HISTORIA DEL ARTE: PORTAFOLIO 2020-2 by Saori Yamanija

SAORI YAMANIJA 20203938

PORTAFOLIO 2020-2

DEL ARTE SECCIÓN 322 CRISTINA ISABEL DREIFUSS SERRANO

Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura - Área de Historia y Teoría de la Arquitectura Ciclo 2020-2

6 7

Extraños Comienzos

CG2, CG3, CG7

Jerarquía

CG2, CG3

Placer

CG2, CG3, CG7

Línea de Tiempo

CG2, CG3

Arte Japonés

CG2, CG3

Románico & Gótico

CG2, CG3, CG7

Barroco

CG2, CG3, CG7

Impresionismo

CG2, CG3, CG7

Rol del Espectador

CG2, CG3, CG7

Reflexión Final

CG2, CG3

Información del Curso

EJERCICIO 1

CG2 CG3 CG7

Se construyó un mapa mental basado en el texto Extraños Comienzos, extracto de la obra Historia del Arte de Ernst Gombrich (1950).

Función

Contexto

Atribución de un valor funcional/utilitario al arte, por sobre uno netamente decorativo.

La ejecución artística no distancia las artes de tiempos diversos, sino la forma de pensar.

- La comprensión del propósito del arte de otro tiempo resulta fundamental para comprenderlo

- “La historia del arte no es una del progreso de los perfeccionamientos técnicos, sino una del cambio de ideas y exigencias”

Pinturas y estatuas Poder de la creación de imágenes - Protección de fuerzas sobrenaturales - Dominio sobre sus presas

Función mágica

basado en

Espíritu y experiencia

Perciben una transformación fantástica Máscaras con rasgos animales

Intervención en costumbres

Creencias arraigadas

Mástiles y tallas

Significados reforzadas por

Representació n de mitos

Lenguaje

Aparenta fantasía

Construcción de imágenes

Gombrich, E. (1950): Historia del Arte. Phaidon Press Limited.

https://www.theartnewspaper.com/news/historic-agreement-resolves-dispute-over-chauvet-cave-and-replica

Preservados por los artistas - Conceden cierto grado de libertad

Ilustra leyendas de las tribus

Constituye su forma de escritura más temprana

http://www.elpopular.com.ar/blogs/giganteazul/69490/el-arte https://docplayer.es/57942954-Introduccion-el-arte-y-los-artistas.html

EJERCICIO 2 CG2 CG3 Se realizó una indagación respecto a dos obras artísticas de periodos distintos. que retrataran el concepto de jerarquía en torno a los personajes presentados.

Francisco de Goya - 1814 La obra plasma la lucha del pueblo español, en el marco del levantamiento popular contra la invasión napoleónica en 1808. En ella se identifica la figura jerárquica del patriota que representa el poder del nacionalismo y del espíritu de libertad español, que el autor pretende realzar.

de Goya, F. (1814). El 3 de mayo en Madrid [Pintura]. Museo Nacional del Prado, España. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/3-demayo-de-1808-en-madrid-los-fusilamientos-de/f0f52ca5-546a-44c4-8da0-f3c2603340b5

Se crea un fuerte punto focal en función a la concentración de la iluminación sobre el personaje, sumado a la dirección que se crea hacia él, al verse a la multitud reunida a su alrededor y a todas las armas apuntando hacia él. El pintor refuerza la simbología del mártir, sacrificando el realismo, al retratar al hombre con apariencia pulcra en tal situación y, acudiendo a su expresión corporal y facial.

Édouard Manet - 1863 La presente obra muestra una emblemática escena erótica representativa de la vida parisina hacia fines del siglo XIX. Se reconoce a la figura de una prostituta de París como el personaje jerárquico en la composición, que retrata el deseo carnal y el exotismo dentro de la clase alta.

Manet, É. (1484). Olympia [Pintura]. Museo de Orsay, Francia. http://www.photos-galeries.com/olympia-edouard-manet/.

Ello es anunciado por la ubicación de Olympia en un primer plan y el contraste generado por los colores brillantes y la iluminación que se le confieren, respecto al fondo. Asimismo, su mirada y gesto provocativo y sensual capta la atención del público mientras que, los artefactos que viste demuestran una posición de poder, en relación a la mujer de servicio, cuya presencia se desvanece.

