Prueba bitacora acdc sandra frencia

UNIVERSIDAD PROVINCIAL DE CORDOBA LICENCIATRURA EN ARTE Y GESTION CULTURAL

ARTES COMBINADAS Y DIVERSIDAD CREATIVA

ALUMNA: FRENCIA, SANDRA EDITH

PROF.: ADRIAN GONZALO MANAVELLA ARTES COMBINADAS Pรกgina 0

Clase Presencial N° 1 – Fecha: 16/08/2014 PAUTAS BASICAS DE TRABAJO: 1. T. L. R.: Todo lo registro.

2. A. D. F.: Un acto de fé mutua.

3. N. L. N. F. N. B. N. M.: Ni lindo, ni feo, ni bueno, ni malo. Debemos suspender el juicio, esto nos permite acceder a lo próximo, lo que esta por suceder.

4. C. C. C.: Se pretende generar una “Construcción colectiva de conocimiento”.

5. T. L. Q. N. E. E. P. E. P.: Todo lo que no está expresamente prohibido, está permitido.

6. EXISTIR: debe ser una preocupación personal, o sea, individual e intransferible.

CURIOSIDAD

AVIDEZ POR CONOCER

CONTRADICCIONES

BUSCAR RELACIONES

GENERA INNOVACION

CREATIVIDAD

CAPACIDAD QUE SE ENTRENA, SE EJERCITA. ESTA GIMNASIA CONDUCE AL DESRROLLO PLENO DE LA MISMA.

INESTABILIDAD

COMO ESTRATEGIA DE EVOLUCION MOVIMIENTO

CONSTANTE ESPORADICA COLAPSO

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CREATIVIDAD

La contradicción permanente de las distintas situaciones de la realidad que el ser humano vive, permite plantear estrategias de evolución, las cuales, ante una aparente inestabilidad permiten reaccionar con movimiento, produciendo una ruptura a la misma que permite activar la creatividad.

La inercia de permitir una inestabilidad constante, produce el colapso como resultado.

La creatividad es la capacidad de encontrar más posibilidades a la realidad.

José Antonio Marina

DIFICULTADES

INTERFERENCIAS CON EL CONTEXTO

ACTIVAN LA RECILIENCIA

VOLUNTAD

CUALIDAD CLAVE E INTRANSFERIBLE

SE ACTIVA

PASION

PLACER

AMOR

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EL MUNDO BAJO UN MACRO PARAGUAS

PARADIGMA DE LA COMPLEJIDAD

CONSTRUCCION

SISTEMA QUE TIENE CIERTAS CONDICIONES DE UNIDAD, ARMADO DE PARTES GENERALMENTE INDEPENDIENTES

PICELES

VECTORES

ARTES COMBINADAS Y DIBUJO

1 SISTOLE DIASTOLE

ARTES COMBINADAS, PINTURA EXPERIMENTAL INTERDISCIPLINAL

ARTES COMBINADAS, IMPRESIÓN REPRODUCCION DIGITAL

2

3

ARTES COMBINADAS. ESPACIO, FORMA Y VOLUMEN

4

BITÁCORA CONSTRUCCION COMPLEJA INDIVIDUAL

LA EXPERIENCIA Y APRENDIZAJE DE LA DISCIPLINA, IMPECABLEMENTE, PERO CREATIVAMENTE CONDENSADO EN UN LIBRO. Página 3

UN MUY ORIGINAL RELATO Por Adrián Manavella.

Imaginemos que vamos caminando en el bosque y de repente tropezamos con una piedra y al detenernos a ver la situación, visualizamos en la tierra un bichito de dos cabezas y siete patas que camina bajo un árbol.

Este pequeño insecto capta nuestra atención, y despierta en nosotros la pregunta de ¿cual será el motivo de semejante mutación?...

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Por lo que seguidamente observamos el árbol bajo el cual está, y descubrimos que es un ejemplar muy particular, de follaje escaso, de hojas rojas con pintas amarillas.

Al dirigir nuestra mirada hacia el entorno del lugar, observamos que no hay otro árbol igual, es único.

Sobre el mismo revolotean aves de tres alas, que lo han elegido para deponer, se posan en sus ramas vaciando sobre ellas su excremento.

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Nuevamente la incógnita recurre a nuestra mente, ¿será el árbol único en su especie el que origina los cambios genéticos? ¿Estas maravillas de rarezas tendrán su naciente en el néctar de las flores del campo contiguo, que cargan sobre las alas estos pájaros y lo esparcen al batir sus alas sobre el? ¿Combinado con la luz del sol que cae casi perpendicularmente y los fluidos naturales de estos ejemplares?..

Mientras las preguntas se agolpaban en mi mente y los ojos descubrían maravillados tan compleja belleza, puedo advertir, una especie de perezoso o koala, montado en el tronco del árbol, desgarraba con sus patas delanteras la corteza del mismo, de la cual brotaba una savia de color tornasolado.

Más interrogantes despertaban en mí, ¿Será tal vez ese líquido viscoso y tornasolado, el responsable de estos fenómenos magníficos?

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Cautivado por lo que esta aconteciendo, enquistada en mi la pasión por descubrir las razones del evento, puedo notar, que es la saliva del “perezoso”, la que se une al sangrado tornasolado del árbol, que como entrega desde el corazón, cede a la madre tierra sus bondades, por las cuales logra estas transformaciones.

Y es esta misma savia bendita, la que riega sus pies revitalizando sus raíces y subiendo hasta lo más alto, junto a la luz del sol, dota a su follaje de un esplendor rojizo, en donde el mismo sol enquista su brillo, en pequeñas pintas amarillas que adornan sus hojas.

Maravillado por mi descubrimiento, deseoso de compartir la historia y preservar el lugar en su pureza, prosigo mi camino, con una sonrisa en los ojos y un corazón agradecido, a esa pequeña piedra que me detuvo para que sea capaz de observar y aprehender, todo lo que hoy llevo conmigo.

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REFLEXION PERSONAL:

Una contingencia, como el tropezar con una piedra, fue tomada como una oportunidad de descubrir las maravillas de un complejo entorno, dotado de un sinnúmero de singularidades.

Situaciones únicas, que después de haberlas atravesado, nuestra vida ya no será la misma.

Porque nuestra forma de sentir el mundo cambio. A nuestra imaginación creativa le creció otra ala que la llevara más lejos, a nuestra forma de pensar la dotaron de otra cabeza y para ver el mundo desde varias ópticas nos permitimos tener más ojos. La creatividad comenzó a actuar, desde el momento que los supuestos se agolpaban en nuestra mente, intentando surgir como respuestas.

Hemos aprendido a detenernos a mirar, tomarnos el tiempo para “descubrir”: tan efímero concepto que se volatiliza en la vorágine de nuestros días. La experiencia que nos enriquece y nos permite visualizar un horizonte de posibilidades diferentes, excluidas del juicio censurador de toda imaginación posible. Rescatando y atesorando todas aquellas maravillas que ocurren a diario a nuestro alrededor.

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Hablamos de sístole y diástole.

Se denomina sístole, a la contracción del corazón (ya sea de una aurícula o de un ventrículo) para expulsar la sangre hacia los tejidos.

Se denomina diástole a la relajación del corazón para recibir la sangre procedente de los tejidos.

Un ciclo cardíaco está formado por una fase de relajación y llenado ventricular (diástole) seguida de una fase contracción y vaciado ventricular (sístole).

Este mismo ritmo se produce en el proceso de enseñanza aprendizaje, en la construcción colectiva del conocimiento, con el diástoles (proceso de recepción de diversos conocimientos a través de nuestro docente y también nuestros compañeros) y sístoles (como instancia de nutrición, aportación de experimentación y construcción colectiva).

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La construcción es una de las formas de crecimiento personal y profesional.

Vayamos a la fuente: según el diccionario, "aprender" es adquirir el conocimiento de algo por medio del estudio o la experiencia, en tanto que "capacitar" refiere a hacer a alguien apto, habilitarlo para algo.

Es en el marco de este modelo donde capacitación y aprendizaje se convierten en el motor del proceso de mejora continua, ya no desde el enfoque tradicional de comunicación y formación vía instrucción unidireccional, sino desde la generación de espacios, condiciones, herramientas y metodologías que favorezcan el aprendizaje.

Capacitación y aprendizaje bien pueden ser considerados sístole y diástole del corazón metodológico de un proceso de mejora continua capaz de cristalizar el desarrollo sostenible.

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PERCIBIR

INVITA A CAPTAR MAS ALLA, DE LO QUE A SIMPLE VISTA SE VE

DESESTRUCTURAR

Desanclarse de lo conocido.

Lo que conocemos como seguro.

PARTIR DE LA CORRECCION

Suprime riesgo y experimentación personal.

Teoría vs. Experiencia práctica. Ensayo / Error.

Conocimientos de contenidos exploratorios transitados desde otro lado.

SE PUEDE

Depositar la fe en la propuesta, en el ejercicio

UN ACTO DE FE

En esto el docente tiene confianza de que el alumno, pueda generar una exploración de calidad, intereses y búsqueda.

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Implica disposición e interés por parte de nosotros.

AVANCE

Voy a producir para pensar Abrevar contenidos de producción TLR

Como estrategia fenomenológica

Para lo cual debemos suspender el juicio. Y salirnos de la estructura, solo apegarse a lo explícitamente especificado dentro de lo formal, propiciando la apertura la creatividad frente al abanico de posibilidades que

NLNFNBNM

brindan los márgenes no determinados.

Activar los procesos de producción implica liberar la

TODO

actividad creativa.

Generar espacios de producción creativa, donde me libere de mi propio sabotaje.

Donde las estructuras aprehendidas a través # DIGAN # VEAN # HAGAN

de antiguos métodos de educación y que convirtieron en condicionantes de nuestra actividad

creativa,

vehiculizado

en

prejuicios, topes o parámetros con los que han cercado nuestra actividad creativa. Es esto con lo que debemos romper.

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FENOMENOLÓGICO

EN SU BUSQUEDA SISTEMATICA DE LA EXPRESION DEL CUERPO

Fenomenología, término que es utilizando en física de alta energía para describir un tipo de conocimiento que relaciona entre sí diferentes observaciones empíricas de forma consistente con la teoría fundamental, pero sin derivar de las observaciones directas de la teoría fundamental.

La fenomenología (del griego antiguo φαινόμενoν, 'aparición', 'manifestación' y λογος, 'estudio, tratado') es una forma de filosofía que estudia el mundo respecto a la manifestación.

La fenomenología es una corriente filosófica, muy amplia y diversa, que llama a resolver todos los problemas, apelando a la experiencia intuitiva o evidente, que se muestran en las cosas de la manera más originaria o más patente.

Comentario sin aparente sentido

Visión Disruptiva

Que confirma la muestra esperada

La bitácora, como elemento de registro abierto en que los colores, los dibujos, las texturas, los papeles, todos forman parte del aprendizaje y la experimentación personal.

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Si solo cuento con 16 minutos de tiempo libre, la pregunta es: ¿Qué se puede hacer en 16 minutos? ¿Cómo abordar mi creatividad en ese instante?...

El tiempo y el formato (papel, lienzo, soporte) son insumos creativos. Poner en práctica mi creatividad es un ejercicio diario que deberé elaborar. ¿Qué es entonces la creatividad?...

La Real Academia Española sostiene entre sus diversas acepciones que recurso es un medio que sirve para conseguir lo que se pretende. / Conjunto de elementos disponibles para resolver una necesidad o llevar a cabo una empresa; bienes, medios de subsistencia. Con respecto a la palabra insumo, la define como bienes que se utilizan para producir otros bienes.

Clase Presencial N° 2 – Fecha: 30/08/2014 UNIDAD N° 1 – ARTE CONTEMPORANEO Y DIBUJO. (Arte Relacional – N. Bourriaud) Se retoma los temas de la clase anterior y se habla a cerca de la bitácora y las dudas sobre el procedimiento, que le han sido consultadas al docente de lo que el mismo desprende que el grupo se encuentra anclado en las ideas de lo conocido, lo correcto, lo bueno, lo que esta bien o lo seguro.

Reitera que lo que no esta expresamente prohibido esta implícitamente permitido. Si partimos de un set de cosas correctas, perdemos la posibilidad de la experimentación y la exploración personal.

Se recuerdan las reglas que se establecieron para regular el trabajo de la disciplina. Se habla de la creatividad como insumo básico de trabajo, y el animarse a la experimentación que implica el trabajo con los elementos, nuestro ingenio y la creatividad. Utilizando estrategias fenomenológicas para el trabajo de la disciplina y la elaboración de conceptos y asimilación de los mismos a través del constructor colectivo que hacemos de los conceptos.

Se reitera la importancia del registro de todo lo que se habla en cada clase, y considerar que no existe “NI LINDO NI FEO, NI BUENO NI MALO”, como estrategia de trabajo. La bitácora Página 14

debe ser una producción áulica, con registro diario e inmediato, donde se registran todos los procesos de pensamiento y de producción de cada alumno, en el ejercicio de la libertad creativa.

Generalmente en los procesos de producción creativa, el principal saboteador es uno mismo con todos los prejuicios y miedos que hemos capitulado a través de los años con sistemas educativos estructurados que no nos han permitido ejercer en pleno nuestra libertad creativa y dar rienda sueltas a nuestra creatividad. Perdiendo la fe y la confianza en nuestras propias capacidades y habilidades creativas.

La creatividad (Investigación a cerca de) Es un constituyente vital para el ser humano que, como tantos otros procesos psíquicos, esta presente en toda actividad humana, con desarrollan sus matices cualitativos que denotan y connotan el proceso en el que está inserto o al cual motorizan.

Esta diferencia cualitativa habilita la pregunta si la creatividad ¿es para la actividad humana un recurso o un insumo?

La Real Academia Española (1992) sostiene entre sus diversas acepciones que recurso es un medio que sirve para conseguir lo que se pretende. / Conjunto de elementos disponibles para resolver una necesidad o llevar a cabo una empresa; bienes, medios de subsistencia. Con respecto a la palabra insumo, la define como bienes que se utilizan para producir otros bienes.

Sternberg y Lubart (1997) distinguen como rasgos definitorios de un producto creativo, la originalidad y la adecuación, a los cuales luego añaden la cualidad y la importancia. Para Sternberg una persona creativa es, en el mercado de las ideas, la compra en baja y vende en alza, para lo cual son necesarios seis recursos: 1. La Inteligencia: Cumple tres funciones en la creatividad: síntesis, análisis y practicidad.

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La síntesis ayuda a ver el problema de una nueva manera y lo redefine, genera una nueva articulación. La función analítica permite reconocer a cuáles de las nuevas ideas se le puede asignar recursos para convertirla en una buena idea y la practicidad posibilita que el propio trabajo sea presentado ante los demás de una manera oportuna y pertinente.

2. El Conocimiento El producto creativo como eslabón en la cadena que lo contiene, es un elemento significativo, que mantiene relación de sentido con el resto, de los cuales se diferencia. Quien realiza tal producto creativo, requiere conocer muy bien el sentido del acto, las relaciones de sentido que lo unen a esa cadena y si puede diferenciar en qué se enriquece el sistema de relaciones en el que va a estar incluido su acto, seguramente va a poder vender bien al alza.

3. Estilos de Pensamiento Es el modo de autogobierno de la propia inteligencia. Caracteriza el modo de pensamiento creativo el estilo legislativo que consiste en planificar qué y cómo de la acción, otorgándole estilo al modo de realización de las acciones, dentro de lo cual se le adjudica una nueva estructura a los problemas a resolver.

4. Personalidad Requiere enfrentar los convencionalismos establecidos, porque se compra en baja, lo que implica sostener una posición de aparente perdedor sin sentirse un perdedor. Si además se enfrenta a condiciones de la moda imperante, los rasgos de actitud y personalidad creativa deben estar fortalecidos, además de sus características cognitivas.

5. Motivación Pueden ser extrínsecas o intrínsecas, en personas con una energía distinta. De los estudios de Sternberg y de Simonton (1984), se desprende que aquellos sujetos enérgicos, productivos y motivados por metas, son más aptos para llevar una tarea creativa.

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6. Contexto medioambiental Aunque resulte una obviedad existen contextos más favorecedores que otros para el desarrollo de la creatividad. Esta particular manera de interacción entre un sujeto y su realidad compromete y posiciona a éste en un sistema de relaciones lógicas, sociales, económicas y culturales que afecta el sistema de creencias tanto singular como colectivo. Weisberg (1987) plantea que si la producción de novedad es lo normal, ya que no hay repetición porque no hay situación ni conducta idéntica a otra, sería innecesario plantearse la diferenciación entre pensamiento creativo y no creativo.

