Catálogo 2013 | Circos – Festival Internacional Sesc de Circo

maio | 2013

Circos: Festival Internacional Sesc de Circo, 2013 / realização do Serviço Social do Comércio; curadoria de Carolina Garcez; Ligia Azevedo. – São Paulo: Sesc São Paulo, n.1, 2013 – . Anual.

196 p.: il. fotografias.

ISSN 2318-9940 1. Artes Cênicas. 2. Artes Circenses. 3. Circos. I. Título. II. Subtítulo. III. GARCEZ, Carolina. IV. AZEVEDO, Ligia. V. Serviço Social do Comércio.

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Sumário 7 Introdução 10 Espetáculos 12 Intervenções 119

Apresentação

Atividades formativas 132 Guia de festivais 144 Dicionário circense 149 English version

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Desde 1946 o Sesc São Paulo desenvolve sua ação voltada para a melhoria da qualidade de vida dos trabalhadores do setor do comércio de bens, serviços e turismo, bem como de seus dependentes e de comunidades de seu entorno. Criado por iniciativa do empresariado desse setor, a instituição nasceu da preocupação em promover a justiça social, contribuindo para a melhoria do padrão de vida dos trabalhadores e incentivando seu desenvolvimento integral.

A missão institucional do Sesc se baseia no princípio de que não há desenvolvimento social e econômico se não houver um incremento efetivo de ações na esfera educativa e cultural. Se hoje o Sesc tem por instrumento de inclusão social a cultura, não é por acaso. Desde os anos 40, tem percorrido um longo caminho de experimentos e vivências no trabalho assistencialista, na educação social, nas atividades comunitárias, nas diferentes ocupações do tempo livre para, neste momento, pela educação permanente, ocupar-se da democratização do acesso à cultura.

Apesar das dificuldades que inegavelmente existiram, e continuarão a existir, não paramos, não desanimamos, não diminuímos a intensidade dos nossos esforços; enfim, não desistimos dos nossos planos.

Por quê? Porque acreditamos que a responsabilidade social da empresa extrapola a simples gestão dos negócios. Essa responsabilidade se identifica com a necessidade da transformação social.

Por isso, estabelecemos um compromisso participativo para o desenvolvimento da sociedade brasileira: além das questões de geração e distribuição de renda, também nos preocupamos com a formação, com a educação, com o desenvolvimento dos cidadãos.

Se trabalhar constitui um imperativo e uma necessidade inerente às pessoas, o usufruto do tempo livre é, também, uma necessidade legítima. Ou melhor, mais do que uma necessidade, é um direito que assiste a todos. É nesse sentido que realizamos o Circos – Festival Internacional Sesc de Circo, em sete centros culturais da capital e da grande São Paulo: uma forma de comprovar o cuidado da instituição no cumprimento de seus ideais e sua preocupação com a contínua formação humanista do trabalhador, benefício que acaba por refletir-se no conjunto da sociedade.

Abram Szajman Presidente do Conselho Regional do Sesc São Paulo

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Resplandece no picadeiro a vida de encantamento e de coragem. De itinerâncias, seus personagens carregam mistérios, e uma certa dose de marginalidade, no fiado das emoções de nossas memórias.

A relação evidente entre o Circo e a tradição sugere uma questão: como manter o frescor e propor a renovação de uma linguagem artística que baseia parte de seu poder de atração no modo como mobiliza a memória afetiva do espectador?

O fato é que grandes artistas enxergam essa questão através do prisma do desafio, transformando o universo circense numa plataforma para vôos ousados, com considerável potencial de inovação.

Nesse movimento, o Circo tem se reinventado na busca de novos ambientes e formatos. Tornam-se atraentes ao dar vigor a uma memória coletiva e estabelecer uma conexão entre épocas distintas, enredando crianças, adultos e idosos.

O Sesc, atento às múltiplas visões que habitam o mundo de hoje, amplia o debate de ideias sobre a confluência de linguagens presentes no espaço do fazer circense, com ênfase no estímulo à expansão de horizontes e possibilidades para criadores e público.

Por meio do Circos – Festival Internacional Sesc de Circo, a instituição identifica na arte, a vocação para transpor limitações geográficas ao criar alternativas para refletir e agir num panorama pleno de diversidade. Visa contribuir para o reconhecimento da importância que a linguagem circense possui no cenário cultural contemporâneo, que se desdobra nas suas potencialidades estéticas e socioeducativas. O caráter estético, mais explícito, revela-se no projetar a expressão corporal e o entrosamento de interpretação, luz e som – na concepção poética de tempo e espaço. O sentido socioeducativo está baseado na percepção cotidiana de criação de um solo fértil para o desenvolvimento de consciências críticas e sensibilidades aguçadas, confirmando o valor de processos que acontecem para além da educação formal.

Preservado no imaginário popular, essas vidas que, sem destino fixo, reúnem habilidade técnica a um espírito aventureiro, provocam humor e melancolia, frente ao sabor da liberdade. Talvez, uma sensação que se prolongue, para além do espetáculo, alargando as qualidades e a poesia da vida.

Danilo Santos de Miranda Diretor Regional do Sesc São Paulo • •

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Circos – Festival Internacional Sesc de Circo Em 2013, o Sesc São Paulo consolida a linguagem artística circo dentro de sua programação de artes cênicas com a realização do Circos – Festival Internacional Sesc de Circo, que reuniu espetáculos de seis companhias internacionais e 18 nacionais, atividades formativas teóricas e práticas e encontros entre artistas e realizadores em circo de diferentes países, em sete unidades do Sesc em São Paulo (Pinheiros, Santana, Belenzinho, Bom Retiro, Itaquera e Ipiranga) – a fim de contemplar diferentes regiões da cidade –, e Santo André, no Grande ABC.

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Em sua primeira edição, realizada de 2 a 12 de maio, além de difundir a arte circense por meio da programação de espetáculos, o Circos teve o objetivo de fomentar a construção do pensamento sobre circo, como arte cênica com dramaturgia própria, colocando o Sesc São Paulo ao lado de demais realizadores e companhias que trabalham com formação, produção, difusão e fruição das artes circenses, ao abrir mais um espaço de intercâmbio e desenvolvimento da linguagem cênica circo.

Ainda, o Circos torna-se uma amostra de como o Sesc São Paulo trabalha as artes circenses: abarcando diversas vertentes do pensar e fazer em circo e mantendo seu foco na democracia cultural.

Sesc São Paulo

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Ao Vento Intrépida Trupe (RJ)

Quando se mudou de Campo Grande (MS) para o Rio de Janeiro, a diretora da Intrépida Trupe, Beth Martins, se viu em uma aventura. Aos 16 anos, ela deixou para trás a infância na pequena cidade, onde a grande diversão era ver o circo chegar e se lançar nos balanços da praça, como se estivesse no trapézio. Ao chegar na capital fluminense, quis aplicar um pouco do que viveu no circo. O espetáculo Ao Vento fala da trajetória de vida de Beth, de artistas em geral e também da companhia, criada há 26 anos.

Ao Vento começa com um homem explorando uma mata desconhecida. Com o apoio de um dos intrépidos, ele inicia sua caminhada pela parede, com o corpo na horizontal. Ao som de pássaros e de um rio corrente, ele segue tomando cuidado por onde pisa – sem esquecer de dar as devidas pausas para observar a paisagem inédita.

O cenário inicial é composto apenas pelos artistas. As pedras em diversos desníveis são formadas pelo elenco: conforme o homem avança, aqueles que estão posicionados atrás também caminham e se amontoam novamente, formando o chão rochoso. Quando chega ao extremo do palco, ele encontra finalmente o rio que o público só ouvia pelo barulho da água e volta nadando, erguido pelos demais integrantes que, antes, eram pedras.

O espetáculo segue com cenas igualmente impactantes e soluções criativas. Números de lira, tecido, trapézio, mastro chinês, acrobacias aéreas e dança são realizados por 11 artistas, que representam os amigos que dão suporte a esse homem sonhador. Um cortejo com bandeiras, tambores e instrumentos de sopro, conduzido pelo versátil elenco, permeia Ao Vento e dá ainda mais vivacidade a essas memórias do passado e a busca por coisas novas do presente e futuro.

Fundada em 1986, a Intrépida Trupe busca nas mais diversas manifestações artísticas, como o circo, a dança, o teatro e a música – do rock ao pop –, a fonte para criar seus espetáculos.

Direção artística Beth Martins Direção técnica Vanda Jacques Coreografia Alain Veilleux, Beth Martins, João Carlos Ramos, Lavínia Bizzotto e Steven Harper Elenco Ana Clara Nimrichter, Diego Sanzana, Diogo Monteiro, Joana Nicioli, Julio Nascimento, Lana Borges, Phelipe Young, Rafael Rocha, Edgar Santos, Diana Bloch e Maria Celeste Mendozi

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Arte do Assombro Gutto Thomaz (SP)

Criação e elenco Gutto Thomaz Direção Gutto Thomaz e Daniela Rocha

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A vida é mesmo assim: uma Arte do Assombro.

Em um mesmo dia, é possível se deparar com as mais diversas e inusitadas situações. Gutto Thomaz transforma estes momentos cotidianos em um espetáculo com números de magia.

O espetáculo começa e termina com a mesma cena: a ação de ir dormir. Um único objeto – uma mesa – adquire as mais diversas formas ao longo da trama: começa como uma cama, transforma-se na mesa do café da manhã e também na mesa do escritório.

A mesma coisa acontece com o protagonista, interpretado por Gutto, que num primeiro momento tem cabelo no estilo black power, usa bigode e roupão e, mais tarde, vai terminar com os fios bem curtos, a barba feita e vestido para o trabalho, com direito a suspensórios e chapéu.

As mágicas estão presentes durante toda a peça, como quando o lençol da cama se transforma na toalha da mesa da cozinha ou os objetos e alimentos, como garrafas, copos, talheres e frutas, desaparecem para reaparecerem em seguida. Além do ilusionismo, Gutto também faz uso de técnicas teatrais, mímica e clown para montar o seu personagem que tem um quê de desenho animado.

Filho de um músico e irmão de um palhaço, o paulistano Gutto Thomaz tem 19 anos e é mágico profissional há quatro. Desde pequeno, frequenta escolas de teatro e brinca com kits de mágica. Estudou com famoso mágico Henry Evans e já participou de dez congressos de ilusionismo pelo mundo, na Inglaterra, Guatemala, México, Chile, Argentina e Brasil, como o Oriental Magic Show, competição de mágica close-up em São Paulo, no qual foi o primeiro colocado dentre cerca de 30 concorrentes, em 2011.

Em março deste ano, participou da Flasoma, encontro bienal promovido pela Federação Latino Americana de Sociedades Mágicas, ocorrido em Santiago do Chile.

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Automatarium Cia. Laitrum Teatre (Espanha)

Três artistas se instalam dentro de cabines individuais, com visores redondos de vidro na frente e nas laterais. Elas lembram caça-níqueis recreativos, comuns em feiras e circos do fim do século XIX e início do século XX. Na instalação interativa, os artistas da companhia espanhola Laitrum Teatre ocupam o lugar do robô que estaria dentro da cabine. Eles interpretam uma pitonisa (mulher que prevê o futuro), um faquir e um palhaço-mago. Basta colocar uma moeda para as luzes se acenderem e assim iniciarem sua atuação, com elementos de comédia, mágica e mímica.

Do lado de fora, um ator no papel de responsável pela manutenção das máquinas convida o público a brincar.

Em uma das intervenções, a pitonisa pede que o participante escolha uma carta de tarô para ler o seu futuro apenas com gestos, por cerca de dois minutos. Na cabine do faquir, ele injeta uma agulha na bochecha, de maneira cômica. Já o palhaço-mago cria um ambiente mágico e, ao mesmo tempo, surrealista, tirando o chapéu e cumprimentando a todos que estão ao seu redor. Os movimentos dos integrantes do grupo lembram um “mecanismo automático”, significado de automatarium em latim.

O espetáculo, dirigido por David Berga e Toti Toronell, com colaboração de Jordi Purti, estreou em 2012 e já foi levado até para a Índia. É uma coprodução de David Berga (que também atua) e da Cia. Laitrum Teatre, fundada em 2007 como ferramenta de investigação no campo da criação cênica. Este é o sexto trabalho no currículo do grupo, que se apresentou pela segunda vez no Brasil.

Direção David Berga e Toti Toronell Colaboração Jordi Purti Elenco David Berga, Laura Ferrer, Sergio Joaquim Ortega e Mila Yon Choviak Produção no Brasil Elisa de Oliveira

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Cantina Strut & Fret (Austrália) A companhia australiana Strut & Fret, fundada em 1997, esbanja vigor e autenticidade. A trupe foge dos clichês e do lugar comum circense até quando vai apresentar os números mais conhecidos do público. E assim é o espetáculo Cantina.

Há pelo menos três anos, os diretores australianos Chelsea McGuffin (que também atua) e Scott Maidment, além de cinco outros artistas, apresentam o espetáculo que mistura esquetes cômicas e ao mesmo tempo sombrias, acrobacias, dança, mágica e muita música.

Logo no primeiro número, um casal se equilibra sobre um arame montado sobre um palco de arena. Enquanto o homem passeia entre idas e vindas, a mulher sobe de salto altíssimo para se equilibrar sobre o estreito material, desafiando a lógica do equilíbrio e da gravidade.

Em outra cena, uma corda indiana pende do teto para servir de apoio aos movimentos vibrantes de um acrobata. Mas só isso não é o suficiente: antes de iniciar a sua apresentação, seus olhos são vendados e a dificuldade do número alcança o mais alto nível.

Direção Chelsea McGuffin e Scott Maidment Elenco e cocriação Chelsea McGuffin, Mozes, David Carberr e Daniel Catlow Músico Trent Arkleysmith Produção no Brasil Andrea Caruso

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Em meio a um clima burlesco, Cantina acrescenta números que se confundem entre fantasia e realidade, tormento e desejo, prazer e dor, como é o caso de uma dança realizada a dois, em que a mulher se equilibra com o mesmo salto altíssimo usado sobre o arame, desta vez, sobre o corpo de um homem que veste nada além de uma cueca.

Toda a trilha sonora do espetáculo é realizada ao vivo, tanto por músicos quanto pelos próprios artistas, responsáveis pelo coro. A música remete a um espetáculo de estilo vaudeville, típico do fim do século XIX, tirada de instrumentos antigos, como o realejo, o gramofone e uma pianola.

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La Lettera (A Carta) Paolo Nani (Itália/Dinamarca)

Sem dizer uma única palavra, Paolo Nani recria a mesma ação de 15 modos diferentes. A primeira vez que ele sobe ao palco, a cena transcorre “normalmente”.

Ele se senta numa escrivaninha, olha para um portaretratos, abre uma garrafa, serve a bebida num copo, dá um gole, cospe porque não sabe o que é, escreve uma carta e pouco antes de sair para colocá-la no correio, descobre que não havia tinta na caneta.

A esquete é tão simples quanto cômica. O ator repete, então, a mesma cena outras 14 vezes e interpreta-as das mais variadas formas. Antes de entrar para atuar, ele levanta uma placa da coxia avisando o modo como vai realizá-la. No modo surpresa, ele se assusta a cada passo que dá, traduzindo o sentimento com exageradas expressões facial e corporal. No modo embriagado, ele enxerga duas garrafas no lugar de uma e não consegue alcançar a real.

Na sequência, há ainda as cenas interpretadas com mágica, em filme mudo, de terror, no circo e até baseado na psicanálise de Freud.

Direção Nullo Facchini Criação Nullo Facchini e Paolo Nani Atuação Paolo Nani

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O ator italiano, que vive na Dinamarca, criou a esquete em 1992 e, desde então, vem conquistando o público de dezenas de países. Esta é a terceira vez que vem ao Brasil. A Carta já foi apresentada em países como Áustria, Bélgica, Chile, Croácia, República Checa, Dinamarca, Inglaterra, Finlândia, França, Alemanha, Grécia, Groenlândia, Holanda, Hungria, Islândia, Irlanda, Itália, Noruega, Portugal, Suécia, Suíça, Eslováquia, Turquia e participou de quatro edições do Festival de Comédia de Colônia, na Alemanha, e duas edições do Festival Internacional Mime, de Londres.

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Circo Piolin Palhaço Xuxu, Palhaço Zabobrin, Família Burg e convidados (SP)

No ano em que se completa 40 anos de seu falecimento, um dos palhaços mais famosos do Brasil, Abelardo Pinto, o Piolin (1887-1973), foi homenageado com programação e ambientação especiais que reviveram a aura do circo que levava o nome do palhaço.

Um picadeiro a céu aberto foi construído no pátio do Sesc Belenzinho, com arquibancadas onde o público pôde se acomodar no entorno. À noite, pequenas lâmpadas de luz amarela se acendiam e completavam o clima do começo do século XX, quando o Palhaço Piolin ainda estava em plena atividade. Na parte de trás das arquibancadas, grandes painéis com lambe-lambes continham informações sobre a vida e a obra do artista.

A homenagem foi dividida em três espetáculos, entre shows de variedades, com diversos números clássicos de circo, esquetes cômicas e comedinhas, peças curtas de circo-teatro. O ator Pascoal da Conceição foi um dos mestres de cerimônia, caracterizado de Mário de Andrade, representante do Movimento Modernista para o qual Piolin foi forte influência. Para apresentar os espetáculos foram convidados, ainda, Ari Rabelo, consagrado apresentador do Circo Garcia, e Alexandre Melhone, representante do Circo Guaracyaba.

O primeiro espetáculo Variedades, reuniu números tão variados quanto tradicionais, como equilíbrio no monociclo com Alfredo Muñoz e com pratos com Bruno Edson. Houve ainda percha, malabares, rola-rola (equilíbrio sobre cilindros), força capilar, magia e, claro, muito humor. O protagonista deste espetáculo foi o Palhaço Xuxu, Franco Alves Monteiro, o último companheiro de cena de Piolin. Ao lado do Palhaço Bacalhau, José Odair Cazarin, a dupla apresentou releituras de esquetes originalmente criadas por Piolin.

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Direção Bel Toledo (Variedades), Hugo Possolo (Bancando o Médico) e Tubinho (Agência Marinelli)

Assim como funcionava a estrutura de apresentação dos circos de antigamente, depois do espetáculo de variedades entrava a comedinha. Especialmente para o festival, duas delas foram remontadas: Bancando o Médico e Agência Marinelli.

Adaptação Veronica Tamaoki e Flávio Rocha (Bancando o Médico) e Tubinho (Agência Marinelli)

Dirigida por Hugo Possolo (um dos fundadores do grupo Parlapatões, Patifes & Paspalhões), Bancando o Médico é uma remontagem de uma comédia típica do circo-teatro. O texto original, Dr. Franz, é de autoria desconhecida e já foi encenado por palhaços como Chicharrão e Picolino. Nesta remontagem, o Palhaço Zabobrim (Ésio Magalhães) se passa por médico e tenta enganar os pacientes que estão à sua volta. O resultado é uma série de confusões e palhaçadas, em que o humor físico e os improvisos marcam presença. Essa versão é uma adaptação contemporânea de Verônica Tamaoki e Flávio Rocha.

Elenco Alfredo Muñoz, Bacalhau, Bruno Edson, Bruno Gelli, Caio Stevanovich, Gagá, Iara Gueller, Joelma Herue Funaki, Rhanny, Rokan, Simone Adriano, Viviane Rabelo Muñoz e Xuxu, (Variedades); Carlos Baldim, Ésio Magalhães, Fábio Espósito, Felipe Oliveira, Paula Flabian e Rodrigo Mangal (Bancando o Médico); Abel Savedra e Família Burg (Agência Marinelli); Alexandre Melhone, Ari Rabelo e Paschoal da Conceição (apresentadores)

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Já Agência Marinelli foi dirigida por Tubinho (Pereira França Neto), um dos poucos palhaços que ainda mantém um circo-teatro rodando pelo país. Uma das mais antigas do circo brasileiro encenada no Circos pela Família Burg, esta esquete cômica de autoria desconhecida conta a história de Seu Marinelli, que resolve abrir uma agência de talentos, depois de se ver afundado em dívidas. O objetivo é descobrir e recrutar novos astros para a TV. Assim, um desfile de tipos e artistas sonhadores e picaretas tentam a sorte nas mãos do falso agente.

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Piolin e o Dia do Circo Abelardo Pinto nasceu numa tradicional família circense em Ribeirão Preto, no dia 27 de março de 1897.

Logo cedo, aprendeu acrobacia, contorção, equilibrismo e música – tocava violino e bandolim. Foi apenas em 1917, aos 20 anos, que Abelardo se descobriu como palhaço.

Seu pai, Galdino Pinto, administrava nesta época o Circo Queirolo, cujo principal palhaço era Chicharrão.

Por causa de problemas familiares, Chicharrão teve de abandonar a companhia e alguém deveria substituílo: o espetáculo, afinal, não podia parar. Abelardo teria conseguido um feito muito difícil: entrar no lugar de um palhaço consagrado e fazer sucesso imediatamente.

Foi um trabalhador do circo de família espanhola que, notando as pernas muito finas de Abelardo, apelidou-o de Piolin, que significa barbante fino em castelhano. No começo, ele não achou muita graça no apelido. Mas depois mudou de ideia e, considerando o novo nome sonoro, assim foi batizado como palhaço.

Piolin trabalhou debaixo de diversas lonas, mas foi no Circo Alcebíades, que se localizava no Largo do Paissandu nos anos 1920, que o palhaço se consagrou.

Isso porque além do talento, Piolin contou com a sorte: em cinco anos de apresentações, figuras ilustres foram conferir suas gags. O então presidente Washington Luís, além de artistas e intelectuais da Semana de Arte Moderna, como Oswald e Mário de Andrade, viraram fãs de Piolin.

No dia 27 de março de 1929, dia do aniversário de Piolin, os modernistas organizaram um almoço no restaurante do extinto e elegante Mappin em tributo ao pa-

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lhaço que havia conquistado a todos. O intuito era celebrar uma antropofagia metafórica entre acadêmicos, eruditos e populares. Entre os 32 convidados estiveram presentes Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Raul Bopp, Guilherme de Almeida, Menotti del Picchia e o autor do Manifesto Antropófago, de 1928, Oswald de Andrade.

Na década de 1930 Piolin virou bala, que trazia figurinhas do palhaço para coleção. Durante mais de 30 anos, o palhaço teve seu circo armado no Largo do Paissandu, no centro de São Paulo, e depois seguiu para os bairros Brás, Paraíso e Santa Cecília. No início dos anos 1950, ele trabalhou na TV Tupi, apresentando o programa Cirquinho do Piolin. Na mesma época, participou do filme Tico Tico no Fubá, de 1952, dirigido por Adolfo Celi.

Em 1961, uma possível especulação imobiliária expulsou o Circo Piolin da Avenida General Olímpio da Silveira, em Santa Cecília, depois de 18 anos ali. O terreno permaneceu desocupado até 1980, quando mais tarde foi erguido um bingo.

Por iniciativa de Pietro e Lina Bo Bardi, a lona do Circo Piolin foi erguida temporariamente sob o vão do Masp em 1972. Naquele mesmo ano, instituiu-se o Dia Nacional do Circo na data do aniversário de Piolin.

