The ornamentor by saramolinaponce

THE ORNAMENTOR london l 2016

MA Fashion Goldsmiths University SARA MOLINA PONCE 3

CONTENT

ABSTRACT

KEY WORDS

PALABRAS CLAVE

OBJECTIVES OBJETIVOS ECUADOR

ME ON FASHION SUSTAINABILITY MI POSTURA HACIA LA MODA SOSTENIBLE DISCONNECTION DESCONECTADOS DENIM DENIM SYMBOLIC VALUE (craftsmanship) VALOR SIMBÓLICO (artesanía) ORNAMENTOR DECORADOR EMBROIDERY

BORDADO

ZULETA SASHIKO MY PRACTICE

MI PRÁCTICA

PROCESS: DESIGNER AS AN ORNAMENTOR PROCESOS: DISEÑADOR COMO DECORADOR WORK IN PROGRESS TRABAJO EN PROGRESO

REFERENCES

REFERENCIAS

CONTENIDO

6 6 8 9 10 14 20 24 30 34 38 40 46 50 56 58

ABSTRA The project starts from the idea of the fashion designer´s role as an Ornamentor of clothes from De Vries, and relying on the importance of craftsmanship as a tool for sustainability. My concern lays in the massive gaps between the different components of the fashion industry and the vertical hierarchy that reinforces this dark spaces that rest between designers, makers, wearers, models, sellers, etc. This, combined with my distress on the increasingly fleeting relationship of wearers with their clothes and the disastrous consequences it has environmentally, socially and economically, have moved me to reimagine my role as a fashion designer. I selected hand embroidery as my tool, mainly because of its capacity for expression and storytelling. The two techniques I base my work on are Sashiko, which is an embroidery technique from ancient Japan. It only uses a running stitch to secure lay-

Este proyecto parte del concepto del diseñador de modas como decorador de indumentaria explicado por De Vries, y recalca la importancia de la artesanía como un instrumento útil para la sostenibilidad. Mi atención se centra en los extensos espacios existentes entre los distintos componentes dentro de la industria de la moda y la jerarquía vertical que no hace más que reforzar estos espacios oscuros separando a diseñadores, fabricantes, modelos, vendedores, transportadores, etc. Esto, combinado con la angustia que siento al percatarme de la creciente deslealtad de los usuarios hacia sus prendas por lo tanto manteniendo relaciones extremadamente cortas con estas, y las inevitables consecuencias que esto trae tanto ambientalmente, como social y económicamente, me han llevado a redefinir mi rol como diseñadora de modas. Elegí el bordado como mi herramienta, principalmente por sus características de expresión y poder de narrativa. Las dos técnicas en las que he basado mi trabajo son Sashi-

Ornamentor – Craftsmanship – Symbolic – Narrative – Embroidery – Upcycle – Denim – Sustainable Fashion

CT ers of fabric together as well as showcase cultural symbols, and Zuleta, an indigenous embroidery practice from the Andean zone in Ecuador, which is a strong component in the identity symbols for some groups. The material is second hand denim because of its classic-ever-young feel, its versatility and its capacity to retain and maintain the wearer´s every-day life. I feel it is a very resourceful fabric; it can be workwear or high fashion, individual or uniform, unisex, old or new. I believe in the continuous pursue of craftsmanship and its symbolic added value that has become more important than the object itself and became a useful contrivance for a more conscious fashion.

ko y Zuleta. La primera es una técnica de bordado proveniente del antiguo Japón. Esta utiliza la puntada corriente para asegurar varias capas de tela juntas y para manifestar símbolos propios culturales. La segunda es la conocida técnica de bordad de una región en la zona Andina ecuatoriana, la cual sostiene un fuerte pilar en la identidad y cultura del pueblo con el mismo nombre. El material utilizado es denim de segunda mano por su apariencia clásica y siempre juvenil, su versatilidad y su única capacidad de retener y reflejar la vida cotidiana de quien lo usa. Yo lo considero un tejido muy generoso; puede ser usado desde prendas de trabajo pesado hasta la alta costura, es percibido como uniforme global y como símbolo de individualidad, es unisex y es aceptado nuevo o viejo. Estoy convencida de que la continua búsqueda de procesos artesanales y el valor que estos adicionan al producto final son de extrema importancia para una moda consciente, tanto que tienen más trascendencia que el producto material en sí.

Decorador – Artesania – Simbolico – Narrativa – Bordado – Upcycle – Denim – Moda Sosteniblew

OBJECTIVES

Find my place in the fashion world and my contribution to a sustainable fashion future

Have a concrete idea of sustainable fashion in Ecuador and how I can contribute to its development Focus on key issues around current fashion production and consumption By using embroidery as a craftsmanship technique, study and reflect on the possibilities of reconnecting designer, maker, wearer, decorator, garment in the fashion industry Connect hand craftsmanship, relationship of user to clothes, the important function of designers, Ecuadorian fashion, my own practice and fashion sustainability in one thinking through making project, that will be continuously rethinking itself and in continuous growth

OBJETIVOS

Definir mi lugar en la industria de la moda y mi contribución a un futuro sostenible en esta

Lograr una idea concreta del estado de la moda sostenible en el Ecuador y cómo puedo yo contribuir a su desarrollo Enfocarme en las complicaciones del actual modelo de producción y consume de moda Al utilizar al bordado como técnica artesanal, estudiar y reflexionar en las posibilidades de esta para conectar a diseñador, fabricador, consumidor, decorador, prenda en la industria de la moda Conectar la artesanía hecha a mano, la relación del consumidor de moda con sus prendas, la importancia de la función del diseñador, la moda ecuatoriana, mi práctica personal y la sostenibilidad en la moda en un proyecto en el que se reflexiona mientras se forja. Este estará en constante evolución

My interest and concern for Sustainability practices, not only in fashion but also in other aspects of life, has been around since I can remember. However, it is during this course [MA Fashion¬] that I have come to face the fact that I have known since I started my BA in Arts and Fashion Design six years ago, fashion industry is vastly unsustainable and unfair, and, unless there is a change in its core, we, [the world] will be encountering even more disastrous consequences than we presently do. This is why my project is directed at all times towards a sustainable north, the same I will pursue from now on. The context of this project starts in Ecuador. Being a small South American, very conservative, yet diverse country, it proposes an interesting cultural setting for an independent fashion designer like myself. The cultural heritage is a mix of Spanish colonization, indigenous ancestors and global influences that have shaped local society, including its fashion scene. The fashion industry in Ecuador is not big, it has just started to develop by the creation of platforms for designers to showcase their work, as well as the newly created Design Council leaded by fashion professionals, which will be a great bridge of communication with the government as well as an instrument to improve fashion education in the country. One of the facts about the local fashion scene is the lack of a collective compromise to sustainability. At the present, the industry is just at a growth period, this is the time to engage in environmental friendly technology, human friendly policies and overall sustainable production processes as well as campaigning and information aimed to consumers. However this is not happening, there are only a few committed brands. Using indigenous communities for sustainable brands is great, but this should not be the only way ethical fashion is explored in the country for it can leave other methods such as textile recycling, upcycling and second hand markets unexplored.