Como fundamentación de su argumento cita a Piaget, quien en su teoría sobre asimilación y acomodación da cuenta del funcionamiento normal de la inteligencia. El primer paso consiste en asimilar el acontecimiento al conocimiento que uno tenga, luego, para producir una nueva respuesta a una nueva situación, se hace necesario acomodar la respuesta a los aspectos novedosos del acontecimiento.

LA CREATIVIDAD COMO RECURSO Contini de González (2000) sostiene que la creatividad no se produce dentro del sujeto sino en la interacción entre éste y su contexto sociocultural, por lo cual es un fenómeno más sistémico que individual.

Esta interacción se da en un sistema compuesto por el campo, el ámbito y el sujeto; donde el campo está constituido por las reglas y los procedimientos simbólicos, el ámbito incluye a los referentes que permiten, o nó, el acceso al campo y el sujeto es quien produce la idea nueva, utilizando los símbolos de un dominio dado, que al ser seleccionada por el ámbito correspondiente pasa a ser incluida en el campo oportuno. La particular articulación entre los rasgos que componen el proceso creativo es compleja, y si bien el constructo puede ser considerado universal, qué entiende cada grupo humano por comportamiento creativo es culturalmente específico.

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Este potencial lo puede desarrollar todo sujeto como una singular manera de afrontar las situaciones de la vida cotidiana. Citando a Casullo (1998) la no identificación a tiempo del sujeto creativo, compromete el proyecto personal del adolescente, generando frustración y dejando las condiciones establecidas para futuras exclusiones.

Desde esta perspectiva, a los aspectos cognitivos se suman también los afectivos o emocionales; en este sentido Winnicott (1971) es categórico: “lo que hace que el individuo sienta que la vida vale la pena de vivirse es, más que ninguna otra cosa, la apercepción creadora”.

Lo opuesto a la creatividad es el acatamiento, que implica el sentimiento de inutilidad, de desvalorización y de indignidad, lo cual –dice- es considerado psiquiátricamente como una enfermedad, por lo tanto el estilo de vida creador es un rasgo de salud.

La creatividad de la que habla este autor se refiere al enfoque de la realidad exterior por el individuo, el acatamiento queda vinculado a la constitución del falso self y aún en el caso extremo de una destrucción total de la capacidad creadora se debe sobreentender que queda oculta en algún lugar una vida secreta que resulte satisfactoria porque es creadora u original para ese ser humano.

Es decir que la capacidad creativa es constitutiva y estructural en el ser humano. Cuando este enclave queda destruido, sea por el motivo que sea, da lo mismo para el individuo estar vivo o muerto, allí el suicidio es un acontecimiento más en la vida para quien no puede registrar lo que se ha perdido o falta.

CONCLUSIONES A pesar del recorrido bibliográfico, la heterogeneidad de los autores citados, permite una articulación conceptual en el sentido de considerar a la creatividad una posibilidad universal con características, requerimientos y significaciones singulares, de acuerdo al grupo humano y al momento histórico de que se trate.

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También podemos concluir que hay diferenciaciones posibles y complementables según tomemos el proceso creativo como proceso psíquico individual, cognitivo y afectivo - emocional o como sistema de interacciones validantes con un contexto sociocultural.

En este punto empiezan a aparecer convergencias conceptuales que permiten concluir que para sostener un proceso creativo exitoso se requiere una dotación importante de tolerancia a la frustración, ya sea por la oposición del pensamiento creativo a la moda imperante (des-acatamiento) o por los sucesivos ajustes necesarios del proceso para otorgarle consistencia interna que haga posible que un ámbito determinado valide un producto creativo en el campo pertinente.

Los otros recursos que hacen que un producto sea original y adecuado, además de calificado y dotado de importancia para el contexto en el que se piensa validarlo, suponen una capacidad simbólica por parte de quien sostiene esta tarea, que conllevan altos montos de energía psíquica al servicio de una singularización que por lo general ubica al creativo en un lugar de liderazgo.

Volviendo al planteo central del trabajo sobre si la creatividad es un recurso o un insumo vital, se puede afirmar que como recurso, estando éste tan ligado al orden de la necesidad, casi no vale la pena plantearse la necesidad de diferenciación entre pensamiento creativo o no creativo ya que toda generalización de un estímulo requiere de una generalización de una respuesta, y en este sentido cada respuesta sería creativa.

Si se piensa en la creatividad como un insumo vital, es decir un bien implicado en la producción de otros bienes, se está posicionando el concepto como un instrumento calificado para la producción y el sostenimiento de condiciones de vida y de relación salugénicas que permiten al sujeto su propia realización como ser humano.

En este sentido también podemos responder la otra pregunta planteada en la introducción del trabajo sobre la relación entre creatividad e ideación suicida, ya que la energía psíquica

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comprometida en la producción de un insumo salugénico no puede ser destinada al mismo tiempo al sostenimiento de condiciones de destrucción de la vida.

El trabajo de producción de vida creativa, además de ser opuesto por definición a la gestación autodestructiva, consolida el escenario saludable y vital que la ideación suicida va erosionando hasta su destrucción total, por más que esa ideación se valga para su consumación de medios espectacularmente novedosos.

A modo de postdata, y con basamento en la experiencia clínica, resulta imprescindible destacar que cualquier tarea que se proponga la transformación de un proceso destructivo en otro productivo, requerirá para el éxito de su cometido de la complejidad del proceso creativo, aunque la necesidad de estos requerimientos estén aún pendientes de comprobación científica.

BIBLIOGRAFÍA QUE SE PUEDE CONSULTAR Casullo, M. (1998) Adolescentes en riesgo. Barcelona. Paidós Contini de González, N. (2000) La creatividad como recurso de afrontamiento en la vida cotidiana.

Psicodebate. Psicología, Cultura y Sociedad. 1, 19 – 25. Universidad de Palermo Real Academia Española (1992). Diccionario de la Lengua Española. Vigésima primera Edición.

Madrid. Editorial Espasa Calpe.

Sternberg, R. y Lubart, T. (1997). La Creatividad en una cultura conformista. Barcelona. Paidós.

Weisberg, R. (1987). Creatividad, el genio y otros mitos. Barcelona. Editorial Labor.

Winnicott, D. (1971). Realidad y juego. Barcelona. Gedisa editorial

“Si no cerráramos los ojos no veríamos lo que hay que ver… Por ello: abrimos los ojos para observar, los fijamos para reflexionar y los cerramos para meditar”…

Shefy.

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LA VERDAD: Es una explicación aceptable a cerca de las características de un fenómeno. O un fenómeno, compartido en un momento determinado por un mismo contexto o grupo determinado.

ACTIVIDAD: Producir delineos en la cartulina negra, utilizando la tijera y/o la trincheta. Los delineos no deben confundirse con composiciones sutiles de imágenes.

Luego completar haciendo que esos delineos entren en interferencia con la bitácora. Cabe destacar que no hay formulaciones de procedimientos de interferencia, ya que las formulaciones tienen en si, ideas implícitas que condicionan la creatividad.

Ya que la interferencia de los delineos en la bitácora debe ser un acto creativo, es ella misma (la bitácora) la que le cuenta al delineo como quiere ser tratada, es este el momento en que entro en dialogo con mi producción creativa, dialogando con la materia, ordenando en el espacio de trabajo el material con el que voy a intervenirlo.

PEGUEN = PEGAR: ACCION DETERMINADA

NO DIRE

INTERVENIR = ACCION DE REGISTRO CREATIVO PERMITE PENSAR DISTINTAS FORMAS DE INTERVENIR

SI Página 21

Estamos abordando la instancia del dibujo, en una instancia de reflexión que es el trabajo grupal.

Buscamos la resonancia de nuestros trabajos, en los trabajos de nuestros compañeros y conformamos grupos, según las similitudes.A continuación fotos de algunos trabajos, para destacar variedad de interpretación de la consigna y creatividad de la grupo de la clase.

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CONSIGNA PARA CERRAR EL TEMA A MODO DE CONCLUSION: Buscar tres artistas exponentes que entren en resonancia con los trabajos que produjo el grupo.

Deberán mostrar en una hoja de 21X21 a cada exponente, con las referencias de cada artista.

Se deberán subir las fichas de cada grupo al “Grupo de Face” de la disciplina.

Para el sábado 6 de septiembre, deberán subirlo a Internet y realizar una presentación de PowerPoint para compartir en clase, de cada grupo, con una plantilla por artista.

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El sรกbado 13 de septiembre se harรก la presentaciรณn de las diapositivas de los artistas elegidos.

Solo tres diapositivas.

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TRABAJO SOBRE DELINEO Lo “Aprehendido”…, Mas, que “Aprendido” en lo que respecta a las Relaciones Humanas.

Es difícil consensuar lo actuado, a veces elegir un artista que englobe o tenga resonancia con las obras de solo unas pocas personas, puede representar el negativo (como antitesis) que confirma nuestra propia identificación personal en lo que respecta artista-obra. Lo que afirmamos de nosotros mismos.

En lo personal encuentro que mi obra tiene mas que ver con la armonía musical de Vasili Kandinsky y su fuerza estructurada que exhibe en la construcción de su obra.

Es difícil consensuar cuando no se escucha, muchas veces dejamos pasar situaciones por no generar una problemática que interfiera en la convivencia, a pesar de que opinemos distinto, y a la vez sintamos que no se nos deja hablar u opinar.

Se eligió a FRANZ KLINE ya que se sostuvo que sus líneas eran gruesas, con una fuerte energía grotesca y masculina. Es curioso ver como se le atribuye género y características de masculinidad a las líneas de un trabajo.

Sin fundamento Psicológico para lo que creo, considero que tal vez tiene que ver con la personalidad de quien busca el artista, con quien se identifica. Con la empatía que le provoca, el sentir del mismo.

Soy una persona un tanto estructurada, por mi trabajo tal vez, será por eso que me gusta Vasili Kandinsky y su serie de composiciones, que aún cuando se sostenga que están basadas en la estructura de la música, las considero exentas de “sensibilidad como debilidad”. En mi opinión están dotadas de la misma fuerza que hace vibrar el alma y estremecer a cualquier mortal, que escuche esa pieza… “La danza del fuego”…, nada mas sensual, nada mas apasionado, dotado de una fuerza huracanada que te hace estremecer el alma misma.

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http://youtu.be/0V8FLjkpd00 Pรกgina 28

ARTISTAS RESONANTES CON NUESTROS TRABAJOS

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OBRAS DE PIET MONDRIAN CON QUE RESUENAN NUESTROS TRABAJOS

INVESTIGANDO SOBRE DAVID SMITH Pรกgina 34

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Nuevo paradigma: arte relacional Resumen de la publicación en castellano del libro del francés Nicolás Bourriaud, en donde plantea un nuevo paradigma artístico.

Por Nicolás Bourriaud Hay que aceptar el hecho, tan doloroso, de que ciertos problemas ya no se planteen y tratar entonces de descubrir aquello que los artistas sí se plantean hoy: ¿cuáles son las apuestas reales del arte contemporáneo, sus relaciones con la sociedad, con la historia, con la cultura? La primera tarea del crítico consiste en reconstituir el juego complejo de los problemas que enfrenta una época particular y examinar sus diferentes respuestas.

Veamos ejemplos: Maurizio Cattelan alimenta unas ratas con queso “Bel paese” y las vende como copias o expone cofres que han sido recientemente saqueados. Christine Hill encuentra trabajo de cajera en un supermercado o propone un taller de gimnasia una vez por semana. Carsten Holler recrea la fórmula química de las moléculas segregadas por el cerebro del hombre cuando está enamorado, construye un velero de plástico inflable o cría pájaros para enseñarles un nuevo canto.

Muchos más nombres y muchos más trabajos completarán esta lista: en todos los casos, la parte más vital del juego que se desarrolla en el tablero del arte responde a nociones interactivas, sociales y relacionales. Hoy, la comunicación sepulta los contactos humanos en espacios controlados que suministran los lazos sociales como productos diferenciados.

El sujeto ideal de la sociedad de figurantes estaría entonces reducido a la condición de mero consumidor de tiempo y de espacio. Pronto, las relaciones humanas no podrán existir fuera de estos espacios de comercio: nos vemos obligados a discutir sobre el precio de una bebida, como forma simbólica de las relaciones humanas contemporáneas. “¿Usted quiere calor humano y bienestar compartido? Venga y pruebe nuestro café...”

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Simbolizada o reemplazada por mercancías, señalizada por logotipos, la relación humana se ve obligada a tomar formas extremas o clandestinas si pretende escapar al imperio de lo previsible: el lazo social se convirtió en un artefacto estandarizado.

Una sociedad en la cual las relaciones humanas ya no son “vividas directamente” sino que se distancian en su representación “espectacular”. Es ahí donde se sitúa la problemática más candente del arte de hoy: ¿es aún posible generar relaciones con el mundo, en un campo práctico –la historia del arte – tradicionalmente abocada a su “representación”? A la inversa de lo que pensaba Debord, que sólo veía en el mundo del arte una reserva de ejemplos de lo que se debía “realizar” concretamente en la vida cotidiana, la realización artística aparece hoy como un terreno rico en experimentaciones sociales, como un espacio parcialmente preservado de la uniformidad de los comportamientos.

La forma relacional. La actividad artística constituye un juego donde las formas, las modalidades y las funciones evolucionan según las épocas y los contextos sociales, y no tiene una esencia inmutable. La tarea del crítico consiste en estudiarla en el presente. Lo nuevo ya no es un criterio, salvo para los detractores retrasados del arte moderno, que sólo conservan de este presente detestado lo que su cultura tradicionalista les enseñó a odiar en el arte de ayer.

(Resúmen del Prólogo del libro “Estética Relacional” de Nicolás Bourriaud)

PRESENTACION DE POWERPOINT DE LA RESONANCIA DE NUESTROS TRABAJOS CON ARTISTAS.

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ARTES COMBINADAS

PROFESOR ADRIAN GONZALO MANAVELLA LICENCIATURA EN ARTE Y GESTION CULTURAL – 3 CUATRIMESTRE 2014

UNIVERSIDAD PROVINCIAL DE CÓRDOBA

RESONANCIA: Es

un

término

acuñado en la cátedra de Artes

Combinadas

cuando

hablamos

y de

ello,

nos

referimos

a

la

correspondencia, similitud o consenso que tienen los trabajos de artistas de todos los tiempos, con nuestras producciones personales.

¿RESONANCIA? Página 40

Debido a los distintos trabajos que realizamos en la disciplina, buscamos permanentemente ese referente artístico con el que

nos encontramos identificados. Por ello, es que para los

estudiantes de la Comisión N° 1, de la Licenciatura de Arte y Gestión Cultural – Artes Visuales, nos es tan propio el termino y a su vez adecuado hablar de “Resonancia”, cuando un artista establece correspondencia de similitud, con cualquier trabajo. Cabe destacar que el termino, se encuentra migrando hacia otras disciplinas, aun solemos utilizarlo para pensar en forma teórica, situaciones de correspondencia o similitud, entre los pensamientos o teorías de críticos, filósofos, pensadores o historiadores de arte.

IMPORTANTE: En la primera clase se hablo de cómo se estructuraban las unidades del programa, recordar que veremos: UNIDAD N° 1 – ARTE CONTEMPORANEO Y DIBUJO. (Arte Relacional de Nicolás Bourriaud) UNIDAD

N°

2

–

ARTE

CONTEMPORANEO,

PINTURA

EXPERIMENTAL

E

INTERDISCIPLINAR. UNIDAD N° 3 – ARTE CONTEMPORANEO IMPRESIÓN Y REPRODUCCION. UNIDAD N° 4 – ARTE CONTEMPORANEO, ESPACIO, FORMA Y VOLUMEN. BUSCAR O INVESTIGAR SOBRE:  ESCULTURA OCULTA  ESCULTURA INMATERIAL LA BITACORA COMO LUGAR DE REGISTRO DE TODO EL DESARROLLO DEL PROGRAMA DE LA CATEDRA. RECONSTRUIR TODO LO QUE SE HABLA EN CLASES. Página 41

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ARTES COMBINADAS Clase Presencia N° 3 – Fecha: 13/09/2014 En mi bitácora: “Voy a producir para pensar, como estrategia fenomenológica” Asociar la idea de la verdad al conocimiento, entonces podemos desde aquí afirmar que “la verdad os hará libres”, frase de origen humanista y religioso.

Mientras mas conozco de alguna manera soy mas libre, la libertad implica elecciones que ponemos en acción, para poder elegir debemos tener conocimiento, ya que en base a esto podremos hacer la mejor elección sobre las alternativas que se nos planteen ante nuestros ojos. Sino, a veces pensamos que estamos decidiendo situaciones, sobre las que no tenemos pleno conocimiento de todas las circunstancias que involucran el entorno de esa decisión, por lo cual no podemos ejercer un pleno derecho de elegir debido a nuestra falta de conocimiento de las cosas.

