Fascículo 04_Banda Municipal by Santa Fe Ciudad

FASCÍCULO 4 GOBIERNO DE LA CIUDAD DE SANTA FE SECRETARÍA DE CULTURA

Banda Municipal

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Editorial

El nacimiento de la Banda Municipal - Antecedentes locales - Hechos relevantes desde su creación - Concepción actual

La Banda: una particular formación musical - ¿Qué es una banda de música? - ¿Cuáles son sus instrumentos? - ¿Cuál es el repertorio para banda? - Repertorio del primer concierto didáctico

Roles en el interior de la banda - La figura del director - Los instrumentistas - El equilibrio de la orquestación

Actividades Anexo CD ROM Concierto Didáctico Antes del concierto - Exploración sonora - Familias de instrumentos - Banda para armar - Con batuta en mano - Para descubrir las obras - Haendel - Beethoven - Bartók - Holst

Durante el concierto Didáctico

Después del concierto - Gira la Banda - Buscando bandas por la ciudad - Bandas sonoras en la pantalla grande - Pinturas que suenan

Sobre los Instrumentos Referencias bibliográficas

Formaciones dentro de la banda - Ubicación

Editorial Santa Fe conserva con orgullo una rica tradición en prácticas musicales. La posibilidad de disfrutar de un concierto de calidad, ya sea en una plaza, en un paseo o en una sala especialmente acondicionada, es para el Gobierno de la Ciudad de Santa Fe un derecho de todos los ciudadanos. El Proyecto Aula Ciudad propone recorridos y materiales educativos para facilitar dicho acceso, el cual no sólo refiere a la asistencia a un concierto, sino también a la oportunidad de renovar preguntas y construir sentidos. Con este objetivo, el Proyecto propicia que la escuela se mueva, que se aprenda circulando, “callejeando”, en interacción con las diversas propuestas de la ciudad, para volver un hábito la frecuentación y disfrute de la mayor diversidad de prácticas culturales. El cuarto fascículo está dedicado a la Banda Municipal Ciudad de Santa Fe, organismo de referencia para conocer la particular formación de una banda musical. Aborda aspectos referidos a la dimensión tímbrica, histórica y sociocultural. Profundiza en las principales características del conjunto, los instrumentos que la componen, las agrupaciones menores y los diferentes roles que conviven en su interior. Recupera relatos sobre su origen, antecentes locales, momentos releventes de su trayectoria y desafíos actuales. En este sentido, cabe destacar la jerarquización de la planta de músicos a través del sistema de concursos públicos, la programación de diferentes giras urbanas y ciclos de conciertos sinfónicos y didácticos, la diversificación del repertorio y la consolidación de la función educativa del organismo. Uno de los objetivos del fascículo es contribuir al trabajo de docentes y alumnos, proporcionando información y actividades para realizar antes, durante y después de los conciertos didácticos que ofrece la Banda Municipal. Los mismos son, en diferentes países, una valiosa práctica de interacción educativa que se desarrolla hace tiempo y, si bien manifiestan diversidad de objetivos, coinciden en el interés por sensibilizar al público en la apreciación musical y democratizar el disfrute de las expresiones musicales. Las estrategias didácticas que se incluyen proponen un trabajo de exploración tímbrica y un acercamiento al mundo sonoro instrumental con actividades de percepción crítica y producción. Además, procuran que los alumnos distingan las particularidades de la banda frente a otras agrupaciones de instrumentos, se familiaricen con las sonoridades que ofrece, conozcan algunas orquestaciones de obras compuestas en diferentes momentos históricos y, fundamentalmente, vivencien la práctica de asistir a un concierto. Cabe destacar que este material es fruto de una construcción colectiva de músicos y educadores, Profesores de la Escuela de Música del Liceo Municipal “Antonio Fuentes del Arco”, del Instituto Superior de Música de la UNL e integrantes de la Banda Municipal. Para aquellas escuelas interesadas en profundizar en esta propuesta, se han programado conciertos didácticos, seminarios para docentes y encuentros con músicos en la escuela.

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El nacimiento de la Banda Municipal Antecedentes locales Según cuenta la crónica, la primera banda de música de la ciudad nace en tiempos del gobierno de Estanislao López, cuando en 1819 y en medio de las disputas entre las Provincias de Santa Fe y Buenos Aires, es interceptada una diligencia con personas que viajaban para incorporarse al Ejercito del Norte. Entre ellos, algunos militares y un grupo de músicos con sus instrumentos son apresados y trasladados a la ciudad de Santa Fe. Los integrantes de la banda musical quedan en libertad y, para sorpresa de los vecinos, recorren las arenosas calles santafesinas, dejando oír su estridente música marcial. Con un sueldo mensual que figura en documentos, la agrupación se establece en la ciudad y se convierte en la primera banda local, a cargo de Don Venancio Herrera. Al parecer, aquel temprano antecedente se considera el origen de la Banda de Policía. Esta banda y la del Colegio de los Jesuitas -conformada en 1864- son las agrupaciones que durante varios años concentran la actividad musical en las celebraciones públicas. Sin embargo, en Santa Fe y en otras ciudades de nuestra región, el fuerte impacto de la corriente inmigratoria de la última mitad del siglo XIX es responsable de la multiplicación de instituciones y organismos para la promoción de la actividad musical. Desde principios de 1900, conservatorios y sociedades musicales tienen un papel relevante, cuando la ciudad se abre plenamente a las expresiones culturales. Cabe destacar la valiosa contribución de músicos extranjeros en la educación musical y en la consolidación de las agrupaciones, como directores, intérpretes y autores. Tal como señala el historiador José Rafael López Rosas, en las primeras décadas del siglo, actúan en la ciudad al menos quince formaciones instrumentales sostenidas por diversas instituciones que, en un alto porcentaje, representan a diferentes colectividades europeas asentadas en nuestro territorio.

Surgen bandas de música, orfeones(1), concertistas, conservatorios e instituciones que cultivan las artes clásicas. Las retretas en la Plaza de Mayo, en la Plaza San Martín o en el Boulevard Gálvez animan las tardes santafesinas y, en ellas, destacados músicos dirigen la Banda de Policía, la de los Guardiacárceles o la Banda Lisa del Piquete de Vigilantes. Esta última lo hace principalmente en los festejos patrios inundando los aires con alegres marchas militares. Además, actúan por entonces las bandas del Coliseo Taurino, del Círculo de Obreros Católicos, del Colegio de la Inmaculada, y de los teatros Municipal, Argentino y Politeama y de las sociedades italianas. Más difundidas aún están las orquestas, como la Avant-Garde y L’Harmonie de la colectividad francesa, la Filarmónica de la Roma Nostra o la del English Assembly Rooms de los ingleses; todo ello sin olvidar a las diversas orquestas que comienzan a surgir en los primeros cines mudos con lo que entonces se llamaba “música adaptada”. (López Rosas: El Litoral, 1ro. de marzo de 1986)

Avanzado el siglo XX, las políticas culturales públicas asumen un rol preponderante y surgen en la ciudad bajo tutela estatal organismos musicales estables, como la Academia de Canto, Música y Declamación del Liceo Municipal “Antonio Fuentes del Arco” (1928), el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral (1947), la Orquesta Sinfónica Provincial de Santa Fe (1956) y la Escuela Provincial de Música 9901, que integra la Orquesta de Niños (1960). Este desarrollo institucional constituye un aporte estructural que enriquece notablemente las posibilidades musicales de la ciudad.

Hechos relevantes desde su creación La Banda Municipal, de origen más reciente, comienza a proyectarse en septiembre de 1981, cuando las autoridades de la ciudad proponen formar una agrupación instrumental que acompañe los actos protocolares y responda a las solicitudes de instituciones públicas, escuelas y vecinales. La iniciativa de crear una banda civil para la ciudad fomenta la práctica y apreciación musical y recupera las emotivas y entonces desaparecidas retretas dominicales en las plazas públicas. Desde el inicio del proyecto se convoca a Jorge Chiappero Favre, un joven músico de la ciudad recientemente egresado del ISM, profesor particular de instrumentos de viento-metal y de práctica orquestal en el Liceo Municipal. En el Paraninfo de la Universidad se realiza la primera selección de instrumentistas a la que acuden músicos de todas las edades, profesionales en actividad y retirados, y jóvenes vestidos con guardapolvos ya que aún cursan la escuela secundaria. La gran mayoría proviene de la Orquesta Juvenil del Liceo Municipal, agrupación que se considera el semillero de la Banda. La Banda nos sirvió a todos los jóvenes músicos de aquel momento como plataforma de aprendizaje y banco de prueba de nuestro crecimiento dentro de la actividad artística. También como un medio de socialización dentro del ambiente profesional al cual nos asomábamos en aquellos años, comenta Pedro Casis, uno de los músicos de la agrupación.(2) Aquel núcleo fundacional se compone de tres flautas, dos oboes, dos fagotes, ocho clarinetes, cinco saxofones, tres cornos franceses, seis trompetas, tres trombones, tres bombardinos, dos tubas y dos bastoneras, con una percusión de batería de bombo, platillo, redoblante y cinco tambores. El 15 de noviembre de 1981, durante los festejos por el aniversario de la fundación de la ciudad, debuta la

nueva Banda Municipal Ciudad de Santa Fe y, hacia fin de ese año, con un sistema de sonido amplificado, hace la primera gran presentación en el Parque de la Locomotora, ubicado en la costanera santafesina. Desde entonces, recibe solicitudes de actuación, no sólo en nuestra ciudad sino también en localidades del interior del país. El particular estilo y carisma de la banda promueven adhesión entre el público y animan las celebraciones y festejos. Poco tiempo después, la agrupación ya se perfila como banda de conciertos, a partir del modelo de las bandas americanas. El repertorio incluye marchas nacionales y extranjeras, obras españolas y música de películas, para finalizar con la presentación de solistas que interpretan temas folclóricos y populares. A partir de la incorporación de teclados, cuerdas graves y un coro mixto, la banda enriquece sus posibilidades musicales. A dos años de su nacimiento, se inicia el ciclo de Grandes conciertos anuales que fortalece el vínculo con el público y facilita el acceso a escenarios amplios, no tradicionales, tales como el Estadio de la Universidad Tecnológica Nacional. En la primera fecha, se interpretan los temas de la película Fama con bailarines en vivo y una orquestación para más de cien músicos, ya que se unen a los instrumentistas estables de la banda algunos integrantes de la Orquesta Sinfónica Provincial y del Coro Polifónico de la Provincia. En 1985, un acontecimiento clave marca un hito en la trayectoria del organismo: la Banda Municipal es invitada a tocar en la apertura oficial del Festival de Cosquín y recibe una distinción por parte de los organizadores. La actuación se repite al año siguiente con un espectáculo completo dentro de la programación. Debido a la importancia del evento a nivel nacional, estas presentaciones tienen una amplia repercusión en los

(1) Nombre con que se designa generalmente en España y Francia a las sociedades corales. Originalmente abarcó sólo a voces masculinas. (2) Entrevista a Pedro Casis, trompetista de la Banda Municipal. Noviembre de 2008.