Mi preocupación e interés en prácticas sostenibles, en distintos aspectos de la vida, ha estado presente desde que tengo memoria. Sin embargo, es durante este curso [MA Fashion¬] que me he visto obligada a enfrentar la realidad que he esquivado desde que inicié mis estudios seis años antes, la industria de la moda es estructuralmente injusta e insostenible y, a menos que exista un cambio estructural, vamos a enfrentarnos a consecuencias peores a las que actualmente estamos viviendo. Es por esto que mi proyecto está dirigido enteramente a un norte que apunta a un futuro sostenible, el mismo que pretendo seguir en adelante. El contexto de este proyecto empieza en Ecuador. Siendo un país pequeño, bastante conservador y muy diverso propone una interesante plataforma cultural, especialmente para una diseñadora independiente como yo. La herencia cultural es una mezcla de la colonización española, los ancestros indígenas y la influencia global, los cuales han ido forjando la escena local. La industria de la moda en Ecuador es bastante pequeña aunque en los últimos años ha empezado a desarrollarse con la creación de plataformas para la muestra y exposición del trabajo de diseñadores, al igual que la creación del Consejo Nacional de Diseño, cuya directiva incluye profesionales de la moda, lo cual promoverá las comunicaciones con el gobierno al igual que funcionar como instrumento para desarrollar la educación de indumentaria y textil en el país. Una de las características de la escena local de moda es la falta de compromiso colectivo con la sostenibilidad. Al momento, la industria está en período de crecimiento, este es el momento para moldearla y embarcarse en tecnología amigable con el ambiente, la implementación de políticas enfocadas al componente humano y para prácticas justas y sostenibles en general. Al igual estamos en una etapa en la que se debe apuntar a la educación e información a los consumidores de moda para lograr un consumo consciente. Sin embargo esto no se está dando al nivel que debería. Existen pocas marcas comprometidas, las cuales están trabajando con comunidades locales, involucrando sus técnicas, estética y mano de obra, lo cual es muy bueno. No obstante, al enfocarse casi exclusivamente en este tipo de trabajo se deja inexploradas muchas alternativas de sostenibilidad como el reciclaje textil, el upcycling y los mercados de segunda mano.

ECUADOR

MY VIEW ON FASHION SUSTAINABILITY Sustainability is a very broad term; it can be used in everything and in nothing. After reading several books and articles on the subject I was able to create my own concept. To me, sustainability indicates equilibrium. It means to have compassion and respect in how we live our lives. We are all responsible for this, it is not exclusively about the environment, but it includes human lives and people´s wellbeing too. It is consciousness.

Sustainability involves awareness, commitment, empathy, knowledge and very hard work in order to achieve an equilibrium that will allow us living beings to survive and thrive in harmony.

On the other hand, I still haven’t found an absolute definition for fashion. To me it is very clear that the relationship between clothes and fashion is indissoluble, however they are not the same. Clothes serve basic bodily needs, like warming or cooling down processes. Fashion on the other hand has a more complex nature. To me, fashion encloses the whole functioning parts that make up its system, in which clothing is included but is not the only outcome. I always define fashion as a whole composed by 6 main

the economical, creative, technical, social, environmental and material, all of which are shaped by us [people] parts:

while transforming us at the same time, being a very dynamic structure. Fashion acts as an inclusive space as well as a very exclusive one. Fletcher and Grose claim “…at its best, fashion helps us reflect who we are as individuals, while connecting us to wider social groups, providing a sense both of individuality and of belonging” (2010:10). Fashion at its best, should be directly embedded with sustainability in order to give us that sense of belonging by leading an emphatic life (Tham. 2008:23), sadly it is not.

“… slow fashion challenge us to strengthen our connections with clothing and their producers, while including values of community, sustainability, and diversity and see it as a reaction against the consumer society of today, where the developed countries consume on the cost of the developing ones…” Eleonor Johansson (2010:28)

The first step fashion needs to take in order to become sustainable is to slow itself down. Slow fashion, or slow design allows for a more thoughtful design process and for more meaningful connections to be achieved between the participative parts. Like Eleonor Johansson states “… slow fashion challenge us to strengthen our connections with clothing and their producers, while including values of community, sustainability, and diversity and see it as a reaction against the consumer society of today, where the developed countries consume on the cost of the developing ones…” (2010:28).

“…at its best, fashion helps us reflect who we are as individuals, while connecting us to wider social groups, providing a sense both of individuality and of belonging” Fletcher and Grose (2010:10)

MI POSTURA HACIA LA MODA SOSTENIBLE El término sostenibilidad es un término bastante amplio. Después de leer y revisar varios artículos y publicaciones al respecto logré crear mi propio concepto. Para mí, la sostenibilidad es sinónimo de equilibrio. Significa tener compasión y respeto en la forma en la que llevamos nuestra vida. Todos somos responsables de esto, y no es exclusivo del medio ambiente, esto incluye el bienestar humano también. Sostenibilidad es conciencia. Involucra compro-

miso, conocimiento, empatía y trabajo para lograr el equilibrio que

nos permitirá, a todos los seres vivientes, sobrevivir y prosperar en armonía.

“… la moda slow nos desafía a fortalecer las conexiones que tenemos con nuestra ropa y sus productores, mientras incluye valores de comunidad, sostenibilidad y diversidad y es vista como una reacción en contra de la sociedad de consumo de hoy, en la que los países desarrollados consumiendo a costa de los que están en vías de desarrollo…” Eleonor Johansson (2010:28).

Por otro lado, no he encontrado aún una definición absoluta para la moda. Para mí está claro que la relación entre indumentaria y moda es indisoluble, no obstante no son lo mismo. Las prendas de vestir sirven para cubrir las necesidades básicas del cuerpo, calentamiento y enfriamiento del mismo. La moda por otro lado, tiene una naturaleza mucho más compleja. A mi parecer, la moda engloba todas las partes actantes del que conforman el sistema, en el cual la indumentaria está incluida pero no sería el único resultado. Siempre defino la moda como un todo compuesto por seis componentes básicos: económico, cre-

ativo, técnico, social, ambiental y material, todos están constan-

temente siendo moldeados por nosotros [personas] mientras nos van transformando al mismo tiempo, siendo una estructura extremadamente dinámica. La moda actúa como un espacio exclusivo e inclusivo a la vez. Para Fletcher y Grose

“…en su mejor momento, la moda nos ayuda a reflexionar quiénes somos como individuos, conectándonos al mismo tiempo a grupos sociales más amplios, proporcionando una sensación tanto de individualidad como de pertenencia” (2010:10). La moda en su mejor estado debería estar directamente conectada a la sostenibilidad, solo así logrará brindar tal sentido de pertenencia por medio de la empatía (Tham. 2008:23), lamentablemente en la actualidad esto no se cumple. El primer paso que la industria de la moda debe dar para alcanzar la sostenibilidad es desacelerar. El trabajar con moda o diseño slow (lento) el cual permite mayor reflexión durante el proceso de diseño y en consecuencia lograr conexiones más profundas entre las partes actantes del proceso. Eleonor Johansson explica que “… la moda slow nos desafía a fortalecer las conexiones que tenemos con nuestra ropa y sus productores, mientras incluye valores de comunidad, sostenibilidad y diversidad y es vista como una reacción en contra de la sociedad de consumo de hoy, en la que los países desarrollados consumen a costa de los que están en vías de desarrollo…” (2010:28).

