Tiquet , mayo de 2016

Mayo / Nº 48 / Año 2016

Distribución gratuita, prohibida su venta

www.salateatroupla.cl

sala de arte escénico

MAYO JUEVES

12

19.00 hrs.

Presentación Arte Escena

VIERNES 13

20.00 hrs.

Clase / Dir. Guillermo Calderón

SÁBADO 14

20.00 hrs.

Clase / Dir. Guillermo Calderón

VIERNES 20

20.00 hrs.

Carmen / Cía. La Carmen

SABADO 21

20.00 hrs.

Carmen / Cía. La Carmen

DOMINGO 22

19.00 hrs.

Carmen / Cía. La Carmen

JUEVES

26

20.00 hrs.

Mujeres Quebradas / Cía. Experimento Pierrot

VIERNES 27

20.00 hrs.

Mujeres Quebradas / Cía. Experimento Pierrot

SÁBADO 28

20.00 hrs.

Mujeres Quebradas / Cía. Experimento Pierrot

Revista Tíquet Nº 48 mayo 2016 Revista de la Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha www.salateatroupla.cl Director: Equipo Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha Editor revista: Equipo Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha Periodista: Daniela Olivares Farias Diseño: Alejandro Torres J. Fotografías: Archivos Sala UPLA y Compañías Fotografía de Portada: Victor Astudillo Impresión: Gráfica Nacional Guillermo González de Hontaneda 855, Playa Ancha, Valparaíso. produccionsalaupla@upla.cl sala de arte escénico @salaupla +56 32 2205163

Financia:

“Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales” Patrocina:

Editorial Hace 10 años que el mundo del teatro tiene un día dedicado a su celebración. Fue en 2006 cuando el Senado de Chile declaró el 11 de mayo como “El Día Nacional del Teatro” en honor a la destacada carrera del actor y director Andrés Pérez Araya. Fundador del Gran Circo Teatro, precursor del teatro callejero en Chile y responsable de una de las obras emblemáticas del teatro chileno, La Negra Ester.

Para celebrar en grande, hemos programado “Clase” escrita por Guillermo Calderón, considerado uno de los dramaturgos chilenos contemporáneos más importante. Capaz de llevar a escena temáticas trascendentales y necesarias que invitan a la reflexión en torno a la realidad chilena. En esta oportunidad los sueños de lucha de los jóvenes estudiantes que llevaron adelante la denominada revolución pingüina, una temática aún vigente y necesaria de revisar.

Nos enorgullece la presentación de un nuevo espacio para el estudio académico en torno a distintos ámbitos de la creación teatral, nos referimos a Arte Escena revista científica editada por el Departamento de Artes Escénicas de la Facultad de Arte de la Universidad de Playa Ancha, revista online de edición semestral, pretende potenciar las competencias académicas, creando un espacio especializado en las disciplinas de las artes escénicas.

Perfeccionamiento para los jóvenes actores en formación de la carrera de teatro, de la mano de una ex alumna de la misma carrera quien hace años se radicó en Francia para perfeccionarse en el arte de la Marioneta. Gabriela Aránguiz nos cuenta en esta edición sobre su experiencia.

Y por supuesto, teatro hecho en Valparaíso por compañías locales estarán presentes durante dos fines de semana para cerrar el mes durante el cual los trabajadores teatrales celebran y recuerdan a uno de los actores más relevantes del Chile.

“LA MARIONETA SE VUELVE UN DOBLE DEL ACTOR”

¿Cuándo y por qué decidiste viajar a Francia?

La primera vez que viajé fue a finales de 2005. Sentía la necesidad

de alejarme de mi primera escuela para buscar mi propia visión del teatro, quería acercarme a un teatro más visual.

En ese tiempo había comenzado un trabajo en torno a la marioneta con Carlos Cortés y David Escalante, con quienes monté la obra “Alicia de mar a Cordillera”, que viajó por la V región gracias a un proyecto Mineduc. Fue entonces que decidí postular a una beca para hacer un proyecto de «Asistente de español en Francia», un viaje por ocho meses, que me permitió descubrir ese país, su lengua, su gente y su teatro. Luego de esa experiencia, decidí regresar e instalarme en Paris para seguir mis estudios teatrales en La Sorbonne Nouvelle y en el “Théâtre aux Mains Nues”. Poco a poco, París me fue atrapando. ¿De qué manera tu trabajo ha crecido estando en Francia?

