Tiquet agosto 2016

Agosto / septiemre / Nº 50 / Año 2016

Distribución gratuita, prohibida su venta

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Mes de aniversario sala de arte escénico

AGOSTO

Revista Tíquet Nº 50 agosto 2016 Revista de la Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha www.salateatroupla.cl Director: Equipo Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha Editor revista: Equipo Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha Periodista: Daniela Olivares Farias Diseño: Alejandro Torres J. Fotografías: Archivos Sala UPLA y Compañías Fotografía de Portada: Gentileza La Pretty Puerto Impresión: Gráfica Nacional Guillermo González de Hontaneda 855, Playa Ancha, Valparaíso. produccionsalaupla@upla.cl sala de arte escénico @salaupla +56 32 2205163

Financia:

“Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales”

Editorial

E

sta nueva edición es doblemente significativa. Primero, en su interior, se encuentran desplegados los contenidos de la programación de nuestro mes de aniversario, y segundo, celebramos el número 50 de revista Tiquet. Así es, seis años difundiendo el teatro en la región desde Playa Ancha y 50 ediciones de esta publicación que complementa el trabajo realizado por los artistas en el escenario de nuestra sala.

El próximo 30 de agosto cumpliremos seis años de arduo trabajo para cumplir la misión de acercar el teatro a la comunidad porteña, además de brindar un espacio a las nuevas generaciones de creadores de la región y del país. Es decir, aportar al dinamismo de este sector cultural. Aunque siendo estrictos con el tiempo si sumáramos los años desde el momento que se originó al interior de la Universidad de Playa Ancha, la idea de construir esta sala debiéramos celebrar una década, ya que fue en 2006 cuando un grupo de académicos de la carrera de teatro comenzó a proyectar “el sueño del teatro propio”.

A partir de ese momento se han ido sumando esfuerzos, colaboradores y equipos de trabajo que dotaron de estructura y vida esa idea. Hoy Sala UPLA cuenta con un equipo de profesionales, apoyados por diversos departamentos y funcionarios de esta Universidad, quienes mes a mes trabajan para lograr que los espectadores sean los protagonistas del denominado convivio teatral, acontecimiento que resume el objetivo de este espacio, y cuyo enfásis programático está centrado en fortalecer los recursos del conocmiento cultural y social de las audiencias a través de diversas creaciones teatrales.

Cómo hablar de cosas que no existen COMPAÑÍA: Teatro Colaborativo / DIRECCIÓN: Maritza Farías / DRAMATURGIA: Teatro Colaborativo, fragmentos de la obra “Pequeña Ficción política” de Eduardo Silva. / ELENCO: Carla Shmied, Tomás Ahumada / DISEÑO INTEGRAL: Elizabeth Pérez / PRODUCCIÓN: Cecilia Aguirre.

DURACIÓN: 60 minutos $3.000 Gral / $2000 Est. y 3Edad/ Comunidad UPLA 2X1 ($3.000) /Domingo popular $2.000.-

Reservas en: www.salateatroupla.cl

Viernes 5 / 20:00 Horas Sรกbado 6 / 20:00 Horas

CONVOCATORIA 2016

El Teatro como Resistencia Política Según la compañía Teatro Colaborativo su montaje “Cómo hablar de cosas que no existen” propone nuevas formas de funcionamiento y organización para hacer frente a los embates de los sistemas que nos rigen como sociedad.

S

e trata de una creación colectiva realizada por Maritza Farías, Carla Schmied, Elizabeth Pérez y Tomás Ahumada, quienes además utilizan escenas de la obra “Una pequeña ficción política”, escrita por Eduardo Silva León, y seleccionado para el III Festival de Teatro Humberto Duvauchelle, Pequeño Formato en 2014 y para el Encuentro de Dramaturgia Internacional Estudiantil 2015, organizado por el Corredor Latinoamericano de Teatro.