DISCON Fashion´s critical issues have been discussed in every medium however it is still highly dysfunctional and unsustainable. One of the key points for achieving a structural change is the connection between the different jobs and occupations fashion has within. Production nowadays works at an absurdly fast pace, with very low prices which leads to a dismemberment of its components. I took the basic 4 parts to illustrate this separation, using the designer, the maker, the seller and the wearer as the members of the industry. They currently have no connection whatsoever between each other and it would appear that there is a lack of inter-

Besides the black holes inside the business, the product itself is far from achieving a closer relationship with any of these parts, being an isolated thing with a wrecked lifecycle. est in searching for those links.

NECTION

As I stated before sustainability is about consciousness, therefore a lack of interest and relying on ignorance for tranquillity are not sustainable. I consider that when we start connecting these different parts we will begin to achieve levels of commitment between them, based on support, creativity and empathy. These standards are core to slow fashion movements. According to the 10 Slow Fashion Values for instance, the very first value

“… all actions are interconnected within larger ecological and social systems” (Slow Fashion claims that

Forward Org. n.d.), underlining the importance of connection s in the fashion industry. These will be embedded in people and clothes themselves, providing them with new associations and a new perceived value, changing the way fashion is consumed, portrayed, produced and performed. After all, fashion is a social ritual by excellence and that hasn’t changed.

DESCONEC La mayoría de los problemas críticos de la moda han sido debatidos y expuestos en todos los medios, no obstante esta sigue siendo disfuncional e insostenible. Uno de los puntos clave para lograr un cambio estructural es la conexión entre los distintos puestos de trabajo y roles que la industria mantiene. Actualmente

la producción se lleva a cabo a una absurda velocidad, con precios ínfimos, lo cual conlleva al desmembramiento de sus componentes. He tomado las 4 partes que considero básicas de este modelo para ilustrar esta separación, siendo estas el diseñador, el fabricador, el vendedor y el consumidor de moda. Al momento no tienen vínculos aparentes entre si y no existen señales de encontrarlos. Además de los agujeros negros que existen en la industria, el producto está lejos de alcanzar una relación significativa con ninguna de las partes previamente mencionadas, creando así un bien material completamente aislado de su entorno y con un ciclo de vida disfuncional.

Como mencioné anteriormente la sostenibilidad es conciencia, por lo tanto la falta de interés y el apoyarse en la ignorancia para tener tranquilidad no son sostenibles a largo plazo. Cuando se empiezan a conectar estas distintas partes se puede alcanzar niveles significativos de compromiso entre ellas, basados en apoyo, creatividad y empatía. Estos estándares son el núcleo del movimiento slow fashion. Si miramos a los 10 Valores de Slow Fashion por ejemplo, el primer valor dice que “…todas las acciones

sistemas ecológicos y sociales más grandes” (Slow Fashion Forward están interconectadas con

Org. n.d.), subrayando el la importancia de los lazos en la industria de la moda. Estos estarán entrelazados en las personas y las prendas permitiendo nuevos tipos de asociaciones y valores percibidos, cambiando la manera en la que la moda es consumida, producida y ejecutada.

T A D O S

For this project I am working with denim. This fabric has been around for centuries and has its most known origins in workwear, mainly because of its endurance and ease for mending and fixing. Since it lasted for many years, was worn every day by workers in several activities, and its structure permitted for indigo colour to migrate and change through wear and tear, the activities that took place with the garment were permanently embedded in its surface. The qualities denim has inherently are also a reason for my keen interest in it. It is a very versatile fabric, it has been rebellious, working class related, juvenile, couture, girly, sexy, mas-

Para este proyecto he decidido trabajar con denim. Este tejido ha estado presente por varios cientos de años. Tiene sus orígenes en la indumentaria de trabajo pesado por su resistencia a condiciones extremas y apertura a parches y remiendos. Estas prendas duraban varios años en los que eran utilizadas a diario y su estructura permitía que el tiempo haga que el color índigo migre por el tejido y permita exhibir las partes con mayor fricción o uso, dejando así una marca permanente en su superficie de la vida cotidiana del usuario. Junto con esta, las características inherentes del denim me llaman mucho la atención. Este es un tejido bastante versátil, ha sido relacionado con actos de rebeldía, a clases trabajadoras, grupos juveniles, alta costura, feminidad, masculinidad, entre otras. Se adapta al usuario convirtiéndose en una prenda individual y personal, al mismo

D E N I M

culine, and so on. It adapts to its wearer becoming individual even when it is a uniform worn globally. Denim, used for jackets, shirts, skirts, shorts, and infinite items throughout history, owes its fame to jeans. Jeans are the American staple piece, they hold that culture´s material and symbolic significance. These cultural traits have been globally perceived as part of the act of wearing jeans, which is a transcendental one (Olesen. 2011:69). Today jeans are designed, produced and worn in several different ways and their role in society is vastly overlooked because of the fast production they

tiempo que es un uniforme global adaptado a casi todas las culturas del mundo. El denim es usado en prendas como chaquetas, faldas, camisas, shorts, y una infinidad de productos más, sin embargo le debe su exitosa fama a los jeans. Los jeans son parte del look clásico americano, conllevan dicha cultura, tanto material como simbólicamente. Esta cultura entramada en el tejido ha sido globalmente percibida como parte del acto simbólico de usar jeans, el cual es bastante trascendental (Olesn.2011:69). Hoy en día los jeans son diseñados, producidos y llevados en infinitas maneras y el rol que han tenido en la sociedad pasa desapercibido por su rápida producción. Los jeans son conectores por excelencia. A principios del siglo diecinueve se volvieron un “…icono que difuminó las diferencias de

need. Jeans are connectors by excellence. They became in the early nineteenth century a “…gender- and class- blurring icon of the American people…” (Curtis, 2011:23). They merged class, gender, nationalities, political views, age, culture and time. They conquered the world. It is a very personal garment since it is worn constantly, the value it gains from the mundane acts performed on it is quite interesting. I have always argued we need to add value to our garments in order to have longer relationships with them. Cheap clothes equal short lives, and little value. In Worn Worlds, written by Peter Stallybrass states how “… striking it is that, as cloth loses its economic value, it tends to lose its symbolic value…” (2012:74). Even though denim is a fabric that has great acceptance on vintage items, which is also interesting, upcycling is essential in regaining that value, not only the economic one but most importantly, its symbolic value.

