CATALOGO_Mirada2018.pdf by Sesc em São Paulo

F E S T I VA L I B E R O - A M E R I C A N O D E A R T E S C Ê N I C A S

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REALIZAÇÃO PARCERIA

5 — 15 SETEMBRO 2018

F E S T I VA L IBERO-AMERICANO DE ARTES CÊNICAS

SESCSP. ORG. BR/ MIRADA

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AFINIDADES IBEROAMERICANAS DANILO SANTOS DE MIRANDA Diretor do Sesc São Paulo

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A despeito das múltiplas etnias e aparentes características diferentes, os países iberoamericanos compartilham raízes comuns. Herdeiros dos confrontos entre colonizadores e povos originários, agravados pela presença do trabalho escravo, majoritariamente africano, mas também indígena, discutem novas bases de entendimento e diálogo para possíveis pactos de convivência e representatividade social. Em um mundo sacudido por frequentes crises socioeconômicas e humanitárias, tensionadas por surtos extremistas, os espaços dedicados ao encontro, ao intercâmbio, à reflexão e ao debate coletivo precisam ser conservados e estimulados. Tal disposição está amparada na convicção da importância dos repertórios sensíveis para a qualificação do desenvolvimento humano e das relações sociais. Nessa perspectiva, os elementos vinculados ao campo artístico-cultural, que abrigam uma pluralidade de vozes, percepções e visões de mundo, têm contribuído para trazer à tona questões e temáticas relacionadas aos princípios democráticos e às liberdades criativas, e paralelamente, favorecido a dinamização de inúmeros setores produtivos. A manutenção de uma agenda de festivais e eventos diversos, conectando e envolvendo diferentes pontos do continente, reverbera uma pauta urgente e necessária. É dentro desse contexto que se insere o Mirada – Festival Ibero-americano de Artes Cênicas, corroborando a longa tradição de efervescência

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cultural da cidade, evidenciada, entre outras propostas, pela realização do Festa – Festival Santista de Teatro, que chega à sua 60ª. edição. Trata-se ainda de fortalecer o compromisso com a rica diversidade ibero-americana, estimulando o aprofundamento das relações entre os povos desse corredor sociocultural, repleto de afinidades e particularidades. Esta 5ª. edição do Mirada traz 41 espetáculos do Brasil e de outros 12 países, assim como ações formativas, oficinas e vivências com outros criadores, tendo a Colômbia como país homenageado com 9 trabalhos e uma instalação, que buscam refletir a complexidade dos processos e tensões contemporâneas. Uma forma do Sesc manifestar sua corresponsabilidade nesse momento de dificuldades globais, passa pela crença no papel das artes como vetor de celebração, mudança e resistência. Nesse sentido, em parceria com a Prefeitura de Santos, propõe-se uma redescoberta e ocupação de espaços tradicionais e históricos, assim como a incursão por territórios incomuns da cidade, movimentando diversos setores da economia local e diferentes públicos, para uma festiva exaltação de civilidade e cidadania.

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AFINIDADES IBEROAMERICANAS ES

Los países iberoamericanos comparten raíces comunes a pesar de las múltiples etnias que los componen y sus características aparentemente diferentes. Herederos de las confrontaciones entre colonizadores y pueblos originarios, perjudicados aún más por la presencia del trabajo esclavo –mayoritariamente africano, pero también indígena–, discuten nuevas bases de entendimiento y diálogo para posibles pactos de convivencia y representatividad social. En un mundo sacudido por frecuentes crisis socioeconómicas y humanitarias, tensadas por explosiones extremistas, los espacios dedicados al encuentro, al intercambio, a la reflexión y al debate colectivo deben ser preservados y estimulados. Esta disposición se ampara en la convicción sobre la importancia de los repertorios sensibles para calificar el desarrollo humano y las relaciones sociales. Desde esta perspectiva, los elementos vinculados al campo artístico y cultural, que abrigan una pluralidad de voces, percepciones y visiones de mundo, han contribuido para evidenciar cuestiones y temáticas relacionadas con los principios democráticos y la libertad creativa. Paralelamente, han favorecido la dinamización de innumerables sectores productivos. Sostener una agenda de festivales y eventos diversos, que conectan y envuelven diferentes puntos del continente, hace reverberar una pauta urgente y necesaria. Es dentro de este contexto que se realiza el Mirada Festival Iberoamericano de Artes Escénicas, corroborando la larga tradición de efervescencia cultural de la ciudad, la que se evidencia, entre otras propuestas, por la

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DANILO SANTOS DE MIRANDA Director de Sesc São Paulo

proyección del Fiesta - Festival Santista de Teatro, que llega a su 60° edición. Se trata, asimismo, de fortalecer el compromiso con la rica diversidad iberoamericana, estimulando la profundización de las relaciones entre los pueblos de este espacio sociocultural colmado de afinidades y particularidades. Esta 5ª edición del Mirada presenta 41 espectáculos de Brasil y de 12 países más, al igual que acciones de formación, talleres y vivencias con otros creadores. Colombia, país agasajado, cuenta con 9 trabajos y una instalación, que buscan reflejar la complejidad de los procesos y tensiones contemporáneas. Es una forma que el SESC adoptó para manifestar su corresponsabilidad en este momento de dificultades globales, con la certeza de que el papel de las artes es ser un vector de celebración, cambio y resistencia. En ese sentido, en colaboración con el Ayuntamiento de Santos, se propone un redescubrimiento y ocupación de espacios tradicionales e históricos, así como la incursión por territorios infrecuentes de la ciudad, movilizando distintos sectores de la economía local y públicos diversos, para una festiva exaltación de civilidad y ciudadanía.

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IBEROAMERICAN AFFINITIES EN

Despite the multiple ethnicities and apparently different characteristics, Ibero-American countries share common roots. Heirs to the confrontations between colonizers and native peoples, made worse by the presence of slave labor, mainly African, but also indigenous, they discuss new grounds for understanding and dialogue for possible pacts of coexistence and social representativity. In a world shaken by frequent socioeconomic and humanitarian crises, stressed by extremist outbreaks, spaces devoted to encounters, exchanges, reflection and collective debates need to be preserved and stimulated. Such disposition is based on a conviction about the importance of sensitive repertoires to qualify human development and social relationships. In this perspective, elements connected to the artisticcultural field, which house a plurality of voices, perceptions and worldviews, have contributed to bring up issues and themes related to democratic principles and to creative freedoms, and, at the same time, have favored the dynamization of countless productive sectors. Maintaining a schedule of festivals and other events, connecting and involving different parts of the continent, reverberates an urgent and necessary agenda.

DANILO SANTOS DE MIRANDA Diretor of Sesc São Paulo

This 5th edition of Mirada brings 41 shows from Brazil and 12 other countries, as well as audience development activities, workshops and experiences with other creators, with Colombia as the honored country, presenting nine works and an installation, which seek to reflect the complexity of contemporary processes and tensions. A way for Sesc to manifest its coresponsibility in a time of global difficulties is to believe in the role of art as a path of celebration, change and resistance. That way, in partnership with the city of Santos, a rediscovery and occupation of traditional and historical places is proposed, as well as the incursion into unusual territories of the city, involving many segments of the local economy and different audiences, to make a festive exaltation of civility and citizenship.

Mirada – Ibero-American Festival of Performing Arts in is embedded in that context, corroborating with the long booming cultural tradition of the city, evidenced, among other actions, by the making of Festa – Festival Santista de Teatro, which reaches its 60th edition. It is also about strengthening the commitment with the rich Ibero-American diversity, stimulating the deepening of relationships between people of this sociocultural corridor, full of affinities and particularities.

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SUMÁRIO

0 3 AFINIDADES IBERO-AMERICANAS 10 INFINITAS VOZES E MEMÓRIAS IBERO-AMERICANAS 1 4 FESTIVAL MIRADA – DIAS DE UTOPIA 18 MÁQUINA DO MUNDO IBERO-AMERICANO 2 2 DAS REVISÕES HISTÓRICAS E DO TEATRO A SERVIÇO DA VIDA

ESPETÁCULOS ARGENTINA

3 2 EL RITMO (PRUEBA 5) MATÍAS FELDMAN 3 6 TOPOLOGÍAS PARA CUERPOS INFINITAMENTE INCONQUISTABLES EDGARDO MERCADO BOLÍVIA

42 C H A N C H O CHAKANA TEATRO BRASIL

64 CHULOS DUAL CENA CONTEMPORÂNEA (SP) 6 8 COLÔNIA DIR. VINICIUS ARNEIRO (RJ) 72 CORPOS OPACOS CAROLINA VIRGÜEZ E SARA ANTUNES (RJ/SP) 76 EU ESTAVA EM MINHA CASA E ESPERAVA QUE A CHUVA CHEGASSE CPT - CENTRO DE PESQUISA TEATRAL SESC (SP) 8 0 FAUNA QUATROLOSCINCO – TEATRO DO COMUM (MG) 84 GRANDE SERTÃO: VEREDAS BIA LESSA (RJ) 8 8 GUANABARA CANIBAL AQUELA CIA. DE TEATRO (RJ) 92 HOJE O ESCURO VAI ATRASAR PARA QUE POSSAMOS CONVERSAR GRUPO XIX DE TEATRO (SP) 9 6 O CIRCO DE SOLEINILDO COMPANHIA OPERAKATA DE TEATRO (BA)

4 8 A INVENÇÃO DO NORDESTE GRUPO CARMIN (RN)

100 ODISSEIA CIA. HIATO (SP)

5 2 A VIDA COMPANHIA ANTIKATÁRTIKA TEATRAL (SP)

104 PRETO COMPANHIA BRASILEIRA DE TEATRO (PR)

5 6 AUTOMÁKINA - UNIVERSO DESLIZANTE DE PERNAS PRO AR (RS)

10 8 VOU VOLTAR PONTO DE PARTIDA (MG)

6 0 CALIBAN – A TEMPESTADE DE AUGUSTO BOAL TRIBO DE ATUADORES ÓI NÓIS AQUI TRAVEIZ (RS)

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CHILE

11 4 ESTADO VEGETAL MANUELA INFANTE 118 NIMBY (NOSOTROS SOMOS LOS BUENOS) COLECTIVO ZOOLÓGICO E THEATER UND ORCHESTER HEIDELBERG COLÔMBIA

1 2 4 CUANDO ESTALLAN LAS PAREDES TEATRO PETRA 1 2 8 DRAMAS NEO-COSTUMBRISTAS DE CARÁCTER FATAL: NOS HEMOS OLVIDADO DE TODO (DRAMA 1) LA MALDITA VANIDAD 1 3 2 DRAMAS NEO-COSTUMBRISTAS DE CARÁCTER FATAL: PROMESA DE FIN DE AÑO (DRAMA 2) LA MALDITA VANIDAD 1 3 6 LA CIUDAD DE LOS OTROS SANKOFA 1 4 0 LA DESPEDIDA MAPA TEATRO

EQUADOR

162 FUNERAL PARA LA IDEA DE UN HOMBRE COLECTIVO FUNERAL PARA UNA IDEA ESPANHA

16 8 EURIA (LLUVIA) MARKELIÑE MÉXICO

174 DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN CONCHI LEÓN NICARÁGUA

18 0 LA CIUDAD VACÍA TEATRO JUSTO RUFINO GARAY PARAGUAI

18 6 CINE SPLENDID SARA PINHEIRO, PABLO LAMAR E RICARDO ALVES JR. (BRA/PAR) PERU

1 4 4 LA MIEL ES MÁS DULCE QUE LA SANGRE L’EXPLOSE DANZA

192 MUCHO RUIDO POR NADA CHELA DE FERRARI

1 4 8 LABIO DE LIEBRE TEATRO PETRA

19 6 ÑAÑA CLAUDIA TANGOA

15 2 SOUVENIR ASIÁTICO LOS ANIMISTAS 15 6 SÚPER TEJIDO LIMBO COMPAÑÍA MALDITA DANZA

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PORTUGAL

202 AMAZÓNIA MALA VOADORA 20 6 UM MUSEU VIVO DE MEMÓRIAS PEQUENAS E ESQUECIDAS TEATRO DO VESTIDO

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URUGUAI

212 EL BRAMIDO DE DÜSSELDORF SERGIO BLANCO 216 LÍTOST, LA FRUSTRACIÓN JIMENA MÁRQUEZ

INSTALAÇÃO 222 TOPOGRAFÍAS: UTOPÍAS Y DISTOPIAS (COL) CONCEPÇÃO E DESIGN: MAPA TEATRO E RENATO BOLELLI REBOUÇAS

ATIVIDADES FORMATIVAS 228 MESAS: ENCONTRO DE VOZES E URGÊNCIAS

PONTO DE ENCONTRO 26 8 SHOWS

INFORMAÇÕES 279 TURISMO SOCIAL 28 0 GRADE DE PROGRAMAÇÃO 284 PROGRAMAÇÃO DIA A DIA 29 0 ENDEREÇOS 291 CONTATOS

242 OFICINAS: CONSTRUINDO IMAGINÁRIOS 25 0 CASULO – LABORATÓRIO AUDIOVISUAL QUERÔ 252 EXIBIÇÃO DO DOCUMENTÁRIO NO SE MIRA IMPUNEMENTE 254 VIVÊNCIAS: PARTILHAS IBERO-AMERICANAS 25 6 ABERTURA DE PROCESSOS CRIATIVOS E REVERBERAÇÕES 26 5 PONTO DIGITAL

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INFINITAS VOZES E MEMÓRIAS IBEROAMERICANAS CURADORIA

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Encontros são uma oportunidade de reconhecer o nosso tempo e as memórias que ecoam e constroem o presente em espaços simbólicos de contato. Esse processo nunca é linear, tampouco estanque. Ocorre com constância, mas num movimento de ondas, sobre existências individuais e coletivas, traçando aquilo que entendemos como demarcações temporais: Eras, Anos, Instantes. O momento presente está saturado de tensões, resultado de inquietações de múltiplas vozes, ao mesmo tempo em que está profundamente impregnado por histórias vividas que se relacionam, se conectam e se transformam. Por um lado, é possibilidade do reconhecimento de afinidades e aproximações; por outro, trata-se do espaço para fricções, para perceber diferenças e se relacionar com o discurso e a perspectiva do outro, que reflete especialmente sua posição no mundo, seja ele seu irmão ou vizinho, seja um forasteiro. Pensar a curadoria do festival é dialogar com essas questões. São memórias e histórias vividas, são diferentes visões de mundo que anseiam por se fazer ouvir, são um convite para o deslocamento do olhar e a construção de utopias. Ao encarar o espaço geográfico ibero-americano no campo das artes, o Mirada encontra narrativas plurais, um reflexo pungente do agora e de processos históricos e sociais: o que somos capazes de ser e realizar no presente. Nesse sentido, a pesquisa que ampara a construção do festival se depara, inevitavelmente, com vozes que foram por demasiado abafadas, suprimidas e silenciadas. Mesmo que geograficamente distantes, compõem um precioso aglomerado de vivências comuns e partilhadas.

O festival deseja ser um espaço de múltiplas narrativas e de reflexão numa perspectiva ampla, aberta. São vozes que refletem o universo íntimo, a sociedade na indissociação entre a memória e o nosso tempo presente. É o resultado de investigações formais permeadas pela memória não apenas como lembrança ou imagem mental, mas como corporalidade muito além de sons das falas. Se as artes cênicas são espaço de encontro em que as aproximações transformadoras são possíveis na imensidão do instante, faz-se necessário perceber o corpo como discurso. O corpo são vozes e o corpo é também lugar da memória. É possível reconhecer temas contemporâneos fundamentais que perpassam toda esta edição do Mirada em 2018: a afirmação de identidades e de gênero, a presença marcante de olhares da mulher, a importância de revisões históricas, o olhar para o colonialismo, o que é particular e único nas relações ibero-americanas, as migrações. Do mesmo modo para os criadores, experimentações de linguagem e provocações estéticas também expressam as contingências daquilo que é memória e daquilo que é anseio: a performance, a autoficção, a intersecção de técnicas de encenação, o infinito entre o silêncio e o hipertextual.

Refletir sobre estes vastos territórios simbólicos, que são a América Latina e a Península Ibérica é encarar parte de um mundo distante, parte de nós mesmos. Somos todos falantes românticos, com nossos muitos idiomas portugueses e espanhóis. Quando nos lançamos em atravessamentos fronteiriços, de terra ou de mar, não usamos sempre a mesma língua, mas nosso diálogo se estabelece com vigor e inexplicável aptidão. As aproximações entre os idiomas português e espanhol, que por vezes nos afastam da validação formal, não impõem limites experimentais aos seus falantes: nós, ibero-americanos. Sem dúvida, esses caminhos representam o desejo e a absoluta necessidade de se relacionar com o outro, com tantos outros. Essa aspiração às falas e escutas transversais marca as artes cênicas ibero-americanas e especialmente o festival Mirada, cuja grafia no singular carrega indubitavelmente a ideia plural de múltiplos pontos de vista: são e serão sempre infinitas miradas!

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INFINITAS VOCES Y MEMORIAS IBEROAMERICANAS ES

Los encuentros son una oportunidad de reconocer nuestro tiempo y las memorias que hacen eco y construyen el presente en espacios simbólicos de contacto. Este proceso nunca es lineal, tampoco inconexo. Se opera con constancia, pero en un movimiento de olas, sobre existencias individuales y colectivas, trazando aquello que entendemos como demarcaciones temporales: eras, años, instantes. El momento presente está saturado de tensiones, resultado de inquietudes de múltiples voces, al mismo tiempo en el que está profundamente impregnado por historias vividas que se relacionan, se conectan y se transforman. Por un lado, es la posibilidad de reconocer afinidades y aproximaciones; por otro, se trata de un espacio de fricciones, donde es posible percibir diferencias y relacionarse con el discurso y la perspectiva del otro, que refleja especialmente su posición en el mundo, ya sea un hermano o vecino, ya sea un forastero. Pensar la curaduría del festival es dialogar con estas cuestiones. Son memorias e historias vividas, son diferentes visiones de mundo que ansían hacerse oír, son una invitación para dislocar la mirada y construir utopías. Al acercarse al espacio geográfico iberoamericano en el campo de las artes, el Mirada encuentra narrativas plurales, un reflejo pungente del ahora y de procesos históricos y sociales: lo que somos capaces de ser y realizar en el presente. En ese sentido, la investigación que ampara la construcción del festival se depara, inevitablemente, con voces que, por haber sido demasiado sofocadas, fueron suprimidas y silenciadas. Aunque son geográficamente lejanas, componen un precioso aglomerado de vivencias comunes y compartidas.

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COMISARIADO

El festival desea ser un espacio de múltiples narrativas y de reflexión desde una perspectiva amplia, abierta. Son voces que reflejan el universo íntimo, la sociedad en la indisociación entre la memoria y nuestro tiempo presente. Es el resultado de investigaciones formales permeadas por la memoria no solo como recuerdo o imagen mental, sino como corporalidad más allá de los sonidos de los discursos. Si las artes escénicas son un espacio de encuentro en el que los acercamientos transformadoros son posibles en la inmensidad del instante, es necesario percibir el cuerpo como discurso. El cuerpo son voces y el cuerpo es también el lugar de la memoria. Es posible reconocer temas contemporáneos fundamentales que atraviesan toda la edición del Mirada 2018: la afirmación de identidades y de géneros, la presencia marcante de la mirada femenina, la importancia de las revisiones históricas, dirigir la mirada hacia el colonialismo, lo que es particular y único en las relaciones iberoamericanas, las migraciones. De la misma forma, para los creadores, la experimentación con el lenguaje y las provocaciones estéticas expresan las contingencias de aquello que es memoria y de aquello que es deseo: la performance, la autoficción, la intersección de técnicas de escenificación, el infinito entre el silencio y lo hipertextual.

Península Ibérica es depararse en parte con un mundo distante, en parte con nosotros mismos. Somos todos hablantes de lengas romances, con nuestras muchas lenguas portuguesesas y españolas. Cuando nos lanzamos a cruzar fronteras, terrestres o marinas, no usamos siempre la misma lengua, pero nuestro diálogo se establece con vigor e inexplicable aptitud. Las aproximaciones entre las lenguas portuguesa y española, que a veces nos alejan de la validación formal, no imponen límites experimentales a sus hablantes: nosotros, los iberoamericanos. Sin duda, estos caminos representan el deseo y la absoluta necesidad de relacionarse con el otro, con tantos otros. Esta aspiración a la expresión y a la escucha transversales marca las artes escénicas iberoamericanas y especialmente el festival Mirada, cuyo nombre en singular lleva en sí indudablemente la idea plural de múltiples puntos de vista: ¡son y serán siempre infinitas miradas!

Reflexionar sobre estos vastos territorios simbólicos, que son América Latina y la

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INFINITE IBERO-AMERICAN VOICES AND MEMORIES EN

Encounters are opportunities to recognize our time and the memories that echo and build the present in symbolic spaces of contact. That process is never linear or stagnant. It happens constantly, but in a wave-like movement, upon individual and collective existences, tracing what we understand as time demarcations: Eras, Years, Moments. The present moment is filled with tensions, the result of the restlessness of multiple voices, at the same time it is deeply imbued with lived stories that relate to, connect, and transform one another. On the one hand, it is a possibility to recognize affinities and similarities; on the other hand, it is the space of frictions, a space to perceive differences and to relate to the discourse and perspective of the other, which especially reflects their position in the world, whether they are your brother or your neighbor, or a stranger. Conceiving the curatorship of the festival means dialoguing with those issues. They are lived memories and histories, they are different worldviews that long to make themselves heard, they are an invitation to displace gazes and construct utopias. When facing the IberoAmerican geographic space in the arts field, Mirada finds plural narratives, a poignant reflection of the present and of historical and social processes: what we are capable of being and achieving in the present. In that sense, the research that underpins the construction of the festival is inevitably confronted with voices that have been overly stifled, suppressed and silenced. Albeit geographically distant, they make up a precious cluster of common and shared experiences. The festival wishes to be a space for multiple narratives and reflection in a broad, open perspective. It is about

CURATORSHIP

voices that reflect intimate universes, society in the indissociation between memory and our present time. A result of formal investigations permeated by memory, not only as recollection or mental image, but as corporeality far beyond the sounds of speech. If the performing arts are spaces of encounter in which transformative approaches are possible in the immensity of an instant, the body must be perceived as discourse. The body is voice, and the body is also the place of memory. It is possible to recognize fundamental contemporary themes permeating this edition of Mirada in 2018: the assertion of identities and gender, the remarkable presence of women’s gazes, the importance of historical revision, a look at colonialism, that which is particular and unique to Ibero-American relations, migrations. The same goes for creators; language experimentations and aesthetic provocations also express the contingencies of that which is memory and that which is longing: performance, autofiction, intersections among staging techniques, the infinity between silence and hypertext.

same language, but our dialogue is vigorously established with inexplicable aptitude. The similarities between the Portuguese and the Spanish languages, which sometimes distance us from formal validation, do not impose experimental limitations on the speakers: we, the Ibero-Americans. Undoubtedly, these paths represent the desire and the absolute need to relate to the other, to so many others. That aspiration to crosscut speeches and listens marks the Ibero-American performing arts and especially the Mirada festival, whose name means gaze and whose singular spelling undoubtedly carries the plural idea of multiple points of view: there are and there will always be endless gazes!

Reflecting upon the vast symbolic territories of Latin America and the Iberian Peninsula means facing part of a distant world, part of ourselves. We are all romance speakers, with our many Portuguese and Spanish languages. When we set out to cross borders, by land or sea, we do not always use the 13

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FESTIVAL MIRADADIAS DE UTOPIA DIONE CARLOS Dramaturga

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O Mirada – Festival Ibero-americano de Artes Cênicas chega a mais um ano, para nos mostrar que os encontros entre potências podem e devem acontecer. O Mirada é uma utopia. Um lugar onde pessoas de diferentes culturas partilham algo em comum: o amor ao teatro. Neste ano, integro, junto ao Sesc e ao diretor, ator e dramaturgo André Guerreiro, a curadoria das ações formativas deste evento. Diante de um panorama variado, com 16 espetáculos brasileiros e 25 estrangeiros, foi possível identificar três eixos norteadores entre as peças: Vozes femininas, memórias pessoais e sociais e urgências do nosso mundo, como a questão dos refugiados, por exemplo. Diante da programação estabelecida, atividades foram pensadas em diálogo com as obras e artistas participantes, bem como o convite feito a profissionais de outras áreas do conhecimento, para integrarem mesas, vivências, oficinas e ocupações. Sempre objetivando a troca de saberes e a possibilidade efetiva de oferecer ao público uma múltipla e real experiência sensível. O Mirada deste ano promove reflexões sobre o colonialismo, com trabalhos que pesquisam vestígios ancestrais de histórias apagadas. Histórias escondidas sob nossos pés. Histórias que precisam ser contadas em uma espécie de arqueologia artística, tarefa empreendida por algumas obras. As narrativas em torno do universo da mulher chegam à cena em primeira pessoa, na voz de mulheres artistas, dirigindo, escrevendo e atuando. São visões muito distintas, que nos ajudam a entender a programação social chamada feminino. Nesta edição do festival, há um grande número de artistas mulheres presentes, dado a ser celebrado, uma conquista, sem dúvida. A questão urgente dos refugiados também está em cena,

problematizando a participação de cada um de nós neste processo em curso. O fato de estarmos em uma das maiores cidades portuárias do Brasil, com todo o seu histórico passado e movimento atual, também nos leva a refletir profundamente sobre o tema, uma vez que a migração forçada de seres humanos nos diz respeito desde sempre, vide a questão da escravidão no Brasil, último país do mundo a libertar seus escravizados. O corpo enquanto território político também surge neste cenário. O corpo-manifesto, o corpo-insurgente, o corpo-festa, o corpodesviante, o corpo como uma promessa de futuro. Seja dançando, atuando, em relação com as manifestações tradicionais populares, ele, o corpo, está em cena, como uma espécie de convite à insubordinação diante dos padrões de controle social. Corpo este que enfrenta memórias dolorosas de períodos políticos ditatoriais, exorcizando por meio da arte aquilo que ainda o aprisiona. O país homenageado deste ano é a Colômbia, com todo o seu histórico de resistência e reinvenção. Temos também a questão da oralidade, presente em alguns trabalhos, que vão desde monólogos até performances. Autoficções também integram este cenário, com a presença de artistas que investigam o mundo a partir de suas próprias experiências, compartilhando memórias pessoais e, a partir delas, problematizando questões sociais. Teremos ainda a presença de casulos, uma ilha

audiovisuai espalhada pelos espaços, alimentados com imagens do que acontece no próprio festival, visando o público participante das atividades e eventos, além de ter sido também pensado para o público que frequenta assiduamente a unidade do Sesc Santos. O Mirada é um convite ao imaginário e a prova de que o convívio, a partilha e a realização são ações possíveis entre nós. Participar desta experiência é aceitar este convite e estendê-lo a todos e todas que vierem ao Festival. Diante disto, miremos, todas e todos, juntas e juntos. Bem-vindos/as ao Mirada 2018.

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FESTIVAL MIRADADÍAS DE UTOPÍA ES

El Mirada - Festival Iberoamericano de Artes Escénicas llega un año más para mostrarnos que los encuentros entre potencias pueden y deben acontecer. El Mirada es una utopía. Un lugar donde personas de diferentes culturas comparten algo en común: el amor al teatro. Este año integro, junto al SESC y al director, actor y comediógrafo André Guerrero, la curaduría de las acciones formativas de este evento. Ante un panorama variado, con 16 espectáculos brasileños y 25 extranjeros, fue posible identificar tres ejes orientadores entre las obras: memorias personales y sociales; voces femeninas; y urgencias de nuestro mundo, como la cuestión de los refugiados. Considerando la programación establecida, se pensaron actividades en diálogo con las obras y los artistas participantes, así como invitaciones realizadas a profesionales de otras áreas de conocimiento para que integren mesas, vivencias, talleres y ocupaciones. Buscando, siempre, intercambiar saberes y la posibilidad efectiva de ofrecer al público una experiencia sensible múltiple y real. El Mirada este año promueve reflexiones sobre el colonialismo, con trabajos que investigan los vestigios ancestrales de historias borradas. Historias escondidas bajo nuestros pies. Historias que necesitan ser contadas en una especie de arqueología artística, tarea emprendida por algunas obras. Las narrativas que giran en torno al universo de la mujer llegan a la escena en primera persona, en la voz de mujeres artistas dirigiendo, escribiendo y actuando. Son visiones muy distintas, que nos ayudan a comprender la programación social considerada «femenina». En esta edición del festival, hay un gran número de artistas mujeres presentes, dato a ser celebrado, una conquista, sin duda. Asimismo, la cuestión urgente de los refugiados está en escena,

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DIONE CARLOS Dramaturga

problematizando la participación de cada uno de nosotros en este proceso en curso. El hecho de que estemos en una de las mayores ciudades portuarias de Brasil, con todo su pasado histórico y su movimiento actual, también nos induce a reflexionar profundamente sobre el tema, recordando que la migración forzada de seres humanos nos interpela desde siempre si tenemos presente, por ejemplo, la cuestión de la esclavitud en Brasil, último país del mundo que liberó a sus esclavos. A su vez, el cuerpo como territorio político también surge en este escenario. El cuerpo manifiesto, el cuerpo insurgente, el cuerpo fiesta, el cuerpo desviante, el cuerpo como una promesa de porvenir. Ya sea bailando, actuando, en relación con las manifestaciones tradicionales populares, el cuerpo está en escena como una especie de invitación a la insubordinación ante de los estándares del control social. Cuerpo éste que enfrenta memorias dolorosas de períodos políticos dictatoriales, exorcizando por medio del arte aquello que aún lo aprisiona. Por otra parte, el país agasajado este año es Colombia, con toda su historia de resistencia y reinvención. Se hace presente, además, la cuestión de la oralidad en algunos trabajos que van desde monólogos hasta performances. Autoficciones también integran este escenario, con la presencia de artistas que investigan el mundo de sus propias experiencias, compartiendo memorias personales y, a partir de ellas, problematizan cuestiones sociales.

Contaremos, asimismo, con la presencia de capullos con islas audiovisuales diseminados por los espacios, alimentados por imágenes de lo que está ocurriendo dentro del propio festival, que mostrarán el público participante de las actividades y eventos al público que frecuenta asiduamente la unidad del SESC Santos. El Mirada es una invitación a la imaginación y la prueba de que la convivencia, la partición y la realización son acciones posibles entre nosotros. Participar de esta experiencia es aceptar esta invitación y extenderla a todos aquellos y todas aquellas que vengan al Festival. Ante todo esto, miremos, todas y todos, juntas y juntos. Bienvenidos y bienvenidas al Mirada 2018.

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MIRADA FESTIVAL – DAYS OF UTOPIA EN

Mirada – Ibero-American Performing Arts Festival is once again ready to show us that a clash of powers can and must happen. Mirada is a utopia. A place where people from different cultures share one thing in common: love for the theater. This year, along with Sesc and director, actor and playwright André Guerreiro, I have joined the curatorship of this event’s audience development activities. Before a varied panorama of 16 Brazilian shows and 25 foreign ones, we were able to identify three guiding threads among them: feminine voices, personal and social memories, and urgencies of the contemporary world, like the refugee issue. Along with the program, activities were conceived in dialogue with the participating plays and artists, as well as invitations made to professionals of other areas of knowledge, to join debates, experiences, workshops, and occupations. Always aiming to exchange knowledge and offer the audience a multiple and real sensorial experience. This year’s Mirada proposes reflections upon colonialism, with works that research ancestral vestiges of forgotten stories. Stories hidden under our feet. Stories that must be told in a kind of artistic archeology, a task undertaken by some of the shows. The narratives around the feminine universe come to the stage in the first person, through the voice of women who direct, write and act. These are very different points of view that help us understand the social programming we call feminine. In this edition of the festival, there is a myriad of female artists present, a data to be celebrated, and a great achievement, without a doubt. The urgent issue of refugees is on stage, questioning the participation of each one of us in this ongoing process. The fact that we are in one of the largest port cities in Brazil, Santos, with all of its past history and present movement, also leads us to deeply ponder the theme, since the forced migration of human beings has always concerned us –

DIONE CARLOS Dramatist

think of the issue of slavery in Brazil, the last country in the world to set its slaves free. The body as political territory also comes up in this landscape. The protesting body, the insurgent body, the partying body, the deviant body, the body as a promise of future. Be it dancing, acting, or relating to traditional popular manifestations, the body is on the scene, as a kind of invitation to defiance in the face of the patterns of social control. That body faces painful memories of dictatorial political periods, exorcizing through art what still imprisons it. This year, we honor Colombia, with all its history of resistance and reinvention. We also have the issue of orality, present in many works, ranging from monologues to performances. Autofiction also join this scenario, with artists that explore the world based on their own experiences, sharing personal memories and, upon that, questioning social issues. We will also have cocoons with audiovisual islands spread all over the spaces, showing images of what happens in the festival, intended for the audience participating in the activities, and events open for the public that frequently attends Sesc Santos. Mirada is an invitation to the imaginary and proof that togetherness, sharing and realization are possible actions amongst us. Being part of this experience is to accept this invitation and to extend it to everyone who comes to the Festival. With that in mind, let’s watch it, all of us, together. Welcome to Mirada 2018. 17

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MÁQUINA DO MUNDO IBEROAMERICANO ANDRÉ GUERREIRO LOPES Diretor e ator

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“Olha, repara, ausculta!”, diz A Máquina do Mundo, ao entreabrir-se luminosa, no poema de Drummond. De dois em dois anos uma engrenagem parecida se revela na cidade portuária de Santos, convidando a uma trama pulsante de experiências, reflexões e encontros. Nela estive nas duas últimas edições e com grande entusiasmo recebi em junho passado o convite do Sesc para ser curador, junto com a dramaturga Dione Carlos, das ações formativas do Mirada 2018. Vocacionado para a transversalidade, o Mirada encontra nessas atividades um espaço singular de entrecruzamento entre artistas, público, espaços e ideias, o que torna a tarefa curatorial um desafio instigante e de muita responsabilidade.

temas, foram divididas em quatro eixos: “ Oficinas: Construindo Imaginários ”, “ Vivência: Partilhas Ibero Americanas ”, “ Mesas: Encontro de Vozes e Urgências ” e “ Processos Criativos e Reverberações ”.

Um dos primeiros princípios norteadores desse desenho de ações foi o conceito de trânsito, de dissolução de fronteiras, central nos meus trabalhos e que me parece estar na natureza do festival. Buscamos ações que embaralhassem limites entre linguagens e divisões entre arte e realidade, estimulando o fluxo entre criadores e público, entre o teatro e a cidade. Como parte desse esforço, uma instalação audiovisual aberta denominada Casulo foi concebida, onde um mosaico de vídeos poético-documentais das ações formativas é produzido pelo coletivo Querô e exposto durante todo o festival, com trânsito livre do público.

A pluralidade de vozes e narrativas ibero-americanas sempre foi central no festival e este ano não é diferente, com destaque para a voz da mulher. Uma série de ações foram pensadas nesta direção, possibilitando o encontro entre dramaturgas de diferentes países, buscando ecos e reverberações de criadoras inquietas com jovens aprendizes.

Quarenta e um espetáculos de treze países diferentes. Ao estudarmos essa complexa trama da programação do Mirada alguns pontos de intersecção saltaram à vista: a Memória, a Pluralidade de Vozes, a Urgência. São temas necessários e indispensáveis ao nosso tempo. As ações formativas, direta ou indiretamente inspiradas por estes

De maneiras muito distintas diversos espetáculos do festival usam a memória como matéria-prima, memórias pessoais e coletivas, autoficções, memórias de luta e resistência, memórias que precisam e devem vir à tona. Esta discussão está presente e expandida em mesas de debate e em uma oficina na Cadeia Velha.