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Postales de la Banda Municipal en la vida de la ciudad.

medios y trascienden las fronteras locales. En la historia de la Banda se destaca también la organización del festival Santa Fe de la Canción que convoca a León Gieco, entre otros cantantes santafesinos de reconocida trayectoria. El festival se realiza en 1984 y se reedita en 1987, con el querido músico santafesino, como figura central. Las canciones son orquestadas para banda, más 35 instrumentos de cuerda ejecutados por integrantes de las orquestas sinfónicas de Santa Fe y Entre Ríos. A ellos se suman los miembros del Coro Universitario Independiente. Además de León Gieco, otras figuras de renombre nacional e internacional, actúan junto a la Banda en diversas oportunidades: el guitarrista Eduardo Falú, la pianista Ana María Mucciolo, el bailarín Jorge Don, el saxofonista Diego Núñez, la pianista Lilia Salsano y el bandoneonista Néstor Marconi. Entre otras presentaciones, se distinguen la ejecución de la Ópera Tres delirios para un general en Santa Fe y Rosario, y los conciertos didácticos humorísticos llevados a cabo en diferentes escenarios del país, por iniciativa de Mónica Cosachov, clavecinista fundadora de la Camerata Bariloche.

Concepción actual La Banda Municipal atraviesa diversas fases durante sus años de vida. La actual gestión del Gobierno de la Ciudad concibe a la Banda como una herramienta para acercar las diversas expresiones musicales a todos los ciudadanos, a partir del formato de concierto en vivo y con una fuerte función educativa. De allí la organización de conciertos didácticos y su inscripción con el Proyecto Aula Ciudad. En lo que atañe a la conformación de la misma, los concursos públicos permiten actualizar la planta de músicos con profesionales de alto nivel y completar el rango sonoro. También se promueve la incorporación de alumnos avanzados del Liceo Municipal y del ISM de la Universidad Nacional del Litoral, en el marco del sistema de pasantías. En lo que respecta a la programación, la misma comprende conciertos sinfónicos en el Teatro Municipal “1º de Mayo” y en espacios públicos descentralizados y al aire libre. Tal es el caso del Proyecto Giralabanda en sus “Paseos de Otoño y Primavera”. Asimismo, se realizan actuaciones con el Coro Municipal, con solistas invitados y con otros organismos, tales como la Santa

Fe Jazz Ensamble y el Proyecto SOS Música. Con este último, en una articulación que permite a niños y adolescentes de orquestas barriales compartir el escenario con músicos profesionales. Esta planificación anual incluye el compromiso de ampliar el repertorio y el desafío de interpretar obras de compositores contemporáneos que presentan complejidades técnicas, con pasajes y matices de mucha precisión y delicadeza. Se elaboran programas variados que introducen propuestas artísticas alternativas a las ofertas musicales de los medios de comunicación masiva. Cabe destacar, la disposición de la institución para convocar compositores y arregladores contemporáneos que, a través de concursos en ambas especialidades, desarrollan proyectos musicales innovadores. En síntesis, la Banda Municipal es concebida hoy como una entidad activa de difusión musical y cultural que realiza conciertos periódicos e interpreta un variado repertorio, con músicos de primer nivel, superando la concepción tradicional de ser un organismo protocolar que acompaña eventos.

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La Banda: una particular formación musical ¿Qué es una banda de música?

¿Cuáles son sus instrumentos?

Etimológicamente, el término banda, significa lazo o unión. En el ámbito musical designa a una agrupación de instrumentos que ejecuta una composición de manera coordinada. Tiene atributos propios que la diferencian de otras agrupaciones musicales, por ejemplo, la orquesta. Consiste en un conjunto integrado por instrumentos de viento (madera y metal) y percusión. La orquesta, en cambio, tiene un predominio de instrumentos de cuerda sobre las demás familias instrumentales. A lo largo de la historia, la banda se encuentra “ligada a actividades al aire libre tales como movimientos de tropas, ceremonias, celebraciones religiosas, cívicas y militares, conciertos y otros eventos” (AAVV 1999: 133). En la actualidad, existen diferentes tipos de bandas que surgen a raíz de variantes funcionales. Las hay civiles y militares, fijas y móviles. En estas últimas, los músicos pueden tocar al tiempo que se desplazan. Se distinguen las llamadas fanfarrias -sólo de vientos metales-, las bandas de baile, bandas de concierto -al estilo americano-, las big band (u orquestas de jazz), el movimiento de bandas universitarias y las características marching band de las escuelas de enseñanza media, en Estados Unidos, entre otras. El desplazamiento de sentido habilita diferentes alcances del término y, en nuestro país, también se lo emplea para designar diferentes formaciones instrumentales que interpretan diversidad de géneros y estilos, desde las típicas bandas de sikuris del Noroeste Argentino a las usualmente llamadas bandas de rock. En este fascículo, se utiliza el término banda musical para designar una agrupación instrumental compuesta de vientos y percusión, en la que raramente se incluyen cuerdas. La banda es uno de los vehículos de expresión artística más importantes y vitales de la ciudad. Su capacidad de circulación la convierte en un instrumento único respecto a la educación y difusión musical. Este rasgo potencia un contacto directo con los ciudadanos que son partícipes del fenómeno. Allí donde toca una banda musical, la población se congrega y, sin lugar a dudas, dicha convocatoria es un hecho social y cultural trascendente.

Las bandas musicales son organizaciones sonoras complejas compuestas por una amplia gama de instrumentos musicales de viento y percusión, a los que pueden sumarse, los actuales electrófonos. Los instrumentos de viento constituyen la familia más numerosa de las bandas de música. El sonido característico o timbre de los mismos depende del material de origen (madera o metal), el mecanismo de producción del sonido, su cuerpo resonante y la embocadura que se utiliza. Se denomina maderas al grupo de instrumentos de viento construidos en su mayoría con este material y cuya embocadura es abovedada. No obstante el nombre, es importante indicar que algunos de ellos se confeccionan con otros materiales. Tales como, la flauta traversa -en la actualidad construida de metal y el saxofón -caso particular debido a su forma y material de construcción que lo vinculan con los instrumentos de viento-metal, pero afín a las maderas, por el tipo de embocadura de lengüeta simple. Los vientos de madera se componen de un tubo con orificios que se tapan con los dedos del ejecutante o a través del uso de llaves. Los diferentes tipos de embocadura pueden ser: - En forma de bisel: ángulo inclinado que reduce el paso del aire a un espacio más pequeño para producir la vibración (flauta). - Con lengüeta simple: consiste en una fina lámina de caña que al recibir el soplo del intérprete vibra hacia arriba y abajo, dejando pasar el sonido al cuerpo del instrumento (clarinete). - Con lengüeta doble: consta de dos delgadas láminas, atadas sobre un pequeño tubo metálico y cuyos extremos, que vibran libremente, se entrechocan periódicamente (oboe). Entre los instrumentos de viento también se encuentran los metales. Ellos generan el sonido a través de los labios elásticamente tensos del ejecutante, los cuales al vibrar interrumpen repetidamente la corriente de aliento. Su cuerpo consiste en un tubo de metal enroscado sobre sí mismo que termina en un pabellón.

¿Cuál es el repertorio para banda? Los tubos de cada instrumento tienen distinta forma, grosor y longitud, aspectos que inciden en el registro y el timbre. El tipo de embocadura es variable y pueden ser: - boquillas semiesféricas superficiales (trompetas) - profundas o cónicas (cornetas) - en forma de embudo (trompa) Los instrumentos de percusión, tienen por finalidad producir efectos sonoros y rítmicos en las bandas musicales. La percusión se compone de instrumentos idiófonos (autorresonadores) y membranófonos (resonadores de membrana o parche). Entre ellos, se distinguen los instrumentos de altura determinada o indeterminada. Los primeros pueden afinar para dar una nota precisa y por tal razón se incluye su parte en el pentagrama. Tal es el caso de los timbales o las placas, cuyo papel es más bien melódico. Por contraposición, los instrumentos de altura indeterminada emiten frecuencias imprecisas, como es el caso de los platillos o el triángulo. Para producir el sonido, se valen de diferentes modos de acción (percutir, puntear, frotar, soplar, entrechocar, etc.) y diversos mediadores (dedos, baquetas, varillas, escobillas, etc.). Las características tímbricas dependen de la construcción, forma y material del instrumento. Por último, los instrumentos electrófonos, de origen más reciente, se incluyen en ciertas bandas desde 1930. Si bien continúan en estado de experimentación, es posible distinguir dos categorías: - los electromecánicos: incluyen los acústicos tradicionales amplificados por medio de la corriente eléctrica (guitarra acústica) - los electrónicos: cuya producción del sonido depende exclusivamente de la electricidad (teclado eléctrico). Los más utilizados en las bandas musicales son el bajo eléctrico, la guitarra eléctrica, el teclado y la batería eléctrica.