París es una ciudad muy rica social y culturalmente. Conviven diversas escuelas y teorías artísticas. Es un lugar donde tienes acceso siempre a compartir con culturas muy distintas, una ciudad donde puedes ver a grandes directores de teatro, grandes festivales, muchísimas exposiciones, recitales. Eso ya hace

ENTREVISTA

G

abriela Aránguiz nació en Lota en 1982. Su infancia estuvo marcada por la reconversión laboral que este puerto carbonífero vivió tras el cierre de las minas. En ese contexto, a sus 14 años, tras ver “Nemesio Pelao” del director Andrés Pérez Araya comenzó a sentir que su camino estaba ligado a las artes, participó en muchos talleres de teatro hasta que salió de cuarto medio y decidió estudiar artes escénicas en la Universidad de Playa Ancha. A los dos años de iniciados sus estudios viaja a Francia tras adjudicarse una beca otorgada por los Gobiernos de Chile y Francia para participar como asistente de español en el proyecto “Théâtre et marionettes, au-dela des frontiéres”.

Hoy a casi 11 años de vivir en ese país se encuentra de visita en Chile invitada por el Departamento de Artes Escénicas UPLA para impartir el Taller de Marioneta: Dramaturgia, Cuerpo y Objeto, el cual se realizará en Sala UPLA desde el jueves 5 al sábado 7 de mayo, desde 16:00 a 19:00 Horas.

que tu visión del mundo y del arte cambie.

También gracias al director de mi escuela en París tuve la posibilidad rápidamente de conocer el mundo del teatro y de marionetas, él me dio la posibilidad de realizar una práctica en una de las escuelas más prestigiosas de teatro de marionetas «Le Théâtre aux Main Nues». Allí fui poco a poco relacionándome con el mundo artístico, trabajando con compañías, conociendo otras técnicas teatrales y de la marioneta contemporánea que han nutrido mi carrera. ¿Cómo el arte de la marioneta permite comprender de otra manera las técnicas de actuación?

El arte de la marioneta es en sí mismo un arte plural, que engloba dramaturgia, plástica y movimiento; esto lo convierte en un arte total. Cuando manipulamos una marioneta tenemos delante nuestro todo un mundo (…) ya que pone a distancia al espectador, pero al mismo tiempo lo maravilla cuando (el objeto) cobra vida.

Lo que me interesa, hoy en día, sobre el trabajo de la marioneta es el trabajo a la vista del manipulador, ese doble juego que se sitúa entre el objeto y el cuerpo del actor,

pasando por la ósmosis entre el cuerpo viviente y el inanimado, la marioneta se vuelve un doble del actor. ¿Cómo te sientes con la posibilidad de compartir tus conocimientos con estudiantes de teatro de la UPLA? Para mí es un placer volver siempre a casa. Creo que era uno de mis grandes objetivos, realizar un taller en Chile, sobre todo en la escuela que me vio crecer y la que me frustró muchas veces también.

Siempre tuve el anhelo de una ida y vuelta de estos conocimientos aprendidos en Francia. Me siento muy dichosa de que al fin esto tome forma. Espero también en el futuro poder crear intercambios con las compañías de Francia y Chile.

En los últimos años el teatro de marionetas en Chile ha tenido un gran desarrollo. Has tenido conocimiento de esa consolidación. ¿Qué opinas?

Creo que hay un cambio a nivel mundial de la utilización de este instrumento, hay una gran renovación en el teatro, y es por esto que muchos directores nutren su imaginación haciendo un llamado

forma parte de esto y Chile no se ha quedado atrás, primero con el trabajo de Jaime Lorca y La Tropa, quien luego desarrollo el festival «La rebelión de los muñecos», o como las compañías «Maleza», «Teatro y su Doble», entre otras.

¿Proyectas además de este viaje volver con uno de tus trabajos?