Como dar forma, como materializar urgências? Há assuntos urgentes, como totalitarismo e colonialismo, explorados em espetáculos e discutidos em mesas que combinam artistas, pesquisadores e jornalistas. Há a urgência manifesta no corpo, o retorno ao corpo como território de embates e simbologias, inspiradora de oficinas e debates. E há a urgência

transformada em ousadias formais, espetáculos e atividades nas zonas fronteiriças entre o teatro, dança e artes visuais. Quanto mais tentamos definir o que o teatro é, encaixotá-lo em uma fórmula, com maior força ele se rebela, nos surpreende e desestabiliza. O teatro é insurgente por natureza, pede de nós constantemente a expansão do olhar e pensamento. Mais do que o compartilhar de certezas, este conjunto de ações formativas busca, antes de tudo, criar condições para que o assombro poético aconteça, talvez a forma mais profunda de resistência nestes tempos difíceis. No poema de Drummond, ao ver a Máquina do Mundo aberta à sua frente, o narrador hesita, baixa o olhar, e a máquina, com tantas possibilidades, inquietações e conhecimentos, se recolhe lentamente, fechando-se para sempre. Que saibamos aproveitar esta rara oportunidade de encontros, intercâmbio e contaminações da Máquina Mirada, com um sentido de urgência e curiosidade. Meu muito obrigado ao Sesc pelo convite a esta instigante jornada e à Dione Carlos, pela inspiradora troca artística nestes meses de trabalho.

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LA MÁQUINA DEL MUNDO IBEROAMERICANO ES

«Mira, observa, ¡escucha!», dice La Máquina del Mundo, al entreabrirse, luminosa, en el poema de Drummond. Cada dos años, un engranaje parecido cobra relevancia en la ciudad portuaria de Santos, e invita a una trama pulsante de experiencias, reflexiones y encuentros. Tuve el placer de participar en las últimas dos ediciones, y recibí con gran entusiasmo en junio pasado la invitación del Sesc para ser curador de las acciones formativas del festival Mirada 2018, junto con la dramaturga Dione Carlos. De vocación transversal, Mirada encuentra en las Formativas un espacio singular de encuentro de artistas, público, espacio e ideas, lo cual transforma la tarea curatorial en un desafío estimulante y de mucha responsabilidad. Uno de los principios orientadores de este diseño de acciones fue el concepto de tránsito, de disolución de las fronteras, temas centrales en mis trabajos y que considero intrínsecos a la naturaleza del festival. Buscamos acciones que confundiesen los límites entre diferentes lenguajes y la división entre el arte y la realidad, que incitasen el flujo entre los creadores y el público, entre el teatro y la ciudad. Como parte de este esfuerzo, se concibió una instalación audiovisual intitulada Casulo, en la que el colectivo Querô produjo un mosaico de videos poético documentales de las acciones formativas que se exhibirá durante todo el festival, con acceso libre para el público. Cuarenta y un espectáculos de trece países diferentes. Al estudiar esta compleja trama de la programación de Mirada, saltaron a la vista algunos puntos de intersección: la Memoria, la Pluralidad de Voces, la Urgencia. Son temas necesarios e indispensables para nuestro tiempo. Las acciones formativas, directa o indirectamente inspiradas por estos temas, se

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ANDRÉ GUERREIRO LOPES Director y actor

agruparon en torno a cuatro ejes: «Talleres: Construyendo Imaginarios», «Vivencia: Colaboraciones Iberoamericanas», «Mesas: Encuentro de Voces y Urgencias» y «Procesos Creativos y Reverberaciones».

talleres y debates. Y existe la urgencia transformada en las osadías formales, en los espectáculos y en las actividades que se encuentran en las fronteras entre el teatro, la danza y las artes visuales.

De formas muy distintas, los diversos espectáculos que integran el festival usan la memoria como materia prima, memorias personales y colectivas, autoficciones, memorias de luchas y de resistencia, memorias que necesitan y que deben ponerse de relieve. Esta discusión forma parte y se profundizará en las mesas de debate y en un taller en el centro cultural Cadeia Velha.

Cuanto más tratamos de definir qué es el teatro, de encajarlo dentro de una fórmula, mayor es la fuerza con la que este se rebela, nos sorprende y nos desestabiliza. El teatro es insurgente por naturaleza, nos exige constantemente una expansión de la mirada y del pensamiento. Más que compartir certezas, este grupo de acciones formativas busca, antes que nada, crear las condiciones para que tenga lugar el asombro poético, tal vez, la forma más profunda de resistencia en estos tiempos difíciles.

La pluralidad de voces y de narrativas iberoamericanas fueron siempre el corazón de este festival y este año no será diferente, con especial atención a la voz de la mujer. En este sentido, se pensó en una serie de acciones que hicieran posible el encuentro entre dramaturgas de diferentes países, que buscasen los ecos y las reverberaciones entre inquietas creadoras y jóvenes aprendices. ¿Cómo dar forma, cómo materializar las urgencias? Existen temas urgentes, como el totalitarismo y el colonialismo, que se exploran en los espectáculos y se discuten en las mesas que reúnen a artistas, investigadores y periodistas. Existe la urgencia que se manifiesta en el cuerpo, el retorno al cuerpo como territorio de embates y simbologías, y que inspira los

En el poema de Drummond, al ver la Máquina del Mundo abierta frente a sí, el narrador duda, baja la mirada, y la máquina, que tiene tantas posibilidades, inquietudes y conocimientos, se repliega lentamente, y se cierra para siempre. Ojalá sepamos aprovechar las escasas oportunidades de encuentro, intercambio y contaminaciones de la Máquina Mirada, con un sentido de urgencia y de curiosidad. Mi agradecimiento al Sesc por su invitación a participar en este estimulante viaje y a Dione Carlos, por la inspiradora ida y vuelta artística en estos meses de trabajo.

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THE MACHINE OF THE IBEROAMERICAN WORLD EN

“Look, take note, listen!”, says The Machine of the World, luminous as it opens up in Carlos Drummond de Andrade’s poem. Every two years, a similar gear reveals itself in the port city of Santos, an invitation to a pulsating web of experiences, reflections, and encounters. I attended the last two editions and received with great enthusiasm Sesc’s invitation to curate, alongside dramatist Dione Carlos, the training activities of Mirada 2018. With a vocation for transversality, Mirada finds in those activities a unique space of exchange between artists, audiences, spaces and ideas, which makes the curatorial task a stimulating challenge and a great responsibility. One of the guiding principles for conceiving those actions was the concept of transit, of dissolving borders, which is a central feature in my work and seems to be in the nature of the festival. We sought actions that would blur the lines between languages and the divisions between art and reality, stimulating the flow between creators and the audience, between theater and the city. As part of that effort, an open audiovisual installation called Cocoon was conceived, with a mosaic of poetic-documentary videos of the training activities produced by the Querô collective, and it will be exhibited throughout the whole festival, with free access to the public. Forty-one shows from thirteen countries. As we studied the complex web of Mirada’s program, some points of intersection emerged: Memory, Plurality, Voices, Urgency. These are necessary and indispensable issues of our time. The training activities were directly and indirectly inspired by those issues and were divided in four axes: “Workshops: Building Imaginaries”, “Experience: Sharing Ibero-America”, “Roundtables: Encounter of Voices and Urgencies” and “Creative Processes and Reverberations”.

ANDRÉ GUERREIRO LOPES Director and an actor

In very distinct ways, several of the festival’s shows use memory as raw material; personal and collective memories, autofictions, memories of struggle and resistance, memories that must and should come to light. That discussion is present and expanded in roundtables and in a workshop in Cadeia Velha. The plurality of Ibero-American voices and narratives has always been a central feature of the festival and this year is no different, highlighting women’s voices. A series of actions were conceived in that direction, enabling encounters between dramatists from different countries, seeking echoes and reverberations from restless creators with young apprentices. How to give shape and materialize urgencies? Urgent issues, such as totalitarianism and colonialism, are explored in shows and discussed in roundtables that gather artists, researchers and journalists. Urgency is manifested in bodies, in the return of the body as a territory for confrontation and symbologies, inspiring workshops and debates. And urgency is transformed into formal boldness, shows and activities in the bordering zones between theater, dance and visual arts.

constantly expand our gaze and our thinking. More than sharing certainties, above all, this set of training actions seeks to create conditions for the poetic wonder to take place, which may be the most profound resistance in this difficult time. In Drummond’s poem, the narrator hesitates after seeing the Machine of the World open in front of him; he looked down, and the machine, so full of possibilities, restlessness and knowledge, slowly recoils and closes up forever. Hopefully we will know how to enjoy this rare opportunity for encounters, exchanges and contagions provided by the Mirada Machine, with a sense of urgency and curiosity. I am very thankful to Sesc for the invitation to this thoughtprovoking journey and to Dione Carlos for the inspiring artistic exchanges during these months of work.

The more we try to define what theater is, to make it fit into a formula, the more strongly it rebels, surprising and destabilizing us. Insurgent by nature, theater asks us to

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DAS REVISÕES HISTÓRICAS E DO TEATRO A SERVIÇO DA VIDA DANIELE AVILA SMALL Pesquisadora e crítica de teatro

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É na voz da atriz, dramaturga e diretora Grace Passô que ressoam duas das perguntas mais pertinentes entre os discursos das peças desta quinta edição do Mirada: “Quem é a sua comunidade? Do que você não se esquece nunca que você é?” As falas são de Preto, peça da companhia brasileira de teatro dirigida e escrita por Marcio Abreu, na qual Grace é atriz e uma das dramaturgas. Emblemáticas, estas duas perguntas apontam que a noção de comunidade está sempre ligada à de identidade e viceversa – o que parece bastante evidente, embora essa relação não seja desprovida de tensão. Dentre as peças desta edição do Mirada, algumas convidam à reflexão sobre narrativas históricas que, de uma maneira ou de outra, forjam noções de identidade, comunidade, e pertencimento. As formas como o teatro contemporâneo tem se relacionado com os modos de produção de saber histórico é algo a se observar. Nestas peças, vislumbramos a possibilidade de falar na primeira pessoa do plural, pelo menos enquanto seres históricos – que de fato somos. Assisti a Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, da atriz, dramaturga e diretora portuguesa Joana Craveiro no 38º FITEI – Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica do Porto em 2015, mas parece ainda mais pertinente vê-lo hoje no Brasil, em 2018, conturbado ano de eleições. No espetáculo, Joana fala sobre a falta de inscrição de memória no espaço público em Portugal. O que dizer do Brasil? Da relação com a história e a memória do período ditatorial? Na programação do país homenageado desse ano, o Mapa Teatro apresenta La despedida, espetáculo

que conclui um projeto de pesquisa sobre a violência na Colômbia. Vemos na peça o registro documental, feito pelo grupo, de um museu encenado em um antigo acampamento das FARC-EP, no qual o exército colombiano lança mão de técnicas rudimentares do teatro para contar a sua versão da história do conflito armado no país – um empreendimento um tanto sensacionalista. Com uma linguagem particular, o Mapa Teatro aborda as relações entre polícia, política e transmissão midiática de informação em um contexto específico, mas que diz respeito à América Latina como um todo.

importante. Em 2016, na quarta edição do Mirada, esta reflexão foi levantada em uma palestra de Verônica Fabrini, que também publicou um artigo no catálogo do festival, cuja leitura retomo (e recomendo) para fazer alguns apontamentos sobre o que mais me provoca nos espetáculos reunidos pela curadoria do Mirada de 2018.

A invenção do Nordeste, do Grupo Carmin, de Natal, é declaradamente um projeto de crítica cultural e historiográfica. Com uma narrativa ficcional bem-humorada (um diretor prepara dois atores nordestinos para fazer um teste de TV para um personagem nordestino), a peça se baseia no livro homônimo de Durval Muniz para criticar narrativas (do cinema, da literatura e da imprensa, por exemplo) que forjaram e continuam forjando uma ideia falsamente homogênea de Nordeste. Como se houvesse uma essência do ser nordestino entre os cidadãos das diversas culturas dos nove estados dessa região do Brasil.

Em linhas gerais, o pensamento decolonial propõe uma revisão crítica da modernidade – que não pode ser pensada sem a colonialidade – que questiona as supostas neutralidades e normatividades, bem como a predominância absoluta das epistemologias do norte. Pensadores como Boaventura de Sousa Santos, Walter Mignolo, Aníbal Quijano, Catherine Walsh e María Lugones, entre tanto outros, defendem práticas de descolonização do saber, do poder e do ser. As revisões históricas que se dão nas peças mencionadas anteriormente (inclusive a de Portugal, o que não é uma contradição) bem como em outros espetáculos contemporâneos, podem ser vistas, cada uma a seu modo, como gestos de descolonização do pensamento.

O teatro tem muito a ganhar no diálogo com o pensamento decolonial, mas parece que as práticas das artes cênicas no Brasil estão ainda apartadas deste movimento tão

Mas eu gostaria de encerrar este breve comentário enfatizando a relevância do teatro na sua potência como ato de descolonização do ser, quando

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aborda questões pontuais sobre a vida, como as problematizações de gênero, por exemplo, ou a oposição entre racionalidade e loucura – e que são carregadas de historicidade. Passa pela descolonização do ser o questionamento do que é considerado “normal”. Não seria a ideia de normalidade apenas a naturalização forçada, artificial, de uma norma? O quanto as ideias dominantes sobre o que é e o que não é normal atualizam a hierarquia dicotômica entre o humano e o não-humano – que autorizou a escravização e o genocídio de povos africanos e indígenas? Que crueldades são validadas com a régua arbitrária da normalidade? Colônia, solo de Renato Livera, com dramaturgia de Gustavo Colombini e direção de Vinicius Arneiro, é como um verbete performado que quer tratar de uma imbricada rede de conceitos amarrados nesta palavra que é o título desta peça e que tem tantos sentidos. Mas o espetáculo também sabe que não é possível dar conta de tamanha complexidade e de tantos episódios sem sentido na história oficial do Brasil. Uma conferência lacunar, tropeçada nas próprias palavras, com silêncios engolidos, faz olhar para o passado recente – tão presente – do holocausto dos mais de 60.000 encarcerados do Hospital Colônia de Barbacena. Supostamente loucos, ou meramente “subversivos”, ou simplesmente mulheres, de maioria negra – não esqueçamos –, mas que, enfim, não eram considerados “normais”. Isso foi ontem. Logo ali na esquina. É aqui e agora, todo dia.

consideradas “espaço público” no sentido estrito, como uma praça ou um parque. Os espetáculos são como monumentos nômades, portáteis, que colaboram para que os espectadores não se esqueçam, para que não deixem de pensar nos acontecimentos rememorados ou nas reflexões propostas por essas obras. Não é bonita a nossa história. Mas temos que olhar para ela. E lembrar que olhar para a história não é simplesmente olhar para o passado. Um dos fundamentos da descolonização do ser é a proposta de que as instituições estejam a serviço da vida, e não o contrário. Assim, pode-se dizer, com Nietzsche, o mesmo sobre a história: que ela esteja a serviço da vida ou então ela não nos serve. Retorna sempre à minha mente uma frase que escutei em Colônia: “Quem olha pra frente não sabe a sorte que tem.” Que o teatro, quando fala da morte, das ditaduras, das perdas, dos genocídios, dos abandonos, dos massacres, dos preconceitos, da solidão, da ganância, das diferenças de classe, do racismo, das inércias, das falências, dos exílios, dos abusos ou dos suicídios, que seja para olhar para a frente, que seja para olhar para a vida.

Como Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, La despedida e A invenção do Nordeste, Colônia é um gesto de inscrição da memória histórica no espaço público. As peças de teatro não podem ser

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DE LAS REVISIONES HISTÓRICAS Y DEL TEATRO AL SERVICIO DE LA VIDA ES

Es en la voz de la actriz, dramaturga y directora Grace Passô que resuenan dos de las preguntas más pertinentes entre los discursos de las obras que integran esta quinta edición de Mirada: «¿Quién es tu comunidad? ¿Qué es lo que nunca olvidas que eres?» Estas líneas de Preto, obra de la compañía brasileña de teatro escrita y dirigida por Marcio Abreu, aparecen en la voz de Grace que, además de actuar, es una de las dramaturgas. Emblemáticas, estas dos preguntas señalan que la noción de comunidad siempre está ligada a la de identidad –y viceversa–, lo cual parece muy evidente, aunque esa relación no esté desprovista de tensión. Entre las obras de esta edición de Mirada, algunas invitan a la reflexión sobre las narrativas históricas que, de un modo u otro, forjan nociones de identidad, comunidad y pertenencia. Algo que debe observarse son las formas en que el teatro contemporáneo se ha relacionado con los modos de producción de saber histórico. En estas obras, vislumbramos la posibilidad de hablar en la primera persona del plural, al menos en la condición de seres históricos –lo que, de hecho, somos–. En el 2015, tuve la oportunidad de ver Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, de la actriz, dramaturga y directora portuguesa Joana Craveiro, en el 38.o Festival Internacional de Teatro de Expresión Ibérica de Oporto (FITEI); sin embargo, parece aun más pertinente ver esta obra en la actualidad de Brasil, en este 2018 conturbado por las elecciones. En este espectáculo, Joana habla sobre la falta de registro de la memoria en el espacio público en Portugal. ¿Qué se puede decir de Brasil? ¿De la relación con la historia y la

DANIELE AVILA SMALL Investigadora y crítica de teatro

memoria de la época de la dictadura? En la programación del país homenajeado este año, Mapa Teatro presenta La despedida, espectáculo que finaliza un proyecto de investigación sobre la violencia en Colombia. En esta obra, vemos el registro documental realizado por el grupo de un museo montado donde otrora hubo un campamento de las FARC-EP, en el cual el ejército colombiano se sirve de rudimentarias técnicas teatrales para contar su versión de la historia del conflicto armado en ese país – emprendimiento un tanto sensacionalista–. Con un lenguaje particular, Mapa Teatro aborda la relación entre la policía, la política y la difusión mediática de la información en un contexto específico, pero que puede aplicarse para toda América Latina. A invenção do Nordeste, del Grupo Carmin, de Natal, es claramente un proyecto de crítica cultural e historiográfica. Con una narrativa ficcional bienhumorada (un director prepara a dos actores nordestinos para hacer una prueba en televisión para representar a un personaje nordestino), la obra está basada en el libro homónimo de Durval Muniz, que critica las narrativas (del cine, de la literatura y de los medios, por ejemplo) que forjaron y siguen forjando una idea falsamente homogénea de la región Nordeste de Brasil. Como si hubiese

una esencia del ser nordestino en los habitantes de las diversas culturas de los nueve estados que integran esa región. El teatro tiene mucho por adquirir en el diálogo con el pensamiento descolonizador; sin embargo, parece que las prácticas de las artes escénicas en Brasil todavía están lejos de este importante movimiento. En el 2016, en la cuarta edición de Mirada, Verônica Fabrini hizo esta reflexión en una conferencia, además de haber publicado un artículo en el catálogo del festival, cuya lectura retomo –y recomiendo– para hacer mis últimas consideraciones sobre lo que me resulta más provocador en los espectáculos que reúne la curadoría de la edición 2018 de Mirada. En líneas generales, el pensamiento decolonial propone una revisión crítica de la modernidad –que no puede pensarse sin lo colonial– que cuestiona las supuestas neutralidades y normatividades, como también el predominio absoluto de las epistemologías del norte. Pensadores como Boaventura de Sousa Santos, Walter Mignolo, Aníbal Quijano, Catherine Walsh y María Lugones, entre tantos otros, defienden las prácticas

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descolonizadoras del saber, del poder y del ser. Las revisiones históricas que se hacen en las obras antes mencionadas (incluyendo la de Portugal, lo cual no constituye una contradicción) como también en otros espectáculos contemporáneos, pueden verse, cada una a su modo, como gestos de descolonización del pensamiento. Con todo, me gustaría cerrar este breve comentario enfatizando la relevancia del teatro en su potencia como acto de descolonización del ser, cuando aborda cuestiones puntuales sobre la vida, como las problematizaciones de género, por ejemplo, o la oposición entre racionalidad y locura, y que están cargadas de historicidad. Pasa por la descolonización del ser el cuestionamiento de lo que se considera «normal». A fin de cuentas, la idea de normalidad ¿no sería solo la naturalización forzada, artificial, de una norma? ¿Cuánto actualizan la jerarquía dicotómica entre lo humano y lo no humano las ideas dominantes sobre lo que es normal y lo que no lo es? Máxime si consideramos que esta idea permitió la esclavización y el genocidio de los pueblos africanos e indígenas. ¿Qué crueldades se validan con la vara arbitraria de la normalidad? Colônia, el unipersonal de Renato Livera, con la dramaturgia de Gustavo Colombini y la dirección de Vinicius Arneiro, se presenta como la entrada de un diccionario puesta en escena, que trata la imbricada red de conceptos ligados a esta palabra que da el título a esta obra y que posee tantos sentidos. Aun así, el espectáculo sabe que no es posible dar cuenta de tamaña complejidad y de los tantos episodios sin

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sentido en la historia oficial del Brasil. Una conferencia con lagunas, que tropieza con las propias palabras, con silencios que se tragan, dirige nuestras miradas hacia el pasado reciente –tan reciente– del holocausto de los más de 60 0 00 encarcelados del Hospital Colonia de Barbacena. Los supuestamente locos, o los meramente «subversivos» o, simplemente, las mujeres –la mayoría, negra, no lo olvidemos–, en fin, los que no eran considerados «normales». Esto sucedió ayer. Ahí, cerca, en la esquina. Es aquí y ahora, cada día. Como Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, La despedida y A invenção do Nordeste, Colônia es un gesto de registro de la memoria histórica en el espacio público. Las obras de teatro no pueden considerarse «espacio público» en el sentido estricto, como una plaza o un parque. Los espectáculos son como monumentos nómades, portátiles, que contribuyen para que los espectadores no se olviden, para que no dejen de pensar en los acontecimientos rememorados o en las reflexiones que proponen estas obras.

estén al servicio de la vida, y no lo contrario. Así, en términos de Nietzsche, puede decirse lo mismo sobre la historia: esta debe estar al servicio de la vida, de lo contrario, no nos sirve. Todo el tiempo vuelve a mi mente una frase que escuché en Colônia: «Quien mira hacia adelante no sabe la suerte que tiene». Que el teatro, cuando hable de muerte, de dictaduras, de pérdidas, de genocidios, de abandonos, de masacres, de prejuicios, de soledad, de ganancia, de diferencias de clases, de racismo, de inercias, de falencias, de exilios, de abusos o de suicidios, sea para mirar hacia adelante, que sea para mirar hacia la vida.

No es una linda nuestra historia. Pero debemos mirarla. Y recordar que mirar la historia no es solo mirar hacia lo pasado. Uno de los pilares de la descolonización del ser es la propuesta de que las instituciones

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ON HISTORICAL REVISIONS AND ON THEATER AT THE SERVICE OF LIFE EN

It is the voice of actress, dramatist and director Grace Passô that resonates two of the most relevant questions amidst the discourses of the plays in this fifth edition of Mirada: “Who is your community” What do you never forget you are?” The lines come from Preto, a play by companhia brasileira de teatro written and directed by Marcio Abreu, in which Grace acts and is one of the dramatists. These two emblematic questions point to the fact that the notion of community is always connected to the notion of identity and vice versa – which seems quite evident, even though that relationship is not devoid of tension. Among the plays in this edition of Mirada, some invite us to reflect upon the historical narratives that, in one way or another, forge notions of identity, community and belonging. The ways in which contemporary theater has been relating to the modes of historical knowledge production is something to be observed. In those plays, we glimpse the possibility of speaking in first person plural, at least as historical beings – which we, in fact, are. I watched Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, by Portuguese actress, dramatist and director Joana Craveiro, at the 38th FITEI – International Theatre Festival of Iberian Expression in Porto in 2015, but it seems even more relevant to watch it today in Brazil in 2018, a turbulent election year. In the show, Joana talks about the lack of memory embedded in Portugal’s public space. What about Brazil? What about our relationship with the history and memory of the dictatorship period? In the program of this year’s honored country, Mapa Teatro performs A despedida, a piece that concludes a research project about violence in Colombia. In the play,

DANIELE AVILA SMALL Teathe critic and researcher

we see the documental record, made by the group, of a museum staged in an old FARC-EP camp, in which the Colombian army employs rudimentary theater techniques to tell its own version of the armed conflict in the country – quite a sensationalist enterprise. With a very particular language, Mapa Teatro addresses the relationships between the police, politics and the spread of information by the media in a specific context, but which concerns Latin America as a whole. A invenção do Nordeste, by Grupo Carmin, from the state of Natal, is openly a project of cultural and historiographic critique. With a humorous fictional narrative (a director prepares two actors from the Brazilian Northeast to audition for a character from the same region), the play is based on the eponymous book written by Durval Muniz to criticize narratives (in film, in literature, an in the media, for instance) that forged and continue to forge a falsely homogenous idea of the Northeast. As if there was an essence of being Northeastern among the citizens of the different cultures of the nine states of that Brazilian region. Theater has a lot to gain from the dialogue with decolonial thinking, but it seems the performing arts practice in Brazil still stands apart from such an important movement. In 2016, in the fourth edition of Mirada, that reflection was brought up in a lecture by Verônica Fabrini, who also published an article in the festival’s catalogue, which I revisit (and recommend) to make some

observations about what instigates me the most in the shows gathered by the curatorship of Mirada 2018. In broad strokes, decolonial thinking proposes a critical revision of modernity – which cannot be analyzed without considering colonialism – that questions assumed neutralities and normativities, as well the utter dominance of epistemologies of the North. Thinkers like Boaventura de Sousa Santos, Walter Mignolo, Aníbal Quijano, Catherine Walsh and María Lugones, among so many others, defend practices for the decolonization of knowledge, of power, of being. The historical revisions that take place in the pieces mentioned before (including the one from Portugal, which is not a contradiction), as well as in other contemporary shows, can be seen as gestures to decolonize thinking, each in its own way. But I would like to end this brief comment by emphasizing the relevance of theater in its potential as an act of decolonization of being, when it addresses specific issues about life, like gender problematizations, for instance, or the opposition between rationality and madness – which are loaded with historicity. The decolonization of being includes questioning what is considered

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“normal”. Isn’t the idea of normality just the forced, artificial naturalization of a norm? How much do the dominant ideas about what is and what isn’t normal update the dichotomic hierarchy between human and nonhuman – which authorized slavery and the genocide of African and Native peoples? What cruelties are validated by the arbitrary measure of normality? Colônia, Renato Livera’s solo, written by Gustavo Colombini and directed by Vinicius Arneiro, is like a performed dictionary entry that wants to deal with an imbricate web of concepts tied together in the word that is the title of this piece and that has so many meanings. But the show also knows that it is not possible to account for such complexity and for so many meaningless episodes in the official history of Brazil. A fragmentary conference, stumbling on its own words, with swallowed silences, turns our gaze to the recent past – but also so present – of the holocaust of more than 60,000 inmates of Hospital Colônia de Barbacena. Supposedly crazy, or just “subversive”, or just women, mostly black – let’s not forget – those people were not considered “normal”. It happened just yesterday. It’s right around the corner. It’s here and now, every day.

Our history is not a beautiful one. But we must look at it. And we must remember that looking at history is not simply looking at the past. One of the basic tenets of the decolonization of being is the argument that institutions should be at the service of people, not the other way around. Thus, with Nietzsche, the same could be said of history: it must be at the service of life; otherwise it doesn’t serve us at all. A sentence I heard in Colônia always comes back to me: “Those who look forward don’t know how lucky they are.” When speaking about death, dictatorships, losses, genocides, abandonments, massacres, prejudices, loneliness, greed, class differences, racism, inertias, failures, exiles, abuses, or suicides, may theater look forward, may it look at life.

Like Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, A despedida and A invenção do Nordeste, Colônia is a gesture of embedding historical memory into public space. Theater pieces cannot be considered “public space” in the strict sense, like a town square or a park. Shows are like nomad, portable monuments that collaborate to prevent spectators from forgetting, so that they don’t refrain from thinking about the events recalled or the reflections proposed that by those pieces.

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ESPETÁCULOS EL RITMO (PRUEBA 5) _ TOPOLOGÍAS PARA CUERPOS INFINITAMENTE INCONQUISTABLES

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A R G E N TI N A

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EL RITMO (PRUEBA 5) 90 min

O RITMO (PROVA 5)

THE RHYTHM (TEST 5)

MATÍAS FELDMAN

DRAMATURGIA E DIREÇÃO DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN DRAMATURGY AND DIRECTION MATÍAS FELDMAN ELENCO ELENCO CAST ARIEL PÉREZ DE MARÍA, JULIANA MURAS, LETICIA MAZUR, MAITINA DE MARCO, MATÍAS FELDMAN, MATTHIEU PERPOINT E PAULA PICHERSKY ASSISTENTE DE DIREÇÃO ASISTENTE DE DIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTOR JUAN FRANCISCO REATO PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION MELISA SANTORO DRAMATURGISTA DRAMATURGISTA DRAMATIST JUAN FRANCISCO DASSO COLABORAÇÃO COREOGRÁFICA COLABORACIÓN COREOGRÁFICA CHOREOGRAPHIC COLLABORATION RAKHAL HERRERO ASSISTENTE DE PRODUÇÃO ASISTENTE DE PRODUCCIÓN PRODUCTION ASSISTANT TAMARA BELENKY COLABORAÇÃO MUSICAL COLABORACIÓN MUSICAL MUSICAL COLLABORATION NICOLÁS VARCHAUSKY GRAVAÇÃO AUDIOVISUAL GRABACIÓN AUDIOVISUAL AUDIOVISUAL RECORDING MARTÍN BERRA COLABORAÇÃO ARTÍSTICA COLABORACIÓN ARTÍSTICA ARTISTIC COLLABORATION LUCIANO SUARDI E LORENA VEGA ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING Martín Berra

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RICARDO SICA FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN LARA SOL GAUDINI CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN CECILIA ZUVIALDE ASSISTENTE DE CENOGRAFIA ASISTENTE DE ESCENOGRAFÍA SET DESIGN ASSISTANT JULIETA ITALIANO PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL ARIANE CUMINALE (VUELA PRODUÇÃO E CRIAÇÃO)

URUGUAI ARGENTINA

O ESPETÁCULO É UMA PRODUÇÃO DO COMPLEJO TEATRAL DE BUENOS AIRES E INTEGRA O PROYECTO PRUEBAS. ESPECTÁCULO ES UNA PRODUCCIÓN DEL COMPLEJO TEATRAL DE BUENOS AIRES YINTEGRA EL PROYECTO PRUEBAS. THE SHOW IS A PRODUCTION OF THE COMPLEJO TEATRAL BUENOS AIRES AND INTEGRATES PROYECTO PRUEBAS.

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EL RITMO (PRUEBA 5) PT

Iniciado em 2013 com El espectador (Prueba 1), o Proyecto Pruebas da Companhía Buenos Aires Escénica é uma proposta de pesquisa sobre a percepção, os modelos de representação, os procedimentos, as convenções e a linguagem do teatro. Como em um laboratório permanente, a cada novo experimento os artistas exploram diferentes hipóteses decorrentes de uma provocação, investigando um aspecto específico do fazer teatral e da sua recepção. Nos últimos anos, seguiram-se La desintegración (Prueba 2), Las convenciones (Prueba 3) e El tiempo (Prueba 4), produzidas em caráter independente. Em 2017, o grupo estreou El ritmo (Prueba 5) no contexto do teatro oficial de Buenos Aires, no Teatro Sarmiento. Os artistas experimentam o ritmo sob a perspectiva do trabalho nos dias atuais. As vertiginosas mudanças tecnológicas das últimas décadas trouxeram novas concepções do tempo e do espaço, bem como novas dinâmicas nas relações profissionais, que borram as fronteiras entre tempo livre e horário de trabalho. A presença de uma senhora com mais idade entre personagens mais jovens chama a atenção para um contraste entre diferentes modos de estar no mundo – pautados em larga medida pela dinâmica dada pelo ritmo de trabalho.

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Martín Berra

Iniciado en el 2013 con El espectador (Prueba 1), el Proyecto Pruebas, de la Compañía Buenos Aires Escénica, es una propuesta de investigación sobre la percepción, los modelos de representación, los procedimientos, las convenciones y el lenguaje del teatro. Como en un laboratorio permanente, en cada nuevo experimento los artistas exploran diferentes hipótesis a partir de una provocación, y investigan un aspecto específico del quehacer teatral y su recepción. En los últimos años, se sucedieron La desintegración (Prueba 2), Las convenciones (Prueba 3) y El tiempo (Prueba 4), producidas de modo independiente. En el 2017, el grupo estrenó El ritmo (Prueba 5) en el contexto del teatro oficial de Buenos Aires, en el Teatro Sarmiento. Los artistas experimentaron con el ritmo desde la perspectiva del trabajo en la actualidad. Los vertiginosos cambios tecnológicos de las últimas décadas trajeron nuevas concepciones del tiempo y del espacio, como también nuevas dinámicas en las relaciones profesionales, que borran las fronteras entre el tiempo libre y el horario del trabajo. La presencia de una

Launched in 2013 with The Spectator (Test 1), the Tests Project of Companhía Buenos Aires Escénica is a research proposal about perception, representation models, and the procedures, conventions and language of theater. As in a permanent lab, at every new experiment, the artists explore different hypotheses deriving from a provocation, investigating a specific aspect of making theater and its reception. In the last few years, The Spectator was followed by The Desintegration (Test 2), The Conventions (Test 3) and The Time (Test 4), produced independently. In 2017, the group premiered The Rhythm (Test 5) in the context of official theater in Buenos Aires, at the Teatro Sarmiento. The artists experiment with rhythm from the perspective of work in our time. The vertiginous technological changes in the last decades have brought new conceptions of time and space, as well as new dynamics in professional relations that blur the boundaries between free time and working hours. The presence of an older lady amongst

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Martín Berra

Além dessa abordagem por um viés temático, do ponto de vista formal, a dramaturgia e a encenação de Matías Feldman tomam o ritmo como principal recurso da cena, orientando a ação pela lógica da musicalidade, não da narrativa. Repetições, acelerações, alterações bruscas de andamento, ênfases e prolongamentos no modo de agir e de falar dos atores tencionam o caráter aparentemente realista da situação: um local de trabalho, onde um grupo realiza tarefas burocráticas. A artificialidade dá a ver o quanto o ritmo é determinante da nossa apreensão das coisas do mundo. No final das contas, a reflexão proposta sobre os modos de trabalho nos dias atuais confere à peça um posicionamento político diante da flexibilização das relações trabalhistas, debate urgente na Argentina e no Brasil.

señora mayor entre personajes más jóvenes llama la atención hacia el contraste entre los diferentes modos de estar en el mundo –pautados en gran medida por la dinámica que marca el ritmo del trabajo–. Además de ese abordaje desde un punto de vista temático, en lo formal, la dramaturgia y la puesta en escena de Matías Feldman toman el ritmo como principal recurso, y es la lógica de la musicalidad –y no de la narrativa– la que orienta la acción. Repeticiones, aceleramientos, cambios bruscos de dirección, énfasis y prolongamientos en el modo de actuar y de hablar de los actores persiguen el carácter aparentemente realista de la situación: un lugar de trabajo donde un grupo realiza tareas burocráticas. La artificialidad pone de relieve en qué magnitud el ritmo determina nuestra aprehensión de las cosas del mundo. A fin de cuentas, la reflexión propuesta sobre los modos de trabajo en la actualidad le confiere a la obra un posicionamiento político ante la flexibilización de las relaciones laborales, lo cual constituye un debate urgente tanto en la Argentina como en Brasil.