Dadas las características de la banda en lo que respecta a la amplitud de los timbres y a la potencia sonora de sus instrumentos, es posible ejecutar un amplio repertorio. Lo más habitual son marchas, himnos y alegres melodías, primeras manifestaciones vinculadas a la tradición oral. Música para alentar en los combates, para acompañar una ceremonia o procesión, para desfilar y festejar. Con respecto a las composiciones escritas, las primeras obras para instrumentos de viento datan del siglo XV, momento en que nace, en Occidente, la música instrumental independiente, en contraposición a las obras vocales -solistas o corales- que incluían a los instrumentos sólo como acompañamiento. Dichas producciones siguen vinculadas a los ámbitos de la Iglesia y las Cortes. Sin embargo, durante mucho tiempo las bandas interpretan música escrita para orquestas sinfónicas: El repertorio de banda, además de las tradicionales transcripciones de obras sinfónicas (por ejemplo, las sinfonías de Beethoven) popurris y arreglos de óperas y óperas cómicas, incluye un conjunto de obras contemporáneas originales (de Stravinski a Milhaud), desempeñando, si es preciso, un papel nada desdeñable en la iniciación a la música del siglo XX. (Tranchefort 1985: 314) Desde la segunda mitad del siglo XX, los vientos son objeto de atención de músicos que exploran sus potencialidades y le dedican producciones, dentro de la línea de música de cámara o en orquestaciones para conciertos. Entre los principales compositores contemporáneos de distintas latitudes, podemos nombrar: Richard Strauss, Aaron Copland, Gustav Holst, Igor Stravinski, Charles Ives y Heitor Villa Lobos. En este fascículo incluimos el repertorio del primer concierto didáctico de la Banda Municipal que integra cuatro obras de estilos y épocas diferentes, ejecutadas en orden cronológico. Son obras de: Haendel, Bethoveen, Bartók y Holst. El repertorio permite acercarnos en forma gradual a la música más cercana a nuestros días.

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Repertorio del Primer Concierto Didáctico de la Banda Municipal /// Año 2009 Título: La Rejouissance - Suite “Music for the Royal Fireworks” (El Regocijo - De la Suite “Música para los Reales Fuegos de Artificio”) Año: 1749 Compositor: Georg Friedrich Haendel (Halle, 1685 Londres, 1759) Versión Original: para instrumentos de viento con línea opcional para conjunto de cuerdas.

Haendel escribe esta suite por encargo de Jorge II de Gran Bretaña. Se estrena en Londres, durante una quema de fuegos artificiales, con motivo de la firma del tratado de Aquisgrán (1748) que pone fin a la guerra de Sucesión de Austria. Se trata de una de las primeras obras que propone sonoridades barrocas. La composición obliga a que se forme, para su ejecución, una banda musical más numerosa y completa de la que existía en su tiempo. La partitura también contempla la versión para orquesta.

Título: Marcia alla turca - “Die Ruinen von Athen” Op. 113 Nº 4 (Marcha turca - De la Ópera “Las Ruinas de Atenas”) Año: 1811 Compositor: Ludwig van Beethoven (Bonn, 1770 Viena, 1827) Versión Original: para orquesta Arreglo: para banda, de Philip Gordon.

Beethoven compone esta obra por encargo de Federico Guillermo III de Prusia para la ópera Las Ruinas de Atenas, escrita por August von Kotzebue. La Marcha turca es la sección más conocida de la ópera. En América Latina se instala en el repertorio infantil a partir de la serie televisiva “El Chavo del Ocho”.

Título: Look for the needle (Busca la aguja) - Andante grazioso / Parsley and celery (Perejil y apio) - Allegro robusto / Ten liters are inside me (Diez litros dentro mío) Vivace - Pieces “For children” (De la serie de piezas “Para niños”). Año: 1908 - 1909 Compositor: Béla Bartók (Nagyszentmiklós, 1881 Nueva York, 1945) Versión Original: para piano Arreglo: para banda, de Walter Finlayson (Three pieces for band).

Estas obras integran una colección de cuatro volúmenes de 85 piezas para piano, graduadas con dificultad ascendente. Son breves obras concebidas con fines pedagógicos y es habitual su inclusión en programas de conciertos. Las canciones, que introducen progresivamente elementos de la música moderna, están basadas en melodías folclóricas de Hungría y Eslovaquia.

Título: March - “First Suite for Band” Mi b (Marcha De la “Primera Suite para Banda” en Mi b) Año: 1909 Compositor: Gustav Holst (Cheltenham, 1874 Londres, 1934) Versión Original: para banda militar.

La Primera Suite para Banda en Mi b cuenta con tres movimientos: Chacona, Intermezzo y Marcha. Es una de las obras más representativas de la estética inglesa. La obra, original para banda, demuestra el interés de Holst por este tipo de agrupación a la cual dedica gran parte de su producción. Entre otras obras, las Suites para Banda N° 1 y 2 y las versiones para Marte y Júpiter, dos de de las piezas que integran la Serie de Los Planetas.

Instrumentos de la Banda Municipal • Instrumentos de viento: - Maderas: 3 flautas (2 traversas y 1 píccola) 1 oboe 7 clarinetes 1 clarón 1 fagot 5 saxofones - Metales: 5 trompetas 2 cornos 3 trombones 2 bombardinos 2 tubas • Instrumentos de percusión: 3 percusionistas - Para arreglos sinfónicos: timbales tambor (redoblante) platillos accesorios, tales como castañuelas, placas o campanas (de acuerdo al tipo de obra que se ejecute) - Para la base de jazz: tambor ton-ton chico y ton-ton grande bombo platillos • Instrumentos electrófonos: 1 teclado 1 bajo eléctrico

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Roles en la Banda La figura del director La función del director excede el momento del concierto público. Su rol fundamental se ejerce durante el estudio previo del repertorio y en el trabajo de los ensayos. Él es el encargado de guiar a los músicos en la interpretación, indicar cuándo y de qué manera deben tocar y coordinar la ejecución musical completa. Para ello atiende a la idea primigenia del compositor, imprime su visión personal, cuando es necesario, y potencia las virtudes de los instrumentistas. Durante un concierto, el único modo que tiene el director de comunicarse con los músicos es mediante el gesto. Los gestos de dirección orquestal poseen una intensa carga semántica que es leída continuamente por los integrantes de la banda. Funcionan como un texto que se dibuja en el aire para guiar la calidad de la interpretación de la obra en ejecución y, principalmente, acordar algunos aspectos comunes, tales como el tiempo, la entrada, el cierre, los matices, los cambios de sonoridad y el desplazamiento de las partes melódicas a un grupo o familia de instrumentos. Los signos, establecidos de antemano, tienen la particularidad de ser convenciones comunes para toda la comunidad de músicos orquestales, con variaciones mínimas de acuerdo con el criterio del director. Algunos de los gestos que podemos observar son: - Comenzar a tocar: levantar las manos con las palmas levemente orientadas hacia arriba. - Corte o gesto de cierre: dibujar un círculo con las manos en giro contrario y detener el movimiento en el centro, con los puños cerrados. - Tocar más suave: acercar las manos achicando el gesto. - Tocar más fuerte: separar las manos en un gesto más amplio. - Tocar más rápido: mover las manos recorriendo un espacio menor al que se estaba marcando. - Tocar más lento: abarcar mayor espacio con el gesto y mostrar la palma de la mano. - Indicaciones de carácter: gestos realizados con el rostro. - Entradas de instrumentos que no estaban tocando: indicación directa al músico que debe tocar. Estos gestos van acompañados de un movimiento continuo de la mano derecha del director, encargada de marcar el pulso o tiempo a los instrumentistas, función elemental del director. El tiempo fuerte se marca de arriba hacia abajo; el último, naturalmente, de abajo hacia arriba. Ambos gestos se combinan durante la obra y en algunos momentos puede primar uno sobre otro.

Es muy usual que directores de orquestas y bandas utilicen la batuta, varilla de madera blanca que sirve para distinguir los movimientos del gesto desde lugares más alejados del director.

Los instrumentistas Desde el punto de vista del instrumentista, las bandas musicales son centros de práctica profesional, tanto para los experimentados intérpretes como para los jóvenes que recién se inician en la ejecución instrumental de conjunto. Proporcionan, a unos y otros, la posibilidad de profundizar en el estudio de los diferentes estilos y variantes que proveen las obras adaptadas para banda, como así también, del repertorio original. Para los más jóvenes se sostiene que son verdaderas escuelas debido a que en la instrumentación para este tipo de formación, muchas líneas melódicas se comparten entre varios ejecutantes. De esta manera, el músico principiante se integra a un conjunto de instrumentos similares (o no), pero rara vez se expone como solista. Esta situación les permite aprender progresivamente los códigos de la ejecución de conjunto, moldear su sonido dentro del grupo y por consecuencia, adquirir confianza en sus herramientas profesionales técnicas, musicales y culturales. Las funciones de los instrumentos varían durante el desarrollo de las obras. Encontramos partes para: - tutti, ejecutadas por toda la banda - solo, para un único instrumento, con o sin acompañamiento de banda - soli, línea interpretada por toda la fila de instrumentos, tal es el caso de un fragmento compartido por todos los saxofones Las palabras tutti, solo y soli provienen del idioma italiano que aporta numerosas expresiones en la notación musical. Antes de iniciar un concierto, el músico realiza ejercicios de precalentamiento de los músculos necesarios, pero también el propio instrumento requiere cierta preparación. Por ejemplo, los músicos que ejecutan los vientos con boquilla deben tonificar los músculos de los labios y preparar la embocadura. Por otra parte, se considera que el instrumento también debe entrar en calor antes de la presentación para sostener la afinación. De lo contrario, una vez que se toma la afinación general del conjunto, pueden realizar notables variaciones. El oboe, construido con una madera noble, es el instrumento más estable que tiene un rol de referencia para marcar la afinación del grupo.

