RFPA by Sara Oliver G.V.

GUÍA ORIENTATIVA//

Enero 2013

Nº 01#

R F P A Revista formativa para artistas

ENTREVISTA A

Javier Vallhonrat// ¿Qué busca en su obra?

Guillermo Mora// Nos responde. Descubre a este pintor contemporáneo sin ánimo de lucro.

Plataforma Revólver// Marielo Góngora//

Entrevistamos a la galerista.

Artista, sociedad y educación GUÍA ORIENTATIVA//

Un contacto más directo con el mundo del arte en cualquiera de sus campos. Mostramos aquí algunas opiniones, experiencias y criterios, de artistas, galeristas y comisarios.

¿Qué es para usted la educación?// Preguntamos directamente a los artistas para ver qué opinaban. A continuación os mostramos un análisis personal que puede ayudar a la juventud creativa en su futuro.

Arstista, sociedad y educaciรณn.

Contenido Artistas//

Guillermo Mora, Madrid.

04-09

10-13 Rosa Basurto, Mallorca. 14-19 Javier Vallhonrat, Madrid. 20-25 Fermín Jimenez Landa, Pamplona. 28-31 Luis Sachis, Valencia. NY. 36-39 Pasquale Caprile, Madrid. 44-47 Julio Adan, Madrid.

Galerías// 26-27 Plataforma Revólver, Lisboa (Portugal). 32-35 Boa Mistura colectivo, Madrid. 48-50 Galería Hispánica, Madrid. 52-59

Raquel Vazquez Dodero, Murcia. (Fundación Pedro Cano)

Galerístas// 40-43 Marielo Góngora, Londres.

Arstista, sociedad y educaciรณn.

Introducción// “Nos sentimos perdidos a la hora de proponernos presentar nuestro trabajo a un galerista ya que no sabemos cómo funcionan las galerías o simplemente por miedo. Tampoco tenemos muy presente en nuestra educación cómo gente joven llega a exponer en una galería o a ganar un premio. Creemos que esa falta de conocimiento en la universidad hace mella en nuestra autoestima. No solamente necesitamos conocer ese mundo para saber movernos en él como artistas sino también abrir el abanico en cuanto a las salidas profesionales. Por ello pensamos en la idea de rellenar ese vacío a través de una serie de entrevistas a algunos de los protagonistas de este mundo tan desconocido y temido al mismo tiempo a los cuales hemos querido preguntar sobre su experiencia personal pero también sobre su opinión sobre la Educación artistíca”.

Quienes somos// Tessa Dรณniga Clara Vento Carlota Churches Alexia Molina Sara Oliver

Arstista, sociedad y educación.

Guillermo Mora

La pintura de Guillermo se configura por su actitud. Su manera de trabajar está estrechamente unida al proceso de hacer. El trabajo de Guillermo trata del devenir pintura. Es por esto por lo que sus obras están en continuo movimiento, así muchas de las piezas que en un momento dado se exponen como definitivas vuelven a reelaborarse si vuelven a su estudio. 04

Nombre//

Guillermo Mora

Fecha de nacimiento// 1980 Lugar de nacimiento// Alcalá de Henares. Madrid. Educación//

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Gana el Primer Premio Nacional de Fin de Carrera. Cursa varios talleres y recibe la beca de estudios en The School of the Art Institute of Chicago. Chicago, EEUU. En 2008 cursa un Master Oficial en Arte Contemporáneo en la Universidad Europea de Madrid. Y en 2011 comienza la realización de Tesis Doctoral en los Departamentos de Pintura e Historia del Arte Contemporáneo. Residencia actual// Madrid Becas//

En 2003 Beca Fundación Rodríguez-Acosta. Granada. Primer premio// En 2008 Premio-Adquisición X Certamen de Artes Plásticas CEC. Cádiz. Primera residencia// En 2004 Beca de Residencia Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores. Córdoba.

01 Dice Guillermo Mora que su trabajo tiene mucho de manual de instrucciones y, ciertamente, sus obras parecen ejercicios de bricolaje sobre cómo hacer una pintura. Un juego lúdico que pasa por doblar lienzos, fragmentar bastidores, atornillar y taladrar tablas, con el que este joven artista madrileño cuestiona la pintura como género y la expande a otros territorios, como la escultura y la instalación. ¿Cómo se hizo artista?/¿Por qué decidió ser artista?// Desde pequeño tuve un gran interés por todo la material, lo manipulable, por todo lo que se podía transformar a través de uno mismo, pero nunca pensé en el arte como mi profesión. Es algo a lo que me fui acercando de una manera natural. Empecé a ser consciente de la profesión cuando comencé la carrera y poco a poco me fui viendo dentro del sector. ¿Qué importancia tiene para usted el arte?// Su importancia es vital. Es uno de los motores de los que dispone la sociedad para conocerse y reconocerse. ¿Qué busca con su obra?// Más preguntas que respuestas. ¿Fue descubierto o se movió para que conociera su obra?// Moví mi trabajo por mi cuenta mientras estudiaba. A través de becas y concursos fui haciéndome un pequeño hueco. A partir de los 30 años comencé a trabajar con diferentes galerías nacionales e internacionales que son las que representan mi trabajo actualmente. Desde ese momento se ocupan de promover mi trabajo y me han ayudado bastante a tener una posición. Con esto no digo que sea la única manera de promover el trabajo de un artista, pero en mi caso, la labor que han hecho estas galerías es muy importante, ya que mi obra ha podido proyectarse hacia otros circuitos artísticos. ¿Su lanzamiento a la fama fue un proceso rápido o lento? ¿Cómo fue?// No lo considero ni rápido ni lento. Diría que ha sido sobre todo constante. ¿A nivel personal su forma de trabajar cambió de alguna forma al ser más conocido? ¿Cómo le afectó?// El ser reconocido implica el aumento de tu producción, ya no sólo por venta de la misma, sinopor el préstamo para exposiciones, ferias, proyectos específicos, etc. Debes organizarse mejor el tiempo, rentabilizarlo e intentar que el trabajo no te ocupe las 24 horas del día. También uno debe plantearte el tener asistentes en ocasiones, ya que hay proyectos

Arstista, sociedad y educación.

Obras// 2007 2008

2009

Signo. La colección. Selección de nube. Atrapacielos. Ordenando el cielo con Donald. Mensajes. Dan_Dan_Dan_Dan_. Pequeño Barney. 2012 [][]. Señal II. Señal IV. Garfio. Montaña doble. I.D.E.A.L De un soplo. a.b.c Born. Hacer tiempo. Trampa.

2010

Press nº1. Siete Intermedios. Packs. Serie (LOT)

2011

Pieza extra. Suspenso. Oo. Modelos. Casi uno. En si. De puntillas.

Seis casi cien. Uno casi dos. Prototipo. Uno casi cuatro. Uno tras otro/ otro tras uno. No consigo. Subir para bajar. Casi tres.

Premios// Primer Premio “XXXVIII Premio Ciudad de Alcalá de Pintura”. Alcalá de Henares, Madrid. Premio-Adquisición X Certamen de Artes Plásticas CEC. Cádiz. Premio GENERACIÓN 2013, Proyectos de arte Caja Madrid.

A veces. Casi cinco. Entre tu y yo.

de mayor envergadura que no puede hacer uno solo. Y algo muy importante y que pocas veces se menciona es que el artista debe aprender a ser buen gestor y economista. En este trabajo no hay sueldo fijo, por lo que debe administrarse bien el dinero del que se disponga. También debe disponer de dinero suficiente por anticipado para sus producciones, ya que en la mayoría de las ocasiones los pagos o se demoran o son a posteriori. ¿Qué es para usted la educación?// Un pilar fundamental que actualmente se está resquebrajando desde varias posiciones. ¿Cómo vive el proceso creativo?// Como una pregunta diaria. ¿Cúal es su opinión del mercado del arte?// Actualmente el poder del mercado es alarmante, ya que parece que es el único motor que mueve el engranaje artístico internacional. El resto de motores que movían el arte han pasado a planos secundarios. Es quien toma la mayoría de las decisiones en el sector; quien domina por tanto. ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// Sé constante dentro de lo inestable.

“Mi pintura se mueve en el empate. El empate marca la imposibilidad de elegir entre dos sentidos. Y dos sentidos son los que siempre plantean mi ejercicio diario de pintar” Exposiciones individuales// Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid , Madrid. “Un paseo entre el dibujo, la pintura y un más allá”. Casa de Cultura. El Campello. “Tú la llevas”. Casa de la Entrevista. Alcalá de Henares. “De un soplo”. 2010 Galería FORMATO COMODO “Una pregunta diaria”. 2011 Galería CASA TRIÂNGULO “Viaje largo con un extraño”. Galería Extraspazio, Roma. “Quizás mañana haya desaparecido”. LAB, Injuve, Murcia. “Dos episodios y un estadio”. 2012 Galería FORMATO COMODO, Basel. “A menudo siempre. VOLTA8 (solo-project)”. 2009

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“Creo en una pintura siempre empatada, siempre a la espera.”

2011 “Prototipo”.

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Rosa Basurto

“Mi fuente de inspiración es sin duda alguna la naturaleza.”

Caracterizada por un marcado protagonismo del paisaje y una extensa colección de símbolos que dotan de una mágica profundidad a su discurso. Atmósferas preborrascosas y culto a lo esencial se conjugan en la serie Hábitat, donde, a través de unos espacios mínimos ubicados en interminables horizontes, contemplamos algunos lugares comunes y vinculados a la definición de la palabra “hogar”.

Nombre//

Rosa Basurto

Fecha de nacimiento// 1972 Lugar de nacimiento// Burgos Educación//

Autodidacta

Residencia actual// Madrid Primera exposición// 2005 exposición itinerante, Fotógrafas de la Naturaleza. Caja Castilla La Mancha. Toledo. Primer premio// Accésit I Concurso de Fotografía Digital EPSON.

Rosa Basurto fue galardonada junto a otras 10 mujeres artistas internacionales en la tercera edición del premio Julia Margaret Cameron para mujeres fotógrafas, convocado en el Reino Unido por The Gala Awards (UK) en 2012

02 ¿Cómo se hizo artista?/¿Por qué decidió ser artista?// Yo nunca he decidido ser “artista”, para mí esa palabra es muy grande. Yo me interesé por el mundo de la fotografía hace 10 años, este interés se convirtió en una verdadera pasión que hoy por hoy sigue viva. Así que me considero alguien que, a través de la fotografía, lleva a cabo sus pretensiones catárticas. ¿Qué importancia tiene para usted el arte?// Debe tenerla, aunque no demasiado consciente, puesto que pienso que el Arte involucra tanto a las personas que lo ejecutan, como a los observadores. Me gusta rodearme de lo estético, ya puede ser un fotografía, pintura, un objeto, una peli, un plato elaborado... ahí donde se le pone pasión está el arte. ¿Qué busca con su obra?// Te diría las típicas frases de “expresar un mundo interior” o “exteriorizar mis sentimientos, pensamientos, ideas...”.... pero sinceramente, creo que es algo mucho más banal, para mí es una necesidad fisiológica, así lo siento, no pretendo nada más que saciarme de foto cuando me lo pide el cuerpo , es la “pretensión catártica” que te comentaba antes. Por eso tengo temporadas más productivas que otras, porque no creo que se deba forzar ese momento tan mágico.