EJERCICIO 3

CG2 CG3 CG7

Se buscó la definición del placer, de acuerdo con tres periodos diferentes en la historia, a partir de lo cual, se desarrolló la respuesta a una pregunta relacionada.

Epicuro de Samos Siglo IV a.C Carta a Meneceo “Cierto que todo placer es, por naturaleza, un bien en sí mismo, y, sin embargo, no todo placer ha de tomarse; de modo similar, todo dolor es un mal, pero no siempre han de evitarse todos.” El placer y el dolor son innatos en el ser humano, por lo cual es inútil intentar evitarlos. Epicuro de Samos (s.f.) Carta a Meneceo. [Traducido al español del griego]. https://revistes.ub.edu/index.php/EstudiosHelen icos/article/download/5324/7084

Sigmund Freud 1920 “Más allá del principio del placer”

Sami Schalk 2019 ¿Placeres culposos? Eso no existe.

“Nos hemos resuelto a referir placer y displacer a la cantidad de excitación presente en la vida anímica, así el displacer corresponde a un incremento de esa cantidad, y el placer a una reducción de ella.

“Un placer culposo es algo que disfrutamos, pero sabemos que se supone que no nos debe gustar o que, si nos gusta, dice algo negativo sobre nosotros.”

Búsqueda de la satisfacción de nuestras necesidades mediante el equilibrio entre placer y displacer, donde se involucran instinto y razón. Amorrurtu editores (1992). Obras completas. Sigmund Freud. vol. 18. https://www.bibliopsi.org/docs/freud/18%20%20Tomo%20XVIII.pdf

El placer que experimentamos en esta época consumista, muchas veces nos avergüenza por la concepción del resto respecto a uno mismo. Higgs, M. (2019). ¿Placeres ‘culposos’? Eso no existe. The New York Times. https://www.nytimes.com/es/2019/07/04/espa nol/placeres-culposos.html

El arte influye en la experiencia del placer de cada individuo de maneras distintas. Así, en cada interacción, una obra artística podría o no generar en el espectador una respuesta de placer, en función del trasfondo cultural y socioeconómico, de la experiencia y perspectiva de cada individuo. De esta manera, el arte le brinda a cada uno elementos que provoquen emociones que afectan la manera en que experimenta el placer, satisfacción, deseo, felicidad, e incluso otras más relacionadas con los placeres culposos, como la vergüenza.

Por otro lado, el arte juega un rol fundamental en la experiencia del placer del artista. Pues, para muchos, este representa un medio tanto para desenvolverse en sus pasiones, como con la finalidad desahogarse. Asimismo, en ocasiones el artista retrata escenas de placer en sus obras, a partir de lo cual, el espectador puede identificarse con estas, relacionándolas con experiencias vividas. De tal forma que el autor logra conectar al individuo con aquellas emociones pasadas. Finalmente, el arte permite explorar el concepto del placer y provocarlo en el espectador, en múltiples dimensiones, rompiendo la tradición de asociarlo directamente con el placer carnal/sexual. De manera que el artista contemple la posibilidad de tratar temáticas de placer culposo, emotivo, estético, prohibido, emotivo, entre otros.

EJERCICIO 4 CG2 CG3 Se construyó una línea de tiempo a partir de tres obras de la Antigüedad elegidas, las cuales representan las ideas principales de aquel periodo de arte.

Egipto: 3000 a.C. - 0

a) Jerarquía: Se atribuye mayor importancia a una figura principal, mediante el recurso de la escala. b) Poder - Personajes de alto estatus y religiosos son decorados con emblemas - El control sobre el cuerpo se muestra en la musculatura y rigidez del gesto, que transmiten fortaleza y autoridad El libro de los muertos. (-1500 a.C)

https://mythosyleyendas.wordpress.com/2009/12/29/libro-de-los-muertos/

c) Religión: Cercanía entre Dios y faraón

Grecia: 1000 a.C. - 0

d) Funcionalidad: Arte funerario como registro de la historia del faraón con jeroglíficos e imágenes sobre papiro, bajo una finalidad religiosa → Importancia de la vida tras la muerte

a) Placer: Placer carnal y sexualidad masculina - La mujer - Afrodita, diosa del amor, la sensualidad y la belleza - está desnuda, cubriéndose su parte íntima solo con la mano - El sátiro - Pan, mitad humano, mitad bestia - sometiéndola lujuriosamente ante la presencia de su hijo.

