlos en vivo. ¿Subvalorados? Es muy probable.

Mauricio Jürgensen

“The Bravest Man in the Universe” (2012) de Bobby Womack. Bobby Womack (68), leyenda del soul estadounidense, cierra 18 años sin publicar material inédito con un disco producido por Damon Albarn y que incluye joyas como ‘Please Forgive My Heart’. Un álbum moderno y vigoroso y que demuestra que el viejo Womack no ha perdido el fuego.

Héctor Aravena

“In A Silent Way” (1969) de Miles Davis.Un disco clave de la historia del jazz y, en lo personal, mi preferido del pionero estadounidense. Los solos de trompeta son aquí de una sutileza y espiritualidad que tocan el alma. Eso sin contar con la banda que dirige. Entre ellos, John McLaughlin, Joe Zawinul, Dave Holland y, por supuesto, la mano omnipresente del productor, Teo Macero.

Rodrigo Bravo

“Images & Words” (1992) de Dream Theater. Con el anuncio de la cuarta visita a Chile y conmemorando los 20 años desde su lanzamiento (7 de julio), no podía más que rendirme al sensible virtuosismo de esta obra maestra del Metal Progresivo, que -lejos de descontextualizarse con el tiempo- demuestra que en esas ocho canciones estaba la verdadera esencia de los ex alumnos de Berklee.

Mes a mes te recomendaremos la canción que debes escuchar

Tenemos Explosivos

BACKSTAGE

Alfredo Lewin

Nueva Canción Chilena

‘Cuerpo al aire’

(de “Derrumbe y celebración”, 2012) El primer largo de Tenemos Explosivos arribó hace poco para inyectarle urgencia y sangre a los sonidos de una temporada que tanto en lo nacional como lo foráneo se ha mostrado mayormente tímido o torpe para representar la agitación social que tambaleó al mundo en los últimos 18 meses.

“Derrumbe y celebración” ofrece un acierto lírico tras otro, pero quizás la más redonda de sus ofertas sea ‘Cuerpo al aire’, corte que sin maquillajes cuenta la historia de un hombre desesperado por la falta de oportunidades que termina quemándose a lo bonzo ante la vista de todos.

Una intro ascendente de pronto se silencia para permitir el ingreso más limpio de la voz de Eduardo Pavez, uno de esos francotiradores que con un micrófono es más peligroso que con cualquier arma en sus manos. El desarrollo de la historia es lineal y no hay pretensión poética en un texto que invita al canto colectivo porque cumple aquella extraña cualidad de congregar el sentir personal y colectivo en un par de versos.

La economía de mercado queda como un panfleto adolescente ante una frase como “alguien dice ‘la justicia llega a aquel que ha trabajo’ ¿Entonces por qué a ti no te ha llegado?”. Pero no queda ahí, pues ofrece una vista hacia el horror con “arde tu cuerpo al aire; no hay nada que mirar. Control; y verte arder”, sin perder el norte ni guardarse nada.

Con ‘Cuerpo al Aire’ Tenemos Explosivos no convoca a quien se sienta tan ignorado o vapuleado como el protagonista de su historia, sino que basta con ser espectador de una historia que, llamas más o llamas menos, se sigue contando día a día.

Uno de los discos chilenos del año, con un sonido de primer nivel (fue mezclado por Bob Weston, por cuyas manos pasaron Nirvana, Shellac y Fugazi) y una vocación por la canción más que por el estribillo que de entrada los pone en primera división. ‘Cuerpo al Aire’ merece prenderle fuego a las ondas radiales criollas.

Claudio Ibarra

“Double Dynamite” (2012) de The Mannish Boys. Doble explosión de los veteranos de la Costa Oeste de Estados Unidos con un álbum doble que repasa temas tradicionales como composiciones originales. Blues de Chicago en bruto y servido a la carta de sus invitados, desde el veterano Elvin Bishop al revolucionario Jason Ricci. Un golpe a la cátedra clásica del blues de los cincuenta.

Cristian Pavez

“Living Like a Runaway” (2012) de Lita Ford. Luego de un regreso en falso con un mediocre disco industrial el 2009, la reina del Hard Rock retoma su estilo clásico de buenas guitarras y grandes melodías.

19III ROCKAXIS

BACKSTAGE

El playlist de Rockaxis

Este mes, Rodrigo Sánchez, baterista de Crisálida (foto: Cristian Carrasco)

‘No Part Of Me’ Steven Wilson

Soy un seguidor de Porcupine Tree y de los proyectos paralelos de Steven Wilson; su segunda placa como solista es un trabajo que lleva el prog y el art rock a otros niveles, mucho mejor que “Insurgentes” donde aún no se despegaba totalmente de Porcupine Tree. La experimentación y texturas, más los guiños a los grandes referentes del rock progresivo, hacen de este disco una pieza imperdible…Esta canción cuenta con todo lo que necesito en términos musicales, mucha delicadeza y peso sin caer en los estándares.

(Encuéntralo en el disco “Grace For Drowning”, 2011)

‘Marrow’

Messhuggah

‘Marrow’ es una patada directa en la cabeza; demoledor, elaborado y evolucionado y uno de los que más escucho. Las construcciones, riffs, sonido moderno y afinaciones bajas y sobre todo el trabajo en equipo de las guitarras y batería hacen que esta canción sea una muralla indestructible.

(Encuéntralo en el disco “Koloss”, 2012)

‘Man in the Middle’

Black Country Communion

¡Temazo! Tiene mucha onda y peso y es inevitable dejarte llevar por el Groove. El trabajo vocal y musical de Glenn Hughes junto a este tremendo lote de músicos de las grandes ligas (Derek Sherinian, Joe Bonamassa, Jason Bonham ) y de la mano del tremendo productor Kevin Shirley hacen que este disco sea un imperdible del rock clásico actual.

(Encuéntralo en el disco “Black Country Communion 2”, 2011)

‘Sunlight’ Anathema

Esta canción es hermosa, tiene una partida muy abajo y simple, pero que va subiendo y creciendo como una bola de nieve. Además, es cristalina y llena de luz, y logra llevarte por un viaje que emociona y comunica.

(Encuéntralo en el disco “Weather Systems”, 2012)

‘BU2B’ Rush

Banda de la vida. La discografía de Rush está siempre a la mano en mi discografía. Cada vez que escucho ‘BU2B’ me gusta más. Me agrada mucho la eterna búsqueda y reinvención de uno de los grupos más importantes del rock. Rush me tiene acostumbrado a grandes trabajos.

(Encuéntralo en el disco “Clockwork Angels”, 2012)

20III ROCKAXIS

‘Baseball Theme’ Vince Guaraldi Trio

Me agrada mucho el jazz fácil de digerir, en particular la música de la serie “Charlie Brown y sus amigos”. Este corte es muy especial para mí, ya que es inevitable acordarme de ciertos momentos de mi niñez.

(Encuéntralo en el disco “A Boy Named Charlie Brown”, 1964)

‘The Journey to the West’ Joe Hisaishi

Este track forma parte de la banda sonora de una de las obras maestras de Hayao Miyazaki, “La Princesa Mononoke”. Esta canción en particular me puede llevar a ver parajes y sentir los aromas de la cultura Japonesa antigua, en donde Hayao Miyazaki está en una constante lucha por dejar en claro que Gaia es la madre de todo y que los humanos solo estamos de pasada por esta vida. “Mononoke Hime” tiene momentos oscuros y densos pero a la vez emocionantes y puros.

(Encuéntralo en el disco “Music from the Motion Picture: Princess Mononoke”, 1999)

‘1000 Kilómetros’ Catoni

Este tema tiene mucho power, afinaciones bajas, letras del alma y con mucha onda. Catoni está haciendo las cosas muy bien hacer rato, llevando el Rock y Blues nacional a lo más alto.

(Encuéntralo en el disco “Virtual: Vol. 5”, 2012)

‘Hag’

Storm Corrosion

Creo que lo psicodélico y atmosférico predominan en este disco, que está trabajado con mucho gusto y delicadeza. Estos dos tremendos músicos, Steven Wilson y Mikael Akerfeldt, siempre superan mis expectativas, porque constantemente se encuentran en la vanguardia de los estilos que abordan. Increíble.

(Encuéntralo en el disco “Storm Corrosion”, 2012)

‘Juular’

The Devin Townsend Project

Devin Townsend es otro de los grandes genios de nuestra era con un talento musical desbordante e inagotable. ‘Juular’ es un viaje a lo más denso y enfermo de su sonido, con un trabajo prolijo de las voces y una composición musical mutante.

(Encuéntralo en el disco “Desconstruction”, 2011)

FUTURA ADVERTENCIA FUTURA ADVERTENCIA THE VIRGINMARYS Riffs ingleses de alto octanaje

D

entro de las siempre fértiles tierras inglesas, y probablemente debido a la enorme carga cultural y el legado musical que la isla lleva consigo, resulta tremendamente refrescante encontrar bandas que aborden su arte con soltura y con una actitud carente de las pomposas pretensiones que muchas veces saturan los sonidos provenientes de esos territorios. Uno de esos casos es The Virginmarys, un trío originario de Macclesfield, que gracias a una inagotable dosis de buenos riffs, y con la nada despreciable suma de tres epés editados, ya comienza a atraer las miradas del público y la prensa mundial.

La banda está formada por Ally Dickaty en voz y guitarra, Matt Rose en bajo y Danny Dolan en batería, tres músicos que placa tras placa han dado vida a una explosiva mezcla de guitarras furiosas, sólidas melodías de bajo y estridentes beats de batería, coronados por una voz que recuerda a Caleb Followill de Kings of Leon pero con mucha más actitud; todo ello marcado por influencias que se pasean por el hard rock de vieja raigambre, el groove de The Jimi Hendrix Experience, la urgencia de Nirvana y un intangible halo enraizado en los nombres más legendarios del rock mundial. Las comparaciones con Led Zeppelin han sido abundantes y las publicaciones del Reino Unido no han escatimado en halagos para la banda, elogios que los han llevado a participar en festivales tan connotados como Download, Sonisphere y Isle of Wight, y a salir de gira con nombres como Slash y Kaiser Chiefs, entre varios otros.

Con una constante evolución sonora, Dickaty y compañía han lanzado los epés “Cast the First Stone” (2010), “Just a Ride” (abril de 2011) y “Portrait of Red” (octubre de 2011), tres trabajos que derrochan los atributos ya mencionados y que demuestran una evolución que hasta ahora no da muestras de agotamiento.

Este año la banda se apronta a lanzar su primer largaduración, titulado “King of Conflict”, un disco que finalmente dirá si la propuesta

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Por Álvaro Rojas

del grupo es tan prometedora como hoy se muestra. “La gente siempre quiere ponerte etiquetas, pero lo que realmente importa es que tu música sea honesta y natural. Lo único que queremos hacer es ser la mejor banda posible y producir discos que de verdad pasen la prueba del tiempo”, comenta el vocalista. Son palabras ambiciosas para una agrupación que aún tiene mucho que probar, pero con lo que han demostrado hasta ahora, la meta parece estar a la vuelta de la esquina.

THE VIRGINMARYS Portrait of Red

Discografía Cast the First Stone (2010) Just a Ride (2011) Portrait of Red (2011) King of Connict (Por lanzarse) Sitio web www.thevirginmarys.com

Popularidad en las redes sociales 340 seguidores 3.886 fans 144.233 reproducciones 8.907 amigos

Gadgets

Por Daniel Vak (@DanielVak)

Samsung Galaxy Tab II 7.0

Diablo III rompe records de ventas Seguimos con las noticias sobre Diablo III. El juego de calabozos y dragones vendió más de 3.5 millones de copias en sus primeras 24 horas de ventas estableciendo un nuevo récord y convirtiéndolo en el juego de PC que más rápido se ha vendido en la historia. Esto sin incluir los más de 1.2 millones incluidos en paquetes promocionales. La cifra aumenta a 6.3 millones en la primera semana de disponibilidad del juego.

En total, más de 4.7 millones de jugadores en todo el mundo estaban preparados para entrar a Santuario el día del lanzamiento de Diablo III, convirtiéndolo en el lanzamiento para PC más importante de la historia. Esa cantidad aumentó a más de 6.3 millones en la primera semana de disponibilidad del juego. Dichas cifras no incluyen a los jugadores en salas de juego en línea en Corea, donde Diablo III se ha convertido en el título más jugado desde el 22 de mayo.

El nuevo tablet de Samsung prueba que, por una cantidad no muy alta de dinero, se puede obtener una de las mejores tabletas del mercado.

Cuenta con un procesador dual-core de 1ghz y una pantalla de resolución de baja densidad de 1024 x 600, y su performance es sólida. Una de sus ventajas es que al contar con un tamaño de 7 pulgadas y un peso de 344 gramos, su transporte y su uso son fáciles, sumando que no se provoca el efecto aceitoso que dejan los dedos con el paso del tiempo en la pantalla.

Asimismo, se suman a sus detalles técnicos una entrada microSD y 16 GB de memoria interna (también existe la versión de 8 gb). Alta calidad por un bajo precio, desde $159.990.

HP Presentó el Z1 La poderosa Workstation todo en uno Z1 es la estrella de la nueva línea de computadores profesionales de HP. Los nuevos equipos de última generación están pensados para profesionales con altos requerimientos y desempeño de hardware y software, como diseñadores, arquitectos, ingenieros y audiovisuales.

La nueva línea de estaciones de trabajo de HP incluye las Workstations HP Z1, Z420, Z620 y Z820. El Z1 es un “Todo-en-uno” de excelencia para las personas que trabajan en el área de diseño asistido por computador, medios digitales y entretenimiento, la nueva Workstation HP Z1 brinda renderización y desempeño ultra rápidos en una cómoda pantalla de 27 pulgadas.

Una virtud diferenciadora de la nueva Workstation HP Z1 es que no requiere herramientas para abrir su caja, que está integrada en el monitor en formato “Todo-en-Uno”, lo que permite a los usuarios cambiar fácilmente las partes y piezas o realizar actualizaciones. Además, cuenta con un elegante diseño industrial y un desempeño acelerado a través de los procesadores Intel Xeon, gráficos NVIDIA Quadro, soporte para más de 1,000 millones de colores en su pantalla LED HD.

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Vitrina rock

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PURO ROCK

TIMO A la antigua usanza Por Jean Parraguez

De historias recientes es el prontuario de Timo. Formada hace algo más de dos años, la banda del área metropolitana ha estado en silencio fortaleciendo su identidad, arraigada en el grunge, componiendo en silencio lo que será su estreno discográfico, “21 Golpes”, con lanzamiento en octubre próximo. Su gusto por los próceres de antaño no sólo se queda ahí, ya que planean tener su edición física, como debe ser, ignorando cualquier artilugio tecnológico. Un riesgo que no se amilanan en asumir.

2009

El año en que se forma Timo.

855

Son las personas que han visitado su sitio en Myspace, mientras que sus temas han sonado en más de 300 oportunidades.

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Sobre sus innuencias

Fecha de salida de su álbum debut

“A pesar de nuestra más grande influencia proviene del movimiento grunge, también nos han tocado muchos artistas del rock progresivo de los setenta, como Gabriel y Pink Floyd. Bowie es otro grande que también está presente, lo mismo que Led Zeppelin”

“Por octubre saldrá nuestro primer disco y queremos distribuirlo de la manera convencional, tratando de desarrollar un buen objeto de arte”

4

El número de sus integrantes. Francisco Jerez Cea (batería), Sebastián Costamaillere (bajo), Paulo Gálvez (guitarra) y Nicolás Pérez (Voz)

3

Innuencias que admiten, además del movimiento grunge: David Bowie, Peter Gabriel y Pink Floyd.

2

Son las canciones que tienen en su Myspace: ‘Sal’ y ‘Malasangre’

El trag Rock qou de te mere e Diestra & Siniestra ces La calma (y el misterio) antes de la tormenta Por Sebastián Amado C.

¿Cómo se presenta una banda sin redes sociales? ¿Cómo da a conocer su sonido un grupo sin MySpace, Soundcloud ni nada similar? En plena era digital, ése es el desafío que espera a este conjunto de rock que se apronta a lanzar su primer disco. Hasta entonces, la única forma de conocerlos es viéndolos en vivo y leyendo estas pequeñas pistas numéricas que nos entregaron sobre su identidad.

3

Son los integrantes de Diestra & Siniestra: Omar Galindo (guitarra), Vicente Figueroa (bajo) y Alan Barrington (batería). Todos cumplen labores vocales.

13

Son los años que pasaron sin tocar. En este período de tiempo, Figueroa fue parte de Tinto Box y Altera, mientras que Galindo militó en La Patogallina Saunmachín.

Silencio absoluto Las prioridades para Diestra & Siniestra son claras: terminar (y editar) su álbum debut y tocar en vivo “cuando y donde se pueda”.

Hasta entonces, las redes sociales no están contempladas. “No hay nada hasta que tengamos el disco en el aire. Sólo tocamos los temas que estarán en ese trabajo que estamos grabando y que pensamos lanzar oficialmente si pasamos agosto”.

No hay más que las palabras Al ser su situación una tan poco habitual, no queda más que confiar en sus palabras a la hora de querer entender cómo es su música. “La línea principal de nuestra banda es el rock, el que tratamos de matizar con los diferentes estilos que nos gustan: funk, punk, metal, con una visita muy respetuosa y sutil a Violeta y su momento más mapuche, intentando rescatar el color del rock del sur”.

4

Han sido los músicos que han pasado por esta banda: los tres ya mencionados y Christian Hirth (actual MediaBanda), quien reemplazó a Barrington en batería entre 1997 y 1998, cuando terminó su primera etapa.

0

Son sus redes sociales. No tienen Twitter, MySpace, Facebook, Soundcloud, canal de YouTube… Nada.

1995

Es el año en que se forma la banda, con los mismos nombres de su actual formación.

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John Lydon vuelv

por lo que es sue yo Por Mauricio Jürg

ensen

A dos años de su reunión y 20 de su último disco en estudio, Public Image Ltd., el proyecto que el músico también conocido como “Johnny Rotten” creó tras la disolución de Sex Pistols, vuelve al ruedo con un álbum que pretende reclamar la paternidad de un estilo que ha servido para que bandas como Interpol hayan alcanzado la fama gracias al revival del “post punk”.

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N

o debe haber sido nada agradable. Sentir que te estaban metiendo la mano en la billetera y ver cómo una generosa tropa de aprendices rocanroleros se llenaba los bolsillos de plata con lo que se te había ocurrido a ti hace 25 años atrás. La primera mitad de la década que partió en 2000 estuvo marcada por la resurrección de un sonido conocido como post punk (concepto acuñado en 1977 por un cronista de la revista “Sounds” para describir el sonido de unos emergentes Siousxie & The Banshees) y que tuvo en grupos como The Rapture e Interpol a dos de sus más exitosos replicantes modernos.

La oleada sirvió para que algunos viejos estandartes decidieran abandonar los cuarteles de invierno y volvieran a la actividad, como pasó con Magazine (Manchester, 1977), que se reformó en 2009 y que dos años después publicó su primer disco en 30 años –“No Thyself ”-, y Gang Of Four (Leeds, 1977), banda que también en 2011 lanzó “Content” (2011), séptimo de su carrera y el primero en 16 años.

Sin embargo, el que realmente dio el puntapié inicial miraba de lejos y esperaba su turno para pegar el zarpazo. Eso es lo que finalmente ha hecho John Lydon (56) al revivir a la banda con la que siguió adelante en su carrera tras su turbulento paso por Sex Pistols, entre 1975 y 1978. “This is PIL” es el noveno disco, y primero en 20 años, de Public Image Ltd., el grupo que el cantante británico, también conocido como Johnny Rotten, entró en actividad sólo meses después de la disolución de Sex Pistols y tras un revelador viaje de tres semanas a Jamaica, donde Lydon entendió que, efectivamente, en la música “sí había futuro”.

FIJACIÓN CON INGLATERRA “Si el rocanrol va a destruirme, me aseguraré de que el rocanrol se destruya conmigo”. Maestro en frases maestras, John Lydon lanzó esta joya con ambición de declaración de principios en 1978, cuando Public Image Ltd. debutó en el disco gracias a “First Issue”. Ése fue el álbum que definiría las coordenadas del mencionado “post punk” y cuyo espíritu, algo opresivo, pero ciento por ciento visionario, hoy intenta revivir “This is P.I.L.”, un trabajo que abre con otra de esas frases con que Lydon se ha ganado con justicia la fama de boca suelta: “I’m not a vulture, this is my culture” (“no soy un cuervo, esta es mi cultura”), brama el cantante, con ese recitado burlón y desafinado que ya es especialidad de la casa, en ‘One Drop’, la primera de 12 canciones de un trabajo que, si bien no logra empatar con la lucidez y la habilidad estilística de “First Issue” o “Metal Box” (1979), sí consigue lo que Lydon debe haber estado buscando hace tiempo: algo de respeto y poner las cosas en su lugar.

“This is PIL” es un álbum de espíritu diverso, pero con un objetivo claro en la mira: Inglaterra, el país que, he ahí la paradoja, Lydon abandonó hace dos décadas cuando fijó residencia en Los Angeles, Estados Unidos, pero que en el disco evoca en melodías como ‘Human’ y ‘Reggie Song’. “Me fui

de Inglaterra por el hostigamiento de la policía y porque me vetaban en todos lados”, contó Lydon al periódico inglés The Guardian a fines de mayo pasado. “Aquí [en Estados Unidos] no existe la costumbre de que se te pare alguien enfrente y comience a gritarte. Aquí respetan tu espacio. Además, me gusta Obama, pero ¿quién podría esperar que solucione en cuatro años lo que George Bush Jr. destruyó en ocho? No hay ningún político en Inglaterra que me impresione, pero lo que sí me impresiona es un movimiento como el que ocupóWall Street. No tenían líderes, lo que era genial. Lamentablemente, y como siempre pasa en estos casos, terminó con un maldito hippie tocando la Áauta”.

LYDON BAJO CRÍTICA Sentado tras una grabadora, a Lydon nunca le han faltado buenas cuñas. Pero detrás del micrófono, como pasa en este retorno al disco, el discurso del inconformismo y de mandar todo al carajo no tiene necesariamente un buen complemento con la música.

Así lo observó un reseñista del sitio web de la BBC, quien postuló que más allá del potente mensaje del primer tema, ‘This is P.I.L.’, donde advierte entre gritos que “ahora estás ingresando a la zona de P.I.L.”, y del eventual atrevimiento del segundo, ‘One Drop’, donde advierte que “venimos del caos, no nos puedes cambiar”, el resto del álbum demuestra a un hombre más poseído del personaje que con una verdadera capacidad para golpear la música y cambiarlo todo de nuevo. “Después de escuchar canciones como ‘Human’ no puedes evitar preguntarte si el último de los eternos radicales Ànalmente está abrazando el conservadurismo”.

El semanario New Musical Express (NME), en tanto, se jugó la vida a favor de Lydon por sobre otros colegas de generación -como Magazine y Gang Of Four- que han vuelto para recoger algún beneficio del revival. “Al Ànal, a pesar de la vibración, te quedas con la sensación de que el mundo probablemente no está tan desesperado por un nuevo álbum de PIL. Pero sí está desesperado por un nuevo John Lydon. Al menos, él está disponible para hacerlo”.

“This is PIL”, depende cómo se mire y de lo que haya dicho la crítica de su país, se defiende con su aspereza (que suena más genuina que la pose impostada de los revisionistas de la década pasada) y también con temas como ‘Deeper Water’, el mejor del disco, y con una guitarra que recuerda a los mejores Echo & The Bunnymen. Algunos de los guiños de un álbum que, según Lydon, está inspirado en el afán de movimiento y no en la lógica de la nostalgia. “Cuando reformé a la banda en 2009, no pensé en una reunión, pensé en una continuación”, contó hace algunas semanas el músico a Los Angeles Times, donde también explicó por qué este retorno no se hace con dos de los miembros de la formación más clásica como Keith Levene y Jah Wooble, dos que, por estos días, están tocando repertorio de PIL bajo el nombre de Metal Box in Dub. “Por PIL pasaron más de 49 músicos, era como un campo de entrenamiento que ayudó a que muchos músicos tuvieran carreras. No les debo nada, al contrario”.

“Lo importante es que la gente entienda –siguió- que el mundo del punk no es sólo música punk. En el momento en el que se impuso el cliché, los más serios nos movimos de allí. Mi mayor miedo es repetirme. Eso no va a pasar.

Todavía hay mucho por hacer”.

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A pie mrme

Por Jean Parraguez

Largo es el recorrido que ha tenido el cuarteto nacido en California, y este 2012 los pilla con un nuevo disco, llamado “Days Go By”, y por el aniversario número veinte de “Ignition”, placa que ayudó a pavimentar los mejores días de The Offspring, conjunto que se acerca a los treinta años de vida, pero en plena actividad.

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L

as cartas podrían estar en contra. Con su explosión en la masividad y el éxito absoluto que hoy son un buen recuerdo, The Offspring siguen adelante contra viento y marea. Una carrera que ya va por las tres décadas, y un domicilio que aún se encuentra entre los vericuetos del punk y hardcore –por mucho que los puristas lo vean de otra manera-, el cuarteto estadounidense todavía se siente con la potestad de tener cosas que decir.

Esta nueva muestra de buena salud se comprueba con la edición de un nuevo álbum de estudio, en un año que tiene un sabor especial por diversos motivos.

El primero, por supuesto, es “Days Go By”, novena muestra de los oriundos de California, y que se venía hablando desde los últimos meses del año pasado, cuando el guitarrista Noodles deslizó, durante la performance del grupo en el I-Day Festival de Italia, que “Nuestro objetivo es que (el disco) salga publicado al año que viene... En realidad debería haber estado listo para Ànales de este año pero, ya sabes, hasta el año que viene no vamos a comenzar a trabajar en esta obra”.

A pesar de que sus históricos integrantes se acercan a grandes trancos a los cincuenta años, permanecen con una agenda copada, en la que conciertos e incursiones a diversos eventos en cualquier parte del mundo es algo recurrente, y que repercute en la prolongación de la espera entre un disco y otro. Es cosa de ver la distancia entre sus últimos largos: “Splinter”, del 2003, “Rise and Fall, Rage and Grace” llegó el 2008 y “Days Go By” lo hace cuatro años después: “En parte es porque estamos de gira, y ahí no pensamos sobre nueva música, ni nuevas canciones o algo como eso. Así que después de grabar, nos iremos de tour aproximadamente por un año, y entonces nos iremos cada uno por su lado por seis meses antes de empezar a sentarnos y pensar en el siguiente disco”, argumentó recientemente el dueño de las seis cuerdas al sitio Ultimate Guitar.

Para los talibanes del estilo, The Offspring hace bastante que dejó de ser una banda de punk rock de esencia pura. Algunos dirán que su viraje hacia el pop es evidente desde hace al menos trece años. El conjunto no lo ve tan de esa manera, y se afirman en lo natural que es evolucionar, y explorar otras cosas.

El vocalista Dexter Holland indicó a la Rolling Stone lo siguiente: “Creo que la música es muy diversa hoy en día, y las bandas también. Si fuiste una banda de rock en los ochenta, como que debías pegarte en una cosa. Ahora, en esta época de Coachella, festivales europeos y esas cosas, es como que todo Áuye, y eso nos permite probar cosas diferentes”.

Declaraciones como aquellas son el pasaporte perfecto para entender tracks como ‘All I Have Left Is You’, incluída en esta nueva entrega, y que cuenta con la preponderancia de teclados, algo inusual para los adentrados en el estilo que cultiva la banda. Sin embargo, estos no se amilanan en abrazar ingredientes que puedan servir a su proyecto.

The Offspring es otra de las bandas que sabe aliarse con experimentados productores. Luego de estar largas temporadas junto a Dave Jerden (Alice In Chains, Social Distortion, Biohazard, Goldfinger), y Brendan O’Brien (Stone Temple Pilots, Pearl Jam, Incubus, Korn, RATM), para su octavo disco, el timón

de la consola lo tomó Bob Rock, otro renombrado, que se repite el plato en esta ocasión. Una sociedad que le sienta muy cómoda a los muchachos, como enfatiza Noodles a Ultimate Guitar: “Aún en el comienzo, cuando decidimos tener una conversación con él acerca de producirnos, supimos de él desde Metallica y Motley Crue y un montón de gente grande del rock. Pero una vez que nos sentamos con él, aprendimos de dónde venía y algo de las otras bandas con las que trabajó. Él trabajó con D.O.A. y produjo, o al menos mezcló y fue ingeniero en algunas cosas de Avengers, así que él tiene muchas raíces en el punk rock”.

Así, y tras un largo tiempo de composición y registro, “Days Go By” terminó a principios de este año. Otra característica de este elepé es que es el primero con el baterista Pete Parada, ex Saves the Day y Face to Face, que se ha curtido en los muchos conciertos que programa la banda en el mundo, y que parece haberse adaptado de buena forma a la tríada conformada por Holland, Noodles y el bajista Greg K. Un proceso que puede cambiar de un momento a otro, como ejemplifica el guitarrista: “Generalmente todas esas cosas desde la composición hasta la grabación y todo eso fueron terminadas al mismo tiempo. Un montón de estas cosas fueron escritas al frente de los micrófonos”.

Hay opiniones muy marcadas acerca de las nuevas canciones. Noodles indicó en Facebook que “’Hurting As One’ parece emo pero no lo es, es punk. Suena como ‘Something to Believe In’ (del disco “Smash”, 1994)”.

Por su parte, Holland detalló a Spinner acerca del track inicial de la obra, ‘The Future Is Now’: “Es acerca de los peligros de la tecnología.Tú ves a gente con sus celulares constantemente.Todos están en el mismo salón pero nadie está mirando al otro o hablando. Empiezas a pensar ‘¿Realmente la tecnología nos une o nos aísla? ¿Nos ayuda o nos daña? ¿Nos da más libertad o nos esclaviza?... Decidí hacer una alusión a eso y ponerlo como la primera canción en este disco.Veremos dónde va” La obra fue adelantada por dos cortes, uno que lleva el mismo título que el disco y por ‘Cruising California (Bumpin’ In My Trunk)’, que saca el lado que todos conocemos de The Offspring. De esta última, el blondo vocalista comentó a la publicación estadounidense que “Mientras estaba escribiendo el disco, me dí cuenta de que estaba escribiendo algunas más pesadas, y eran un poco serias.Tener algunas canciones divertidas siempre ha sido parte de nuestra banda”. Noodles toma la palabra para asegurar que “Creo que es un lado encendido de nosotros. Una canción como esa, una canción como ‘Pretty Fly (For aWhite Guy)’ u ‘Original Prankster’. Entonces hay otra que es muy divertida que se llama ‘IWanna Secret Family (WithYou)’. Es acerca de un tipo que está casado, con hijos y se enamora de una bailarina erótica y quiere empezar una segunda familia en secreto”.

A pesar de eso, las críticas por su más reciente sencillo promocional han sido, con generosidad, lapidarias. El sitio Fasterlouder.com.au se preguntaba si lo nuevo de The Offspring era una broma, apuntando a lo lejano que suena a lo que es la esencia del grupo. Sin embargo, esa diferencia sonora también se ajusta a lo que el cuarteto busca plasmar en este largaduración, al adentrarse en temáticas que adoptan una mirada más de contingencia, sin ser explícitos en eso. Dexter Holland lo dejó muy claro en Spinner: “Una de los lados de Days Go By es la idea de que las cosas están difíciles pero se pondrán mejor. Otro lado muy real del disco es que la gente realmente se está yendo a la mierda. Se sienten como que han tenido suÀciente. Casi

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puedes sentir algo en el aire, si es en los movimientos Ocupa o las elecciones. La gente está lista para voltear la mesa. Es una observación y una advertencia. Algo tiene que ceder o realmente algo va a ceder”.

Más allá de tener una postura válida en un año particularmente especial en materia política en Estados Unidos –Obama va a la reelección presidencial este 2012-, en el plano estrictamente musical, Holland tampoco espera un éxito rotundo ni ventas millonarias.

Para él consta de un mayor valor las ganas que aún tiene de seguir haciendo música: “Sé que nadie va a comprar nuestro álbum, pero aún paso dos años tratando de hacer un buen disco... Si estás en una banda, si eso es lo que realmente te preocupa, entonces eso no es lo que importa. No puedes evitar el hecho de que tienes que hacer algo grandioso, tiene que estar bien ordenado, sin importar lo demás”.

A 20 AÑOS DE “IGNITION” Con un nuevo disco a cuestas, no hay que olvidar tampoco el otro motivo que tiñe de celebración este 2012. Esta temporada, The Offspring sacan el almanaque por el vigésimo aniversario de “Ignition”, su segundo opus de estudio.Y qué mejor forma de recordarlo que con un concierto en vivo.

El pasado 3 de mayo, el cuarteto se tomó el escenario de un bar en Long Beach, California, y tocaron el disco en su totalidad, en una movida sorpresiva para sus fans, que tuvieron la suerte de escuchar en vivo la canción ‘Hypodermic’, que nunca antes habían interpretado sobre el escenario. A pesar del tiempo que ha transcurrido y de las obvias diferencias generacionales entre el público, el

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grupo parece no complicarse con esos temas: “Realmente no puedes permitir que los números te alcancen.Tocamos en un lugar para gente de 21 años más o menos, lo que signiÀca que algunos de ellos tendrían un año cuando este disco salió. Pero no puedes pensar mucho en esas cosas. Aún disfrutamos lo que hacemos y me siento como si fuera ayer”.

Dexter Holland sintetiza en la última oración lo que ha sido la historia de The Offspring. Un grupo que ha sido uno de los más vendedores dentro del género punk (casi cuarenta millones de discos facturados), y que pese a que hace rato no despiertan consenso en sus seguidores, se las han arreglado para estar en el tapete gracias a su música, algo de lo que muy pocos pueden jactarse.

Formados por el rigor

Por Francisco Reinoso Baltar

Para ninguna banda es sencillo superar la salida de su cantante, menos a dos décadas de su formación. Tal como en sus inicios, Pennywise le dobló la mano al destino con el fichaje de Zoli Teglas y supo retomar el estado saludable de su travesía noventera con “All Or Nothing”, uno de los mejores discos que el punk rock norteamericano ha presenciado en años.

E

n sus más de dos décadas, la historia de Pennywise siempre ha sido ilustrada por los escollos. Basta hacer memoria cuando, en 1991, luego de registrar su aclamado debut homónimo, Jim Lindberg abandonó a sus compañeros para contraer matrimonio. Luego volvería en 1993 para registrar “Unknown Road”, para muchos el punto de mayor vuelo creativo en los californianos. Tres años después un nuevo golpea azotaría las huestes de la banda: el suicido del bajista, Jason Thrisk.

El desgaste de la vida en la carretera y la imposibilidad de poder

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llevar una vida normal con su familia fueron los puntos de discordia entre Jim Lindberg y el resto de la banda. Incluso Sudamérica fue uno de los territorios más perjudicados. El hecho de que solo Brasil (2004 y 2007) haya sido la única plaza en América del Sur que el grupo abarcó en su carrera con el frontman en casi dos décadas, fue parte de los variados focos de conflicto.

Dicho hastío de Lindberg había sido expresado a cabalidad en su libro “Punk Rock Dad” (2007), entrega que narra la evidente dicotomía entre responder al rol de padre de tres hijos en un entorno convencional y a su vez liderar un grupo de música y pensamiento antisistémico. Tanta fue la llegada de este lanzamiento bibliográfico que, tres años después, llegaría una aclamada extensión audiovisual con

el documental “The Other F Word”. Había señales de sobra y que el elástico se cortara era cosa de tiempo.

El 2009, con los compromisos promocionales de “Reason To Believe” (2008) casi alcanzando su punto final, Jim le cuenta a sus compañeros que no da más y desde ahora su familia pasa a ser prioridad al punto de dejar la música como un pasatiempo más. Fletcher Dragge (guitarrista), Byron Mackin (batería), ambos miembros fundadores del combo californiano, más el bajista, Randy Bradbury, quedaron en absoluto shock. Pero aún quedaba una sorpresa que dejaría a cientos de miles de fans helados a más no poder.

