Revista Café - Octava Edición by Rodrigo Alvarez

Portada por: María José Ortíz Ana Lucía Viato Rodrigo Alvarez Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Arquitectura Escuela de Diseño Gráfico Revista Café Octava Edición, año 2015 Impreso en Ciudad de Guatemala, 4ta Calle 1-69, zona 1 Diagramación y diseño: María José Ortíz - 201213794 Ana Lucía Viato - 201213703 Rodrigo Alvarez - 201213820

Índice

Guatemala, 27 de Octubre de 2015 - Octava edición

• Art nouveau, el inicio de una nueva época en el diseño, su historia, desarrollo y trascendencia. (Página 4) • Evolución de la tipografía desde 1700 hasta la actualidad. (Página 10) • El Cartelismo: orígenes, evolución y tipos de carteles que se desarrollan a partir del siglo XV (Página 14) • La censura y el diseño gráfico. (Página 28) • La idea del arte de acuerdo a su contexto (Página 36) • Identidad del diseño gráfico a través de los años (Página 40)

Art Nouveau El inicio de una nueva ĂŠpoca en el diseĂąo, su historia, desarrollo y trascendencia.

Por: Hernández, A.; Casasola, M.; Matzir, M.; Leal, M.

través de los años hemos visto como diferentes movimientos han influenciado en el desarrollo histórico de la humanidad, las tendencias o corrientes artísticas no son excepción a esto. En el presente ensayo se busca abordar el tema del Art Nouveau o Arte Nuevo y mostrar la influencia filosófica que ha tenido y la huella que ha dejado en la nueva época del diseño gráfico, ya que, más que ser un estilo artístico se le puede considerar como una nueva manera de ver las cosas. Pero ¿Cómo podemos demostrar la trascendencia que ha tenido el Art Nouveau en el campo filosófico y profesional del diseño gráfico?

El término viene desde 1895 cuando Siegfried Bing abrió una galería llamada “ La Maison de L’Art Nouveau” que era una galería para el arte contemporáneo, esto generó una popularización tanto del nombre como del arte en sí. Alcanzó una audiencia mundial, debido a que favorece el consumismo, en especial con las vibrantes artes impresas como periódicos, ilustraciones de libros, carteles o posters (publicitarios e informativos), así mismo en las piezas de joyería.

Debido a su presencia en todos los países de Europa, el art nouveau tuvo diferente nombre en cada región, esto permitió que se mantuviera como característica principal la inspiración en formas naturales y orgánicas del mundo natural, pero cada país utiliza estilos propios de cada región para Desde los años 1800 hasta la poder mezclar estos con el art nouprimer Guerra mundial, los paíveau y mejorar el arte en sí. Esto geneses europeos y Estados Unidos ró un movimiento artístico que buscó fueron testigos del nacimiento siempre la autenticidad, evitando las de un nuevo movimiento artíscorrientes clásicas y luchando contra tico, el Art Nouveau, arte que el historicismo de la época victoriana; tomó por inspiración las formas sin embargo, el movimiento es una presentes en el mundo natural. emulación de ideologías y postulados A raíz de esto, y en un periodo Imagen 1 que se fueron desarrollando como de constante modernidad, el Art ilustración art nouveau antecesores, principalmente el Arts Nouveau según menciona Rosa& Crafts, creando así un nuevo estilo les, M. (2009): “Quiso conseguir que tenía como objetivo la innovación. una autenticidad en la estética, buscando la Aun así, el Art Nouveau no es el resultado únicamanera de hacer arte con lo cotidiano, respetando lo tradicional para hacerlo moderno. Esto mente de una historia exclusiva de Europa sino que también es la mezcla de algunos estilos orientales y influenció en la arquitectura, en la literatura y clásicos que pretendían demostrar un quiebre con también en las artes aplicadas como la ilustralo tradicional y lo viejo. Es por esto que el Art Noución, el diseño, la escultura, el trabajo en metal, etc.” 5

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El Art Nouveau tuvo como objetivo modernizar el arte y diseño, tratando de escapar de los estilos históricos estáticos.

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veau se transforma en una corriente filosófica importante que influye no solo en el arte sino que también en cómo la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico y de productos. Viéndolo desde un punto de vista filosófico, este arte hace uso de muchas formas y movimientos que eran parte del siglo XIX, los artistas de esta época consideraban que todas las artes y trabajos manuales debían ser tomados como iguales, accesibles y todos debían disfrutar del arte como tal: “se creía en hacer arte por el bien del arte”

Imagen 2: Cartel “Cycles Perfecta” por Alphonse Mucha.

Pasando a discutir las características de movimiento podemos recordar lo dicho por Gaudí en 1880, todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso. El Art Nouveau tuvo como objetivo modernizar el arte y diseño, tratando de escapar de los estilos históricos estáticos que previamente habían sido populares. Los artistas se inspiraron en ambas formas orgánicas y geométricas, diseños elegantes y evolucionados con fluidez, formas naturales con contornos más angulares. El movimiento se ha comprometido a abolir la jerarquía tradicional de las artes, tales como la pintura y la escultura, para darle importancia a las artes decorativas a base de artesanía. Existían ideales de una liberación por medio de una creación de un arte nuevo que deje atrás la existencia de una diferenciación de clases, ya que pretendía que todas las artes fueran una sola gran arte. Las distintas ramas del diseño se encuentran a nuestro alrededor, en todo con lo que nos relacionamos día a día, como menciona Mucha: “Para muchos artistas lo esencial era

que el arte afecta y unifica la vida de la gente, no sólo en las pinturas de aceite caro en las paredes de los ricos (…), sino en los objetos esenciales de su vida diaria, sus casas, muebles y vasos, los anuncios, cortinas e incluso rejillas de alcantarillado. Incluso puramente objetos funcionales”.

Imagen 3: La Maison de L’Art Nouveau.

A partir de ciertos estudios botánicos y biológicos se estableció la naturaleza como fuente primaria de inspiración, pretendían romper las cadenas con los estilos pasados, estas líneas fluidas pretenden trabajar como una metáfora para ese rompimiento o liberación de expectativas y críticas. En la contemporaneidad, se observa una tendencia que favorece las líneas rectas y simples. Pero la postura que el diseñador contemporáneo debe ser un criterio responsable en donde no escoja la tendencia orgánica o lineal en base a sus gustos personales y se incline por romper los estilos, desarrollando el propio. Según De La Cuesta, M. (2011) el Art Nouveau es: “Una decoración naturalista de abundantes motivos de flores y animales que no eran meros adornos en los objetos, sino el medio para dar la forma. La función y el uso se convierten así en un placer estético.” Desde ese entonces, pode-

mos encontrar un registro sobre la importancia que se le daba a crear algo que no solo fuera estéticamente agradable, sino que también cumpliera su función. En la actualidad, rescatar este pensamiento es darle fortaleza a la carrera, que esté codificado de acuerdo con el grupo objetivo al que va dirigido. En un mundo cambiante es importante adaptarse a las nuevas tecnologías y estar pendiente de lo que está pasando en el mundo del diseño, el Art Nouveau por su enfoque a la aplicación comercial, le dio su particular atractivo y duradera presencia. A pesar de ser una aplicación del arte, busca también ser comercial y de esa forma satisfacer y permanecer. Las piezas impresas que se crearon en esta época son consideradas como los primeros medios de publicidad y propaganda lanzadas, esto dio paso a un medio masivo de comunicación, al ser un tipo de arte nuevo; los artistas se tomaban su tiempo para experimentar esta nueva forma. Las tipografías que se utilizaban eran basadas también en formas florales y eran hechas a mano alzada así como también las imágenes que se realizaban.

Imagen 4: Ejemplo de la tipografía Art Nouveau

Como hemos podido comprobar el Art Nouveau fue una corriente de liberación para el artista, pero ¿cómo podemos decir que influye tan intrínsecamente en el diseñador si es un movimiento artístico y tan natural? El aporte del Art Nouveau en el diseño gráfico resalta un cambio al mundo, el término Art Nouveau ya indica de por sí un espíritu de reforma, rebelión y libertad. Nos transfiere esa corriente de pensamiento, no estar conforme con lo establecido y ser curiosos para encontrar nuevas soluciones. Si bien el diseño involucra más análisis que el arte, exige constantemente una capacidad creativa de innovar, crear lo aún no creado; a su vez, el principal objetivo es comunicar a través del arte, saber conseguir y aprovechar la inspiración, para luego crearnos un sello personal, características que fueron generadas por la base del Art Nouveau.

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...la importancia que se le daba a crear algo que no solo fuera estéticamente agradable, sino que también cumpliera su función.

Uno de los pensamientos generados por el Art Nouveau es que el arte o diseño no debería ser analizado con parámetros tan rígidos como la ciencia o las matemáticas sino que nace del alma, pasando por la conciencia y transmitiendo su belleza en la vida. En la actualidad podemos afirmar que gracias a este pensamiento se generan los estilos propios que utilizamos los diseñadores, ya que nos mantenemos en una constante búsqueda de poder generar algo que nos represente, una característica particular que sea la firma de nuestro diseño. Intentamos ser innovadores no solo en nuestro conocimiento sino en lo que producimos como diseño y esta sigue siendo la chispa del Art Nouveau en nuestro gremio de diseño. 8

Imagen 5: Sello postal de Checoslovaquia

Imagen 7: Ilustración por Aubrey Beardsley

Imagen 8: Ilustración por Alphonse Mucha

Imagen 9: Comercial para la marca Dove que muestra diversidad morfológica.

