Septimo 7° arte

¿Como utilzar tu camara?

Estos tips son para hacer buenas tomas y saber utilizar tu cámara de video, pudes aprender hasta hacer un cortometraje , etc., no necesariamente útiles si estas haciendo video clips sin embargo rompe las reglas de vez en cuando, ya las hayas dominado.

•Utiliza el foco manual si tu cámara lo tiene •Ajusta el balance de blancos de acuerdo al tipo de iluminación •Cuando hagas tus tiros en exteriores mantén el sol detrás de ti y utiliza reflectores de relleno en tu toma •Planea tus tiros con anticipación , el video se hace visualizando e imaginando tu escena no aprietes el botón de record hasta que no sepas que vas a hacer •Utiliza tripié u otros dispositivos que te permitan estabilizar tu imagen •Si vas a hacer tomas a manos libres imagina que tu cámara es una taza llena de café •Utiliza el zoom para encuadrar de acuerdo a la importancia de la toma, evita hacer zoom en medio de tus tomas •Mueve tu cámara solo lo necesario •Haz tus tomas pensando en la edición Empieza la grabación unos segundos antes de la acción, detén la grabación unos segundos después •Mantén una bitácora de tus tomas marca las tomas buenas y las malas antes de editar •Evita los saltos de imagen “jump cuts” si dejas de grabar varía tu ángulo de toma o la longitud de foco del zoom •Mantén las tomas lo mas cortas posible de 6 a 10 segundos •Marca tus tomas de inserto en tu bitácora te serán muy útiles en la edición •Mantén un promedio de tiempo igual entre todas tus tomas de 6 a 10 segundos •Mantén una panorámica o toma abierta “full shot” sin panear o hacer zoom al menos 10 segundos •Mientras grabes mantente tan inconspicuo como te sea posible para capturar el

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verdadero comportamiento de tus sujetos Utilizar una cámara profesionalmente implica conocer cada una de sus funciones y los usos que se les pueden dar.

También es preciso escoger una cámara que satisfaga todas tus necesidades. Pero antes de que puedas tomar una y comenzar a usarla como profesional, hay un par de cosas que necesitas entender, las cuales te mostramos a continuación.

Familiarízate con el visor. Las cámaras tienen diferentes tipos de visores, los que le confieren características y usos diferentes. Puede ser un monitor de rayos catódicos (CRT, como los usados en las televisiones y computadoras de escritorio), o una pantalla plana de cuarzo líquido (LCD, similar a las usadas en computadoras laptop).

•A diferencia de las cámaras de estudio que normalmente utilizan pantallas de por lo menos 7 pulgadas, los visores de muchas cámaras pueden ser más pequeños. Estos están integrados de una pantalla miniatura (CRT o LCD) en la que se monta un ocular magnificador.

•Aunque los visores de color han ido ganando popularidad, algunos operadores profesionales prefieren la definición superior de un visor blanco y negro.

•Selecciona el visor para ojo izquierdo o derecho. En las cámaras que poseen visores de montura lateral, algunas veces el visor puede ser deslizado de un lado a otro de la cámara según las preferencias del operador para ver con el ojo izquierdo o derecho. oCuando el visor es deslizado, la imagen quedará boca abajo a menos que exista un dispositivo de inversión. • Mantener el ojo pegado a un visor durante períodos largos de tiempo puede ser muy fatigante. Las cámaras con pantalla plana de LCD pueden ser más cómodas. También son muy útiles

cuando se toman, ángulos muy altos o bajos. o Este tipo de visores también puede ser usado para componer tomas en las que tú mismo quieres salir (una vez montada la cámara en un triple el visor es girado 180 grados para poder observarlo).

La principal desventaja de la pantalla plana de cuarzo líquido es que la imagen pierde contraste y brillantez cuando es usada bajo luz brillante, lo cual dificulta el enfoque preciso.

•Una vez que te acostumbres a su operación, los visores tipo goggle (similares a los goggles de realidad virtual), permiten gran flexibilidad al operador. Este tipo de visor puede ser usado para complementar un visor estándar. Ya que el visor está conectado a la cámara por un cable largo, podemos fácilmente sostener la cámara por encima de nuestra cabeza, colocarla al nivel del suelo o, incluso, hacer tomas hacia nuestras espaldas con la cámara al hombro.

•Para el trabajo profesional el mejor visor es un monitor externo AC/ DC en color con buen brillo, de tres a cinco pulgadas (cualquier monitor de color de alta calidad funciona).