Animado, o palhaço chegou a comprar uma nova lona e iniciar uma nova turnê, mas poucos meses depois teve de abortar os planos por complicações de saúde.

Em 4 de setembro de 1973, o palhaço Piolin faleceu aos 76 anos de insuficiência cardíaca em São Paulo.

Foram 68 anos dedicados ao circo brasileiro.

Fonte Centro de Memória do Circo, da Prefeitura de São Paulo, e artigo de Ermínia Silva, no site Circonteúdo

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Circo Strada em Espetáculo de Variedades Circo Strada (RJ) Circo Strada em Espetáculo de Variedades é uma homenagem aos profissionais do circo. Bailarinas, trapezistas, acrobatas e malabaristas expressam as alegrias e mazelas da vida itinerante. Criado em junho de 2012, traz sete artistas apresentando seis números, utilizando elementos como lira, tecido e facas.

O número Tarja Preta apresenta uma mulher viciada em remédios, que se arrisca em um trapézio. Em um de seus devaneios, acredita estar diante do homem de sua vida e fará de tudo para conquistá-lo. Já em O Oriental e suas Adagas Voadoras, o artista joga suas facas no entorno de sua assistente e deita-se em uma mesa de pregos, entre um e outro ato cômico.

Átila, o Príncipe da Brutalidade é um rapaz nascido na Mongólia e criado nos Alpes holandeses, que exibe sua força e sedução arrebentando correntes de aço e partindo ao meio um grosso catálogo telefônico.

Entre Dois acontece em tecidos aéreos, onde um casal se desencontra constantemente. A cada nova tentativa de tornarem o seu percurso singular, os personagens se repelem e o encontro desejado se torna cada vez mais difícil. Os desenhos que vão sendo formados no ar criam uma poética própria e delicada.

Idealização Camila Moura e Carolina Cony Direção Carolina Cony Elenco Camila Moura, Carolina Cony, Clarice Panadés, Fabrício Dorneles, Fernanda Monteiro, Guilherme Veloso e Lucas Moreira

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Em Tudo o que Brilha, o malabarismo acontece durante o cotidiano de uma mulher. Por sua vez, Viúva de Quem? trata de sentimentos femininos por meio de movimentos executados em torno da lira.

Dirigido por Carolina Cony, o espetáculo é resultado de um projeto dela com Camila Moura, que juntas criaram o Circo Strada, um coletivo de artistas circenses no Rio de Janeiro, em 2011. Os sete artistas que integram o grupo têm diferentes formações (Intrépida Trupe, Cirque Du Soleil, Faculdade de Dança Angel Vianna, Escola Nacional de Circo e até mesmo uma atleta profissional do nado sincronizado, como é o caso de Fernanda Monteiro) e há alguns anos desenvolvem seus trabalhos artísticos no Brasil e no exterior.

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Clake Circo Amarillo (SP)

Uma engenhoca, composta de um piano e outros instrumentos nem tão tradicionais assim, como a buzina de um carro e a campainha de uma casa, movimenta-se por meio de um sistema de rodas e pedal. A invenção retrofuturista é o ponto de partida para o espetáculo cômico Clake.

Marcelo Lujan e Pablo Nordio pesquisam o excêntrico musical desde 1997, quando a companhia foi criada. No espetáculo, que estreou em 2012 sob direção de Domingos Montagner, Lujan e Nordio representam dois bonecos responsáveis pelo funcionamento da engenhoca, que se transforma em uma verdadeira caixa de música.

A geringonça levou um ano e meio para ficar pronta.

A inspiração veio de objetos do passado, mas ela nada tem de antiga: há a opção de se controlar o mecanismo, inclusive, por meio de um controle remoto que é capaz de acionar automaticamente o som de buzinas de carro, ambulância, moto e produzir o que os artistas chamam de “música urbana metropolitana”.

Em meio à apresentação performática, a dupla mistura gags clássicas com outras abordagens mais contemporâneas, agradando tanto crianças, quanto adultos. Há também diversos números intercalados, como acrobacias, malabares musicais, em que Lujan e Nordio tocam bateria com bolas, e a exibição de uma bicicleta excêntrica que, em um determinado momento, explode e é toda desmontada – o quadro sai de um lado, o guidão de outro, os pedais aparecem no lugar do banco e o banco no lugar dos pedais.

Clake é o terceiro espetáculo do grupo, que já se apresentou em diversas cidades do Brasil e também no exterior. Os argentinos Lujan e Nordio, que há treze anos vivem no Brasil, também criaram o Circo Zanni em 2002, ao lado de Domingos Montagner e Fernando Sampaio.

Criação Circo Amarillo Direção Domingos Montagner Elenco Marcelo Lujan e Pablo Nordio

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Coleções em Campo Núcleo Valéria Martins (RJ)

Foi a partir de uma visita a Inhotim, o maior museu a céu aberto do Brasil, em Minas Gerais, que Valéria Martins teve a ideia de montar o espetáculo Coleções em Campo. Totalmente tocada pelo acervo, foi neste momento que ela vislumbrou um trabalho que relacionasse movimentos do corpo a obras de arte, no qual as obras deixariam de ser um elemento de contemplação e se tornariam suporte para a representação e o movimento dos atores/acrobatas/bailarinos.

Três artistas, Raul Mourão, José Spaniol e Claudia Hersz, foram convidados a apresentar trabalhos que fariam tal conexão com os performers. Mourão criou uma estrutura tubular de alumínio, de cerca de 3,5 metros de altura, que permite uma movimentação pendular, provocando o jogo de pesos com os corpos.

Spaniol desenvolveu uma estrutura inédita metálica, com 4 metros de altura, que representa objetos do cotidiano, como mesas, cadeiras e camas – dispostos de cabeça para baixo. Números de suspensão são executados em torno deles.

Já Claudia Hersz montou, exclusivamente para a performance, uma girafa de madeira, de 2,5 metros.

O brinquedo gigante é manipulado ao longo da apresentação, podendo ser desmontado e remontado pelo elenco.

Atuam sobre as estruturas seis acrobatas, fazendo uso de técnicas de dança, circo e ginástica olímpica. Completa a performance uma instalação sonora do músico Daniel Castanheira. Chamada de “floresta eletrônica”, sons graves, médios e agudos são distribuídos por toda a paisagem feita de movimentos e estruturas imóveis.

Lançado em maio de 2012 no Rio de Janeiro e apresentado pela primeira vez em São Paulo, o espetáculo dá sequência ao projeto Coleções, que conta ainda com quatro outras instalações. Os trabalhos são oriundos da pesquisa da diretora Valéria Martins, ex-integrante da Intrépida Trupe, na qual exerceu a função de diretora artística por mais de 20 anos.

Coordenação geral, concepção e direção Valéria Martins Artistas visuais Claudia Hersz, José Spaniol e Raul Mourão Instalação sonora e trilha original Daniel Castanheira Elenco Carolina Cony, Fernanda Monteiro, Flávia Costa, Guilherme Lazari, Renato Oliveira e Tatiana Miranda

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Deisespera Grupo Ares (SP)

Concepção e direção geral Monica Alla Coreografia e codireção Ana Motta Elenco Jacques Alejo, Victor Abreu, Franco, Petit, Raphael Martinelli, Kadu Mendes Participação especial de Kiko Belluci

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Com uma linguagem híbrida e caráter musical, Deisespera teve sua estreia no Circos. Em um bar, cinco homens estão à espera de Deise, mulher que julgam ser perfeita. Ela faz parte do imaginário de todos eles – mas será que ela existe?

Enquanto Deise não chega, os homens passam o tempo jogando conversa fora e exibindo seus dotes. Entre as mesas do salão, um deles mostra o seu equilíbrio sobre um monociclo, enquanto um outro o desafia na roda Cyr. Há também números com mastro chinês, dança acrobática, pole dance e equilibrismo, em que os homens não economizam nos saltos, giros, contorcionismos e paradas de mão e arrancam aplausos espontâneos do público.

Na trilha sonora, pensada por Sérvulo Augusto, fica grande parte do humor refinado do espetáculo. A canção popular americana Daisey Bell – A Bicycle Built for Two, de 1892, costura toda a dramaturgia de Deisespera com várias gravações diferentes. Há ainda o tango do músico uruguaio Francisco Canaro No me Pregunten por Que, o samba de Monsueto Eu Quero essa Mulher assim Mesmo, entre outras canções de Ray Charles e Jorge Drexler.

A surpresa fica para o final, quando Deise finalmente chega ao ponto de encontro: ela é um travesti. O humor, que permeia todo o espetáculo, chega então a seu ápice.

O Grupo Ares foi fundado em 2007 pela bailarina aérea, acrobata, capoeirista, coreógrafa e diretora Monica Alla. Estudou dança aérea na Holanda e, quando voltou há mais de 12 anos ao Brasil, decidiu montar um grupo que trabalhasse essencialmente com rappel, elásticos, cordas horizontais e verticais. Trabalhou com as companhias circenses e de teatro Nau de Ícaros, Linhas Aéreas, Teatro do Ornitorrinco, Teatro da Vertigem e Acrobático Fratelli. O Grupo Ares possui dez espetáculos em seu repertório.

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Desdobrar Cia. Nós No Bambu (DF) O nome da Cia. Nós No Bambu já antecipa o trabalho do grupo brasiliense, que desenvolve dança acrobática em esculturas artesanais de bambu. Na montagem Desdobrar, quatro personagens femininas se equilibram em tripés de bambu para apresentar uma dramaturgia inspirada na mulher contemporânea.

O espetáculo, que estreou em dezembro de 2012, é dirigido pela palhaça, bailarina e atriz argentina Julieta Zarza. Em cena, as intérpretes-criadoras dançam, sobem, descem e manipulam os tripés, transformando a cenografia múltiplas vezes. Os movimentos encantam pela simplicidade e beleza das formas. As cenas fazem referência à vida das mulheres, que se desdobram em muitas no dia a dia.

Direção artística Julieta Zarza Dramaturgia Julieta Zarza Intérpretes-criadoras Ana Flávia Almeida, Nara Faria, Poema Mühlenberg e Roberta Martins Stand-in Ana Nolasco

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Há dez anos, a companhia pesquisa esta linguagem artística, que tem como origem o Sistema Integral Bambu, elaborado pelo professor Marcelo Rio Branco, em 1999. O objetivo do sistema é atuar na preparação das estruturas biofísicas e psíquicas que se manifestam no ato de se movimentar e buscar o melhor comportamento para a longevidade, a funcionalidade e a sobrevivência.

Para criar o espetáculo, as intérpretes-criadoras também tiveram de respeitar o comportamento do bambu sob as mais variadas condições climáticas, o que acrescenta um caráter de comunhão com a natureza ao trabalho.

Depois de cinco anos de pesquisa e performances, a companhia finalmente adotou o nome Nós No Bambu, em 2007. Atualmente, o grupo conta com a participação de 11 acrobatas e é patrocinada pela Petrobras.

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O Destino das Flores Circondríacos (RJ)

Dramaturgia Bruno Carneiro Direção Raquel Rache Elenco Bruno Carneiro, Guilherme Mouro e Patrícia de Sousa

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O Destino das Flores conta a história de um escritor atormentado por sua solidão. Isolado em um escritório, ele mergulha nas próprias lembranças, tornando personagens do subconsciente em seres reais. Eles ganham vida e também independência, a ponto de manipular o seu criador. Em pouco tempo, os protagonistas imaginados estão controlando todas as ações do escritor.

Ao longo do espetáculo, ele vai sendo transformado em um boneco e começa a beber. Embriagado, ele sente cada vez mais dificuldade em se desvencilhar de seus personagens e se vê obrigado a criar uma nova dinâmica ao lado deles.

Como parte da fantasia do escritor, a mulher se veste de homem e o homem de mulher.

Em uma das interações com o público, o personagem masculino deita no colo dos espectadores sem perder a graça do alto de seus sapatos de salto. Ele também equilibra um copo de vidro na sola do salto, ao mesmo tempo em que leva o pé para o alto, abrindo um espacate. Os papeis descartados na lata de lixo do escritor se transformam em bolinhas para malabares.

Neste espetáculo, a teatralidade caminha lado a lado com o circo. Os números apresentados podem simbolizar as angústias, as dificuldades e as superações a que todos são submetidos na vida: muitas contorções, paradas de mão, acrobacias e trapézio.

O título do espetáculo é uma referência poética sobre o papel que as pessoas ocupam no mundo: cada ser humano seria uma flor e, para cada uma delas, existe um destino diferente.

Pela primeira vez em São Paulo, o Grupo Circondríacos estreou no 13º Festival du Cirque Janvier Dans les Étoiles, na cidade de Syene-sur-Mer, na França. A companhia nasceu em 2010, no Rio de Janeiro. Raquel Rache, codiretora do grupo Archaos, de grande importância no cenário do circo contemporâneo francês, foi convidada para dirigir este trabalho.

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Homens de Solas de Vento Solas de Vento (SP)

Dois viajantes prestes a embarcar para o seu destino se veem impossibilitados de seguir adiante. São retidos numa aduana e obrigados a reinventar o seu modo de viver ali no saguão, uma espécie de limbo desconhecido. A partir deste momento, a mala de cada um vai representar um mundo em miniatura.

O espaço pessoal de cada um é reconstruído e a convivência com o outro se torna o maior desafio de ambos.

A condição de estrangeiro de cada um, a dificuldade inicial de uma aproximação, a curiosidade pelos hábitos do outro e o confronto dos respectivos valores são tópicos tratados na trama.

Utilizando apenas uma dramaturgia gestual, sem fazer uso de palavras, o grupo Solas de Vento conta a sua história por meio do circo, da dança e do teatro.

O espetáculo acontece quase o tempo todo de forma suspensa: todos os objetos de cena, malas, redes e roupas, são presos no teto do teatro, assim como os próprios artistas. Entre um movimento e outro, eles chegam a interagir entre si de cabeça para baixo, pendurados somente pelos tornozelos.

Esse estado físico de suspensão remete à situação de espera por tempo indeterminado enfrentado pelos protagonistas. A trilha sonora é de Marcelo Lujan, que foi buscar inspiração em sua própria condição de estrangeiro para a composição: Lujan é argentino e reside no Brasil há 13 anos.

O grupo Solas de Vento foi formado em 2007 pelo bailarino e ator francês Bruno Rudolph e o ator e circense brasileiro Ricardo Rodrigues, em São Paulo. Sua pesquisa se desenvolve em torno da dança contemporânea, do teatro gestual e das técnicas circenses, aliados à dramaturgia. Em 2009, a dupla acrescentou projeções de vídeo às produções, que propõem novos ângulos da montagem ao vivo. Além disso, começou a explorar espaços não convencionais em suas apresentações.

Criação Bruno Rudolf e Ricardo Rodrigues Direção Rodrigo Matheus Elenco Bruno Rudolf e Ricardo Rodrigues

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Île O (lha Ô) Cie BaroloSolo (França)

Ilhas são porções de terra cercadas de água por todos os lados. No caso deste espetáculo da companhia francesa BaroloSolo, a ilha não tem terra: ela é feita só de água.

E é justamente neste espaço que se desenvolve a trama de Île O (em português, “A Ilha chamada ‘O’” – o som de “o” é o mesmo que “eau”, em francês, que significa “água”).

Dois músicos, Mathieu Lavavasseur (violoncelo e banjo) e William Valet (violão), se encontram nesta ilha cheia de água. O primeiro não se intimida e segue em frente com a sua performance. Já o segundo tem pavor só de pensar em encostar na superfície líquida, mas fará de tudo para não decepcionar os seus espectadores.

Sem trocarem quase nenhuma palavra, a dupla exibe uma série de virtuosos movimentos de circo – como equilíbrio, percha, acrobacias de solo e mão a mão –, entremeados por muito humor e música. A trilha sonora do espetáculo é composta ao vivo pelos próprios artistas, que tiram o som ora dos instrumentos que carregam consigo, ora da própria água.

O entrosamento entre ambos é harmonioso e ao mesmo tempo hilário: Mathieu seria o palhaço Branco, enquanto William atua como Augusto, o clown brincalhão que faz todo mundo gargalhar.

A companhia BaroloSolo foi fundada em 2006 por Mathieu Lavavasseur e, nos quatro espetáculos de seu repertório – Le Chariot², L’Orange, O Temps d’O e Île O – apresentam um trabalho de criação dramatúrgica através de técnicas circenses marcado por tons clownesco, intimista, poético e onírico.

O grupo já se apresentou em diversos países, entre eles, Rússia, Austrália, Holanda, Itália e, claro, toda a França. O espetáculo Île O, criado em 2011, é o primeiro que trazem a São Paulo.

Concepção Mathieu Levavasseur Concepção musical Mathieu Levavasseur e William Valet Criação Mathieu Levavasseur, William Valet, Laurent Desflèches, Michel Cerda e Sébastien Lalanne Direção Marieke Lanoye Elenco Mathieu Lavavasseur e William Valet Produção no Brasil Marisa Riccitelli Sant’ana - GAG PHILA7

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A La Carte La Mínima (SP)

O espetáculo A La Carte faz parte do repertório do La Mínima desde 2001 e é fruto de uma parceria da dupla com o mestre italiano Leris Colombaioni, nascido em uma típica família circense descendente de saltimbancos com mais de 400 anos de história.

Leris possui uma vasta trajetória como acrobata, trapezista, equilibrista e palhaço. Ele é filho de Nani Colombaioni, respeitado clown italiano falecido em 1999, que se tornou conhecido ao ganhar um dos papeis principais no filme I Clowns (1970), de Federico Fellini.

Montagner e Sampaio passaram uma temporada no circo de Colombaioni, chamado Ercolino, ao sul de Roma, para produzir A La Carte. A vontade da dupla era fazer algo que contemplasse a linguagem dos palhaços tradicionais.

A La Carte acompanha a história de dois palhaços, que dividem a mesma casa simples de uma periferia perdida no tempo e no espaço. Um não se conforma com a situação vivida por ambos, enquanto o outro é acomodado.

A dupla se une por uma das maiores necessidades humanas: saciar a fome, não só de alimento, mas também de desejo, poder e dignidade.

Sem trocarem nenhuma palavra, enfrentam situações cômicas buscando superar sua condição adversa de vida. Em uma cena, um dos personagens sonha que o outro entrou no forno para buscar comida, transformou-se em uma galinha e botou um ovo. Em outro momento, a energia elétrica acaba e uma explosão queima a lâmpada da casa. Para solucionar o problema, os personagens buscam soluções absurdas, como usar uma escada sem apoio.

Domingos Montagner e Fernando Sampaio se conheceram no Circo Escola Picadeiro, em São Paulo, no fim do ano de 1989 e decidiram formar uma dupla de palhaços, sob supervisão de Roger Avanzi, o famoso Palhaço Picolino. Em 1997, fundaram o premiado grupo La Mínima, que tem como base o trabalho de clown aliado ao humor físico e a clássicas paródias acrobáticas.

Em 15 anos de trajetória, a companhia reúne 13 espetáculos em seu repertório.

Direção Leris Colombaioni Dramaturgia Paulo Rogério Lopes Elenco Domingos Montagner e Fernando Sampaio

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L’Arche (A Arca) L’ Arsenal (Canadá)

Os canadenses da companhia L’Arsenal decidiram recriar o mito bíblico da Arca de Noé por meio do circo e com o uso de tecnologia. Acrobatas, malabaristas, bailarinos e equilibristas realizam seus números enquanto imagens de florestas, rios e animais são projetadas em duas telas, que simulam um efeito 3D por estarem sobrepostas (uma na boca do palco e a outra ao fundo). Um músico produz a trilha sonora ao vivo, realizada essencialmente com percussão.

A ideia do espetáculo, que estreou em 2008, é falar sobre o meio ambiente, a importância de sua preservação e a forma como a sociedade sempre acaba relegando o tema. Pretende relembrar os espectadores que o nosso planeta possui recursos naturais limitados, que diminuem a cada dia e, que se não forem resguardados ou encontradas formas alternativas de sustento, as próximas gerações encontrarão um mundo muito mais escasso do que ele já está se tornando. A ONU e a Unesco, por meio de suas representações locais no Canadá, prestam o seu apoio ao espetáculo.

As figuras dos artistas são envolvidas pelas imagens projetadas e criam um efeito impactante.

Tanto os animais, quanto a floresta e a própria Arca aparecem em dimensões quase reais e causam um efeito visual deslumbrante.

Sem diálogos, o que torna a mensagem transmitida universal, a trama é construída com seis artistas em cena, que realizam números de tecido, mastro chinês, dança, teatro, acrobacias aéreas, malabares e diversas demonstrações de força e equilíbrio.

Os diretores, Lorena Corradi e Reggi Ettore, também são os fundadores da companhia L’ Arsenal, criada em 1978 em Quebec, no Canadá. Eles contabilizam 24 espetáculos em sua trajetória, apresentados para mais de 15 mil pessoas em diversas cidades da América do Norte, Europa e Ásia. Foi a primeira vez que o grupo se apresentou no Brasil.

Criação e direção Lorena Corradi e Reggi Ettore Elenco Andy Giroux, Geneviève Gauthier, Jordan Clark, Joren Dawson, Santé Fortunato e Philippe Trépanier Produção no Brasil Paulo Aliende Circus Produções Apoio

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Le Retour (O Retorno) Les Parfaits Inconnus (Canadá)

A trupe canadense, formada por sete artistas homens e uma mulher, apresentam um espetáculo que conta a história de uma família cigana de circo que se vê confrontada com a falta de público em seus espetáculos.

Alojam-se nas periferias das cidades por onde passam, tentam chamar a atenção de algumas pessoas em potencial, mas não obtêm sucesso.

Um belo dia, em meio a seus afazeres domésticos, deparam-se com espectadores ávidos por um show. Explodem de alegria: vestem seus melhores e mais coloridos figurinos, alongam-se para exibir seus movimentos virtuosos e, finalmente, tiram o pó de seus instrumentos para compor a trilha do espetáculo.

Criação Les Parfaits Inconnus Direção Soizick Hébert Assistência James Kealon Elenco Ariane Cabana, Gonzalo Coloma, Jonathan Brochu, Patrick Mainville, Philibert Hébert-Filion, Philippe Lemay, Simon Nadeau e Sylvain Dubois Produção Pedro de Freitas Périplo Produções

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Em cena, há poucos mas suficientes elementos para O Retorno da trupe. Uma bicicleta serve como aparelho de equilíbrio de um dos artistas, que depois de pedalá-la, sobe sobre o guidão com ela ainda em movimento.

Depois, ele também a transforma num monociclo e sai se exibindo pelo palco. Uma parada de mão sobre cadeiras que vão sendo empilhadas das mais diversas formas impressiona. Há também uma série de mágicas, entre elas, a que faz a única mulher do grupo desaparecer de dentro de uma gaiola e depois reaparecer fora dela.

Acrobacias, malabares e tecido completam os números do show, ao som de muito rock’n’roll tocado ao vivo pelo próprio elenco. E, como se não bastasse, os músicos-artistas tocam seus instrumentos equilibrando-se num enorme rola-rola.