La visión común que comparte este grupo de artistas en torno al modelo neoliberal, plantea que éste ha generado que los distintos sistemas que rigen a la sociedad, como son la educación, salud, política, el trabajo e incluso la familia, limitan y afectan día a día a los miembros de la sociedad, deteriorando sus cuerpos y emociones.

“Cómo hablar de cosas que no existen” está estructurada por un epílogo, seis capítulos y un prólogo. Las escenas se suceden una tras otras, con el propósito de generar una sensación de vértigo tal como lo provocan cada uno de los sistemas que allí se representan. Los dos actores que dan vida al montaje se transforman especialmente para cada una de las

escenas, encarnando a ciudadanos y ciudadanas comunes y corrientes.

En medio de una innegable crisis de representatividad y confianza en la clase política conversamos con la directora de este montaje, Maritza Farías, quien plantea que frente a esta crisis “es posible vivir en espacios de trinchera súper concretos donde uno pueda armarse y defenderse desde ahí, como nosostros lo hacemos desde el arte teatral. Hablamos y denunciamos desde este lugar porque es nuestro espacio de resistencia”. ¿Cómo fue el proceso de la dramaturgia y cómo se involucra el texto de Eduardo Silva, “Pequeña Ficción Política”?

Lo que hicimos fue rescatar sólo tres escenas del texto escrito por Eduardo y las otras tres estan compuestas por dramaturgia que nosostros mismos creamos a partir de los temas que fuimos abriendo. Queriamos hablar sobre las instituciones que nos circundan como sociedad: la institución familia, educación, la política, salud, el trabajo. Del texto de Eduardo dejamos las escenas que hablan sobre los políticos y la corrupción,

además de otra escena que sobre el trabajo, pero la fuimos desarrollando porque el texto apuntaba a una definición de historia y nosotros, a través de la puesta en escena le dimos una significación mayor. ¿Además de la crítica a estos sistemas, qué buscan poner en valor con esta propuesta?.

Queremos evidenciar cómo nuestros cuerpos- de muejeres y de hombres- se recienten con el funcionamiento de este sistema. Por ejemplo, cómo las 12 horas de trabajo con un salario mínimo hace que el cuerpo se vaya destruyendo con los años. Que el mismo trabajo destruya tu cuerpo es un indicador concreto de que eso no está bien, entendiendo que nuestro cuerpo es el único territorio real que tenemos. (…) Esto es lo que nosostros queremos decir con “Cómo hablar de cosas que no existen”, de cómo nuestro cuerpo se ha visto afectado tanto física como emocionalmente. ¿De qué manera se materializa el concepto de colaboración en los

procesos de creación de la compañía?

La colaboración significa un espacio donde todos podemos aportar desde nuestros conocimientos y sensibilidades. La base es el respeto, la autonomía y la confianza de los trabajos, porque todos estamos en pos de lo mismo, por eso estamos buscando temas que nos unifican y juntos pensamos en cómo poder solucinarlos escénicamente para que la obra contenga el discurso que nosotros queremos plantear. En el fondo no hay un somentimiento de uno sobre el otro, ya sea por parte del director hacia los actores, o de un texto sobre los actores.

En abril de este año “Cómo hablar de cosas que no existen” formó parte del segundo Festival de Escena Obrera, realizando funciones para el sindicato de trabajadores del Registro Civil. Esta es la primera obra seleccionada durante la convocatoria 2016 de Sala UPLA.

Silencio Expansivo

Sábado 13 Domingo 14 Viernes 19 Sábado 20 Domingo 21

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20.00 Horas 19.00 Horas 20.00 Horas 20.00 Horas 19.00 Horas