género y clases en la sociedad Americana…” (Curtis, 2011:23). Estos unieron a los distintos estratos sociales, las brechas de género, nacionalidades, discursos políticos, generaciones, cultura y el tiempo. Simplemente conquistaron al mundo. Los jeans son una prenda muy personal ya que son usados constantemente y el valor que adquieren al reflejar los actos cotidianos llevados a cabo en ellos a diario es bastante interesante. Siempre he argumentado que necesitamos agregarles valor simbólico a nuestras prendas para lograr relaciones más largas con ellas. La ropa barata equivale a cortos ciclos de vida y valor casi inexistente. En Worn Worlds, escrito por Peter Stallybrass, el autor describe que “…es tan impresionante que, mientras el tejido pierde su valor económico, tiende a perder su valor simbólico también…” (2012:74). Aunque el denim sigue siendo un tejido que es bastante buscado en prendas vintage, el upcyling es esencial en reconstituir su valor, tanto el económico como el simbólico.

SYMBOLIC VALUE (CRAFTSMANSHIP) Craftsmanship has been linked to sustainability mainly because of its slower manufacture. In fashion particularly, craft techniques are directly related to slow fashion, and as a result to sustainable-fair-friendly clothes production. Bruce Montgomery states that “Good craftsmanship encourages emotional bonding; not just between the work and its creator, but also the work and the consumer, for whom the appreciation of the product and its narrative can trigger gratifying associations and memories” (2012:7). However, craftsmanship and its skills are being lost all over the world, replaced by fast produced, low-cost products, created to be over consumed. This decline in craftsmanship is seen mainly in crafts education, craft related courses have declined highly in the past five to seven years in the UK. The perception on crafts related careers is not positive. In most cases it is perceived as a low wage, hobby-like activity, however its importance is acknowledged nowadays in many areas such as science and engineering for their aid in developing motor skills, as well as its contribution to the country´s economy (Bennett. 2016). Crafts refers to “an activity that involves making something in a skilful way by using your hands” (Merriam-Webster.

VALOR SIMBÓLICO (ARTESANÍA) La artesanía ha estado unida a la sostenibilidad principalmente por su proceso más lento de manufactura. En la moda particularmente, el uso de técnicas artesanales está directamente unidas al movimiento de slow fashion, resultando en una producción justa y amigable con el ambiente. No obstante, la artesanía y las habilidades que esta requiere están perdiéndose en el mundo, siendo reemplazadas por bienes producidos de manera rápida y barata, creados para una sociedad de alto consumo.

Bruce Montgomery dice que “…una buena artesanía fomenta un vínculo emocional; no sólo entre la obra y su creador, sino también entre el trabajo y el consumidor, para quien la apreciación del producto y su narrativa puede desencadenar asociaciones y recuerdos gratificantes” (2012:7).

Este decaimiento en los procesos artesanales se puede observar en los programas educativos que imparten estas prácticas, en el Reino Unido estos cursos han desaparecido significativamente durante los últimos 5 a 7 años. La percepción general de carreras relacionadas con procesos artesanales es generalmente negativa. En la mayoría de casos se piensa que generaran bajos ingresos a la persona que los practique y se lo relaciona con un hobby. Pese a esto su importancia se ha reconocido en muchas áreas fuera de las artes y el diseño, como la ciencia y la ingeniería por su ayuda al desarrollo motriz, además de la gran contribución que aportan a la economía del país (Bennett.

com. 2016), these techniques were crucial in the past centuries, before the industrial revolution and when resources were scarce, nonetheless, they got lost during the increasing pace of consumption and the reducing prices on the market. We currently face a shortage of resources, which calls for a rebirth of craftsmanship, not only within the productive sector but also in households and educational environments. There is an interesting side of craftsmanship, which is the added value it grants the products. This value goes beyond the material part of the piece, it is intangible and it´s what so many sought-after. Crafts allow for an imaginary set of perceptions or characteristics that are embedded in the crafted objects. As explained in the publication edited by the British Crafts Council,

2016). Artesanía se refiere a “una actividad que requiere realizar algo de manera habilidosa utilizando las manos” (Meriram-Webster.com.2016). Estas técnicas eran cruciales en siglos pasados, antes de la revolución industrial y cuando los recursos eran escasos, sin embargo se fueron perdiendo paulatinamente mientras la velocidad de producción se aceleraba y los precios del mercado se reducían. Hoy en día nos enfrentamos a una escasez crítica de recursos, lo cual hace un llamado a retomar estas habilidades, no solo para el sector productivo sino también en los hogares y entornos educativos. El valor agregado que tienen los productos artesanales es un lado interesante de las artesanías. Este valor va más allá de lo material, es intangible y es buscado por muchos. El proceso artesanal permite un conjunto de percepciones imaginarias que caracterizan al producto y están entrelazadas en él. Según una publicación editada por el Consejo Británico de Artesanías (British Crafts Council),

“Craftwork gives the consumer a connection with the item they have bought… It delivers a dialogue with the consumer that becomes richer each time it is used. Through the material chosen and method of construction, a crafted object invites people to think about where it came from, who made it, and how it was made.” (The Future Laboratory. 2012:11)

Craftsmanship allows for a deep connection between the stories behind the object, the makers and the users. Currently hand crafted items are becoming popular because of said values, such as sustainability, fair trade, eco-friendly and people-friendly. They are considered socially ethic so they have a higher moral aspect, which is desired by many. To me craftsmanship allows for a creative, fun and productive environment. The sense of accomplishment people get from creating something is an important part of a happier lifestyle. I believe working with their hands grants people the space to reconnect with themselves as well as with the object they are creating. “Thinking and feeling are contained within the process of making” (Sennet. 2009:7-10). The added symbolic value these pieces have is a useful surplus that also aids in the commercialization of crafts.

“El trabajo artesanal le da al consumidor una conexión con el producto adquirido…permite un diálogo con el consumidor que se enriquece con cada uso. A través del material elegido y el método de construcción, un objeto artesanal invita a la gente a preguntarse de dónde viene, quién lo hizo, y cómo fue hecho.” (The Future Laboratory. 2012:11) La artesanía permite una conexión profunda entre la narrativa detrás del objeto físico, los fabricantes y sus usuarios. Al momento los productos hechos a mano van adquiriendo popularidad por ciertos valores, como la sostenibilidad, el comercio justo, lo amigable con el ambiente y buenas condiciones humanas. Estos son considerados socialmente éticos y se los busca por su aspecto moral, el cual es deseado por muchos, independientemente de sus motivos. Creo que los procesos artesanales permiten un ambiente creativo y productivo de trabajo. La sensación de realización al ver lo que se creó con sus manos es algo muy importante para mejorar el estilo de vida de muchos. El trabajar con las manos nos permite reconectarnos con nosotros mismos al mismo tiempo que adquirimos conexiones con los objetos que vamos creando. “El reflexionar y sentir están contenidos en el proceso de creación” (Sennet. 2009:7-10). El valor simbólico agregado a estas piezas también es un plus que apoya a la comercialización de dichos objetos.