Les Parfaits Inconnus (em português, “Os Perfeitos Desconhecidos”) é um projeto coordenado por Sylvain Dubois desde 2006, que reúne amigos e parceiros artistas para, juntos, montarem espetáculos temporários. Já fizeram cerca de 250 apresentações de seu primeiro e homônimo espetáculo (uma versão reduzida de O Retorno) para mais de 60 mil pessoas em diversas cidades do Canadá, da América do Norte, do Canadá e da Ásia.

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A Música no Circo Nerino Roger Avanzi e convidados (SP)

Para comemorar os 90 anos de Roger Avanzi, o Palhaço Picolino, e os 100 anos do Circo Nerino, diversos artistas se reuniram para gravar o CD homônimo, que reúne canções que fizeram parte do repertório do famoso circo que divertiu crianças, jovens e adultos de 1913 a 1964 em todo o Brasil.

O show inédito de lançamento, apresentado nos dois primeiros dias do Circos, foi entremeado por um desfile de diversos números circenses. Bruno Edson, o mais experiente equilibrista de pratos em atividade no país, provou mais uma vez a sua habilidade; dez jovens artistas da trupe baiana da Escola Picolino de Artes do Circo mostraram sua desenvoltura no trapézio, nas acrobacias e nas palhaçadas; a tradicional Família Sbano exibiu sua destreza com laços, facas e um grande chicote, com o qual picotou papeis cada vez menores bem perto do rosto de uma das integrantes.

Concepção Verônica Tamaoki Direção musical Otávio Ortega Direção artística Marcelo Drummond Elenco Banda Paralela, Bruno Edson, Fabio Bonfim, Gustavo Souza, Jailson Pereira, Karina Buhr, Letícia Coura, Luana Serrat, Meno del Picchia, Nana Porto, Nina Porto, Otávio Ortega, Pascoal da Conceição, Pedro Penna, Rachel Quesado, Roger Avanzi, Verônica Tamaoki e convidados •

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O grande homenageado da noite, Roger Avanzi, subiu ao palco vestido como Palhaço Picolino e apresentou algumas das gags da época do picadeiro do Nerino. Gaetan Ribolá, o acrobata de maior repercussão do Circo Nerino, falecido em 1970, também ganhou uma homenagem com a reprodução de pirâmides humanas, assim como suas irmãs francesas Myris e Armandine Ribolá (esta última, mãe de Roger), que serviram como inspiração para uma dupla de trapezistas da Escola Picolino, vestidas com uma reprodução do figurino original do início do século XX. O elenco de músicos contou com a participação das cantoras Karina Buhr e Letícia Coura, e da Banda Paralela. Ao lado do grupo, Roger Avanzi interpretou algumas das canções daquela época, que hoje fazem parte do imaginário de grande parte dos brasileiros, como Dor de Dente e Oh, Suzana.

No decorrer do show, imagens do Circo Nerino foram projetadas no fundo do palco. Fotos da lona sendo montada, dos artistas se maquiando e em ação, da bilheteria, do público ao redor do picadeiro, do transporte feito por caminhões, tudo estava lá, registrado por Pierre Verger, Luis Alfredo, Bajado e pelo próprio Picolino.

A apresentação do espetáculo ficou a cargo do ator Pascoal da Conceição e da autora da maior pesquisa já realizada sobre o Circo Nerino, Verônica Tamaoki.

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A história do Circo Nerino

Foi o pai de Roger, Nerino Avanzi, quem deu o nome a um dos circos mais famosos do Brasil. Em 1883, os avós de Roger desembarcaram em São Paulo com uma companhia de ópera, vindos da Itália. Júlio e Maria Avanzi não eram propriamente artistas: no teatro, ele trabalhava como técnico e ela como camareira.

Quando a turnê chegou ao fim, eles não puderam retornar ao seu país de origem porque Maria estava para ter o bebê Nerino e, caso seguissem viagem, ele poderia nascer no navio. Instalaram-se, então, no bairro do Brás, carinhosamente apelidado de Itália Paulista por concentrar uma grande comunidade italiana. Algum tempo depois, eles passaram a trabalhar no Theatro Polytheama, localizado no Vale do Anhangabaú. Anos mais tarde, lá veio ser a primeira escola de Nerino, que sempre havia sonhado em ser palhaço.

O futuro fundador do Circo Nerino trabalhou sob diversas outras lonas antes de dar início ao seu próprio negócio. Integrou o circo Martinelli e viajou por boa parte do Norte e Nordeste do Brasil, fez parte do Circo Pierre de Buenos Aires, na Argentina, e depois se uniu ao elenco do Circo Chileno, quando este desembarcou em São Paulo.

Em uma dessas idas e vindas do trabalho, encantouse com uma moça bonita que aparecia num dos cartazes enormes espalhados por toda cidade: era a francesa Armandine, ginasta, contorcionista e trapezista, que se apresentava em um cassino. Nerino brincou com os amigos: “Vou me casar com esta moça”.

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Nerino convenceu o dono do Circo Chileno, Roberto Fernandes, a contratar a francesinha e sua irmã, Myris, que estavam sem contrato e prestes a voltar ao seu país de origem. No dia 27 de fevereiro de 1912, Nerino e Armandine se casavam em São José do Rio Preto (SP). Dez anos depois, Roger Avanzi nascia na mesma cidade.

Quando o Circo Chileno aportou em Curitiba, Armandine e Nerino, além de um irmão dele, Felipe, e mais dois artistas decidiram se desligar e juntos montar um circo próprio. Quando começaram a viajar, os sócios acharam que seria mais fácil ser contratado por circos grandes do que investir em um pequeno. A partir daí, adotaram o nome de Nerino.

Durante seus quase 52 anos de existência, o Circo Nerino cumpriu extensas turnês, passando por mais de 400 destinos do Sudeste ao Nordeste do país. O público lotava as arquibancadas do circo para conferir os números de acrobacia de solo e aéreas apoiadas na força do portô Gaetan Ribolá, o clássico número de trapézio duplo apresentado por Armandine, a bela voz de Ronita Avanzi cantando com o acompanhamento do acordeom, a graça da menina Alice Avanzi Silva em números de cavalo, dança, entre muitas outras habilidades dela que por muito tempo foi a grande revelação do circo; além, claro do palhaço Picolino.

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Os palhaços Picolino I e II O nome de palhaço, Picolino I (que antes de existir o II, incorporado por Roger, era apenas Picolino), foi dado por um amigo português. Nerino sempre foi miúdo e, por isso, ele o chamava assim – picolino, em italiano, significa pessoa pequena. Achou que era um bom nome para um palhaço excêntrico. Caiu como uma luva para quem foi capaz de arrancar gargalhadas do público por mais de 50 anos.

Roger Avanzi estreou como Picolino II no dia 16 de outubro de 1954, em Coaraci, na Bahia. Tremia e suava, sem parar. Eros Arruda, ensaiador da companhia, lhe deu a segurança que precisava e assim estreou. “Nunca mais fui o mesmo. O meu ego transformou-se completamente. Eu era uma coisa e passei a ser outra. Mudei o pensamento, o modo de agir, a concepção do mundo, tudo. Parece que o palhaço se entranhou na minha pessoa”, disse em depoimento a Verônica Tamaoki no livro Circo Nerino (2006).

Roger continuou o legado do pai com a atração mais esperada do Circo Nerino – Picolino era aguardado ansiosamente pelos moradores das cidades por onde passava o circo. Antes de entrar em cena, a plateia formava um coro cantando o tema:

“Lá vem, lá vem, lá vem Picolino Lá vem, lá vem, lá vem Picolino Lá vem, lá vem, lá vem Picolino Com as calças caindo e o colarinho subindo”

Fonte Circo Nerino (2004, Selo Pindorama Circus e Editora Córtex), de Roger Avanzi e Verônica Tamaoki

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E não foi só como o palhaço excêntrico que fez sua fama. Como todos da trupe, Roger fazia duplo papel na estrutura comum das apresentações dos circos da época.

Na primeira parte, com o espetáculo de variedades, Roger entrava como palhaço arrancando gargalhadas da plateia. Na segunda, que apresentava uma peça de circo-teatro, voltava como o galã da história, despertando suspiros apaixonados das moças da cidade.

Em 1963, Nerino Avanzi, o Picolino I, faleceu aos 80 anos. No ano seguinte o circo chegou ao fim, na cidade de Cruzeiro (SP), deixando como legado sua história, parte importante da memória do circo brasileiro.

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A Noite dos Palhaços Mudos La Mínima (SP)

Uma história em quadrinhos de 1987, do cartunista Laerte, foi o ponto de partida para o espetáculo A Noite dos Palhaços Mudos, que estreou em 2008. Na trama, dois palhaços mudos habitam a cidade e não economizam nas palhaçadas. Porém, uma seita os considera uma ameaça e pretende exterminá-los.

Logo na primeira caçada implacável, um dos palhaços é capturado e o seu nariz vermelho é arrancado.

Desesperado, recebe ajuda do segundo palhaço, que vai ajudá-lo nesse “resgate nasal” de maneira cômica.

A história é contada em meio a um clima noir, cujo mundo real se mistura à fantasia. As intolerâncias contemporâneas são discutidas por meio de truques de magia, números musicais e, claro, muito humor.

Texto Laerte Adaptação e dramaturgia La Mínima e Alvaro Assad Direção e preparação mímica Alvaro Assad Elenco Domingos Montagner, Fernando Sampaio e Fernando Paz Stand-in Marcelo Castro

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Em uma das cenas, os palhaços simulam uma fuga pelo parapeito de uma janela no alto de um edifício. Para isso, usam apenas a mímica e uma iluminação que lembra vidros de uma janela.

Como as perseguições são muitas durante a peça, os recursos para que elas aconteçam em cena variam. Em uma delas, os palhaços correm sem sair do lugar, enquanto os objetos são puxados por fios quase imperceptíveis para as coxias, dando a falsa ideia de movimentação da dupla. Em outra, os artistas manipulam carros de brinquedo sobre uma mesa: sirenes, buzinas e até mesmo o barulho de ré são feitos pelos próprios palhaços.

Com este espetáculo, os atores Domingos Montagner e Fernando Sampaio ganharam o Prêmio Shell como melhores atores, em 2008.

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Submersão – 20 Mil Léguas Submarinas Cia. Cênica Nau de Ícaros (SP)

Foi na obra clássica de Julio Verne Vinte Mil Léguas Submarinas que a Cia. Cênica Nau de Ícaros buscou inspiração para sua nova criação. A história do submarino Nautilus, movido apenas por eletricidade e comandado pelo capitão Nemo, se transformou numa instalação performática especialmente adaptada para o vão do Sesc Bom Retiro.

Trinta cubos de água empilhados, alcançando quase sete metros de altura, eram a base da estrutura cênica criada para transportar os espectadores para a mesma atmosfera marítima imaginada pela primeira vez pelo escritor francês no século XIX. Dentro dela, seis artistas encenavam pontos importantes da história original, como o pesadelo, o naufrágio e o salvamento.

No início e no fim da apresentação um dos artistas realiza um mergulho com tubo de oxigênio durante dez minutos. Números de trapézio e cordas reforçaram a ideia de flutuação submarina imaginária.

A trilha sonora completa a ambientação, acrescentando elementos da cultura brasileira, sempre presentes no repertório da Nau de Ícaros. O som provocado pelo lanceiro, o personagem responsável por matar o monstro no livro de Verne, é substituído pelo som de instrumentos usados por caboclos de lança do maracatu rural.

O novo trabalho é parte da comemoração dos 20 anos da Cia Cênica Nau de Ícaros que, dentro desta trajetória, tem no currículo cerca de 20 criações.

Desde sua origem, em 1992, o grupo desenvolve um trabalho de pesquisa sobre o universo do circo e da cultura popular brasileira através de um olhar contemporâneo. O resultado são espetáculos que unem circo, teatro e dança. Muitos deles – como Submersão – marcados pela interferência artística em espaços arquitetônicos, estimulando um novo olhar para o espaço e a cidade.

Criação Álvaro Barcellos, Beatriz Evrard, Celso Reeks, Erica Rodrigues, Leticia Doretto e Marco Vettore Direção Marco Vettore Elenco Álvaro Barcellos, Beatriz Evrard, Celso Reeks, Erica Rodrigues, Leticia Doretto e Marco Vettore Coreografia Erica Rodrigues Preparação em dança Erica Rodrigues e Leticia Doretto

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Trixmix Cabaret (SP)

Circo, dança, música e humor se encontram neste espetáculo de variedades inspirado no clima da belle époque francesa, período de eclosão da cultura europeia no fim do século XIX e começo do XX. O show nasceu em 2006, em Londres, por ideia dos artistas Emiliano Pedro e Raquel Rosmaninho. Quando voltaram a São Paulo no ano seguinte, eles passaram para a produção e a direção do que seria o embrião do espetáculo.

Há seis anos, Trixmix Cabaret reúne artistas brasileiros e estrangeiros sempre dispostos a surpreender o público, que vem lotando as casas onde se apresentam, no mínimo uma vez ao mês. Não há elenco nem números fixos, o que propicia surpresas a cada nova apresentação.

Nesta edição para o Circos, o espanhol Jesus Fornies mostrou toda a sua habilidade e equilíbrio com bolas de futebol, executando um complexo número de malabarismo. Os Irmãos Sabatino, junto a Marcos Porto e Claudio Costa, apresentaram um divertido número no trapézio vestidos como dançarinas de cancã.

O acrobata Martin Alvez demonstrou sua força e equilíbrio em cordas com I Still Try, enquanto o palhaço argentino Tomate fez seu versátil números de palhaçaria contando apenas com a manipulação de balões de ar brancos. A acrobata Mariana Duarte encarnou a sensual personagem Gilda para mostrar sua habilidade no tecido.

A dupla Edu Mantovani e Carola Costa encenou uma bela coreografia de acrobacia mão a mão, intitulada O Roubo do Chapéu, depois de Marcos Nery se apresentar no trapézio. Zuza e Jorge mostraram toda sua habilidade no Ritual das Esferas, com malabarismo de contato e tocando didgeridoo, um instrumento musical australiano ancestral.

Já a Cia. Linhas Aéreas, que tem por base uma pesquisa nas áreas de circo, dança e teatro, mostrou sua destreza em se apresentar em estruturas não convencionais de circo, como um sofá.

O mestre de cerimônias convidado para apresentar esta edição do Trixmix Cabaret foi Alejandro Muniz. Mágico e ator, ele possui um estilo irreverente e humor ácido. E a ilusionista Diny completou o espetáculo com o número no qual trocava de roupa num passe de mágica.

Criação Coletiva entre os artistas participantes Direção Emiliano Pedro e Raquel Rosmaninho Elenco Alejandro Muniz (MC), Carola Costa, Diny, Edu Mantovani, Irmãos Sabatino, Jesus Fornies, Jorge Ribero, Cia. Linhas Aéreas, Marcos Nery, Mariana Duarte, Martin Alves, Tomate e Zuza

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Vaiqueuvoo Irmãos Sabatino (SP)

Os Irmãos Sabatino foram buscar inspiração nos aviadores da década de 1930 para montar o espetáculo Vaiqueuvoo. Três trapezistas recriam um pouco do cenário, dos figurinos e movimentos que os acrobatas daquela época realizavam a bordo de seus aviões biplanos e monomotores.

A trupe desafia a gravidade utilizando uma série de acrobacias aéreas, além de outros elementos do circo, do teatro, da dança e do humor. O impacto visual é causado por uma alta dose de risco: os artistas exibem saltos mortais, giros, balanços e cascatas com muita precisão.

A confiança é o elemento-chave do trabalho: sem ela, não haveria diálogo entre o portô e o volante. É isso que torna possível a execução de movimentos complexos em torno do quadrante aéreo, da báscula e da barra fixa, aparelhos que acima de tudo exigem concentração e sincronismo.

A aura dos anos 30 é reforçada com efeitos especiais, como a fumaça soltada pelos monomotores de antigamente. Também faz parte do show a manipulação de miniaviões e miniparaquedistas. O figurino é uma recriação do uniforme usado pelas trupes de décadas atrás: botas, calças, jaqueta, cachecol, gorro e óculos típicos.

Para montar o espetáculo, os Irmãos Sabatino usaram como referência os livros Nada por Acaso (1969), de Richard Bach (ex-piloto da Força Aérea Americana, mesmo autor de Fernão Capelo Gaivota), e Terra dos Homens (1939), de Antoine de Saint-Exupéry, e o filme Quando as Águias se Encontram (1975), do diretor George Roy Hill, além de fotos e imagens de circos aéreos da década de 1920 e 1930.

A pesquisa acrobática dos Irmãos Sabatino teve início no fim dos anos 1980, quando iniciaram a carreira como ginastas. Desde os anos 2000, eles vêm desenvolvendo novas dramaturgias em torno dos movimentos aéreos. Já integraram diversos grupos, como Acrobático Fratelli, Circo Zanni, Flying Mendes, Intrépida Trupe, Grupo Ares, Paraladosanjos, Trupe Trapetit e Espaço Cultural Semente. Em 2009, fundaram sua própria companhia.

Concepção Irmãos Sabatino Direção e dramaturgia André Sabatino Elenco André Sabatino, Marcos Porto e Martin Sabatino

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Vitória Régia Acrobático Fratelli (SP)

Coreografia Rogério Maia Direção Cinthia Beranek e Kiko Caldas Elenco Cinthia Beranek e Kiko Caldas Nado Sincronizado Adriana Moura, Isabela Moura, Kiki Milani e Tayná Caldas

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De origem tupi-guarani, a lenda em torno da planta amazônica vitória-régia diz que quando Jaci, a Lua, gostava de uma jovem, transformava-a em uma estrela. A guerreira Naiá, filha do então pajé da tribo, encantou-se com a história e estava obstinada em conquistar a Lua. Todas as noites, subia as colinas na esperança que ela a visse. Depois de inúmeras tentativas, sem sucesso, era possível escutar o seu pranto ao longe.

Uma bela noite, de céu estrelado e aberto, Naiá viu o reflexo da Lua na água. Acreditando ter sido finalmente escolhida, atirou-se nas águas do lago e nunca mais foi vista. Como recompensa a seu sacrifício, a Lua a transformou em uma “estrela das águas” – Naiá ganhou a forma de uma vitória-régia.

O Acrobático Fratelli estreou em 2009 o espetáculo inspirado neste folclore brasileiro. Para isso, utiliza os quatro elementos da natureza: a água, a terra, o ar e o fogo, representados pela piscina e sua beira, os números suspensos com o apoio de uma lira e a iluminação em vasos flutuantes dentro da água, respectivamente.

Os bailarinos e acrobatas Kiko Caldas e Cinthia Beranek, além das atletas do nado sincronizado, contam a história somente com os movimentos. Para representar a Lua, Kiko usa o apoio da lira, que o iça da água para o teto da piscina. Cinthia vem da terra, dançando com passos leves e precisos.

Os números se alternam com a performance das quatro atletas do nado sincronizado, que simulam os movimentos de animais aquáticos, cujas imagens são ao mesmo tempo projetadas na parede atrás da piscina. Balés de estilo clássico e contemporâneo ocorrem dentro e fora da água, em perfeita sincronia. Os artistas também utilizam técnicas de teatro e rappel.

Desde 1990, o grupo Acrobático Fratelli desenvolve trabalhos em diferentes áreas artísticas, buscando uma forma contemporânea de fazer circo. Com atual sede em Cotia, os artistas também ministram aulas de circo para crianças, adolescentes e adultos.

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Cabaré Três Vinténs (SP)

Inspirado pelos antigos cabarés de variedades dos anos 1930, o grupo apresenta performances híbridas de música e circo. Em seu repertório, há desde clássicos do swing jazz até música brasileira. O figurino lembra bastante o de cantores e músicos daquela década e ajuda a compor o clima.

A banda apresenta um repertório variado, com clássicos como Com que Roupa?, de Noel Rosa, St. Louis Blues, de W. C. Handy, além de canções próprias, a exemplo de Fanfarra do Vidigal e Desquite, ambas de Henrique Mendonça, entre outras. Fazem parte também do repertório composições de Adoniran Barbosa, Django Reinhardt e Louis Armstrong. Em meio ao show, o baterista e artista Narayan Pinduca exibe números circenses, como malabares de contato e monociclo.

Os jovens integrantes da banda se conheceram na Universidade de São Paulo (USP) e fundaram o Cabaré Três Vinténs em 2011 com o intuito de tornar a arte mais acessível, levando seus shows às ruas e aos espaços públicos da cidade.

Integrantes: Gabriela Cardoso (voz e percussão), Henrique Mendonça (voz, guitarra e trompete), Leandro Kanke (piano e acordeom), Narayan Pinduca (percussão e artes circenses) e Wolfgang Santos (clarinete)

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Gutto Thomaz (SP)

O mágico Gutto Thomaz tem apenas 19 anos, mas já demonstra a habilidade de um veterano. Carismático, conquista a atenção de adultos e crianças que se encantam com suas mágicas de salão, realizadas bem próximas ao público. Gutto se apresentou nos intervalos das atrações do Circos e reuniu um número grande de pessoas ao seu redor.

Sua mágica se baseia em situações cotidianas: segundo ele, todos os dias as pessoas se deparam com algum efeito fora do comum, mas não se dão conta. Gutto, então, selecionou uma série de números de magia a partir de objetos pessoais, que ele toma emprestado do público, como notas, cigarros, moedas, anéis, relógios etc. Também exibiu números clássicos com cartas de baralho.

Mágico profissional há quatro anos, Gutto Thomaz brinca desde pequeno com kits de magia e também frequenta escolas de teatro. Estudou técnicas de mímica e clown, foi aluno do famoso Henry Evans e já participou de dez congressos de ilusionismo pelo mundo.

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Mustache e os Apaches (SP)

O grupo foi buscar inspiração nas jug bands americanas, populares nos anos 1920, cujo instrumento característico era uma moringa de onde saía um som acústico quando assoprada. Na composição do grupo, há instrumentos tradicionais, como banjo, contrabaixo, bandolim e violão, além de um washboard – uma tábua de lavar roupa, paramentada com dedais, latinhas de manteiga e sinos de bicicleta. São também tocados kazoo (instrumento de sopro), ganzá (de percussão, comum no samba) e queixada (também de percussão, em que se usa a mão e uma das pernas para tirar o som).

A inspiração da banda vem de clássicos do dixieland (subgênero do jazz criado por volta dos anos 1910), swing jazz, standard jazz, folk, skiffle (folk com um mix de jazz, blues e country), bluegrass (subgênero do country) e rock’n’roll. Entre os grupos que influenciaram a formação da Mustache estão The Beatles, Rolling Stones, o músico britânico do skiffle Lonnie Donegan, o compositor e baixista americano do blues Willie Dixon, o grupo americano The Mills Brothers, Ella Fitzgerald e, do lado de cá, Os Mutantes e os tropicalistas.

No repertório, há tanto composições de autoria própria, como Nega Lilu, Come to Sing With Us e Harry Nilson Blues, quanto versões de standard jazz, como I Ain’t Got Nobody, Smokey Joe’s Cafe e Minnie the Moocher, todas de domínio público, que já foram gravadas por diversos artistas e grupos do porte de Cab Calloway, The Coasters e Louis Prima.