Aunque este tipo de monitor requiere alimentación independiente y limita la movilidad, es la única manera segura de monitorear efectos de iluminación y evaluar con certeza cuestiones como la profundidad de campo. 2.Identifica las áreas de seguridad de la cámara. Debido al sobre-escaneo y otro tipo de problemas que suceden entre la cámara y el receptor en el hogar, una pequeña área alrededor de la imagen generada por la cámara es cortada antes de ser vista. Esta área (enmarcada por las líneas rojas en la fotografía) es conocida de diferentes maneras como área de seguridad y área esencial. o Para compensar esto, tú debes asumir que aproximadamente el 10% de la imagen que presenta el visor probablemente no será visible para el espectador en su casa. También existe un área

“más segura”, denominada como área de seguridad de texto. Dicha área está contemplada para el material escrito de importancia. Esta última proviene de la era de la TV blanco y negro, cuando las televisiones usualmente sobre-escaneaban las imágenes tanto como un 20%.

Debes tener en cuenta tomar y proteger. Con la televisión de alta definición (HDTV/DTV) abriéndose camino poco a poco en la televisión comercial, es necesario considerar otro tipo de área de seguridad. Debes considerar que HDTV/DTV usa un encuadre de 16:9 y, NTSC usa un radio estándar de 4:3. Para asegurar la vigencia a futuro de tus programas, algunos productores están actualmente grabando en el formato 16:9. Pero, por necesidades inmediatas de transmitir en el formato 4:3, tienen que lograr que sus escenas funcionen en ambos formatos.

El término “tomar y proteger” (shoot-and-protect) identifica el proceso de grabar escenas en formato 16:9 asegurándose de que el área correspondiente al formato 4:3 contenga toda la información esencial de la escena. Para lograr esto un marco de 4:3 es superpuesto sobre el visor de formato 16:9.

Ajusta la imagen al visor. Debido a que la imagen en el visor de la cámara proviene de una pantalla miniatura, es común que existan dogcam.jpg (19586 bytes) variaciones de brillo y contraste. Además, con los visores de tubo puede existir también un problema eléctrico de enfoque y la ocasional falta de centrado apropiado de la imagen.

El ajuste de la imagen del visor

no afecta en ninguna manera a la señal de video que genera la cámara. Sin embargo, los ajustes efectuados a la cámara sí afectan a la imagen del visor.

Los visores deben reflejar con precisión la naturaleza y calidad del video que proviene de la cámara. Para tener la certeza de que el contraste y la brillantez del visor son correctos, pueden ser seleccionadas las barras de color generadas por la cámara (si están disponibles en la cámara que estés usando).

Estas barras pueden ser verificadas en el visor, entonces los controles de brillo y contraste del visor pueden ser ajustados a un rango continuo de tonos desde el negro sólido al blanco visible.

Si la cámara no tiene un patrón de prueba incluido, la calidad de la cámara debe ser verificada (con la ayuda de un patrón de prueba y un monitor externo confiable) antes de que los controles del visor sean ajustados. Verifica la precisión del visor. Aunque la mayoría de los visores tipo CCD normalmente permanecen estables durante algún tiempo, la precisión de un visor de tubo puede deteriorarse hasta el punto de no mostrar con veracidad la señal de salida de la cámara. Verificar esto es relativamente fácil. Primero, debes cerciorarte de que el monitor se encuentra perfectamente alineado con la ayuda de un patrón de prueba. La salida de la cámara en cuestión es vista en un monitor independiente mientras está enfocada a un patrón de prueba, el visor debe coincidir en los mismos bordes del patrón que los que se observan en el monitor o Cualquier discrepancia entre la imagen del visor y el monitor debe ser obvia. La alineación del visor debe ser ajustada por un ingeniero o técnico. o Ocasionalmente el enfoque eléctrico también se desajustará en un visor de tubo. Esto dificulta el enfoque óptico hasta que el problema es corregido con un patrón de prueba y un ingeniero debidamente equi

pado con un juego de desarmadores.

Ocasionalmente el enfoque eléctrico también se desajustará en un visor de tubo. Esto dificulta el enfoque óptico hasta que el problema es corregido con un patrón de prueba y un ingeniero debidamente equipado con un juego de desarmadores. o Si tú usas anteojos el visor de la cámara puede presentar problemas, muchas monturas de visor poseen un control en el lente de magnificación para graduar la misma. Esto es conocido como corrección de dioptría.

Tambien es importante que estudies el manual que trae la cámara. Debido a que cada fabricante utiliza de manera diferente los indicadores de estado, necesitas estudiar el manual de la cámara para determinar lo que está tratando de decirte. El tiempo empleado en familiarizarte con estos indicadores te evitará decepciones posteriores. Los indicadores de estado de algunas cámaras incluyen los siguientes mensajes: Una luz “tally” (indicándonos que la cinta está rodando y la cámara está “al aire”).