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¿Fue descubierta o se movió para que conociera su obra?// Yo creo que lo que hizo que se empezara a conocer mi obra fue presentarme a un concurso (“Descubrimientos PhotoEspaña”). A partir de ahí he tenido mucha suerte. ¿Su lanzamiento a la fama fue un proceso rápido o lento? ¿Cómo fue?// “Lanzamiento a la fama”, ¡¡¡cómo me suena eso....!!! Ese mismo año me llamaron de una Galería y ya comencé a trabajar de una manera más “profesional” si se puede llamar así... ¿A nivel personal su forma de trabajar cambió de alguna forma al ser más conocido? ¿Cómo le afectó?// No cambió nada, sigo sin tener un “estudio” más que la Naturaleza, algún espacio habilitado momentáneamente en mi casa, y mi ordenador. ¿Qué es para usted la educación?// Desarrollar habilidades para la vida. ¿Cómo vive el proceso creativo?// Durante un tiempo me rodeo de la idea, la visualizo, observo en muchos sitios lo que me puede ayudar para conseguirla, me creo mi mapa mental... y cuando comienzo a desarrollarla, descargo. Antes no era así, hacía y hacía pensando que alguna de esas fotos me servirían, llevaba la cámara a todos los sitios y no desperdiciaba ninguna oportunidad para disparar...., ahora me tiro muchas temporadas sin hacer nada hasta que llega una chispa que me altera. ¿Cúal es su opinión del mercado del arte?// Siento decirte que no tengo ninguna opinión. Suelo asistir a ferias porque me encanta bañarme visualmente, pero desconozco el tema como para opinar al respecto. Las galerías hablan de un mal momento, pero me imagino que como en el resto de ámbitos. Por otro lado está surgiendo una nueva ola de artistas y grupos artísticos que no dependen de intermediarios para exponer e incluso vender. Ahí está la libertad de cada uno para elegir entre la relación simbiótica (aunque para algunos es parásita) del artista-galería o la no dependencia artística.

Exposiciones individuales//

Exposiciones colectivas//

2005 Congraso Aefona, Lérida. Galería Estampa, Madrid. “Cuatro Estaciones”, exposición itinerante. “Lugares del alma”. Galerie Chambre avec vues. Caja Castilla la Mancha, Toledo. 2006 Aula Medio Ambiente, Caja de Burgos, Burgos. “Lugares del alma”. “Cuatro Estaciones”, exposición itinerante. 2010 Registered Gallerye, París. 2007 Museo de Arte Thyssen-Bornemisza, Madrid. “Lugares del alma”. I Concurso Fotografia Digital EPSON 2011 Galería Estampa, Madrid. 2008 Complejo El águila, Madrid. “Rosa Basurto”. Descubrimientos PhotoEspaña. Galería Carmen de La Calle, Madrid. Estampa. Feria Internacional de Arte Múltiple Contem poráneo. Portugal. “Cuatro Estaciones”, exposicion itinerante, Fotografas de la Naturaleza. 2009 Zarautz,Guipúzcoa). XVII Muestra Internacional de Fotografía “Torre Luzea”. Les Rencontres d’Arles, Francia. Photo Folio Gallery Galería Estampa, Madrid. Art-Madrid (4ª Feria de Arte Contemporáneo). 2010 Honfleur, Normandie, Francia. Festival “Chroniques Nomades”. Monasterio de Veruela, Zaragoza(España). Espacio Caja de Burgos, Burgos (España). Antigua Escuela de Artes y Oficios, Valencia (Es paña). Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, Guatemala. GuatePhoto, “Convocatoria Internacional”. Festival SCAN Tarragona, Tarragona. “Talent Latent 2010”, comisariada por Jesús Micó. 2011 Crane Kalman Gallery, Brighton, Londres. Affordable Art Fair. Galería Estampa, Madrid. 2012 El Fotómata, Sevilla. “Bolonia”, 21 Balada del Cíclope “especial verano”. 8Bis Estudio, Barcelona. “TOMA! Muestra de Fotografía Emergente”. Gallery Carte Blanche, San Francisco. California “(Un)Familiar” El Matadero, Madrid. “La imagen ausente”, Secc. Oficial PhotoEspaña - Pre mios Click & Rec de videoarte.

2009

Arstista, sociedad y educación.

¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// ¿Consejos?, ¡me los tendrían que dar ellos a mí ! ¡ Cómo me hubiese gustado estudiar Bellas Artes... !, recibir realmente una formación técnica para disponer de todas las herramientas... Mi experiencia es autodidacta. Le diría que buscara primero su camino, que se centrara en él, que utilizara todos los medios para difundirse y darse a conocer (hoy en día internet y las redes sociales nos facilitan mucho el camino), que sea pasional con sus creaciones porque es la mejor manera de contagiar esa pasión y que después fuera constante y paciente...... que todo llega cuando se le pone todos estos ingredientes. ¿Qué consideras que es la educación artística?// Centrándome en la base de todo, que es la educación en la Escuela, pienso que se debería explotar el potencial individual de cada alumno en lugar de reproducir y copiar patrones. He de decir que en el currículo de Primaria la “Educación Artística” debería tener un mayor reconocimiento y valoración. Una hora a la semana de “Plástica” y otra de “Música” conforman la educación artística en nuestros escolares españoles y la calificación es la media de estas dos (música + plástica). ¡¡Una auténtica aberración!! Todos tenemos la capacidad de ser creativos, pero muchos viven convencidos de que sólo el “artista” posee ese don. No es así, la creatividad se aprende, se ejercita y se desarrolla.

Premios//

2012 2nd Prize Category Landscapes and Seascapes -3rd Edition of The Julia Margaret Cameron Award, UK. * Finalista Premios de videoarte Click & Rec + PhotoEspaña sobre “La imagen ausente”, Expo en El Matadero, Madrid. * Honorable mention “Curator’s voice” APA SF + Carte Blanche Gallery “(Un)Familiar”, San Francisco - California. 2010 “The Julia Margaret Cameron Award 2010”: - Runner up in non professional section, - Best image of show, - First & Third Prize Nature, - Honorable mention Landscapes. * Premio del jurado “Historia de invierno”, PhotoEspaña. 2008 Seleccionada en Descubrimientos PhotoEspaña. * Seleccionada Trierenberg Super Circuit, Austria. * Seleccionada X Biennal Internacional AQÜEDUCTE. 2007 Dos ‘Highly Commended’. Certamen ‘European Wildlife Photographerof the Year’ en la categoría ‘landscapes’. Alemania. * Primer Premio Monocromo. Bienal Internacional SICAFI, Argentina. * Seleccionada XXXV Trofeo Guipuzcoa Internacional. * Primer Premio IV Concurso de Fotografía de Naturaleza Vila-Real (sección flora), Castellón. 2006 Accésit I Concurso de Fotografía Digital EPSON.

Mirando al cielo 14.

Arstista, sociedad y educaciรณn.

Javier Vallhonrat

La evolución de su trabajo más personal ha transitado de forma espectacular por el mundo de la moda, algo que ejerce sobre él una atracción especial.

Su trabajo ha visitado las mejores galerías y salas de exposición nacionales e internacionales, tanto de manera colectiva como individual, así como prestigiosos museos, desde el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid hasta The Beuth Collection en Estados Unidos.

Arstista, sociedad y educación. Nombre//

Javier Vallhonrat

Fecha de nacimiento// 1953 Lugar de nacimiento// Madrid Educación// de Madrid.

Facultad de Bellas Artes

Residencia actual// Madrid. Primer premio// 1989 Premio de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de Publicidad y Moda de Madrid al Mejor Fotógrafo del campo. Comienzo de primeras series fotográficas// 1981 comienza sus primeras Series de Fotografías personales y dirige varios seminarios de fotografía. Primera exposición// 1983 Aele Gallery Madrid.

03 Nace en Madrid, en 1953. Ha estudiado Bellas Artes al mismo tiempo que se ha dedicado a la fotografía. Su padre era un buen aficionado y quien le introdujo en el ámbito que más tarde convertiría en su profesión. Con 18 años empezó a trabajar como ayudante del fotógrafo italiano Gerardo Moschioni. Posteriormente, se especializó en moda, dedicándose a este campo desde finales de los años 70. ¿Cómo se hizo artista?/¿Por qué decidió ser artista?// Porque el trabajo de otros artistas me intrigaba más que ninguna otra cosa. Decidí entrar en Bellas Artes, y así empezó todo. ¿Qué importancia tiene para usted el arte?// Es uno de los centros de mi vida. Tal vez lo más importante sea que me permite estar en contacto con algo interno muy invisible y muy creativo. ¿Qué busca con su obra?// Busco a través de mi obra, aprender a dejar que la creatividad y la intuición se desplieguen. También busco aprender a hacer las cosas bien. ¿Fue descubierto o se movió para que conociera su obra?// Me moví, y mucho. No conozco a nadie que fuera descubierto. ¿Su lanzamiento a la fama fue un proceso rápido o lento? ¿Cómo fue?// No he vivido ningún lanzamiento a la

fama. Tu pregunta presupone algo (fama) que desconozco. He trabajado todos los días, muchas horas, para que mi trabajo sea consistente. Poco a poco, año tras año, el trabajo ha ido encontrando respuestas externas. Algunas personas se interesaron por él. Supongo que es consecuencia de que a esas personas les resulta interesante. A otros no. ¿A nivel personal su forma de trabajar cambió de alguna forma al ser más conocido? ¿Cómo le afectó?// No mucho. Tener respuesta del exterior da cierta seguridad, cierto feedback, pero puede ser tan positivo como negativo. A veces te crees que eres muy bueno, o pierdes la conciencia clara de lo que haces. A veces, que nadie se interese por tu trabajo es desesperante. A veces tener mucho éxito, o muy rápido, es lo peor que te puede pasar. ¿Qué es para usted la educación?// Un proceso necesario, dinámico, continuo, evolutivo. No conozco bien los parámetros de la Educación Universitaria española. Creo que es muy desigual, según los centros y los profesores. Depende mucho de casos particulares. ¿Cómo vive el proceso creativo?// Es una pregunta demasiado amplia para saber a qué aspecto contestar. Estudié Bellas Artes, y luego me pareció que quedaban muchas áreas por conocer y estudié Psicología y Psicoterapia. Me he pasado muchos

años reflexionando e intuyendo, observando y poniendo en práctica lo observado, y volviendo a observar. Poco a poco sé algunas cosas más de mi proceso creativo, pero tengo la sensación de que sé muy poco. ¿Cúal es su opinión del mercado del arte?// Es un mercado con reglas de mercado aplicadas al arte. ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// Que tenga mucha paciencia, que dialogue consigo mismo y con los demás a través de su trabajo, que disfrute con él, que lo viva como una oportunidad para aprender y para ser. Si la consecuencia es tener éxito externo, tanto mejor. ¿Qué consideras que es la educación artística?// Lo mismo que la respuesta 7 más la 10: un proceso necesario, dinámico, continuo, evolutivo. Exige mucha paciencia, que alguien te ayude a aprender a dialogar contigo mismo y con los demás a través de su trabajo, a disfrute con él, a entender el aprendizaje como una oportunidad para aprender y para ser.