DIRECCIÓN E IDEA ORIGINAL: Rocío Rivera Marchevsky / ASISTENCIA DE DIRECCIÓN: Felipe Díaz Galarce / INTÉRPRETES CREADORES: Daniela Villanueva, David Legue, Mariella Valdebenito y Rocío Rivera. / CREACIÓN SONORA E INTERPRETACIÓN MUSICAL: Claudio Clavija / ILUMINACIÓN: Iván Sánchez / ASESORÍA ESPACIO: Marcela Soto Caro / SOCIAL MEDIA: Soledad Varas / FOTOGRAFÍA: Denis Adonis / REGISTRO AUDIOVISUAL: Felipe Díaz Galarce y Barbara Trejo / PRODUCE: Escenalborde, Artes Escénicas Contemporáneas / APOYAN: Centro Cultural Planeta Polanco, Centro Comunitario Manuel Rodríguez, Parque Cultural de Valparaíso, Sala de Arte Escénico UPLA y Centro Cultural Escenalborde.FINANCIA: FONDART Regional 2016 y Programa Otras Instituciones Colaboradoras del CNCA Colaboradoras. $3.000 Gral / $2000 Est. y 3Edad/ Comunidad UPLA 2X1 ($3.000) /Domingo popular $2.000.-

Llevar el silencio a escena

E

n medio de un incesante trabajo de producción, marcado por su participación como parte del equipo coordinador de Movimiento Sur, plataforma de intercambio internacional para el desarollo de la danza contemporánea, Rocío Rivera Marshevsky-co fundadora de Danzalborde- estrena “Silencio Expansivo”, creación que cuenta con el financiado de Fondart 2016.

“Silencio expansivo trabaja en torno a la relación de los cuerpos con el silencio, el sonido y la gestualidad de

la caída como un estado permanente”, así define su directora esta propuesta escénica que, según explica se enmarca dentro de los lenguajes de la improvisación con una base de entrenamiento fuertemente arraigada en herramientas y técnica de conciencia corporal.

El elenco compuesto por cuatro intérpretes/creadores junto al músico Claudio Clavija, se desenvuelven en escena durante 50 minutos.

También integra este trabajo de creación Felipe Diaz Galarce de Teatro La Turba, quien asesoró en

la dramaturgia de la obra junto con apoyar en la asistencia de dirección ya que Rocío, además de dirigir, integra el elenco sobre el escenario.

“Silencio Expansivo” es una nueva producción de Mundomoebio/ Escenalborde y tiene como referentes tres trabajos anteriores de esta dupla: “Fragmentos en construcción” (2004), “Tempestpast…y si lo detienen” (2005) y “Mide un segundo” (2012). Todas esta obras de danza cuestionan la idea de un único orden coreográfico, sumando la posibilidad de realizar cambios en cada ejecución de la pieza.

En esa búsqueda por ir más allá con la danza, este trabajo es el resultado de un amplio proceso de investigación y laboratorio teórico práctico iniciado en mayo de 2014.

La primera fase de investigación comenzó con el grupo de intérpretes y creadores compuesto por: Daniela Villanueva, David Legue, Mariela Valdebenito, Mikalea Pérez y Luis Leiva, todos profesionales en danza contemporánea, improvisadores y en su mayoría con experiencia como coreógrafos. De este equipo decantó al elenco actual conformado por Villanueva, Legue, Valdevenito y Rivera.

“Silencio Expansivo” es una creación que se resuelve poniendo en juego diversos parámetros, unos desde el campo interpretativo, otros desde el campo compositivo, conceptual y por último, el de la relación espécifica que se le otorga al público como testigo y lector activo del hecho escénico, ambito en que se verá enfrentado a la materialización corporea de las ideas de silencio y caída.

Fuente: Presentación obra Silencio Expansivo por mundomoevio / escenalborde

La Joya Negra COMPAÑÍA: La Petty Puerto / DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA: Paulo Aguirre / ELENCO: Alexander Castillo como Roberto, Valentina Fuentes como Ester, Daniela Ossa como Bruna, Ulysis Abarquez como el Senador Oriental, Miguel Muñoz como Manolita, Daniel Benítez como Laura Estela Bolaños / MÚSICOS: Camilo Sarmiento Guitarra, Cristian Bello Batería, Diego Escalona Bajo Daniela Alcaide, Cantante / EQUIPO: Wayra Gallant (Audiovisuales) / MARKETING: Noel Barrera / DISEÑO: La Petty Puerto DURACIÓN: 1 hora 40 minutos $ 3.000 Gral. / $ 2000 Est. y 3ª Edad/ Comunidad UPLA 2X1 ($ 3.000) /Domingo popular $ 2.000.-

