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the journal September / October 2008

COMPOSING AMERICA

Stewart Wallace The Bonesetter’s Daughter an opera in two acts (2008) World Première 13 September 2008 San Francisco Opera Qian Yi as Precious Auntie in The Bonesetter‘s Daughter

by Stewart Wallace at the San Francisco Opera.

Costume Design and Photo: Han Feng

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World Premières / Uraufführungen

Andrew Norman

Unstuck

Stewart Wallace · The Bonesetter’s Daughter Stewart Wallace

The Bonesetter’s Daughter an opera in two acts (2008) Libretto by Amy Tan, after her novel (engl.)

Commissioned by San Francisco Opera Characters: Ruth Young Kamen · mezzo-soprano - Luling Liu Young · mezzo-soprano / contralto - Precious Auntie · Kunju singer - Chang the coffin-maker · bass - Taoist priest · Chinese Rock singer - Art Kamen · baritone - Marty Kamen · high baritone - Arlene Kamen · mezzosoprano - Wang Tai-tai · Chinese opera singer - Fia and Dory · nonsinging - Chang’s three wives · soprano, 2 mezzo-sopranos Chang’s three sons · non-singing Twelve Chinese acrobats · nonsinging Orchestra: pic.2(afl).2.ca.3(Ebcl, bcl).bcl(cbcl).2.cbsn-4.3(pic tpt).

3.btbn.1-timp.3perc-hp.cel-str On stage: Chinese instruments: 2 suonas, 4 Chinese percussion players 125’

His imagination, musicianship and curiosity made me not just want to make the opera feel like China, but to engage directly with Chinese artists. After meeting Zhonghua, I knew I could not just “import” the Chinese percussion instruments as he had showed me not only the vastness of his technique but the oneness of his vision: for him, there was no separation between music, narrative, action and stage picture.

Working together over the last four years, we have developed a percussion language that is neither Chinese nor American, but a meeting of our minds and an expression of our friendship.’

The Bonesetter’s Daughter ist eine epische Familiensaga, die die Lebenslinien einer chinesischen Familie durch drei Generationen von Müttern und Töchtern erkundet.

Die Handlung springt von einer fabulös-unwirklichen Vergangenheit in die realistische Gegenwart, vom alten chinesischen Dorf in das moderne urbane Amerika. Diese Brü-

che in Zeit und Raum werden durch ein ständig präsentes Frauenquartett miteinander verbunden: ein Mädchen, eine junge Frau, eine Mutter und ein alterloses, Geistähnliches Wesen. Die vier Frauen, die in allen Szenen als Mütter und Töchter wiederkehren, sind das stützende Gerüst, das die Familie über Generationen hinweg zusammenhält. „Ich wollte eine amerikanische Oper schreiben, die ihre Wurzeln in China hat. Dabei konnte es nicht darum gehen, chinesische Elemente zu kopieren oder nur das Instrumentarium einzubauen. Um die Einheit von Musik, Handlung, Aktion und Bühne zu erreichen, die Kennzeichen der visionären Stärke der chinesischen Musik ist, arbeitete ich mit chinesischen Künstlern zusammen.

Wir entwickelten eine PerkussionsSprache, die die ganz eigene Kraft widerspiegelt, die in der Verschmelzung so unterschiedlicher Kulturen liegt, wie China und Amerika es sind.“ Stewart Wallace

• 13 September 2008 · San Francisco, CA (USA) San Francisco War Memorial Opera House Conductor Steven Sloane Director Chen Shi-Zheng Set designer Walt Spangler Costume designer Han Feng

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3(pic).2.ca.3(bcl, Ebcl).3-4.3.3.1timp.3perc-pno-str 10’ • 9. September 2008 · Zürich (CH) Tonhalle Tonhalle-Orchester Zürich Dirigent Michael Sanderling The title is inspired by, among other things, the famous sentence ‘Billy Pilgrim has come unstuck in time’ from Kurt Vonnegut’s Slaughterhouse Five. Unstuck makes for a very attractive concert opener, characterized by an extraordinarily energetic compositional style, similar in some ways to Norman’s brilliant work for eight violins Gran Turismo.

Der Titel des Werkes wurde unter anderem inspiriert von dem berühmten Satz aus Kurt Vonneguts Roman Slaughterhouse Five („Schlachthof 5“): „Billy Pilgrim hat sich von der Zeit gelöst“. Mit seiner außerordentlich energievollen Musik, die in vielem an Andrew Normans virtuoses Werk für acht Violinen Gran Tourismo erinnert, ist Unstuck ein wirkungsvolles Eröffnungswerk für jedes Konzertprogramm.

Bernard Rands

Trinity for a cappella male voices (2008) Commissioned by the Cornell University Glee Club 4’

Further performances: 16.9., 20.9., 25.9., 28.9., 30.9., 3.10.

The Bonesetter’s Daughter is a multi-generational family epic that explores one family’s history through three generations of mothers and daughters. The opera is set in China during the years before the Communist revolution, framed by the memories and forgotten history of an elderly Chinese mother in present-day San Francisco. Wallace comments: ‘I’m often asked, “Isn’t this a Chinese Opera?” My stated objective, before I wrote a note of music, was to write this opera, an American opera with roots in China, in my own language and voice, but make it feel like China. The opening came when I met Beijing Opera master percussionist Li Zhonghua on my first trip to China.

for orchestra (2008) Commissioned by the Orpheum Foundation for the Advancement of Young Soloists

• 28 September 2008 · Ithaca, NY (USA) Cornell University Glee Club Director Scott Tucker

San Francisco’s Chinatown 2004 Photo: Urban

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COMPOSING AMERICA

Bernard Rands Photo: Jack Mitchell

Joseph Schwantner

Chasing Light … for orchestra (2008) Commissioned by the USA’s largest consortium of orchestras, part of the Ford Made in America program, made possible by Ford Motor Company Fund 2(2.picc).2.2.2-2.2.1.0-timp.1perc-amp pno-str.

17’ • 20 September 2008 · Reno, NV (USA) Nightingale Concert Hall Reno Chamber Orchestra Conductor Theodore Kuchar Further performance: 21.9.: Reno, NV

Bernard Rands

“chains like the sea” Two movements for orchestra (2008) I ”the Sabbath rang slowly“ II ”rivers of the windfall light“ Commissioned by the New York Philharmonic and dedicated with admiration and gratitude to the New York Philharmonic and Lorin Maazel 4(pic, afl).3(ca).4(bcl)2.cbsn-4.3.2. btbn.1-timp.4perc-2hp.pno.cel-str 20’ • 1 October 2008 · New York, NY (USA) Lincoln Center, Avery Fisher Hall New York Philharmonic Conductor Lorin Maazel Further performance: 2.10.

Bernard Rands comments, ‘The first movement articulates its 10-minute duration with periodic pealing of bells beginning softly and on a single pitch, gradually increasing in volume and density to a final bellpeal chord of 28 pitches. Each bell toll is followed by a prolongation of its resonance, melodically and harmonically, in the orchestra. The suggestive imagery of the second movement is that of leaves caught in sunlight and formed into rivulets by gentle breezes and forceful winds. Beginning with a Ritornello which features complex rhythmic patterns on three trumpets, its opening appearance is skeletal but

on each recognizable return (there are five of them) it is more elaborate in orchestral density which celebrates the extraordinary virtuosity of a great orchestra. Each of the three titles is taken from Dylan Thomas’s poem Fern Hill. The work is dedicated in admiration and gratitude to Lorin Maazel and the musicians of the New York Philharmonic.’

Bernard Rands schreibt über sein Werk: „Der zehnminütige erste Satz ist bestimmt durch periodisches Glockengeläut, das zart und einstimmig beginnt, langsam an Lautstärke und Intensität zunimmt und in einem 28-stimmigen Akkord endet. Jeder Glockenschlag wird vom Orchester aufgenommen und harmonisch und melodisch verlängert.

Das suggestive Klanggeflecht des zweiten Satzes imaginiert Blätter, die im Sonnenlicht aufleuchten und durch eine sanfte Brise, aber auch durch kraftvolle Winde in Strömen durcheinander gewirbelt werden. Er beginnt mit einem von drei Trompeten gespielten Ritornell. Dessen komplexe rhythmische Strukturen scheinen zunächst skelettartig, verdichten sich aber bei jedem der fünf erkennbaren Neuanfänge zu einer sich steigernden orchestralen Virtuosität. Die drei Titel (chains like the sea, the Sabbath rang slowly und rivers of the windfall light) stammen aus Dylan Thomas’ Gedicht Fern Hill. Das Werk ist Lorin Maazel und den Musikern der New York Philharmonic in Bewunderung und Dankbarkeit gewidmet.”

Joseph Schwantner has been chosen as the composer for the second round of the Ford Made in America program, the nation’s largest cocommissioning consortium of orchestras, which provides regional orchestras the opportunity to perform seminal works by contemporary American composers.

Chasing Light … is based on and inspired by a poem written by Joseph Schwantner. Explaining his sources, Schwantner comments: ‘Chasing Light ... draws its spirit, energy and inspiration from the celebration of vibrant colours and light that penetrate the morning mist as it wafts through the trees in the high New England hills. Like a delicate dance, those images intersected with a brief original poem that helped fire my musical imagination’.

The subsequent performances following the première will take place throughout the 2008-2009 and 2009-2010 concert season by 58 orchestras nationwide.

Joseph Schwantner wurde als Komponist für die zweite Runde des „Ford Made in America“-Programms ausgewählt, das lokalen amerikanischen Orchestern die Möglichkeit eröffnet, beispielhafte Werke zeitgenössischer amerikanischer Komponisten zu programmieren.

Chasing Light … wurde angeregt durch ein Gedicht von Joseph Schwantner; er erläutert hierzu: „Chasing Light … bezieht seine Energie und Inspiration aus den glitzernden Farben und dem Licht, das die zwischen den Bäumen der Hügel Neuenglands wabernden Morgennebel durchdringt. Wie in einem grazilen Tanz vermischen sich diese Bilder mit einem kurzen Gedicht, das meine musikalische Einbildung beflügelte.“ Der Uraufführung folgen weitere Aufführungen mit 58 Orchestern in den USA während der Konzertsaison 2008/09 und 2009/10.

Howard Shore

Fanfare for organ and brass (2008) Commissioned by Macy’s to celebrate their 150th anniversary and performed on the original Wanamaker organ 5’ • 27 September 2008 · Philadelphia, PA (USA) Macy’s flagship Philadelphia store Peter Richard Conte, organ Brass Players from The Philadelphia Orchestra

Photo from the Ford Made in America Workshop on January 29, 2008 featuring „Chasing Light ...“ by Joseph Schwantner Photo: http://picasaweb.google.com/fordmadeinamerica

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World Premières / Uraufführungen

Chaya Czernowin

Anea Crystal (2008): Seed I for string quartet1 6’

Seed II for string quartet2 7’30’’

Anea for octet1+2 8’30’’ Auftragswerk der Klangspuren Schwaz 22’ • 17. September 2008 · Wattens (A) Swarovski Kristallwelten Klangspuren Schwaz Quatuor Diotima1 Minguet Quartett2

„Anea ist ein erfundener Name für einen ‚Musik-Kristall’, der in seinem regelmäßigen Aufbau einem ionischen Kristall [Salzkristall] gleicht. Es besteht aus drei eigenständigen, voneinander unabhängigen Teilen, die einzeln oder gemeinsam gespielt werden können.

Swarovski Kristallwelten

‘Anea is an invented name for a music-crystal modelled on an ionic crystal. It is a piece written in three independent and individual movements which can be played separately or together.

Seed I and Seed II are for string quartet and Anea is for string octet, being built of both Seeds together played simultaneously with some changes.

The pieces belong to the series “Shifting Gravity” together with the pieces Sheva (Seven) and Sahaf (Drift).

The five pieces on this series are each a concise and concentrated focus on a singular physical gesture.

Close examination of the gesture reveals the strange physical laws of the world in which the gesture exists, and the body performing it. One could conceive of Anea Crystal as an ionic crystal of gestures.

Anea Crystal is dedicated to Johannes Kalitzke.’ Chaya Czernowin Seed I und Seed II sind für Streichquartett geschrieben; Anea für Streichoktett ist aus Seed I und Seed II zusammengesetzt, die beide mit einigen Veränderungen simultan gespielt werden.

Die drei Werke bilden gemeinsam mit Sheva (Seven) und Sahaf (Drift) die Werkreihe ‚Shifting Gravity’

We are happy to provide you with performing material for the stage, orchestral and choral works on hire. Works with edition numbers are on sale at your local music shop or at our online shop on our website: www.schott-music.com Wir stellen Ihnen alle Aufführungsmateriale zu den Bühnen-, Orchester- und Chorwerken leihweise zur Verfügung. Werke mit Editions-Nummern sind käuflich im Musikalienhandel oder im Shop auf unserer Website erhältlich: www.schott-music.com

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(‚Wechselnde Anziehung’). Jeder der fünf Teile dieser Werkreihe bietet eine sehr konzentrierte Deutung eines singulären physikalischen Gestus und will die eigenartigen physikalischen Gesetzmäßigkeiten der Welt ergründen, in der dieser Gestus und das Individuum, das ihn ausführt, existieren. In diesem Sinne könnte man bei Anea Crystal auch von einem aus Gesten gebildeten ionischen Kristallgitter sprechen.

Anea Crystal ist Johannes Kalitzke gewidmet.“ Chaya Czernowin

Chaya Czernowin

Sheva (Seven) for seven instrumentalists (2008) Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes Tr. · Pos. · Kontra-Git. · Klav. · Vc. · S. (2 Spieler) 8’ • 19. Oktober 2008 · Donaueschingen (D) Realschule, Große Sporthalle Donaueschinger Musiktage “The Dialogue Experiment” Ensemble ascolta Live in SWR2, 11.30 Uhr Further performance: 15.11.: Wien (A), Wien Modern

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Photo: Swarovski Kristallwelten

Further performance: 18.9.: Appiano (I), transart Bolzano

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Sheva (seven, in Hebrew) is dedicated to the seven players of the Ensemble ascolta, and the group of seven composers participating in “The Dialogue Experiment”. These are seven of Czernowin’s oldest students. Sheva is Czernowin’s contribution to “The Dialogue Experiment”, a collaborative piece she has written with these former students where every composer has also an individual piece.

‘In this piece fragile lines connect very differing instances of “sound clumps”. This is done in the same way in which the interstitial materials connect our individual pieces in the large collaborative piece, “The Dialogue Experiment”. Further, I dedicated some of the sound clusters as a small homage to the musical voices of the other participating composers. Each composer has a few sound clumps dedicated to him / her. In this way, Sheva is a bit of a reflection on the whole ”Dialogue Experiment”.’