Este movimiento y las artes que proliferaron durante esta época abren las puertas hacia la producción industrial y los movimientos de comunicación masiva. Mostrando desde ese entonces el panorama de lo que sería el diseño hoy en día, una rama dirigida a las masas La firmeza en lo que creían los pioneros del Art Nouveau los hizo alcanzar la libertad de pensamiento, dejando atrás las expectativas de los demás y de ese modo restarle importancia a las críticas. Llegaron a alcanzar una firmeza en lo que creían, esto es uno de los grandes legados que nos dejó el Art Nouveau, ya que, logra la individualidad y de este modo también se busca evitar el plagio, debido a que al contar con un estilo de pensamiento y generar un estilo propio (que refleja ese pensamiento), se hace evidente cuando alguien más intenta copiar dicho estilo. La otra encomienda para la contemporaneidad de parte del Art Nouveau es que mostró a la mujer al natural, con sus curvas y su figura lozana. Este aspecto que pide ser aplicado en la actualidad, para mitigar el exceso de retoque fotográfico. Al hojear una revista o catálogo, las modelos presentadas tienen las mismas carac-

terísticas físicas, su morfología es similar, pero es una utopía. Las pocas campañas en donde se muestra la belleza de la mujer real, han sido recibidas satisfactoriamente. El diseñador gráfico debe de ser responsable del mensaje que va a transmitir. Se trata siempre de buscar la originalidad, también se debe incluir eso en las fotografías, mostrando la diversidad morfológica que existe en el mundo. La tipografía utilizada también tenía relación con las curvas de la figura femenina. Predominaban las líneas orgánicas y onduladas, se utilizaban también motivos y la búsqueda de la asimetría en los caracteres, seguían de esta forma siendo fieles a su principal inspiración, la naturaleza. Se buscaba la combinación de la imagen y la tipografía para que fuera armónico visualmente, en la actualidad no solamente se busca que se armónico sino que también sea funcional.

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Evoluci贸n de la tipograf铆a desde 1700 hasta la actualidad

Imagen 1: construcci贸n de la capital G por Louis Simmoneau

Por: García, C.; Rosales, S; Miranda, J.; Lam, L.; Pinto, K.; Quiquivix, V.

Edad moderna

clásica. Tipográficamente, se caracteriza por el refinamiento en el desarrollo de los tipos, el contraste entre los trazos gruesos y finos y formas más estilizadas. Aparecen las Romanas Modernas Didot y Bodoni. Sus delicados trazos los hacen menos legibles que las “romanas antiguas” pero con una superior elegancia.

El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental, produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente (Siglos XVII y XVIII). Si el Renacimiento se caracterizaba por una vuelta a lo clásico, ala armonía y al gusto por lo sencillo, en el Barroco todo esto se llevó al extremo, con composiciones más complicadas, obras pictóricas y esculturas con estructuras colosales, ostentosas y recargadas. Era una época de riquezas y opulencia.

John Fell (1625-1686) fue el principal precursor de las nuevas corrientes tipográficas que hubo en Inglaterra. Supervisó el trabajo de la recopilación de fuentes que sirvieron para la fundación de las Prensas de Oxford allá por el siglo XVII y que reciben su nombre: FellTypes. La preocupación de Fell por la composición y el diseño era tal que decidió encargar la tarea a maestros holandeses en vez de dejarlas en manos de los ingleses, que consideraba como padres de todo tipo de equivocaciones tipográficas. Tomando como ejemplo los caracteres de Robert Granjon, las tipografías Fell sirvieron para la composición de todos los títulos salidos de las prensas de Oxford durante un siglo.

Clasicismo abarca desde principios del siglo XVIII a comienzos del XIX inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Grecia

Respecto a las tipografías, a este periodo se le suele denominar “de transición”, aunque es cierto, hubo aportaciones que tanto prepararon el camino al Clasicismo como enriquecieron los ya existentes. Holanda, Inglaterra y Francia jugaron un papel muy importante en el desarrollo de los tipos de

Imagen 2: Ilustraciones de alfabetos

destaca por un acentuado juego de ejes y contrastes irregulares que impregnan el texto de gran viveza.

La revolución industrial La revolución industrial tuvo un impacto dramático en la tipografía. Los tipos hechos por Bodoni y Didot se adaptaron a la naciente industrialización, las líneas delgadas se convirtieron en gruesas al disminuir el contraste del trazo para soportar mejor las exigencias de la impresión. No duraría mucho. Aparecieron los tipos pesados y rígidos empleados en los títulos para llamar la atención. Aparece el tipo sansserif, cuya característica más importante es la ausencia de serfis (adornos) En 1796, el músico alemán AloisSenefelder inventa en Munich, casi por azar, la litografía. Con ella acababa de nacer el tercer procedimiento de impresión que, dicho sea de paso, despertó un interés muy relativo en Inglaterra, cuna de la posterior revolución industrial. Este proceso tecnológico conlleva un cambio conceptual verdaderamente notable. La sustitución de las arcaicas prensas por los nuevos ingenios mecánicos permite la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo cual los carteles _y naturalmente las letras_ superan los estrechos límites en que los pequeños formatos y los caracteres tipográficos corrientes a que estaban sometidos. Es tal el impacto que el nuevo procedimiento produce que abre nuevas e indiscriminadas expectativas al tipógrafo, quien usa y abusa de esta técnica hasta límites insospechados. La cantidad de tipos nuevos a los que se somete a toda posible variación es enorme. Las aplicaciones de la tipografía se multiplican: Carteles, manifiestos, periódicos, publicidad Imagen 3: Ilustraciones de empaques de tabaco en la revolución industrial.

comercial, etc. El uso de caracteres de cuerpo enorme —construidos en madera— y de caracteres góticos que aumentan la superficie de negro sobre la página ya no son suficientes. Así, en el intento de corresponder a las nuevas necesidades, se establecen, de hecho, nuevas directrices en el desarrollo de los caracteres.

La tipografía para una época industrial

fábricas y gracias a esto las ciudades crecieron rápidamente y hubo una distribución más amplia de la riqueza. La inversión de capital en máquinas para la fabricación masiva, llegó a ser la base del cambio industrial y del desarrollo. Se estableció un ciclo de producción en espiral.

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Con el surgimiento de la Revolución Industrial un gran número de personas dejaron de laborar las tierras y buscaron empleos en las

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El grado más alto de igualdad que se inició a partir de la revolución francesa y americana, trajo consigo un mejoramiento en la educación pública y, por tanto, la posibilidad de leer y escribir.

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El Cartelismo

Orígenes, evolución y tipos de carteles que se desarrollan a partir del siglo XV

¡We can do it! 14

Ajuc, A. Pivaral, P. Morales, A. Días, R. Solórzano, S. Navas, J.

El origen del cartel se remonta en el siglo XV, pero este adquiere gran impulso y relevancia con la evolución de las artes gráficas y el descubrimiento de técnicas de reproducción de la imagen a través de la litografía hasta en el siglo XIX.

Este medio informativo era conocido como panfleto o bando de ordenanza que se colocaban en las paredes de las plazas públicas para ser vistos por el pueblo y de esta manera ser advertidos de las nuevas obligaciones o impuestos o para anunciar algún espectáculo que podrían presenciar. Con el paso del tiempo se fue reconociendo como un atractivo visual de gran fuerza emotiva capaz de hacer que las personas respondieran a su mensaje. Por esta razón, ha pasado a ocupar en los medios de comunicación un importante lugar. Su objetivo principal siempre ha sido informativo.

El grito en la pared, como algunos estudiosos han llamado al cartelismo, cumple con la función de transmitir un mensaje integrando ilustraciones de impacto con un breve texto que lo respalde, pero ¿Por qué el cartelismo, a pesar de ser un medio de siglos de uso, aún sigue aplicándose? Pues este medio informativo era conocido porque se colocaban en las paredes de las plazas públicas para ser vistos por el pueblo y de esta manera ser advertidos de las nuevas obligaciones o impuestos o para anunciar algún espectáculo que podrían presenciar. Con el paso del tiempo se fue reconociendo como un atractivo visual de gran fuerza emotiva capaz de hacer que las personas respondieran a su mensaje. Por esta razón, ha pasado a ocupar en los medios de comunicación un importante lugar. Su objetivo principal siempre ha sido informativo de una forma directa, sencilla y muy llamativa,

dando como consecuencia una forma de comunicación bastante efectiva además de ser de masas. La evolución de las artes gráficas va a permitir que el cartel consiga excelentes cotas artísticas, siendo objeto de interés de renombrados artistas hasta hoy en día. El cartelismo comercial y político adquiere gran desarrollo en España a partir del siglo XIX, debido al impulso y relevancia que se le da con la evolución de las artes gráficas y el descubrimiento de técnicas de reproducción de la imagen. El

objetivo “ Suprincipal

siempre ha sido informativo.

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e vuelve una técnica de difusión altamente funcional debido a sus posibilidades comunicativas además de no necesitar inversión de grandes recursos. La capacidad de combinar palabra e imagen en un formato atractivo y económico impulsó el cartelismo a ser innovador y así tener un impacto de mayor alcance.

cartel se vuelve una técnica de difusión altamente funcional debido a sus posibilidades comunicativas.

Imagen 1: Cartel publicitario para la venta de trajes de hombre y de mujer, realizados por Jules Cheret

Imagen 2: Cartel de obra de comedia música, su publicidad hizo que diera mas 100 presentaciones consecutivas

Imagen 3: Cartel sobre la obras de teatro en Paris, realizado por Jules Cheret

Imagen 5: Jules Cheret utilizó la litografía para la impresión de sus carteles

Es por esto que se debe destacar el cartelismo publicitario francés del siglo XIX y la abundante producción que adquiere el cartel político en España durante la República y la Guerra civil debido que le dan un nuevo impulso y giro a la creación del cartel, adoptando así una forma muy semejante a lo que se conoce el cartel hoy en día. Es acá en donde se da el nacimiento del cartel moderno y se debe básicamente a la suma de dos factores: Jules Cheret y las mejoras técnicas en la impresión litográfica.