En ese mismo periodo, Lindberg comenzó a formar en silencio un nuevo proyecto de similar factura que su ex banda. Increíble pero

cierto, The Black Pacific recordaba varios de los puntos altos de discos clásicos de Pennywise más un tinte metálico que llamó la atención de los principales medios especializados en Norteamérica (“Absolute Punk” y “Alternative Press” no se cansaron de alabarlos).

Como era de esperarse, Fletcher y compañía asumieron el disco homónimo de The Black Pacific como un completo balde de agua fría. “Cuando escuchamos sus nuevas canciones no lo podíamos creer. ¿Por qué nos hace esto? ¿No había suÀciente conÀanza entre nosotros? ¡Esto es igual a Pennywise! Fue un triple golpe en la cara para mí y el resto del grupo. Más encima se puso a girar cinco semanas seguidas por Europa. ¡No entendíamos nada!”, señaló el guitarrista al sitio Cool Try de Australia durante su visita en febrero de este año.

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La conclusión era clara y lapidaria: Jim no tenía ningún desencanto con el punk ni menos la música, el rechazo era con sus amigos de toda una vida. Triste pero cierto. Tras la edición del debut homónimo de The Black Pacific, varios sitios y foros de fans comenzaron a culpar los excesos cultivados en especial por Fletcher en las giras de la banda como el principal motivo de la partida de Lindberg. ¿Cómo asumir con altura de miras este desastre y dar un paso adelante? La música de Pennywise siempre ha apuntado a textos positivos y un mensaje de perseverancia. Así lograron vencer la pérdida de Jason Thirsk en 1996 pero ahora también había signos de agotamiento artístico. Tanto “The Fuse” (2005) y “Reason To Believe” (2008) lograron pasar con tibias reseñas y ventas bajo lo esperado. Todo se veía negro pero pronto llegaría la revancha.

UNA ADAPTACIÓN NADA DE SENCILLA

Pennywise,

por mn en Chile Luego de su primera visita por Sudamérica en diciembre del 2010 con Zoli Teglas en voces, Pennywise retorna a Argentina y Brasil, ahora encabezando el Wros Fest, evento que pretende marcar todo un precedente en la región. La principal novedad es la inclusión de Chile dentro de un cartel que se desarrollará durante dos jornadas en las tres principales plazas del cono sur americano. Pennywise animará el primero de un dueto de conciertos que se realizará en el Teatro Caupolicán, el jueves 8 y viernes 9 de noviembre. Junto a ellos estarán Rise Against, Glassjaw, Anti-Flag, Alkaline Trio y más.

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El 16 de febrero del 2010, Pennywise confirmó la inclusión de Zoli Teglas como miembro permanente. El cantante, de sólidas referencias gracias a su labor en Ignite, en registro grafica lo contrario de Lindberg. Su diversidad de tonos hizo que los fans lo llamaran “el soberano del punk”.

Inmediatamente, tras un mes de ensayo, el grupo comenzó a foguearse con su flamante contratación en la carretera. Fans de Europa y Estados Unidos recibieron escépticos esta nueva encarnación de los californianos.Y el primero en reconocerlo fue Fletcher.

“Escuchamos de todo. Hay que decirlo, nos dieron duro.

‘No van a durar un año o sin Jim están acabados’ fue parte de los mensajes que nos escribían en Facebook. Randy es el que pasa mayor tiempo conectado e interactuando con la gente. Se lo tomó muy mal.Yo seguí trabajando duro, sabía que íbamos a dar vuelta esta situación adversa. Zoli se mataba en cada ensayo y vaya que resultó difícil para él escribir en plan Pennywise y alejarse del estilo de Ignite”, reconoce Dragge a Spin en marzo pasado.

Dichos testimonios justifican la demora para que “All Or Nothing” viera la luz. Un año y medio duraron las sesiones de composición para el último disco de Pennywise. Ahora, un punto que muchos fans desconocen es que Fletcher y Randy escriben la mayoría de las letras y melodías de los discos del cuarteto desde “Straight Ahead” (1999), solo que ahora la incursión de Teglas otorgó un bálsamo indudable al proceso creativo.

Curiosamente, Sudamérica sería una fuente de inspiración. En diciembre del 2010, Pennywise volvió a Brasil y esta vez incluyó dos fechas en Argentina (Buenos Aires y Rosario). La respuesta fue animal y el grupo se sintió rejuvenecido.

Tristemente, la falta de profesionalismo de un par de promotores chilenos, impidió que el público nacional pudiera ver por primera vez a los próceres del skate punk norteamericano.

Luego de componer la totalidad de las canciones, Pennywise ingresó al estudio a mediados de año pero algo tenía a Zoli indeciso y preocupado: las melodías aportadas por él no lo convencían para nada. Sentía que aún lucían los recursos de Ignite.

Había que tomar una nueva pausa y salir de gira.

Otra vez. Pero sería para mejor.

La misma banda reconocería que los aportes

de Zoli fueron fundamentales para alcanzar los iluminados horizontes melódicos de “All Or Nothing”. “Zoli llegó a estar muy cansado. Pasaron meses en que todo lo que proponía no convencía pero realmente nos terminó tapando la boca. Luego de un tour por Europa cuando volvimos a la sala de ensayo, Zoli Ànalmente comprendió lo que nosotros necesitábamos.‘¡Hey esto es increíble!’, fue lo que le dije al escuchar una estrofa que luego sería parte de ‘Waste Another Day’”, comenta Byron a Absolute Punk, dos meses atrás.

TODO O NADA Los primeros vestigios de una eventual recuperación en Pennywise se comenzaron a vivenciar en los shows.Ya para el 2011, el grupo se veía más afiatado que nunca. Emblemas de la movida como Fat Mike (Nofx) y Mr. Brett (Bad Religion) no escatimaron en elogios para sus compañeros de generación. En el viejo continente, el grupo logró saldar deudas de años con España y Suecia, ambos territorios dejados de lado por mucho tiempo gracias a la distancia de Lindberg con las travesías extensas.

Hace tres meses, Fletcher dio una entrevista a la publicación ibérica Rockzone. En un extracto de la nota define a cabalidad esta aura positiva que trajo consigo Teglas: “Eso tiene que ver con salir al escenario con alguien con las mismas ganas que tú. Cuando sales a actuar con alguien como Jim, que lleva todo el día poniendo mala cara y de mal humor, esa negatividad se acaba transmitiendo en el concierto. Pero cuando estás con alguien como Zoli, que sonríe, que salta, que canta con pasión, hace que te sientas bien. Es como si en un equipo de fútbol el delantero no quisiera jugar y estuviese andando por el campo en lugar de correr, eso haría que el equipo no jugase bien. Lo mismo ocurre con las bandas.

Ahora, transmitimos energía y los fans nos la devuelven”.

“All Or Nothing” ha sorprendido hasta a los más pesimistas. Compila momentos dignos de lo mejor que ha parado Pennywise en estudio. Muchos incluso se han aventurado a decir que es el mejor trabajo de la banda desde “Unknown Road” (1993), elogio que el fornido guitarrista ha bajado de una.

“Personalmente, creo que nuestros dos primeros discos, el homónimo y ‘Unknown Road’ son inalcanzables.También en ‘Full Circle’ estábamos en gran forma. Me encanta ‘All Or Nothing’ pero nuestro recorrido noventero es notable”, confiesa Dragge a Rock Sound de Inglaterra.

El entusiasmo por este álbum incluso se ha impregnado en veteranos de la escena como Mr. Brett, capo de Epitaph Records y motor creativo en Bad Religion. En su cuenta de Twitter, Gurewitz confesó que tanto le gustó lo nuevo de Pennywise que comenzó a escribir de inmediato el disco más veloz en la carrera de la Mala Religion. Lo compuesto hasta ahora, según él, es una suerte de secuela de “No Control” (1989), clásico pieza de la formación liderada por Greg Graffin.

A sabiendas de que nuevamente están todas las cartas a su favor, Pennywise vuelve a desenvolverse con tranquilidad en la elite del punk norteamericano. El resultado final de “All Or Nothing” es tan positivo que los ejercicios nostálgicos son completas pérdidas de tiempo. Si esto sucediera con regularidad, otro gallo cantaría en la desgastada industria rockera. Ejemplares.

“Si no te esfuerzas y trabajas duro, no conseguirás algo” Por Felipe Kraljevich

Director de la orquesta del Festival de Viña del Mar. Sesionista solicitado por los más diversos músicos. Éstas y otras credenciales avalan a Carlos para dar consejos sobre una escena que crece cada día más y de la que él, en algún punto de la historia, fue parte con la formación de bandas como La Ley y Aleste.

L

as credenciales del baterista Carlos Figueroa Salazar dan para mucho. Para muestra, un botón: sesionista de diversos músicos que van desde las aristas más pop, al estilo de baladistas como Alberto Plaza y Myriam Hernández, como también con colegas (como él los menciona y reconoce) más ligados al mundo del rock. Entre estos, Álvaro Henríquez, Lalo Ibeas, Denisse Malebrán y Florcita Motuda son algunos de los nombres que aparecen a la palestra.

Asimismo, su conocida labor en la dirección de orquesta, en particular del Festival de Viña, lo tienen posicionado como músico de cabecera de una generación que creció más cerca del rock que del jazz y la fusión, referentes obligados de sus pares más maduros.

Hijo del también connotado Carlos Figueroa (maestro de célebres bateros criollos como Mauricio Claveria y Pancho Molina, entre otros), la influencia de su padre en cuanto al acercamiento a la música en general fue clave en el desarrollo posterior de su trabajo.Y es que si bien Figueroa hijo pertenece a la generación que creció entre el abrigo del heavy metal primario, con bandas como Judas Priest y Iron Maiden a la cabeza, como también extremos musicales dados por Metallica o Megadeth, el joven batero tuvo sincronía con otras formas musicales.

Ese acercamiento desprejuiciado a la música, marcado a fuego por la relación con su padre, se fue validando en su presencia en bandas de cortes más rockeros como Chronos o Aleste, además de ser parte de la primera etapa de La Ley o de los glammers Diva. Finalmente, eso le ha servido a Carlos para transformarse en voz autorizada no sólo con sus pares músicos, sino también con aquellos que recién comienzan sus armas en la escena.

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Para Figueroa, la ruta al éxito fácil no existe. Lo primero es que el músico tenga un elemento diferenciador. “Yo creo que ése el fundamento para cualquier músico. El que surge es el que se diferencie de los demás ya sea tocando rock, jazz, funk, popular o lo que sea”, dice.

En la misma arista, la profesionalización, para Carlos, es fundamental. “Yo me acuerdo que la primera batería que me pasó mi viejo fue una que me mandó a hacer. Ahí armé mi primera banda y la primera tocata, fue como por dos lucas. La segunda, por dos más.Yo no quería pedirle a mi viejo que me pasara el instrumento, pero quería hacer más. Entonces, comencé a tocar en todos los lugares en los que pagaran dos lucas hasta que llegué a comprarme la batería. Ése es el principio de esto: si no te esfuerzas y te levantas, no sé, a las seis de la mañana y te acuestas a las tres de la madrugada, no vas a conseguir algo”.

Esa disciplina es lo que destaca Carlos, mucho más allá del talento que tengan las bandas o el músico. “Yo he conocido tipos muy talentosos que piensan que la pega les va a llegar sola. No, aquí tú tienes que trabajar. Ahí está el estudio, el ser un tipo preparado. El famoso discurso de que no nos apoyan y eso, yo pienso que cuando no tienes o no ves un campo laboral quieto, tienes que moverlo y buscar las opciones para hacerlo”, revela. La autogestión en este sentido es, para Figueroa, fundamental.

Dentro de los múltiples proyectos de Carlos, se encuentra la realización de una serie de clínicas, auspiciadas por la marca de baterías Sonor, su sponsor, que lo llevarán a lugares tan lejanos como Israel.

Asimismo, está trabajando en un disco con versiones más pop/rock del “Mesías”, de Haendel, y además, una posible gira con Incubus para continuar su trabajo con versiones orquestadas de algunos temas de los californianos.

e t n e i p r e s a l a e t e Súb Por Jordi Meya Cortesía: revista Rock Zone

El 1 de enero de 2010, Soundgarden anunciaban su vuelta a la actividad tras doce años de ruptura. Pero el regreso de una de las mayores bandas de los noventa y estandarte del movimiento grunge produjo, además de una inmensa alegría a sus millones de fans, un igual número de dudas. ¿Seguiría su química intacta? ¿Podría Chris Cornell volver a aullar como antes? ¿Se acordaría Kim Thayil de tocar la guitarra tras una década de actividad prácticamente nula? ¿Habría dejado atrás Ben Shepherd sus malos hábitos? ¿Podría Matt Cameron compatibilizar su agenda con su puesto de batería en Pearl Jam? Su aparición en varios festivales y una gira por Estados Unidos resolvieron positivamente algunas de esas interrogantes. Pero todavía queda la más importante. ¿Serán capaces de volver a grabar un álbum a la altura de su leyenda?

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C

on la perspectiva que da el tiempo, cada vez parece más extraordinario que de una misma ciudad, Seattle, y en un mismo periodo de tiempo, de finales de los ochenta a principios de los noventa, pudieran surgir cuatro bandas como Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains y Soundgarden. Dentro de ese Big Four del grunge, cada uno tendrá su grupo favorito en función de sus gustos, y al fin y al cabo ponerse a discutir cuál era el mejor, no deja ser un debate estéril, pues cualquiera de ellos ofrecería suficientes argumentos para ser valorado frente al resto. Pero todos estaríamos de acuerdo en que la banda que nos ocupa era la más completa en cuanto a recursos musicales y la que en cierta manera abrió el camino a las demás.

Siempre se ha significado que la revolución del rock alternativo en los noventa y la irrupción de la música underground al mainstream vinieron de la mano de Nirvana a raíz de su fichaje por la multinacional Geffen. Pero en realidad, Soundgarden fue la primera banda de esa escena en ser advertida por la gran industria, habiendo conseguido una nominación a los Grammy en 1990 en la categoría de “Mejor Interpretación Metal” por su debut “Ultramega OK”, un contrato con A&M Records y un puesto como teloneros del grupo que reinaba el planeta en esos momentos: Guns N’Roses. Aunque para ser justos, también es evidente que sin la explosión de “Nevermind”, nuestros protagonistas no hubiesen tenido la oportunidad de salir en MTV y vender millones de copias. O quizá sí. Vista la impresionante evolución que la agrupación fue capaz de plasmar en sus cinco discos de estudio -desde el proto metal con influencias punk de sus inicios al sofisticado y más melódico rock duro de su última etapa- es muy posible que Soundgarden hubiese triunfado con independencia del contexto que les tocó vivir. Por no hablar, que sin desmerecer el inmenso peso que tuvieron el guitarrista Kim Thayil, el bajista Ben Shepperd (quien a pesar de no haber sido miembro fundador formó parte de su era dorada) y el batería Matt Cameron, Soundgarden contaban con Chris Cornell, uno de los mejores vocalistas de la historia, y a criterio de tantas mujeres que suspiraban cada vez que salía a actuar sin camiseta, también uno de los más sexys.

De los cuatro, fue Cornell el que se esforzó, y forzó, más por mantener el éxito que había conseguido con la banda desde que dos meses después de un infame concierto en Honolulu el 9 de febrero de 1997 (Shepherd acabó lanzando su bajo y salió del escenario dejando estupefactos a sus compañeros), Soundgarden anunciaran su separación. Su ambición,

que ver con sus problemas con el alcohol que con un daño permanente en sus cuerdas vocales. Pero la gota que colmó el vaso fue ese experimento ingeniado por Jimmy Iovine, presidente de Interscope, y que llevó a Cornell a grabar su último álbum con el productor de R&B, Timbaland. “¿Conoces esa sensación que tienes cuando alguien hace tanto el ridículo que te hace sentir incómodo? ¿Has oído el disco de Chris Cornell?

Jesús”. Con este tweet, Trent Reznor resumía en 140 caracteres cómo el mundo se sentía respecto a “Scream”. Nada más que añadir.

Si la carrera del vocalista iba a la deriva, la de dos de sus excompañeros tampoco era para echar cohetes. A excepción de Cameron, que desde 1998 se integró en Pearl Jam, tanto Kim Thayil como Ben Shepherd andaban desaparecidos. El primero decidió voluntariamente retirarse del mundo de la música, y a excepción de alguna colaboración puntual con Sunn 0))) y Jello Biafra, apenas desenfundó la guitarra. Por su parte Shepherd cayó en una espiral de adicciones y prácticamente acabó arruinado. Con este panorama, que Soundgarden volviera a reunirse era cuestión de tiempo. Para Cornell era la oportunidad de recuperar su credibilidad, para Thayil y Shepherd volver a la primera línea del frente y para Cameron, el poder volver a tocar y participar con una libertad que en la República de Eddie Vedder no es fácil.

El anuncio llegó finalmente el 1 de enero de 2010 y se materializó el 16 de abril con una actuación en un club de Seattle. Desde entonces, Soundgarden han editado un recopilatorio (“Telephantasm”) y un directo correspondiente a su tour de 1996 (“Live On I-5”), actuado en el festival Lollapalooza, en el australiano Big Day Out, así como en una gira el pasado verano por Estados Unidos. Si sus motivaciones para juntarse puede que no sean del todo románticas, el que hayan decidido dar el paso y prolongar una lucrativa vuelta al estudio, debería darnos confianza en que quizá, y a pesar de todas las reticencias que podamos tener, la magia haya vuelto. Desde luego, después de hablar durante media hora con un distendido y motivado Chris Cornell, debemos reconocer que tenemos buenas vibraciones.

Lo primero que nos gustaría saber es cuán cerca están de terminar el nuevo disco.

CHRIS CORNELL: “La idea es sacarlo en septiembre u octubre.

Estamos casi terminando de mezclarlo. A menos que de aquí a la fecha de edición alguien traiga alguna nueva idea que queramos probar, literalmente estamos a unos pocos días de terminarlo”.

Acaban de editar la canción ‘Live To Rise’ para la banda sonora de “Los vengadores” y la verdad es que me encanta el sonido que tiene. ¿Tendrá el disco una producción parecida?

“Esa canción, al igual que el resto del álbum, la grabamos con Adam Kasper en el mismo estudio y la mezcló Joe Barresi, así que en términos de sonido sí será parecido. Pero musicalmente es más directa que el resto de temas nuevos. Quizá haya un par que también lo son, pero el resto toman direcciones más inesperadas”.

os. ig m a o d n ie s s o “Siempre seguimptura que algunos No tuvimos la ru gente en internet periodistas o la er”- CHRIS CORNELL quiso hacer cre proporcional a su talento, le llevó a ser también el más expuesto a las críticas por parte del sector más exigente de sus fans. Si su carrera en solitario no empezó mal (su debut “Euphoria Morning” de 1999 era notable), su asociación con los exmiembros de Rage Against The Machine en Audioslave, aunque exitosa, no aguantaba la comparación con Soundgarden e incluso en directo, su increíble voz parecía haber perdido su potencia con la misma facilidad con la que Hércules perdió la fuerza cuando le cortaron su melena. Aunque la explicación probablemente tenía más

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Me gusta oír eso.

“En ese sentido es un típico disco de Soundgarden ya que cubre muchos estados de ánimo distintos. Hay momentos mucho más ruidosos y caóticos en comparación a ‘Live To Rise’”.

Aunque en el pasado ya habían tenido singles de mucho éxito, ésta es la primera vez que Soundgarden ha escrito un tema por encargo. ¿Les resultó complicado escribir un tema pensando en que iba destinada a un público familiar?

“Fue un poco raro, sí. Desde luego escribimos la canción para la película, pero no nos pidieron que escribiéramos un tema sobre la historia, sino que la complementara, que habitara en el mismo mundo narrativo de una película de superhéroes. Lo cual no es demasiado

difícil de hacer para una banda de rock; cualquier canción rockera podría funcionar. Pero a la vez tenía que ser un tema de Soundgarden por encima de todo, nos teníamos que sentir totalmente cómodos con él, antes de pensar que encajara en una superproducción cinematográfica como ésta, y para serte sincero, eso no fue tan fácil.

No fue sencillo hacer algo que encajara bien en esos dos aspectos. A nivel de la letra, no fue complicado porque a pesar de todo, la película tiene un punto oscuro, aunque también tenga momentos de humor, pero cualquier cosa que tenga algo de oscuridad, Soundgarden puede encajar ahí fácilmente. Al mismo tiempo la película va dirigida a un público muy amplio, desde un niño a una persona mayor, así que la canción también debía poder gustarles a unos y otros. Así que fue un desafío por todas esas razones y porque, como decías, era la primera vez que escribíamos un tema para algo tan específico”. ¿Te gustaban los superhéroes de pequeño?

“Un poco. Mi conocimiento de ellos era más por lo que salía en la tele, pero Kim estaba más metido en el rollo de los cómics. Esta película es como la unión de muchos personajes de Marvel, así que para él fue emocionante. La verdad es que la película funciona muy, muy bien. No necesitas ser un entendido en los cómics, puedes sentarte en la butaca y disfrutar de ella totalmente”.

Nuestro crítico de cine dijo que era la mejor película de acción desde “Terminator 2”.

“Sí, es fantástica. Joss Whedon que es el director y guionista hizo un muy buen trabajo. Con una película así de grande, con un presupuesto tan enorme, no puedo ni imaginarme la responsabilidad que debió sentir cuando estaba en su casa escribiendo estas escenas y los diálogos.

Escribir esas escenas de acción que tienen violencia y humor y que le dieran el dinero para una película es increíble, porque normalmente estas películas con tanto dinero detrás no suelen ser muy buenas, ni tienen emoción. Pienso en “Titanic”, que está muy bien rodada, pero ves un barco hundiéndose y no sientes nada. Debería ser dramático

pero no lo es (risas). Simplemente es cool ver cómo se hunde (risas)”.

En comparación a una película, hacer un disco parece ser mucho más sencillo, y aún así para algunos grupos resulta imposible no convertirlo en un proceso tortuoso.

“Es verdad. Personalmente con cada disco que hago siempre hay un momento en el que me entra el pánico. Siempre recuerdo historias de amigos que han pasado tres o seis meses grabando un disco y luego lo tiran a la basura y tienen que empezar de cero. Eso tiene que ser muy duro porque empiezas desde el fracaso de no haber podido hacer un disco, sin autoestima, ni dirección. Así que cada vez que grabamos un disco llega un punto en el que me pregunto ‘¿es esto que queremos o tendremos que borrarlo y empezar otra vez?’”. ¿También lo has sentido con este nuevo álbum? “¡Siempre me pasa! Me dura un par de días, pero eso me obliga a revisar a fondo cada canción y tomar conciencia de lo que estamos haciendo. Pero luego me siento súper aliviado. La verdad es que aunque me ha pasado desde que empecé a ser músico, con la banda nunca hemos tenido ese problema. Con Soundgarden siempre hemos sido bastante buenos a la hora de canalizar la creatividad de cada miembro en las canciones y no juzgar demasiado lo que hemos hecho hasta el final. Somos una banda en la que cada miembro aporta ideas musicales, arreglos, lo cual es muy raro. Normalmente en las bandas eso lo hace una sola persona, y si alguien aporta una idea no suele ser muy bien recibida (risas). Pero creo que en nuestro caso es lo que hace que sonemos de una manera única, y en el contexto de un álbum ayuda a que cubramos mucho territorio y eso hace que sea difícil catalogarnos o imitarnos. Tenemos composiciones viniendo de personas creativas distintas y todos respondemos hacia ella de manera distinta”.

Siendo así, ¿cómo fue escribir la primera canción para el nuevo disco después de tanto tiempo?

“La primera para la que escribí la letra y la melodía fue sobre una

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idea que trajo Matt. Es curioso porque me llevé la cinta que habíamos grabado en el local y la puse en el computador para editarla y ver qué podía ser la intro, qué parte podía ser la estrofa, qué parte el estribillo... y grabé mi voz encima. Al día siguiente cuando volvimos a ensayar, les puse la cinta y sonaba totalmente a una canción de Soundgarden de 1990 o así, porque sonaba muy lo-fi, con todo grabado en directo, y yo no había escrito en ese estilo, probablemente desde que nos separamos. Pero era como si alguien le hubiera dado a un interruptor y de manera automática volviéramos a sonar como Soundgarden”.

UNA NUEVA PERSPECTIVA

siempre quisieron catalogarnos como un grupo problemático, con roles muy definidos para cada miembro: Matt sólo tocaba la batería, el bajista estaba loco, el guitarra era el genio creativo del grupo que tenía una relación tumultuosa con el cantante, que era un frontman sexy que sólo escribía las letras, y todos nos odiábamos. Ésta es la manera en la que se nos presentó”.

Es cierto.

“Aunque en las entrevistas yo insistía en que todos los miembros contribuían en la música, o que escribían canciones completas o que tocábamos distintos instrumentos, o que Kim y yo nos llevábamos realmente

“Soundgarden e de descubrir aho s una banda interesante mucho desde nura porque evolucionamos Fuimos más arrie estros primeros discos. que la mayoría d sgados y experimentales e los grupos que surgieron en nuestra époc a”- CHRIS C

La gente sigue hablando de la reunión de Soundgarden, pero ya llevan dos años juntos. ¿A estas alturas vuelve a ser el grupo algo en tu vida como lo era hace 14 años, como si no se hubieran separado nunca?

“La sensación es que nos tomamos un largo descanso y durante ese descanso todos tuvimos experiencias distintas.

En ciertos aspectos es como si no nos hubiéramos separado nunca.

Cuando estamos juntos en el estudio, componiendo y arreglando los temas, grabando, es como había sido siempre. Tenemos la misma relación entre los cuatro y sabemos cómo manejarla. Nos hemos vuelto unos expertos en cómo funcionamos a nivel interno. Pero por otro lado hemos aportado 12 años de experiencia por separado a las sesiones de grabación. Todo el mundo ha ido haciendo canciones, grabando en estudios con músicos completamente distintos y haciendo música distinta a la de Soundgarden. Eso también se nota. Todos seguimos aportando ideas como siempre, pero a la vez se nota que todos deseamos que esto funcione y queremos que sea algo fácil para todos. Todos hemos aprendido a cómo articular nuestra música en el estudio de una mejor manera. Para mí la parte más dura de estar en Soundgarden siempre fue el trasladar lo que hacíamos en directo en los clubes o en una sala, y que sabíamos que gustaba, al estudio. Nos costaba muchísimo capturar lo que éramos en el estudio y no sabíamos por qué. En teoría simplemente sólo era cuestión de poner unos micros y tocar, pero por algún motivo no era nada sencillo. Nos costó muchísimo. Posiblemente cuando grabamos “Down On The Upside” fue cuando realmente habíamos aprendido cómo hacerlo. Fue el primer disco fácil de hacer y en el que me sentí confiado en que sabíamos cómo hacerlo. Con este disco ni siquiera he tenido que pensar en ello.

Simplemente sonamos a nosotros sin preguntarme cómo, ni por qué.

El único problema que hemos tenido es pensar si la gente captará lo que está ocurriendo en medio del caos en determinado momentos, pero eso es un buen problema que tener. Me preocuparía mucho más si el material hubiese sonado plano o poco inspirado. Pero volviendo a tu pregunta, no parece que hayan pasado 12 ó 14 años, más bien cinco (risas)”. ¿Qué relación mantuvieron Kim, Ben, Matt y tú durante esos 12 años? ¿Se ponían de acuerdo para cenar de vez en cuando y hablar de los viejos tiempos?

“A veces sí. Ellos tres lo hicieron más, y yo ocasionalmente. Seguíamos en contacto, pero yo viví en París, en Los Angeles, estaba de gira con Audioslave o en solitario, así que no era tan fácil. Pero nos veíamos en conciertos. Siempre seguimos siendo amigos. No tuvimos la ruptura que algunos periodistas o la gente en internet quiso hacer creer. La impresión general es que nos separamos porque había mala onda o problemas personales, pero nunca existió esa negatividad entre nosotros. Así que fue fácil reunirnos, no había asuntos pendientes que resolver antes de poder volver a tocar juntos. Creo que los medios

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ORNELL

bien, yo notaba que eso no interesaba a nadie (risas), posiblemente era demasiado confuso y aburrido. Los periodistas preferían pensar que Kim y yo nos odiábamos y que éramos como Robert Plant y Jimmy Page, o Roger Daltrey y Pete Townshend.

Recuerdo que en una entrevista dije que éramos como los Beatles, pero con un Ringo Starr capaz de tocar muchos instrumentos (risas). Así es como seguimos funcionando. Supongo que funcionamos de una manera muy distinta a cómo la gente se imagina a una banda de rock”.

Una de las cosas curiosas de la reunión es que se produjo justo después de que sacaras “Scream”, que era un disco con una visión muy futurista y arriesgada de tu música. ¿Cómo fue pasar de eso a revisitar tu pasado con Soundgarden?

“Fue bastante fácil. “Scream” fue un disco muy en colaboración con otra gente en un contexto distinto. Sobreviví a la experiencia, la disfruté mucho y me gustó mucho el disco que salió como resultado.

Pero fue como saltar de un precipicio. No sabes si cuando llegas al fondo te sentirás mejor o no (risas). Simplemente tienes que hacerlo.

En cambio con Soundgarden todo me era mucho más familiar. Pero durante la creación de “Scream” aprendí a entender qué es la música desde otra perspectiva. Cómo de simple puede ser la música. Porque podrías tomar ocho o 16 compases de la batería de Matt, y tomar dos elementos más, un loop de una guitarra de Kim y un par de cosas raras que haga Ben, y hacer una canción de Soundgarden sólo con eso.

Sin embargo esos tres elementos pueden quedar totalmente ocultos en nuestros temas porque ocurren mil cosas más en ellos. Así que esa fue una perspectiva que yo aporté y que me gusta. Hace que te cuestiones qué es una canción y cómo interpretamos lo que es dentro del grupo. Cuando empezamos era una cosa y con el tiempo fuimos experimentando hacia llegar a otra cosa. Hoy en día el pop o el rock puede ser muy minimalista y Soundgarden siempre fuimos en la dirección opuesta. Porque en nuestro primer EP “Screaming Life” había un par de temas muy minimalistas, donde sólo había una guitarra o no había bajo, y eran muy fáciles de trasladar al show en vivo. En ciertos aspectos en el nuevo disco hemos recuperado algo de ese minimalismo.

Pero en otros temas somos más densos y complejos de lo que nunca hayamos sido. Así que todas nuestras experiencias han ayudado. Es como si hubiéramos descubierto algunos nuevos colores con los que pintar”.

Fue en los dos últimos discos donde la banda floreció en cuanto al uso de distintos instrumentos a la hora de hacer los arreglos y abrirse musicalmente. ¿En el nuevo disco se han abierto aún más?

“Es difícil de decir porque todavía no he oído todas las mezclas, pero desde luego hemos ampliado nuestros límites. Hemos usado los instrumentos habituales y hemos añadido cosas nuevas, pero no hasta el punto de convertirlo en algo conceptual o algo que nadie pueda imaginar. En ‘Ty Cobb’ de “Down On The Upside” usamos una mandolina en un tema que era agresivo y punk rock, y hay algunas cosas así en el nuevo disco. Pero no es como si tengamos un tema que funciona y nos digamos ‘vamos a tocar una tuba dentro del agua para conseguir un sonido nuevo y que nadie sepa cómo lo hemos conseguido’ (risas). No funcionamos así”.

Antes mencionabas la oscuridad asociada a la música de Soundgarden. Pero desde hace años dejaste tus adicciones, has tenido hijos y muchas experiencias positivas. ¿Cómo afrontaste el tener que volver a escribir letras para Soundgarden desde esta nueva situación?

“Fue interesante escribir letras o crear ciertas atmósferas para lo nuevo de Soundgarden. Para empezar, el tener hijos me ha vuelto mucho más paranoico. Antes vivía mi vida sin preocuparme de lo que ocurría

a mi alrededor. Si alguien hubiera bombardeado Seattle o me hubiera atropellado un autobús, estaría muerto pero ahí acabaría todo. Pero cuando tienes hijos es diferente. Ahora me preocupo por lo que le ocurrirá al mundo cuando yo ya no esté, porque mis hijos seguirán en él. No es preocuparme por las futuras generaciones, sino que me preocupo por personas que ya están aquí y a las que quiero. Así que esa paranoia funciona bien en el contexto de Soundgarden. Tener hijos por un lado te obliga a ser más responsable y adulto, pero también te hace retroceder a cuando tenías cuatro o cinco o seis años y lo estás descubriendo todo por primera vez. Esa sensación de maravillarse también encaja muy bien con Soundgarden. Así que gracias a esos dos aspectos me fue muy fácil conectar con el espíritu de la música. Ahora mis hijos están descubriendo la música y me hace sentir lo mismo que sentí yo cuando tenía su edad. Gracias a ellos estoy recordando el impacto que tuvo en mí. ¿Qué hubiera pasado si no hubiese tomado los discos de los Beatles del sótano mugriento de mis vecinos? ¿Qué hubiese pasado si no hubiese rescatado esos discos? Posiblemente tú y yo no estaríamos hablando. Sin embargo ese momento concreto lo cambió todo. Ahora veo esos momentos en mis hijos y me ha hecho reflexionar mucho acerca de episodios de mi vida que fueron decisivos para mi vida”.

Te has vuelto a dejar el pelo largo y la barba. ¿Fue una decisión simplemente estética o tenías la necesidad de que cuando te miraras al espejo ver al cantante de Soundgarden? “(Risas) Empecé a dejármelo largo durante la gira de “Scream”, simplemente no tenía tiempo de cortármelo.

Así que al terminar la gira ya tenía el look de Soundgarden de vuelta (risas). Pero nuestros discos más exitosos los hice con el pelo corto, así que para los fans de entonces y para los de Audioslave, éste es un look nuevo (risas). También me gusta llevar el pelo corto, largo, con barba, sin barba para que la gente no esté segura de si soy yo. Me miran y piensan ‘¿quién ése? ¿Es Johnny Depp?’ (Risas)”.

Para un joven que naciera en 1994 es posible que perciba a Soundgarden de la misma manera que tú percibías a Black Sabbath o Led Zeppelin. ¿Eres consciente de su propio legado? ¿Cómo crees que un fan de My Chemical Romance o Mastodon se tomará su nuevo disco?

“Es difícil de decir. Cuando yo era un adolescente escuchaba música muy agresiva pero al mismo tiempo escuchaba a The Cure y me encantaban. Era fan de AC/ DC y de Elvis Costello y los Ramones al mismo tiempo.

La primera banda de rock que realmente me enamoró fueron los Beatles y ellos hacían lo que querían. Hicieron ‘Helter Skelter’ y ‘Eleanor Rigby’ que es sólo Paul McCartney cantando encima un cuarteto de cuerda, y no me parecía extraño. No me resultaba extraño que pudiesen hacer algo ruidoso con gritos y a la vez melodías preciosas con arreglos de cuerda. Ésa fue mi concepción del rock, que los grupos podían hacer lo que quisieran.

Así que si un chico de 14 o 16 años escucha lo nuevo de Soundgarden es posible que sienta lo mismo y se interese por nuestro pasado. El primer disco que me compré de AC/DC fue “Dirty Deeds”, y me encantó y luego me compré todos sus discos antiguos, y es lo mismo que hice con los Ramones o con Bauhaus. Cada vez que descubría un grupo nuevo y me gustaba, intentaba escuchar todo lo que habían hecho antes. Así que creo que Soundgarden es una banda interesante de descubrir ahora porque evolucionamos mucho desde nuestros primeros discos.

Fuimos más arriesgados y experimentales que la mayoría de grupos que surgieron en nuestra época”.

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La desigual discografía

post-Soundgarden

Por María de los Ángeles Cerda

Durante los trece años de silencio de la banda de Seattle, Kim Thayil y Ben Shepherd guardaron un bajo perml, más enfocados en la colaboración que en el protagonismo. En tanto, Chris Cornell y Matt Cameron se mantuvieron trabajando en la luz pública, con dispares resultados. Esta ha sido la obra de los cuatro hombres de Seattle tras 1997.