Chaya Czernowin Sheva (hebräisch für Sieben) ist den sieben Spielern des Ensemble ascolta und den sieben Komponisten gewidmet, die am Projekt „The Dialogue Experiment“ teilnehmen. Diese sieben gehören zu den fortgeschrittensten Studenten von Chaya Czernowin. Sheva ist Czernowins Beitrag zu „The Dialogue Experiment“, einer Kollektiv-Komposition, die in enger Zusammenarbeit in der Gruppe entstand und für die jeder Komponist sein individuelles Werk geschrieben hat. „In diesem Werk werden sehr unterschiedliche Formen von ‚KlangKlumpen’ durch fragile Klanglinien miteinander verbunden. Dies geschieht in der gleichen Weise, in der in ‚The Dialogue Experiment’ die individuellen Beiträge durch verbindende Materialteile zusammengehalten werden. Einige dieser ‚KlangKlumpen’ habe ich als eine Art kleine Hommage den anderen teilnehmenden Komponisten gewidmet. In diesem Sinne ist Sheva eine Reflektion des gesamten ‚Dialogue Experiments’.“ Chaya Czernowin

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Thomas Larcher

Thomas Larcher

Böhmen liegt am Meer

Die Nacht der Verlorenen

für Bariton, Klarinette, Violine, Violoncello und Klavier (2008) Text von Ingeborg Bachmann Auftragswerk der KölnMusik 20’

für Bariton und Ensemble (2008) Text von Ingeborg Bachmann Co-commissioned by the Southbank Centre London, the Holland Festival and Casa da Música Porto

• 14. September 2008 · Köln (D) Philharmonie Matthias Goerne, Bariton Martin Fröst, Klarinette Viviane Hagner, Violine Matthew Barley, Violoncello Thomas Larcher, Klavier It has been a longstanding wish of the baritone Matthias Goerne to give the world première of a Larcher work composed especially for him.

As the result of an intense collaboration, two new works based on poems by Ingeborg Bachmann will be premièred within two weeks. In the first, Larcher sets the poem Böhmen liegt am Meer.

The imaginary country of Böhmen am Meer (Bohemia, a desert country near the sea) is a fragile Shakesperean utopia and the poet contrasts this with her own life: as ’a Bohemian, a wandering minstrel, who has nothing, who is held by nothing, gifted only at seeing, by a doubtful sea, the land of my choice.’ Larcher explains that ’the sound experience of a terrible c major’ is the initial point of his new work and adds: ’This is the point where the utopia is falling apart, turning from glittering white to darkness.’

1 (auch Picc. und Afl.) · 1 · 2 (2. auch Basskl.) · 1 (auch Kfg.) - 2 · 1 · 1 · 0 S. (2 Spieler) - Akk. - Str. (1 · 1 · 1 · 1 · 1) 30’ • 30 September 2008 · London (UK) Queen Elizabeth Hall London Sinfonietta Conductor Martyn Brabbins Matthias Goerne, baritone Further performances: Summer 2009: Amsterdam (NL), Holland Festival Matthias Goerne · Asko Ensemble & Schönberg Ensemble September 2009: Porto (P), Casa da Música Matthias Goerne · Remix ensemble The second Larcher world première with Matthias Goerne is part of the event ”Free Radicals: a portrait of Thomas Larcher“ and marks the opening of the London Sinfonietta's season at Southbank Centre. This large-scale ensemble work is based on late fragments Bachmann left,

probably never intending them for publication. ’Nowhere do we find that ”artless path”, of which the writer herself spoke, more clearly disclosed that in these fragments, scraps, bursts. However, this brittleness, this rawness, made the texts interesting to set. Here I was encountering not polished surfaces but instead rough stones, on to which I could hold and claw my way forward.’ (Thomas Larcher [trans.

Paul Griffiths]) Die zweite Uraufführung eines Werks von Thomas Larcher durch Matthias Goerne findet im Rahmen der Veranstaltung „Free Radicals: a portrait of Thomas Larcher“ als Spielzeiteröffnung der London Sinfonietta im Southbank Centre statt.

Das groß besetzte Ensemblewerk basiert auf dem Bachmann-Gedicht Die Nacht der Verlorenen – Das Ende der Liebe. Fragment geblieben und zu Lebzeiten unveröffentlicht, spricht aus seinen spröden Worten die Melancholie einer schmerzlichen Trennung. Für Larcher hat „gerade diese Brüchigkeit die Texte für eine Vertonung interessant gemacht. Ich traf auf keine polierten Oberflächen, sondern auf rauhe Steine, an denen ich mich festhalten und -krallen konnte.“ Thomas Larcher Photo: Richard Haughton

Es war ein lange gehegter Wunsch des Baritons Matthias Goerne, ein für ihn geschriebenes Larcher-Werk zur Uraufführung zu bringen. Nach intensiver gemeinsamer Arbeit folgen nun in kurzem Abstand zwei auf Gedichten von Ingeborg Bachmann basierende Werke. In dem ersten von ihnen vertont Larcher das bezugsreiche Gedicht Böhmen liegt am Meer. Die fiktive Stadt Böhmen am Meer dient seit Shakespeare als Projektionsfläche einer Utopie des kulturellen Lebens. Bei Bachmann ist es eine Utopie auf dünnem Eis, eine Utopie, die in großem Kontrast zu ihrem eigenen Leben stand. Larcher bezeichnet „die Klangerfahrung eines schrecklichen C-Dur“ als den Angelpunkt in seinem neuen Werk und ergänzt: „Das ist der Punkt, an dem die Utopie kippt, vom gleißenden Weiß in die Dunkelheit.“

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World Premières / Uraufführungen

John Casken

The Dream of the Rood for vocal and chamber ensemble (2008) Co-commissioned by The Liverpool Capital of Culture and The Hilliard Ensemble as part of the European Capital of Culture Programme 2008, for The Hilliard Ensemble and Ensemble 10/10 (the contemporary music group of the Royal Liverpool Philharmonic).

Ensemble: fl(picc, afl).ca.sopsax.bsn(cbn)– hn.tbn–hp–1perc–vla.db 25’ • 8 October 2008 · Liverpool (UK) Metropolitan Cathedral The Hilliard Ensemble Ensemble 10/10 Conductor Clark Rundell The 8th century Anglo-Saxon dreamvision poem from which this work takes its name is in Casken’s words ‘astonishing for its visionary and highly original interpretation of the story of the crucifixion and portrayal of Christ’s death’. Casken describes what attracted him to the text: ‘There are many fascinating aspects to this poem, in particular the idea of Christ as a fearless “warrior Lord” and a “brave young hero”. His torture and anguish are shared and experienced by the tree, and I was keen to portray the tree in different ways, from a “gallows-tree” and “torture-tree”, to a “healing-tree”, “protecting tree”, and “glory-tree”; as a rood, it is both a “grieving rood” and a “proudwood rood.” The poem mixes dream and reality, the real and the surreal, the human (warrior) and the divine (Christ).’

Das aus dem 8. Jahrhundert stammende angelsächsische Traumgedicht The Dream of the Rood, durch das John Casken zu seiner Komposition angeregt wurde, ist nach seinen

Hilliard Ensemble Photo: Friedrun Reinhold

Worten „außergewöhnlich in seiner visionären und eigenständigen Interpretation der Passionsgeschichte Christi“. Das Gedicht schildert die Kreuzigung aus der Perspektive des zum Kreuz gewordenen Baumes, der sie einem träumenden Mann erzählt. Casken beschreibt, was ihn an dem Gedicht besonders berührte: „Mich faszinierte vor allem, wie Christus dargestellt wird: als furchtloser ‚Kriegsherr’ und als ‚tapferer junger Held’. Seine Folter und Seelenqualen werden vom Kreuzesbaum mitgetragen. Ich wollte den Baum auf unterschiedliche Weise darstellen – als Galgenbaum, als Folterwerkzeug, aber auch als Instrument der Heilung, des Schutzes und des Ruhmes. Das Kreuz, für das der Baum steht, ist Symbol des Leidens

Further concerts and dates can be found at www.schott-music.com/performance. There you can easily call up all current concert and opera performances in your city or local area or search worldwide among c. 35,000 performances listed in this database.

If a performance by your orchestra or opera house is not listed, please email the details to infoservice@schott-music.com, and we will enter it immediately.

Weitere Konzerte und Termine finden Sie auf unserer Website unter www.schott-music.com/performance. Dort können Sie bequem nach aktuellen Aufführungsterminen in Ihrer Stadt oder Umgebung suchen. Die Website bietet rund 35.000 Aufführungen, die zu weiteren Recherchen einladen.

Vermissen Sie eine Aufführung Ihres Orchesters oder Opernhauses in unserem Online-Kalender? Schreiben Sie uns einfach an infoservice@schott-music.com und wir tragen den Termin umgehend ein.

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wie auch des Stolzes. Das Gedicht vermischt Traum und Realität, Reales und Surreales, Menschliches (Christus als Krieger) und Göttliches (Christus als Erlöser).“

Enjott Schneider

Orgelsinfonie Nr. 6 „Te Deum“

Rodion Shchedrin

Lyrische Szenen für Streichquartett (2006) Auftragskomposition 2008 des Internationalen Musikwettbewerbs der ARD München 10’ ED 20139

• 14. September 2008 · St. Florian (A) (16.30 Uhr) Jürgen Geiger, Orgel

• 11. September 2008 · München (D) Prinzregententheater Internationaler Musikwettbewerb der ARD Semifinale

Wilhelm Killmayer

Rodion Shchedrin

Neues Werk

Two Russian Choirs

für Klarinette und Violoncello (2008) Auftragswerk der Musiktage Mondsee • 6. September 2008 · Mondsee (A) Schloss Musiktage Mondsee Martin Fröst, Klarinette Heinrich Schiff, Violoncello

for mixed choir a cappella (2008):

Tsarskaya Kravcaya based on the Russian Choral Opera ‘Boyarina Morozowa’ 5’

Epigraph

by Count Tolstoy to his novel ‘Anna Karenina’ 7’ • 12 September 2008 · Moscow (RUS) Moscow Conservatory, Grand Hall National Choir of Russian Conservatories Conductor Boris Tevlin Further performance: 16.9.

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Mikis Theodorakis

Jörg Widmann

Rhapsodie

24 Duos

für Trompete und Orchester

für Violine und Violoncello Heft II (2008) Commande des Rencontres Artistiques de Bel-Air

• 9. Oktober 2008 · Köln (D) Philharmonie European Philharmonic Orchestra Dirigent Hans Ulrich Kolf Otto Sauter, Trompete Further performance: 13.10.: Berlin (D), Philharmonie

Huw Watkins

Sad Steps for piano and string sextet (2008) Commissioned by BBC Radio 3 as part of the New Generation Artists Scheme, supported by Aviva 12’ • 8 September · London (UK) (13.00 h) Cadogan Hall BBC Proms Aronowitz Ensemble

ED 20527 (in Vorbereitung) 16’ • 1 September 2008 · Chambéry (F) Château de Chambéry, Chapelle Rencontres de Musique de Chambre de Bel-Air Renaud Capuçon, violin Gautier Capuçon, cello

Jörg Widmann

Con brio Konzertouvertüre für Orchester (2008) Auftragswerk des Bayerischen Rundfunks 2 · 2 · 2 · 2 - 2 · 2 · 0 · 0 - P. - Str. 10’

Jörg Widmann Photo: Astrid Ackermann

• 25. September 2008 · München (D) Gasteig, Philharmonie Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks Dirigent Mariss Jansons Further performances: 26.9.: München (D), Gasteig 27.9.: Nürnberg (D), Meistersingerhalle 4.10.: Wien (A), Musikverein 13.3.2009: New York (USA), Carnegie Hall Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks · Mariss Jansons It was at the suggestion of the conductor of the world première, Mariss Jansons, that Jörg Widmann in his most recent orchestral work refers to musical characteristics of Beethoven’s 7th and 8th Symphonies, which will be performed in the same concert. His starting points primarily are specific fast types of movement in the Beethoven works which he translates into his tonal language. Widmann has chosen the same instrumentation as the Beethoven symphonies and takes on the task of causing a similar ‘stir and rhythmic pressure’ (Widmann) with these economical means. To take one example, the Beethovenian scherzo which often turns menacing appears in the Widmann as a shadowy air which turns distinctly noisy.

As in his last orchestral work Antiphon, the composer uses solid formal sections which are cut tightly against each other, driven headlong by the breathless tempo.

Mikis Theodorakis

Auf Anregung des Dirigenten der Uraufführung, Mariss Jansons, bezieht sich Jörg Widmann in seinem neuesten Orchesterstück auf musikalische Charakteristika von Ludwig van Beethovens 7. und 8. Sinfonie, die im gleichen Konzert zu hören sind. Seine Anknüpfungspunkte sind vor allem spezifische schnelle Bewegungstypen bei Beethoven, die er in seine Klangsprache übersetzt. Für sein Stück wählt Widmann exakt die Besetzung der Beethoven-Sinfonien und stellt sich der Aufgabe, mit diesen reduzierten Mitteln einen ähnlichen „Furor und rhythmisches Drängen“ (Widmann) zu entfachen. Der bei Beethoven oft ins Grimmige gewendete Scherzotypus taucht in seinem Stück beispielsweise schemenhaft als Gestus auf, der aber ins Geräuschhafte gewendet ist.

Wie bereits in seinem letzten Orchesterwerk Antiphon arbeitet der Komponist mit harten, blockhaft gegeneinander gesetzten Formabschnitten, die hier durch den schnellen, treibenden Gestus sogartige Wirkung entfalten.

Jörg Widmann

Etude V für Violine solo (2008) Auftragswerk des Kulturkreises der deutschen Wirtschaft im BDI e.V. 6’ • 19. Oktober 2008 · Würzburg (D) Neubaukirche Preisträgerkonzert des Violinwettbewerbs „Ton und Erklärung – Werkvermittlung in Musik und Wort“ Sinn Yang, Violine

Photo: Har. Biolios

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First Nights / Premieren

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he opening of the 2008/09 Season signals excitement and confidence in current music theatre, with the world première of Stewart Wallace’s The Bonesetter’s Daughter (13.9., San Francisco) and the American première of Howard Shore’s opera The Fly (7.9., Los Angeles). New productions of Chaya Czernowin’s Pnima…ins innere, Hans Werner Henze’s Die Bassariden and Aribert Reimann’s Lear open the season for Weimar (5.9.), Hanover (13.9.) and Frankfurt (28.9.). And the classical repertoire is also strongly represented: Richard Strauss’ Salome (four productions), Elektra and Die Frau ohne Schatten, plus Offenbach’s Les Contes d’Hoffmann; and E.T.A. Hoffmann’s opera Liebe und Eifersucht, after its world première in Ludwigsburg in July (201 years after its creation) is staged at the Munich Staatstheater am Gärtnerplatz from 27.9.