Imagen 4: Ejemplo de las lobby cards que tienen como referencia el cartelismo

Imagen 6: Cartel para promocionar el petróleo para lámparas Saxoline

Jules Cheret comienza a trazar la evolución del cartel a través de página impresa (litografía), manejando un estilo nuevo y sobrio en el cual se comienza a ver composiciones que constan solo de formas planas y simétricas en donde adquiere un carácter dinámico, hace uso de formas curvas, utilización del color negro para creación de contrastes, además de formas lisas y la ilusión de formas en relieve. Cheret inunda las calles de carteles utilizando la figura de una mujer bella y estilizada la cual es utilizada como reclamo publicitario, siendo esto un claro indicador del nacimiento del cartel publicitario moderno. “Los resultados eran unos carteles claros, contundentes y visualmente bellos que serán parte fundamental del nuevo diseño de carteles. Se empieza a entender el cartel como un nuevo lenguaje en el que se transmiten mensajes e ideas de forma sencilla y directa, creando vínculos con los espectadores y haciéndoles responder así, a una serie de estímulos concretos”. (Guzmán, U. 2007) A la vez, la evolución de las artes gráficas permite que el cartel consiga excelentes cotas artísticas, siendo objeto de interés de renombrados artistas que van desde Toulouse Lautrec Gaudí. En el ámbito comercial cabe destacar, por su calidad artística, la obra de Ramón Casas muy influido por Toulouse Lautrec. Durante la República y la Guerra

guerra mundial y aspectos de superioridad y dominio sobre el enemigo.

Imagen 7 Cartel con concepto politico, famoso durante la primera y segunda guerra mundial

Civil españolas el cartel político tuvo una gran difusión como medio de propaganda política de todas las tendencias. El cartelismo publicitario y político antes de dar un nuevo impulso y giro a la creación del cartel pasa antes por toda una serie de conflictos mundiales por necesidad de alistamiento a las fuerzas armadas para la participación en la primera

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El cartel constituye un grito, un espacio físico de pensamiento, una de las armas más básicas y efectivas de la publicidad.

Los ilustradores del cartelismo político poseían la capacidad de mover gente para la unión ya sea de un bando político o la participación en la guerra, en los movimientos donde se desarrollan y llegan a lo que hoy conocemos como propaganda es durante la primera guerra mundial y la revolución rusa, las piezas gráficas que surgieron en esa época eran explícitas, con poco texto, debido a que muchas personas eran analfabetas además de que la ilustración debía comunicar el mensaje por sí solo. Buscando la movilización de las masas, desde las instancias políticas se pretende hacer ver cualquier conflicto armado como una gran lucha por las libertades, contra la injusticia social. La publicidad se llena de grises o de color según sea para desprestigiar al enemigo o para enlazar las virtudes de la guerra. Se intenta que en el cartel, lo gráfico e ilustrativo, no sea percibido como una apariencia a la realidad, sino como la realidad misma. En definitiva el cartel constituye un grito, un espacio físico de pensamiento, una de las armas más básicas y efectivas de la publicidad. Y es en eso precisamente que se convierte el cartel durante las guerras, en un arma de alcance masivo. Pero más allá de un clásico ataque directo, el cartel de guerra hace su aparición en el plano emotivo, apelando a la relación jerárquica heredada a los combatientes. El cartel de guerra pasa a ser la orden de ataque, la frase de apoyo, la palmada en el hombro por parte del superior e incluso el agradecimiento directo del más alto mando por la defensa de los ideales. Una de las tácticas era infundir odio, miedo y denigrar al enemigo a través de la sátira con el cartel de tinte racista, por supuesto se requería que tanto el combatiente y la nación entera repudiara al otro bando. Así es como nacen los carteles más fuertes y directos conocidos en publicidad. Un ejemplo es el cartel “This is the enemy” de la primera guerra mundial mostrando un combatiente asiático de manera desagradable raptando a una mujer estadounidense 17

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El uso del cartel durante la primera guerra mundial es obligatorio, hasta entonces constituía uno de las principales soportes de la publicidad, y son precisamente los publicistas los encargados de generar esos sentimientos de valor, odio, lealtad, esperanza, etc. los cuales constituyen el pan diario de los combatientes. Una muestra es el despliegue de propaganda por parte de EEUU, conformado por más de 2500 diseños trasladados a más de 20 millones de carteles durante la primera guerra mundial. Un ejemplo muy difundido es el clásico cartel “I Want You for U.S. Army“ : “Sin duda uno de los carteles de propaganda más famosos y duraderos de todos los tiempos. “I Want You for U.S. Army“, realmente fue requerido para la Primera Guerra Mundial. Imitando a un cartel de reclutamiento de la Gran Bretaña, también icónico, esta imagen indeleble resultó tan eficaz, que su utilización se extendió a la Segunda Guerra Mundial. ” (Emmanuel, H. 2013) El cartel de guerra extiende su impacto a ambos bandos, desde el campo de batalla hasta los compatriotas en los países de origen, ya que no sólamente los combatientes necesitaban contagiarse de valor, odio y esperanza, sino también sus familiares, amigos, conocidos. “Además de la evidente necesidad de convencer a los ciudadanos de inscribirse para el servicio militar, los gobiernos también tenían que convencer a las personas que se quedaron atrás de la importancia de sus esfuerzos de guerra. [...] Por mucho, el más emblemático fue “We Can Do It“. Un simple cartel de una mujer trabajadora (basado en el personaje real de “Rosie, la remachadora”) flexionando sus músculos, que dejaba en claro la nueva posición que ocupaban las mujeres en los Estados Unidos. ” (Emmanuel, H. 2013) El cartelismo ayuda a persuadir a la población de la necesidad de una guerra en cuatro frentes distintos como lo son el aislamiento, justificación de guerra, demostrar poder sobre el enemigo y pacificación. 18

Imágenes 8 y 9: Cartel polémico que daba a conocer la nueva posición de la mujer en los Estados Unidos.

Un año antes de que termine la primera guerra mundial, en 1917 , inicia la revolución rusa, lugar del cartel contrarevolucionario con un fuerte estilo expresionista, asombrosas yuxtaposiciones donde estas “No buscaban la estabilidad, sino el cambio”. P.L Ruiz (1997) párrafo 20.

la idea de que los Juegos son un evento deportivo que pretende la unión de naciones. La ausencia de colores, el águila y la campana da una sensación de un ambiente triste y muerto. También se intervino en la imagen creada para las olimpiadas de Helsinki 1952 y Melbourne 1956 continuó la tendencia de usar un diseño de un solo color. Los aros olímpicos se consolidan como símbolo y se presentan en la parte superior de los edificios, que es el icono de la ciudad en 1952. Hay menos detalle respecto al diseño utilizado en Londres cuatro años atrás. Los diseñadores empezaron a introducir el color en el logo de una manera conservadora.

Más allá de las trincheras, el cartelismo sigue evolucionando, atravesando etapas artísticas y deportivas donde se ve influenciado por las generaciones y tendencias que evolucionan cada cierto tiempo. Pero desde este punto podemos establecer que su prioridad era promover el florecimiento pleno de sus potencialidades, y que se dedicaban a la búsqueda de esquemas de convivencia social y global. Sus imágenes mostraban cuerpos esculturales y dignos de admirar.

Estas gráficas contienen una ideología humanista donde su mayor protagonista es el ser humano en su habilidad de progreso tanto física como social. Valiéndonos de la necesidad humana de comunicar un mensaje podemos decir que el cartelismo fue una parte esencial al distribuir el mensaje que influenció a toda una sociedad en su momento podemos decir que la tendencia del cartelismo llegó a ser tan grande en este siglo que se comenzó a utilizar en diferentes industrias e incluso en industrias en crecimiento tomando como ejemplo claro, el cartelismo en la industria cinematográfica.

También han servido para identificar a la ciudada anfitriona y la estética particular ligada a la imagen global de los juegos. La prioridad del cartel era proporcionar una historia visual de la imagen de cada edición de los Juegos Olímpicos. Actuando como testigos de los estilos y de los valores de su tiempo así como el contexto social y político en el que estuvo inmerso. muestran no sólo la evolución del deporte sino también del diseño y del arte del cartel a partir de 1896 a nuestros días. La presencia de la Segunda Guerra Mundial se sintió con fuerza en el logotipo a partir de 1936. Ninguno de los símbolos que aparecen buscan representar

Imagen 10 Cartel que muestra la técnica modernista.

El cine fue oficialmente inaugurado como espectáculo en París, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del

cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumière, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del

género, creando así los géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematográficos y cinematografías nacionales.

Mujeres multifacéticas que han sido elementos importantes para la representación de conceptos.

Imagen 12 Cartel cultura japonesa

Luego de este movimiento en auge, nacen nuevas tendencias, tales como la de buscar la forma de poder promocionar las funciones cinematográficas de una manera efectiva y es ahí cuando aparece el uso del cartelismo para el cine. Aunque la publicidad en papel ya estaba inventada. Los recintos feriales y teatros ya se anunciaban con imágenes publicitarias. El espectáculo cinematográfico enseguida crea un género autónomo en la cartelería. Y fue justamente Thomas Edison el que ajusta el tamaño estándar de póster, conocido como “el general” que sería utilizado en las vitrinas de vidrio del interior y exterior de las salas de cine.

Imagen 13 Cartel español par ala fiesta de San Fermin, España.

Luego de esto, las empresas francesas como Gaumont Pathé editaban y producían sus propios carteles que realizaban ellos mismos o encargan a artistas o talleres especializados. Ellos fueron los que instauraron la firma del artista, artesano que intervenía en ese nuevo género independiente. Algunas veces, el estudio mostraba una fotografía para ser utilizada en el cartel. Había reglas estrictas de censura que obligaban a que los dibujos fueran inocentes y no mostraran escenas que resultan atrevidas, dentro del contexto de esa época. Ya que no era habitual que hubiera estrellas de cine en las primeras películas. Los actores eran anónimos. 21

Imagen 14 Cartel promocional para el museo de arte moderno.