El “acto de afinar” es un ritual obligatorio previo a todo concierto. Al respecto, el director de la banda cuenta el modo en que se lleva a cabo: Afino la banda en dos etapas: primero por familias de instrumentos y luego a tutti. Se parte del La del oboe, cada jefe de grupo lo toma y da la nota a su grupo de instrumentos. Por ejemplo, el oboe da la nota de referencia al primer clarinete, luego éste afina a los restantes instrumentos de su grupo. De igual modo, con cada familia. Al final, se da un La general y se retoca la afinación en conjunto.(1)

El equilibrio de la orquestación Tal como señala Bernstein (2002 [2004]: 75): la orquestación es, fundamentalmente, la parte de la música que trata de la manera en que un compositor arregla su música para que sea tocada por una orquesta, se trate de 7, 17, 70 o 107 (que es el tamaño de una gran orquesta sinfónica).

Los arreglos, con vistas a la ejecución, no siempre son realizados por el propio compositor y quien desarrolla esta tarea es llamado orquestador. Por extensión, también se llama orquestación a los arreglos para ser ejecutados por bandas musicales. La Banda Municipal trabaja sobre orquestaciones ya establecidas y con arreglos propios. La orquestación se encarga de combinar los timbres fusionándolos en favor de un sonido común, para ello se deben integrar los cuartetos con uniones técnicas que son propias de la práctica orquestal. Existen muchas variantes en este trabajo. Una opción sencilla es orquestar voces de instrumentos tenores con otros tenores (por ej. trombón con bombardino) o bajo con bajo (como tuba y fagot). Pero, este tipo de arreglos no juega con los colores y las variantes tímbricas. En mi caso, utilizo con frecuencia la escala de armónicos. Hay que tener en cuenta que en la banda, al no haber instrumentos de cuerda con caja de resonancia, no se escuchan ciertas notas que emergen como una reverberancia en la orquesta. Esos armónicos que no se oyen en la banda pueden ser recu-

El Coro Teniendo en cuenta que la voz humana también es un instrumento, debemos resaltar la participación del coro dentro de la banda. El coro realiza efectos, contracantos e intervenciones que se diferencian notablemente de los demás instrumentos e incluso puede interpretar obras en las que desempeña el rol de protagonista principal. Dentro del coro encontramos voces mixtas, femeninas y masculinas, que se organizan en agudas (sopranos y tenores), medias (mezzo-sopranos y barítonos) y graves (contraltos y bajos). El director del coro es el encargado de unir las voces en ensayos puramente corales y dar las indicaciones técnicas necesarias para el encuentro con los instrumentistas. El Coro de la Banda Municipal realiza actuaciones del tipo concertante (con acompañamiento instrumental) y, en forma independiente, interpretando un repertorio puramente coral a capella.

perados si se le hace tocar la nota a otro instrumento.(2)

Orquestar una obra requiere de muchas habilidades, entre otras, conocer las posibilidades y dificultades de cada instrumento, el registro de altura que puede producir (sus notas más graves y más agudas), los sonidos diferentes que puede ejecutar y el grado de destreza manual que demandan ciertos intervalos sonoros. Asimismo, implica desarrollar una sensibilidad sobre cómo combinar y equilibrar los distintos instrumentos, como por ejemplo, cuidar que los más graves, como el trombón o la tuba, no cubran a los más pequeños y suaves, como la flauta. En caso de que la banda actúe junto a un coro, debe integrar las voces a la textura general de modo tal que puedan escucharse con la misma claridad que los demás instrumentos. Además de estos cuidados el orquestador debe elegir cuáles son los instrumentos más apropiados para interpretar algún pasaje de la composición, teniendo en cuenta la calidad de los timbres y el carácter musical que pretende lograr (amable, cantable, estrepitoso, marcial, fúnebre, religioso, entre otros). Así, para obtener un clímax con sonoridad intensa y llena se puede utilizar un tutti con la totalidad de los instrumentos (maderas, metales y percusión) para un mismo ritmo, mientras que para crear pasajes de extrema suavidad puede indicar un solo o grupo de sonoridad atenuada.

(1)(2) Entrevista a Jorge Chiappero Favre, director de la Banda Municipal. Noviembre de 2008.

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Las partituras del director (partitura general) incluyen las partes de todos los instrumentos. En una lectura horizontal se observa el desarrollo de la obra o las partes melódicas en el tiempo. En el nivel vertical, se aprecia la textura de la orquestación (entradas y salidas de instrumentos, cantidad de partes simultaneas en un mismo lapso temporal). En este fragmento de solo seis compases, que aproximadamente representan quince segundos de la obra, se puede dimensionar la complejidad de la tarea.

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Formaciones dentro de la Banda En el interior de las bandas se organizan agrupaciones de instrumentos para desarrollar juegos melódicos y en virtud de la orquestación. Existen formaciones estandarizadas por cuarteto o quinteto, es decir cuatro o cinco instrumentos diferentes con similares características tímbricas, que cubren registros de altura diferentes. Ordenados del más agudo al más grave, se denominan soprano, contralto, tenor y bajo, términos que provienen de la música vocal. Sin embargo,

la referencia más inmediata es el cuarteto o quinteto de cuerdas, que constituye la base de la orquesta: primer y segundo violín, viola y violonchelo, a los que se suma el contrabajo para formar el quinteto. Las bandas actuales se estructuran sobre los cuartetos de maderas y de metales, con el agregado del quinteto de saxofones. Estas agrupaciones establecen su base fundamental. Además, es posible distinguir quintetos, sextetos, octetos e, incluso, formaciones más numerosas.

En la Banda Municipal se encuentran las siguientes formaciones: Cuarteto Maderas - flauta traversa* - oboe - clarinete - fagot

Quinteto Vientos - flauta traversa - oboe - clarinete - corno - fagot

Agudo

Grave * La flauta traversa, originalmente construida en madera, se incluye en esta formación.

Se suma el corno sobre la base del cuarteto.

Cuarteto Metales - 1° trompeta - 2° trompeta - corno - trombón

Sexteto - 1° trompeta - 2° trompeta - corno - trombón - bombardino - tuba

Quinteto - 1° trompeta - 2° trompeta - corno - trombón - tuba Se suma la tuba sobre la base del cuarteto.

Cuarteto de saxofones - saxo soprano en Si - saxo alto en Mi - saxo tenor en Si - saxo barítono en Mi

Se suma el bombardino sobre la base del quinteto.

Quinteto de saxofones - saxo contralto en Mi - saxo tenor en Si - saxo contralto en Mi - saxo tenor en Mi - saxo barítono en Mi

Extremo agudo Instrumentos píccolos (pequeños) - Flautín o píccolo en Do (mitad de largo que la flauta) - Clarinete píccolo en Mi b (extiende el rango del agudo) - Trompeta píccola Si b / Fa (octava aguda)

Cabe destacar, que esta agrupación no se denomina quinteto de maderas, sino de vientos. El corno se usa en tanto en formaciones de madera como de metal, con la función de nexo sonoro. Este instrumento, que en teoría se considera contralto, cubre una extensión de casi 4 octavas que le permiten ejecutar partes desde bajo a soprano.

Ensamble de Metales - 1° trompeta - 2° trompeta - 3° trompeta - 4° trompeta - 1°corno - 2° corno - 1° trombón - 2° trombón - 3° trombón - bombardinos o barítonos - tubas Conjunto de todas las voces (partes reales o independientes) que suenan simultáneamente. Cubre sonoridades, en la máxima expresión, conforme a la textura de la obra que se ejecuta. En los ensambles se libera la formación rígida para dar paso a un verdadero coral de metales, conforme a los deseos del compositor.

Desaparece el soprano y se suma un saxo contralto y otro tenor, sobre la base del cuarteto.

En las formaciones de jazz y en la propia Banda Municipal la formación de saxos que se utiliza es el quinteto.

Extremo grave - Clarinete bajo o clarón (se escribe igual en la partitura, pero suena una 8va. más grave que el clarinete). Para extender el rango de los organismos se incluyen instrumentos de altura extrema (agudos y graves). En la Banda Municipal se agregan los aquí nombrados.

Repertorio. Ejemplos musicales (fragmentos) Cuarteto de maderas Brahms. Fragmento del 2do. Movimiento del Concierto para violín y orquesta/ 1er. sist. Adagio Quinteto de vientos Mozart. Contradanse en Rondeau - Molto Allegro Cuarteto de metales Mozart. Menuetto Allegreto Cuarteto de metales Mozart. Menuetto Allegreto Quinteto de metales Haendel. Música acuática - Allegro Maestoso Sexteto de metales Letob Ostransky. Suite para sexteto de metales Ensamble de metales (12 instrumentos) Henry Purcell. Trumpet Voluntary - Allegro Moderato Cuarteto de saxofones Beethoven. (Arreglo de Robert Jones) Para Elise - Poco moto Quinteto de saxofones Glenn Miller. Serenata a la luz de la luna

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Imagen 3

Imagen 2

Imagen 1

Plantilla Banda Municipal: También se denomina orgánico. Indica el número de instrumentos de cada sección.

Ubicación Maderas Saxos Metales Percusión Electrófonos

La distribución de los instrumentos en semicírculo o con cierta curvatura permite que todos los músicos puedan ver las indicaciones del director. Este ordenamiento generalmente responde a una convención que los organiza de izquierda a derecha, desde los más agudos a los más graves. La Banda Municipal habitualmente reserva la primera fila para las maderas, la segunda para los saxos y clarinetes y hacia la tercera y cuarta fila, se ubica el en-

samble de metales. Los instrumentos de registro más bajo se localizan en el fondo. Hacia atrás y a la derecha se ubican el bajo eléctrico, como un refuerzo de la tuba, el piano y la base de percusión del jazz para obras que lo requieran. La percusión de base sinfónica o percusión truncada se ubica atrás y a la izquierda, aunque según la convención tradicional se distribuyen en el último nivel y adelante del director.

Actividades Antes, durante y después del

Concierto Didáctico Sugerimos llevar un cuaderno de notas, una libreta personal, donde puedan registrarse impresiones, comentarios, dibujos, fotos, trayectos, ideas sueltas o hilvanadas. El mismo permitirá reconstruir las huellas del antes, durante y después del Concierto Didáctico. El objetivo principal de este tipo de conciertos es invitar a los alumnos a participar de un acontecimiento musical único, de un modo lúdico y participativo. Asimismo, provocar un contacto directo con la música y los músicos, para promover la familiaridad con estas prácticas culturales.