Kim Thayil Kim Thayil debe ser uno de los guitarristas de mayor carácter en la década de los noventa. Su marcada preferencia por la afinación en Re se convirtió en su marca registrada y en una de las principales cualidades de la discografía de Soundgarden, convirtiendo a ‘Rusty Cage’ o ‘Jesus Christ Pose’ en algunas de las joyas más preciadas de la carrera de los de Seattle por su influjo sabático-zepeliano. Sin embargo, después del rompimiento del conjunto hace 15 años, se alejó del ojo mediático, colaborando en el tema ‘Ice Cold Man’ en Probot (el súper proyecto de Dave Grohl, 2004), y mostrando una veta más experimental en el corte ‘Blood Swamp’ del álbum “Altar” (2006) de SunnO)))/Boris y en la canción ‘V.O.G.’ del disco “Ample Fire Within” (2008) de Ascend. También formó el conjunto No WTO Combo con Jello Biafra (Dead Kennedys), Krist Novoselic (Nirvana) y Gina Mainwal (Sweey 75), cuyo único registro es un directo titulado “Live from the Battle in Seattle” (2000); y la banda Set & Setting con Greg Gilmore de Mother Love Bone y Danny Kelly de Heliotroupe. Hasta la vuelta de Soundgarden, muchos se preguntaban si podría volver a tocar de la forma en que se le reconoció una década y media atrás; pero su maestría sigue intacta, tal como lo demostró en la gira europea del pasado mes de julio.

Disco recomendado: “Live from the Battle in Seattle” (2000) de No WTO Combo

Ben Shepherd Lo último que se supo de Ben Shepherd junto con el regreso de Soundgarden fue que, en contraste con Chris Cornell y Matt Cameron, estuvo durmiendo en la casa de sus amigos, “homeless”. Sin un peso en el bolsillo, pero “con el apoyo, el amor y la comprensión de sus más queridos”. Pero, tal como Kim Thayil, se perfiló más como colaborador que como protagonista de sus trabajos y su obra también ha sido quitada de bulla. La primera de ellas, apenas se disolvió Soundgarden, fue en el inicio de las Desert Sessions (“Volumen 1 & 2”, 1997). Luego, participó en dos discos solistas de Mark Lanegan “I’ll Take Care of You” (1999) y “Field Songs” (2001) en la que co-escribió con el hombre de Screaming Trees la canción ‘Blues for D’. La última de sus contribuciones aparece en el trabajo “Escape/Revolution” (2011) de The Mother’s Angst en los cortes ‘Up In Smoke’ y ‘Screwed’. En cuanto a trabajo discográfico con su propia firma, fue Thayil que reveló a comienzos del año pasado que el bajista se encontraba grabando un álbum en solitario, que no ha sido lanzado, y en el que aparecen viejos conocidos como Greg Gilmore y Matt Cameron.

Tema recomendado: ‘Blues for D’ del registro “Field Songs” de Mark Lanegan.

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Chris Cornell Desde la salida de su debut solista, “Euphoria Morning” (1999), Chris Cornell se encargó de dejar en claro que no volvería a sonar como Soundgarden. En un principio, este trabajo fue vapuleado por los fanáticos del sonido más duro de álbumes como “Badmotorfinger” e incluso anteriores, sin embargo, la placa ha sido considerada la más valiosa de su carrera postSoundgarden, donde contó con el apoyo musical y la producción de Alain Johannes y Natasha Schneider. Más tarde comenzó una breve carrera con Audioslave (2001-2007), en un híbrido con los ex Rage Against the Machine (Tom Morello, Brad Wilk, Tim Commerford) que le daría al rock de principios del siglo XXI una arista comercialmente exitosa con “Audioslave” (2002), “Out of Exile” (2005) y “Revelations” (2006) más el DVD “Live in Cuba” (2005). El mismo año en que Cornell anunció su salida del súper grupo por “conflictos irresolutos de personalidad y diferencias musicales”, editó su segundo álbum, “Carry On”, que incluyó su participación en la banda sonora de “Casino Royale” con la canción ‘You Know My Name’ y que obtuvo menor aceptación que el ya respetado “Euphoria Morning”. En 2009, saldría “Scream”, aquel cuestionado disco producido por Timbaland, que pretendía ponerse a tono con los tiempos vinculándose a un plástico sonido R&B y en el que perdió toda credibilidad entre sus fans. De a poco, Cornell fue retomando la vía del rock en colaboraciones con Slash (en su álbum solista “Slash” de 2010) y con Carlos Santana con la versión de ‘Whole Lotta Love’ en el registro de covers “Guitar Heaven” (2010). Hasta llegar a la actualidad, con el Soundgarden 2.0.

Discos recomendados: como solista, “Euphoria Morning” (1999); en Audioslave, “Audioslave” (2002).

Matt Cameron Todos conocen su participación en Pearl Jam, con quienes ha vivido la conmemoración de sus veinte años y la realización de su celebrado documental, entre otros eventos. Además, ha sido el baterista de más larga permanencia en la banda, 14 años en total y ha grabado un total de cuatro álbumes, “Binaural” (2000), “Riot Act” (2002), “Pearl Jam” (2006) y “Backspacer” (2009).

Pero aparte de su notoria presencia en el conjunto de Eddie Vedder, Cameron ha colaborado con The Smashing Pumpkins en el disco “Adore’ (1998) para el cual grabó siete temas pero solo ‘For Martha’ apareció en la lista final de tracks y luego se rescataría el corte ‘Because You Are’, en la colección de Lados B titulada “Judas O” (2001). También apareció en el trabajo solista de Geddy Lee, “My Favorite Headache” (2000) y en el registro “Spiritual Machines” (2000) de los canadienses Our Lady Peace, Asimismo, junto a Chad Kroeger y Josey Scott grabaron ‘Hero’ para la banda sonora de la película “Spiderman” (2002), y con Mike McCready participaron en dos canciones del álbum instrumental de Peter Frampton “Fingerprints” (2006).

Disco recomendado: “Riot Act” (2002), que cuenta con la mayor cuota compositiva de Matt Cameron en Pearl Jam (cuatro canciones, ‘Save You’, ‘Cropduster’, ‘You Are’ y ‘Get Right’).

Cameron, el buen amigo De todos los miembros de Soundgarden, aparentemente el menos problemático fue Matt Cameron, que trabajó por separado con Cornell, Shepherd y Thayil en una variada discografía.

Matt Cameron y Chris Cornell: El baterista se integró al primer álbum en solitario de la otrora voz de Soundgarden, “Euphoria Morning”, en la canción ‘Disappearing One’.

Matt Cameron y Ben Shepherd: La relación entre ellos fue más estrecha. En 1993 formaron Hater (una banda con una dirección garaje rock) junto a Brian Wood (hermano de Andrew Wood de Mother Love Bone) y John McBain (ex-Monster Magnet) y editaron un álbum homónimo ese mismo año. En 1995 grabaron “The 2nd”, que no sería lanzado hasta el 2005, y dos años más tarde se disolverían. Además colaboraron en conjunto en Wellwater Conspiracy, que se originó en 1993 en una sociedad encabezada por Cameron y John McBain . En 1997 publicaron su debut, “Declaration of Comformity”, tras el cual Ben Shepherd dejaría la banda. Posteriormente, saldrían tres discos más, “Brotherhood of Electric: Operational Directives” (1999), “The Scroll and Its Combinations” (2001) y “Wellwater Conspiracy” (2003), que uniría a Cameron y Kim Thayil.

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SEÑAL ESTABLECIDA

¡Aquí está

TURBONEGRO! Por Rodrigo Carvajal U.

Después de cinco años de silencio, de algunos cambios de integrantes y enfermedades que afectaron la integridad del conjunto noruego, hoy están de regreso con “Sexual Harassment”. Aquí no sólo estrenan nuevo cantante, sino que se juegan un futuro que muchos de sus fans aún ponen en duda.

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urbonegro tiene casi 25 años de recorrido. Con altos y disco corto y que fuera bien punchy. Estamos felices con el resultado, y es mejor bajos, con cambios y regresos intermitentes, la historia que nos guste porque lo vamos a estar tocando por los próximos dos años”, diría del grupo no ha tenido la regularidad para consolidar Duke Of Nothing. totalmente su nombre. Cuando dieron su primer Para Sylvester, todo partió con buenas canciones y golpe en 1998 con “Apocalypse Dudes” la inspiración de Euroboy y Tommy Manboy (batería): se separaron y no volvieron hasta “Son un excelente equipo de composición con más de 25 años de cinco años después con el excelente “Scandinavian experiencia. Después vinieron los desafíos y cómo presentábamos Leather”. Aunque se han mantenido editando discos, esto de una forma que fuera entretenida… creo que esa es los cambios internos e inconvenientes de otra índole nuestra herencia.Tienes 50 años de historia de rock & roll, han afectado el devenir del grupo europeo. power pop, hardcore, rock clásico, NWOBHM… todas esas Sacudiéndose de cualquier asomo de mala suerte, cosas están ahí para que juegues con ellas y para robar o hoy Turbonegro regresa con “Sexual Harassment”, su tomar lo que quieras. Eso es lo que hacemos, tanto en el novena placa de estudio, editada el pasado 13 de junio aspecto musical como en lo visual”. y producida por Matt Sweeney y que tiene en ‘You ¿Qué podemos esperar de esta nueva producción?

Give me Worms’, un tema puro Turbonegro, como su Sylvester toma la palabra y dispara: “La gente sabe primer sencillo. Antes, debieron superar un cáncer de que las raíces de la banda son del hardcore melódico, así rbonegro su guitarrista, Euroboy, y a mediados de 2010, la partida que volvemos a esa crudeza y muchos fans de Turbo lo Tu e d o im m de lo últ de Hank Von Helvete, su cantante por más de 15 años: entienden. Puedes darte cuenta que hubo un trabajo muy Entérate ww.turbonegro.co w en “Cuando Hank decidió partir, evaluamos todas las posibilidades, duro por años, tres o cuatro, en que querían volver y hacer pero Ànalmente decidimos buscar un reemplazante y continuar. esto de nuevo, tenían un montón de riffs dando vuelta, la posibilidad de eso Qué mejor que contar con Tony Sylvester (Duke Of Nothing) para hacerse cargo siempre estuvo. Ha pasado exactamente un año desde que empezamos a ensayar, de las voces”, diría Euroboy. el primer show de regreso lo hicimos en Alemania y toda la gente nos dio mucho Tony Sylvester se integró a la banda y con ello comenzaba el apoyo, así que aquí estamos”. trabajo de “Sexual Harassment”: “Nos sentamos y hablamos de diferentes “Aquí estamos”, dice el nuevo vocalista de Turbonegro. Veremos ideas y emociones. Grabamos 16 ó 17 canciones y de esas escogimos las 10 que hacia dónde van y por cuanto tiempo más, esperamos que por un buen pensamos que eran las más fuertes, las más Turbo, pensando que haríamos un rato y con un puñado de buenas canciones bajo el brazo.

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GAZ COOMBES Reescribiendo el presente Por Álvaro Rojas

La separación anunciada por Supergrass a principios de 2010 fue un balde de agua fría para sus seguidores. Era un hecho totalmente inesperado si se consideraba la lucidez que la banda había mostrado en su última placa, “Diamond Hoo Ha” (2008), y sobre todo porque en aquel momento ya se encontraban trabajando de lleno en un nuevo álbum –tentativamente titulado “Release the Drones”- uno que finalmente quedó archivado y hoy sigue lejos de ver la luz.

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in embargo, lo que para muchos era un triste final todos los instrumentos de la placa. Así, tanto en lo sonoro como en lo no fue sino la oportunidad perfecta para que Gaz lírico hay pasajes que son particularmente sombríos e intimistas, como Coombes, el principal compositor y mente maestra es el caso de ‘Universal Cinema’ o ‘White Noise’. “Siempre he tenido tras la agrupación, diera rienda suelta a su creatividad una personalidad dividida. Soy un tipo bastante tranquilo, pero y se desmarcara de los sonidos pienso mucho las cosas y tengo áreas más oscuras que me gusta con los que Supergrass tanto fue visitar de vez en cuando. En los últimos años me han pasado asociado. Así, el músico comenzó muchas cosas que me han llevado a lugares extraños, pero a dar vida a su primer disco solista, que le han dado forma a mi vida; extremos que van desde la traduciendo a canciones los mundos interiores que tragedia hasta el júbilo.Trato de no quejarme de las cosas muchas veces no logró manifestar junto a su ex banda. que odio porque para mí la idea es reaccionar frente a lo Dicho esfuerzo se materializó en “Here Come que ocurre. Este disco es una especie de álbum fotográÀco de the Bombs”, álbum lanzado en mayo pasado y que, estados mentales. Estoy satisfecho de haber logrado plasmar aunque incluye elementos inconfundibles del repertorio eso”, contó a The Guardian. de Coombes (cautivantes riffs de guitarra, pasajes “Here Come the Bombs” representa el acústicos, joviales melodías y progresiones de acordes momento actual en la vida de Gaz Coombes, ensambladas como pocos pueden hacerlo), está marcado un músico ya maduro, vigente, que avanza para Coombes z por la incorporación de atmósferas, tintes de electrónica y desmarcarse de su historia para validar lo que a G e d o com de lo últim sintetizadores. El músico explicó dicha búsqueda de nuevos es capaz de construir con sus propias manos, un Entérate www.gazcoombes. en sonidos a Musicomh de la siguiente forma: “La inspiración artista frente a un lienzo en blanco que se apronta cambia con los años. He estado en una banda por más de la mitad a reescribir su propia historia, se reinventa y comienza desde cero. de mi vida inspirado por los Rolling Stones,The NewYork Dolls y bandas como “No puedes complacer a todos, pero éste es el disco que quería hacer.Tiene mis esas. Es música que amo, que está cerca de mi corazón pero es bueno mirar inspiraciones estilísticas y es algo natural para mí. Se siente nuevo, fresco y alrededor y ver qué otras cosas me he estado perdiendo”. emocionante, y la idea es no vivir de lo que ya hice o de un éxito pasado. Esa es Pero aunque el disco tiene un cariz donde hay toques de una gran sensación. No importa si toco en un bar frente a cien personas, luminosidad, el estado anímico predominante es la introspección y la porque aunque así sea es una experiencia que me hace volver a ser un búsqueda personal. No por nada fue el mismo Coombes quien tocó principiante”.

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THE WALKMEN Autoconciencia Por María de los Ángeles Cerda

“Heaven”, su séptimo disco de estudio, lanzado a fines del mes de mayo, no pudo haber sido concebido si el quinteto estadounidense no hubiese dado una mirada hacia atrás. En todo caso, fueron en busca de su propio pasado para examinarlo y dar cuentas de quiénes son ahora. El resultado ha sido lo que han calificado los medios como el mejor trabajo del conjunto norteamericano en su carrera.

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he Walkmen no reniega de su pasado. Hace aceptaron la oferta y viajaron a un estudio en las afueras de Seattle un tiempo, acaban de autohomenajearse para grabar esta séptima placa: “Phil fue implacable con nosotros, puedes celebrando los diez años de su debut “Everyone notar la diferencia. Cuando Phil llegaba con una idea, nosotros accedíamos de Who Pretended to Like Me Is Gone” (2002), inmediato, ¡pero nosotros no somos así! ¡Nos portamos muy bien! Finalmente pero, más aún, han establecido que el grupo dimos con un sonido que nos encanta”, comenta Paul que es actualmente no tiene que ver Maroon, guitarrista. con aquel del ímpetu Uno de sus tracks más destacados es ‘Love is juvenil de esa época. Era Luck’, que tal como se describe en el sitio web de necesario evaluarse y dejar clara la personalidad The Walkmen, intenta capturar el reverb del Studio que muestran hoy en día. “Somos muy diferentes One en Jamaica en los primeros días de The Wailers, –señala Pete Bauer, multiinstrumentalista- estoy “Phil dijo que la escuchaba como una canción de rock muy sorprendido por lo que ha ocurrido en estos diez –recuerda el vocalista Hamilton Leithauser- luego años. Para “Bows + Arrows” éramos mucho más agresivos y Matt [Barrick, baterista] apareció con la batería y arrogantes como banda de rock. Aún tenemos mucho de eso. comenzó a sonar como Pixies, una cosa ruidosa, grande, A veces uno trata de huir de ciertas canciones viejas, pero bombástica”. Su álbum pasa también por los guiños no nos importa mucho mirar atrás y nos gusta tocarlas con al U2 de los ochenta en ‘Nightingales’, el garaje un nuevo enfoque”. punk de ‘The Love You Love’ y por las melodías a De esta forma, conscientes de lo que habían lo Velvet Underground en ‘Dreamboat’. construido, sólo debían dar el gran paso.Ya no quieren ¿Qué tiene este trabajo que llegó a titularse seguir siendo el acto de apertura de Florence + the “Heaven”?

Bauer lo explica: “Mi idea del cielo Walkmen Machine o Fleet Foxes, ellos quieren encabezar sus (“heaven”) es la conciencia. Fui criado en un o de The om im lt ú lo .c de Entérate http://thewalkmen propios conciertos. Pero de la vida en la carretera ambiente budista. No es para tanto, no hay nada en con el conjunto de Seattle aprendieron muchísimo sobrenatural con eso. Pero es una idea seria, intensa.Todos y decidieron adoptar su misma actitud: “sentimos que los demás son anglicanos. Por eso pensé que era una buena idea. Es pura alguien más se estaba tomando la música tan en serio como nosotros y te das experiencia. No tienes estos rollos mentales.Todo lo que hacemos tiene que ver cuenta que tienes que vivir haciendo esto”, sentencia Bauer. Caído del con la memoria y los sueños”. La canción del mismo título complementa cielo, el productor Phil Ek, quien estuvo a cargo del disco homónimo su filosofía y la manera en que se planteó el conjunto para esta de Fleet Foxes (2008) y de “Helplessness Blues” (2011), se acercó a oportunidad: “Recuerda, recuerda, todo por lo que peleamos”.

The Walkmen para ofrecerles su trabajo en su próximo disco. Ellos

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“Yo solo tengo mis canciones y mi música”

Por Juan Ignacio Cornejo Texto: Álvaro Rojas Fotos: Ignacio Gálvez

El pasado 14 de mayo, Noel Gallagher dio su primer concierto solista en nuestro país. En la ocasión el cerebro detrás de Oasis ratificó que, pese a la polémica disolución de su banda madre, su obra está lejos de perder vigencia y que su legado avanza hacia la inmortalidad. Horas antes de su show junto a los High Flying Birds y justo después del triunfo en la Europa League de su equipo favorito, el Manchester City, conversamos con el mayor de los hermanos Gallagher sobre el momento actual en su carrera, la indeleble huella de su ex banda y el escenario de la música británica actual. Por supuesto, todo con su ácido humor.

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oel, antes que todo, felicitaciones por el título de Manchester City. ¿Vas a celebrar de alguna manera especial?

NOEL GALLAGHER: “Hoy mismo no podremos, tenemos que dar el show y el avión parte a las 6 de la mañana de vuelta a Inglaterra. Vamos a brindar con champaña de seguro, no hay dudas. Pero sólo eso. Fue una locura haberlo ganado así, el partido de United ya había terminado, ya estaba perdido. Estaba con un amigo y justo antes del 2-2 le dije ‘tenemos que hacer un gol ahora’. Así fue. Increíble”.

Es lo hermoso del fútbol.

“Pero muchas veces odio el fútbol” (risas). ¿Qué tal el hecho de verlo acá? ¿No te dieron ganas de haber estado en el estadio en vez de en un bar a las 10 de la mañana en Santiago de Chile?

“Cuando íbamos perdiendo me daba lo mismo no estar ahí. Cuando comenzamos el tour supe desde el principio que estaría acá para el último partido. Pensé que ya estaría resuelto a estas alturas, por último que ya estaría perdido. Pero siendo honesto, estoy acá, tengo que dar un show esta noche y será genial.Y será mejor todavía volver a casa y verlos a todos y celebrar con ellos”.

Ya que mencionas el volver a casa, la primera pregunta que queríamos hacerte es respecto a estar de gira por tanto

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tiempo. El negocio actualmente está en los shows en vivo, ¿no te cansas de estar lejos de casa por tanto tiempo a esta altura de tu vida?

“Tengo tres hijos pequeños. Los extraño a ellos. Pero son las reglas del juego. No tengo que hacerlo si no quiero. Si no quisiera hacerlo, me retiraría y me quedaría en mi casa. Mientras tenga tiempo suficiente entre una gira y otra, no hay problema. Desde el minuto que empiezas a grabar, ese primer día, sabes que serán dos años de trabajo. Tienes que prepararte para eso.Yo me preparo descansando mucho, tomándome tiempo libre para hacer otras cosas. Hay un cansancio emocional por estar lejos de tus hijos, pero llevo más de 20 años haciendo esto. Me gusta el ritmo de girar, de ir de ciudad en ciudad. Desde que tengo 21 años que me he pasado así. Creo que si no lo hiciera, lo extrañaría”.

Ahora que estás solo y no eres parte de una banda, ¿qué o quién marca los ritmos de tu carrera? ¿Cuándo vas al estudio, cuándo extender una gira? ¿Qué factores son los que más pesan en esas decisiones?

“Al volver al estudio, es como siempre ha sido. Para este disco, estaba un día en mi casa, esos días en que no te importa nada ni nadie en el mundo sin pensar en nada en particular, me fui a acostar esa noche y al despertar a la mañana siguiente pensé ‘la otra semana voy a entrar al estudio’, sin ninguna razón específica. La gira se alargó porque al álbum le ha ido bien en muchas partes. No alargaría un tour más allá de un año. Esta gira será en total un año y un mes. Lo haces de manera instintiva; no soy un trabajólico. Cuando trabajo me gusta hacerlo en serio y meterme con todo en eso, pero al mismo tiempo cuando

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descanso me tomo mucho tiempo libre”.

En el mismo contexto de acostumbrarse a ser un solista, imagino que en Oasis tenías una opinión respecto a tu desempeño como vocalista, pero, ¿qué tal la experiencia de ser el foco de atención principal en el escenario?

“Pensé mucho en eso durante los ensayos. Sabía que podía hacerlo, pero quería saber qué le parecería al resto. Fue un tema hasta que me subí al escenario en el primer show. No he vuelto a preocuparme de eso desde entonces. Me sentí raro en los ensayos, estaban mis músicos y yo estaba al medio y la primera pasada pensé ‘¿y ahora qué debo hacer?’.

Por eso me di mucho tiempo para ensayar, fueron ocho semanas en total. En realidad una vez que me convencí de que la gente está ahí no para verme sino para escuchar mis canciones, me tranquilicé. Eso es lo que vale, me concentro en tocar bien y que la banda lo haga bien. Si la gente quiere ir a ver a alguien que haga trucos de magia o se ‘mueva como Jagger’, que vayan a otra parte.Yo solo tengo mis canciones y mi música. A la gente parece gustarle, ¿no?” ¿No has visto alguna de tus presentaciones en TV? “Oh, eso sólo lo hago sólo cuando es una necesidad. No me gusta verme en TV, ni escuchar mis entrevistas. Si tengo que aprobar algo que vaya a salir publicado en ese formato, lo haré. Pero no me gusta verme, me hace sentir muy incómodo. Sólo lo pienso en el minuto, y a la larga todo lo que ves en la televisión nunca es tan bueno como lo pensaste u oíste en tu cabeza. Dejo que otra gente lo haga”.

Eres parte de la que probablemente fue la última generación que pudo proyectar íconos, rock stars, estos tipos que cuyos posters los chicos colgaban en sus paredes. ¿Por qué crees que eso se ha perdido con el paso del tiempo? “¿La diferencia principal? Internet”. ¿Se lo atribuirías sólo a Internet?

“Sí. Internet destruye la magia. Digamos que estamos en 1994 y alguien dice: “Wow, ¿escuchaste esa canción ‘Supersonic’ de esa banda que se llama Oasis?”. Si tienes Internet, vas, lo escuchas inmediatamente, y puedes incluso vernos tocando en un bar. Antes de Internet decías: ‘No, no los he escuchado, ¿cómo son?’, y no te quedaba otra que esperar. Eso es magia. Luego escuchas una próxima canción y nos vas a ver en vivo y luego habrá más gente diciendo que somos geniales. En cambio ahora, metes el nombre de una banda y está todo ahí. Es demasiado fácil.Ya no hay ninguna dificultad en ganarse seguidores, ya nadie debe trabajar por eso.Las últimas dos grandes bandas británicas han sido Arctic Monkeys y Kasabian. Creo que ellos son tan grandiosos como era Oasis, pero debe ser la era moderna que está matando a los rock stars. Hay demasiada información en Internet.

Puedes ir a encontrar mierda de Oasis en Internet en un segundo. Pero la pregunta es para qué necesitarías encontrar esa mierda. Escucha sólo la música y es suficiente. Creo que Internet está matando el estrellato en el rock and roll”.

Así como Arctic Monkeys o Kasabian, ¿hay alguna banda norteamericana que llame tu atención de este último periodo?

“Cuando me preguntan esto, siempre digo que no y luego pienso en algún caso después de unas horas. Me gusta Jack White, creo que es genial en lo que hace. Me gustan un par de canciones de Foster the People, me gusta su canción ‘Pumped Up Kids’. Pero no mucho más, algunas canciones sueltas. Si la banda más importante del rock americano es Green Day, la puta madre… ¿Me entiendes? Me gustan los Foo Fighters también”.

A propósito de un asunto generacional, recuerdo una premiación de los Brit Awards en que Oasis recibió un premio de Michael Hutchence (fallecido vocalista de INXS) y tú dijiste ‘los que ya fueron no deben presentar premios

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¿Qué es lo que piensa Noel Gallagher sobre algunos de los discos que marcaron su carrera?

Esto fue lo que nos dijo.

“Demnitely Maybe”: “Una fuente de inspiración”.

“Morning Glory”: “Me hizo millonario”.

“Standing on the Shoulder of Giants”: “Un disco oscuro. Esto es más que una frase, pero no es oscuro en el sentido que nos pusimos metaleros. No estaba muy feliz cuando lo hice. Me gusta líricamente, pero no la música. Aunque me gusta ‘Go Let It Out’, ‘Fuckin’ in the Bushes’ y ‘Gas Panic!’. El resto es una mierda”.

“Don’t Believe the Truth”: “Mi segundo disco favorito de Oasis, después de “Demnitely Maybe””.

“High Flying Birds”: Es el trabajo más redondo que he hecho. Es tan redondo que si lo miras en un microscopio no le encontrarás fallas. La carátula es muy cuadrada”. para los que serán’ (“hasbeens shouldn’t present awards to gonnabes”).

(Interrumpe) “Él sí que ya fue, ¿no? (risas).

Lo que quería preguntarte es quiénes son los que ya fueron y lo que serán en el actual rock británico.

“Oooh. No lo sé. ¿Los que serán? No tengo idea… De verdad no sé cuál será mi nueva banda favorita en Inglaterra. No he escuchado nada que me haya sorprendido en muchísimo tiempo. Desde Kasabian, en realidad. ¿Pero sabes una cosa? Las grandes bandas surgen de estas pandillas de chicos. Así es que primero debes buscarlos a ellos. ¿Dónde están esas pandillas? ¿Esos grupos de gente? Eso ya no pasa. Oasis era una pandilla de muchachos. Kasabian era una pandilla de muchachos.

Ya no lo ves en ningún lado. Pero tiene que volver a pasar. Es lo que alimenta al rock and roll. En ese sentido, el rock and roll no puede morir. Así lo dijo Neil Young”.

Este año en Inglaterra habrá dos eventos de carácter tradicionalista y alrededor de los cuales se ha hablado de montar grandes espectáculos musicales, con shows de reunión incluidos: un nuevo Jubileo de la Reina y los Juegos Olímpicos. ¿Te ves metido en algo así?

“Yo nunca veo los Juegos Olímpicos en realidad. Habrá mucha gente de todo el mundo en Londres, me imagino quieren hacer eventos para entretenerlos. Supongo que quienes participarán no lo harán porque les interesen las Olimpiadas, sino porque les pagarán.Ya sea Snow Patrol o Blur, son shows para la gente. ¿El jubileo a la Reina? ¿Cuántos años son?

Ni siquiera lo sé. Que participen Elton John o Robbie Williams… esa sí que es una sorpresa, ¿no?”.

Escrito a mano

Por María de los Ángeles Cerda

Los norteamericanos se encuentran en un momento crucial en su carrera. Tras una ascendente trayectoria que se vio coronada con el álbum “American Slang” (2010) y un extraordinario apoyo en ambos lados del Atlántico, ahora presentan “Handwritten”: un trabajo a mayor escala, que contó con la producción de Brendan O’Brien y que representa el primer disco lanzado a través de una multinacional. Los planes dan para comerse al mundo.

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as cifras hablan por sí mismas: sumando las ventas de sus dos últimos álbumes, “The ’59 Sound” (2008) y “American Slang” (2010), han vendido medio millón de copias.

Las entradas para el show del pasado 11 de junio en Londres se agotaron en solo 20 minutos. Pero, por sobre todo el aspecto industrial, la relevancia que ha ganado The Gaslight Anthem en los últimos cinco años es por una actitud honesta, por canciones que identifican a cualquier ser humano y, por supuesto, por una vocación popular.

Pertenecen a su gente y están lejos de caer en intentos presuntuosos.

Mucho de eso puede sonar a discurso predeterminado, al voten por mí, tan álgido a estas alturas del año en su Estados Unidos natal. Pero lo que viene en la actualidad, específicamente en “Handwritten”, que será lanzado el 24 de julio a través de Mercury Records/Universal, es un cruce entre las altas expectativas que tanto sus fans, como el mercado y ellos mismos se han impuesto, con un reencuentro personal en el que volvieron a la música de su adolescencia (Pearl Jam, Soundgarden) y en el que expresan historias menos rebuscadas. De hecho, esta vuelta habría sido imposible sin The Horrible Crowes, un proyecto paralelo de Brian Fallon, vocalista y guitarrista de The Gaslight Anthem, con el que editó un disco acústico el año pasado y giró en el mismo formato. Con su banda, debía volver a la crudeza y a la electricidad. “Después de seis semanas de eso, lo único que quería era escuchar un Marshall a todo volumen”, afirma Fallon.

LA RECONEXIÓN ELÉCTRICA

La tarea de superar lo realizado en “American Slang” no era fácil. El conjunto logró, en ese momento, madurar su sonido y consolidar un estilo propio, a diferencia de sus esfuerzos anteriores en los que aún se notaba la fuerte presencia de Bruce Springsteen (ver recuadro).

El mismo Fallon se preguntaba después de “American Slang”, “¿habrán más canciones de The Gaslight Anthem?”.

Para “Handwritten”, se alejaron del imaginario de “América” para abarcar temas más personales y acercarse al sonido rockero que los marcó mientras se encontraban en el colegio. Nadie mejor para esa tarea que el mismo Brendan O’Brien. “Brendan nos enseñó un montón de composición y de cómo grabar como banda –señaló Fallon- toda la experiencia fue increíble. Él fue la persona que produjo a Pearl Jam, a Bruce Springsteen, a Rage Against the Machine, y él es la persona que quieres que diga ‘es bueno’, porque cuando él dice que es bueno, es porque es bueno”.

La banda se recluyó por tres semanas en los estudios Blackbird en Nashville (el mismo de “Clockwork Angels” de Rush) para hacer vívida esa misma vibra de los grupos que produjo O’Brien, “queríamos volver a la música que escuchamos

cuando íbamos en el liceo. La verdad es, si tienes mi edad [32 años tiene Fallon], escuchabas a Pearl Jam, Nirvana y Soundgarden. Cuando esa música apareció, nos podíamos sentir identiÀcados con ellos. No fueron las bandas más grandes del mundo por accidente”.

Aquello no se replicó únicamente en términos de la crudeza de las guitarras, sino también en el regreso al sistema análogo, con el propósito de restar frialdad al sonido: “No se permitieron computadores en la sala.Teníamos que pensar muy bien en algo si queríamos escribirlo con lápiz y papel, no tenías solamente que hacer clic y borrar, no copiar y pegar las grabaciones. Cuando estaba escribiendo el coro, de repente nos preguntábamos si escribíamos otra línea.

Reescribíamos y reescribíamos”, comenta Fallon.

La temática del álbum toma esa misma inspiración, prestada de películas o libros, pero con una mirada introspectiva. Tanto como escribir a mano la música, también se escribieron a mano las letras, se moldearon en torno a las vivencias personales del vocalista. “Se supone que es una carta para la persona que esté escuchando el disco”, tomando de inmediato una perspectiva más emocional.

“Hay muchas cosas sobre las que nunca escribí, cosas muy personales que no estaba listo para decir. Ahora que soy un adulto reÁexioné sobre todo eso”.

Por ejemplo, en el track ‘Here Comes My Man’, Fallon revela que la voz de las letras es femenina: “hay muchas canciones sobre hombres que cuentan que sus mujeres los dejan, pero pensé que había otro lado, otra cosa que decir, quizás es culpa de nosotros. A veces necesitas que te digan que no eres bueno, a mí me dijeron eso y al Ànal me puse mejor”.

Con toda esta madurez y el aprendizaje que han ganado en los últimos años, The Gaslight Anthem continúa ascendiendo en una carrera que hasta ahora solo ha sabido de éxitos. Con ello en mente, bromean con que “dominarán el mundo del rock and roll”, en palabras de su baterista Benny Horowitz, aunque Fallon se lo toma más en serio: “con cada disco que sacas, esperas que sea por el que la gente te recuerde.“American Slang” era genial, pero este suena como una banda que se ha vuelto a enchufar. Si fuese un fan, éste deÀnitivamente sería el disco que esperaría de The Gaslight Anthem. Suena como si Pearl Jam estuviese tocando canciones de Tom Petty”.

El apoyo ya lo han recibido de bandas como Soundgarden, para quienes abrieron varios de sus shows de reunión: “Chris Cornell pidió que tocáramos nosotros.Yo no lo podía creer -manifestó un entusiasmado Fallon ante sus ídolos de juventud- le pregunté cómo fue que conoció a mi banda, fue increíble”. Y, por cierto, de los veteranos Metallica, que los invitaron para formar parte de su primer festival, Orion Music Festival, que se llevó a cabo a mediados del mes pasado. Pero sin duda, el apoyo más importante que han recibido ha sido de parte de Bruce Springsteen. “Es como si Bob Dylan o Tom Petty o cualquiera de ellos. Cuando te toca compartir con una estrella de ese nivel, te sientes especial”.

LA INFLUENCIA DE BRUCE SPRINGSTEEN Bon Jovi cita una frase que calza en forma precisa con la influencia de Bruce Springsteen en los músicos de Nueva Jersey: “Si en Nueva Jersey

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no te gusta Bruce, te suben los impuestos”.

El estado es conocido además por haber sido cuna de origen de numerosas bandas ligadas al pop punk y al hardcore, pero son tendencias que el conjunto que lidera Brian Fallon intenta dejar un poco de lado para abrirle la puerta al “Jefe”, que ha marcado una huella indeleble en cada álbum que han publicado en su carrera. Así es como el vocalista relata su cercanía a la música del creador de “Born in the USA”: “Mi mamá tenía un porta cassettes, llevaba sus cassetes para todas partes. Había uno blanco, con el costado con letras doradas y un tipo con chaqueta de cuero

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[“Born to Run”, 1975]. Se parecía a mi papá, pero no muy peinado, y adentro de ese cassete, estaba el ticket de salida de donde vivíamos, fuera de las tiendas donde comprabas con tarjeta de crédito. En sus primeros tres discos, está eso de mirar atrás para poder seguir adelante, que es lo que todos necesitamos hacer”. The Gaslight Anthem y Bruce Springsteen tocarían juntos en un escenario por primera vez el 28 de junio de 2009 en Hyde Park, Londres, donde interpretaron ‘The 59 Sound’ y ‘No Surrender’. Desde entonces, se consideran mutuos admiradores.

“Handwritten”

Fecha de lanzamiento: 24 de julio Productor: Brendan O’Brien Single: ‘45’

Crecimiento sostenido Por Francisco Reinoso Baltar

Lejos de practicar artimañas reiterativas y concientes de la afortunada recepción que tuvo su segundo disco, Baroness vuelve a la carga con “Yellow & Green”.

En este álbum doble, los de Savannah se aferran a abundantes rastros de innovación que, probablemente, dejen marcando ocupado a los escuchas más radicales.

Aquí, la apuesta es en grande.

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C

uantificar la valía de Baroness a la hora de lanzar “The Blue Record” (2009) no era sencillo.