b) Naturaleza humana sin culpa - Analogía hombre-sátiro: por momentos es humano, por otros, una bestia. - No hay signos de lucha, indicando el deseo de ambos por tener placer - La sandalia que tiene Afrodita en la mano es signo de su desnudez. Afrodita, Pan y Eros (-150 c.C)

Roma: 800 a. C. – 500 d. C.

https://nl.pinterest.com/eliann edanielle/griekse-goden/

c) Cuerpo - Proporciones correctamente desarrolladas. - Perfección del cuerpo.

a) Funcionalidad: - Poder: El arte se empleaba como señal de poder, así, mediante esta obra arquitectónica masiva, dejaban en claro su grandeza y capacidad, marcando sus victorias logrando intimidar a todo adversario, pero también, evidenciaba las ventajas que representaba la pertenencia al Imperio. - Registro de su historia por medio de escenas significativas. - Cada vez que el imperio ganaba una guerra, el emperador, junto a su ejército, pasaban a través de este, como símbolo de su victoria y poderío. El Arco di Constantino (S. IV)

https://mywowo.net/es/italia/roma/coliseo/arco-de-constantino

b) Jerarquía: Personajes principales y de autoridad son ubicados sobre las columnas/ejes principales.

EJERCICIO 5

Se escogió una obra de arte no europeo elaborada entre los siglos VII y X. Luego se describieron los aspectos más importantes de ella y se explicó su valor personal.

Byōdō-in. (998 d. C.) Japón.

https://www.byodoin.or.jp/en/

Japón – 998 d.C.

Descripción Popularmente conocido como “El Salón del Fénix”, este templo fue construido durante el periodo Heian para el clan Fujiwara, regente al trono imperial. presenta las características tradicionales de la cultura japonesa. Desarrolla con fuerza la simbología, en el uso del color rojo, que simboliza la energía y vitalidad. Mientras es asociado a un ave mitológica por: el color, el significado - el ave fénix o suzaku es un de los cuatro protectores de Kyoto - y, ligado a la Arquitectura, por el principio ordenador de simetría presente en la composición - pues este hace que la volumetría pareciera un fénix con las alas extendidas. Un poco más alejada de la tradición, una idea muy interesante de este templo es que en el interior hay un contraste entre la seriedad (el Buda Amida) y lo cómico (las representaciones de Boddhisattvas).

SUZAKU. El ave fénix que protege a los Japoneses. (2017). Mitologia. https://www.mitologia.info/suzaku/#:~:text=Suzaku%20o%20ave%20f%C3%A9nix%3A%20es,el%20aire%20y%20el%20oto%C3%B1o. Tomas-Avellana, L. (2020, March 21). El templo Byodo-in y el resto de la ciudad de Uji - Japonismo. Japonismo. https://japonismo.com/blog/templo-byodo-in-uji-kioto

Templo Byodo-in en la ciudad de Uji | Kyoto Guía oficial de viajes de la ciudad. (2020). Kyoto City Official Travel Guide. https://kyoto.travel/es/shrine_temple/124.html

CG2 CG3

Byōdō-in. (998 d. C.) Japón.

http://cyberaquarium.slmame.com/e1609064.html

Valor Esta obra resulta de gran valor, en vista de que reúne distintos tipos de arte, incluyendo la arquitectura, los murales y la escultura, los cuales exponen paralelamente las principales características de sus estilos artísticos y tradición. Así, nos demuestra que en aquella época gran parte del arte se veía influenciada por la religión budista, de tal manera que se dedica el salón principal a la figura del Buda, que se jerarquiza disponiendo una gran escultura central, cubierta de pan de oro. Asimismo, las pinturas en murales y puertas cargan carácter narrativo sobre sus creencias. Nos resulta muy interesante el alto grado de detalle y de color que se emplea, lo cual le proporciona un carácter imponente a la arquitectura, asociado con el poder del grupo para el que se construyó la obra.