Me encantaría regresar pronto en un año o dos con uno de mis trabajos, estamos viendo las posibilidades que tenemos. Aunque hacer venir una compañía desde Francia no es muy simple.

Fotografía (Lou Camino)/ Cie Le Bouc sur Le Toit

a la mezcla de artes. La marioneta

CREAN PRIMERA REVISTA CIENTIFICA DE LA REGIÓN DEDICADA EXCLUSIVAMENTE A LAS ARTES ESCÉNICAS El lanzamiento de Arte Escena está programado para el jueves 12 de mayo a las 19:00 horas en la Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha y el encargado de presentarla, junto al equipo editorial de esta nueva plataforma, será Patricio Rodríguez Plaza, Director de Revista Apuntes de la Pontificia Universidad Católica.

T

ras un año de arduo trabajo, el área de investigación del Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Playa Ancha presentará “Arte Escena, Cuaderno de Investigación en Artes Escénicas”, primera revista científica de la Región dedicada a las artes escénicas.

Arte Escena, revista online cuya dirección es www.artescena.cl, tendrá una edición semestral. La publicación pretende potenciar las competencias académicas creando un espacio especializado de reflexión en

sus distintas disciplinas. Asimismo, difundir investigaciones duras de experiencias teóricas y prácticas, que generen un constante debate sobre la producción, la crítica y la creación en el campo afín. Finalmente, promover en el mediano plazo la indexación de dichas publicaciones para establecer criterios competentes de la producción de conocimientos en este ámbito.

“Creemos que este es el paso que faltaba dar en el Departamento de Artes Escénicas. Ya contábamos, aparte de la escuela de pregrado,

con un Diplomado en Voz Profesional, con la Sala de Arte Escénico para la práctica y exhibición de nuestra disciplina, pero recién ahora podemos aportar con un órgano de discusión artístico-investigativo, de alcance regional, nacional e internacional”. Destaca Verónica Sentis Hermann, directora de Arte Escena y coordinadora del área de investigación de la Facultad de Arte de la Universidad de Playa Ancha.

Fue en 2015 cuando un grupo de académicos, pertenecientes al Departamento de Teatro de la Universidad de Playa Ancha comenzó la producción de Arte Escena invitando a investigadores nacionales e internacionales a escribir sobre distintas áreas del arte dramático.

De este modo, para este primer número cuenta con artículos escritos por Milena Grass, de la Pontificia Universidad Católica; Víctor Arrojo de la Universidad de Cuyo, Argentina; Constanza Alvarado de la Pontificia Universidad Católica; Daniela Cápona de la Universidad Mayor; Miguel Santagada, de la Universidad del Centro de la Provincia de Buenos Aires y, finalmente, Ramón Darío Zuloaga de la Universidad de Caldas, Colombia.

Refiriéndose a la continuidad de este tipo de emprendimientos científicos en nuestro país, la Dra. Sentis comenta: “Lamentablemente

en Chile, a pesar del intento de las universidades por editar y mantener en el tiempo revistas académicoteatrales, la única que lo ha logrado ha sido la Apuntes de Teatro de la Universidad Católica, que lleva décadas documentando y reflexionando sobre la producción escénica nacional y mundial”.

La principal amenaza para la perdurabilidad de este tipo de revistas siempre ha sido de índole económica, pues se requieren recursos para imprimir cada uno de los números, liquidez que muchas veces las universidades públicas no pueden asegurar.

En ese sentido estos nuevos formatos han ayudado a sortear el problema, pues las publicaciones son mayoritariamente electrónicas, lo que facilita la difusión y el acceso al conocimiento.

Arte Escena contempla, además, como una manera de ampliar su ámbito de impacto, incluir en cada número la edición de un texto dramático de la región, la reseña de un libro asociado a artes escénicas, una crítica de un espectáculo regional y una entrevista.

A partir del 12 de mayo www.artescena.cl estará disponible para todos los usuarios que deseen conocer investigaciones en torno a esta disciplina.