Bien es conocido el espaldarazo que tuvo el rotundo éxito de Mastodon con “Crack The Skye” (2009) y el afán de la disquera, Relapse, por llenar el vacío que dejaron sus ex socios, ahora cobijados en Warner. Alumbrar el disco azul no fue un proceso armónico y, claramente, esas odiosas comparaciones tampoco ayudaron a olvidarlo.

Desde la incubación de la banda (2003), el estrés creativo ha sido condimento usual en el ambiente.

En cuanto a vivencias, la piedra de tope fue su performance en la edición 2010 de Coachella. La industria y varios estandartes que manejan la música en la primera división corporativa pusieron su ojo en el cuarteto.

No hubo cambios de sello, pero sí el enfoque y presión creció diez veces más a la hora de pensar en el tercer episodio en estudio.

Instancias decisivas si es que el anhelo era subir de escalafón.

Uno de los primeros anuncios respecto a “Yellow & Green” fue la determinación de optar por mantener al productor John Congleton, el mismo profesional tras “The Blue Record”. Dos años en la carretera y experiencias tan intensas como el festival Bonnaroo (2010) y giras con Metallica y Deftones, todas con respuestas sobre lo esperado, ayudaron a incrementar la confianza, alinear la flamante perspectiva sonora y escribir el repertorio.

John Baizley (frontman) en pleno registro del opus en Hoboken, Nueva Jersey, aclara la película y justifica la decisión de volver a laburar bajo la mirada de Congleton. “En el disco anterior, con él construimos una excelente relación.

Lo admiramos mucho por lo que hizo con Explosions In The Sky. Pese a que se pacten plazos por temas de orden y presupuesto, él siempre prioriza el desarrollo de la grabación, sin presiones externas. Obviamente, él actúa así porque todos los proyectos en los que se involucra son álbumes en los que se siente totalmente convencido”, confesó, semanas atrás, a Alternative Press.

CÓMO ENCABEZAR UNA GENERACIÓN Uno de los principales retos dentro de Baroness pensando en el ciclo tras “Yellow & Green” era alcanzar ese preciado equilibrio entre la variación del lenguaje artístico y la prevalencia de la base ya lograda. La columna rítmica comenzó a ser trabajada entre noviembre y diciembre del año pasado. El hecho de que la cabeza creativa del grupo (Baizley), aparte de músico, sea ilustrador y tenga reiteradas interacciones con otras alas artísticas, claramente colabora a edificar composiciones desde una mirada pluralista y atípica para los cánones convencionales entre los que se

restringe el rock duro.

Es fácil prometer malabarismos estéticos y tildar de “ambiciosa” una obra en un circuito con constantes síntomas de agotamiento. Ahora, la audacia que porta Baroness es digna de minorías privilegiadas. Así lo atestiguamos con los primeros avances publicados en la red. La trepidante y sólida base instrumental de ‘Take My Bones Away’ es totalmente distinta a todo lo antes presentado por el grupo de Savannah.

Digno de cualquiera que ame ese correoso y lumínico sonido del desierto llamado stoner rock. Como los mejores días de Queens Of The Stone Age. Otra salida es la presentada en ‘March Of The Sea’, huella que valida la disímil densidad que este disco doble comienza a develar al público. Algunas comparaciones lo colocaron como una “versión amigable de The Melvins”.

Así, este dueto de canciones presentado por Baroness ostenta nuevos patrones para los seducidos por tomos pasados de su catálogo pero coinciden en una correcta efectividad y resolución a la hora del análisis.

“En cierto punto, no estamos hablando de arte.

Hablamos del producto, tú sabes. Algunas personas esperan productos consistentes e innovadores. Nosotros siempre apuntamos a más. Estancarse no va con nosotros. No soy estúpido, estoy conciente de que varios puntos de los temas para este disco escapan de las aperturas y concesiones que un fan del metal podría aceptar. Es un precio y un riesgo que aceptamos gustosos”, confiesa Baizley para la edición de junio de Decibel Magazine donde protagonizan la portada.

Fieles a su tradición de compartir escenario con grupos con los cuales tengan pocas similitudes artísticas, el primer apronte en grande para estrenar parte importante de “Yellow & Green” fue un tour por Estados Unidos junto a Decapitated y Meshuggah, próceres del metal matemático nuevamente en boca de todos gracias a la salida de su disco “Koloss” (2012). Casi todos los comentarios publicados en portales especializados apuntaron a lo mucho que ha evolucionado la performance de Baroness. Elogios de periodistas y fans que la banda asimiló en esta tanda de fechas norteamericanas.

Sobre esta costumbre de nunca limitarse a la hora de buscar compañeros de ruta, Baizley en la mencionada nota para Decibel es elocuente: “Bueno, ese es el tipo de cosas divertidas que marcan nuestra relación con las audiencias metaleras pero también la capacidad de inmiscuirnos en todo tipo de carteles. Es excitante tener la opción de compartir, aprender y ver el trabajo de colegas de distintos focos sonoros. Hemos teloneado a Deftones, también a Metallica y esos sí son desafíos. No por el nivel de esos grupos, sino por el tipo de fans que uno debe enfrentar.

Si los atraes, es doblemente meritorio”.

En atrevimiento Baroness no se queda atrás.

Lo han dejado claro en cuanta entrevista previa a “Yellow & Green” han otorgado y más encima, los avances fueron sumamente satisfactorios a la hora de enrielarlos con el propósito principal: crecimiento, creíble y sostenido.

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El sonido de la naturaleza Por Héctor Aravena

Tras cuatro años sin editar un álbum de canciones originales, el cuarteto islandés da un golpe a la cátedra y descoloca a todo el mundo con el lanzamiento de “Valtari”, su sexta aventura discográfica. Profundizando en su música existencial, de emotividad contenida y de grandes paisajes épicos, Sigur Rós deja atrás la propuesta más lúdica y luminosa de sus dos trabajos anteriores, para adentrarse de lleno en una música etérea y minimalista que pareciese ser el reflejo del logos; del misterio de la naturaleza y del ser.

E

n 18 años de carrera, inesperadamente una banda experimental como Sigur Rós, ha logrado formar una importante base de fans, sobre todo debido al apoyo de su disco más celebrado hasta la fecha. “Takk…”, de 2005, remeció la escena musical, por medio de un dream pop bastante más digerible que el de sus trabajos tempranos.

El álbum siguiente, “Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust” (2008), los mostró profundizando en dicha línea, con toques folklóricos y, sin dejar la melancolía que los caracteriza, con canciones más accesibles y preciosistas.

Sin embargo, en “Valtari”, la banda retorna a su sensibilidad más tupida, insondable y abstracta, con ocho canciones que, sin duda, son un desafío para el oyente acostumbrado a canciones como “Glósóli” o sobre todo, “Hoppípolla”. Tal vez esto último explique también el largo tiempo que la banda se demoró en grabar y, en definitiva, concretar la edición del álbum. Durante más de tres años de trabajo, el grupo abandonó el proyecto en numerosas oportunidades, hasta que estuvieron conformes y decidieron lanzar la placa, a fines de mayo de 2012.

El cantante y guitarrista Jón Por Birgisson o, simplemente, Jónsi, comenta: “Fue un largo proceso de empezar, detenerse y alejarse, para ver las cosas con una mínima perspectiva. De hecho, después de haber compuesto todo el material, no nos dimos cuenta que teníamos un disco en nuestras manos. Sólo fue mucho tiempo después, años incluso, que nos percatamos de que en realidad, había música suÀciente y coherente para grabar un nuevo álbum”.

Por su parte, el bajista Georg “Goggi” Hólm, entrega su visión: “Cuando empezamos a componer las canciones hace varios años atrás, ni siquiera estábamos pensando en que serían parte de este disco. Eran sólo algunas grabaciones, algunas ideas sueltas. No fue sino hasta 2009, que tuvimos la primera sesión de grabación, ya en concreto, con la intención de hacer un nuevo

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álbum. Dado que el material se fue desarrollando en un período bastante largo de tiempo y que no fue, originalmente, concebido como un conjunto, después fue todo un desafío hacer que las piezas encajaran y funcionaran juntas.

Realmente, creo que aquello fue la parte más difícil del registro, ya que tuvimos que trabajar duro para encontrar la totalidad que buscábamos. De hecho, hubo momentos en que pensamos desechar todo el proyecto, porque no teníamos la suÀciente distancia con las canciones. Por eso paramos tantas veces el proceso.

Pero por ejemplo, hace un tiempo estuve escuchando el álbum “Von”, porque iba a ser re-editado en vinilo y nos pidieron que chequeáramos la calidad del sonido.

Aunque no lo creas, de pronto comencé a disfrutar la música y pensé,‘oh, este es una grabación extraordinaria, realmente buena’. Sonaba mejor de lo que lo recordaba. Pienso que algo parecido nos ocurrió con esta nueva placa”.

AMBIENT PURO Más allá de gustos, Sigur Rós demuestra con “Valtari” su autonomía total como creadores musicales; deja en claro que ellos están en esto, no por la fama o los rankings, sino que por una vocación real de expresión artística. Si no, ¿cómo explicamos que la banda, mirando su pasado, se encumbre hacia su presente sin transar ni un milímetro su integridad artística? No hay duda que en este contexto, el nuevo álbum surge como un testimonio feroz de libertad compositiva y estética.

No sólo independencia con la industria o con lo que los fans podían esperar, tomando en cuenta sus entregas anteriores, sino que frente a ellos mismos, frente a su propia historia.

En este sentido, no hay duda que “Valtari”, se caracteriza por ser un álbum de retorno a las atmósferas y texturas musicales, que los acerca, incluso, a los trabajos ambient de Brian Eno y a la electrónica alemana de Tangerine Dream o Klaus Schulze, aunque nunca perdiendo, del todo, el amor por las melodías vocales.

Jónsi ratifica la percepción general que ha provocado el nuevo

álbum: “Para nosotros, este disco fue un regreso a lo básico, aunque conscientemente, nunca quisimos volver al sonido de álbumes como ‘()’ o ‘Ágætis Byrjun’. Las canciones que componen la placa, se fueron desarrollando de esa manera. No obstante, hace años que teníamos la idea de hacer un registro puramente ambiental como “Valtari”. Así que, por un lado, existe un proceso que nos fue llevando a la música, pero también, teníamos la idea de crear una obra minimalista y elemental”.

HERMOSO E INQUIETANTE La génesis del álbum comenzó a gestarse después de finalizada la gira de promoción de “Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust”. La idea era compactar el tiempo y grabar los temas tan rápido como fuera posible, pero finalmente, el álbum fue concretándose en distintos intervalos,

emulando más bien el proceso de rodar una película. “Sí, fue un largo período”, concede Goggi.

Sin embargo, también se debe tener en cuenta que en los cuatro años que pasaron entre uno y otro registro, Jónsi se dedicó de lleno a su trabajo independiente, editando el álbum instrumental “Riceboy Sleeps” de 2009, en colaboración con su novio Alex Somers –coproductor de “Valtari”-, además de su placa solista, “Go” de 2010 y su consiguiente tour que quedó reflejado en el disco en vivo “Go Live”.

Esto último, sin contar con el soundtrack de la película “We Bought A Zoo”, del director Cameron Crowe, protagonizada por Matt Damon.

Por su parte, los demás integrantes, Goggy, el tecladista Kjartan “Kjarri” Sveinsson y el percusionista Orri Páll Dýrason armaron sus familias y tuvieron a sus hijos.

Hólm entrega su impresión: “Fue muy extraño todo el proceso de este

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álbum. Comenzamos a trabajar, tal vez tres meses después de terminar el tour de nuestro disco anterior. Así que habíamos estado trabajando sin parar más o menos desde el 2000.

Además el tener hijos y estar preocupados de nuestras familias, ha hecho que todo haya sido más complicado que en el pasado, cuando éramos más jóvenes y sin responsabilidades. Creo que era necesario para nosotros tener un descanso de las giras y de estar en el estudio grabando.Todos estos años, han sido como una montaña rusa, siempre con la banda involucrada en uno u otro proyecto. Supongo que sentimos que era hora de tomarse un respiro. Sin embargo, el descanso se alargó más de lo que esperábamos. Pensamos en tomarnos un año, pero al Ànal, se convirtieron en cuatro”.

No hay duda que el proceso, distinto al de los otros álbumes, concebidos en un período más acotado, es un elemento que hace de “Valtari” un trabajo más extraño, cósmico y espacial, en el contexto de la obra de la agrupación. Existe una evolución en la banda que, para bien o para mal, demuestra las ansias del cuarteto por expandir sus horizontes sonoros y reflejar la esencia de los paisajes infinitos y agrestes de ese país tan extraño para nosotros como Islandia, pero sobre todo, para expresar los paisajes internos, esos que están en el alma y en el más recóndito corazón del ser humano.

Goggy remata: “Supongo que hemos crecido. La gente cambia con el tiempo. Pese a que la música es siempre la misma para nosotros, obviamente hemos evolucionado y junto con ello, la música que hacemos. Este nuevo disco lo disfrutamos de verdad. Es pesado y lento, pero hay algo hermoso e inquietante en él. No es un álbum que tenga canciones de estructuras pop o de formato rock tradicional.

Simplemente es lo que es y así es como nos gusta. Es, cómo lo

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dice su título, una ‘avalancha’, una ‘aplanadora’ que sigue y sigue sin detenerse por nada. ¿Te gusta o no? Es irrelevante.

Simplemente continúa”.

Ocho canciones para despegar

Los dejamos con traducciones tentativas y libres de los ocho títulos que conforman “Valtari”, para que puedan tener una idea más acabada de los que expresan las canciones. Un ejercicio muy simple, pero decidor a la hora de enfrentarnos a este sexto disco de Sigur Rós.

1. “Ég anda” – “Yo respiro”.

2. “Ekki Múkk” – “Un no sonido”.

3. “Varúð” – “Cautela”.

4. “Rembihnútur” – “Nudo ciego”.

5. “Dauðalogn” – “Calma muerta”.

6. “Varðeldur” – “Fogata”.

7. “Valtari” – “Avalancha”.

8. “Fjögur píanó” – “Cuatro pianos”.

Guitarra roja

“Esta es de un coleccionista mexicano que se la ganó para la premier del “Forty Licks” en México el 2002.

La EMI de México hizo una fiesta por la salida del disco y todos los invitados tenían un número, que si salía tenían que contestar una pregunta.

Quién la ganó se llama César y la gracia es que mostraban un video que mostraba a los Stones firmando la guitarra.

Para la crisis de 2008 tuvo que venderla y aquí está”.

‘Under My Thumb’

“Con esta canción me enamoré de los Rolling Stones. La escuché el ’88, me llegó un caset y ahí pasé de Beatles a Rolling Stones. Aquí tengo la primera estrofa. El tema es súper misógeno y súper machista, no es algo que me represente, pero es la música la que todavía me parece atípica”.

Vinilos mrmados

“Tengo unos amigos en Nueva York que me datearon y me los consiguieron, el “Exile” y el “Love You Live”. Tengo el “Sticky Fingers” también autografiado, pero estos dos son dobles entonces se ven bien juntos. El “Sticky Fingers” lo voy a poner al medio; ese es un diseño de Warhol y el “Love You Live” también. Son los tres que tengo firmados. Este es el “Exile on Main St.””.

Autógrafos

“Esta es una coleccionista inglesa que me dijo que tenía unos autógrafos viejos. Pero lo especial es que son muy viejos, está incluso el de Brian Jones.Y si te fijas son sacados del diario de vida de una chica fanática del grupo.Y les puso el scotch encima de las firmas para que no se borraran”.

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50 años de los Rolling Stones

¿Es sólo rock and roll?

Por Juan Ignacio Cornejo Fotos: Ignacio Gálvez

Este 12 de julio se cumplen 50 años desde que Mick Jagger, Keith Richards y Brian Jones subieran a un escenario por primera vez como The Rollin’ Stones. El nombre y la alineación serían corregidas brevemente, no así el espíritu de una banda revolucionaria. Hemos querido conmemorar sus cinco décadas de historia cruzando la vereda y conociendo la historia de un chileno que resultó ser el mayor coleccionista Stone de Latinoamérica. Con ustedes, los tesoros de Alex Carrasco.

“Life”, autobiografía de Keith Richards mrmada

“Tengo un amigo gringo que trabaja en Wall Street que a su vez tiene una amiga que es muy cercana a la señora de Keith Richards. Siempre le había hablado de mí y para el año nuevo le pasó el libro y Keith lo firmó y puso una dedicatoria.

Podríamos decir que él sabe de mi existencia, una cosa así”.

Pinball

“Es de 1978. Salieron 4885 creo, llegaron dos a Chile. Uno de estos lo tenía X persona, lo fui a ver pero cuando vio que yo estaba interesado me fue subiendo cada vez más el precio. Lo compré a través de otra persona que lo consiguió más barato. Lo tuve que restaurar pero muy poco. El otro, según me dijeron, está en muy mal estado”.

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Disco de oro chileno para “Voodoo Lounge” + Caset “More Hot Rocks”

“Fui al Bío Bío y un tipo que vendía música sound lo tenía. Me dijo que no lo vendía, que había trabajado en la EMI. Pasaron casi dos años persiguiéndolo y me rendí.Y apareció en De Remate a un décimo de lo que yo le ofrecía al tipo. Le pasaron uno a cada integrante, este es para Charlie Watts, tiene una placa con su nombre atrás.Y el caset que tengo enmarcado es el primer ítem que tuve, es el “More Hot Rocks” en versión canadiense”.

Wurlitzer

“¿Cómo surgió la idea de tener esto? Fui a un local en Valparaíso que tenía uno con cuatro discos de los Rolling Stones. Lo quise comprar y no me lo vendieron, así es que me compré uno, lo restauré de a poco y le puse todos los singles del grupo. Todo lo que se ve lo hice yo. Caben 100 discos aquí, lo tengo lleno, son versiones americanas e inglesas, salvo una italiana”.

Freesbee

“Esto es raro. Es de la avant premier de la película “Ladies and Gentlemen: The Rolling Stones” (1974). Fue en un teatro en Nueva York y a todos los que fueron ese día les regalaron un freesbee. Eran de plumavit y sólo se repartieron esa vez y en un par de funciones”.

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Chaquetas

“Estas son promocionales de las giras. Las vendían en los shows, cuando tampoco era mucho el merchandising que se vendía.

La de la gira del ’72 es la más valiosa, es de los shows del “Exile”. Es la más antigua que tengo también. La otra es del tour de “Some Girls” el ’78”.

Single ‘Angie’

“Este es el único single chileno con una foto de la banda en la carátula. Los otros no tienen foto.Y lo más curioso es que esta foto tiene un error: el tema es de 1973 pero en Chile se editó en 1975 cuando Mick Taylor se había ido de la banda y en la foto sale Ron Wood, que no grabó la canción. Me faltan dos singles chilenos nomás, ‘Jumpin’ Jack Flash’ y ‘We Love You’”.

Vinilo “Beggars Banquet”

“Este es el ítem chileno más buscado en todo el mundo. “El Banquete de los Mendigos”, me sirve como moneda de cambio incluso. Tengo ediciones del ’68 y el ’69, alguna dice “Edición Promo”. La gracia es que la carátula era blanca entera y la foto que ves acá era la contra-tapa; sólo acá en Chile lo hicieron al revés, no sé por qué. La pared de baño fue censurada, en su momento la primera que salió fue la blanca, en el mismo año del álbum blanco de los Beatles”.

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Disco Promotion

“Este es también muy raro. Salieron 400 copias en el mundo, 200 con sello London y 200 con sello Decca.

Tengo sólo el London, todavía busco el otro. Es una compilación de canciones para la radio. Son canciones de la primera época, la foto es de la grabación de ‘Sympathy for the Devil’ del documental de Godard.

Este es uno de doscientos”.

Demniciones de Alex, el coleccionista Stone Stone favorito: Brian Jones Primer ítem: el caset “More Hot Rocks”, es una edición canadiense.

Primer amor Stone: ‘Under My Thumb’ Disco favorito: “Between the Buttons” Shows a los que ha asistido: Tres, el que hicieron en Chile y dos en Argentina para la gira de “A Bigger Bang” Formación favorita: la primera. Vinieron de abajo y debieron competirle a The Beatles Mick Jagger: El cerebro Keith Richards: El corazón Brian Jones: El alma Bill Wyman: El Stone ausente Charlie Watts: El toque de pulcritud Mick Taylor: El virtuoso Ron Wood: El payaso querible. El más Stone de los Stones Qué le falta: Conocerlos. Les daría las gracias, no me importa no sacarme una foto con ellos.

Coleccionista o usuario: Usuario. No tengo casi nada que considere intocable.

Rareza más buscada: El single de ‘Street Fighting Men’ con la carátula original, se imprimieron solo diez y lo he visto a 25 mil dólares. Y de ‘Beast of Burden’, creo que cincuenta. Los dos los censuraron.

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Banderín concierto en Chile

“Esto es típico de Chile. Lo vendían a la salida del concierto que hicieron acá en 1995 y el nombre de la banda está mal escrito y con el tipo de letra de la revista Rolling Stone. Tiene más valor del recuerdo del show que como algo de colección.

Me he conseguido con el tiempo poleras del concierto también, tratando de recrear todo lo de la venida; tengo entradas, el bootleg (sin la marca de la radio que transmitió) y varias cosas más”.

La energía furiosa de

Por Ricardo Voss Marta Esteban

Cuando la creatividad no tiene límites, un álbum puede convertirse en una novela de ciencia ficción. Eso es “Clockwork Angels”, una historia sobre el futuro visto desde el pasado. Aunque para Rush parece que el tiempo no existe. Debe ser porque eso es cosa de simples mortales…

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H

emos escuchado el single “Headlong Flight”. Es un tema que se escapa al tiempo. ¿Cómo fue la creación de este tema?

Geddy Lee: “Es una historia interesante. Estábamos en un descanso entre dos partes de nuestra última gira ‘Time Machine’, y Alex y yo pensamos que deberíamos empezar a componer de nuevo y nos juntamos en el estudio que tengo en mi casa e hicimos una serie de jams. Estas sesiones se fueron convirtiendo en canciones, pero como no teníamos ninguna fecha límite ni nada de eso, tampoco estábamos muy motivados para acabarlas. Así que grabamos todas estas sesiones, las dejé apartadas y volvimos a la carretera.Y luego, a finales de septiembre, cuando empezaba el otoño, me junté de nuevo con Alex para seguir escribiendo y terminar el álbum, pero la verdad es que nos resultaba difícil porque seguíamos con la resaca de la gira. No habíamos tenido suficiente tiempo para recargar las baterías. Un día empecé a mirar lo que habíamos hecho aquella sesión, abrí una carpeta y empecé a escuchar lo que ahí había, y cuanto más la escuchaba más me emocionaba con la energía de esta canción. Una energía furiosa.Y entonces empecé a seleccionar partes de la canción, a montarla de nuevo como un tema instrumental. Al día siguiente vino Alex y le mostré lo que había hecho, algo así como un copiar y pegar, y pude ver esa gran sonrisa en su cara y él me preguntó, ‘¿de dónde viene eso?’, y le recordé que eso lo habíamos grabado en nuestras sesiones y entonces los dos empezamos a trabajar en ello y la convertimos en una canción instrumental a la que llamamos ‘Take that Lamb Shit off your Head’, y originalmente iba a ser instrumental. Estamos muy contentos con ella y lo mejor es que gracias a ella nos pusimos manos a la obra. Fue la chispa que nos ayudó a escribir el álbum.Y cuando Neil nos envió estas letras, ‘Headlong Flight’, nos dimos cuenta de que la esencia de esas letras encajaban con la esencia de ese tema instrumental, así que los unimos y empezamos a reescribir la parte instrumental para adaptarla y una cosa llevó a la otra y resultó ser todo un éxito”. ¿Podemos decir que “Clockwork Angels” es una continuación de “Snakes and Arrows” y “Vapor Trails”?

“Creo que hay algunos temas que tienen un contenido similar a otros de ‘Snakes and Arrows’, temas que han surgido también en este álbum, en la actitud y en la historia de ‘Clockwork Angels’, pero aparte de eso es en realidad una pieza independiente”.

Este es un álbum narrativo y se trata de una mirada al futuro, como ya lo hicieron hace años con “2112”. ¿Qué diferencias podemos encontrar entre su visión del futuro de entonces y la de ahora? “‘2112’ era un futuro hipotético de un lugar hipotético, en cambio en ‘Clockwork Angels’ miramos al futuro de una manera hipotética también pero desde un lugar que conocemos, y mucho de lo que contamos tiene sus raíces en nuestra historia, de nuestra propia Tierra. Por lo menos de la civilización occidental. Pero conectada cómica e inventivamente con el futuro. La estética steampunk es muy atractiva para nosotros por estas razones, porque hay una especie de conexión misteriosa entre el pasado y el futuro, y también existe un aspecto cómico en la excesiva complicación de los dispositivos que existen hoy en día. Una cosa que a Rush le atrae mucho es el exceso de complicaciones. Esto se ajusta a nosotros desde un punto de vista visual y de alguna manera conceptual también”.

Steampunk y alquimia… ¿Son conceptos importantes en este nuevo álbum?

“Sí. Tengo que admitir que son más importantes desde un punto de vista visual que desde un punto de vista factual. Pero este aspecto visual va de la mano con la historia.

Crea un mundo que nos permite divertirnos tratando otras ideas. Podemos decir que esta parte visual tal vez debería quedar detrás de la historia en sí misma, pero nos da el ambiente en el que explicar la historia y creo que esto es bastante importante en este álbum”.

sh le u R a e u q a s o c “Una xceso e l e s e o h c u m e atra es” de complicacion

¿Qué hay detrás del nombre, “Clockwork Angels”? ¿Nos encontramos ante un álbum conceptual?

“Sí, imagino que sí, que podemos utilizar estas sucias palabras para definir

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el álbum. Es una historia ambientada en otro tiempo y posiblemente en otro lugar”. ¿Qué puedes contarnos sobre las canciones? ¿Cuáles son tus preferidas?

“La verdad es que estoy enamorado de la mayoría de canciones, pero podría decir que son ‘The Garden’, ‘Clockwork Angels’ y ‘Headlong Flight’”.

Este álbum va a ser convertido en una novela de ciencia ficción también…

“Bueno, Neil está trabajando con Kevin J. Anderson. Ellos empezaron a hablar del tema de hacer de este álbum una novela y la verdad es que estoy contento con esto porque le quitó presión al momento de escribir las letras y no tener que añadir muchos detalles en la historia.

Porque Neil tenía muchos detalles que quería incluir pero eso no era siempre lo más adecuado para hacer buenas canciones, buena música.

Yo no quería que la música se viera ensombrecida con tanto detalle, más cercano a un relato en prosa. Así que el hecho de que él supiera que tenía este libro en el que iba a poder escribir todo eso satisfizo eso que sentía como escritor de prosa y nos ayudó a evitar que la música resultara excesivamente complicada”. ¿Habrá película?

“Esperaremos y veremos” (Risas). ¿Han descartado definitivamente los teclados y los sintetizadores?

“No, no han sido descartados, de hecho en este álbum hay teclados y sintetizadores, pero utilizados de una manera más ambiental y en conexión con otros sonidos. Definitivamente están en el álbum pero puestos desde una perspectiva diferente”. ¿Qué pueden contarnos de sus nuevos retos? ¿Quieren tocar mejor, componer mejor, encontrar un sonido específico…?

“Esto es una constante. Todo esto siempre está ahí, como músico siempre lo tienes. Hay cosas que no cambian, son esas cosas que hacen que te despiertes por la mañana, por decirlo de alguna manera. Son esas cosas que te hacen volver a escribir otra canción, la fascinación por la música nunca se acaba. Adoro escribir música, es la experiencia que más me realiza. Escribir una canción de la que te sientes orgulloso es siempre un reto, y este es uno de los motivos por los que estoy en este grupo.Y estoy muy contento con mis compañeros, hacemos un buen equipo”.

ber que a s a n io c o m e e “M grupos, s o r t o n e ir u n in podemos ica” s ú m a r t s e u n e v que les mue De hecho son una gran influencia para muchos grupos jóvenes.

“Pienso que es algo alucinante. Me emociona saber que podemos influir en otros grupos, que les mueve nuestra música y más cuando vienen y me lo cuentan. Es el mayor elogio que puedes recibir”. ¿Qué te parece la versión que Machine Head han hecho de vuestra canción “Witch Hunt”? “¡No la he escuchado! Tengo que buscarla y escucharla”.

Está claro que ha habido un cambio intergeneracional en

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vuestro público a lo largo de estos años. ¿Cómo es este nuevo público que viene a vuestros conciertos y que escucha vuestra música?

“Es algo fantástico. A veces miro ahí afuera en los conciertos y veo a tres generaciones de fans, es increíble.Y yo soy todavía tan joven.

(Risas) Me encanta ver a esos chavales tocando la batería o la guitarra en el aire, es algo impresionante esto de haber estado en esto durante tanto tiempo y seguir siendo considerados relevantes de cualquier manera, si es que fuimos considerados relevantes alguna vez. Estoy muy contento, me siento un músico muy afortunado”.

Algunos dicen que os habéis sabido adaptar a los nuevos tiempos, en cambio otros afirman que lo que habéis hecho ha sido imponer vuestras propias reglas. ¿Qué opinas sobre esto?

“Sinceramente no tengo ninguna opinión sobre esto, porque ambas cosas son verdad. Adaptarse o morir, pero si haces algo a tu manera durante mucho tiempo al final se convierte en algo que te pertenece, que te identifica. Tenemos suerte ya que la gente parece que aprecia lo que hacemos.Y para mí de lo que se trata esta vida es de hacer algo.

Hacer algo que no ha existido antes y convertirlo en algo tuyo es tener éxito en la vida, creo”. ¿Qué están preparando para esta nueva gira?

“Tenemos un millón de cosas, pero es complicado dar detalles porque aún estamos planeándolo todo, con reuniones y eso. Seguro que será divertido”.

Honestamente, ustedes pueden tocar durante tres horas seguidas en un concierto y estas bandas jóvenes en una hora y media ya no pueden más. Está claro que les dan una paliza en esto del show en vivo.

“Esa es la idea” (risas). ¿Cuál es su conexión con “South Park”? Fue increíble teneros en uno de los capítulos.

“Obviamente somos fans de ‘South Park’ y Matt Stone es un gran fan de Rush. Nos hemos ido encontrando a lo largo de los años y nos tenemos un aprecio mutuo. Él es un gran tipo y estaba muy contento de poder hacer su contribución al directo. Fuimos una de sus primeras bandas favoritas. Él siempre ha tenido tiempo para nosotros y nosotros para él”. ¿Qué planes tienen aparte de la gira? ¿Seguir escribiendo, preparar otro álbum tal vez?

“Ahora estamos centrados en la gira y después de eso unas vacaciones nos vendrían muy bien, la verdad”.

o n a r e v z e v a Otr rnejo

Por Juan Ignacio Co

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Los chicos de la playa están de vuelta para conmemorar los 50 años de historia de la banda. No fue una vuelta cualquiera, pues más allá de la gira conmemorativa la gran novedad es su nuevo álbum “That’s Why

“

Go Made the Radio”.

¿Cómo puede ser que un tipo de 70 años cante tan bien?”, preguntó Brian Wilson a Mike Love en sus primeros ensayos con su esperada reunión a la vista. Esa es el tono de cordialidad con el cual los dos personajes más fuertes en la historia de los Beach Boys han llevado este sorprendente retorno y que viene a sumar a la extensa lista de hitos en la carrera de los californianos.

La sorpresa de Wilson para con Love se hace extensiva a lo que el mundo ha encontrado en el nuevo álbum “That’s Why God Made the Radio”, la bella colección de nuevas canciones con que The Beach Boys celebra cincuenta años de carrera ininterrumpida y que de entrada marca una diferencia sustancial con la mayoría de grupos que vuelven para recorrer el mundo, hacer caja y no volver a hablar del asunto.

No son pocos los que se sorprenden por hablar de los Beach Boys en tiempo presente. Esta es una historia de muchas aristas y tantos focos de atención como problemas han tenido en este medio siglo que Mike Love (el único integrante que no salió nunca de la banda) ha sostenido siempre en pie el nombre de los chicos de la playa.

JARDINE, EL RECONCILIADOR Hay un personaje clave en este reencuentro y esta es la instancia para destacarlo. Al Jardine, el pequeñito de pelo rubio y frente amplia y que desde comienzos de 1998 que no tenía vínculo con los Beach Boys. “Él comenzó el rumor de que se haría algo para los 50 años, hay que darle el crédito” dice David Marks.

La verdad es que Jardine hizo bastante más que comenzar un rumor. Fue el único de los hoy Beach Boys que se acercó a Brian Wilson mientras este llevaba su carrera solista; lo hizo puntualmente en 2007, cuando juntos celebraron (con algo de atraso) los 40 años de “Pet Sounds” (de 1966).

Eso no es todo. Si Wilson se encargo de traer de vuelta la magia de los Beach Boys con su propio “Smile” en 2004, el único que siguió sus pasos fue nuevamente Al, quien con su excelente y desconocido “A Postcard from California” de 2010 logró poner en órbita la primera canción (‘Don’t Fight the Sea’) que reunía voces de los fundadores Brian Wilson, Mike Love, el propio Jardine e incluso el difunto Carl Wilson desde los ochenta.

Hasta la confirmación de “That’s Why God Made the Radio”, aquella postal desde California (que contaba además con invitados que iban desde Neil Young a Flea de los Chili Peppers) era lo más parecido

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a un saludo de los viejos Beach Boys. “Ahora, por Àn, estamos cerrando el círculo. Compartir nuestras memorias y hallarnos en el estudio ha sido fabuloso.

Se siente algo especial y lo noto cuando estamos todos juntos en torno a un micrófono”, dice hoy un complacido Jardine.

JOHNSTON Y MARKS: “LOS OTROS DOS” No son pocos los que se preguntan quiénes son Bruce Johnston y David Marks. En la memoria colectiva quedaron los Beach Boys conformados por Love, Jardine y los Wilson (Brian, Carl y Dennis); sin embargo, hay que ser justos tanto con Johnston como Marks pues tienen más historia como Beach Boys que la que muchos creen.

En el caso de Bruce Johnston (bajo y teclados), su ingreso fue en 1965 para reemplazar a Glen Campbell, quien a su vez estuvo dos años cubriendo a Brian Wilson en las giras. No pudo entrar en mejor momento, pues su primera grabación fue “California Girls” y puso voces en “Pet Sounds”, aunque no fue reconocido como miembro permanente hasta un tiempo después por lo que no aparece en la foto de portada. Se retiró del grupo en 1972 y volvió 10 años después siendo el único que ha acompañado a Mike Love en estas últimas tres décadas.

El caso de Marks es tan curioso como impresionante. Cuando los Beach Boys todavía no tenían dos años como banda (1962), se les unió como guitarrista para reemplazar a Al Jardine, quien retornó en 1963 y antes de fin de año Marks salía nuevamente del conjunto. “Vivía al frente de losWilson y ellos de alguna manera me adoptaron”, recuerda hoy. “Hice los cinco primeros álbumes junto a ellos en un periodo muy breve. Fue tanto lo que grabamos que varias de esas grabaciones siguieron apareciendo un par de discos después”.

En 1971 Mike Love le pidió a Marks que volviera al grupo para reemplazar a un impredecible Brian Wilson. “El Beach Boy desconocido” desechó la opción porque “estaba demasiado entusiasmado tocando mi guitarra en otros proyectos y me querían para tocar el bajo.

Recién me reincorporé en los noventa mientras esperábamos que CarlWilson se recuperaba de su enfermedad, lo cual tristemente no ocurrió”.

HACIÉNDOLO DE NUEVO La primera canción que los reunidos Beach Boys ensayaron fue ‘Do It Again’ (de su disco “20/20” de 1969), cuya versión 2012 viene como bonus track en “That’s Why God Made the Radio”. Había una magia que tenía que aparecer sí o sí y, para fortuna de todos los involucrados,

revivió con poco esfuerzo.

“Estos tipos están muy ensayados, no tienes que preocuparte de eso”, apunta Wilson. “Nos conocemos, sabemos lo fuerte que es cada uno. Mike suena tal como sonaba en 1963”, agrega.