Por otro lado, en sus murales, se recurre al ritmo, en el establecimiento de patrones decorativos muy coloridos, que nos recuerda al arte Islámico, en obras como la Cúpula de la Roca (691), del que podrían haber recibido influencia. Sumado a ello, se observan características básicas de los templos tradicionales japoneses, como en los aleros del tejado Hishashi, los colores intensos en la fachada, la distribución de espacios y en el jardín y estanque, que rodean la edificación, típicos del periodo Edo. De tal forma, la obra, con sus componentes arquitectónicos, escultóricos y pictóricos, captura y expone la esencia del arte japonés de aquella época, un arte impresionante con funciones religiosas que a la vez documenta sus tradiciones y creencias, recurriendo a la simbología y al detalle.

EJERCICIO 6

Se escogió una obra Románica y una Gótica, que representen un mismo tema. Y mediante su comparación se explicó la evolución del arte entre ambos movimientos,

La Epifanía

Románico: Siglo XII

Es posible analizar la evolución del arte Románico hacia el Gótico, por medio de este par de obras que retratan la escena religiosa de la Epifanía. Ambas comparten una función narrativa, por lo que retratan una imagen centrada en los mismo personajes, desarrollando una distribución similar, en la que se jerarquiza al niño Jesús, en vista de que todos los elementos se dirigen a él.

Gótico: Siglo XV

Maestro de Navasa. Epifanía de Navasa. (S. XII). Museo Diocesano de Jaca. https://www.diocesisdejaca.org/index.php/pieza-del-mes/1248-enero-2014-epifania-de-navasa

Gentile da Fabriano. La Adoración de los Reyes Magos. (1423). Uffizi. https://www.diocesisdejaca.org/index.php/pieza-del-mes/1248-enero-2014-epifania-de-navasa

EcuRed. (s.f). Pintura gótica. EcuRed. https://www.ecured.cu/Pintura_g%C3%B3tica Moreno, J. (2017). Diferencias entre el arte románico y el arte gótico. Un Profesor. https://www.unprofesor.com/ciencias-sociales/diferencias-entre-el-arte-romanico-y-el-arte-gotico-1912.html

La Pintura Románica carga una función didáctica, pretendiendo enseñar a los creyentes las dogmas de la religión Cristiana. Ante lo cual, se prioriza lo narrativo y el simbolismo sobre el realismo y lo decorativo. Los artistas eran limitados por el poder de la Iglesia y la escasez de recursos y de progreso tecnológico durante la Alta Edad Media. Por tanto, la representación se simplifica (los atuendos poco decorados, las formas simples de los rostros y la ambientación) para transmitir con claridad un mensaje puntual, en este caso, dar a conocer el acontecimiento religioso, sin que las personas se distraigan con los detalles.

La Pintura Gótica, en cambio, muestra una principal preocupación por el realismo y el detalle, por lo que se convierte en un arte muy descriptivo. Aún mantiene un carácter narrativo, por lo que vemos que en esta oportunidad se siguen representando escenas religiosas, pero el artista gozaba de una mayor libertad, evidenciada en la expresividad de los personajes, la mayor complejidad de las representaciones (decoración de atuendos, luz y contraste, y presencia de escena completa, incluyendo mayor cantidad de información y personajes). Así, la imagen empieza a recuperar importancia y se abandona un arte dominado únicamente por los significados.

Moreno, J. (2017). Pintura gótica: Características generales. Un Profesor.

https://www.unprofesor.com/ciencias-sociales/diferencias-entre-el-arte-romanico-y-el-arte-gotico-1912.html

CG2 CG3 CG7

Románico: Siglo XIII

El infierno

Coppo di Marcovaldo. The Hell. (1225). Baptisterio de San Juan.

Gótico: Siglo XV

https://www.reprodart.com/a/di-marcovaldo-coppo/hell-detail-of-the-last-j.html

Gentile da Fabriano. La Adoración de los Reyes Magos. (1423). Uffizi. https://www.diocesisdejaca.org/index.php/pieza-del-mes/1248-enero-2014-epifania-de-navasa