Integrantes Axel Flag (voz), Jack Rubens (bandolim) e Lumineiro (washboard), Pedro Pastoriz (banjo, violão e voz), Tomás Oliveira (contrabaixo e voz)

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A banda foi formada no início de 2011 por migrantes residentes em São Paulo: Axel Flag, Tomás Oliveira e Pedro Pastoriz são de Porto Alegre, Jack Rubens é de Palmeira das Missões (RS) e Lumineiro, de Belo Horizonte.

A ideia, desde sempre e como seus mestres americanos, é tocar em lugares inusitados e de passagem, como escadarias do metrô, esquinas de ruas movimentadas, dentro de ônibus, em praças e parques. Já realizaram turnês dentro e fora do Brasil.

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Workshop Escrita Dramatúrgica para Circo Com Raquel Rache e Guy Carrara (Brasil/França) Artistas com experiência prévia, interessados em criar narrativas para ser encenadas através de técnicas circenses se reúnem para criar uma dramaturgia cênica. Depois de escritas, as cenas são colocadas em prática em aparelhos circenses, como trapézio, tecido, arame e com malabares. Caso não funcionem, os artistas voltam ao papel para ajustar a dramaturgia.

Este é basicamente o método de escrita dramatúrgica para o circo desenvolvido pela brasileira Raquel Rache e pelo francês Guy Carrara que foi aplicado no workshop Escrita Dramatúrgica para Circo.

Na prática, o ensino do método começa com um aquecimento para que se trabalhe a psicologia do artista de circo, em primeiro lugar, libertando o imaginário para fazer fluir livremente as ideias e depois se trabalhar o que é possível tornar real. Tudo é experimentado e o papel serve para ajudar na construção de uma estrutura dramatúrgica consistente, muitas vezes ausente no circo. As cenas são escritas sempre para outros artistas, nunca para si mesmo, visando libertar a criação da possível autocensura.

Raquel Rache e Guy Carrara fundaram a companhia Archaos, em Marselha, na França, em 1986. Desde 2001, desenvolvem o seu trabalho no Centro Europeu de Pesquisas de Artes do Circo (Creac), que nasceu como base para encontros, debates, ações e reflexões sobre a dramaturgia para o circo. Atualmente, ambos são também diretores artísticos do PNAC Méditerranée (Polo Nacional de Artes do Circo do Mediterrâneo).

Há cerca de sete anos, o casal vêm compartilhando seus estudos e conhecimento com professores da escola francesa, crianças e profissionais do circo. Decidiram juntos iniciar um plano de pesquisas para vislumbrar o preenchimento desta lacuna dramatúrgica nas artes circenses. E é assim que ambos vêm trabalhando na França (onde atualmente residem) e no Brasil, principalmente no Rio de Janeiro.

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Mesa 1 Circo: Uma Linguagem Cênica

Com Marco Vettore (São Paulo), Nilton Gamba Junior (Rio de Janeiro) e Raquel Rache (Brasil/ França) Reconhecer o circo como uma linguagem cênica com dramaturgia própria, discutir suas especificidades em relação às outras linguagens artísticas e às possibilidades criativas foi o objetivo desta mesa. Para isso, reuniram-se representantes de diferentes formações que tinham em comum este olhar para o circo e um trabalho de pesquisa correlato.

Raquel Rache fez parte da primeira turma da Escola Nacional de Circo, do Rio de Janeiro, e atualmente é uma das diretoras artísticas do projeto Centro Europeu de Pesquisas de Artes do Circo (Creac), em Marselha, na França. Nilton Gamba Junior é integrante e fundador da Cia. Nós Nos Nós - Tragédias e Comédias Aéreas, do Rio de Janeiro, onde atua como acrobata, ator, autor e diretor, além de professor da PUC/Rio. Já Marco Vettore é diretor artístico e fundador da Cia. Nau de Ícaros, de São Paulo, que há 20 anos desenvolve uma pesquisa em torno das particularidades do circo brasileiro baseada nas festas populares, como o maracatu e o caboclinho, nas quais é possível observar elementos circenses, como o palhaço e os malabares.

Rachel Rache abriu sua fala ressaltando que debater sobre circo é algo novo. Ela lembrou que, antigamente, todo o ensinamento era passado através das famílias, numa transmissão bem fechada, de difícil acesso. Com as primeiras escolas de circo, abriu-se a possibilidade de transformar a linguagem.

Para pensar o circo como linguagem própria, Gamba Junior apresentou as diferenciações entre os termos linguagem, discurso e narrativa. Segundo ele, linguagem é a cognição, conjunto de códigos compartilhados; discurso é a prática da linguagem; e narrativa é um gênero discursivo, que dá a dimensão temporária da intriga, do ritmo, personagens e cenário, elementos ligados à dramaturgia.

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Na mesa, houve um consenso sobre a importância da boa formação do artista para o desenvolvimento de uma linguagem cênica de qualidade para o circo. Também foi debatido sobre como as linguagens podem ser usadas de diferentes formas em cada percurso artístico.

Os palestrantes falaram sobre a atual busca do circo brasileiro por uma construção narrativa mais teatral, coreográfica, que flerte com outros tipos de arte. O que Rachel relatou como sendo um movimento natural, pelo qual a França já passou, e que depois desta fase vai ser a hora de se aprofundar em uma nova pesquisa dramatúrgica.

Foi colocado, no entanto, que para que esse processo de criação e renovação aconteça é necessário o incentivo das instituições públicas. Sem ele, apesar da criatividade dos brasileiros, não há tempo, nem disposição para o desenvolvimento destas novas linguagens, e o circo seguirá como uma arte marginalizada.

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Mesa 2 Da Formação à Produção Estética em Circo Com Junior Perim (Rio de Janeiro), Marco Bortoleto (São Paulo) e Rodrigo Matheus (São Paulo) A mesa levantou questões sobre a formação profissionalizante do artista circense no Brasil e de que forma ele caminha para a criação artística. Junior Perim, co-fundador e coordenador do Circo Crescer e Viver, do Rio de Janeiro, e presidente da Federação Ibero-Americana de Circo, começou o seu discurso chamando a atenção para o fato de que São Paulo, atualmente, não tem nenhuma escola técnica ou programa regular de estudos sobre o circo. Para ele, o circo é visto como “arte menor” justamente por intelectualmente estar reduzido a esse lugar de ensino informal. Por isso, ressaltou a importância de se viabilizar um ensino formal dessa arte para ser possível mudar o diálogo com outras artes e reverter este olhar sobre o circo.

Rodrigo Matheus falou sobre suas experiências como fundador do Circo Mínimo e na direção de duas escolas, Central do Circo, que durou de 1999 a 2004, e o Centro de Formação Profissional em Artes Circenses (Cefac), com duração de 2003 a 2011. Segundo ele, a proposta das escolas não era de formar um circense que atendesse o mercado no Brasil e no mundo, mas de ajudar os alunos a serem proponentes do mercado e de oportunidades. O objetivo era proporcionar uma formação crítica em relação mercado, fazendo com que o aluno se utilizasse dele, tratando desde questões de ordem geral de funcionamento mercadológico a questões práticas, como ler um contrato, discutindo tanto proposições práticas quanto estruturais. A intenção era de fomentar que os alunos tivessem a iniciativa de montar o próprio empreendimento.

Os participantes da mesa relembraram que a formação em artes circenses exige um espaço grande, equipamentos bons, estratégias de segurança, treinamento regular, experimentação e criação. E, para que tudo isso

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aconteça, não bastam as mensalidades dos alunos que, em sua maioria, não têm condição de pagar. É necessário apoio público. A falta dele justifica o fim das escolas dirigidas por Rodrigo e todas as outras que encerraram sua atividade em São Paulo.

Marco Bortoleto, mediador da mesa e coordenador do Circus – Grupo de Estudo e Pesquisa das Artes Circenses, da Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), defendeu em primeiro lugar a formação profissional a partir do reconhecimento do curso pelo Ministério da Educação (MEC) como profissionalizante. Segundo ele, enquanto isso não acontecer, faz-se uma inversão: primeiro, são criados os cursos superiores para depois se investir no técnico. Só assim, daqui a alguns anos, haverá massa crítica para construir um projeto lúcido e um corpo de profissionais suficiente para poder atender uma produção que já existe e é real no Brasil.

A falta de organização da categoria é consenso: todos acreditam que sem ela é impossível fazer com que o Estado reconheça a classe.

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Mesa 3 Circo e Mercado Com Danielle Hoover, do Festival de Circo do Brasil (Recife), Fernanda Vidigal, do Festival Mundial de Circo (Belo Horizonte), Junior Perim, do Festival Internacional de Circo do Rio de Janeiro e Leila Jones, do Roundhouse Circus Festival (Inglaterra) A mesa reuniu alguns dos realizadores dos maiores festivais do Brasil e da Inglaterra para apresentar um panorama sobre o mercado de atuação do artista circense. Em comum, todos frisaram a importância de se trabalhar com o incentivo de políticas públicas: sem elas, a criação e a produção de novos artistas, grupos e espetáculos são inviáveis.

As representantes dos festivais de circo de Recife e de Belo Horizonte, Danielle Hoover e Fernanda Vidigal, respectivamente, destacaram a baixa quantidade de espetáculos brasileiros inscritos nos eventos, ao mesmo tempo em que um volume grande de grupos internacionais têm se interessado em vir se apresentar no Brasil.

Os participantes acreditam que a falta de incentivo público justifica este atual quadro.

Junior Perim apontou para a desoneração de um conjunto de tributos fiscais para que haja incentivo de novas produções e manutenção dos aparelhos circenses. Fernanda Vidigal destacou que a formação, o aperfeiçoamento, a difusão e a produção estão deficitários, e por isso é preciso atuar na cadeia como um todo, e não somente na reunião de espetáculos. Ela lembrou a necessidade de uma política cultural voltada para o circo, a falta de centros de treinamento adequados e de programas de aperfeiçoamento profissional, as dificuldades pelas quais passam hoje escolas de circo – quando não fecharam – e as dificuldades de circulação de espetáculos, até pela falta de entendimento das especificidades técnicas da linguagem.

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Para reverter essa situação, Fernanda aponta para parcerias com os governos da França, da Bélgica e do Canadá, que recebem artistas para intercâmbios e produção de futuros projetos. Cita também o trabalho para criação de uma versão brasileira e um programa de incentivo à produção de espetáculos, já existente na Europa. O objetivo é selecionar propostas de grupos novos e acompanhar a produção destes espetáculos do início ao fim.

Atuando como uma forte estrategista do circo na Grã-Bretanha, Leila Jones comparou a atual situação do gênero por lá com o restante da Europa, concluindo que a condição de trabalho dos britânicos é inferior.

Para manter a casa que abriga shows, espetáculos variados, atividades formativas e o festival de circo, 10% dos recursos vêm de subsídios públicos, enquanto os outros 90% saem da bilheteria – números desvantajosos se comparados com os da França, por exemplo, que vê o circo, especificamente, como seu produto cultural de maior exportação.

Leila também observa uma baixa produção de artistas e grupos britânicos, ao mesmo tempo em que a França apoia hoje cerca de 500 companhias em todo o país. Mas, apesar das dificuldades, procuram trabalhar cada vez mais juntos aos artistas, a fim de aprimorar suas técnicas e performances circenses e promover a multiplicação do conhecimento.

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Diálogos Possíveis I Encontro entre Festivais Com Bel Toledo (São Paulo – Festival Paulista de Circo), Danielle Hoover (Recife – Festival de Circo do Brasil), Fernanda Vidigal (Belo Horizonte – Festival Mundial de Circo), João Carlos Artigos (Rio de Janeiro - Festival Anjos do Picadeiro), Junior Perim (Rio de Janeiro – Festival Internacional de Circo do Rio de Janeiro), Leila Jones (Inglaterra – Roundhouse Circus Festival) e Raquel Rache (França – Festival Cirque en Corps) Este encontro, reservado apenas aos realizadores de festivais convidados, visou promover a consolidação de uma rede de cooperação, a fim de criar oportunidades concretas de realizações que visam ao desenvolvimento do pensar e fazer em circo.

Diálogos Possíveis II Encontro entre Artistas, Realizadores de Festivais e Interessados em Circo Com Bel Toledo (São Paulo – Festival Paulista de Circo), Danielle Hoover (Recife – Festival de Circo do Brasil), Fernanda Vidigal (Belo Horizonte – Festival Mundial de Circo), João Carlos Artigos (Rio de Janeiro – Festival Anjos do Picadeiro), Junior Perim (Rio de Janeiro – Festival Internacional de Circo do Rio de Janeiro), Leila Jones (Inglaterra – Roundhouse Circus Festival) e Raquel Rache (França - Festival Cirque en Corps) Neste encontro, além dos realizadores de festivais, estiveram presentes artistas, representantes de associações, produtores culturais e interessados em circo para trocar informações, experiências e impressões sobre possibilidades de diferentes realizações em circo.

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guia de festivais

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Anjos do Picadeiro – Encontro Internacional de Palhaços Rio de Janeiro (RJ) Mês de realização: dezembro Periodicidade: anual Informações: anonimo@teatrodeanonimo.com.br Circos – Festival Internacional Sesc de Circo São Paulo (SP) Mês de realização: maio Periodicidade: anual Informações: sescsp.org.br Festival de Circo do Brasil Recife (PE) Mês de realização: outubro/novembro Periodicidade: anual Informações: festivaldecircodobrasil@gmail.com Festival Internacional de Circo do Rio de Janeiro Rio de Janeiro (RJ) Mês de realização: maio Periodicidade: bienal Informações: contato@festivaldecirco.com.br Festival Mundial de Circo Belo Horizonte (MG) Mês de realização: agosto/setembro Periodicidade: anual Informações: contato@festivalmundialdecirco.com.br

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Festival Paulista de Circo Piracicaba (SP) Mês de realização: agosto/setembro Periodicidade: anual Informações: site@circoop.com.br Sesc Festclown – Festival Internacional de Palhaços Brasília (DF) Mês de realização: maio Periodicidade: anual Informações: teatrogaragem@gmail.com

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io dicionáre circens

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Acrobacia – 1. Técnica corporal e de exercício de equilíbrio, de saltos e evolução com cordas. 2. Equilibrismo ou funambulismo em corda bamba. 3. Conjunto de movimentos ou gestos que demonstram destreza e agilidade, para além de hábitos ou modelos normais. 4. Por extensão, exercício ginástico de habilidade superior.

Acrobata – Artista ou profissional de acrobacia, habitualmente vinculado ao circo. O termo, de origem grega, significa, literalmente, “que anda na ponta dos pés”.

Alê – Do verbo francês aller (ir). No modo imperativo: alê! No circo é uma espécie de senha, ordem de comando entre os artistas.

Arame – Cabo de aço tensionado, em cima do qual o artista realiza números de equilíbrio.

Augusto, Palhaço – Um dos tipos clássicos de palhaço, é provocador, brincalhão, extravagante, desastrado. Tudo nele é exagerado: seu figurino (principalmente o colarinho), seus sapatos e seu nariz. Também chamado de excêntrico, entra em harmonia com o seu oposto, o Branco ou Escada.

Barra fixa – Aparelho de ginástica que consiste em uma barra roliça horizontal fixada em dois apoios verticais, na qual o acrobata realiza sequências de giros e saltos.

Báscula – Aparelho usado para dar impulso na execução de números de saltos. Parece uma gangorra. Uma ou mais pessoas pulam numa das pontas da báscula, impulsionando o volante, que se encontra na outra ponta.

Branco, Palhaço – É o palhaço aristocrata e, quando contracena com outros palhaços, toma o controle da situação. Veste-se com roupas claras e ajeitadas, e sempre tem atitudes politicamente corretas. É o oposto do Augusto e também é conhecido como Escada ou Clown.

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Burlesco – Embora não se determine como gênero, constitui uma forma literária e dramática que se vale da comicidade para parodiar ou ridicularizar obras anteriores e renomadas, ou ainda personalidades e situações sérias.

Praticada desde a antiguidade romana, retomou sua força na Itália do século XVI, por intermédio de poetas como Francesco Berni (autor de Recomposição de Rolando Enamorado), Cesare Caporali (Viagem ao Parnaso, Exéquias de Mecenas) e Alessandro Tassoni (O Cântaro Roubado), com os quais conservou a denominação – burla (farsa) – ou a crítica e caricatura da nobreza ou de assuntos elevados. Charles Perrault, em seu Paralelo ou Comparação dos Antigos e Modernos (1688), define o burlesco como “uma espécie de ridículo que consiste na desproporção da ideia que se dá a uma coisa, em relação à coisa verdadeira. Essa desproporção faz-se de duas maneiras: uma, falando trivialmente de coisas elevadas; e outra, falando magnificamente das coisas mais triviais”.

Distingue-se da sátira ou da comédia (podendo ser sinônimo de farsa), pois na maioria das vezes não tem pretensões moralizantes ou preocupações com éticas de ordem política ou comportamental. A partir do século XVIII, exemplos significativos do burlesco são A Ópera do Mendigo, de John Gray, A Vida e a Morte de Tom Thumb, o Grande, de Henry Fielding e todo o Ubu, de Alfred Jarry.

O mesmo que farsesco.

Cabaré – Do francês, cabaret, era também chamado de café-concerto. No início, não se distinguiam as classes sociais: operários e aristocratas se encontravam para assistir a apresentações de circo, dança, teatro e música, além de beber e comer. Os mais famosos da França foram Le Chat Noir e o Folies Bergère.

Cascata – É quando o artista, geralmente o palhaço, simula uma queda e provoca o riso da plateia.

Claves – Peças em formato de pera alongada com cabos que lhes servem de apoio. Os malabaristas costumam jogar para o alto, sem deixar cair, três, quatro ou mais de uma só vez.

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Close-up – Tipo de mágica realizada bem próxima dos espectadores, utilizando objetos cotidianos, por vezes até emprestados pelo público, como notas, cigarros, moedas, anéis, relógios etc.

Clown – Ver Branco.

Comedinhas – Peças curtas de circo-teatro, geralmente encenadas em torno da figura do palhaço. Muito comuns no início do século XX, eram apresentadas depois dos números clássicos do circo, na segunda parte do espetáculo.

Contorção – Número que exige do artista (contorcionista) extrema flexibilidade para fazer movimentos de torção do corpo, utilizando ou não aparelhos.

Corda indiana – Corda giratória, pendurada no alto da lona, em que o artista sobe executando movimentos de demonstração de flexibilidade e força, em parceria com o portô.

Coxia – A parte da caixa teatral situada ao fundo ou ao redor do palco, fora das vistas do público. O mesmo que bastidores (no plural).

Equilíbrio de pratos – Também chamado de pratos dançarinos, neste número o artista mantém um prato em rotação para equilibrá-lo sobre uma longa e fina haste.

Dependendo da agilidade do equilibrista, é possível manter diversos pratos girando ao mesmo tempo.

Escada – Ver Branco.

Esquete – Breve apresentação cênica, geralmente de cunho satírico, cômico ou paródico, levada a efeito por um pequeno grupo de atores. Baseado em situações e hábitos do cotidiano, não tem por objetivo explorar com profundidade os aspectos psicológicos dos personagens.

Como recurso de entretenimento, foi bastante utilizado em espetáculos musicais (revistas, music-hall, vaudeville), de teatro popular, passando mais tarde ao rádio e à televisão. Do inglês sketch, esboço.

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Facas – Apesar do nome, tratam-se de adagas ou punhais utilizados por malabaristas, engolidores e atiradores para aumentar o risco do espetáculo. Oriundos de tradições orientais, os números com facas exigem alta destreza e habilidade do manipulador por se tratarem de objetos cortantes.

Funambulismo – Arte circense e de acrobacia baseada em movimentos de equilíbrio sobre corda, arame ou balanço.

Gag/Gague – Em teatro ou cinema, o efeito cômico obtido por surpresa ou improviso, seja ele verbal ou visual. Na gíria brasileira dos atores, o mesmo que caco.

Laços e chicotes – Instrumentos originalmente usados especialmente por vaqueiros para caça e doma de animais, que foram incorporados ao repertório circense pra demonstrações de habilidade. Entre outras funções, nos números os chicotes são usados para cortar objetos a distância, como um cigarro ou uma folha de jornal. Já os laços são girados em alta velocidade pelo artista, formando círculos na horizontal ou na vertical, girando-os ao redor de si, ou saltando-os.

Lira – Aro de ferro suspenso, que serve para acrobacias aéreas tanto dentro quanto fora dele.

Malabares de contato – Variação de número de malabarismo no qual o artista utiliza partes diversas de seu corpo (braço, cotovelo, cabeça) para equilibrar, deslizar ou lançar pequenas esferas de vidro.

Malabarista – É a pessoa que joga diversos objetos para o alto (bolas, claves, aros, bastões de fogo, entre outros) e consegue mantê-los em movimento, sem os deixar cair.

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Mambembe – Em artes dramáticas, é a companhia ou grupo de atores populares que, sem local fixo de representação ou garantia financeira, se desloca continuamente, transportando consigo alguns poucos equipamentos indispensáveis de cena. Arthur Azevedo assim o definiu: “Mambembe é o nome que dão a essas companhias dramáticas nômades que, organizadas sabe Deus como, e levando repertório eclético, percorrem cidades, vilas, povoados [...] dando espetáculos onde haja ou onde possam improvisar um teatro”. Na história moderna, a grande maioria das trupes da commedia dell’arte ou do circo-teatro foram constituídas como companhias mambembes.

Mastro chinês – Tubo de ferro, de variados comprimentos, que serve de apoio para acrobacias aéreas. Exige condicionamento físico, força e criatividade para executar movimentos sem as mãos ou os pés.

Monociclo – Aparelho usado em números de equilíbrio composto apenas da parte traseira de uma bicicleta – roda e pedais, sem o guidão. Pode ter diversas alturas e mais de uma roda compondo o sistema de rodagem.

Noir – Gênero narrativo, também chamado policial, de entretenimento, isto é, centrado no mistério ou suspense de ação e que se tornou bastante popular a partir da obra Os Crimes da Rua Mogue (1841), de Edgar Allan Poe, e, posteriormente, com A Dama de Branco (1860), de Wilkie Collins, e Um Estudo em Vermelho (1887), de Conan Doyle. A estrutura básica dos enredos baseia-se em alguns ingredientes necessários e relativamente convencionais, hoje tidos como clássicos: crime(s), cadáver(es), um enigma a ser desvendado e punido, o personagem que investiga a trama, uma solução surpreendente ou um desfecho inesperado.

Parada de mão – Posição acrobática em que o artista fica de cabeça para baixo e sustenta o corpo apoiado nas mãos. Pode ser realizada com o auxílio de aparelhos ou de um portô. É considerada requisito básico para um artista circense e pode ser usada em diversos números.

Percha – Vara de diversos comprimentos, feita de madeira flexível, que o portô sustenta no ombro ou na testa e o volante escala realizando movimentos de equilíbrio e de demonstração de força. Antigamente, o bambu era usado como este material flexível.

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Picadeiro – É o palco de arena do circo, reservado para a exibição das atrações.