We would like to draw your particular attention to our new annotated catalogue Musiktheater seit 1990. Please find more information on this important programme planning aid on page 23.

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ie Eröffnungs-Premieren der noch jungen Saison 2008/09 setzen mit der USA-Premiere von Howard Shores Oper The Fly (7.9., Los Angeles) und der Uraufführung von Stewart Wallace’s The Bonesetter’s Daughter (13.9., San Francisco) ein wichtiges Signal für das aktuelle amerikanische Musiktheater!

Weitere Höhepunkte sind die Premieren von Chaya Czernowins Pnima…ins innere, Hans Werner Henzes Die Bassariden und Aribert Reimanns Lear, mit denen Weimar (5.9.), Hannover (13.9.) und Frankfurt (28.9.) ihre Saison beginnen. Auch das klassische Repertoire ist eindrucksvoll vertreten: Richard Strauss’ Salome (vier Premieren), Elektra und Die Frau ohne Schatten stehen ebenso auf den Spielplänen wie Offenbachs Les Contes d’Hoffmann und E.T.A. Hoffmanns Oper Liebe und Eifersucht. Letztere ist nach der Ludwigsburger Uraufführung im Juli – 201 Jahre nach ihrer Entstehung! – nun ab dem 27.9. im Münchner Staatstheater am Gärtnerplatz zu sehen.

Besonders hinweisen möchten wir Sie noch auf den neuen kommentierten Katalog Musiktheater seit 1990; auf Seite 23 stellen wir dieses wichtige Hilfsmittel für Ihre Programmplanung näher vor!

Jacques Offenbach Aribert Reimann Lear Sächsische Staatsoper Dresden 1999 Photo: Hans-Ludwig Böhme

Les Contes d’Hoffmann – Hoffmanns Erzählungen Opéra fantastique en 5 actes Edité par Michael Kaye et Jean-Christophe Keck • 7. September 2008 · Erfurt (D) Theater, Großes Haus Walter E. Gugerbauer · Rupert Lummer · Hank Irwin Kittel

Carl Orff

Carmina Burana • 6. September 2008 · Augst (CH) Augusta Raurica Veranstalter: Theater Basel Bartholomew Berzonsky · Aktionstheater PAN.OPTIKUM · Matthias Bringmann · Marie-Thérèse Jossen Partitur ED 85 Studienpartitur ETP 8000 Klavierauszug ED 2877 Chorpartitur ED 4920-20 Frauenstimmen ED 4920-01 Männerstimmen ED 4920-02 Libretto (lat./mhdt./altfrz./dt.)

BN 3633-01 Libretto (lat./engl.) ED 11968 WERGO-CD: WER 66022

Chaya Czernowin

Pnima...ins innere • 5. September 2008 · Weimar (D) Deutsches Nationaltheater, Großes Haus Johannes Harneit · Karsten Wiegand · Bärbl Hohmann

Studienpartitur ED 9411 Klavierauszug (engl./dt.) ED 8121 Libretto (dt.) BN 3348-00 Libretto (engl.) BN 3349-90

E.T.A. Hoffmann

Liebe und Eifersucht Hans Werner Henze

Die Bassariden • 13. September 2008 · Hannover (D) Staatsoper Jahbom Koo · Tilman Knabe · Wilfried Buchholz · Gabriele Rupprecht

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• 27. September 2008 · München (D) Staatstheater am Gärtnerplatz Andreas Kowalewitz · Ezio Toffolutti Partitur (Gesamtausgabe) ETAH 106

Erich Wolfgang Korngold

Die tote Stadt • 23 September 2008 · San Francisco, CA (USA) San Francisco Opera, War Memorial Opera Co-production of Vienna State Opera and the 2004 Salzburg Festival Donald Runnicles · Willy Decker · Wolfgang Gussmann Klavierauszug ED 3208 Libretto BN 3480

Aribert Reimann

Lear • 28. September 2008 · Frankfurt/Main (D) Oper Sebastian Weigle · Keith Warner · Boris Kudlicka · Kaspar Glarner Studienpartitur (dt./engl./frz.)

ED 6857 Libretto (dt.) BN 3689-70

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Richard Strauss E.T.A. Hoffmann Liebe und Eifersucht Ludwigsburger Schlossfestspiele 2008 Photo: Lioba Schöneck

Die Frau ohne Schatten • 11. Oktober 2008 · Düsseldorf (D) Deutsche Oper am Rhein, Opernhaus John Fiore · Guy Joosten · Johannes Leiacker Studienpartitur AF 7500 (gebunden) AF 7500-10 (broschiert) Klavierauszug AF 7503 Libretto AF 7505

• 14. September 2008 · Bremen (D) Theater Markus Poschner · Susanne Kristin Gauchel · Christian Ludwig Attersee • 19. Oktober 2008 · Aachen (D) Theater Marcus R. Bosch · Reinhild Hoffmann · Dieter Hacker Studienpartitur AF 5500 (gebunden) AF 5500-10 (broschiert) Klavierauszug AF 5503 Libretto AF 5504

Der Rosenkavalier • 27. September 2008 · Stralsund (D) • 4. Oktober 2008 · Greifswald (D) Theater Vorpommern Mathias Husmann · Anton Nekovar · Susanne Thomasberger · Christine Becke Studienpartitur AF 5900 (gebunden) AF 5900-10 (broschiert) Klavierauszug AF 5903 (broschiert) AF 5903-10 (gebunden) Libretto AF 5905 Kunstmappe mit Figurinen von/ Collection of costume designs

by Alfred Roller RSE 3000

Salome • 6. September 2008 · Kassel (D) Staatstheater Kassel, Opernhaus Patrik Ringborg · Gabriele Rech · Dieter Richter · Susanne Hubrich • 13. September 2008 · Pforzheim (D) Theater Markus Huber · Wolf Widder · Sibylle Schmalbrock

Igor Strawinsky

Symphony in three movements • 10 September 2008 · Paris (F) Opéra national de Paris, Opéra Bastille Fayçal Karoui · George Balanchine · New York City Ballet Studienpartitur ED 4075 Eulenburg Studienpartitur ETP 574

Eberhard Streul

Papageno spielt auf der Zauberflöte • 26. Oktober 2008 · Halberstadt (D) Nordharzer Städtebundtheater, Kammerbühne N.N. · Christian Poewe · Alrune Sera

Stewart Wallace

The Bonesetter’s Daughter • 13 September 2008 · San Francisco, CA (USA) (see page 2 / siehe Seite 2)

Howard Shore

The Fly • 7 September 2008 · Los Angeles, CA (USA) [US-Première] Los Angeles Opera, Dorothy Chandler Pavilion Plácido Domingo · David Cronenberg · Dante Ferretti · Denise Cronenberg

Richard Strauss

Elektra • 13. September 2008 · Kaiserslautern (D) Uwe Sandner · Hansgünther Heyme Studienpartitur AF 5650 (gebunden) AF 5650-10 (broschiert) Klavierauszug AF 5654 Libretto AF 5655

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Howard Shore The Fly Théâtre du Châtelet, Paris 2008 Photo: Marie-Noëlle Robert

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

COMPOSING AMERICA W

ith his Symphony No. 9 in E minor, Op. 95, ‘From the New World’, Antonin Dvorˇ ák created a lasting musical monument to the American continent over 100 years ago. Since the discovery of the ‘new continent’, Europeans in particular have placed a lot of hopes and desires in the ‘land of limitless opportunity’, the ‘American dream’ and the ‘American way of life’.

M

In the following pages ‘Composing America’, we present selected works by our contemporary composers which reference America from a European, Asian and of course American perspective. We explore landscapes which inspired Edward Cowie, John Duffy or Tobias Picker; urban life in New York (Robert Beaser); Mark-Anthony Turnage’s love of jazz; and we confront the more equivocal social commentaries in works by Peter Eötvös, Hans Werner Henze and Stephen Paulus.

Many works were commissioned by Americans, for example Stravinsky’s famous Concerto in Es ”Dumbarton Oaks” or Ligeti’s San Francisco Polyphony. The selection is not complete without works by exiled composers such as Paul Hindemith and Kurt Weill who came to America during the Nazi dictatorship and gave musical shape to their thoughts on their new home country.

Auf den folgenden Seiten „Composing America“ präsentieren wir Ihnen ausgewählte Werke unserer zeitgenössischen Komponisten, die sich aus europäischer, asiatischer oder amerikanischer Sicht auf Amerika beziehen. Mal sind es Landschaften, die Edward Cowie, John Duffy oder Tobias Picker inspirierten, mal ist es das pulsierende Leben in New York (bei Robert Beaser), mal fasziniert Amerika als Ursprungsland des Jazz (Mark-Anthony Turnage).

Manche Komponisten setzen sich aber auch kritisch mit sozialen Gegebenheiten in den USA auseinander, darunter Peter Eötvös, Hans Werner Henze und Stephen Paulus. Viele Werke wurden durch amerikanische Auftraggeber ermöglicht, wie beispielsweise Strawinskys Concerto in Es ”Dumbarton Oaks” oder Ligetis San Francisco Polyphony. Natürlich fehlen in dieser Liste die im Exil entstandenen Werke etwa von Paul Hindemith und Kurt Weill nicht, in denen sich diese musikalisch ihrer neuen Heimat näherten.

We also introduce you to three American composers new with Schott: Douglas J. Cuomo, Andrew Norman and Stewart Wallace.

Mit Douglas J. Cuomo, Andrew Norman und Stewart Wallace stellen wir Ihnen außerdem drei neue amerikanische Komponisten des Hauses Schott vor.

Email to infoservice@schott-music.com and we will supply you with recordings or perusal scores of our works ‘from the new world’ free of charge.

Gerne senden wir Ihnen kostenlos eine Liste weiterer „Amerika“-Werke, Aufnahmen oder Ansichtspartituren zu. Eine E-Mail an infoservice@schottmusic.com genügt.

ORCHESTRAL WORKS

Edward Cowie

Robert Beaser

Cowie has always been inspired by the world around him – whether it’s nature, landscape or a particular city or country. This is one of 2 symphonies he wrote based on America (the other being Australia). It was premièred by the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra where he was composer-in-residence at the time.

Manhattan Roll for orchestra (1998) 7’ Commissioned for the 150th anniversary of the New York Philharmonic, Manhattan Roll is an ebullient, fiery work, rich in flashy percussion effects with a cosmopolitan flair influenced by the music of Leonard Bernstein.

Manhattan Roll, anlässlich des 150.

Geburtstags der New York Philharmonic in Auftrag gegeben, ist ein überschäumend-feuriges Werk, dessen blitzende Schlagzeug-Effekte und kosmopolitischer Flair den Einfluss von Leonard Bernstein spüren lassen.

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Symphony ‘The American’ for orchestra (1983) 35’

it seiner 9. Sinfonie e-Moll op. 95 „Aus der neuen Welt“ setzte Antonin Dvorˇ ák vor über 100 Jahren dem amerikanischen Kontinent ein bleibendes musikalisches Denkmal. Seit der Entdeckung des „neuen Kontinents“ verbanden sich besonders in Europa viele Hoffnungen und Sehnsüchte mit dem „Land der unbegrenzten Möglichkeiten“, dem „amerikanischen Traum“ und dem „American Way of Life“.

View of Harlem, New York City

Natur, Landschaften, bestimmte Städte oder Länder haben Edward Cowie immer schon musikalisch inspiriert. „The American“ ist eine von zwei Symphonien, die er über ein Land schrieb; die andere beschreibt seine Eindrücke von Australien. „The American“ wurde vom Royal Liverpool Philharmonic Orchestra uraufgeführt, dessen Composer-in-Residence Cowie zu dieser Zeit war.

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John Duffy

Utah, Arches National Park

Symphony No. I – Utah for orchestra (1989) 25’ The Symphony No. I – Utah was commissioned by the Sierra Club, America’s oldest and largest environmental organization, to draw attention to the preservation of the vast, beautiful lands of Utah. Its pulsating rhythms and energetic brass fanfare reflect the excitement and pride found in the landscape of the expansive American frontier.

Die Symphony No. I – Utah wurde vom Sierra Club, Amerikas ältester und größter Umweltschutzorganisation, in Auftrag gegeben, um damit Aufmerksamkeit für den Schutz der weiten, herrlichen Landschaften Utahs zu wecken. Die pulsierenden Rhythmen und energiegeladenen Bass-Fanfaren spiegeln die Erregung und den Stolz wider, der die sich stetig ausweitende amerikanische Grenzregion kennzeichnet.

Percy Aldridge Grainger arr. Stokowski Country Gardens for orchestra (1950) 3’ Handel in the Strand for orchestra (1949) 4’ Irish Tune from County Derry for small orchestra (1949) 4’ Molly on the Shore for orchestra (1949) 4’ Harlem (125th Street) Walkabout arr. Walter S. Hartley for wind band Percy Aldridge Grainger lived in the USA from 1914 until his death. He collaborated with conductor and arranger Leopold Stokowski on these arrangements as part of a recording project for RCA Records.

Stokowski orchestrated them with all his usual panache without losing the folk-like qualities of the original.

Von 1914 bis zu seinem Tod lebte Percy Aldridge Grainger in den USA, wo er diese Orchesterarrangements eigener Stücke zusammen mit dem Dirigenten und Arrangeur Leopold

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Stokowski für ein Schallplattenprojekt von RCA Records schrieb. Stokowski instrumentierte sie in der für ihn typischen Opulenz, ohne jedoch den volkstümlichen Charakter des Originales zu verlieren.

Hans Werner Henze El Rey de Harlem Imaginäres Theater I für Mezzosopran und kleines Ensemble (1979) Dichtung von Federico García Lorca (span.)