NUESTRO GRAN PROBLEMA

INSUMO ESCASO

MUCHAS OCUPACIONES EL TIEMPO REDUCE NUESTRA OPORTUNIDAD DE CREACION Página 43

APROVECHAREMOS CADA MINUTO, PARA PONER EN PRACTICA NUESTRA CREATIVIDAD

Debido a los escasos tiempos con los que contamos debemos seguir la lógica formativa de la autogestión, en la cual cada estudiante autogestiona el nivel de sus propios conocimientos a través de la investigación, indagación y experimentación personal.

Tratar leer eficazmente una consigna, o interpretar una consigna, es adquirir la capacidad de operar a través de los lineamientos o de la consigna. La consigna es un grado de provocación o combustible.

En el libro La rebelión de la forma, el autor sostiene que frente a un contexto de incertidumbre, uno sobrevive a esa incertidumbre, aumentando su complejidad. Se refiere a tres tipos de niveles:  Inanimado: las rocas, formaciones inanimadas.  Seres vivos: reino vegetal y animal. Sostiene que una ameba tiene muchísimas desventajas respecto a un gorila, un ser superiormente complejo, que posee más capacidad de supervivencia.

El mundo en que vivimos actualmente esta dotado de una gran complejidad y la información viaja a velocidades increíbles. Si hacemos una comparación con los medios de información antiguos (los chasquis) que llevaban la correspondencia y las noticias. Actualmente la forma en que se edita y se transporta la información, es monstruosamente inmediata, dejando en el pasado los abismos de Página 44

las distancias a recorrer para poder acceder a ella. Transformación que mas allá de surgir en sus comienzos con la imprenta, en mi concepción personal sostengo que el descubrimiento de la energía eléctrica funciono como disparador del progreso tecnológico, mecánico, electromecánico y robótico. Desembocando en lo que hoy conocemos como nuevas tecnologías y avances tecnológicos.

SE DEBIA ESPERAR PARA ACCEDER A LA INFORMACION, A TRAVES DE LAS CARTAS, PERIODICOS, LIBROS, ETC

S Página 45

eguimos hablando del dibujo pero en relación al rol del registro. El tema del registro es un objeto esencial de todo sujeto creador. Existe un autor Villard de Honnecourt

(Francia, ca. 1250) fue un arquitecto o maestro de obras itinerante, que ha pasado a la historia debido a que se ha conservado un cuaderno de viajes que le perteneció: el Livre de portraiture, 33 páginas de pergamino con 250 dibujos, datable entre 1220 y 1240, conservado en la Bibliothèque Nationale de París (MS Fr 19093), que se publicó en 1858.

En su libro, anota: "Villard de Honnecourt os saluda y recomienda a todos aquellos que se sirvan de las instrucciones que se encuentran en este libro de rezar por su alma y de acordarse de él, pues en este libro se puede encontrar una ayuda válida para el gran arte de la construcción y de algunas instrucciones de carpintería y encontraréis el arte del retrato y sus elementos tal como lo requiere y lo enseña el arte de la geometría."

Durante toda su itinerancia, que se refleja en su "Cuaderno", trabajó en Vaucelles, en la construcción de la abadía cisterciense, Cambrai, donde asistió a la elevación del coro de la catedral de

Notre-Dame, Reims, Meaux en

campanario, Chartres y Lausana,

la

catedral

llegando

también

de

Saint-Étienne, Laon,

a Hungría en 1235,

donde

en

su

construyó

en Košice la catedral dedicada a Santa Isabel de Hungría.

Cuaderno:

En este excepcional documento Honnecourt demostró su interés por los

nuevos avances en arquitectura, el estudio de la escultura de su momento y su interés por las curiosidades técnicas y naturales. Se aprecia cómo los maestros de obras medievales eran tanto diseñadores como canteros, ingenieros o escultores. Dibujaba todo lo que veía, acompañándolo de textos que han hecho más fácil su interpretación. Recogió una gran variedad de datos sobre técnicas Página 46

constructivas y de ingeniería, aplicando principios geométricos a la arquitectura y enseñanzas sobre cómo representar la figura humana, ya presentes en Vitrubio, y motivos animales y vegetales.

En el Cuaderno, representa en esquemas geométricos diversos rostros inscritos en triángulos, cuadrados, círculos o pentagramas para garantizar la belleza de las proporciones. Con los animales, una oveja es representada formada por un cuadrado más un triángulo, un perro por cuatro triángulos o un águila por una estrella de cinco puntas.

Móvil perpetuo de V. de Honnecourt (alrededor de 1230).

Uno de los dibujos del Livre de portraiture.

Este arquitecto es una de las personas que han llevado sus registros en forma mas sistemática y que nos ha llegado, no se refiere a que sea el único, sino, que es el más antiguo.

Página 47

Estamos hablando de principios del siglo XIII y cuando estos artistas están registrando, no tienen el concepto de sucio o limpio, el concepto de borrador y el concepto de pasado en limpio, van registrando y el registro se convierte en parte de su producción personal, además de ser una huella perfecta de su mapa y trayectoria mental, de cómo pensó.

Cuando ustedes escriben en borrador y pasan en limpio borran la historia de su pensamiento, porque solo ponen lo correcto y lo pasan con letra linda, porque sacan lo que creen que esta mal, como la cuentita del almacén del lado… donde hiciste la estructura de tu próximo cuadro, tiene un valor muy grande, que no lo vas a entender ahora, pero lo entenderás después, porque probablemente sea un enlace maravilloso con algo que haga en el futuro y que todavía no te da ni la visión ni el cerebro para entenderlo, pero lo vas a entender después. De cono tu tipo de pensamiento cotidiano se mezcla con tu tipo de pensamiento ideal.

La lectura crítica que te permite hacer un registro es maravillosa, cuando esta persona esta registrando cosas en los procesos creativos, las simultaneidades expresan una trayectoria de pensamiento que es muy valioso. Que da testimonio de lo creado, lo concebido o lo actuado a través del ejercicio de la imaginación y la creatividad.

El registro es súper valioso, hay mucho en la cultura que re leído en forma contemporánea, resulta muy interesante y eso se puede leer por el registro, cabe destacar la potencia que tiene haber escrito en un libro, hacer un registro sistemático y debidamente coleccionado.

La lectura posterior, siempre va ha ser mas rica y te va a permitir descubrir los tesoros, créanme y descarto que cada uno de nosotros produce tesoros que se descubren muchos años después, el tema es que cuando no los registro, o cuando no los colecciono, todo se pierde, se pierde en el tiempo como lagrimas en la lluvia.

Silencio Chicos!!!!

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Ahora veremos la dimensión de Leonardo Da Vinci como arquitecto, 500 años después del arquitecto que mencionamos anteriormente. Veamos como trabaja sus anotaciones, donde hace diversos registros simultáneos que se inscriben en la acción de registrar datos que se consideran importantes, interesantes o necesarios. Tratemos de trabajar en vivo y en directo con nuestros registros. Ese pensamiento simultáneo es archi, recontra, mega plus contemporáneo eso se puede leer ahora y releer, en ese momento era solo el dato o la anécdota de una pieza grafica, hoy se puede leer. Este artista ya encarnaba el paradigma contemporáneo de la complejidad, ya era complejo en su forma de pensar, 500 años antes de la civilización contemporánea. Y reitero… ¿Eso porque se puede leer? Y es porque esta en el registro y porque tuvo el cuidado de coleccionarlo, sistematizarlo y dejarlo como un legado para las próximas generaciones. Un acto de generosidad absoluta.

Es interesante que, siendo muy buen diseñador editorial, va trabajando en tiempo real, no hay una especulación sobre lo bonito, hay una organización textual y grafica que cualquier diseñador grafico puede reconocer, pero quedan las huellas de la velocidad a la que trabajo, que se nota en los detalles de los bocetos sobretodo.

Una cantidad de producciones de bocetos sobre el mismo tema, con pocos detalles que muestran las posibilidades o variantes sobre lo mismo, o el detenimiento y reflexión evidenciado en el detalle marcado en la estructura editorial impecable, ejemplo de distribución de texto e imágenes de cualquier editora, un diseño grafico realmente impecable.

¡¡¡¡¡FIJEMOSNOS EN EL FENOMENO!!!!

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SEGUIMOS HABLANDO DE DIBUJO… Y de aquel en que quedan las huellas del proceso productivo, un dibujo de estudio, con notas, tratando de traducir a imagen los libros de Marco Vitruvio.

Marco

Vitruvio

Polión (15

a.

C.)

fue

un arquitecto, escritor, ingeniero y

tratadista romano del siglo I a. C. Es frecuente, aunque inadecuado, encontrar su nombre escrito como Vitrubio.

De Architectura, libro conocido y empleado en la Edad Media, se imprimió por primera vez en Roma, edición del humanista y gramático Fray Giovanni Sulpicio de Veroli, en 1486,

ofreciendo

al

artista

del Renacimiento, imbuido de la admiración por las virtudes de la cultura clásica tan propio de la época, un canal privilegiado mediante el que reproducir las formas arquitectónicas de la antigüedad greco-latina.

Posteriormente, se publicó en la mayor parte de los países y todavía hoy constituye una fuente documental insustituible, también por las

informaciones

la pintura y

que

aporta

sobre

la escultura griegas y romanas.

El famoso dibujo de Leonardo da Vinci, el Hombre

de

Vitruvio,

sobre

las

proporciones del hombre está basado en las indicaciones dadas en esta obra. El dibujo se conserva Página 50

ahora en la Gallería dell'Accademia, en Venecia. El gran redescubridor de Vitruvio fue Petrarca, y tras la difusión por el florentino de la obra de este autor clásico, se puede afirmar que Vitruvio sentó las bases de la arquitectura Renacentista.

Las imágenes que ilustran la obra de Vitruvio, en sus ediciones hasta el siglo XVIII, no solo aclaran y embellecen el tratado grecorromano, sino que son expresión de distintas intenciones y usos que ese libro ha tenido en la modernidad europea.

Continuando con el dibujo, podemos ver en los registros de Leonardo esta cuestión “INFOGRAFICA” donde muestra la pieza o la maquina, su funcionamiento, su composición, en distintos bocetos de la misma.

¿Que es esto de lo infográfico?

La infografía es una representación visual de los

propios

textos;

descripciones, presentadas

en

narraciones de

manera

la o

que

intervienen

interpretaciones,

gráfica

normalmente

figurativa, que pueden o no coincidir con grafismos abstractos y/o sonidos. La infografía nació como un medio de transmitir información gráficamente.

EJEMPLO:

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INFOGRAFIA DEL PROGRAMA DE OFFICE

El registro es la huella que nos permite inferir como pensó una persona determinada situación, artefacto, obra o hecho. Se puede dirimir sobre lógicas tecnológicas y económicas de la época y las dificultades que se podían presentar al tratar de producir lo creado o ideado. Y cual es el proceso de producción que intervino o intervendría para llevarlo a cabo. La riqueza de un registro es monstruosa.

En su registro se evidencia la lentitud que tuvo para lograr la resolución de un problema de multiplicación de fuerzas, es impresionante las lecturas que hoy se pueden hacer.

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Volviendo un poco al dibujo y Leonardo Da Vinci: lo que hace en los registros Leonardo es remitir a una realidad que todavía no existe, y este es uno de los roles mas potentes del dibujo y sobre todo aquel orientado al mundo del diseño. El dibujo es un vehiculo de códigos que debidamente compartido permite que ente el emisor y el receptor instale su lenguaje.

El dibujo como manera de hacer viajar un lenguaje, debidamente compartido, se efectúa con el un proceso de comunicación. Leonardo para ver y anticiparle esta realidad a otros, lo esta realizando en forma mucho mas económica que haciéndolo y con un cierto entrenamiento, lo que también permite como se va a comportar lo que se quiere construir.

Sssshhhh.

Silencio!!!!

A veces, cada tanto hay que aplaudir…

Hoy vamos a hacer un recorrido bastante ágil de la producción de todos, la expectativa de que subieran todos los trabajos al sábado era justamente para que entre ustedes fueran viendo sus mismas producciones. No obstante ello les he traído un compendio de estas producciones para que ustedes vayan mirando sus trabajos.

A medida que vamos observando las producciones, dos o tres integrantes del grupo hagan una relación de las claves de lectura sobre los artistas y porque los eligió.

Si bien el estudio sobre estos diez grupos y treinta casos (artistas), nos va a armar in cierto mapeo, de la idea de esta comunidad de pensadores, investigadores en esta primera unidad a cerca del dibujo y la problemática del dibujo, podamos tener una mapeo de la idea que esta comunidad tiene a cerca de eso.

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Hacemos las cosas con lo que tenemos y ampliamos nuestro universo estudiando un poco. Traje esto compilación de sus hojas de artistas para que mientras vayan exponiendo los grupos cada uno haga un registro preliminar, con el nombre del autor, un dibujito rápido de lo que estamos viendo.

Y luego vamos a disponer un tiempo de la clase, para que cada uno en forma individual produzca su propio mapa (o infografía), estos mapas mentales son parte de la instrucción de las escuelas secundarias norteamericanas, pero más allá de ello, el mapa mental, mapeo, etc. es un forma de sistematizar información en forma clara y eficaz.

Sus características suelen ser que en el centro tiene un núcleo y luego tienen una serie de ramas, como lógicas de neuronas, en las que se agrupan cosas que creemos de importancia. Como ya empezamos a nivel metodológico trabajando esta estrategia, como método aductivo (aduccion=secuestro).

Cuando dijimos: “Busquen algo que les resuene”, no utilizamos método deductivo, ni inductivo. No hicimos un razonamiento a partir de un caso y de allí hicimos la generalidad, o no estudiamos una generalidad, hicimos un muestreo de artistas autores y luego dedujimos cual era el caso.

Simplemente apelamos a la experiencia y una lectura critica individual y colectiva para que con una experiencia previa que poseemos, encontráramos algo que nos resuene conocimiento que lleva el nombre de “conocimiento directo”.

Se pone en acción el pensamiento intuitivo, el conocimiento, somos personas con una formación y que podemos tener esta capacidad de conocer y descubrir todo aquello que nos resuene.

Cada uno deberá hacer por un lado el registro el registro lineal de lo que esta viendo. La cual es una versión transformada de la realidad por que es la lectura que cada uno hizo de esos autores, por lo tanto ya pasó por el juicio personal de cada uno y sus apreciaciones personales. Así es la cultura en la realidad. El conocimiento que nos llega, no es el mejor, sino el que ha sobrevivido.

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Vamos a construir mapas, en dos hojitas de 21x21 abiertas, o sea una hojita de 21x42 cm., la consigna es de trabajo individual.

Más allá de los dibujos que contienen las imágenes que nos ha traído, que son dibujos muy naif, tiene mucha información y una potencia de organización de información muy grande.

Actualmente estos dispositivos se están utilizando como una forma de transmisión de información en la contemporaneidad, dentro del género infografía. Los mapeos o mapas mentales son infografías. Información dispuesta visualmente y tiene que ver con la forma en que actualmente percibimos la realidad.

Su forma es visualmente rápida, sintética, precisa. Sin conocer nada del tema, rápidamente te transmite información sobre el tema que trata, dando un paneo general de las cuestiones mas importantes que intenta transmitir con ello.

Esta técnica del mapeo o infograma es muy interesante para organizar sus procesos de estudio de cualquier disciplina, a resolver problemas y a construir nuestro TFL.

PASOS A TENER EN CUENTA EN LA REALIZACION DE UNA INFOGRAFIA La información de be presentarse en una forma:  Clara  Directa  Fácil de entender  Combinación de texto imagen para lograr un entendimiento más ágil y visual.

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LOGICA INFOGRAFICA Forma y distribuciรณn de los conceptos e imรกgenes.

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FRENCIA SANDRA

PABLO MORENO Pรกgina 58

CONSUELO MARTINEZ

IVAN SAVORGNAN Pรกgina 59

INES ROZZE

ALBINO BLAS Pรกgina 60

ALFONSO MARTIN

MARIA JOSE SANCHEZ

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Clase Presencial N° 4 – Fecha: 27/09/2014

UNIDAD N° 2

ARTE CONTEMPORANEO, PINTURA EXPERIMENTAL E INTERDISCIPLINAR.

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CONSIGNAS PARA INICIAR EL TRABAJO: A partir del material que se solicito la ultima clase: traer colores para apropiarse de ellos.

Utilizando el material que han traído deberán realizar: Nueve composiciones en hojas de 21x21 cm., apropiándose del color.

Simultáneamente deberán efectuar el registro del proceso de realización de la composición, como así también las técnicas utilizadas.

El registro del proceso de confección de las composiciones, como así también las observaciones o problemáticas presentadas, deberán ser escritas, como experiencia de trabajo, que luego incorporaran a sus bitácoras.