En el arte Románico existe una diferenciación entre los apóstoles y Jesús (parte superior) y el diablo (parte inferior) - lo cual es parte del simbolismo sobre el bien y el mal. Este último tiene una presencia en la vida cotidiana de las personas, cuya representación evoluciona con los años. Demostrando el gran conservacionismo de la época, ya que, pese a la evolución hacia una imagen bestial, se mantenía una presencia imponente eclesiástica. Esto mismo resalta la época de evangelización que tuvo la Iglesia cristiana en este siglo, infundiendo terror hacia el pecado. Sin embargo, las personas tenían una atracción hacia la tentación, lo cual es representado con las figuras humanas acercándose al Maligno, quien los devora o tortura sin piedad alguna. Los artistas aprovechaban la mayor libertad en la representación del Infierno, necesaria para alejar al creyente del pecado. En el arte Gótico, en cambio, hay una mayor libertad expresiva, donde existe una gran cantidad de detalle, referencias culturales - como de Grecia, cuando el Maligno devora a los humanos, clara referencia a Cronos - y del uso de la jerarquía por escala y niveles - usado para representarla gravedad de los pecados mortales, siendo el más profundo donde se encuentra el Maligno, devorándose a los traidores (peor pecado). También hay realismo en la composición de las figuras humanas, donde se combina con la fantasía en la representación del Mal y los personajes que se les relaciona.

Se presenta una referencia a la imagen femenina de esa época, pues el diablo en realidad está representado como una mujer, pues a esta se le relacionaba con la lujuria (pecado capital) - que en la obra se evidencia en el devoramiento de un hombre por medio de la entrepierna del diablo.

A pesar del cambio, observamos elementos Románicos que se conservan en el Arte Gótico. Entre estos tenemos que la figura jerárquica se ubica en la parte central inferior de la composición; y se mantiene una paleta similar de colores (atribución de tonos fríos para el diablo); las referencias al funcionamiento tanto del cielo como del infierno; y el desarrollo de la representación del Mal.

Morales, M. (2019, April 7). El divertido infierno del románico. EL PAÍS; Ediciones EL PAÍS S.L. https://elpais.com/cultura/2019/04/06/actualidad/1554585356_528567.html

El Infierno. (2018). Lacamaradelarte.Com.

https://www.lacamaradelarte.com/2018/04/el-infierno-de-giovanni-da-modena.html

EJERCICIO 7

Se escogieron dos escenas de la película "La Joven de la Perla“ que enfaticen en el elemento de la luz. Luego, se describió la luz y su rol dentro de la narración de cada una.

ESCENA 1 La Soledad

En esta escena se presenta una luz suave y de tono frío que ilumina parcialmente al personaje de Griet, generando un fuerte contraste con el fondo oscuro que se mantiene en penumbra. Esto bajo la finalidad de resaltar la figura principal y desarrollar paralelamente un efecto de dramatismo sobre el momento. La luz adquiere un carácter narrativo en la escena, pues, su naturaleza permite transmitir los sentimientos de melancolía y soledad que se reflejan en la expresión facial y corporal de Griet, y que la abruman en su llegada a la casa, en vista de que se separa de su familia y no encuentra aún a aquella persona con quién logra identificarse. Por otro lado, la mitad de su rostro se difunde hacia la oscuridad, generando una transición brusca que genera un efecto dramático sobre la escena y representa de manera simbólica la personalidad reservada de Griet y la ambivalencia entre su inocencia y el deseo que esconde, reforzado con otros elementos como su vestimenta.

CG2 CG3 CG7

ESCENA 2 El Fracaso de un Deseo Prohibido

La luz suave de tono cálido en esta escena ilumina exclusivamente el rostro de Griet, a través de una pequeña brecha que se mantiene de la puerta entreabierta, dejando al descubierto su expresión de impotencia y añoranza. Lo interesante de la parte en sombra es que se puede distinguir apenas la mano del personaje deslizándose lentamente por la puerta, retratando su obligación de soltar aquel deseo prohibido al que se aferraba con tanta fuerza. El rol que cumple la luz en el desarrollo de la narrativa consiste en guiar al espectador a imaginar la posibilidad de consumar el deseo que existe entre Griet y Vermee, y que genera una fuerte tensión entre ambos. Esto contrasta con el verdadero desenvolvimiento de la historia, que concluye en el fracaso de este sentimiento prohibido, en el intento de concretarse. Durante toda la película se aprecia la cercanía y comprensión mutua que afloraba entre ellos, y esta escena - en específico, su expresión facial - refleja la impotencia de Griet por nunca confesar su sentir al pintor. Siguiendo con los simbolismos, el hecho de que deslice su mano a lo largo de la puerta representa la rendición de Griet ante la lucha por esta ilusión, la sumisión ante el poder que deriva del temor al rechazo de la sociedad ya que, en esta época, las mujeres que cometían o eran acusadas de adulterio eran muy mal vistas por el entorno, como se puede ver en algunas escenas de la misma película. Por último, la puerta entreabierta en la escena inicial representa la posibilidad de concretar ese deseo de ambos amantes; que se contrapone con la escena escogida, en la que la puerta se encuentra casi cerrada, simbolizando la pérdida de toda posibilidad. Esto genera empatía en el espectador, que se identifica con las emociones de la protagonista, y retrata el carácter dramático del desenlace de la historia.