30’ Studienpartitur ED 9128 The poem El Rey de Harlem by Federico Garcia Lorca, ‘a vision of Harlem interspersed with violent images’ and of the oppression of black peoples, inspired Hans Werner Henze to compose his ‘imaginary music theatre play’ of the same name. Henze thought less of a scenic representation than of creating music of great immediacy which, like the text, conveys a passionately humane message. Henze envisaged the performance of his piece, which references jazz and Latin American folklore, ‘as in a cellar in which jazz is played, a jazz full of oppression and wildness that constantly wants to explode, made by black people in rebellion.’ (Hans Werner Henze)

Das Gedicht El Rey de Harlem von Federico Garcia Lorca, „eine von grauenhaften Bildern durchsetzte Vision Harlems“ und der Unterdrückung der Schwarzen inspirierte Hans Werner Henze zur Komposition seines gleichnamigen „imaginären Musiktheaters“. Henze dachte weniger an eine szenische Darstellung als an engagierte Musik, die wie das Theater eine humane Botschaft transportiert. Die Wiedergabe seines Stücks, das mit Anklängen an Jazz und lateinamerikanische Folklore arbeitet, stellte sich Henze vor „wie in einem Keller, in dem Jazz gespielt wird, ein Jazz voller Unterdrückung und Wildheit, der dauernd explodieren will, gemacht von Schwarzen in der Rebellion.“ (Hans Werner Henze)

Paul Hindemith When lilacs last in the door-yard bloom’d A Requiem ”For those we love“ für Mezzosopran, Bariton, gemischten Chor und Orchester (1946) Text von Walt Whitman Deutsch von Paul Hindemith (dt./engl.)

60’ Partitur (Gesamtausgabe) PHA 702 Klavierauszug ED 3800 Chorpartitur ED 3800-01 Libretto BN 3374-10 WERGO-CD: WER 62862

Paul Hindemith’s compositional analysis of American literature in the years he lived in exile is documented primarily by his ‘Lilac Requiem’ which is based on the poem When Lilacs Last in the Door-Yard bloom’d

by Walt Whitman. Hindemith began to compose this work in January 1946, just a few days after his naturalization, and at first wanted to give it the title ‘An American Requiem’. The oratorio is a bow to the cultural tradition of the country which readily welcomed him, on the one hand, and a document of grief and sympathy with the fate of the Jews during the Nazi dictatorship.

Paul Hindemiths kompositorische Auseinandersetzung mit amerikanischer Literatur während seiner Exiljahre dokumentiert vor allem sein „Flieder-Requiem“, das auf Walt Whitmans Gedicht When Lilacs Last in the Door-Yard bloom’d basiert.

Hindemith begann die Komposition, die er zwischenzeitlich auch mit dem Titel „An American Requiem“ versehen wollte, im Januar 1946 wenige Tage nach seiner Einbürgerung.

Das Oratorium ist zum einen eine Verneigung vor der kulturellen Tradition des Landes, das den Komponisten so bereitwillig aufnahm, zum anderen ist es ein Dokument der Trauer und der Anteilnahme am Schicksal der Juden während der Nazi-Diktatur.

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

Lee Hoiby Last Letter Home for baritone and string quartet or string orchestra (2006) also available for baritone solo and piano, and for TBB chorus 7’ Lee Hoiby’s Last Letter Home is the setting to music of a letter by US Army tank crewman, Jesse Givens, who had been in Iraq for just a month when, on May 1, 2003, his tank crashed and fell into a canal off the Euphrates River. The rest of the crew escaped through a hatch, but Givens perished trapped inside the tank. Hoiby’s intention was to set Givens’ words as clearly as possible, writing it in three-part form for one tenor and two baritone parts.

In Last Letter Home vertonte Lee Hoiby einen Brief des amerikanischen Soldaten Jesse Givens, der als Panzerfahrer gerade einen Monat im Irak Dienst tat, als am 1. Mai 2003 sein Panzer nach einem Unfall in einen Seitenkanal des Euphrat stürzte.

Die Mannschaft bis auf ihn konnte durch die Notausstiegsluke entkommen. Givens jedoch verstarb, im Panzer gefangen. Hoibys Absicht war es, Givens’ Worte so deutlich wie möglich hörbar werden zu lassen; er komponierte das Werk für einen Solobariton, alternativ begleitet von einem dreistimmigen Chor (TBB).

Bertold Hummel Oregonsinfonie für großes Blasorchester, op. 67 (1977) 25’ Partitur SHS 1023 Stimmen SHS 1023-50 Bertold Hummel wrote his Oregon Symphony Op. 67, commissioned by the Southern College Band Convention of America, in 1977 for the typical American symphonic wind band.

Almost 100 musicians are required, 15 clarinets alone in three groups of five as well as four piccolos and six flutes, bass clarinet, bassoons, saxophones, trumpets, horns, tubas, sousaphones and five percussionists. Photos showing scenes from the state of Oregon inspired Hummel to compose his four-movement work in which he incorporated many jazz elements, American folk songs such as Yankee Doodle and Skip to my Lou as well as the hymn of the state of Oregon.

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Bertold Hummel schrieb seine Oregonsinfonie op. 67, ein Auftrag der Southern College Band Convention of America, 1977 für die typisch amerikanischen symphonischen Blasorchester. Fast 100 Musiker werden benötigt, allein 15 Klarinetten in drei Fünfergruppen, ferner vier Piccolound sechs Querflöten, Bassklarinette, Fagotte, Saxophone, Trompeten, Hörner, Tuben und Sousaphon, dazu kommen fünf Schlagzeuger. Fotos mit Szenen aus dem Bundesstaat Oregon dienten Hummel als Anregung für die Komposition seines viersätzigen Werkes, in dem er zahlreiche Anklänge an Jazz, amerikanische Volkslieder wie Yankee Doodle und Skip to my Lou sowie die Hymne des Bundesstaates Oregon verarbeitete.

György Ligeti San Francisco Polyphony für Orchester (1973-1974) 11’ During his time as composer-in-residence at the Stanford University in 1972, György Ligeti attended the performance of his orchestral piece Melodien with the San Francisco Symphony under its then musical director Seiji Ozawa which he found absolutely enthralling. A little later, he therefore gladly accepted a commission of the San Francisco Symphony Association and composed his San Francisco Polyphony for their 60th anniversary. The short piece, a dense texture of melodically and rhythmically concise forms, appears clearer, richer in contrast and more animated than Ligeti’s previous static, ‘micropolyphonic’ textures.

Während seiner Zeit als „Composerin-Residence“ an der Stanford University 1972 hörte György Ligeti die Aufführung seines Orchesterstücks Melodien mit der San Francisco Symphony unter ihrem damaligen Leiter Seiji Ozawa, die ihn begeisterte. Gern nahm er daher wenig später einen Auftrag der San Francisco Symphony Association an und komponierte zu deren 60-jährigem Bestehen seine San Francisco Polyphony. Das kurze Stück, ein dichtes Gewebe melodisch und rhythmisch prägnanter Gestalten, erscheint im Gegensatz zu den frühen statischen „mikropolyphonen“ Texturen Ligetis klarer, kontrastreicher und bewegter.

Brooklyn Bridge Photo: Urban

Steve Martland

Tobias Picker

American Invention for thirteen players in three groups (1985) 22’ Study score ED 12281

Keys to the City for piano and orchestra (1983) for piano and chamber orchestra (1987) 19’ Study score EA 535 Study score (chamber version) EA 582

Martland writes: ’The title is ironic.

Bach and his keyboard inventions and American imperialism – a montage assembly, a series of self-destructive machine processes, fragments, fractures; everything discontinuous. But irony is not enough; art is not a mirror held up to reality but a force with which to shape it’. „Der Titel ist ironisch gemeint.

Bachs Inventionen für Cembalo und der amerikanische Imperialismus – eine Montage-Anordnung, eine Serie selbstzerstörerischer, unsteter Maschinenprozesse, Fragmente und Brüche. Ironie jedoch reicht nicht aus; Kunst ist kein Spiegel, den wir der Realität vorhalten, sondern eine Kraft, mit der diese geformt wird.“ Steve Martland

Keys to the City was commissioned by the City of New York in commemoration of the 100th anniversary of the Brooklyn Bridge. The New York Times remarked at its première that, ’Keys to the City is an exuberant, celebratory evocation … eighteen minutes of irrepressible energy and cosmopolitan eclecticism.’

Keys to the City wurde von der Stadt New York für die Feierlichkeiten zum 100. Geburtstag der Brooklyn Bridge in Auftrag gegeben. Anlässlich der Uraufführung schrieb die New York Times: „Keys to the City ist eine überschäumend feierliche Beschwörung … achtzehn Minuten voll unbändiger Energie und kosmopolitischem Eklektizismus.“

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Tobias Picker Old and Lost Rivers for orchestra (1986) 6’ Study score EA 673 Tobias Picker comments: ’driving east from Houston along Interstate 10, you will come to a high bridge which crosses many winding bayous. These bayous were left behind by the great wanderings, over time, of the Trinity River across the land. When it rains, the bayous fill with water and begin to flow. At other times – when it is dry – they evaporate and turn green in the sun. The two main bayous are called ”Old River” and ”Lost River”.

Where they converge, a sign on the side of the highway reads: ”OId and Lost Rivers.”

I composed this piece in the spring of 1986 in Houston, as a tribute to my new home. Later that year, I made a piano version of the piece for Ursula Oppens and presented it to her as a birthday present.’ „Wenn man auf der Interstate 10 von Houston Richtung Osten fährt, kommt man an eine hohe Brücke, die über viele gewundene Bayous führt. Diese Bayous sind über einen langen Zeitraum entstanden, als sich der Trinity River verschiedene Wege durch das Land bahnte. Wenn es regnet, füllen sich die Bayous mit Wasser und fangen an zu fließen. Zu anderen Zeiten, d.h. wenn es trocken ist, trocknen sie in der Sonne aus und wachsen zu. Die beiden wichtigsten Bayous heißen ‘Old River’ und ‘Lost River’. Wo sie zusammenfließen, findet sich ein Schild am Rande des Highways, auf dem steht: ‘Old and Lost Rivers’.

Ich habe dieses Stück im Frühjahr 1986 in Houston komponiert, als eine Hommage an meine neue Heimat. Im weiteren Verlauf desselben Jahres fertigte ich eine Klavierfassung des Stücks für Ursula Oppens an und schenkte sie ihr zum Geburtstag.“ Tobias Picker

wedding. It was performed for the first time at a private celebration at their country house Dumbarton Oaks in Washington, D.C. under the direction of Nadia Boulanger in 1938.

Strawinskys dreisätziges Konzert „Dumbarton Oaks“, das von Bachs Brandenburgischen Konzerten inspiriert ist, setzt zwei bedeutenden amerikanischen Kunstmäzenen ein musikalisches Denkmal: Mildred und Robert Woods Bliss gaben das Werk aus Anlass ihres 30. Hochzeitstages in Auftrag. Unter der Leitung von Nadia Boulanger wurde es 1938 im privaten Rahmen auf dem Landsitz der Auftraggeber, Dumbarton Oaks in Washington, D.C., uraufgeführt.

Toru Takemitsu Archipelago S. for 21 players (1993) 14’ Study score SJ 1084 ”S” means also the initial of Seto Inland Sea of Japan, Stockholm and Seattle which has beautiful islands.

This work was inspired by these seascape. The orchestra is divided into five groups and dispersed about the hall like an archipelago.

Die Initiale „S“ bezeichnet sowohl den Seto-See in Japan als auch die Inselgruppen vor Stockholm und Seattle. Das Werk von Toru Takemitsu wurde durch diese beeindruckenden Inselgruppen angeregt. Das Orchester ist in fünf Gruppen aufgeteilt, die wie Inseln im Raum platziert sind.

Michael Tippett Symphony No. 4 for orchestra (1977) 32’ Study score ED 11395 The Ice Break Opera in three Acts (1973-1976) Text by the composer (engl.)

70’ Vocal score ED 11253 Libretto ED 11253-1 New Year Opera in three Acts (1977) Text by the composer (engl.)

100’ Vocal score ED 12333 Libretto ED 12333-1 The Wolf Trap Fanfare for brass ensemble (1980) 2’ Score and parts ED 11866 The Mask of Time for soprano, mezzo soprano, tenor and baritone soloists, chorus and orchestra (1980-1982) Words written and compiled by the composer (engl.)

95’ Vocal score ED 12196 Libretto ED 12197

Byzantium for soprano and orchestra (1989-1990) Text by William Butler Yeats (engl.)

25’ Study score ED 12383 Vocal score ED 12376 Five Spirituals from ‘A Child of Our Time’ for mixed choir or male voice choir (1939-41) 14’ Choral scores ED 10585 / ED 12812 Tippett chose spirituals as a 20th century equivalent to the chorales of the Bach Passions in his 1939 oratorio A Child of Our Time.

In his later years, America became almost a second home to him. He receives commissions from most of the major orchestras, and both his last two operas are born out of his love of its vibrant culture.

Sir Michael Tippett wählte das Spiritual als eine Art von Entsprechung zu den Chorälen in den Passionen Bachs für sein 1939 entstandenes Oratorium A Child of Our Time. In seinen letzten Jahren war Amerika für ihn wie eine zweite Heimat. Seine 4. Symphonie, The Mask of Time und Byzantium entstanden für amerikanische Auftraggeber. Auch seine letzten beiden Opern The Ice Break und New Year reflektieren Tippetts intensive Beziehung zu den USA.

Dumbarton Oaks Photo: Library of Congress online collection

Igor Strawinsky Concerto in Es „Dumbarton Oaks“ für Kammerorchester (1937-1938) 15’ Studienpartitur ED 3527 Eulenburg-Studienpartitur ETP 1813 Inspired by Bach’s Brandenburg Concertos, Stravinsky’s three-movement concerto ‘Dumbarton Oaks’ is a musical monument to two major American patrons: Mildred and Robert Woods Bliss commissioned this work to mark the 30th anniversary of their

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

Mark-Anthony Turnage / John Scofield Scorched for jazz trio and orchestra (1996-2001) 80’ Mark-Anthony Turnage met John Scofield through their mutual love and respect for the music of Miles Davis. Scofield was one of the soloists in the ground breaking Blood on the Floor (1996) and Turnage took the relationship further in Scorched, a sequence of Scofield’s themes developed for jazz trio and orchestra, including players from the Hessische Rundfunk Big Band Der wechselseitige Respekt und die Liebe zur Musik von Miles Davis waren für Mark-Anthony Turnage und den Jazzgitarristen John Scofield der Motor für eine intensive Zusammenarbeit, die in den 1990er Jahren begann. Scofield spielte in dem Ensemble, das Turnages erschütterndes Werk Blood on the Floor aufführte. In Scorched setzte Turnage die Zusammenarbeit fort und entwickelte für dieses Werk eine Sequenz von Scofields Themen, die er für Jazz-Trio und ein Orchester schrieb, bei dem auch Musiker der Big Band des Hessischen Rundfunks mitwirkten.

Mark-Anthony Turnage Kai for solo cello and ensemble (1989-90) 20’ Study score ED 12397 Piano reduction ED 13102 (in preparation) This staple of the cello repertoire is based on themes by the legendary American bass player and composer Charles Mingus, at one time the subject of a now abandoned opera.

A lyrical cello line floats over the top of a jazz based ensemble during the course of the work which was written in memory of Ensemble Modern cellist Kai Scheffer.