El nuevo trabajo de estudio de los Beach Boys se sostiene sobre composiciones que en casi su totalidad pertenecen al último de los Wilson en colaboración con Joe Thomas, con quien escribió parte del material en el ya lejano 1998. “La banda siempre funcionó así, nosotros cantando canciones de Brian, así es que el proceso empezó con todos nosotros sentándonos para escuchar lo que él tenía” destaca Love, el responsable del único corte que no tiene a Wilson en los créditos: ‘Daybreak Over the Ocean’.

Los compañeros de Wilson están, por supuesto, agradecidos del talento de su líder. Según Al Jardine, “son canciones brillantes que él escribió y ha tocado en su cabeza por años. Él ya tenía delineadas nuestras participaciones, pero por supuesto que cada uno pone su ingrediente para lo que me parece será un álbum que la gente sabrá valorar”.

Hay otro punto que los músicos se han esforzado en aclarar y que vale la pena ser tomado en cuenta. Contrario a lo que muchos piensan, ninguno de los Beach Boys estaba precisamente jubilado. “Brian ha estado haciendo discos y giras por su cuenta; nosotros (con Johnston) seguimos haciendo lo propio con Beach Boys y Al también estuvo haciendo lo suyo”, dice Mike Love. “Tal como yo, David también tiene un disco solista reciente e incluso un libro. Pero hicimos todo eso a un lado. Es el legado de esta banda lo que más importante, sin dudas”, completa Jardine.

Esta además es el primer tour que Brian Wilson dará con los Beach Boys en el que no participará ninguno de sus hermanos (él abandonó el 1996 y Carl apareció hasta 1997, falleciendo en febrero de 1998).

“Hemos perdido dos bellas voces con Carl y Dennis”, dice Brian. “Los extrañaré, seguro”.

efecto sanador para todos aquellos que no creyeron que verían a Wilson compartir escenario con Love una vez más.

En Estados Unidos ya se comenta que esta es la última chance de ver a los Beach Boys con formación completa (al menos de los que todavía quedan con vida) y los tickets para sus conciertos se han vendido muy rápido.

Hay un antecedente que no podemos dejar pasar. Hace poco más de un año Brian Wilson comunicó que dejaría las giras por el cansancio físico que estas le traían y no hay por qué pensar que ese agotamiento no se hará presente esta vez.

Mike Love reconoce que el asunto fue creciendo casi sin querer: “nuestro sello Capitol estaba interesado en un nuevo álbum de estudio o un nuevo compilado. Una cosa llevó a la otra y en poco tiempo empezaron a llegar muchísimas y muy generosas ofertas para salir de gira”.

Por último, y aunque nadie ha querido profundizar en el tema, el tema que cierra “That’s Why God Made the Radio” lleva por nombre ‘Summer’s Gone’ y es un tema que Wilson pensó para cerrar el último disco de los Beach Boys, independiente cuándo este fuere.

SÓLO DIOS SABE Por ahora, nadie en los Beach Boys quiere pensar en lo que pasará una vez que esta ronda de shows que ya incluye Europa, Asia y Oceanía, cerrando en el Wembley Arena en septiembre.

No le hablen a Brian Wilson de planes. Él está feliz con su presente: “siento el amor de mis compañeros, es todo lo que te puedo decir por ahora”. “La recepción de la gente en cada ciudad ha sido increíble, nos hemos llevado de maravilla y estamos disfrutando cada minuto” suma Marks.

Wilson ha cedido el control de los shows a Love, facilitando la paz entre las dos cabezas del conjunto: “a mi me interesa meter un par de canciones, pero es él que verá todo lo del set y el show”.

Las palabras de Al Jardine apenas se confirmó la reunión fueron casi proféticas: “nuestra música siempre tuvo un mensaje y un sonido positivo y alegre. Eso es lo que queremos revivir”. Se lo han tomado en serio. Si éste será el último baile, qué mejor que se cierre con una sonrisa.

¿REUNIÓN Y DESPEDIDA? Parece un chiste de mal gusto, pero la edad de los actuales Beach Boys no puede ser pasada por alto. Brian Wilson y Bruce Johnston tienen 70 años recién cumplidos, Love ya tiene 71, Jardine tiene 69 y está tocando la puerta a su séptimo decenio y sólo Marks (con 63) puede sostener el ritmo de una banda de alta convocatoria por más tiempo.

Este será el primer álbum que se grabe con esta alineación y es muy probable que sea el último. El tour de su quincuagésimo aniversario los encuentra en edad avanzada y al mismo tiempo tiene un

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Brian Wilson Las ideas y vueltas a la playa Por Juan Ignacio Cornejo

La historia de Brian Wilson lleva cinco décadas ligada a los Beach Boys, pero existe una gigantesca nebulosa respecto a cuán presente ha estado en todos estos años de vida ininterrumpida del grupo. Si la mayor novedad de la reunión para estos 50 años es la reincorporación de quien es considerado como uno de los grandes compositores de la música popular, entonces imposible mejor momento para hilar mno en esta historia de desencuentros.

L

a primera “ida” de Wilson de los Beach Boys fue mucho antes de lo que todos imaginarían.Ya en 1964 el bajista acusaba el estrés de las giras y abandonaba a sus compañeros después de una crisis de pánico en un vuelo. Su decisión fue la de concentrarse en el trabajo en estudio, lo cual tampoco contribuyó demasiado a su paz interior: entre 1963 y 1965, compuso y produjo nueve discos de los Beach Boys y 16 singles.

1965 y 1966 fueron sus años de gloria, marcados por los singles ‘California Girls’ y ‘Good Vibrations’ además del álbum “Pet Sounds”.

Luego vino la historia tantas veces contada: las drogas lo comenzaron a volver loco, literalmente; intentó hacer un álbum que debió abandonar y se convirtió en un mito de la música popular (“Smile”) y poco a poco comenzó a perder inspiración.

En 1967 su experimentación con las drogas se manifestó en alucinaciones que según Wilson “me han acompañado por todos estos años.

Todo el día, todos los días. Cada cierto rato, las voces en mi cabeza me dicen algo y debo ser fuerte como para combatirlas, decirles ‘¡déjenme en paz, váyanse a la mierda, no me hablen!’. Es como una pelea, todos los días”.

La situación empeoró para él una vez que comenzó el declive en popularidad de los Beach Boys en 1967. Pese a una supuesta mejoría que se manifestó con algunas apariciones en vivo, en 1973 falleció su padre y él desapareció del mapa. Aunque no salió de manera oficial del grupo, no tuvo ninguna relación con los Beach Boys desde 1973 hasta fines de 1975 (periodo en el cual entra a jugar el controvertido doctor

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Eugene Landy); ya al año siguiente se reincorpora después de haber recibido para dejar las drogas.

Hay muchos registros de prensa (incluso entrevistas televisivas) de Brian Wilson versión 1976 donde reconoce que tuvo problemas con las drogas porque “me hice millonario y cuando tienes dinero puedes permitirte gastar miles de dólares en drogas cuando quieras”.

A comienzos de los ochenta, Wilson volvió a tener problemas de adicción y mentales. En 1982 recién recibió su primer tratamiento para solucionar sus problemas mentales; “antes de eso, aunque no lo crean, no creí que fuese necesario”, dice hoy. “Me sirvió, al menos ya no tengo que andar por la calle gritando ‘¡déjenme en paz, déjenme en paz!’”. Mientras Brian era tratado, fue despedido del conjunto y regresó en 1985.

Luego comenzaría un ir y venir que terminó en 1996 cuando Wilson dijo adiós, cansado de los problemas judiciales por demandas de derechos de autoría, propiedades del nombre y otros, casi todos con Mike Love. Brian Wilson contribuyó de manera importante al álbum homónimo de 1985, sólo una canción en “Still Cruisin’” de 1989, nada a “Summer in Paradise” (de 1992, el último antecedente discográfico de material original previo a “That’s Why God Made the Radio”) y en 1996 en el disco de auto-tributo “Stars and Stripes Vol. 1” sólo hizo las de productor.

Hoy Wilson está feliz de vuelta con los Beach Boys. Le preguntan si le sorprendió haber limado asperezas con Love y él dice “no, ¿por qué?”.

Hoy vive y goza el presente y está listo para cerrar uno de los ciclos más importantes en la historia de la música popular como corresponde. ¿Podría pedir más?

A la mitad del camino Por Rodrigo Carvajal U.

Llamaron la atención de la prensa con su debut discográfico y hoy están de vuelta para reafirmar lo que cosecharon con su primera entrega. Con “Bones”, la banda inglesa espera dar un paso adelante y fortalecer su nombre en la escena mundial en busca de la ansiada consolidación.

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P

eriódicamente la prensa y el mundo se deslumbra ante una nueva banda.

La nueva sensación o los reemplazantes naturales de tal o cual grupo, que viene a llenar un espacio dejado por alguien o que complementa un género que parecía agotado. Pues bien, cuando Young Guns editó su epé debut titulado “Mirrors” (2009) y más aún con su primer largaduración, “All Our Kings Are Dead” (2010), muchos ojos se posaron encima de este quinteto de High Wycombe.

Hoy, con la edición de “Bones”, la expectativa está más que presente para ver si la banda despega definitivamente o tendremos que esperar hasta su nueva entrega. Aunque por estos días ya suman un largo tour por Europa que los tendrá ocupados hasta el mes de diciembre y un reciente acuerdo para editar “Bones” en Estados Unidos a través de Wind Up Records.

Asimismo, hace rato que son capaces de tocar en lugares cada vez mejores. Los shows íntimos y en pequeños bares de los inicios fueron dando paso a teatros más grandes, con más público y más fans siguiendo a la banda. “Creo que tuvimos suerte con el último registro, porque al Ànal del tour estábamos haciendo conciertos del tamaño que nunca hubiésemos pensado que lo haríamos. En el show de Londres tocamos antes más de dos mil personas, para nosotros fue increíble”, diría Gustav Wood, vocalista de la banda.

“All Our Kings Are Dead” los hizo subir un peldaño de inmediato y pasaron a ser la nueva promesa para muchos. Así, salieron de gira con bandas como Yellowcard y All Time Low y se presentaron en algunos festivales importantes en Europa… las cosas comenzaban a salir por sí mismas para la agrupación formada, además de Gustav Wood, por Fraser Taylor y John Taylor en guitarra, Simon Mitchell en bajo y Ben Jolliffe en batería…

“Fuimos muy afortunados de haber sido elegidos para tocar en el Kerrang! Tour de 2010 donde All Time Low era cabeza de cartel. Nos hicimos amigos y desde ahí todo fue funcionando mucho mejor para nosotros… todo fue dándose como siempre lo soñamos”, diría Wood.

De los shows apoteósicos y energizantes que cerraron la gira de su placa debut, la banda pasó a algo diferente. Para dar el puntapié a esta nueva etapa planificaron una serie de recitales más pequeños, como punto de partida para el futuro que, esperan, siga siendo auspicioso: “Pensamos, ¿qué podemos hacer para diferenciar esto?, es un nuevo registro, un nuevo comienzo, por lo que consideraba apropiado volver a los clubes más pequeños que estábamos acostumbrados a usar. Me gusta el sudor y la intimidad y el caos y el desorden de los espectáculos de clubes pequeños, es donde se trabaja mejor”, dijo Gustav.

DESAFÍO PERSONAL Fue en este contexto y con la adrenalina a tope que el grupo se abocó de lleno a la grabación

de su nueva placa. Para ello se trasladaron a Tailandia con la convicción de registrar la producción que los consagrara y que les permitiera dar un paso adelante hacia el primer plano musical: “Ir a Tailandia fue una gran decisión.

Ver a los chicos relajándose en la piscina y luego dando lo mejor de sí en el estudio, fue un golpe de energía que nos hizo trabajar de mejor forma. Estábamos en control de todo y nos gustó trabajar así”, completaría el cantante.

Aunque las cosas se pusieron un poco pesadas ante el gran desafío de la segunda placa, la banda siguió adelante y, para Gustav, lograron entregar lo mejor en cada nota: “El cliché que dice que el segundo disco es más duro que el primero es verdad. Se siente como si estuvieras parado a los pies de una montaña, miraras hacia arriba y pensaras:‘tengo que escalar esto’. Es un tremendo desafío, pero lo logras superar”.

Desde el primer momento, la banda se propuso dar un paso adelante. Con ese norte entre ceja y ceja prometieron no repetirse y actualizar tanto su sonido como las líricas de la placa. Otro reto que no fue fácil de resolver, pero que para Wood, sirvió para poner a prueba su capacidad: “El primer disco fue súper personal y fue una decisión consciente que fuera así. Ahora no quería repetirme; el problema fue que usé cada uno de los tópicos que me interesan para escribir las letras del primer disco. El desafío fue encontrar nuevos temas o nuevas formas de decir cosas similares. Para mí no fue tanto como reinventarme o algo así, sino que empujarme a ser mejor”.

Reto, desafío, prueba, giro… son algunas de los conceptos que repite una y otra vez Wood en cuanta entrevista ha dado en torno al lanzamiento de “Bones”… Aunque claro, no era necesariamente cambiar su constitución como banda, sino que se trataba de evolucionar y ser mejores. “Como todas las cosas –comentaría Wood-, la gente tiene ideas preconcebidas y quería escribir un registro que enfrentara los prejuicios y expectativas. No queríamos grabar un disco que sonara como una pequeña banda de rock del Reino Unido.

Queríamos uno que sonara como si tuviéramos más de ambición”.

El propio Wood recalca su conformidad con “Bones”, un álbum audaz y emocionante, con guiños modernos y varias canciones que pueden transformarse en un hit radial: “No creo que sea más pop, o menos pesado, es mejor (en relación a su placa debut). Siento que suena un poco menos hueco y más fuerte. Suena como una versión más segura de la misma banda”.

Siempre han tendido hacia la melodía, pero sin dejar de lado aquellos elementos más pesados y riffs que identifican el sonido de la agrupación.

Para el cantante de Young Guns, todo se basa en la evolución y la madurez que puedan alcanzar: “Todavía amamos la música más pesada y nos gusta componer en esa línea, pero deÀnitivamente queremos marcar una evolución y tender hacia la madurez de nuestro sonido”. Son las palabras de su frontman, Gustav Wood, sólo el tiempo nos dará el resultado final de la ascendente carrera de esta banda inglesa.

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Salvajes

Por Rodrigo Bravo Bustos

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A esta altura del ruedo nadie puede negar que Joe Duplantier se ha transformado en uno de los músicos más respetados del orbe metalero, y no sólo desde la perspectiva musical, sino que también observando la carrera de Gojira desde una mirada poética y casi espiritual.

Es que lo realizado por el

gran “monstruo nipón” ha ido más allá de lo que muchos pudimos prever en el debut con “Terra Incognita” de 2001, consolidándose definitivamente a mediados de la década pasada y hoy pisando fuerte sobre el camino con el nuevo desaf ío de los franceses: “L’Enfant Sauvage”.

E

l nuevo álbum, lanzado el 26 de junio a través de Roadrunner Records, intensifica el metal pesado ligado tangencialmente con un rock moderno de toques eclécticos, donde claramente no interesa encasillarse de lleno en un estilo, sino que simplemente el objetivo es crear música honesta, libertina y salvaje. Estos últimos conceptos se sostienen en las líricas del disco 2012, que lejos de representar un estereotipo de salvajismo como tal, plantea una metáfora sobre la libertad desde la barbarie natural, esa que se liga con la inexistencia de lo que hoy conocemos como “modernidad”.

El mismísimo Joseph explica este punto aludiendo a que por problemas lingüísticos el álbum debía ser titulado en francés y no en inglés, pues de esta última manera habría perdido totalmente el sentido de lo que se quería expresar: “No lo podemos llamar “The Wild Child” [“El niño salvaje”], porque es difícil traducir “L’Enfant Sauvage”. No es realmente un niño salvaje como se entiende en inglés, porque un niño salvaje, para mí, no tiene control alguno sobre sí.“L’Enfant Sauvage” en francés… “Salvaje” es alguien que no ha sido educado o alguien que está como autónomo y completamente libre en la naturaleza. Una Áor salvaje puede transformarse en algo bello”.

Las líricas para Gojira son algo que va más allá de rellenar las líneas melódicas vocales con palabras. El cuidado de la naturaleza, la espiritualidad más allá de los límites terrestres o el acabose del mundo por el desenfreno individualista del hombre, son sólo algunas de las líneas transversales en los álbumes de estos franceses, que esta vez desarrollan el salvajismo como la conexión con nuestras raíces como ser humano, como parte de un sistema natural, de un todo.

En cuanto a lo instrumental, “L’Enfant Sauvage” desarrolla un sonido más potente, denso y muy bien congeniado con las voces guturales y limpias que siempre están colmadas de rabia, casi como si se tratara de una consigna contra el sistema. Las ejecuciones de las guitarras siguen siendo tan pesadas como atmosféricas, creando bases perfectas en conjunto con los bajos estruendosos y las percusiones de una tecnicidad sobrecogedora. Son 11 nuevas canciones grabadas en Spin Recording Studios en Long Island City, Nueva York, bajo la co-producción de Josh Wilbur, el productor de otro de los proyectos con más reconocimiento en los últimos 10 años, Lamb Of God. En cuanto a lo estético, Gojira siempre ha sido cauteloso en exponer una fotografía (en el más amplio de los términos) bien cuidada y que intensifique el discurso.

De esta manera, no extraña encontrarse con el single que da título al álbum en un

videoclip de minucioso tratamiento, tanto en su arte, como en el lenguaje audiovisual.

La banda pasa a ser un espectador más de la historia de una joven que se ve cautivada por la naturaleza, la misma que toma revancha contra la metrópolis que se asentó sobre ella haciéndola casi desaparecer. Esta tendencia de exquisito nivel audiovisual es la misma que han adoptado bandas con innegable éxito en los últimos años como Mastodon u Opeth. Es más, el video de ‘L’Enfant Sauvage’ (la canción) tiene una similitud indiscutible con el primer single del último disco de Mikael Akerfeldt y los suyos, ‘The Devil’s Orchard’, dejando en el subconsciente que esto no es una casualidad, sino que se trata de la consolidación de los actuales líderes de las bandas del nuevo culto metalero.

Es por eso que no extraña la dedicación que ha habido con el último DVD/BlueRay de Gojira, “The Flesh Alive”, que no sólo recopila las imágenes de los shows en vivo de los franceses en la gira del “The Way Of All Flesh” de 2008, sino que también presenta la historia del grupo desde aquel lanzamiento, sus backstages, viajes y vivencias anteriores a este último CD, que fue puesto a disposición de los fanáticos a partir del 4 de junio a través del sello Mascot.

Se hace innegable que Gojira sigue consolidando a paso firme un estilo propio, que musicalmente se muestra más seguro que nunca y que líricamente demuestra que aún hay mucho discurso protestante que seguir emanando de esta empresa familiar liderada por los Duplantier. Ojo, lo del apellido ya es toda marca mundial, que toma ribetes tan inconmensurables como lo hicieran los Cavalera en Sepultura y Cavalera Cospiracy), los Bjöler en At The Gates o los Cavanagh en Anathema.

Gojira sigue con la fuerza intacta de la bestia japonesa que un día los inspiró, pero esta vez mucho más maduros y con las ideas bastante más claras que en los primeros años. Es por eso que con confianza podemos asegurar que estos franceses están -sin duda- en la vanguardia del Metal mundial, arrastrando un éxito que ya lleva más de una década en constante alza y que en algún minuto reventará en el mainstream. No por nada con el tiempo Gojira sigue sumando fanaticada a su séquito, elevando sus niveles de venta y escalando en los chart mundiales.

“Con la libertad viene la responsabilidad, por lo que me pregunto: ¿Qué es la libertad? ¿Qué signiÀca para mí? “L’Enfant Sauvage reÁexiona sobre eso; sin embargo, no hay una respuesta”, explica Joe Duplantier. Los niveles de contaminación mundial, sobrepoblación, inequidad, sobreexplotación de los recursos y otros vicios de la sociedad humana están llegando al colapso. El planeta Tierra está pidiendo un grito de auxilio y Gojira es el encargado de transmitirlo.

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Nueva sangre, nuevas bandas

Por Cristian Pavez

A fines de los setenta, Inglaterra se transformó en el epicentro del rock pesado con el nacimiento de la New Wave Of British Heavy Metal. Angel Witch, Samson, Tygers of Pan Tang, Raven, Venom, Grim Reaper, Diamond Head, Hell, Tank, Praying Mantis, Tokyo Blade y Cloven Hoof fueron algunos de sus exponentes. Pero sólo unos pocos lograron triunfar como Saxon, Motörhead, Def Leppard y Iron Maiden y tres décadas después, ese estilo de metal vuelve a emerger con fuerza. Por ello, pronosticamos las bandas que darán que hablar.

S

in duda fue una época excitante que dejó como sello un sonido característico e inconfundible y que hoy, 35 años después, vuelve a emerger en diferentes rincones del mundo. Los elegidos son:

sólo cuatro discos a su haber, esta aún joven banda, tiene mucho que decir y el mundo debe enterarse de su tremenda calidad.

Disco recomendado: “Legends” (2010) Más información: www.crystalviper.com

Crystal Viper

Huntress

Talento y potencia femenina desde Polonia

El magnetismo pagano de Jill Janus

Fundado en el año 2003 en Katowice, el cuarteto es liderado por la vocalista y primera guitarra Marta Gabriel, quien se presenta enfundada en sus ajustadísimos trajes de cuero negro, manteniendo intacta la imagen original que caracterizó a los grupos de la N.W.O.B.H.M. La potente voz de Marta, que incluye unos agudos de temer y su versatilidad en la guitarra, donde posee una técnica muy versátil para tocar sus melódicos solos, se han transformado en un sello de la banda. Cuentan con el apoyo irrestricto del sello alemán AFM Records que está dispuesto a llevar a la banda al primer nivel de la escena mundial. Acaban de editar su nuevo disco “Crimen Excepta” con críticas muy favorables y del cual han presentado el excelente video de ‘Witch’s Mark’, ambientado en la Edad Media. Pero su trabajo anterior “Legends” (2010), ya es considerado un pequeño clásico donde incluyen una potente versión de ‘TV War’ de Accept. Con

Jill Janus es una chica que se las trae.

Considerada como la King Diamond en versión femenina, debido a sus potentes agudos y su amplia variedad vocal, Jill fue robándose cada uno de sus músicos de otras bandas hasta tener su formación soñada para Huntress. De padre europeo, Janus heredó una fuerte influencia cultural del paganismo, donde tópicos como la hechicería, la magia negra y la filosofía antropológica ancestral son las fuentes que nutren sus interesantes letras. Con un origen en Highland Park en California, una zona boscosa que parece sacada de un paisaje de Europa, el quinteto firmó el 2011 un contrato con Napalm Records y se puso a trabajar de inmediato en su disco debut “Spell Eater” donde dan rienda suelta a su sonido basado en los “tritonos” bautizados en la Edad Media como el “diabolus in musica”. Las potentes presentaciones de la banda y la hiper sexualizada presencia escénica de Jill, para

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lo cual sale a cantar sólo en ropa interior y ataviada con una capa de hechicera, se han transformado en un imán irresistible para sus fans.

Disco recomendado: “Spell Eater” (2012) Más información: www.huntresskills.com

Katana

Un Samurai japonés emerge desde Suecia Provenientes de la escena sueca de Gotemburgo, los jóvenes muchachos de Katana están siendo fuertemente apoyados por Sony Music en su país natal, y es que sus reconocibles temas a punta de cabalgatas, guitarras gemelas y una voz alta y lírica, traen a la mente enseguida los comienzos de la Doncella de Hierro, incluso hasta rescataron las ajustadas tenidas a rayas. Para que la tradición sea completa, la mascota de la banda es una cadavérico Samurai, muy bien ilustrado a la antigua usanza. ¿Alguién dijo Eddie?Con sólo dos discos (“Heads Will Roll” de 2010 y “Storms Of War” de 2012), el grupo ha logrado captar la atención internacional, teniendo en el dúctil vocalista Johan Bernspag y la bella bajista Sussana Salminen a sus miembros más carismáticos.

Tienen juventud y talento y componen ese tipo de temas tan añorados y directos que los propios Maiden hace mucho rato dejaron de hacer.

Disco recomendado: “Storms of War” (2012) Más información: www.myspace.com/bladeofkatana

Kobra And The Lotus

Con el apoyo de Gene Simmons Considerados como los nuevos Iced Earth con vocalista femenina (además de sus claras influencias de Dio e Iron Maiden), esta prometedora banda de Calgary, Alberta, en Canadá, llamó la atención del mismísimo Gene Simmons de Kiss tras verlos en un festival en Europa y los fichó inmediatamente para su sello Simmons. Con semejante apoyo más la bombástica presencia de la bella Kobra Paige como frontwoman, el grupo rápidamente adquirió notoriedad y está ad portas de lanzar su segundo y esperado disco (aún sin título), del cual ya adelantaron el single ‘Forever One’, que fue producido por el renombrado Kevin Churko (Ozzy Osbourne), y que demuestra un evidente progreso en la calidad compositiva de la banda. Con un correcto debut (“Out Of The Pit” de 2010), que incluye una versión del clásico ‘Ace of Spades’ de Motörhead con una vuelta de tuerca, todas las fichas ahora apuntan a que con su nuevo disco, que será lanzado los próximos meses, Kobra And The Lotus finalmente consiga llegar a la cima.

White Wizzard

Jon Leon en la senda de Steve Harris Al igual que el gran Steve Harris, el bajista Jon Leon es el jefe de esta promisoria banda de Los Angeles, California. Con dos discos a su haber, la banda rápidamente llamó la atención con su LP debut “Over The Top” (2010), y ese clásico sonido metálico que se mueve con abismante fluidez entre Iron Maiden y Judas Priest. Además del rompedor tema título, en el álbum se destacan la extensa y épica ‘Iron Goddess of Vengeance’ y dos covers: uno de ‘Gates of Gehenna’ de la banda de culto de la N.W.O.B.H.M. Cloven Hoof y otro del clásico ‘Living After Midnight’ de Judas Priest. Con un fuerte apoyo del sello Earache Records, en septiembre del año pasado lanzaron su segunda placa, “Flying Tigers”, donde además del bajo potente y penetrante de Leon, destacan los agudos alaridos de Wyatt “Screamin’ Demon” Anderson, un vocalista que hay que tener en cuenta. Con temas cargados de la lírica clásica del género como ‘Night Train to Tokyo’, ‘Blood of the Pyramids’ y ‘Demons and Diamonds’, parece que estuviésemos a comienzos de los ochenta otra vez.

Disco recomendado: “Flying Tigers” (2011) Más información: www.myspace.com/whitewizzard

3 Inches Of Blood La quinta es la vencida

Si hay una banda que ha venido trabajando sostenidamente para lograr triunfar en la escena metalera internacional, son los canadienses de British Columbia, 3 Inches of Blood. Parece ser que con su recién lanzado quinto disco, el fabuloso “Long Live Heavy Metal” (2012, Century Media), el gran momento para este quinteto que debutó el año 2002, está llegando. Excelentes críticas del álbum y sólidas presentaciones en vivo son el aval de una banda que recrea con fidelidad absoluta el sonido de la N.W.O.B.H.M. y le pone su sello distintivo con la voz “chillona” del inconfundible Cam Pipes. En la banda también destaca la presencia del bajista Byron Stroud (ex Fear Factory y Strapping Young Lad).Y cuando uno escucha en “Long Live Heavy Metal” temazos como el single ‘Metal Woman’ (con una clásica introducción de guitarras gemelas en plan Priest), o el fabuloso tributo a Dio hecho canción con la muy a lo Rainbow ‘Look out’, se da cuenta enseguida que aquí hay algo especial.

Disco recomendado: “Long Live Heavy Metal” (2012) Más información: www.myspace.com/3iob

Disco recomendado: Lanzado pronto, sin título.

Más información: www.kobraandthelotus.com/

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Por Jean Parraguez

Retomando las raíces

Dos décadas cumple Sinergia este año. El primer apronte para esta celebración es un nuevo disco de estudio: “Aquí nadie debería ser pobre” es una obra que trae de vuelta el “metal-pájaro” y que corona una carrera que ha tenido de todo, pero que permanentemente se las ha arreglado para estar en un lugar destacado dentro de la música chilena.

D

esde su irrupción mediática, hace una década –tras diez años de formación-, con uno de los últimos clásicos que nos ha entregado el rock chileno –‘Mujer robusta-, Sinergia ha estado, de una u otra forma, siempre conectado a los quehaceres de la sociedad de nuestro país. Con su particular visión y manera de expresar las más diversas costumbres del terruño, el grupo se ha transformado en un ente opinante, que muchas veces ha logrado sacar a colación temas que no a todos nos gusta vertir sobre la mesa.

Con una carrera llena de kilómetros en el cuerpo, los oriundos de Conchalí vuelven una vez más al asfalto con un nuevo disco.

“Aquí nadie debería ser pobre” es un nombre bastante decidor para cualquier ojo y ese es un mote que los nacionales no esquivan, al contrario: “Hay un país con mucho crecimiento económico, bonanza y todo, pero hay muchos, una cantidad impresionante de gente que se está quedando fuera de eso. Está viendo que todo este crecimiento está provocando más deudas, menor calidad de vida. Entonces, el llamado del disco es como a derrotar eso”, anuncia Don Rorro, como patentando una línea a seguir en el método conceptual de la obra.

Lo más reciente del sexteto llega marcado por todo lo que ha significado para Chile el cambio de paradigma –en la teoría- que ha traído un gobierno de derecha, tras muchos años bajo el alero de la Concertación, pero cuyos aparentes beneficios en lo economico no han llegado al grueso de la población. El vocalista, una vez más, toma la palabra: “Muchas de las canciones hablan de eso. O sea ‘Justo justo’ de por qué en esta

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época, que es la más millonaria, la más intruída, la más conectada, hay tanta injusticia y tanta desigualdad. Si tú no eres capaz de responder eso, es porque el país tampoco ha sido capaz de responderlo”.

Uno de los botones de muestra para este descontento se ha centrado en ‘Toy chato’, el primer single del elepé y que amalgama una lista de situaciones, desde las más básicas hasta las más peliagudas, que poco a poco van agotando la paciencia, “Sinergia no tiene la fórmula, pero si el don.Tenemos el don de poder escribir las cosas en ese contexto y de repente somos capaces de escribir una canción como ‘Toy chato’, que nos quede tan al hueso, que nos quede precisa. Sin decir tanto, decir mucho. Sin ser tan explícito, igual apuntar al blanco”.

Todos estos antecedentes hablan de un grupo de personas que están en constante interacción con lo que está pasando en el país. Pese a quien le pese, Sinergia es una de las bandas más grandes y de mayor conovcatoria en Chile, por lo que adoptar un divismo sería un camino bastante fácil. Sin embargo, el guitarrista Pedro López argumenta que “Somos de Conchalí. Crecimos en barrio de la clase media. Creo que, por eso, tenemos una visión un poquito más equilibrada. Somos personas comunes y corrientes”.

La evolución que en materia de letras ha adoptado Sinergia es un claro ejemplo de cómo no abstraerse de la realidad, sino que manejar la empatía es una clave para entregar un mensaje: “Es una idea fuerza que

está presente en todo el disco, y que está principalmente en la canción ‘Eslabón’, que engloba como todo el concepto del disco respecto de cuál es la postura de la banda en relación con todo lo que está ocurriendo”.

La insatisfacción con la sociedad viene justamente de la coartación de libertades y derechos que vemos que cada día se van violando, de parte de autoridades y de las fuerzas de orden público, lo que provoca que el grito de protesta salga fuerte y claro, en todos los ámbitos. Una de sus canciones, ‘Día del sexo’, apunta a esa dirección: “La libertad para el placer, la libertad de pasarla bien, de que no todo tenga que estar asociado al consumo, sino que divertirse más, un llamado a la liberación. Siento que esa es la gracia que tiene la canción ‘Día del sexo’, y por eso nos gusta tanto a nosotros. Poder darse esa oportunidad de soltar las ataduras, que este país tiene muchísimas, somos esclavos de un montón de cosas”.

El nacimiento del disco –que Don Rorro presenta sin mayores preámbulos como “el más conceptual de Sinergia”- vino en el show “20 lados B”, que se brindó el año pasado en Matucana 100. Fue un repaso a las canciones que los fans del grupo tienen un especial cariño pero que no son muy atendidas en los sets. Generalmente se trataban de creaciones de los primeros años y esa fue una característica que hizo que el conjunto viera otro aspecto, en lo musical.

“La gente se reencantó y nosotros también. Disfrutamos mucho haciendo ese show. Entonces, ahí nos vino como un click, como que ‘tenemos ganas de hacer

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esto’. En ‘El Imperio de la Estupidez’, hubo una propuesta de transversalizar mucho el discurso, y tuvo sus cosas buenas y malas. Pero ahora es, como en el fondo, de reforzar la faceta rockera”.

Don Rorro facturó con esas palabras que abordar un nuevo trabajo se transformó, al mismo tiempo, un regreso a las raíces sonoras del grupo, algo que en Rockaxis tuvimos el privilegio de experimentar cuando los visitamos en su estudio en el verano, mientras trabajaban los detalles de “Aquí nadie debería ser pobre”. En definitiva, el “metal pájaro” volvía en gloria y majestad:“La introspección en SInergia para hacer el disco fue ‘Mira, la gente está diciendo esto. ¿Qué opina la banda al respecto?’, y lo que pasó es que la banda estaba sintiendo lo mismo. Estábamos con ganas de retomar ese lado rockero, quizás también viendo que la escena está como dominada por el pop, los cantautores y la cumbia, lo que es bueno, no tenemos ningún atado con eso. Pero cuando pasa eso, la diferencia de Sinergia aÁora más fuerte en el interior, para decir ‘Sabes, esta gente, nuestros colegas, están haciendo este tipo de música’ y ahí te das cuenta de que eres realmente rockero”.

La explicación para ese paso fue lógico, no forzado, y fácil, como lo indica el vocalista, apuntando a una necesidad en el ambiente musical de Chile hoy en día: “Aquí hace falta rock. Creemos que Sinergia tiene ese rock presente, sobre todo en estos días, que están tan dominados por otros estilos de música.

Entonces, siento que hace falta el rock en Chile, hace falta que el rock chileno esté más presente en una forma transversal en la escena musical y mediática, y si Sinergia tiene las llaves para eso, bienvenido”.

El primer paso para este nuevo aire de Sinergia vino de la mano de su primer single que, como lo hicieron en su momento ‘Te Enojai por Todo’, ‘Mi Señora’ y tantas otras canciones del sexteto, ha tenido una excelente recepción: “Si hemos visto que ‘Toy chato’ ha generado una inquietud mediática, de los mismos seguidores, del periodismo noticioso, contingente.

Las radios, algunos periodistas nos han llamado y dicho ‘Oye, la canción llama mucho la atención’”.

Una de las situaciones que llaman la atención de esta entrega del grupo es que, por primera vez, se atrevieron a componer temas instrumentales. Son conclusiones de anhelos que durante mucho tiempo rondaron en el ambiente, como explica Don Rorro: “Hace años que queríamos que los DJs hicieran un tema,

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y que hubiera uno como power trío, que eran ideas que hace años que estaban. Entonces dijimos ‘Bueno, es que si no lo hacemos ahora, ¿cuándo?”. Los temas en cuestión son ‘Mensaje de texto’ y ‘Marchando’, lo que representa un enriquecimiento y una renovación en su propuesta.

INTERNACIONALIZACIÓN: CUENTA PENDIENTE El hecho de ser una banda con tanta popularidad en nuestro país, les ha brindado a Sinergia la oportunidad de estar en algunos de los eventos más grandes de Chile, entre ellos, el Festival de Viña y el primer y único Vive Latino que se ha hecho en estas tierras, en abril del 2007. Después de haber tocado techo, el tema de incursionar al extranjero siempre es un asunto frecuente.

Sinergia tampoco ha arrancado de aquella máxima. Es más, lo han visto siempre como una asignatura pendiente, ya que en sus escasos viajes fuera del país, siempre han cosechado buenas opiniones en materia de público, pero que por diversos motivos no se ha podido concretar: “El asunto de la internacionalización es más responsabilidad de Sinergia que de la música de Sinergia. Creo que tenemos una deuda propia de banda de animarnos a salir a tocar fuera, porque cuando lo hicimos nos fue la raja. Pero no hay que ir una pura vez, hay que ir caleta”.