Polytheama, Theatro – A palavra polytheama vem do latim poly (muito) e do grego theama (espetáculo), e significa “lugar de muitos espetáculos”. Um teatro polytheama tanto podia apresentar óperas e operetas como espetáculos de circo, dança, mágicas e números de cavalos.

No final do século XIX e início do XX, o Brasil possuía diversos polytheamas, localizados nas principais capitais e cidades do interior do país. O polytheama da infância de Nerino Avanzi ficava na várzea do Anhangabaú. Foi fundado em 1892 e destruído por um incêndio em 1914.

Portô – Do francês, porteur, é a pessoa que fica no solo sustentando o aparelho e a demonstração do outro artista (o volante) ou tendo a mesma função nos números aéreos.

Quadrante aéreo – Aparelho tradicional para execução de acrobacias aéreas. É a estrutura que sustenta um ou mais trapézios.

Roda cyr – Trata-se de um aro de ferro do tamanho do artista que vai apresentar o número. Girando-o, o artista se posiciona dentro e fora do aparelho, em diferentes posições, velocidades e equilíbrios.

Rola-Rola – Número de equilibrismo no qual o artista se posiciona sobre uma tábua apoiada em um ou mais cilindros sobrepostos.

Saltimbanco – Artista popular e itinerante, eclético e mambembe, relativamente comum na Baixa Idade Média e no Renascimento, capaz de unir variadas habilidades acrobáticas à interpretação de monólogos ou de diálogos burlescos, de sua autoria ou alheia.

Os saltimbancos acorriam de preferência às grandes praças ou vias obrigatórias de passagem (pontes), ganhando a vida com a venda de placebos ou remédios “milagrosos” à assistência.

Salto mortal – Tipo de acrobacia aérea que consiste em dar um impulso, projetar o corpo para frente ou para trás e dar uma cambalhota no ar. Quanto mais preciso for o salto mortal, a chance de o artista cair em pé aumenta.

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Stand-in – É aquele que entra em cena caso o ator principal esteja impossibilitado de assumir o seu papel. O stand-in estuda o mesmo texto e, inclusive, a construção do personagem feita pelo primeiro ator para, assim, a interpretação se tornar a mais fiel possível tanto para o elenco, quanto para a plateia.

Tecido acrobático – É uma modalidade aérea circense realizada com dois longos tecidos, presos no alto do teatro.

Acredita-se que ele seja uma extensão do trabalho com a corda. Exige flexibilidade, agilidade, força muscular e leveza na apresentação do artista para que se crie movimentos e se alcance diversas alturas com o tecido.

Tony de Soirré – É um tipo de palhaço praticamente mudo, mas que age muito. Um dos artistas mais versáteis do circo, sabe fazer vários números, mas sua arte consiste em representar o erro, em cair. Ele cai do cavalo, do trapézio, da barra, enrosca-se nos tapetes. As quedas, que provocam o riso da plateia, são chamadas de cascata.

Trapézio – Barra de ferro presa no alto por duas cordas, onde o artista cria figuras e dá demonstrações de força, elegância e flexibilidade. O número pode ser executado com o trapézio em balanço ou parado e em diversas alturas. É chamado ainda trapézio de voo o número no qual o artista salta de um trapézio a outro, ou até as mãos de um portô devidamente posicionado em uma plataforma.

Trapezista – Profissional que faz acrobacias no trapézio.

Vaudeville – Inicialmente, canção francesa popular, surgida na Renascença, cuja criação se atribuiu ao poeta e músico Olivier Basselin, e era entoada nos vales (vaux) da região de Vire (vauxdevire). As cantigas, de temas líricos-amorosos, foram compostas para acompanhar as refeições e o ato de beber à mesa, provindo daí sua alegria e jovialidade. No século XVIII, no entanto, passou a integrar peças cômicas montadas por grupos populares, como as do Théâtre de la Foire, da Comédie Française, do L’Ambigu Comique, do Les Variétés Amusantes (em textos de Alain-René Lesage e Louis Fuzilier, entre outros), como também obras de ópera-cômica (Grétry, Phillidor) e de singspiel (Mozart), dividindo-se as estrofes da compo-

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sição entre vários cantores. O público de então já era formado por operários, soldados, empregados domésticos e do comércio. A partir daí, e já no início do século XIX, consolidou-se como comédia musical, ou comédia entremeada de canções (solistas e coros), contendo um enredo episódico e picante, quiproquós ou situações equívocas.

Na Franca, seus maiores autores foram George Feydeau (Com um Fio na Pata, O Peru, A Dama do Maxim’s, Com a Pulga Atrás da Orelha, Tome Conta de Amélia) e Eugène Labiche (Um Chapéu de Palha na Itália, Poeira nos Olhos, A Coleta). Sob essa forma, foi adotado nos Estados Unidos e em outros países, como Brasil, em espetáculos musicais ou de teatro de revista e de variedades, entre o final do século XIX e a Segunda Guerra Mundial.

Volante – Acrobata que é impulsionado, equilibrado ou sustentado por outro mais forte (portô). Está sempre no alto, em números solo. Em números aéreos, como no trapézio, é ele que realiza o voo.

Washboard – Instrumento musical artesanal de percussão portátil, composto de uma pequena tábua de lavar roupa e outros acessórios, como buzinas, sinos de bicicleta, latas de manteiga etc.

Fontes:

Circo Nerino (2006, Selo Pindorama Circus e Editora Códex), de Roger Avanzi e Verônica Tamaoki Circo-Teatro – Benjamin Oliveira e a Teatralidade Circense no Brasil, de Ermínia Silva (2007, Ed. Altana) Dicionário Sesc – A Linguagem da Cultura, de Newton Cunha (2003, Sesc São Paulo e Editora Perspectiva)

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Since 1946, Sesc São Paulo has been focusing its activity on improving the quality of life of workers in the tertiary sector for goods, services and tourism, as well as its subsidiaries and surrounding communities. Created through an initiative from the business community of the aforementioned sector, the institution was founded with the aim of promoting social justice, contributing to the improvement of the quality of life of workers and providing incentive for their integral development.

The institutional mission of Sesc is based on the principle that there can be no social and economic development without a tangible increase in activities in the educational and cultural sphere. It is no coincidence that today Sesc uses culture as a vehicle for social integration. Since the 1940s, it has undergone a long history of experiments and experiences in welfare work, social education, community activities and diverse leisure activities with the view to continually provide education, whilst focusing on the democratization of access to culture.

Despite the difficulties that undoubtedly exist, and will indeed continue to do so, we do not desist, we are not discouraged, we do not reduce the intensity of our efforts; in a word, we do not give up on our plans.

Why? Because we believe that the social responsibility of the company goes beyond mere business management. This responsibility is related to the need for social transformation.

That is why we are committed to the development of Brazilian society through participation: a pledge that transcends categories such as the generation and distribution of income; we are also concerned with the training, education, and development of citizens.

If working is an imperative and inherent need, then enjoying free time is also a legitimate necessity. Or better yet, more than a necessity, it is everyone’s basic right.

It is in this spirit that we are hosting Circos – International Sesc Circus Festival, in seven cultural institutions throughout the capital and in greater São Paulo: a means of illustrating the lengths that the institution goes to in putting its ideas into practice, as well as its concern for the sustained humanist education of the worker, an ideal that is, in turn, reflected in society at large.

Abram Szajman President of the Regional Council of the Sesc São Paulo

The circus ring glitters with charm and courage. Its mysterious characters are brimming with secrets from their various journeys, as well as a certain dose of marginality, within the miasma of emotions of our memories.

The evident relation between Circus and tradition poses a fundamental question: how to maintain a degree of freshness and originality and propose the renewal of an artistic language that bases part of the power of attraction on the way it mobilizes the emotional memory of the spectator? Great artists view this question through a lens that converts it into a challenge, transforming the universe of the circus into a platform for daring flights, with considerable potential for innovation.

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In this light, the Circus has reinvented itself in the quest for new spaces and formats. It has become an attractive option for seeking to resuscitate a collective memory and establish a connection between different periods in time, bringing together children, adults and the elderly.

Sesc, ever sensitive to the multiple visions that inhabit the world today, widens the debate of ideas on the convergence of languages present in the art of circus, with an emphasis on stimulating the expansion of horizons and possibilities for the creators and the audience.

Through Circos – International Sesc Circus Festival, the institution identifies in the art the vocation for transcending geographic borders, by creating alternatives to reflect and act in a panorama that is brimming with diversity. It seeks to contribute to the recognition of the importance of the aesthetic codes of circus in contemporary culture, which are replicated in its aesthetic and socio-educational potential. The aesthetic aspect, which is most explicit, is revealed in the projection of corporal expression and the harmony between the performance, the light and sound – the poetic conception of time and space. The socio-educational sense is based on the day to day perception of creation within an extremely rich art when it comes to the development of critical conscience and heightened sensibilities, corroborating the value of these activities that seek to go beyond purely formal educational purposes.

Preserved in the popular imagination, these lives, with no fixed destination, bring together technical skills and an adventurous spirit, stirring up comedy and melancholy, together with the taste of freedom. It perhaps all comes down to a sensation of some sort that lingers after the show has finished, prolonging the qualities and poetry of life.

Danilo Santos de Miranda Regional Director of Sesc São Paulo

Circos – International Sesc Circus Festival In 2013, Sesc São Paulo consolidates the artistic language of circus within its program of performing arts, with the hosting of Circos – International Sesc Circus Festival, which brings together shows from six international companies and 18 national companies, educational and theory-based activities and meetings between circus artists and producers in five different countries, in seven Sescs within São Paulo (Pinheiros, Santana, Belenzinho, Bom Retiro, Itaquera and Ipiranga) – with the aim of including different regions of the city – and Santo André in ABC paulista (the metropolitan area of São Paulo).

Its first edition, which took place from the 2nd to the 12th of May, as well as creating awareness about the art of circus by hosting performances, Circos also aimed to encourage debates surrounding circus as a performing art with its own dramatic logic, placing Sesc São Paulo on a par with the other producers and companies that work with education, production, publicity and the fruition of the art of circus, on contributing to the development of a space of exchange and development of the language of circus as a performing art.

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Moreover, Circos became an example of how Sesc São Paulo works with circus arts, which includes diverse approaches to circus arts, both in theory and in practice, as well as maintaining its focus on cultural democracy.

Sesc São Paulo

Performances Intrépida Trupe In the wind (RJ) When she moved from Campo Grande (MS) to Rio de Janeiro, the director of Intrépida Trupe, Beth Martins embarked upon an adventure. At 16, she left behind her childhood in the small town, where the main attraction was seeing the circus arrive and playing on the swings in the square, as if they were trapezes.

On arriving in Rio, she wanted to apply to some extent what she had lived in the circus. The show In the Wind, talks about Beth’s path, about artists in general and also about the company, that was founded 26 years ago.

In the wind begins with a man exploring an unknown forest. With the help of one of “intrépidos”, he embarks upon his walk along the wall, with his body horizontal to the ground. He walks to the sound of birds and the river, he is careful where he steps – taking the odd pause to take in this new and strange landscape.

The scenery in this initial scene is made up solely of the performers’ bodies.

The randomly placed stones are made up by the cast: as the man advances, those who are positioned behind him get up, walk, and curl up in a ball gain, forming the rocky ground. When he gets to the edge of the stage, he finally finds the river that up until that point the audience could only hear in the background, and now he crosses the stage the other way swimming, pushed along by the cast who previously formed rocks.

The performance continues with equally impacting ideas and creative solutions. Aerial hoop, aerial silks, trapeze, Chinese pole, aerial acrobatics and dance acts are performed by 11 artists, who represent the friends who support this dreamer. A procession with flags, drums and wind instruments, led by the versatile cast, permeates In the Wind and makes these memories of the past and the search for new horizons for the present and future seem more alive.

Founded in 1986, Intrépida Trupe finds creative inspiration for its shows in the most diverse artistic manifestations, such as circus, dance, theatre and music, from rock to pop.

Artistic direction Beth Martins Technical direction Vanda Jacques Choreography Alain Veilleus, Beth Martins, João Carlos Ramos, Lavínia Bizzoto and Steven Harper Cast Ana Clara Nimrichter, Diego Sanzana, Diogo Monteiro, Joana Nicioli, Julio Nascimento, Lana Borges, Phelipe Young, Rafael Rocha, Edgar Santos, Diana Bloch and Maria Celeste Mendozi

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The Art of Amazement Gutto Thomaz (SP) It’s what life comes down to in the end: the Art of Amazement. In one single day, it is possible to come across the most diverse and surprising situations. Gutto Thomaz transforms these prosaic moments into a magic act show.

The show starts and ends with the same scene: going to sleep. The only object – a table – takes on a whole range of properties throughout the performance: it begins as a bed, is transformed into a breakfast table, and later becomes a desk.

The same thing happens to the main character, who is played by Gutto, who starts out with black power style hair, with a moustache and dressing gown, and later on, he will end up with short locks, a trimmed beard and dressed for the office, with braces and a top hat.

The magic acts are present throughout the whole performance, such as when the bed sheet transforms into a kitchen tablecloth or the objects and food, such as bottles, cups, cutlery and fruit, disappear and reappear straight away. As well as illusionism, Gutto also makes use of theatrical techniques, mime and clown to create his character, who is almost cartoon-like.

Son of a musician and brother of a clown, the São Paulo born Gutto Thomaz is 19 and he has been a professional magician for the last 4 years. He has been attending theatre school and playing with magic kits since he was a child. He studied with the famous magician Henry Evans and he has participated in ten conferences on magic around the world, in England, Guatemala, Mexico, Chile, Argentina and Brazil, such as the Oriental Magic Show, a close-up magic competition in São Paulo held in 2011, in which he was awarded first place amongst 30 competitors. In March this year, he participated in Flasoma, a biannual meeting that is backed by the Latin American Federation of Magic Societies, which is held in Santiago Chile.

Creation and cast Gutto Thomaz Direction Gutto Thomaz and Daniela Rocha

Automatarium Laitrum Teatre Company (Spain) Three performers are positioned within individual compartments, with rounded glass screens at the front and sides. We are reminded of the old fashioned slot machines, which were so common at fairs and circuses at the end of the 19th century and the beginning of the 20th century.

In this interactive installation, the performers of the Spanish company, Laitrum Teatre, act out the role of the mechanical figures within the slot machine.

They become the Pythia (woman who can predict the future), a fakir and a clownmagician. All you have to do is place a coin in the machine for the lights to come on and they begin their act, with elements of comedy, magic and mime.

From outside, the actor who plays the caretaker who is responsible for the maintenance of the machines invites the audience to play. In one of these interventions, the fortune teller asks a volunteer to pick a tarot card to read their future, using only mime, for around two minutes. The fakir inserts a needle into his cheek, in a comic manner. The clown-magician creates a magic and surreal atmosphere, raising his hat and greeting everyone around him. The movements of the members of the group are reminiscent of an “automatic mechanism”, which is the meaning of ‘automatarium’ in Latin.

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The show, directed by David Berga and Toti Toronell, with the collaboration of Jordi Purti, was first staged in 2012 and it went as far as India. It is a coproduction between David Berga (who also performs) and the Laitrum Teatre Company, founded in 2007 as a research tool into the area of dramatic creation.

This is the group’s sixth project, and this will be their second performance in Brazil.

Direction David Berga and Toti Toronell Collaboration Jordi Purti Cast David Berga, Laura Ferrer, Sergio Joaquim Ortega and Mila Yon Choviak Production in Brazil Elisa de Oliveira

Cantina Strut & Fret (Australia) The Australian company Strut & Fret, founded in 1997, is brimming with liveliness and authenticity. The group steers clear of clichés and from common ground in circus art, even when they perform the best-known acts for the audience.

That’s what Cantina is all about.

For the past three years, the Australian directors Chelsea McGuffin (who also performs) and Scott Maidment, as well as five other performers, present the show that combines comic sketches and more sober atmospheres, with acrobatics, dance, magic and a lot of music.

In the first act, a duo balance on a tightrope that is rigged above a sand filled stage. Whilst the man walks back and forth, the woman puts on high heeled shoes to balance on the thin wire, defying the logic of balance and gravity.

In another scene, a rope hanging from the ceiling becomes the support for the lively movements of an acrobat. But if that is not enough: before starting his act he is blindfolded and the difficulty of the act reaches an even higher level.

With a distinctly burlesque atmosphere, Cantina creates acts that blur the boundaries between fantasy and reality, torment and desire, pleasure and pain, such as in the case of a duo dance act, in which a woman balances with the same high heeled shoes she used on the tightrope, but this time, on the body of a man who is dressed only in underwear.

The entire music to the show is played live, both by musicians and by the performers themselves, who form the chorus. The music harks back to vaudeville style shows, typical of the end of the 19th century, using old fashioned instruments, such as the barrel organ, the gramophone and a piano.

Direction Chelsea McGuffin and Scott Maidment Cast and co-creation Chelsea McGuffin, Mozes, David Carberr and Daniel Catlow Music Trent Arkleysmith Production in Brazil Andrea Caruso

La lettera (The Letter) Paolo Nani (Italy/ Denmark) Without uttering a single word, Paolo Nani recreates the same action in 15 different ways. The first time that he comes on stage, the scene takes place in a ‘normal’ manner. He sits at a desk, looks at a photo frame, opens a bottle, serves a drink in a glass, takes a swig, spits it out because he doesn’t know what it is, writes a letter and just before going out to take it to the postbox, he discovers that there wasn’t any ink in the pen.

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The sketch is as simple as it is comic. The actor then repeats the same scene 14 times and acts them out in the most varied ways. Before starting each act, he holds up a theatre sign, to let the audience know how he is going to perform it. Surprised, he scares himself at each step he takes, portraying this emotion through exaggerated facial expressions and bodily movements. As if he was drunk, he sees two bottles instead of one and isn’t able to reach the real one.

There are also scenes that feature magic, using silent film, horror, circus, as well as acts inspired in Freud’s psychoanalysis.

The Italian actor, who lives in Denmark, created the sketch in 1992 and since then, he has been winning over audiences in numerous countries. This is his third visit to Brazil. The Letter has been performed in a range of countries such as Austria, Belgium, Chile, Croatia, the Czech Republic, Denmark, England, Finland, France, Germany, Greece, Greenland, Holland, Hungary, Iceland, Ireland, Italy, Norway, Portugal, Sweden, Switzerland, Slovakia andTurkey, and it has featured in four editions of the Comedy Festival in Cologne, in Germany, and two editions of the International Mime Festival in London.

Direction Nullo Facchini Creation Nullo Facchini and Paolo Nani Performance Paolo Nani

Circo Piolin Xuxu the Clown, Zabobrin the Clown, Burg Family and guests (SP) On the 40th anniversary of his death, homage was paid to one of the most famous Brazilian clowns, Abelardo Pinto, or Piolin (1887-1973), with a special line-up and scenery that recreated that great aura of circus that goes hand in hand with Piolin’s reputation.

The open air circus ring was built in the patio of the Sesc Belenzinho, with rows of seating where the audience could sit around the main ring. At night, small yellow lights lit up, which recreated the atmosphere of the beginning of the 20th century, when Piolin the Clown was still at his high point. Behind the seating, huge panels with posters contained information on the life and work of this performer.

The homage was divided into three shows, including variety shows, with diverse classical circus acts, with comic sketches and short comedies, as well as short circus-theatre shows. The actor Pascoal da Conceição, was one of the masters of ceremony, playing the part of Mário de Andrade, representative of the Modernist Movement, for which Piolin was a strong influence. Ari Rabelo, renowned presenter of Circo Garcia, and Alexandre Melhone, representative of the Circo Guaracyaba, were invited to introduce the acts.

The first Variety show brought together a wide range of traditional acts, such as unicycle balancing with Alfredo Muñoz, and plate balancing with Bruno Edson.

There was also a perch pole, juggling, rolla-bolla (dynamic balancing on cylinders and tubes), hair suspension, magic and, of course, a whole lot of humor. The star of the show was Xuxu the Clown, Franco Alves Monteiro, the last clown to accompany Piolin on stage. Together with Bacalhau the Clown, José Odair Cazarin, the duo presented re-makes of sketches that were originally created by Piolin.

The show followed the same logic, in terms of the order of the acts, as the old fashioned circuses; after the variety spectacles came the comedy acts. Two of these

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comedy acts were put on especially for the audience: Putting up with the Doctor and Marinelli Agency.

Directed by Hugo Possolo (one of the founders of the Parlapatões, Patifes & Paspalhões group), Putting up with the Doctor is a remake of a typical comedy from circus-theatre. The original text, Dr. Franz, is from an anonymous author and has been staged by clowns such as Chicharrão and Picolino. In this remake, Zabobrim the Clown (Ésio Magalhães) passes himself off as a doctor and tries to trick the patients around him. The result is a series of confusing situations and clowning, in which physical comedy and improvisation play a distinctive part.

This version is a contemporary adaptation by Verônica Tamaoki and Flávio Rocha.

Marinelli Agency was previously directed by Tubinho (Pereira França Neto), one of the few clowns who still maintains the circus-theatre tradition alive in Brazil. One of the oldest sketches in the book from Brazilian circus, put on in Circos by the Burg Family, is a comic act by an anonymous author that tells the story of Mister Marinelli, who decides to open a talent agency and subsequently finds himself in debt. The aim is to discover and recruit new TV stars. A parade of aspiring artists and pitoresque characters try their luck in the hands of this false agent.

Direction Bel Toledo (Variety), Hugo Possolo (Putting up with the Doctor) and Tubinho (Marinelli Agency) Adaptation Veronica Tamaoki and Flávio Rocha (Putting up with the Doctor) and Tubinho (Marinelli Agency) Cast Alfredo Muñoz, Bacalhau, Bruno Edson, Bruno Gelli, Caio Stevanovich, Gagá, Iara Gueller, Joelma Herue Funaki, Rhanny, Rokan, Simone Adriano, Viviane Rabelo Muñoz and Xuxu, (Variety); Carlos Baldim, Ésio Magalhães, Fábio Espósito, Felipe Oliveira, Paula Flabian and Rodrigo Mangal (Putting up with the Doctor); Abel Savedra and Burg Family (Marinelli Agency); Alexandre Melhone, Ari Rabelo and Paschoal da Conceição (presenters) Piolin and National Circus Day Abelardo Pinto was born into a traditional circus family in Ribeirão Preto, on the 27th of March 1897. He soon learnt acrobatics, contortion, tightrope and music – he played the violin and the mandolin. It wasn’t until 1917, at 20, when Abelardo discovered his talent for being a clown. His father, Galdino Pinto, was manager at this time at Circo Queirolo, who’s main clown was Chicharrão. Due to family problems, Chicharrão had to abandon the company and someone had to replace him: the show, of course, must go on. Abelardo would manage to face up to a huge challenge: stepping in to replace the famous clown, he was an immediate success.

He worked in a Spanish family-run circus where, noticing Aberlardo’s extremely thin legs, they nick-named him Piolin, which means ‘thin wire’ in Spanish. To start out with, he didn’t find the nick-name very funny. But he later changed his mind and, considering the new name pretty catchy, he began to use it as his clown name.

Piolin worked under a range of circus tents, but it was in Circo Alcebíades, which was located on the Largo do Paissandu in the 1920’s, that the clown found fame. For besides his talent, Piolin was also very lucky: in just five years of performance, famous figures went to watch his gags. That was how the president at the time Washington Luís, as well as artists and intellectuals from the Modern Art Week, such as Oswald and Mário de Andrade, became Piolin’s fans.