Obra en museos y colecciones//

España Colección Banesto (Madrid), Colección Fondo de Cultura (Vigo), Fondos de Arte Contemporáneo Universidad Politécnica de Valencia (Valencia), Fundación Tous-de-Pedro (Barcelona), Museo de Badajoz (Badajoz), Museo de Bellas Artes de Alava (Alava), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museo Palacio de Sástago (Zaragoza), Banco de España (Madrid), Fondos de la Colección de Fotografía de la Comunidad de Madrid (Madrid) Francia Collection Paris Audio-Visuel (Paris), FRAC Rhône-Alpes (Lyon), Maison Européene de la Photo (Paris), Musée Cantini (Marsella).Musée Reattu(Arles) Inglaterra The Marsh Collection (Londres) USA International Polaroid Collection (Boston), Philadelphia Museum of Art (Philadelphia), The Beulh Collection. ALEMANIA Colección Claudia y Michael Loulakis (Frankfurt).

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Premios// Premio de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de Publicidad y Moda de Madrid al Mejor Fotógrafo del campo 1989 Premio Nacional de Fotografía 1995 Premio PhotoEspaña en la categoría nacional 2007 Premio Fotografía – kaulak 2009 Premio Cultura en Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid 2010 Profesor invitado// Encuentros Internacionales de Arles, 1989(Francia). Higher Institute for Fine Arts - Flanders,1999 (Amberes). Proyecto Focus, 2000, Madrid. Universidad de Cantabria, 2000 (España). Universidad de Sevilla, 2003 (Xª Jornadas de Arte Contemporáneo) (España).

Exposiciones Individuales//

Obras destacadas// El espacio poseído Eterno Efímero Casa de Humo Animal Vegetal Autogramas Cajas Acaso

1983 Aele Gallery, Madrid. 1985 II Diaframma Gallery, Milán (Italia). Círculo de Bellas Artes, Madrid. 1986 Galería Buades, Madrid. Galería Visor, Valencia (España). Porin Taidemuseo, Porin (Finlandia). Museo Nacional de Bellas Artes, Caracas (Venezuela). 1987 Les Somnambules Gallery, Toulouse (Francia). 1988 Van melle Gallery, Paris. Fotobienal, Vigo (España). 1989 Abbaye de Montmajour, Arles (Francia). Galería Forum, Tarragona (España). 1990 Parco Photographers Gallery, Tokyo. Galería Juana Mordó, Madrid. Museo de Arte Moderno, Huelva (España). 1991 L.A. Galerie, Frankfurt (Alemania). Bienal Internacional de Fotografía, Tenerife (España). Centro de Cultura Sa Nostra, Palma de Mallorca (Es paña). 1992 Galería Forum, Tarragona (España). Centro de Arte “La Recova”, Tenerife (España). Hamiltons Gallery, Londres. 1993 Prinz Gallery, Kyoto (Japón). “Art Fair”, Hamiltons Gallery, Basel (Suiza). Monasterio de Veruela, Zaragoza(España). Espacio Caja de Burgos, Burgos (España). Antigua Escuela de Artes y Oficios, Valencia (Es paña). 1994 Galería Juana Mordó, Madrid. 1995 Hamiltons Gallery, Londres. 1996 Museo Santa Mónica, Barcelona (España). Galería Helga de Alvear, Madrid. 1997 Gilbert Brownstone Gallery, Paris. C.N.E., Sala Julio González, Madrid. Hamiltons Gallery, Londres. 1999 Galería Helga de Alvear, Madrid. 2000 L.A. Galerie, Frankfurt (Alemania). 2001 ARCO’01-Video proyección “ETH” 2000., Madrid. “ETH”, Galería L.A., Frankfurt (España). “Obras, 1996-2001” Sala Amós Salvador, Cultural Rioja, Logroño (España). 2002 “ETH”, Galerie Emmanuel Perrotin, París. “LUGAR”, Tinglado II-Primavera Fotográfica de Barce lona. Tarragona (España). “ETH”, Salamanca/Ciudad Europea de la Cultura, Sala manca (España). “ACASO”, Museo Comarcal de Olot, Gerona (España) 2003 “ACASO, 2002”, Centre national de la phtographie, Paris. “ACASO”, Galería Helga de Alvear, Madrid. 2004 “Casa de humo”, Fundación Telefónica, Madrid.

Arstista, sociedad y educación.

Fermín Jimenez Landa

Situándose voluntariamente al margen de categorizaciones establecidas, su obra se nutre de múltiples formatos de presentación —de la instalación, la fotografía, el texto, el dibujo o el vídeo hasta la documentación de sutiles acciones que alteran la habitual rigidez del espacio público— que inciden en nuestros

entornos urbanos desde un análisis descentralizado, limítrofe y poliédrico Un proceso de trabajo obsesivo y frenético que, dejando a lado estructuras definidas de inicio y final, de expectativa y resultado, crece de forma desmesurada en diversas direcciones mientras incide en la capacidad sarcástica del arte para modificar y subvertir lo que pensábamos que era inamovible..

Nombre//

Fermín Jimenez Landa

Fecha de nacimiento// 1979 Lugar de nacimiento// Pamplona. Educación//

1997-2002 Licenciado en Bellas Artes en la universidad Politécnica de Valencia. Consigue un diploma de estudios avanzados del departamento de escultura, en 2005. Participación en algunos talleres.

Residencia actual// Valencia Becas// En 2008, Ayudas a la creación de artes plásticas. Gobierno de Navarra. Primer premio// Jóvenes artistas de Pamplona. 2º premio. Primera exposición// En 2009, “ahora todos los chicos están llorando”. Centro Huarte.

04 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, Fermín Jiménez Landa (Pamplona, 1979), ha realizado varias exposiciones individuales, entre ellas la realizada en el ciclo “Amikejo”, comisariado por Latitudes, junto al artista Lee Welch en el Laboratorio 987 de MUSAC (2011); “Actos oficiales” en Sala Montcada. Caixaforum; (2008); “La Guerra Fría” en Galería T20 (2011) o “No muy a menudo ni muy poco” en Galería Valle Ortí (2010). Ha participado en destacadas colectivas como “Antes que todo” en CA2M (2010) u Observatori en Las Atarazanas, Valencia (2011). Ha sido reconocido con importantes premios y becas haciéndose un hueco entre los artistas jóvenes del panorama nacional. ¿Cómo se hizo artista?/¿Por qué decidió ser artista?// Hacerse artista, no se hace uno. Todos hacemos arte, cosas, dibujos, lo que sea. Supongo que es una cuestión de estadísticas en cuanto a horas dedicadas. En cualquier caso decidí ser artista porque incliné la balanza hacia el lado de lo que de verdad quería hacer y no al de la responsabilidad y el miedo al futuro. ¿Qué importancia tiene para usted el arte?// Muchísima. Me hace muy felíz. Hacerlo y verlo. ¿Qué busca con su obra?// No tengo demasiada idea. Cualquier cosa que te responda será parcialmente mentira. Busco desde luego otras miradas hacia lo que me rodea. ¿Fue descubierto o se movió para que conociera su obra?// Me moví, mucho. Pero el proceso fue divertido. ¿Su lanzamiento a la fama fue un proceso rápido o lento? ¿Cómo fue?// Lo mío ha sido más bien un lanzamiento en plancha a la ruina. No soy famoso, pero bueno, hablando desde donde estoy ahora, como decía, fue lento. Lo que he hecho siempre es exponer mucho, en pequeñas exposiciones lógicamente, presentarme a muchísimos concursos, becas, etc... Al final resulta que los miembros de los jurados te acaban pidiendo una pieza para algo que les encaja, ahí te ven otros para otra cosa, etc. Pero nada de lanzamientos, todo a velocidades lentísimas. En eso sigo, en moverme despacio. ¿A nivel personal su forma de trabajar cambió de alguna forma al ser más conocido? ¿Cómo le afectó?// Con los años han cambiado muchas cosas, pero no creo que sea directamente el ser reconocido. Es la experiencia, la vida, las infraestructuras también, el recibir los consejos de amigos y colegas,

Arstista, sociedad y educación.

etc... ¿Qué es para usted la educación?// Madre mía qué pregunta! En arte, supongo... La educación para un artista es algo también muy lento - o es que soy yo el lento- algo para lo que vale la universidad, si, pero vale la atención, la manera de mirar a las cosas, la experiencia, la práctica... el contacto con otros artistas, etc... ¿Cómo vive el proceso creativo?// De muy distintas maneras. No tengo sistematizado mi proceso creativo asi que a veces es una pequeña intervención pensada casi en el momento y a veces pasan años desde que empiezo a pensar en algo hasta que se materializa. ¿Cúal es su opinión del mercado del arte?// No lo conozco para tanto, en realidad. Está claro que puede ser turbio pero también he de decir que a veces desde Bellas Artes dramatizamos mucho como si fuera el más corrupto e inmundo de los entornos y no es para tanto, si uno lo compara con cualquier otro mercado laboral. Donde hay poder y dinero las hienas acuden, pero hay otros entornos con mucho más poder y dinero. Lo que hay es pocas plazas vacantes, desde luego. ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// ¡Que no se estresen! Que disfruten de la carrera y no hagan mucho caso a sus profesores pero que les escuchen a todos, a los zoquetes y a los interesantes. Que vayan a ver todas las exposiciones que puedan, no solo las que crean que les van a gustar y que se apunten a talleres impartidos por artistas.

Exposiciones individuales//

Exposiciones colectivas//

Centro Huarte. 2006 Artium de Álava, Vitoria. “Entornos próximos”. “Ahora todos los chicos están Círculo de Bellas Artes, Madrid. llorando”. “La muestra de arte INJUVE”. 2010 Galería Valle Ortí, Valencia. Círculo de Bellas Artes, Madrid. “No muy amenudo, ni muy poco”. 2009 2011 Galería T20, Murcia. “La muestra de arte INJUVE”. “La guerra fría”. 2010 Centro cultural de España, Sao, “Julio #5”. Laboratorio MUSAC, León. “Amikejo, junto a Lee Welch”. Galería Nogueras Blanchard, Barcelona. “08001”. 2012 La Casa Encendida, Madrid. “Las puertas”. CA2M, Madrid. “Antes que todo”. 2009

Arstista, sociedad y educaciรณn.

2011 “Amikejo, junto a Lee Welch” 2011 “Amikejo”.

Arstista, sociedad y educación.

Plataforma Revólver

Nombre//

Fundada en 2006, la plataforma Revólver es una estructura innovadora del arte contemporáneo ubicada en Lisboa. Promueve un programa de exposiciones y residencias de artistas internacionales, participando activamente en la promoción del diálogo y el arte internacional. La plataforma está abierta al público de lunes a sábado y de entrada gratuita. El perfil internacional de la Plataforma Revólver es una importante referencia para el arte contemporáneo en Lisboa. Una gran edición de catálogos y otras publicaciones (desde 2006 hasta la actualidad) refleja la proliferación de exposiciones y el dinamismo de sus proyectos: la Plataforma Revólver tiene una larga práctica de producción de exposiciones y la historia activa en la creación de redes y las relaciones con las instituciones nacional y la cultura contemporánea internacional. El programa está dirigido a un público especializado y un numeroso público que destina a estimular el compromiso con el arte. La calidad de la programación ha sido el éxito de la Plataforma y su valor cultural es incuestionable: numerosos artistas y curadores nacionales e internacionales, han sido invitados a contribuir con su trabajo al programa de exposiciones y residencias de artistas. Estas residencias, con una trayectoria internacional consolidada y prometedora, ofrecen la posibilidad de desarrollar un proyecto artístico y contribuir a la plataforma una estructura cultural de proyección global.