Con esto, asumen como un reto que tienen que conjugar con sus diversas actividades personales y como grupo que mantienen en el país. Muchas acciones que tienen que alinearse para que todo resulte. Por lo pronto, cuentan que en países como Colombia, “El imperio de la estupidez” fue una obra muy bien recibida, y que la posible barrera idiomática de las canciones –en materia de términos anclados a la idiosincracia de Chile- no es tal.

Por ahora, Sinergia reparte su tiempo en presentar “Aquí nadie debería ser pobre” y las celebraciones por sus veinte años. Son dos décadas en que el grupo ha enfrentado y sorteado obstáculos de todo tipo, siempre primando la paciencia y la seguridad de saber que algo tenían que entregar, y con el convencimiento impoluto de no abandonar la música. Lo deja muy claro su vocalista: “La música es como una amante que nunca te suelta”.

Erick Ávila adelanta detalles de “Falling Angels” Por Rodrigo Bravo Bustos

Las “seis magias” se vuelven a hacer presentes en las estanterías mundiales a través de su cuarta placa, “Falling Angels”, producción que ya han anticipado en sus recientes shows y que hoy se transforma en uno de los grandes lanzamientos del metal chileno.

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E

rick Ávila, guitarrista y líder de Six Magics, nos cuenta todas las novedades que contendrá este nuevo lanzamiento, profundizando en sus temáticas líricas, producción y también en los aspectos que rondan a la banda, como lo es la complicada enfermedad de la vocalista Elizabeth Vázquez, los reencuentros con sus ex compañeros y el futuro de una banda tan evolucionada como consolidada.

Imagino que deben estar muy contentos con el lanzamiento de “Falling Angels”. ¿Qué pueden esperar los fans de este nuevo CD? ¿Cuáles son las grandes diferencias con su antecesor?

“Este nuevo material es mucho más pesado,

con una Ely en la voz mucho más agresiva y libre al momento de cantar. Mucho más técnico, progresivo y con un fuerte contenido en las letras. Además es un disco muy variado en cuanto a dinámicas. Creo que es una muy buena definición para hacerse una idea de lo que es “Falling Angels””. ¿Cómo fue el proceso de grabación, mezcla y masterización?

“Tuve la gran oportunidad de trabajar nuevamente con mi amigo Javier Bassino, quien participó en nuestro disco anterior como sonidista junto a David Prater. En cuanto a la grabación quede impresionado con el desempeño que tuvo Ely, solo ocupó un par de sesiones para dejar todo el disco grabado; al igual que nuestro batero Pablo Stagnaro, que dejó todo grabado en dos tardes. En las guitarras y el bajo nos dimos más tiempo, sobre todo considerando que era el debut de nuestro guitarrista Pablo Proharam en el estudio, nuestro pequeño gigante: Fin Fan. El bajo de Mauro suena como cañón, cada vez sacándole un sonido muy potente a su instrumento, sobre todo ahora que se cambió a lo análogo. El proceso de mezcla y masterización fue impecable con Javier. Dejó todo sonando tal cual como lo imaginé antes de llevarlo al estudio, así que muy conforme con todos los resultados”. ¿Qué sorpresas hay en “Falling Angels”? ¿Algún músico invitado?

“Bueno, en los coros del disco está apoyando mi amiga de la Escuela Moderna, Consuelo Schuster, quien ha trabajado ya con nosotros en nuestro segundo disco. Además, en este disco pude darme un lujo que siempre había querido, me conseguí el oboísta principal del Orfeón de Carabineros. También fue mi debut como cantante en el tema más thrashero del disco, ‘Start Another War’. Eso es en cuanto a la musical, pero además tuvimos el gran honor de contar con la misma empresa inglesa que le hizo la carátula a My Dying Bride, quienes diseñaron nuestro artwork”.

Las letras de Six Magics han cambiado con el tiempo.

Desde líricas que hablaban de caballeros medievales, mitos chilotes, hasta la oscuridad del último álbum. ¿En qué se inspiraron esta vez?

“Ely estuvo a cargo de toda la autoría de las letras y el concepto de “Falling Angels” nos identifica mucho como personas, pues muchos de los relatos son vivencias que nos han sucedido y que van muy hiladas con el sentimiento que evoca la música. Están escritas de tal manera que las frases pueden llegarte en cualquier circunstancia de vida, una frase puede significar varios caminos, es un concepto realista, terrenal y muy crudo e irónico en algunas ocasiones. En el fondo nada más humano que la vida en sí misma”.

Musicalmente hemos visto grandes cambios estilísticos en Six Magics, desde “Dead Kings Of The Unholy Valley”, hasta esta nueva producción. ¿Cómo evaluarías la evolución de la banda en este aspecto?

“Hay una evolución enorme. Cuando compuse el “Dead Kings…” era un joven estudiante y nunca pensé llegar a lo que hemos logrado con Six Magics. Ahora la banda para mí es una forma de vida, es mi profesión, por lo que eso tiene un claro reflejo en todo trabajo que envuelve a la banda. Hace 15 años atrás estábamos con la adrenalina y las ansias de la adolescencia y eso lo traspasábamos a la música, ya que no hay forma de que eso no suceda; ahora estamos más calmos y dispuestos a transar ciertas cosas en beneficio de que nuestra música nos deje satisfechos a todos”. ¿No se les hace complejo tener que interpretar las antiguas canciones con esta nueva formación, nuevo estilo y distinta vocalista?

“Las antiguas canciones siempre serán parte de nuestra historia, sobre todo considerando que son las canciones con las que yo debuté como compositor y, si bien no es lo que nos representa musicalmente hoy en día, también son nuestra esencia y les tenemos un enorme cariño, pues

fueron las canciones que formaron este gran sueño que es Six Magics.

No nos complica tocar ese material, pues disfrutamos mucho el ver a la gente que -después de 10 o 13 años- aún corea esos temas. Con Ely tampoco tenemos limitaciones en cuanto a su registro para poder interpretarlas, así que siempre contentos de tocar esas canciones, sin duda”.

También sabemos que ella ha tenido que luchar con una difícil enfermedad. ¿Cómo ha sido su evaluación? ¿De qué manera has visto que Six Magics ha sido un soporte para que ella pueda seguir adelante?

“Sí, desafortunadamente hemos tenido feos episodios y justamente parte de las letras de este disco son el reflejo de esas vivencias, por eso el disco es tan especial y emotivo. Al igual que mientras grababa el disco anterior, ella fue detectada por segunda vez con una enfermedad tan difícil como es el cáncer. Dos veces en menos de cuatro años… no ha sido fácil. Ambos discos fueron grabados casi en las mismas circunstancias, aunque este último fue algo más duro, pues la quimioterapia que debía recibir la dejaba muy mal en los días posteriores. Aún así, ella misma fue quien nos pidió no cancelar el concierto que habíamos agendado para noviembre de 2010 y quien quiso grabar de todas maneras el disco. Nos dijo varias veces que ella iba a estar viva para hacer eso y mucho más. Pienso que la banda hizo que ella sintiera que no se podía ir aún y que tenía muchas cosas por hacer aún. La Ely ha sido una tremenda mujer y ha salido victoriosa de las pruebas que le ha puesto la vida, claro que ha sido muy duro para ella, pero hoy en día se encuentra bien y recuperándose poco a poco, aunque siempre con los cuidados que una persona en su condición debe tener. Nosotros, disfrutando al máximo la nueva oportunidad que se nos ha dado de seguir teniendo a esta gran mujer a nuestro lado. La banda siempre ha estado apoyando a Ely incondicionalmente, siempre hemos sido una familia y lo primero para nosotros es el bienestar del compañero”.

Se nota que Six Magics es una familia. En el pasado The Metal Fest vimos como algunos de sus ex compañeros, Gabriel Hidalgo y Sergio Villarroel, estaban entre los presentes. ¿Qué podrías decir de ellos mientras estuvieron en la banda? “¡Uff! Ese día me emocioné al verlos a los dos ahí; grandes hermanos y compañeros. Fue una gran época la que tuvimos juntos y lamentable, por situaciones netamente profesionales, no pudimos continuar; pero fue una gran experiencia compartir escenario con Checho, “Panqueque”… tan divertido como uno lo ve en la tele. Se le extraña harto. Gabriel Hidalgo, gran compañero de guitarra, un maestro y una gran persona, humilde como todos en la banda siempre han sido, lo que engrandece su talento. Fue una gran época la que vivimos juntos”. ¿Por qué vemos tocar tan poco a Six Magics? ¿Se les hace muy complicado tocar en vivo?

“Siempre nos ha gustado tocar brindando un show de lujo a nuestros seguidores, pero para lograrlo se requiere de mucha organización previa y producción. Es por esto la dificultad de hacerlo tan seguido.

Ahora, que estamos trabajando junto a Sinaxis, creo que será más fácil tocar en vivo, pues ellos tienen el mismo interés que nosotros en hacer que la banda pueda presentarse en la mayor cantidad de lugares posibles”.

Hablando de proyectos. ¿Han pensado en otra gira de Six Magics por el extranjero?

“Esperamos que el próximo año vengan varias cosas importantes para la banda, este disco está teniendo mejor entrada como resultado de la gira que tuvimos el 2010, así que tenemos grandes expectativas para el 2013”.

(Puedes leer la entrevista completa en el Home Metal de Rockaxis)

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Multiculturalidad y visión de futuro Por Felipe Kraljevich Foto: Cristian Soto

Acaban de presentar en sociedad “Raza quimera”, su tercera producción, en la que regresan a la canción “formal” y desintegran, por enésima vez, al imaginario colectivo de nuestra sociedad. Una verdadera “raza quimera” que se gesta en los suburbios y que crece. Esta es la crónica de cómo se gestó este nuevo trabajo y también, un acercamiento inicial a un proyecto dedicado a los niños rockeros.

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E

l que termina por agradecer a los niños es el Lobo Ferock, líder indiscutido de las Mosquitas Muertas. El colectivo de dudosos insectos hizo reír, bailar polka y cantar a los pequeños con una mezcla que va desde el rock filtrado por Zappa hasta sonidos tradicionales de cueca, blues, jazz guachaca e inocencia.

Se preguntarán entonces qué tiene que ver esto con La Mano Ajena, colectivo que por estos días lanzó con bombos y platillos su tercer disco, “Raza quimera”. Detrás de la más cara del Lobo Ferock se esconde Rodrigo Latorre, director artístico tanto de las Mosquitas Muertas como de la banda de raíz chilena y romané. El multi-instrumentista es uno de los tantos denominadores comunes entre el proyecto de rock infantil y la propuesta más consolidada y reconocida en los círculos criollos.

Quizás sea la influencia de este nuevo aire infantil, o sólo la inspiración, lo que llevó al colectivo a simplificar las cosas para su tercer largo y enfocarse netamente en canciones, en contraposición a lo que fue su placa de 2008, “Radio Galena”, que en su desarrollo se esconden varios conceptos. “Qué bueno que quede en evidencia -cuenta Latorre- hay una preocupación que tiene que ver con esta proyección consciente de la banda en cuanto a los contenidos musicales, al contenido de un disco que da espacios para ir abriendo discursos nuevamente, como en nuestro primer trabajo”.

El discurso es parte fundamental para comprender a La Mano Ajena.

La visión del mestizaje cultural, en conjunto con la denuncia a hechos deleznables, fue lo que marcó la primera etapa de la banda y ahora, con la salida de “Raza quimera”, se construye un corolario de ello. “Hace más menos diez años que estamos viviendo un proceso de incorporación cultural y racial que se ve todos los días”, dice Rodrigo.

De ese proceso, fuente inagotable para la música de La Mano Ajena, Rodrigo Latorre es testigo privilegiado. Desde su querida Maipú ha visto la llegada de gente proveniente de diversas latitudes las que han aportado con su cultura. “La calle se está llenando de otros coloridos.Vas a la feria y te encuentras con el rocoto, con una serie de papas que no se veían antes y eso es de lo que nosotros nos estábamos nutriendo”, dice el músico.

Sin embargo, no todo se queda en la multiculturalidad propia que presenta la música de La Mano Ajena, a la que responde el mismo nombre de “Raza quimera”. Para el director artístico de la banda, “este es un disco de agradecimientos a lo que somos, a nuestro legado, a un sello particular de nuestra generación”.

Es más, este agradecimiento “público” de La Mano Ajena evoca la necesidad primaria del contar historias, cual bardo. “Siempre hablo de escenarios de doce metros. Cuando uno tiene un escenario tan grande hay que llenarlo de energía y hacerlo pequeño para que la gente no te sienta inalcanzable. Hacer discursos, levantar diálogos espontáneos e ir construyendo puentes, para que el último de la galucha se sienta parte de algo, que sea un participante de un evento”, explica Latorre.

Me da la impresión de que este disco es mucho más rockero que los trabajos anteriores. ¿Es tan así? ¿Es “Raza quimera” el álbum de rock al estilo La Mano Ajena?

“Lo que pasa es que en “Radio Galena” comienza a evidenciarse la necesidad de volver a la raíz. Es cierto, nosotros fuimos músicos que en algún momento nos formamos y pasamos por la academia y de ahí le dijimos chao a la academia y no a la partitura, y eso también resultó en una precondición, casi como un discurso político. Nosotros vamos a preocuparnos de sostener en todo momento esta vinculación con el público y no tener esta especie de muro de Berlín con atriles y partituras, que finalmente es una trinchera.Yo creo que “Radio Galena” nos permitió validar nuestras experiencias anteriores con el rock, el funk, la psicodelia, lo que se ratifica en “Raza quimera”.

Hablabas de esta suerte de discurso político propio de La Mano Ajena. En relación a “Raza quimera”, ¿es este su disco más político, o con el discurso más marcado?

“Es un disco muy político. Lo que pasa es que hay mucha una ironía más constante con respecto a todo. Creo que jugar con esta imagen de músicos decadentes del rock que ya vienen como de vuelta, que están todos guatones y todavía están vestidos de brillo. Creo que es un disco mucho más político, más rockero, punketa, y con la madurez y sin grandes pretensiones también”.

MOSQUITAS MUERTAS: FRANK ZAPPA PARA NIÑOS Para Rodrigo Latorre, el legado tiene que ver con hacer algo ahora con las futuras generaciones. Eso lo llevo a formar este colectivo, en el que destaca su labor como pedagogo bajo la máscara del Lobo Ferock, personaje moderno que conduce a las Mosquitas, en paralelo a su alter ego Latorre, director de La Mano Ajena. “En realidad, hay muchos elementos que están circulando. Obviamente, el tema de la composición y dirección son elementos que están marcados”, reflexiona Rodrigo Latorre cuando se le pregunta respecto a cuales estructuras van de un lado a otro en estos proyectos. “Yo creo que los músicos vamos construyendo estos guiños, estos tips, que los vamos pasando de un lado a otro”, dice el director. ¿Cuál de los dos proyectos es más “serio”: La Mano Ajena o Mosquitas Muertas?

“La Mano Ajena tiene esa connotación donde todavía gravita lo que está hecho anteriormente. Las Moscas, por su parte, es ir haciendo un homenaje al imaginario del rock”.

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Instinto animal

Por Andrés Panes

De ser una banda de colegiales con ideas dispersas y rumbo poco definido, Milodonte acaba de dar el gran salto con “Subsuelo”, un segundo disco de personalidad marcada y ásperas guitarras influenciadas por Sonic Youth.

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“

El milodonte es un bicho raro. A pesar de ser chileno, no representa una identidad nacional típica”, comentan los miembros de Milodonte, la banda de Benjamín Astete, Eugenio Larraín y Sebastián Grau. Los tres se conocieron tocando punk rock cuando eran liceanos, después en 2009 sacaron un disco y ahora acaban de editar otro.

Entre ambos trabajos, el debut “Guía para los animales” y el reciente “Subsuelo”, hay un abismo de diferencia: el primero parece una lista de reproducción aleatoria con varios artistas y el segundo es un álbum con todas las de la ley. “Se puede dejar correr de principio a Àn, tiene un ambiente que te atrapa”, dicen ellos sobre este nuevo lanzamiento, disponible en www.milodonte.com.

“Subsuelo” es bien distinto a “Guía para los animales”. Ahora con la perspectiva del tiempo, ¿qué piensan de su debut?

“Mirando para atrás, creemos que fue un buen disco considerando la época en que se compuso, le tenemos cariño porque supimos que hicimos lo mejor posible, pero lo vemos como una pieza que funciona más como un conjunto de EPs que como un LP, a diferencia de “Subsuelo””.

Claro, el concepto de “Subsuelo” está mucho mejor amarrado. ¿Implicó más reflexión previa, tal vez?

“Siempre tuvimos en mente hacer un disco que fuera más homogéneo, que funcionara como una sola pieza.

A pesar de que no es un disco conceptual, teníamos en la cabeza una estética que involucraba las canciones y el sonido. Quizás no fue una reflexión tan consciente o forzada, quizás fue un proceso más intuitivo y al final más honesto. Además, desde un principio, el proceso de composición fue muy espontáneo y las canciones respondían a una época común”.

Hablando de épocas en común, ¿cómo ha cambiado la banda desde que eran colegiales hasta ahora? ¿Qué se mantiene?

“Por una parte, lo que se ha mantenido siempre es el ánimo de hacer las cosas lo mejor posible, partiendo por la música y siguiendo hasta los mínimos detalles. Por otro, el hilo conductor de las distintas etapas de la banda, desde que tocábamos punk hasta ahora, ha sido la dupla que armamos con Benjamín. Es el DIY pero sin abusar de la huincha aisladora. Lo que ha cambiado es sobre todo la forma de hacer música. Los roles de los tres que formamos el núcleo de Milodonte son flexibles, somos capaces de aportar ideas con distintos instrumentos, y eso hace que todo se haga más espontáneo y natural”. ¿En qué se reflejan esa flexibilidad y ese intercambio de ideas en “Subsuelo”?

“En que, en general, la mayoría de las canciones nacieron con un riff de guitarra guacho, que después desarrollamos en un demo o improvisando en la sala de ensayo. Además, como un tercio de las canciones ya venían más completas desde su origen, con las estructuras más definidas. La grabación fue rápida, pero le dedicamos mucho tiempo a las guitarras, sobre todo buscando los timbres ideales para cada sección. Por otra parte, hubo una preocupación por encontrar un sonido especial, dándole importancia a registrar como sonaban los instrumentos en la sala, usando micrófonos a cinta y fijándose con especial cuidado en la batería, que la grabamos en una sala grandota.

Por lo general la forma de trabajar el disco fue preocuparse de no invadir el ambiente que armaban los riff y la batería. Por eso las voces Benjamín las trabajó tratando de no romper con eso y quizás por eso mismo se sienten más enterradas. Las otras capas también se trabajaron un poco con esa intención”.

Milodonte es una banda de guitarras. ¿No creen que el

panorama guitarrero en Chile está un poco estancado?

“Sí, estamos de acuerdo, es verdad que hace un tiempo que no hay una banda nueva que proponga algo fresco a partir de las guitarras y por eso creemos que existe espacio. Quizás eso que tu dices que ocurre en Chile, es así también afuera, por lo menos hablando de música que no es cien por ciento experimental”.

Entonces, según ustedes mismos, ¿qué hace interesante a su grupo?

“Quizás que no somos tan predecibles. Ninguno de los tres somos músicos de aula, somos todos autodidactas y quizás no estamos tan determinados a hacer algo en específico o caer en recursos sobreexplotados. Al final, sin querer salen cosas frescas. Puede que en diez años estemos haciendo polka noise”.

“SUBSUELO”, CANCIÓN POR CANCIÓN ‘Fisuras’: La elegimos como single porque representaba bien el disco.

Tiene un buen equilibrio entre lo más delicado y lo más áspero, sobre todo el riff que abre y cierra la canción.

‘Otras especies’: Una de las más densas de Subsuelo. Es una de nuestras preferidas. La estructura es súper rara, pero fluye bien.

‘Hombre en el cable’: El demo se llamaba ‘Lalalalá’. En vivo el

público cree que se acaba a mitad del interludio.

‘Tiempo’: La “balada” del disco, que termina destruida y con tonos estridentes.

‘Disciplina’: El primer tema compuesto en guitarra por Eugenio y uno de las primeras que quedaron listos.

‘Ribbon’: Es más instrumental, juega con ricos timbre y melodías de guitarra. Mientras grabamos las voces, hubo un temblor de los que dan susto.

‘Subterráneos I y II’: Originalmente una sola canción, separada para el master del disco. La parte I nos abrió muchas posibilidades de producción para el resto de las canciones. Es una de las más desafiantes en vivo por los loops de piano que aparecen en el interludio. La parte II fue básicamente un demo que no quisimos manosear para conservar el espíritu punk del trío en vivo.

‘Intento de vuelo’: Más lenta y pegada con una buena explosión y outro final.

‘Valparaíso abajo’: Una de las canciones más pesadas. Tiene una estructura compleja que te lleva a distintos estados.

‘Así se formaron las rocas’: El lugar común es que es un verdadero viaje y una buena forma de cerrar el disco. Acá nos dimos espacio para jugar con texturas y capas.

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ADRIAN OTERO (1958-2012) El blues se quedó sin su jinete

Por Claudio Ibarra

La voz del blues de Sudamérica falleció el pasado 12 de junio en un accidente automovilístico en una carretera camino a Córdoba. Desde ese momento, se comenzaría a escribir la leyenda del personaje más influyente del blues de este lugar del planeta.

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N

adie se lo esperaba.

A través de las redes sociales se informaba del triste fallecimiento de Adrián Otero, producida a las 14:30 horas por un accidente de tránsito, sin dar más detalles de qué había pasado. Mientras los minutos transcurrían, la noticia de su muerte colmó Twitter y Facebook con oraciones y lamentos por lo sucedido.Ya a las 15:00 horas de nuestro país, los medios de comunicación nacionales daban cuenta de lo ocurrido y recordaban a Otero con lo mejor que sabía hacer: cantar. Él era un trovador en clave blusera. Cantaba de las situaciones cotidianas, de la vida y calle, con una voz que era anormal para un blanco y más aún de un latino.

Su tono era aguardentoso, rasposa, que gorgoteaba sentimientos de los mil barrios porteños. Otero, por sobre todas las cosas, era un tipo que incluía dentro de sus letras modismos típicos de su tierra, creando una identidad de blues argentino, ese que los hacía diferenciarse de los uruguayos, venezolanos, brasileros y chilenos, creando una verdadera escuela en el país trasandino a comienzos de los noventa.

Otero nació el 31 de julio de 1958 en Buenos Aires.

Siendo muy joven estudió psicología y viajó por Europa trabajando como periodista deportivo (hincha de Velez Sarfield a morir), además fue artesano y cocinero.

Durante su juventud, fue acumulando una gran cantidad de vinilos y con guitarra criolla intentaba imitar los añejos compases del blues. En el año 1978, conoce a Daniel Beiserman y al saxofonista Emilio Villanueva, quien ya había armado el grupo Memphis La Blusera.

La banda como tal, se forma en 1980 en un ambiente no muy propicio, dictadura militar y poco movimiento de la escena blusera nacional, solo Pappo y Manal eran los representantes de un blues incipiente, pero lleno de intenciones. Solo de pasar por varios pubs de la ciudad porteña y de telonear a Pajarito Zaguri en Obras y de presentarse en B.A Rock en 1982, la banda comenzó a forjarse un nombre, pero Otero seguía como periodista deportivo para un diario colombiano.

En el año 1982 fueron apareciendo las primeras canciones, que serían editadas en su primer vinilo, llamado “Alma bajo la lluvia”, que arranca con la energética ‘Moscato Pizza y Fainá’, una visión espejo de los ingredientes que debe tener el personaje argentino. Si bien lograron un mediano éxito, no fue hasta cinco años después que publicaron “Medias negras”, que contenía la clásica ‘La bifurcada’, uno de los temas ícono de la banda.

“Tonto Rompecabezas” de 1988 deja de lado la cuestión social para hablar del amor, luego vendría el homónimo de 1990 que solo hizo acrecentar aun más la fama de los porteños. Entramos en los noventa y Memphis era una institución del blues latinoamericano; llenaron

cinco veces el estadio de Obras, shows agotados en el gran Rex, recibieron disco de oro por “Nunca tuve tanto blues” (1993) y “Cosa de hombres” (1996) y realizaron giras por todo el Cono Sur, realmente eran un hit.

“Angelitos culones” (2001) fue el álbum que abrió la etapa del nuevo siglo, sin conseguir la recepción del público de las placas anteriores, para finalmente terminar su carrera discográfica el 2006 con “Etc”.

El 2008, cansado de vivir siempre lo mismo y argumentar que Memphis le hacía mal, declaró al diario “El Clarín”:“Me sentía mal, empantanado. Estaba metido en un rollo del que no podía salir. El laburo era siempre el mismo, me di cuenta de que Memphis no tenía destino. Era la nada misma.

Yo no podía aportar nada a la nada”, por supuesto que la fanaticada resintió la partida de la voz de la Blusera.

SU ETAPA SOLISTA Después de pertenecer a 30 años a Memphis, Otero decide emprender con un disco solista. Este trabajo se tituló “Imán” (2008) y contó con la colaboración de Marcelo Muir en guitarra, Germán Wiedemer en teclados, Daniel Castro en teclados y Marcelo Mira en batería, en suma, muchos de los ex integrantes de la Blusera. El resultado sería un disco revitalizador, lleno de energías positivas que invocaba la nueva parada de Otero, alejado de las drogas y reencontrando el rumbo de la vida en familia.

Una de sus últimas apariciones públicas fue en el programa “Soñando por cantar” un reality show que busca talentos de las artes musicales. Oscar Mediavilla, quien participa en ese programa y además fue productor de la última placa discográfica de Otero dijo a Cadena 3: “Siento una enorme tristeza, por la muerte de un loco lindo. Inventó el blues canción. Estaba bien, contento. Había alquilado una casa en La Cumbre y quería instalarse a vivir en las sierras”, refiriéndose a la nueva etapa del cantante.

Este disco estaba listo para salir al mercado el 1 de julio y lleva por título “El jinete del blues” y es un compilado de covers del rock argentino. En su estilo versiona a ‘No Pibe’ de Manal, ‘Me gustas mucho’ de las Viejas Locas, ‘Café Madrid’ de la Mississippi, ‘Salgan al Sol’ de Javier Martínez, ‘Vamos las bandas’ de Los Redondos y dos temas de Pappo, ‘Blues local’ y ‘Juntos a la par’. Sin duda que estos dos últimos temas hoy están sonando con una sinfónica en el cielo junto al gran Carpo.

El blues los unía y la carretera los mató.

Según Ricardo Tapia, vocalista de La Mississippi, Otero “Estaba en su mejor momento”, tanto profesional como personalmente. Se había ido a vivir al campo, dejando su natal Buenos Aires, sumergido en un proyecto que lo tenía muy emocionado y que, por lo demás, era la punta de lanza de una vuelta a los escenarios. Todo quedó truncado al igual de los sueños de miles de fans de la Blusera que alguna vez pensaron en verlos reunidos otra vez. Hasta siempre Adrián.

115III ROCKAXIS

Huellas del Rock

Roger McGuinn Pájaro mayor

Por Juan Ignacio Cornejo

Es el padre del folk-rock. Fundó The Byrds y con su guitarra de 12 cuerdas creó el sonido que despertó el espíritu revolucionario de la generación que se crió con Dylan y terminó liberándose en el Verano del Amor. El viejo McGuinn cumple 70 años y aquí repasamos su historia.

116III ROCKAXIS

E

l primer single de su banda no solo califica como una de las mejores versiones que alguna vez se hizo de un tema original de Bob Dylan. ‘Mr. Tambourine Man’ de The Byrds fue el nacimiento del folk-rock, un género difícil de comprender a la distancia pero que en Estados Unidos fue la llave de la cultura americana al rock.

Su carrera ha sido circular: empezó como cantante folk y eso es lo que está haciendo actualmente. Aunque su presente lo tiene haciendo lo que quiere, de seguro le gustaría gozar del reconocimiento que sus contemporáneos creen que merece.

The Byrds vivió a la sombra de los dos nombres más grandes de su época (o de cualquier época, en rigor): The Beatles y Bob Dylan. Fue mientras tocaba temas de los de Liverpool en el Troubadour que Gene Clark se le acercó y de ahí nacerían los Byrds.

“Los Beatles de Estados Unidos” fue también la denominación que los californianos recibieron desde su primer día. ¿Por qué? “Bueno, yo tocaba folk y The Beatles reemplazó al folk como la principal fuerza musical en mi país. Con The Byrds seguimos su camino, mezclamos eso con el folk y ahí nació lo que llamaron folk rock”.

Su última conexión beatlesca la encontramos en el instrumento que se transformó en el sello del sonido Byrds: “fuimos a ver la película “A Hard Day’s Night” muchas veces y me enamoré de la Rickenbacker de 12 cuerdas de George Harrison”.

McGuinn sabía del sonido de Estados Unidos: nació en Chicago, hizo sus primeros intentos en Nueva York y se fue a jugar sus cartas a California. “Esa fue una época muy linda, tocando en cafeterías y clubes folkie. Una vez que incluí temas de los Beatles y creaciones propias los tradicionalistas se molestaron y no fue fácil hacerme mi espacio hasta que llegué a tocar Àjo en el Troubadour de Los Angeles”.

El factor Dylan comenzó a jugar una vez que los Byrds estaban comenzando a hallar su material para un primer single. En esa nebulosa apareció ‘Mr. Tambourine Man’, tema que Zimmerman había grabado para “Another Side of Byb Dylan” pero que quedó fuera del disco a última hora. De segunda mano le llegó el registro a McGuinn quien después de algunos intentos fallidos de Gene Clark en la voz tomó la batuta, creó su intro de 12 cuerdas y completó un cuadro para la historia.

El propio Dylan fue al estudio a ver qué estaban haciendo estos novatos con su canción.

“Vio un par de tomas y luego dijo ‘lo hacen bastante bien’, que viniendo de él vale como un millón de elogios”, recordó McGuinn en el libro “Turn!

Turn! Turn!” de Ritchie Unterberger.

El camino de McGuinn no pudo despegarse de ‘Mr. Tambourine Man’ y sólo ‘Turn! Turn! Turn!’ pudo compartir el honor de llegar al número uno en el listado de Billboard. Ambos temas eran de 1965 y son testimonio del imponente golpe que los Byrds dieron a su generación, despertando así los Mamas and the Papas, Lovin’ Spoonful, Buffalo Springfield y otros de esta misma generación.

El color a la California pre-Revolución de las Flores se lo pusieron los Byrds con sus armonías vocales y la Rickenbacker de McGuinn.

Experimentaron con la sicodelia en ‘Eight Miles High’, dejaron en claro cómo se hacía folk y rock en una sola canción con ‘So You Want to Be a Rock n’ Roll Star’ y sacaron la cara por Norteamérica a la hora de hacer melodías que pelearan mano a mano con The Beatles en la propia Inglaterra (‘I’ll Feel a Whole Lot Better’).

“Sentimos que el mezclar el folk, el country y el pop era el camino natural de donde veníamos nosotros musicalmente. Nos pidieron que grabáramos ‘Mr.

Tambourine Man’ y todo cambió; fue una decisión consciente de dejar un pie puesto en Bob Dylan pero que era más importante sonar también como John Lennon” rememora el guitarrista de los lentes de cuadrados.

MUY ARRIBA Y MUY PRONTO El éxito instantáneo de los Byrds les hizo cargar con una mochila difícil de sobrellevar para cualquier banda, que es la de no saber vivir sin el éxito. En el camino, McGuinn perdió a Gene Clark y despidió a David Crosby y su reemplazante Gram Parsons y por último Chris Hillman dijo adiós en 1969. De ahí todo iría en caída libre para los Byrds.

“Soy el último que terminó quedando en la banda y tomaba todas las decisiones yo. Pero cuando estábamos con los otros (Clark, Crosby y Hillman, además del olvidado baterista Michael Clarke) era un asunto totalmente democrático”, se defendió McGuinn a quienes le acusaban de haber desarticulado a los Byrds por caprichoso.

En los setenta McGuinn giró con Bob Dylan (con quien le une una estrecha amistad y sus caminos seguirían cruzándose en el futuro) y grabó con Gene Clark y Chris Hillman. Pasaron los años y a fines de

los ochenta McGuinn le dio otra oportunidad a su legado histórico primero con Crosby y Hillman y luego con todos los otros miembros originales para una reunión en 1991 para su ingreso al Salón de la Fama. Lo que pudo ser una nueva vida para el grupo quedó en nada tras la muerte de Gene Clark la misma temporada.

En 1992 McGuinn cumplió 50 años, momento en el cual se dio cuenta que “me estaba comprando y estaba escuchando más y más discos de folk tradicional con la que me crié. Sin embargo, no podía encontrar esta música en vivo en ningún lado. Así es que me hice cargo de esa misión”, declara hoy.

Roger McGuinn (que comenzó su carrera como Jim McGuinn) cumple 70 años este 13 de julio tocando la música que primero lo subió a un escenario y no piensa dejarlo.“Le debo mucho a la música; estuve nueve años en los Byrds y todavía puedo escuchar alguna canción nuestra en la radio. Ahora estoy devolviéndole porque siento que es lo correcto y lo que me hace sentir completamente libre”.

117III ROCKAXIS

CDAXIS

The Smashing Pumpkins “Oceania” Billy Corgan presenta su mejor trabajo desde su regreso hace cinco años con “Zeitgeist”. www.smashingpumpkins. com

En esta edición DISCO DEL MES

Rush

“Clockwork Angels” DESTACADOS POR ESTILO: VANGUARDIA: Tenemos Explosivos “Tenemos Explosivos”

Floratone, “Floratone II”

El debut del conjunto nacional presenta un trabajo pulcro y de avanzada en la escena. De lo mejor de la temporada.

METAL:

tenemosexplosivos.com

BLUES:

Gojira, “L’Enfant Sauvage” Oli Brown, “Here I Am” XCORE:

Torche Harmonicraft

Millencolin, “The Melancholy Connection”

El grupo de Miami presenta una de sus mejores producciones, con guiños a Queens of the Stone Age, pero manteniéndose meles a las candencias del metal.

REEDICIONES

www.torchemusic.com

DVDAXIS

David Bowie, “Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” Paul McCartney, “Ram” The Beatles, “Yellow Submarine” 119III ROCKAXIS

CDAXIS DEL MES

120III ROCKAXIS

Rush

Clockwork Angels Anthem

T

anta espera por un nuevo álbum de Rush después de cinco años (la segunda espera más larga en su carrera después del break tras las muertes de la hija y la esposa de Neil Peart) parecía justificarse, más allá de las extensas giras y la época de vacas gordas para los canadienses, en el pesado trabajo conceptual que había detrás de “Clockwork Angels”.

Este es el primer disco cuya temática envuelve cada una de sus canciones y funciona casi como una óperarock. O al menos así lo han reconocido sus propios autores, asumiendo que siempre hubo en su obra tópicos dominantes (difícil creer que “2112” no era de la misma familia que esto). De entrada podemos advertirles que “Clockwork Angels” es tan incuestionablemente bueno que el concepto es, al menos, secundario.

No es un álbum fácil de escuchar, es cierto. El que la placa arranque con dos temas que ya conocíamos sólo suma a la ansiedad por llegar a lo realmente novedoso.

Lo otro es que ‘Headlong Flight’, el tema escogido como single promocional, era épico y tremendamente pesado y no es el mejor indicador de lo que trae el LP; este es un disco con numerosos colores y volúmenes, por lo que si el adelanto te había dibujado ya un mapa mental de lo que encontrarías, aquí hay una sorpresa tras otras.

Nunca pensamos que de esas dos canciones que adelantaron (‘Caravan’ y ‘BU2B’), la que no fue el single fuese la que haría casi de hilo conductor en el recorrido pista por pista. El tema que da nombre al disco, intenso y tan épico como ‘Headlong Flight’, está lejos de la luminosidad que abundará en los tracks por venir.