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Poniendo en acción la imaginación y apropiándonos del color…

Variedad de materiales: Fibras Colores Plasticota Lapiceras de colores Lapiceras de color con brillo Papel barrilete varios colores Tizas pastel Lápiz pastel Marcadores de colores Acuarelas

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MANOS A LA OBRA!!!!!

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MEZCLANDO TECNICAS Y MATERIALES…

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MI PRODUCCION

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NUEVAS CONSIGNAS: Una vez realizados las nueve composiciones y efectuado el registro de las mismas, debemos entregar al docente el registro del proceso de las composiciones.

A la vez, deberemos tomar dichas composiciones a la manera de pixeles y realizar en los pasillos de la institución una macro obra.

Deberemos registrar en nuestras bitácoras dicho proceso, como así también las impresiones y reflexiones que nos merezca dicha experiencia artística.

Comenzando la macro obra…

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INVESTIGANDO SOBRE COLLAGES Y APROPIACION DE IMAGENES

Daniel Poveda En mi trabajo reciente, es recurrente ver la apropiación de imágenes que pertenecen a flujos masivos de circulación, imágenes ya manipuladas e interceptadas. Yo tomo o quito de ellas otra capa o significado. Esto sucede gracias a mi sustrato visual, pertenezco a una generación constantemente bombardeada por gran cantidad de imágenes que se superponen y sobrepasan unas a otras, creando así una red o archivo mental que me permite generar una respuesta hacia su mundo de origen una vez regresan desde ciertos lugares internos, ya sean conscientes o inconscientes.

En este sentido, puedo establecer un diálogo más justo con mi mundo circunstante, encontrando mi identidad en medio de un ambiente cada vez más cerrado y codificado que constantemente está pretendiendo

diluir

estandarizar

o esa

identidad.

La libido natural del hombre

frente

a

la

tragedia y su consumo masivo

a

distintos

través medios

de de

difusión de imagen son el eje de esta pintura.

Solo

necesito

de

la

imagen del boxeador en Página 78

el instante de ser golpeado para hablar del grado de sofisticación a que hemos llegado al exponer el dolor y la tragedia en lo cotidiano.

En una imagen se resumen (sin recurrir a imágenes más crudas) las distintas imágenes a que nos vemos expuestos y

que

anhelamos ver de manera inconsciente. convierten como:

Y que

se

El efecto collage y la práctica artística contemporánea Taller realizado en la Casa Caracol. Fundación José Félix Llópis Isla Contadora. Panamá -18 Julio 2008

para nosotros

“sangre

para

el

vampiro”.

CONSIGNAS DE CIERRE DE LA ETAPA DE TRABAJO: Para el próximo sábado deberán subir una publicación de ficha de artista que resuene con esta actividad de “Macro obra” realizada en el día de hoy.

La ficha deberá ser confeccionada en una hoja de 21x21 cm. Y se conviene la socialización en la página de la asignatura.

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Jorge Galindo Nacido en Madrid, el 9 de noviembre de 1965

Galindo intercala la pintura con los collages fotográficos.

Su obra esta próxima a la abstracción gestual, concediéndole una especial relevancia a las intervenciones del azar y los aspectos matéricos, en los que se expresa una crítica a la sociedad de consumo. En algunas de sus obras, utiliza recursos estilísticos de compleja variedad.

Composición Colectiva.

Macro Obra Artes Combinadas

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Sábado, 27 de Septiembre de 2014

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Clase Presencial N° 5 – Fecha: 11/10/2014 Gracias a que el docente hizo tanto hincapié en la bitácora, tenemos el hábito de registrar todo, como profesionales y como artistas.

Dispositivo elemental para la creación

ISSUU.COM?… ¿Qué es?...

Issuu es un servicio en línea que permite la visualización de material digitalizado electrónicamente, como libros, portafolios, números de revistas, periódicos, y otros medios impresos de forma realística y personalizable. El servicio que ofrece Issuu en el área de publicación se puede comparar con lo que Flickr hace para compartir fotografías, y lo que YouTube hace para compartir video. El material subido al sitio es visto a través de un navegador web y está hecho para parecerse lo más posible a una publicación impresa, con un formato que permite la visualización de Página 84

dos páginas a la vez (como un libro o una revista abiertos) y una vuelta a la página animada.

Aunque los documentos en Issuu están diseñados para verse en línea, es posible guardar una copia de ellos.

Les recomiendo hacerse un susuario, para poder acceder a sus estanterias “Stack”. Esta pagina les permitira estar actualizados y acceder a mucha informacion de interes.

Cuando te haces el usuario y buscas informacion, el programa es inteligente y guarda tus inetreses y te da de “comer” lo que te gusta, entonces esa informacion aparece en tus paginas.

Después haces ¡Scroll!!! Y la página te deja ver mas cosas afines a tus intereses.

Esto fue a colorarlo del libro y el registro, que además es una estrategia de producción.

La bitácora en todo esto es un sistema de producción, ha existido siempre, no es algo novedoso, y lo hemos podido ver en las clases que transitamos y el material visual que les he presentado. Que ha pasado desde el trabajo en arquitectura, diseño y también en el arte. En la actualidad ha tenido más sistematicidad en la arquitectura y el diseño que en el arte mismo.

La bitácora como elemento de colección y registro.

Hoy la agenda nos prevé tirar un disparador de análisis, debate y reflexión grupal sobre un tema particular, nos vamos a tomar cierto tiempo, lo vamos a registrar de cierta manera y después Página 85

continuaremos con este tema de la bitácora y después lanzaremos la propuesta de trabajo para la nueva unidad temática.

También haremos un cierre sobre la pintura experimental, donde el debate es parte de ese cierre de la pintura experimental.

Vamos a ver unas imágenes y unos videos. Estos se los muestro por que evidencia un tipo de comunicación que es la infografía, como una forma de comunicación de palabras e imágenes.

Hoy se leen menos textos y se ven más imágenes, la comunicación y transmisión de información se ha vuelto casi exclusivamente visual.

Los jóvenes estudiantes se están convirtiendo en seres netamente visuales, por lo que sus sistemas de recepción de información y aprendizaje, migran casi a una totalidad visual.

Existe una masiva migración del texto a la imagen…

Antes

las

imágenes

ilustrativas

de

una

enciclopedia tenían como función casi exclusiva, romper con la monotonía del texto (un tanto aburrido) y suplir esa falta de decoración que tenían de por si las paginas.

Miguel Rojas Mix sostiene en “El Imaginario”

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que debido a la cultura visual contemporánea, hay casi sabemos mas cosas por lo que vemos que por lo que leemos. Estamos entrando en un mundo de cultura visual.

Como docentes detectamos que nuestros alumnos cada vez leen menos, en la realidad leen menos lenguaje verbal escrito, pero tienen una altísima capacidad de leer el lenguaje visual. Están abandonando el Facebook como plataforma de comunicación social y esta migrando a otros programas como el Pinterest o el Instagram, plataformas de exclusivo lenguaje visual. En el que la información se organiza a través de etiquetas con palabras claves, por medio de las cuales, otros pueden acceder a esas imágenes.

Hoy las imágenes tienen la función de transmitir información sobre distintas realidades o situaciones, aun en los mensajes de texto de un celular, donde se incluyen pequeños iconos de imágenes que reemplazan las palabras que no se dice, pero se leen en las imágenes.

También en las fotos y videos que se suben a las distintas redes sociales con la inmediatez del instante en que se viven, mostrando a forma de relato, la realidad que se inscribe en el presente sin necesidad de las palabras.

No podemos dejar de reconocer que estamos migrando de un sistema de comunicación escrito a través de las palabras, a un sistema de imprimación de imágenes, por medio de lo visual.

Es importante que en lugar de mirar el fenómeno con petulancia, podamos adecuarnos a el, para poder sacar el mayor provecho posible.

Es impresionante el fenómeno que nos esta llevando a convertirnos en seres inminentemente visuales.

Comentario importante que hace una compañera Analía Braga, que a partir del año 2010, el nuevo plan de lectura que salio para escuelas primarias, ya tienen incorporado el libro álbum, que cuenta con una gran cantidad de información que esta registrada en forma de imagen visual.

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El docente Adrián Manavella comenta que para su apreciación personal, las técnicas o tácticas educativas actuales aun adolecen de un profundo retraso en lo que implica a la adecuación de los nuevos modos de aprendizaje. Es uno de los grandes divorcios que se esta dando en la escuela entre docentes y estudiantes es la desadecuación temporal. Por que en un mundo donde la tecnología nos esta atravesando, el maestro no le debería enseñar a manejar los aparatos tecnológicos, pero si debería saber que esta haciendo en términos de comunicación y socialización de conocimientos un joven, cuando esta con su celular, tablet o computadora, para poder aprovechar la herramienta como estrategia de enseñanza aprendizaje.

En vez de mirar el fenómeno con petulancia o soberbia, debemos tomar otro posicionamiento para tratar de agiornarnos y establecer los parámetros de adecuación a las necesidades y formas actuales de transmitir y apropiase del conocimiento.

Existe actualmente una desadecuación temporal.

El error es pensar que incluir la disciplina y facilitar los elementos tecnológicos como las netbook de “Cristina”, nos aseguran el éxito, en cuanto al uso de la tecnología para la transmisión de saberes.

Pero esta demostrado que a pesar de ello, y con todo el soporte tecnológico que existe en las netbook, en cuanto a programas preinstalados y demás, no le son de mucha utilidad, si los docentes con todo esto no saben que hacer.

Lo importante no es dotarlos de las últimas herramientas tecnológicas, sino, enseñarles como aplicar esas herramientas a los procesos de enseñanza aprendizaje en el aula.

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Lo importante es como generar el impacto.

Suponiendo que hagamos un taller de pintura, ponernos en la condición del taller y poner los pinceles a nuestra disposición, no va a asegurar que nosotros aprendamos a pintar. Por los que es absolutamente necesario enseñarles como utilizarlos, para que el impacto del aprendizaje sea real.

Como generar el impacto a un estudiante y sacarlo del sacrificio y tedio que significa la lectura de textos escritos?

Vamos a ver un pequeño videito que habla de ello.

Es un video que en cuatro minutos de edición contiene una cantidad de información, difícilmente registrable en ese tiempo de lectura.

Röyksopp - Remind me Directed by the French motion graphics studio H5. It features a day in the life of a woman working in the London's Square Mile solely through infographics; t...

YOUTUBE.COM

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Fíjense, que seria si tuviese que narrar en lenguaje verbal escrito, la cantidad de información que el video narra en cuatro minutos de imágenes, donde nos ha contado principalmente la vida de una joven y su rutina diaria de trabajo, pero además nos ha contado desde procesos de producción de alimentos, reciclaje del agua, cuestiones urbanas, de transporte, económicas, de ciertas culturas sociales y modos de trabajo. Nos ha contado un montón de información, capacidad que tiene intrínseca, el lenguaje infográfico, para transmitir información.

Fíjense el potencial de transmisión de información que tiene este sistema para presentar sus trabajos finales. Porque aquellas cosas que les hubiesen tomado paginas y paginas de escritura, un plan de trabajo, una agenda y pueden narrarlas en pocos minutos.

Este tipo de videos puedes hacerlos gratuitamente con el Adobe illustrator Google sketchup, programa para trabajar en tres dimensiones.

El tipo de lenguaje con el cual podemos encarar la transmisión o presentación de nuestros trabajos o temas, no necesaria y rigurosamente es verbal y escrito. Podemos hacer una excelente narración de todo a través del lenguaje visual, potente y efectiva, de lectura ágil y clara para los destinatarios también.

Modo de reproducción de información

Muy potente

Cultura visual

El ex rector de la UBA, que escribió la “Tragedia Educativa”… (Guillermo Jaime Echeverri), en una conferencia aquí en Córdoba el dijo, que toda esta parafernalia tecnológica me esta quitando el habito de la lectura. El en su libro criticó la idea de “utilitaria” de la educación y se posiciona desde el pensamiento de que porque nadie lee nos vamos a destruir como sociedad.

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El después deja entrever la necesidad de ir construyendo un lenguaje que nos permita comunicarnos en forma más rápida en los tiempos que corren.

VAMOS A VER VIDEO DE MUTO: https://www.youtube.com/watch?v=uuGaqLT-gO4

BIG BANG – “BLUBLU.ORG” En este video se describe la evolución de hombre y su propia autodestrucción.

Vamos a disponer el curso en un formato que nos podamos visualizar todos, para poder armar un debate.

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Con este debate cerramos la unidad de pintura, pintura experimental, modos de producción contemporáneos en el campo de la pintura, en la que debemos considerar que además de los videos, dejo un par de énfasis, el primero se refiere al procedimiento que realizamos de esta dinámica individual a una dinámica colectiva.

Y luego el procedimiento de producción de información colectiva a partir de autores o de recursos técnicos o de ejemplos o cosas que le resonaron. Destaca la importancia que hayamos incorporado el concepto de resonancia, como algo que tiene eco en vos. Un termino como ya hemos mencionado que se ha acuñado en la disciplina y que tiene que ver con la empatía o acercamiento a ciertas tendencias, artistas, autores, técnicas, etc.

La idea es efectuar un debate sobre lo que hemos visto e ir habiendo un mapeo, un registro en nuestras bitácoras de lo que se habla, con impresiones fundadas, como comunidad de investigación.

MUY CRETIVO

MUCHAS HORAS DE TRABAJO

VIDEO MUTO LA ESTETICA ESTA DADA POR LA NO ESTETICA

GASTOS

MENSAJE CON INTERVENCION DEL ESPACIO PÚBLICO

APOYO ECONOMICO IMPORTANTE

SECUENCIA DE IMÁGENES EN STOP MOTION: COMO TECNICA DE ANIMACION

FOTOGRAFIA – VIDEO PINTURAS

EXQUISITA PRODUCCION SONORA

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INTERESANTE CULTURA OMNIVORA, CONSUME TODA LA INFORMACION Y LA TRANSFORMA

OBJETIVOS: REELABORAR INTERVENIR, CON PROPIA QUIMICA, CONVERTIRLO EN UN NUEVO PRODUCTO CULTURAL.

La obra de BLUBLU solo se lee a través de un video, ya que la intervención en la via publica, no permite leer el mensaje, sin el proceso de producción pertinente, ya que son secuencias estáticas que solo pueden percibirse cuando se dan a rodar.

Es un tipo de expresión que se atrapa a través del registro y su condición de efímero se rescata por medio de ese registro de video.

VER VIDEO DE: BANKSY, ‘La salida por la tienda de regalos’

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Muestra la cultura productiva del arte contemporáneo y un modo de subversión del arte que se legitima en el circuito artístico.

Ej.: MR. BRAINWASH: SR. LAVADO DE CEREBRO

DIBUJO

“ES ARTE” ARTE VIDEO

LOGICA DE PLANTILLA

PINTURA EXPERIMENTAL

SUPER CONTEMPORANEO

COMBINACION DE LAS ARTES

MULTIDIMENSIONALIDAD

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INVESTIGANDO SOBRE EL…. SR. LAVADO DE CEREBRO

Encontré este artículo, con una entrevista interesante…

SOBRE LAS CONVERSACIONES

Getty Images

MR. BRAINWASH: "SI YO LO CREO, QUE ES EL ARTE PARA MÍ" 25 de enero 2012 Mr. Brainwash, es usted una obra de arte de Banksy? ¿Qué es una obra de arte? Tal vez soy. Si lo piensas bien, ¿por qué no? Yo soy real; Yo soy el que soy. Sigo. Lo que se ve ahora es mío, Banksy no tiene nada que ver con eso. Yo estoy aquí, soy yo. Mi vida es mi vida; nadie va a quitarme eso. Su vida es su vida. Quiero decir, tenemos una conexión, tenemos algo que nos conecta para una película, pero la vida sigue.

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¿Es que usted se presenta como Mr. Brainwash o Thierry Guetta?

Ambos nombres son los mismos - Mr. Brainwash alias Thierry Guetta. La gente me conoce como ambos nombres. Es la misma persona. ¿Qué es lo más importante que has aprendido de Bansky?

Si algo aprendí de él, sería la pasión. Ya sabes, dos personas se conocen entre sí y se conectan. Es por eso que hay una película sobre él, porque no había una conexión de él a mí y yo para él. Existe al respecto que hizo algo. ¿Alguna vez la tentación de decirle a la gente quién es él realmente? Mucha gente está interesada en eso y pagaría mucho dinero.

Yo no recibo compré a cabo. Soy una persona real con verdadera confianza y eso es lo que es. Usted no necesita saber; no va a hacer una diferencia si usted sabe. Sólo va a servir un poco de problema en su cabeza, pero no hacer una diferencia. ¿Cómo te sientes acerca de Banksy el robo de su película? Él no robó mi película.

Así que le permitió tenerlo?

No, estábamos involucrados juntos.