Plataforma Revólver

Fecha de nacimiento// 2006 Lugar de nacimiento// Portugal. Artistas expuestos// Pavel Büchler, Nina Chua, Nick Crowe and Ian Rawlinson, Tiago Duarte, Nicola Ellis, Mary Griffiths, Shona Harrison, Ana Rosa Hopkins, Jo McGonigal, Fiona McKillop, Eileen O’Rouke, Richard Proffitt, Maeve Rendle, Evangelia Spiliopoulou.

¿Qué buscan en un artista? / ¿Qué criterio sigue/ tiene a la hora de seleccionar a alguno?/¿Cómo trabaja Plataforma Revolver en el proceso de selección?// Son varios los criterios pero nuestras exposiciones son colectivas, por eso tiene que ver más con un proyecto general y su concepto que con un trabajo de un artista concreto. ¿Cuántos artistas nuevos escoge cada año?// Muchos. Casi todos los artistas que exponen aquí son emergentes.Si en un año organizamos cinco inauguraciones con 4 o 5 exposiciones colectivas es sólo hacer cuentas. Puedes ver nuestras exposiciones de los últimos dos años aquí; http://www.artecapital.net/plataforma.php http://transboavista-vpf.net/exposicoes/ ¿Cuál es su opinión del mercado del arte? / ¿Cómo cree que está evolucionando o va a evolucionar el mercado? / ¿Es costoso promocionar a un artísta? (En valor de tiempo y economico)// Somos una asociación sin ánimo de lucro y por eso no nos podemos pronunciar en relación al mercado del arte ya que no vendemos ni compramos nada. Tampoco promovemos a los artistas, sólo en los medios de comunicación de las exposiciones.

¿Qué es para usted la educación artística?// Es intentar mostrar de una forma variada lo que mejor se hace en arte contemporáneo en Portugal, dando oportunidad a artistas emergentes. La educación se hace viendo muchas cosas para después poder formular juicios críticos.” ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// Que siga su instinto artístico y no se deje llevar por las tendencias. Que trabaje bastante porque sólo así conseguirá vivir de su arte. ¿Qué opina de la figura de comisario?// El comisario es fundamental para cualquier exposición, es él el que formula el concepto que selecciona a los artistas y decide cómo mostrar ese concepto.Todas nuestras exposiciones exigen un comisario.

Arstista, sociedad y educación.

Luis Sanchis

Nombre//

Luis Sanchis

Lugar de nacimiento// Valencia Residencia actual// Nueva York.

Luis Sanchís, de origen español, empezó su carrera en el mundo del arte y el cine, muy presentes siempre en sus cuidadas fotografías. Desde el año 1994 vive en Nueva York, ciudad donde ha conseguido crecer profesionalmente. El uso de luz artificial en localizaciones exteriores dota a sus trabajos de un color y una textura muy personal, consiguiendo crear escenas de un gran nivel estético. Autenticidad y ficción se mezclan en escenarios que se repiten: la playa, la carretera, el mar… creando un imaginario coherente y propio. Sus editoriales se han publicado en revistas internacionales como Pop, Arena, Big y British Vogue. Ha trabajado para Diesel, Gucci Y Kenzo entre muchos otros y ha sentado delante de su objetivo a celebrities de la talla de Madonna, Jude Law o Leonardo DiCaprio. Sus fotografías han aparecido en las mejores revistas. Ha trabajado para importantes firmas y ha recibido premios por sus encargos publicitarios. Sin embargo, la tierra que lo vió crecer parece hacer oídos sordos a su talento. Desde Nueva York y vía email, Luis responde amablemente a nuestras preguntas. ¿Cómo se hizo artista?/¿Por qué decidió ser artista?// La vida, tu vida como tu la vivas! Para mi esa es la escuela. Vivir, viajar, descubrir, experimentar, experiencias, gente, sitios, momentos, la naturaleza, el mundo, leer, divertirse. Salirte de tus pautas, meterte en situaciones insolitas fuera de tus parametros de lo comodo, de lo que conoces. Estoy convencido de que todos nacemos con talento para algo pero hay que encontrarlo y desarrollarlo. Una cosa es el talento y otra es la parte técnica o experiencias. Necesitas de las dos y trabajar duro porque no es fácil y más hoy en dia que te tienes que adaptar constantemente a nuevas innovaciones y tecnologías. Pero eso también te enriquece, cualquier situación depende del jugo que tu le saques. Todos aprendemos de lo que todos los demás hicieron antes de nosotros en cualquier campo ya sea artístico o técnico, médico etc... pero eso es solo información. Lo otro

Tras casi 16 años de carrera y luego de abandonar España para emprender su aventura en el mundo de la fotografía de moda, Luis Sanchiz es actualmente un profesional del lente que goza de reconocimiento internacional, gracias a su forma personal de crear escenas, uso del color y textura: algo que da mucha sensualidad a sus imágenes. Sus juegos de color con la luminosidad y los tonos vivos, sólidos y contundentes han permitido elevar aun más su fama en los exclusivos círculos de la moda.

lo tienes que encontrar tu mismo, es tu experiencia personal y tu vision aunque siempre estaras influenciado por lo que has visto de otros y de tu pais, lo que llevas en la sangre, el momento historico que has nacido, tu familia, television, peliculas, musica etc... Ideas estan en el aire depende de donde tu te sintonizes. La parte tecnica tambien la puedes aprender experimentando. Yo aprendi haciendo y tambien trabajando en multiples trabajos pero sobre todo “haciendo” mirando a los maestros, buscando, practicando,probando, experimentando diferentes tecnicas. etc... haciendo lo que te decian que no debias de hacer. ¿Qué importancia tiene para usted el arte?// Para mí el arte tiene mucho que ver con el gusto, con los tiempos. Hoy dia pienso que el arte está muy influenciado por las modas o tal vez siempre lo ha sido. Es más comercio que arte. Si alguien importante dice que tu eres fantástico todos los demás lo creen. Pero el arrisgarse, el descubrir el tener criterio propio es otra historia. Al final es cuestion de gusto de riesgo. La gente se reia de Van gogh, criticaban a Leonardo,Nikola Tesla murió sin dinero arruinado en un cuartucho de un hotel. Kurosawa se intentó suicidar porque nadie veia sus películas, se habían pasado de moda y el creía que no podría hacer nunca más una obra mejor de lo que había hecho. Fassbinder era halagado en el mundo underground como lo fueron muchos músicos, directores, poetas, pintores, pensadores en el principio. Tal vez estaban avanzados para el gusto de la mayoría que al final aceptan siempre lo que unos pocos con más poder dicen. ¿Qué busca con su obra?// No tengo ni idea. Hoy en día tienes una idea brillante y la puede ver todo el mundo casi instantaneamente. La technología a cambiado nuestra forma de vivir y de ver el mundo. El arte siempre ha sido comprado por la gente con mas dinero. Ahora es tal vez mas accesible como lo es la moda o el viajar. Pienso que la gente va a buscar algo mas puro, más natural, limpio y simple. Pero tal vez es mi visión y no la del mercado futuro o lo que la mayoria busca.

Arstista, sociedad y educación.

“’Viaja, dispara, experimenta y no tengas miedo de probar cosas”

¿A nivel personal su forma de trabajar cambió de alguna forma al ser más conocido?// Si, hoy día es caro y continuo trabajo. Tienes que estar en blogs, tumblers, websites, entrevistas, exposiciones revistas, galerías. Tu agente, invertir en promoción, ideas nuevas, portfolios, ipads. Hay demasiada gente, es costoso y competitivo. ¿Cómo vive el proceso creativo?// Si miras a través de la historia o tú historia, las crisis ya sean personales, económicas o mundiales hacen avanzar, nuevas cosas nacen, te pone en los límites, te hace buscar soluciones, te despierta de la rutina, te hace cambiar. Supongo que depende de uno mismo. Como lo enfrentes, como la digieras como la interpretes, como te adaptes. Como salgas de ahí. ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// Estudia a los maestros pero encuentra tu estilo. Estudia la vida, lo que te rodea, la natualeza Viaja, lee, mira con los ojos bien abiertos. Haz cosas fuera de la rutina. Ponte en situaciones diferentes. Experimenta, experimenta. Si eres fotógrafo lleva contigo la cámara y dispara lo que veas, si eres pintor, lleva un cuaderno y dibuja continuamente, etc... Interésate por las nuevas tecnologias. Trabaja como el ambicioso pero mata la ambición. Experimenta, no tengas miedo que te critiquen o se rían de ti. Cree en ti y trabaja duro. ¿Conoce algún comisario?// El único comisario que conozco es el de la policía y mejor no conocerlo.

Arstista, sociedad y educación.

Boa Mistura

colectivo urbano

Colectivo de artistas urbanos nacido a finales de 2001 en Madrid, España. El término “Boa Mistura”, del portugués “buena mezcla”, hace referencia a la diversidad de formaciones y puntos de vista de sus miembros. Visiones distintas que se influencian y se mezclan en favor de un resultado único. Formado por el Arquitecto Javier Serrano “Pahg”, el Ingeniero de Caminos Rubén Martín “rDick”, el Publicista Pablo Purón “Purone” y los Licenciados en Bellas Artes Pablo Ferreiro “Arkoh” y Juan Jaume “Derko”. Su obra se desarrolla principalmente en el espacio público, habiendo llevado a cabo proyectos en Sudáfrica, Noruega, Berlín o Sao Paulo. Boa Mistura ha participado en exposiciones en centros de arte como el Museo Reina Sofía, Casa Encendida o Museo DA2. Colaborado en proyectos sociales junto a fundación ONCE, Intermon Oxfam, Cruz Roja o Antonio Gala e impartido conferencias en Universidades como las de Madrid, Sevilla, Cuenca o Alcalá de Henares. Premio Artaq 2011. ¿Qué es para vosotros la educación?// Es dotar de una cultura visual e histórica al alumno, así como de las herramientas que existen para poder usarlas. El resto, depende de la investigación e inquietudes del alumno. ¿Cúal es vuestra opinión del mercado del arte?// Tradicionalmente es el lugar donde artista y colecionista se encuentran. Habitualmente cada galería mantiene un criterio dirigido por el galerista, que para el coleccionista es una garantía de que lo que está comprando es “Arte” y por lo tanto es de calidad. Para el artista supone la posibilidad de acceder a un determinado público de un nivel adquisitivo importante, que de otro modo no podría acceder. De ésto se sirven las galerias y como intermediarias se quedan con un porcentaje del precio de venta de la obra. Por ejemplo en Madrid el porcentaje suele ser del 50%. ¿Qué es para vosotros la educación?// Es dotar de una cultura visual e histórica al alumno, así como de las herramientas que existen para poder usarlas. El resto, depende de la investigación e inquietudes del alumno.

Nombre//

Colectivo Boa Miatura

Fecha de nacimiento// 2001 Lugar de nacimiento//

Madrid.