Rush no necesita probar fórmulas y no tiene nada de malo que pruebe con recursos ya probados. ‘The

Anarchist’ -uno de los varios cortes que rozan la perfección- tiene una línea melódica que tiene todo de su iluminada serie de fines de los setenta y que remató con ‘Limelight’ en “Moving Pictures”. Lo mismo ocurre con los coros de ‘Wish Them Well’: sabemos que eso lo hemos escuchado antes, pero no hay nada de malo en ello.

‘Carnies’ se deja llevar y sus aspiraciones están en el espacio, no en la tierra; ‘Halo Effect’ se resuelve sola y no necesita más de tres minutos y quince segundos para hacer el tema que el trío buscó durante todos los noventa; ‘Seven Cities of Gold’ es tan redonda que suena compacta y dura más de seis minutos.

Si ‘The Anarchist’ no es el mejor tema del disco sin discusión es porque los canadienses supieron encontrar alimento en la calidez de una pieza de joyería que lleva por nombre ‘The Wreckers’. Impresiona que en ninguna de las dos hay excesos; Lifeson, Lee y Peart tocan lo que tienen que tocar y no más (la rítmica de ‘The Anarchist’ es una locura, pero una perfecta locura). Quizás sólo el final con ‘The Garden’ suene demasiado recargado, más por un asunto sónico que interpretativo.

El joven que intenta desenvolverse en un mundo caótico en todo sentido y con elementos ficticios que ya podíamos imaginar abundarían (bolas de luz flotando en el aire, cuerpos y mentes poseídas, países para perder la cabeza, ángeles y varios otros que desafiarán a los fanáticos) es el personaje central sólo en la intención inicial de Neil Peart. Cada canción está perfectamente hilada como para obviar que en cuanto a la construcción de sus canciones esto es lo mejor que Rush hizo en décadas. “Clockwork Angels” valió la pena la espera. Con esto tenemos para rato.

Juan Ignacio Cornejo K.

121III ROCKAXIS

The Beach Boys

That’s Why God Made the Radio Capitol

Nadie se esperaba que para sus cinco décadas de carrera los Beach Boys se plantearían el desafío de hacer un álbum de material original. Podría

pensarse que si no lo hicieron en tanto tiempo, por qué correr el riesgo ahora. Pero se atrevieron. ¿Qué esperar de esta primer lanzamiento con la formación de Brian Wilson, Mike Love, Al Jardine, Bruce Johnston y David Marks? Simplemente queríamos poder escuchar esta colección y que la música nos llevase de regreso a esa desconocida y ficticia California. “That’s Why God Made the Radio” cumple con eso con creces.

Llena cada posible memoria de un verano más cálido con melodías amigables y hermosos trabajos vocales.

El single ‘That’s Why God Made the Radio’ es sublime.

‘Spring Vacation’ es un clásico instantáneo.. ‘Isn’t It Me’ termina colándose en la memoria; ‘The Private Life of Bill and Sue’ emociona porque es esa California imaginaria; y en ‘From There to Back Again’ se juega por inspirar todo lo contrario, con cierta nebulosa fría y oscura llena de imágenes que sólo Brian Wilson podía llevar a una canción pop. Quizás el único “pero” sea que hay un par de solos de guitarra y detalles instrumentales que no estaban en nuestra memoria como recursos de los Beach Boys. Pero está bien, no vale la pena ser tan quisquilloso.

Párrafo final para ‘Summer’s Gone’, el tema que Brian

Tenemos Explosivos Derrumbe y celebración Bolchevique

Este grupo, autoproclamado cultor del post hardcore, no hace las cosas por inspiración divina. Cada segundo de sus canciones tiene una razón de ser. Si Eduardo Pavez, el vocalista, invoca con los dientes apretados al silencio en la melódica ‘El misterio de Kosovo’ es para que se tranquilicen las aguas y después la energía se libere. Ir y venir, de eso se trata. Lo afirma ‘El mejor jugador del fuego’, el tema que inaugura el álbum: “en el corazón de todo invierno habita una primavera”.

La fascinación de Tenemos Explosivos por el fuego, elemento vital concebido por ellos como acto poético y político (no hay cabida en este trabajo para metáforas livianas), es el eje en “Derrumbe y celebración”.

Sentarse a digerir los mensajes contenidos en “Derrumbe y celebración”, tanto las letras como los textos que acompañan a cada tema en su recomendable edición física, resulta un ejercicio liberador donde los haya. Como Neo eligiendo la pastilla roja, o el Guasón según Heath Ledger quemando millones de dólares en billetes. “Y si nada es cierto, entonces todo es posible”, declama la reveladora “Piratas y emperadores”, que también plantea que “recordar se parece mucho a la justicia”.

Nadie dijo que sacarse los grilletes sería indoloro: requiere aprender a caminar sin el peso que acostumbramos cargar en nuestros pies, y abrazar de nuevo una concepción de mundo que la sociedad censura. Pero no todo es intelectualidad, citas a Nietzsche, física aplicada a las ciencias sociales (“Termodinámica”) o menciones a nuestra historia reciente (los ejecutados del Puente Bulnes en “Todas las barricadas del mundo”). También hay pasión a raudales. Por las venas de Tenemos Explosivos corre la sangre caliente de Asamblea Internacional del Fuego, Criacuervos, Güesosanto, Johnsonoverdrive e Ihnala.

Coproducido por la banda y César Ascencio (guitarrista de los prolijos Libra), y masterizado en Chicago por Bob Weston (bajista de los imprescindibles Shellac), “Derrumbe y celebración” se encarama entre lo mejor de la música chilena de este año. Sería inapropiado limitarlo a las filas del post hardcore, o incluso del rock. Este excelente disco es un llamado de atención al planeta entero y específicamente a este país y sus autoridades ciegas, que afirman que todo va viento en popa.

Basura. Sólo los mediocres creen estar siempre en su mejor momento.

Andrés Panes

122III ROCKAXIS

The Beach Boys

Wilson describió como “pensada para cerrar el último disco de los Beach Boys”. Contagia toda la paz que una reunión y despedida como éstas podían pedir.

Casi parece música incidental para acompañar los últimos aplausos de una institución musical que dejó huella en todas las generaciones que le siguieron. El quinteto se dio el lujo de escribir la música de un último baile soñado.

Misión cumplida.

Juan Ignacio Cornejo K.

Foxy Shazam

Welcome to the Church of Rock and Roll I.R.S. Records

“Welcome to the Church of Rock and Roll” es el cuarto trabajo de estudio de Foxy Shazam, la banda de Ohio que en 2010 sorprendió con su placa homónima y que hoy está de vuelta con un disco que suena grande y producido hasta el más mínimo detalle. Todo en esta placa es grandilocuente, pomposo y abultado, y las referencias a Queen y The Darkness no son antojadizas, menos si tenemos en cuenta

la mano de Justin Hawkins.

Aunque “Welcome to the Church of Rock and Roll” es un disco directo y conciso, con varias canciones que son potenciales singles y que convenientemente fluctúan entre los tres y cuatro minutos, es una placa menos digerible que su antecesora.

Todo parece cuidadosamente estudiado para cumplir: hay riffs y rock & roll, hay soul y gospel, falsetes operáticos, juegos de voces donde la cita a Queen es innegable y hay también temas lentos.

El track ‘Welcome to the Church of Rock and Roll’ es una excelente canción, una declaración de principios rápida y directa. El sencillo ‘I Like It’ también suma un rock más directo, mientras la banda fantasea con el gran trasero de una mujer de raza negra, mientras que ‘Last Chance at Love’ da un giro más pop ochentero y bailable. Destacables son ‘I Wanna Be Yours’, con su ritmo machacante y cautivador, y la más rabiosa ‘The Temple’.

Los problemas llegan en cortes como ‘(It’s) Too Late Baby’, ‘Wasted Feelings’ o ‘The Streets’, donde las influencias se vuelven demasiado obvias: desde Queen, pasando por Elton John y cómo no, el mismo Hawkins… Hasta George Michael nos puede sonar por ahí y aunque se trata de buenos cortes, puede llegar a molestar un poco.

De todas formas, los puntos altos llegan cuando suenan más como ellos mismos que cuando nos llenamos de referencias, citas y guiños.

Rodrigo Carvajal U. Foxy Shazam

The Hives

Kosmische Musik alemana ni el ingenio de Mike Oldfield, pero han sabido construir un legado único, que se sigue acrecentando de excelente manera en esta aventura 2012 que nos presenta “Onward”.

Hacienda

la madurez y la identidad propia.

Héctor Aravena A.

Collective Sounds

Álvaro Rojas

The Hives

Shakedown

Los dos primeros discos editados por Hacienda fueron colecciones de canciones excepcionalmente atractivas. Con excelentes arreglos y prestando cuidadosa atención a los detalles, el cuarteto de Texas recogió sin prejuicios sus influencias y las mezcló para crear un sonido que, a pesar de las obvias referencias, era eminentemente propio.

Hoy, con su tercera placa bajo el brazo, los hermanos Villanueva se desmarcan de aquellos toques vintage para dar vida a un álbum ostensiblemente más moderno y distintivo que sus antecesores.

En poco más de media hora, el álbum se pasea por distintos estilos y sonidos.

Es así como vemos vetas de un pop casi bailable en el single ‘Savage’, cuyo ritmo y riff son atractivos a más no poder, o también en ‘Doomsday’, canciones que recurriendo a un motivo simple pero bien ejecutado logran captar la atención del oyente hasta niveles inusitados.

Sin embargo no todo en este disco es modernidad y reinvención, pues hay también una dosis importante del rock and roll clásico al que la banda siempre se ha anclado.

Canciones como ‘Veronica’, ‘Don’t Turn Out the Light’ o ‘Don’t Keep Me Waiting’ traen la siempre necesaria dosis de movimiento y up-tempo que hacen que un álbum funcione, agregándole las patentadas armonías, teclados y guitarras que la banda ensambla como pocos pueden.

“Shakedown” es un disco dinámico en que cada canción fluye sin obstáculos y que agrega un arsenal de nuevos sonidos al repertorio del grupo pero sin perder de vista la simpleza que hasta hoy tan bien les ha resultado. Aunque parte de este mérito sea atribuible a la producción e intervención en la composición de Dan Auerbach, Hacienda sigue construyendo su propio camino y avanzando hacia

Lex Hives

Disques Hives/Sony

Hawkwind Onward

4 Worlds Media

En los últimos años, la legendaria banda de rock espacial británico, Hawkwind, ha estado tan activa como en sus mejores tiempos. Por supuesto que la época de oro de la agrupación es la registrada en la década de los setenta, sin embargo, en estos últimos álbumes, Hawkwind se ha mantenido fiel a sí mismo, con el líder histórico David Brock a la cabeza, proponiendo su más que reconocida fusión de electrónica, hard rock, progresivo, folk ácido y psicodelia, marca registrada de una obra con altos y bajos, pero constante en la historia del rock.

“Onward” puede dividirse claramente en varias facetas. Por ejemplo, ‘Southern Cross’ es una pieza de fina electrónica cósmica. Sin embargo, en el otro extremo, temas de composición colectiva como ‘Seasons’, ‘The Hills Have Ears’ o ‘Death Trap’, muestran ese hard-rock lisérgico de sonido difuso y enigmático que tanto influyó a las bandas del más tarde conocido como rock desértico.

Al medio de ambos mundos, las canciones de Brock para guitarra acústica y voz, como ‘Mind Cut’, muestran la sensibilidad más folky que ha estado presente desde los inicios de la agrupación.

También se aparecen con fuerza, temas de psicodelia pura de la mejor cepa.

Entre ellas, ‘Green Finned Demon’, ‘The Prophecy’ y ‘Trans Air Trucking’.

A estas alturas del partido, Hawkwind no tiene nada que demostrar. Más de cuarenta años de trayectoria discográfica los avalan como una de las bandas más relevantes y, sin duda, la más longeva del rock espacial.

No tendrán la genialidad de Gong, ni la profundidad de la

El quinto elepé de la autoproclamada mejor banda del mundo es una toma de principios de primera clase: muerte a los sintetizadores y recursos modernos a cambio de buen rock and roll a la vieja usanza. A diferencia de su antecesor, aquí el orden del repertorio denota una mayor concordancia. En “Lex Hives” encontramos una repostulación hacia lo vintage y no es sencillo evitar las comparaciones con la placa anterior. El pulso en extractos como ‘1000 Answers’ muestra un grupo cada vez menos focalizado a los tempos entre cada tema y completamente inspirado en reeditar la mística evocada en la sala de ensayo.

Para mejor, el menú no se queda en variables.Y es que su facilidad para construir canciones contagiosas de distintos perfiles es un arte que, por ahora, se muestra saludable. De otra forma, costaría explicar una puntería tan acertada para fabricar desde temas con complicidad blusera (‘Without The Money’), urgencia ramonera (‘These Spectacles Reveal The Nostalgics’) o un cuadro de alma soul (‘Midnight Shifter’).

También las guitarras limpias y desparpajos garage punk más esperables postulados en ‘If I Had a Cent’ o ‘Patrolling Days’, son completos signos de la insobornabilidad que The Hives cultiva como estilo de vida. Tíldenlos de fanfarrones, arrogantes e incluso lineales en ciertos aspectos, pero su posición es envidiable desde cualquier arista. Se acercan a las dos décadas de carrera, toman el tiempo que estimen conveniente entre cada álbum y cualquier signo de presión lo hacen polvo con repertorios volcánicos. “Lex Hives” es otra inteligente movida para un grupo que por mero simplismo y actitud se hace cada vez más necesario.

Francisco Reinoso

VANGUARDIA Floratone Floratone II Savoy Jazz

Tradición y modernidad; jazz y electrónica; experiencia y juventud; potencia y suavidad; experimentación y melodía, son algunos de los polos presentes en esta cooperación que, por segunda vez, une a los músicos del jazz, el guitarrista Bill Frisell y el baterista Matt Chamberlain, con los reconocidos ingenieros, Tucker Martine y Lee Townsend. A ellos se les suman Eyvind Kang en la viola, Jon Brion en teclados y samples, Mike Elizondo en bajo y Ron Miles en trompeta.

Un grupo de músicos de calidad más que manifiesta, a cargo de improvisaciones y dinámicas musicales que, más tarde, son manipuladas y llevadas al mundo sonoro de los productores.

Sin embargo, el mayor peso estético de Floratone, recae en Frisell y Chamberlain, quienes son los encargados de forjar la estructura y esencia de la obra. Podríamos decir que ellos crean a un ser humano, que después, es maquillado por los ingenieros.

Los resultados de las 13 piezas que componen el álbum, son variados e impredecibles, conformando un LP novedoso, en el que se puede apreciar el sello registrado de la guitarra de Frisell, pero con el aporte específico, que le entrega cada uno de los heterogéneos músicos que participan.

Héctor Aravena A.

Floratone

La Kut

Black Dice

Independiente

Ribbon Music

Un minuto de silencio

Segundo disco del sexteto experimental chileno, Konfusión Unitaria Transformista, tras su novedoso debut de 2007.

El registro propone ese sonido crudo, primitivo y, casi impúdico, que ha caracterizado su estética musical. En once composiciones originales, se entrecruzan melodías angulares, en diálogos de potencia e intención, que dan como resultado una invitación musical urgente, riesgosa y alejada del sentido común. Al mismo tiempo, existe una reflexión acerca de la dialéctica inseparable entre música y silencio.

Una banda de jazz de vanguardia, pero con un claro enfoque punk.

Mr.Impossible

Hace tiempo que la música noise dejó de ser patrimonio de las guitarras distorsionadas y, por su parte, la electrónica, se alejó de sus grandes pretensiones cósmico-espirituales, para expresar sonidos que reflejan la alienación urbana. En una década, el trío experimental estadounidense Black Dice se ha convertido en uno de los ejemplos más claros de este cruce entre ruidismo disonante y electrónica. El disco se caracteriza por una urgente manipulación de sonidos, donde lo tribalprimitivo y lo tecnológico, encuentran un terreno común en la generación de piezas de innegable violencia sónica.

Héctor Aravena A.

Héctor Aravena A.

123III ROCKAXIS

Torche

Harmonicraft 2012

“Harmonicraft” escala un peldaño más arriba dentro del catálogo del cuarteto de Miami, todo gracias a abundantes pliegues y sinuosos recursos melódicos. Hay una evidente profundización en las aspiraciones por facturar himnos pero todo está muy bien arropado en riffs de primera línea.

‘Letting Go’ somete de partida a esta fascinante rotundidad rítmica, flirteando con la máscara más hard rockera de los Melvins y las tonalidades de Steve Brooks (cantante/ guitarrista) en un completo estado de gracia. La heterogeneidad del tracklist es indudable y así lo refleja la siguiente, ‘Kicking’, llena de condimentos del mejor stoner, casi como si hubiese sido escrita en una sala de ensayo en medio del Palm Desert.

En “Harmonicraft” hay demasiado dinamismo e inmediatez. La primera mitad de la placa no da pausa ni respiro. El punk rock de ‘Walk It Off’ deja aturdido y cuando lo comienzas a asimilar, recibes de entrada un batido de notas hipnóticas y desvíos hacia ese oscuro Soundgarden de “Louder Than Love” (1989) con ‘Reverse Inverted’. No es nada sencillo condensar el aura metálica con toda esta hambre melódica y ciertamente que, a la hora de encontrar un pilar en este acertado episodio, debemos colocar nuestras fichas en el productor Kurt Ballou (Converge), quien ya había trabajado con ellos para “Meanderthal”.

Aunque a muchos fans les resulte una ofensa, Foo Fighters también entra de lleno dentro de las referencias para definir esta nueva etapa de la banda.Ya lo habíamos señalado en un principio: la gran fortaleza del Torche modelo 2012 es la ambición de sus composiciones y su inteligente estructuración. Suenan más accesibles que nunca pero sin perder peso.

‘Solitary Traveler’, es melancolía pura y abre otro terreno en la variopinta esfera de propuestas de “Harmonicraft”, al igual que el volátil beat que compone la canción que titula el álbum. Simplemente encomiables estos intentos, recordando además que en la mayoría de los temas prevalece el aura sludge que los ha marcado desde sus inicios. Qué difícil debe ser continuar en ello y seguir evolucionado a su vez.

Sin abusar del sonido orgánico que tanto envuelve a sus pares generaciones y luciendo un notable crecimiento en todas las líneas, “Harmonicraft” perfila a Torche como uno de los mejores lanzamientos del 2012. En la liga del rock actual, este sí que es un ascenso.

La vara quedó alta.

Francisco Reinoso

Japandroids

The Sonics, Hum y The Gun Club (hay un cover de ‘For the love of Ivy’), Prowse y King sumaron a los indispensables The Replacements como un modelo a seguir. El resultado es magnífico. Si Paul Westerberg hubiese crecido escuchando el catálogo de Dischord Records, de seguro sonaría así. Contemporáneos del dúo, como The Gaslight Anthem o PS I Love You, caminan una senda similar; la diferencia es que Japandroids corren desaforados, zigzaguean y les importa un carajo si se rasmillan tropezando. Ellos siguen y siguen y siguen.

Andrés Panes

Joe Bonamassa Driving Towards the Daylight J&R Records

Japandroids Celebration Rock Polyvinyl Record Co.

Impúdicos y nihilistas como los conocimos, los vocalistas Brian King (guitarra y voz) y David Prowse (batería y voz) cometen un sacrilegio ante los ojos de cualquier tonto grave: lanzan un álbum inspirado por el festejo. Si se quiere, un disco ligeramente conceptual -aunque carente de los aspavientos intelectuales que caracterizan

124III ROCKAXIS

las obras de ese tipo-, maximalista porque llena de sonido todos los espacios y circular en tanto el grupo repite la premisa que tenía Spacemen 3: “tomar drogas para hacer música para tomar drogas”.

“Celebration Rock” es una apología sobre aquello que se extingue y debe ser consumido con urgencia mientras dura: el fuego (suena pirotecnia al inicio y al final del disco, y la canción más electrizante se llama ‘Fire’s Highway’), la

noche (‘The Nights of Wine and Roses’, ‘Adrenaline Nightshift’) y la juventud (en cada segundo de sus 35 minutos). Escuchar a Japandroids puede hacer la diferencia entre quedarse acostado viendo televisión o irse a un bar. El primer adelanto del disco, ‘Younger Us’ justamente lidia con el deseo treintañero de volver a la época en que salir de madrugada y trasnochar no eran un sacrificio, y en que costaba menos tener amigos.

Al evidente fanatismo por

Este es el cuarto año consecutivo en que Bonamassa publica un álbum de estudio. Tanta actividad no le dio momento para hacer un alto en el camino y madurar junto a su guitarra.

El arquitecto de este ascenso fue Kevin Shirley, quien hizo lo suyo en diversificar la propuesta de Bonamassa pero le robó su identidad.

Esa era la misión de “Driving Towards the Daylight”, la de aclararnos si culminaba su distanciamiento definitivo del blues.

Con su nuevo álbum, nos encontramos con que aquí sí se expone quién es Joe Bonamassa en cuanto a lo

musical. “Driving Towards the Daylight” es un disco decididamente más blusero pero que suena tan saturado y robusto como sus últimas tres producciones solistas.

Hay que dejar de pedirle la crudeza y desolación propias del estilo a quien ya no pretende volver a eso, al menos con Shirley de productor.

Qué más blusero que rescatar composiciones de Robert Johnson, Howlin’ Wolf y Willie Dixon. La moderna toma de ‘Stones in My Passway’ y las más fieles ‘Who’s Been Talking’ y ‘I Got All You Need’ son pasajes destacados en la brillante primera mitad de la placa. ‘A Place in My Heart’ es un blues de esos que se desangran solos, aunque inexplicablemente en la mitad de la pista asoman una serie de instrumentos de viento que ratifican lo que ya sugerimos: para la dupla Bonamassa-Shirley mientras más grande suene todo, mejor. Lo mismo ocurre en ‘Too Much Ain’t Enough Love’, original de Jim Barnes y que tiene al propio australiano quebrantando la vibra que predomina en casi todo el álbum con sus excesos vocales.

“Driving Towards the Daylight” sí es un gran trabajo. Como casi todos los que Bonamassa hizo con Shirley. Su material es más sólido que nunca pero en la fineza de los detalles se hace la diferencia: este pudo ser “el” disco de Joe Bonamassa, su oferta definitiva. Estuvo cerca.

Juan Ignacio Cornejo K

Joe Bonamassa

Neil Young

“esta es mi banda y así suena el desastre que hacemos juntos”.

Gojira

Juan Ignacio Cornejo

Mucho más pesado que sus antecesores, pero manteniendo la experimentación y atmósfera perfecta para hacer que la espera haya valido la pena. Es así como estos franceses vuelven a remecer la escena mundial, con un disco de exquisitas ejecuciones y desgarradoras canciones virulentas.

Joe Duplantier enrabia sus riffs y garganta, acompañándola de afilados efectos con guitarra y la sólida base que dan el resto de los integrantes, en canciones que mantienen la melancolía y vanguardia de los discos de comienzos de milenio.

Las líricas están -como siempre- a la altura de todos los discos de Gojira, introduciéndonos en temáticas del acabose de la sociedad moderna, el avance desenfrenado y vengativo de la naturaleza y la vuelta a lo salvaje, a aquello que finalmente nos da esa libertad de los tiempos primitivos.

Los temas van desde lo cándido hasta la potencia extrema; composiciones simples y arrastradas, pero de una profundidad y fuerza encomiable. De este modo, el monstruo no sólo se sigue empinando como uno de los baluartes del metal contemporáneo, sino que también se sitúa -sin lugar a dudas- en el trono de la consolidación.

Patti Smith La Mano Ajena

Neil Young & Crazy Horse

Banga

Oveja Negra

Reprise

Las dos personalidades que habitan en Patti Smith, la cantante y la mujer de letras, puede confundir al que, incluso hoy en día, aún no sabe con qué encontrarse cuando ella lanza un nuevo trabajo. “Banga” genera el mismo tipo de desconcierto previo, pero después de varias escuchas empieza a crecer como sólo puede hacerlo un disco de una artista como ella: con la extraña sensación de estar escuchando por primera vez a una mujer que ya suma 65 años de edad. Un buen punto de partida, en ese sentido, es ‘April Fool’, una melodía sencilla y conmovedora, como buena canción pop, que sorprende por el dulce timbre de voz que aporta Smith. Francamente, nunca se le escuchó cantar mejor.

El contrapunto “ambiental” viene en la versión de ‘After the Gold Rush’, de Neil Young, donde la rockera suena incluso más “masculina” que en la grabación original del histórico canadiense.

Son 12 temas, en total, y muchas las posibilidades de embarcarse por separado en cada una de estas melodías.

Porque si hay algo claro en “Banga” es que aquí los temas funcionan mejor por separado. ‘Constantine’s Dream’, por ejemplo, es un largo ejercicio de 10 minutos de meditación hablada y ‘Fuji-San’, inspirada en el terremoto y maremoto de Japón en 2011, es el corte más rockero y épico de la lista. Pero quizás lo más llamativo de “Banga” es que suena más frágil y delicado que los grandes temas que propone: destrucción, pérdida y el lugar del artista en la sociedad moderna. Existe ahí cierta contradicción vital para una mujer que siempre ha estado entre dos mundos -el del acorde y el de la palabra-, pero no logra que sintonicen como ella hubiera querido. Para decirlo en simple, a “Banga” le falta aspereza y ruido y le sobra complacencia e indecisión.

Raza quimera

“Raza quimera” es un trabajo de canciones propiamente tal más que un disco-concepto, aún cuando la nueva entrega de La Mano Ajena trata una visión ácida e irónica de la vida. Lo cierto es que el tercer álbum de este colectivo presenta diversas variables. Al consabido cruce multicultural, habría que agregarle la teatralidad como elemento sustancial, aparte que para este registro aparecen sonidos de charleston y jazz “guachaca” como una forma de elevar el sustrato popular-musical de la banda. Esto se ejemplifica en ‘Eskil´s Cow’, una de las novedades de este registro.

Lo de la multiculturalidad también se da en el idioma.

Las giras a Europa han dejado huella y ahora La Mano Ajena canta en inglés (‘Eskil’s Cow) y en Zurgalai, rumano, (‘Sanie Cu Zurgla’). Pero más allá de esa internacionalización hacia el Este, lo que también maravilla es que quizás sea el más directo de los tres discos de La Mano Ajena. Si bien es cierto que en ‘Wewo’, del álbum homónimo, se toca el tema del abuso infantil o que “Radio Galena” trae feroces comentarios a lo que significó la guerra en Irak e incluso, el drama de niños viviendo en la calle, en “Raza quimera” nos encontramos con significantes poderosos de los tiempos actuales.

Eso es precisamente lo que logra La Mano Ajena con su tercer largaduración: el mostrar nuestra identidad, particularmente la política, en la que los cambios se combaten con coraje. En “Raza quimera” las cosas se dicen tal cual son, y así no más, dentro de todas las sonoridades de la banda, el acercamiento al espíritu rockero resulta un hecho concreto que no hace más que endurecer el discurso del corrosivo nuevo trabajo de los nacionales, aún cuando puedas dejar los pies en la pista de tanto bailar al calor de los ritmos del Este.

Felipe Kraljevich

Americana

El apuro no hace bien si uno quiere hacer las cosas bien.

Esta idea tiene un reflejo en la relación de Neil Young junto a Crazy Horse: hace rato le pedían al canadiense que retomara el trabajo con su electrizante banda de acompañamiento, pero él siempre fue por donde sintió que el momento le dictaba. La hora de Crazy Horse llegaría sola.Young no se apresuró y juntó a Crazy Horse sólo cuando tuvo material que en su cabeza ofreciera suficiente espacio como para estrujar la química que tiene con el trío que integran “Poncho” Sampedro, Ralph Molina y Billy Talbot.

“Americana” es un disco de covers. Pero, claro, Neil Young no haría cualquier “disco de covers”. Estas son canciones de la tradición folk estadounidense que datan del siglo XIX e incluso de antes (como ‘God Save the Queen’), tan viejas que terminaron en los jardines infantiles. Cómo no iba a ser desafío para estos cuatro viejos zorros de re-arreglar estas composiciones.

El problema de “Americana” está en que las canciones que no funcionan fallan con largueza, y en casi todos se tratan de guiar por cantos a coro que nunca permiten que la banda termine de acoplarse, como es el caso en ‘Tom Dula’, ‘Get a Job’ y ‘Travel On’. La disparidad no hace bien y extraña, también, que siendo un obsesivo del sonido, Neil Young se reúna con Crazy Horse y llegue a un álbum que suena descuidado pero también liviano.

“Americana” no es lo que uno esperaba. Escuchado y madurado, reconocemos las virtudes de siempre y un par de aciertos mayúsculos que entran sin demora a la colección de lo mejor que Neil Young hizo con Crazy Horse. Los descuidos acusan lo mismo que el desajuste sónico: sobró rebeldía y faltó un poco más de entusiasmo para emerger con fuerza y poder gritarles a todos

METAL

Columbia

Mauricio Jürgensen

L’enfant Sauvage Roadrunner Records

Rodrigo Bravo Bustos

Gojira

Luca Turilli’s Rhapsody

Ascending To Inmnity

Manowar

The Lord Of Steel Magic Circle Music

Nuclear Blast Records

Nunca entendí bien el por qué Turilli y Staropoli decidieron tomar caminos distintos, cuando la verdad es que ambas partes mantienen prácticamente el mismo nombre y estilo musical… y vaya que queda de manifiesto en este disco.

Alessandro Conti es un estupendo vocalista (demostrado con creces en el cover a Helloween, ‘March In Time’), y el resto de los integrantes también hacen sentir que estamos frente al Rhapsody que conocíamos a finales de los noventa, con un Turilli omnipotente que puede hacer y deshacer con este proyecto que sigue sobreexplotando los aspectos cinematográficos del metal épico.

Manowar no está en su mejor forma, ni lejos en su mejor sonido. Lamentablemente este es un disco hecho de grandes temas mal concretados y bastante básicos. Si “Gods of War” se excedía con la pretensión, este álbum está totalmente desposeído de ella, pues apunta a lo clásico y fácil de manejar.

Pese a los buenos singles, no logro dar con un tema que represente tan bien al Metal como la reciente ‘Die For Metal’. Manowar puede decir que está contento de no haber decepcionado a sus seguidores, pero ni de lejos puede enorgullecerlos con un álbum tan falto de vida.

Felipe Contreras Reyes

Rodrigo Bravo Bustos

125III ROCKAXIS

BLUES

enérgico que exhibe momentos extraordinarios y electrizantes.

Oli Brown Here I Am Ruf Records

Eran muchas las expectativas que se tenían de ésta, su tercera placa de estudio. Su participación en los últimos British Blues Awards fue descollante, llevándose el premio a la banda del año, disco del año por “Heads I Win, Tails You Lose” y siendo nominado este año como mejor guitarrista de la temporada.

Su talento es innegable y cada uno de estos premios y nominaciones hablan por sí solas y son una muestra de que el joven guitarrista de Norfolk está siendo recurrente en el circuito de blues rock. Es por eso que “Here I am” debe estar dentro de los 10 discos más esperados de este año.

Ahora no sé si será coincidencia, pero este disco lleva por título el mismo que el de Nick Moss, álbum que salió a las estanterías en Octubre del año pasado y que tiene mucho de ese sonido renovador de blues rock, con riffs redundantes y pesadas guitarras, probablemente podríamos asegurar que es ese sonido lo que hoy caracteriza a la música del alma e intentos de llevar este música por el sendero de lo clásico queda en manos de gente como Mannish Boys, pero para estos jóvenes llenos de ímpetu lo clásico está muy por debajo de sus líneas musicales, o por lo menos de esa manera lo hacen notar. Como dice Jerry Portnoy, el blues clásico se ha perdido para siempre.

Claudio Ibarra

Oli Brown

Albert King

I’ll Play The Blues for You (reedición)

Lil’Ed and the Blues Imperials Jump Start Alligator

En el año 72 aun quedaban resabios de las sonoridades de Stax records de la mano de algunos artistas que mantenían las puertas abiertas con un sonido funk y R&B, como Isaac Haynes y otro que ingresó a la etiqueta en 1967, como Albert King, quien se despacha un disco de blues soul contemporáneo que alcanzó el #11 en los R&B Charts, siendo uno de los álbumes de blues más intensos de la historia.

En esta oportunidad, está reeditado con cuatro temas inéditos, que gracias a la remasterización el trabajo suena más actual que nunca.

Un imperdible del músico de la guitarra de cola de flecha.

Claudio Ibarra

La banda tremendamente energética se pega un nuevo salto para el sello del lagarto, con un disco repleto de tomas incendiarias. En la producción está el presidente de Alligator Records, Bruce Iglauer, quien se declara un fan de la banda. La guitarra slide parece indomable y una voz apasionada son parte de los ingredientes se fusionan con baladas desgarradoras, sólidas y auténticas líricas del blues profundo. Blues estilo callejero, con mucha distorsión e intensidad, pero saben donde parar, manejan los tiempos y eso es fortaleza de los Blues Imperials, una de las mejores bandas de jump de la historia.

Claudio Ibarra

126III ROCKAXIS

Mauricio Salazar Rodríguez

Prong

Carved Into Stone Branch Records

“Carved Into Stone”, pensada por Tommy Victor como una obra que debía mantenerse tan básica y simple como fuera posible en cuanto a dirección musical y lo más alejada de los Pro Tools en lo que refiere a producción (llamando a Steve Evetts -algo así como el gurú del sonido “orgánico”- para que estuviera al mando del proceso), el álbum se inicia con ‘Eternal Heat’, una composición thrashera con un trabajo melódico equiparable a los mejores momentos del “Gothenburg Sound” y cuyo primer minuto deja absolutamente golpeado.

‘Ammunition’ a pesar de contar con un approach ondero que no la distingue tanto de su antecesora, goza de momentos muy recomendables, como el gran solo de guitarra.

La mitad del álbum arranca con ‘Put Myself Into Sleep’, bastante desafiante, pues tiene tantos ataques de guitarra mecánicos y rudos como líneas del rock más popero, titubeo que, afortunadamente, es exterminado por ‘List of Grievances’. En el mismo lugar se mantiene ‘Carved Into Stone’, cuyo sonido sludge nos hace agradecer tamaño arquetipo de buen gusto.

Si bien Víctor reconoce ciertos elementos que emparentan este CD con el inicio de la banda, la versión 2012 del trío es menos cruda, menos impetuosa, menos apresurada y, definitivamente, menos cándida que hace dos décadas. No obstante lo anterior, el colectivo exuda madurez, brutalidad y contundencia. Ahí radica su enorme capital actual y es justamente por eso que “Carved Into Stone” se constituye en una combinación casi antológica de riffs pesados llenos de espíritu metalero con melodías rockeras, dando forma a una mixtura que deviene en un opus

Robot The Mimbre Nuevo orden

Sigur Rós Valtari

Parlophone/ XL

2012

Robot The Mimbre, desde su primer trabajo, sorprendió tanto por la poderosa y dinámica propuesta musical como también por los temas y conceptos que abordaban en sus letras.

El 2009 la consigna era una fuerte critica a la tediosa cotidianeidad y, por sobre todo, había un marcado llamado de atención a la falta de identidad. Esa visión tan real plasmada en su placa anterior, hoy toma un total sentido al escuchar “Nuevo orden”, su nuevo trabajo.

Fieles al número trece, en “Nuevo orden” la banda Robot the Mimbre entrega igual número de canciones, cortas y directas, llenas de un poderoso metal vertiginoso, punzante y que también se retroalimenta con riffs clásicos, densos y oscuros.

‘Violenta Verdad’ es el corte que da el inicio a esta descarga de metal y que no decae ni un ápice con el segundo track, que da nombre a la obra. Junto a ‘Futuro esplendor’ hacen que el disco se mantenga en una escalada de frenética rítmica acompañada de una base de riffs imparables. ‘Nascitirus’, que apareció originalmente en el acústico de 2010, baja la velocidad pero no la intensidad y que se asimila a ‘Paraíso mundano’.

‘Verdad y consecuencia’ sorprende y agrada. Sin duda es el reconocimiento a una identidad musical un poco escondida del conjunto, ya que es una canción corta en clave hard Rock pero que mantiene la esencia, vitalidad y fuerza metalera tan propia de la banda.