Pero fue el material de archivo que luego se convirtió en una película. ¿Entonces? No importa. Es ese tipo de película; que tipo de poner juntos. Es el trabajo en equipo. Es algo que se hace. Una película no es hecho por una sola persona, se hace con un montón de gente. El editor hizo su trabajo, el cineasta hizo su trabajo - es una cosa totalmente todos juntos.

Hubo momentos en los que pensaba que todo esto iba a salir mal y no hacer ejercicio?

No me importó, ya sabes. Quiero decir que voy hasta el final y pase lo que pase sucede. Por lo menos no me arrepiento de que no lo hice.

Pero no fue el dinero involucrado, ¿verdad?

No hay dinero de por medio. Pero el dinero siempre se puede hacer volver. Creo que en la vida una situación que no puede pasar todo el tiempo. Usted tiene un momento en la vida que usted decide hacer algo y recorrer todo el camino. Yo trabajo con una pasión y mi pasión es lo que me impulsa a la locura ya veces la locura te hace hacer cosas que no se hacen normalmente.

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Ha de hacer dinero cambió la manera de hacer arte?

No, a veces arte sin dinero es un arte mejor. A veces se hace algo mejor sin dinero así que el dinero no hace la diferencia. El dinero hace posible que usted puede hacer cosas más grandes. Usted puede volar, puede ir a cualquier parte. Es algo que te mantiene a la rodadura y le impide hacer lo que quieres hacer en la vida.

Pero sin dinero no sería capaz de poner en las exposiciones que haces. En realidad no hace las obras de arte por sí mismo, que haya gente que hace para usted, ¿verdad?

No es realmente el arte, pero algunas instalaciones eso es seguro. Tengo una mente que es más grande que lo que piensa la gente. A veces quiero algo que es de 20 pies de altura y es una televisión y yo no voy a ser el que poner juntos. Me llevaría todo el espectáculo para hacerlo. Así que contratar a algunas personas a tener lo que tengo en mi mente - que es lo que es. Tengo las cosas se hagan de la manera que yo quiero. Así que no importa. Al igual, alguien que construyó la torre Eiffel, no es el artista que va a construirlo. Él va a tener algunas otras personas que se van a construir para él y él va a estar allí para ver la evolución del mismo y supongo que todo lo demás también. Al igual que la construcción de un edificio, ¿sabes? Algunas personas lo tienen en su mente, que diseñarlo, y algunas personas ayudan a crearla. ¿Puedes dibujar?

Sí, ya sabes que soy bueno para mí. No sé si soy bueno para ti. El arte no tiene ninguna manera - el arte es libertad y lo puede hacer cualquier forma que desee. Yo puedo tomar una botella y lo puso en la parte superior de esta mesa y decir que esto es arte. Si yo lo creo, que es el arte para mí, y que puede ser el arte de otras personas.

Entonces, ¿cuál es el objetivo de tu arte?

Lo que quiero traer a la gente es algo que la gente puede sonreírle y algo que puede ser divertido. No es hacer bromas o ser gracioso, es que ser real y para hacer lo que quieras. No hay reglas en la vida, nadie puede decirte las reglas. Vives tu vida y tú estás tratando de ser el mejor en ella y que está tratando de seguir su sueño y nadie va a detenerla.

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La producción audiovisual, como aparato productivo mayúsculo…

Parte de la discusión que nos atañe en este momento es referida al “Genero” y sobre lo que podemos denominar o no Arte. ¿Cómo se gestiono la obra de Bruno Munari?

Seria interesante pensar

¿Como se relaciono con el público?

¿Cómo se relaciono con el mercado del arte?

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MUTACION MUTACION GENERACIONAL

PENSAMIENTO

CONCEPCION EN EL MENSAJE

“MENTE”

¿UN GRAFITTY ES UNA OBRA DE ARTE?

SE DICE QUE ELLOS NO CREAN UN SISTEMA, UNA ATMOSFERA O UNA NARRATIVA.

SE DEBE TENER ELEMENTOS PARA ENFRENTAR EL FENOMENO ARTISTICO

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“ARTE”

OJO CRÍTICO PARA VER EL ARTE

DIBUJO ENFÁTICAMENTE

INSTALACION

LÓGICA PERFORMÁTICA

RECURSO DE CAPTURA ESTÁTICA PROCESADA EN VIDÉO

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APROPIACION DE SUPERFICIE JUEGO DE MEDIOS

EQUILIBRIO FRAGIL

ARTES COMBINADAS

COMO FENOMENO QUE EJEMPLIFICA EL OBJETO DE ESTA MATERIA

GENERA LA NECESIDAD DE UN NUEVO Lร XICO LOS LIMITES SON FLUCTUANTES - INDEFINIDOS

IMPLICA PARARSE EN ALGUN TIEMPO, PARA QUE SEA TOMADO COMO PARAMETO DE DEFINICION DE SI MISMO.

ESTAMOS A LA INTEMPERIE

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EL LENGUAJE COMO CREADOR DE MUNDOS

TAXONOMICO: Es un modelo de organizar distintos elementos (o sistemas) de acuerdo a las características. Termino usado en la clasificación para las Ciencias Naturales.

La taxonomía tiene un sentido a través de la relevancia. Suele ser paradigmática.

Información: Para el día lunes o martes el docente subirá un pequeño registro de esta clase, comentando la publicación de BLUBLU, armar y subir a comentarios una producción individual sobre la clase de hoy a modo de reflexión, desde cuatro líneas en adelante, las que crean necesarias, sobre la idea de pintura experimental, video. Es un trabajo individual que pretende llegar a una construcción colectiva de apreciaciones sobre el tema.

Consignas para el próximo encuentro: Hacer diez unidades de producción en hojas de 21x21 por persona, en los géneros de grabado, impresión, reproducción, en la que se ponga en discusión la idea de construcción en original y copia, la reproducción y variación.

Además deberá confeccionarse otra hojita de 21x21, referida a un autor que entre en resonancia con nuestro trabajo realizado.

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REGISTRO de algunas de las apreciaciones vertidas en la página de la disciplina, según la consigna especificada más arriba.

ADRIAN MANAVELLA: ACDC- unidad tres. Pintura experimental El sábado 11 de octubre de 2014 realizamos un debate acerca del arte en el espacio público, sobre todo aquel que está enmarcado en el género "pintura". Como disparador exhibimos dos cortos del colectivo artístico "BluBlu". Vimos "Muto" y "Big Bang Big Bum".

La propuesta del debate fue la indagación acerca de algunas zonas de frontera del arte tanto como de la elaboración de ciertas lógicas taxonómicas de los fenómenos observados.

Proponemos que la experiencia del debate se extienda aquí, tanto en la continuidad del tratamiento de algún tópico no abordado o no profundizado, como de la presentación de conclusiones elaboradas a raíz de la experiencia realizada.

Por favor, hacerlo en la modalidad de comentarios a esta publicación y no de nuevas publicaciones en el grupo para que quede la huella de la continuidad de las participaciones.

Pretendemos extraerlos y combinarlos en un soporte comunicacional al modo de un intercambio epistolar o de foro, por lo que se valorará la calidad de la escritura y de los aportes.

Quién comienza?

ANALIA BRAGA: Cuando comencé a pensar el trabajo, varias cuestiones se presentaron frente a mí. Entonces me pregunté: ¿Es lo mismo copiar en el arte, qué el arte de copiar? ¿La copia sigue siendo un ejercicio artístico? O cuando hablamos de copia nos referimos a la falsificación? Toda obra original es susceptible de reproducción? O Hay obras originales que no se pueden reproducir?

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Al ver en clase los video de BluBlu.org sentí, que si tuviera la capacidad de copiar ese arte, lo haría!! Es de una genialidad, que impacta, al menos a mí que soy de una generación que sólo ve en la computadora, algunas pocas posibilidades (escribir-buscar datos-armar algún video rústico).

Pero a pesar de no ser de una generación tecnológica, entiendo que detrás de este video, hay horas de trabajo, que van desde el diseño de la idea, dibujos, fotografías, edición de música y video.

En esta situación de querer copiar algo así, tomaría el significado de la palabra copia como un ejercicio artístico, así como, trabajamos la construcción de la Bitácora, como registro, valiéndonos de este hábito que tenían los grandes artistas de la antigüedad. Y es aquí, al recordar el trabajo de estos grandes artistas, que me pregunto, en qué momento la copia dejó de ser un ejercicio artístico para aprender de los grandes maestros, y se convirtió en falsificación? Creo que fue en el mismo momento en que el arte se vinculó al dinero, que pasó a ser parte de la industria cultural, como un producto más del mercado. Aunque si nos fuéramos mucho antes en la historia, en los talleres de la antigüedad, los maestros que tenían muchos encargos, hacían trabajar a sus discípulos, luego retocaban o daban los últimos detalles y firmaban la obra.

Pero frente a esta situación, el sociólogo Howard Becker, diría que el arte como cualquier otra actividad humana es también una actividad cooperativa, donde hay un autor, que es el creador de

la

idea,

y

un

grupo

de

personas,

que

lo

ayudan

a

concretar

esa

idea.

Y al llegar a este punto, me pregunto, si estas obras conservan su aura, o la reproducción técnica a cargo de otras personas, hace que la pierdan? Para Benjamín, toda obra que es reproducida pierde su aura, pero para José Luis Brea, crítico y teórico, las auras no se pierden se enfrían.

Y en este enfriamiento, me pregunte algo que no pude responder, toda obra de arte es susceptible de reproducción? Lo primero que me surgió fue un NO, pero recorriendo un instante, los avances tecnológicos, me atreví a decir SI…Pero una sensación de duda me invadió…Por lo que

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prefiero dejar esta respuesta abierta, quizá en algún momento logre la certeza necesaria para responderla.

SANDRA FRENCIA: La

pintura

en el

arte

como hecho o expresión del ser humano, que pertenece a una

determinada época y sociedad, no escapa a aquellos nuevos paradigmas que modifican la misma. El arte es parte de la vida cotidiana y nos atraviesa en un sinnúmero de representaciones a diario.

Definir si el arte incluye o excluye en su recorrido y en su técnica, a la ciencia y la tecnología, es como querer encontrar un paradigma que límite a la expresión humana. Sin embargo, no todo es arte. Podríamos definirlo como la actividad o producto realizado por el ser humano con un fin estético o de comunicación, como vehiculizador de ideas, emociones, o una visión global o parcial del mundo, mediante la utilización de diversos recursos: plásticos, materiales, lingüísticos, sonoros, tecnológicos o mixtos. Pero aun así, lo sigue atravesando el paradigma socio-antropológico propio de cada lugar y de cada artista, lo que produce las distintas mutaciones y variantes expresivas para transmitir esos mensajes.

Gabriela Inés Ferrero En la actualidad, muchas obras de arte se vuelven difíciles de dilucidar, de identificar, y son los espacios institucionales, como museos y galerías, los que nos ayudan a enmarcarlos dentro de esta categoría. Creo, no es el caso del colectivo artístico Blu Blu, ya que no necesita legitimar su obra en un museo. Se crea y desarrolla en las calles y se difunde por la red.

Mariana Aguirre-

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Muto y Big Bang Big Boom de Blu Blu podrían ser consideradas producciones cuyo valor como obra reside en ser consumidas, en la frontera entre el arte y el entretenimiento. En una taxonomía tradicional conservan las características del graffiti, es arte callejero, es pintura, es dibujo, es animación, todo a la vez. La experiencia comunicativa de documentación del proceso agota a la obra, la hace coleccionable, consumible en su totalidad. La obra sólo se completa en la recepción de la animación final.

El peatón ocasional aparece en la obra y participa en la recepción pero sólo de una parte. En el espacio público queda la huella del fragmento de la obra que pasó, en este aspecto es efímera.

Es significativa la utilización del espacio público, restringido y privado, parece no haber fronteras en la elección del escenario, característica que lo acerca al graffiti y la utilización sin reparos en restricciones marcadas por ordenanzas legales. Quizás en esa transgresión reside una parte de su atractivo.

Se percibe un intenso plan de trabajo realizado al interior del estudio de los artistas acercándose en ello a los antiguos maestros pero con un sentido diferente. En sus producciones suman valor a los procesos, a lo efímero, al fragmento, a la edición, a la repetición, y a la mixtura de los lenguajes.

Luis Rossi En mi humilde opinión con relación al debate surgido en clase sobre los vídeos, muto y big bang, con respecto a la apropiación de un espacio público quiero comparar y me atrevo a relacionar la expresión del grafiti en córdoba en pleno auge, si uno hace un recorrido visual podemos encontrar en algunos casos una construcción literaria poética de constantes diversidades.

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Nilda del Rosario Mediavilla Palabras Art

street,

que

video,

se

dijeron,

audiovisual,

y

fui

plantillas,

anotando, Pintura

en

mi

bitacora

experimental:

hilo

esa -

clase:

géneros.

Contemporáneo – clásico. Audiovisual, con un camino complejo, alambrado, frontera, contar una historia, no crea un sistema, noción del tiempo, dibujo, pintura experimental, apropiación de una superficie, manierismo, incertidumbre, ambigüedad, intemperie. Relevancia: taxonomía. Insumo de una producción, debate. Efímera, es necesaria su documentación.

Estas palabras hablan de lo complejo del arte, la relación, en su intento de definición, con su contexto histórico, y lo inútil que es intentar clarificarlo. Va cambiando, y cuesta a cada generación aceptar los cambios.

Lo que más me impresionó de los vídeos que vimos, fue la búsqueda de lugares, o espacios, solitarios, abandonados, destruidos, casi como escenarios pos apocalípticos, en los que la naturaleza vuelve a adueñarse, y en las que el hombre ha perdido todo.

Alberto Horme Me moviliza de sobremanera como la ciudad misma puede comportarse y convertirse en un gran soporte físico, las paredes, las calles, los puentes, como continentes que permiten dar discursos sobre ideas y sentires espontáneos o no tantos. Creo que intentar una clasificación en torno a este tema es complicada dada la alta gama de problemáticas existenciales Si me parece oportuno afirmar que este tipo de lenguaje es capaz de transmitir y contribuir aunque sea de un modo ingenuo, profundo y /o intelectual a la edificación cultural de diversas identidades. “La línea juega en las paredes, rompiendo sus limites, mas aun las convierte en conceptos.” Ese soporte ya no será el mismo a partir de la intervención artística…

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Sara Ricci Creo en las diversas formas de expresión artística y, estas proyecciones que tuvimos oportunidad de ver son algunos ejemplos de ello.

En particular el uso de plantillas (stencil), es una técnica que tengo presente y me gusta experimentar, si bien, a menudo son utilizadas con un mensaje político y cobran especial relevancia en este tipo de arte, debemos tener presente que pueden ser utilizados en diversidad de temas y con la facilidad de la producción en serie.

Entiendo que a partir de la imagen se llevada a cabo una globalización de la imagen, cobrando auge en distintas partes del mundo lo cual permiten ser percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

Creo oportuno considerar estos cambios en los hábitos de consumo y el papel del usuario.

Saber que los espacios digitales de conversación e intercambio de impresiones cobran cada vez más fuerza y conocer esos espacios, es fundamental para poder propagar el contenido en los diferentes formatos que los usuarios emplean de forma cotidiana en la red.

En lo personal no es lo que yo elijo como recurso para mis proyectos, pero trato de estar al tanto para aprender.

Alfonso Martín Teresa García El arte está impregnado de una gran variedad de taxonomías, las variaciones, las imágenes simplificadas, los materiales perecederos, las ideas oníricas, la belleza de lo feo, son caminos que encuentra el arte en nuestra contemporaneidad. Sin lugar a duda Muto nos propone un trabajo cuyo acabado está en el registro llevado a la edición. A diferencia de otros compañeros no lo considero como una idea original, pero si un recurso actual que nos lleva a pensar en donde está hoy el arte. El Página 108

arte como objeto, que aún hoy existe como tal, está dialogando con otro que se vuelve inmaterial, y quizá este último sea el arte del futuro, o quizá ya es el de hoy que convive con la otra escuela tradicional. Si bien, esta última, no creo que se extinga rápidamente, es probable que poco a poco vaya menguando ya que las nuevas generaciones serán de nativos digitales y la forma de ver el mundo está muy relacionada con la tecnología, a eso se le suman los costos materiales, la conciencia por ecología en cuanto a la obtención de estos materiales y sus residuos tóxicos, etc.

Es por ello que considero a estos trabajos como una bisagra, un punto de convivencia entre dos mundo, uno material y otro cibernético.

Melisa Pazzo Me impactó Muto, un cortometraje diferente contado de forma muy creativa; mirarlo me introdujo en una historia narrada con otros recursos, lo que hizo que me resultase tan interesante.