Formado por// Arquitecto Javier Serrano “Pahg”, el Ingeniero de Caminos Rubén Martín “rDick”, el Publicista Pablo Purón “Purone” y los Licenciados en Bellas Artes Pablo Ferreiro “Arkoh” y Juan Jaume “Derko”.

¿Cúal es vuestra opinión del mercado del arte?// Tradicionalmente es el lugar donde artista y colecionista se encuentran. Habitualmente cada galería mantiene un criterio dirigido por el galerista, que para el coleccionista es una garantía de que lo que está comprando es “Arte” y por lo tanto es de calidad. Para el artista supone la posibilidad de acceder a un determinado público de un nivel adquisitivo importante, que de otro modo no podría acceder. De ésto se sirven las galerias y como intermediarias se quedan con un porcentaje del precio de venta de la obra. Por ejemplo en Madrid el porcentaje suele ser del 50%. ¿Qué importancia tiene para vosotros el arte?// Los artistas reaccionan ante situaciones críticas, y el Arte puede suponer una fuerte herramienta de cambio e inspiración. Por eso creemos que estos momentos de crisis son los momentos para la creatividad. ¿Qué busca con su obra?// Que nos emocione. No seguimos ningún criterio concreto, nos dejamos llevar por las sensaciones. ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// Que hiciera lo que sintiese, de corazón. Y que nada se consigue sin horas y horas y horas de trabajo. ¿Qué opinaís sobre la necesidad de los comisarios? ¿conocéis alguno?// Son un estamento más dentro del círculo del arte. Son filtros y muchas veces dinamizadores. Entendemos que son necesarios. El problema surge cuando un comisario escoge artistas de una determinada galería y no de otras...

Arstista, sociedad y educación.

“Si que diría que nuestro núcleo y nuestra raíz y lo que nos ha dado trabajo ha sido la calle. Pero no puedes pretender vivir sólo de eso”.

Arstista, sociedad y educación.

Pasquale Caprile

Pasquale Caprile fotógrafo profesional y Embajador de este movimiento en España conoció la Lomografía hace ya más de 15 años en La Feria Internacional PhotoKina en Colonia (Alemania) de forma totalmente casual.

Nombre//

Pasquale Caprile

Fecha de nacimiento// 1958 Lugar de nacimiento// Madrid. Primer premio// 1994. London Internacional Advertising Awards. Inglaterra.

Residencia actual// Madrid. Primera exposición// 1999. PhotoEspaña. Galería Rina Bouwen. “Vietnam”. Estudios//

Tras 3 años estudiando administración de empresas, viajó a Londres y se licenció en el London College of Printing en fotografía publicitaria y fotoperiodismo.

Reconocido fotógrafo español (nacido en Madrid el 9 de agosto de 1958 de padres y abuelos italianos) y embajador lomográfico en España, especializado en fotografía de autor, publicitaria y comercial, que destaca por su capacidad para experimentar con la luz, el color y la imagen. Tras 3 años estudiando administración de empresas, viajó a Londres y se licenció en el London College of Printing en fotografía publicitaria y fotoperiodismo. De vuelta a Madrid en 1982 comenzó a trabajar para alta joyería, y posteriormente montó Estudio P7, colaborando con revistas de decoración como: Nuevo Estilo, Casa 16, Mucho Más, El País Dominical, Casa Vogue, Telva, Elle Decoración, … A finales de los 90 fue pionero en fotografía digital (hoy en día no ha abandonado la analógica) y colabora en grandes campañas de publicidad Fotógrafo por naturaleza, le interesa observar, analizar y contar historias con sus fotografías, utilizando la fotografía como una herramienta que le permite expresar sus sentimientos y fijar los detalles de cada día, la belleza de la vida y todas sus verdades. Es un trabajador incansable, realizando encargos publicitarios, montando diversos proyectos propios, organizando eventos fotográficos y exposiciones. También le gusta y disfruta con la docencia, habiendo creado una escuela de fotografía. ¿Qué busca con su obra?// Yo creo que cuando busco un artista o un artista me interesa,(porque he recibido información de él, o he visto una publicación de el o una exposición), para mi lo más importante de esas obras, lo que más valoro, es la parte de originalidad. Cuando mas original sea, más me sorprenderá. Busco obras que me sorprendan, algo que nadie haya hecho antes, que no sea una repetición. También voy buscando aquellas personas que tratan de mezclar diferentes tecnologías, o distintas formas de expresar su arte. La típica persona que solo pinta, con lápiz negro, me interesa pero menos que sí derrepente pinta con grafito y luego le hace diferentes composiciones químicas, tratamientos y procesos que salen de lo habitual. Este tipo de procesos, me interesa mucho más que la persona que se pone a pintar al óleo y punto. Yo en mi propia profesión he intentado combinar todo tipo de recursos y precisamente por eso me interesa mucho la gente que intenta experimentar. ¿Crees que la crisis ha afectado de alguna manera a la aparición de nuevos artistas?// Yo creo que no tiene nada que ver. A mi parecer no tiene relación. Al igual que nacen millones de niños en el mundo nacen milones de artistas cada dia. El hecho de que haya crisis pues igual hay menos partos o al revés, ¡resulta que igual la gente hace mas el amor! (Risas) Pues no le veo relación. Otra cosa es que igual se venda menos. Quizás lo que puede suceder es que alomejor gente que ha tenido un trabajo estable y que se queda en el paro, que Igual llevan una sensación artística dentro de ellos y aprovechan ese parón o transición para decir, ‘’igual ha llegado el momento de ponerme a pintar’’; resulta que se pone a pintar y lo hace de puta madre y poco a poco se buscan su camino. ¿Cómo vive el proceso creativo?// Yo creo que primero hay que hacer dos niveles. Primero el nivel cultural, contra más cultura artística seas capaz de asimilar y de leer, mejor para el artista evidentemente. Y luego esta la cultura digamos que o se nace con ella, a mi manera de entender, o la puedes cultivar poco a poco a base de trabajar muy duro o realmente hay casos que aunque tu la cultives, no hay nada que hacer. (Risas) .

Arstista, sociedad y educación.

¿Qué es para usted la educación artística?// Sin educación artística no puedes hacer nada, es interesante bajo cualquier punto de vista. No hay dia que no puedas estar educándote a ti mismo y sobre todo si es donde tu te quieres empezar a meter. Tengo un compañero de profesión que ha empezado Bellas Artes ahora, tiene mi edad y empezó la universidad el año pasado. Se ha dado cuenta de que necesita más, la fotografía la da todo lo que quiere pero necesita un punto que por él mismo no puede conseguir, que necesita: educarse. La edad no tiene límites, tu te pueden formar a los catorce, a los veinticuatro o a los treinta. En cualquier momento estás capacitado para formarte. Sin formación no tienes opción de criterio. Sí no sabes, no puedes opinar, eso en cualquier sitio. Yo se lo he dicho siempre a mis ayudantes. tú no puedes ir a montar un follón a un laboratorio sí no sabes de lo que estás hablando, porque a la primera pregunta que te hace el técnico te desbanca. Necesitas saber para defenderte, tienes que formarte para poder argumentar tus conocimientos. Es algo que mucha gente del mercado del arte o que muchos artistas se creen que ser artista es coger un pincel y pintar. Y no, no es sólo eso. Tu puedes saber pintar muy bien, pero te hace falta una cultura, unos conocimientos que sólo te pueden dar una carrera universitaria o un master. O que tu mismo estés todo el dia formándote y estudiando. ¿Cúal es su opinión del mercado del arte?// Es un mercado muy complicado. El verdadero mercado del arte está en manos de grandes galeristas. Un artista se hace artista gracias a su galería o la elección de una buena galería. Es el galerista el que tiene que luchar por sacar adelante a sus artistas. Yo creo que los artistas, me incluyo, que de alguna manera han intentado hacer su propia gestion comercial,al final no acabas de saltar y de estar en el mercado. Mientras, que hay artistas que entienden desde el principio que la gestion comercial no depende de ellos y se ponen en manos de un buen agente. Hoy por hoy el mercado del arte está en mano de galeristas, entendidos y comisarios. Hay dos mercados de alguna manera, el especulativo, aquella persona que compra para especular, tener una plusvalía sobre lo que compra; y coleccionistas o personas que les gusta el arte (que tienen dinero) y prefieren tener un buen cuadro o veinte mediocres. Hay otro tema que está en mano de las grandes iniciativas como es La Feria de Arte de Basell, La Feria de arte de Miami, de Tokyo otra en Hong Kong. Es decir, hay cuatro o cinco ferias de arte a nivel mundial muy consolidadas que sí no estás ahi no existes. También es importante destacar el tema de las subastas, de hecho hay muchas galerías que llevan sus cuadros a sus subastas (de sus representados), a proposito para determinar el precio y consolidar el valor del artista. Es una menera de saber cuanto vales. Las subastas determinan el valor. ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// El primer consejo que le daría es que acabe la carrera, el primero ¡vamos!(Risas)… ¡que la acabe! Porque hay mucha gente que empieza bellas artes y nunca la acaba. Segundo, que con estudiar no es suficiente, en una carrera como Bellas Artes solo estudiar no es suficiente. Yo creo que todas aquellas personas que han decidido hacer Bellas Artes no pueden perder un minuto de tiempo sin estar constantemente moviendo el culo. Investigando, creando, formándose… no vale el ‘’cuando acabe ya haré’’...Cuando acabes ya habrán pasado cinco años de vida y durante esos cinco años has podido hacer muchas cosas. Entonces, yo creo que la carrera de Bellas Artes como cualquier otra, aunque por ejemplo hay carreras que requieren mucho estudio aunque también Bellas Artes lo requiere, pero entiendo que Bellas Artes no es como Matemáticas Puras que requiere una cantidad de horas de estudio tremendas o te centras en eso o no acabas. Quizás Bellas Artes es un poco más flexible, y si tengo dos horas de tiempo, las utilizaría para investigar, estudiar más, o lo que me interese. Estar de ayudante en un estudio de fotografía o de grabado, en una galería vendiendo, o en una subasta. Estar en el mundo real. ¿Crees que las galerías y los comisarios podrían ser rivales en un futuro?// No creo que sean rivales, en absoluto. Yo creo que un comisario es quellas persona que tiene intelectualmente y creativamente la capacidad y la cultura suficiente como para poder tener el poder de análisis y de selcción sobre una serie de artistas. Es una figura muy importante y de hecho hay muchas galerias que estan respaldas por un buen comisario; y que gracias al comisariado que hacen se consiguen posicionar en el mercado del arte, se consolidan. Por otro lado, hay muchas galerías que el propio director de galería es de por sí un comisario, y tiene el criterio para decir sí ese artista vale o no vale. Desde luego, un comisario bien capacitado y bien elegido, enriquece muchísimo una exposición colectiva o individual de un artista.

“La Lomografía es sinónimo de creatividad, compartir experiencias y sensaciones sin límites con una gran diversidad de personas”. Premios// 1994

2001

“London International Advertising Awards Premio Nacional de Fotografía “Alimentos de España

2004

Premio Lux Plata por la colec ción Las flores de Santa Bár bara.

2005

International Photography Awards 2005: 3º premio en la categoría Fine Art.