En la década de 1910, los “nickelodeons” se empezaron a reemplazar por las salas de cine. En el interior de las salas, los poster de los vestíbulos se cambiaron por grupos de 8 fotogramas que mostraban escenas de la película. Al principio eran en blanco y negro, después se sustituirán por fotogramas en color. A este tipo de imágenes se les llama Lobby cards. A finales de la década, el público lo que quería era conocer los nombres de los actores y actrices y se comenzaron a dar créditos correspondientes en el ejemplar ya impreso. Se internacionaliza el cine y la nueva industria norteamericana comienza a convertir en estrellas a los actores siendo esta una nueva dimensión del cine coincidiendo

con la evolución de la tecnología de impresión dándole un nuevo lugar al “Cartel de cine” con las características que conocemos en la actualidad. En la década de 1920, las salas de cine se transforman en hermosos edificios. Las ilustraciones de antaño se transforman en carteles artísticos que realizaban conocidos artistas y se encargan de diseñar retratos de las estrellas famosas y es en este punto donde los carteles comienzan a contar y adentrarnos dentro de la película anunciada. Esto con el fin de poder darnos una especulación de lo que será el film. A medida que avanza la década, surge el cine sonoro y con esto se dispara positivamente la

Imagen 15 Cartel publicitario dnavideño sobre cafe.

atención del público, haciendo que la industria del cine alcance su punto más alto de plenitud, alcanzando la conocida “Edad de oro”, en donde se consigue producir las películas más importantes y de mayor grandeza tales como: “Monte Carlo”

conceptuales, se hace énfasis en la tipografía y se dan pistas sutiles en cuanto al contenido de la película que forma el fondo del tipo. A mitad de la década, surgen las revistas de cine que tenían grandes fotografías en color de las grandes estrellas de cine. Estas revistas pioneras fueron las que originaron que las compañías cinematográficas adoptaran carteles más parecidos a fotografías. Fue el comienzo de los carteles fotográficos.

“Los carteles de los años 30 estaban influenciados por el Art Decó, popular en ese momento. Este arte se caracteriza por los diseños geométricos y colores muy llamativos. Había variaciones de tamaños y formas de letras. Cada productora fabricaba sus propios carteles con Si se ve acerca del cartelismo características particulares.” (José de circos, ha evolucionado poco, pues lo que ha hecho Cervera, 2012 p.10). tradicionalmente es plasmar de manera gráfica actos y Al principio de los años actividades que se realizan cincuenta surgen los enfoques

Imagen 16 Cartel promocional sobre la película Aladin.

Imagen 17 Cartel infromativo para actividades.

durante el entretenimiento que son imágenes de portentos, acrobacias y bufonadas, por lo que se han desarrollado siempre por el lado imaginativo de la ilustración popular. Con el paso del tiempo se ha ido superando en técnica, ya que cuando se dio inicio eran carteles sumamente sencillos y fueron evolucionando con el aparecimiento de la litografía y ahora con la tecnología del siglo actual. De esa manera, este tipo de carteles se fueron volviendo más ostentosos. Entre anuncios y carteles del siglo XVIII se exhibían ya las funciones características: saltos mortales, equilibrios, payasos y exhibiciones de fieras. La ingenuidad con la que están tratadas las imágenes les proporciona un encanto que todavía se mantiene en las ilustraciones litográficas de estos Carteles Históricos. Han crecido en tamaño, utilizan la “nueva tecnología” litográfica, se han enriquecido en ocasiones con el color, pero siguen transmitiendo, en su misma ostentación y excentricidad, un idéntico candor. Las imágenes son, por tanto, las convencionales del circo, con dominio de los equilibristas y de las funciones con animales sobre otras tradicionales figuras del circo como los payasos y los magos.

Parte de los grandes carteles, dentro del tono popular del circo, contienen ilustraciones de gran belleza que siguen ejerciendo su poder de seducción, pero no todos los carteles artísticos europeos que se produjeron alrededor de 1900 alcanzan la belleza y la calidad de estos precursores. Tanto por el dibujo y el color como por la factura, son además de una inequívoca modernidad. Muchos artistas circenses viajaban de país en país actuando en los escenarios locales. Como parte de su equipaje incluían un atado de carteles que se habían hecho imprimir relatando las excelencias de su arte y que servirían para amenizar las grandes sabanas tipográficas con los detalles de la función. Según Ojeda (2011), los carteles se imprimían en Milán, Marsella, Hamburgo, París, Nueva York y en otros lugares. Y entre los impresores encontramos alguno tan prestigioso como Charles Lévy, en cuyos talleres se estampó el primer cartel de Toulouse Lautrec, o como la Strobridge Litho. Co., de Cincinnati y Nueva York, casa donde se imprimieron los famosos carteles del circo Barnum & Bailey provistos de magníficas ilustraciones litográficas y del lema “Greatest Show on Earth”, y 23

también los del Ringling Bros., Sells Brothers y otros. Es difícil imaginar una sociedad en donde todo deba ser solamente leído o hablado, es por esto que cuando nos adentramos en la tendencia/ fenómeno del cartelismo, nos damos cuenta lo importante del diseño gráfico en una sociedad, ya que a través del cartelismo el mensaje llega de forma más directa a las personas, compartiendo información valiosa, educativa, revolucionaria y hasta entretenida, cumpliendo así uno de los deseos que el ser humano siempre ha tenido, el deseo y necesidad de comunicar. Como grupo pensamos que el cartelismo ha renovado sus inicios en cuanto a las tendencias gráficas que argumenta, dado que el ser humano pudo desarrollar su habilidad visual para conocer el contexto de alguna imagen. A fin de cuentas estas gráficas contienen una ideología humanista donde su mayor protagonista es el ser humano en su habilidad de progreso tanto física como social, que en comparación al tiempo actual se ha dejado influenciar por la industria que los patrocina y ya no a la esencia que es el crecimiento y pasión por la habilidad que desarrolla el ser humano.

También se llegó a la conclusión que el motivo de la creación del cartel ilustrativo en el aspecto político o de propaganda es la movilización de masas, alistamiento a las fuerzas armadas para la participación en la guerra, consideramos es el que mejor grafica la condición y motivos de la propaganda impresa con la capacidad de mover toda una nación, o varias naciones, resultando en una de las máximas del ejercicio de diseño y publicidad.

Imagen 18: Cartel conceptual sobre la libertad.

LA CENSURA Y EL DISEﾃ前 GRﾃ：ICO

Por: Estrada, L. ; Cardona, M.; Montiel, N.; López, S.; López, G.; Del Cid, R.

a censura ha formado parte de la humanidad desde sus principios; desde antes de establecerse las bases de la comunicación, la censura ya formaba parte de nuestra naturaleza. Ella ha jugado un papel importante en la evolución y revolución de las sociedades; en todos los anales de la humaniºdad, siempre encontramos cómo diferentes poderes han establecido un tipo de censura que respondiera a sus ideales. Por esto siempre la hemos visto como la villana del cuento dando pelea a su contraparte, la libre expresión. Pongamos como ejemplo sobre el inicio de la humanidad y la censura, un evento muy importante para los cristianos y qué es universalmente conocido. Al momento de la creación de Adán y Eva, Dios les otorgó el derecho a vivir en el paraíso, siempre y cuando no consumieran del fruto del Árbol del Conocimiento; en este punto podemos ver, cómo desde el momento en el que aparecen los primeros humanos en la Tierra, una fuerza superior censuró un acto, no estamos diciendo que sea malo o bueno, simplemente estamos exponiendo cómo la historia universal se ha visto envuelto por el manto de la censura. Pero como ya dijimos antes, juega un papel importante en el desarrollo social, por esta razón es necesario

definir si la censura realmente es dañina para una sociedad, o solamente es cuestión de perspectiva. Si una madre prohíbe, a su hijo de 6 años, ver una película con alto contenido sexual o violencia muy gráfica; ¿Está la madre cometiendo un error al censurar esta película?¿Está la madre protegiendo a su hijo de información dañina? La respuesta dependerá de lo que cada lector considere como bueno y malo, y no hay respuestas equívocas, al final son parte de la libre expresión a la que todos los humanos tienen derecho. Para poder desarrollar el tema de la censura, es casi una obligación para todos los lectores, despojarse de todas las ideas preconcebidas, no solamente de si la censura es un elemento negativo o no, si no sobre todos los tipos de censura a los que previamente hemos sido expuestos, ya que si somos participes de un fanatismo, sea este religioso, político o moral; la lectura de este escrito será en vano y no se podrá realizar un análisis objetivo de lo expuesto. Con esto, primero es importante que manejemos una definición de censura para poder tener el mismo punto de partida, por ello recurrimos al Diccionario de la Real Academia Española, al ser la máxima representante de nuestro idioma: “Intervención que practica el censor en el contenido o en la forma de una obra, atendiendo a razones ideológicas, morales o políticas.” El mayor problema de la censura es que distorsiona los hechos para poder transmitir otro mensaje o una nueva versión según la conveniencia del productor y ejecutor de la misma.

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La sociedad es controlada e influenciada por los medios masivos de comunicación; siendo este el punto de partida desde el inicio de los tiempos donde los diseñadores se han enfrentado a la censura del material visual.

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Al momento de analizar como la censura ha formado parte importante y valiosa en la historia del diseño gráfico, podemos darnos cuenta que desde los principios de la imprenta se ha manipulado, tergiversado, y acomodado las intenciones y producciones del material visual a conveniencia de la parte implicada, ya sea esta por motivos religiosos, políticos, sexuales, de diversidad étnica o social. Con el paso de los años se ha infligido un fuerte poder en cada uno de los motivos antes mencionados; sumando con esto, que se ha hecho uso intencional de material sensible o se ha restado el desarrollo y evolución del ser humano como individuo, privando con esto al espectador de poder acceder a la información real sin ser manipulada.