Una advertencia de batería baja.

Los minutos de cinta remanente.

Necesidad de balance de color.

Luz baja, exposición insuficiente.

Amplificador de luz baja (control de ganancia) circuito en operación.

Filtro colocado (interior / exterior).

Posición del zoom (indicando cuánto más se puede aplicar o retirar el zoom).

Estado manual o automático del iris.

Monitoreo de nivel de audio.

Contador de metraje de la cinta.

“Patrón Cebra” para monitorear y ajustar los niveles de video.

Marcos superpuestos para área de seguridad y encuadres en formato 4:3 o 16:9.

La práctica hace al maestro, maneja la cámara con diferentes ángulos y ajustes. No tengas miedo, de una forma u otra aprenderás a manejar la cámara y lograr una calidad alta de imagen.

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Programas ideales para editar un video Adobe After Effects es una aplicación en forma de estudio destinado para la creación o aplicación en una composición, así como realización de gráficos profesionales en movimiento (en 2D y, a medida que el software se va actualizando, también en 3D), de montaje de vídeo y de efectos especiales audiovisuales, que desde sus raíces han consistido básicamente en la superposición de capas. Adobe After Effects es uno los softwares basado en Linea de tiempo más potentes del mercado junto con Autodesk Combustion y Eyeon Fusion.

Una de las principales fortalezas del programa es que existen una gran cantidad de plugins desarrollados por otras compañías que ayudan a aligerar las cargas de trabajo continuo y repetitivo en lo que a aplicación de efectos se refiere. A partir de las versiones 6.5 y 7 mejora su capacidad para manejar archivos de gráficos y vídeo de distintos formatos. Por otro lado, su interfaz resulta familiar a muchos editores dedicados a la post-producción, lo que lo convierte en la elección ideal para la mayoría de profesionales.

Aspecto de Adobe After Effects CS5.

Este software está dirigido a diseñadores gráficos, productores de vídeo y a profesionales en multimedia, aunque muchos aficionados se guían de Tutoriales en YouTube y crean desde intros hasta cortometrajes aunque estos resultados dependan de su creatividad .

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Adobe Encore es un sorfware desarrollado por Adobe Systems Incorporated que permite la creación de diferentes clases de menús y opciones para controlar el contenido de discos DVD, Blu-ray Disc, proyectos interactivos de Adobe Premiere Pro, Adobe After Effects,Adobe Flash, Adobe Photoshop, Adobe Illustrator y Adobe Audition. Fue conocido como Adobe Encore DVD hasta el año 2006 y se vendía por separado de la Adobe Creative Suite hasta el lanzamiento de su versión CS3 en 2007, donde se incluyó en la versión bundledel paquete, rebautizado como Adobe Encore y convertido en complemento directo del software de edición de video Adobe Premiere Pro. En las siguientes versiones de la Adobe CS fue ampliada su integración con los demás software de edición de fotografía, vectores, animación, audio y efectos visuales4 . Su última versión es el Adobe Encore CC y solo está disponible a través del servicio en líneaAdobe Creative Cloud5 . Adobe Encore es una aplicación en forma de estudio destinado a la programació de menús contextuales e interactivos para proyectos de vídeo , mediante la creación de diagramas de flujo diagramas de flujo u hojas de cálculo que asignan la ruta a través del contenido . También gestiona la organización de diferente material audiovisual dentro de un DVD o Blu-ray Disc y la división en segmentos o capítulos de los clips de vídeo. Permite diseñar escenarios de navegación para los segmentos del diagrama de flujo y la configuración de elementos integrados al vídeo clip para su reproducción como pistas de audio o subtítulos.

Blender es un programa informático multiplataforma, dedicado especialmente al modelado, animación y creación de gráficostridimensionales.

El programa fue inicialmente distribuido de forma gratuita pero sin el código fuente, con un manual disponible para la venta, aunque posteriormente pasó a ser software libre.

Actualmente es compatible con todas las versiones de Windows, Mac OS X, GNU/Linux,Solaris, FreeBSD e IRIX. Características.

•Multiplataforma, libre, gratuito y con un tamaño de origen realmente pequeño comparado con otros paquetes de 3D, dependiendo del sistema operativo en el que se ejecuta.

•Capacidad para una gran variedad de primitivas geométricas, incluyendo curvas, mallas poligonales, vacíos, NURBS, metaballs.