Partitura de R. Murray Schafer en “...Cuando las palabras cantan” (1970)

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Antes del concierto Las actividades que incluimos en este apartado permiten la exploración de los atributos tímbricos del sonido y la posibilidad de establecer agrupaciones instrumentales. Proponen abordar la selección, organización y distribución de sonidos en el tiempo estableciendo distintas funciones entre los participantes –partes solistas, para grupos y para todos. Asimismo, introducen al lenguaje de los gestos del director y a la lectura y producción de partituras analógicas. Finalmente, buscan familiarizarnos con las obras incluidas en el concierto.

Exploración sonora Cuando hablamos de timbre nos referimos a la calidad del sonido, que diferencia a otros de la misma altura, intensidad, duración o procedencia. Este atributo depende de la forma y naturaleza de los elementos que entran en vibración. Respecto a la noción de timbre, el pedagogo Murray Schafer (1992: 23), propone una metáfora: El sonido está aburrido de su papel. El timbre le da un colorido guardarropa de nuevas vestimentas. El timbre otorga a la música el color del individualismo. Sin él, todo es un gris invariablemente uniforme. Sugerimos, en una primera instancia, sensibilizar la escucha de los sonidos del propio ambiente y luego trabajar con los sonidos que cada uno introduce en el medio. Proponemos una serie de consignas que, en sintonía con las propuestas de Schafer, permiten la exploración del aspecto tímbrico de los sonidos del entorno, los objetos cotidianos, los instrumentos y la propia voz. 1. En forma individual y durante 5 minutos realizar un registro de los sonidos del entorno. Pautar el inicio con todo el grupo y relevar los sonidos a medida que se oyen. - Retomar el listado anterior, clasificar los sonidos en diferentes categorías y elaborar un cuadro: a) sonidos naturales / humanos / tecnológicos b) sonidos producidos por uno mismo / producidos por otras personas c) sonidos sostenidos en el tiempo / interrumpidos y vueltos a escuchar d) sonidos fuertes / sonidos suaves / un sonido suave destruido por uno fuerte / sonidos que cambian de intensidad (cada vez más fuerte o cada vez más suave) e) sonidos agudos / sonidos graves - Comparar los listados y los cuadros de clasificación, estableciendo un diálogo acerca de la experiencia. - Enriquecer el debate a partir de temas como el valor del silencio y la polución sonora. Plantear que el paisaje sonoro está en constante cambio: algunos sonidos desaparecen para ser reemplazados por otros. Confeccionar listas de sonidos perdidos / sonidos que están en vías de desaparecer / sonidos que recuerdan sus abuelos o padres y que hoy ya no se escuchan. Recordar algún sonido del pasado que tenga una fuerte carga afectiva y que les gustaría volver a escuchar. 2. Explorar las posibilidades de obtener distintos timbres con un objeto cotidiano. Para ello, proponemos trabajar, por ejemplo, con un globo: - Tomar el globo y observar la forma, el tamaño, el color, el olor y la textura. - Elegir un modo de acción: soplar, pulsar, sacudir, raspar, frotar, entrechocar, percutir. - Seleccionar un sonido original. Describirlo como un personaje literario: ¿Cómo es su nacimiento?, ¿cómo es su vida, crecimiento, desarrollo, adultez?, ¿cómo se extingue?, ¿dónde vive?, ¿qué come?, ¿tiene amigos?, ¿cómo son sus diálogos?

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CREADOR

IMAGEN SENSORIAL

MODO DE ACCIÓN

MEDIADORES

ATRIBUTOS MUSICALES

GRÁFICAS

altura

intensidad

timbre

duración

grano

- Clasificarlo según los atributos del sonido: altura, intensidad, timbre, duración, grano/textura. - Graficar el sonido. - Presentar el sonido ante la clase. - Comparar los sonidos seleccionados por diferentes compañeros y organizar un catálogo. (cuadro) - Inventar una historia con algunos sonidos del catálogo. 3. Realizar un trabajo de exploración similar al anterior con un grupo de instrumentos de la pequeña percusión. Utilizar diferentes modos de acción (soplar, pulsar, sacudir, raspar, frotar, entrechocar y percutir) y diversos mediadores (dedos, manos, baquetas, escobillas). - Seleccionar cuatro o cinco alumnos para que ejecuten los sonidos inventados mientras el resto de la clase, con los ojos cerrados, trata de adivinar qué instrumento lo ha provocado. 4. Los mismos parámetros pueden emplearse para explorar sonidos con la propia voz. - Armar una partitura con susurros y gritos, interjecciones, resoplidos, siseos, risas y rugidos. A cada expresión asignarle un gesto facial y corporal. Proponer a diferentes alumnos guiar la obra a la manera de directores musicales. - Seleccionar o inventar un texto para ser leído en forma simultánea a la ejecución de la partitura de voces. - Proponer indicaciones para la lectura del discurso que será acompañado y comentado por este texto paralelo de sonidos. - Modificar el timbre de la voz imaginando voces para personajes de un cuento. Descubrir quién es el compañero que se oculta y encarna al personaje, según el timbre de su voz.

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Términos para ampliar Clasificación de instrumentos En el campo musical, coexisten dos clasificaciones de uso frecuente. Por un lado, la práctica orquestal, agrupa a los instrumentos en tres grandes secciones: • instrumentos de viento (maderas y metales) • instrumentos de cuerdas • instrumentos de percusión Esta clasificación, no incluye instrumentos contemporáneos, tales como los electrófonos, que hoy pueden integrarse a ciertas formaciones orquestales. La otra clasificación, establecida por los musicólogos Hornbostel y Sachs (1914), sobre el estudio de Mahillon (1893), toma en cuenta los principios acústicos que provocan el sonido en los distintos instrumentos. Establece cinco grupos de instrumentos musicales en función del elemento que origina la vibración sonora y según el modo de acción. • Aerófonos: el sonido se origina mediante la vibración del aire. Poseen diferentes cuerpos, materiales y embocaduras que influyen en las características tímbricas del instrumento. • Cordófonos: el sonido se produce mediante la vibración de una o varias cuerdas tensadas. El sonido se amplifica por una caja de resonancia. Según su modo de acción pueden ser punteados (arpas), frotados (violines) o percutidos (piano). • Idiófonos: el sonido se produce por el propio material del instrumento. Pueden ser percutidos (triángulo), sacudidos (maracas), raspados (güiro), frotados (glass harmónica), entrechocados (castañuelas) etc. • Membranófonos: el sonido se produce por la vibración de membranas tensas de material elástico como cuero, plástico, goma, etc. Pueden ser percutidos (tambor), frotados (zambomba) o soplados (mirlitón). • Electrófonos: la vibración se origina o modifica por la corriente eléctrica. Entre ellos se diferencian los eléctricoacústicos, es decir aquellos que pueden sonar sin la ayuda de la electricidad (guitarra eléctrica), y otros que sin la corriente eléctrica no podrían emitir sonido (teclado).

Familias de instrumentos Proponemos presentar el tema a partir de un diálogo con los alumnos sobre las posibles características o atributos de una familia de instrumentos musicales. Planteada la introducción, sugerimos las siguientes actividades: - Hacer un listado de los instrumentos que conocen. Traer al aula fotos de instrumentos musicales y toda la información que puedan obtener de ellos: nombre, forma, materiales de construcción, modos de producir el sonido, entre otros datos. Proponer en grupos formas de agrupamiento a través de un esquema y fundamentar los criterios que se utilizan. - Tomar como referencia la clasificación tradicional, según la práctica orquestal, y describir las similitudes y diferencias de los instrumentos que componen cada sección (cuerdas, vientos y percusión). Para ello sugerimos seleccionar e invitar a escuchar algunas obras o fragmentos musicales interpretados para cada uno de estos grupos (ver apartado de formaciones). - Distinguir qué familias pertenecen a la formación de banda y cuáles a la orquesta a través de la comparación de los esquemas orgánicos o plantillas y de la audición de versiones para uno y otro tipo de formación. Proponemos escuchar la obra El Regocijo de la Suite “Música para los Reales Fuegos de Artificio” de Haendel. Esta pieza, incluida en el concierto didáctico, tiene la particularidad reunir en la partitura original la versión para banda y para orquesta con cuerdas. - Inventar adivinanzas que describan a los instrumentos de la banda y a las secciones o familias de las que forman parte. Aquí incluimos una de ellas para dar el primer paso: Soy brillante y bien fornida, la más grave de los vientos mi campana suena arriba, expresando un sentimiento. ¿Quién soy? (la tuba) - Una vez introducido el tema en el aula, es posible solicitar que las familias instrumentales de la Banda Municipal visiten la escuela para proponer otras actividades, en contacto directo con los instrumentos.

Banda para armar Proponemos organizar una “banda musical” en el aula con instrumentos de la pequeña percusión y otras fuentes sonoras que resulten interesantes. - Recuperar y seleccionar los sonidos que surgieron al momento de la exploración tímbrica. Agruparlos de acuerdo con los diferentes modos de acción en: familias de los instrumentos soplados, pulsados, sacudidos, raspados, pellizcados, entrechocados, frotados y percutidos.. - En una segunda instancia, sugerimos trabajar sobre la organización de los sonidos de la propia banda. Para ello, proponemos introducir a los alumnos en la lectura de sencillas ejecuciones concertadas y partituras analógicas, que orienten la aparición de los sonidos en el tiempo, en combinaciones que determinen diferentes texturas musicales. En este sentido, consideramos importante mostrar diferentes y ricas variantes. Por ejemplo: es posible trabajar con poemas sonoros, como los de Marinetti, que incorpora efectos visuales a la línea impresa o sobre una pintura abstracta. Ambos casos pueden presentarse como partituras musicales para ser instrumentadas e interpretadas por los instrumentos de la banda escolar. A manera de ejemplo, sugerimos una imagen de Oscar Saúl Rojas, dedicado “a Plutarco y a sus amigos del otro lado”.