CLASE DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Guillermo Calderón / INTÉRPRETES: Rodrigo Soto, Francisca Lewin / DISEÑO INTEGRAL: Loreto Martínez / EQUIPO TÉCNICO: Loreto Martínez, Manuel Morgado / PRODUCCIÓN: Bárbara Nash $3.000 Gral / $2000 Est. y 3Edad/ Comunidad UPLA 2X1 ($3.000)

Reservas en:www.salateatroupla.cl

Viernes 13/ 20:00 horas Sรกbado 14/ 20:00 horas

“Clase”, de Guillermo Calderón, Se presenta por primera vez en Valparaíso.

U

n profesor y la única alumna del curso que no se ha sumado a la protesta estudiantil - la famosa Marcha de los Pingüinos de 2006- ansiosa de disertar sobre un tema que la convoca, enfrentan sus visiones de vida y posturas generacionales en una particular e intensa jornada escolar, llena de emotividad, sueños frustrados y posibilidades de futuro. Este es el argumento de “Clase”, segunda obra escrita por el aplaudido y premiado Guillermo Calderón, se presentará el 13 y 14 de mayo en Sala Upla.

Estrenada en 2008 por Francisca Lewin y Roberto Farías, el remontaje reúne a la actriz con Rodrigo Soto, destacado actor chileno, protagonista de obras como “Los Invasores”, “La Tempestad” y “H.P (Hans Pozo”), entre muchas. Juntos protagonizan un identificatorio viaje escénico que los llevará a hablar de educación, historia de Chile y conflicto generacional.

Guillermo Calderón recuerda que es la segunda obra que escribió, después de “Neva”, y la primera que habla explícitamente de Chile. “Que-

ría pensar acerca de la revolución pingüina desde la mirada de un profesor que creció en dictadura. Él mira las protestas escéptico, porque cree que los jóvenes de ahora no quieren hacer la revolución. Además, quería retratar a una estudiante de liceo, alguien que pudiera señalar una camino nuevo hacia el futuro”.

El autor, reconocido internacionalmente –en enero pasado estrenó “Escuela” en París -, cree que se abre nuevamente la oportunidad para pensar en lo que significa entregarse a un movimiento político y verlo ahogarse con el tiempo. “El fracaso de las reformas y el sueño político son los temas de la obra, y siguen presentes en nuestro país”, afirma.

Francisca Lewin, quien vuelve a ponerse el jumper para encarnar a la alumna que se queda en clase para disertar sobre Buda, precisa que “Clase” es una discusión generacional. “Se enfrenta a un profesor, que cuestiona el sentido político de las luchas estudiantiles surgidas el 2006, con una alumna que trata de mostrarle un nuevo camino de liberación.

Representa un conflicto que sigue vivo en muchos de los que lucharon contra la dictadura: la sensación de fracaso y de que tras la llegada de la democracia la única posibilidad fue conformarse. También es una pro-

funda reflexión sobre la educación en Chile, muestra la relación directa entre la sala de clases y la clase social” Para la actriz, cuando han pasado casi una década de la revolución pingüina, la obra sigue teniendo mucho que decir respecto a las demandas estudiantiles: “El tema educacional atraviesa nuestra historia y marca nuestro futuro como país, se ha convertido, además, en una de las muestras emblemáticas de las herencias de la dictadura”.

El rol del profesor es fuerte y remecedor, y así lo ve Rodrigo Soto, quien comenta que la obra lo ha hecho recordar sus años de estudiante revoltoso. “Me resuena el texto y recuerdo a muchos profesores a los que nunca miré ni hice caso, siento nostalgia, emoción. A través de mi personaje evoco la posible vida de mis profesores, con resentimiento, dolor y frustración por una vida dedicada a educar sin posibilidad de generar cambios”, precisa.

Guillermo Calderón es director teatral y dramaturgo. Sus obras “Neva”, “Diciembre”, “Clase”, “Villa + Duscurso” y “Escuela” se han presentado en festivales de más de treinta países.

Fue coguionista de las películas “Violeta se fue a los Cielos” y “El Club”.