La censura de un material visual no siempre suprime la información dejando al interlocutor sin información, sino también se ejecuta para no lastimar susceptibilidades sociales ante un tema en específico. Aunque podemos mencionar este punto como favorable para la censura este puede confrontarse ya que como seres humanos adaptables, evolucionados y desarrollados no podemos aceptar que una parte de las personas no simpatizantes sobre un tema en específico tengan el poder de suprimir cualquier material, porque esto nos hace parar y retroceder como humanos, como sociedad, como país, como planeta, que se confronta a temas tabúes que son de contenido ofensivo según lo que se conozca y acepte del tema en cuestión, limitando que la sociedad conozca la información real sin manipulaciones. La censura es un tema conflictivo ya que como tal, no es mala, simplemente se ha utilizado de la manera equivocada y por lo tanto se tiene un punto de vista negativo sobre ella, por lo cual es importante que “el poder” y la sociedad aprendan a ocuparla y analizar en dónde sí se debe aplicar y dónde no, para que así, el criterio de análisis sea más amplio y no nos quedemos con una sola visión de las cosas siendo conveniente a una parte de la historia global. Actualmente, la sociedad es controlada e influenciada por los medios masivos de comunicación; siendo este el punto de partida desde el inicio de los tiempos donde los diseñadores se han enfrentado a la censura del material visual, debido que aunque el tiempo se ha transformado y cambiado para que todos 30

la misma se derivó en una Revolución Liberal creando una iniciativa individual que limita a la intervención del estado y de los poderes públicos en la vía social, económica y cultural de la sociedad. Si este evento no se hubiera llevado a cabo, si la libertad de expresión no hubiera sido convertida en un derecho innato, las sociedades no podrían haber evolucionado de la manera en que se permitió todos los avances tecnológicos, artísticos y sociales, a nivel mundial.

los individuos sean libres expresando sus pensamiento e ideales; siempre este material es censurado a partir del criterio de ciertas personas que consideran que el contenido de los medios es inapropiado para su difusión. Una característica importante para destacar es la influencia que los políticos y la iglesia tienen en esto, ya que en caso de que algún medio de comunicación o material gráfico divulgado en la sociedad hable mal de ellos o de sus intereses, estos tienden a eliminar o suprimir este tipo de información, presentando con ello una realidad manipulada según intereses propios; es por ello que la sociedad debe de conocer acerca del cómo los medios son censurados y como se cambia la información según sea la conveniencia del emisor.

Este fenómeno también se pudo observar en 1881, cuando una nueva ley francesa permitió eliminar restricciones de censura logrando que los carteles de los artistas y diseñadores de la época pudieran ser expuestos y por ende vistos por cualquier persona no importando su nivel de clase social. La popularización del cartel trajo consigo una floreciente industria que aumentó las ganancias de diseñadores e impresores, en la época del

Un gran paso para la libertad de expresión fue la Revolución Industrial ya que en esta época Europa estaba sometida a la censura y a las voluntades de los soberanos, por lo que

Imagen 1: Los editores del álbum de cromos que se ve a la derecha usaron la imagen promocional de Gilda (Charles Vidor, 1946) de la izda. Le taparon el muslo y el vientre, además de desaparecer el cigarrillo.

Art-Nouveau con nuevos aires al mundo del arte, rompiendo con los existentes. El diseño gráfico, tal como lo conocemos ahora, desarrolla sus elementos esenciales en los años 20 y llega a obtener su perfil actual en los años 80, a causa de la influencia de nuevos conocimientos desarrollados en tecnología, psicología, sociología, lingüística y comercialización, el objetivo del diseñador deja de ser la creación de una obra artística suprimida por la censura y pasa a ser la construcción de una comunicación visual eficaz. El cambio que se evidencia entre los años 20 y los años 80 muestra la evolución y revolución que se evidencia desde una actitud que enfatiza lo estético y la libertad de expresión que se concentra en todo lo que sea material comunicacional.

Imagen 2: Ejemplos de carteles polacos reinterpretados para la promoción de películas de Hollywood en el país.

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...a partir de los años 50, cuando Hollywood empieza a cobrar auge, y el diseño de carteles cinematográficos se vuelve tan importante como la película misma para su promoción.

Pero es también durante esta época donde se puede ver claramente a la censura, siempre como un elemento controlado por fuerzas políticas, ya la religión en este momento se mezcla con las ideologías de líderes políticos, creando una fuerza aún más difícil de combatir. Y el aumento de la demanda de carteles en casi todo el mundo, que ya de por sí son la rama del diseño gráfico más censurada desde que existe este diseño como tal, se ven afectados y manipulados por fuerzas políticas, generando como en casi todo lo tocado por la censura, una ruptura entre lo negativo y lo positivo. Se muestran estas dos tendencias en el diseño; un diseño censurado por sus líderes, pero también empieza a crecer el número de diseñadores y artistas que buscan romper con esta censura y expresase libremente, sin importar las repercusiones. En España, durante la época Franquista a principios de los años 40; una gran cantidad de carteles cinematográficos fueron objeto de censura y fueron modificados antes de ser publicados. Los motivos de estos cambios radicaban en tres características importantes: difusión de ideas políticas ajenas al sistema, muestra de posturas religiosas y la más común:

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Imagen 3: Censura del escote de la modelo.

Imagen 4 y 5: Carteles racistas.

el uso de mensajes “sexuales”. Y muchas celebridades, sin importar su nivel de fama mundial, eran afectadas por la censura, si la imagen que transmitían era demasiado provocativa.

el surrealismo con el minimalismo, y es de esta forma en que la creatividad, en lugar de limitarse por la censura, forma parte importante junto con los otros elementos visuales, para la recreación de los carteles hollywoodenses, atrayendo la atención de nuevo sobre los artistas polacos.

Otro ejemplo de la censura, pero desde un aspecto negativo-positivo para el diseño gráfico, vemos a la Escuela Polaca del Cartel; Polonia durante los años 20, en un período entre guerras logra desarrollar su estilo cartelista con un enfoque publicitario y con influencia francesa; ya desde el siglo XIX, Polonia, Varsovia y Cracovia había llamado la atención de toda Europa, y se figuraban como entes culturales y artísticos. Es durante la Segunda Guerra Mundial que la Escuela Polaca debe cambiar el rumbo de sus carteles y convertirlos en carteles de propaganda influenciada por los intereses políticos que regían en estas ciudades.

Durante mediados y finales del siglo XX, la censura del racismo fue muy pronunciada ya que en ese siglo se empezó la lucha por la igualdad del género humano, en siglos anteriores era muy común la discriminación a las personas por su color , preferencia sexual o nivel económico, que eran reflejados en su publicidad, situaciones que hoy en día en países desarrollados ya no se observa. Pero que siguen siendo temas susceptibles en la mayor parte del mundo.

Es después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de los años 50, cuando Hollywood empieza a cobrar auge, y el diseño de carteles cinematográficos se vuelve tan importante como la película misma para su promoción. Pero al momento de llegar a Polonia con una industria cinematográfica controlada por el estado, los artistas polacos buscan una nueva forma de adaptar estos carteles para que no rompieran con la censura ya establecida, pero que siempre se mantuvieran las características de los carteles polacos, creando así piezas gráficas que mezclaban 33

En la actualidad la censura es utilizada para suprimir la realidad por la que está viviendo la sociedad, pero los diseñadores de hoy en día están más conscientes de los diseños que pueden ser censurados, sin embargo, son más atrevidos y apelan a los sentimientos del público que esperan encontrar una pieza que muestre “la verdad”. Pero a pesar de este tipo de diseñadores y artistas que no tienen miedo de los líderes, hay algunos que se deben enfrentar a otro miedo, y es al de “la mano que les da de comer”; el miedo a perder un trabajo y la situación económica en la que se encuentren,

son factores importantes al momento de cortar su propia libertad de expresión, existe el miedo de que a los patronos no les guste el trabajo, y muchas veces se opta por mejor hacer lo que se pide, y no lo que se debe. Creando nosotros mismos un nuevo tipo de censura, que no existe realmente, pero igual de peligrosa si no se controla. Actualmente combatir todos estos tipos de censura, se ha visto favorecido gracias a la propagación de las redes sociales, nos permiten conocer diferentes puntos de vista, sociales, culturales, religiosos, políticos, morales; de una manera inmediata y limitando la censura de estos. Aún falta mucho para eliminar la censura negativa en el mundo, pero gracias al internet, se está aún más cerca de alcanzar este objetivo. Como ya dijimos en un comienzo, la censura ha estado de la mano de la humanidad desde sus comienzos, por esto es que es un tema tan extenso como la historia universal, y la intención de este escrito no es dar a conocer todos lo detalles de este tema; sino que su único fin es presentar las ideas principales que colocan a la censura como un enemigo de la comunicación, pero también como un aliado de la creatividad; y que de esta manera cada lector se forme una idea personal que permita apoyarnos en nuestro planteamiento, pero también refutar lo que aquí se expone; al final todo esto es parte de la libre expresión a la que cada individuo tiene derecho. No buscamos dar respuestas, sino plantear dudas que converjan en la auto-investigación sobre este tema que creemos muy importante para el desarrollo del diseño gráfico en todas las sociedades y principalmente en un país como el nuestro, que si bien no se vive en una dictadura política, existe un gran porcentaje de censura cultural; pero como diseñadores gráficos, como comunicadores visuales, es nuestro deber y obligación tomar esta limitante, considerada un elemento negativos, y convertirla en un estimulante para el pensamiento creativo. 34

La idea del arte de acuerdo a su contexto ideolog铆a y expresi贸n durante la Revoluci贸n industrial hasta el siglo XXI

a e d i La e d e t r a l de a o d r e u c a o t x e t n o c su D

Por: Pérez, K.; Cruz, M.; Interiano, A.; González, A.; Argueta, P.

esde la época de la antigüedad o incluso antes, se ha visto como el ser humano ha intentado buscar las respuesta de su existencia, su entorno y su concepción. Aunque estos conocimientos nunca han sido revelados con claridad ha habido varios intentos de resolverlos. Entre ellos se puede mencionar a grandes filósofos, sociólogos y científicos como: Karl Marx, Sócrates, Darwin entre otros. Por ende, parece ser que estos temas de alta preocupación para la persona están destinados a las ciencias. Pero se ha evidenciado que una de las formas más fuertes para comunicarlos es a través del arte.

que la verdadera definición de arte debe ser una representación de constante persecución por respuestas relacionadas con el contexto del individuo, las ideologías sociales y las problemáticas culturales. El arte es una representación de la realidad porque se adapta al entorno, las características y los acontecimientos que se dan en un tiempo determinado. Esto se refleja en las corrientes artísticas que cambian de acuerdo a las ideologías de un contexto.