Seleccionar un sonido grave, largo y estable que recorra toda la línea azul. Será el primer sonido de la obra y el último en desaparecer. Acordar entre todos qué sonidos pueden representar a cada signo visual. Tener en cuenta los atributos del sonido (altura, timbre, duración, intensidad y grano) para realizar la selección. Recuperar los sonidos de la exploración vocal para interpretar los signos lingüísticos. Sin lugar a dudas, deberán ensayar de qué modo resaltar la palabra “¡Fiesta!”. Designar un director que señale la partitura y presentar al resto de la clase.

Rojas, Oscar Saúl (2005) Plutarco. Buenos Aires: Ediciones del Eclipse

Con batuta en mano Con el objetivo de descubrir la importancia del gesto en un concierto sugerimos leer entre todos el texto que refiere a los roles en el interior de la banda y atender en especial a la sección de quien posee la batuta. Cabe destacar que por parte del director el gesto es intencional. Su papel, frente los músicos es pedagógico. Los instrumentistas, por su parte, también contribuyen a crear movimientos virtuales sugeridos por la música. Ellos comprometen todo su cuerpo en la ejecución musical no sólo para crear el sonido, sino también para reforzar su emisión. - Recordar o aprender el tradicional juego de “Antón Pirulero” que refiere a la relación entre el director y los músicos: Dispuestos en ronda, cada participante elige un instrumento de las bandas musicales para hacer la mímica. Se designa a un director que hace girar los brazos sobre sí mismo, pero en forma imprevista puede copiar la mímica de uno de los instrumentistas, quien debe darse cuenta inmediatamente y realizar el movimiento del Antón Pirulero (director). Este juego se repite sucesivamente cantando la canción tradicional. El participante que no atiende a las indicaciones del director, por tercera vez, tiene una prenda. - Ensayar los gestos convencionales de dirección e inventar otras posibilidades para cada uno. Reforzar las indicaciones con movimientos de otras partes del cuerpo, incluidas las expresiones del rostro. - Realizar en grupos improvisaciones sonoras de acuerdo con las indicaciones de un director designado entre los integrantes. Utilizar todos los gestos que se han ensayado e indicar las funciones de solo, soli y tutti. Intercambiar los roles para compartir la experiencia. - Seguidamente, sugerimos trabajar sobre alguna de las obras incluidas en el repertorio del concierto didáctico. Practicar el rol del director para guiar la ejecución de las sobrebandas que se proponen con los instrumentos de la banda escolar a través de sencillas instrumentaciones pautadas.

Canción: “Antón Antón Antón Pirulero cada cual cada cual atienda su juego y el que no, el que no, una prenda tendrá.”

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Para descubrir las obras Con el propósito de lograr una aproximación gradual a las obras seleccionadas para el repertorio del concierto, proponemos recurrir a versiones grabadas y desarrollar algunas actividades que aborden diferentes aspectos de la percepción crítica, la producción y la interpretación musical.

HAENDEL. El Regocijo - De la Suite “Música para los Reales Fuegos de Artificio”. - Retomar la clasificación de instrumentos según la práctica orquestal y escuchar dos versiones de la obra: una para orquesta y otra para banda. Indagar acerca de las diferencias que se reconocen entre una y otra versión. - Para identificar la estructura formal, escuchar la obra con los ojos cerrados y dibujar con la mano un arco por cada parte o sección. Seleccionar dos alumnos que hayan dividido los arcos en unidades formales diferentes (macro partes y micro partes). En una próxima audición, pedir que ambos realicen las marcaciones para toda la clase. Establecer un diálogo a partir de la observación de la marcación en simultáneo de distintas unidades formales. Volver a escuchar la obra y, en forma grupal, graficar la estructura formal reconociendo cantidad de partes, unidades que se repiten y que se diferencian. - Con el objetivo de abordar el registro de alturas, proponemos un musicograma de la primera sección de la obra (A). Realizar un seguimiento grupal mientras escuchan atendiendo a la melodía principal. Pedir a dos o tres voluntarios realizar el seguimiento, a manera de directores. Sección A:

- Con el propósito de trabajar sobre el aspecto rítmico, proponer la marcación del metro y acento de la obra con distintos desplazamientos por el espacio. Seguidamente, realizar una instrumentación del musicograma con la banda musical formada en el aula a partir de las referencias. - Elaborar, en distintos grupos, una instrumentación para la Sección B y realizar un gráfico de seguimiento. Intercambiar las partituras entre los grupos para interpretar la versión de los compañeros. Poner en común y proponer a los autores de cada gráfico analizar la lectura e interpretación realizada, en correspondencia con lo previsto al momento de diseñarlo. En caso de ser necesario, realizar modificaciones y pautar referencias comunes para acordar posteriores lecturas. - Proponemos una partitura convencional, con otro nivel de complejidad, para dos líneas de instrumentos con características tímbricas diferentes. Grupo 1: sonidos opacos. Idiófonos de madera (por ejemplo: cajas chinas o claves) y membranófonos (por ejemplo: panderos). Grupo 2: sonidos brillantes. Idiófonos de metal (por ejemplo: triángulos o chinchines). Para facilitar el aprendizaje de las líneas rítmicas proponemos un texto. * - Imitar por eco las células rítmicas que presenta el docente. - Una vez ensayadas las partes por separado, superponer las dos líneas rítmicas sobre la grabación. (Sobrebanda).

Pandero Claves / Caja china Chinchín Raspador

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El Regocijo Grupo 1 Azul carmín turquí naranja violeta bengalas van estrellas dan lluvia de color sobre mi azul carmín turquí sin fin fuegos fuegos lluvia magia fuegos fuegos lluvia magia fuegos fuegos sobre mí Grupo 2 Shhh Shhh pss pss azul violeta carmesí sin fin azul carmín turquí sin fin rojos verdes cae llega rojos verdes cae llega rojos verdes sobre mí Texto propuesto para ajustar el ritmo en la instrumentación.

BETHOVEEN. Op. 113 Nº 4. Marcha turca - De la Ópera “Las Ruinas de Atenas”.

¡Se acerca el gran día del Concierto Didáctico y a uno de los músicos se le borró su partitura! ¿Se animan a completar el esquema para recordarle su parte? Para lograrlo, les sugerimos que escuchen la grabación de la Marcha Turca de Beethoven y que marquen los acentos, primero con movimientos del cuerpo y, en una segunda audición, siguiendo el esquema. Podrán comprobar que por cada compás corresponde un casillero y que en total suman 100. Seguidamente, les proponemos que identifiquen cuál es ese efecto sonoro recurrente que está acentuado y parece “patinar”. ¿Pueden imitarlo con su voz? Ese efecto o inflexión se repite varias veces durante toda la obra y aparece registrado en algunos casilleros del gráfico con un símbolo. Inventen un gesto gracioso para acompañar este sonido cada vez que lo oigan.

Les pedimos que escuchen la obra todas las veces que sea necesario para rellenar en los casilleros correspondientes dónde y cuántas veces aparece ese típico sonido acentuado. Una vez que hayan completado todas las referencias con el mismo símbolo les pedimos que recurran a otras grafías para representar otros sonidos de la obra hasta completar la partitura. Finalmente, ajustar con f (forte) o con p (piano o suave) las indicaciones de intensidad. Hagan una lectura global para realizar los ajustes necesarios y pongan en común el trabajo antes de entregar la partitura.

Averiguar: ¿Qué características tienen las llamadas marchas turcas? Escuchar y comparar otras marchas turcas como la compuesta por Mozart, para el tercer movimiento de su Sonata para piano Nº 11 en La mayor, K. 331 (ca. 1783).

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BARTÓK. VII “Look for the needle” (Busca la aguja) - Andante grazioso. De la serie de piezas “Para niños”.

- Les proponemos escuchar la versión original de la obra y reconocer qué instrumento se escucha. - Relevar información acerca de Béla Bártok, autor de una extensa serie de piezas “Para niños”. Señalar que estas breves melodías han sido recuperadas del repertorio folclórico húngaro y reelaboradas en piezas para piano, en formato de lecciones. - Planteada esta introducción, comenzar a cantar la melodía imitando por eco los fragmentos que presenta el docente. Sugerimos jugar con la alternancia de sílabas y luego presentar la adaptación de la letra de la canción. - Cantar con variaciones de tempo e intensidad y alternar los roles: solistas y grupos. - Inventar por grupos un baile acorde al carácter y ritmo de esta pieza musical. - Con el propósito de trabajar sobre el aspecto rítmico, elaborar en forma grupal un gráfico similar al esquema propuesto para la pieza de Beethoven. Contar la cantidad de compases y pautar símbolos como referencia a los sonidos escuchados. Instrumentar el musicograma para interpretar con los instrumentos de la pequeña percusión. - Incluir referencias de intensidad para variar la ejecución en distintas repeticiones. - Sugerimos escuchar la versión para banda y compararla con la versión original para piano. Identificar cuáles son las particularidades de esta interpretación. Distinguir qué instrumento realiza la melodía principal o a qué familia instrumental pertenece. Establecer un diálogo acerca de otros aspectos de la dimensión tímbrica (tales como combinaciones de instrumentos y funciones) y enriquecer el diálogo a partir de la lectura del texto sobre el equilibrio de la orquestación.