•Junto a las herramientas de animación se incluyen cinemática inversa, deformaciones por armadura o cuadrícula, vértices de carga y partículas estáticas y dinámicas.

•Edición de audio y sincronización de vídeo.

•Características interactivas para juegos como detección de colisiones, recreaciones dinámicas y lógica.

•Motor de juegos 3D integrado, con un sistema de ladrillos lógicos. Para más control se usa programación en lenguaje Python.

•Simulaciones dinámicas para softbodies, partículas y fluidos.

•destructiva sobre mallas.

El detras de camras es como una vitacora de la pelicula que se esta realizando, se graban todos los mometos que estan pasando en el trascurso de la filmacion como errores, chistes una mala actuacion etc. pero ademas de eso se hacen tamas de todos los trabajadores como son tecnicos, jefes de camara. tambian dan una pequeña explicación de la toma que se va a realizar en el set, creo que tambien es como una evidencia de la pelicula que eso muestra una originalidad de lo que se esta realizando y acontinuacion se mostraran algunas tomas y descripciones de cada toma que se realizo. 1. Panorámica: Consiste en un movimiento de cámara sobre el eje vertical u horizontal (X o Y) . Normalmente la cámara está situada sobre un trípode y gira alrededor de su eje. Tiene un gran valor descriptivo y también puede tener valor narrativo. Se emplea para descubrir una acción o un escenario que no

puede abarcarse de una sola vez.

Su efecto práctico es similar al que se produce cuando se gira la cabeza hacia un lado u otro para visionar un gran espacio. Podemos distinguir Panorámica horizontal: Movimiento de derecha a izquierda o viceversa.

Panorámica horizontal de seguimiento: es el movimiento de cámara más común. Se hace un seguimiento del sujeto que se mueve.

•Panorámica horizontal de reconocimiento: se hace un recorrido lento por la escena para permitir al espectador que se fije en ttodos los detalles del escenario. Puede crear dramatismo y expectación o puede servir

para mostrar cierta decepción.

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Detras de camaras

•Panorámica horizontal interrumpida: consiste en un movimiento largo y suave que se detiene de repente para crear un contraste visual. Se emplea en situaciones dramáticas o lacónicas.

•Panorámica horizontal en barrido: el barrido es una panorámica rápida que produce una serie de imágenes transitorias generalmente borrosas. El espectador no tiene tiempo de verlas nítidas. Trata de atraer la atención hacia la siguiente imagen. Se produce una relación dinámica o de cambio comparativo.

El barrido puede tener muchas funciones: mostrar diferentes aspectos de la misma escena, proporcionar continuidad de interés (conectando entre sí una serie de sujetos o temas similares), cambiar los centros de atención, mostrar la causa y el efecto, comparar o contrastar, trasladar en el tiempo y en el espacio, etc. Panorámica vertical: Movimiento de arriba abajo o viceversa.

Panorámica de balanceo: Movimiento de balanceo. Travelling: Consiste en un deplazamiento de la cámara variando la posición de su eje. Estos movimientos suelen ser por desplazamiento de la cámara por una persona, grúa, etc. Muchas veces se usa una especie de vía de tren, , por la cual se desplaza una “vagoneta” en la e viajan el cámara y la cámara en sí. Tiene un gran valor expresivo, de relieve y perspectiva narrativa. Existen diversos tipos: • Avanti o avance: la cámara se acerca. Refuerza la atención.

Retro o retroceso: la cámara se aleja. Relaja la tensión, a no ser que aparezcan otros objetos que antes no se veían, despertando nuevos focos de atención.

Ascendente/descendente: La cámara acompaña al personaje, o muestra alguna cosa en movimiento, hacia arriba o hacia abajo.

Lateral: La cámara acompaña en paralelo a un personaje que se desplaza horizontalmente o muestra alguna cosa con un movimiento lateral. Permite mantener cerca la expresión del personaje que se mueve.

Los objetos dan la sensación de moverse más deprisa.

Circular o en arco: La cámara se desplaza en círculo alrededor del personaje u objeto. Este movimiento suele ser de exploración, permite ver la escena desde distintos puntos.

Rotación consiste en rotar la cámara sobre el eje o dimensión Z, se puede hacer hacia la derecha o hacia la izquierda, y se mide en grados, generando desviación en el plano.

Movimientos ópticos.

Zoom: El movimiento del zoom se realiza con las cámaras

que tienen objetivos de focal variable, es decir, objetivos zoom. Permite hacer que los objetos se acerquen o se alejen sin desplazar la cámara.