EJERCICIO 8

CG2 CG3 CG7

Se eligieron dos obras de un pintor impresionista. Luego se señalaron las innovaciones del estilo sobre los anteriormente estudiados, haciendo referencia dichas pinturas.

Impresión, Sol naciente

INNOVACIONES DEL MOVIMIENTO 1. Propósito: Se pretende plasmar la impresión que el artista obtiene a partir del objeto de la obra, así, se centra en reproducir y transmitir las sensaciones experimentadas. De esta manera, Monet busca capturar un momento/instante, definido por una luz y un color particular, elementos a los que se les atribuye gran protagonismo.

Claude Monet, 1872, Museo Marmottan Monet . https://www.todocuadros.com.pe/pintores-famosos/monet/

Crepúsculo en Venecia

2. Sujeto: La obra de Monet se centra en paisajes y naturaleza, es decir, desarrolla una pintura al aire libre. No se centra en figuras humanas, sino que apenas insinúa ciertos personajes y le da mayor jerarquía al entorno y contexto natural. 3. Pincelada: Emplea una técnica basada en la pincelada suelta y en la yuxtaposición. No pretendía ocultar los rastros de las pinceladas, sino resaltarlos. En consecuencia, Monet insinúa ciertas objetos, mas no los define de manera absoluta, al no mostrar mucha carga de detalles.

Claude Monet, 1908, Museo Bridgestone

https://www.todocuadros.com.pe/pintores-famosos/monet/

4. Luz: Se pretende retratar la iluminación que se observaba en un momento determinado (amanecer y atardecer) y su efecto sobre el entorno, para lo cual se recurre al color, que ayuda a describir el ambiente. Se identifica la dirección de la luz y las sombras que genera. 5. Color: Se recurre a una paleta de colores intensos y casi puros, a partir de cuya yuxtaposición se obtienen transiciones que permiten definir la iluminación y la esencia de la escena representada. Por ejemplo, en la primera obra se plasma una transición de tonos fríos a cálidos (amanecer), mientras en la segunda se observan tonos intensos que se funden (atardecer).

EJERCICIO 9

CG2 CG3 CG7

Se eligieron tres pinturas de periodos distintos. Seguidamente, se explicó la evolución del rol del espectador en el arte a través de dichas obras.

Renacimiento

Rafael Sanzio, 1504, Los desposorios de la Virgen https://es.wahooart.com/@@/8XZBB9-Pieter-Bruegel-The-Younger-Masacre-de-los-Inocentesnet

Los desposorios de la Virgen

Barroco

Impresionismo

Caravaggio, 1602, La deposición del Cristo muerto

Edgar Degas, 1876, El Ajenjo

https://es.wikipedia.org/wiki/Santo_Entierro_(Caravaggio)

https://es.wikipedia.org/wiki/El_ajenjo

La deposición del Cristo muerto

El Anjenjo

La Masacre de los Inocentes Una vez dominados los métodos y técnicas del arte, el artista empieza a preocuparse por involucrar al espectador en sus obras. Así, se genera una experiencia mediante distintos recursos, que incentiva al público a interactuar con lo que sucede dentro del cuadro.

Pieter Bruegel,, 1565, La Masacre de los Inocentes https://es.wahooart.com/@@/8XZBB9-Pieter-Bruegel-The-Younger-Masacre-de-los-Inocentesnet

Durante el Renacimiento, los artistas como Rafael y Bruegel ambientan sus cuadros en función a la época en que fueron realizados, plasmando lugares y paisajes conocidos y vistiendo a los personajes con las modas de aquella actualidad. De esta manera, conseguían que el espectador desarrolle empatía, al identificarse con la narración y así, transmitir la sensación de que estas escenas pertenecían al mismo contexto, o a todos los tiempos (historia atemporal).