Este es el disco más ecléctico de RTM, donde se nota la madurez musical alcanzada por la banda. “Nuevo orden” amplia su espectro musical; el desafío ahora es poder hacer de este disco un verdadero espectáculo en vivo, ya que “Nuevo orden” hasta ahora es, sin dudarlo, el trabajo mejor logrado por Robot The Mimbre.

No siempre un retorno a las raíces es, a priori, una garantía de calidad y buenos resultados. Lo que es seguro es que el cuarteto islandés retomó la sensibilidad más ambiental de sus trabajos tempranos, para, en el auto mirado de su origen, encontrar un discurso musical renovado y distinto al de su antecesor de composiciones inéditas, “Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust” de 2008.

Sigur Rós se aleja del formato de canción relativo, para volver, en este sexto disco de su trayectoria, a ser la banda experimental de antaño: soundscapes y progresiones épicas llenas de dramatismo, tristeza y un sentimiento que se aproxima a la música sacra o, al menos, espiritual.

Los aportes vocales de Jónsi son verdaderos balbuceos que se asoman entre medio de atmósferas celestiales y sombrías, que generan teclados, instrumentos de cuerda y procesos electrónicos. Se hace presente esa evocación casi mística, de grandes paisajes abiertos y crepusculares. De un u otro modo, “Valtari” representa un triunfal regreso a la estética postrock que los vio nacer. ¿Logra Sigur Rós ser más que un remedo de su propio pasado? ¿Es capaz de superarse a sí misma, pese a mirarse su ombligo, o configurar un sonido nuevo y futuro? La respuesta es sí y no.

No, porque en algunos momentos, se hace tedioso, ese elemento lúdico y folklórico se pierde en composiciones de difícil acceso. Pero a la vez, la respuesta es sí, en el sentido que se consigue plasmar un trabajo de rock experimental, música ambient y minimalismo, que no pierde la esencia más profunda de su sonido y que los arrima, nuevamente, a esa estética nostálgica y gloriosa de sus mejores tiempos.

Alejandro Cisternas

Héctor Aravena A.

The Smashing Pumpkins Oceania

Martha’s Music

“Oceania” trae de vuelta las emociones y los estímulos con los que normalmente se asocia el nombre ‘The Smashing Pumpkins’. Hay en él una buena colección de riffs, sólidos grooves de batería y cautivantes melodías que, sin ser un plagio de su propio pasado, recuerdan al SP más clásico y se entrelazan con vetas más modernas, como las mostradas a partir de “Adore”.

La obertura con ‘Quasar’, es una introducción demoledora, con poderosas guitarras y golpes de batería que recuerdan a la lejana ‘Cherub Rock’. El peso otorgado a la interacción entre cuerdas y tambores es un factor inalterable en el sonido de la banda, una relación renovada y potenciada por el joven Mike Byrne. El vendaval de guitarras continúa en ‘Panopticon’, que con sus inspiradas melodías explota una vez más la marca registrada de los Pumpkins, esa tradicional mezcla de fuerza y sutileza.

Hacia la medianía de la placa llegan tracks más experimentales como ‘One Diamond, One Heart’ y ‘Pinwheels’, que incluyen una justa medida de toques más tecnológicos, sin descuidar la musicalidad de la obra y manteniendo un adecuado equilibrio sónico.

La sección final de la placa expande la práctica de intercalar tradición y exploración, agregando un oportuno toque de potencia cuando el paisaje se torna letárgico y bajando las revoluciones cuando la saturación se hace abrumadora, ejercicio que se ejemplifica a la perfección en la secuencia ‘Pale Horse’ / ‘The Chimera’ / ‘Glissandra’ / ‘Inkless’.

Sin ser una obra maestra, “Oceania” es un álbum bien cohesionado, inteligentemente ensamblado y con excelentes canciones que pasan la prueba con

soltura. La llama vuelve a avivarse, y quienes quieran encontrarse con unos verdaderos Smashing Pumpkins, encontrarán en “Oceania” el mejor lugar para hacerlo actualmente.

golpe a la cátedra, pero es de una genialidad aplastante en su simplicidad. Una firme candidata a futuro single.

“Heaven” debería clasificar sin despeinarse entre lo más granado del catálogo 2012.

Álvaro Rojas

Jean Parraguez

The Walkmen Heaven Fat Possum

En “Heaven” los neoyorquinos hacen gala de una genialidad aceitada con largos años de oficio. Las direcciones en esta placa permanecen claras: el toque folk se hace cada vez más notorio, tanto en los acordes de la hermosa historia trazada en ‘We Can’t Be Beat’, como en el resignado tono de pérdida que impera en ‘Southern Heart’, donde el vocalista Hamilton Leithauser luce desganado con una triste guitarra como acompañante.

A pesar de lo anterior, existe un cierto aire de optimismo en la temática, que en la mayoría de los tracks se inclinan por el ámbito amoroso. El primer single se titula igual que el disco, y es dueño de una melodía muy radiable que busca la redención. La alegría total viene con ‘Love is Luck’, y si eres de los seguidores que buscan la veta más conocida del quinteto, ahí están ‘Heartbreaker’ y ‘Nothingales’.

Todo esto refleja que el grupo finalmente ha conseguido condensar sus ramificaciones estilísticas, del post punk a sutiles toques de blues y de rock de mediados de los años cincuenta –‘Jerry Jr.’s Tune’, ‘No One Ever Sleeps’, ‘The Witch’ y ‘Dreamboat’-, lo que los hace sonar inconfundiblemente estadounidenses, pero sin llegar a aburrir con sus marcadas influencias.

Hablamos de la tercera obra maestra del grupo.

Las canciones suenan suficientes y bien logradas, la producción de Phil Ek (Band of Horses, Fleet Foxes, The Shins, Built to Spill) es impecable, pero el verdadero punto de inflexión, el que le otorga todo su estatus, es ‘The Love You Love’. Una canción para nada complicada, con ira, despecho, con un Leithauser acusador, y una banda que maneja los tiempos entre el frenesí y la fuerza. No es un

Young Guns Bones

Play it Again Sam

Con todo el ruido generado por la prensa y el espaldarazo dado por ciertas bandas de renombre, los chicos de Young Guns deben haber sentido algo de presión a la hora de tener que encerrarse en el estudio para grabar el sucesor de “All Our Kings Are Dead” (2010). La banda inglesa con sonido americano decidió asumir el nuevo desafío en Tailandia y nuevamente con el ex guitarrista de SikTh, Dan Weller, en la producción.

“Bones” tiene momentos que se vuelven instantáneamente adictivos, partiendo por el tema que le da título al disco, pensado especialmente para estadios, donde la batería y las guitarras tienen todo el espacio para brillar. Un cierto gusto a rock ochentero también se deja sentir. Por otra parte, ‘Towers (On My Way)’ busca lo mismo que ‘Bones’ pero tiene más capas, está más pulida aún y eso es decir bastante en un trabajo que no da espacio para las falencias y que puede pretender sonar punk, como en el tema ‘Brothers in Arms’, pero sin dejar de lado los arreglos para el mainstream.

Como hay pasajes fuertes también hay otros débiles.

‘A Hymn For All I’ve Lost’, es un breve tema que podría haber sido mucho más y en ‘Interlude’ la banda introduce sus pies en aguas más experimentales, sonando electrónicos pero sin desarrollar la idea completamente.

A Young Guns le queda mucho camino por delante y otros estilos por explorar, porque suenan como si tuvieran la capacidad para más que lo que hasta ahora han mostrado. Para una banda que el próximo año cumplirá diez desde su formación es hora de concretar. Pese a no ser un disco perfecto, “Bones” tiene elementos suficientes como para ayudarlos a sacudirse el calificativo de “promesa”.

Jaime Meneses J.

XCORE Millencolin

The Melancholy Connection Epitaph

El cuarteto de Örebro decidió desempolvar temas desechados de grabaciones anteriores y armar “The Melancholy Connection”, un recopilatorio de doce lados B y dos canciones nuevas.

Los temas inéditos, ‘Carry You’ y sobre todo ‘Out From Nowhere’ están cargados de esos coros enérgicos y pegajosos tan característicos del Millencolin de comienzos de siglo, al igual que ‘The Downhill Walk’, probablemente el gran hit del compilado.

También la faceta rockera que la banda cuajó a partir del “Home From Home” no fue dejada de lado, más bien juega un lugar importante. Son varias las referencias que se hacen a este álbum. El ejemplo más concreto es ‘E20 Norr’, la versión en sueco de ‘Battery Check’, tema incluido en el tracklist de ese larga duración que vio la luz en 2002. “The Melancholy Connection” no es un disco esencial dentro del amplio catálogo del grupo –bueno, es muy difícil que un lados B lo sea- pero sí es, en algunos pasajes, un viaje a través del tiempo para reencontrarnos con la etapa más exitosa de los suecos.

José Pedro Rossel

Millencolin

Ceremony

Whitechapel

Matador

Metal Blade

Zoo

Whitechapel

Tras bien sucedido, “Rohnert Park” (2010) y con el soporte de los decanos del indie americano, Matador Records, los californianos Ceremony presentan un nuevo golpe de timón con su cuarto trabajo en extenso, “Zoo”. Es difícil imaginarlos fuera de su motivo primario de existencia: la rebeldía hacia las tendencias y eso es lo que se devela en el álbum. Influencias que pueden navegar desde los inicios independientes de Green Day en Lookout Records (‘Hysteria’) a las bondades que marcaron la movida universitaria que germinó en el post punk inglés de finales de los setenta (‘Nosebleed’).

Contando con un cantante tan aventajado como Ross Farrar, Ceremony va viento en popa. Desperfilar su mirada a la hora de direccionar su música es un despropósito.

Hace dos años, Whitechapel azotaba la industria con “A New Era Of Corruption” (2010), el álbum más sólido de su carrera. Por ello, el desafío por superar aquella marca no era menor. ‘(Cult) uralist’ y ‘Section 8’ marcan el regreso a la vieja escuela de Whitechapel, extrayendo ese estilo particular de “This is Exile” (2008). ‘I, Dementia’ es el punto de inflexión dentro de los tracks, que si bien mantiene el tempo que caracteriza al deathcore, se une con beats que no vienen a lugar en la línea a la cual nos acostumbraron. ‘Possibilities Of An Impossible Existence’ evidencia, desde una óptica un tanto extremista, el sonido más comercial del sexteto. Como pueden ver, demasiadas pretensiones para una sola entrega. A primera vista, Whitechapel pasó la prueba y habrá que esperar algunos años para ver si esta cosecha termina por satisfacer a todos.

Francisco Reinoso

Nicolás Pereira

127III ROCKAXIS

REEDICIONES

David Bowie

Paul McCartney

Cuarenta años cumplió Ziggy Stardust. Cuánto mejor que luce que a los treinta. Porque no podemos hacernos los sorprendidos con un álbum como “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”, que reediciones ya tiene bastantes y la de hace una década había sido grotescamente manoseada e innecesaria.

El apocalíptico 2012 parece un buen momento para volver a hacernos acompañar del hoy inofensivo Ziggy.

Lo más rescatable de esta pasada es la participación del productor original Ken Scott en la restauración de un sonido que siempre fue bueno y que ahora brilla gracias a su excelente mano en las sesiones originales.

Un disco como “Ziggy Stardust” merece un sonido impecable sólo para apreciar la convivencia de las acústicas y las eléctricas en este festival de melodías familiares. Scott puso sus manos para la mezcla en 5.1, premio que sólo entusiasmará a los más fanáticos.

El mismo productor nos confesó que más canciones o descartes no hay porque él mismo borró las cintas en aquella época. Así es que vuelven a aparecer ‘Velvet Goldmine’, ‘Sweet Head’ y ‘The Supermen’ como los grandes aditivos, aunque estos sólo se encuentren en el 5.1. Después de todo, el más clásico de los personajes y trabajos de David Bowie ya nos ha visitado más de una vez. La era de los excesos para Stardust ya pasó, hace un buen tiempo. Cuarenta años, más o menos.

Sir Paul sigue revisitando su carrera de manera casi antojadiza y siempre amparado en el prestigio de su nombre. Primero fue “Band on the Run”, luego el doblete de volúmenes “McCartney” y “McCartney II” (cuya conexión estaba en que en ambos casos el bajista venía dejando una banda, The Beatles y Wings, respectivamente) y ahora es el turno de “Ram”.

Todo bien con que Macca siga la corriente de la industria. A su haber hay cuatro décadas de publicaciones en solitario que recorrer. El punto es que ha publicado tanto material que su historia fue siendo contada disco tras disco y siendo él uno de los personajes más populares en el mundo de la música es fácil sentir que ya lo leímos y lo escuchamos todo.

“Ram” remasterizado no es más que el original. De verdad que no. Tal vez se le saca brillo a algunas cosas que quedaron un poco opacas en la primera pasada, pero la diferencia no es sustantiva. ¿Hay bonus tracks? Sí, vienen en un segundo disco (que instala una discusión de si es necesario sumar otro CD para no tocar el original) y no están nada de mal. Quizás el tema más extraño sea ‘Rode All Night’, un rocanrol bastante entretenido y libre y que hasta el momento sólo había circulado en uno que otro bootleg.

Entre todas las ediciones, hay dos que valen la pena rescatar: el álbum original presentado en Mono y la presentación super-deluxe que es la que trae el DVD con la historia contada por el propio Paul, que retomando el punto inicial es lo único que puede sorprendernos a esta altura.

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars

Juan Ignacio Cornejo K.

Ram

Juan Ignacio Cornejo K.

128III ROCKAXIS

DVDAXIS

The Beatles Yellow Submarine EMI (reedición 1968/1999)

Muchas veces cuando hablamos de The Beatles lo hacemos desde la nostalgia, desde la experiencia infantil de haber escuchado alguna de sus canciones en la radio o que los papás tararearan alguna de sus pegajosas melodías. Con “Yellow Submarine” sucede aquello, pero con la particularidad que éste no es un camino de acceso hacia la música de los británicos, sino que una forma de extender su imaginario. En otras palabras, únicamente para seguidores de los de Liverpool.

Pese a que “Yellow Submarine” no incluye el repertorio más notable de la banda y que su contribución a la película es casi nula (las voces de los cuatro miembros son doblajes), la animación abre un mundo que, visto con la perspectiva actual, es loquísima e imposible de mercadear; una obra que solo pudo haber sido creada con el éxito que contaban The Beatles y, por sobre todo, con su credibilidad. De otro modo, este cruce tan bizarro de sicodelia, pop art y típico humor inglés no habría podido ser llevada a cabo. El resultado fue el mismo que toda la discografía de Lennon, McCartney, Harrison y Starr: la trascendencia de generación en generación.

Volver a ver “Yellow Submarine” en esta reedición es volver a esa tierna infancia, pero también maravillarse con momentos como cuando el submarino atraviesa el Mar del tiempo y McCartney se ve a sí mismo en el año 2006 a los 64 años (‘When I’m 64’). En otras palabras, el submarino conduce por todas las etapas de la vida, creyendo en el invencible poder de la música por sobre la maldad (como sea que esté disfrazada). Pero la primera experiencia aquí pasa por una mejora: el

130III ROCKAXIS

audio es impecable y la imagen brillante, más aún si se considera el fino trabajo de restauración de la película, hecho a mano. Revisitar también cada una de las personalidades de los Beatles en sus diferentes rasgos y todos los paisajes y los monstruos y héroes de la aventura, como el entrañable Nowhere Man, añade ingredientes lúdicos y le quita cinismo al más envejecido fan de The Beatles.

Las características extra contribuyen al entendimiento de esta fantasía, con el mini documental “Mod Odyssey”, que ahonda en el trabajo artístico de la cinta y en la idea intelectual tras ella; el tráiler original de la cinta, secuencias del storyboard, los dibujos originales, fotos “behind the scenes” y entrevistas con Paul Angelis y John Clive (quienes realizaron las voces de Ringo, Chief Blue Meanie y George, y John Lennon, respectivamente), más parte del equipo técnico de la película. Uno de los testimonios más entrañables es el de John Clive, que se refiere a cómo “Yellow Submarine” se transformó en la película favorita de su hija y en que es un film que “llega a la gente, viven con ella toda su vida”. Aunque fue concebida como una película de animación para adultos, la inocencia es lo que prevalece. Hermosa reedición de “El submarino amarillo”.

María de los Ángeles Cerda

ROCK SHOP

Memorabilia del Rock

Diarios de Bicicleta David Byrne Mondadori/Reservoir Books Precio de referencia: $12.000

¿

Qué es lo esperable de un libro sobre viajes en bicicleta escrito por una personalidad central del rock? Suponemos que una rebuscada mezcla de amor por el pedaleo y mucho ruido. Pues bien: David Byrne, en su libro “Diarios de Bicicleta” se las arregla para sacarnos del camino previsible y ponernos a mirar el mundo de sus viajes desde otra perspectiva.

El ex Talking Heads, espíritu reconocidamente inquieto, no se iba a conformar con una apología de las dos ruedas. Lejos de eso, en su libro no habla acerca de bicicletas, sino que relata su visión desde la bicicleta. Viajero irredento, Byrne suma cientos de miles de kilómetros de itinerario, mayormente en giras musicales. En cada una de sus travesías, se hace acompañar desde hace años por su bicicleta plegable. Así, logra conocer cada lugar donde llega desde una perspectiva mucho más cercana que la del mero turista o el rockero en gira.

Esa visión es profunda y certera.

Escapando de lo pintoresco, Byrne se adentra en un análisis de los parajes recorridos a punta de pedal. Desde la evolución (y a veces involución) urbana de Estados Unidos hasta grandes urbes del tercer mundo, para el rockero ciclista la realidad a nivel de la calle sugiere y relata historias que él destila y revela. Así, por ejemplo, la devastación de las ciudades de Estados Unidos le recuerda peligrosamente los paisajes de las repúblicas ex socialistas de Europa del Este. Esto es lo que dice a propósito de su ciudad natal, Baltimore, y que bien puede tener una aplicación general para gran parte de sus destinos: “La realidad que tengo delante choca con lo que me enseñaron en la escuela.

La realidad que veo dice que básicamente no existe ninguna diferencia, que, cualquiera que sea la ideología, el resultado final es más o menos el mismo. (…) desde la ventana de un tren o circulando en bicicleta por las calles

132III ROCKAXIS

a veces sólo veo la parte de atrás de las cosas (…).

La mirada de David Byrne es aguda, y se agradece al repasar las páginas de esta dislocada y oblicua guía de viaje. En ella, el mundo no es solamente un paisaje para ver, sino que nos muestra en cada recoda, esquina, edificio, ruido o multitud, trozos de historia, economía viva y mucha, mucha humanidad.

Más que un turista o un rockstar haciendo su pega, el ex Talking Heads se nos aparece como un emigrante eterno, viajero sagaz e intenso, dispuesto a involucrarse de lleno con los lugares que recorre. Muy recomendable en ese sentido es la sección dedicada a Buenos Aires, donde se las arregla para entregar su visión de toda Latinoamérica. En definitiva, un libro imprescindible, para abrir la mente y conocer otros mundos y otras miradas.

Pablo Padilla Rubio

Pájaros negros: crónicas del heavy metal chileno Patricio Jara Ediciones B Precio de referencia: $12.000

“

Pájaros negros” encapsula en todas sus características al metalero chileno, por sobre todo, en su pasión. Para escribir de metal, es imposible mirar de afuera.

Tiene demasiados códigos que alguna vez fueron considerados incorrectos, como llevar el pelo largo o vestir de sagrado negro, el metal es feo.Y lo feo, se esconde. Esa otredad fue encarnada por una generación que emergió en los años ochenta y que hoy, ya lejos de ese estatus de rareza, es posible ver hasta en el hombre de cuello y corbata. Sin embargo, especialmente aquellos que vivieron esos primeros días de la distribución subterránea del metal en Santiago, gozan de esa diferencia, de haber vivido en el lugar preciso con los amigos precisos. Patricio Jara, en su amada polera de Slayer, reúne la experiencia del fan no únicamente a través de su mirada, sino a través de diversos personajes que Nuclear Foto: Ignacio Orrego

han formado parte de los remezones de la escena y el indeseable tinitus. Pero lo mejor es que su pasión no llega a ser exagerada, ni alcanza a ensombrecer su trabajo. Jara recurre a bibliografía especializada, creando el contexto histórico del género tanto a nivel mundial como nacional, y afirma su sentimiento con los sentimientos de personas que han hecho del metal su causa de lucha, sin concesiones.

Las voces vienen de todos los puntos posibles: la suya propia, en numerosos shows (de Morbid Angel hasta Therion); desde los músicos, en el testimonio de Anton Reisenegger y Matías Leonicio de Nuclear y el punto de vista femenino de Fernanda Manquez de Darkemist; productores de shows como Jorge Hurtado y José Luis Corral; la perspectiva del fanzine Insanity, con su creador Fernando Mujica, y hasta un guardia de seguridad que vive en un show de Brujería lo más extremo de su vida. Todo con anécdotas que enriquecen aún más el imaginario del metal, como aquella de Leonicio con un carabinero de fuerzas especiales: “ahora cada vez que veo al guanaco imagino que los pacos adentro van escuchando ‘Just One Fix’ [de Ministry]”.

Además, se suma un notable ensayo de Álvaro Bisama sobre “El espanto surge de la tumba” y la chilenidad de Dorso; y la primera entrevista que realizó Tom Araya a un medio del país, por Alberto Fuguet. El mismo Jara lo señala, “Pájaros negros” no es una enciclopedia, pero están los temas y los personajes más relevantes. En el final, “Pájanos negros” logra revalorar el arte del metal y convocar a una tribu que ve a Iron Maiden en el Estadio Nacional su rito máximo. Nadie que conozca la historia o que incluso intente conocerla puede salir decepcionado.

María de los Ángeles Cerda

133III ROCKAXIS

CINEAXIS

por Christian López

Un día para sobrevivir (The Grey) Dirigida por Joe Carnahan Escrita por Ian Mackenzie y Joe Carnahan Protagonizada por Liam Neeson, Frank Grillo, Dermot Mulroney y Dallas Roberts Duración: 117 minutos

J

ohn Ottway es un francotirador que trabaja para una empresa petrolera, su labor es disparar a los animales peligrosos que puedan llegar a afectar la faena de los hombres que trabajan en la estación que está ubicada en el hemisferio norte, cerca del polo. La principal preocupación de Ottway son los lobos, éstos viven el hambre del invierno eterno, y ven al ser humano como una posibilidad de alimento, pero también como un enemigo que conquista las mismas tierras que habitan desde siempre.

Estos trabajadores parecen haber llegado hasta acá con el fin de escapar del mundo conocido.

Su naturaleza no es la de quienes quieren mejoras en el salario o los que buscan una oportunidad mejor, sino que, por el lugar donde se desempeñan, más bien pertenecen al grupo de hombres que ya no encuentran un espacio en la sociedad, de quienes están escondidos de sus propios fantasmas.

Ottway los describe como si fueran -incluido él mismo- “hombres que no encajan en la humanidad”.

John parece estar lejos por opción personal. Aún tiene recuerdos de su vida cotidiana en el mundo urbano y son pesados como grilletes, tanto que el suicidio aparece en su horizonte como un escape.

En sus sueños aparece la imagen de una mujer que le es arrebatada y el recuerdo es doloroso para él. Él carga con la desolación interna, además de tener que sobrellevar la geografía, que ya es aplastante y al mismo tiempo impredecible.

Un grupo de estos trabajadores debe viajar en avión de vuelta a casa después de un período de arduo trabajo. En la mitad del viaje se produce un accidente y ocho de ellos quedan varados en la mitad de la nada, en una secuencia muy bien

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lograda, que captura por la veracidad con la que se muestra. Una vez en tierra, la nieve comienza a sepultar los restos y lo único que les queda como opción a los sobrevivientes, es intentar llegar hasta un bosque cercano, eso, si los lobos que acechan lo permiten.

Ottway parece ser el tipo con más experiencia, él lidera al grupo, pero sabe que no hay muchas posibilidades de salir con vida de Alaska. El clima, los animales y el desconcierto de los accidentados, son suficientes como para no tener las mejores opciones.

Aparte de todo esto están los lobos. Bajo la lógica de la supervivencia, éstos actúan de manera ordenada, jerárquica y paciente, con la fuerza que da el hambre y el mundo salvaje. De esta forma logran asesinar a uno de los sobrevivientes del accidente, y demuestran que quieren ir por los otros, sólo porque los hombres son intrusos en una zona que es de ellos y en éste mundo gélido, están en la cúspide de la pirámide. Basta que un humano quede rezagado, como si fuera un animal enfermo, para que éste sea el nuevo objetivo.

Esta cinta de aventuras posee una vocación de existencialismo pero en su faceta más tenue, esto porque no deja de lado el tono justo de suspenso, a pesar de ser una cinta sobre personajes que van muriendo, no abandona lo que los personajes van viviendo internamente. Sobrevivir a lo natural plantea cuestionamientos a la existencia de Dios, los personajes viajan de a poco hacia una introspección, por esto mismo, a partir de la presencia de la muerte que los acecha nacen dudas sobre la resistencia, además hay coherencia con el mundo extremo que los recibe después del accidente. La lógica natural no se aplaca ante la moralidad, el más débil debe morir. Esa tensión puede desalentar a quienes buscan una película de acción vertiginosa, “The Grey” plantea el tema de la confrontación a lo inevitable, el dilema de saberse perdido en manos de la naturaleza y lo hace bien, no sólo por el retrato de un mundo hostil al ser humano, sino que también porque la derrota de la mente, a veces, viene desde adentro y su aceptación siempre será devastadora.

Prometeo Dirigida por Ridley Scott Escrita por Jon Spaihts y Damon Lindelof Protagonizada por Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba y Guy Pearce Duración: 124 minutos

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Prometeo” ha sido anunciada como una precuela del universo de “Alien, El Octavo Pasajero”. Así Ridley Scott quiso alejarse un poco de la saga misma, para dar paso a una explicación más filosófica que acotada, pero que es sólo una justificación para no tener que hacerse cargo de lo que ha pasado después de la primera parte. Ha habido estrenos desechables después de que viéramos la primera película de horror en el espacio. Éstas no fueron lo suficientemente respetuosas con el legado que dejó la historia protagonizada por la teniente Ripley y debió ser muy complicado para Scott enfrentar nuevamente un proyecto de las mismas características. Pero “Prometeo” sí es una precuela de “Alien”, acá está la explicación de muchas cosas que son parte del enigma de aquella narración y da a entender cómo es que sucede el primer encuentro desafortunado entre humanos y razas extraterrestres. Es, por decir lo menos, la vuelta del único autor que con propiedad puede intentar recrear un espectáculo tan atemorizante como éste.

La nave Prometeo lleva 17 tripulantes a un planeta que puede tener vinculación directa con la Tierra, se trata del asteroide LV-223. Está ubicado a una distancia prudente de un sol en su sistema solar propio, posee un clima similar al nuestro y además hay antecedentes en tierra de este lugar, hay jeroglíficos en cavernas de diferentes civilizaciones que dibujaron la misma constelación donde se encuentra ubicado. De alguna forma hubo, hace miles de años, un

tipo de unión entre los mundos y aunque no se sabe cuál es, se cree que puede hacer tenido que ver con la creación y con la respuesta a muchas dudas sobre el origen del ser humano. La búsqueda la emprende una empresa privada, que paga lo suficiente para intentar descifrar un enigma que podría ser a la vez muy rentable.

Antes del arribo de Prometeo a su destino, vemos a un humanoide al costado de una cascada haciendo algún tipo de ritual, bebe una substancia que destruye su ADN mientras es abandonado por una nave en el mismo planeta, el ADN se regenera en el agua creando otra cosa. Podría ser un suicidio o una forma de ofrenda, y que se produce en un lugar que podría ser la Tierra.

La tripulación finalmente entiende que no ha descubierto una nueva “Tierra” sino que llega al lugar donde ocurrió un accidente, está lleno de pruebas de que algo salió mal. Esto determina un drástico cambio de planes, sobre todo con el propósito de salir sin riesgo de contaminarse con lo mismo que eliminó a las formas de vida que fueron a conocer, no hay signos de vida, no hay con quién comunicarse.

Esta suerte de desconexión de los hechos es lo que ha alimentado la mayoría de las cintas Alien. Los protagonistas llegan a tratar de armar rompecabezas. Se sabe que algo sucedió pero no hay causas, no hay muchos datos concretos y finalmente cuando se establece con claridad qué pudo haber sucedido, hay poco tiempo para actuar ya que la amenaza ya está descontrolada. Ridley Scott se caracterizó por construir este tipo de historias, hizo desde el inicio de su carrera relatos atractivos por sus implicancias enigmáticas y filosóficas, éstas iban desde el existencialismo tecnológico (interacción humana y robótica) hasta el anhelo del hombre por ser Dios y controlar la creación. Esa ambición está de vuelta en “Prometeo”, con resultados que ni se acercan a los de “Blade Runner” o de la misma “Alien”, pero conteniendo un espíritu perfeccionista por atrapar al espectador y hacer que éste sienta al menos que se ha subido a una nave grandilocuente y llena de conceptos que normalmente están ausentes en las películas que se producen en Hollywood.

El recorrido es espectacular. Scott pone en su película gore, suspenso y mucha grandilocuencia.

Lejos de toda la mezcla de religiosidad y mitología, lo que hace de “Prometeo” un film destacable, es la vocación que tiene por elaborar historias enormes en el género de la ciencia ficción y eso es algo que se extrañaba en las salas de cine de las grandes cadenas.

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STREET ROCK

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Levi’s® Music presentó a The Horrors. Club Chocolate

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Darío García, Maren Brownnell

Francisca Casas

Levi’s® Music presentó a The Horrors. Club Chocolate

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Pablo Díaz de Valdés, Javiera Díaz de Valdés y Cristián Berlín.

Patricio del Sante, Angélica Spoerer

Cerveza Miller anima la noche santiaguina. Restaurant Köök

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Francisca Teke y Pablo Díaz

María José Bello y Joaquín Vergara

Cerveza Miller anima la noche santiaguina. Restaurant Köök

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Nicolás Saavedra y Andrea Pesce

Jaime Rengifo, Dimitri Forno, Julieta Mancilla y Ricardo Solar

STREET ROCK

Ciclo de tocatas Capel. Bar Onaciú

Ciclo de tocatas Capel. Bar Onaciú

La Mala Senda

Ganadores de la mesa Capel

Ciclo de tocatas Jack Daniels. House Rock & Blues

Ciclo de tocatas Jack Daniels. House Rock & Blues

Cygnus, tributo a Rush

Amigos de Jack

Festival de bandas Escudo. La Batuta

Festival de bandas Escudo. La Batuta

Silvestre

Escuderos

Ciclo de tocatas ron Maddero. House Rock & Blues

Ciclo de tocatas ron Maddero. House Rock & Blues

5150, banda tributo a Van Halen

Ganadores mesa Maddero

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El SOUNDTRACK DE HOY Por Daniel Matamala (@DMatamala)

Soundtrack recomendado:

MI VERDAD, TU VERDAD

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a expresión se popularizó en la farándula, y pronto la prensa se apuró a incluirla en su repertorio de frases hechas, al lado de “rompe su silencio” y “voraz incendio”. “Fulano cuenta su verdad”, se titula un día. “Mengano: esta es mi verdad”, es la noticia al día siguiente. Nos llenamos de verdades: la mía, la de él, la tuya. En vez de la verdad única del diccionario, entonces (“existencia real de algo, conformidad de las cosas con el concepto que de ellas forma la mente”), hablamos ahora de muchas verdades, todas al parecer igual de valiosas y relevantes.

Que no extrañe, entonces, que Juan González, el organizador del último homenaje al general Pinochet, pueda decir sin ruborizarse que “para mí no existieron las violaciones a los derechos humanos” y cerrar la frase con la muletilla infaltable: “esa es mi verdad”, retrucando así a su hermana, Francisca, arrestada y torturada, que escribió un libro titulado “Mi memoria es mi verdad”.

Parece que cada uno tiene “su verdad” entonces.

El ex teniente fabulador y su hermana torturada.

El sobreviviente de Auschwitz y el neonazi que dice que el Holocausto nunca existió. El científico y el chanta que “predice” terremotos. El sabio y el ignorante. El sincero y el mitómano.

Y ojo, que esto no tiene nada que ver con el legítimo derecho a opinar, discrepar o interpretar la realidad desde diferentes puntos de vistas. Hay una frase brillante al respecto, del ex senador estadounidense Daniel Patrick Moynihan: “Cada uno tiene derecho a tener su propia opinión, pero no a tener sus propios hechos”.

Cuando olvidamos eso, los efectos son graves.

Un caso dramático es el Christine Maggiore, una portadora del virus VIH que creía en la “verdad” dispersada por un grupo de charlatanes que niegan que el SIDA sea causado por el VIH, y atribuyen las muertes por ella a las más esotéricas causas.

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Christine se convirtió en vocera del “negacionismo”, escribió libros, se negó a recibir tratamiento médico y, cuando quedó embarazada, no tomó medicamentos para evitar el contagio a su hija, Eliza Jane.

En su cruzada contó con el altavoz de Internet, con la complicidad de muchos medios, que la entrevistaban en igualdad de condiciones con reconocidos científicos (después de todo, cada uno tenía “su verdad”, ¿no?), e incluso con el apoyo de Foo Fighters. Convencidos por su bajista Nate Mendel, los Foo organizaron un concierto a beneficio del grupo negacionista, y difundieron sus falsas teorías en su página web y en conciertos.

En 2005, a los tres años de edad, Eliza Jane murió por complicaciones derivadas del SIDA. Poco después su madre enfermó y murió, también por infecciones relacionadas con el SIDA. Ambas vidas se habrían salvado con un tratamiento médico. Tras las muertes, Foo Fighters eliminó las referencias a la cruzada negacionista de su página web y de sus conciertos, aunque nunca han hecho un mea culpa por su “aporte” a un movimiento que se estima que ha causado más de 300 mil muertes en todo el mundo al convencer a personas y autoridades de no prevenir el contagio, y renunciar a los tratamientos médicos.

Internet, junto a su invaluable aporte al multiplicar las fuentes de información y las opiniones disponibles, también se ha convertido en el paraíso de teóricos de la conspiración, fabuladores y chantas de baja calaña. En un mundo de información “a la carta”, donde cada uno diseña su propio menú de realidad, es fácil quedar atrapado en una ideología y fuera del alcance de la verdad.

Así, hoy el 41% de los estadounidenses creen que el calentamiento global es un invento, y el 11%, que su Presidente es musulmán.

Aceptar el cuentito de “mi verdad” es pura cobardía. Es no atreverse a diferenciar hechos de opiniones, y llamar verdad a la verdad, y mentira, a la mentira. Sin más.

Rollins Band, “Liar” Nunca el rock describió tan bien cómo funciona la mentira: “Me conociste / Y tu mundo cambió. / Porque todo lo que digo es todo lo que siempre quisiste escuchar. / De modo que bajaste tus defensas y tus miedos / y conmaste en mí por completo”, recita calmadamente Henry Rollins, con una música seductora de fondo. Luego todo cambia: “Te hice sentir tan bien, tan poderoso. / Te sentías tan afortunado. / Y nunca te preguntaste por qué / todo iba tan bien. / ¿Quieres saber por qué?”, pregunta Henry Rollins, antes de pasar a los gritos: “Porque soy un mentiroso / Sí, soy un mentiroso”.

Seether, “Truth” “¿Si te diera la verdad, eso te mantendría vivo?”, parte preguntando esta canción de los sudafricanos Seether. Aunque su postgrunge suena más edulcorado que auténtico, tienen un punto: “No hay nada que tú puedas decir / Que pueda salvar a esa mentira”.

Rage Against the Machine, “Bullet in the Head” El segundo sencillo en la historia de Rage, parte denunciando los efectos de la propaganda: “Ellos dijeron que era azul / Cuando la sangre era roja. / Así es cómo recibiste un balazo en la cabeza”. Tras un furioso ataque contra el gobierno y los medios, Zack de la Rocha le habla directamente a su público, usando la bala como una metáfora de los efectos de la mentira: “Ellos dijeron “salta” / y tú dijiste “¿cuán alto?” / Tu cerebro está muerto / Tú tienes una maldita bala en la cabeza”.