Por ejemplo, el arte del siglo XVIII es muy diferente al del siglo XX ya que en ese entonces, la realidad era otra. Por tanto, “El arte de esta época, que inicia con el neoclasicismo, fue producto de una nueva manera de pensar, y de un nuevo concepto del hombre moderno basado en la doctrina de la ilustración.” (Arte Medio, s/f, párr.1) Entretanto en el siglo XX, “los artistas de Der Blaue Reiter, grupo expresionista, se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el creador y el espectador, al principio de la cual se encontraba la sensibilización del alma del pintor; emotividad a la cual el artista da forma en su obra.” (Terreni, M., s/f.)

El ser humano ha encontrado en el arte una forma de expresión, ya sea individual o colectiva respecto a una nación, una época, un acontecimiento etc. A través de este ha plasmado su sentir, su entorno y la realidad de su contexto a pesar de su origen ético. Esto quiere decir que, el artista ha utilizado el arte como un instrumento para dejar una referencia histórica de lo que vivió, de su época; es por esto que las obras de arte también se han utilizado como instrumento para estudiar la historia de la humanidad, puesto que a través de ellas se puede conocer el modo de vida, la ideología, lo que pasaba en una determinada época, etc. Actualmente se define al arte como: “La actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, […] un sentimiento en formas bellas”. (Oxford Dictionaries, s/f, párr. 1.) Pero movimientos como: el surrealismo, el expresionismo abstracto, el dadaísmo y otros han demostrado que no se necesita de una finalidad “bella” para transmitir, subjetivamente, la realidad de una época. Por tanto, puede aclararse

En ambos movimientos, se expresa el origen de su proceso creativo, sin embargo no parecen tener ninguna similitud. Esto sucede por los acontecimientos en ambos movimientos. Ya que, en el neoclasicismo se decide regresar a los clásicos por el descubrimiento de Herculano y Pompeya entre 1728 y 1738. Ambas ciudades antiguas fueron enterradas bajo la erupción del Vesubio el 24 de agosto del

Un claro ejemplo es el POP ART, ligado a los medios de comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, provoca una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero. Toda su ideología influye en las personas de los años 60s. Remplazando los impulsos destructivos del movimiento Dada enfocándose en la divinización de la cultura popular estadounidense. Afectando los patrones de vida llevándolos a la experiencia de vivir dentro de esta “cultura” regida por el consumismo y los dueños del POP (Star system). Por tanto puede afirmarse que los artistas POP estaban más interesados en vender que innovar artísticamente reflejando esto en las características de un individuo de la época. Otro ejemplo es el Arte Minimalista o Minimal Art, que propone la simplificación de los elementos a su máxima expresión. La inspiración del arte minimalista se basa en encontrar la belleza en lo simple y la utilización de materiales puros. Así como esta corriente nació de una reacción contra el expresionismo abstracto, da nacimiento al Arte pobre. Que agrega un valor simbólico a los materiales, es decir que se le dota de un valor artístico a materiales groseros en forma de protesta, de la cultura popular. Su influencia recae sobre el movimiento hippie y la cultura underground. Unificando la ideología hacía la búsqueda del control sobre el entorno en relación al individuo; de manera que no fuera perjudicial para el ambiente.

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El ser humano ha encontrado en el arte una forma de expresión, ya sea individual o colectiva respecto a una nación, una época, un acontecimiento etc.

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Estos movimientos son un claro ejemplo de la diferencia causada por el contexto en el arte. Sin embargo, así como el tiempo afecto a este, también puede influenciar a la misma sociedad a realizar un cambio en su realidad a través de la presencia de ideologías. Lo cual resulta ser sumamente influyente ya que se convierte en una objetividad masiva. Provocando dudas en el ser humano respecto a su vida.

Por otro lado está el Land Art donde se utiliza la naturaleza como medio para crear la obra, así que en esta se busca la adaptación al entorno. El land art es una vía de escape de la comercialización por lo cual la creación de obras con esta corriente se da en lugares lejanos a la vista de los espectadores. Como se denota, en el land art se hace uso de la naturaleza por lo cual su influencia es el movimiento ecologista, así como también busca inspiración en lugares y arquitectura importante del pasado. Así, se logra ejemplificar cómo las ideologías dentro del arte pueden llegar a cambiar la realidad social de toda una comunidad en base al pensamiento de una sola persona o de un grupo pequeño. Negando la definición de que el arte es una representación “bella” de un sentimiento. Finalmente, se puede ver al arte como una representación filosófica de la realidad social en un periodo de tiempo. Esto quiere decir que el arte puede ser utilizado como un reflejo de los problemas dentro de una sociedad. Es en este punto en el que el artista debe dejar de lado lo moralmente correcto para poder expresar la problemática del momento y así aportar con una respuesta. Aunque la mayoría de los movimientos que se basan en la premisa anterior son caóticos y muchas veces incomprensibles también son los más profundos en relación a la temática tratada. Entre estos podemos mencionar al futurismo y el dadaísmo. El futurismo surge como rechazo a las tra38

diciones y lo pasado, orientándose al futuro mediante una expresión dinámica representando lo moderno y la masificación de las grandes ciudades. Toma como modelo las máquinas y sus atributos: fuerza, rapidez, energía, movimiento y deshumanización. Por tanto, la manera de expresar la temática del movimiento es una crítica a la velocidad de materialización de las sociedades cambiando el aspecto humano por el tecnológico. Todo el movimiento es una sátira a la realidad que se vive en aquella época, dignificando la guerra como una fórmula para la cura de un mundo decrépito, sin posibilidad de la argumentación sentimental. De igual manera el dadaísmo es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético que cuestiona el por qué y la existencia del arte en todas sus expresiones. Al igual que el futurismo rechaza todos los esquemas presentados anteriormente y promueve la libertad, el cambio, la anulación de lo eterno, lo inmediato y la contradicción. Esto sucede ya que la época en la que surge el movimiento es posterior a la primera guerra mundial. Es el acontecimiento en el que la sociedad pierde total fe en la humanidad y los perfiles de la moral son destruidos por completo. Dejando así un arte carente de valor impulsando el caos mediante la expresión irónica. Todo lo relacionado a este movimiento, desde el nombre es totalmente contradictorio y absurdo, imitando el comportamiento humano durante la primera guerra mundial. En conclusión, se puede evidenciar que a través de la historia que el arte ha sido mucho más que una representación “bella” de la realidad. Sino que también ha sido una herramienta de divulgación para movimientos, acontecimientos e inconformidades en la realidad social de

un individuo. Formando parte de la rebelión ante la imposición de dictámenes y formas de pensar y vivir. Así el arte termina siendo una herramienta para expresar lo que debería ser, reflejando en la obra los sentimientos y creencias más firmes como seres humanos.

En la reflexión sobre el arte, la expresión tomará un lugar todavía más relevante […] Esto conlleva una concepción nueva de la obra de arte como espejo del espíritu de la época, […] También conlleva la experiencia, por parte del espectador o destinatario de la obra, de encontrar en ella sentimientos respecto a los cuales tiene simpatía o resonancia. (Michaud, I. 2009) El arte se transforma en el canal principal para trasmitir y dejar en manos de su espectador la tarea de comprender y actuar en contra o a favor de algo. Buscando respuestas a través de formas de comunicarse con el espectador. Así como lo hace el diseño gráfico en la actualidad. Podemos decir entonces, que el diseño gráfico, desde una concepción de arte útil, se nutre del contexto en el que está inmerso él y su grupo objetivo, además del conocimiento empírico e investigación, elementos que dan las pautas para que los conceptos que puedan divulgarse mediante distintas piezas sean recibidos y comprendidos de manera óptima.

Identidad del Diseño Gráfico a través de los años

corrientes y movimientos del arte y la comunicación desde la revolución industrial hasta el siglo XXI: Redacción; Octavo Semestre, 2015

l diseño gráfico a lo largo de la historia se ha ido abriendo paso, a modo que hoy en día lo conocemos como una profesión, pero hay que resaltar que no fue siempre así.

En principio se pensaba que el diseño era meramente ornamental que este no debía comunicar sino únicamente adornar los manuscritos, se podía pensar que eran aristas cuyo único objetivo era hacer más bello un elemento. Han existido muchos antecedentes históricos que le abrieron el paso a lo que hoy llamamos una carrera de comunicación visual, esto a partir de la Bauhaus, donde se abrieron paso a paso las artes gráficas como profesión, pero no podemos descartar el hecho que existen más antecedentes históricos previos a la Bauhaus. Dentro de esos antecedentes podemos encontrar las artes plásticas que se ven directamente como una de las influencias más fuertes en el diseño gráfico, asimismo podemos ver que existieron otras influencias para que el diseño gráfico evolucionara, dentro de estas entran la semiología, la tipografía, la evolución tecnológica entre otras. El conjunto de estas nuevas herramientas vinieron a facilitar y encontrar nuevos campos como lo fue en el posmodernismo en el cual se abrió una nueva iniciativa hacia los estudios audio visuales con los comerciales para tv o la aparición de software y hardware los cuales abrieron campo al diseño de páginas web, en esta época también encontramos la cartelmanía y los diseños de portadas para los discos.