Busca la aguja Busco el dedal El tejido de mi amado ya pude acabar Yo ya lo he cosido Puesto sobre él Y sus dos mejillas rojas pronto las besé (Adaptación al español)

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HOLST. “First Suite for Band” Mi b - March (Marcha - De la “Primera Suite para Banda” en Mi b)

- Escuchar la obra y desplazarse por todo el espacio al ritmo de la banda. Utilizar movimientos explícitos y exagerados para acentuar la expresividad de la música. - Recuperar la experiencia y establecer un diálogo sobre el carácter de las distintas secciones de esta pieza musical, concebida desde su origen para la formación de banda. - Sugerir dos imágenes a la clase y entregar a cada alumno dos tarjetas donde se reproduzcan cada una ellas. Pedir que asignen una de las imágenes a cada sección de la obra. Para ello, mientras escuchan la grabación, levantar la tarjeta de la imagen elegida y mantenerla en alto hasta que cambie la sección. - Proponer un esquema gráfico que indique los momentos de la obra en los que se destaca la sugerencia de marcha y en los que se diluye. Incluir en el mismo, indicadores de intensidad. - En posteriores audiciones, identificar qué elementos musicales y qué instrumentos enfatizan el carácter marcial y provocan la insinuación de marcha. - Ensayar la marcación del tiempo como gesto del director durante toda la obra. El mismo deberá ser más enérgico en la secciones de carácter marcial y más ondulante y suave en la sección intermedia. - Volver a utilizar la expresión corporal para traducir la música en desplazamientos, movimientos y gestos acorde a cada una de las secciones estudiadas. Armar en grupos un relato corporal que se desarrolle durante toda la audición y poner en común. - Distinguir la melodía que se repite en diferentes momentos de la obra, como tema principal, e identificar todas las veces que vuelve a escucharse analizando qué variantes presenta en cada nueva aparición. - Organizados en grupos, elaborar una instrumentación para acompañar la pieza musical con los instrumentos de la propia banda escolar. Incorporar instrumentos idiófonos de metal que simulen el toque característico del platillo en esta obra. Incluir membranófonos para acentuar el tiempo y el carácter, en la sección de perfil marcial. - Tal como señala el musicólogo Tranchefort (1985: 314), “desde la Antigüedad, los toques de trompas han acompañado siempre a las armas, y el mundo grecorromano se ha batido al son de cuernos y trompetas”. Las marchas integran los primeros repertorios para banda. Recuperar el antecedente que se relata sobre la primera banda local, en Santa Fe como puerta de entrada al fascículo. Indagar acerca de otras bandas militares de nuestro país, como la famosa Fanfarria Alto Perú.

Al cierre de este trayecto previo al Concierto didáctico es importante reflexionar con los alumnos sobre la experiencia y evaluar entre todos las instancias de aprendizaje. Indagar sobre: cómo vivenciaron este grupo de actividades, cómo experimentaron los distintos roles y funciones sugeridas en cada propuesta. Evaluar si sintieron una interacción especial y respeto al ejecutar en conjunto instrumentaciones y al resolver consignas de producción en forma grupal. Considerar si tienen nuevos conocimientos e interrogantes para participar del concierto.

Durante el concierto En una sala de conciertos y en el transcurso de la audición se trazan cruces de sentidos que se renuevan con cada espectador que atiende a diferentes aspectos y “resuena” con distintas vibraciones. Levantamos el telón para descubrir la Banda Municipal. Tres golpecitos y todas las miradas se vuelven hacia el director. Brazos en alto, batuta en mano y en el aire se dibuja la primera indicación que se colma de sonoridades… - Observar los distintos instrumentos que componen la banda, la diversidad de timbres, colores, formas, materiales, calidades, tamaños y modos de producir sonidos. - Reconocer las agrupaciones en su interior, formaciones por cuartetos y quintetos que reúnen aquellos instrumentos con ciertas características afines y pueden constituir un conjunto o familia de registros que se extienden desde los más agudos a los más graves. - Escuchar las líneas melódicas para cada instrumento del grupo por separado y en simultáneo, percibiendo texturas más ricas y complejas en la variedad. - Escuchar la banda completa en la interpretación del repertorio que incluye obras de distintos períodos con orquestaciones especiales para toda la formación. - Participar en la ejecución de alguna de las piezas, según la coordinación previa. - Atender al momento de la afinación - Identificar la plantilla de músicos y la ubicación de cada familia - Descubrir las funciones de los instrumentos de acuerdo a la orquestación - Registrar los gestos del director e instrumentistas - Percibir las relaciones entre el director y los músicos así como las relaciones entre los músicos y sus instrumentos.

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Después de Concierto De regreso al aula, recapitular y registrar la salida. Traducir la vivencia en diferentes soportes y lenguajes: crónicas, dibujos y mapas sonoros. Proponemos algunas actividades para descubrir salas de concierto y abrir la mirada hacia otros contextos donde se requiere la sonoridad de las bandas musicales (cine, tv, radio), incluimos también consignas para indagar sobre otras agrupaciones instrumentales en nuestra ciudad.

Gira la Banda - Ubicar en un plano de la ciudad la sala donde se realizó el concierto. Indagar y situar también otras salas musicales importantes o escenarios al aire libre con capacidad para la presentación de grandes formaciones instrumentales. Localizar las plazas de la ciudad que poseen “cajas armónicas”, ámbitos creados para las funciones de las antiguas retretas de domingos. Averiguar los recorridos por donde gira la banda y señalar los espacios de las actuaciones. Considerar qué ámbitos del barrio pueden servir para recibir a la banda y en qué fechas significativas les gustaría contar con su música.

Buscando bandas por la ciudad - Relevar qué otros organismos musicales estables (bandas u orquestas) funcionan en la ciudad de Santa Fe, qué instrumentos incluyen y qué tipo de repertorio realizan. - Como hemos señalado, el término banda actualmente se usa para otras formaciones instrumentales como las bandas de rock u otros géneros musicales. Con ayuda de una cartelera local, proponemos averiguar los conciertos o recitales que se realizan en las distintas salas de la ciudad, identificar algunas bandas de música locales, sus características y el tipo de formación. Comparar los géneros de cada propuesta y el público al cual se dirigen especialmente. Proponemos a los alumnos asistir en grupo a diversas actuaciones musicales y elaborar crónicas para compartir en clase. Los textos pueden incluir alguna referencia sobre la banda, los instrumentos que la componen, los géneros que interpreta, las combinaciones y texturas que propone, aspectos referidos al ámbito de presentación y al público asistente. Indagar a través de los Coordinadores de Distrito y las instituciones vecinales si en el propio barrio ensaya o se forma algún conjunto instrumental. Proponer a los alumnos redactar algunas preguntas para realizar una entrevista a alguno de los músicos o al director de la agrupación. Consultar si existen salas de música para ensayar, espacios para grabar y ámbitos para realizar presentaciones.

Bandas sonoras en la pantalla grande El cine, la radio y la televisión utilizan con profusión las sonoridades de bandas y orquestas. Las bandas de sonido de las películas e incluso de los dibujitos animados, generalmente están producidas para este tipo de organismos. Sugerimos prestar atención a la música de las series o films que miramos y anotar en una libreta qué instrumentos musicales ambientan las escenas. A modo de ejemplo, sugerimos actividades con dos autores: - el reconocido compositor de música de películas norteamericanas, John Williams, quien compuso la banda musical de la película La Guerra de las Galaxias, entre otras. - el director de cine y músico Emir Kusturika y el compositor Goran Bregovic quien produjo la música para varias de sus películas, incluyendo Tiempo de gitanos y Underground, obra para banda que es posible escuchar interpretada por la Banda Municipal.

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Pinturas que suenan Numerosos artistas plásticos han representado en sus obras a músicos y agrupaciones instrumentales: Picasso, Leger, Botero, Pettoruti, Berni, Quinquela Martín, entre otros, han pintado escenas y escenarios de una orquesta, una banda, un cuarteto o un quinteto de música de cámara. Buscar reproducciones de algunas de sus pinturas y describir la imagen. Hipotetizar qué música tocan y qué tipo de formación instrumental integran según los instrumentos que los músicos ejecutan y otros elementos del contexto. Algunos títulos para trabajar son: 1) Benito Quinquela Martín, “Desfile de circo” (1936) Mural cerámico, 3m. x 9m. - Escuela Pedro de Mendoza, Buenos Aires. 2) Antonio Berni, “Orquesta típica” (1940) Óleo sobre tela, 1,98m. x 2,90m. - Colección Museo Nacional de Bellas Artes, Bs. As. 3) Eduard Manet, “El pífano” (1866) Óleo sobre lienzo, 1,60m. x 0,97m. - Musée d’Orsay, París.

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Sobre los Instrumentos Instrumentos de viento Maderas FLAUTA TRAVERSA (1) Es un instrumento soprano de embocadura tipo bisel con un orificio para soplar en la parte lateral de la cabeza. El instrumentista apoya el labio inferior y dirige el aire hacia adentro y afuera. El sonido se amplifica por medio de la columna de aire del tubo resonador. Tiene un sistema de llaves para agilizar el toque con una serie de tapas herméticas accionadas mediante pequeñas palancas que cierran o abren los orificios del cuerpo. Originariamente se construye de madera, pero en la actualidad se fabrica en metal. OBOE (2) Es un instrumento soprano de lengüeta doble con dos delgadas láminas de caña atadas sobre un pequeño tubo metálico, cuyos extremos se entrechocan al recibir el soplo del instrumentista. Consta de un tubo de sección cónica o cilíndrica con 16 a 22 orificios y un complejo sistema de llaves. Se construye con ébano, madera muy dura y densa que adquiere una tonalidad negra tras pulirla o dejarla secar al sol. Existen diferentes tamaños y tipos: oboe de amor, corno inglés, heckelphon. CLARINETE (3) Es un instrumento de lengüeta simple y batiente con una boquilla de pico. El cuerpo, de madera ebonita, es de sección cilíndrica con forma de campana en la parte inferior. Posee un sistema de llaves que permite mayor extensión en el registro. Alcanza tonalidades más graves que el oboe e iguala sus agudos. Es uno de los instrumentos predilectos del Romanticismo. Integra las orquestas de jazz, aunque es desplazado paulatinamente por el saxofón. Existen clarinetes de diferente tamaño y registro: píccolo, contralto, bajo y contrabajo. FAGOT (4) Es el instrumento más grave de las maderas y posee doble lengüeta, al igual que el oboe. Tiene dos tubos de arce paralelos insertados en una culata, en la cual se coloca el tudel, fino tubo en forma de “S” que contiene las lengüetas en su extremo superior, por donde se realiza el soplido. Cuenta con un sistema de llaves para acceder a los orificios más alejados de la mano del instrumentista. En el Barroco, es un importante instrumento del bajo continuo. SAXOFÓN (5) Es un instrumento mixto que reúne boquilla doble de clarinete y un mecanismo de llaves similar al del