Dieses wichtige Werk des Cello-Repertoires basiert auf Themen des legendären amerikanischen Bassisten und Komponisten Charles Mingus, dessen Leben seinerzeit auch Thema einer nicht realisierten Oper war.

Eine lyrische Cello-Melodie schwebt über den Klängen eines Jazz-Ensembles. Das Werk wurde zur Erinnerung an den Cellisten des Ensemble Modern, Kai Scheffer, geschrieben.

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Robert Beaser The Food of Love Glimmerglass Opera 1999

Mark-Anthony Turnage An Invention on ‘Solitude’ arr. Clark Rundell for clarinet and small orchestra (1997-1999; 2004) 8’ Turnage’s An Invention on ‘Solitude’, arranged for chamber orchestra by Clark Rundell, alludes to Duke Ellington’s famous tune. The mood is reflective and pensive with the clarinet leading the argument throughout. The piece builds up to a climax before moving to a nocturnal coda.

Mark-Anthony Turnages An Invention on ‘Solitude’, für Kammerorchester und Klarinette arrangiert von Clark Rundell, spielt auf die berühmte Melodie von Duke Ellington an. Die Klarinette bestimmt den bedächtigen und nachdenklichen Charakter des Werkes, das nach einer klangvollen Steigerung in einer verhaltenen Coda ausklingt.

STAGE WORKS Robert Beaser The Food of Love an opera in one act (1999) Libretto by Terrance McNally (engl.)

45’ In Robert Beaser’s The Food of Love, a homeless woman in New York City’s Central Park, carrying her newborn baby, finds herself surrounded by a chorus of characters habituating the park: painters, lovers, yuppie sun-bathers, a zookeeper, and a cop.

In desperation, she attempts to give her baby away to any of the unsuspecting strangers. Not only do these passers-by not accept the offer, they don’t even acknowledge her presence.

In New Yorks Central Park sieht sich eine junge obdachlose Frau, die ihr gerade geborenes Kind auf dem Arm trägt, von einer Gruppe von Menschen umgeben, die den Park bevölkern: Maler, Liebespaare, sonnenbadende Yuppies, ein Zoowärter, ein Polizist. Verzweifelt versucht sie, ihr Baby irgendeinem aus der Gruppe der unverdächtigen Fremden zu übergeben. Vergebens – nicht nur, dass keiner der Flaneure ihre Bitte erhört, vielmehr nimmt niemand ihre Anwesenheit überhaupt wahr.

John Duffy Black Water a chamber opera in two acts (1998) Libretto by Joyce Carol Oates (engl.)

105’ Black Water relates the events leading up to Mary Jo Kopechne’s infamous drowning in a car driven by Senator Ted Kennedy on Martha’s Vineyard in 1969. The opera was dubbed ‘an authentic masterpiece not to be missed’ by LA Weekly.

Black Water schildert die Ereignisse um den dubiosen Autounfall, in den Senator Ted Kennedy 1969 nahe Martha’s Vineyard, MA, verwickelt war und bei dem Mary Jo Kopechne unter ungeklärten Umständen ertrank. Die Oper wurde von LA Weekly als „ein authentisches Meisterwerk, das man nicht verpassen sollte“, bezeichnet.

Werner Egk Columbus Bericht und Bildnis in drei Teilen Text von Werner Egk Funkfassung (1932) Bühnenfassung (1941-1942) Neufassung als Ballettoratorium (1951) 90’ (dt.)

Libretto BN 3190-90 Like many composers of the 1930s, Werner Egk used the new medium radio: his opera Columbus was com-

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posed in 1932 as radio opera for the Bavarian Radio and describes the spectacular rise and fall of Christopher Columbus from his embarkation to the ‘new world’, full of hope, until his death in bitterness, poverty and humiliation. Egk avoids any glorification of the hero. The opera’s subtitle ‘Report and Portrait in Three Parts’ rather points to a dramatic principle which Egk circumscribes with the term ‘documented authenticity’.

Quotes from historical documents and the distant commentarial role of the chorus accentuate both the conflicting nature of the eponymous hero and the questionable result of their efforts: the paradise discovered by Columbus turned into a hell of colonial exploitation within a few years.

Wie viele Komponisten der 30er Jahre nutzte auch Werner Egk für seine Oper Columbus das neue Medium Radio: Seine Oper entstand 1932 als Funkoper für den Bayerischen Rundfunk. Sie schildert den glänzenden Aufstieg und tiefen Fall von Christoph Columbus vom hoffnungsvollen Aufbruch in die „neue Welt“ bis zu seinem Tod in Verbitterung, Armut und Demütigung. Egk vermeidet jede Glorifizierung des Titelhelden. Der Untertitel der Oper „Bericht und Bildnis in drei Teilen“ weist vielmehr auf ein dramaturgisches Prinzip hin, das Egk mit dem Begriff der „dokumentierten Authentizität“ umschreibt.

Zitate aus historischen Dokumenten und die distanziert kommentierende Rolle des Chores akzentuieren so-

wohl die Zwiespältigkeit der Titelfigur als auch das fragwürdige Ergebnis ihrer Anstrengungen: Aus dem Paradies, das Columbus entdeckte, wurde binnen weniger Jahre die Hölle kolonialer Ausbeutung.

tain state between delusion and reality.’

The second German production of Angels in America – after the DEA at the Hamburg State Opera in 2005 – will be staged at the Bockenheimer Depot in March 2009 as a production of the Frankfurt Opera.

Heinz Geese

Peter Eötvös schreibt über seine 2004 am Théâtre du Châtelet Paris uraufgeführte Oper Angels in America: „Tony Kushner beschreibt die amerikanische Neurose des Jahrtausendwechsels wie einen Albtraum in einer spektakulären theatralischen Halluzination. Viele der Hauptcharaktere waren reale Personen, wie z.B. Ethel Rosenberg, die von dem kriminellen Rechtsanwalt Roy Cohn, einem Mitarbeiter von McCarthy, auf den elektrischen Stuhl geschickt wurde. Bei Kushner wie auch in meiner Oper erscheint der Geist von Ethel Rosenberg, um dem qualvollen Aids-Tod von Roy Cohn zuzuschauen. Dieses nahtlose Nebeneinander von Halluzination und Realität hat mich besonders animiert, mit dem Stoff zu arbeiten. In der Oper konzentriere ich mich auf die leidenschaftlichen Beziehungen der handelnden Personen, auf die hochdramatische Spannung des Textes, auf den schwebenden Zustand zwischen Wahn und Wirklichkeit.“ Die zweite deutsche Produktion von Angels in America – nach der DEA an der Hamburgischen Staatsoper in 2005 – wird im März 2009 als Inszenierung der Frankfurter Oper im Bockenheimer Depot zu sehen sein.

What does one do if one is the bewitched gangster’s son Foxy and one’s own grandmother (a veritable witch) wants to bring the whole of America under her control? The answer to this question is given by Heinz Geese in his children’s musical with a lot of wit and irony. The music changes between jazz and chacha, blues and European pop song.

Depending on the circumstances at the respective school, it can be played by a large-scale school orchestra or by jazz combos of varying instrumentation. Foxy rettet Amerika is suitable for children aged 8+.

Foxy rettet Amerika Ein Musical für Kinder von 8 - 80 von Fritz Graßhoff (1977) Musikalisches Arrangement von Loca Stipolosek (dt.)

40’

Peter Eötvös Angels in America Opera in two parts by Peter Eötvös (2003-2004; rev. 2005) after the original theatre play ‘Angels in America’ by Tony Kushner Libretto by Mari Mezei (engl.)

130’ Peter Eötvös writes about his opera Angels in America, premièred at the Théâtre du Châtelet Paris in 2004: ‘Tony Kushner describes the American neurosis at the turn of the millennium as a dark nightmare in a spectacular theatrical hallucination.

Many of the main characters were real persons, such as Ethel Rosenberg who was put to death in the electric chair by the criminal lawyer Roy Cohn, a collaborator of McCarthy. In Kushner’s play and even in my opera, the ghost of Ethel Rosenberg appears to watch Roy Cohn die in agony from Aids. In this play, hallucination and reality merge perfectly; it is mainly this quality that has encouraged me to work with this subject. In the opera version, I focus on the passionate relationships of the acting characters, on the highly dramatic suspense of the text, on the permanently uncer-

Was macht man als verzauberter Gangstersohn Foxy, wenn die eigene Großmutter (eine veritable Hexe) ganz Amerika unter ihre Kontrolle bringen will? Die Antwort auf diese Frage gibt Heinz Geese in seinem Kindermusical mit viel Witz und Ironie. Die Musik changiert zwischen Jazz und Cha-Cha-Cha, Blues und europäischem Schlager. Sie kann entsprechend den jeweiligen schulischen Gegebenheiten mit einem großen Schulorchester oder mit unterschiedlich besetzten Jazz-Combos realisiert werden. Foxy rettet Amerika ist für Kinder ab 8 Jahren geeignet.

Lee Hoiby Summer and Smoke an opera in two acts (1971) Libretto by Lanford Wilson (engl.) full evening Based on the play by famed American playwright, Tennessee Williams, Summer and Smoke relates the story of longing and unrequited love in a small town between a minister’s daughter and a charismatic yet dissolute suitor.

Summer and Smoke basiert auf dem gleichnamigen Theaterstück von Tennessee Williams und schildert die Geschichte einer sehnsuchtsvollen, unerwiderten Liebe zwischen einer Pfarrerstochter und ihrem charismatischen, zugleich jedoch unredlichen Verehrer.

Angels in America Théàtre du Châtelet, Paris 2004 Photo: Marie-Noëlle Robert

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Repertoire Recommendations / Tipps für Ihre Programmplanung

The Postman Always Rings Twice, eine erregende Geschichte über Sex, Gewalt und Verrat, führt den Zuschauer in die 30er Jahre und zu einer kleinen Straßenkneipe in Südkalifornien. Sie ist Schauplatz der leidenschaftlichen Affäre zwischen der unzufriedenen Frau des Wirtes und einem attraktiven Herumtreiber, die im Mord am Ehemann ihren fatalen Höhepunkt findet. „Es ist eine Liebesgeschichte, aber mit Liebenden, die nach der Tat wie aus einem Albtraum aufwachen und entdecken, dass es unmöglich ist, dieses schreckliche Geheimnis zu teilen und miteinander weiter zu leben, als sei nichts geschehen; letztendlich zerstören sie sich gegenseitig.“ (James M. Cain)

Karl Amadeus Hartmann Chaplin-Ford-Trott aus „Wachsfigurenkabinett“ Theater Oldenburg 2003 Photo: Joachim Hiltmann

Tobias Picker

- Nr. 3: Chaplin-Ford-Trott Nach den Skizzen vervollständigt und in Partitur gesetzt von Wilfried Hiller (1987) 22’

world première; the sketches and scores of the cycle appeared to be lost. In the 1980s, they were rediscovered and completed and instrumented by Günter Bialas, Hans Werner Henze and Wilfried Hiller (Chaplin-Ford-Trott) for the first Munich Biennial 1988. This marked the beginning of its triumphant progress.

The WERGO recording with the DSO Berlin under the direction of Roger Epple (WER 66402) was awarded the ‘Echo Klassik’ award of the German Phonoacademy in 2002.

‘USA / Land unbegrenzter Möglichkeiten! / USA / Wir sind das reichste Land der Erde, / wir sind das reichste Land der Welt, / wir beherrschen den Weltmarkt, / wir beherrschen die Börse, / wir machen, was uns gefällt’. This is what the chorus sings at the beginning of Chaplin-FordTrott, the longest (22 minutes) of the five short operas by Karl Amadeus Hartmann which became known under the collective title of Wachsfigurenkabinett.

When the 24-year-old Hartmann and his librettist Erich Bormann started to work on Wachsfigurenkabinett in 1929, they found their prototypes in the one-act operas of Paul Hindemith, the opéra minute

by Darius Milhaud, the socio-critical texts of the satirical revues of the 1920s, and the popular music of their time. From the first to the last note, the music of Chaplin-FordTrott quotes the then popular dances foxtrot, tango and slow waltz.

Hartmann did not live to see its

„USA / Land unbegrenzter Möglichkeiten! / USA / Wir sind das reichste Land der Erde, / wir sind das reichste Land der Welt, / wir beherrschen den Weltmarkt, / wir beherrschen die Börse, / wir machen, was uns gefällt“. So singt der Chor zu Beginn des Chaplin-Ford-Trott, der mit 22 Minuten längsten der fünf Kurzopern von Karl Amadeus Hartmann, die unter dem Obertitel Wachsfigurenkabinett bekannt wurden.

Als der 24jährige Hartmann und sein Librettist Erich Bormann 1929 die Arbeit am Wachsfigurenkabinett begannen, fanden sie ihre Vorbilder bei den Einaktern Paul Hindemiths, der Opéra-minute eines Darius Milhaud, den gesellschaftskritischen Texten des Kabaretts der 20er Jahre und in der Populärmusik ihrer Zeit.

So zitiert die Musik zu Chaplin-FordTrott von der ersten bis zur letzten Note die Modetänze Foxtrott, Tango und Slow Waltz.

Zu einer Uraufführung kam es zu Lebzeiten Hartmanns nicht; die Skizzen und Partituren des Zyklus

Karl Amadeus Hartmann Wachsfigurenkabinett Fünf kleine Opern Libretti von Erich Bormann (1929-1930) (dt.)

Klavierauszug ED 7668 WERGO-CD: WER 66402

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schienen verschollen. In den 80er Jahren wurden sie wieder entdeckt und für die erste Münchner Biennale 1988 von Günter Bialas, Hans Werner Henze und Wilfried Hiller (Chaplin-Ford-Trott) vervollständigt und instrumentiert. Damit begann ihr Siegeszug über die Bühnen im In- und Ausland.

Die WERGO-Einspielung mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin unter Roger Epple (WER 66402) wurde 2002 mit dem Echo Klassik Preis der Deutschen Phonoakademie ausgezeichnet.

Stephen Paulus The Postman Always Rings Twice an opera in two acts (1982) Libretto by Colin Graham, based on the novel by James M. Cain (engl.)

120’ Vocal score EA 602 Libretto EA 503 The Postman Always Rings Twice is a steamy tale of sex, violence and betrayal in Southern California in the 1930’s. Set in a roadside tavern during the Great Depression, it is the story of a passionate affair between a handsome drifter and the tavern owner’s unhappy wife, who plot to murder her husband. James M. Cain called it ’a love story,’ but with lovers who ’wake up to discover that once they’ve pulled the thing off, no two people can share this terrible secret and live on the same earth; they turn against each other.’

An American Tragedy an opera in two acts (2005) Libretto by Gene Scheer (engl.)