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...gracias a la industrialización de la revolución industrial se obtuvo un avance en el proceso de creación de comunicación gráfica...

Y así es como a través de los años, el diseño gráfico ha ido creando una identidad como profesión que cada vez tiene más campos para trabajar, hoy en día encontramos que el diseño gráfico va más allá del diseño editorial o web, podemos ver hoy en día campos como la fotografía, ilustración, community manager que son ramas muy recientes pero que son muy cotizadas en el área de la comunicación visual. En el diseño gráfico existen una variedad inmensa de tendencias por medio de las cuales podemos reconocer diferentes épocas que han ido marcando la identidad del diseño gráfico, no necesariamente una mejor que la otra, cada una con sus características específicas que se desarrollaban conforme a su entorno sociocultural y que con el tiempo recorrieron el mundo y tuvieron un impacto diferente en cada continente y que han aportado rasgos que hoy en día aún se utilizan en el diseño gráfico. Pero la esencia del diseño gráfico como tal no existía, desde un principio se creía que el diseño gráfico era una forma de arte simple, bello, atractivo a los demás y sin ningún sentido más que estos, luego al entrar a la revolución industrial empezaba a cambiar este punto de vista, ya que los acontecimientos que estaban rigiendo en dicho momento hacían que la percepción de las cosas cambiara, ya que esta época surgieron muchas

Imágen 1 Cámara que representa las corrientes impuestas por la bauhaus.

empresas por la demanda de las personas ya que estas se basaban más en lo material dejando de un lado la artístico y funcional para poder llevar el consumismo a las personas, debido a esto surgieron fábricas, que eran grandes ejes de movimiento de los cuales hacían que las personas se cambiaran de ciudades a trabajar y empieza el aumento de tiendas y negocios, todo el sector económico empieza a crecer, y desde este punto se podría ver que nace la esencia más importante del diseño gráfico, que es la necesidad de comunicar, se podría decir que es uno de los factores que ayuda a que tenga su propia esencia y filosofía una forma de pensamiento más allá de que un cartel se viera bonito, estético, o ilustrado, se miraba la intención de comunicación, de venderle productos a las personas, esto ya era un punto a favor de que el diseño gráfico empezara a crecer y a reconocerse como una carrera. También se puede tomar en cuenta que como carteles en una serie de pasos especializados, como también su creación en serie.

Después de la revolución industrial la sociedad como tal empieza a tener declives y conflictos entre las áreas más vulnerables todo esto pasa ya que surgen las dos guerras mundiales que hicieron que este mundo temblara y fuera visto de otra forma, y los nuevos pensamientos que iban surgiendo y como también se iba sintiendo más la clara identificación del diseño gráfico, pero aun así la carrera no tenía nombre, si no es por la fundación de la escuela de artes plásticas de Bauhaus creada en 1919, con bases de la arquitectura de por se empieza a llevar a cabo las primeras identificaciones con el diseño gráfico ya que era una escuela de artes se podía notar la filosofía que ellos tenían, ya que los alumnos de la Bauhaus solían adentrarse más en profundidad y poder ver nuevas formas de composición gráfica, uso correcto de los elementos, nuevos estudios en las tipografías, creación nueva de tipos, formas de experimentar con el color, entre otras habilidades y todo esto se debía al alto y riguroso nivel académico que se le exigía a los estudiantes de la bauhaus y gracias también a catedráticos como Van Doesburg, László Moholy-Nagy, Joost Schmidt entre otros, ellos pudieron profundizar más en el campo del diseño y la comunicación, tenían amplio conocimiento de los elementos de diseño y sus aplicaciones, y todos estos guiados con una filosofía de comunicar sus mensajes hacia las demás personas, ya que su objetivo fue ayudar a lo sociedad comunicando lo que estaba pasando en esa época de guerra, lo cual hizo que en la fecha de 1933 esta terminara, pero nunca su legado para el diseño gráfico ya que nos dejó las mejores bases para diseñar y experimentar de una forma única la comunicación visual, a pesar de que tenemos herramientas digitales que nos pueden ayudar o distanciar nuestra mente en nuestro trabajo de diseño.

Luego con el paso del tiempo el diseño gráfico tomo un gran impulso en la sociedad ya en la década de 1960 cuando la fotografía se estaba tomando un gran auge, los especialistas acudían a los diseñadores gráficos, ya que ellos podían crear la composición de páginas, que se encargaban del texto y el uso correcto de la tipografía; y estos diseñadores tenían un equipo de trabajo; unos pegaban texto, otros se encargaban de poner los elementos en su lugar, habían operadores de cámara y reveladores de fotografías, el diseño gráfico con el tiempo se empezó a ampliar en muchas dimensiones no solo como comunicación visual, sino también la editorial que desde un principio está considerada como una de las bases del diseño gráfico. Entre la década de 1940 a 1950 surgieron los pioneros de las escuelas en Nueva York, un grupo de inmigrantes europeos exiliados por la guerra llegaron a Estados Unidos importando una de las primeras oleadas del diseño modernista. Los movimientos modernistas tuvieron una fuerte influencia en el campo de la publicidad y el diseño gráfico aun cuando en principio no fueron bienvenidas las ideas de dicho movimiento, el pionero de la publicidad estadounidense Ernest Caulkins afirmo que el modernismo daba la oportunidad de expresar lo inexpresable. Un área en la que el diseño fue innovador fue en la publicidad ya que introdujo los “equipos creativos” formados por redactores y directores de arte, también surge la técnica de sobre posición de diferentes elementos (oleo, cera, pinturas plásticas, etc.) El surgimiento de los equipos creativos fue por la necesidad de realizar proyectos amplios con personas especializadas en distintas ramas, surge la idea del trabajo en equipo para proyectos y se establece como una metodología de trabajo a partir de ese momento.

Imagen 2 Edificio de la Bauhaus

En esta época surge el cartelismo político y la caricatura para que las personas dejaran de pensar en los momentos difíciles que estaba pasando Estados Unidos por la segunda guerra mundial, algunos tomaron la imagen como medio de comunicación directa y figurativa. El cartelismo tuvo un notable avance, influenciado por el 45

Imagen 3: El diseño editoriall era de gran importancia pues los nuevos conocimientos de la tipografía de dieron un mayor auge.

surrealismo y simbolismo desarrolló un lenguaje de la imagen poderosa e impactante y es cuando nace lo que en la actualidad conocemos como “Una imagen dice más que mil palabras”, la aplicación de imágenes impactantes con poco texto de apoyo hacen del cartel un éxito en esos momentos. Durante este lapso de tiempo el diseño editorial fue escaso pero sobresaliente gracias a los nuevos conocimientos sobre tipografía, esto hizo que el diseño tuviera más auge, a partir de entonces el diseño no sería considerado como un aspecto decorativo más ya que llegó a romper con el modelo convencional, creando una apreciación de manera poética hacia el color, la forma y el modelo. La simplicidad fue una herramienta básica del diseñador y el estilo no sería presentado con un texto extenso e imágenes literales, sino a través de asociación del producto con las formas gráficas apropiadas.

Luego de la guerra, el sector empresarial requería un sistema de identidad y comunicación estratégica y esto dio paso al diseño de marca como una nueva rama del diseño gráfico, esto ayudó a que las marcas sobresalieran ante la competencia y dio un nuevo mundo de posibilidades. La misma publicidad fue haciendo una serie de cambios notorios en su estructura debido a que la idealización en los años 50 del diseño mostraba a la mujer como un ama de casa ahora en los 60, esto había cambiado y el objetivo ya no era atacar al consumo hogareño; la mujer seguía siendo punto de enfoque en muchos anuncios pero ahora llevaba un estilo más sofisticado, más elegante por lo mismo el consumismo fue un sube y baja tratando de no verse afectado incluso por la tan revolución femenina que exigía se dejase de usar a la mujer como figurativo de deseo o de motivación al consumo. 46

Imagen 4 : A pesar que muchas personas relacionan la llegada de los años 60 y 70 con el movimiento hippie este derivó más estilos no solo en vestuario si no que dentro de la industria publicitaria pues al lado de la revolución femenina la mujer fue mostrando más poder y pesadez no solo en los negocios y la moda, también en el arte y el diseño (gráfico y textil). (Cortés, 2011) 47

El movimiento hippie ya mencionado se hacía notorio especialmente en Estados Unidos por sus protestas contra el gobierno y la guerra de Vietnam; este nuevo estilo de vida trajo consigo idealizaciones de vida diferentes que se difundieron también en el ámbito del diseño gráfico teniendo como ejemplo las piezas recreadas con colores psicodélicos que era una visualización de las imágenes distorsionadas gracias a la

El diseño editorial también se vio seriamente criticado en los años 60 y 70 debido a que la comercialización de historietas o comics y revistas fue incrementando viéndose así en la necesidad de buscar medidas para su expansión tanto nacional como internacional ya que la competencia comenzaba a marcarse; claro ejemplo sería mencionar a DC comics y a Marvel quienes a finales de los 60 se vieron envueltos en una competencia de mercado después que Marvel comenzase a llamar la atención del público joven, mismo que DC llevaba dominando desde sus inicios en 1938.

utilización de alucinógenos como la marihuana y el LSD. (Arriaga, 2011)

Imágenes 5,6,7: Carteles que adoptan las distintas corrientes, de izquierda a derecha, pop art, lettering, cartelismo.