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younger characters draws attention to different ways of being in the world – largely based on the dynamics dictated by work schedules. Besides this thematic approach, in terms of form, Matías Feldman’s dramaturgy and staging take rhythm as the main resource of the scene, guiding the action through the logic of musicality, instead of narrative. Repetitions, accelerations, abrupt changes in pace, emphases on and extensions of the actors’ way of acting and talking create tension in the apparently realistic aspect of the situation: a workplace, where a group is performing bureaucratic tasks. The artificiality highlights how rhythm is decisive in our apprehension of things in the world. In the end, the proposed reflection about how we work nowadays affords the play a political stance against the flexibilization of work relations, an urgent debate both in Argentina and in Brazil. 35

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TOPOLOGÍAS PARA CUERPOS INFINITAMENTE INCONQUISTABLES PT

Florencia Castronovo

40 min

TOPOLOGIAS PARA CORPOS INFINITAMENTE INCONQUISTÁVEIS

TOPOLOGIES FOR INFINETELY UNCONQUERABLE BODIES

EDGARDO MERCADO

PERFORMERS PERFORMERS PERFORMERS JULIETA LOSADA LACERNA, LUCÍA GARCÍA PULLÉS, LUDMILA MAZZUCCHELLI, MANUEL PALLERO, MARÍA BELÉN LOIZA, RODOLFO OPAZO, RODRIGO GATICA, SAMANTA LEDER E ARTISTAS BRASILEIROS CONVIDADOS INSTALAÇÃO INSTALACIÓN INSTALLATION EDGARDO MERCADO EM COLABORAÇÃO COM ARIEL VACCARO E GABRIEL GENDIN COMPOSIÇÃO SONORA COMPOSICIÓN SONORA SOUND COMPOSITION GABRIEL GENDIN MONTAGEM DE INSTALAÇÃO MONTAJE DE LA INSTALACIÓN ASSEMBLY OF THE INSTALLATION ARIEL VACCARO LUZ LUCES LIGHTING FERNANDO BERRETA ASSISTENTE DE DIREÇÃO ASISTENCIA DE DIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTOR LUCÍA LLOPIS IDEALIZAÇÃO E DIREÇÃO GERAL IDEA Y DIRECCIÓN GENERAL CONCEPT AND GENERAL DIRECTION EDGARDO MERCADO VESTUÁRIO ROPA CLOTHING SANDRA FINK ASSISTENTE DE PRODUÇÃO ASISTENTE DE PRODUCCIÓN PRODUCTION ASSISTANT MANUEL PALLERO PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL GABI GONÇALVES (CORPO RASTREADO)

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APOIO: MINISTÉRIO DA CULTURA DO GOVERNO DA CIDADE DE BUENOS AIRES PRODANZA; CENTRO DE ARTES DA UNSAM; BOLSA DO FUNDO NACIONAL DO DIRETÓRIO DAS ARTES, INSTITUTO FRANÇAIS ARGENTINA E DO CENTRO NACIONAL DE LA DANSE. APOYO: DEL MINISTÉRIO DA CULTURA DO GOVERNO DA CIDADE DE BUENOS AIRES PRODANZA; CENTRO DE ARTES DA UNSAM; BOLSA DO FUNDO NACIONAL DO DIRETÓRIO DAS ARTES, INSTITUTO FRANÇAIS ARGENTINA Y CND CENTRE NATIONAL DE LA DANSE. SUPPORT: MINISTÉRIO DA CULTURA DO GOVERNO DA CIDADE DE BUENOS AIRES PRODANZA; CENTRO DE ARTES DA UNSAM; BOLSA DO FUNDO NACIONAL DO DIRETÓRIO DAS ARTES, INSTITUTO FRANÇAIS ARGENTINA AND CND CENTRE NATIONAL DE LA DANSE.

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TOPOLOGÍAS PARA CUERPOS INFINITAMENTE INCONQUISTABLES PT

Antes de seu caminho profissional enveredar pela dança, Edgardo Mercado já tinha seus objetos de interesse criativo gerados por estas outras disciplinas: sua formação superior inclui estudos de física e matemática. Tempo e espaço, qualidades da luz e do som, desenhos geométricos, enfim, seus interesses estão em elementos que pertencem à realidade da natureza e que não correspondem diretamente à representatividade figurativa e histórica das humanidades. Tendo em vista essa concepção de arte, destacam-se algumas de suas obras, como Tierra de Mandelbrot (2004), Plano difuso (2006), Argumentos a favor de la oscuridad (2007) e Rotonda (2011). Diretor, coreógrafo, bailarino, pesquisador e docente, Edgardo Mercado viveu na Europa e nos Estados Unidos, após concluir a sua formação na Argentina. Seus trabalhos foram apresentados em festivais importantes, como a Bienal de Dança de Lyon, o American Dance Festival e o Festival Panorama do Rio de Janeiro, além do FIBA – Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires, onde estreou, em 2016, Topologías para cuerpos infinitamente inconquistables . A instalação-performática que traz ao Mirada se dá em grandes proporções. Por cima de um extenso piso quadriculado preto e branco, uma única bolha

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Corina Tate

Antes de que su camino profesional tomara el rumbo de la danza, Edgardo Mercado ya tenía objetos de interés creativo generados a partir de otras disciplinas: su formación superior incluye estudios de física y matemática. Tiempo y espacio, calidades de la luz y del sonido, dibujos geométricos, en fin, sus intereses están en elementos que pertenecen a la realidad de la naturaleza y que tienen correspondencia directa con la representatividad figurativa e histórica de las humanidades. Considerando esta concepción del arte, se destacan entre sus obras Tierra de Mandelbrot (2004), Plan difuso (2006), Argumentos a favor de la oscuridad (2007) y Rotonda (2011). Director, coreógrafo, bailarín, investigador y docente, Edgardo Mercado vivió en Europa y en Estados Unidos tras concluir su formación en Argentina. Sus trabajos fueron presentados en festivales como la Bienal de Danza de Lyon, el American Dance Festival y el Festival Panorama de Río de Janeiro, además del FIBA –Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires–, donde estrenó Topologías para cuerpos infinitamente inconquistables en 2016.

Before his professional path led him to dance, Edgardo Mercado’s objects of creative interest were already generated by other disciplines: his higher education includes studies in physics and math. Time and space, the qualities of light and sound, geometric drawings; his interests lie in the elements that belong to the reality of nature and that don’t directly correspond to the figurative and historical representativity of the humanities. Considering that notion of art, some of his works stand out, such as Land of Mandelbrot (2004), Fuzzy Map (2006), Arguments in Favour of Darkness (2007) and Roundabout (2011). Edgardo Mercado is a director, choreographer, dancer, researcher and professor, who lived in Europe and in the United Stated, after graduating in Argentina. His works have been presented in many important festivals such as the Dance Biennale in Lyon, the American Dance Festival and the Festival Panorama in Rio de Janeiro, besides FIBA – Festival Internacional de Buenos Aires, in which he premiered

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Florencia Castronovo

de plástico é inflada a uma altura suficiente para desestabilizar os passos, mas sem impedir a caminhada. Nesse espaço, 20 performers e bailarinos se locomovem e articulam interações com o público. Alguns, deitados entre o chão e a bolha, ora dançam coreografias com passos sincronizados, ora são objetos de toque, ou ainda, improvisam novas danças possíveis com os espectadores. Outros performers, em pé sobre a bolha, mediam as relações e, em alguns momentos, aproximam microfones dos corpos que interagem entre si, amplificando os sons do contato com o plástico e o ar da bolha. O único som que preenche o espaço é o som natural produzido pela obra.

La instalación performática que trae al festival Mirada asume grandes proporciones. Sobre un extenso piso cuadriculado negro y blanco, una única ampolla de plástico es inflada a una altura suficiente para desestabilizar los pasos, pero sin impedir la caminata. En este espacio, 20 performers y bailarines se desplazan y articulan interacciones con el público. Algunos, recostados entre el suelo y la ampolla, danzan coreografías con pasos sincronizados, son objetos para manosear o, incluso, improvisan nuevas danzas posibles con los espectadores. Otros performers, de pie sobre la ampolla, median las relaciones y, en algunos momentos, acercan micrófonos a los cuerpos que interactúan entre sí, amplificando los sonidos del contacto con el plástico y el aire de la ampolla. El único sonido que llena el espacio es el sonido natural producido por la obra.

Topologies for Infinitely Unconquerable Bodies in 2016. The performative installation he brings to Mirada takes place in large scale. On top of a large black and white checkered floor, a single plastic bubble is inflated to rise high enough to destabilize the steps, but without making it impossible to walk. In that space, 20 performers and dancers move around and articulate interactions with the audience. Some, lying down between the floor and the bubble, sometimes dance choreographies with synchronized steps, and sometimes are the objects of touching, or even improvise new possible dances with spectators. Other performers, standing on the bubble, mediate the relationships, and in other moments, bring microphones close to the bodies that interact with each other, amplifying the sounds of the contact with the plastic and the air of the bubble. The only sound that fills the space is the natural sound produced by the work. 39

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ESPETÁCULO C H A N C H O

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BO L Í V I A

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CHANCHO 50 min

CHAKANA TEATRO

Juan Carlos Crespo

TEXTO E DIREÇÃO TEXTO Y DIRECCIÓN WRITTEN AND DIRECTED BY LORENZO ARIEL MUÑOZ ATUAÇÃO ACTUACIÓN ACTING ADRIANA RIOS, ARIEL MUÑOZ E GLENDA RODRIGUEZ PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION CHAKANA TEATRO ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO ASISTENCIA DE DIRECCIÓN DIRECTION ASSISTANCE GLENDA RODRÍGUEZ OPERAÇÃO DE SOM E TÉCNICA OPERACIÓN DE SONIDO Y TÉCNICA SOUND OPERATOR AND TECHNICIAN PABLO MANSILLA FIGURINO VESTUARIO COSTUMES GLENDA RODRÍGUEZ COSTUREIRA MODISTA SEAMSTRESS MARTA ALDAPI PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL ADRYELA RODRIGUES (SENDERO CULTURAL)

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BOLÍVIA

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BOLÍVIA

CHANCHO PT

Chancho conta a história de um rapaz órfão, criado até os 17 anos apenas pela mãe, na Bolívia do fim do século passado. A peça fala da ignorância em relação a fatos da vida, um dos pressupostos da tragédia. A fábula é aquela do filho em busca do pai ou às voltas com o seu fantasma. Mas não se trata de Hamlet, nem de Édipo: é o próprio Ariel Muñoz, ator, diretor e dramaturgo do espetáculo que vem contar sua biografia. Embora presente nos palcos desde os clássicos, sua história, como diz Muñoz na primeira e última frase da peça “não termina em Quebec”. Nem no teatro. Com apenas seis anos, o filho recebe da mãe um chancho, um cofre em formato de porco. Nos planos da criança, todo o dinheiro guardado no cofre seria usado para comprar um presente para o pai. Trinta anos se passam. Sabe-se que o fim de todo porco/cofre gordo é a martelada, o esfacelamento. O personagem, tal como o porco, passou a vida sendo preenchido por histórias do pai, contadas pelos outros. E, como naquela música, que diz que de tão gordo o porco já não anda, a única saída é se quebrar e se movimentar em direção à verdade do próprio passado. Tirar dos olhos a venda que o protagonista usa no início da peça, passar pelos cubículos e corredores, do hospital, do aeroporto, das salas de espera: passado e presente se encontram no espaço minúsculo de

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Juan Carlos Crespo

Chancho cuenta la historia de un joven huérfano, criado hasta los 17 años por su madre, en la Bolivia de finales del siglo pasado. La obra trata sobre la ignorancia en relación con hechos de la vida, uno de los presupuestos de la tragedia. La fábula es la del hijo en busca de su padre o en conflicto con su fantasma. Sin embargo, no se trata de Hamlet, ni de Edipo: es el propio Ariel Muñoz, actor, director y dramaturgo del espectáculo quien viene a contar su biografía. Aunque se trate de un clásico de los escenarios desde la antigüedad, su historia, tal como dice Muñoz en la primera y en la última frase de la obra, «no termina en Quebec». Ni en el teatro. Con solo seis años, el hijo recibe de la madre un cofre con la forma de un chancho. Según sus planes, el niño usará todo el dinero guardado allí para comprarle un regalo a su padre. Pasan treinta años. Es sabido que el final de todo chancho/cofre es el martillazo, hacerse añicos. El personaje, como el chancho, pasó la vida engullendo las historias de su padre que le contaban los demás. Y, como lo dice la canción, tan gordo está el cerdo que ya no camina, la única salida es

Chancho tells the story of an orphan boy, raised only by his mother until he was 17, in Bolivia at the end of the last century. The play talks about the ignorance about the facts of life, one of the assumptions of tragedy. The fable is that of a son in search of his father, or dealing with his ghost. But it is not about Hamlet, or Oedipus: it is Ariel Muñoz himself, the play’s actor, director, and dramatist, who tells his biography. Although present on stages since the classics, his story “doesn’t end in Quebec” as Muñoz states in the first and last sentence of the play. Or in the theater. At the early age of six, the son gets a chanco from his mother, a piggy bank. In the child’s plans, all the money saved would be used to buy a gift for his father. Thirty years go by. Everybody knows that the fate of every fat pig/safe box is the hammer, to be shattered. The character, just like the pig, spent his life being filled by stories of his father, told by others. And, as in the song about the pig that got so fat it couldn’t walk, the only way out is to break oneself and

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um banheiro público. A biografia no teatro interessa sobretudo enquanto resgate de uma história social. O banheiro é o espaço mais privado da casa; o banheiro público, talvez um dos mais desconfortáveis. É neste ambiente que, na peça, biografia e história coletiva se encontram. Onde o que se pressupunha privado faz parte, na verdade, da história pública. Como a vida das crianças não reconhecidas por seus pais. O grupo boliviano Chakana Teatro se origina com o intuito de usar os dispositivos teatrais para experimentar e expor histórias inspiradas nas biografias de seus integrantes. Não como um exercício de autoficção nem como mero testemunho, mas como uma ressignificação de narrativas que apesar de individuais, são também um fato social.

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quebrarse y moverse hacia la verdad de su propio pasado.

move towards the truth of one’s own past.

Sacarse de los ojos la venda que el protagonista usa al principio de la obra; pasar por los cubículos y los pasillos, del hospital, del aeropuerto, de las salas de espera: pasado y presente se encuentran en el espacio minúsculo de un baño público. La biografía en el teatro interesa sobre todo como el rescate de una historia social. El baño es el espacio más íntimo de la casa; el baño público tal vez sea uno de los más incómodos. En esta obra, este es el ambiente en el que se encuentran la biografía y la historia colectiva. Donde lo que se presuponía privado, en realidad, forma parte de la historia pública. Como la vida de los niños no reconocidos por sus padres.

Removing the blindfold the protagonist wears in the beginning of the play; going through the cubicles and hallways of the hospital, the airport, the waiting rooms: past and present meet in the tiny space of a public toilet. In the theater, biography matters mostly to rescue a social history. The bathroom is the most private space in the house; the public toilet is probably one the most uncomfortable. In that environment, in the play, biography and collective history meet. That is where what was assumed to be private is actually part of public history. Like the lives of children who are not recognized by their parents.

El grupo boliviano Chakana Teatro surge con la intención de usar los dispositivos teatrales para experimentar y exponer historias inspiradas en las biografías de sus integrantes. No como un ejercicio de autoficción ni como un mero testimonio, sino como una resignificación de narrativas que, a pesar de ser individuales, constituyen también un hecho social.

Bolivian group Chakana Teatro originated with the purpose of using the devices of theater to experiment and display stories inspired by the biography of their members. Not as an exercise in autofiction, nor as mere testimony, but to resignify the narratives that, albeit being individual, are also social facts.

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ESPETÁCULOS A INVENÇÃO DO NORDESTE – A VIDA – AUTOMÁKINA – UNIVERSO DESLIZANTE – CALIBAN – A TEMPESTADE DE AUGUSTO BOAL – CHULOS – COLÔNIA – CORPOS OPACOS – EU ESTAVA EM MINHA CASA E ESPERAVA QUE A CHUVA CHEGASSE – FAUNA – GRANDE SERTÃO: VEREDAS – GUANABARA CANIBAL – HOJE O ESCURO VAI ATRASAR PARA QUE POSSAMOS CONVERSAR – O CIRCO DE SOLEINILDO – ODISSEIA – PRETO – VOU VOLTAR

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BRASIL

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A INVENÇÃO DO NORDESTE

Jose Tellys Fagundes

60 min

LA INVENCIÓN DEL NORDESTE

THE INVENTION OF THE NORTHEAST

GRUPO CARMIN (RN)

ELENCO ELENCO CAST HENRIQUE FONTES, MATEUS CARDOSO E ROBSON MEDEIROS DIREÇÃO E FIGURINO DIRECCIÓN Y VESTUARIO DIRECTION AND COSTUME DESIGN QUITÉRIA KELLY ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO, DRAMATURGIA AUDIOVISUAL E DESENHO DE LUZ ASISTENCIA DE DIRECCIÓN, DRAMATURGIA AUDIOVISUAL Y DISEÑO DE ILUMINACIÓN ASSISTANT DIRECTOR, AUDIOVISUAL DRAMATURGY AND LIGHT DESIGN PEDRO FIUZA CONSULTORIA HISTÓRICA E DE ROTEIRO CONSULTORÍA HISTÓRICA Y DE GUION SCRIPT AND HISTORY CONSULTANT DURVAL MUNIZ DE ALBUQUERQUE JR. DIREÇÃO DE ARTE E CENOGRAFIA DIRECCIÓN DE ARTE Y ESCENOGRAFÍA ART AND SET DESIGN MATHIEU DUVIGNAUD DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY HENRIQUE FONTES E PABLO CAPISTRANO DIRETOR DE PALCO E CONTRARREGAS DIRECTOR DE ESCENARIO Y CONTRARRESTA DIRECTOR OF STAGE AND COUNTER-RULES DANIEL TORRES PREPARAÇÃO CORPORAL PREPARACIÓN FÍSICA BODY PREPARATION ANA CLAUDIA ALBANO VIANA PREPARAÇÃO VOCAL

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PREPARACIÓN VOCAL VOICE PREPARATION GILMAR BEDAQUE PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION MARIANA HARDI TRILHA ORIGINAL BANDA SONORA ORIGINAL ORIGINAL SCORE GABRIEL SOUTO E TONI GREGÓRIO DESIGN GRÁFICO DISEÑO GRÁFICO GRAPHIC DESIGN TEO VIANA XILOGRAVURA XILOGRAFÍA WOODCUT ERICK LIMA COSTUREIRA MODISTA SEAMSTRESS KÁTIA DANTAS CENOTÉCNICO TÉCNICO DE ESCENARIO SCENIC TECHNICIAN IRAPUÃ JUNIOR EDIÇÃO DE VÍDEO EDICIÓN DE VIDEO VIDEO EDITING JULIANO BARRETO ASSISTÊNCIA TÉCNICA ASISTENCIA TÉCNICA TECHNICAL ASSISTANCE ANDERSON GALDINO ESPETÁCULO INSPIRADO NA OBRA DO PROF. ESPECTÁCULO INSPIRADO EN LA OBRA DEL PROF. THIS PLAY WAS INSPIRED BY WORK OF PROF. DR. DURVAL MUNIZ DE ALBUQUERQUE JR.

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A INVENÇÃO DO NORDESTE PT

Pode um ator nordestino fazer um papel nordestino? A pergunta que serve como ideia disparadora para a criação mais recente do Grupo Carmin, de Natal, pode parecer apenas um chiste com a criação de estereótipos da televisão brasileira – e não deixa de ser. Mas é bem mais do que isso. A construção do imaginário nordestino – as características da Região Nordeste e do seu povo, seu sotaque, constituição física, atitude – não é um fenômeno natural e está longe de ser fiel ao real. Tratase de fato de uma construção, que não é recente e nem foi inventada pelos folhetins da Rede Globo. Foi no contexto das eleições de 2014, quando inúmeros discursos preconceituosos contra o nordeste começaram a aparecer de maneira vertiginosa nas redes sociais, que a diretora Quitéria Kelly começou a pesquisar o assunto e entrou em contato com o livro A invenção do Nordeste e outras artes , do Prof. Dr. Durval Muniz de Albuquerque Jr. A peça, que traz o nome do livro, traz também a narrativa historiográfica que situa o contexto político e econômico da criação da Região Nordeste, bem como as várias referências literárias, culturais e cinematográficas que contribuíram para criar os estereótipos que reduzem a uma caricatura simplória a complexidade e diversidade dos habitantes dos nove estados da região.

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Jose Tellys Fagundes

¿Un actor nordestino puede hacer un papel de nordestino? La pregunta que sirve como idea disparadora para el trabajo más reciente del Grupo Carmin, de Natal, puede parecer solo algo gracioso a partir de la creación de estereotipos de la televisión brasileña –y no deja de serlo–. Sin embargo, es mucho más que eso. La construcción del imaginario nordestino –las características de la Región Nordeste y de su gente, su acento, su constitución física, sus actitudes– no es un fenómeno natural y lejos está de ser fiel a la realidad. De hecho, se trata de una construcción que no es reciente y tampoco fue inventada por los folletines de la Red Globo. En el contexto de las elecciones del 2014, cuando muchos discursos prejuiciosos acerca del nordeste empezaron a aparecer de manera vertiginosa en las redes sociales, la directora, Quitéria Kelly, comenzó a investigar el tema y entró en contacto con el libro A invenção do Nordeste e outras artes , del Prof. Dr. Durval Muniz de Albuquerque Jr. La obra, que lleva el nombre del libro,

Can an actor from the Northeast of Brazil play a character from the Northeast of Brazil? The question that triggers the most recent work of Grupo Carmin, from Natal, in Brazil, may sound as a mere joke about the creation of stereotypes in Brazilian television – and it is. But it is also much more than that. The construction of the Northeastern imagery – the characteristics of the region and its people, their accent, their body constitution, their behavior – is not a natural phenomenon and it is far from being true to reality. This imagery is in fact a construct, which is neither recent nor invented by Rede Globo’s soap operas. It was in the context of the 2014 elections, when several prejudiced speeches against the Northeast started to pop up vertiginously in social media, that director Quitéria Kelly began to research the topic and came across the book called A invenção do Nordeste e outras artes , by Prof. Dr. Durval Muniz

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Jose Tellys Fagundes

Dando continuidade à sua pesquisa com a linguagem do teatro documentário contemporâneo, os artistas do Carmin dão um passo adiante no sentido da elaboração poética, evitando tratar de maneira direta e literal as questões que desejam abordar. Para tanto, a dramaturgia de Henrique Fontes e Pablo Capistrano cria uma situação de ficção, em que a preparação de dois atores do Rio Grande do Norte para um teste de um papel nordestino na TV serve de base para as hipótese e argumentos que o grupo propõe em diálogo com o livro de Durval Muniz. O resultado é cheio de humor e de uma atitude crítica rascante.

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aborda también la narrativa historiográfica que sitúa el contexto político y económico de la creación de la Región Nordeste, como también las diversas referencias literarias, culturales y cinematográficas que contribuyeron a crear los estereotipos que reducen a una caricatura simplista la complejidad y la diversidad de los habitantes de los nueve estados de la región. Siguiendo con su investigación sobre el lenguaje del teatro documental contemporáneo, los artistas del Grupo Carmin dan un paso más en el sentido de la elaboración poética, y evitan tratar de manera directa y literal las cuestiones que desean abordar. Para ello, la dramaturgia de Henrique Fontes y de Pablo Capistrano crea una situación de ficción, en la que la preparación de dos actores de Rio Grande do Norte para una prueba para un papel de nordestino en la televisión sirve como base para las hipótesis y los argumentos que el grupo propone en diálogo con el libro de Durval Muniz. El resultado es una obra con mucho humor y una actitud crítica incisiva.

de Albuquerque Jr. The play, which is named after the book, also brings the historiographic narrative which situates the political and economic context of the creation of the Northeast Region, as well as the many literary, cultural and film references that have contributed to create the stereotypes that reduce the inhabitants of the nine states of the region to a mere caricature. As they continue their research with the language of contemporary documentary theater, Carmin artists take a step further towards poetic elaboration, avoiding dealing directly and literally with the issues they want to approach. To do so, Henrique Fontes and Pablo Capistrano’s dramaturgy creates a fictional situation, in which the preparation of two actors from Rio Grande do Norte, a state in the Northeast, for an audition for a role of a Northeastern character on TV is the foundation for the hypothesis and the arguments proposed by the group in a dialogue with Durval Muniz’s book. The outcome is full of humor and harsh 51 criticism.

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A VIDA 80 min

LA VIDA

THE LIFE

COMPANHIA ANTIKATÁRTIKA TEATRAL (SP)

ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO ASISTENCIA DE DIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTOR ANNA ZÊPA DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY NELSON BASKERVILLE E ELENCO COLABORAÇÃO DRAMATÚRGICA COLABORACIÓN DRAMATÚRGICA DRAMATURGY COLLABORATION ANNA ZÊPA E MARCOS FERRAZ ELENCO ELENCO CAST CAMILA RAFFANTI, FELIPE SCHERMANN, HERCULES MORAIS, JUNIOR DOCINI, TAMIRYS O’HANNA E THAÍS MEDEIROS CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN AMANDA VIEIRA FIGURINOS VESTUARIO COSTUME DESIGN MARICHILENE ARTISEVSKIS ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING WAGNER FREIRE TRILHA SONORA BANDA SONORA SOUNDTRACK DANIEL MAIA DIREÇÃO AUDIOVISUAL DIRECCIÓN AUDIOVISUAL AUDIOVISUAL DIRECTOR LAERTE KÉSSIMOS DIREÇÃO DE PESQUISA CORPORAL DIRECCIÓN DE INVESTIGACIÓN CORPORAL BODY RESEARCH DIRECTOR CRISTIANO KARNAS ESTUDO DE ESTRUTURAS MATEMÁTICAS ESTUDIO DE ESTRUCTURAS MATEMÁTICAS MATH STRUCTURES STUDIES CARLOS VIANNA FOTOGRAFIA Lígia Jardim

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FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY LIGIA JARDIM DESIGNER GRÁFICO DISEÑADORA GRÁFICA GRAPHIC DESIGN AMANDA VIEIRA OPERADOR DE LUZ OPERADOR DE LUCES LIGHT OPERATOR PEDRO MOURA TÉCNICO VÍDEO MAPPING TÉCNICO DE VÍDEO MAPPING TECHNICAL MAPPING ALEXANDRE GONZALEZ OPERADOR DE SOM E VIDEO MAPPING OPERADOR DE SONIDO E VIDEO MAPPING EDU LUZ PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION AMANDA VIEIRA E THAÍS MEDEIROS PRODUÇÃO GERAL PRODUCCIÓN GENERAL GENERAL PRODUCTION THEATRICAL ANTIKATÁRTIKA (AKK) DIREÇÃO GERAL DIRECCIÓN GENERAL DIRECTOR NELSON BASKERVILLE

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A VIDA PT

A cada apresentação, uma peça diferente. O dispositivo cênico do espetáculo, criado pelo diretor Nelson Baskerville e pelo elenco da Companhia AntiKatártika Teatral, conta com a aleatoriedade na base da sua concepção dramatúrgica. O grupo tem 35 cenas ensaiadas, todas autônomas, mas com algumas possíveis relações entre si. No entanto, apenas 15 são encenadas a cada noite. A escolha é feita por um sorteio, que resulta entre mais de 1.000 possibilidades diferentes. O material criado em sala de ensaio durante o processo criativo foi inspirado nas trajetórias de vida dos atores e atrizes, assim como do diretor, cuja experiência em dramaturgias autobiográficas é bastante reconhecida pelo sucesso de Luis Antonio Gabriela, montagem criada com a Cia Mugunzá de Teatro, que contava a história da infância de Baskerville na cidade de Santos, ao lado de seu irmão mais velho, que mais tarde veio a tornar-se a travesti Gabriela. A tradução da realidade em material cênico é um objeto de pesquisa do grupo. A sua proposta é a de encenar biografias, ou pelo menos recortes de narrativas biográficas, com uma camada de tratamento onírico, fantástico, como uma estratégia para provocar um salto entre o valor pessoal de cada narrativa e o seu potencial apelo universal. Os relatos das

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Lígia Jardim

En cada presentación, una obra diferente. El dispositivo escénico del espectáculo, creado por el director Nelson Baskerville y por el elenco de la Compañía AntiKatártiKa Teatral, cuenta con lo aleatorio como base de su concepción dramatúrgica. El grupo tiene 35 escenas ensayadas, todas autónomas, pero con algunas posibles relaciones entre sí. No obstante, solo 15 de ellas se ponen en escena cada noche. La elección se realiza por sorteo, lo que da como resultado miles de posibilidades diferentes. El material creado en la sala de ensayo durante el proceso creativo se inspiró en las experiencias de vida de las actrices y actores, como también del director, cuya trayectoria en la dramaturgia autobiográfica es muy reconocida por el éxito de Luis Antonio Gabriela, montaje creado con la Cía. Mugunzá de Teatro, que contaba la historia de la infancia de Baskerville en la ciudad de Santos, junto a su hermano mayor, que más tarde se transformó en la travesti Gabriela. La traducción de la realidad en material escénico es uno de los objetos de investigación del grupo. Su propuesta

At every performance, a different play. The scenic device of the play, created by the director Nelson Baskerville and by the cast of the Companhia AntiKatártika Teatral, counts on randomness as the foundation to its dramaturgic conception. The group has 35 rehearsed scenes, all of which are autonomous, but have some possible connections. However, only 15 of those scenes are performed each night. The choice is randomly picked, which may result in over 1,000 different possibilities. The material created in the rehearsal room during the creative process was inspired by the life journeys of the actors and actresses, as well as of the director. His experience in autobiographic dramaturgies is widely acknowledged for the success of Luis Antonio Gabriela, a performance created with Cia. Mugunzá de Teatro, which told the story of Baskerville’s childhood in the city of Santos, in Brazil, alongside his older brother, who later came to become the transvestite Gabriela.

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Lígia Jardim

vivências de cada um passam por um processo de elaboração coletiva, a partir do momento em que são compartilhados com os demais, para que ganhem um coeficiente de teatralidade e possam encontrar ressonância no contato com as memórias e experiências dos espectadores. A peça aborda temas como a morte, o abuso, a infância, as origens e as relações familiares. As diversas combinações das cenas rearranjam sentidos e interferem no potencial de universalidade das histórias, afinal, o que vem antes ou depois de cada história acaba por fazer uma mediação, uma moldura crítica de cada situação apresentada.

es llevar las biografías a la escena o, al menos, algunos recortes de las narrativas biográficas, con el agregado de un tratamiento onírico, fantástico, como estrategia para provocar un salto entre el valor personal de cada narrativa y su potencial interés universal. Los relatos de las vivencias de cada uno pasan por un proceso de elaboración colectiva, a partir del momento en el que se comparten con los demás, para que ganen un grado de teatralidad y puedan encontrar resonancia en el contacto con las memorias y las experiencias de los espectadores. La obra aborda temas como la muerte, el abuso, la infancia, los orígenes y las relaciones familiares. Las diversas combinaciones de las escenas reacomodan los sentidos e interfieren en el potencial de universalidad de las historias, en definitiva, lo que viene antes o después de cada historia acaba por transformarse en una mediación, un marco crítico para cada situación que se presenta.