Me permitió observar las transformaciones que iba sufriendo el discurso de la imagen, en lapsos muy cortos de tiempo. la repetición de estas imágenes (multiplicidad); la fragmentación; composiciones que comienzan siendo una cosa, y se transforman rápidamente, jugando con lo efímero, cargando de sentido a eso nuevo que observamos. Muto es una producción fascinante, que da cuenta de un claro ejemplo de pintura experimental. El artista pinta, dejando su impronta personal; y elije hacerlo a grandes escalas, en espacios abiertos, públicos; va resignificando espacios, y se vale del REGISTRO para contar su historia. Y es acá que se combinan CONCEPTO y TECNOLOGÍA.... El artista tiene una idea... que la va nutriendo y le va dando forma; introduciéndose en los distintos campos. Pinta, registra imágenes, las edita con técnicas audiovisuales proporcionándoles movimiento, con una música en particular, crea un mundo que quiere contar... y se sirve de la explosión de las redes virtuales para dar a conocer su obra.

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Albino Blas Más allá de los dos cortos ("Muto" y "Big Bang Big Bum") del colectivo artístico "BluBlu" que vimos y que funcionaron como disparadores de un debate en trono a las disciplinas del arte, rescato como relevantes las cuestiones taxonómicas de los fenómenos que se presentan hoy por hoy globalizados dentro de la cultura visual, redes sociales y mass medias. Más impregnada me ha quedado la frase "...necesitamos poder movernos en un escenario de incertidumbre para complejizar nuestro pensamiento...".

Pues bien, estas premisas no hicieron mas que recordarme al maestro RENE MAGRITTE, particularmente con su obra "Esto no es una pipa" de 1929 en la que a simple vista la discordancia que presenta la obra ya nos genera un razonamiento complejo en donde nuestro cerebro disocia, asocia y unifica, o no.

Tanto los ejemplos vistos del colectivo Blublu y la obra de Magritte que cito, creo que reflejan que la subjetividad del observador es cabal y preponderante tanto en la producción de obra como en la recepción y difusión de la misma. Salvando las distancias temporales de estos productos en cuanto a avances tecnológico, materiales, filosóficos, comunicacionales, etc. creo que las imágenes han de guardar siempre el encanto y el misterio de un universo inagotable, que los artistas o productores de "arte" (plásticas, audiovisuales, etc.) explorarán y complejizarán con los medios disponibles, pero no innovarán bajo el sol lo que una vez románticamente surgió, sino que se abrirán al debate y cuestionamiento de otra índole; consecuente al tiempo sociocultural, político y económico que se presente. Las reminiscencias están presentes...maquilladas, veladas o tecnocrizadas.

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Natalia Sánchez: Hibridación, transdisciplinariedad, interconexión, interactividad. Expansión de los formatos artísticos, tanto espacial como disciplinar, que permite diversidad de modos de expresión, centrados en una nueva lógica espacio temporal.

El arte no desaparece pero se disuelve como aire, nos dice Michaud, la estética contemporánea se caracteriza por un realizar la experiencia y sentirse bien en dicha relación, lo procesual, como serie, como conjunto, como discontinuo. Las nuevas practicas actuales, no se preguntan que es el arte, sino donde y que cosa hace el arte.

Las ciudades contemporáneas son un receptáculos de movimientos y flujos de datos, bienes , personas ( oriundos , inmigrantes , turistas , trabajadores, individualidades solitarias ) , que se dan al pasaje transitorio y efímero , que muestran el espíritu de nuestro tiempo, hecho de hedonismo , relativismo y presente , pero también de energía concreta y cotidiana. Los artistas multimediales o las expresiones específicas del arte urbano desafían el tópico del artista como genio solitario, suelen trabajar en regímenes de cooperación e intervención en espacios públicos reales, alejándose del concepto museo – galería, accediendo a un público más amplio y no tan versado en cuestiones artísticas.

El arte urbano, al integrar sus elementos en lugares ampliamente transitados, pretende sorprender a los espectadores, con mensajes que critican a la sociedad con ironía e invitan a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión o el embellecimiento de la ciudad.

Quizás por eso, esta representación artística, independiente y auto gestionada, produzca rechazo entre algunos paradigmas que se encuentran fueran del tiempo real, como todo arte en la historia del hombre, el tiempo podrá decidir.

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Iván Savorgnan: No voy a hablar de arte, sino sobre la imagen, que es el campo que me interesa. Creo que el concepto arte ya ha sido muy manipulado en la historia y habría que empezar a repensarlo, y no desde la frecuente pregunta ¿Que es el arte?, sino plantearlo desde la funcionalidad de la imagen como espacio dinámico ligado íntimamente a la comunicación de ideas conceptuales, la imagen como espacio de reflexión y aprendizaje.

El mundo de la imagen ha cambiado y creo que somos privilegiados de ser parte de este nuevo sistema visual que nos rodea y asfixia, está nueva forma que encuentra sus raíces en otros discursos visuales como el diseño, la publicidad, la ilustración etc., que han sobrepasado al concepto arte, y creo a mi entender que este ha quedado relegado a un plano secundario, casi estancado en su propia historia cíclica y cerrado en una búsqueda infinita que lo salve.

Creo en la idea de borrar los límites de las disciplinas que conformaron la historia del arte, y es pertinente en el 2014 ser consiente de que es un momento de cambio, donde los lenguajes se entrecruzan para generar nuevos discursos y formas mas acorde a nuestro contexto y es este colectivo quien lo resume en unos pocos minutos de animación stop- motion.

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UNIDAD N° 3

IMPRESIÓN Y REPRODUCION

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SE INICIA LA UNIDAD N° 3, CON LA SIGUIENTE CONSIGNA… Para el próximo encuentro: Hacer diez unidades de producción en hojas de 21x21 por persona, en los géneros de grabado, impresión, reproducción, en la que se ponga en discusión la idea de construcción en original y copia, la reproducción y variación.

Además deberá confeccionarse otra hojita de 21x21, referida a un autor que entre en resonancia con nuestro trabajo realizado.

ACTIVIDADES DE PROCESO: Comencé este trabajo seleccionando imágenes para combinar a modo de collage. Debido a la proximidad del día de la madre, elegí referirme a ello, ya que es un tema bastante difícil para mi, estoy a casi una semana de cumplirse seis años del fallecimiento de mi único hijo. Mauricio Alejandro Rojas Frencia. Un ser excepcional que lo llevare siempre en mi alma y en mi corazón grabado a fuego.

Como dije antes, hago una selección de imágenes que pertenecen a el, como asi tambien a su guitarra, una imagen de madre con un bebe en su abdomen, “La mujer del caleidoscopio”, la imagen de una venus embarazada, un paisaje de horizonte, el cual para mi esta cargado de un simbolismo particular.

Para mi el horizonte tiene que ver con aquello que no vemos con nuestra vision finita, pero sabemos que todo continua mas alla de lo que podemos ver. Esto es a semejanza de la promesa mas sublime que una madre pueda haber recibido de su hijo: “mamá nosostros siempre vamos a estar juntos”. Es como esa esperanza en el nuevo dia que cada mañana nace en el horizonte, de que alguna vez, lo volvere a ver.

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EXPERIMENTANDO…

PRIMERA SERIE DE COLLAGES

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BUSCANDO IMÁGENES, A MODO DE GRABADOS

IMAGENES INTERVENIDAS CON “PICASA” Página 123

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Sigo experimentando con imágenes de grabado en forma digital, a partir de una fotografía, efectundo múltiples variaciones con los programas de edición de imágenes de mi teléfono celular. Nuevamente podemos comprobar las numerosas alternativas que nos brinda la tecnología digital para reproducir una misma iconografía con diferentes características visuales, produciendo y repoduciendo en sí misma, una nueva obra…

Por supuesto, todas estas teorias son discutibles y cada uno podrá tener su postura profesional y teórica sobre lo que es producción, rerpoducción y copia.

Asi mismo, no podemos dejar de considerar el abanico de posibilidades que nos abre la imágen digitalizada, para realizar intervenciones y transformaciones, que nos permiten resignificar desde fotos de obras de la antigüedad, a imágenes de la actulidad en general, como íconos de significación y expresión artístico cultural de la contemporaneidad.

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RESONANCIA CON

Betina Alicia Polliotto

“El arte digital, es un arte humano, expresión de sensaciones, ideas, búsquedas personales, visiones en forma gráfica y expresada a través de la computadora como herramienta, del mismo modo que durante siglos se ha usado el lienzo, la pared o la piedra”, dice Polliotto, quien desde 1996 empezó a “jugar” con las nuevas tecnologías y técnicas clásicas de la plástica como el relieve, el huecograbado, la serigrafía y la litografía, aplicándolas a la separación de colores para realizar matrices de serigrafía. A partir de 1998, cuando presenta su trabajo final de la carrera, la mayoría de su obra se desarrolla en el campo del arte digital.

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¡¡¡QUE BUENO!!!

ESTE TELEFONO ME SIRVE PARA HACER OTRAS COSAS… NO SOLO PARA COMUNICARME. ¡ESTOY PROBANDO INSTAGRAM!...

Clase Presencial N° 6 – Fecha: 25/10/2014 Se habla de los parámetros y normas para la producción del TFL, y habla de que la sistematización de las citas. El TFL evidencia la rigurosidad y produce la reconstrucción del proceso de investigación, de cómo se armo esa construcción.

El juego del TFL en la presentación del trabajo es análogo a un juicio como en las películas, uno esta “sospechado” de la “inconsistencia de tu trabajo”, por eso lo tienes que defender ante las tres personas a quienes se lo presentas que son el “jurado”. Ellos son quienes van a evaluar si tu trabajo esta bien, tiene criterio, es coherente, es pertinente, es consistente y tiene fundamento. Allí es cuando uno comienza con esa estructura de presentación que esta lógica de la metodología.

Diciendo: a mi se me ocurrió que aquí hay un problema para resolver, en el mundo, o en este pedacito de la realidad que es…. ¿Y quien dice que eso es un problema?… a lo que argumentamos que: es un problema por que tendría alternativa de solución, porque si esto se resolviera podría suceder tal cosa…

(Hipótesis)

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Además hay un montón de tipos, muy picantes y legitimados en el circuito del arte y del conocimiento que ya lo han resuelto de manera similar en contextos similares y empiezo…

Zack, Zack…

…Juancito, Pedrito, Oscarcito… tal grupo… tal otra cosa…

(Estado de la cuestión)

Esto es metodología para “dummies”, es un chiste, pero si tengo que explicar los chistes se pierden… ¡¡¡Con Manavella, Hasta nosotros aprendimos a hacer un proyecto de investigación!!!

Un buen trabajo debe comprenderse por personas de cualquier disciplina del mismo nivel formativo. Cualquier persona, aunque no conozca de arte debiera entender tu trabajo. Un bioquímico debiera entender los conceptos generales en nuestros trabajos.

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Norma de escritura científica, no se escribe como se habla, el texto elaborado para una investigación científica no puede ser expresado en los términos coloquiales que usamos habitualmente. Se escribe con una lógica de escritura: introducción, desarrollo, cierre. Cada parágrafo debiera ser una micro unidad de escritura que tiene introducción, desarrollo y cierre de la idea. O cada página debiera constar de la misma estructura, donde los párrafos desarrollan la introducción, el nudo o desarrollo de la idea central y el cierre de la misma. Y cada capitulo funciona en una lógica estructural en si misma acabada, donde si uno lo toma en forma aislada, sin contener toda la información del libro, posee una información que se comprende y es posible de analizar en si misma.

Esa lógica estructural de unidades dentro de unidades, como un complejo celular es un adiestramiento que se adquiere con el ejercicio de la escritura. La suma de los capítulos en pequeñas agrupaciones, también responden a la estructura antes mencionada.

El hecho de incluir un glosario de terminología especifica, o definir los conceptos o posicionamientos desde donde se encara la investigación, permite a las demás personas obtener una comprensión de lo que se esta leyendo. Algo que siempre deben considerar, es que en su TFL no deben dar por supuesto, NADA. El planteo de una estructura de partes a priori y con ciertas intuiciones a cera de las conclusiones, puedo ponerme a construir en la lógica del rompecabezas algo de lo que es llegar al final del trabajo y comienzo a bosetar algo de las conclusiones, nunca en general una producción se escribe rigurosamente como se lee, es un error gravísimo, es una inocencia absoluta, pensarlo de esta manera.

Yo encontré que la forma más operativa para mi, de escribir mis trabajos de tesis doctoral de arquitectura es utilizando el programa de Microsoft Office Excel y sus conocidísimas planillas de cálculo, donde puedo incorporar columnas y organizar la información de forma encolumnada, e ir anotando referencia en otra columna al lado, de un autor por ejemplo…

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Después en el TFL armo ese rompecabezas para que se lea con una cierta lógica. Esta es una técnica o alternativa que les presento, también ustedes pueden ver o estudiar su forma mas operativa según su criterio de trabajo y delinearla para la producción de sus TFL. Busque las estrategias de trabajo que les sirvan y que les faciliten la forma de producción, sistematización y organización de información.

Si empiezo desde el primer día a trabajar con la estructura, ese esqueleto que va a contener mi TFL, ya comienzo a trabajar con una replica de lo que el trabajo ya ha ser en si, y estoy invirtiendo mucho dinero, en cuestiones medibles como tiempo, esfuerzos y milenta para la ulcera, Página 148

en lo que va a ser mi trabajo final. El orden riguroso que tengo el primer día, el ultimo día se convierte en una piedra preciosa que agradezco haber adquirido.

Hablamos también de cuestiones como por ejemplo el presupuesto, donde esto no solo implica el dinero en efectivo. Pensar en la producción y encuadernación del TFL, como voy a materializarlo en realidad puede llevarme a encontrar dispositivos o mecanismos de producción y edición con gasto de cero pesos, porque también hay trabajos cuyos costos han sido cero pesos.

Pero no hay que confundir austeridad con “chambonada”, porque la producción que se esta realizando es la comunicación de los resultados de una investigación, dentro de una institución académica, lo que me requiere cierta formalidad de presentación y estética.

Para tener ideas de cómo escribir puede investigar por ejemplo las estrategias de escrituras de novelas, estrategias de escrituras de tesis.

PUEDEN: Armar tableros tipo “Maine Map” en la pared, no se imaginan cuanto puede ayudarlos este tipo de tablero, donde ustedes pueden ver todo en simultaneo y van anotando las ideas generales de la estructura misma y después realizan el desarrollo de cada uno de esos ítems.

Bajemos el nivel de murmullo!!!

Nieves, una compañera, hace referencia a que esta historia de los mapas mentales y otras formas de trabajo que parecen muy creativas y de interesantes posibilidades de experimentación, pero sufren de una bajada a tierra precipitante, al tener que enfrentarse con la realidad que nos toca

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vivir, en cuanto a los plazos de entrega y determinados materiales pertenecientes al proyecto del TFL, que poseen precisos y explícitos formatos pautados.

Pero los Directores de los TFL también sabemos que los procesos investigativos conllevan permanentes replanteamientos de estrategias u objetivos que tal vez no se han podido visualizar o determinan en un principio. La agenda de entregas lo que hace es traccionarte una cierta sistematicidad. Es muy necesario para un Director de TFL, ir marcándote pautas de entrega y confección de tu trabajo, eso asegura el cumplimiento de las etapas de producción, es un sistema que se aplica en todos los ámbitos, aun ustedes cuando siguen el proceso de aprendizaje de sus alumnos.

El titulo del trabajo es una idea que seguramente iras modificando a medida que transitas el trabajo, al principio de la investigación, a un cuarto del transito del trabajo, a la mitad y al final, siendo el mejor titulo, el mas representativo de tu trabajo, el que escribes al final.

GUÍA ELEMENTAL PARA UN PROYECTO DE INVESTIGACIÓN Juan Magariños de Morentin Considero conveniente reflexionar acerca del diseño de los proyectos de investigación en los que se utilice, de modo riguroso, la metodología semiótica, ya que ello puede ayudar a entender algunas expresiones relativamente complejas que no pueden dejar de utilizarse al exponer dicha metodología. Propondré, por tanto, los pasos que, a mi criterio, es necesario seguir para elaborar un Proyecto de Investigación con metodología semiótica. En general, coinciden con las exigencias Página 150

de la mayoría de los formularios para la presentación académica de Proyectos para Becas o Tesis de muy diverso tipo. Lo específicamente semiótico tiene que ver con el particular enfoque que desde nuestra disciplina recibe cada uno de esos pasos y mi propuesta consiste en tratar de ir precisando esas particularidades y, en lo posible, de anticiparme a responder las preguntas que formularían quienes decidan trabajar con esta metodología.