También se llama travelín óptico, aunque, a diferencia del travelín, con el zoom los objetos que se acercan se comprimen, no descubrimos las áreas escondidas detrás de los objetos como lo podemos hacer con el travelín. En el cine y la televisión se puso de moda en los años 60 y 70 y su uso fue excesivo. Valerio Lazarov fue uno de los más conocidos cineastas que abusaba del zoom en sus trabajos. Actualmente se evita abusar del zoom, ya que su uso injustificado cansa y mareat

al espectador. También existen usos destacados por su resultado en Fellini-Satyricón, aplicado por Giuseppe Rotunno en forma magistral. foco: El desplazamiento de foco puede ser considerado como un movimiento óptico pues permite descubrir nuevos elementos dentro de un plano, a partir de enmascararlos o desenmascararlos con el foc 1. Movimiento del foco basado en la distancia: Este movimiento de foco es el clásico, enmascara o emborrona objetos con base a la distancia del objeto a la cámara, y a la distancia focal en la que esté colocado el anillo de enfoque del objetivo. Funciona con base a la dimensión Z de la imagen, a la profundidad, y puede afectar de manera sustancial las dimensiones X e Y, a partir de la cantidad de desenfoque que se produce en los bordes de los objetos.

2. Movimiento arbitrario del foco o enmascaramiento del punto de foco: Este movimiento óptico se genera con lentes o filtros especializados, como los lensbaby, que logran a partir de la manipulación de la posición de las unidades de un lente con respecto a las otras unidades y al respaldo de la cámara, discriminar la zona y la magnitud en la que se encuentra el foco dentro de la imagen, independientemente de la distancia del objeto a la cámara. es decir, independientemente a la profundidad de campo obtenida por el lente y el diafragma. este movimiento mueve ópticamente el plano en las dimensiones X e Y. (funciona con base al alto y el ancho, de manera arbitraria, puede dar la ilusión de basarse en la dimensión Z, aplicando el desenfoque arbitrariamente a las zonas más cercanas o más lejanas, dando la ilusión de desenfoque de distancia). 3. Movimiento de la profundidad de campo: A partir de cerrar o abrir el diafragma de un lente, se genera un movimiento en la profundidad de campo, revelando u ocultando detalles de el plano en cuestión dentro de el eje Z o profundidad de la imagen. (funciona con base en la profundidad, puede afectar levemente la dimensión X e Y de el plano, y usualmente se realiza con lentes de diafragma continuo sin saltos entre valores de diafragma)

4. Movimiento de manipulación de perspectiva: A partir de lentes de tipo tilt and shift, se pueden realizar movimientos que deforman, alargan, corrigen o expanden el foco y las líneas de perspectiva de la imagen, haciendo aparecer más anchos los objetos cercanos que los lejanos, o los de la parte de abajo de la imagen, o los centrales, pudiendo así, realizar movimientos que crean distorsiones o manipulaciones de la imagen en las tres dimensiones X, Y, Z. •Los Trasbastidores / Trasvestidores, el área en la parte trasera de un teatro o del rodaje de una película, los espacios ocultos al público y relacionados con el desarrollo del espectáculo.

•backstage, en expresiones tradicionales como entre bambalinas y tras bambalinas. Como referencia, tanto física como ideológica, a los espacios y aspectos del show que no ven los espectadores.

•Planos y movimientos de cámara •2. Encuadre. Resultado de colocar la cámara en la posición precisa, según una perspectiva y una posición concretas, para seleccionar de todo el escenario la parte que va a aparecer en la pantalla, o cuadro.Toma.

Fragmento de película (varios fotogramas)que corre en la cámara, entre la puesta en marcha del motor y su detención. Cada una de las veces que se rueda un mismo plano. Plano.

Fragmento de la película comprendido entre dos cambios de encuadre.

(Encuadre + toma) •4. PlanosPlanos abiertos: Importancia en el espacio (lugar donde se desarrolla la historia).Planos medios:

Importancia en las acciones de los personajes.Planos cerrados: Importancia de las emociones, pensamientos, intenciones de los personajes (detalles).

•5. Tipos de PlanosGran Plano General/Extreme Long Shot (ELS) Plano General/Long Shot (LS)Plano Completo/Full ShotPlano Americano/American ShotPlano Medio/ MediumShot/TwoShot (MS)Primer plano/Close up (CU)Plano Detalle/ Big o Extreme Close Up (ECU)Insert •7. Plano GeneralAbarca un grupo de personas o un paisajeSe empleaparamostrar un espaciodramático (establecimiento)Ubicación de los personajes en eseespacioSueleiniciar/finalizarunasecuenciaInforma al espectador el espaciodondeva a desarrollarse la acción •8. Gran Plano GeneralTheDevilwars Prada •9. Plano General/Long Shot (LS) Brokeback Mountain •10. Plano General/Long Shot (LS) TheGodfather •11. Plano Completo/Full Shot (FS) Muestra al personaje de cuerpo completo dentro de un espacio/lugar.El espacio y el personaje tienen el mismo valor dentro del cuadro.En este plano observamos las acciones y los movimientos del personaje.