oboe, combinado con un tubo de latón de amplia sección que termina en forma de campana (propio de los metales). Se crea en 1840 por Adolf Sax para integrar orquestas y bandas militares, sin embargo hoy se asocia con la música jazz o de la big band. Existen ocho tamaños de saxofones: sopranino, soprano, contralto, tenor, barítono, bajo, contrabajo y subcontrabajo. Metales TROMPETA (6) Es un instrumento construido con un tubo metálico doblado en forma de espiral cuyo extremo termina en una boca acampanada. Actualmente, posee un sistema de válvulas y tres pistones que logran toda la escala cromática de sonidos, muy difícil de conseguir con las antiguas trompetas. Al accionarse las válvulas se desvía el aire contenido hacia una porción adicional de tubo que se encuentra conectada a cada pistón. A mayor longitud de la columna de aire vibrante, el sonido es más grave y, a la inversa, más agudo. Existen diferentes tipos y tamaños. La trompeta soprano en Si b es la más utilizada en la banda. CORNO O TROMPA (7) Es un instrumento de muy amplio registro con boquilla en forma de embudo, similar a la trompeta, y un tubo acústico fino y largo enroscado sobre sí mismo para terminar en forma de campana. En el interior del círculo que se forma, posee circuitos con válvulas de prolongación. Al introducir la mano en el pabellón se logran variaciones de altura. Las antiguas trompas de caza se construyen con cuernos de animales. A partir del siglo XIX, el corno desempeña el papel de solista en la orquesta. TROMBÓN (8) Es un instrumento similar a la trompeta, pero de registro más grave. Posee una vara móvil en forma de “U” que se alarga y encoge desencajándose, desde la posición cerrada, hasta lograr seis ubicaciones diferentes. Puede deslizarse entre nota y nota con “glissando” (sin solución de continuidad). El más utilizado en la banda es el trombón tenor, que se origina en el siglo XV, cuando se modifica el tramo inferior de la trompeta baja. BOMBARDINO (9) También llamado tuba tenor, barítono o eufonio, es un instrumento con pistones y forma similar a la tuba, aunque de menor dimensión. Posee un registro de barítono-tenor.

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TUBA (10) Es un instrumento de registro bajo y uno de los más grandes del grupo de metales. Consiste en un tubo enrollado en forma recta con la campana hacia arriba. Al igual que el corno, posee válvulas conectadas con tramos de tubo adicionales que permiten lograr la totalidad de sonidos de la escala cromática. En las bandas que marchan se suelen utilizar tubas que rodean al instrumentista para facilitar la sujeción. Existen diferentes tipos de tubas: bajo, contrabajo y doble.

Instrumentos de percusión TIMBAL (11) Es un instrumento de percusión de altura determinada compuesto de dos piezas de cobre o latón con forma de caldero, cubiertas con una membrana ajustable. Cada una de ellas está afinada en tonos distintos y, a través de un pedal mecánico, se puede variar la nota. Al pisarlo, se ajusta el parche mediante el movimiento de un tornillo central que maneja la tensión en toda su circunferencia. Se puede afinar en notas de la escala para acompañar a los instrumentos melódicos y, manteniendo su impronta rítmica, reforzar acentuaciones del discurso musical. REDOBLANTE (12) Es un tambor metálico y chato con dos membranas plásticas muy tensas sujetas con tornillos al aro. Posee un bordón o cuerda de metal tensa que se encuentra ubicada sobre uno de los parches (parche de bordones) en contraposición con la otra membrana (parche de redoble) donde se realiza el ritmo característico. La cuerda produce un sonido estridente y metálico. Es posible prescindir de ella y tocar como si fuera un tambor común. Se percute en forma indirecta con palillos o baquetas. BOMBO (13) Es un gran tambor de madera con forma cilíndrica que cuenta con dos membranas tensas fijadas en las extremidades del aro o bastidor. Se lo ubica de modo tal que pueda golpearse de ambos lados y, en las bandas que marchan, se sujeta a los hombros del ejecutante. Para los golpes acentuados se utiliza una baqueta forrada con cuero y una vara para los golpes sin acento. Sus dimensiones y timbre son diferentes al bombo folclórico.

TOM-TOM (14) Es un tambor con un solo parche que deja abierto el otro extremo del aro. Posee patas para quedar suspendido y favorecer su resonancia. El material de construcción es mixto y muy importante para la calidad de sonido. Existen diferentes tamaños y se utiliza de a pares o suelto. Es incorporado a la batería mediante soportes que lo unen al bombo principal. PLATILLO (15) Es un instrumento compuesto de discos cóncavos laminados de bronce o aleación de latón provistos de azas en su centro. Se ejecuta entrechocando el par de láminas o sujeto a un soporte (hi-hat), accionado a pedal. Su tamaño y grosor influye directamente en la sonoridad; cuanto mayor, más potencia sonora. Si bien es un instrumento muy antiguo, en el siglo XVIII se comienza a utilizar en la orquesta y, posteriormente, en bandas de jazz y de música bailable. TRIANGULO (16) Es un instrumento idiófono y uno de los accesorios más utilizados de la percusión. Consiste en una varilla de acero plegada en forma triangular, abierta en uno de sus ángulos, para favorecer la vibración de todo el cuerpo del instrumento. Se suspende con una cuerda para evitar la manipulación y se golpea con varillas metálicas de diferente grosor.

Instrumentos electrófonos

ÓRGANO ELECTRÓNICO (17) También llamado teclado, es uno de los principales instrumentos, dentro de la categoría. El funcionamiento se basa en la utilización de señales producidas por oscilaciones de un generador de sonido, modificadas y amplificadas antes de ser emitidas por altavoces. Permite efectos sonoros y ciertas combinaciones fijas de antemano mediante pulsadores que ponen en marcha los registros preseleccionados. En la actualidad hay muchos modelos y dimensiones. BAJO ELÉCTRICO (18) Es un instrumento electromecánico ya que el origen del material sonoro es instrumental: las vibraciones mecánicas de las cuerdas se transforman en pulsiones eléctricas. Su forma es similar a la guitarra eléctrica, pero de mayores dimensiones y registro grave. Tiene un mástil más largo y, normalmente, cuatro cuerdas afinadas como el contrabajo. Es un instrumento que data de mediados del siglo XX y de amplia utilización en los más diversos tipos de música moderna.

Fuentes: MICHELS, Ulrich (2003) Atlas de la Música I. Madrid: Alianza. TRANCHEFORT, Francois Rene (1985) Instrumentos musicales del mundo. Madrid: Alianza.

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Intendente

Ing. Mario D. Barletta Secretario de Cultura

Secretario de Desarrollo Social

Subsecretaria de Diversidad y Proyección Cultural

Subsecretaria de Educación

Prof. Mg. Damián Rodríguez Kees Prof. Mg. Isabel Molinas

Arq. Alejandro Boscarol

Prof. Rossana Ingaramo

Subsecretaría de Programación e Industrias Culturales

Arq. Patricia Pieragostini Coordinadora Ejecutiva del Programa de Circuitos Culturales Educativos

Lic. María Florencia Platino

Proyecto Aula-Ciudad / Fascículo N° 4. “Banda Municipal” Textos María Soledad Gauna María Florencia Platino Asesoramiento Didáctica específica: Rut Leonhard Técnico musical: Jorge Chiappero Favre Digitalización de partituras María Soledad Gauna Diseño de Comunicación Visual Bruno Scarafía / Franco Scarafía para TodosLosFuegos.com Ilustraciones Rocío García Saúl Oscar Rojas (2005) Plutarco. Buenos Aires: Ediciones del Eclipse. Fotografía Darío Díaz Geromet Celia Pagliero Bruno Scarafía Franco Scarafía Archivo Fotográfico Diario El Litoral Archivo General de la Provincia Museo “Benito Quinquela Martín”

Agradecimientos Corina Sadonio, Eduardo Bavorovsky, Miguel Novello, Jorge Senn, Pedro Casis, Adriana Crolla, Estela Scarchiofolo, Carmelo Amarillo, Edith Cabrera, Dora Artiguez, Juan J. Fernández, Juan Alfieri, Rubén Romano, Teresita Cataudella Lucas García, Alianza Francesa Santa Fe.

Informes: Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad San Martín 2076 S3000FRT Santa Fe . Argentina Tel (0342) 4571886 proyeccioncultural@santafeciudad.gov.ar www.santafeciudad.gov.ar

Anexo CD ROM Concierto Didáctico interpretado por la Banda Municipal Dirección Jorge Chiappero Favre Músicos Claudia López, Nora Bisso, María Inés Mingarini, Marcelina Garreffa, Edgardo Martinez, Omar Lacuadra, Guillermo Astudillo, Juan Cruz Varela, Andrés Parola, Emilio Petrucci, Rogelio Diorio, Pablo Hussein, Luis Gambino, Germán López, Darío Ortíz Zárate, Charly Avveduto, Rafael Pereyra, Jeremías Lavanchy, Alberto Malatesta, Víctor Malvicino, Marcelo De Dominicis, Julián Debrahí, Sergio Quatroccioqui, Exequiel Parola, Aníbal Lavanchy, Juan Rodríguez, Marcelo Husser, Juan Villalba, Héctor Caro, Ramón Altamirano, Alberto Gálvez, Martín Picard, Sebastián Ferreira, Guillermo Gervasoni, Jorge Villalba, Mariano Ferrando, Nahuel Ramayo, Daniel Juárez, Hongo Perrone, Juan Fernández, Héctor Mandón, Omar Rebuffo.

Municipalidad de la Ciudad de Santa Fe, Secretarías de Cultura y de Desarrollo Social Gauna, María Soledad Banda Municipal / María Soledad Gauna y María Florencia Platino. - 1a ed. - Santa Fe : Municipalidad de la Ciudad de Santa Fe, 2009. 32 p. + CD-ROM : il. ; 28x22 cm. - (Proyecto Aula Ciudad ; 4)

ISBN 978-987-99646-7-5 1. Educación Musical. 2. Bandas. I. Platino, María Florencia II. Título CDD 780.7