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On the 27th of March 1929, Piolin’s birthday, the modernists organized a lunch in the elegant Mappin, which later closed down, in homage to the clown who had won everyone’s hearts. The idea was to celebrate the metaphoric ‘antropofagia’ between academics, intellectuals and popular artists. Amongst the 32 guests, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Raul Bopp, Guilherme de Almeida, Menotti del Picchia and the author of Manifesto Antropófago, from 1928, Oswald de Andrade, were all present.

In the 1930s, Piolin’s face even appeared on candy bars, whose wrappers had little clown drawings for collection. For over 30 years, the clown had his circus up and running in the Largo do Paissandu, in the center of São Paulo, and later he moved to neighborhoods such as Brás, Paraíso and Santa Cecília. In the early 1950s, he worked on Tupi TV, presenting the program Piolin’s Little Circus.

Around the same time he played a part in the film Tico Tico no Fubá, from 1952, directed by Adolfo Celi.

In 1961, real estate speculation meant that the Piolin Circus had to leave the Avenida General Olímpio da Silveira, in Santa Cecília, after 18 years. The land remained abandoned until 1980, when a bingo hall was built.

Following the initiative of Pietro and Lina Bo Bardi, the Circo Piolin tent was temporarily set up in the covered courtyard of the Masp (São Paulo Art Museum) in 1972. That same year, National Clown Day was made official on Piolin’s birthday.

The clown was encouraged by this news and decided to buy a circus tent and start another stage of his career, but a few months later he was forced to abandon these plans because of health problems.

On the 4th of September 1973, Piolin the clown passed away at 76 years old from heart failure in São Paulo. He had dedicated 68 years of his life to circus in Brazil.

Source Center for Circus Memories, from the municipal government of São Paulo, article by Ermínia Silva, on the webpage Circonteúdo

Circo Strada presents “The Variety Show’ Circo Strada (RJ) Circo Strada presents ‘The Variety Show’, pays homage to circus professionals.

Dancers, trapeze artists, acrobats and jugglers express the high points and low points of a life of traveling. Created in June 2012, it brings together seven performers that put on six acts, using elements such as aerial hoop, aerial silks and knives.

The Black Stripe act presents a woman who is addicted to medication, who dangerously teeters on the trapeze. In one of her daydreams she imagines that she is before the man of her dreams and she attempts everything in her power to seduce him. Then in The Oriental and his Flying Daggers, the artist throws his knives close to his assistant and lies down on a table full of nails, between several comic acts.

Átila, the Prince of Brutality, is a young man born in Mongolia and brought up in the Dutch Alps, who shows his talent for strength and seduction by breaking steel chains and breaking a thick telephone directory clean in half.

Between Two takes place on the aerial silks, where a couple constantly loses each other in the air. At each new attempt to come together, the characters repel

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each other and the desired meeting becomes increasingly difficult. The shapes that are formed in the air have their own delicate poetry.

In All Things Shiny, a juggling act takes place in the everyday life of a woman.

Whose widow?, in turn, is about female emotions, expressed through movements that take place in the aerial hoop.

Directed by Carolina Cony, the show is the result of a project led by herself and Camila Moura. They created Circo Strada together in 2011. The group is made up by a group of circus performers in Rio de Janeiro. The seven artists who form the group have different backgrounds (Intrépida Trupe, Cirque Du Soleil, Faculdade de Dança Angel Vianna, Escola Nacional de Circo and even a professional synchronized swimmer, such is the case with Fernanda Monteiro) and they have been developing their artistic creations in Brazil and abroad.

Idea Camila Moura and Carolina Cony Direction Carolina Cony Cast Camila Moura, Carolina Cony, Clarice Panadés, Fabrício Dorneles, Fernanda Monteiro, Guilherme Veloso and Lucas Moreira

Clake Circo Amarillo (SP) A strange contraption, made up of a piano and other non traditional instruments, such as a car horn and a doorbell, moves through a system of wheels and a pedal. The retro-futuristic invention is the starting point for the comic show Clake.

Marcelo Lujan and Pablo Nordio have been investigating eccentric music since 1997, when the company was founded. In the show, which was first staged in 2012 under the direction of Domingos Montagner, Lujan and Nordio play the part of two dolls, who are responsible for the functioning of the contraption, which is transformed into a real music box.

The device took a year and a half to prepare. It was inspired by objects from the past, but it has nothing old about it: there is even an option to control the mechanism, using a remote control which is able to automatically activate the sound of the car and motorcycle horns and ambulance sirens, which the artists call “metropolitan urban music”.

During the performance, the duo mix classic gags with other more contemporary approaches, captivating children and adults alike. There are also a range of other acts interspersed within the performance, such as acrobatics, musical juggling, in which Lujan and Nordio play the drums with balls, and an eccentric bike which, at a certain point, explodes and is disassembled – the frame goes one way, the handlebars the other, the pedals appear in the place of the seat and the seat in the place of the pedals.

Clake is the third performance of the group, which has performed in various cities in Brazil and abroad. The Argentines Lujan and Nordio have been living in Brazil for thirteen years. They also created Circo Zanni in 2002, together with Domingos Montagner and Fernando Sampaio.

Creation Circo Amarillo Direction Domingos Montagner Cast Marcelo Lujan and Pablo Nordio

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Countryside Collections Núcleo Valéria Martins (RJ) It was after a visit to Inhotim, Brazil’s biggest open air museum, in Minas Gerias, that Valéria Martins came up with the idea of putting on the performance Countryside Collections. Emotionally moved by the collection, it was at that point that she envisioned a work that would relate movements of the body to art works, in which the works would cease to be an element of pure static contemplation and would become the support for the performances and movements of actors/ acrobats/ dancers.

Three artists, Raul Mourão, José Spaniol and Claudia Hersz, were invited to present works that would make a connection with the performers. Mourão built a tubular aluminum structure, around 3.5 meters high, which creates for a swinging movement, allowing for a playful exploration of the weights of the bodies.

Spaniol developed a strange 4 meter high metallic structure, which contains day to day objects, such as tables, chairs and beds – placed upside down. Suspension acts are executed around these objects.

Claudia Hersz built a 2.5 meter wooden giraffe especially for the performance.

The giant toy is moved and manipulated by the performers throughout the presentation, and it is taken apart and put pack together again by the cast.

Six acrobats perform amongst these structures, employing techniques from dance, circus and artistic gymnastics. To complete the performance, there is a sound installation from the music of Daniel Castanheira. The piece is called “electronic forest”, with deep, medium and high sounds distributed through an entire passage way, which is made up of static structures.

First staged in May 2012 in Rio de Janeiro and now performed for the first time in São Paulo, the show has a sequel to the Collections project, which has another four installations to experiment with. The works form part of the investigation of the director, Valéria Martins, who is a former member of Intrépida Trupe, where she worked as artistic director for over 20 years.

General coordination, ideas and direction Valéria Martins Visual artists Claudia Hersz, José Spaniol and Raul Mourão Sound installation and original soundtrack Daniel Castanheira Cast Carolina Cony, Fernanda Monteiro, Flávia Costa, Guilherme Lazari, Renato Oliveira and Tatiana Miranda

Deisespera (Play on words to form a neologism from “daisy” and “desperation”) Grupo Ares (SP) With a hybrid language and a strong musical influence, Deisespera was first staged at Circos. Five men are sitting in a bar waiting for Deise (‘Daisy’ in English), a woman who they consider perfect. She forms part of the imagination of each of them – but does she actually exist?

Whilst they wait for Deise, the men spend the time conversing and showing off their talents. One of them shows off his sense of balance on a monocycle between the bar tables, whilst another makes daring movements in the Cyr wheel. There are also Chinese pole acts, dance, acrobatics, pole dance and balancing, in which the men don’t hold back in jumps, spins, contortion and handstands, winning spontaneous applause from the audience.

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The music, thought up by Sérvulo Augusto, transmits a large part of the refined humor of the show. The popular American song Daisey Bell – A Bicycle Built for Two, from 1892, seams together the dramatic aspect of Deisespera with a range of different recordings. There is also a tango from the Uruguayan musician Francisco Canaro No me Pregunten por Que (Don’t ask me why), the samba Monsueto Eu Quero essa Mulher assim Mesmo (Monsueto I want that Woman right as she is), amongst other songs by Ray Charles and Jorge Drexler.

The surprise is left for the end, when Deise finally arrives at the meeting point: she is a transvestite. The humor, which permeates the entire spectacle, reaches its climax at this point.

Grupo Ares was founded in 2007 by the aerial dancer, acrobat, capoeirista, choreographer and director Monica Alla. She studied aerial dance in Holland and when she returned to Brazil 12 years later, she decided to set up a group that would work mainly with rappel, elastics, horizontal and vertical ropes. She has worked with numerous other circus and theatre companies such as Nau de Ícaros, Linhas Aéreas, Teatro do Ornitorrinco, Teatro da Vertigem and Acrobático Fratelli. Grupo Ares has ten shows in its repertoire.

Ideas and general direction Monica Alla Choreography and co-direction Ana Motta Cast Jacques Alejo, Victor Abreu, Franco, Petit, Raphael Martinelli and Kadu Mendes Special participation of Kiko Belluci

Desdobrar (Excess) Nós No Bambu Co. (DF) The name of the company (which literally translates as ‘We amongst the Bamboo’) already hints at the kind of work of this Brazilian group explores. They perform acrobatic dance acts on handcrafted structures of bamboo. In the show Desdobrar, four female characters balance on bamboo tripods in a performance inspired by the modern woman.

The show, that was first staged in December 2012, is directed by the Argentine clown, dancer and actress Julieta Zarza. On stage, the performer-creators dance, go up, go down and manipulate the tripods, transforming the scenery several times. The movements have their own charm due to the simplicity and the beauty of the forms. The scenes refer to the life of the women, who experience moments of excess day to day.

Ten years ago, the company began to investigate the artistic language that has its origin in the Integral Bamboo System, devised by the professor Marcelo Rio Branco, in 1999. The objective of the system is to perform and move within biophysical structures, and explore the possibilities that become manifest in the act of movement, in the search for longevity, biological functioning and survival.

To create the show, the performer-creators also had to respect the state of the bamboo under different climate conditions, which creates a sense of communion between work and nature.

After five years of research and performances, the company finally adopted the name Nós No Bambu, in 2007. Currently, the group consists of 11 acrobats and is sponsored by Petrobras.

Artistic direction Julieta Zarza Script Julieta Zarza Performers-creators Ana Flávia Almeida, Nara Faria, Poema Mühlenberg and Roberta Martins Stand-in Ana Nolasco •

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O Destino das Flores (The Destiny of Flowers) Circondríacos (RJ) O Destino das Flores tells the story of a writer who is anguished by his loneliness. Isolated in an office, he sinks back into his own memories, turning characters from his subconscious into real beings. They take on life and independence, to the point of manipulating their creator. In no time at all, the imaginary protagonists are controlling all of the actions of the writer.

Throughout the show, he is transformed into a doll and starts to drink. Drunk, he finds it increasingly difficult to free himself from his characters and he finds himself obliged to take on a new dynamic alongside them.

As part of the fantasy of the writer, a woman dresses as a man and a man as a woman.

In one of the interactions with the public, the male character sits on the spectators’ laps without losing his gracefulness teetering on his high heels. He also balances a glass cup on the sole of the high heeled shoes, whilst at the same time he opens the other leg, going into splits position. The paper thrown in the writer’s waste paper bin is transformed into juggling balls.

In this show, theatricality goes hand in hand with circus performance. The acts could in some respects symbolize the worries, difficulties and challenges we must all face and that we are all exposed to in life: a series of contortions, hand stands, acrobatics and trapeze.

The title of the show is a poetic reference to the roles people play in the world at large: each human being is a flower, and a different destiny awaits each one of them.

Now performing for the first time in São Paulo, the Grupo Circondríacos first staged this show at the 13th Festival du Cirque Janvier Dans les Étoiles, in Syene-sur-Mer, France. The company first came about in 2010, in Rio de Janeiro.

Rachel Rache, co-director for the Archaos group, which is extremely renowned in contemporary French circus, was invited to direct this work.

Script Bruno Carneiro Direction Raquel Rache Cast Bruno Carneiro, Guilherme Mouro and Patrícia de Sousa

Homens de Solas de Vento (Men with soles of wind) Solas de Vento (Soles of wind) (SP) Two travelers ready to embark on their destiny find themselves unable to proceed. They are retained at Immigrations and obliged to reinvent their life styles there in the waiting area, a kind of unknown limbo. From this moment on, the suitcase of each of them will start to represent the world in miniature.

The personal space of each of them is reconstructed and their relation with each other becomes an increasing challenge for both of them. The condition of being a foreigner for each of them, the initial difficulty of coming together, the curiosity for the habits of the other and the clashing of the respective values of each of them, are the themes that are explored in the plot.

Using only mime and gestures, without words, the Solas de Vento group tells their story through circus, dance and theatre. The show contains constant moments of suspense: all the scenery, suitcases, hammocks and clothes, are hanging from the roof of the theatre, along with the performers themselves.

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Between one movement and another, they start to interact upside down, hanging from their ankles.

This physical condition of suspension relates to this condition of waiting for an undefined length of time that the protagonists must face. The soundtrack is

by Marcelo Lujan, who looked for inspiration in his own identity as a foreigner for the composition: Lujan is an Argentine who has lived in Brazil for 13 years.

The Solas de Vento group was formed in 2007 by the French dancer and actor Bruno Rudolph and the Brazilian actor and circus performer Ricardo Rodrigues, in São Paulo. Their investigations are focused on contemporary dance, on mime theatre and on circus techniques, as well as theatre. In 2009, the duo added video projections to their productions, which propose new approaches for video footage.

Moreover, they started to explore non conventional spaces for their shows.

Creation Bruno Rudolf and Ricardo Rodrigues Direction Rodrigo Matheus Cast Bruno Rudolf and Ricardo Rodrigues

Île O (O Island) BaroloSolo Co. (France) Islands are portions of land surrounded by water on all sides. In the show of this French company BaroloSolo, the island has no land: it is made up solely of water. And it is precisely in this space that the plot of Île O (in English, “The Island called ‘O’”) takes place – the “o” sound is pronounced the same as “eau”, in French, which means “water”).

Two musicians, Mathieu Lavavasseur (cello and banjo) and Willam Valet (violin), meet on this island full of water. The first is undeterred and goes ahead with his performance. The second is scared just at the thought of touching the liquid surface, though he will do everything not to disappoint his audience.

Scarcely uttering a word, the duo show off a series of virtuoso circus movements – such as balance, perch pole, floor acrobatics and hand to hand -, all mixed in with plenty of humor and music. The music for the show is played live by the performers themselves, who play the instruments they carry with them, or using the water itself.

The interaction between both is harmonious and comic: Mathieu is the Whitefaced clown, whilst William acts like Auguste clown, the cheeky and playful clown who has everyone in fits of laughter.

The BaroloSolo company was founded in 2006 by Mathieu Lavavasseur and, in the four shows of their repertoire - Le Chariot², L’Orange, O Temps d’O and Île O – they form plots using circus techniques with clowning, as well as intimate, poetic and oneiric overtones.

The group has performed in a number of countries, including Russia, Australia, Holland, Italy and, of course, France. Île O, created in 2011, is the first that they will bring to Brazil.

Ideas Mathieu Levavasseur Musical Composition Mathieu Levavasseur and William Valet Creation Mathieu Levavasseur, William Valet, Laurent Desflèches, Michel Cerda and Sébastien Lalanne Direction Marieke Lanoye Cast Mathieu Lavavasseur and William Valet Production in Brazil Marisa Riccitelli Sant’ana GAG - PHILA7

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A La Carte La Mínima (SP) The show A la Carte has formed part of the repertoire of La Mínima since 2001 and it is fruit of a partnership of the duo with the Italian master Leris Colombaioni, born to a traditional circus family and descendent of saltimbancos with over 400 years of history in the profession.

Leris has a long career as an acrobat, trapeze artist, tightrope walker and clown. He is the son of Nani Colombaioni, a much respected Italian clown who passed away in 1999, and who became famous for playing one of the leading roles in the film I Clowns (1970) by Federico Fellini.

Montagner and Sampaio spent a season at the Colombaioni circus, called Ercolino, in the south of Rome, to produce A La Carte. The idea of the duo was to do something that harked back to the style of the traditional clowns.

A La Carte follows the story of two clowns, who share the same simple house in unidentified suburbs, lost in time and space. One of them cannot bear the situation they live in, whilst the other is contented. The duo join forces to meet one of the greatest human needs: keeping hunger at bay; and not only hunger for food, but also for desire, power and dignity.

Without exchanging a word, they are faced with comic situations, seeking to overcome their adverse lifestyle. In one scene, one of the characters dreams that the other enters into the oven to look for food, transforming into a chicken that lays an egg. At another point in the show, the electricity goes off and an explosion blows the bulb in the house. To solve the problem, the characters look for absurd solutions, such as using the ladder without leaning it on anything.

Domingos Montagner and Fernando Sampaio got to know each other in the Circo Escola Picadeiro, in São Paulo, at the end of 1989 and they decided to form a clown duo, under the supervision of Roger Avanzi, the famous Picolino the Clown.

In 1997, they founded the award winning group La Mínima, whose focus is clown techniques together with physical comedy and classic acrobatic parodies.

In their 15 year career, the company has put together 13 shows for their repertoire.

Direction Leris Colombaioni Script Paulo Rogério Lopes Cast Domingos Montagner and Fernando Sampaio

L’Arche (The Arc) L’ Arsenal (Canada) The Canadian performers of the company L’Arsenal decided to recreate the Biblical myth of Noah’s Arc using circus and technology. Acrobats, jugglers, dancers and hand balancers perform their acts whilst images of forests, rivers and animals are projected on two screens, which simulate a 3D effect through superimposition (one at the foot of the stage and the other at the back). A musician performs the music live, which is mostly percussion.

The idea behind the show, which first took to the stage in 2008, is to tackle the subject of the environment, the importance of its conservation and the way in which society is always belittling its importance. It seeks to remind the audience that our planet has limited natural resources, which decrease by the day, and that

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if they are not preserved or alternative sources are found, coming generations will be faced with a much scarcer world. The UN and Unesco support the show through their local representatives in Canada.

The figures of the performers are surrounded by the impacting projected images. Not only the animals, but the forest and the Arc itself appear in almost live size dimensions, creating a breathtaking visual effect.

Free of dialogue, which makes the message universal, the plot is performed by six performers on stage, who perform aerial silks acts, Chinese pole, dance, theatre, aerial acrobatics, juggling and diverse feats of strength and balance.

The directors, Lorena Corradi and Reggi Ettore, are also the founders of the company L’Arsenal, created in 1978 in Quebec, in Canada. They have 24 shows in their repertoire, which have been performed for over 15 thousand people in a range of cities in the United States, Europe and Asia. It was the first time that the group performed in Brazil.

Creation and direction Lorena Corradi and Reggi Ettore Cast Andy Giroux, Geneviève Gauthier, Jordan Clark, Joren Dawson, Santé Fortunato and Philippe Trépanier Production in Brazil Paulo Aliende - Circus Produções Support

Le Retour (The Return) Les Parfaits Inconnus (Canada) The Canadian group, made up of seven male performers and one woman, presents a show that tells the story of a gypsy circus family who are confronted with a lack of an audience at their shows. They live in the outskirts of the cities they pass through and they seek to get the attention of certain influential people, but to no end.

One day, whilst carrying out their day to day chores, they come across an audience who are impatient for a show. They are overwhelmed with happiness: they put on their best, most colorful outfits, they warm up in order to show off their virtuoso movements and, finally they blow the dust of their instruments to compose the music to the show.

On stage there are only the bare elements for The Return of the troupe. A bicycle is used as a balancing apparatus by one of the performers, and after pedaling it, he balances on the handlebar whilst it is still moving. He then also transforms it into a monocycle and he leaves the stage performing a number of tricks. A hand stand on seats that are piled up in the most diverse ways is a particularly impressive act. There are also a series of magic acts, such as one that makes the only woman in the group disappear from within a cage and then reappear outside it.

Acrobatics, juggling and aerial silks complete the show’s acts, to the sound of rock’n’roll played live by the cast. And if that was not enough, the musical performers play their instruments whilst balancing on a giant rolla-bolla.

Les Parfaits Inconnus (“The Perfect Strangers” in English) is a project that has been coordinated by Sylvain Dubois since 2006, which brings together friends and fellow performers to put on temporary shows together. They have already put on around 250 performances of their first show of the same name (a shortened version of The Return) for over 60 thousand people in different cities in Canada, North America, and Asia.

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Creation Les Parfaits Inconnus Direction Soizick Hébert Assistance James Kealon Cast Ariane Cabana, Gonzalo Coloma, Jonathan Brochu, Patrick Mainville, Philibert Hébert-Filion, Philippe Lemay, Simon Nadeau and Sylvain Dubois Production Pedro de Freitas - Périplo Produções Support

Music from Circo Nerino Roger Avanzi and guests (SP) To commemorate the 90 years of Roger Avanzi, Picolino the Clown, and the 100 years of Circo Nerino, a range of artists get together to record the CD of the same name, which brings together songs that made up the repertoire of the famous circus that entertained children, young people and adults from 1913 to 1964 all over Brazil.

This unprecedented show, performed on the opening dates of Circos, was made up of a whole parade of different circus acts. Bruno Edson, the most experienced plate spinner currently working in the country, showed off his skills once again; ten young artists from the Baian troupe Escola Picolino de Artes do Circo showed off their skills on the trapeze, in acrobatics and clowning; the traditional Sbano Family performed acts with lassos, knives and a huge whip, which was used to slice paper into increasingly small pieces right up close to one of the performer’s faces.

The great Roger Avanzi, the star of the night, came up on stage dressed as Picolino the Clown and performed some of the gags from the time of the circus ring at Nerino. Gaetan Ribolá, the most famous acrobat to come out of Circo Nerino, who passed away in 1970, was also paid homage with a human pyramids performance. The French sisters Myris and Armandine Ribolá (the latter was Roger’s mother) served as inspiration to the trapeze duo from the Escola Picolino, dressed in reproductions of the original costume from the early 20th century.

The musicians featured the participation of the singers Karina Buhr and Letícia Coura, and of the Banda Paralela. Roger Avanzi performed some of the songs from that time, which today form part of the memories of the majority of Brazilians, such as Dor de Dente (Tooth ache) and Oh, Suzana.

Throughout the show, images of the Circo Nerino were projected onto the back of the stage. These original photographs, taken by Pierre Verger, Luis Alfredo, Bajado and Picolino himself, featured the circus tent, the artists both doing their makeup and in action, the ticket office, the public sitting around the circus tent and the circus trucks.

The show was presented by the actor Pascoal da Conceição and by the author who has carried out of the research on Circo Nerino, Verônica Tamaoki.