145’ Tobias Picker comments on his opera commissioned by the Metropolitan Opera New York and premièred in 2005: ‘based on a true story, Theodore Dreiser’s novel An American Tragedy is one of American literature’s great, universal subjects. The central character Clyde Griffiths is Everyman, and his dilemma is at the heart of the American experience, then as well as now.

The people upon whom Dreiser’s characters were based also echo throughout the pages of the entire opera. They are the haunting spirits that made the story and the writing of the music “real” for me and inspired me to give them song as they are projected onto the stage in all their endless optimism and sorrow.’

An American Tragedy is still free for the European Première!

Tobias Picker sagt über seine von der Metropolitan Opera New York in Auftrag gegebene und dort 2005 uraufgeführte Oper An American Tragedy: „Theodore Dreisers auf einer wahren Begebenheit basierender Roman An American Tragedy gehört zu den großen, unvergänglichen Stoffen der amerikanischen Literatur. Clyde Griffiths, die Hauptperson, ist eine Art moderner Jedermann. Die alltäglichen Schwierigkeiten und leidvollen Erfahrungen mit dem Mythos des ‚amerikanischen Traums’, mit denen er konfrontiert ist, sind uns heute ebenso vertraut wie damals. Das reale Schicksal der realen Menschen, die

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COMPOSING AMERICA

Dreiser als Vorlage für seine Romanfiguren dienten, scheint durch jede Seite meiner Partitur hindurch. Sie haben das Komponieren für mich zu einer Auseinandersetzung mit ihrer ‚Realität’ werden lassen und inspirierten mich dazu, ihrem grenzenlosen Optimismus und zugleich unendlichen Schmerz musikalische Gestalt zu geben.“ An American Tragedy ist noch zur europäischen Erstaufführung frei!

Bernard Rands Belladonna an opera in two acts (1999) Libretto by Leslie Dunton-Downer (engl.)

100’ Libretto EA 820 Five women have gathered in an American college town to spend a convivial evening over cocktails and supper. The party members are comprised of a visiting professor from China, a Classicist in love with one of her students, an opera singer devoted to her admiring audience, a young divinity student soon to take holy vows, and a doctor of alternative medicine who runs a fertilityabortion clinic. A heated discourse ensues as, in five central scenes, each of these women lives out fears, desires, fantasies, or experiences associated with her views of love, with each scene set in a distinct fantasy landscape.

In einer amerikanischen CollegeStadt treffen sich fünf Frauen zu Cocktails und einem gemeinsamen Abendessen. Die Gastgeberin, eine chinesische Gastprofessorin, begrüßt vier Freundinnen: eine alkoholabhängige Altphilologin, die in einen ihrer Studenten verliebt ist, eine Opernsängerin, die von ihrem Publikum angebetet wird, eine junge Theologiestudentin, die kurz vor ihrem Gelöbnis als Nonne steht und eine alternative Ärztin, die eine Abtreibungsklinik leitet. In fünf erregten, hitzigen Gesprächen, die in unbestimmt-phantastischen Szenerien stattfinden, begegnet jede dieser Frauen ihren Ängsten, Sehnsüchten, Phantasien und sehr persönlichen Liebeserfahrungen.

Stewart Wallace The Bonesetter’s Daughter an opera in two acts (2008) Libretto by Amy Tan (engl.)

125’ (see page 2 / siehe Seite 2)

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Kurt Weill

Kurt Weill

Die sieben Todsünden / The Seven Deadly Sins Ballet Chanté (1933) Text von Bertolt Brecht Englisch von W. H. Auden und Chester Kallmann Neuausgabe der Originalfassung (dt./engl.)

35’ Klavierauszug / Vocal score ED 6005

Street Scene Oper in zwei Akten Buch von Elmer Rice, nach seinem gleichnamigen Schauspiel Songtexte von Elmer Rice und James Langston Hughes Deutsche Übersetzung von Lys Symonette (dt.)

120’

The sisters Anna 1 and Anna 2 are sent on a seven-year journey to various North American cities by their family to earn money for ‘a small house near the Mississippi’. During their journey, they are tempted by the seven biblical deadly sins. Gradually, they give up their dreams and ideals eventually to return to Louisiana to their family, completely disillusioned.

Kurt Weill composed the ballet chanté Die sieben Todsünden, based on a text by Bertolt Brecht, in 1933 in his Paris exile. Premièred in the ballet version of Georges Balanchine at the Théâtre des Champs-Élysées on 7 June 1933, it quickly became one of his best-known works. The music plays with popular American music styles of the twenties such as tango, foxtrot, polka or barbershop.

Weill and Brecht perfectly ironize the petty bourgeois double standards of each society willing to sacrifice their values for the sake of financial gain.

Die Schwestern Anna 1 und Anna 2 werden von ihrer Familie auf eine siebenjährige Reise durch verschiedene Städte Nordamerikas geschickt, um Geld für „ein kleines Haus am Mississippi“ zu verdienen.

Auf dieser Reise begegnen ihnen die Versuchungen der sieben biblischen Todsünden. Nach und nach geben sie ihre Träume und Ideale auf und kehren zuletzt desillusioniert zu ihrer Familie nach Louisiana zurück.

Kurt Weill komponierte das Ballet Chanté Die sieben Todsünden 1933 im Pariser Exil nach einem Text von Bertolt Brecht. Am 7. Juni 1933 in der Choreographie von Georges Balanchine am Théâtre des ChampsÉlysées uraufgeführt, wurde es rasch zu einem seiner bekanntesten Werke. Die Musik spielt mit populären amerikanischen Musikstilen der 20er Jahre wie Tango, Foxtrott, Polka oder Barbershop-Anklängen. Weill und Brecht ironisieren treffend die kleinbürgerliche Doppelmoral jeder Gesellschaft, die bereit ist, für Wohlstand ihre Werte zu opfern.

The story brings the audience into the lives of the tenants of a shabby apartment building in a street in 1920s New York. Filled with hope, violence, love and disappointment, their stories unfold on the pavement in the evening and following morning of this hot day in June.

Kurt Weill called the ‘American opera’ Street Scene, which was premièred in New York in 1947 and inspired by Elmar Rice’s play of the same name, his main musico-dramatic work. It was the fulfilment of his long-cherished dream to write an American opera. In fact, Street Scene is no superficial fusion of European opera and American Broadway music. The perfect synthesis

enables Weill to find new means of expression, and the work makes a visceral impact 41 years after its world première.

Die Handlung führt den Zuschauer unter die Bewohner eines armseligen Mietshauses in einer New Yorker Straße Ende der 20er Jahre. Deren Leben voller Hoffnungen, Gewalt, Liebe und Enttäuschung spielt sich an dem Abend und dem folgenden Morgen dieses heißen Junitages vor allem auf dem Bürgersteig ab.

Kurt Weill bezeichnete die 1947 in New York uraufgeführte „American Opera“ Street Scene, zu der er sich durch das gleichnamige Schauspiel von Elmar Rice anregen ließ, als sein musikdramatisches Hauptwerk. Darin sah er seinen lang gehegten Wunsch, eine amerikanische Oper zu schreiben, erfüllt. Tatsächlich ist Street Scene keine oberflächliche Verschmelzung von europäischer Oper und amerikanischer Broadway-Musik. Weill findet in der vollkommenen Synthese zu neuen Ausdrucksmitteln, die das Werk auch 41 Jahre nach der Uraufführung noch packend aktuell klingen lassen.

Kurt Weill Die sieben Todsünden Perm Tchaikovsky Opera and Ballet Theatre 2004 Photo: Courtesy of Perm State Ballet

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COMPOSING AMERICA: NEW COMPOSER WITH SCHOTT

Starry Sky – Piano Concerto for the Olympic Games 2008

Douglas J. Cuomo

The opening ceremony of the Olympic Games in Beijing was one of the most closely guarded secrets of this mega sports event. What exactly was on the programme was unknown to almost everybody before the ceremony began. Almost 4 billion viewers throughout the world watched the ceremony during which the torch reached the Olympic stadium on the 8th day of the 8th month 2008, between 1 and 3 p.m. CEST. What we saw was the history of China unfold with breathtaking choreographic displays, projections and technical effects. For music fans, the most interesting item on the programme was the transition from the Imperial Era to the modern age: suddenly, a grand piano was revealed in the middle of the Olympic stadium, and standing next to it a little girl with star pianist Lang Lang.

In front of the vast crowd in the stadium, and the 4 billions around the world, Lang Lang played a new piano concerto by Schott composer Xiaogang Ye. The official title of this work and its translation was not announced before the ceremony: Starry Sky. The eight-minute piano concerto is scored for piano and orchestra, but also contains an electronic part created by the Ye student Zou Hang. Performed by world-famous artists and demonstrating a synthesis of traditional and contemporary musical material, Starry Sky represents the new modern age in Chinese art music and the living present-day musical culture of China.

Lang Lang was accompanied by the China Philharmonic Orchestra under the baton of Yu Long.

'As a young guy it is a big honour for me to play at the opening ceremony and to represent a new generation of Chinese people to the world. The concerto by Mr Ye really is beautiful', said Lang Lang in an interview with the news agency Reuters.

As a member of the China Political Consultative Conference, Xiaogang Ye is the official representative of Chinese music at the Olympic Games and took part in the Olympic torch relay in Beijing on 7 August.

WERGO has released two CDs with works by Xiaogang Ye. The music on the orchestral CD The Last Paradise / Winter / Pipa Concerto / Horizon (WER 66462) is a remarkable symbiosis of traditional Chinese and new Western music.

The CD Nine Horses (WER 62992) contains works by various Chinese composers which were recorded by the ensemble Eclipse founded by Ye – China's first ensemble for contemporary music.

Douglas J. Cuomo Photo: www.douglasjcuomo.com

Douglas J. Cuomo has composed music for concert and theatrical stages, television, and film. His music, with influences from jazz, world music, classical, and popular sources, is as personal, distinctive, and recognizable as it is wide-ranging. His compositions range from well-known television themes – such as Sex and the City (HBO) which was praised by The New Yorker for its ’unusual, edgy salsa flavour’ and chosen by TV Guide as one of the top 50 television themes of all time, and Now with Bill Moyers (PBS) – to evening-length works for theater, including Arjuna’s Dilemma, a new chamber opera based on the story of the Bhagavad Gita.

Arjuna’s Dilemma is his most ambitious work to date, composed for Indian vocalist, tenor, four-member female chorus, tabla player, improvising tenor saxophonist, and a ten-piece chamber ensemble. It had its world première in August 2008 at the Pepsico Theater in Purchase, New York and its New York première takes place on November 5 at the Brooklyn Academy of Music’s Next Wave Festival.

Cuomo’s recent projects include two solo cello works for Maya Beiser recently premièred at the New Haven Festival of Arts and Ideas with scheduled performances at Carnegie Hall’s Zankel Hall in the 2008/09 season. Cuomo is currently working on A Winter’s Journey. Scored for mezzo-soprano, trumpet, cello, and electronic keyboard, the work is based on Wilhelm Müller’s texts for Schubert’s Winterreise song cycle.

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Douglas J. Cuomo hat Musik für das Konzertpodium, die Bühne, das Fernsehen und den Film komponiert. Das Spektrum seiner Werke reicht von bekannten TV-Themen – wie zum Beispiel der Musik zu Sex and the City (HBO), die von The New Yorker für ihren „ungewöhnlichen, erregenden Salsa-Stil“ gerühmt wurde und von TV Guide zu den 50 bekanntesten TV-Musiken gezählt wurde, oder für Now with Bill Moyers (PBS) – bis hin zu abendfüllenden Opern wie Arjuna’s Dilemma, einer neuen, auf einer Episode der Bhagavad Gita basierenden Kammeroper.

Arjuna’s Dilemma, sein bislang ehrgeizigstes Opernprojekt, wurde für einen indischen Sänger, einen Tenor, vierstimmigen Frauenchor, einen Tabla-Spieler, einen improvisierenden Tenor-Saxophonisten und ein zehnköpfiges Kammerensemble geschrieben und erlebte seine Uraufführung im August im Pepsico Theater in Purchase, NY. Seine New Yorker Premiere findet am 5. November im Rahmen des Brooklyn Academy of Music’s Next Wave Festival statt.

Zu Cuomos jüngsten Projekten gehören zwei Werke für Violoncello solo für Maya Beiser, die beim New Haven Festival of Arts and Ideas uraufgeführt wurden und in der Saison 2008/09 in der Carnegie Hall zu hören sind. Zurzeit arbeitet Cuomo an A Winter’s Journey. Das für Mezzosopran, Trompete, Violoncello und Keyboard geschriebene Werk basiert auf Wilhelm Müllers Texten für Schuberts Liederzyklus Die Winterreise.

Torchbearer Ye Xiaogang forwards the flame to Greek athlete Maria.

Photo: Xiao Yan

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Starry Sky – Klavierkonzert für Olympia 2008 Die Eröffnungsfeier der Olympischen Spiele in Beijing war eines der am besten gehüteten Geheimnisse der sportlichen Großveranstaltung. Was genau auf dem Programm steht, wusste vor dem Beginn fast niemand. Beinahe 4 Milliarden Zuschauer weltweit sahen die Zeremonie, bei der am 8. August zwischen zwischen 13.00 und 15.00 Uhr mitteleuropäischer Sommerzeit die Fackel das Olympiastadion erreichte.

In beeindruckender Weise zeigten die Veranstalter die Geschichte Chinas mit vielen atemberaubenden Choreographien, Projektionen und technischen Finessen. Für Musikfans war der interessanteste Programmpunkt der Übergang von der Kaiserzeit in die Moderne: Hier stand plötzlich ein Flügel im Zentrum des Olympiastadions, daran ein kleines Mädchen und der Star-Pianist Lang Lang.

Zur Eröffnungsfeier präsentierte Lang Lang ein neues Klavierkonzert von Schott-Komponist Xiaogang Ye, das er vor den Augen der Weltöffentlichkeit zur Uraufführung brachte. Die offizielle Übersetzung des Werktitels wurde erst bei der Zeremonie bekannt gegeben, das Werk heißt Starry Sky. Das 8-minütige Klavierkonzert umfasst neben Klavier und Orchester auch einen Elektronik-Part, den der Ye-Student Zou Hang erstellt hat. Starry Sky repräsentiert mit weltbekannten Künstlern und dem erweiterten musikalischen Material die neue Moderne in der Kunstmusik und die lebendige Musikkultur der Gegenwart Chinas. Bei der Show wurde Lang Lang begleitet durch das China Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Yu Long. „Als junger Mann fühle ich mich besonders geehrt, bei der Eröffnungsfeier zu spielen und so eine neue Generation von Chinesen gegenüber der Weltöffentlichkeit zu vertreten. Das Konzert von Herrn Ye is einfach wunderbar“, sagte Lang Lang in einem Interview mit der Nachrichtenagentur Reuters.