The translation of reality into scenic material is a research object of the group. Their proposal is to stage biographies, or at least snippets of biographic narratives, with a layer of an oneiric, fantastic treatment, as a strategy to allow the jump between the personal value of each narrative and its potential universal appeal. The account of each person’s experiences go through a process of collective elaboration from the moment they are shared with the rest, so that these accounts gain a coefficient of theatricality and strike a chord with the audience’s memories and experiences. The play approaches themes such as death, abuse, childhood, and family origins and relationships. The several combinations of the scenes rearrange the meanings and interfere in the stories’ potential for universality. After all, what comes before or after each story ends up mediating, or critically framing each situation that is presented. 55

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AUTOMÁKINAUNIVERSO DESLIZANTE 60 min

AUTOMÁKINA – UNIVERSO DESLIZANTE

AUTOMÁKINA – SLIDING UNIVERSE

DE PERNAS PRO AR (RS)

DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTION JACKSON ZAMBELLI AUTORES AUTORES PLAYWRIGHTS LUCIANO WIESER E JACKSON ZAMBELLI ATUAÇÃO, BONECOS, CENOGRAFIA E INSTRUMENTOS MUSICAIS ACTUACIÓN, MUÑECOS, ESCENOGRAFÍA E INSTRUMENTOS MUSICALES CAST, PUPPETS, SET DESIGN AND MUSICAL INSTRUMENTS LUCIANO WIESER MANIPULAÇÃO DE AUTÔMATOS E TECNOLOGIAS MANEJO DE LOS AUTÓMATAS Y TECNOLOGÍAS AUTOMATA AND TECHNOLOGY MANIPULATION TAYHÚ D. WIESER EQUIPE DE MONTAGEM E MONITORIA EQUIPO DE MONTAJE Y CONTROL SET CREW ARTHUR FERNANDES CORTES, DENISSON GARGIONE, JONATAN ORTIZ BORGES, LAUREN HARTZ, RAQUEL DURIGON E TAYHÚ D. WIESER MÚSICA ORIGINAL MÚSICA ORIGINAL ORIGINAL SCORE JACKSON ZAMBELLI E CLAUDIO VEIGA EXECUÇÃO DA MÚSICA MÚSICOS MUSICIANS CLAUDIO VEIGA, LUCIANO WIESER E SERGIO OLIVÉ TÉCNICO DE SOM TÉCNICO DE SONIDO SOUND TECHNICIAN TXAI D. WIESER E TAYHÚ D. WIESER PRODUÇÃO, FIGURINOS E MAQUIAGEM Flavia Correia

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PRODUCCIÓN, VESTUARIO Y PEINADOS PRODUCTION, COSTUME DESIGN AND HAIR RAQUEL DURIGON PRODUÇÃO E REALIZAÇÃO PRODUCCIÓN Y REALIZACIÓN PRODUCTION GRUPO DE TEATRO DE PERNAS PRO AR

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AUTOMÁKINA UNIVERSO DESLIZANTE PT

A experiência de Automákina – Universo deslizante começa com a montagem da engenhosa instalação cenográfica concebida pelo ator e dramaturgo Luciano Wieser. Como um circo que aporta em uma cidade e começa a conquistar a cumplicidade dos moradores locais com o processo de arrumação dos seus aparatos e com o subir da lona, a companhia de Porto Alegre faz esse convite à cumplicidade dos passantes a cada praça em que se instala. Chegando devagar, o espetáculo começa sem ansiedade de impressionar ou de agradar com qualquer gracinha. O Conde de Hosain’g se entretém com o seu veículo mágico e autossuficiente. Na sua solidão, ele precisa dar conta sozinho de todas as tarefas do seu microcosmo. Sua casa é o seu veículo de locomoção e também o seu mundo. Os bonecos que fazem companhia a esse estranho personagem são feitos à sua imagem e semelhança: todos os rostos remetem ao seu próprio. Cada parte do seu universo parece ser interdependente e feita, de certo modo, do mesmo material. Como uma metáfora da vida humana, em que os ciclos dos dias se repetem, muitas vezes dando a impressão de que nada acontece, de que tudo é sempre igual, os sentidos do desenrolar de Automákina dependem da imaginação de quem vê. O movimento do Conde, que se desloca de um lado para

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Raquel Durigon

La experiencia de Automákina – Universo deslizante comienza con el montaje de la ingeniosa instalación escenográfica concebida por el actor y dramaturgo Luciano Wieser. Como un circo que llega a una ciudad y empieza a conquistar la complicidad de los habitantes locales con el proceso de preparación de los equipos y el montaje de la carpa, la compañía de Porto Alegre hace esta invitación a la complicidad de las personas que pasan por cada plaza en la que se instalan. Con una llegada tranquila, el espectáculo comienza sin buscar impresionar o agradar haciendo alguna gracia. El Conde de Hosain’g se entretiene con su vehículo mágico y es autosuficiente. En su soledad, debe realizar solo todas las tareas que requieren su microcosmo. Su casa es su vehículo de locomoción y también su mundo. Los muñecos que le hacen compañía a este extraño personaje están hechos a su imagen y semejanza: todos los rostros remiten al suyo propio. Cada parte de su universo parece ser interdependiente y hecha, en cierto modo, del mismo material. Como una metáfora de la vida humana, en la que los

The experience of Automákina – Sliding Universe begins with assembly the ingenious scenic installation being assembled, as it was conceived by actor and dramatist Luciano Wieser. Like a circus that comes to a city and starts to win over the local residents with the process of setting up the circus tent, the Porto Alegre group invites the people who are passing by to be participate at every square in which the set is installed. Off to a slow start, the performance begins without being eager to impress or to please by doing anything funny. The Count of Hosain’g is entertained by his magic and self-sufficient vehicle. In his solitude, he needs to handle all the tasks of his microcosm on his own. His house is his vehicle and is also his world. The puppets that keep this strange character company are similar to him: all of theis faces remind us of his own. Each part of his universe seems to be interdependent and created, in a way, from the same material. As a metaphor for a human life, in which the day cycles

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o outro, fazendo-nos ver o quanto aquele espaço que parece conciso na verdade é cheio de possibilidades a explorar; a música dos instrumentos que fazem parte da instalação, ou seja, que pertencem àquele mundo específico, e a interação com as criaturas misteriosas que ora se escondem ora se mostram para todos os lados, tudo isso mostra como cada mundinho pessoal é um universo infinito dentro de si mesmo. Com isso, também podemos ver, dentro de cada um de nós, aquela criatura única, obstinada e solitária, ensimesmada nos seus afazeres, fiel à sua jornada para não se sabe onde. Cada vida, uma automákina.

ciclos de los días se repiten, muchas veces dando la impresión de que nada sucede, de que todo es siempre igual, los sentidos del desarrollo de Automákina dependen de la imaginación de quien la ve. El movimiento del Conde, que se traslada de un lugar a otro, nos hace ver cuán lleno de posibilidades de exploración puede estar un espacio que nos parece conciso; la música de los instrumentos que forman parte de la instalación, o sea, que pertenecen a ese mundo específico, y la interacción con las criaturas misteriosas que, o se esconden o se dejan ver en cualquier lado, todo contribuye a enseñar de qué modo cada pequeño mundo personal es un universo infinito en sí mismo. Así, también podemos ver, dentro de cada uno de nosotros, a aquella criatura única, obstinada y solitaria, ensimismada en sus quehaceres, fiel a su viaje a quién sabe dónde. Cada vida, una automákina.

repeat themselves, many times giving the impression that nothing happens, that everything is always the same, the meanings of the way the Automákina works depend on the imagination of the observer. Many things show us how each little personal world is an infinite universe within itself: the movement of Conde, who moves from one side to the other, making us see how that empty space which seems concise is in fact full of possibilities; the music from the instruments that compose the installation, that is, that belong to that specific world; and the interaction with the mysterious creatures that sometimes hide, sometimes reveal themselves to all. With that in mind, we can also see, within each one of us, that unique creature, obstinate and lonely, selfabsorbed in its own tasks, loyal to its journey to who knows where. Each live is an automákina. 59

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CALIBAN – A TEMPESTADE DE AUGUSTO BOAL 90 min

CALIBÁN – LA TEMPESTAD DE AUGUSTO BOAL

CALIBAN THE TEMPEST OF AUGUSTO BOAL

TRIBO DE ATUADORES ÓI NÓIS AQUI TRAVEIZ (RS)

CONCEPÇÃO, DIREÇÃO, FIGURINOS, MÁSCARAS, ESTRUTURA CENOGRÁFICA, ELEMENTOS E ADEREÇOS CONCEPTO, DIRECCIÓN, VESTUARIO, MÁSCARAS, ESTRUCTURA ESCENOGRÁFICA, ELEMENTOS Y ACCESORIOS CONCEPT, DIRECTION, COSTUME DESIGN, MASKS, SET AND PROP DESIGN CRIAÇÃO COLETIVA MÚSICA ORIGINAL MÚSICA ORIGINAL ORIGINAL SCORE JOHANN ALEX DE SOUZA ATUADORES ACTUADORES CAST ALEX PANTERA, ANDRÉ DE JESUS, CLÉLIO CARDOSO, DANIEL STEIL, DIJEAN BUENO, EUGÊNIO BARBOZA, FABRÍCIO CUÑA MIRANDA, HELEN SIERRA, KETER VELHO, LETÍCIA VIRTUOSO, LUANA ROCHA, LUCAS GHELLER, MÁRCIO LEANDRO, MARIANA STEDELE, MARTA HAAS, MAYURA MATOS, PAULO FLORES, PEDRO ISAÍAS LUCAS, RAFAEL TORRES, RAPHAEL COSTA, ROBERTO CORBO, ROCHELLE SILVEIRA, ROGÉRIO BERTOLDO E TÂNIA FARIAS PREPARAÇÃO MUSICAL PREPARACIÓN MUSICAL MUSICAL PREPARATION JOHANN ALEX DE SOUZA E GUILHERME BREGON PREPARACÃO CORPORAL PREPARACIÓN FÍSICA BODY PREPAPRATION BEATRIZ BRITTO, LUCIANO WIESER E RITA LENDÊ Pedro Isaías Lucas

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CRIAÇÃO COLETIVA DA TRIBO DE ATUADORES ÓI NÓIS AQUI TRAVEIZ A PARTIR DO TEXTO “A TEMPESTADE” DE AUGUSTO BOAL CREACIÓN COLECTIVA DE LA TRIBU DE ACTUADORES ÓI NÓIS AQUI TRAVEIZ A PARTIR DEL TEXTO «LA TEMPESTAD», DE AUGUSTO BOAL COLLECTIVE CREATION OF THE GROUP TRIBO DE ATUADORES ÓI NÓIS AQUI TRAVEIZ BASED ON THE TEXT OF “A TEMPESTADE”, BY AUGUSTO BOAL

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CALIBAN – A TEMPESTADE DE AUGUSTO BOAL PT

No início do século XVII, William Shakespeare escreveu a sua última peça, A tempestade, na qual um rei está exilado em uma ilha com a sua filha e tem a seu serviço duas criaturas, o obediente Ariel e o insubmisso Caliban. Neste mesmo período, a Europa empreendia sobre o continente americano o seu projeto colonial, sequestrando e escravizando povos africanos e indígenas, dividindo o mundo entre o homem branco a quem tudo pertence e aqueles cuja humanidade ele não reconhece e, portanto, subjuga. Em 1974, enquanto a América Latina amargava ditaduras militares extremamente violentas, Augusto Boal escreveu, do exílio, a sua versão para o clássico de Shakespeare. Na sua adaptação, que ecoa leituras de diversos pesquisadores do século XX, o personagem Caliban é a metáfora dos povos desumanizados e escravizados, enquanto Próspero, que se vangloria de ter salvo aqueles que explora, é o invasor colonizador. Em 2017, em resposta aos imensos retrocessos nas políticas sociais do Brasil, a Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz estreia uma criação coletiva a partir da adaptação de Boal, levando para a rua Caliban – A tempestade de Augusto Boal . Com essa montagem, o grupo propõe uma revisão crítica, que coloca em cena não apenas o modus operandi da exploração capitalista, mas também alguns traços da dominação colonial cultural – que perdura, firme e forte, até os dias atuais.

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Pedro Isaías Lucas

A principios del siglo XVII, William Shakespeare escribió su última obra, La Tempestad, en la cual un rey está exiliado en una isla junto con su hija, y tiene a su servicio a dos criaturas, el obediente Ariel y el insumiso Calibán. En este período, Europa emprendía su proyecto colonial en el continente americano, secuestrando y esclavizando pueblos africanos e indígenas, y dividiendo el mundo entre hombres blancos a los que todo les pertenece y aquellos cuya humanidad ellos no reconocen y, por lo tanto, someten. En 1974, mientras las extremadamente violentas dictaduras militares amargaban a América Latina, Augusto Boal escribió, desde el exilio, su versión de este clásico de Shakespeare. En su adaptación, que hace eco de las lecturas de diversos investigadores del siglo XX, el personaje Calibán es la metáfora de los pueblos deshumanizados y esclavizados, mientras Próspero, que se vanagloria de haber salvado a aquellos a quienes explota, es el invasor colonizador. En el 2017, en respuesta a los inmensos retrocesos en las políticas sociales en Brasil, la Tribu de Actuadores Ói Nóis Aqui Traveiz

In the beginning of the 17th century, William Shakespeare wrote his last play, The Tempest, in which a king is exiled in an island with his daughter and has two creatures at his disposal: the subservient Ariel and the rebellious Caliban. In that same period, Europe was implementing its colonial project in the American continent, by kidnapping and enslaving African and Indigenous peoples, dividing the world between the white man, to whom everything belongs, and those whose humanity is not acknowledged and, therefore, are subjugated. In 1974, as Latin America endured extremely violent military dictatorships, Augusto Boal wrote, from his exile, his version for the Shakespeare’s classic. In his adaptation, which reminisces readings from several researchers from the 20th century, Caliban’s character is the metaphor for the dehumanized and enslaved people, whereas Próspero, who takes pride in having saved those who he exploits, is the invading colonizer. In 2017, as a response to the enormous regression in social policies in Brazil,

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O grupo de Porto Alegre comemora 40 anos de teatro de pesquisa em 2018 e retorna a Santos com essa nova criação, depois de estar no Mirada em 2016 com Viúvas – Performance sobre a ausência. Em Caliban, os artistas investem na linguagem do teatro de rua com a exuberante visualidade dos elementos cenográficos, dos figurinos, da caracterização e das técnicas de atuação, que têm na música tocada ao vivo pelo numeroso elenco uma estratégia épica, que comenta a cena e alude à leitura que os criadores fazem desta fábula, encenada como gesto político.

estrena una creación colectiva a partir de la adaptación de Boal, y lleva a las calles Calibán–La Tempestad de Augusto Boal . Con este montaje, el grupo propone una revisión crítica, que coloca en escena el modus operandi de la explotación capitalista, pero también algunos trazos de la dominación colonial cultural –que perdura, firme y fuerte, hasta la actualidad–. El grupo de Porto Alegre festeja 40 años de teatro de investigación en el 2018 y vuelve a Santos con esta nueva creación, luego de haber participado en Miradas en el 2016 con Viudas–Performance sobre la ausencia. En Calibán, los artistas apuestan al lenguaje del teatro callejero con la exuberante visualidad de los elementos escenográficos, del vestuario, de la caracterización y de las técnicas de actuación, que encuentran en la música ejecutada en vivo por el numeroso elenco una estrategia épica, que comenta la escena y alude a la lectura de esta fábula que hacen los creadores, puesta en escena como gesto político.

Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz premieres a collective creation from Boal’s adaptation, taking Caliban – Augusto Boal’s The Tempest to the streets. With this performance, the group proposes a critical revision, which stages not only the modus operandi of capitalist exploitation, but also some aspects of cultural colonial domination – that is still going strong to this days. The group from Porto Alegre celebrates 40 years of research theater in 2018 and returns to Santos with this new creation, after taking part in the Mirada Festival in 2016 with Viúvas – Performance sobre a ausência. In Caliban, the artists invest in street theater language with the exuberant visuality of scene elements, costumes, characterizations and acting techniques. These elements find an epic strategy in the songs played live by the large cast, which comment the scene and refers to the way the creators read this fable, staged as a political gesture. 63

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CHULOS 55 min

DUAL CENA CONTEMPORÂNEA (SP)

Alicia Peres

CONCEPÇÃO E DIREÇÃO CONCEPCIÓN Y DIRECCIÓN CONCEPT AND DIRECTION IVAN BERNARDELLI ELENCO ELENCO CAST DIOGO DE CARVALHO, FLÁVIA TEIXEIRA, HÉLIO FEITOSA, INAYARA INÁ, IVAN BERNARDELLI, RENATA MACIEL, KLEBER CÂNDIDO, MÔNICA AUGUSTO ORIENTAÇÃO DRAMATÚRGICA ORIENTACIÓN DRAMATÚRGICA DRAMATURGIC ORIENTATION LUÍS ALBERTO DO ABREU ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO ASISTENCIA DE DIRECCIÓN DIRECTION ASSISTANCE MÔNICA AUGUSTO DIREÇÃO E PREPARAÇÃO MUSICAL DIRECCIÓN Y PREPARACIÓN MUSICAL MUSICAL DIRECTION AND PREPARATION LINCOLN ANTONIO FIGURINO E ADEREÇOS VESTUARIO Y ACCESORIOS COSTUMES AND PROPS MARICHILENE ARTISEVSKIS COSTUREIRA COSTURERA SEAMTRESS JUDITE GERÔNIMO DE LIMA E EQUIPE MÁSCARAS MÁSCARAS MASKS RAONE LIGEIRINHO VR FISIOTERAPIA FISIOTERAPIA PHYSIOTHERAPY FT. LEANDRO FUKUSAWA AULAS DE DANÇA ACROBÁTICA CLASES DE DANZA ACROBÁTICA ACROBATIC DANCE CLASSES DIOGO

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GRANATO FOTOGRAFIAS FOTOGRAFÍAS PHOTOS ALÍCIA PERES E NATÁLIA PILATI REGISTRO EM VÍDEO REGISTRO EN VÍDEO VIDEO RECORDING BELA BADERNA DESIGN GRÁFICO E DIGITAL DISEÑO GRÁFICO Y DIGITAL GRAPHIC AND DIGITAL DESIGN IVAN BERNARDELLI DIREÇÃO DE PRODUÇÃO DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN PRODUCTION RADAR CULTURAL GESTÃO E PROJETOS - SOLANGE BORELLI

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CHULOS PT

Tendo as manifestações populares de rua como inspiração, essencialmente as Folias de Reis e a dança folclórica “chula”, a montagem é um exemplo de quando a criação artística encontra a cultura popular no melhor desta junção, mantendo os fundamentos das duas partes. A companhia é composta por artistas-criadores com formações diversas além da dança, como jornalismo, arquitetura, música e teatro. Criada em 2011 com objetivo de pesquisar mitologias e heranças históricas presentes na cultura brasileira, parte do trabalho se dá também em oficinas ministradas sobre a história da dança no Brasil, com base numa experiência prática. Os workshops vão desde o xondaro, treinamento marcial do guerreiro Guarani, abordando as danças indígenas, passando pela capoeira, jongo, frevo, bumba-meu-boi e chegando ao passinho. A chula é uma dança baseada em movimentos acrobáticos em forma de desafios. Está presente em todo território nacional, compondo diversas festas populares e adotando algumas diferenças regionais. Chulos começa com uma peregrinação de rua na qual o público segue a procissão dos artistas. O mote é homenagear os três reis magos que presentearam Jesus em seu nascimento. Na composição, além dos bailarinos, popularmente chamados de dançantes, há

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Alicia Peres

Tomando como inspiración las manifestaciones populares callejeras, esencialmente las Folias de Reyes y la danza folklórica «chula», el montaje es un ejemplo de cuando la creación artística encuentra la cultura popular en lo mejor de este entramado, manteniendo los fundamentos de ambas partes.

Inspired by popular street artistic manifestations, essentially the Folias de Reis and the folk dance “chula” (which inspired the title in Portuguese), the staging is an example of the junction between artistic creation and popular culture at its best, keeping the fundamentals of both parts.

La compañía se compone de artistas creadores con distintas formaciones además de la danza, como el periodismo, la arquitectura, la música y el teatro. Creada en 2011 con el objeto de investigar mitologías y herencias históricas presentes en la cultura brasileña, parte del trabajo se realiza también en talleres impartidos sobre la historia de la danza en Brasil, con base en una experiencia práctica. Los workshops se ocupan de las danzas nativas, desde el xondaro, entrenamiento marcial del guerrero guaraní, a la capoeira, el jongo, el frevo, bumba-meu-boi y el paso.

The company is composed by artistscreators with different backgrounds, besides dance, like journalism, architecture, music, and theater. Created in 2011 with the purpose of researching historical mythologies and heritages in Brazilian culture, part of the work also takes place in workshops about the history of dance in Brazil based on a practical experience. The workshops range from xondaro, the martial training for Guarani warriors, addressing indigenous dances, to capoeira, jongo, frevo, bumba-meu-boi and passinho.

La chula es una danza basada en movimientos acrobáticos en forma de desafíos. Está presente en todo territorio nacional, componiendo diversas fiestas

Chula is a dance based on acrobatic movements in the form of a challenge. It is spread throughout the whole country, being part of several popular festivals

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também músicos que representam os Reisados mais tradicionais, tocando rabeca, sanfona e tambores, além das vozes femininas que acompanham o espetáculo. Para a concepção dramatúrgica e de dança o grupo acompanhou as Folias Jornada Estrela Sagrada e a Jornada Leões de Judá (ambas de Volta Redonda, RJ), e a Folia do Zé Reis (Diadema, SP). O ritual chegou ao Brasil durante o período colonial como tradição católica, depois passou a fazer parte do folclore nacional. Entre os personagens, está o Mestre Palhaço, que brinca durante a caminhada. Em Chulos, os palhaços ganham outra dimensão, são também os três reis magos e o “novo que nasce”, uma metáfora do nascimento do menino Jesus.

populares y adoptando algunas diferencias regionales. Chulos comienza con una peregrinación en las calles durante la cual el público sigue la procesión de artistas. El mote es celebrar a los tres Reyes Magos que agasajaron a Jesús en su nacimiento. En la composición, además de los bailarines, popularmente llamados «dançantes», hay también músicos que representan los Reisados más tradicionales, y tocan la rabeca, la sanfona y tambores, además de las voces femeninas que acompañan el espectáculo. Para la concepción dramatúrgica y de danza, el grupo participó de las Folias Jornada Estrella Sagrada y la Jornada Leones de Judá (ambas de Volta Redonda, RJ) así como de la Folia Zé Reyes (Diadema, SP). El ritual llegó a Brasil durante el período colonial como tradición católica y luego comenzó a formar parte del folklore nacional. Entre los personajes está el Maestro Payaso, que se presenta durante la caminata. En Chulos, los payasos ganan otra dimensión, son también los tres Reyes Magos y «lo nuevo que nace», una metáfora del nacimiento del niño Jesús.

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and adopting some regional differences. Chulos begins with a street pilgrimage in which the audience follows the procession of the artists. The theme is a tribute to the Three Wise Men who brought gifts to Jesus’ birth. In the composition, besides the dancers, there are also musicians who represent the more traditional Folias de Reis, playing rebec, accordion, and drums, as well as the female voices that accompany the show. To conceive the dramaturgy and the dance, the group followed the Folias called Jornada Estrela Sagrada and Jornada Leões de Judá (both from Volta Redonda, RJ), and Folia do Zé Reis (Diadema, SP). The ritual arrived in Brazil during the colonial period as a Catholic tradition, and later became part of the national folklore. Among the characters, Mestre Palhaço plays during the pilgrimage. In Vulgar, the clowns also gain another dimension, they are also the Three Wise Men and the “new that is born”, a metaphor for the birth of baby Jesus. 67

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COLÔNIA 50 min

VINICIUS ARNEIRO (RJ)

Patrick Sister

DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY GUSTAVO COLOMBINI DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTOR VINICIUS ARNEIRO ATUAÇÃO ACTUACIÓN CAST RENATO LIVERA PROJETO DE SOM, CENÁRIO E LUZ PROYECTO DE SONIDO, ESCENARIO Y LUZ SOUND, SCENERY AND LIGHTING PROJECT RENATO LIVERA E VINICIUS ARNEIRO ILUMINADOR ILUMINACIÓN LIGHT DESIGN JOÃO GASPARY FOTOS FOTOS PHOTOS PATRICK SISTER ASSESSORIA DE IMPRENSA ASESOR DE PRENSA PRESS RELATIONS NOVA COMUNICAÇÃO PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION META PRODUÇÕES DISTRIBUIÇÃO DISTRIBUCIÓN DISTRIBUTION METROPOLITANA GESTÃO CULTURAL

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COLÔNIA PT

Num momento em que as teorias e práticas decoloniais vão ganhando cada vez mais espaço – ainda que tímido – nas ações artísticas e acadêmicas, nada mais oportuno ao teatro que enfrentar a palavra “colônia”. Como num verbete performado, a dramaturgia de Gustavo Colombini destrincha o termo em acepções diversas, revelando a multiplicidade dos seus sentidos de modo vertiginoso, como o movimento vivo de uma colônia de insetos. Nessa peça-palestra que abre mão da linearidade racional e se deixa infestar pelos afetos que as palavras trazem ao corpo, Colônia é verborrágica porque tem muito a dizer. Dentre os diversos sentidos da palavra, dois deles parecem especialmente incisivos. Por um lado, a peça faz referência ao holocausto dos encarcerados no Hospital Colônia, manicômio em Barbacena, Minas Gerais, que por mais de 50 anos serviu como um campo de concentração onde cerca de 60.000 pessoas – muitas delas negras, mulheres, presos políticos, mendigos, entre aquelas consideradas “loucas” – foram torturadas e assassinadas. Por outro lado, outro genocídio: o projeto colonial em si, um empreendimento fundamentado no extermínio e na desumanização de povos, mas defendido com o discurso da “modernidade” e da “civilização”. Os recursos mínimos da encenação de Vinicius Arneiro contrastam (e por isso mesmo, realçam) a densidade

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Patrick Sister

En un momento en el que las teorías y las prácticas descolonizadoras van ganando mayor espacio –aunque tímido– en las acciones artísticas y académicas, nada más oportuno para el teatro que enfrentar la palabra «colonia». Como si se tratase de la actuación de una palabra del diccionario, la dramaturgia de Gustavo Colombini desmenuza el término en las más diversas acepciones, y revela la multiplicidad de sus sentidos de modo vertiginoso, como el movimiento vivo de una colonia de insectos. En esta obra-conferencia que abandona la linealidad racional y se deja invadir por los afectos que las palabras traen al cuerpo, Colonia es pura verborragia porque tiene mucho para decir. Entre los diversos sentidos de la palabra, dos de ellos parecen especialmente incisivos. Por un lado, la obra hace referencia al holocausto de los encarcelados en el Hospital Colonia, un manicomio de Barbacena, en Minas Gerais, que por más de 50 años sirvió como campo de concentración en el que cerca de sesenta mil personas –muchas de ellas negras, mujeres, presos políticos, mendigos, entre los considerados «locos»–

In a moment when decolonial theories and practices are increasingly gaining space – even if timidly – in artistic and academic actions, nothing is more convenient to theater than confronting the word “colony”. As in a performed dictionary entry, Gustavo Colombini’s dramaturgy unravels the term in its different meanings, thus vertiginously revealing them as the living movement of an insect colony. In this lecture-play which gives up on rational linearity and lets itself be contaminated by the affects that words bring to the body, Colônia is verbose because it has a lot to say. Among the multiple meanings of the word, two of them seem especially incisive. On one hand, the play refers to the holocaust of the incarcerated people at Hospital Colônia, a mental institution in Barbacena, Minas Gerais. For over 50 years, this hospital functioned as a concentration camp where around 60,000 people – many of them being black people, women, political prisoners, homeless people, among those who were considered “insane” – were tortured and

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e a relevância desse projeto, com o qual Renato Livera comemora 20 anos de teatro. O ator mineiro, formado no Rio de Janeiro, transitou por diferentes linguagens, como a dança, o teatro e o cinema. Circulou pelo Brasil com a Cia Físico de Teatro, conhecida pelo espetáculo Savana Glacial, que esteve na primeira edição do Mirada, em 2010. O encontro com o dramaturgo paulista Gustavo Colombini e o diretor carioca Vinicius Arneiro fez deste projeto de comemoração um acontecimento especial de teatro, tão contundente quanto delicado, que tem tido ótima repercussão desde a estreia em 2017 no Espaço Cultural Sergio Porto, no Rio.

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fueron torturadas y asesinadas. Por otro lado, refiere a otro genocidio: el proyecto colonial en sí, un emprendimiento fundado en el exterminio y en la deshumanización de los pueblos, pero defendido con el discurso de la «modernidad» y de la «civilización». Los recursos mínimos de la puesta en escena de Vinicius Arneiro contrastan –y por eso mismo destacan– la densidad y la relevancia de este proyecto, con el cual Renato Livera, actor de Minas Gerais que se formó en Río de Janeiro, celebra los 20 años en el teatro. Renato transitó por diferentes lenguajes, como la danza, el teatro y el cine; y participó en giras por todo Brasil con la Cía. Físico de Teatro, conocida por el espectáculo Savana Glacial, que se presentó en la primera edición de Mirada, en el 2010. El encuentro con el dramaturgo paulista Gustavo Colombini y el director carioca Vinicius Arneiro hizo de este proyecto de celebración un suceso especial en el mundo del teatro, tan contundente como delicado, que ha tenido una excelente acogida desde su estreno, en el 2017, en el Espacio Cultural Sergio Porto, en Río de Janeiro.

murdered. On the other hand, another genocide: the colonial project itself, an operation based on the extermination and dehumanization of the peoples, but defended under the discourse of “modernity” and “civilization”. The minimal resources for Vinicius Arneiro’s staging contrast (and therefore highlight) the density and the relevance of this project, in which Renato Livera, an actor from Minas Gerais graduated in Rio de Janeiro, celebrates 20 years of theater. Renato transited through different languages, such as dance, theater and cinema, and travelled around Brazil with Cia. Físico de Teatro, a group known for the performance of Savana Glacial, which came to the first edition of the festival in 2010. The encounter between Renato, playwright from São Paulo Gustavo Colombini, and director from Rio de Janeiro Vinicius Arneiro has made this celebration a special theatrical event, potent as well as delicate, that has been well received since its premiere in 2017 at Espaço Cultural Sergio Porto, in Rio. 71

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CORPOS OPACOS 70 min

CAROLINA VIRGÜEZ E SARA ANTUNES (RJ / SP)

Ana Paula Rolon

IDEALIZAÇÃO IDEA CONCEPT CAROLINA VIRGÜEZ E SARA ANTUNES DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTION MARCO ANDRÉ NUNES E YARA DE NOVAES ATRIZES ACTRICES ACTRESSES CAROLINA VIRGÜEZ E SARA ANTUNES DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY PEDRO KOSOVSKI, CAROLINA VIRGÜEZ E SARA ANTUNES DRAMATURG DRAMATURG DRAMATURG PEDRO KOSOVSKI DIREÇÃO DE ARTE DIRECCIÓN DE ARTE ART AND SET DESIGN MÁRCIO MEDINA LUZ ILUMINACIÓN LIGHTING WAGNER ANTÔNIO DIREÇÃO MUSICAL DIRECCIÓN MUSICAL MUSICAL DIRECTION NATALIA MALLO PREPARAÇÃO CORPORAL PREPARACIÓN FÍSICA BODY PREPARATION ANA PAULA LOPEZ E MARY KUNHA ASSISTENTE DE DIREÇÃO PARTE I ASISTENTE DE DIRECCIÓN (PARTE I) ASSISTANT DIRECTOR (PART I) ANA PAULA LOPEZ TÉCNICO DE LUZ TÉCNICO DE ILUMINACIÓN LIGHT TECHNICIAN JIMMY WONG ASSISTENTE DE PRODUÇÃO ASISTENTE DE PRODUCCIÓN PRODUCTION ASSISTANT ANA PAULA ROLON PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION GABI GONÇALVES - NÚCLEO CORPO RASTREADO

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CORPOS OPACOS PT

Fundado na Colômbia do século XVII, o mosteiro Santa Inés de Montepulciano guarda uma tradição bastante específica. As religiosas que ali viviam passavam a vida em clausura absoluta. Elas jamais eram vistas por nenhum homem ou pessoa de fora do convento. Seus corpos permaneciam “puros”, preservados dos olhares dos outros. Mas, quando recém-falecidas e devidamente adornadas com véus e flores, tinham seus retratos pintados. Essa história e alguns desses retratos ficaram em evidência anos atrás numa exposição na Colômbia, com o título Cuerpos opacos: delicias invisibles del erotismo místico. A morte, nesse contexto devocional, não é vista como um fim, mas como uma espécie de comunhão, de entrega. E os retratos, de certo modo, celebram essa outra noção de corporalidade. Idealizada pelas atrizes Carolina Virguëz e Sara Antunes, a peça deseja desvelar poeticamente a potência que guardam esses corpos vigiados e escondidos. Para a direção, elas convidaram um homem e uma mulher: Marco André Nunes e Yara de Novaes. A proposta é que cada um desenvolva pesquisas específicas a partir de determinados olhares sobre essa prática tão singular. Não se trata de um projeto que pretende retratar a realidade vivida por essas mulheres; a ideia é investigar as possibilidades relacionais desse universo através das imagens dessas mulheres, de seus corpos e do olhar do outro.

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Thais Venitt

Fundado en Colombia en el siglo XVII, el monasterio Santa Inés de Montepulciano guarda una tradición muy peculiar. Las religiosas que vivían allí pasaban sus vidas en la más absoluta clausura. Jamás las veía ningún hombre o ninguna persona que no fuera del convento. Sus cuerpos permanecían «puros», preservados de las miradas de los demás. Sin embargo, cuando fallecían, las adornaban con velos y flores, y se pintaban sus retratos. Esta historia y algunos de esos retratos salieron a la luz años atrás, en una exposición en Colombia, bajo el título Cuerpos opacos: delicias invisibles del erotismo místico. La muerte, en ese contexto devocional, no se percibe como un final, sino como una especie de comunión, una entrega. Y los retratos, de cierto modo, celebran esa otra noción de corporalidad. Bajo la idea de las actrices Carolina Virgüez y Sara Antunes, la obra desea quitar poéticamente los velos a la potencia que ocultan esos cuerpos vigilados y escondidos. Para la dirección, invitaron a un hombre y a una mujer. Marco André Nunes y Yara de Novaes. La propuesta es que cada uno desarrolle búsquedas específicas a partir de

Founded in Colombia in the 17th century, the Santa Inés de Montepulciano convent keeps a very specific tradition. The nuns who lived there spent their lives in total seclusion. They were never seen by any man or person from outside the convent. Their bodies remained “pure”, preserved from the gaze of others. But as soon as they died, they were properly adorned with veils and flowers, and their portrait was painted. That history and some of those portraits gained notoriety years ago in an exhibition in Colombia entitled Cuerpos opacos: delicias invisibles del erotismo místico. Death, in this devotional context, is not seen as an end, rather as kind of communion, of surrender. And the portraits, in a way, celebrate this other notion of corporality. Conceived by actresses Carolina Virguëz and Sara Antunes, the play wishes to poetically unveil the potency that keeps those bodies hidden and under watch. They invited a man and a woman to direct: Marco André Nunes and Yara de Novaes. The proposal is that each one develops specific researches

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Carolina Virguëz e Sara Antunes atuaram juntas no espetáculo Guerrilheiras ou para a terra não há desaparecidos , que desdobrava histórias de mortes de guerrilheiras às margens do Rio Araguaia ocorridas durante a ditadura militar. A parceria entre Carolina Virguëz e Marco André Nunes é de longa data. Juntos, eles fizeram O mal-entendido de Albert Camus; Ingrid, inspirado na biografia de Ingrid Betancourt; e há pouco tempo, com Pedro Kosovski, que vai assinar a dramaturgia com as duas atrizes, as peças Caranguejo Overdrive , que esteve no Mirada em 2016, e Guanabara Canibal , que também está na programação desta edição.

determinadas miradas sobre esa práctica tan singular. No se trata de un proyecto que pretenda retratar la realidad vivida por esas mujeres; la idea es investigar las posibilidades relacionales de ese universo a través de las imágenes de las mujeres, de sus cuerpos y de la mirada del otro. Carolina Virgüez y Sara Antunes actuaron juntas en el espectáculo Guerrilleras o para la tierra no hay desaparecidos, que desplegaba las historias de las muertes de guerrilleras sobre las márgenes del río Araguaia, ocurridas durante la dictadura militar. El vínculo entre Carolina Virgüez y Marco André Nunes es de larga data. Juntos realizaron El malentendido , de Albert Camus; Ingrid, inspirada en la biografía de Ingrid Betancourt, y, hace poco, con Pedro Kosovski, que estuvo a cargo de la dramaturgia junto con las actrices, las obras Caranguejo Overdrive , que se representó en Mirada en el 2016, y Guanabara Caníbal , que también está en la programación de esta edición.

based on certain gazes towards such a unique practice. This is not a project that intends to portray the reality experienced by those women; the idea is to investigate the relational possibilities of that universe through the images of the women, their bodies, and the gaze of the other. Carolina Virguëz and Sara Antunes acted together in the show Guerrilheiras ou para a terra não há desaparecidos , which unfolded stories of the death of female guerrillas at the banks of the Araguaia river during the military dictatorship. The partnership between Carolina Virguëz and Marco André Nunes is long-standing. Together, they staged Albert Camus’ The Misunderstanding ; Ingrid, inspired by the biography of Ingrid Betancourt; and recently, with Pedro Kosovski, who shares the dramaturgy credit with the two actresses, the plays Caranguejo Overdrive , which participated in Mirada in 2016, e Cannibal Guanabara , which is also part of this edition’s program. 75

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EU ESTAVA EM MINHA CASA E ESPERAVA QUE A CHUVA CHEGASSE

70 min

YO ESTABA EN CASA Y ESPERABA QUE LLEGARA LA LLUVIA

I WAS AT HOME WAITING FOR THE RAIN TO COME

CPT - CENTRO DE PESQUISA TEATRAL SESC (SP) TEXTO TEXTO SCRIPT JEAN-LUC LAGARCE DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTION ANTUNES FILHO TRADUÇÃO TRADUCCIÓN TRANSLATION MARIA CLARA FERRER ELENCO (POR ORDEM DE ENTRADA) ELENCO (POR ORDEN DE ENTRADA) CAST (IN ORDER OF APPEARANCE) FERNANDA GONÇALVES, DANIELA FERNANDES, VIVIANE MONTEIRO, SUZAN DAMASCENO, RAFAELA CASSOL ASSISTENTE DE DIREÇÃO ASISTENTE DE DIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTOR LUANA FREZ CENOGRAFIA E FIGURINOS ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO SET AND COSTUME DESIGN SIMONE MINA ASSISTENTE DE CENOGRAFIA ASISTENTE DE ESCENOGRAFÍA SET DESIGN ASSISTANT VINÍCIUS CARDOSO ASSISTENTE DE FIGURINOS ASISTENTE DE VESTUARIO COSTUME DESIGN ASSISTANT KARINA SATO E ZINEU SIMIONATTO COSTUREIRA COSTURERA SEAMSTRESS HELENITA PROCÓPIO VISAGISTA VISAGISTA VISAGIST ROGER FERRARI OPERAÇÃO DE SOM E LUZ OPERACIÓN DE SONIDO Y LUCES SOUND AND LIGHTING OPERATION ALEXANDRE FERREIRA ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING EDSON FM

Inês Correa

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PREPARAÇÃO DE CORPO E VOZ PREPARACIÓN DE CUERPO Y VOZ BODY AND VOICE PREPARATION ANTUNES FILHO PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION EMERSON DANESI FOTOS FOTOS PHOTOS INÊS CORREA SECRETARIA DO CPT SECRETARIA DE CPT CPT SECRETARY FLAVIA DZIERSK LIMA DIREÇÃO GERAL DIRECCIÓN GENERAL GENERAL DIRECTION ANTUNES FILHO

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EU ESTAVA EM MINHA CASA E ESPERAVA QUE A CHUVA CHEGASSE Inês Correa

Uma característica marcante da dramaturgia de Jean-Luc Lagarce, um dos mais significativos autores do teatro contemporâneo francês, é a qualidade literária da fala dos seus personagens. Por qualidade literária, nesse caso, entende-se a centralidade da palavra na constituição de texturas, temperaturas e sentidos, bem como o grau elevado de elaboração e articulação da fala, que é a matéria por excelência da sua linguagem teatral. Eu estava em minha casa e esperava que a chuva chegasse é uma das suas últimas obras, escrita em 1994, ano anterior à sua morte. A narrativa apresenta cinco personagens femininas de uma mesma família que esperam o retorno de um dos homens da casa – um filho, um irmão – que havia sido expulso pelo pai. As relações estão em aberto, assim como os pormenores da ação: há muitas lacunas a preencher nesta dramaturgia, que cada espectador vai construir à sua maneira. A montagem, que estreia na quinta edição do Mirada, conta com a encenação de Antunes Filho, que busca atualizar a proposta de abertura de sentidos, num jogo quase detetivesco, que é essencial ao texto de Lagarce. O modo como a peça é levada à cena não dá respostas às suas lacunas, mas transfere para o trabalho de atuação a sua dimensão sugestiva e misteriosa. O espaço cênico, por exemplo, não tem uma proposta realista, não representa nenhum lugar específico – um

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Una característica que destaca la dramaturgia de Jean-Luc Lagarce, uno de los más sobresalientes autores del teatro contemporáneo francés, es la calidad literaria de los parlamentos de sus personajes. Por calidad literaria, en este caso, se entiende la centralidad de la palabra en la construcción de texturas, temperaturas y sentidos, así como el elevado grado de elaboración y articulación de los discursos, que es la materia por excelencia de su lenguaje teatral. Eu estava em minha casa e esperava que a chuva chegasse es una de sus últimas obras, escrita en 1994, año anterior a su muerte. El relato presenta cinco personajes femeninos de una misma familia que esperan el retorno de uno de los hombres de la casa –un hijo, un hermano– que fue expulsado por el padre. Las relaciones así como los pormenores de la acción permanecen abiertos: hay muchas lagunas para completar en esta dramaturgia, que cada espectador construirá a su manera. El montaje que estrena en la quinta edición del Mirada cuenta con la escenificación de Antunes Filho, quien busca actualizar la propuesta de apertura de sentidos, a través

A striking feature of the dramaturgy of Jean-Luc Lagarce, one of the most relevant authors in contemporary French theater, is the literary quality of his characters’ speech. What is understood as literary quality, in this case, is the centrality of the word in the construction of textures, temperatures, and meanings, as well as the highly elaborate and articulated speeches, which are the essential material of the language of his theater. Eu estava em minha casa e esperava que a chuva chegasse, written in 1994, the year before his death, was one of his last works. The narrative presents five female characters from the same family waiting for the return of one of the men of the house – a son, a brother – who had been thrown out by his father. The relationships are open-ended, and so are the minutiae of the action: there are many blanks to filled in this dramaturgy, which each spectator will build in their own way. The staging premiering in the fifth edition of Mirada is directed by Antunes Filho, who seeks to update the proposal

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dado que enfatiza a liberdade de interpretação que está sendo proposta aos espectadores. Como não poderia ser diferente, tendo em vista a natureza do teatro de Antunes Filho, a elaboração das atuações é um dos aspectos marcantes do espetáculo. As atrizes relatam os fatos ao mesmo tempo em que encenam o ato de relatar, acumulando camadas de sentidos possíveis, conferindo densidade ao que poderia ser tomado como banal. Espelhando o título, que nos faz visualizar um céu carregado, a cena procura criar uma condensação na atmosfera, construindo um estado de suspensão e potência, como se alguma chuva pudesse, a qualquer momento, começar a cair sobre a vida daquela família.