En 1979 estuvo trabajando 2 años como asistente del fotógrafo John Chalis, especializado en fotografía comercial y publicitaria. También colaboró con revistas y agencias publicitarias y fue corresponsal de la revista náutica Bitácora. De vuelta a Madrid en 1982 comenzó a trabajar para alta joyería, y posteriormente montó Estudio P7, colaborando con revistas de decoración como: Nuevo Estilo, Casa 16, Mucho Más, El País Dominical, Casa Vogue, Telva, Elle Decoración, … A finales de los 90 fue pionero en fotografía digital (hoy en día no ha abandonado la analógica) y colabora en grandes campañas de publicidad. Realiza la fotografía de varios libros de cocina.

Arstista, sociedad y educaciรณn.

Marielo Gรณngora

galerista

La galería Fernando Pradilla se abrió al público en Madrid en 2001, siendo su objetivo primordial servir de puente en la promoción y difusión del arte contemporáneo iberoamericano. Junto a artistas de reconocimiento internacional se dedica especial atención al joven arte emergente, cualquiera que sea su medio de expresión. En Mayo de 2007 se abre un nuevo espacio Fernando Pradilla Proyectos para aquellas iniciativas de nuestros artistas que por sus características requieran un lugar específico para su desarrollo, así como de espacio polivalente en el que se incluirá una videoteca y una sala de exhibiciones de los artistas permanentes de la galería.

Calle Claudio Coello nº 20. Madrid

“La galería Fernando Pradilla tiene una característica muy especial. Somos la filial de una importante galería en Bogotá. Nacimos, hace once años con la voluntad de crear un puente entre las corrientes latinoamericanas y españolas.”

Arstista, sociedad y educación.

10 ¿Qué es para usted la educación artística?// MARIELO: Para mí la educación artística no es sólo un compendio de estudios como base para saber de dónde se sale y a dónde se quiere llegar, sino también una manera de abrir la mente a más cosas. Nunca consigues hacer muchas cosas si no estás continuamente con esa mente abierta, viendo todas las exposiciones, todo aquello que te puedan ofrecer ,conociendo las diferentes posibilidades y tendencias porque siempre te va a aportar algo. No es solamente ir al Museo del Prado. Es ir a la galería más pequeña porque derepente allí, puedes encontrar algo que te pueda interesar. Y creo que, en parte, es lo que carecen las universidades españolas. RFPA: ¿Qué busca en un artista?, ¿Qué criterio sigue/tiene a la hora de seleccionar alguno?// MARIELO: En un artista lo primero que busco es algo que me sorprenda, que no sea tan evidente el recuerdo. Todo el mundo tiene un padre al que tiene que matar para volver a salir hacia fuera pero busco que su obra aporte juventud, ilusión, que veas algo distinto, no una copia. Busco un flechazo que conceptual o plásticamente me atrape. Nuestro criterio parte de lo anterior . En esta galería solemos coger a gente muy joven por que nuestro proyecto se basa en crecer con ellos e ir evolucionando. Procuramos seleccionar artistas nuevos cada año, lo intentamos pero no siempre es fácil. Parece que ahora todo el mundo hace fotografía así que el buen fotógrafo te cuesta mucho y por otro lado hay poca pintura que te sorprenda y que no sea un deja- vu pero estamos buscando continuamente. RFPA: ¿Qué solicitáis al artista que os muestre?// MARIELO: Nosotros queremos saber todo del artista sobre todo nos interesamos por su trayectoria aunque sean trabajos realizados de muy joven. Queremos saber de dónde parte y cómo llega a lo que está realizando en el presente. Necesito que ellos me lo cuenten, necesito saber porqué han llegado a dónde han llegado. RFPA: ¿Cómo llega a vosotros los trabajos de los artistas?,¿ son los artistas los que se ponen en contacto con vosotros o seleccionáis a través de otros circuitos artísticos?// MARIELO: Nos mandan muchísimos cedés , pero al final no se encuentra tanto. Terminas recurriendo a la criba que hacen previamente los concursos o convocatorias como Injuve o las de Caja Madrid (Inéditos). Estos circuitos, al igual que las ferias a donde también acudimos, funcionarían como intermediarios. RFPA: ¿Cuál es su opinión sobre el mercado del arte?, ¿Cómo cree que está o va a evolucionar?// MARIELO: Está en un momento convulso. Realmente ser galerista o tener una galería es una vocación más que un negocio. Mucha gente se cree que esto es muy fácil y que tiene mucho glamour pero realmente es todo lo contrario. Es muy difícil posicionar a los jóvenes, sobre todo de España, y sacarlos fuera de nuestras fronteras. El mercado del arte está inmerso en una crisis salvaje en Europa y te diría que también en Estados Unidos. El dinero está, pero para grandes piezas.Es en el terreno del arte emergente donde se está notando más porque es la gente de clase media. Vender a gente con mucho dinero es más fácil, ellos van a apostar por el “ganador”. La clase media es la que suele arriesgar por estos artistas emergentes, porque les gusta y es una manera de empezar en este mundo En los momentos de crisis también se criba mucho, quizás haya habido muchos excesos, un aquí vale todo. Personalmente me gustan las carreras de fondo. 42

RFPA: ¿Qué tipo de compradores tenéis o habéis tenido como clientes?// MARIELO: Esta galería, al dedicarse más al arte emergente, recibe clientes que no compran tanto para especular. Estamos dirigidos más a un público que no es el especulador rabioso sino que es el señor al que le gusta una obra. Si luego ésta funciona mejor. RFPA: ¿Es muy costoso promocionar un artista?// MARIELO: La gente no es consciente de lo mucho que cuesta. Esta galería es muy grande, en una calle muy comercial de Madrid con lo cual los costes de alquiler son altísimos. Es una galería que hace muchas ferias , unas catorce o quince al año alrededor de todo el mundo y esto requiere un trabajo grandísimo de logística (preparación,aplicaciones, transporte,etc.). Es muy costosa toda la operación porque a lo mejor pones toda la ilusión del mundo y hoy en día no es fácil , no siempre recuperas la inversión. RFPA: En estos momentos de crisis ¿percibe que el artista arriesgue más?// MARIELO: No lo estoy viendo y es algo que me tiene sorprendida. Normalmente tendría que haber más rigor y sobre todo más artistas que se presentaran a nuestra galería pero no lo estoy viendo. RFPA: ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// MARIELO: Pues volviendo a cómo entiendo la educación artística le aconsejaría que no solamente estudiase. Que es muchísimo más importante el ver que aprenderse de memoria una cosa grandisima. Hay que tener una idea global y la idea global sólo la conformas viendo. Una de las asignaturas que pondría en la carrera de Bellas Artes se basaría en ver todas las galerías de Madrid como exámen y en la que te pudieran preguntar sobre alguna. Nosotros tenemos un horario de 10:30 a 20:30 y la gente de Bellas Artes no viene, es algo que me da mucha pena porque creo que les podría aportar muchísimo. Creo que sería algo importantísimo para esa ecuación. RFPA: ¿Cree que la figura del comisario y las galerías pueden convivir y ayudarse mutuamente en el mercado, o son rivales?// MARIELO: No necesariamente son rivales lo que pasa es que quizás haya habido mucha desmesura en estos años que había tanto dinero y por ello el comisario se haya erigido como figura más importante. Pero a mi me encanta colaborar con ellos. La semana que viene, por ejemplo, inauguraremos una exposición titulada referente a todo lo que tiene que ver con la prensa y en la que hemos trabajado con Javier Díaz Guardiola . Es una gozada colaborar con alguien que sabe muy bien lo que quiere. Los comisarios siempre te aportan ideas incluso te ayudan a encontrar nuevos artistas RFPA: Entre los jóvenes estudiantes de Bellas Artes existe la idea del mundo de las galerías como un circuito cerrado, elitista y el cual funciona a base de relaciones superficiales basadas en el interés y la apariencia, ¿Está usted de acuerdo?// MARIELO: No, para nada. Yo creo que el que vale realmente lo encuentran. Ahora tenemos dos dibujos que uno de ellos es de Alejandro Bombín que terminó el año pasado la carrera y el otro es de Diego Vallejo quien sin terminar la carrera empezó a trabajar con nosotros. Nos lo trajo un profesor suyo. Así que ¿elitista el mundo del arte? Siempre va a ser un punto elitista pero no necesariamente. Ahora están muy en auge los papeles o puedes vender un grabado por no mucho más que un póster de IKEA. 43

Arstista, sociedad y educación. Nombre//

Julio Adan

Fecha de nacimiento// 1977 Lugar de nacimiento// Madrid Educación//

200. BA Drawing Degree, Camberwell College of Art, London, UK. Cursos de Doctorado Departamento de Dibujo I, Facultad BBAA de UCM, Madrid. Cátedra Juan Gris con Juliao Sarmento y Gloria Moure, Facultad BBAA, Madrid. Licenciado en Bellas Artes, UCM, Madrid. Residencia actual// Madrid.

Julio Adán

En sus trabajos se interesa por los procesos de creación de la obra como parte expositiva de la misma, confundiendo conceptos habitualmente definidos y claramente separados como autor-espectador, proceso-resultado o taller-sala de exposiciones, utilizando para ello elementos cotidianos o cercanos al ámbito del taller de artista que devienen en nuevas lecturas siempre vinculadas a los lenguajes tradicionales de las artes plásticas o valiéndose de juegos lingüísticos. ¿Qué significa para usted la educación artística?// El concepto de educación artística es complicado, la carrera está ahí y viene muy bien, te aporta un academicismo del cual no me arrepiento gracias a haber estudiado en Madrid, pero también agradezco haberme ido de Erasmus a Londres, allí aprendí toda la parte conceptual que en Madrid no te enseñaban. Para mi gusto, lo ideal son las dos cosas, aunque es imposible aprender ambas en cinco años y realmente te formas fuera o durante la carrera. En definitiva, para mi la educación artística está en el día a día, en vivir y mirar.

¿Habría cambiado algo en su proceso educativo?// Normalmente tienes uno, que vas formando a lo largo de los años. Pero es verdad que cambia, tu como individuo cambias, tu manera de ver y hacer las cosas cambia. Obviamente no trabajo como lo hacía en primero,

pero tampoco lo hago igual que hace dos años y yo ya había salido de la carrera. Este verano por ejemplo me puse a pintar y hacía años que no lo hacía, ha sido divertido, y en momentos de paron creativo es fundamental no quedarse quieto. ¿Cómo vive el proceso creativo?// Me encanta salir por la noche del taller con la sensación del “pellizco flamenco”, esa emoción que sientes en la boca del estómago por estar trabajando en algo. Lo que si que tengo claro, es que a mi me interesa el proceso creativo, no tanto el producto final no realizo bocetos aunque si que pienso mucho mis proyectos previamente para mí es fundamental incluir al espectador en la obra. ¿Cuál es su opinión del mercado del arte?// Bueno, es necesario para que la gente siga haciendo arte a cierto nivel, tiene que haber un mercado del arte. Si no recibes dinero por tu trabajo, pues no puedes trabajar, o te cuesta más trabajar. La cuestión es cuanto tiempo puedes aguantar sin cobrar dinero, es una carrera de fondo que además no tiene meta más que tu mismo frente a tu obra todos los días. Gana el que más aguante. ¿Qué consejo le daría a un estudiante de Bellas Artes?// Yo desde segundo de carrera cogí un estudio y allí me dedicaba a producir paramí, el consejo que daría es que trabajen que no esperen a

tener todas las herramientas como haber acabado la carrera, tener un máster… es fundamental que miren no sólo en museos; sino la calle, los compañeros, una conversación, una película, pasear por la calle...todo eso te nutre. La educación en el campo de las bellas artes no acaba, de hecho acabar la carrera significa casi empezar. Como decía Sarmiento: “hay que esperar a nuestro tren, no salir corriendo detrás porque cuando llegas estás cansadoy no hay sitio”. ¿Cómo fue su proceso de inmersión en el mercado?, ¿Fue un proceso rápido ol ento?, ¿Le afectó de alguna forma a nivel personal o de trabajo?// Para mí fue un proceso lento, en el que sigo día a día, todo te afecta a nivel personal y de trabajo no tanto el estar o no en el mercado sino el día a día. ¿Cómo decidió dedicarse al mundo artístico y qué le influyó?, ¿Qué busca con su obra?// Yo de pequeño quería ser pintor, era mi sueño y acabe dedicándome a lo que me pide cada proyecto, unas veces es instalación, otras dibujo… no me dedico a una disciplina en concreto. Con mi obra trato de incluir al espectador dentro, de hacerle artista de la misma obra para que pueda disfrutar de ese proceso que en definitiva para mí es la obra.