I have built my project around ornamentation and the role of fashion designers as pure ornamentors. This notion comes from the publication Fashioning Value- Undressing Ornament from Femke De Vries. The author begins describing the basic ornament as “…a visible addition to the surface of an object, an addition that does not have any influence on the objects practical function” (2015:8). This is where the connection to embroidery begins, because it is added on the garment without really interfering with its structure. De Vries describes Adolf Loos´ ideas of how the builder´s and the decorator´s tasks were separated, by using the example of a shoe cobbler. The built shoe, undecorated, had to Loos, more value and was more pure and durable than the shoe ornamented by the same cobbler. This idea questioned whether an unadorned garment had more value or was able to resist the fleeting trends and common obsolescence that adorned garments were so susceptible to. If so, was a key point in sustainable fashion to have basic neutral pieces that were in-style always? Or did ornament have a way of rethinking pieces and replacing its values into special fashion items?

ORNAMENTOR Going back to the separated tasks, De Vries explains that this was a common practice in the 17th century in England, when the decorators had the job to décor and embellish the inside of already built buildings, having nothing to do with the construction of them (2015:11). This could still be the case for architects and interior designers in some places, but in fashion these separations, I believe, came with the speeding of production and consumption, which led to a line production method. The author alleges that the contemporary fashion designer is excluded from the making process, which nowadays is very common to take place in a different continent. The same happens with the gaps between the designer, the maker and the user, likewise the relationship between these three and the object itself. By going into these issues in this project I am trying to use slow fashion, craftsmanship, and design in an attempt to bring these components back together in an empathic relationship that will result in sustainability. Another reason for extending on this concept is the idea of experimenting with the use of the term Ornamentor when addressing sustainable practices and craftsmanship in Ecuador. This is mainly because manual occupations are often underappreciated and are not seen as necessary. Sewing for instance, is perceived as dated, it is underpaid and there are few

people left who learn this skill. I am hoping that by introducing the matter with different concepts it will acquire a new light and attract more people. Going back to Undressing Ornament, if we visit Loos´ thoughts on ornament, it can be understood how it plays an interesting role in fast fashion. By being able to change the aesthetic appearance of clothes so fast only by changing the ornamentation on the pieces, the value perceived by the consumer shifts with every small alteration. It is perceived as something new, hence desired for its newness in style, aesthetic and values. This is linked to the creation of commercially constructed “value-ornament” by Bernays in the early 20th century (De Vries. 2015:14-18). All of these facts being true and frankly discouraging lead the research into the making of fast obsoleting ornaments. In order to produce these large amounts of adorned goods the costs are low and the processes cheap, there is a lot lost right here. So I wondered, what if the adornment that changed the aesthetic of the garments was made differently. What if the added value was not in its aesthetic but in the story and processes behind it (its symbolic value)?

DECORADOR He construido este proyecto alrededor de la ornamentación y el rol del diseñador de modas como decorador. Este concepto nace de la publicación Fashioning Value- Undressing Ornament de Femke De Vries.

La autora describe el ornamento básico como “…una adición visible a la superficie de un objeto, una adición que no altera las funciones prácticas del objeto” (2015:8). Aquí es donde empieza a conectarse el bordado ya que está presente en el objeto sin interferir con su estructura. De Vries describe la noción de Adolf Loos sobre la separación de las tareas del fabricante y el decorador, mediante el ejemplo de un zapatero. El zapato en sí tenía para Loos mayor valor y era más puro y durable que un zapato adornado por el mismo zapatero. Esta idea cuestiona si una prenda sin decorar tiene más valor o es capaz de sobrevivir el paso de las tendencias de forma más efectiva que una prenda decorada que se volverá obsoleta más fácilmente. Si es así, ¿es un punto clave en la sostenibilidad de la moda el tener prendas básicas y neutrales

que están a la moda siempre? ¿Puede el adorno de las prendas ser una herramienta para rediseñar y convertir sus valores simbólicos en algo especial? Volviendo a la separación de las tareas mencionadas previamente, De Vries explica que esta era una práctica común en el siglo diecisiete en Inglaterra, donde los decoradores tenían el trabajo exclusivo de adornar y guarnecer el interior de las edificaciones ya construidas, siendo totalmente separados de la construcción (2015:11). Esto puede ser el caso de arquitectos y diseñadores de interiores actualmente, sin embargo en la moda estas separaciones parten de los modelos de producción y consumo actuales. La autora explica que el diseñador de modas contemporáneo está excluido de los procesos de fabricación, ya que hoy en día es bastante común que estos se lleven a cabo en continentes diferentes. Lo mismo ocurre con los espacios entre diseñadores, fabricantes y usuarios, y a su vez entre estas tres partes y el objeto producido. Al adentrarme en estos aspectos de la industria estoy tratando de demostrar que al basarse en la moda slow, los procesos artesanales y el diseño se puede reconectar estos

componentes y alcanzar una relación empática y sostenible a largo plazo. Otra razón para usar este concepto es la idea de experimentar con las funciones del proyecto Decorador cuando se hace referencia a prácticas sostenibles y artesanales en Ecuador. Principalmente por la subestimación que tienen las profesiones de trabajo manual y la baja remuneración que conllevan. La costura por ejemplo, está considerada como una práctica anticuada, mal remunerada y cada vez somos menos las personas que aprendemos esta destreza. Espero que al presentar el tema con otra luz se pueda atraer a más personas que quieran aprender procesos artesanales y así cambiar la percepción de los mismos en el país. Regresando a la publicación Undressing Ornament, si nos detenemos en las ideas de Loos sobre los adornos, veremos que el rol que estos juegan en los modelos de moda rápida y lo interesante de su naturaleza. Al tener la posibilidad de cambiar la estética de las prendas para adaptarse a nuevas tendencias tan solo reemplazando la decoración, el consumidor percibirá la novedad y el valor de la prenda cambiará con cada pequeña alteración. Este será percibido como algo novedoso por ende deseado por su innovado estilo y valor. Esto está directamente relacionado a la creación comercial del valor-ornamento por Bernays a inicios del siglo veinte, el cual promueve el consumo de manera eficiente (De Vries. 2015:14-18). Para producir grandes cantidades de estos productos adornados, los costos deben ser bajos y los métodos baratos, perdiéndose mucho valor en el proceso. Entonces, me pregunto, ¿qué pasaría si el adorno que cambia la estética de estos objetos fuera hecho de manera distinta? ¿Qué pasaría si el valor agregado no estuviera en lo visual sino en la narrativa e historia detrás del objeto (valor simbólico)?