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de un juego casi detectivesco, que resulta esencial para el texto de Lagarce. El modo en que la obra es puesta en escena no brinda respuestas a sus lagunas, sino que transfiere al trabajo de actuación su dimensión sugestiva y misteriosa. El espacio escénico, por ejemplo, no tiene una propuesta realista, no representa ningún lugar específico –un dato que enfatiza la libertad de interpretación propuesta a los espectadores. Como no podría ser diferente, considerando la particularidad del teatro de Antunes Filho, la elaboración de las actuaciones es uno de los aspectos más destacados del espectáculo. Las actrices relatan los hechos al mismo tiempo que escenifican el acto de relatar, multiplicando las capas de sentidos posibles, confiriendo densidad a lo que podría ser tomado como banal. Espejando el título, que induce a avistar un cielo cargado, la escena busca crear una condensación en la atmósfera y construir un estado de suspensión y potencia, como si una lluvia pudiese, en cualquier momento, empezar a caer sobre la vida de esta familia.

of opening meanings, in an almost detective-like game, which is essential to Lagarce’s writing. The way the play is enacted does not provide answers to fill in the blanks, it rather transfers its suggestive and mysterious dimension to the acting. The scenic space, for instance, doesn’t intend to be realistic, it doesn’t represent a specific place – something that emphasizes the freedom of interpretation proposed to the spectators. As it should be expected, considering the nature of Antunes Filho’s theater, the elaborate acting is one of the remarkable features of the show. The actresses narrate the facts at the same time they enact the act of narrating, accumulating layers of possible meanings, affording density to what could be considered trite. Mirroring the title, which makes us visualize a cloudy sky, the scene seeks to create condensation in the atmosphere, building a state of suspension and potential, as if some rain could, at any moment, start to fall on the life of that family. 79

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FAUNA 75 min

QUATROLOSCINCO – TEATRO DO COMUM (MG)

Guto Muniz

DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTOR ITALO LAUREANO ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO ASISTENCIA DE DIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTOR REJANE FARIA TEXTO E ATUAÇÃO TEXTO Y ACTUACIÓN WRITTEN AND PERFORMED BY ASSIS BENEVENUTO E MARCOS COLETTA ORIENTAÇÃO VOCAL ORIENTACIÓN VOCAL VOCAL ORIENTATION ANA HADAD ORIENTAÇÃO CORPORAL ORIENTACIÓN FÍSICA CORPORAL ORIENTATION ROSA ANTUÑA PROVOCAÇÃO CRIATIVA PROVOCACIÓN CREATIVA CREATIVE PROVOCATION ALEXANDRE DAL FARRA CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN ED ANDRADE ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING RODRIGO MARÇAL TRILHA SONORA ORIGINAL BANDA SONORA ORIGINAL ORIGINAL SOUNDTRACK BARULHISTA FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN O GRUPO PROJETO GRÁFICO PROYECTO GRÁFICO GRAPHIC DESIGN ESTÚDIO LAMPEJO FOTOGRAFIA DE CENA FOTOGRAFÍA DE ESCENA SCENE PHOTOGRAPHY GUTO MUNIZ VIDEO VIDEO VIDEO JANAÍNA PATROCÍNIO JPZ COMUNICAÇÃO PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION MARIA MOURÃO REALIZAÇÃO REALIZACIÓN EXECUTION QUATROLOSCINCO - TEATRO DO COMUM

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FAUNA PT

O grupo mineiro Quatroloscinco – Teatro do Comum se refere a Fauna como uma peça-conversa. Não se trata de um mero detalhe: nomear uma modalidade é uma forma de sinalizar como um trabalho deve ser percebido. Uma conversa é algo que pressupõe fala e escuta, que precisa da participação criativa dos envolvidos. A linguagem dessa peça, forjada nas sutilezas do registro de atuação, da disposição do espaço cênico e das aberturas da dramaturgia, enfatiza a natureza convivial do teatro, a sua vocação como um espaço do comum. Um dos gestos estético-políticos da montagem, que procura fazer com que os espectadores sintam na pele que fazem parte de um comum, é o pedido para que todos tirem os sapatos. Um pedido simples, no qual estão contidas muitas propostas. Tirar os sapatos não deixa de ser uma chispa de desnudamento, um modo de nos privar de parte de um código social que nos divide em classes sociais, em tribos, em estereótipos – e que já nos dividiu entre pessoas livres e escravizadas. A fauna do título se refere à espécie humana. Descalços, talvez possamos ver menos diferenças entre nós. Será? Com recursos de construção dramatúrgica aparentemente despretensiosos, a peça vai tecendo uma conversa sobre a condição humana, fazendo pensar em seus limites: seus fundamentos básicos, sua hipotética extinção. Diante dessa possibilidade, uma pergunta

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Guto Muniz

El grupo mineiro Quatroloscinco – Teatro de lo Común se refiere a Fauna como una obra-conversación. No es solo un detalle: dar un nombre a una modalidad es un modo de señalar cómo debe percibirse un trabajo. Una conversación es algo que presupone habla y escucha, que necesita la participación creativa de los involucrados. El lenguaje de esta obra, forjada en las sutilezas del registro de la actuación, de la disposición del espacio escénico y de la apertura de la dramaturgia, enfatiza en la naturaleza convivencial del teatro, su vocación como un espacio de lo común. Uno de los gestos estético-políticos del montaje, que busca hacer que los espectadores sientan en la piel que forman parte de algo común, es el pedido de que todos se quiten los zapatos. Una simple solicitud que contiene muchas propuestas. Sacarse los zapatos no deja de ser un comienzo de desnudo, un modo de privarnos de parte de un código social que nos divide en clases sociales, en tribus, en estereotipos –y que nos separó en personas libres y esclavizadas–. La fauna del título hace referencia a la especie humana. Descalzos,

Originally from Minas Gerais, the theatrical group Quatroloscinco – Teatro do Comum describes Fauna as a play and a conversation. It is not a mere detail: naming a genre is a way to show how a work piece should be perceived. A conversation presumes speech and listening, which demands a creative participation of the ones involved. The language in this play is forged on the subtleties of acting, on the arrangement of the scenic space and in the openings of dramaturgy; it emphasizes the convivial nature of theatre, its calling a common ground. One of the politic-aesthetic gestures of the staging, which tries to make the spectator feel like they are part of a community, is the request for everyone to take off their shoes. A simple request, in which many proposals are contained. Taking off the shoes is nonetheless a spark of nudity, a way to deprive us of a part of a social code that separates us in social classes, tribes, stereotypes – and that has already divided us between free and enslaved people. The fauna shown

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instintiva: o que nos salva? A pergunta pode ser feita ao corpo coletivo (o que nos salva enquanto espécie?), mas também ao corpo individual: o que resguarda a nossa humanidade? Quando, nos gestos e palavras cotidianos, somos comprometidamente humanos – e quando somos apenas... fauna? A conversa pode funcionar para que os espectadores percebam os velhos afetos que aparecem “naturalmente”, os sentimentos que são cultivados em sociedade, que não percebemos que vieram de fora para dentro. E pode também despertar afetos novos, com frescor. Deslocar e inventar afetos pode ser um modo eficaz de dar a ver a sua dimensão política.

talvez podamos ver menos diferencias entre nosotros. ¿Será? Con recursos de construcción dramatúrgica aparentemente sin pretensiones, la obra va tejiendo una conversación sobre la condición humana, y hace pensar en sus límites: sus fundamentos básicos, su hipotética extinción. Ante esta posibilidad, surge la pregunta instintiva: ¿quién nos salva? La pregunta puede hacerse al cuerpo colectivo (¿qué nos salva como especie?), pero también al cuerpo individual: ¿qué resguarda nuestra humanidad? ¿Cuándo somos, en los gestos y en las palabras cotidianas, comprometidamente humanos, y cuándo somos solo... fauna? La conversación puede funcionar para que los espectadores perciban los viejos afectos que aparecen «naturalmente», los sentimientos que se cultivan en sociedad, que no percibimos que se nos impuso desde fuera. Y puede asi mismo despertar nuevos afectos con frescura. Mover e inventar afectos puede ser una manera eficaz poner de relieve su dimensión política.

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on the title refers to the human species. Barefoot, perhaps, we could see fewer differences between us. Could we? Using apparently unpretentious dramaturgic construction resources, the play weaves a conversation about the human condition, dwelling upon its limits: its basic groundwork, its hypothetical extinction. Against this possibility, an instinctive question is made: what can save us? The question can be made to the collective body (what can save us as species?), but, also, to the individual body: what protects our humanity? When, in our quotidian gestures and words, are we committedly human – and when are we merely… fauna? This conversation may suggest to the spectators the perceiving of old affections that appear “naturally”, feelings that are cultivated in society, which we do not see coming in from the outside. And it may also awake new and fresh affections. Dislocating and inventing them might be an efficient way 83 to show its political dimension.

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GRANDE SERTÃO: VEREDAS 140 min

GRAN SERTÓN: VEREDAS

BACKLANDS

BIA LESSA (RJ) CONCEPÇÃO, DIREÇÃO GERAL, DESENHO DE LUZ, ADAPTAÇÃO CONCEPCIÓN, DIRECCIÓN GENERAL, DISEÑO DE LUCES, ADAPTACIÓN CONCEPT, GENERAL DIRECTION, LIGHTING DESIGN, ADAPTATION BIA LESSA ELENCO ELENCO CAST BALBINO DE PAULA, CAIO BLAT, DANIEL PASSI, ELIAS DE CASTRO, JOSÉ MARIA RODRIGUES, LEO MIGGIORIN, LUISA ARRAES, LUIZA LEMMERTZ, LUCAS ORANMIAN E CLARA LESSA ARQUITETURA ARQUITECTURA ARCHITECTURE CAMILA TOLEDO | COLABORAÇÃO PAULO MENDES DA ROCHA MÚSICA MÚSICA SCORE EGBERTO GISMONTI TRILHA SONORA BANDA SONORA SOUNDTRACK DANY ROLAND DESENHO DE SOM DISEÑO DEL SONIDO SOUND DESIGN MARCIO PILOT PAISAGEM SONORA PAISAJE SONORO SOUND LANDSCAPE FERNANDO HENNA E DANIEL TURINI FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN SYLVIE LEBLANC ADEREÇOS ACCESORIOS PROPS FERNANDO MELLO DA COSTA DESENHO DE LUZ DISEÑO DE LUCES LIGHTING DESIGN BINHO SCHAEFER DIRETOR ASSISTENTE DIRECTOR ASISTENTE ASSISTANT DIRECTOR BRUNO SINISCALCHI ASSISTENTE DE DIREÇÃO ASISTENTE DE DIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTOR AMÁLIA LIMA OPERADOR DE SOM OPERACIÓN DE SONIDO SOUND OPERATION BERNARDO ARAGÃO MICROFONISTA OPERACIÓN DE MICRÓFONO MICROPHONE OPERATION TELMA LEMOS OPERADOR DE LUZ OPERACIÓN DE LUZ LIGHT OPERATION FELIPE ANTELO CONTRARREGRAGEM TRANSPUNTE STAGEHAND ARTHUR COSTA DIREÇÃO DE PRODUÇÃO DIRECCIÓN DE PRODUCIÓN GENERAL PRODUCTION MARIA DUARTE PRODUTOR EXECUTIVO PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION ARLINDO HARTZ COLABORAÇÃO

Nereu Jr.

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COLABORACIÓN COLLABORATION FLORA SÜSSEKIND, MARÍLIA ROTHIER, SILVIANO SANTIAGO, ANA LUIZA MARTINS COSTA, ROBERTO MACHADO TRADUÇÕES ESPANHOL TRADUCCIONES ESPAÑOL TRANSLATIONS SPANISH ANGEL CRESPO TRADUÇÕES INGLÊS TRADUCCIONES INGLÉS ENGLISH TRANSLATIONS HARRIET DE ONÍS E JAMES TAYLOR ADAPTAÇÃO ADAPTACIÓN ADAPTATION LIVIA BAIÃO COLABORAÇÃO COLABORACIÓN COLLABORATION MARÍLIA ROTHIER CARDOSO E ALISON ENTREKIN IDEALIZAÇÃO E REALIZAÇÃO: 2+3 PRODUÇÕES ARTÍSTICAS LTDA / APOIO INSTITUCIONAL: SESC, BANCO DO BRASIL E GLOBOSAT / APOIO: BMA ADVOGADOS, INSTITUTO-E E OM ART. AGRADECIMENTO ESPECIAL À VIÚVA DO AUTOR, A QUEM A OBRA FOI DEDICADA, ARACY MOEBIUS DE CARVALHO GUIMARÃES ROSA, À NONADA CULTURAL E A TESS ADVOGADOS / © NONADA CULTURAL LTDA. IDEALIZACIÓN E REALIZACIÓN: 2+3 PRODUÇÕES ARTÍSTICAS LTDA / APOYO INSTITUCIONAL: SESC, BANCO DO BRASIL E GLOBOSAT / APOYO: BMA ADVOGADOS, INSTITUTO-E E OM ART AGRADECIMIENTO ESPECIAL A LA VIUDA DEL AUTOR, A QUIEN LA OBRA FUE DEDICADA, ARACY MOEBIUS DE CARVALHO GUIMARÃES ROSA, À NONADA CULTURAL E A TESS ADVOGADOS / © NONADA CULTURAL LTDA. IDEALIZATION AND REALIZATION: 2+3 PRODUÇÕES ARTÍSTICAS LTDA / INSTITUCIONAL SUPPORT: SESC, BANCO DO BRASIL E GLOBOSAT / SUPPORT: BMA ADVOGADOS, INSTITUTO-E E OM ART SPECIAL THANKS TO THE AUTHOR’S WIDOW, TO WHOM THE WORK WAS DEDICATED, ARACY MOEBIUS DE CARVALHO GUIMARÃES ROSA, À NONADA CULTURAL E A TESS ADVOGADOS / © NONADA CULTURAL LTDA.

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GRANDE SERTÃO: VEREDAS PT

Em 2006, a exposição Grande Sertão: Veredas inaugurou o Museu da Língua Portuguesa em São Paulo. A mostra se propunha a traduzir a obra-prima de Guimarães Rosa para uma linguagem interativa. Quem pôde ver não negou ao trabalho o adjetivo de “espetacular”. Um público surpreendente viu outra concepção de museu. Sem objetos fixos, como quadros e esculturas de grandes nomes, a exposição privilegiava objetos que se transformavam constantemente e que carregavam em si múltiplos sentidos – culturais, históricos, geográficos – que colocavam em primeiro plano, evidentemente, a língua portuguesa. Dez anos depois, Bia Lessa se deparou novamente com Grande Sertão: Veredas e, apesar de criar outra obra, pode-se dizer que ainda ampliou a conciliação de expressões artísticas no seu trabalho. Antes artes plásticas, cenografia e arquitetura; agora também incluindo o teatro, tudo isso sem esquecer, obviamente, da literatura de Guimarães Rosa à qual todas servem sem se anularem. Se antes a exposição havia sido espetacular, agora é o espetáculo que começa a ser exposto horas antes. Ficam também exibidos 250 bonecos de feltro de tamanho humano. Na peça, um recurso da encenação faz com que os espectadores tenham dimensão do quanto a recepção

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Roberto Pontes

En 2006, la exposición Grande Sertão: Veredas inauguró el Museo de la Lengua Portuguesa de São Paulo. La muestra se proponía traducir la obra prima de Guimarães Rosa a un lenguaje interactivo. Quien pudo asistir no calificó el trabajo como «espectacular». Un público sorprendente experimentó una nueva concepción de museo. En lugar de objetos fijos, como cuadros y esculturas de grandes nombres, la exposición privilegiaba objetos que se transformaban constantemente y que cargaban en sí múltiples sentidos – culturales, históricos, geográficos– y que ponían en primer plano, obviamente, la lengua portuguesa. Diez años después, Bia Lessa se deparó nuevamente con Grande Sertão: Veredas y, a pesar de crear otra obra, se puede decir que amplió la conciliación de expresiones artísticas en su trabajo. Si antes fueron las artes plásticas, la escenografía y la arquitectura, ahora también se incluyó el teatro; sin olvidar, obviamente, la literatura de Guimarães Rosa, a la cual todas sirven sin anularse.

In 2006, the exhibition The Devil to Pay in the Backlands inaugurated the Museum of the Portuguese Language in São Paulo. The show proposed to translate Guimarães Rosa’s masterpiece into an interactive language. Those who saw it didn’t spare the use of the adjective “spectacular”. A surprising audience saw a different concept of a museum. Without fixed objects, like painting and sculptures of famous artists, the exhibition privileged objects that were constantly transforming themselves and carried multiple meanings – cultural, historical, geographical – that obviously foregrounded the Portuguese language. Ten years later, Bia Lessa once again stumbled upon The Devil to Pay in the Backlands and, although she created another piece, we can say that she expanded the conciliation of artistic expressions in her work. Before, it was visual arts, set design, and architecture; now it also includes theater, without forgetting Guimarães Rosa’s literature, to which they all serve without cancelling each other out.

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Chico Lima

teatral oscila entre experiência coletiva e individual. Ao mesmo tempo em que assistem juntos à encenação, na qual os atores interpretam homens e bichos sem abandonarem a cena, a experiência individual é enfatizada pelos fones de ouvido através dos quais cada espectador escuta a trilha sonora, as vozes dos atores, os ruídos e sons ambientes. O desenho sonoro proporciona ao espetáculo uma complexidade de camadas que remete tanto à simultaneidade de estímulos da experiência cinematográfica quanto ao ato mesmo da leitura solitária.

Si antes la exposición había sido espectacular, ahora el espectáculo empieza a ser expuesto horas antes. Son exhibidos también 250 muñecos de fieltro de tamaño humano. En la obra, un recurso de la escenificación hace que los espectadores tengan dimensión del grado en el que la recepción teatral oscila entre una experiencia colectiva e individual. Al mismo tiempo en el que asisten juntos a la escenificación, en la cual los actores interpretan hombres y animales sin abandonar la escena, la experiencia individual es enfatizada por los cascos con auriculares a través de los cuales cada espectador escucha la banda sonora, las voces de los actores, los ruidos y sonidos ambientes. El diseño del sonido proporciona al espectáculo una complejidad de capas que remite tanto a la simultaneidad de estímulos de la experiencia cinematográfica como al acto de la lectura solitaria.

If the exhibition was spectacular before, now it’s the spectacle that starts to be exhibited hours before. Also, 250 humansized felt dolls are exhibited. In the play, a staging device allows spectators to have a sense of how the reception of theater can oscillate between collective and individual experience. At the same time they are together as they watch the staging, in which the actors play humans and animals without leaving the stage, the individual experience is emphasized by the headsets through which each spectator listens to the soundtrack, the voice of the actors, the surrounding noises and sounds. The sound design affords the show a complexity of layers that allude both to the simultaneous stimuli of the cinematic experience and to the very act of reading alone.

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GUANABARA CANIBAL 90 min

AQUELA CIA. DE TEATRO (RJ)

João Julio Mello

DIREÇÃO GERAL DIRECCIÓN GENERAL GENERAL DIRECTION MARCO ANDRÉ NUNES TEXTO TEXTO SCRIPT PEDRO KOSOVSKI ELENCO ELENCO CAST CAROLINA VIRGÜEZ, JOÃO LUCAS ROMERO, MATHEUS MACENA, REINALDO JUNIOR E ZAION SALOMÃO DIREÇÃO MUSICAL DIRECCIÓN MUSICAL MUSICAL DIRECTION FELIPE STORINO ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING RENATO MACHADO OPERADORA DE LUZ OPERACIÓN DE LUCES LIGHTING OPERATOR TAMARA G. TORRES INSTALAÇÃO CÊNICA INSTALACIÓN ESCÉNICA SCENIC INSTALLATION MARCO ANDRÉ NUNES E MARCELO MARQUES FIGURINO VESTUARIO COSTUMES MARCELO MARQUES E CARLOS PETIT VISAGISMO VISAGISMO VISAGISM JOSEF CHASILEW MÚSICOS MÚSICOS MUSICIANS PEDRO LEAL E ANDERSON MAIA OPERADOR DE SOM OPERADOR DE SONIDO SOUND OPERATION LUCIANO SIQUEIRA OPERADOR DE VÍDEO OPERADOR DE VIDEO VIDEO OPERATION DIEGO DÁVILA DIRETOR DE PALCO STAGE DIRECTOR DIRECTOR DE ESCENA JIMMY WONG TÉCNICO DE ALTURA TÉCNICO DE ALTURA HIGH TECHNICIAN CELSO JOSÉ DIREÇÃO DE

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MOVIMENTO DIRECCIÓN DE MOVIMIENTO DIRECTION OF MOVEMENT TONI RODRIGUES PRODUÇÃO GERAL PRODUCCIÓN GENERAL GENERAL PRODUCTION NÚCLEO CORPO RASTREADO REALIZAÇÃO REALIZACIÓN PRODUCTION AQUELA CIA. DE TEATRO

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GUANABARA CANIBAL PT

Aquela Cia de Teatro, do Rio de Janeiro, chega à quinta edição do Mirada com o último espetáculo que faz parte da trilogia da cidade. Antecedida por Cara de Cavalo (2012), que falava da extinta favela do Esqueleto; e Caranguejo Overdrive (2015), sobre o processo de aterramento do mangue carioca no final do século XIX; Guanabara Canibal (2017) vai ainda mais distante na história da cidade maravilhosa, retornando à sua fundação. Tendo como ponto de partida a leitura do poema do Pe. José de Anchieta intitulado “Feitos de Mem de Sá”, – no qual o padre justifica o extermínio indígena alegando que seriam seres cruéis, que se portavam como animais e tinham uma vida vazia de luz divina – a direção de Marco André Nunes e a dramaturgia de Pedro Kosovski fazem um movimento contrário, dando voz aos vencidos e problematizando a versão dos vencedores. O mote para o desenvolvimento da narrativa é o aniversário da cidade, época da estreia do espetáculo. Ao longo da peça, enchem-se balões vermelhos de festa, e uma placa de luz neon com a frase “Rio Feliz Aniversário” faz parte de um cenário que expõe feridas e decadência. O chão em formato de arena é de terra batida e rememora uma aldeia e um terreiro. Por cima, uma sala de televisão de classe média. É nela que a personagem com traços indígenas, representada por

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Julio Ricardo

Aquela Cia. de Teatro, de Río de Janeiro, llega a la quinta edición de Mirada con el último espectáculo que forma parte de la trilogía de la ciudad. Antecedida por Cara de Cavalo (2012), que trataba sobre la extinta favela del Esqueleto, y Caranguejo Overdrive (2015), sobre el proceso de rellenado de los manglares cariocas a finales del siglo XIX, Guanabara Caníbal (2017) va más atrás en la historia de la ciudad maravillosa, y se sitúa en su fundación. Tomando como punto de partida la lectura del poema del padre José de Anchieta llamado «Feitos de Mem de Sá» –en el cual el padre justifica el exterminio indígena alegando que eran seres crueles, que se comportaban como animales y que llevaban una vida vacía de la luz divina–, la dirección de Marco André Nunes y la dramaturgia de Pedro Kosovski hacen un movimiento contrario, y dan voz a los vencidos mientras problematizan la versión de los vencedores. El lema para el desarrollo de la narrativa es el aniversario de la ciudad, época en la que se estrenó el espectáculo. A lo largo de la obra, se inflan globos de fiesta rojos, y una

Julio Ricardo

The company Aquela Cia de Teatro, from Rio de Janeiro, arrives at the fifth edition of Mirada with the last part of the trilogy of the city. Preceded by Cara de Cavalo (2012), which dealt with the now extinct Esqueleto slum; and Caranguejo Overdrive (2015), about the embankment of the mangrove in Rio de Janeiro at the end of the 19th century; Guanabara Canibal (2017) goes even farther in the history of the wonderful city, returning to its foundation. Based on a poem by José de Anchieta entitled “On the Deeds of Mem de Sá” – in which the missionary justifies the slaughter of Indians claiming they were cruel beings that behaved like animals and had a life devoid of divine light – the directing of Marco André Nunes and the dramaturgy of Pedro Kosovski make the opposite movement, giving voice to the defeated and questioning the version of the winners. What drove the development of the narrative was the anniversary of the city, around the time the play premiered.

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Carolina Virgüez, começa a contar ao menino negro, Zaion Salomão, fatos “esquecidos” pela história oficial. A montagem reconta o genocídio Tupinambá, pontapé inicial para a formação da cidade a partir da extinção da aldeia Karioka. A luta dos portugueses pelo domínio do Forte de Villegagnon, travada na Baía de Guanabara em 1560, e a Batalha de Uruçumirim, em 1567, lideradas pelo governador-geral Mem de Sá, que resultou na expulsão dos franceses, são o pano de fundo da barbárie. O espetáculo tem cenas densas e potentes, nas quais uma música vibrante e agressiva dá a intensidade dos fatos mencionados. Também são utilizados projeções, elementos da performance e da dança.

placa de luz de neón con la frase «Río, feliz aniversario» forma parte de un escenario que expone heridas y decadencia. El suelo está cubierto de arena y de tierra apisonada, y remite a una aldea o un terreiro. Arriba, hay montada una sala de televisión de clase media. Allí, el personaje con trazos indígenas, representado por Carolina Virgüez, comienza a contarle al niño negro, Zaion Salomão, los hechos «olvidados» por la historia oficial. El montaje rememora el genocidio Tupinambá, que fue el puntapié inicial para la formación de la ciudad a partir de la extinción de la aldea Karioka. La lucha de los portugueses por el dominio del Fuerte de Villegagnon, trabada en la bahía de Guanabara en 1560, y la Batalla de Uruçumirim, en 1567, lideradas por el general Mem de Sá, cuyo resultado fue la expulsión de los franceses, son el telón de fondo para la barbarie. El espectáculo presenta escenas densas y potentes, en las que una música vibrante y agresiva les confiere intensidad a los hechos mencionados. También se utilizan proyecciones, elementos de la performance y de la danza.

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Throughout the show, red party balloons are filled, and a neon sign with the phrase “Happy Anniversary Rio” is part of a set that showcases wounds and decline. The arena-shaped floor is made of clay and recalls an Indian village or a yard. On top of that, a middle-class TV room. That’s where the character with Indian features played by Carolina Virgüez starts to tell the black boy, Zaion Salomão, facts that were “forgotten” by the official history. The staging retells the Tupinambá genocide, the first step for the creation of the city after the extinction of the Karioka tribe. The Portuguese combat to take over the Villegagnon Fort, fought in the Guanabara Bay in 1560, and the Battle of Uruçumirim, in 1567, both led by general-governor Mem de Sá, and which resulted in the expulsion of the French, are the backdrop for the carnage. The play has dense and potent scenes, in which a vibrant and aggressive music conveys the intensity of the facts that are mentioned. Projections and elements 91 of performance and dance are also used.

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HOJE O ESCURO VAI ATRASAR PARA QUE POSSAMOS CONVERSAR 70 min

HOY OSCURO LLEGRÁ TARDE PARA QUE PODAMOS HABLAR

TODAY DARK WILL BE LATE SO WE CAN TALK

GRUPO XIX DE TEATRO (SP) CRIAÇÃO CREACIÓN CREATION GRUPO XIX DE TEATRO DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTION LUIZ FERNANDO MARQUES E RODOLFO AMORIM DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY (LIVREMENTE INSPIRADA NA OBRA DE AMÓS OZ) RONALDO SERRUYA TRILHA SONORA ORIGINAL BANDA SONORA SCORE TARITA DE SOUZA ATORES-CRIADORES ACTORES Y CREADORES ACTORS-CREATORS JANAINA LEITE, JULIANA SANCHES, RONALDO SERRUYA, RODOLFO AMORIM, TARITA DE SOUZA PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION CRISTIANI ZONZINI E GABI COSTA CENÁRIO E ILUMINAÇÃO ESCENARIO E ILUMINACIÓN SET DESIGN AND LIGHTING LUIZ FERNANDO MARQUES E RODOLFO AMORIM FIGURINOS VESTUARIO COSTUMES JULIANA SANCHES ADEREÇOS ACCESORIOS PROPS FELIPE CRUZ (BOSQUE) E JULIANA SANCHES (ALDEIA) CENOTÉCNICO TÉCNICO DE ESCENA SCENIC TECHNICIAN ZÉ VALDIR OPERAÇÃO DE LUZ OPERACIÓN DE LUZ LIGHT OPERATION DIMITRI LUPPI SLAVOV OPERAÇÃO DE SOM OPERACIÓN DE SONIDO SOUND OPERATION RUBENS

Jonatas Marques

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ADATI CONTRARREGRA TRASPUNTE STAGEHAND ROBERTO OLIVEIRA ILUSTRAÇÕES DO MATERIAL GRÁFICO ILUSTRACIONES DEL MATERIAL GRÁFICO ILLUSTRATIONS OF THE GRAPHIC MATERIAL LIGIA YAMAGUTI DESIGN GRÁFICO DISEÑO GRÁFICO GRAPHIC DESIGN RODRIGO POCIDÔNIO FOTOS, VÍDEOS, MÍDIAS SOCIAIS E PRODUÇÃO VISUAL FOTOS, VÍDEOS, REDES SOCIALES Y PRODUCCIÓN VISUAL PHOTOS, VIDEOS, SOCIAL MEDIA AND VISUAL PRODUCTION JONATAS MARQUES

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HOJE O ESCURO VAI ATRASAR PARA QUE POSSAMOS CONVERSAR PT

Muito tempo atrás, numa aldeia sem nome, um fato inusitado aconteceu. Um dia, todos os animais desapareceram para sempre. Desde os de grande porte e os mais queridos bichinhos de estimação até os insetos mais indesejados. As crianças dessa aldeia crescem sem conhecer qualquer animal, embora as histórias contadas pela professora despertem nelas a curiosidade. Diante do desaparecimento de uma menina, ,seus dois amigos resolvem enfrentar o medo e procurála no bosque, sabendo que ela pode ter fugido, já que todos vivem implicando com ela. Nessa jornada, o elenco leva os pequenos espectadores consigo. Não poderia ser diferente, tratando-se de uma peça do Grupo XIX de Teatro, conhecido por inserir o público nos deslocamentos e percursos da dramaturgia e da encenação. Mas, nesse caso, a aventura é também um gesto de reparação. Engajar o espectador nessa ação não é mero procedimento de linguagem: é uma forma de fazer os pequenos sentirem a potência de fazer algo diante de uma situação de problema. Durante a viagem, as crianças experimentam dois universos novos. Um deles é o de uma menina que encontrou a si mesma a partir do momento em que deixou para trás um mundo com o qual não tinha diálogo. O outro é o universo de todos aqueles animais que tinham ido embora. Assim, elas fazem uma viagem

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Jonatas Marques

Hace mucho tiempo, en una aldea sin nombre, un hecho inusitado aconteció. Un día, todos los animales desaparecieron para siempre. Desde los de gran porte y las más queridas mascotas hasta los insectos más indeseados. Los niños de esta aldea crecen sin conocer ningún animal, aunque las historias contadas por la maestra despiertan en ellos la curiosidad. Cuando una niña desaparece, sus dos amigos deciden enfrentar el miedo y buscarla en el bosque, sabiendo que puede haberse fugado ya que todos se burlan de ella. El elenco invita a los pequeños espectadores a participar de esta jornada. No podría ser diferente, tratándose de una obra del Grupo XIX de Teatro, conocido por incorporar al público en los desplazamientos y trayectos de la dramaturgia y de la escenificación. Pero, en este caso, la aventura es también un ademán de reparación. Envolver al espectador en esta acción no es un mero procedimiento de lenguaje: es una forma de hacer que los pequeños sientan la potencia de actuar ante de una situación problemática.

A long time ago, in a nameless village, an unusual fact took place. One day, all the animals disappeared forever. From the big ones and the dearest pets to the most unwanted bugs. The children of the village grow up without knowing any animal, although the stories told by teacher spark their curiosity. When a girl disappears, her two friends decide to face their fears and look for her in the woods, aware that she could have run away, since everyone is always picking on her. The cast takes the little spectators along for that journey. It couldn’t be otherwise, since this is a play of Grupo XIX de Teatro, known for including the audience in the movements and paths of the dramaturgy and the staging. But, in this case, the adventure is also a gesture of reparation. Engaging the spectator in this action is not a mere language procedure: it is a way to make the little ones feel the potency of doing something in the face of a problematic situation.