Xiaogang Ye ist als Mitglied der Konsultativkonferenz des chinesischen Volkes offizieller Repräsentant der chinesischen Musik bei den Olympischen Spielen und lief am 7. August als Fackelträger auf den Straßen Beijings.

Bei WERGO sind zwei CDs mit Werken von Xiaogang Ye erschienen. Die Orchester-CD The Last Paradise / Winter / Pipa Concerto / Horizon (WER 66462) bietet eine gelungene Symbiose von traditioneller chinesischer und westlicher neuer Musik. Auf der CD Nine Horses (WER 62992) sind Werke verschiedener chinesischer Komponisten zu hören, die von dem durch Ye gegründeten Ensemble Eclipse eingespielt wurden – Chinas erstem Ensemble für zeitgenössische Musik.

COMPOSING AMERICA: NEW COMPOSER WITH SCHOTT

Stewart Wallace Stewart Wallace had his first major opera première at the age of 28 at the Houston Grand Opera with Where’s Dick? This was the beginning of fruitful collaborations with librettist Michael Korie and director Richard Foreman. Wallace would go on to collaborate with a diverse group of artists including Christopher Alden, Evelyn Glennie, Marc Ribot, Chen Shi-Zheng and Amy Tan. His unconventional and highly theatrical body of work is at once intensely rhythmic, melodic and emotionally compelling.

Harvey Milk, Wallace’s fifth opera and most widely known score, was commissioned by the Houston Grand Opera, New York City Opera and San Francisco Opera. With a libretto

by Michael Korie and directed by Christopher Alden, the world première was a cultural phenomenon discussed and debated in every major American and European newspaper. The Washington Post said, ’Harvey Milk is an astounding achievement – lively, artful, tough-minded American music-drama, deeply satisfying to ear, eye and mind.’

Wallace returns to San Francisco Opera with The Bonesetter’s Daughter, his collaboration with Amy Tan based on her bestselling novel, which premières on September 13, 2008 (see page 2).

Stewart Wallace was awarded the Guggenheim Fellowship in 2006. He was Music Alive Composer in Residence at the National Symphony for 2001-2002 and is the recipient of numerous awards including fellowships and commissions from the National Endowment for the Arts, New York Foundation for the Arts, Opera America, Meet the Composer, Mary Flagler Carey Trust and others.

Mit der Uraufführung von Where’s Dick? an der Houston Grand Opera begann der damals 28jährige Stewart Wallace seine Karriere als Opernkomponist. Diese Oper war zugleich der Beginn einer erfolgreichen Zusammenarbeit mit dem Librettisten Michael Korie und dem Regisseur

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Richard Foreman. In den folgenden Jahren arbeitete Wallace mit so unterschiedlichen Künstlern wie Christopher Alden, Evelyn Glennie, Marc Ribot, Chen Shi-Zheng und Amy Tan. Seine unkonventionellen Bühnenwerke beeindrucken durch ihre intensive rhythmische Kraft und melodische und emotionale Dichte.

Harvey Milk, seine fünfte Oper, ein Auftragswerk der Houston Grand Opera, der New York City Opera und der San Francisco Opera (Libretto: Michael Korie, Inszenierung: Christopher Alden), wurde in allen wichtigen amerikanischen und eu-

Stewart Wallace Photo: Ellen Kaplowitz

ropäischen Zeitungen als ein bedeutendes kulturelles Ereignis gewürdigt. Die Washington Post schrieb: „Harvey Milk ist bemerkenswert – lebendiges, kunstvolles, ernsthaftes amerikanisches Musikdrama, zutiefst berührend für das Ohr, das Auge und die Seele.“ Nun kehrt Wallace mit seiner jüngsten Oper The Bonesetter’s Daughter nach dem Erfolgsroman von Amy Tan an die San Francisco Opera zurück; die Uraufführung ist am 13. September 2008 (siehe Seite 2).

2006 wurde Stewart Wallace die Guggenheim Fellowship verliehen, 2001-2002 war er Music Alive Composer-in-Residence bei der National Symphony. Weitere Auszeichnungen und Aufträge erhielt er unter anderem vom National Endowment for the Arts, der New York Foundation for the Arts, Opera America, Meet the Composer und vom Mary Flagler Carey Trust.

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COMPOSING AMERICA: NEW COMPOSER WITH SCHOTT

Andrew Norman

Aribert Reimann Composer-in-Residence In eight orchestral and chamber concerts, the Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern takes a look at the œuvre of Aribert Reimann who is the composer-in-residence of the renowned orchestra in the season 2008/09. Apart from his major orchestral works Zeit-Inseln, Tarde (with Claudia Barainsky, soprano), Cantus (with Jörg Widmann, clarinet) and Konzert für Violine und Orchester (with Carolin Widmann, violin), works such as Canzoni e Ricercari for flute, viola and violoncello, the string quartet Adagio – zum Gedenken an Robert Schumann or Metamorphosen über ein Menuett von Franz Schubert for 10 instruments provide an insight into Reimann’s large amount of chamber music works.

Die Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern beleuchtet in acht Orchester- und Kammerkonzerten das Schaffen von Aribert Reimann, der in der Saison 2008/09 Composer-in-Residence des renommierten Orchesters ist. Neben den großen Orchesterwerken Zeit-Inseln, Tarde (mit Claudia Barainsky, Sopran), Cantus (mit Jörg Widmann, Klarinette) und dem Konzert für Violine und Orchester (mit Carolin Widmann, Violine) bieten Werke wie Canzoni e Ricercari für Flöte, Viola und Violoncello, das Streichquartett Adagio – zum Gedenken an Robert Schumann oder Metamorphosen über ein Menuett von Franz Schubert für 10 Instrumente einen Einblick in Reimanns reiches kammermusikalisches Schaffen.

Kings Place opens in London

Andrew Norman Photo: Christian Steiner

Born in 1979, Andrew Norman has established himself in recent years as an exciting young composing talent. In December 2004, his Sacred Geometry was premièred by the New York Youth Symphony, a commission from the Symphony’s First Music program. This work earned him the Nissim Prize from ASCAP and the Jacob Druckman Prize from the Aspen Music Festival. Most recently, Andrew Norman has been commissioned by the Colburn School in Los Angeles for an orchestral work to be premièred in February 2009.

His music has been performed at the Tanglewood Festival of Contemporary Music, the Monday Evening Concerts in Los Angeles, the MATA Festival in New York and the Chicago Chamber Players’ Composer Perspectives Series.

Andrew Norman is the recipient of numerous awards and top honours, including the Rome Prize from the American Academy in Rome, four Morton Gould Young Composer Awards and others.

His new work Unstuck will be premièred by the Tonhalle-Orchester Zürich under the direction of Michael Sanderling on September 9, 2008 (see page 2).

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Der 1979 geborene Komponist Andrew Norman hat sich in den letzten Jahren als eines der aufregendsten jungen Talente in der Musikszene etabliert. Im Dezember 2004 wurde sein Werk Sacred Geometry, ein Auftragswerk des First Music-Programms des New York Youth Orchestra, von diesem Orchester uraufgeführt und mit dem Nissim-Preios der ASCAP und dem Jacob Druckman-Preis des Aspen Music Festival ausgezeichnet. Jüngst wurde Norman von der Colburn School in Los Angeles beauftragt, ein Orchesterwerk zu schreiben, das im Februar 2009 uraufgeführt werden wird.

Seine Werke wurden unter anderem beim Tanglewood Festival of Contemporary Music, den Monday Evening Concerts in Los Angeles, dem MATA Festival in New York und der Chicago Chamber Players’ Composer Perspectives Series gespielt.

Andrew Norman wurde vielfach mit Preisen und Auszeichnungen geehrt, so unter anderem mit dem Rome Prize der American Academy in Rom und vier Morton Gould Young Composer Awards.

Sein neuestes Werk Unstuck wird am 9. September durch das TonhalleOrchester Zürich unter Leitung von Stefan Sanderling uraufgeführt (siehe Seite 2).

Schott composers featured strongly in the opening concerts at Kings Place.

This creative centre, part of a larger regeneration of Kings Cross in London, is a multi-arts venue with performing spaces alongside cafes, a restaurant and offices. It will be the new home of the London Sinfonietta who perform Gavin Bryars’ Jesus Blood Never Failed Me Yet and Ligeti’s Poeme Symphonique, Horn-Trio and 10 Pieces for wind quintet over the course of the 5 day festival from 1-5 October. The Brodsky Quartet with Mark van de Wiel give the London première of Sir Peter Maxwell Davies’ Hymn to Artemis Locheia as part of 3 concerts dedicated to his music.

Werke von Schott-Komponisten stehen im Mittelpunkt der Eröffnungskonzerte von Kings Place, Teil eines großen Bauprojekts, durch das Kings Cross in London zu einem multikulturellen Zentrum mit Cafés, einem Restaurant, Büros und Aufführungsstätten umgewandelt werden soll. Kings Place wird auch das neue Heim der London Sinfonietta sein, die bei den vom 1.-5. Oktober dauernden Eröffnungsfeierlichkeiten Gavin Bryars’ Jesus Blood Never Failed Me Yet und György Ligetis Poème Symphonique, Horn-Trio und Zehn Stücke für Bläserquintett spielen werden. Das Brodsky Quartet mit Mark van de Wiel wird im Rahmen von drei Konzerten, die dem Werk von Sir Peter Maxwell Davies gewidmet sind, die Londoner Erstaufführung seiner Hymn to Artemis Locheia spielen.

Schott represents Faber Music in North America We are proud to announce that as of July 1, 2008, Schott Music Corporation/European American Music Distributors LLC is the sole North American agent for the classical music catalogue of Faber Music Ltd. One of the world’s leading classical music publishing houses, Faber Music boasts a distinguished roster of composers including Thomas Adès, Oliver Knussen, Jonathan Harvey, George Benjamin and Benjamin Britten.

We look forward to a long and fruitful creative partnership with Faber Music Ltd. For more details on the composers and their music please visit: www.fabermusic.com

FABER

MUSIC

Schott Music Corporation/European American Music Distributors LLC ist ab dem 1. Juli alleiniger nordamerikanischer Vertreter des klassischen Katalogs von Faber Music Ltd, einem der weltweit führenden Musikverlage für die klassische Moderne mit so bedeutenden Komponisten wie Thomas Adès, Oliver Knussen, Jonathan Harvey, George Benjamin und Benjamin Britten.

Wir freuen uns auf eine lange und fruchtbare Partnerschaft mit Faber Music Ltd. Für detaillierte Angaben zu den Komponisten und zum Repertoire besuchen Sie die Website: www.fabermusic.com

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Looking ahead to November / December

ECHO-KLASSIK 2008 for Shchedrin

World Premières

Rodion Shchedrin’s choral opera Boyarina Morozova will be awarded the ECHO KLASSIK 2008, for the category ‘Best Opera Recording – 20th/21st Century’. The award-winning CD has been released by the Schott label WERGO, performed by conductor Boris Tevlin and the Chamber Choir of the Moscow Conservatory.

The awards celebration takes place on October 19th in the Philharmonie am Gasteig in Munich, and is broadcast live on German Television (ZDF). The prestigious award is the most important German prize for classical recordings and is offered annually by the ZDF and the German Phono Academy.

Richard Ayres No. 38 (Three Small Pieces for String Quartet): Quatuor Bozzini ■ 7.11.: Montréal (CDN), Université McGill No. 43 (Glorious) for chamber ensemble and film: Continuum Ensemble ■ 21.11.: Amsterdam (NL), Muziekgebouw aan ‘t IJ’

Gavin Bryars New work for voice and chamber ensemble: Iarla O’Lionaird and ensemble ■ 24.11.: Dublin (IRL), Irish Museum of Modern Art

Alexander Goehr New work for brass ensemble: Players from the London Philharmonic Orchestra ■ November: Glyndebourne (UK)

Kenneth Hesketh

Der ECHO KLASSIK in der Kategorie „Operneinspielung des Jahres – 20./21. Jahrhundert“ geht in diesem Jahr an Rodion Shchedrins Choroper Boyarina Morozova. Ausgezeichnet wird damit die beim Schott-Label WERGO erschienene CD und insbesondere die Leistung des Dirigenten Boris Tevlin und des Kammerchores des Moskauer Konservatoriums.

Die Preisverleihung findet am 19.

Oktober 2008 in der Philharmonie am Gasteig, München, statt. Der prestigeträchtige Preis ist die wichtigste deutsche Auszeichnung für Tonträger im Bereich der E-Musik und wird jährlich vom Zweiten Deutschen Fernsehen und der Deutschen Phono-Akademie verliehen.

Wunderkammer(konzert) for chamber ensemble: Ensemble 10/10 · Clark Rundell ■ 19.11.: Liverpool, The Cornerstone, Hope at Everton (UK) New work for unaccompanied choir: Liverpool University Chamber Choir · James Wishart ■ December: Liverpool (UK) Of a Rose We Sing for choir and orchestra: Royal Liverpool Philharmonic Choir and Orchestra ■ December: Liverpool (UK)

Stefan Heucke

Heinrich Poos

Sieben Lieder vom Tod, op. 52 for voice and piano: Caroline Melzer (soprano) · Anette Fischer-Lichdi (piano) ■ 19.11.: Antwerpen (B), deSingel

Orpheus for mixed chorus, narrator and instruments: Bachchor Mainz · Ralf Otto ■ 23.11.: Mainz (D), Christuskirche

Lee Hoiby

PRISM (Memo 6b) for saxophone quartet: Prism Quartet ■ 21.11.: Philadelphia (USA)

New work for SATB chorus, organ, brass quintet and percussion: ■ November: New York, NY (USA), Cathedral of St. John the Divine

Wilhelm Killmayer Hölderlin-Zyklus (I-III) for tenor and piano: Markus Schäfer & Bernhard Berchtold (tenor) · Siegfried Mauser & Thomas Seyboldt (piano) ■ 7.12.: Ettlingen (D), Schubertiade.de

Steve Martland New work for string quartet and percussion ■ 15.11.: Eindhoven (NL), TROM International Festival and competition

Sir Peter Maxwell Davies New carol for SATB chorus and organ: ■ December: London (UK), Royal Chapel

Bernard Rands

Rodion Shchedrin VIVAT! – St. Petersburg Ouverture for orchestra: St. Petersburg Philharmonic Orchestra · Mariss Jansons ■ 12.12.: St. Petersburg (RUS), Philharmonia Symphonic Diptych for orchestra: St. Petersburg Philharmonic Orchestra · Valery Gergiev ■ 14.12.: St. Petersburg (RUS), Philharmonia Beethovens Heiligenstädter Testament Symphonic Fragment for orchestra: Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks · Mariss Jansons ■ 18.12.: München (D), Gasteig

Alvin Singleton New work for chorus and chamber orchestra: ■ 15.11.: Brooklyn, NY (USA)

Krzysztof Penderecki

Bernd Alois Zimmermann

String Quartet No 3: Shanghai Quartet ■ 21.11.: Warszawa (PL), Philharmonic, Krzysztof Penderecki Festival

String Quartet: Hagen Quartett ■ 21.11.: Köln (D), Philharmonie

Birthday ■ Krzysztof 23.11.2008

Penderecki 75

Krzysztof Penderecki Photo: Ravenna Festival 2007

Rodion Shchedrin Boyarina Morozova The life and torment of Boyarina Morozova and her sister Princess Uruzova Russian choral opera in two parts Larisa Kostyuk (mezzo-soprano) · Veronika Dzhioeva (soprano) · Andrew Goodwin (tenor) · Mikhail Davydov (bass) · Kirill Soldatov (trumpet) · Viktor Grishin (timpani) · Mikhail Dunayev (percussion) · Chamber Choir of the Moscow Conservatory · Boris Tevlin WER 67002 (CD with 88-page booklet)

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New Publications / Neue Publikationen

Catalogue / Katalog

Sheet Music Editions / Noten

Musiktheater seit 1990

Harald Genzmer

Bertold Hummel

Zwei Kantaten Lobet den Herrn, alle Völker (Psalm 117) - Singet dem Herrn (Psalm 136) für Tenor (Sopran), Posaune (Violoncello) und Orgel (dt.)