Idea Verônica Tamaoki Musical direction Otávio Ortega Artistic Direction Marcelo Drummond Cast Banda Paralela, Bruno Edson, Fabio Bonfim, Gustavo Souza, Jailson Pereira, Karina Buhr, Letícia Coura, Luana Serrat, Meno del Picchia, Nana Porto, Nina Porto, Otávio Ortega, Pascoal da Conceição, Pedro Penna, Rachel Quesado, Roger Avanzi, Verônica Tamaoki and guests

The story of Circo Nerino One of the most famous circuses in Brazil was named after Roger’s father, Nerino Avanzi. In 1883, Roger’s grandparents arrived in São Paulo with an opera company who arrived from Italy. Júlio and Maria Avanzi weren’t proper performers: he worked as a technician and she worked as a housekeeper at a theatre.

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When the tour came to an end, they could not return to their native country because Maria was about to give birth to baby Nerino and, if they carried on with their journey he might be born on the ship. So they went to live in the Brás neighborhood, which was fondly nicknamed ‘Italy Paulista’ as a result of the large Italian community that resided there. Some time later they would go on to work at the Theatro Polytheama, which was located in the Vale do Anhangabaú.

Years later, that place would become the first school for Nerino, who had always dreamed of becoming a clown.

The future founder of the Circo Nerino worked in a range of circuses before he started up his own business. He formed part of the Martinelli circus and he traveled around the main part of the North and Northeast of Brazil, forming part of the Circo Pierre from Buenos Aires, Argentina, and he later joined the cast of Circo Chileno when he arrived back in São Paulo.

In one of these journeys for work contracts, he met a beautiful young girl who appeared on the enormous posters that were put up around the city: she was the French gymnast, contortionist and trapeze artist Armandine, who performed at a casino. Nerino joked with his friends “I’m going to marry that girl”.

Nerino convinced the owner of Circo Chileno, Roberto Fernandes, to hire the little French girl and her sister, Myris, who didn’t have a contract at the time and were considering returning to their country. On the 27th February 1912, Nerino and Armandine were married in São José do Rio Preto (SP). Ten years down the line, Roger Avanzi was born in the same city.

When Circo Chileno traveled to Curitiba, Armandine and Nerino, as well as one of Nerino’s brothers, Felipe, and two other performers, decided to break away and set up their own business. When they began to travel, the partners decided that it would be easier to be hired by big circuses than to invest in one small one.

From that point on, they adopted the name Nerino.

For almost 52 years, Circo Nerino embarked on extensive tours, passing through over 400 destinations in the Southeast and Northwest of the country.

There was a full house every night with audiences eager to see the floor and aerial acrobatics that were down to the strength of the catcher Gaetan Ribolá, who performed the classic trapeze duo with Armandine, the beautiful voice of Ronita Avanzi, singing to the accompaniment of the accordion, the graceful little Alice Avanzi Silva performing acts with horses, dance, as well as many other skills that for a long while made her quite the star of the circus; besides, that is, Picolino the Clown, of course.

Picolino the clowns I and II The name of the clown, Picolino I (who before the II came into being when the character was taken on by Roger, was just Picolino), was given to him by a Portuguese friend. Nerino was always very small and so that was why they called him – picolino, in Italian, which means small person. He thought it was an appropriate name for an eccentric clown. It went down a treat for someone who was able to get the audience in fits of laughter for over 50 years.

Roger Avanzi first took to the stage as Picolino II on the 16th of October 1954, in Coaraci, in Bahia. He trembled and sweated constantly from nerves. Eros Arruda, the company’s trainer, gave him the confidence he needed and that was how it all

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started. “I was never the same again. My ego was transformed completely. I was one thing beforehand and I just became another. I changed the way I thought about things, the way I acted, my ideas about the world, everything. It was as if the clown had got into my personality”, quotes Verônica Tamaoki in the book Circo Nerino (2006).

Roger continued the legacy of his father with the most popular attraction at Circo Nerino – Picolino was anxiously awaited by the audiences who lived in the cities that the circus passed through. Before going on stage, the audience formed a chorus, singing: “Lá vem, lá vem, lá vem Picolino Lá vem, lá vem, lá vem Picolino Lá vem, lá vem, lá vem Picolino Com as calças caindo e o colarinho subindo” (“Here he comes, here he comes, here comes Picolino Here he comes, here he comes, here comes Picolino Here he comes, here he comes, here comes Picolino His pants fall down, Picolino, Picolino His collar turned up, Picolino, Picolino”) And it was not only as an eccentric clown that he found fame. Like all of those in the troupe, Roger performed a dual role following the common structure of the circus presentations at that time. In the first part there was a variety show, and Roger would enter as the clown working the audience into fits of laughter. In the second half, in a theatrical circus act, he would come back as the hero of the story, provoking the sighs of the swooning local town girls.

In 1963, Nerino Avanzi, Picolino I, died at 80. The following year the circus closed down in Cruzeiro (SP), leaving behind its story as a legacy, which is an important part of the memory of Brazilian circus today.

Source Circo Nerino (2004, Selo Pindorama Circus & Editora Córtex), by Roger Avanzi and Verônica Tamaoki

A Noite dos Palhaços Mudos (The night of the silent clowns) La Mínima (SP) A comic strip from 1987, by the cartoonist Laerte, was the starting point for the show, A Noite dos Palhaços Mudos, which was first staged in 2008. The plot features two mute clowns who live in a city and are constantly joking around. However, a sect considers them a threat and plans to exterminate them.

In the first relentless chase, one of the clowns is captured and he is stripped of his red nose. Alarmed, the second clown comes to his rescue, seeking to help him with this “nasal rescue” in a comic way.

The story is told in a film noir kind of atmosphere, in which the real world is confused with fantasy. The show explores the lack of tolerance on a variety of subjects in the modern world, using magic tricks, musical acts and, of course, plenty of comedy.

In one of the scenes, the clowns pretend to flee through the window sill from a high building. To this end, they use only mime and lighting that suggests glass windows.

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Since there are many persecutions during the performance, the resources used to make them happen on stage vary. In one of them, the clowns run on the spot, whilst the objects are pulled on almost invisible wires attached to their thighs, giving the impression of the movement of the duo. In another scene, the performers move toy cars around a table: the sirens, the car horns and even the sound of car’s reversing are made by the clowns.

The actors Domingos Montagner and Fernando Sampaio won the Shell Prize for best actors for this show in 2008.

Text Laerte Adaptation and script La Mínima and Alvaro Assad Direction and mime preparation Alvaro Assad Cast Domingos Montagner, Fernando Sampaio and Fernando Paz Stand-in Marcelo Castro

Submersão – 20 Mil Léguas Submarinas (Submersion – 20 thousand leagues under the sea) Cênica Nau de Ícaros Co. (SP) Company Cênica Nau de Ícaros looked for inspiration for their latest creation in the classic novel from Julio Verne 20 thousand leagues under the sea. The story of the Nautilus submarine, powered by electricity and commanded by captain Nemo, was transformed into a specially adapted performance for the outside area of the Sesc Bom Retiro.

Thirty tanks of water piled on top of each other, reaching almost seven meters in height, was the base for the stage structure created to transport the audience to the same deep sea atmosphere that was originally imagined by the French 19th century writer. Within this structure, six performers stage important moments in the original story, such as the nightmare, the shipwreck and the rescue.

At the beginning and end of the presentation, one of the artists dives with an oxygen tank for ten minutes. The trapeze and ropes emphasize this idea of an imaginary underwater floating movement.

The music also contributes to this nautical atmosphere, adding elements of Brazilian culture that are ever present in the repertoire of Nau de Ícaros. The sound made by the spear-thrower, the character responsible for killing the monster in Verne’s book, is replaced by the sound of instruments used by native Indians playing rural maracatu music.

This new performance forms part of the 20 year anniversary commemoration of the Nau de Ícaros Company, who have over 20 creations in their repertoire.

Since its beginnings, in 1992, the group has been working on an investigation, which entails a modern take on the circus world and Brazilian popular culture. The result is a show that brings together circus, theatre and dance. Many of them – such as Submersion – are characterized by the interaction between art and architecture, stimulating a new perspective on city and space.

Creation Álvaro Barcellos, Beatriz Evrard, Celso Reeks, Erica Rodrigues, Leticia Doretto and Marco Vettore Direction Marco Vettore Cast Álvaro Barcellos, Beatriz Evrard, Celso Reeks, Erica Rodrigues, Leticia Doretto and Marco Vettore Choreography Erica Rodrigues Dance preparation Erica Rodrigues and Leticia Doretto

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Trixmix Cabaret (SP) Circus, dance, music and humor can be found in this variety show inspired by the French belle époque, which extended from the end of the 19th Century to the beginning of the 20th Century, when European culture was flourishing.

The show was first staged in London in 2006, when the performers Emiliano Pedro and Raquel Rosmaninho came up with the idea. When they returned to São Paulo the following year, they began with the production and direction of what would be the beginnings of the show.

For the past six years, Trixmix Cabaret has been bringing together Brazilian and foreign talents who are ready to surprise the public, and who always get a full house in the venues they perform in, which is at least once a month. There is no fixed cast, nor act, which means that each new performance is packed with surprises.

In this special edition for Circos, the Spanish performer Jesus Fornies showed off his skills and balance with footballs, performing a complex juggling act. The Sabatino Brothers, together with Marcos Porto and Claudio Costa, performed a comedy trapeze act dressed as cancan girls.

The acrobat Martin Alvez showed off his strength and balance on the aerial straps with I Still Try, whilst the Argentine clown Tomate performed his versatile clowning acts using nothing more than some white balloons. The acrobat Mariana Duarte took on the sensual character of Gilda to perform her impressive aerial silks act.

The duo Edu Mantovani and Carola Costa put on a beautiful choreography with hand to hand acrobatics, titled the O Roubo do Chapéu (The Hat Robbery), after which Marcos Nery performed a trapeze act. Zuza and Jorge showed off their skills in Ritual das Esferas (The Sphere Ritual), with contact juggling accompanied by the didgeridoo, an ancestral Australian musical instrument.

Linas Aéreas Co., whose work is based on investigating circus, dance and theatre showed off their skills, performing on unconventional circus structures, such as a sofa.

Alejandro Muniz was the master of ceremonies who was invited to present this edition of Trixmix Cabaret. This magician and actor has an irreverent style and acid humor. Diny, the illusionist, rounded off the show in an act where he changes clothes in one magic step.

Creation Shared among the participating artists Direction Emiliano Pedro and Raquel Rosmaninho Cast Alejandro Muniz (MC), Carola Costa, Diny, Edu Mantovani, Sabatino Brothers, Jesus Fornies, Jorge Ribero, Cia. Linhas Aéreas, Marcos Nery, Mariana Duarte, Martin Alves, Tomate and Zuza

Vaiqueuvoo Sabatino Brothers (SP) The Sabatino Brothers looked for inspiration in the aviators of the 1930s in order to put on the show Vaiqueuvoo. Three trapeze artists recreate the scene, using the costumes and movements that the acrobats at that time performed on their single motor biplanes.

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The group defies gravity using a series of aerial acrobatic moves, as well as elements of circus tricks, theatre, dance and humor. The visual impact is caused by a huge risk factor: the acrobats perform summersaults, swings and cascatas (tumble) with incredible precision.

Trust is a key element to this work: without it, there would be no dialogue between the catcher and the flyer. This is what allows them to perform the complex movements around the aerial structure, the Russian swing and the high bar, apparatuses that demand particular concentration and synchronization.

The aura of the 1930’s is reinforced with special effects, with smoke billowing from the old fashioned single engine. The show also features the movements of mini planes and mini parachutists. The costume is a recreation of the uniform used by troupes decades back: boots, trousers, jacket, scarf, cap and the typical aviator glasses.

In order to set up the show, the Sabatino Brothers used the books Nothing by Chance (1969), by Richard Bach (ex American Air Force pilot, the same author as Jonathan Livingston Seagull), and Wind Sand and Stars (1939), by Antoine de Saint-Exupéry, and the film The Great Waldo Pepper (1975) by the director George Roy Hill, as well as photos and images from aerial circuses from the 1920s and 1930s.

The investigation into acrobatics by the Sabatino Brothers began in the late 1980s, when they began their career as gymnasts. Since 2000, they have been developing new shows based on aerial movements. They have already formed part of a range of groups, such as Acrobático Fratelli, Circo Zanni, Flying Mendes, Intrépida Trupe, Grupo Ares, Paraladosanjos, Trupe Trapetit and Espaço Cultural Semente. In 2009, they founded their own company.

Idea Sabatino Brothers Direction and script André Sabatino Cast André Sabatino, Marcos Porto and Martin Sabatino

Vitória Régia Acrobático Fratelli (SP) The tupi-guarani legend that refers to the Amazonian water lily states that when Jaci, the Moon, liked a young girl, she turned into a star. The warrior Naiá, daughter of the ‘pajé’ of the tribe, was seduced by this story and was determined to win over the Moon. Every night, she would go up the mountains in the hope that she would see her. After uncountable unsuccessful attempts, her weeping could be heard for miles around.

One night, when the sky was clear and full of stars, Naiá saw the reflection of the Moon in the water. Thinking that she had been finally chosen, she threw herself in the lake and was never seen again. As a reward for her sacrifice, the Moon turned her into a “water star” - Naiá took on the form of a water lily.

Acrobático Fratelli first staged the show in 2009, the performance being inspired by Brazilian folklore. For this end, they use the four elements of nature: water, earth, air and fire, represented by the pool and its bank, and the aerial acts with the support of an aerial hoop and lighting with floating vessels in the water.

The dancers and acrobats Kiko Caldas and Cinthia Beranek, who are synchronized swimmers, tell the story only through movements. To represent the Moon, Kiko uses the support of the aerial hoop, which rises out of the water to the top of the pool.

Cinthia comes from the ground, dancing with light and graceful steps.

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The acts alternate with the performance of four synchronized swimmers, who simulate the movements of aquatic animals, whose images are at the same time projected on the wall behind the pool. Classical ballet and contemporary dance feature within and outside the water, in perfect synchrony. The performers also use techniques from theatre and rappel.

Since 1990, the Acrobático Fratelli having been creating works that bring together different artistic disciplines, searching for a contemporary way of producing circus. With their current training center based in Cotia, the performers also give circus classes for children, teenagers and adults.

Choreography Rogério Maia Direction Cinthia Beranek and Kiko Caldas Cast Cinthia Beranek and Kiko Caldas Synchronized Swimming Adriana Moura, Isabela Moura, Kiki Milani and Tayná Caldas

Interventions Cabaré Três Vinténs (Copper Coins Cabaret) (SP) Inspired by the old fashioned variety show cabarets from the 1930s, the group presents hybrid performances that combine music and circus. Their repertoire includes everything from swing jazz classics to Brazilian music. The costumes are reminiscent of those used by singers and musicians from the 1930s and they help create the atmosphere.

The band presents a varied repertoire, with classics such as Com que Roupa?

(Which clothes?) by Noel Rosa, St. Louis Blues, by W. C. Handy, as well as their own compositions, for example Fanfarra do Vidigal e Desquite, both written

by Henrique Mendonça, amongst others. They form part of the repertoire of compositions by Adoniran Barbosa, Django Reinhardt and Louis Armstrong. In the midst of the show, the drummer and performer Narayan Pinduca performs circus acts, such as contact juggling and a monocycle act.

The young band members met each other at the University of São Paulo (USP) and founded the Cabaré Três Vinténs in 2011 with the idea of making the art of cabaret more accessible by taking its shows to the streets and public places in the city.

Cast members Gabriela Cardoso (vocals and percussion), Henrique Mendonça (vocals, guitar and trumpet), Leandro Kanke (piano and accordion), Narayan Pinduca (percussion and circus arts) and Wolfgang Santos (clarinet).

Gutto Thomaz (SP) The magician Gutto Thomaz is only 19, but he has already proved to have the skills of a veteran. With his charismatic attitude he captures the attention of adults and children who love his “household magic tricks”, which are performed close up to the public. Gutto performed in the intervals of the Circos attractions and managed to attract large audiences.

His magic is based on day to day situations: according to Gutto, everyday people come across things that are out of the ordinary but they don’t realize it.

With this in mind, Gutto selected a number of magic acts using personal objects, which he borrows from the public, such as notes, cigarettes, coins, rings and watches etc. He also performed a number of classics with playing cards.

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Working as a professional magician for the past four years, Gutto Thomaz attended theatre schools and has been playing with magic kits since he was a child. He studied mime and clown techniques, he was a student of the famous Henry Evans and he has participated in ten conferences about illusionism around the world.

Mustache e os Apaches (SP) The group sought inspiration in the American jug bands that were popular in the 1920s, whose characteristic instrument was the moringa, which emitted an acoustic sound when blown into. In the group’s composition, there are traditional instruments, such as the banjo, the double bass, the mandolin and the acoustic guitar, as well as a washboard, kitted out with pedals, butter cans and bicycle bells. Other instruments include the kazoo (wind instrument), the ganzá (percussion instrument commonly used in samba) and the queixada (also percussion instrument, in which both the hands and legs are used to play).

The inspiration of the band comes from the dixieland classics (subgenre of jazz created around 1910), swing jazz, standard jazz, folk, skiffle (folk with a mix of jazz, blues and country), bluegrass (subgenre of country) and rock’n’roll.

Amongst the groups that influenced the formation of the Mustache are The Beatles, Rolling Stones, and British skiffle music such as Lonnie Donegan, and the American composer and blues base player Willie Dixon, the American group The Mills Brothers, Ella Fitzgerald, and from Brazil, Os Mutantes and os tropicalistas.

Their repertoire includes their own songs, such as Nega Lilu, Come to Sing With Us and Harry Nilson Blues, as well as versions of standard jazz, such as I Ain’t Got Nobody, Smokey Joe’s Cafe and Minnie the Moocher, all classics in Brazil, which have been recorded by a range of artists and groups such as Cab Calloway, The Coasters and Louis Prima.

The band was formed at the beginning of 2011 by Brazilians from various parts of the country living in São Paulo: Axel Flag, Tomás Oliveira and Pedro Pastoriz are from Porto Alegre, Jack Rubens is from Palmeira das Missões (RS) and Lumineiro, from Belo Horizonte.

The idea, just as their American idols, is to play in unexpected places, often places of transit, such as subway escalators, the corners of busy streets, on buses, in squares and parks. They have embarked on tours in both Brazil and abroad.

Cast members: Alex Flag (vocals), Jack Rubens (mandolin) and Lumineiro (washboard), Pedro Pastoriz (banjo, acoustic guitar and vocals, Tomás Oliveira (double bass and vocals)

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Educational activities Workshop Playwriting for Circus With Raquel Rache and Guy Carrara (Brazil/France) Artists with previous experience, interested in creating narratives to be staged using circus techniques came together to create a theatrical scene. The scenes were written and then put into practice using circus apparatus, such as the trapeze, aerial silks, the tightrope and juggling. If they didn’t work, the performers would go back to the paper to make changes to the script. This is basically the method used to stage circus shows developed by the Brazilian writer Raquel Rache and by the French writer Guy Carrara, which was applied to the Playwriting for Circus workshop.

In practice, teaching this method starts with a warm up in order to work with the psychology of the circus performer, first freeing the imagination in order to allow for a free flow of ideas and then starts to work with what can be made real. Everything is tried out and tested and the paper is used to help with the elaboration of a consistent dramatic structure, which is often missing in circus.

The scenes are always written by other artists, never by the same one, aiming to free the creativity process from possible self-censorship.

Rachel Rache and Guy Carrara founded the company Archaos, in Marseille, in France, in 1986. Since 2001, they have been developing their work in the European Center for Research on Circus Arts (Creac), which was founded as a platform for meetings, debates, activities and reflections on playwriting for circus. Currently, both are also artistic directors at the PNAC Méditerranée (National Mediterranean Pole for Circus Arts).

For the past seven years, the couple has been studying together with teachers from the French school, as well as with children and circus professionals. They decided to join forces to start a research project to look into making up for the essential lack of playwriting for circus arts. They have been working on this project in France (where they are currently living) and in Brazil, mainly in Rio de Janeiro.

Table 1 Circus: A Language of the Performing Arts With Marco Vettore (São Paulo), Nilton Gamba Junior (Rio de Janeiro) and Raquel Rache (Brazil/France) Recognizing circus as a language from the performing arts, with its own dramatic logic, discussing its specificities in relation to other artistic languages and the creative possibilities was the objective of this table. To this end, representatives of different disciplines came together with this common interest in circus and the research that stems from it.

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Rachel Rache was one of the first graduates from Escola Nacional de Circo, in Rio de Janeiro, and is currently one of the artistic directors of the project the European Center for Research into Circus Arts (Creac), in Marseille, in France.

Nilton Gamba Junior is one of the members and founders of the Company. Nós Nos Nós - Tragédias e Comédias Aéreas from Rio de Janeiro, where he is an acrobat, actor, author and director, as well as a teacher at PUC/ Rio. Marco Vettore is artistic director and founder of the company Nau de Ícaros, from São Paulo, who has spent the last 20 years researching the specificities of Brazilian circus based on popular festivities such as maracatu and caboclinho, in which it is possible to observe circus elements such as clowning and juggling.

Rachel Rache began her talk by emphasizing that discussing circus is a novelty. She reminded her audience that previously, all teaching was passed down through families, in a very closed manner, which was difficult to gain access to from the outside. The first circus schools allowed for the possibility of transforming this language.

In order to think about circus as a unique language, Gamba Junior presented the differences between the linguistic terms, discourse and narrative. According to him, language is cognition, a sum of shared codes; discourse is the practice of language; and narrative is a discursive genre that creates a temporary sense of intrigue, rhythm, characters and scenery, elements linked to theatre.

There was a consensus at the table regarding the importance of high levels of artistic training for the development of a quality dramatic language for circus. There was also a debate held over the question of how languages can be used in different ways in each artistic path.

The speakers discussed the current quest of circus in Brazil for a new narrative construction, which is more theatrical, with more choreography, which interacts with other kinds of art. Rachel talked about how this was a natural movement, which France has already gone through, and that it was after this phase had been accomplished that it was possible to enter into a more profound theatrical investigation.

It was therefore put to the audience that in order for this creative and renovating process to take place, it is necessary to have incentives from public institutions. Without them, despite the creativity of Brazilian artists, there is neither enough time nor disposition for the development of these new languages, and circus will continue to be a marginalized art.

Table 2 From Training to Production Aesthetics in Circus With Junior Perim (Rio de Janeiro), Marco Bortoleto (São Paulo) and Rodrigo Matheus (São Paulo) The table put forward questions on the professional training of circus artists in Brazil and in what ways it encourages artistic creativity. Junior Perim, co-founder and coordinator at Circo Crescer e Viver, in Rio de Janeiro, and president of the Ibero-American Circus Federation, began his talk by emphasizing the fact that, currently, São Paulo has no technical circus school or regular program to study

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circus. In his view, circus is seen as a “minor art” precisely because it has been intellectually reduced to a space of informal training. That is why he underlined the importance of making the formal training of this art into a possibility in order to be able to change the dialogue with other arts and redirect people’s attention towards circus.