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Jonatas Marques

pela natureza das relações sociais, da amizade, da empatia e do respeito, ao mesmo tempo em que fazem uma incursão na natureza animal. Com a brincadeira de se fantasiar, tão comum e despretensiosa, os artistas propõem que elas se coloquem na pele de seres outros, experimentando uma outra camada de empatia. Mas há ainda outra expedição, subjacente a essas duas. As crianças também são convidadas a experimentar o lado de dentro do teatro, participando e conhecendo um pouco dos seus bastidores e procedimentos, fazendo do jogo de estar no lugar do outro, um modo de experimentar novas formas de ver o mundo.

Durante el viaje, los niños experimentan dos universos nuevos. Uno es el de la niña que se encuentra a sí misma desde el momento en que deja atrás un mundo con lo cual no tenía diálogo. El otro es el universo de todos aquellos animales que se habían marchado. De esta forma, hacen un viaje por la naturaleza de las relaciones sociales, de la amistad, de la empatía y del respeto, al mismo tiempo en el que realizan una incursión por la naturaleza animal. A partir del juego de disfrazarse, tan común y carente de pretensiones, los artistas proponen que los niños se pongan en la piel de otros seres y experimenten así un nuevo matiz de la empatía. Existe, además, otra expedición, subyacente a las dos anteriores. Los niños son invitados también a experimentar el interior del teatro, participando y conociendo un poco sobre sus bastidores y procedimientos, haciendo del juego de estar en el lugar del otro un modo de experimentar nuevas formas de ver el mundo.

During the trip, the children experience two new universes. One of them is that of a girl who found herself after she left behind a world with which she had no dialogue. The other one is the universe of all those animals that had left. Thus, they make a journey through the nature of social relations, friendship, empathy, and respect, at the same time they make a foray into animal nature. By playing dress-up, such a common and unpretentious activity, the artists propose that they put themselves in the skin of other beings, experiencing another layer of empathy. But there is yet another expedition underlying those two. The children are also invited to experience the inside of the theater, participating and getting to know a little about the backstage and the procedures, playing the game of being in the place of the other, a chance to experience news ways of seeing the world. 95

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O CIRCO DE SOLEINILDO 50 min

EL CIRCO DE SOLEINILDO

SOLEINILDO’S CIRCUS

CIA OPERAKATA DE TEATRO (BA)

CENOGRAFIA, DIREÇÃO E DRAMATURGIA DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA DIRECTOR AND PLAYWRIGHT GILSÉRGIO BOTELHO ELENCO ELENCO CAST CRISTIANO MARTINS, GILSÉRGIO BOTELHO, KÉCIA PRADO E RICARDO FRAGA FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN KÉCIA PRADO ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING LUCIANO REIS MAQUIAGEM MAQUILLAJE MAKE UP SHIRLEY FERREIRA TRILHA SONORA BANDA SONORA SOUNDTRACK CIA OPERAKATA DE TEATRO PRODUTORA EXECUTIVA E OPERADORA DE SOM PRODUCTORA EJECUTIVA Y OPERADORA DE SONIDO EXECUTIVE PRODUCER AND SOUND OPERATOR KÉTIA DAMASCENO REALIZAÇÃO REALIZACIÓN PRODUCTION COMPANHIA OPERAKATA DE TEATRO

Vinicius Gil

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BRASIL

O CIRCO DE SOLEINILDO PT

O circo de Soleinildo desembarca no Mirada para armar seu picadeiro. Ou melhor, seu palquinho sobre a carroça velha da trupe. Inspirado em memórias pessoais dos velhos circos mambembes que paravam nas cidades de interior até décadas atrás, o espetáculo do grupo de Vitória da Conquista, Bahia, continua sua jornada de muitos festivais pretendendo reviver afetos e valores. Soleinildo, velho e cansado palhaço, excursiona pelas cidadezinhas com a equipe do seu circo – ele e mais três artistas. De tão moribundo, costuma ser esquecido pelos próprios companheiros, mesmo que estes lhe prestem todas as reverências merecidas pelo seu posto de mestre palhaço. Os números do circo são ingênuos e revelar os truques faz parte dessa inocência. Soleinildo está decadente e adoecido. Mesmo sem palavras, a cena narra a experiência dos artistas de rua, que remontam à Idade Média e à arte bufa, arrancando risos que ignoram a música melancólica. Criada em 2003 pelo ator e diretor Gilsérgio Botelho, a Companhia Operakata de Teatro se orienta como grupo de pesquisa de linguagens, passando por processos de criação longos e cuidadosos. Também é responsável pela formação de atores locais, por uma agenda extensa de oficinas e projetos interdisciplinares com a rede de educação da cidade. Um modo de produção e manutenção de grupo predominante nas cidades de interior do Brasil.

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Vinicius Gil

El circo de Soleinildo desembarca en el festival Mirada para armar su picadero. O mejor, su pequeño palco sobre la carreta vieja de la troupe. Inspirado en memorias personales de los viejos circos ramplones que visitaban las ciudades del interior hasta hace algunas décadas, el espectáculo del grupo de Vitória da Conquista, Bahía, continúa su jornada de muchos festivales con el objetivo de revivir afectos y valores.

Soleinildo’s Circus arrives at Mirada to set up its ring. Rather, a tiny stage on top of the troupe’s old wagon. Inspired by personal memories of old traveling circus that would stop at small towns until decades ago, the show performed by the group from Vitória da Conquista, Bahia, follows its journey of many festivals intending to relive affections and values.

Soleinildo, viejo y cansado payaso, va de excursión por las pequeñas ciudades con la compañía de su circo –él y tres artistas más. De tan moribundo, suele ser olvidado por sus propios compañeros, aunque le rindan todas las reverencias merecidas por su cargo de maestro payaso. Los números del circo son inocentes y revelar los trucos forma parte de esa inocencia. Soleinildo se siente enfermo y en decadencia. Sin palabras, la escena narra la experiencia de los artistas callejeros, que remontan a la Edad Media y al arte bufonesco, arrancando risas que ignoran la música melancólica.

Soleinildo is an old and tired clown, touring around small towns with his circus gang – him and three other artists. So old, he is usually forgotten by his own fellows, even though they still pay him the obeisance a master clown deserves. Their numbers are naive and revealing their tricks is part of this innocence. Soleinildo is declining and sick. Using no words, the scene describes the street artists’ experience, going back to the Middle Ages and the comic opera, bringing laughter that ignores the melancholic music.

Creada en 2003 por el actor y director Gilsérgio Botelho, la Compañía Operakata de Teatro se orienta como grupo de

Created in 2003 by actor and director Gilsérgio Botelho, the Companhia Operakata de Teatro works as a language

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Mais do que falar do circo antigo, que é do Soleinildo e não du Soleil, o espetáculo é a manifestação de um teatro artesanal, com metodologias tradicionais de montagem, com o rigor do trabalho continuado e um enriquecimento técnico que se vê tanto nas habilidades dos atores, quanto nas peças que contam a trajetória do grupo. Em 2007, abordando o universo infantil contemporâneo, a Cia. montou a peça www. A Incrível Estória do Menino que Ficou Preso no Computador. com.br. A questão do velho que perde espaço para o novo ou da desvalorização do tradicional frente às novas tecnologias é pontual no discurso da Operakata e dispensa defesas.

investigación de lenguajes, a través de procesos de creación cuidadosos y extensos. También es responsable de la formación de actores locales, una extensa agenda de talleres y proyectos interdisciplinares con las instituciones educativas municipales. Un modo de producción y sostenimiento de grupo predominante en las ciudades del interior de Brasil. Más que hablar del circo antiguo, que es de Soleinildo y no du Soleil, el espectáculo es la manifestación de un teatro artesanal, con métodos tradicionales de montaje, con el rigor del trabajo continuo y un enriquecimiento técnico que se ve tanto en las habilidades de los actores como en las obras que cuentan la trayectoria del grupo. En 2007, abordando el universo infantil contemporáneo, la compañía montó la obra www.La Increíble historia del niño que quedó preso en el ordenador.com.br. La cuestión de lo viejo que pierde terreno ante lo nuevo o la desvalorización de lo tradicional frente a las nuevas tecnologías es puntual en el discurso de Operakata y dispensa defensas.

research group, going through long and careful creative processes. It is also responsible for the training of local actors and a variety of workshops and interdisciplinary projects with the city’s education system. This is a predominant manner of group production and maintenance in the small towns of Brazil. More than talking about the circus of yore, which is Soleinildo’s and not du Soleil, the show is a manifestation of artisanal theatre, with traditional staging methodologies, with rigorous continuous work and a technical richness seen not only in the abilities of the actors, but also in the plays that tell the story of the group. In 2007, addressing the contemporary universe of children, the Cia set up the play www. The Incredible Story of The Boy Who Became Stuck in the Computer.com.br. The old losing space to the new, or the devaluation of the traditional versus new technologies is an issue addressed in the speech of Operakata, exempting defenses. 99

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ODISSEIA 270 min

CIA. HIATO (SP)

Elina Gioulanli

DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTOR LEONARDO MOREIRA DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY AURA CUNHA, ALINE FILÓCOMO, FERNANDA STEFANSKI, LEONARDO MOREIRA, LUCIANA PAES, MARIA AMÉLIA FARAH, PAULA PICARELLI, THIAGO AMARAL ELENCO ELENCO CAST ALINE FILÓCOMO, AURA CUNHA, FERNANDA STEFANSKI, LUCIANA PAES, MARIA AMÉLIA FARAH, PAULA PICARELLI, THIAGO AMARAL ASSISTENTE DE DIREÇÃO E CODIREÇÃO ASISTENTE DE DIRECCIÓN Y CODIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTORS AND CODIRECTORS AURA CUNHA E LUCIANA PAES DRAMATURGISTA DRAMATURGISTA DRAMATIST MARIANA DELFINI CENOGRAFIA E ILUMINAÇÃO ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN SET DESIGN AND LIGHTING MARISA BENTIVEGNA OPERAÇÃO DE LUZ E ASSISTÊNCIA OPERACIÓN DE LUZ Y ASISTENCIA LIGHT OPERATION AND ASSISTANCE HENRIQUE ANDRADE FIGURINOS VESTUARIO COSTUMES CHRIS AIZNER TRILHA SONORA BANDA SONORA SOUNDTRACK MIGUEL CALDAS DIREÇÃO AUDIOVISUAL E ARTE GRÁFICA DIRECCIÓN AUDIOVISUAL Y GRÁFICA

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AUDIOVISUAL DIRECTION AND GRAPHIC ART LAERTE KÉSSIMOS OBJETO DE CENA, OPERAÇÃO DE VÍDEO E ASSISTÊNCIA DE PALCO OBJETO DE ESCENA, OPERACIÓN DE VÍDEO Y ASISTENCIA DE ESCENA PROPS, VIDEO OPERATION AND STAGE ASSISTANCE CEZAR RENZI FOTOS FOTOS PHOTOS ELINA GIOUNANLI E LIGIA JARDIM ASSESSORIA DE IMPRENSA ASESORÍA DE PRENSA PRESS OFFICE POMBO CORREIO DIREÇÃO DE PRODUÇÃO DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN PRODUCTION DIRECTION AURA CUNHA PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN DIRECTIVA EXECUTIVE PRODUCTION YUMI OGINO COPRODUÇÃO COPRODUCCIÓN COPRODUCTION SESC SÃO PAULO, ONASSIS CULTURAL CENTRE - ATENAS, MOUSONTURM - FRANKFURT, GRAND THEATRE GRONINGEN, PROAC – GOVERNO DO ESTADO DE SÃO PAULO, FOMENTO AO TEATRO – PREFEITURA MUNICIPAL DE SÃO PAULO IDEALIZAÇÃO CONCEPCIÓN CONCEPTION CIA. HIATO E ELEPHANTE PRODUÇÕES ARTÍSTICA

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ODISSEIA PT

Elina Gioulanli

A Odisseia, poema épico de Homero, conta o retorno de Ulisses (também chamado Odisseu) à ilha de Ítaca, sua casa. Contra a sua vontade, ele tinha partido para a Guerra de Troia, que durou dez anos. A sua jornada de volta durou mais dez anos. É com uma montagem inspirada nesse clássico da literatura ocidental que a Cia. Hiato comemora uma década de atividades. A peça fez a sua estreia mundial na quinta edição do festival Onassis Fast Forward de Atenas, na Grécia. A estreia nacional se deu em São Paulo, no primeiro semestre de 2018. O projeto envolveu diferentes etapas de elaboração, com a participação de artistas e público, em processos criativos abertos. Os integrantes do grupo apresentam a sua leitura de Homero a partir de odisseias pessoais e coletivas. Não se trata, portanto, de uma adaptação no sentido estrito. A proposta fica evidente no início do espetáculo, em que uma das integrantes do grupo, a produtora Aura Cunha, apresenta uma carta endereçada a seu pai – um paralelo com o Canto I do poema, que diz respeito a Telêmaco, filho de Ulisses. Aos poucos, as histórias e discursos pessoais vão ficando mais sutis, dando lugar à Odisseia propriamente dita. Vida e mito se aproximam, afinal, os sentimentos e anseios dos personagens nas narrativas míticas não são diferentes das emoções e angústias do ser humano comum. O espectador também se aproxima dessa relação, na medida em que o espetáculo vai colocando-o no lugar de Ulisses.

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La Odisea, poema épico de Homero, cuenta el retorno de Ulisses (también llamado Odiseo) a la isla de Ítaca, su casa. Contra su voluntad había tenido que partir para luchar en la Guerra de Troya, que duró diez años. Su jornada de regreso duró diez años más. Con un montaje inspirado en este clásico de la literatura occidental, la Cía. Hiato conmemora una década de actividades. La obra hizo su estreno mundial en la quinta edición del festival Onassis Fast Forward de Atenas, en Grecia. El estreno nacional fue en São Paulo, en el primer semestre de 2018. El proyecto envolvió diferentes etapas de elaboración, con la participación de artistas y del público, en procesos creativos abiertos. Los integrantes del grupo presentan su lectura de Homero a partir de odiseas personales y colectivas. No se trata, por lo tanto, de una adaptación en el sentido estricto. La propuesta se hace evidente al comienzo del espectáculo, cuando una integrante del grupo, la productora Aura Cunha, presenta una carta dirigida a su padre –un paralelo con el Canto I del poema, que hace referencia a Telémaco, hijo de Ulises. Poco a poco, las historias y discursos personales se van volviendo más

The Odyssey, Homer’s epic poem, narrates the return of Ulysses (also known as Odysseus) to the island of Ithaca, his home. Against his will, he had left to join the Trojan War, which lasted ten years. His journey home lasted another ten years. With a staging inspired by this classic of Western Literature, Cia Hiato celebrates a decade of activities. The play had its world premiere at the fifth edition of the Onassis Fast Forward Festival in Athens, Greece. The national premiere took place in São Paulo, in the first semester of 2018. The project involved different stages of elaboration, with the participation of artists and audience, in open creative processes. The members of the group present their reading of Homer based on personal and collective odysseys. Therefore, this is not an adaptation, in the strict sense of the word. The proposal is made clear in the beginning of the play, in which one of the members of the group, producer Aura Cunha, presents a letter addressed to her father – a parallel with Book 1 of the poem, which concerns Telemachus,

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Por ser formada por uma equipe de maioria feminina, coube a Cia. Hiato estabelecer uma leitura do ponto de vista das mulheres. No mito, Ulisses – o masculino – é o que vai embora. Já o feminino, representado por Penélope, sua mulher, e pelas outras mulheres que permanecem por onde ele passa, é o que fica e espera. Assim, a montagem se concentra em Ítaca, a casa, o lugar que representa esse estado de permanência e expectativa. O espetáculo se propõe a repensar essa dinâmica e a questionar essa dualidade, de quem vai e quem fica, não apenas na referência à mitologia, mas também no cotidiano da vida contemporânea.

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sutiles, dando lugar a la Odisea propiamente dicha. Vida y mito se aproximan ya que, al final de cuentas, los sentimientos y anhelos de los personajes en las narrativas míticas no son distintos de las emociones y angustias del ser humano común. El espectador también se acerca a esta relación en la medida en que el espectáculo lo va poniendo en el lugar de Ulises. Dado que está formada por un equipo mayoritariamente femenino, cupo a la Cía. Hiato establecer una lectura desde el punto de vista de las mujeres. En el mito, Ulisses –lo masculino– es quien se marcha. Lo femenino, representado por Penélope, su mujer, y por las demás mujeres que permanecen en los lugares por donde él pasa, representan a quien se queda y espera. Así, el montaje se concentra en Ítaca, la casa, el lugar que representa este estado de permanencia y expectativa. El espectáculo se propone recapacitar sobre esta dinámica y cuestionar la dualidad establecida entre quien se va y quien se queda, no solo haciendo referencia a la mitología, sino también en la cotidianidad de la vida contemporánea.

Ulysses’ son. Little by little, the personal stories and speeches get subtler, giving place to the Odyssey proper. Life and myth come close to each other, after all, the feelings and longings of the characters of mythic narratives are no different from the emotions and anguishes of ordinary humans. The spectator also gets close to this relationship, as the show puts them in Ulysses’ place. Because it is formed by a mostly female team, it was up to Cia. Hiato to establish an interpretation from the point of view of women. In the myth, Ulysses – the male – is the one who leaves. The female, represented by Penelope, his wife, and by the women who remain everywhere he goes, is the one who stays. Thus, the staging focuses on Ithaca, the home, the place that represents that state of permanence and expectation. The show proposes to rethink that dynamic and question that duality of who stays and who leaves, not only in reference to mythology, but also in everyday contemporary life. 103

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PRETO 90 min

COMPANHIA BRASILEIRA DE TEATRO (PR)

Nana Moraes

DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTOR MARCIO ABREU ELENCO ELENCO CAST CÁSSIA DAMASCENO, FELIPE SOARES, GRACE PASSÔ, NADJA NAIRA, RENATA SORRAH E RODRIGO BOLZAN / RAFAEL LUCAS BACELAR MÚSICO MÚSICA MUSICIAN FELIPE STORINO DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY MARCIO ABREU, GRACE PASSÔ E NADJA NAIRA ILUMINAÇÃO E ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO ILUMINACIÓN Y ASISTENCIA DE DIRECCIÓN LIGHTING AND DIRECTION ASSISTANCE NADJA NAIRA CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN MARCELO ALVARENGA TRILHA E EFEITOS SONOROS BANDA Y EFECTOS SONOROS SCORE AND SOUND EFFECTS FELIPE STORINO DIREÇÃO DE PRODUÇÃO DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN PRODUCTION DIRECTION JOSÉ MARIA E GIOVANA SOAR DIREÇÃO DE MOVIMENTO DIRECCIÓN DE MOVIMIENTO MOVEMENT DIRECTION MARCIA RUBIN VÍDEOS VÍDEOS VIDEOS BATMAN ZAVARESE E BRUNA LESSA FIGURINO VESTUARIO COSTUMES TICIANA PASSOS ORIENTAÇÃO DE TEXTO E CONSULTORIA VOCAL ORIENTACIÓN DE TEXTO Y CONSULTORÍA VOCAL

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SCRIPT ORIENTATION AND VOCAL CONSULTANT BABAYA CONSULTORIA MUSICAL CONSULTORÍA MUSICAL MUSICAL CONSULTANT ERNANI MALETTA ADEREÇOS E ESCULTURAS ACCESORIOS Y ESCULTURAS PROPS AND SCULPTURES BRUNO DANTE ASSISTÊNCIA DE ILUMINAÇÃO E OPERADOR DE LUZ ASISTENCIA DE ILUMINACIÓN Y OPERADOR DE LUZ LIGHTING ASSISTANT AND OPERATOR HENRIQUE LINHARES CONTRARREGRAGEM TRASPUNTE STAGEHAND ELOY MACHADO OPERADOR DE VÍDEO OPERADOR DE VÍDEO VIDEO OPERATOR BRUNA LESSA OPERADOR DE SOM OPERADOR DE SONIDO SOUND OPERATOR BRUNO CARNEIRO

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PRETO PT

A companhia brasileira de teatro foi criada pelo diretor e dramaturgo Marcio Abreu em 2000. Embora mantenha sua sede em Curitiba, o coletivo também é formado por artistas de outros estados do país. O repertório do grupo é composto por espetáculos que experimentam novas formas de escrita para o teatro contemporâneo – seja com traduções de textos estrangeiros ou com dramaturgia própria. Peças como Vida (2010) e PROJETO bRASIL (2015), assim como Preto (2017), são as suas criações mais autorais, em que a pesquisa de linguagem se dá na criação imbricada entre cena e texto, concebidos simultaneamente em processos colaborativos. Em alguns destes processos, certas etapas são abertas ao público, que acompanha e convive com os artistas dentro das salas de ensaio, para suscitar questões e outros pontos de vista sobre que o está sendo estudado e elaborado. A criação de Preto começou em 2015, durante residências artísticas realizadas no Brasil e na Alemanha, e foi pensada a partir de questões remanescentes de PROJETO bRASIL. Mas nem Preto nem o espetáculo anterior do grupo foram criados a partir de uma abordagem estrita dos temas que estão indicados nos títulos. Assim como a primeira não é sobre o país, Preto não é rigorosamente sobre racismo.

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Nana Moraes

La Compañía Brasileña de Teatro fue creada por el director y dramaturgo Marcio Abreu en el año 2000. Aunque mantenga su sede en Curitiba, el colectivo también está formado por artistas de otros Estados del país. El repertorio del grupo se compone de espectáculos que experimentan nuevas formas de escritura para el teatro contemporáneo –a partir de traducciones de textos extranjeros o la dramaturgia propia. Obras como Vida (2010) y Proyecto Brasil (2015), así como Preto (2017), son sus creaciones más autorales, en las que la investigación del lenguaje se produce en la creación imbricada entre escena y texto, concebidos simultáneamente en procesos colaborativos. En algunos de estos procesos, ciertas etapas son abiertas al público, que acompaña y convive con los artistas dentro de las salas de ensayo, para suscitar cuestionamientos y otros puntos de vista sobre lo que es estudiado y elaborado. La creación de Preto comenzó en 2015, durante residencias artísticas realizadas en Brasil y en Alemania, y fue pensada a partir de cuestiones remanentes de Proyecto Brasil. De todas

The company companhia brasileira de teatro was created by director and dramatist Marcio Abreu in 2000. Although they keep their headquarters in Curitiba, the collective is also formed by artists from other Brazilian states. The group’s repertoire is composed of shows that experiment with other modes of writing for contemporary theater – be it with translations of foreign texts or with their own dramaturgy. Plays like Vida (2010) and PROJETO bRASIL (2015), as well as Preto, are their most authorial creations, in which language research takes place in the intertwined creation of scene and script, simultaneously conceived in collaborative processes. In some of those processes, certain phases are open to the public, which follows and socializes with the artists in rehearsal rooms, to raise issues and other points of view about what is being studied and elaborated. The creation of Black started in 2015, during artistic residencies held in Brazil and in Germany, and was conceived based on issues that remained from PROJETO

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No entanto, entre os pensadores e pensadoras que são referências para esta montagem, estão Joaquim Nabuco, Achille Mbembe, Frantz Fanon, Ana Maria Gonçalves e Leda Maria Martins, entre outros. Suas obras levantam indagações a respeito da coexistência das diferenças individuais e coletivas. Para abordar essas questões, pertinentes no momento em que se discutem as desigualdades do mundo, o grupo realizou encontros e conversas públicas. Em certa medida, a cena de Preto é uma metalinguagem da metodologia do processo. Articulado a partir da fala pública de uma mulher negra, o espetáculo se dá em sucessivas tentativas de diálogo entre atores que trazem consigo histórias e perspectivas particulares de cada assunto.

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formas, ni Preto ni el espectáculo anterior del grupo fueron creados desde un abordaje estricto de los temas indicados en los títulos. Así como la primera obra no es sobre el país, Preto no es rigurosamente sobre el racismo. Entre los pensadores y pensadoras concebidos referencias de este montaje, están Joaquim Nabuco, Achille Mbembe, Frantz Fanon, Ana Maria Gonçalves y Leda Maria Martins, entre otros. Sus obras plantean interrogantes sobre la coexistencia de las diferencias individuales y colectivas. Para abordar estas cuestiones, pertinentes en este momento en el que se discuten las desigualdades del mundo, el grupo realizó encuentros y charlas públicas. En cierta medida, Preto pone en escea el metalenguaje de la metodología del proceso. Articulado desde el discurso público de una mujer negra, el espectáculo se da en sucesivas tentativas de diálogo entre actores que traen consigo historias y perspectivas particulares de cada asunto.

bRASIL. But neither Preto nor the group’s previous project were created upon a strict approach to the issues indicated in the titles. Just like the first one wasn’t about the country, Black is not strictly about racism. However, the male and female thinkers that are references for this staging include Joaquim Nabuco, Achille Mbembe, Frantz Fanon, Ana Maria Gonçalves and Leda Maria Martins, among others. Their work evokes inquiries regarding the coexistence of individual and collective differences. In order to address those issues, which are relevant in this moment when the inequalities of the world are being discussed, the group held meetings and public talks. To some extent, the staging of Preto is a metalinguistic take on the methodology of the process. Articulated upon the public talk of a black woman, the play unfolds as successive attempts to establish a dialogue between the actors, who bring particular stories and perspectives about each subject. 107

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VOU VOLTAR 100 min

VOY A VOLVER

I’LL BE BACK

PONTO DE PARTIDA (MG)

ELENCO ELENCO CAST ANA ALICE SOUZA, CAROLINA DAMASCENO, ÉRICA ELKE, JOÃO MELO, JÚLIA MEDEIROS, LIDO LOSCHI, RENATO NEVES, RONALDO PEREIRA E SORAIA MORAES MÚSICOS MÚSICOS MUSICIANS PABLO BERTOLA, PITÁGORAS SILVEIRA TEXTO TEXTO SCRIPT MÁRIO BENEDETTI, EDUARDO GALEANO, DEPOIMENTOS DO EL GALPÓN, PONTO DE PARTIDA DIREÇÃO GERAL E DRAMATURGIA DIRECCIÓN GENERAL Y DRAMATURGIA GENERAL DIRECTION AND DRAMATURGY REGINA BERTOLA

Guto Muniz

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VOU VOLTAR PT

Mineiro de Barbacena, o Grupo Ponto de Partida apresenta Vou voltar, espetáculo que retrata a trajetória da companhia de teatro El Gálpon durante o período da ditadura no Uruguai. A companhia, que já tem quase 70 anos de trajetória e é uma das mais tradicionais da América Latina, sofreu um longo período de exílio e sofrimento longe de casa. Os episódios e os detalhes escolhidos para desenvolver a narrativa do espetáculo dão a ver o interesse do grupo mineiro em tratar a história pela perspectiva da solidariedade recebida pelo El Gálpon ao longo dos anos. O próprio exílio dos artistas se deu num contexto de altruísmo do embaixador mexicano sediado no Uruguai à época. Após as atividades do grupo terem sido decretadas ilegais e parte dos artistas presos e torturados, uma onda de apoio internacional pressionou o governo pela liberdade dos integrantes. As cartas e menções de reconhecimento do trabalho do El Gálpon, bem como os pedidos de soltura dos artistas, chegaram de todas as partes. Com o grupo já exilado do Uruguai, período que durou nove anos, a narrativa de Vou voltar se concentra na saudade de casa e na união que esse

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Guto Muniz

Oriundo de Barbacena, Minas Gerais, el Grupo Ponto de Partida presenta Vou voltar, espectáculo que retrata la trayectoria de la compañía de teatro El Galpón durante el período de dictadura en Uruguay. La compañía, que tiene casi 70 años de trayectoria y es una de las más tradicionales de América Latina, sufrió un largo período de exilio y sufrimiento lejos de casa. Los episodios y los detalles escogidos para desarrollar la narrativa del espectáculo permiten observar el interés del grupo brasileño de tratar la historia desde la perspectiva de la solidaridad que El Gálpon recibió a lo largo de los años. Incluso el exilio de los artistas se dio gracias al altruismo del embajador mexicano residente en Uruguay por aquel entonces. Luego de que las actividades del grupo fueran decretadas ilegales y parte de los artistas fueran detenidos y torturados, una ola de apoyo internacional presionó al gobierno para liberar a los integrantes. Las cartas y menciones de reconocimiento del trabajo de El Gálpon, así como los pedidos de libearación de los artistas, llegaron desde muchos lugares.

From the city of Barbacena in Minas Gerais, the group Grupo Ponto de Partida presents Vou voltar, a show that portrays the trajectory of theater company El Gálpon during the dictatorship in Uruguay. The company, which has almost 70 years of activities and is one of the most traditional in Latin America, endured a long period of exile and suffering away from home. The episodes and the details chosen to develop the narrative of the show reveal the group’s interest in dealing with history from the perspective of the solidarity towards El Gálpon throughout the years. Even the artists exile took place in a context of altruism of the Mexican ambassador based in Uruguay at the time. After the group’s activities were decreed to be illegal and some of the artists were arrested and tortured, a wave of international support pressured the government to free the group members. The letters and acknowledgements of the work of El Gálpon, as well as the requests for the release of the artists, came from everywhere.

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sentimento provocou, mantendo o grupo trabalhando ininterruptamente. Além de se apresentar em todos os cantos do México, eles percorreram outros dezessete países com seus espetáculos que denunciavam as condições dos artistas e da população sob o governo ditatorial. A vida íntima dos artistas também recebe destaque. Acontecimentos como a impossibilidade de retornar, nem mesmo com a notícia da morte de um parente, ou como o nascimento dos filhos em solo estrangeiro são explicitados na dramaturgia do espetáculo. A peça faz uma aproximação entre esses fatos e a atual condição dos refugiados pelo mundo. O enfrentamento de uma nova vida à distância e a necessidade da mudança que sobrepuja a própria vontade dos migrantes faz com que os exemplos de solidariedade e empatia vividos pelo El Gálpon sejam convocados nesse momento em que muitos estrangeiros precisam de auxílio.

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Escenificando al grupo ya exilado de Uruguay, período que duró nueve años, la narrativa de Vou voltar se concentra en la añoranza de la propia tierra y la unión que ese sentimiento generó, lo que mantuvo al grupo trabajando ininterrumpidamente. Además de presentarse en todos los rincones de México, recorrieron otros diecisiete países con sus espectáculos que denunciaban las condiciones de los artistas y de la población bajo el gobierno dictatorial. La vida íntima de los artistas también fue abordada. Acontecimientos como la imposibilidad de regresar ante la noticia de la muerte de un pariente o el nacimiento de los hijos en suelo extranjero son destacados en la dramaturgia del espectáculo. La obra realiza una aproximación entre estos hechos y la actual condición de los refugiados en el mundo. El deber enfrentar una nueva vida a la distancia y la necesidad del cambio que sobrepuja la propia voluntad de los migrantes hace que los ejemplos de solidaridad y empatía vividos por El Gálpon sean convocados en este momento en que muchos extranjeros necesitan auxilio.

With the group already exiled from Uruguay, a period that lasted nine years, the narrative of Vou voltar focuses on the homesickness and the union evoked by that feeling, which kept the group working uninterrupted. Besides performing everywhere in Mexico, they travelled through seventeen other countries with their plays denouncing the conditions of the artists and of the general population under the dictatorial government. The artist’s private life is also highlighted. Occurrences like not being able to return, not even after learning about the death of a relative, or the birth of children in foreign territory are made explicit in the show’s dramaturgy. The play also establishes a relationship between these facts and the current condition of refugees all over the world. Confronting a new life away from home and the need to move that trumps the very will of the migrants summon the examples of solidarity and empathy experienced by El Gálpon at this moment when so many foreigners need help. 111

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ESPETÁCULOS ESTADO VEGETAL _ NIMBY

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ESTADO VEGETAL

Maida Carvallo

80 min

MANUELA INFANTE

DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTION MANUELA INFANTE DRAMATURGIA DRAMATURGIA PLAYWRIGHT MANUELA INFANTE E MARCELA SALINAS ATRIZ ACTRIZ CAST MARCELA SALINAS DIREÇÃO DE ARTE DIRECCIÓN DE ARTE ART DIRECTION ROCÍO HERNÁNDEZ CONCEPÇÃO E CONFECÇÃO DE ADEREÇOS DISEÑO Y REALIZACIÓN DE UTILERÍA PROP DESIGN AND CONFECTION IGNACIA PIZARRO MÚSICA E DESENHO DE SOM MÚSICA Y DISEÑO SONORO MUSIC AND SOUND DESIGN MANUELA INFANTE OPERADOR DE SOM OPERADOR DE SONIDO SOUND OPERATOR DANIEL MARABOLÍ TRADUÇÃO TRADUCCIÓN TRANSLATION MILENA PAIXAO LEGENDA SUBTÍTULOS SUBTITLES CARMINA INFANTE CENOTÉCNICO TÉCNICA DE ESCENARIO SCENIC TECHNICIAN MAGDALENA MEJÍA COPRODUÇÃO COPRODUCCIÓN COPRODUCTION FUNDACIÓN INTERNACIONAL TEATRO A MIL E CENTRO NAVE PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL BRASIL PRODUCTION PROD.ART.BR DIRETORES DE PRODUÇÃO DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN PRODUCTION DIRECTOR RICARDO FRAYHA E RICARDO MUNIZ FERNANDES

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ESTADO VEGETAL PT

A dramaturgia da Manuela Infante e da atriz Marcela Salinas, que está sozinha em cena, revela aos poucos a narrativa que forma a base para uma reflexão sobre diferentes noções de inteligência, para além da inteligência humana. Os fatos são apresentados por uma sequência de depoimentos de personagens, que Marcela mostra com minúcia barroca, construindo em detalhes cada trejeito, cada forma de falar, como se estivesse emoldurando cada visão de mundo que aparece naqueles discursos. Assim, ela apresenta a fábula que vai sustentar o argumento da peça: a história de um acidente entre um motociclista e uma árvore, que acaba por deixar o motociclista em estado vegetativo. Através dos depoimentos dos moradores do local do acidente, ficamos sabendo de um embate antigo entre os seres humanos e os seres vegetais da vizinhança, mostrando que aquela árvore faz parte de um complexo vegetal que há muito resiste à ocupação urbana. Assim como a peça mostra o ponto de vista de uma vida humana que se perde, ela também convida a pensar como as árvores e as plantas lutam pela sua sobrevivência. Mas o exercício do pensamento não é colocado na peça como uma tese argumentativa, e sim a partir de uma elaboração poética que fantasia,

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Maida Carvallo

La dramaturgia de Manuela Infante y de la actriz Marcela Salinas, quien está sola en escena, revela poco a poco la narrativa que forma la base para una reflexión sobre diferentes nociones de inteligencia, más allá de la inteligencia humana. Los hechos son presentados por una secuencia de declaraciones de personajes, que Salinas muestra con minucia barroca, construyendo en detalle cada gesto, cada forma de hablar, como si estuviese enmarcando cada visión de mundo que aparece en estos discursos. Así, presenta la fábula que sostendrá el argumento de la obra: la historia de un accidente entre un motociclista y un árbol, que deja al motociclista en estado vegetativo. A través de las declaraciones de los vecinos del lugar del accidente, nos enteramos de un antiguo embate entre los seres humanos y los seres vegetales de la zona. Se evidencia que el árbol forma parte de un complejo vegetal que hace mucho resiste la ocupación urbana. Así como la obra muestra el punto de vista de una vida humana que se pierde, también invita a pensar cómo los árboles y las plantas luchan por su supervivencia.