Como diseño básico de un Proyecto de Investigación, propongo el siguiente:

DESCRIPCIÓN DEL TEMA Y PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA No existe investigación sin un problema al que se pretenda encontrar una explicación. En principio, un problema apto para ser trabajado con metodología semiótica tendrá que ser un problema acerca de la significación de determinado fenómeno. Pero, en realidad, considero que todo problema, en las ciencias sociales, tiene que ver con la producción, comunicación y/o transformación de la significación de algún fenómeno. Conviene reflexionar acerca de la posibilidad de encontrar la incoherencia de esta última afirmación. Es un desafío que les planteo y que me planteo: ¿existe algún aspecto de un fenómeno social que no tenga que ver con su significación?

ELABORACIÓN DEL MARCO TEÓRICO PERTINENTE También en principio (o sea, pudiendo encontrarse algún otro tipo de matices), el autor de un Proyecto de Investigación, al redactar su Marco Teórico, establece los paradigmas epistemológicos o las corrientes actuales que están reconocidas en su disciplina, para el tratamiento de temas y problemas afines a los que ha descrito e identificado en el punto anterior.

Es la oportunidad para que enuncie qué aspectos toma de unas y de otras de tales corrientes y paradigmas, así como para que, en los casos en que considere necesario apartarse de las Página 151

definiciones vigentes en aquellos paradigmas, redefina, según su propio criterio, los términos teóricos que considera fundamentales. El Marco Teórico es asimismo el espacio de que dispone para mostrar, según la bibliografía que aporta y que deberá ser lo más exhaustiva posible, la originalidad de la investigación que se propone realizar. Aquí, el enfoque semiótico servirá como una guía crítica para evaluar los paradigmas y corrientes vigentes y para justificar las opciones que vaya realizando el investigador.

FORMULACIÓN DE LAS HIPÓTESIS TEÓRICAS Mediante enunciados concisos (formulados preferentemente según la estructura de un condicional, en virtud del cual, si resultan válidos determinados antecedentes, entonces resultarán convalidados determinados consecuentes), el investigador anticipará las que considere que son las explicaciones adecuadas del o de los problemas descritos en el primer punto. A estos enunciados los consideraremos como las Hipótesis Teóricas de la investigación que se proyecta (a diferencia de las que veremos a continuación y que corresponde considerarlas como Hipótesis Metodológicas o de trabajo). El carácter de estos enunciados hipotéticos será, según la terminología de Peirce, el de abducciones, o sea, afirmaciones resultantes del conocimiento teórico y de la experiencia personal (social y profesional) del investigador, que deberán ser probadas, prueba en la cual consiste el trabajo de investigación que se proyecta. Es un momento fundamentalmente ideológico en el proceso de elaboración de un Proyecto de Investigación (y es uno de los aspectos que sustentan la afirmación de que no hay ciencia sin ideología).

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METODOLOGÍA 1. Marco Teórico-Metodológico- Corresponde, aquí, desarrollar los fundamentos teóricos que justifican la aplicación de la metodología semiótica a la investigación que va a desarrollarse. Además deberá, también, justificarse la corriente semiótica y las operaciones correspondientes que van a utilizarse, por su adecuación a la resolución del problema del cual se trata.

2. Corpus. Consiste en la determinación del ámbito social del cual van a seleccionarse los datos (a los que conviene

diferenciar

de

la información que resultará

identificada en tales datos por las correspondientes operaciones) que se consideran útiles para justificar la explicación que se propone en la Hipótesis. En una investigación con metodología semiótica, el corpus estará constituido por discursos sociales, con el amplio margen de diferencias que puede abarcar esta expresión:

básicamente,

podrá

Simbólicas (predominantemente Icónicas (predominantemente

verbales,

visuales,

tratarse orales

tanto

o

estáticas

escritas), como

de Semiosis de Semiosis dinámicas)

o

de Semiosis Indiciales (predominantemente comportamentales u objetuales) o de Semiosis en que se combinan las precedentes, que será el caso más frecuente. La identificación del corpus tendrá, también, el carácter de Hipótesis, en este caso metodológica o de trabajo, ya que la adecuación de dicho corpus para probar la hipótesis teórica puede resultar falsa; o sea, el corpus seleccionado puede no contener las relaciones que se consideran necesarias para alcanzar las explicaciones que se pretenden.

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3. Operaciones. En este apartado se dará cuenta de las Operaciones Semióticas que van a utilizarse para el análisis del corpus establecido en el apartado anterior y mediante las cuales podrá identificarse, en dicho corpus, la información necesaria para establecer la explicación pretendida. No es suficiente con mencionar las grandes líneas de intervención, como "el análisis del discurso" o "la retórica de la imagen" o "una ecología comportamental", etc., sino que debe especificarse cuáles de las operaciones correspondientes a estas eventuales corrientes van a utilizarse efectivamente, aportando la definición explícita de tales operaciones, ya bien referidas al autor del que se las toma o según la transformación que proponga el analista y futuro investigador. La enunciación de las operaciones tendrá, también, el carácter de Hipótesis, en este caso, como en el anterior, metodológicas o de trabajo, ya que la aptitud de tales operaciones para intervenir en cada uno de los discursos sociales que constituyen el corpus y hacer emerger las relaciones que se consideran como la información necesaria puede resultar falsa, o sea, sin capacidad para evidenciar las relaciones que construyan las explicaciones que se pretenden.

BIBLIOGRAFÍA Todo cuanto ha sido mencionado en los puntos precedentes, y que, necesariamente, aparte del aporte personal de autor del Proyecto, procede de otros diversos autores, tiene que estar adecuadamente referenciado y quedar registrado en la bibliografía del Proyecto de Investigación.

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CONCLUSIONES El Proyecto de Investigación finaliza con un párrafo acerca de los alcances esperados mediante el trabajo propuesto. En lo que respecta a las Hipótesis, este alcance, en el proyecto, estará limitado a advertir que todas las hipótesis de la investigación, tanto las teóricas como las de trabajo o relativas a la metodología (acerca de la adecuación del corpus y acerca de la aptitud de las operaciones) pueden resultar falsadas, en cuyo caso deberán rechazarse, siendo distinto el alcance, respecto a la consistencia del Proyecto de Investigación, según cuál o cuáles sean la o las hipótesis que resulten rechazadas. Asimismo, las conclusiones pueden anticipar la transferencia que se supone pueden llegar a tener los resultados de la investigación, o sea, cuál sea la política social que, en su área correspondiente, podrá adoptarse en función de los resultados de la investigación o cuáles sean los resultados que podrán difundirse académica o profesionalmente, como avalados por la investigación realizada.

Hasta aquí un elemental esbozo de los pasos conducentes para elaborar un Proyecto de Investigación utilizando metodología semiótica. Cada punto platea dudas y vacíos que deberán responderse o llenarse e, incluso, el mero hecho de su enunciación permite disentir con el contenido sugerido de tales pasos o etapas y proponer otros más adecuados a un enfoque semiótico de la investigación. Superación, en sentido específicamente semiótico, que es el más deseable destino de toda propuesta teórica o metodológica. ¡¡¡VOLVAMOS!!!…

AL ESQUEMA DE NUESTRO TRABAJO.

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Volvamos un poquito a lo que hemos visto hicimos el mapa mental, hicimos los registros observacionales de la macro pintura…

El objeto de este esquema es hacer un repaso de lo que hemos venido viendo y como se han ido desarrollando las distintas unidades. A su vez les hace tomar en cuenta si todos han entregado sus trabajos o no.

Vimos los videos, se armó en la clase una especie de debate, luego pretendía que ustedes con un pequeño disparador nos mostraran algo de su visión, nos interesa como formato, que también podemos adosar como docentes de una exploración, es un cuerpo de discusión y reflexión a cerca de lo que esta comunidad ha armado de lo que se vio, y si creemos que es arte o no respecto del video-pintura en expresiones como blublu. Algunos de los textos hasta ahora subidos a la pagina de la disciplina están muy interesantes, otros quizás mas modestos, con algún comentario.

Recuerden que esta y la próxima clase presencial son las ultimas clases productivas que quedan, la clase del día 22, es una clase de presentación de todo lo producido, es una clase de cierre.

Tomen en cuenta los tiempos para poder llegar a finalizar los trabajos de bitácora antes del cierre, sin sentirse tan presionados con los términos. Trabajen en grupos, complementando sus capacidades

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y saberes, los mas tecnológicos se encargaran de manejar los programas de edición y los otros de encargaran de disponer el material para se copiado o fotografiado.

Hay bitácoras que tiene relieve y el relieve en un escaneado se aplana, además se pueden registrar mejor los elementos que pueden emerger de la bitácora misma. Los pocos días que nos quedan de producción y entrega del material trabajado hace que estemos hasta las manos…

NOS QUEDA POCO TIEMPO PARA TERMINAR, EDITAR Y EXHIBIR, NUESTRA PRODUCCION

Ahora vamos a organizar una exposición en el pasillo de todo el material de reproducción de imágenes y grabados que produjeron para esta clase, esta modalidad deberá activar algunas relaciones de curaduría, por lo cual necesitaremos que algunos integrantes del grupo operen como curadores de esta macro muestra de trabajos de grabado.

En una escuela de arte, no podemos trabajar como en una feria de ciencia de escuela primaria, podemos tener que conversar estas cosas, que es otro de los roles de la curaduría. Porque en toda muestra cuento algo, cuento una historia y establezco dialogo con otras obras, si bien un artista no es un curador, pero algo de curaduría tiene que conocer y tener una cierta lógica de dialogo y una cierta lógica de narrativa, no es simplemente disponer los trabajos en forma arbitraria y sin sentido.

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Repasemos la consigna, se refería a que íbamos a producir en cantidad de diez, por persona en forma individual, una especie de reflexión realizada, construida, haciendo a través de un grabado, impresión o reproducción en la que se reflexione y se discuta a cerca de la idea de original, copia, reproducción, variación… como si fuéramos un centro de investigación de arte.

A pesar de no haberse solicitado, hay quienes han subido sus producciones a la página en los que se ha podido ver a cerca de la riqueza de producción y diversidad en esta discusión en cuanto a la temática propuesta.

En la experiencia pasada de armar una macro obra, después de haber pasado por una serie de estadios anímicos que pasaron por la desazón, la decepción, el conformismo, a cierta empatía que lo pude lograr por medio de pensar el fenómeno, en cierta lógica relacional. En ese experiencia de lo que fue la macro pintura que pretendía o podría haber sido en el marco del refinamiento una macro obra, se perdió, limitándose a un simple agregado o yuxtaposición de materiales (pixeles=hojas pintadas).

No hubo un método de acuerdos y consenso que implicara una lógica de construcción colectiva de conocimientos, creo que trabajar en forma colectiva y cooperativa no es imposible.

Debemos establecer un cierto dialogo, tal vez una estructura por grupos o mesas podría ayudarlos.

El desafío insistente en el tema de trabajo grupal es porque más de mil veces en su vida les va a tocar trabajar en forma colectiva, el paradigma de individuo solo es caduco.

Toda producción o construcción de conocimiento es colectivo, ya no existe la producción individual de conocimiento. Y en este caso, parte de una obra colectiva siempre implica el acuerdo de sus productores individuales en torno al objetivo planteado.

Quiero decirles que la expectativa que tenia de la macro pintura era que recompusiera quizás otra imagen con los pixeles que aportaba cada uno, o que quedase algo bonito, que tampoco sucedió. Sin embargo se produjo una composición en la que se visualizaron distintas expresiones Página 158

que se aglutinaron de diversas formas. Creo que mi preconcepto de lo que podía llegar ha ser es lo que no me permitió ver, en primera instancia, el hecho artístico que se había producido, lo que después se vio al culminar la jornada.

Como la suma de las individualidades, la actividad produjo algún fenómeno y mucho registro de ustedes de la acción, de su espontaneidad abrupta y la aglomeración de expresiones conformadas en un todo. Lo que queda después de este tipo de actividades “preformativas” es el registro, que muchas veces en si se convierte en otra obra.

Los modos de producción contemporánea implican la espontaneidad, la urgencia, el trabajo combinado y grupal, con cierta vertiginosidad…

CONSIGNA DE TRABAJO CON REPRODUCCION Y COPIAS: Lo que vamos a hacer ahora es organizar los trabajos desde lo analógico a lo digital… pasando desde el grabado, xilografía, etc. copias, reproducciones, hasta llegar a lo propiamente digital. Para llevar a cabo esta actividad vamos a valernos de un grupo de curadores, seleccionados entre sus mismos compañeros, que van a efectuar esta muestra artística.

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REGISTRO DE LOS TRABAJOS APORTADOS PARA COMPONER LA EXPOSICION

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DESPUES DEL MUESTREO DE OBRAS… VEAMOS LA COMPOSICION LOGRADA CON LA EXHIBICION DE LOS TRABAJOS…

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JONNA KAROLIINA VAINIONP Nació en Lindesberg, Suecia el 20 de diciembre 1982.

Estudio en: Ilustración en la Escuela Massana, Barcelona. Arte Educación en la Universidad de Laponia, Rovaniemi, Finlandia. Bellas Artes en la Escuela de Arte de Liminka, Finlandia.

Laura `14

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GRABADO EXPERIMENTAL, COPIA, REPRODUCCION. NATALIA BORSOTTO

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IVAN SAVORGNAN

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MICA LESCANO

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COMO REGISTRO DEL PROCESO Y EXHIBICION DE LOS TRABAJOS DE REPRODUCCION… Hubo un grupo de compañeros que tomo el rol de curadores de esta muestra de trabajos de experimentación individual, pero debido a la gran cantidad de producción efectiva, no se expuso todo lo realizado a modo de macro obra, sino se hizo un proceso de selección.

La actividad se realizo siguiendo la metodología que se detalla a continuación: 1. Determinación de los curadores.

2. Recepción de los trabajos en la galería por parte de los curadores y receptores.

3. Clasificación de los trabajos por técnicas empleadas.

4. Distribución de la composición mediante la selección de un trabajo por cada alumno generalmente.

5. Se exhibe en la pared una composición armada con los trabajos seleccionados donde se establece una narrativa de análogo a digital, pasando por cada una de las instancias representativas de cada técnica utilizada.

6. Se evidencia una búsqueda en el grabado experimental, la reproducción y variación de las imágenes. Se ha aplicado el uso de la tecnología y nuevos medios de producción y reproducción para concebir esta actividad.

7. Cada uno deberá contar el autor con el que le resuena su proceso de trabajo, para concretar la construcción colectiva del conocimiento mismo.

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¿Falta gente todavía?...

Parece que buscan donde y con que escribir…

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Como reflexión debo decir...

Primero, ¡cuanta producción!..., obviamente estos procesos no se pueden resolver en dos minutos y obviamente el esfuerzo que se ha realizado es muy comprometido y potente y eso se valora. Ver semejante producción es muy clarificador a cerca de la idea que tiene esta comunidad de búsqueda, indagación, exploración sobre este problema del original, de la copia, de la reproducción y la impresión. La verdad que abre un camino de posibilidades muy grande. He encontrado cosas de altísima calidad plástica, artística y reflexiva, sobre lo que es esta idea del original y la copia. Algunas asentadas sobre técnicas más clásicas como el grabado, pero desde lo mas clásico a lo mas conocido, todos evidencian un espíritu de búsqueda, desde el modo de transmitir la imagen desde cosas de tipo estencileras, pasando por grabados intervenidos, manipulación de la imagen digital, aun trabajos que entienden que la reproducción se refiere a la producción y reproducción de un motivo formal a través de técnicas artesanas de producción manual en el formato collage.

Y no es pretensión ni mucho menos en esta modesta asignatura dar recetas ni nada de eso, sino desde la asignatura formar un consenso como comunidad de esto que es lo experimental, la modificación de la imagen, la interacción con la imagen a través de la utilización de los nuevos medios. Incluso en esta exposición no se evidencia la mirada, o la perspectiva más culta o interpretativa que podría ser la de incorporar el autor que nos resuena que seria la mirada que nos podría enriquecer mucho más, esa dimensión por una cuestión de agenda, de disponibilidad de empeño físico de todos nosotros, porque estamos poniendo mucho esfuerzo de nuestra parte, la vamos a dejar para la instancia semipresencial, es decir que cada uno le cuente a toda la comunidad de investigadores, el tema de sus propias resonancias.

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En este desembarco en el FENOMENO, vamos, nos metemos con algo que dispara una discusión y luego encontrar un correlato con alguien que tiene un discurso similar, o con una figura consagrada de la producción que interpretamos como perteneciente al género, es donde se completa un proceso de conocimiento.

Como ya hemos dicho en otras circunstancias es este un modo legitimo de aprender donde estamos persuadidos o convencidos que se realiza un proceso de enseñanza aprendizaje, donde se efectúa un muy buen impacto en la experiencia personal de cada uno, porque lo que hice, es mío, si me lo dicen solamente no tengo la certeza de que sea mío como experiencia, al menos la partecita que hice es mía porque transite la complejidad de hacerlo, me metí con el fenómeno y resolví la complejidad del enlace entre lo que estoy haciendo con alguien en el contexto de la disciplina o de la cultura que entiendo que entra en resonancia con mi trabajo.