•12. Plano completo/Full Shot (FS) Sex and the City •13. Plano completo/Full Shot (FS) TheVirgin Suicides.

•14. Plano americanoHasta las rodillasLlamado así por su uso en el «Western»Diálogo entre varios personajes oMuestra el escenario y el personaje con la misma jerarquía •15. Thegood, thebad and theugly.

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¿ Como realizar una pelicula?

•El stop motion

es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. Stop motion es un anglicismo que empezó a penetrar en el uso de la lengua española en tiempos relativamente recientes. Tradicionalmente se lo ha designado en español con muchos términos diferentes, como por ejemplo animación en volumen, parada de imagen, paso de manivela, animación foto a foto, animación fotograma por fotograma o animación cuadro por cuadro, por citar sólo algunos ejemplos. En general se usan esos términos o se denomina «animaciones en stop motion» a las que no entran ni en la categoría deldibujo animado ni en la de la animación por computadora; esto es, que no fueron dibujadas o pintadas ni a mano ni por computadora, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Así pues, el stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, ya sea rígido o maleable, como por ejemplo juguetes, bloques de construcción, muñecos articulados o personajes creados con plastilina.

Podría también definirse esta forma de animar como la animación en estado puro, debido a que se construye el movimiento fotograma a fotograma. manipulando un objeto con las propias manos, así como trabajando con otros materiales (plastilina, arena, recortes de papel, tizas sobre suelos y muros...)

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de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad alguna de retroceso.

•Los orígenes de esta técnica se funden con la propia historia de la cinematografía. Hay que destacar que uno de sus pioneros fue un español, Segundo de Chomón, quien recurrió a esta técnica en películas como La casa encantada (1906)1 y El hotel eléctrico (1908).2 Hay que destacar también al cineasta ruso Ladislaw Starewicz, quien en el año 1912 realizó la película La venganza del camarógrafo, donde se narra la historia de una familia de escarabajos que se destruye a causa de la infidelidad entre sus cónyuges. Otro destacado pionero en esta técnica fue Willis O’Brien, quien animó King Kong en 1933. Su alumno Ray Harryhausen hizo un gran número de películas con la misma técnica.

•El stop motion fue y sigue siendo, una técnica muy utilizada en la Europa del Este: Revolution in toyland (1946) de Hermina Tyrlová, The hand (1965) de Jirí Trnka y Meat Love (1989) de Jan Svankmajer.

Nombramos aquí algunos, de muchos otros grandes creadores.

•En los años ochenta, el stop motion fue usado por Tim Burton, que creció viendo películas que contenían efectos especiales de animación de este tipo (Burton fue sobre todo influido por los efectos realizados por Ray Harryhausen). Burton utilizó dicha técnica cuando trabajaba como animador para los estudios Walt Disney hasta que en 1982, con el cortometraje en stop motion.

Vincent, empezó a dirigir películas por sí mismo, muchas de ellas incluyendo escenas en stop motion como Beetlejuice (1988), y Corpse Bride (2005). Cabe destacar también que a principios de los noventa Tim Burton participó como productor de The Nightmare Before Christmas, película basada en sus creaciones artísticas, del director Henry Selick.

Selick es otro director también especializado en animación stop motion, habiendo dirigido películas con esa técnica, películas como James and the Giant Peach (1996) o Coraline (2009), por ejemplo.

•El stop motion ha sido usado en The Secret Adventures of Tom Thumb (1993), realizada por Bolex Brothers y dirigida por Dave Borthwick y también en las películas de la compañía Aardman Animations: Wallace and Gromit y Chicken Run son algunas de sus producciones.

En conclución el STOP MOTION es una tecnica muy facil de hacer no se necesita un gran presupuesto para realizar una pelicula como se comento anteriormente solo se necesita de personajes creados por uno mismo y se puede empesar una gran pelicula pero sobre todo se necesita de una gran pasiencia para realizar algo asi por que se necesitan muchas fotos.

Pixelación y otras tecnicas.