Gentileza / Producción: Obra Clase por Marietta Santis

Foto: Victor Astudillo Andrés Pérez como Esperanza en “La Negra Ester” / 1995

Lanzan en Valparaíso completa re-construcción poética de la vida y obra de Andrés Pérez “Andrés Pérez tiene la palabra” de la sociólogo e investigadora teatral, María de la Luz Hurtado se presentará en el CENTEX el 11 de mayo a las 19:00 horas. La actividad esta organizada por las tres escuelas de teatro de Valparaíso; Universidad de PLaya Ancha, Universidad de Valparaíso y DOUC UC; con el apoyo del Consejo Regional de Cultura y las Artes

“Andrés Pérez está vivo en el corazón de los chilenos y de muchas personas y creadores, como lo están los grandes artistas que irradian su multifacética obra a través del tiempo, abriendo caminos que nunca dejan de ser recorridos”, afirma María de la Luz Hurtado, socióloga y doctora en Letras. Así, la académica explica que a más de diez años de su muerte, en enero de 2001, la figura y el legado del actor y director teatral Andrés Pérez se hacen cada vez más entrañables y ejemplares.

“Su capacidad para impulsar y materializar con potencia inusitada sus sueños estéticos, políticos y sociales, entrelazando en ellos su inmenso talento, su carisma, su liderazgo y su capacidad de gestión, ha convulsionado los distintos ámbitos de lo social y de lo artístico de un modo tan intenso que aún no ha sido posible recoger, aquilatar, sistematizar y valorar suficientemente las diferentes facetas de su obra”, afirma.

Por eso en el libro “Andrés Pérez tiene la palabra”, la autora –una de las mayores conocedoras de su obra en nuestro país– entreteje un mapa vital y creativo por medio de entrevistas, reflexiones, fotografías inéditas, comentarios y análisis del

propio Pérez, así como de ella misma y de terceros, configurando una suerte de poética del autor.

La pieza contiene material inédito y narra desde que Andrés Pérez nació en Punta Arenas el 11 de mayo de 1951 hasta que muere el 3 de enero de 2001 en Santiago. Los lectores podrán profundizar en su metodología de trabajo, propuesta estética y visual, sus creaciones en teatro y danza, su labor en las compañías Teatro Urbano Contemporáneo y Gran Circo Teatro, su viaje a Francia, su experiencia en el Théâtre du Soleil y su cercanía con la maestra Arianne Mnouchkine. Además de conocer en profundidad sus obras, su faceta de gestor cultural y su opinión sobre la cultura oficial, pero por sobre todo su calidad de ser humano.

Se trata de un archivo de memoria y al mismo tiempo un homenaje a una de las figuras más importantes de la creación artística de Chile. El proyecto se enmarca en el Programa de Investigación y Archivos de la Escena Teatral de la Escuela de Teatro UC y complementa otras iniciativas similares que apuntan al rescate de la memoria teatral de nuestro país. El libro contiene 250 páginas y fue editado por Ocho Libros Editores.

Carmen

DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Jonathan Bórquez/ INTÉRPRETES: Fabiola Díaz, Mariella Valdebenito / MÚSICA: Renata Ortiz / DISEÑO AUDIOVISUAL: Ricardo Villarroel / DISEÑO GRÁFICO: David Araya $3.000 Gral / $2000 Est. y 3Edad/ Comunidad UPLA 2X1 ($3.000) /Domingo popular $2.000 /

Reservas en:www.salateatroupla.cl

Viernes 20 / 20:00 Horas Sรกbado 21 / 20:00 Horas Domingo 22 / 19:00 Horas

Carmen y los estragos del estrés laboral Esta comedia negra lleva a escena un síndrome que día a día afecta la calidad de vida de trabajadores y trabajadores.

“Es una importante causa de ausentismo, influye en las decisiones incorrectas, juicios erróneos y en una baja moral personal. A nivel físico provoca trastornos o enfermedades que van desde la irritabilidad, estados depresivos, ansiedad, hasta enfermedades más complejas como ulceras, asmas…”

El párrafo anterior es un extracto de un documento que puedes descargar desde el sitio www.direcciondeltrabajo.cl donde esta repartición de Estado presenta algu-

nos efectos del estrés laboral en los trabajadores, y que la compañía de Teatro La Carmen no pasó por alto y quiso visibilizar a través de una comedia negra.