Rodrigo Matheus spoke about his experiences as a founder of the Circo Mínimo and about the direction of two schools; Central do Circo, which lasted from 1999 to 2004 and the Center for Professional Training in Circus Arts (Cefac), which lasted from 2003 until 2011. In his view, the idea behind both schools was not to meet the demands of the Brazilian market and the market abroad, but to help the pupils be aware of the market and of opportunities. The aim was to provide critical information with regards the market, allowing the student to make use of it, considering general questions about market logic to practical questions such as how to read a contract, and discussing both practical and structural propositions. The intention was to encourage students to take the initiative to set up their own business.

The participants at the table insisted that training in circus arts requires a large space, with good equipment, safety installations, regular training, experimentation and creation. And in order for this to take place, the project should not be dependent on students’ fees, since most of them cannot afford to pay. Public funding is necessary. The lack of funding justifies the closing down on the schools directed by Rodrigo and all the others that closed down in São Paulo.

Marco Borteleto, the mediator at the table, and coordinator for Circus at the Group for Research into Circus Arts, at Campinas State University (Unicamp), defended as paramount a professional career based on the recognition of the course by the Secretary of Education (MEC) as a vocational career. In his view, whilst this does not happen there will be an inversion: first traditional university courses are created which then later invest in vocational courses. But in a few years, there will be a sufficient critical body in order to create a project and a body of students, which is large enough to meet the needs of a production that already exists in Brazil.

There was a consensus surrounding the identification of a lack of organization for the category: everyone felt that without it, it would be impossible for the State to recognize the classification.

Table 3 Circus in the Market With Danielle Hoover, from Festival de Circo do Brasil (Brazilian Circus Festival - Recife), Fernanda Vidigal, from Festival Mundial de Circo (International Circus Festival - Belo Horizonte), Junior Perim, from Festival Internacional de Circo do Rio de Janeiro (International Circus Festival Rio de Janeiro) and Leila Jones, from Roundhouse Circus Festival (England) The table brought together some of the organizers of the biggest festivals in Brazil and England to introduce a panorama of the circus performer within the market. They all emphasized the importance of working with the incentive of public policies: without them, the creation and production of new artists, groups and shows are impossible.

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The representatives of the circus festivals in Recife and Belo Horizonte, Danielle Hoover and Fernanda Vidigal, respectively, underlined the poor quality of Brazilian acts that register for these events, and at the same time the huge numbers of international groups who are interested in coming to perform in Brazil.

The participants felt that a lack of public funding justifies this current situation.

Junior Perim proposed the possibility of tax exemptions in order to encourage new productions, as well as the maintenance of circus equipment. Fernanda Vidigal underlined that opportunities for training, and perfecting skills, as well as publicizing and producing are all lacking and that it is therefore necessary to act in the production chain as a whole, and not only in bringing together shows.

She reminded the audience of the need for a cultural policy that favored circus, the lack of adequate training centers and programs for professional training, the difficulties today faced by circus schools – when they don’t close down – and the difficulties for the circulation of shows, which is also a result of the lack of understanding of the technical specificities of the art.

In order to resolve this situation, Fernanda suggested partnerships with the French, Belgian and Canadian governments, who receive artists for exchanges and the production of future projects. She also refers to the work being done for the creation of a Brazilian version and a program to provide incentive for the production of shows, which is already in place in Europe. The aim is to select proposals from new groups and accompany the production of these shows from beginning to end.

Working as a successful circus strategist in Great Britain, Leila Jones compared the current situation over in Britain with the rest of Europe, and concluded that the working conditions for British performers is inferior in comparison. In order to maintain the venues that hold shows, varied performances, training activities and the circus festival, 10% of the resources come from public funding, whilst the other 90% come from the ticket office – inferior numbers when compared to the statistics in France, for example, which sees the circus, specifically, as its greatest cultural product for export.

Leila also observed a low production rate of British artists and groups, whilst in France today there are over 500 companies all over the country. However, despite difficulties, they seek to work increasingly together with performers, with the view to improve techniques and performance and to increase awareness.

Possible Dialogues I Festival Meeting With Bel Toledo (São Paulo – Festival Paulista de Circo - Paulista Circus Festival), Danielle Hoover (Recife – Festival de Circo do Brasil), Fernanda Vidigal (Belo Horizonte – Festival Mundial de Circo), João Carlos Artigos (Rio de Janeiro - Festival Anjos do Picadeiro - International Clown Festival), Junior Perim (Rio de Janeiro – Festival Internacional de Circo do Rio de Janeiro), Leila Jones (England – Roundhouse Circus Festival) and Raquel Rache (France – Festival Cirque en Corps)

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This meeting, reserved exclusively for the festival organizers that were invited, aimed to promote the consolidation of a cooperation network, with the aim of creating concrete opportunities for activities that seek to further the development of circus, both in the theory and in practice.

Possible Dialogues II Meeting between Performers, Festival Organizers and Circus enthusiasts With Bel Toledo (São Paulo – Festival Paulista de Circo), Danielle Hoover (Recife – Festival de Circo do Brasil), Fernanda Vidigal (Belo Horizonte – Festival Mundial de Circo), João Carlos Artigos (Rio de Janeiro – Festival Anjos do Picadeiro), Junior Perim (Rio de Janeiro – Festival Internacional de Circo do Rio de Janeiro), Leila Jones (England – Roundhouse Circus Festival) and Raquel Rache (France - Festival Cirque en Corps) In this meeting, together with the festival organizers, there were performers present, as well as representatives from associations, cultural producers and circus enthusiasts, in order to share information, experiences and impressions on the possibilities of different circus activities.

Festivals guide Anjos do Picadeiro – International Clown Festival Rio de Janeiro (RJ) Month it takes place: December Frequency: annual Information: anonimo@teatrodeanonimo.com.br Circos – Internacional Sesc Circus Festival São Paulo (SP) Month it takes place: May Frequency: annual Information: sescsp.org.br Festival de Circo do Brasil (Brazilian Circus Festival) Recife (PE) Month it takes place: October/November Frequency: annual Information: festivaldecircodobrasil@gmail.com Festival Internacional de Circo do Rio de Janeiro (International Circus Festival Rio de Janeiro) Rio de Janeiro (RJ) Month it takes place: May Frequency: biannual Information: contato@festivaldecirco.com.br

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Festival Mundial de Circo (International Circus Festival) Belo Horizonte (MG) Month it takes place: August/September Frequency: annual Information: contato@festivalmundialdecirco.com.br Festival Paulista de Circo (Paulista Circus Festival) Piracicaba (SP) Month it takes place: August/September Frequency: annual Information: site@circoop.com.br Sesc Festclown – Festival Internacional de Palhaços (International Clown Festival) Brasília (DF) Month it takes place: May Frequency: annual Information: teatrogaragem@gmail.com

Circus glossary Acrobat – Performer or professional who performs acrobatics, normally linked to the circus. The term, of Greek origin, literally means, “he who walks on tip toes”.

Acrobatics – 1. Physical technique that involves balancing, jumps and rope skills.

2. Balancing or tightrope walking on the high wire. 3. The sum of movements or moves that demonstrate skill and agility, which surpass day to day habits of movement. 4. Advanced gymnastics skills are therefore required.

Aerial hoop – An iron hoop suspended from the roof. Aerial acrobatics are performed both within and outside the hoop.

Aerial silks – This is an aerial discipline that is performed on two long strips of stretchy material, which are fixed to the roof of the theatre. It is believed to be an extension of rope and corde lisse techniques. It requires flexibility, agility, strength and a sense of nimbleness in the artist’s performance in order to create movements and reach different heights on the silks.

Aerial truss – Traditional apparatus for the execution of aerial acrobatics. It is the structure that the trapezes are hung from.

Alê – From the French verb aller (to go). In the imperative: go! In the circus it is a kind of signal, an order between the performers.

Auguste, Clown – One of the most classic clowns, he is provocative, playful, extravagant and clumsy. Everything about him is exaggerated: his costume (mostly the collar), his shoes and his nose. He is also called an eccentric, he complements his opposite, the Whitefaced clown or ‘clown blanc’.

Backstage – The area in the theatre that is located behind and to the sides of the stage, hidden from the audience’s view.

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Burlesque – Although it does not strictly define a genre, it constitutes a literary and theatrical form, which is based on comedy to parody or make fun of traditional, renowned works, or else pokes fun at certain people or serious situations. Used since ancient Rome, this style regained popularity in Italy in the 16th century, as a result of poets such as Franceso Berni (author of Recomposition of Rolando in Love), Cesare Caporali (Journey to Parnassus, Funeral of the Benefactor) and Alessandro Tassoni (The Rape of the Pail), with which it conserved the denomination – ‘burla’ (farce) – or a critique or caricature of the nobility or of lofty themes. Charles Perrault, in his Parallel or Comparison of the Ancients and the Moderns (1688), defines the burlesque as “a kind of parody that consists in the disproportion of the idea that you give to something, in relation to the real thing. This disproportion occurs in two ways: on the one hand, talking in a trivial manner about lofty and serious subjects; on the other hand, attributing excessive importance to a trivial thing.” It is different from satire and comedy (which can be taken as a synonym of farce), since in most cases there are no moral aims nor ethical concerns with regards politics or behavior. From the 18th century, significant examples of burlesque are The Beggar’s Opera, by John Gay, The life and death of Tom Thumb the great, by Henry Fielding and the King Ubu, by Alfred Jarry. It is often called farsesco.

Cabaret – From the French word, it was also referred to as café-concert. Initially, it did not make distinctions between social classes: workers and aristocrats would meet to watch the circus, dance, theatre and music acts, which would accompany their meals and drinks. The most famous French cabarets were Le Chat Noir and Folies Bergère.

Cascata / Tumble – When the performer, generally the clown, pretends to fall and provokes the audience’s laughter.

Catcher (aerials) / Base (floor exercises) – In French, the word ‘porteur’ is used. It is the person who remains on the floor supporting the apparatus and the performance of the other performer (the flyer), and has the same function for the aerial acts.

Chinese Pole - Made entirely of iron of varying lengths, the pole is used as a support for aerial acrobatics. The performer has to be fit, strong and creative in order to perform the movements without using hands and feet.

Circus ring – A central stage in the circus where the attractions are performed.

Close-up – A kind of magic act that is performed close to the audience, using day to day objects, which are sometimes even lent by the public, such as notes, cigarettes, coins, rings, watches, etc.

Clown – See Whitefaced.

Clown Branc – See whitefaced.

Contact juggling – One of the variations on juggling in which the performer uses different parts of the body (arm, elbow, head) to balance, roll or throw small glass spheres.

Contortion – An act that requires the performer (contortionist) to demonstrate extreme flexibility in order to contort their body into various positions, both with and without apparatus.

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Cyr wheel – It is an iron hoop that has the same diameter as the height of the artist. The artist spins the wheel and positions themselves within and outside the hoop, in different positions, speeds and balances.

Flyer – Acrobat who is thrown, balanced or supported by another, stronger acrobat (catcher/base). They are always up high on floor routines. In aerial acts, such as trapeze, they fly through the air.

Gag – In theatre or cinema, the comic effect is obtained by surprise or improvisation, be it verbal or visual. In Brazilian actors’ slang, it is the referred to as ‘caco.’

Handstand – Acrobatic position in which the artist remains upside down balancing the weight of the body on the hands. It can be performed with the help of apparatus or a catcher. It is a basic requirement for the circus performer and can be used in a range of acts.

High bar – Gymnastics apparatus that consists of a rounded horizontal bar fixed to two vertical points, on which the acrobat performs sequences of spins and jumps.

Juggler – A person who throws a range of different objects into the air (balls, clubs, hoops, fire sticks, amongst others) and manages to keep them in constant movement without them falling to the floor.

Juggling Clubs – Objects that are in the shape of a stretched out pear with long handles which are used for support. Jugglers generally throw three, four or more of them high in the air, without letting them drop to the ground.

Knives – These daggers or small swards are used by jugglers, when knife swallowing and knife throwing, to increase the risk factor of the show. It is a practice that originates in the Far East, which requires a high level of skill by the thrower, since they are extremely sharp.

Lasso and whips – Elements that were originally used by cowboys to catch and hold down animals, which were then incorporated into the circus repertoire for showing off these skills. Amongst other feats, during the whip acts, objects are cut from a distance, such as a cigarette or a newspaper. The lassos are spun around at a high speed by the performer, forming horizontal and vertical circles, spinning them around themselves or jumping over them.

Mambembe – In the performing arts, this term refers to a company or group of popular actors that have neither a fixed venue or shows, nor a steady income. They move around constantly, bringing with them the few necessary stage equipment and scenery. Arthur Azevedo defended mambembe in the following manner: “Mambembe is the name give to nomadic theatre companies who, manage to get themselves organized, Lord knows how, and how have a rather eclectic repertoire, they travel through cities, towns and villages [...] putting on shows wherever they can or where they manage to improvise a kind of theatre”. In modern history, the majority of the commedia dell’arte or circus-theatre groups functioned as mambembe companies.

Mini comedies – Short circus-theatre shows, generally focusing on the figure of the clown. They were very common at the beginning of the 20th century, and they were performed after the classical circus acts, in the second half of the show.

Noir – Narrative genre, also called detective story, entertains through its creation of a sense of mystery and suspense in the action. It became particularly popular after The Murders in the Rue Morgue (1841), by Edgar Allan Poe, and later, with The Woman in White (1860) by Wilkie Collins, and A Study in Scarlet (1887) by •

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Conan Doyle. The basic structure of the plots was based on some necessary and relatively conventional elements, which today are known as the classics: crime(s), corpse(s), an enigma that must be unveiled and avenged, a central character who investigates the crime and an unexpected outcome.

Perch pole – A long pole of varying length, made of flexible wood, which the catcher balances on their shoulder or on their head and the flyer climbs up, balancing in a range of positions and showing great strength. In the past, bamboo was used as this flexible material Plate spinning – Also called dancing plates. In this act the performer keeps a plate spinning on a long thin stick. Depending on the agility of the performer, it is possible to maintain more than one plates spinning at the same time.

Polytheama, Theatro – The word ‘polytheama’ comes from the Latin poly (many) and from the Greek theama (show), and it means ‘a place of many shows.’

A polytheama theatre is a venue where everything is put on, from operas and operettas, to circus shows, dance, magic and horse acts. At the end of the 19th and the beginning of the 20th century, Brazil had a number of polytheamas, which were located in the main capitals and cities in the country. The polytheama of Nerino Avanzi’s childhood was located in the open space in Anhangabaú. It was founded in 1892 and was destroyed by a fire in 1914.

Rola-Bolla – A balancing act in which the performer positions themselves on a board, which is balanced on one or more cylinders.

Russian swing – An apparatus used to give impulse in the execution of jumping acts. It looks like a see-saw. One or more people jump on the ends of the swing, thus propelling the flyer upwards on the other end.

Saltimbanco – Popular, traveling performer, with eclectic skills, part of the mambembe tradition, which was relatively common in the Middle ages and Renaissance. They are able to unite various acrobatic skills with the performance of monologues or burlesque dialogues, from their own or other’s authorship.

The saltimbancos generally seek out large squares or places of transit (bridges), earning their existence by selling placebos or “miracle” cures to the audience.

Sketch – Brief act, generally satirical, comic or parodic in tone, is performed by a group of actors. Based on day to day situations and habits, they do not, however, explore the psychological aspects of the characters with any depth. This entertaining act was commonly used in musical shows (variety shows, music hall and vaudeville), in popular theatres, and then was later adopted for radio and television.

Spinning rope – A rope, hung high in the circus tent, which the artist uses as a support to perform movements with great strength and flexibility, together with the catcher, who spins the rope in circles from the floor.

Stand-in - The performer that steps in if the main actor is unable to do the act.

The stand-in studies the same text and even the construction of the character undertaken by the first actor in order to reproduce the most accurate performance possible for the cast and the audience.

Summersault – Type of acrobatics move that consists in jumping, projecting the body forwards or backwards and turning over in the air. The greater the precision of the performer, the higher the chance of landing on their feet.

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Tightrope – A steel wire pulled tight across two points which the performer walks across and performs a number of balancing acts.

Tightrope walking – Circus art that involves acrobatics and balancing movements on a rope, wire or swing.

Tony de Soirré – A type of clown that is practically mute, though extremely agile.

One of the most versatile circus artists, they know how to perform a range of acts, but their art consists in pretending to do things wrong, in falling over. He falls from the horse, from the trapeze, from the bar, he gets caught in carpets. His falls, which provoke the laughter of the audience, are called cascata (or tumble).

Trapeze – A metal bar that is fixed by two ropes, where the artist performs moves and shows strength, elegance and flexibility. The act can be performed on the swinging trapeze or the static trapeze at different heights. The flying trapeze is when the performer jumps from one trapeze to the other, or to the hands of a catcher that is positioned on a platform.

Trapeze artist – Professional who performs acrobatics on the trapeze.

Unicycle – An apparatus used in balancing acts made up of the back end of a bicycle – wheel and pedals, with no handlebars. It can be different heights and have more than one wheel.

Vaudeville – Initially, it was a French popular song, that came about in the Renaissance, whose creation was attributed to the poet and musician Olivier Basselin, and it was sung in the valleys (vaux) of the region of Vire (vauxdevire).

These tunes, with lyrical love themes, were composed to accompany meals and drinking at tables, which explains their cheerful and jovial melodies. In the 18th century, however, they began to be integrated into comic plays that were put on by popular groups, such as those at Théâtre de la Foire, the Comédie Française, L’Ambigu Comique, Les Variétés Amusantes (in texts from Alain-René Lesage and Louis Fuzilier, amongst others) as well as comic operas (Grétry, Phillidor) and singspiel (Mozart). They are divided up into stanzas between various singers.

The audience back then was made up of workers, soldiers, maids, butlers and tradesmen. From then on, and into the beginning of the 19th century, it became consolidated as a musical comedy, or a comedy interwoven with songs (solos and chorus), which contained intriguing plots that were performed in episodes, quiproquos or misunderstandings. In France, its best actors were George Feydeau (Cat among the pigeons, Sauce for the Goose, The Girl from Maxim’s, A Flea in her Ear, Taking care of Amelie) and Eugène Labiche (Italian Straw Hat, Dust in your Eyes, The Jackpot). The genrebecame popular in the United States and in other countries, such as Brazil, in musicals or variety shows, from the end of the 19h century up until the Second World War. Washboard – Handcrafted percussion instrument, made up of a small clothes washing board and other accessories, such as horns, bicycle bells and butter cans, etc.

Whitefaced, Clown – An aristocratic clown and, when sharing the stage with other clowns, he takes control of the situation. He dresses in white, smart clothes, and always has politically correct attitudes. He is the opposite of the Auguste and is also known as ‘Clown blanc’.

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Sources

Circo Nerino (2006, Selo Pindorama Circus and Editora Códex), by Roger Avanzi and Verônica Tamaoki Circo-Teatro – Benjamin Oliveira e a Teatralidade Circense no Brasil (Benjamin Oliveira and theatricality in Brazilian circus) by Ermínia Silva (2007, Ed. Altana)

Dicionário Sesc – A Linguagem da Cultura (The Sesc Dictionary – The language of culture) by Newton Cunha (2003, Sesc São Paulo and Editora Perspectiva)

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SERVIÇO SOCIAL DO COMÉRCIO Administração Regional no Estado de São Paulo | State of São Paulo Regional Administration Presidente do Conselho Regional | Chairman of the Regional Board

Abram Szajman Diretor do Departamento Regional | Regional Department Director

Danilo Santos de Miranda Superintendentes | Superintendents

Técnico Social | Technical-Social Joel Naimayer Padula Comunicação Social | Social Communication Ivan Giannini Administração | Administration Luiz Deoclécio Massaro Galina Assessoria Técnica e de Planejamento | Technical and Planning Assistance Sérgio José Battistelli Gerentes | Managers Ação Cultural | Cultural Action Rosana Paulo da Cunha Adjunta/ Deputy Manager Flávia Carvalho Estudos e Desenvolvimento | Studies and Development Marta Colabone Adjunta | Deputy Manager Andréa de Araújo Nogueira Artes Gráficas | Graphic Arts Hélcio Magalhães Adjunta | Deputy Manager Karina Musumeci Centro de Produção Audiovisual | Audiovisual Activities Silvana Morales Nunes Adjunta | Deputy Manager Ana Paula Malteze Difusão e Promoção | Publicityand Promotion Marcos Carvalho Adjunto | Deputy Manager Fernando Fialho Relações com o Público | Public Relations Paulo Ricardo Martin Adjunto | Deputy Manager Carlos Cabral Contratação e Logística | Hiring and Logistics Jackson Andrade de Matos Adjunto | Deputy Manager William Moraes Alves Engenharia e Infraestrutura | Engineering and Infrastructure Amilcar João Gay Filho Adjunto | Deputy Manager Carlos Humberto Bigaton Belenzinho Marina Avilez Adjunta | Deputy Manager Patrícia Piquera Vianna Bom Retiro Milton Soares de Souza Adjunta | Deputy Manager Meilin Maria Werneck da Silva Ipiranga Mônica Carnieto Adjunta | Deputy Manager Cristiane Lourenço Itaquera Érika Mourão Trindade Dutra Adjunto | Deputy Manager José Carlos Monteiro Pinheiros Cristina Madi Adjunto | Deputy Manager Ricardo de Oliveira Silva Santana Lilia Marcia Barra Adjunto | Deputy Manager Mario Fernandes da Silva Santo André Jayme Paez Adjunto | Deputy Manager Robson Silva CIRCOS – FESTIVAL INTERNACIONAL SESC DE CIRCO | CIRCOS –INTERNACIONAL SESC CIRCUS FESTIVAL Coordenação e Curadoria | Coordination and Curatorship Carolina Garcez, Ligia Azevedo Edição de Conteúdo | Content Editing Aline Ribenboim, Gislene Lopes Promoção e Propaganda | Press and Publicity Daniel Tonus, Luciano Domingos Internet e Mídias Sociais | Internet and Social Media Malu Maia, Rafael Munduruca Design Gráfico | Graphic Design Leandro Lobo, Lourdes Teixeira Benedan Diagramação | Diagrams Renato Ranzani Produção Textual | Text Livia Deodato Fotografia | Photography Dani Sandrini e Roberto Assem Assessoria de Imprensa | Press Office Arte Plural Assessoria de Comunicação Identidade Visual | Visual Identity DNS Comunicação Ltda.

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Créditos das fotografias / Photography credits Dani Sandrini (Capa, páginas / Cover, pages 5, 6,7, 10, 11, 22, 24, 25, 27, 28, 29, 31, 32, 33, 34, 37, 50, 52, 53, 59, 60, 61, 66, 68, 69, 78, 83, 84, 85, 87, 88, 89, 92, 93, 102, 104, 105, 106, 109, 110, 112, 113, 115, 116, 117, 118, 120, 121, 122, 129, 132, 133, 139, 141, 142, 148, 149, 160, 161, 162) Roberto Assem (2ª e 3ª Capa, páginas / 2nd and 3rd Covers, pages 8, 9, 12, 13, 14, 16, 17, 19, 20, 21, 40, 41, 43, 44, 45, 46, 48, 49, 55, 56, 57, 63, 64, 65, 70, 72, 73, 74, 76, 77, 80, 81, 95, 96, 97, 99, 100, 101, 109, 124, 126, 127, 130, 131, 137, 144, 145, 158).

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