The dramaturgy of Manuela Infante and of actress Marcela Salinas, who is alone on the stage, reveals little by little the narrative that sets the foundation for a reflection on the different notions of intelligence that go beyond human intelligence. The facts are presented by a sequence of characters’ statements, which Marcela portrays in a baroque level of detail, building every aspect in detail, every way of speaking, as if she were framing each view of the world that comes along in those speeches. Thus, she presents the fable that is going to support the argument of the play: the story of an accident between a motorcyclist and a tree, which ends up leaving the motorcyclist in a vegetative state. Through the statements of the inhabitants of the accident area, we learn about an old conflict between humans and the vegetable beings of that neighborhood, which shows that the tree in question belongs to a plant complex that has been resisting to urban sprawl for a long time. Just as the play shows the point of view of a human life that

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traduzindo a inteligência das plantas em voz humana, antropomorfizando o ser vegetal em modos discursivos de pensar e agir no mundo. Ao olhar para o reino vegetal deste modo, enxergando nele uma outra epistemologia, as artistas propõem também uma virada ética na relação com as plantas enquanto alteridade. Com isso, a peça faz uma volta e aponta um questionamento sobre a natureza do estado vegetativo nos seres humanos. É comum que se pense o estado vegetativo como um não funcionamento da inteligência. Mas, se pensarmos o “vegetativo” dessa expressão a partir da ideia de uma outra forma de ser, pensar e estar no mundo, podemos vislumbrar nesta condição uma consciência outra – que a ciência vigente não alcança – sobre a qual não se pode tirar conclusões definitivas.

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Sin embargo, el ejercicio del pensamiento no funciona en la obra como una tesis argumentativa, sino que se construye a partir de una elaboración poética que fantasea, traduciendo la inteligencia de las plantas en voz humana, antropomorfizando el ser vegetal en modos discursivos de pensar y actuar en el mundo. Al observar el reino vegetal y encontrar en él otra epistemología, las artistas proponen, asimismo, un giro ético con la relación a las plantas en cuanto alteridades. De esta forma, la obra produce un giro y crea un cuestionamiento sobre la naturaleza del estado vegetativo en los seres humanos. Es común que se piense el estado vegetativo como un no funcionamiento de la inteligencia. Pero, si pensamos lo «vegetativo» desde la idea de otra forma de ser, pensar y estar en el mundo, podemos vislumbrar en esta condición una conciencia otra –que la ciencia vigente no alcanza– sobre la cual no se pueden sacar conclusiones definitivas.

is lost, it also invites us to think about how the trees and plants fight for their survival. But that thought exercise is not proposed in the play as an argumentative thesis, rather as a poetic elaboration which fantasizes, translating the intelligence of the plants into human voice and anthropomorphizing the vegetal being in discursive ways of thinking and acting in the world. As we look to the plant kingdom through this perspective, seeing another epistemology in them, the artists also propose an ethical turn in our relations with plants as otherness. With that, the play takes a turn and points to some questionings as to the nature of the vegetative state in human beings. It is common to think of the vegetative state as a non-functioning of our intelligence. But, if we think that “vegetative” comes from a different notion of being, thinking and existing in this world, we could glimpse at another conscience – a conscience that current science does not grasp yet – about which we cannot jump into definitive 117 conclusions.

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NIMBY (NOSOTROS SOMOS LOS BUENOS)

Andrea Caruso Saturnino

95 min

COLECTIVO ZOOLÓGICO E THEATER UND ORCHESTER HEIDELBERG

DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTION NICOLÁS ESPINOZA E LAURÉNE LEMAITRE DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY JUAN PABLO TRONCOSO DRAMATURGISTA DRAMATURGISTA DRAMATIST SONJA WINKEL CENOGRAFIA E FIGURINO DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO SET AND COSTUME DESIGN LAURENE LEMAITRE ILUMINAÇÃO DISEÑO DE ILUMINACIÓN LIGHTING HARTMUT HORN MULTIMÍDIA DISEÑO MULTIMEDIAL MULTIMEDIA PABLO MOIS ELENCO ELENCO CAST GERMÁN PINILLA, JOSÉ MANUEL AGUIRRE, JUAN PABLO TRONCOSO, MARTIN WISSNER, NICOLE AVERKAMP E VIVIANA NASS OPERAÇÃO E PRODUÇÃO DE LEGENDAS OPERACIÓN Y PRODUCCIÓN DE LEYENDA PRODUCTION AND SUBTITLES OPERATION PAULA PAVEZ COPRODUÇÃO COPRODUCCIÓN CO-PRODUCTION COLECTIVO ZOOLÓGICO E THEATER UND ORCHESTER HEIDELBERG (CHILEALEMANHA) PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL RACHEL BRUMANA (SUBSTÂNCIA PRODUÇÕES ARTÍSTICAS)

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NIMBY (NOSOTROS SOMOS LOS BUENOS) PT

Pouco usada em português, a palavra “nimby” é um acrônimo da língua inglesa, formado pelas iniciais da frase “not in my backyard”, que quer dizer literalmente “não no meu quintal”. É como uma gíria, usada para designar pessoas resistentes a mudanças quando se trata do que elas consideram o seu território. A peça criada pelo Colectivo Zoológico, do Chile, em parceria com o Teatro de Heidelberg, da Alemanha, ficcionaliza um conflito acontecido no Chile em 2003, quando a Comunidade Ecológica de Peñalolén adotou uma postura “nimby” diante do projeto do governo de oferecer moradia social aos habitantes de uma ocupação histórica na mesma região. A contradição está no discurso de um setor privilegiado da sociedade, que se vangloriar por levar uma vida comunitária, que não causa danos ao meio-ambiente, mas que não mostra valores comunitários na lida com seres humanos de classes não favorecidas. Com isso, esse trabalho nos pergunta o que é de fato uma comunidade e quais são os valores que definem uma comunidade. Na narrativa da peça dirigida por Nicolás Espinoza y Lauréne Lemaitre, os moradores contratam alemães especializados em resolver conflitos em países do “Terceiro Mundo”, satirizando o mito do europeu salvador – um dado de auto-ironia dos artistas, já que a peça foi criada e produzida em parceria com um grupo alemão. Em vários momentos, a cena assume o

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María Paz Gonzáles

Poco usada en español, la palabra «nimby» es un acrónimo del inglés formado por las iniciales de la frase «not in my backyard», que quiere decir literalmente «no en mi quintal». Es un argot usado para designar personas resistentes a cambios cuando involucran lo que ellas consideran su territorio. La obra creada por el Colectivo Zoo, de Chile, en colaboración con el Teatro de Heidelberg, de Alemania, lleva a la ficción un conflicto ocurrido en Chile en 2003, cuando la Comunidad Ecológica de Peñalolén adoptó una postura nimby ante el proyecto del gobierno de ofrecer viviendas sociales a los habitantes de una ocupación histórica de la misma región. La contradicción está en el discurso de un sector privilegiado de la sociedad, que se ufana por llevar una vida comunitaria, que no causa daños al medio ambiente, pero que no muestra valores comunitarios cuando es interpelada por seres humanos de clases no favorecidas. Así, este trabajo interroga qué es de hecho una comunidad y cuáles son los valores que definen una comunidad. En la narrativa de la obra dirigida por Nicolás Espinoza y Lauréne Lemaitre, los

Rarely used in Portuguese, the word “nimby” is an acronym from the English language, composed by the initial letters of the sentence “not in my backyard”. It is an expression used to refer to people who resist to changes when it comes to what they consider to be their territory. The play, which was created by Colectivo Zoológico, from Chile, in a partnership with Heidelberg Theater, from Germany, fictionalizes a conflict that took place in Chile in 2003, when the Ecological Community of Peñalolén took a “nimby” stance against the governmental project to offer social housing to people who were occupying a historic building in the same region. The contradiction is in the discourse of a privileged sector of society which takes pride in living in community, without harming the environment, but does not display any community values when they must deal with human beings from underprivileged social classes. With that, this text makes us wonder what a community is indeed, and which are the values that define it.

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formato de uma assembleia, em que os espectadores são tomados como interlocutores e cúmplices das decisões daquela comunidade, que se mostra cada vez mais cruel e implacável diante da possibilidade da perda da exclusividade do seu território reservado. Na linguagem do espetáculo, a crítica é bastante clara. Os artistas não estão se isentando de mostrar o seu posicionamento, nem relativizam as atitudes dos personagens. É oportuna a crítica a essa postura, que no Brasil se identifica com a atitude das “pessoas de bem”, que no fundo querem apenas o próprio bem, e vão defender seus territórios privilegiados com unhas e dentes.

vecinos contratan alemanes especializados en resolver conflictos en países del «Tercer Mundo», satirizando el mito del europeo salvador –una nota de autoironía de parte de los artistas, ya que la obra fue creada y producida en colaboración con un grupo alemán. En varios momentos, la escena asume el formato de una asamblea, en la que los espectadores son tomados como interlocutores y cómplices de las decisiones de dicha comunidad, que se muestra cada vez más cruel e implacable ante la posibilidad de pérdida de la exclusividad de su territorio reservado. En el lenguaje del espectáculo, la crítica es bastante clara. Los artistas no se eximen de mostrar su posicionamiento, ni relativizan las actitudes de los personajes. Es atinada la crítica a esa postura, que en Brasil se identifica con la actitud de la «gente de bien», que en el fondo solo quieren su propio bien y van a defender sus territorios privilegiados con uñas y dientes.

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In the narrative of the play directed by Nicolás Espinoza and Lauréne Lemaitre, the residents hire Germans specialized in solving conflicts in “Third World” countries, in a satyr to the myth of the European savior – which is a touch of self-irony of the artists, since the play was created and produced with a German group. In several moments, the scene takes the configuration of an assembly, in which the audience becomes interlocutor and accomplice of the community’ decisions of the, that reveals itself to be increasingly cruel and relentless before the possibility of losing the exclusiveness of their private territory. In the language of the performance, the criticism is quite clear. The artists don’t refrain from showing their opinion, neither do they minimize the characters’ actions. The criticism is pertinent in Brazil, since we may relate it to the actions of those who call themselves “good people”, but deep down, are only worried about their own well-being and fight tooth and nail for their privileged territories. 121

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ESPETÁCULOS CUANDO ESTALLAN LAS PAREDES _ DRAMAS NEO-COSTUMBRISTAS DE CARÁCTER FATAL: NOS HEMOS OLVIDADO DE TODO (DRAMA 1) _ DRAMAS NEO-COSTUMBRISTAS DE CARÁCTER FATAL: PROMESA DE FIN DE AÑO (DRAMA 2) _ LA CIUDAD DE LOS OTROS _ LA DESPEDIDA _ LA MIEL ES MÁS DULCE QUE LA SANGRE _ LABIO DE LIEBRE _ SOUVENIR ASIÁTICO _ SÚPER TEJIDO LIMBO

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CUANDO ESTALLAN LAS PAREDES 70 min

QUANDO EXPLODEM AS PAREDES

TEATRO PETRA

TEXTO E DIREÇÃO TEXTO Y DIRECCIÓN WRITTEN AND DIRECTED BY FABIO RUBIANO ORJUELA ELENCO ELENCO CAST MARCELA VALENCIA, LILIANA ESCOBAR, JACQUES TOUKHMANIAN, ANA MARÍA CUELLAR, MÓNICA GIRALDO, MAURICIO SANTOS, SANTIAGO LONDOÑO, MARIO ESCOBAR E FABIO RUBIANO C0PRODUÇÃO COPRODUCCIÓN COPRODUCTION TEATRO JORGE ELIÉCER GAITÁN E TEATRO PETRA DIREÇÃO DE ARTE DIRECCIÓN DE ARTE ART DIRECTION HERNÁN GARCÍA ASSISTENTE DE ARTE ASISTENTE DE ARTE ART ASSISTANT SERGIO SALAZAR CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN MAMBRÚ ARTE ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING ADELIO LEIVA DESENHO DE FIGURINOS VESTUARIO COSTUMES TEATRO PETRA – HERNÁN GARCÍA REDES REDES TEATRO PETRA - SANDRA SUÁREZ COMUNICAÇÃO COMUNICACIÓN COMMUNICATION TEATRO PETRA - LILIANA ESCOBAR PRODUTOR EXECUTIVO PRODUCCIÓN EJECUTIVA DANIEL ÁLVAREZ MIKEY DESENHO DE IMAGEM DISEÑO IMAGEN IMAGE DESIGN GIANCARLO PIRILLI FOTOGRAFIA (IMAGEM) FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY JUAN acervo Teatro Petra

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SANTACRUZ PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL MARISA RICCITELLI (SANTA PACIÊNCIA PRODUÇÕES ARTÍSTICAS)

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CUANDO ESTALLAN LAS PAREDES PT

O Teatro Petra, grupo fundado em 1985 por Fabio Rubiano Orjuela e Marcela Valencia, está de volta ao Mirada com duas peças. Cuando estallan las paredes – la explosión de una guerra que casi termina, criação mais recente da companhia, tem como ponto de partida um ato terrorista contra uma família burguesa conservadora e opressora, que pratica diversas crueldades no seu cotidiano – não apenas no contexto amplo das tensões sociais, como também no seu próprio microcosmo. É importante observar que nenhum dos lados do conflito social está a salvo do olhar crítico dos artistas. Nas extremidades de cada lado do confronto que se apresenta, dois homens exercem seu autoritarismo, cada um a seu modo: o chefe de família que estabelece relações abusivas com todos no seu entorno e o comandante do ataque terrorista que não poupa vítimas na sua missão ideológica. Entre eles, diferentes agentes dessa narrativa mostram as camadas sobrepostas das pequenas e das grandes crueldades da vida familiar, da relação entre patrões e empregadas e da diferença de classes. Assim, a peça não trata apenas de um ato terrorista em si, que envolve o assassinato de uma família abastada, mas dos terrorismos cotidianos internalizados – como as pressões sociais que causam anorexia na menina rica, a homofobia que oprime o jovem gay e a cultura do estupro naturalizada, que faz da empregada doméstica um objeto sexual.

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acervo Teatro Petra

El Teatro Petra, grupo fundado en 1985 por Fabio Rubiano Orjuela y Marcela Valencia, está de vuelta en Mirada con dos obras. Cuando estallan las paredes - la explosión de una guerra que casi termina es la creación más reciente de la compañía, y tiene como punto de partida un acto terrorista contra una familia burguesa conservadora y opresora, que practica diversas crueldades en su día a día, no solo en el contexto amplio de las tensiones sociales, sino también en su propio microcosmos. Es importante observar que ningún aspecto del conflicto social está a salvo de la mirada crítica de los artistas. En los extremos de cada lado de la confrontación que se presenta, dos hombres ejercen su autoritarismo, cada uno a su modo: el jefe de familia que establece relaciones abusivas con todos en su entorno y el comandante del ataque terrorista que no escatima víctimas en su misión ideológica. Entre ellos, los diferentes agentes de esta narrativa muestran las capas superpuestas de las pequeñas y grandes crueldades de la vida familiar, de la relación entre los patrones y las empleadas y de la diferencia de clases.

Teatro Petra, a group founded in 1985 by Fabio Rubiano Orjuela and Marcela Valencia, is back at Mirada with two plays. Cuando estallan las paredes, the company’s most recent work starts from a terrorist act against a conservative and oppressive bourgeois family that commits many cruelties in daily life – not only in the broad context of social tensions, but also in its own microcosm. It’s important to note that no side of the social conflict is immune from the critical gaze of the artists. In the far end of each side of the confrontation that unfolds, two men wield their authoritarianism, each in his own way: the head of the family who establishes abusive relationships with everyone around and the commander of the terrorist attack who doesn’t spare victims in his ideological mission. Between them, different agents of this narrative show the overlapping layers of the small and the big cruelties of family life, of the relationship between bosses and maids, of class differences. Thus, the play isn’t only about a single terrorist

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Todas essas camadas de crítica social são colocadas em cena pelos diversos recursos de teatralidade do Teatro Petra, que não permitem que a narrativa seja apreendida de maneira literal. Os personagens são criados com expedientes propositadamente farsescos, os atores estão sempre indicando posicionamentos através da ênfase em características específicas. Essas escolhas de linguagem também podem ser observadas em Labio de liebre, espetáculo do mesmo grupo, que abre a programação do Mirada 2018.

Así, la obra no trata solo sobre un acto terrorista en sí, que implica el asesinato de una familia rica, sino de los terrorismos cotidianos internalizados, como las presiones sociales que provocan anorexia en la niña rica, la homofobia que oprime al joven gay y la cultura de la violación naturalizada, que convierte a la empleada doméstica en un objeto sexual. Estas capas de crítica social se ponen en escena a través de los diversos recursos de la teatralidad en Teatro Petra, que impiden que la narrativa se entienda de manera literal. Los personajes se construyen con elementos intencionalmente satíricos, los actores exponen sus posicionamientos a través del énfasis en características específicas. La opción por este lenguaje también puede observarse en Labio de liebre, espectáculo del mismo grupo, que abre la programación del festival Mirada 2018.

act in itself, which involves the murder of a wealthy family, but it’s also about the everyday internalized terrorisms – like social pressures that cause anorexia in the rich girl, the homophobia that oppresses the young gay man, and the normalized rape culture that turns the maid into a sex object. All these layers of social critique are put on stage by the different theatrical devices of Teatro Petra, which don’t allow the narrative to be apprehended in a literal way. The characters are created with intentionally farcical means, the actors constantly signal stances by emphasizing specific characteristics. These language choices can also be observed in Labio de liebre, another one of the group’s works, which opens the program of Mirada 2018.

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Maldita Vanidad Teatro

FICHA TÉC 85 min

DRAMAS NEOARDE BRILLANTE EN COSTUMBRISTAS LO CARÁCTER DE BOSQUES DE LA NOCHE FATAL: NOS HEMOS OLVIDADO DE GRU P O MAR EA(DRAMA 1) TODO

ENG BRILHO DRAMAS BRIGHT NEOARDENTE NEOGLITTER COSTUMAT NA FLORESTA COSTUM-THE NIGHT BRISTA DA NOITE BRISTAS DE WOODS DRAMAS CARÁTER OF A FATAL FATAL: CHARACTER: TEMO-NOS WE HAVE ESQUECIDO FORGOTTEN DE TUDO EVERYTHING

LA MALDITA VANIDAD

UDIS APERSPID QUAS EAQUIA VOLUPTIIS DIT EUM QUISCIIS ENIMINT REPEROVITAT MOLEST ULLIT DIORIT VENIHICTIO FACES ET DOLUPTI UNTIAS DOLUT UNT OCCULLA INCTIOSSIT AS DE DEBIS LANTIUM DENT OFFICIM OLENIMO EFICIET UT UDIS TEXTO EUM E DIREÇÃO TEXTO Y DIRECCIÓN WRITER APERSPID QUAS AD EAQUIA VOLUPTIIS DIT EUM QUISCIIS AND DIRECTOR JORGE HUGO MARÍN ASSISTÊNCIA DE ENIMINT REPEROVITAT MOLEST ULLIT DIORIT ENIMINT DIREÇÃO ASSISTANT DIRECTOR ASISTENCIA DE DIRECCIÓN REPEROVITAT MOLEST ULLIT DIORIT VENIHICTIO FACES ET FERNANDO DE LA PAVAUNTPRODUÇÃO EXECUTIVA DOLUPTI UNTIAS DOLUT OCCULLA INCTIOSSIT AS DE PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCER DEBIS UDIS APERSPID QUAS EAQUIA VOLUPTIIS DIT EUMWILSON QUISCIIS ENIMINT MOLEST ULLIT VENIHICTIO GARCÍA REPEROVITAT ELENCO ELENCO CASTDIORIT CARMENZA COSSIO, MARÍA FACES ET DOLUPTI UNTIAS DOLUT UNT OCCULLA INCTIOSSIT JOSÉ JARAMILLO E SAEED PEZESHKI DIREÇÃO DE ARTE AS DE DEBIS EUM LANTIUM DENT OFFICIM OLENIMO EFICIET UT DIRECCIÓN DE ARTE ART DIRECTOR NICOLAS WILLIAMSON UDIS APERSPID QUAS AD EAQUIA VOLUPTIIS DIT EUM QUISCIIS COORDENAÇÃO TÉCNICA COORDINACIÓN TÉCNICA ENIMINT REPEROVITAT MOLEST ULLIT DIORIT UDIS APERSPID TECHNICAL GABRIEL QUAS EAQUIA COORDINATOR VOLUPTIIS DIT EUM QUISCIISGOMÉZ ENIMINTPRODUÇÃO REPEROVITAT NO BRASILULLIT PRODUCCIÓN EN BRASILFACES PRODUCTION BRAZIL MOLEST DIORIT VENIHICTIO ET DOLUPTIINUNTIAS DOLUT OCCULLA INCTIOSSIT ASARTÍSTICAS DE DEBIS /EUM LANTIUM STELLAUNT MARINI (SMLS PRODUÇÕES PÚRPURA DENT OFFICIM ARTÍSTICAS) OLENIMO EFICIET UT UDIS APERSPID QUAS AD PRODUÇÕES EAQUIA UDIS APERSPID QUAS EAQUIA VOLUPTIIS DIT EUM QUISCIIS ENIMINT REPEROVITAT MOLEST ULLIT DIORIT VENIHICTIO EUM LANTIUM DENT OFFICIM OLENIMO EFICIET UT UDIS APERSPID QUAS AD EAQUIA VOLUPTIIS DIT EUM QUISCIIS ENIMINT REPEROVITAT MOLEST ULLIT DIORIT

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DRAMAS NEOCOSTUMBRISTAS DE CARÁCTER FATAL: NOS HEMOS OLVIDADO DE TODO (DRAMA 1) PT

acervo do grupo

Nos hemos olvidado de todo é a primeira parte do díptico que o grupo colombiano La Maldita Vanidad traz para a quinta edição do Mirada. O projeto, idealizado pelo dramaturgo e diretor Jorge Hugo Marín, dá continuidade à sua pesquisa de personagens e universos da vida urbana contemporânea na América Latina. Seu trabalho tem se concentrado em personagens que trazem consigo alguma carga do passado. São pessoas comuns, geralmente marginalizadas, nas quais vê-se certo desgaste de humanidade, um desgaste gerado pelas cidades que interferem nas suas mentes e nos seus corpos. Ivan, o protagonista de Nos hemos olvidado de todo, é parte desse universo. A dramaturgia foi criada a partir da última cena de Ivanov, peça do escritor russo Anton Tchekhov, uma referência do drama do início do século XX. Mas é importante observar que não se trata de uma adaptação: a fábula de Tchekhov é tomada apenas como ponto de partida e reconstruída com total liberdade na medida em que a narrativa transita por diferentes espaços mentais do protagonista. A cenografia revela um quarto de hotel, onde Ivan está há uma semana, fugindo de todos às vésperas do seu casamento, prestes a cometer suicídio. Nesse lugar, sua noiva vai ao seu encontro, e uma mulher do seu passado também está, de certo modo, presente. Mas

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Nos hemos olvidado de todo es la primera parte del díptico que el grupo colombiano La Maldita Vanidad trae a la quinta edición del Mirada. El proyecto, concebido por el dramaturgo y director Jorge Hugo Marín, da continuidad a su investigación de personajes y universos de la vida urbana contemporánea en América Latina. Su trabajo se ha concentrado en personajes que llevan consigo alguna carga del pasado. Son personas comunes, generalmente marginadas, en las cuales se observa cierto desgaste de su humanidad, un desgaste generado por las ciudades que interfieren en sus mentes y en sus cuerpos. Ivan, el protagonista de Nos hemos olvidado de todo, es parte de este universo. La dramaturgia fue creada a partir de la última escena de Ivanov, obra del escritor ruso Anton Chejov, una referencia del drama del principios del siglo XX. Pero es importante observar que no se trata de una adaptación: la fábula de Chejov es tomada tan solo como punto de partida y reconstruida con total libertad en la medida en que la narrativa transita por diferentes espacios mentales del protagonista.

Nos hemos olvidado de todo is the first part of the diptych brought by Colombian troupe La Maldita Vanidad to the fifth edition of Mirada. The project conceived by dramatist and director Jorge Hugo Marín, continues his research of characters and universes of contemporary urban life in Latin America. His work focuses on characters that carry a burden from the past. They are common people, usually marginalized, whose humanity shows signs of wear and tear generated by the interference of cities in their minds and bodies. Ivan, the main character of Nos hemos olvidado de todo is part of that universe. The dramaturgy is based on the last scene of Ivanov, a play by Russian writer Anton Tchekhov, a reference of early 20th century drama. However, it is important to notice that this is not an adaptation: Tchekhov’s fable is only used as a starting point, rebuilt freely as the narrative flows through different mental spaces of the main character.

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a encenação ultrapassa o cômodo dessa cenografia realista: o lugar da ação propriamente dita é a mente do personagem. Essa é uma diferença significativa com relação aos outros trabalhos do grupo, em que o drama, enquanto gênero teatral, é determinante dos pressupostos de linguagem – que estão sendo rompidos nesse espetáculo. A peça estreou na sede do grupo em Bogotá no primeiro semestre de 2018, mas o texto foi criado em uma residência artística realizada por Marín na Cidade do México em 2013, no contexto do projeto LAB13, coordenado por Alfonso Cárcamo. Transitando por diferentes espaços da cidade, o texto foi criado junto com os atores.

La escenografía revela un cuarto de hotel, donde Ivan permanece hace una semana, escapándose de todos en las vísperas de su casamiento y prestes a cometer suicidio. Su novia va a su encuentro y una mujer de su pasado también está, de cierto modo, presente. Pero la escenificación trasciende la habitación de esta escenografía realista: el lugar de la acción propiamente dicho es la mente del personaje. Esta constituye una diferencia significativa con relación a los anteriores trabajos del grupo, en los que el drama, género teatral, determina los presupuestos del lenguaje, los mismos que son rotos en este espectáculo. La obra estrenó en la sede del grupo en Bogotá en el primer semestre de 2018, pero el texto fue creado en una residencia artística realizada por Marín en la Ciudad de México en 2013, en el contexto del proyecto LAB13, coordinado por Alfonso Cárcamo. Transitando por diferentes espacios de la ciudad, el texto fue creado junto con los actores.

The set design shows a hotel room, where Ivan has been hiding from everyone for a week, on the eve of his wedding, as he is about to commit suicide. His bride goes after him, and a woman from his past is also present, in a way. But the staging goes beyond the room in this realistic set: the action actually takes place inside the character’s mind. This is a very significant difference compared to the other works of the troupe, in which drama, as a theatric genre, determines the assumptions of the language – which are being broken in this play. The play premiered in the troupe’s headquarters in Bogota, in the first semester of 2018, but the script was created during an artistic residence Marín attended in Mexico City in 2013, as part of project LAB13, coordinated by Alfonso Cárcamo. Moving through different spaces in the city, the script was written along with the actors. 131

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DRAMAS NEOCOSTUMBRISTAS DE CARÁCTER FATAL: PROMESA DE FIN DE AÑO (DRAMA 2)

DRAMAS NEOCOSTUMBRISTAS DE CARÁTER FATAL: PROMESSA DE FINAL DO ANO

NEOCOSTUMBRISTA DRAMAS OF A FATAL CHARACTER: END OF THE YEAR RESOLUTION

LA MALDITA VANIDAD

85 min

TEXTO E DIREÇÃO TEXTO Y DIRECCIÓN WRITER AND DIRECTOR JORGE HUGO MARÍN ELENCO ELENCO CAST ANGÉLICA PRIETO, DAVID PUENTES, ELLA BECERRA, FERNANDO DE LA PAVA, JULIAN ZULUAGA DIREÇÃO DE ARTE DIRECCIÓN DE ARTE ART DIRECTOR NICOLAS WILLIAMSON PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCER WILSON GARCÍA ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO ASISTENCIA DE DIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTOR SAEED PEZESHKI COORDENAÇÃO TÉCNICA COORDINACIÓN TÉCNICA TECHNICAL COORDINATOR GABRIEL GOMÉZ PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL STELLA MARINI (SMLS PRODUÇÕES ARTÍSTICAS / PÚRPURA PRODUÇÕES ARTÍSTICAS)

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DRAMAS NEOCOSTUMBRISTAS DE CARÁCTER FATAL: PROMESA DE FIN DE AÑO (DRAMA 2 PT

Promesa de fin de año, que vai fazer a sua estreia mundial na quinta edição do Mirada, é a segunda parte do díptico apresentado pelo grupo colombiano La Maldita Vanidad. Como em Nos hemos olvidado de todo, a montagem dá continuidade à busca do dramaturgo e diretor Jorge Hugo Marín por uma reflexão sobre a condição humana nos grandes centros urbanos, construindo personagens que trazem consigo fantasmas, angústias e opressões. A concepção do espaço cênico tem a mesma proposta: um realismo apenas aparente, que permite que o lugar seja reinventado pela dramaturgia e pelas estratégias da encenação. Nesse espetáculo, a cenografia representa um camarim, mas também um bar. A ação se passa numa noite de Ano Novo, momentos antes do suicídio da protagonista, Silvana. Enquanto se prepara para o seu último show, ela se esforça por rememorar sua infância. Silvana era um menino, que aos 10 anos de idade foi sequestrado e levado para Bogotá, onde foi obrigado a se prostituir e a mudar de sexo. O desejo de Silvana agora é voltar a ser homem. A peça é inspirada numa ação da Prefeitura de Bogotá, que em 2014 construiu unidades de consultas médicas para moradores de um bairro de prostituição. Uma das pacientes era uma mulher que foi pedir ajuda ao estado para fazer a mudança de gênero.

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Maldita Vanidad Teatro

Promesa de fin de año, cuyo estreno mundial será en la quinta edición del Mirada, es la segunda parte del díptico presentado por el grupo colombiano La Maldita Vanidad. Como en Nos hemos olvidado de todo, el montaje da continuidad a la búsqueda del dramaturgo y director Jorge Hugo Marín de una reflexión sobre la condición humana en los grandes centros urbanos, construyendo personajes que cargan consigo fantasmas, angustias y opresiones. La concepción del espacio escénico tiene la misma propuesta: un realismo aparente, que permite que el lugar sea reinventado por la dramaturgia y las estrategias de escenificación. En este espectáculo, la escenografía representa un camarín y a la vez un bar. La acción transcurre durante una noche de Año Nuevo, momentos antes del suicidio de la protagonista, Silvana. Mientras se arregla para su último concierto, se esfuerza por rememorar su infancia. Silvana era un niño, que a los 10 años de edad fue secuestrado y llevado a Bogotá, donde fue obligado a prostituirse y a cambiar de sexo. El deseo de Silvana es volver a ser un hombre.

Promesa de fin de año will make its international debut during the fifth edition of Mirada, and is the second part of the diptych presented by Colombian troupe La Maldita Vanidad. As in Nos hemos olvidado de todo, the play continues the search of dramatist and director Jorge Hugo Marín for a reflection on the human condition in large urban centers, building characters that bring along ghosts, anguishes and oppressions. The concept of the scenic space is the same as the one before: a merely apparent realism that allows the place to be reinvented by the dramaturgy and by staging strategies. In this play, the scenography represents a dressing room that is also a bar. The scene takes place on New Year’s Eve, moments before the suicide of its main character, Silvana. While getting ready for her last show, she strives to remember her childhood. Silvana was a boy that, at 10, was kidnapped and taken to Bogota, where he was forced to sell his body and undergo a sex change. Silvana’s wish

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No Brasil, o debate sobre a representatividade trans no teatro está em plena ebulição. A ideia de tratar as questões de gênero como tema, mas sem que as produções efetivamente incluam mulheres e homens trans no mercado de trabalho, reflete o problema da marginalização das pessoas trans na sociedade. A presença desse espetáculo na programação do Mirada é bastante oportuna para alargarmos o debate, procurando saber o que os artistas de teatro na Colômbia estão pensando sobre o assunto e como se dá a relação com os movimentos sociais locais.

La obra se inspira en una acción del Ayuntamiento de Bogotá que, en 2014, construyó unidades de consultas médicas para residentes de un barrio de prostitución. Una de las pacientes era una mujer que pidió ayuda al Estado para realizar el cambio de género. En Brasil, el debate sobre la representatividad trans en el teatro está en plena ebullición. La idea de tratar las cuestiones de género como tema, pero sin que las producciones efectivamente incluyan mujeres y hombres trans en el mercado de trabajo, refleja el problema de la marginación de las personas trans en la sociedad. La presencia de este espectáculo en la programación del Mirada es atinada para expandir el debate, buscando descubrir qué piensan sobre el asunto los artistas de teatro de Colombia y cómo se articula la relación con los movimientos sociales locales.

now is to go back to being a man. The play was inspired by an action of Bogota’s city hall, which built medical consultation units in 2014 for residents of a prostitution district. One of the patients was a woman who wanted help from the state to undergo a gender reassignment surgery. In Brazil, the debate on trans representativity in theater is in full swing. The idea of addressing gender issues as a theme, but without productions effectively including transgender women and men in the labor market, reflects the problem of the marginalization of trans people in society. The presence of this show as part of Mirada is quite timely to broaden the debate, looking to know the thoughts of Colombian drama artists on the subject and their relationship with local social movements.

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LA CIUDAD DE LOS OTROS

Sergio González Álvarez

60 min

A CIDADE DOS OUTROS

THE CITY OF THE OTHERS

SANKOFA

DIREÇÃO E COREOGRAFIA DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA DIRECTION AND CHOREOGRAPHY RAFAEL PALACIOS DESIGNER DE LUZ E CENOGRAFIA ILUMINACIÓN E ESCENOGRAFÍA LIGHTING AND SET DESIGN ÁLVARO TOBÓN CONCEITO DE FIGURINO CONCEPTO DE VESTUARIO COSTUME CONCEPT RAFAEL PALACIOS FOTOGRAFIA FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY SERGIO GONZÁLEZ ÁLVAREZ, DARIAL SNEED: BAKERY DANCE FESTIVAL BAILARINOS BAILARINES DANCERS ANDREA BONILLA OSPINA, CESAR LOBO, DANIELA HERNANDÉZ ARANGO, DAVINSON PALACIOS, DIEGO LEÓN DE LOS RÍOS NARANJOS, FELICIANO BLANDÓN SALAS, JEISSON JAMES RIASCOS COPETE, JUAN JOSÉ LUNA COHA, KATERIN MORENO AGUILAR, LILIANA HINESTROZA, LUÍS ARMANDO VIVEROS MOSQUERA, MAIRA ALEJANDRA MOSQUERA MOSQUERA, MARÍA ELENA MURILLO PALACIOS, WILLIAM CAMILO PERLAZA MICOLTA, YEFFERSON MORENO ROMAÑA, YEISON MORENO CÓRDOBA, YESID QUEJADA MORENO E YNDIRA PEREA CUESTA PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL GUTO RUOCCO E PAULO ALIENDE (CIRCUS PRODUÇÕES CULTURAIS)

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Sankofa, nome do grupo criado pelo diretor e coreógrafo Rafael Palacios, faz referência a um conceito da tradição africana que significa “voltar à raiz”. Ele é representado por um pássaro que volta a cabeça para a própria cauda. A ideia é a de retornar ao passado para ressignificar o presente e dimensionar o futuro. A iniciativa tem o objetivo de construir uma ponte entre os povos afrocolombianos e o continente africano através da ancestralidade da dança afro, mas em diálogo com o cotidiano do momento presente. Assim, o tradicional e o contemporâneo caminham juntos nesse projeto. A dança é uma forma de expressar os vínculos da cultura afrocolombiana e mostrar os seus posicionamentos. La ciudad de los otros, como se pode deduzir pelo próprio título, vai abordar a lida com a alteridade na vida urbana. O fato mesmo de que os bailarinos estão dançando de terno e gravata já dá uma dimensão da tensão entre liberdade e contrição que o espetáculo coloca em jogo. O espetáculo procura pensar a cidade como um espaço de construção coletiva. Mas, para isso, toma como exemplo o conceito de família expandida, característica de sociedades rurais, que é fundamentada numa lógica de cooperação e partilha – uma filosofia que o meio urbano, sempre competitivo, rechaça. A obra denuncia a condição da população negra nos

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Sergio González Álvarez

Sankofa, nombre del grupo creado por el director y coreógrafo Rafael Palacios, hace referencia a un concepto de la tradición africana que significa «volver a la raíz». Está representado como un pájaro que vuelve la cabeza hacia su propia cola. La idea es volver al pasado para resignificar el presente y dimensionar el futuro. La iniciativa tiene el objetivo de construir un puente entre los pueblos afrocolombianos y el continente africano a través de lo ancestral de la danza afro, aunque en diálogo con lo cotidiano del presente. Así, lo tradicional y lo contemporáneo caminan juntos en este proyecto. La danza es una forma de expresar los vínculos de la cultura afrocolombiana y de mostrar sus posicionamientos. La ciudad de los otros, como se puede deducir de su título, aborda la disputa con la alteridad en la vida urbana. El hecho de que los bailarines estén danzando en traje y corbata da una dimensión acerca de la tensión entre la libertad y la constricción que el espectáculo pone en juego. Esta obra busca pensar la ciudad como un espacio de construcción colectiva. Sin embargo, en ese sentido, toma como ejemplo el concepto de

Sankofa, the name of the group created by director and choreographer Rafael Palacios, is a reference to a concept in African tradition that means “return to the root”. It is represented by a bird pointing its head to its own tail. The idea is to return to the past in order to resignify the future and put it into perspective. The initiative has the purpose of building a bridge between Afro-Colombian peoples and the African continent through the ancestry of African dance, but in dialogue with the everyday life of the present moment. Thus, the traditional and the contemporary walk side by side in this project. Dance is a way to express the ties of AfroColombian culture and show its stances. The City of the Others, as the title itself suggests, will address the handling of otherness in urban life. The very fact that the dancers perform in a suit and tie gives a sense of the tension between freedom and contrition the show brings into play. The piece seeks to think the city as a space of collective construction. But, in order to do so, it

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centros urbanos colombianos, que é alvo de racismo e desigualdade social. É claro que essa relação é bastante conhecida no Brasil, um país que acredita no mito da democracia racial, mesmo com as escancaradas estatísticas de violência contra a população negra. A presença de La Ciudad de los otros na quinta edição do Mirada é uma ótima oportunidade para que o público do festival entre em contato com a cena negra latinoamericana, que pouco espaço tem ocupado nos festivais internacionais do Brasil.

familia expandida, que es característica de las sociedades rurales, y que se basa sobre una lógica de la cooperación y el compartir –filosofía de vida que el medio urbano, siempre competitivo, rechaza–. Con este trabajo, se busca denunciar las condiciones de vida de la población negra en los centros urbanos de Colombia, que sufre el racismo y la desigualdad social. Sin dudas, esta es una realidad muy conocida en Brasil, un país que cree en el mito de la democracia racial, aun ante las evidentes estadísticas de violencia contra la población negra. La presentación de La ciudad de los otros en la quinta edición del festival Mirada es una excelente oportunidad para que el público entre en contacto con la escena negra latinoamericana, que ha ocupado poco espacio en los festivales internacionales de Brasil.

uses the example of the extended family concept, a feature of rural societies, based on a logic of cooperation and sharing – a philosophy rejected by the always competitive urban environment. The work denounces the condition of the black population in Colombian urban centers, which is a target of racism and social inequality. Of course, that relationship is very well-known in Brazil, a country that believes in the myth of racial democracy, even with the blatant statistics of violence against the black population. The presence of The City of the Others in the fifth edition of Mirada is a great opportunity for the festival’s audience to get in touch with the black Latin-American scene, which has occupied very little space in Brazilian international festivals.