Según el director de esta obra, Jonathan Bórquez, “Carmen” “invita a estar más atentos respecto del cuidado de la propia salud. Pone en tela de juicio al sistema como desencadenante de cuadros de estrés negativo, y proporciona una mirada respecto de los hábitos conductuales que se adquieren y que propi-

cian este tipo de patologías”, dice.

Carmen, personaje principal de esta historia, a partir de un rumor sobre reducción de personal en su trabajo ve que todos sus miedos por transformarse en una cesante podrían ser reales. Inmediatamente la sensación de angustia extrema es el comienzo del Síndrome de Burnout, más conocido como estrés, etapa que poco a poco la agota física, mental y emocionalmente.

Una vez detonados estos síntomas el alma de Carmen ronda la escena, ella es la forma en que su conciencia se manifiesta con el fin de ayudarla.

“Entre ambas se desarrollará una historia resiliente que por medio de la comedia negra y surrealista hará que la risa sea el medio dialéctico para el reconocimiento y sensibilización del espectador”, cuenta la compañía.

Datos que preocupan Según explica la compañía, la Facultad de Medicina de la Universidad de Chile, a través del estudio a 15 empresas, demostró que de un total de 8.245 trabajadores, el 73% de ellos reconoció haber detectado síntomas de estrés.

Para Jonathan la principal causa en el aumento de estos índices es

“la desprotección social que hoy día Chile padece, en cualquier momento te aplasta un tractor y este sistema no hace nada. Sumado, a la falta de oportunidades, las agotadoras jornadas laborales, la falta de educación respecto de la vida saludable o simplemente los recursos para que realmente podamos tener una mejor calidad de vida”.

Fabiola Díaz, actriz que interpreta a Carmen, cuenta que durante los meses de trabajo se investigó el lado científico de la enfermedad, “siendo para mí, como actriz, un descubrimiento el cómo esta enfermedad está más cerca de uno de lo que se piensa. Los ensayos en algunas ocasiones fueron abiertos a un reducido público, lo que colaboró desde sus perspectivas a la creación”, cuenta y agrega “Los conversatorios que se dieron luego de la obra, fueron realmente satisfactorios para nosotros como creadores, ver y escuchar el grado de identificación con el personaje.

Como señala su director Carmen es “una invitación para reflexionar respecto de este tema, y desde ahí son múltiples las medidas que el espectador puede relacionar y aplicar en su vida diaria para reducir sus propios niveles de estrés negativo”, dice Bórquez.

Mujeres Quebradas, las cenizas de la piel

DRAMATURGIA: Franko Ruiz-Vicencio / DIRECCIÓN: Franko Ruiz-Vicencio COMPAÑÍA: Teatro Experimento Pierrot / INTÉRPRETES: Marcela Gamboa Rojas, Gabriela Arancibia, Pía Renee, Macarena Paredes Ríos, Camila Oyarzo Contreras, Francisca Zúñiga Miquelin (Participación especial Amaru Ruiz Gamboa) DISEÑO INTEGRAL: Franko Ruiz-Vicencio / ESCENOGRAFíA: Gonzalo Tobella y Gonzalo Meza / ILUMINACIÓN: Denisse Duarte Medina / AUDIOVISUAL: Cristian Pérez-Pérez / MÚSICA y SONIDO: Johna Vergara / VESTUARIO: Nicoleta Fuentealba / GRÁFICA: Christian Ríos / PRODUCCIÓN GENERAL: Teatro Experimento Pierrot / TÉCNICOS: Denisse Duarte Medina, Johna Vergara TIEMPO DURACIÓN OBRA: 45 minutos TIPO PÚBLICO: Mayores de 14 años $3.000 Gral / $2000 Est. y 3Edad/ Comunidad UPLA 2X1 ($3.000) /Domingo popular $2.000 /

Reservas en:www.salateatroupla.cl

Jueves 26 / 20:00 Horas Viernes 27 / 20:00 Horas Sรกbado 28 / 20:00 Horas

OBRA REVIVE EL DRAMA DE LAS MADRES EN TIEMPOS DE GUERRA Un llamado a reflexionar en torno al drama de madres que supieron convivir con el dolor y aferrarse a la esperanza que la figura de sus hijos les transmitió.