Sรกbado 27 / 20.00 Horas Domingo 28 / 19.00 Horas

Reservas en: www.salateatroupla.cl

Un Espectáculo Cargado de Música y Teatro Luego de un exitoso recorrido por bares porteños, “La Joya Negra” llega con su propuesta de tocata teatro para celebrar los seis años de Sala UPLA. Fue en 1971 cuando Roberto Parra escribió un musical en décimas para inmortalizar su romance con una prostituta del puerto de San Antonio, luego en 1988 Andrés Pérez llevó esas décimas al teatro con la mítica “La Negra Ester”.

En otro puerto 44 años después, inspirándose en esas mismas décimas del folclorista nacional, un grupo de actores y músicos de Valparaíso crea un espactáculo que tiene como propósito, simplemente entrener al público.

Se trata de “La Joya Negra”, espectáculo estrenado en 2015 y que reúne a un elenco de diez personas sobre el escenario.

“Escribí una obra nueva, también en décimas, donde se habla de lo mismo pero en otro contexto temporal.

La obra tenía que tener un lenguaje

más acorde a nuestros días y una batería de personajes actualizados y por supuesto, mucha música”, cuenta Paulo Aguirre director de este espectáculo.

“La Joya Negra es una historia de amor, como cualquier otra, la diferencia la quisimos marcar en la forma de relatar y para eso utilizamos una serie de canciones que están en el ADN de la gente”, de esa forma la narración está a cargo de los personajes y de las canciones que conforman el repertorio de este espectáculo músico-teatral.

Para lograr ese objetivo, Paulo explica: “Queríamos experimentar con una creación donde la dramaturgia estuviera ligada íntimamente a la música, por lo tanto el texto se escribió pensando en las letras de las canciones como parte de ese relato”.

Esta primera obra de la compañía La Petty Puerto, nos muestra el periplo que debe sortear el amor entre Roberto, un artista popular porteño que se gana la vida cantando en bares y Ester, una prostituta y cantante de un cabaret llamado La Joya Negra.

Ambos protagonizan una tormentosa historia de amor, marcada por el alcoholismo, las drogas y el dinero.

Mientas la historia de amor va transcurriendo, el cabaret La Joya Negra sigue funcionando y las canciones van relatando cómo la vida de los personajes cambian de rumbo drásticamente.

Del bar a la Sala “La creatividad está al servicio de la necesidad, por esa razón es que La Joya Negra fue creada para ser montada en bares” explica su direc-

tor. Así fue como en abril de 2015 comenzó una larga temporada en distintos bares de la ciudad, teniendo excelentes comentarios de los asistentes.

“La Joya Negra es un show, no una obra de teatro estrictamente, comparte su estructura pero no sus fundamentos. Está creada para que la gente vaya a pasarlo bien, se ría, se emocione y pase un rato agradable.

No apelamos a nada más, sabemos que para lograr ese objetivo es necesario un espectáculo sólido con profesionales de primera línea.”

La invitación está hecha, con este espectáculo musical te invitamos a celebrar nuestros seis años como corresponde, con una fiesta teatral.

EloĂ­sa PeĂąa y Rene Aguayo: Memoria teatral El teatro como denuncia social, un legado desconocido

E

ntrado ya el siglo XXI hemos sido testigos de notables cambios en la sociedad, temas como la inclusión, la diversidad y los derechos sociales cada vez están siendo más debatidos. Sin embargo a mediados del siglo pasado eran considerados tabú. En Valparaíso una pareja de maestros primarios abordarían estos y otros temas utilizando el teatro como herramienta de denuncia social.