Embroidery “Embroidery is the art of working with the needle (which replaces the pencil, and variously tinted threads take the place of pigment) some kind of decoration, such as fruit, flowers, figures, symbols, etc., on an already existent material, viz. silk, wool, linen, etc. it has no organic connection to the “stuff” serving as its foundation; it might justly be called a gratuitous addition to it.” 34

(Townsend. 1899:2)

I define embroidery as the ability to create or recreate shapes and images with symbolic or narrative value by using stitches made with needle and thread. It is a skill employed for centuries and, even though the principle is the same, it varies its content and technique depending on the space, culture and time. It is, like all visual methods of communication, a great reflection of the socio-economic and cultural issues of a certain period of time. It is, like Townsend explains, “… some kind of decoration…” (1899:2) it is not a part of the object embroidered itself, yet it gets to be inherent in its structure once stitched. It is the perfect technique for my purposes. Embroidery has been used by many cultures as a mean to transmit important information as social status, religious rituals, and births or deaths. These uses intend to communicate something specific to particular groups who share this symbolism. Embroidery serves as a tool for communication, it essentially connects people. It is a beautiful thing that this connectedness is reflected in its structure as well, stitching is used to connect pieces of cloth, and so by connecting fabric it should be connecting people as well. One of the concerns I have with current fashion habits is the pace at which garments become obsolete in our wardrobes and in the stores. Embroidery used in a fast-produced fast-consumed way loses its essence entirely. Normally classic* garments are perceived to have longer lifespans because of their neutral aesthetic, contrasting to seasonal trends. Embroidery in fast fashion is just another element that reflects a certain style that trended, and given its obvious and decorative nature it could become obsolete faster than neutral clothing. However, when using embroidery as a craftsmanship tool, by hand and with certain standards, it acquires a new level of value, a symbolic one. The piece tells a different story, it is perceived and reflects different standards. Its lifespan is extended, not necessarily for what the object is in itself, but because of the story it has behind it. This can be a very debatable idea. Can embroidery be an instrument that will help a garment become obsolete faster or allow for a different relationship between it, the wearer and the maker?

*Referring to a garment that has qualities that are neutral such as color, shape and cut, so they are considered to be in style for long periods of time. 35

Bordado “El bordado es el arte de trabajar con la aguja (la cual reemplaza al lápiz, y varios hilos coloridos toman el lugar del pigmento) un tipo de decoración, como frutas, flores, figuras, símbolos, etc., sobre un material existente, seda, lana, lino, etc. sin conexión orgánica con “el objeto” que sirve como su base; podría ser llamada justamente una agraciada adición a este.” (Townsend. 1899:2) Yo defino el bordado como la habilidad de crear o recrear formas e imágenes con valores simbólicos o narrativos por medio de puntadas hechas con hilo y aguja. Es una técnica empleada durante siglos y, aunque el principio es el mismo, varía de acuerdo al contenido y las variaciones metodológicas, las cuales dependen del espacio, el tiempo y la cultura. Como todos los métodos visuales de comunicación, este es un perfecto reflejo de los eventos socioeconómicos y culturales de cada periodo en la historia. Es, como Townsend lo explica, “… un tipo de decoración…” (1899:2) más no altera la estructura del objeto bordado necesariamente, sin embargo llega a estar entretejido en el mismo. El bordado ha sido usado por varias culturas como un medio para transmitir importante información sobre rituales religiosos, nacimientos, estrato social, muertes, etc. Cada uno de estos usos tiene como objetivo comunicar algo específico a un grupo particular por medio de un simbolismo compartido. El bordado sirve como una herramienta de comunicación, la cual esencialmente conecta a sus receptores. Es algo hermoso el que estas conexiones intangibles se vean reflejadas en su estructura también, ya que las puntadas con aguja e hilo han sido usadas para conectar retazos de tela. Entonces, por medio de la conexión de tejidos debería ir conectando personas también. Uno de los problemas que creo que suponen los hábitos actuales en el mundo de la moda es la rapidez con la que las prendas se vuelven obsoletas, en nuestros closets y hasta en las propias tiendas. Cuando el bordado es usado para produ-

cir bienes de rápida fabricación y rápido consumo pierde su esencia completamente. Normalmente las prendas clásicas* están relacionadas con ciclos de vida más largos por su apariencia neutral, contrastando con las prendas que siguen tendencias por temporadas. El bordado en la moda rápida es solo otro elemento que refleja un cierto estilo que fue tendencia y dada su naturaleza decorativa podría volverse obsoleta más rápido que una prenda más simple y clásica. A pesar de esto, cuando se implementa el bordado como una herramienta artesanal, hecho a mano y cumpliendo con ciertos estándares, este adquiere un nuevo tipo de valor, uno simbólico. La pieza cuenta una historia diferente, es apreciada y refleja estos estándares. Su ciclo de vida se alarga, no necesariamente por lo material del objeto sino por la historia que lleva consigo. ¿Podría el bordado ser un instrumento que facilitará el estado obsoleto de las prendas, o uno que abrirá las puertas para una relación nueva con nuestra ropa, y con quienes la crean?

* Haciendo referencia a una prenda con cualidades neutrales como el color o la silueta, por lo que se consideran actuales por mayor tiempo.

ZULETA Zuleta is a small community located in the north Andean zone in Ecuador. It has approximately 1000 people and 5000 hectares. This community or small town used to be part of the Hacienda*, a very common socioeconomic system in Latin America, which was imported by Spanish colonials. This particular hacienda was owned by one of Ecuador´s presidents, Galo Plaza Lasso. Although the embroidery in this region was present before the Spanish colonialism, it did introduce new materials and techniques to the indigenous craftswomen in the 16th century (Hacienda Zuleta, 2013:para.1). This embroidery has been used as a purely decorative addition to clothing, almost

Zuleta es una pequeña comunidad localizada al norte de la zona andina ecuatoriana. Tiene aproximadamente 1000 habitantes en 5000 hectáreas. Este pueblo solía ser parte de una Hacienda , un modelo socioeconómico muy común en Latinoamérica durante la colonia. Esta hacienda en particular pertenecía a un ex presidente del Ecuador, Galo Plaza Lasso. Aunque el bordado ha estado presente en esta región durante mucho tiempo, la conquista española introdujo nuevos materiales y técnicas a los artesanos indígenas de la zona durante el siglo dieciséis (Hacienda Zuleta, 2013:para.1). Este tipo de bordado ha sido usado como un elemento puramente decorativo adicionado a la indumentaria típica de etas comunidades. Hoy en día se utiliza en la decoración de manteles, blusas, vestidos, camisas, toallas, entre otros. Esto ha logrado un significativo incremento en los ingresos familiares de la zona y ha sido reconocido mun-