Por otro lado, en el Barroco, el artista busca intensificar la relación entre la obra y el público. Así, por medio de la composición peculiar del cuadro, se expanden los límites de la obra, proporcionando la sensación de que ciertos elementos retratados ‘quieren escaparse’. En este caso, el extremo de la loza se acerca al espectador y el personaje del centro lo observa, sugiriendo que este pertenece a la escena y su complicidad en la situación. Finalmente, en el Impresionismo se juega con la posición del observador, de manera que se le atribuye un rol de testigo al espectador. De esta forma, se utiliza este recurso para construir una sensación de complicidad sobre el público, respecto a lo que acontece en la escena. En este caso, se ubica al espectador en una mesa cercana, atribuyéndole así la responsabilidad de la soledad en que se encuentra la mujer en aquella situación.

EJERCICIO 10

Se realizó una reflexión final del curso respondiendo a las preguntas: ¿Qué obra de arte te robarías y por qué? ¿Qué obra de arte nunca, jamás tendrías en tu casa y por qué?

¿Qué obra de arte te robarías y por qué? La obra de arte que definitivamente me robaría si tuviese la oportunidad es El Circo de Seurat, padre del puntillismo. Este estilo se basa en la aplicación de una multitud de puntos empleando colores puros, de manera que al contemplar el cuadro de forma integral, el artista me atribuye la tarea como espectador de unir los trazos en una gama de tonos completa, recurso que pretende incluirme en el arte y en su proceso. Ante ello, me despierta gran interés el propósito del autor de otorgarme una función, para generar una relación con un público activo que se encontrará en constante interacción con la pintura.

Georges Seurat, El Circo, 1891, Museo d’Orsay. https://historia-arte.com/obras/el-circo-seurat

El Circo

Georges Seurat

Georges Seurat, Le Chahut, 1890, Museo Kröller-Müller

https://historiaarte.com/artistas/georges-seurat

Le Chahut

Georges Seurat, Domingo en la Grande Jatte, 1886, Art Institute of Chicago.

https://historia-arte.com/obras/domingo-enla-grande-jatte-de-seurat

Domingo en la Grande Jatte

Por otro lado, un aspecto fascinante de la obra el gran valor que carga alrededor de la evolución artística de Seurat. Sucede que el pintor es conocido por optar por un estilo equilibrado, en el que existe una mínima variedad de tamaño en sus puntos, en consecuencia, se producen figuras definidas y estáticas que dan transmiten calma y soledad, como se observa en Domingo en la Grande Jatte. Más adelante, al pintar Le Chahut, Seurat construye un ambiente cargado de sonidos, centrándose en una temática de la vida moderna parisina y su entretenimiento nocturno y así introduce una organización basada en las diagonales paralelas que no termina por demostrar movimiento. Pero hacia el final de su carrera, el artista evidencia su dominio del puntillismo y crea esta maravillosa y animada obra de atmósfera circense, en la que la composición de la imagen logra finalmente retratar dinamismo por medio de las diagonales y curvas que ‘desequilibran’ el cuadro. Sin embargo, se mantiene un fuerte sentido de unidad, gracias al equilibrio de colores, a la armonía entre los personajes (gestos) y a aquel ritmo que parece poner la escena en marcha. Considero que lo obra colgada en cualquier espacio de reunión, trasladaría aquella festividad, celebración y disfrute al ambiente, llenándolo de emoción. Ello se suma a que el pintor, aplica su técnica bajo un enfoque casi científico sobre la teoría del color, empleando una paleta cálida que permite transmitir emociones de alegría y regocijo, las cuales considero que le otorgarían a mi sala una sensación de vivacidad. También admiro su capacidad de transmitir tridimensionalidad y profundidad mediante el uso de colores complementarios. En conclusión, esta obra logra cautivarme con el manejo del puntillismo, que personalmente me resulta bastante atractivo y con el que logra generar un ambiente dinámico, alegre y festivo mediante la curva y los tonos cálidos, retratando en todo su color una noche de circo en París. https://historia-arte.com/obras/el-circo-seurat https://www.elcuadrodeldia.com/post/90289148843/georges-seurat-le-chahut-1890%C3%B3leo-sobre https://culturacolectiva.com/arte/la-tecnica-del-puntillismo-por-georges-seurat