5’ + 5’ ED 20474

Konzertante Musik für Vibra- und Marimbaphon (1 Spieler) und Streicher 25’ Klavierauszug ED 20468 Partitur CON 258 Stimmensatz CON 258-50

Ein kommentierter Katalog What has been going on in music theatre since 1990? Many directors, conductors and opera lovers have asked us for recent music theatre works from our catalogue which weren’t then included in the standard reference books. We picked up this suggestion and are now happy to present our new annotated catalogue Musiktheater seit 1990, a manual of current music theatre works. This lavishly illustrated catalogue contains a huge amount of information that may be important to your work and decision-making. In addition, various indexes provide the possibility to search for specific composers, librettists, subjects and motifs as well as operas without choir or non-full-length operas.

A lot has happened in music theatre since 1990, and you will find many exciting and important pieces and we hope that this catalogue will help you with your programme planning and even pique your curiosity about one or the other still unknown work, new names, new works, new approaches.

Contact us and we will supply you with perusal material or further information on all works.

Just send an email to infoservice@schott-music.com.

You can also receive your personal copy of the catalogue via the Schott web site at www.schott-music.com.

Viele Dramaturgen, Dirigenten und Opernfreunde haben uns in den letzten Jahren nach jüngeren Musiktheaterwerken aus unserem Katalog gefragt, die noch keinen Eingang in die Standard-Lexika gefunden haben. Wir haben diese Anregung gerne aufgegriffen und mit dem nun gedruckt vorliegenden kommentierten Katalog Musiktheater seit 1990 ein Handbuch des aktuellen Musiktheaters bei Schott erarbeitet, das die für Ihre Arbeit und Entscheidungsfindung wichtigen Details übersichtlich präsentiert. Außerdem bieten verschiedene Register die Möglichkeit, gezielt nach Komponisten, Librettisten, Themen und Motiven und nach chorlosen oder nicht abendfüllenden Opern zu suchen.

Wir hoffen, dass Ihnen dieser Katalog bei Ihren Spielplanüberlegungen hilfreich ist und darüber hinaus Ihre Neugier auf das eine oder andere Ihnen noch unbekannte Werk, neue Namen und neue Stoffe weckt. Besonders im Bereich des amerikanischen und britischen Repertoires finden Sie sicher einige neue Namen.

Gerne schicken wir Ihnen zu allen Werken Ansichtsmaterial oder weitere Informationen zu; eine Mail genügt: infoservice@schott-music.com Ihr persönliches Exemplar des Katalogs können Sie auch über die Schott-Website anfordern: www.schott-music.com

Claus-Dieter Ludwig Happy Birthday Ein Geburtstagsständchen in fünf Gängen für Oboe, Klarinette und Fagott 10’ ED 20436

Jean Guillou Intermezzo pour flûte et orgue, op. 17 11’ ED 20373

Naji Hakim Gershwinesca for organ 12’ ED 20375

Olli Mustonen Jehkin Iivana Sonata for piano 15’ ED 20190

Kenneth Hesketh Les Grandes Plaines du Jour for solo violin 12’ ED 12878

Enjott Schneider Ansbacher Orgelbüchlein ED 20348

Enjott Schneider Der Sonnengesang des Franz von Assisi für 2 gemischte Chöre (SATB/SATB) a cappella 9’ Chorpartitur C 52850

Wilfried Hiller

(dt.)

KAT 218-99 English version in preparation

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Die feindlichen Nachbarn oder Die Folgen der Musik Sechs Variationen und ein Epitaph nach einem Bilderzyklus von Wilhelm Busch für Violoncello (und Sprecher ad lib.) (dt./engl.)

8’ CB 191

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CDs/DVDs

Book / Buch

Schott Composers on International Labels

Christine Mast / Catherine Milliken Zukunft@BPhil.

Die Education-Projekte der Berliner Philharmoniker Unterrichtsmodelle für die Praxis 240 Seiten - Broschur Buch mit DVD (dt.)

ISBN 978-3-7957-0151-2 ED 20228

CDs SURPRISED BY BEAUTY: MINIMALISM IN CHORAL MUSIC

Gavin Bryars And so ended Kant’s travelling in this world + various composers Boston Succession · Jane Ring Frank BRAVE RECORDS BRAV0720

Boyarina Morozova The life and torment of Boyarina Morozova and her sister Princess Uruzova Russian choral opera in two parts for 4 soloists, mixed choir, trumpet, timpani and percussion Text based on “The Life of the Archpriest Avvakum by himself” and “The Life of Boyarina Morozova” Libretto by Rodion Shchedrin (russ.)

60’ Study score ED 20466

Richard Strauss Impromptu · Marsch der Königin Luise für Klavier 5’ Erstveröffentlichung ED 20141

Pe-teris Vasks Klusa-s dziesmas Stille Lieder · Silent Songs Texte von Leons Briedis / Knuts Skujenieks für gemischten Chor (SATB) a cappella 10’ Chorpartitur C 52564

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In 2002, Sir Simon Rattle set up the Education Department of the Berlin Philharmonic Orchestra, ‘Zukunft@ BPhil’, which has granted people of different social and cultural origin and talent access to the world of sound and musical forms.

It is primarily pupils who study and rehearse musical works together with the members of the Berlin Philharmonic, composers and other artists which are then presented to the public.

The selection of ten projects documented in this volume provide teaching models which, for the most part, deal with new music and give a fresh impetus to music lessons at schools. The accompanying DVD contains extensive illustrations and sound material from the project stages of ‘Zukunft@BPhil’.

2002 wurde die Education-Abteilung der Berliner Philharmoniker „Zukunft@BPhil“ von Sir Simon Rattle ins Leben gerufen. Seitdem hat sie Menschen unterschiedlicher sozialer und kultureller Herkunft und Begabung einen Zugang zur Welt der Klänge und der musikalischen Formen vermittelt.

Vor allem Schüler erarbeiten gemeinsam mit Berliner Philharmonikern, Komponisten und anderen Künstlern musikalische Werke, die anschließend der Öffentlichkeit präsentiert werden.

Die hier dokumentierte Auswahl von zehn Projekten bietet Unterrichtsmodelle, die sich überwiegend mit Neuer Musik auseinander setzen und der musikalischen Arbeit in der Schule neue Impulse geben. Die beiliegende DVD enthält reichhaltiges Bild- und Tonmaterial aus den Projektphasen von „Zukunft@BPhil“.

A Child of Our Time Indra Thomas (soprano) · Mihoko Fujimura (alto) · Steve Davislim (tenor) · Matthew Rose (bass) · London Symphony Chorus and Orchestra · Sir Colin Davis LSO Live LSO 0670

Pe-teris Vasks

Little Symphony London Symphony Orchestra · Norman Del Mar String Quartet No. 2 Allegri Quartet Piano Trio Orion Trio Lyrita SRCD 264

Gra-mata cˇellam for cello Partita for cello and piano Episodi e canto perpetuo for piano trio David Geringas (cello) · Dmitri Sitkovetsky (violin) · Kalle Randalu (piano) Hänssler CLASSIC 93.229

NACHTSTÜCKE

Pe-teris Vasks

Paul Hindemith

Episodi e canto perpetuo for piano trio Quartett for piano quartet Trio Parnassus · Avri Levitan (viola) MDG 903 1513-6

Alexander Goehr

Rodion Shchedrin

Michael Tippett

Nachtstück aus Suite „1922“

Heinz Holliger Elis + various composers Heidrun Holtmann, Klavier Musicaphon M 56904

Heinz Holliger Cynddaredd – Brenddwyd für Horn in F Induuchlen 4 Lieder für Countertenor und Naturhorn + various composers Olivier Darbellay (horn) · Kai Wessel (countertenor) MUSIQUES SUISSES MGB CTS-M 106 ORGEL WUNSCH-KONZERT im Ulmer Münster

Enjott Schneider Toccata „Schlafes Bruder“ für Orgel Friedrich Fröschle AGKV CD AGK 12 223

DVD + Book Richard Strauss Der Rosenkavalier Stummfilm mit Musik Staatskapelle Dresden · Frank Strobel Begleitband:

Günter Krenn Ein sonderbar Ding Materialien und Beiträge zum Stummfilm „Der Rosenkavalier“ 296 Seiten, 140 Abbildungen Verlag Filmarchiv Austria Edition Film + Text 9 (DVD + Buch im Schuber) ISBN 978-3-902531-11-7

These CDs/DVDs are available from specialist dealers. / Die hier vorgestellten CDs/DVDs sind im Fachhandel erhältlich.

schott aktuell · the journal · 5/2008

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Repertoire

COMPOSING AMERICA

Paul Hindemith

PITTSBURGH SYMPHONY für Orchester (1958) 2 (2. auch Picc.) · 2 · Engl. Hr. · 2 · Bassklar. · 2 · Kfg. - 4 · 2 · 3 · 1 P. S. (4 Spieler) - Str.

26’ · Study score ED 5011 World Première: 30.1.1959 · Syria Mosque Pittsburgh · Pittsburgh Symphony Orchestra · Paul Hindemith

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ince the discovery of the ‘New World’, America has always exerted a strong fascination on Europeans. In the 20th century, the crossing of the Atlantic Ocean became vitally important to many people: Like many refugees, among them numerous musicians and composers, Paul Hindemith too left National Socialist Germany and went to live in the USA until the early 1950s.

Several compositions contain musical references to America, his new home country. In the Pittsburgh Symphony composed in 1958, Hindemith quotes the folk tune Hab lumbedruwwel mit me lumbeschatz which the immigrants from the Rhine area brought to Pennsylvania about 300 years ago. In those days, the so-called ‘Pennsylvania Dutch’, followers of different Protestant persuasions, had to leave their home country to escape religious persecution. ‘Despite its light weight and grotesque high spirits’, Hindemith regarded the song as ‘centrepiece’ of the symphony, thus creating a musical monument to the German culture and language in Pennsylvania. The three-movement symphony, commissioned on the occasion of the bicentenary of the city of Pittsburgh, culminates in an exultant final passage which is based on a quotation from the song Pittsburgh is a great old town.

eit der Entdeckung der „Neuen Welt“ übte Amerika auf die Europäer stets eine starke Faszination aus. Im 20. Jahrhundert gewann die Überquerung des Atlantiks für viele Menschen existenzielle Bedeutung: Wie viele Flüchtlinge, darunter zahlreiche Musiker und Komponisten, verließ auch Paul Hindemith das nationalsozialistische Deutschland und lebte bis Anfang der 50er Jahre in den USA. In mehreren Kompositionen finden sich musikalische Referenzen an die neue Heimat Amerika. In der Pittsburgh Symphony, die er 1958 komponierte, zitiert Hindemith unter anderem die Volksweise Hab lumbedruwwel mit me lumbeschatz, die Einwanderer aus der Rheingegend vor etwa 300 Jahren nach Pennsylvania brachten. Die so genannten „Pennsylvania Dutch“, Anhänger verschiedener protestantischer Glaubensrichtungen, hatten seinerzeit ihre Heimat verlassen müssen, um religiöser Verfolgung zu entgehen.

Hindemith sah das Lied „trotz seinem leichten Gewicht und seinem grotesken Übermut“ als „Kernstück“ der Symphonie an und setzte so der deutschen Kultur und Sprache in Pennsylvania ein musikalisches Denkmal. Die dreisätzige Symphonie, ein Auftragswerk aus Anlass der 200-Jahr-Feier der Stadt Pittsburgh, kulminiert in einer jubelnden Schlusspassage, der musikalisch ein Zitat des Songs Pittsburgh is a great old town zugrunde liegt.

CDs ORCHESTERWERKE, VOL. I Melbourne Symphony Orchestra · Werner Andreas Albert CPO 6691991

Performances Dresdner Philharmonie · Herbert Kegel BERLIN CLASSICS 782124939120

BBC Philharmonic · Yan Pascal Tortelier CHANDOS CHAN 9530

6./7.6.2009: Dresden, Kulturpalast (D) Dresdner Musikfestspiele 2009 Dresdner Philharmonie · Alexander Liebreich

Pittsburgh, Night View Photo: Daphne H. Limuti

Deadline / Redaktionsschluss: 14 July 2008 Schott Music GmbH & Co. KG D-55116 Mainz, Weihergarten 5 D-55026 Mainz, Postfach 3640 Tel.: (+49) (0)6131-246 885 Fax: (+49) (0)6131-246 250 angelika.hoffmann@schott-music.com

Schott Music Ltd. 48 Great Marlborough Street London W1F 7BB Tel.: (+44) (0)20 7534 0750 Fax: (+44) (0)20 7534 0759 promotions@schott-music.com

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Schott Music Co. Ltd. Kasuga Bldg., 2-9-3 Iidabashi, Chiyoda-ku Tokyo 102-0072 Tel.: (+81) (0)3-3263 6530 Fax: (+81) (0)3-3263 6672 info@schottjapan.com

Verantwortlich: Dr. Christiane Krautscheid · Layout: Stefan Weis, Mainz-Kastel · Printed in Germany

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