Zuleta floral motif embroidery image from http://fundaciongaloplazalasso.org/voluntariado/volunteers-pictures-2/

exclusively women’s clothing. Now a days it is used to decorate tablecloths, tops, dresses, shirts, towels, among others. This has brought a significant increase in the family’s income and is recognized worldwide because of their skilfulness and the beauty of their work. This type of embroidery consists of satin stitches that create images inspired in local nature. These symbols come from indigenous ancient cultures, telling stories and referring to their long relationship to nature, mainly floral designs. What is very interesting about this embroidery, besides its technique and history, is that it is present in the every-day garments people wear. Their whole identity is embedded in this colourful pieces and it is part of their day-to-day activities.

dialmente por la habilidad y delicadeza reflejadas en los bordados. Estos consisten en puntadas de relleno que crean imágenes inspiradas en la naturaleza local. Estos símbolos son herencia de pueblos indígenas ancestrales, los cuales reflejan narrativas y paisajes de la vida cotidiana andina. Algo interesante de este bordado es que está presente en las prendas utilizadas en la vida cotidiana por esta comunidad, es parte de su identidad y los acompaña en sus actividades diarias.

embroidery image from http://lifestylekiki. com/tag/blogger-ecuador-zuleta/

* Hacienda: a large farm, usually with a landowner exploitation system with its origins in the Spanish property system, the model was exported to America during the colonial era. (EXICOON. 2016:para.1)

SASHIKO Sashiko was used at first to anchor layers of fabric and secured them together with a simple running stitch in the North of Japan and almost exclusively by working class families (Takeuchi. 2016). “Sashiko is the noun of the verb sasu, meaning to pierce” (Shaver. 1992). This technique was used for personal purposes; working class families had little to no access to new cloth and had to reinforce the ones woven at home. Unlike Zuleta embroidery, Sashiko serves a more practical purpose, to reinforce cloth and have it last longer. However, it does incorporate decorative symbols, which, like the Zuleta embroidery, have strong cultural identity embedded within. The symbols they used were a strong reflection of their spiritual culture and folklore. Some were believed to have protective qualities, like the dragon on the fire fighter jackets, some were purely decorative like the Cypress fence (Higaki). They are not as organic as the Zuleta motifs, although they are both symmetric, Sashiko patterns are mainly geometric and cover the cloth almost entirely. Higaki Cypress Fence pattern image from http://www. spoonflower.com/fabric/1490880-sashiko-higaki-cypress-fence-by-bonnie_phantasm Firefighter jacket V&A Collections image from http:// collections.vam.ac.uk/item/O12783/jacket-unknown/

Sashiko viene del norte de Japón y fue utilizada en un principio para asegurar varias capas de tela juntas con una puntada básica, siendo práctica casi exclusiva de familias de escasos recursos (Takeuchi. 2016). “Sashiko es el sustantivo del verbo sasu que significa perforar” (Shaver. 1992). Esta técnica se utilizaba para fines personales; familias de la clase trabajadora tenían poco o ningún acceso a tela nueva y tenían que reforzar los tejidos

en casa. A diferencia del bordado de Zuleta, este sirve un propósito más práctico, el reforzar telas para que su duración se prolongue. Sin embargo también usa las puntadas para decorarla con símbolos populares, los mismos que al igual que en Zuleta, tienen una fuerte connotación cultural. La simbología usada es un reflejo del ámbito espiritual y del folklore local. Algunas imágenes tenían relación con deidades protectoras en casos como el dragón visible en las chaquetas de los bomberos del antiguo Japón, en otros casos son dibujos decorativos como el seto de ciprés (Higaki). Ambas técnicas de bordado tienden a la simetría, pero Sashiko se maneja con figuras geométricas mientras que en Zuleta las figuras son más orgánicas.

MI PRÁCTICA MY PRACTICE By studying and practising Sashiko and Zuleta I do not intend to use the techniques. This project is only inspired and driven by the history, symbolism, and aesthetic these embroidery skills play with. I always believe that as Ornamentors (designers) in order to use a certain cultural feature and incorporate it in our own work we must inform ourselves on its history, uses, elements, etc. I find it unethical to appropriate certain element without having a notion of its background and origins, which lead to a respectful relationship with it. As stated previously, I am embroidering my pieces using elements inspired in Sashiko such as the joining of cloth, in this case denim, which relates to the indigo pieces used in Japan for the technique. I also incorporate the running stitch and the use of patterns to cover the fabric, although I create my own symbolic elements to print on it. I have also changed the colour of the threads used; in Sashiko it is white cotton thread. These relate to the Andean Zuleta embroidery, from which I have taken the satin stitch and the colourful Latin American background. The inspiration for the silhouette I chose for the final garments comes from my trip to Tokyo earlier this year. I was fascinated by the culture, the overall Japanese aesthetic, and I was lucky enough to see the exhibition of the work of Japanese fashion designer Issey Miyake at the National Art Centre in Tokyo. It was a very stimulating experience. The manipulation of fabric, his approach to no waste production and the shapes he works with, origami inspired or the most organic contours, and his innovative materials where amazing. I decided to use the silhouette of his workwear jumpsuit because of my small obsession with kimono-like sleeves, or poncho lines resembling open wingspans.

Al tomar los bordados de Zuleta y Sashiko como inspiración para mi proyecto no intento apropiarme de dichos elementos culturales, al contrario mi propósito es festejar y jugar con la estética de este tipo de bordados en los que relacionó mi trabajo hoy. Siempre he defendido la idea de que, aunque está bien el inspirarse en culturas y elementos históricos ajenos al diseñador, se debe mantener un acercamiento respetuoso y se debe hacer una investigación adecuada para aprender y conocer sobre estos elementos. Creo que la apropiación de dichos elementos sin noción de su historia o importancia puede desencadenar situaciones que incomoden a alguien, y se realicen juicios de ética profesional. Como expliqué anteriormente en este reporte, bordé mis piezas utilizando elementos inspirados en Sashiko, como el unir los retazos de denim, el cual se relaciona con el algodón tinturado con índigo usado en Japón con esta técnica. Igualmente he incorporado la puntada corriente para unir mis piezas y los patrones geométricos bordados, creando mis propios patrones y símbolos. El hilo usado tradicionalmente en Sashiko es de algodón blanco, yo he usado hilos de colores vivos inspirados en la estética andina latinoamericana, la que se puede observar en el bordado ecuatoriano. Finalmente he inspirado algunos detalles bordados con técnica de relleno en los bordados de Zuleta, los cuales tienen mis símbolos. La inspiración detrás de la silueta elegida para las prendas finales proviene de mi reciente viaje a Tokio. Me causó fascinación la cultura y la estética japonesa en general, tuve la suerte de asistir a la exhibición sobre trabajo del diseñador japonés Issey Miyake en el Centro Nacional de Arte de Tokio. Una experiencia realmente estimulante. La manipulación de textiles, su trabajo con producción sin desechos, las siluetas con las que trabaja, ya sean basadas en origami tradicional o contornos orgánicos, y la innovación en materiales son realmente inspiradores. Tome la silueta de su enterizo de trabajo por su estrecha relación con la historia del denim, la referencia a la silueta del kimono y a las alas del cóndor andino.