Exposiciones individuales//

2009

Espacio menosuno. Madrid “Dibujo in verso”.

2011 Casa del estudiante UCM, Madrid. “Esto es un dibujo”. 2012 Galería Raquel Ponce, Madrid. “Después de ahora”.

Obra en museos y colecciones// España Gabinete de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes. Madrid. Museo Fundación Antonio Pérez, Guadalajara. Italia Fondazione Francesco Messina, Novara, Italia. Colaboraciones para La Más Bella. USA Museo de Los Ángeles de Arte Contemporáneo, Turégano

Arstista, sociedad y educación.

Premios//

2009 “XIX Certamen de Dibujo Gregorio Prieto”, Fundación Gregorio Prieto, Valdepeñas. Premio/Award. 2010 “XX Certamen de Dibujo Gregorio Prieto”, Fundación Gregorio Prieto, Valdepeñas. Selección/Selection. Archivo de Creadores Intransit, UCM, Madrid. Selección/Selection. 2011 “Curators’ Network”, Centro de Creación Contemporánea Matadero, Madrid. Selección/Selection. “XXII Edición Circuitos de Artes Plásticas” Comunidad de Madrid, Sala de Arte “Joven Avenida de América”, Madrid. Selección/Selection. “Premio Casa Falconieri, Sardegna”, Italia. Premio/Award. “III Certamen de Dibujo Contemporáneo Pilar y Andrés Centenera Jaraba”, Fundación FMCJ, Villa de Alovera. Premio/Award.

Exposiciones Individuales// 2005 Pearlfisher gallery, London, UK “Handling it well”. Centenary gallery, London, UK. “Summer Show 05”. 2006 Museo de América, Madrid. “Mírame”. 2008 Facultad de Bellas Artes, Madrid. “Picnic”. 2009 Facultad de BBAA, Madrid. “In-Sonora V”. Instituto Francés, Madrid. “El muro al revés”. La Maison de la Lanterne Rouge, Madrid. “Postitución”. Galería Estampa, Madrid. “Delicatessen”. Mediodía Chica, Madrid. “Kill Your Idolls”. Centro Experimental de Arte y Pensamiento, Madrid. “Coordenadas preparadas”. Facultad de BBAA, Madrid. “MAC+i”.

Video film festivals// 2011 2ª Bienal de Fotografía y Artes Audiovisuales Fotojaén11, Biblioteca Pública Provincial, Jaén. 2005 Camberwell Arts Festival Showreel, Camberwell College of Art, London, UK.

2010 Selección 10, Madrid. “Capa”. Estampa, Madrid. “Capa”. Donostia-San Sebastián, España. “Gauza Bizidunak”. Intransit, c arte c, Madrid. La Casa Encendida-El Carromato, Madrid. “ARTe SONoro OFF”. Galería Estampa, Madrid. “MAIL ARTistas Complutenses”. Centro Cultural Mira, Madrid. “MAC+i”. Fundación Antonio Perez, Guadalajara, España. “Delicatessen”. 2011 “Curators” Network Showroom, Centro de Creación Con temporánea Matadero, Madrid. “Estación experimental”, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón; CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid. News 11, “Capa”, Madrid. Estampa (Feria Internacional de Arte Múltiple Contem poráneo), “Capa”, Madrid. Premio Internazionale Giovane Scultura, “Materima”, Novara, Italia. “En blanco y negro”, Capa, Madrid. Campo magnético”, Centre D’Art La Panera, Lleida. SON, Auditorio Nacional de Música, Madrid. “Dibujando escultura”, Capa, Madrid. 47

Arstista, sociedad y educaciรณn.

Galería Hispanica

Constituida en 1980 por Angel de las Heras Pérez, edita grabados originales y ediciones de bibliofilia artística. También colabora con editores, artistas y galerías nacionales e internacionales para la difusión de sus trabajos en nuestro país. Hasta la fecha lleva editados veinte libros ilustrados y más de quinientos grabados originales de algunas de las primeras figuras de la gráfica nacional, entre las que podemos destacar Eduardo Naranjo, José Caballero, Joaquín Capa, Agustín Redondela, Menchu Gal, etc.

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12 ¿Qué es para usted la educación artística?// La educación artística sería el resultado de todos los conocimientos de manejo de materiales, el modo en que envejecen, la manera de encajar y también conocimientos teóricos de la historia del arte. ¿Qué busca en un artista?, ¿Qué criterio sigue/tiene a la hora de seleccionar alguno?, ¿Procura seleccionar artistas nuevos cada año?// Los criterios que seguimos serían, primero que te guste su obra estéticamente hablando, segundo que tenga un buen currículum o en su defecto en ocasiones pruebas con artístas diferentes para saber el gusto del mercado. Nuestro criterio en definitivo, no es tanto artístico, sino más bien comercial, aunque suene mal decirlo. No somos quienes decidimos que algo es bueno o malo, es el público quién lo decide. ¿Cómo funciona una galería?// Nuestra galería en concreto funciona con obras de artistas ya consagrados, no trabajamos a pie de calle y tenemos un fondo de galería propio lo que nos da la posibilidad de movernos casi exclusivamente en ferias ya que te asegura la fluidez de público. ¿Cuál es su opinión del mercado del arte?, ¿Cómo cree que está o va a evolucionar?// El mercado está muy competitivo ahora mismo, se piden porcentajes impensables en otros tiempos. Tienes la presión de clientes que quieren venderte obras que previamente le has vendido y ahora no hay soporte para tener tanta colección propia. ¿Es muy costoso promocionar a un artista? (En valor de tiempo y en valor económico)// Es muy costoso y arriesgado, para ello es necesario tener un soporte económico que nosotros no tenemos; por ello, en contadas ocasiones ayudamos a un artista a impulsar su carrera, por ejemplo, en el caso de Mascaró, nosotros creímos en él cuando aún no se oía apenas su nombre. ¿Qué opina de la figura del comisario?// Creo que sirve de gran ayuda a los galeristas y al ser grandes estudiosos del arte nos echan una mano a la obra de saber elegir buenas piezas. ¿Cree que la figura del comisario y las galerías pueden convivir y ayudarse mutuamente en el mercado, o son rivales?// Si el comisario tiene intereses comerciales, puede resultar perjudicial para la galería; sin embargo no creo que seamos rivales, suelen ser gente más estudiosa de arte que un galerista y esto ayuda a hacer criba sobre tu propia obra.

Galería especializada en las Vanguardias Históricas y Contemporáneas; las Escuelas de París y de Madrid y Ediciones de Obra Gráfica Original en edición limitada y única con artistas contemporáneos de reconocido prestigio.

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Raquel Vazquez-dodero

La Fundación Pedro Cano alberga algunos de los mejores trabajos del artista blanqueño y una colección de todo tipo de pinturas que forman unos dos mil dibujos, además de ser la responsable de una gran cantidad de actividades culturales en todas las artes.

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13 ¿Qué crees que debe hacer un estudiante de Bellas Artes al terminar la carrera?// Raquel: Creo que lo primero que debe hacer un estudiante de Bellas Artes cuando ha terminado la carrera es darse cuenta que ni siquiera a empezado todavía, por ejemplo en el caso de los pintores, que tienen un abanico muy amplio, su sensación es más caótica, suele pensar algo como “He terminado la carrera y no se por donde tirar”; no como los restauradores, por ejemplo, que le contratan o no le contratan para restaurar algo. El pintor puede seguir formándose, que es una opción estupenda para quien lo pueda hacer, intentar viajar al extranjero, entrar en una galería, presentarse a concursos sino quiere relacionarse con una galería, o sí; puede relacionarse con muchas galerías y cambiar el márquetin que va a hacer de sí mismo... Cuanto más amplio es el abanico, más sensación de pánico tiene un recién licenciado. ¿Qué opinas sobre la educación artística?, ¿Qué significa para ti?// Raquel: Es que un artista puede haber estudiado Física o Bellas Artes. El que haya estudiado Bellas Artes aprenderá una serie de técnicas que le serán muy útiles, pero realmente si es un artista, no le hace falta estudiar esa carrera. Yo con la carrera de Bellas Artes tengo mucha prevención, porque según dónde la estudies o en qué época la estudies, puedes dar con una serie de profesores buenos o malos que te destrocen, o todo lo contrario; y eso es mucho más sensible en esa, que en cualquier otra. Yo dirijo un museo, que es la Fundación Pedro Cano en Murcia. Pedro Cano es un pintor que está vivo, que pinta figurativo. Estudió Bellas Artes; por ponerte un ejemplo muy concreto; él pintaba desde pequeño, su padre le regaló una caja de lápices y resulta que con la caja de lápices hizo maravillas, todo el mundo a su alrededor muy emocionados, decidieron que había que darle clases de dibujo y llegado el momento de hacer una carrera, le mandaron a Madrid y consiguió entrar en la Real Academia. Estudió con grandísimos pintores, entre ellos Antonio López, y Antonio López, le dijo literalmente, que nunca viviría de la pintura. Se produjo un desencuentro que podría haber sido fatal… Uno debe tener la vocación descubierta con verdadera certeza, porque si tu entras en Bellas Artes por descarte y no sientes que no hay nada realmente en lo que veas que eres bueno y con lo que te sientas cómodo o que veas que tienes un potencial por el que vale la pena apostar, no tiene sentido emprender ese camino. ¿Cómo funciona una galería?// Raquel: Desde luego, y si lo piensas, casi en ninguna carrera influye tanto el autoestima. He trabajado con artistas y todo tipo de proveedores, y ninguno es tan complicado como el artista. Cuando diriges una galería de arte comercial, no un museo, tienes una serie de proveedores: la luz, el teléfono, la máquina de fotocopias, la limpiadora… y el artista; el artista es el que te provee a ti de un producto que tu vas a vender. Yo elijo que artistas creo que puedo colocar en función de mi gusto, los clientes que tengo, la trayectoria que he llevado, etc. Nunca me había resultado tan complicado trabajar con un proveedor, porque con el artista tienes que tener doce mil ojos y tener mucha delicadeza, porque estás trabajando con algo que le sale a él del alma. Luego por ejemplo también había gente que pintaba y luego