Nacida en Iquique, (1925) Eloísa Peña se recibe de maestra primaria y ejerce en diversas escuelas públicas hasta que conoce a quien sería el amor de su vida, el también maestro primario Rene Aguayo con quien compartió su pasión por el teatro. Ambos pertenecían a la nueva generación de teatristas que rompió con los antiguos esquemas adaptándose a la nueva tendencia: la escuela de Stanislavsky.

A principios de la década del cuarenta Eloísa formaría parte de Instituto de Teatro de la U. de Chile, el ITUCH, dependiente del Instituto Pedagógico de la misma universidad.

Una vez en Valparaíso, vuelca sus energías en la conformación de la Escuela Ambulante de Cultura y

Difusión Artística, más conocida como “La Escuela Artística”. Desde allí enfoca todas sus inquietudes teatrales, pero sentía que era necesaria de una institución que educara de mejor forma a los alumnos, nace asi el Teatro de Profesores, TEPRO, establecimiento por el cual pasaron cientos de jóvenes aficionados al teatro.

Participaron en cerca de 21 encuentros de teatro aficionado, logrando varios primeros lugares. Las obras surgían desde el interés de los propios alumnos del taller o eran escritas por Eloísa Peña y Rene Aguayo.

Destacan entre ellas: “La antena tras el muro”, “Construyendo un edificio”, “No somos instrumentos”, incluyendo una adaptación de la novela de María Luisa Bombal“La Amortajada”.

“Charleston” (1962 , obra musical): es la primera obra que escribe y dirige Eloísa , con ella quiere manifestar su disconformidad con el pensamiento de la época , indaga en la lucha generacional y los cambios que se suceden una vez terminada la Primera Guerra Mundial donde los jóvenes quieren demostrar su insurrección a los viejos parámetros victorianos mediante la músi-

La calle como escenario

Tanto Aguayo como Eloísa sentían una responsabilidad por poner sobre la mesa temas complejos. “Las cucharas” estrenada en 1966 planteaba el tema de la prostitución. “Recetado por” (1968) hurgaba en otro tema vedado: el aborto. “La obra buscaba crear conciencia en esos años de las dificultades por la que atravesaba una mujer al tomar una decisión como esta, exponiendo su vida en tiempos que no existía la píldora anticonceptiva”, recuerda Eloísa.

Eloísa tenía claro que la performance callejera era fundamental para tener llegada en el público y la escasa prensa que cubría estos eventos. Así crean varios espectáculos para ser representados en espacios públicos no convenciona- La audacia de esta obra logro llamar la atención del público, tanto les para un espectáculo teatral. la iglesia como la sociedad pasaLa siguiente obra seria “La señora ban estos temas por alto por lo que Cueto” (1964), donde Aguayo es recibieron fuertes críticas por este quien se encarga de la dramaturgia montaje. y Eloísa de la dirección. “La Cueto es la típica señora de cerro. Buscá- Esta dupla creativa merece ser estubamos personajes representativos diada y conocida por las nuevas geporteños, considerábamos que con neraciones , innovaron en términos esto se contribuía a crear un públi- de lenguaje y fueron valientes y pioco teatral para la región”, cuenta la neros en enfrentar temas que la sodirectora de esta obra pre estrena- ciedad aún está debatiendo, espero da en el pasaje Cueto, bajo el as- con este artículo poder rescatar del censor Lecheros. olvido parte de la historia teatral de nuestra ciudad y sellar un verdadero Luego vino “Treinta y tres grados la- acto de justicia teatral. titud sur o la Carmen de la caleta” (1965) comedia dramática en tres Por Rodrigo Acevedo G, Gestor Cultural. actos basada en la ópera Carmen de Bizet, estrenada en la Caleta El Membrillo.

MEMORIA TEATRAL

ca. En palabras de Eloísa “La mujer de la época se subió la pollera, se cortó el cabello, comenzó a maquillarse. Además entró a laborar en las fábricas, lo que obviamente resultaba escandaloso.”