Gathering: - Second hand denim is the only fabric permitted - Recollection from charity shops, recycling centres, friends donations - Only flat woven fabrics, no stretchy-elastic denim pieces allowed (the stretch takes strange shapes when embroidered and when mixed with flat fabric) - Denim can be different hues of blue or darker grey and shades of black if encountered - Cotton embroidery thread in bright colours (yellows-blues-reds-pinkspurples-oranges) ** - Gather needles in different sizes, un-picker (S), scissors, thimble, band aids, chalk, pins, pattern paper, rulers ** an organic embroidery thread would be ideal, however a student budget only allows for the cheaper bright thread found in London and online.

Acopio: - Denim de segunda mano es la única tela permitida - Recolectar el material de tiendas de Caridad, centros de reciclaje o donaciones de amistades - Sólo tejidos planos, no mezclas con elastano y telas stretch - El Denim puede ser de distintos tonos de índigo, gris oscuro o negro si se da la posibilidad - Hilos para bordar de algodón en colores vivos (amarillos-azules-rojos-rosados-morados-naranjas) ** - Recolectar agujas de distintos tamaños y grosores, abre ojales, Tijeras, dedales, curitas, tizas, papel de patronaje, reglas

** el hilo ideal sería orgánico, sin embargo por el trabajo bajo un presupuesto estudiantil se limitará al hilo más barato de buena calidad encontrado en Londres o comprado en línea.

PROCESS: DESIGNER AS AN ORNAMENTOR

PROCESOS: EL DISEÃ&#x2018;ADOR COMO DECORADOR

the process - Gather all of the elements mentioned above - Wash the pieces if they appear to be filthy or smelly - Start unpicking garments DONâ&#x20AC;&#x2122;T cut the seams, try to unpick them all for a more interesting worn visual aspect and to use the fabric completely - Practice embroidering on small fragments to ensure a good quality of craftsmanship is achieved - Keep the threads that come out for further decoration or to use in future projects - Iron every piece to get the seams flat and ready to use - Use the patterns previously developed for guidance when putting pieces together - Place pattern on surface and stick it to it with tape - Start playing with the pieces creating a puzzle-like pattern piece, cut them when needed - Attempt to use medium to small pieces to complete the garments - Do not layer more than 3 fabrics, unless needed for thickness - Put the pieces together with pins - Join the pieces with loose and long hand stitches (these will disappear when embroidery is incorporated) - Create a pattern inspired in Sashiko techniques with personal symbolism integrated (on separate piece of paper) - Transfer the pattern, using chalk, to the garment pieces - Start embroidering using running stitches - Join the garment together forming the jumpsuit by using embroidery, ensuring there are no conventional seams on the garments - Add details on Zuleta inspired embroidery on different parts of the garment, using satin stitches and personal symbolic visuals - REPEAT changing elements of the basic jumpsuit piece when piecing the pattern bits together

- Recolectar todos los elementos mencionados anteriormente - Lavar las prendas recolectadas de ser necesarios - Empezar a zafar las prendas, NO cortar las costuras, tratar de zafar todos los hilos para aprovechar la distinta tonalidad de costuras y usar la tela por completo - Practicar el bordado en pequeños fragmentos de denim para asegurar una calidad aceptable de trabajo artesanal - Guardar los hilos que salgan de las costuras de las prendas para futuros proyectos - Planchar cada pieza zafada para que este plana y lista para usarse - Usar los patrones previamente desarrollados para crear las prendas - Poner el patrón de costura en una superficie lisa y asegurarlo a esta con masking - Jugar con los retazos creando las partes de la prenda como si fuera un rompecabezas, cortar si es necesario - No sobreponer más de 3 capas

de tela - Unir las piezas con alfileres - Hilvanar las piezas juntas para mantenerlas sujetadas mientras se borda - Crear un patrón de bordado inspirado en la técnica de Sashiko integrando símbolos propios (en un papel aparte) - Transferir el patrón a la tela con tiza - Empezar a bordar usando puntadas corrientes tratando de mantener regular el tamaño - Unir la prenda formando el enterizo utilizando la misma técnica de bordado, asegurándose de no tener ninguna costura tradicional - Añadir los detalles inspirados en la técnica de bordado de Zuleta, puntadas de relleno con símbolos propios - REPETIR cambiando elementos como el color, patrones de bordado y largo de extremidades pero manteniendo la estructura básica del enterizo inicial

el proceso 53

WORK IN PROGRESS This project is the starting point for many others to be developed in Ecuador. I am hoping The Ornamentor grows into 4 different fields. The first one in education, whether it is in schools or in higher education, the engage in conversation regarding craft techniques and sustainable approaches to fashion is of greater importance. The second field is the consumer group in general; the development of lasting relationships and consciousness as fashion users is vital. The third one is the industry; the fashion scene in Ecuador can be directed into a sustainable future, since it is striving in its first stages. The core of its processes, manufacture and commercialization are small enough to be changed more easily and set an example to other industries. The last field is in my personal practice. I have plans to start a small sustainable fashion brand based in Quito (Ecuador) and an online platform that will be a safe space for local independent designers to show and sell their products. This platform will reward sustainable decisions and will promote them by creating a biannual publication and by participating in events overseas. These goals can be achieved by organizing workshops, lectures, talks, showcase events, etc. I hope it will be an important sustainable fashion movement in the country. On the other hand, embroidery proved to be able to give the values and symbolism wanted for this project. The reactions and insights of people from Ecuador are yet to be studied in the future.

TRABAJO EN PROGRESO

Este proyecto es el punto de partida para muchos otros que se desarrollarán en Ecuador. Espero que El Decorador crezca en 4 áreas diferentes. La primera es en el ámbito educativo, ya sea en colegios o universidades. El establecer conversaciones que topen temas de sostenibilidad y trabajo artesanal dirigidos a la moda es de gran importancia. La segunda área es el grupo de consumidores de moda del país; el desarrollo de relaciones duraderas y conscientes de los usuarios con sus prendas es vital para un futuro sostenible. La tercera es la industria; la industria de la moda en Ecuador debe ser dirigida hacia un modo de producción sostenible y esto se puede lograr más fácilmente ya que se encuentra en fase de crecimiento. La ultima área es mi práctica profesional. Tengo planes de empezar un emprendimiento de moda sostenible basada en Quito y una plataforma online que será un espacio seguro para que los diseñadores locales independientes puedan promover sus productos y venderlos. Esta plataforma premiará y dará incentivos a marcas con modelos de negocio sostenibles. Estas metas se podrán llevar a cabo por medio de talleres, conferencias, debates, exhibiciones, etc. Espero que este sea el inicio de un importante movimiento en pro de la sostenibilidad en Ecuador. Por otro lado, el bordado ha comprobado que puede brindar los valores y el simbolismo buscados en este proyecto. Las reacciones y comentarios del mismo en Ecuador deberán ser estudiadas en un futuro próximo.

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