“Mujeres Quebradas: las cenizas de la piel” es el último trabajo de la compañía Teatro Experimento Pierrot, fundada hace 16 años por Franco Ruiz Vicencio y Marcela Gamboa. El texto para este montaje fue concebido a partir de una investigación inspirada en testimonios de mujeres que fueron víctimas de la violencia y destrucción provocada por regímenes totalitarios a nivel mundial.

Según explica su director “Mujeres Quebradas …” está basada “en mu-

jeres-madres que no sólo lucharon con el contexto bélico que las perseguía, sino también hicieron frente a sus propios temores, a sus inseguridades, a sus agobiantes culpas para finalmente encontrar aquello que les hacía sentido a sus vidas como extensión de ellas mismas: su hijo, su hija”.

El proceso y espacio de creación destaca por recoger ideas y patrones de una disciplina ajena al teatro como son los patrones corporales desarrollados por Alexan-

der Lowen, precursor de un método psicoterapéutico denominado Bioenergética. De esta manera el director desarrolló una dramaturgia corporal propia para esta obra la cual transmite la tensión de los personajes a través del cuerpo de las actrices.

“Conocí el trabajo de Alexander Lowen a través de los libros sobre Bioenergética y desde ahí extraje los “patrones corporales” que él establece en sus investigaciones. Este material de estudio arrojó aspectos sobre la estrecha relación que existe entre mente y cuerpo, una mente cuyos vacíos o carencias se cristalizan directamente en los cuerpos de los individuos”, explica Ruiz.

Desde ese lugar decidió materializar la teoría de Lowen, llevando la crisis al cuerpo de las intérpretes y evidenciando de esta manera los cuerpos afectados por el dolor y la tragedia. ¿Qué hecho particular te motivó a conectar la creación con esta temática?

Era una idea que desarrollé durante el Magister de Dirección. Durante las clases y los ejercicios la fui visualizando hasta concretarla finalmente en mi examen. Por una parte se conecta con este niño interno que todos llevamos y, por otra parte, también la profunda admiración que siento por las madres

en especial aquellas que lo da todo por su hijo. ¿Esta historia se nutrió de historias personales?

Sí, la historia se construye sobre inspiraciones reales de tres mujeres que existieron. A una de ellas es una amiga que luchó muchísimo por su hija en tiempos de la dictadura militar, desde ella generé uno de los personajes de la obra y quise contar, de alguna manera, en conjunto con otro hecho de la época, la desesperación que vivió cuando quisieron separarlas. Obviamente lo extraído de la realidad supera la ficción de la obra, pero me sirvió de inspiración para desarrollar una dramaturgia textual que se uniera además a una dramaturgia corporal. ¿Cómo acercaste tu investigación al trabajo escénico?

Como compañía hemos pasado gran parte de nuestro tiempo investigando sobre el cuerpo en escena, siento que este aspecto me motivó a seguir profundizando desde una área más teórica lo relacionado con la dramaturgia corporal, generar estados emocionales donde el cuerpo se convierte en el detonante principal para transmitir y expresar sensaciones que colaboren con la estética de la obra y con el lenguaje de la Compañía.

Filial SIDARTE Valparaíso.

La cosa no es así.

Con el propósito de generar un proceso de organización que de paso a propuestas que mejoren las condiciones laborales de los trabajadores teatrales de la Región de Valparaíso, un grupo de actores y actrices ha convocado a la formación de una filial de SIDARTE, Sindicato de Actores de Chile, en la Región de Valparaíso. Compartimos acá una columna de Cristóbal Valenzuela, uno de los organizadores de esta causa.

parecer todos sospechábamos que “la cosa era así”.

Comenzamos a organizar una primera conversación grupal y pronto nos dimos cuenta que uno sólo no iba a dar abasto, creamos Encuentro permanente de trabajadores teatrales de Valparaíso.