ADELANTO SEPTIEMBRE

Error NOMBRE DE LA COMPAÑÍA: Centro de Investigación Teatro La Peste / DIRECTOR: Danilo Llanos Quezada / ELENCO: Katherine López Soto – Christian Riquelme Guerrero / UNIVERSO SONORO: Nagasaki / DISPOSITIVO ESCÉNICO: Danilo Llanos / SONIDO: Daniella Misle / ILUMINACIÓN: Humberto Cerda / PRODUCCIÓN: Gabriela Arancibia / DIFUSIÓN: Daniel Labbé / ASESORÍA TEÓRICA: María Graciela Yáñez. $ 3.000 Gral. / $ 2000 Est. y 3ª Edad/ Comunidad UPLA 2X1 ($ 3.000) /Domingo popular $ 2.000.-

Viernes 2 / 20.00 Horas Sรกbado 3 / 20.00 Horas Domingo 4 / 19.00 Horas

Reservas en: www.salateatroupla.cl

Con una trayectoria marcada por la prolífica producción y gestión orientada a educación teatral, el centro de investigación Teatro La Peste cumple su primer cuarto de siglo y lo celebra en Sala UPLA con la reposición de una de sus últimas obras, “Error”.

ADELANTO SEPTIEMBRE

Compañía Teatro La Peste celebra 15 años en Sala UPLA

Dirigido por Danilo Llanos y protagonizado por Katherine López y Cristián Riquelme, el montaje nos instala en medio del intenso, crudo e impredecible diálogo de dos personas respecto al estado mental y emocional de uno de ellos. O de ambos.

“Error” es una mirada sobre “Psicosis 4:48”, monólogo testimonial que la directora inglesa Sarah Kane escribió tres días antes de suicidarse y con el que se sumergió en la angustiante vida de quienes padecen trastornos mentales tal como ocurría con ella.

Kane es considerada figura clave del llamado in-yer-face-theatre, género caracterizado por lo agresivo, provocador e ineludible que resulta para el público.

“Nos interesó entender en el Chile contemporáneo los efectos de la ciudad en torno a una situación catastrófica que deviene en un suicidio o en otras cosas tanto o más catastróficas. Con todo el respeto que me merece Sarah Kane, fuimos borroneando la dramaturgia original para hacer estallar otro lenguaje y que apareciera uno radical, excesivamente violento y frontal”, explica Danilo Llanos, director de la obra.

En un lugar de marginación como el que habitan los personajes de

“Error”, una relación de dependencia y poder como la que se ha establecido originalmente entre ellos puede mutar fácilmente. El frágil vínculo entre la mujer y el hombre que está ahí para ayudarle a cambiar su destino trágico, puede pasar rápidamente de la dominación a la debilidad. “Se trastocan los roles porque ya hay tal nivel de distorsión de la realidad que la fragilidad se traspasa de uno a otro en cualquier minuto”, sostiene el director. Y agrega: “Los dos personajes están en el tiempo y en el lugar equivocado. Los dos están en el cuerpo equivocado.

Los dos son un error”.

En sus 15 años de trayectoria.

La Peste ha realizado una labor creativa incesante en la ciudad de Valparaíso, proponiendo exitosos trabajos como “Ser Madre”, “Secreto de Camarín” (Mejor Obra de Teatro Regional 2009, otorgada por el Círculo de Críticos de Arte de Valparaíso), “La Playa”, “I Love Valpo”, “Todo es Cancha”, “Pueblo del Mal Amor”, “Mediagua” (Premio a la Mejor Dirección y Diseño Integral en el Festival de Dirección de la Universidad de Chile, y Mejor Actor y Montaje en el Festival de Invierno de Calama, ambas en 2014) y “Proyecto Vitrinas: Episodio II. Hallazgo, Revelación y Deseo”. Y este mes, estrena su último trabajo, “Un enemigo”.

Caleta El Membrillo

ESTADIO DE PLAYA ANCHA

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