CG2 CG3

El Café Nocturno Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh, El Café Nocturno, 1888, Museo New Haven. https://historia-arte.com/obras/cafe-nocturno-de-van-gogh

¿Qué obra de arte nunca, jamás tendrías en tu casa y por qué? La obra que nunca tendría en mi hogar es El Café Nocturno de Van Gogh. Ello debido a que como pintor expresionista, buscaba justamente potenciar la expresión de sus emociones en base a la deformación de la realidad, plasmándola de la manera más subjetiva e íntima, ante lo cual me logra transmitir una variedad de sentimientos caóticos y perturbadores. Así, este artista nos presenta un lugar que frecuentaba, bajo su perspectiva atormentada. En primer lugar, este cuadro me resulta conflictivo, en vista de que Van Gogh transgrede el color real de los elementos, de tal manera que la imagen angustia y agobia; pero lo hace de forma contradictoria, por medio de colores cálidos que no suelen denotar estos sentimientos, pero su intensidad contribuye a formar un ambiente duro. Y es que él pretendía “transmitir el sombrío poder de una taberna” generando una “atmósfera infernal de un horno al rojo vivo” (Van Gogh). En segundo lugar, la disposición de los personajes de forma distante nos expresa soledad, desatando un silencio abrumador en el espacio. Asimismo, considero que Van Gogh nos sitúa como espectador en su propio punto de vista dentro de la escena, sentado en una esquina alejada, recurso que nos conduce a identificarnos con la situación y el pensamiento pesimista y fatalista de todo aquel desdichado que acudía a este bar y no tenía ni donde pasar la noche. En tercer lugar, las propias texturas basadas en trazos y pinceladas toscas, agresivas, violentas, nos muestran la intensificación de las emociones del pintor y nos transfiere esa tragedia interior que sofoca. También se intensifica la luz, a tal grado que aturde y refuerza el ambiente infernal. Finalmente, la distorsión de la perspectiva evoca aún mayor desconcierto, nos desequilibra y le otorga al espacio una sensación de gran profundidad, que incrementa con el remate de la puerta abierta que aún genera más dudas sobre que hay más allá. En conclusión, considero que la obra de Van Gogh cumple con su propósito expresivo, componiendo un cuadro que transforma y reinterpreta la realidad, desobedeciendo al color real de los objetos, ordenando las figuras de forma distante, produciendo texturas violentas y deformando el espacio. Y bajo estos recursos, el pintor evoca sentimientos y cuestionamientos que desatan en mi un alto grado de intranquilidad, ansiedad y hasta temor, sentimientos que me rehúso a experimentar de forma cotidiana, por lo que no toleraría tener esta pintura en casa.

INTERESES - Natación

- Dibujo

ASTRID SAORI YAMANIJA UYEMA - Repostería syamanija@gmail.com 955745584 saoriyamanija

SOBRE MÍ Me considero una persona sumamente creativa y apasionada por las artes, y a la vez, dedicada y organizada, contando con habilidades de gestión de tiempo, planificación y evaluación. Asimismo, encuentro facilidad para relacionarme con mi entorno, siendo capaz de comunicarme efectivamente, mediante una expresión clara de mis ideas. Finalmente, soy muy colaborativa y poseo aptitudes relacionadas al liderazgo bastante desarrolladas, ante lo cual me desenvuelvo de manera óptima dentro de un equipo.

IDIOMAS - Español - Inglés - Japonés

HERRAMIENTAS - SketchUp - Minitab - Dibujo

EDUCACIÓN Colegio Peruano Norteamericano Abraham Lincoln

Colegio Peruano Norteamericano Abraham Lincoln

Universidad de Lima

MATERIAS EN CURSO

RECONOCIMIENTOS

Segundo Puesto a lo largo de Educación Secundaria

Proyecto de Arquitectura II Dibujo II Física Estadística Historia del Arte

ACTIVIDADES ACADÉMICAS - Seminario: Ciudad Compacta y Estructura Urbana Policéntrica Universidad de Lima 14/10/20

Diploma de Bachillerato Internacional

NOMBRE DEL CURSO Historia del Arte

SECCIÓN 322

NOMBRE DE LA PROFESORA Cristina Isabel Dreifuss Serrano

SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1.

Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura. 4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

HISTORIA DEL ARTE: PORTAFOLIO 2020-2

Articles inside

Impresionismo