A finales de 2015 decidimos enfocarnos en tres aspectos críticos sobre los cuales trabajar para desarrollar las condiciones en que hacemos teatro: Creación – Formación – Circulación. Nada nuevo, ¿no? En cada uno de estos aspectos la idea central fue optimizar las condiciones. Se reconoció, en cada uno de los apartados, la naturalización de ciertas prácticas precarias y que nos ponían en una situación de vulnerabilidad, aun cuando no estuviésemos necesariamente vulnerados en nuestros derechos como trabajadores o creadores.

Decidimos salir del diagnóstico y dar el paso siguiente: germinar propuestas, desarrollarlas, implementarlas, realizarlas, concretarlas e idealmente evaluarlas. Por aquí sentimos algo que no habíamos hecho que nos entusiasmaba. Algo nuevo.

Fue natural el cierre de esa etapa de Encuentro y la apertura del trabajo a quienes estuviesen interesados en sumarse a las propuestas para resolver esto que, ahora sí, era

OPINIÓN

N

arrar sobre la gestación de esta Mesa de Teatro autónoma de Valparaíso que deviene en Filial Sidarte en la región, tal vez sea tarea de alguien que mire el fenómeno de manera externa, que sea capaz de conectar la seguidilla de acontecimientos que nos han llevado hasta lo que ocurre hoy y que esperamos siga tomando fuerza durante los próximos años. Sin embargo intentaremos ordenar lo que ha ocurrido durante el último año en relación a la organización de una parte de los trabajadores del teatro en torno a esta Mesa.

A inicios del 2015 sostuvimos conversaciones coloquiales, de esas típicas que ocurren cuando se encuentran dos personas que trabajan en teatro -generalmente afuera de un teatro, entrando o saliendo de alguna obra o ensayo- cargadas de sonrisas, afecto, muchos buenos deseos. Por supuesto que en esas conversaciones se armaba un diagnóstico express (frase robada al querido Psicólogo Temucano Manuel Saldaña), que hacía aparecer puntos conflictivos comunes.

Como estas conversaciones, de carácter coloquial, casi accidental, no era grupales, la idea lógica fue juntarnos para saber con certeza cuántos estábamos en lo mismo, pues al

concreto y evidentemente compartido. El encuentro permanente de trabajadores teatrales de Valparaíso devino en la Mesa (autónoma) de teatro Valparaíso, con el propósito, intermedio, de encontrar una figura orgánica que nos permitiera emprender cualquier solución, o propuesta de solución a lo que habíamos observado en el diagnóstico.

Desde finales de 2015 e inicios de 2016, investigamos distintas figuras y sus alcances, y en marzo decidimos formar una Filial de Sidarte en Valparaíso, por ser la figura orgánica que mejor se acomoda a las necesidades que la Mesa (autónoma) de teatro Valparaíso quiso abordar para intentar resolver, en base al diagnóstico que realizó el Encuentro permanente de trabajadores teatrales de Valparaíso.

Cada uno de estos pasos son los últimos tres de una larga cadena en la historia de la escena local.

Quedan entre medio cientos de encuentros vinculados al trabajo asociativo, muchos conversatorios respecto al tema, la historia sindical misma del sector y de otras áreas, cientos de estrenos, apertura y cierre de espacios que han sido signi-

ficativos para el teatro de la región, la creación y desarticulación de compañías, apertura y cierre de escuelas dedicadas a la actuación.

Lo que pretendemos es que en esta lucha constante que han sostenido las generaciones anteriores, y con quienes tenemos un continuo de actividad, consolide una base que nos permita proyectar el desarrollo del teatro en Valparaíso desde un trabajo horizontal, colaborativo, respetuoso, risueño y afectuoso.

Las posibles implicancias para la zona es que dignifique nuestro quehacer, haga relevante su presencia en una comunidad que pretende desarrollarse, que permita, siempre en una dinámica abierta, conocer las características y condiciones sociales en que vivimos quienes trabajamos en esto, que se amolde, esta figura sindical, a las necesidades del sector y que podamos atender todas las demandas, ideas, pero sobre todo propuestas de nuestros colegas, para consolidar una escena en la región que nos haga continuar, sin que se nos desgaste la voluntad, realizando acciones vinculadas al teatro, pues está claro que “la cosa, no es así”.

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