Concepto de RESONANCIA, acuñado en esta cátedra, por lo que es importante aclarar a que nos referimos cuando lo usamos para otra cátedra. Termino con cierta poética.

Completa el esquema o panorama de trabajo que todos continuemos subiendo nuestras expresiones junto con el autor de referencia, y que aquellos que sientan atracción o les resuene el trabajo de alguno de sus compañeros, que lo tome, eso es de una legitimidad absoluta, quizás hasta en esta lógica ensayar el procedimiento del TFL, si tomo tu trabajo te cito como autor, haciendo referencia a que este es el trabajo de menganito de la unidad 3, de tal tema y lo incorporo a mi bitácora. La idea de este constructo que estamos haciendo que se llama bitácora, implica reconocer que en el marco de esta comunidad de conocimiento tomo lo que me interesa y lo hago mío, cuando yo lo incorporo en mis trabajos, lo estoy resignificando. Porque vos lo hiciste por algún motivo o resonancia o por algo, pero cuando yo lo tomo es por que ha generado una resonancia conmigo, y un encuentro conmigo, por eso esto cobra una nueva dimensión.

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Creo que va a ser una maravillosa experiencia y súper interesante, cuando veamos nuestras bitácoras y los cruces de relaciones. Porque el juguete o el dispositivo pedagógico didáctico, tiene su interés luego en un proceso de numerosas experiencias de reflexión, investigativas y de producción.

Hoy comenzamos hablando de Eduard kupper, cuando les subí el álbum que consiguió Lucio Morin, en realidad eso es su bitácora, es absolutamente pertinente y no solamente para esta asignatura, o construir insumos para el trabajo fina, sino para que les quede como una especie de habito en el futuro personal, es muy interesante en el futuro profesional y artístico de cada uno.

Por eso también el libro de artista y el libro de autor que están tomando vigencia, es importante hacerlo en tiempo real, lo interesante de la experiencia es la acción de hacerlo.

Muy interesante lo que hecho ahora, si bien hay mucho menos cosas exhibidas que en la macro pintura creo que como experiencia de reflexión, selección y sistematización esta es superadora. Fíjense ya el rol de cabezas organizadoras que en una hora dejaron todo su esfuerzo, desplegaron mucha energía y se esforzaron muchísimo y que empiezan a establecer ciertos códigos de roles que suceden en muchas de las circunstancias en la lógica de difusión y multiplicación del fenómeno artístico. Aquel que toma lo tuyo y con ello hace alguna otra cosa, en un correlato de rebeldía de ego, hasta que uno entiende que estos trabajos colectivos implican establecer consensos y acuerdos de grupo.

Esto que se ha armado aquí desde las experiencias relacionales hasta nuevos métodos de difusión y producción de una nueva lógica narrativa, según ciertos criterios de narración que se perciben sin la explicación del curador, que van desde los sistemas de producción hasta ciertas lógicas compositivas donde optaron por extraer una muestra de los trabajos y sacrifico la muestra total pero muestro lo mas selecto, que es lo mas expresivo de todo el trabajo.

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Este es un trabajo altamente recursivo y reiterativo que implica una interacción permanente con los productores.

En las estructuras de producción del arte, uno tiene que comprender que siempre interactúa con otros. Y debe realizar una adaptación a los nuevos criterios que aplican para la sistematización para los hechos productivos por la curaduría.

Para la última clase: Con una hoja de 21x21 y realizando las operaciones que crea pertinentes haremos una microescultura en papel.

Que nos permita reflexionar y discutir a cerca de las tres dimensiones y el espacio.

Y para cerrar la asignatura, en cuanto a la producción del contenido, la microescultura va ha venir acompañado de una hojita de 21x21 con un autor que nos resuene.

Se ha producido una cantidad de material monstruoso, hemos conocido una cantidad impresionante de artistas que de otra manera no hubiésemos conocido. Es un bagaje de información y conocimiento mayúsculo el que hemos manejado y construido a través de las distintas actividades que hemos ido realizando en la disciplina.

Lo que vamos a hacer con la microescultura

no

es

una

maqueta, es una escultura en tamaño diminuto. Y el material es el papel...

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INVESTIGANDO SOBRE ESCULTURAS DE PAPEL

PETER CALLESEN: ARTISTA DANÉS

Clase Presencial N° 7 – Fecha: 08/11/2014

UNIDAD N° 4 – ESPACIO, FORMA Y VOLUMEN.

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JEFF NISHINAKA: DIBUJANTE Y ESCULTOR DE LOS ร NGELES.

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MIS ESCULTURAS DE PAPEL PROCESO DE PRODUCCION, BOCETOS DE DIBUJO.

ELEGIDA Pรกgina 184

IMAGEN RECORTADA A CUTTER Y PINTADA CON BARNIZ PARA QUE ADQUIERA FUERZA EL PAPEL

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UN EFECTO INTERESANTE QUE REGISTRO EL PAPEL

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Escultura de papel hueca, trabajada en papel con cola, reforzada con barniz, pintada con acrĂ­licos mate y satinado.

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Escultura de papel hueca, trabajada en papel con cola, reforzada con barniz, pintada con acrĂ­licos mate y satinado.

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ARTISTAS RESONANTES CON MI TRABAJO Juliana Bollini: artista argentina radicada en brasil. Estudio arte y allí descubrió la técnica del papel maché y se transformo en su medio de expresión.

Tiempo

después

comenzó a ilustrar cuentos

infantiles,

manteniendo carrera

una

destacada,

reconocida mundialmente.

Se

destaca

por

su

frescura

y

su

libertad creativa.

La artista presenta la creación con papel maché como una labor relevante, en todo lo que el arte de las manos (hand Art) significa, los recursos mas simples son suficientes para la artista que transforma todo en una obra única y maravillosa. Su blog se llama barco de papel y ahí pueden disfrutar de todas sus creaciones.

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Peter Callesen: artista danés crea tres esculturas tridimensionales doblando una hoja de papel.

Cada trabajo se hace cortando una sola hoja y utilizando sólo el papel retirado para crear figuras o edificios. Estas hojas pueden ser tan pequeños como del tamaño A4 o tan grande como 7 m por 5 m.

Siempre trabaja con hojas en blanco tomando su materia prima como algo universal. En sus obras parece que el papel quiere escapar de si mismo, jugando con los espacios y la tercera dimensión, el describe sus esculturas como fenómenos de carácter trágico y romántico.

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Jeff Nishinaka: dibujante y escultor de Los Ángeles, aficionado del arte de papel desde 1982.

Utiliza herramientas simples: pinzas, un lápiz mecánico, palillos, cuchillos de arte, de corte esteras, etc., tarda de 3 días a 4 meses para producir cada escultura. Todas las obras están dotadas de un aspecto 3-D a través de capas de cuidado del papel y la iluminación inteligente.

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Clase Presencial N° 7 – Fecha: 07/11/2014

ESQUEMA DE SECUENCIA DE TRABAJO EN LA DISCIPLINA ARTES COMBINADAS Y DIVERSIDAD CREATIVA

La Microescultura

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Exhibición – Registro y cierre

Registro

Curaduría

Discutir sobre lo instituido

Con Registro Observacional

Macropintura

Mind Map

30 Artistas

Debate

07/11/2014 Cierre de la Bitácora

10 Original, copia, reproducción, variación - artista que resuena

Videos

Grupos

Delineos

9 Obras

El estado de arte me ayuda a explicar y contextualizar nuestro trabajo en la disciplina, son las series de fichas la que ubican a la mía como parte del todo.

No es algo SINCRONICO, no esta haciendo referencia a lo que sucede en este preciso momento, el ahora, ya, la inmediatez. Sino que es un juego entre lo SINCRONICO y lo DIACRONICO, el momento en el que yo hago la histografía de lo mío, como propio y parte de ese todo.

Es lo que se sabe sobre la cuestión, integrando en ello siempre al sujeto que observa.

Podríamos definir sencillamente a SINCRONIA: como lo que sucede ya, en este instante, la inmediatez.

Y DIACRONIA: a lo que sucedió antes de la inmediatez, a la historia, considerando que cada minuto que transcurre en el tiempo se convierte en parte de la historia que vamos escribiendo y dejando atrás.

El entrenamiento en el registro observacional es de suma importancia en todo momento y para muchas de las acciones que realizamos cada día en nuestra vida profesional, no solamente como estudiantes.

El trabajo producido cuenta de cierto rigor, tanto en la sistematización del registro como en la forma de registrar lo acontecido, las experiencias y experimentaciones. Este trabajo será el que te dará la posibilidad de traer al presente a través de la reconstrucción de lo pasado, un momento determinado de experiencia o aprendizaje que ya no esta, que ya no existe en el hoy como experiencia sincrónica.

Existe un juego de niños llamado “LEGO” por medio del cual nos permite reconstruir procesos.

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Investigando que son los juegos LEGO

Con este juego puedes construir la ciudad soñada, por ejemplo.

IMPORTANTE! Existen juegos de reconstrucción de rostros.

Muy significativo con la cultura actual y el “Arte del Cuerpo” (Ana María Guasch – 2000)

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Más sobre esta página:

Sobre el juego Original game title: LEGO Four Paths ¡Juega cuatro minijuegos Lego diferentes! Puedes competir en la Carrera de Fuego, saltar por el Camino de Rocky, acercarte al Flash Dance, o subir la Cuesta de la Zapatilla. sabiamente,

Escoge

tu

camino

y

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habilidades de juego. ¡Trepa, salta, y controla para proteger a tu personaje Lego!

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En estos juegos y su proceso de reconstrucción, así como lo es la reconstrucción de nuestro proceso de aprendizaje a través de la bitácora; podemos establecer cierta semejanza con proceso de reconstrucción de la investigación en nuestros TFL (Trabajos Finales de Licenciatura). En los cuales tenemos la posibilidad de incorporar la memoria descriptiva de las distintas etapas de la Investigación. Es un ejemplo más de la “Metodología” empleada para realizar nuestros propios trabajos.

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El TFL debe ser la evidencia reproductiva del proceso de trabajo que hemos realizado.

Volviendo un poco e Investigando sobre….

Sincronía y diacronía En lingüística, dos puntos de vista diferentes y complementarios, pueden ser adoptados cuando se analizan hechos de lengua.

El enfoque diacrónico se

interesa

en

la

historia de

la lengua,

y

estudia sus

evoluciones (la etimología, la evolución fonética, la semántica, el léxico, la sintaxis, etc.). El término es un préstamo lingüístico construido sobre las raíces griegas δια-, « a través », y χρόνος, « tiempo ».

El enfoque sincrónico se interesa en una lengua en un momento preciso de la historia. Esa palabra también deriva de dos raíces del griego antiguo: συν-, « con », y χρόνος, « tiempo ».

Los términos sincronía y diacronía, y la construcción teórica de su oposición, fueron desarrolladas por Ferdinand de Saussure, primer lingüista que separó claramente los dos puntos de vista.

Ferdinand de Saussure.

Esta oposición también puede aplicarse en filosofía, y fue utilizada, entre otros, por Roland Barthes3 y por Jean-Paúl Sartre.

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CONSIGNAS: Sacando las mesas que crean necesarias, vamos a armar en el pasillo, una exposición de las microesculturas que hemos traído para el día de hoy.

Deberán colocar sus nombres y ficha de autor con la que resuena su trabajo.

GRAN VARIEDAD DE MATERIAL PARA LA EXPO SE ORGANIZA LA EXPOSICION

SUCEDE LO HABITUAL… EL ESPACIO ES REDUCIDO Y LAS MESAS POCAS… LA GRAN AGLOMERACION DE TRABAJOS NO PERMITE UNA CORRECTA VISUALIZACION Y APRECIACION DE LO EXPUESTO. Página 199

REGISTRO DE LA EXOSICION

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Debemos recordar que estamos en los albores de un cambio de cultura, donde el registro toma una gran relevancia como así también el mecanismo que utilicemos, lo que nos servirá como antecedente experencial de las nuevas situaciones que tengamos que resolver, pasado a ser una herramienta mas, donde hemos dejado la huella de una serie de relatos que marcaran nuestras futuras tomas de decisiones en algunos aspectos.

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Produzco y busco el autor que me resuena. Hemos podido construir conocimientos sobre autores que no conocíamos, a través de compartirlos…, en las distintas fichas de autor de los trabajos que hemos realizado transitando por la asignatura.

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Si somos suficientemente curiosos y recordemos que la CURIOSIDAD mas la PASION, alimentan la CREATIVIDAD, podremos sacar un alto provecho de todo esto.

Vimos el ROL DEL CURADOR, como sujeto que hace una obra, partiendo de tu obra o las obras de varios artistas, donde establece una narrativa de lo que quiere contar con ellas.

Hoy cerramos todo lo que se refiere a proceso de producción propiamente dicho y nos quedan quince días para procesar, sistematizar y comunicar el trabajo que hemos realizado en esta etapa. Vimos un video de ISSU, que nos mostraba las bitácoras sistematizadas y digitalizadas.

Hoy, armamos fuera una exposición con nuestros trabajos tridimensionales en papel donde pudimos observar una gran variedad de modos de realizar las microesculturas en papel, donde se puso en práctica la más variada gama creativa, para lograr la abundancia de presentaciones sobre lo que podía ser una escultura de papel.

Para cerrar este trabajo, deberán elegir tres esculturas de sus compañeros que nos resuenen con las que nosotros hemos realizado e incorporarlas a sus bitácoras, conjuntamente con la ficha de autor de las mismas.

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TRABAJOS DE MIS COMPAÑEROS CON LOS CUALES RESONARON MIS TRABAJOS…

NATALIA BORSOTTO

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CARLA RICCUTTO

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JORGE LUIS BASCONCELO

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FEDERICO PRIOR

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RESONANCIAS DE COMPAÑEROS…

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ANALIA BRAGA

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DATO

INTERESANTE

PARA

CONSIDERAR

Y

PROFUNDIZAR

INVESTIGACION…

PUBLICACION DE VIDEO EN FACE, POR PARTE DEL DOCENTE.

IMPERDIBLEEE!!!!

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EN

LA

Reflexión Personal Artes Combinadas y Diversidad Creativa…

Un marco conceptual de estudios que abrió en mí, un sinnúmero de expectativas e interrogantes. Un docente nuevo, con una singular y personal manera de asegurar la transmisión de saberes…

Un sueño:… experimentar en un fugaz Seminario de tan solo cuatro meses, un abordaje de contenidos que me permitiera, dar riendas sueltas a mi propia curiosidad en la aventura de ahondar en nuevas experiencias y aprendizajes creativos. Que me llevaran a romper estructuras preconcebidas

y admitir lo diverso en mi modo de percibir y comunicar el arte hoy, en la

concepción del arte mismo.

Y es en esta nueva representación por medio de la combinación de las artes (analógicas y tecnológicas) y la comprensión de lo que implica en si esa diversidad creativa a la que refiere la disciplina; que aprendí a considerar el todo, y en ello a la traspolación de signos, sensaciones e intuiciones y por que no vivencias, que simplemente se entrelazan con las nuevas tecnologías y hasta en algunos casos “migran” a este nuevo lenguaje “en un tipo de crecimiento evolutivo”. En estos diversos medios de comunicación que propone la actualidad a través de las imágenes, en el uso de la tecnología como herramienta de creación, como vehiculo de comunicación y visualización de este mundo contemporáneo.

Así…

Abriendo esta nueva puerta, que en muchos casos nos condujo de aquel original analógico de nosotros mismos, pasando a esta nueva significación, como una especie de evolución que nos adecua en si mismo el pensamiento artístico, al crecimiento evolutivo del tiempo en que vivimos.

Pero no pasó inadvertido, sino dejando constancia demostrada del “original” de su creatividad, la Página 216

huella de ese algo existente desde donde surge este nuevo pensamiento, como resignificación del pasado, o quizás, algún presente cercano.

La Bitácora…

Como patrón tangible de todo lo “APREHENDIDO”, aquellos conocimientos que llevamos presos de un registro, a través del cual mostramos todo aquello que hemos compartido, aprendido y vivenciado, tanto por el riquísimo material proporcionado en las clases, como por aquellas construcciones, que de manera colectiva hemos logrado y retroalimentado simultáneamente.

AC-DC, abrió una puerta en mi camino profesional y artístico, un bombardeo de aprendizajes e información, que no puedo terminar de procesar y digerir. Pero aún, cuando la memoria no pueda contenerlos, mi bitácora será ese recurso que perdure en el tiempo y al que pueda volver una y otra vez, a escudriñar en el abordaje de innumerables conocimientos, que en ella pude plasmar.

Que puedo decir… Solamente gracias, por este aprendizaje que trasvasa, los vejámenes del tiempo.

Sandra Edith Frencia. (Shefy) Córdoba, Noviembre de 2014

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