A partir de los años 70 en Latinoamérica se comienza a reconocer el diseño como carrera profesional y universidades a lo largo de este tiempo comienzan a abrir sus puertas a la posibilidad de lanzarla como carrera y no solo una parte de la visualización de la carrera de arte.

y ofrecimientos de una propuesta. Cada moda tiene ideales distintos; “Do it Yoursel” fue un ideal que estuvo de moda durante los años 80 y fue una tendencia mundial, el diseño gráfico como herramienta de comunicación a través de gráficas, texto y construcción de piezas logró comunicar de manera adecuada este mensaje que los productos deseaban transmitir. Desde entonces el diseño gráfico se encarga de iniciar y marcar tendencias a través de los años.

Al inicio de la década de los años 80 se tiene establecida la existencia del diseño gráfico, se comprende su funcionamiento, las personas saben que es una herramienta funcional de comunicación; pero aún no han descubierto la totalidad de su poder. A partir de los años 80 se empieza a conocer que la moda necesitaba del diseño gráfico para poder darse a conocer y transmitir sus ideales. La moda se desarrolló porque todas las personas apoyaban los ideales

Una característica de mucha relevancia con la que cuenta el diseño gráfico es su vanguardismo, en la década de los 90 la tecnología le da vida al internet, una herramienta que empieza siendo de utilidad para transferencia de datos, pero a medida que pasa el tiempo los diseñadores y empresarios 48

le ven utilidades de comunicación, surge la necesidad de establecer sitios web por parte de las empresas grandes con el objetivo de comunicar su existencia de manera global, gracias a la oferta que hace el internet en esa época. De los años 90 en adelante el diseño gráfico añade la característica “adaptativa” a sus cualidades, la tecnología evoluciona frecuentemente y el diseño gráfico se adapta para suplir las necesidades de los empresarios, que necesitan hacer elementos visualmente existentes, necesitan estructuras funcionales y componentes funcionales dentro de la tecnología para vender sus nuevas creaciones.

Entonces podemos recapitular, mencionando que el diseño gráfico pasó de ser una cualidad ornamental en sus inicios; a ser una herramienta que vende productos y servicios, comunica cualidades, transmite emociones, hace funcionales los productos y hace amena la experiencia de los usuarios de los productos y servicios. El diseño a partir del año 2000 se ha enfocado en generar adaptaciones de las piezas gráficas, para que sean funcionales y efectivas, en la primera década de los 2000 se ha tomado mucha conciencia respecto a la situación del medio ambiente y el diseño gráfico ha tomado mucho enfoque social, el diseño gráfico no pierde su base principal de

Imágen es 8,9,10: Carteles que adoptan las distintas corrientes, de izquierda a derecha, pop art, lettering, y comic.

transmitir información pero durante esta década se ha enfocado en transmitir información y hacer conciencia. Han surgido conceptos como “amigable con el medio ambiente” y el diseño gráfico tiene mucha influencia en ello, los diseñadores gráficos nos hemos creado conciencia respecto a la actualidad por la que está pasando el mundo y tenemos el deber de transmitirlo, sin dejar a un lado la funcionalidad, la capacidad de transmitir emociones, sin perder la atención de los consumidores y sobre todo sin dejar de dar experiencias agradables a los usuarios. El diseño es totalmente adaptativo a las necesidades que

presenta la sociedad. En la actualidad los seres humanos están conscientes que un mensaje de éxito es un mensaje bien diseñado, el diseño gráfico como profesión fomenta en los profesionales actitudes de servicio y calidad hacia la humanidad si perder el enfoque que le dio vida al diseño gráfico “Comunicar mensajes de manera eficaz”. Sin duda al diseño gráfico le queda mucho por delante ya que la humanidad gracias a la tecnología se encuentra en constante cambio y el diseño gráfico está capacitado para adaptarse a lo que venga con la finalidad de alcanzar siempre sus objetivos. 49

Referencias de imágenes Art nouveau, el inicio de una nueva época en el diseño, su historia, desarrollo y trascendencia. • Imagen 1: “Primavera” de Alfons Mucha • Imagen 2: Cycles Perfecta de Alfons Mucha: http://www. wikiart.org/en/alphonse-mucha/cycles-perfecta-1902 • Imagen 3: http://classconnection.s3.amazonaws.com/284/ flashcards/404284/png/artnouveaugallery1317611062422. png • Imagen 4: http://1.bp.blogspot.com/-tyj4X3HclvU/ VLb1FOqkcuI/AAAAAAAAC6o/qiwby3DGFcg/s1600/ moet%2B1.jpg • Imagen 5: https://www.laimprentacg.com/alfons-muchamucho-mas-que-el-cartelista-del-art-noveau/ • Imagen 6: https://zothiqueelultimocontinente.wordpress. com/2011/03/07/neosapiens-14-aubrey-beardsley-un-brevedestello-fue-suficiente/ • Imagen 7: http://www.vam.ac.uk/page/a/art-nouveau/ • Imagen 8: https://dhistorycrgz.wordpress.com/2015/06/01/ tema-7-art-nouveau/ • Imagen 9: Dove, belleza real. [Fotografía]. (2006). Recuperado de http://brandmanic.com/media/dove.jpg Evolución de la tipografía desde 1700 hasta la actualidad • Imagen 1: Imagen recuperada de http://www.typography. com/fonts/didot/history/ • Imagen 2: Imagen recuperada de http://bibliodyssey. blogspot.com/2008_08_31_archive.html • Imagen 3: Imagen recuperada de https://smedia-cache-ak0.pinimg.com/474x/b9/8b/d4/ b98bd4c39bccd7619d249ee49bd5ee01.jpg • Imagen 4: Imagen recuperada de http://irreductible.naukas. com/2008/06/12/documentalia-la-revolucion-francesa/

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La censura y el diseño gráfico • Imagen 1: Imagen recuperada de https://tedmikulski.files. wordpress.com/2011/04/birthofvenus_william-adolphe_ bouguereau.jpg • Imagen 2: Imagen recuperada de Cultura Colectiva: http:// culturacolectiva.com/la-censura-franquista-en-el-cartel-decine-el-regimen-vs-el-poder-de-la-imagen/ • Imagen 3: Imagen recuperada de CulturPlaza.com: http:// www.valenciaplaza.com/ver/144565/carteles-polacos-elestilo-que-rompio-los-esquemas-del-dise%C3%B1o-grafico. html • Imagen 4: Imagen recuperada de http://culturacolectiva. com/la-censura-en-los-carteles-cinematograficos/ • Imagen 5: Imagen recuperada de https://en.wikipedia.org/ wiki/Negermusik • Imagen 6: Imagen recuperada de http://www.cleveland.com/ arts/index.ssf/2015/01/charlie_hebdo_cartoon_of_muham. html El Cartelismo • Imagen 1: recuperada de www.pinterest.com • Imagen 2: recuperada de http://www.todocoleccion.net/

cartel-espectaculos/carteles-teatro-espectaculos-antiguosmas-4300~x27308452 Imagen 3: recuperada de jardinpompeyano.wordpress.com Imagen 4: recuperada de https://www.pinterest.com/ theelvisartist/elvis-other-lobby-cardslost-art/ Imagen 5: recuperada de www.jdsmithfineart.com Imagen 6: recuperada de http://www.delcampe.net/page/ item/id,114195521,var,CP-Saxoleine-petrole-de-surete-affiche-de-Jules-Cheret-petite,language,S.html Imagen 7: recuperada de http://nightbeavers.deviantart. com/art/I-want-you-to-stopp-acta-283910392 Imagen 8: Fotografías del grupo Imagen 9: Fotografía del grupo Imagen 10: recuperada de http://blog.nesthostelsvalencia. com/tips-india/programa-fallas-2012/ Imagen 11: Fotografía del grupo Imagen 12: recuperado de https://izadiblogdotcom. wordpress.com/ Imagen 13: recuperada de http://news.sanfermin.com/14_ tag/carteles-2/page/2/ Imagen 14: recuperada de http://foam-fingers.blogspot. com/2009/02/carteles-museo-de-arte-moderno.html Imagen 15: recuperado de https://www.pinterest.com/ AnaIGomezMarin/publicidad/ Imagen 16: recuperado de http://www.cartelmovies.net/ Imagen 17: recuperado de igersalbacete.com Imagen18: agencyvolnyostrov.ru

Identidad del diseño grafico a traves de los años • Imagen 1: recuperada de http://culturahipster.com/lacamara-lomografica-fisheye-baby-110-bauhaus/ • Imagen 2: recuperada de http://blog.ea-journal. com/2015/05/la-psicologia-de-la-gestalt-y-la-bauhaus-unahistoria-de-intercambios-e-intersecciones-1919-1933/ • Imagen 3: recuperada de http://spyrosthalassinos.com/ template-showcase-creative-portfolio-r1/ • Imagen 4: Fotografía de grupo • Imagen 5: recuperada de http://www.artelista.com/blog/ ricardo-reyes-archila-la-fiesta-del-pop-art/ • Imagen 6: recuperada de https://www.pinterest.com/ pin/511651207641266681/ • Imagen 7: recuperada de http://nowymarketing.pl/ a/1118,reklamy-z-sercem-czyli-nie-tylko-walentynkowekampanie • Imagen 8: recuperada de http://lookslikegooddesign.com/ illustraion-cianluca-fallone/ • Imagen 9: recuperada de http://galleryhip.com/the-namelisa-wallpaper.html • Imagen 10: recuperada de http://forum.vietdesigner. net/threads/mong-nhan-duoc-nhan-xet-cua-cac-anhchi-a.66627/ Las imágenes no referenciadas son propias.

â&#x20AC;&#x153;No vemos las cosas por como son, vemos las cosas por como nosotros somos.â&#x20AC;? Anais Nin