La animación es una simulación de movimiento producida mediante imágenes que se crearon una por una; al proyectarse sucesivamente estas imágenes(llamados cuadros) se produce una ilusión de movimiento, pero el movimiento representado no existió en la realidad. Se basa en la ilusión de movimiento, en la que intervienen la persistencia de la visión y el fenómeno phi.

La animación pertenece al entorno del cine y la televisión aunque guarda una estrecha relación con todo tipo de artes visuales tales como el dibujo, pintura, fotografía y escultura.

Crear animación es un trabajo largo, complejo e intensivo y debido a ello se forman estudios a través de los cuales se llevan a cabo todo tipo de trabajos. Existen gran variedad de técnicas y estilos de animación de entre los cuales destaco los siguientes: - Los dibujos animados, también llamados animación tradicional, estos se crean dibujando cada cuadro. Al principio se pintaba cada cuadro y luego era filmado, este proceso se aceleró al aparecer la animación por celdas.

Stop motion, animación de objetos, muñecos, marionetas, figuras de plastilina u otros materiales así como maquetas o modelos a escala.

Se utiliza la grabación “fotograma a fotograma” o “cuadro a cuadro”. pixelación, es una variante del stopmotion, en la que los objetos animados son auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas), e incluso personas. Al igual que en cualquier otra forma de animación, estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía.. Es ampliamente utilizada en los video-clips.

Rotoscopía, se basa en dibujar directamente sobre la referencia, que pueden ser los cuadros de la filmación de una persona real.

- Animación de recortes, es la técnica en que se usan figuras recortadas, ya sea de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los personajes se construyen con los recortes de sus

Moviendo y reemplazando las partes se obtienen diversas poses, y así se da vida al personaje.

Sistema inercial, sistema inercial de captación de movimiento humano, sin las limitaciones impuestas. Este sistema portátil está basado en los ``tracker´´ 3D MTx de Xsens. La nueva tecnología permite utilizarse en animación (cine, juegos virtuales) entrenamiento y simulación, investigación y desarrollo biomecánico y otras áreas.

Otras técnicas, virtualmente cualquier forma de producir imágenes, cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para animar.

Existen muchas técnicas de animación que sólo han sido utilizadas por unos y que son desconocidas para el gran público. Entre estas se incluyen: pintura sobre cristal, animación de arena, pantalla de agujas, pintura sobre celuloide, tweeing.

Es una variante del stop-motion, en la que los objetos animados son personas y auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas). Al igual que en cualquier otra forma de animación, estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía. Norman McLaren fue pionero de esta técnica, empleada en su famoso corto animado Neighbours. Es ampliamente utilizada en los video-clips. Esta tecnica es una variante del stop motion basicamente es la mismo, se hacen cuadro por cuadro pero la unica y gran diferiencia es que esta tecnica se utiliza un ordenador es como una animacion se pueden utilizar muchos elemetos para poder lograr. Y a todo esto solo es un engaño visual u optico por que las imagenes tienen una cierta velocidad y nuestro ojo no lo capta y se ve como si los movimientos fueran muy fluidos sin pausas, sin errores. Hacer una panorámica de todas las técnicas de animación es una de las formas más interesantes de aproximarse a este tipo de cine.

Visionaremos cortometrajes de todas las técnicas explicado sus características básicas y realizaremos ejercicios prácticos de las técnicas de animación directa, como el cut-out, la pixelación, o la animación con arena. El objetivo es analizar los pros y contras de cada una para ver cual se adapta mejor a la historia que nos gustaría contar y a los recursos disponibles.

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Facilidades para realizar una pelicula Hacer una película puede ser un desafío abrumador sin importar con cuánto presupuesto cuentes. Los costos de equipos, elenco, personal y otras variables pueden aumentar rápidamente y así tirar un proyecto abajo. Cuando hay poco dinero en películas de bajo presupuesto, el desafío es mayor y a menudo se requiere de soluciones creativas para resolver los problemas. Un aspirante a cineasta puede obtener ventaja de distintos tipos de recursos que le serán de ayuda, aunque deberás comprender qué son y cómo se usan.

1. Define tu idea y arma un guión. La fuerza de la historia y sus personajes puede hacer que la película sea buena o mala, sin importar la cantidad de presupuesto. No necesitas equipo sofisticado o efectos especiales para hacer una buena película. Escribe tu historia y hazla sólida y fuerte, incluso si requiere de muchas revisiones.

Escribe tu presupuesto. Puede que sepas en tu cabeza cuánto tienes que gastar, pero tenerlo escrito presenta los parámetros del proceso de filmado en términos concretos. Haz una lista de cada posible gasto que se te ocurra y súmalo para asegurarte de que encaje dentro de tu presupuesto.