no te quería vender lo que había pintado y no puedes decir que no lo comprendes, pero al mismo tiempo dices: “oye, pero que tienes que ganarte la vida”. El artista tiene que ser capaz de ser vendedor, de ser comunicador, de llegar a un montón de gente, de ser hábil colocando su producto, porque al final tiene que pagar facturas. Creo por un lado, que algunas universidades privadas, han potenciado en su grado en Bellas Artes, la cuestión del pintor como profesional. Y me da la sensación que la clásica Bellas Artes de la Complutense, no potencian eso. Es decir, debería haber una asignatura que te enseñase por ejemplo sobre redes sociales, porque ahora mismo, las redes sociales son absolutamente fundamentales para cualquier autónomo, y el artista es un autónomo. Es alguien que debe estar constantemente vendiéndose, y hoy en día para venderte, una de las herramientas más útiles que hay son las redes sociales. Hay algunas asignaturas teóricas sobre sociología, teoría de la comunicación...// Raquel: Sí, teóricas. Pero me refiero a que te enseñen a venderte, a comunicarte con esos círculos que pueden vender y mover tu obra. Es cierto que lo primero antes que esto es preguntarse: “¿Dónde quiero estar?”, en Madrid, en Chicago, en Sudamérica; “¿Qué es lo que yo hago?”, “¿Dónde puede gustar esto?”, etc. Son reflexiones muy personales que es lo primero que hay que valorar a la vista de un estudio de lo que hay, del mercado, del espectador… Pero después de una vez saber dónde quiero estar, es ver cómo lo haces. Entonces ahí se deben saber cuestiones de márquetin, de venta pura, de comunicación, de estar en la red. Hay webs que se dedican a vender obra por internet, ¿Crees que tienen algún futuro?// Raquel: Esas webs ya tienen muchos años, pero no funcionan porque no están bien organizadas, estructuradas. No venden. ¿No será porque el comprador necesita ver la obra físicamente? Porque no es lo mismo ver una obra en foto, que verla en directo. Digamos que la obra pierde esa fuerza que tiene.// Raquel: Por ejemplo, yo compro por internet, gafas de sol, zapatos,… Cosas que necesito probármelas. Hace 50 años, si te dijeran que ibas a comprar por correo unos zapatos probablemente dirías que no, porque querrías probártelos. Sí, pero digamos que el arte incluye esas sensibilidad, esa comunicación, esa relación obra-espectador que se produce en presencia de la obra. Por ejemplo con las obras de Rothko.// Raquel: Sí, y los zapatos me los voy a poner en los pies y ando con esos zapatos, si me duelen los pies no puedo andar. Al comprar por internet es un riesgo al que te expones. Y no porque una obra de arte generalmente sea más cara, el riesgo sea mucho mayor.

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Yo compro por internet, gafas de sol, zapatos,… Cosas que necesito probármelas. Hace 50 años, si te dijeran que ibas a comprar por correo unos zapatos probablemente dirías que no, porque querrías probártelos.

También hay muchos niveles y muchos precios. Porque eso al final es relativo a las personas. A lo mejor yo me compro unas botas por 150€ y a otra persona le parece una barbaridad. Para una persona que compra obras de arte, probablemente pagar 500€ no es el fin del mundo. Aunque vale, sí, acepto, no lo ves igual en una foto. Pero cuando tu ya conoces al artista, sí lo ves, como en el ejemplo de Rothko; puedo anhelar verlo en vivo, sin embargo, me dicen que sólo puedo verlo en una pantalla, que me lo mandan en alta definición, con un informe del estado de la obra muy detallado; al saber como es un Rothko, sé la sensación que me produce, y si me mostraras en una pantalla diez Rothkos, podría decirte cuales me gustan y cuales no. Por supuesto si es un artista consagrado el riesgo se reduciría altamente. ¿Pero que ocurre con un artista emergente?// Raquel: Pues ese artista, tendría que poner esa herramienta muy fuertemente en marcha, entre las personas que ya le conocen. Eso al final es una progresión geométrica, es decir, un artista hace una exposición y conoce a mil personas, y en la siguiente exposición es mil por mil, siempre es creciente. Entonces ese artista debe ser capaz de recabar todos los datos sobre esas personas que están interesadas para después utilizarlo. Y ese tipo de mecanismos, no los enseñan en la facultad de Bellas Artes. Y para eso hay hasta fórmulas. Ponte que hago una exposición en una pequeña galería en la calle Castelló, por donde sé que en el mes y medio que va a estar van a pasar 200 u 800 personas, ¿cómo consigo que todas esas personas me manden su email?. Y es así como se debería funcionar, porque esas personas que han visto en la realidad la obra, cuando lo vean en una pantalla ya sí se van a hacer a la idea. No es sólo: “ Lo voy a colgar en la red a ver si vendo algo”. En Bellas Artes enseñan las técnicas, pero luego sales a la calle y qué haces con las técnicas. A muchos artistas les cuesta pedir dinero por sus cuadros, bueno sobretodo al principio. Digamos que es algo que llevan haciendo mucho tiempo, que disfrutan con ello y que podrían considerarlo su hobby; pero en ese caso haber estudiado física y haberlo mantenido como hobby. ¿Cuándo trabajabas en la Galería Trama, cuál era tu criterio para seleccionar a los artistas?// Raquel: Yo al final del mes necesitaba una cantidad x de dinero que tenía que vender como fuera; y normalmente, una galería para tener esa cantidad x de dinero en neto, necesitaba haber vendido cada mes el doble de esa cantidad, ya que normalmente las galerías van al 50%. Entonces necesitaba que el artista que expusiese ese mes en la galería me diese ese beneficio. Lógicamente buscaba una coherencia al elegir los artistas, basándome en la trayectoria que había seguido la galería, la relación con los artistas… porque por ejemplo había artistas que intentábamos que volvieran a exponer cada dos años, y eso era bueno para los dos. Había artistas que dos años les parecía demasiado poco, porque bien en dos años no evoluciona nada su lenguaje o su carrera, o porque pintaba muy despacio. Luego lo iba ajustando al cuadro de artistas que teníamos y que estuvieran disponibles, porque a lo mejor tenían otro compromiso con otra galería. Normalmente no están con dos galerías de una misma ciudad, pero frecuentemente están con dos o más galerías de distintas ciudades, por ejemplo una en Madrid y otra en Barcelona, o en Lisboa, Valencia, Londres, etc. Lo que no tiene que pasar es que colisionen sus propios proyectos.

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¿Cuándo escogíais a algún artista nuevo? ¿Conseguíais introducirlo rápidamente?// Raquel: La gente es más reacia cuando no conoce un nombre. A la galería llegaban unas treinta propuestas al cabo del mes de gente desconocida. Por email, por carta, porque venían ellos mismo y te lo presentaban o incluso porque te lo recomendaba otra galería. De esas propuestas casi ninguna interesaba. ¿Por qué?// Raquel: Porque la gente ofrece lo que a ellos les interesa, no lo que te interesa a ti. Es muy difícil que lo que te presenten te encaje. ¿Los clientes suelen ser fijos?// Raquel: No es que suelan ser fijos. Sí que mucho más que en otros comercios. El que compra mucho, compra en muchas galerías, pero el que compra poco, suele reducir más su espectro, sobretodo si tiene confianza en el galerista. Digamos que por lo menos la mitad de las compras solían ser de clientes que ya eran clientes de la galería. Si un mes organizabas una exposición muy rompedora, de pronto aquello pitaba y les encantaba o era un chasco total, y eso forma parte del ritmo, es duro ese ritmo y la galería tiene que estar preparada para pasar un mal mes. ¿Cuál es tu opinión sobre el mercado de arte contemporáneo?// Raquel: Es complicado… El que manda es el cliente y digamos que las modas influyen muchísimo. Ponte que un año en arco lo ha petado un tío que ponía un vaporizador sobre el que proyectaba un vídeo de un tiburón moviéndose, entonces tu veías al tiburón que venía hacia ti, pero no estaba porque era vapor de agua; y eso lo vendieron por 600.000€. Y eso sale en El Cultural, El País, El ABC, etc. Entonces un mes después, la galería fulanito de tal, tiene un artista que hace algo parecido pero sobre hielo y esos los vende a… por ejemplo 6.000€ y los vende todos. Estar en el sitio adecuado en el momento adecuado le pasa a uno de cada cien. No se puede apostar todo a esa carta. Recomendación: trabajar, trabajar, trabajar, trabajar,… Si lo que haces es pintar, pinta todos los días, y si un día no pintas, siéntete mal porque no has hecho tu trabajo. Y tienes que conocer el sector; a los críticos de arte, a los comisarios, a todos! Mi consejo sería: Lunes, pinta; Martes, pinta; Miércoles, pinta; Jueves; pinta y Viernes sal a la calle, ve a vender, a conocer al sector. Tírate de ese viernes que vas a vender, de 9 a 11 todo el rato en internet, qué hay en la red, qué hay en Facebook, qué artistas están, qué hay en Twitter, qué sale en la prensa digital, quién escribe, quién hace comentarios en eso que la gente escribe, qué dicen los críticos, quiénes son, quiénes son los líderes de opinión, qué blogs hay sobre algo, quién decide lo que la gente compra, porque compramos lo que la gente nos dice que compremos; pero con todo. Otro consejo, los premios me parecen muy, muy, muy, positivos. Una cosa que me quedó clara en la galería es que esto no es para ricos, no necesariamente. Comprar arte es una cuestión de prioridades. La gente tiene identificado que en una galería entra gente con mucho dinero, pasa, pero puede pasar como una vez al mes de que te compren una obra a tocateja. Los otros treinta días que vendes, vendes a esa gente que el arte les encanta y es prioritario para ellos, y a lo mejor esa persona prefiere tener arte en su casa que un mercedes o irse al caribe; y muchas veces te pagan esa pieza, esa obra en x meses. ¿Crees que un artista tiene más posibilidades fuera de España?// Raquel: Si en general una persona joven, según en que sitios, tiene más posibilidades. A ver el arte es un mercado que se paralizó muy al principio de la crisis y se movilizará muy al final de la crisis. Será de las últimas cosas que se recuperarán porque se percibe como algo prescindible. Además en cultura no se invierte absolutamente nada, en España no hay conciencia de filantropía cultural, entonces nadie patrocina cosas a fondo perdido. Muchas galerías han tenido que cerrar, otras se han vuelto más comerciales y menos innovadoras, otras reinventarse… El país está muy anquilosado. Yo animo a todo el mundo a irse, a muchos países de Asia, a casi todos de Sudamérica, son países que están prosperando más que España. Mira en China ahora mismo se vende todo, porque los chinos primero han descubierto que tienen dinero, y segundo que les encanta el arte y no quieren tener posters en su casa.

El equipo de la fundaciĂłn quiere ser un escenario multicultural gracias a sus salas de exposiciones, el espacio para talleres, la biblioteca y un pequeĂąo auditorio.

Agradecemos a todos los que han hecho posible la realizaciĂłn de esta revista y este primer nĂşmero. Un gran abrazo, el equipo RFPA.