3.Familiarízate con la cámara de video. Si eres un principiante, no necesitarás nada avanzado. Una cámara de video hogareña será suficiente, siempre y cuando puedas manejar manualmente el diafragma y el balance de blancos. Revisa qué tipo de entrada de micrófono tiene. Si es una cámara comercial, probablemente tenga una conección de 1/8”.

Si es una cámara de más calidad, puede que tenga una entrada XLR, en cuyo caso no necesitarás el adaptador de XLR a entrada de 1/8”. no necesitarás el adaptador de XLR a entrada de 1/8”.

1.Prueba la cámara con el micrófono. Ajusta los micrófonos a la vara y conecta el cable XLR del micrófono a la cámara. Haz algunas grabaciones de prueba con amigos o familia.

Sostén el micrófono por encima de ellos mientras hablen. Para mejores resultados, apunta el micrófono directamente a la boca de quien esté hablando.

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Consigue el personal y el elenco para tu película. Llama a tus amigos y familiares que quieran ayudar a manejar el equipo o actuar. Otra opción puede ser recurrir a alguna universidad de actuación o a algún teatro de tu zona. Muchas veces vas a encontrar actores que sólo buscan exposición y experiencia y que estarán dispuestos a formar parte de tu película. Escribe un cronograma para tu película. No querrás aparecer en el set con sólo un guión y una idea general de lo que quieres grabar. Los días de producción no son los adecuados para improvisar. Haz un cronograma que cubra cada grabación que necesitas. Como regla general, si piensas que una toma llevará determinado tiempo, calcula el doble. Siempre puede fallar algo durante la filmación. Busca lugares que sean adecuados para tu historia. No creas que el fondo no importa. Busca amigos y familiares,

o dueños de negocios locales que estén dispuestos a dejarte filmar en su propiedad. Si te lo permiten, se cortés y no interrumpas su negocio.

Si estás filmando en un restaurante, devuelve el favor cenando allí con tu equipo y elenco.

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8 Comienza a filmar tu película. Haz que tu personal llegue una o dos horas antes que el elenco para tener tiempo de preparar el set. Asegúrate de tener luz suficiente y de tomar una buena imagen con tu cámara.

Si tienes problemas para conseguir luces, podrías considerar grabar en el exterior. El sol es la fuente de luz más fuerte que podrás conseguir y es gratis.

Revisa todas las tomas en crudo y toma notas. Tómate el tiempo para ver qué tomas contribuyen a la historia. Mira todo para confirmar que todas las tomas salieron bien, y que el audio sea claro. Es mejor darse cuenta ahora de que debes volver a filmar alguna toma y no luego durante el proceso.

7Conecta tu cámara a la computadora y utiliza el programa de la cámara para bajartodas las filmaciones al disco duro.

La mayoría de las computadores tienen incluido un programa como el Windows Movie Maker o el iMovie, pero si cuentas con un poco de dinero deberías considerar conseguir un programa mejor como el Avid Media Composer, el Adobe Premiere o el Final Cut Pro. 8Pon las filmaciones juntas en una toma cruda. No te preocupes por los títulos, la música o los efectos especiales todavía. Mantén las edición tranquila y pon las escenas en orden. Asegúrate de que cuenten una historia que tenga sentido.

Luego puedes comenzar a recortar y ajustar las tomas hasta que tengas una historia compacta y fluida.

Agrega la música y los efectos de sonido a tu película. A menudo encontrarás que la música ayuda a marcar el ritmo de la película y puede que debas volver hacia atrás para ajustar las tomas para que se unan más suave y naturalmente. Ajusta los volúmenes de los diálogos para que todo esté parejo y claro.

10.Añade cualquier título, filtro de color o efecto especial para completar la película. Corrige el color de todas tus tomas para que todo luzca consistente. Mira la película entera varias veces, y tal vez hazlo con alguien más para que te de una opinión.

11.Haz los arreglos finales. Luego sube tu película a internet y grábala en un DVD o expórtala a tu disco duro.

Consejos y advertencias El sonido es más importante que el video. Si la calidad visual está por debajo del promedio, pero el audio es bueno, todavía puede ser salvada. Sin embargo, una gran película no compesará un audio pobre. Tómate tu tiempo para lograr buenas grabaciones. Cuando contrates a otras personas para trabajar en tu película, asegúrate de hacer que firmen notas de liberación de talento. Haz todos los acuerdos por escrito, para así prevenir problemas legales más adelante. Pasa las grabaciones en el set. Si alguien se equivocó durante una toma,

podrás notarlo antes y ahorrarte un día de volver a filmar.