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LA DESPEDIDA 60 min

A DESPEDIDA

THE LEAVING PARTY

MAPA TEATRO

CONCEPÇÃO E ENCENAÇÃO CONCEPCIÓN Y DIRECCIÓN CONCEPT AND DIRECTION HEIDI E ROLF ABDERHALDEN COM ELENCO WITH AGNES BREKKE, ANDRÉS CASTAÑEDA, HEIDI ABDERHALDEN, EDIER ESCOBAR, MIGUEL MOLINA, ROLF ABDERHALDEN E SANTIAGO SEPÚLVEDA CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN PIERRE HENRI MAGNIN CONCEITO SONORO CONCEPTO SONORO SOUND CONCEPT JUAN ERNESTO DÍAZ FIGURINOS VESTUARIO COSTUMES ELIZABETH ABDERHALDEN ILUMINAÇÃO E DIREÇÃO TÉCNICA ILUMINACIÓN Y DIRECCIÓN TÉCNICA LIGHTING AND TECHNICAL DIRECTION JEAN FRANÇOIS DUBOIS EDIÇÃO DE VÍDEO EDICIÓN DE VÍDEO VIDEO EDITING XIMENA VARGAS, LUIS ANTONIO DELGADO PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION MAPA TEATRO, JOSÉ IGNACIO RINCÓN, XIMENA VARGAS COPRODUÇÃO COPRODUCCIÓN COPRODUCTION MINISTÉRIO DE CULTURA DE COLÔMBIA, INSTITUT FRANÇAIS, THÉÂTRE DE LA VILLE, FESTIVAL D’AUTOMNE À PARIS, THÉÂTRE VIDY-LAUSANNE, FESTIVAL SENS INTERDITS, LA ROSE DES VENTS -NEXT FESTIVAL, FESTIVAL Rolf Abderhalden

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FAB, MONSOUTURM DIRETORES DE PRODUÇÃO NO BRASIL DIRECTORES DE PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION DIRECTION IN BRAZIL ANDREA CARUSO SATURNINO, RICARDO MUNIZ FERNANDES E RICARDO FRAYHA DIREÇÃO TÉCNICA DIRECCIÓN TÉCNICA TECHNICAL DIRECTION JULIO CESARINI TRADUÇÃO TRADUCCIÓN TRANSLATION BEATRIZ SAYAD

COLÔMBIA

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COLÔMBIA

LA DESPEDIDA PT

O grupo Mapa Teatro, dirigido pelos suíço-colombianos Heidi e Rolf Abderhalden, vem desenvolvendo desde 2009 um projeto denominado Anatomia da violência na Colômbia. O espetáculo que vem para a quinta edição do Mirada é uma espécie de conclusão dessa pesquisa. A despedida fala sobre o final de um conflito que durou 52 anos e deixou mais de 7 milhões de mortos. Em 2017, o Mapa Teatro criou uma peça sobre um acontecimento sem precedentes. As Forças Armadas da Colômbia transformaram o antigo acampamento El Borugo, base militar das FARC-EP, numa espécie de museu cênico, em que soldados comandam uma visita guiada encenando anedotas, encarnando figuras reais, como o comandante Mono Jojoy, e até mesmo usando armas que foram apreendidas ali. A iniciativa do exército lança mão de técnicas que visam a produzir um efeito de real, ou seja, as ferramentas de dramaturgia e encenação desse museu são usadas para provar que a história aconteceu da maneira como está sendo contada por eles. Essa espetacularização é uma questão a se pensar, tendo em vista que as narrativas historiográficas geralmente são tomadas como se fossem escritas sob um ponto de vista neutro – mesmo sendo o dos vencedores. Mas o real é bem mais complexo do que as suas representações. Na criação dessa peça, o Mapa Teatro faz uso de

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Rolf Abderhalden

El grupo Mapa Teatro, dirigido por los suizo-colombianos Heidi y Rolf Abderhalden, desarrolla desde 2009 un proyecto denominado Anatomía de la violencia en Colombia. El espectáculo que participa en la quinta edición del Mirada es una especie de conclusión de esta investigación. La despedida habla sobre el fin de un conflicto que duró 52 años y dejó más de 7 millones de muertos. En 2017, Mapa Teatro creó una obra sobre un acontecimiento sin precedentes. Las Fuerzas Armadas de Colombia transformaron el antiguo campamento El Borugo, base militar de las FARC-EP, en una especie de museo escénico, en el que soldados comandan una visita guiada escenificando anécdotas, encarnando figuras reales, como el comandante Mono Jojoy, e incluso usan armas que fueron allí aprehendidas. La iniciativa del ejército lanza mano de técnicas que buscan producir un efecto de realidad, es decir, las herramientas de dramaturgia y escenificación de este museo son empleadas para probar que la historia aconteció de la forma ellos mismos la cuentan. Esa espetacularización es una cuestión sobre

The group Mapa Teatro, directed by Swiss-Colombians Heidi and Rolf Abderhalden, has been developing a project called Anatomía de la violencia en Colombia since 2009. The show participating in the fifth edition of Mirada is a kind of conclusion of that research. La despedida deals with the end of a conflict that lasted 52 years and left more than 7 million people dead. In 2017, Mapa Teatro created a play about an unprecedented event. The Colombian armed forces turned the old El Borugo camp, the military headquarters of FARC-EP, into a kind of scenic museum, in which soldiers command a guided tour, enacting anecdotes, embodying real figures, like commander Mono Jojoy, and even using the weapons that were apprehended there. The army’s initiative employs techniques that aim to produce an effect of reality, that is, the museum’s dramaturgy and staging tools are used to prove that history did happen way they tell it. That spectacularization is an issue to be pondered, keeping in mind that historiographic narratives are

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filmagens feitas pelos artistas no local, bem como de outros registros documentais e depoimentos. Uma montagem cuidadosamente mediada, que justapõe diferentes camadas de leitura da realidade e de dispositivos de elaboração sobre o real. Com habilidade para expor um pensamento crítico calcado em uma consistente elaboração poética, La despedida é um ótimo exemplo da diferença fundamental entre o documentário museológico baseado em epistemologias realistas e as poéticas do documentário contemporâneo que, no teatro como no cinema, tem proposto formas críticas, criativas e dissonantes de produção de saber, intimamente ligadas à experiência estética.

la cual debemos reflexionar, teniendo en cuenta que las narrativas historiográficas generalmente son tomadas como si fuesen escritas bajo un punto de vista neutral, incluso el de los vencedores. Sin embargo, lo real es mucho más complejo que sus representaciones. En la creación de esta obra, la compañía Mapa Teatro se sirve de filmaciones realizadas por los artistas en el lugar, así como de otros registros documentales y declaraciones. Es un montaje cuidadosamente mediado, que yuxtapone diferentes capas de lectura de la realidad y de dispositivos de elaboración sobre lo real. Con habilidad para exponer un pensamiento crítico calcado sobre una elaboración poética consistente, La despedida es un óptimo ejemplo de la diferencia fundamental entre el documental museológico basado en epistemologías realistas y las poéticas del documental contemporáneo que, en el teatro como en el cine, han propuesto formas críticas, creativas y disonantes de producción de saber, íntimamente ligadas a la experiencia estética.

usually considered to be written from a neutral point of view – even if it’s that of the winners. But reality is much more complex than its representations. To create this play, Mapa Teatro used footage made by the artists at the site, as well as other documental records and statements. A carefully mediated staging that juxtaposes different layers of readings of reality and devices to elaborate upon the real. With the ability of displaying critical thinking based on a consistent poetic elaboration, La despedida is a great example of the fundamental difference between the museological documentary based on realist epistemologies and the poetics of contemporary documentary, which, both in theater and film, has proposed critical, creative, and dissonant critical forms intimately connected with the aesthetic experience.

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LA MIEL ES MÁS DULCE QUE LA SANGRE

Carlos Mario Lema

60 min

L’EXPLOSE DANZA

DIREÇÃO E COREOGRAFIA DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA DIRECTION AND CHOREOGRAPHY TINO FERNÁNDEZ DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY JULIANA REYES MÚSICA ORIGINAL MÚSICA ORIGINAL ORIGINAL SCORE CAMILO GIRALDO BAILARINOS BAILARINES DANCERS ALEKSANDRA RUDNICKA, ÁNGEL ÁVILA, ÁNGELA CRISTINA BELLO, DIEGO FETECUA, LUISA CAMACHO, LUISA FERNANDA HOYOS E YOVANNY MARTÍNEZ CANTANTE CANTANTE SINGER CLARA ROZO VIOLÃO GUITARRA GUITAR CAMILO GIRALDO CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN JULIÁN HOYOS CONSTRUÇÃO DE CENÁRIO NO BRASIL CONSTRUCCIÓN DE ESCENARIO EN BRASIL SCENARIO CONSTRUCTION IN BRAZIL WANDERLEY DA SILVA ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING HUMBERTO HERNÁNDEZ TÉCNICO EM ILUMAÇÃO EM TURNÊS TÉCNICO DE ILUMINACIÓN EN GIRAS LIGHTING TECHNICIAN IN TOURS GIOVANNY LOPEZ FIGURINO VESTUARIO COSTUMES RICARDO ROLDÁN CASTELLANOS PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL JULIA GOMES (CENACULTPRODUÇÕES)

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COLÔMBIA

LA MIEL ES MÁS DULCE QUE LA SANGRE PT

Embora viva e trabalhe na Colômbia há muitos anos, o diretor Tino Fernández é de origem espanhola. O espetáculo que ele traz ao Mirada na sua quinta edição trata justamente de dois artistas espanhóis muito importantes: o poeta, dramaturgo e diretor de teatro Federico García Lorca, autor de peças como Yerma e A casa de Bernarda Alba, e o pintor surrealista Salvador Dalí. O título da obra é o mesmo de um quadro de Dalí: La miel es más dulce que la sangre. A visualidade do espetáculo faz referência direta à tela, na qual Dalí pintou a cabeça de Lorca parcialmente enterrada na areia. É como se, anos antes, o pintor tivesse previsto o fim precoce da vida de Lorca, com seu brutal assassinato durante a Guerra Civil Espanhola. O espetáculo da Cia L’Explose, que conta com a dramaturgia de Juliana Reyes, coloca a vida pessoal do escritor e a sua produção criativa em um mesmo plano imagético. Afinal, Lorca sofreu em vida a repressão que sufocava seus personagens, sobre os quais o conflito entre o desejo e a moral vigente exercia um grande peso. Acredita-se que a sua morte tenha sido mais um crime de homofobia do que uma execução por motivos políticos. Na peça, a sensualidade dos corpos dos bailarinos convive com a morbidez de um imaginário de morte. A beleza dos corpos traz consigo a vulnerabilidade da vida. A presença da música flamenca, tocada e cantada ao vivo, traz uma força para

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Carlos Mario Lema

Aunque viva y trabaje en Colombia hace muchos años, el director Tino Fernández es de origen español. El espectáculo que trae al Mirada en su quinta edición trata justamente de dos artistas españoles muy importantes: el poeta, dramaturgo y director de teatro Federico García Lorca, autor de obras como Yerma y La casa de Bernarda Alba, y el pintor surrealista Salvador Dalí. El título de la obra fue tomado de un cuadro de Dalí: La miel es más dulce que la sangre. El aspecto visual del espectáculo hace referencia directa a la obra en la cual Dalí pintó la cabeza de Lorca parcialmente enterrada en la arena. Es como si, años antes, el pintor hubiese previsto el fin precoz de la vida de Lorca, asesinado brutalmente durante la Guerra Civil Española. El espectáculo de la Compañía L’Explose, que cuenta con la dramaturgia de Juliana Reyes, pone en un mismo plano la vida personal del escritor y su producción creativa. Es que Lorca sufrió en vida la represión que sofocaba a sus personajes, sobre quienes el conflicto entre el deseo y la moral vigente ejercía un gran peso. Se cree que su muerte fue antes un crimen homofóbico que una

Although he has been living and working in Colombia for many years, director Tino Fernández is originally from Spain. The show he brings to the fifth edition of Mirada is precisely about two very important Spanish artists: poet, dramatist and theater director Federico García Lorca, author of plays such as Yerma and The House of Bernarda Alba, and surrealist painter Salvador Dalí. The play has the same title as one of Dalí’s paintings: La miel es más dulce que la sangre. The visuals of the show are a direct reference to the piece, in which Dalí painted Lorca’s head buried in sand. It is as if, years before, the painter had predicted Lorca’s premature death, with his brutal murder during the Spanish Civil War. Cia L’Explose’s work, with dramaturgy by Juliana Reyes, puts the writer’s personal life and creative production in the same visual plane. After all, in his lifetime, the writer suffered under the same repression that suffocated his characters, who felt the heavy weight of the conflict between desire and the

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a narrativa, tornando-a um pouco mais solar. Apesar da temática dura, o espetáculo procura abordar o tema com delicadeza e cuidado, sem cair numa atitude derrotista que fetichiza o sofrimento. De tal modo, ao mesmo tempo em que a peça celebra o legado da obra de Federico García Lorca, e o de Salvador Dalí, ela também faz uma denúncia, trazendo à tona a memória de um fato histórico, emblemático da intolerância que continua reprimindo e matando – simbólica e literalmente – no mundo inteiro.

ejecución por motivos políticos. En la obra, la sensualidad de los cuerpos de los bailarines convive con la morbidez de un imaginario de muerte. La belleza de los cuerpos acarrea la vulnerabilidad de la vida. La presencia de la música flamenca, tocada y cantada en vivo, aporta fuerza a la narrativa y la torna un poco más luminosa. A pesar de la dura temática, el espectáculo busca abordar el tema con delicadeza y cuidado, sin caer en una actitud derrotista que fetichiza el sufrimiento. De esta forma, a la vez que la obra celebra el legado de la obra de Federico García Lorca y de Salvador Dalí, realiza una denuncia, recuperando la memoria de un hecho histórico, emblemático de la intolerancia que continúa reprimiendo y matando –simbólica y literalmente– en el mundo entero.

morals of the time. It is widely believed that his death was more a homophobic crime than an execution for political reasons. In the play, the sensuality of the dancers’ body coexists with a morbid imaginary of death. The beauty of their bodies brings along the vulnerability of life. The presence of flamenco music, played and sung live, brings strength to the narrative, making it a bit sunnier. Despite the heavy theme, the show seeks to approach the issue in a delicate and careful way, without slipping into a defeated attitude that fetishizes suffering. Thus, at the same time the play celebrates the legacy of Federico García Lorca’s work, and that of Salvador Dalí, it also makes denunciations, bringing to light the memory of a historical fact that is emblematic of the intolerance that keeps repressing and killing – both symbolically and literally – all over the world. 147

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LABIO DE LIEBRE

Juan Antonio Monsalve

75 min

LÁBIO DE LEBRE

TEATRO PETRA

TEXTO E DIREÇÃO TEXTO Y DIRECCIÓN PLAYWRITING AND DIRECTION FABIO RUBIANO ORJUELA ELENCO ELENCO CAST MARCELA VALENCIA, LILIANA ESCOBAR, JACQUES TOUKHMANIAN, ANA MARÍA CUELLAR, MAURICIO SANTOS E FABIO RUBIANO DIREÇÃO DE ARTE DIRECCIÓN DE ARTE ART DIRECTION LAURA VILLEGAS COMPOSIÇÃO MUSICAL E DESENHO DE SOM COMPOSICIÓN MUSICAL Y DISEÑO DE SONIDO ORIGINAL SCORE AND SOUND DESIGN CAMILO SANABRIA ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING DESIGN ADELIO LEIVA E LEONARDO MURCIA DIREÇÃO DE VÍDEO VIDEO VIDEO CARLOS PÉREZ E DIEGO ANDRÉS FORERO VISAGISMO VISAGISMO VISAGISM ALEJANDRO RESTREPO FIGURINOS E ACESSÓRIOS CONFECCIÓN DE VESTUARIO Y ACCESORIOS COSTUME AND PROP MAKING SERVANDO DÍAZ E WILLIAM DE JESÚS MEJÍA DIRETOR DE CENOGRAFIA DIRECCIÓN DE ESCENOGRAFÍA SET DIRECTION HENRY ALARCÓN MAQUIAGEM MAQUILLAJE MAKEUP ANFÍBIO FX E GOLPE DE GRACIA DESENHO DOS ANIMAIS DISEÑO DE ANIMALES ANIMALS DESIGN MAURICIO SANTOS

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CONFECÇÃO CABEÇAS DOS ANIMAIS JHON ALEJANDRO SÁNCHEZ COMUNICAÇÃO COMUNICACIÓN COMMUNICATION LILIANA ESCOBAR REDES REDES SANDRA SUÁREZ PRODUTOR EXECUTIVO PRODUCTOR EJECUTIVO EXECUTIVE PRODUCER DANIEL ALVAREZ MIKEY PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL MARISA RICCITELLI (SANTA PACIÊNCIA PRODUÇÕES ARTÍSTICAS)

COLÔMBIA

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COLÔMBIA

LABIO DE LIEBRE PT

Em 2014, o grupo colombiano Teatro Petra esteve no Mirada com a peça O ventre da baleia. Em 2018, a companhia dirigida por Fabio Rubiano Orjuela, criada por ele e pela atriz Marcela Valencia, traz para Santos outras duas peças do seu repertório. Labio de liebre – Venganza o perdón, coprodução com o Teatro Colón, é o espetáculo de abertura do festival. A peça estreou em 2015, ano de comemoração dos 30 anos do Teatro Petra. Com o humor cáustico que é característico do trabalho do grupo, Labio de liebre conta a história do acerto de contas de uma família com o seu assassino. Exilado em um país estrangeiro frio, a vida solitária de um homem que matou mulheres, crianças e milhares de animais, entra em uma chave de realismo fantástico quando o seu passado volta a atormentá-lo na figura de uma criança com lábio leporino. O menino aparece com seus parentes para fazer uma reivindicação. As escolhas estéticas do trabalho permitem que os atores e as atrizes consigam imprimir alguma leveza a essa narrativa brutal. E parece ser justamente essa leveza que traz à tona o peso da consciência crítica do trabalho. Assim, o alcance da peça ultrapassa em larga medida a mera fábula ficcional. É possível abordar essa narrativa do ponto de vista da história política da América Latina. As ditaduras sofridas pelos países latino-americanos deixaram muitos mortos

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Juan Antonio Monsalve

En el 2014, el grupo colombiano Teatro Petra participó en Mirada con la obra El vientre de la ballena. En el 2018, la compañía dirigida por Fabio Rubiano Orjuela, creada por él y por la actriz Marcela Valencia, trae a Santos otras dos obras de su repertorio. Labio de liebre – Venganza o perdón, coproducción con el Teatro Colón, es el espectáculo que abre el festival. La obra se estrenó en el 2015, año en que se conmemoró los 30 años del Teatro Petra. Con un humor corrosivo que es característico del trabajo de este grupo, Labio de liebre cuenta la historia del ajuste de cuentas de una familia con su asesino. Exiliado en un país extranjero frío, la vida solitaria de un hombre que mató a mujeres, niños y miles de animales entra en una clave de realismo fantástico cuando su pasado vuelve para atormentarlo bajo la forma de un niño con labio leporino. El niño aparece con su familia para exigir una reivindicación. Las elecciones estéticas del trabajo permiten que los actores y las actrices logren imprimirle cierta levedad a esta narrativa tan brutal. Y parece ser justamente esta

In 2014, Colombian group Teatro Petra took part in the Mirada Festival with a play called O ventre da baleia. In 2018, the company, directed by Fabio Rubiano Orjuel and created by him and by actress Marcela Valencia, brings to Santos two other plays from their repertoire. Labio de liebre, a coproduction with Teatro Colón, is the opening performance of the festival. The play premiered in 2015, when Teatro Petra celebrated 30 years of existence. With the caustic humor that is typical of the group’s work, Labio de liebre tells the story of a family that wants to get even with their murderer. Exiled in a cold foreign country, the lonely life of a man who killed women, children and thousands of animals enters the realm of magical realism when his past comes back to haunt him in the form of a child with a cleft lip. The boy shows up with his relatives to make a demand. The aesthetic choices of the play allow the actors to bring some lightness to the brutal narrative. And it seems

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Juan Antonio Monsalve

desaparecidos, famílias sem notícias do paradeiro de seus filhos e filhas, cadáveres não nomeados espalhados pelo mar, pelo deserto ou em covas coletivas. Até hoje, mães e avós empreendem buscas pelos seus descendentes – vivos ou mortos. Labio de liebre não faz a referência explícita a esse contexto, o que talvez dê à peça um salvo-conduto para o humor. Pode-se pensar que a elaboração dos acontecimentos em uma narrativa específica de personagens de ficção é um dado que transcende o tratamento literal das questões do mundo e faz as obras de teatro atingirem em cheio o alvo do real.

levedad la que pone de relieve el peso de la consciencia crítica del trabajo. Así, el alcance de esta obra supera en gran medida la mera fábula ficcional. Es posible abordar esta narrativa desde el punto de vista de la historia política de América Latina. Las dictaduras sufridas por los países latinoamericanos dejaron muchos muertos desaparecidos, familias sin noticias del paradero de sus hijas e hijos, cadáveres no identificados esparcidos por el mar, por el desierto o en fosas comunes. Hasta hoy, madres y abuelas emprenden la búsqueda de sus descendientes, vivos o muertos. Labio de liebre no hace referencia explícita en este contexto, lo que tal vez le confiera a la obra un salvoconducto para el humor. Puede pensarse que la elaboración de los acontecimientos en una narrativa específica de personajes de ficción es un dato que trasciende el tratamiento literal de las cuestiones del mundo y hace que las obras de teatro alcancen de lleno el objeto de lo real.

that it is precisely this lightness that brings about the weight of the critical conscience of this work. Thus, the scope of this play largely goes beyond the mere fictional fable. It is possible to approach the narrative from the perspective of Latin American political history. The dictatorships endured by Latin American countries have left many people dead or missing; families with no news on the whereabouts of their children; unidentified corpses spread either across the sea, across the desert, or in mass graves. To this day, mothers and grandmothers go on searches for their descendants – dead or alive. Labio de liebre does not refer explicitly to this context, which may provide a safeguard to use humor in the play. One might think that creating events in a specific narrative of fictional characters is something that transcends the literal treatment of world issues and allows theater plays to hit the target of realism.

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SOUVENIR ASIÁTICO 75 min

LOS ANIMISTAS

Juan Diego Johns

DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTION JAVIER GÁMEZ DRAMATURGIA DRAMATURGIA DRAMATURGY MARTHA MÁRQUEZ DIREÇÃO ARTÍSTICA DIRECCIÓN ARTÍSTICA ARTISTIC DIRECTION KATERINN ACEVEDO MANIPULADORES TITIRITEROS MANIPULATORS VÍCTOR HERNÁNDEZ E HENRY LÓPEZ ATRIZ ACTRIZ ACTRESS GINA JAIMES ATOR ACTOR ACTOR JUAN MANUEL BARONA MÚSICO MÚSICO MUSICIAN DANIEL BAYONA ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING CAMILO CÁRDENAS ENGENHEIRO DE SOM INGENIERO DE SONIDO SOUND ENGINEER DANIEL BAYONA COREÓGRAFO COREÓGRAFO CHOREOGRAPHER RUBÉN GARZÓN CONFECÇÃO DE BONECOS CONFECCIÓN DE MUÑECOS PUPPET MAKING KATERINN ACEVEDO CONFECÇÃO DE CONTEINERS CONFECCIÓN DE CONTENEDORES CONTAINER MAKING JAVIER FARFÁN FIGURINO VESTUARIO COSTUMES KATERINN ACEVEDO REALIZAÇÃO AUDIOVISUAL REALIZACIÓN AUDIOVISUAL AUDIOVISUAL PRODUCTION FRANK BENÍTEZ FOTOGRAFIA FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY JUAN DIEGO JOHNS DESIGN DISEÑO DESIGN FERNEY

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MANRIQUE MANAGER COMMUNITY NELSON AMÉZQUITA VOZES DA CORÉIA VOCES DE COREA VOICES FROM KOREA E. J. CHOI DO MÉXICO DE MÉXICO FROM MEXICO PABLO CUETO Y ROLANDO GARCÍA ‘ROLAS’ DA ALEMANHA DE ALEMANIA FROM GERMANY MICHAEL SPREY DE BOTSWANA DE BOTSWANA FROM BOTSWANA SHOLOFELO SHIMA BADUBI DAS CRIANÇAS DE LOS NIÑOS OF THE CHILDREN TOMÁS DÁVILA, HELENA GÁMEZ PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL RACHEL BRUMANA (SUBSTÂNCIA PRODUÇÕES ARTÍSTICAS)

COLÔMBIA

APOIO: MINISTÉRIO DA CULTURA DA COLÔMBIA E POR INSTITUTO DISTRITAL DE LAS ARTES (IDARTES) APOYO: MINISTERIO DE CULTURA DE COLOMBIA Y POR INSTITUTO DISTRITAL DE LAS ARTES SUPPORT: MINISTRY OF CULTURE OF COLOMBIA AND INSTITUTO DISTRITAL DE LAS ARTES

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COLÔMBIA

SOUVENIR ASIÁTICO PT

O texto da peça Souvenir Asiático, de Martha Márquez, é fruto de uma bolsa para criação dramatúrgica da Colômbia: o Prêmio Distrital de Dramaturgia do Idartes de 2015. Em 2017, o texto foi publicado na coletânea Teatro en feminino, junto com outras duas peças contempladas no mesmo edital, também de autoria de mulheres. O espetáculo ainda ganhou subvenção para a montagem, a cargo do diretor Javier Gámez, do grupo Los Animistas. O teatro de animação é a linguagem trabalhada pelo grupo, que nesse espetáculo investe numa encenação multidisciplinar: além dos bonecos e atores, o vídeo e o sistema de som constituem elementos importantes para a materialização das seis narrativas inspiradas em histórias reais de migração no mundo contemporâneo. O espaço cênico situa o espectador no centro da ação, para lembrar que, como seres humanos, estamos todos no mesmo barco. O problema da migração e da violência sofrida por aqueles que se encontram em situações de tamanha vulnerabilidade é um problema de todos. A presença dos bonecos, lado a lado com os corpos dos atores, parece chamar atenção para a falta de humanidade inerente à própria condição humana. É como se a peça lançasse uma pergunta sobre o que faz com que certos homens, mulheres e crianças sejam

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Juan Diego Johns

El texto de la obra Souvenir Asiático, de Martha Márquez, es el fruto de una beca otorgada para la creación dramatúrgica en Colombia: el Premio Distrital de Dramaturgia de Idartes, del 2015. En el 2017, el texto se publicó en la colección Teatro en femenino, junto con otras dos obras contempladas en la misma edición, cuyas autoras son también mujeres. El espectáculo obtuvo además la subvención para el montaje, a cargo del director Javier Gámez, del grupo Los Animistas. Este grupo trabaja con el lenguaje del teatro de animación y, para este espectáculo, opta por una puesta en escena multidisciplinaria: además de los muñecos y de los actores, el video y el sistema de sonido constituyen elementos importantes para la materialización de las seis narrativas inspiradas en las historias reales de migración en el mundo contemporáneo. El espacio escénico ubica al espectador en el centro de la acción, para recordarle que, como seres humanos, estamos todos en el mismo barco. El problema de la migración y de la violencia que sufren aquellos que se encuentran en situaciones de tanta

The script of Souvenir asiático, by Martha Márquez, is the result of a grant for dramaturgic creation in Colombia: the 2015 Idartes Dramaturgy Award. In 2017, the script was published in the collection Teatro en feminino, along with two other plays that received the same grant, also written by women. The show also received a subsidy for the staging, undertaken by director Javier Gámez, from the group Los Animistas. Theater of animation is the language used by the group, which invests in a multidisciplinary staging for this piece: besides the puppets and the actors, the video and the sound system are important elements to materialize the six narratives inspired by true stories of migration in the contemporary world. The scenic space places the spectator in the center of the action to remind us that, as human beings, we are all in same boat. The problem of migration and the violence endured by those who find themselves in such vulnerable situations is everyone’s problem.

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Juan Diego Johns

considerados menos humanos que outros. As histórias ultrapassam o contexto específico da Colômbia, mas nem por isso deixam de fazer referência às questões relacionadas ao tema do ponto de vista dos colombianos – e de outros latino-americanos – inclusive levando em conta os deslocamentos internos, fruto do desequilíbrio de oportunidades dentro de cada país. São muitas as camadas de migração. Nos últimos anos, imagens impactantes de refugiados morrendo às margens da Europa rodaram o mundo. Em 2018, a crueldade da política do governo Trump nos EUA causou absoluta consternação. Todos os dias colombianos atravessam a fronteira para tentar abrigo e trabalho no Brasil. O debate levantado por Souvenir asiático torna-se cada vez mais urgente.

vulnerabilidad es un problema de todos. La presencia de los muñecos, lado a lado con los cuerpos de los actores, parece llamar la atención hacia la falta de humanidad inherente a la propia condición humana. Es como si la obra lanzara una pregunta sobre qué es lo que hace que ciertos hombres, mujeres y niños sean considerados menos humanos que otros. Las historias trascienden el contexto específico de Colombia, pero no por eso dejan de hacer referencia a las cuestiones relacionadas con la perspectiva colombiana –y de otros latinoamericanos– teniendo en cuenta los movimientos internos, fruto del desequilibrio de oportunidades en cada país. Son incontables las oleadas migratorias. En los últimos años, las impactantes imágenes de los refugiados que mueren en las fronteras de Europa recorrieron el mundo. En el 2018, la crueldad de la política de gobierno de Trump, en los Estados Unidos, causó absoluta consternación. Cada día, hombres y mujeres colombianas cruzan la frontera para buscar refugio y trabajo en Brasil. El debate que pone de relieve Souvenir asiático es cada vez más urgente.

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The presence of the puppets, side by side with the bodies of the actors, seems to draw attention to the lack of humanity inherent to the human condition itself. It is as if the play posed a question about what makes certain men, women, and children be considered less human others. The stories go beyond the specific context of Colombia, but nonetheless refer to the issues from the point of view of Colombians – and of other Latin-Americans – taking into account the internal displacements resulting from the opportunity imbalance within each country. The layers of migration are manifold. Over the last years, disturbing images of refugees dying at the margins of Europe circulated all around the world. In 2018, the cruelty of the Trump administration policy caused utter consternation. Every day, Colombians cross the border in an attempt to find shelter and work in Brazil. The debate raised by Souvenir asiático is increasingly urgent. 155

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SÚPER TEJIDO LIMBO 40 min

COMPAÑÍA MALDITA DANZA

BAILARINOS BAILARINES DANCERS WALTER COBOS E JORGE BERNAL DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTOR JORGE BERNAL MÚSICA MÚSICA SCORE CARLOS ROMERO FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN RICARDO ROLDAN APOIO TÉCNICO APOYO TÉCNICO TECHNICAL SUPPORT DAVID IDROBO PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL RAQUEL DAMMOUS (ARTE RUMO PRODUÇÕES ARTÍSTICAS)

COLÔMBIA

Zoad Humar

APOIO: MINISTÉRIO DA CULTURA DA COLÔMBIA E POR INSTITUTO DISTRITAL DE LAS ARTES (IDARTES) APOYO: MINISTERIO DE CULTURA DE COLOMBIA Y INSTITUTO DISTRITAL DE LAS ARTES SUPPORT: MINISTRY OF CULTURE OF COLOMBIA AND INSTITUTO DISTRITAL DE LAS ARTES

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COLÔMBIA

SÚPER TEJIDO LIMBO PT

Súper tejido limbo, espetáculo colombiano da Compañia Maldita Danza, propõe um espaço coreográfico propositalmente indefinido, no qual diversas técnicas de dança podem ser alternadas dentro de uma lógica que enfatiza polarizações: feminino e masculino, sagrado e profano, homem e animal, união e separação, etc. Esse lugar é recriado pela iluminação, que redimensiona o tablado em desenhos que remetem a características espaciais específicas, como uma aldeia de rituais sagrados, um cubículo, corredores, uma arena de dança típica. A luz também opera recortes de partes dos corpos dos bailarinos que, por vezes, dada a maquiagem que utilizam sobre todo o corpo, mudam de cor. Os bailarinos Walter Cobos e Jorge Bernal exibem movimentos extremamente técnicos e precisos que oscilam entre a imobilidade e a explosão. O espetáculo se baseia numa pesquisa que mescla danças influentes de várias culturas, priorizando diálogos entre danças clássicas e contemporâneas. Como danças tradicionais colombianas (da cultura tradicional e do folclore) e a cumbia (como é o samba ou outra dança de salão no Brasil); e ainda o butoh, técnica surgida no Japão do pós-guerra, além da dança Hindu, que remete a uma cultura ancestral. Seguindo a dramaturgia da cena, a música original concebida por Carlos Romero se destaca. Nos primeiros minutos de espetáculo, a luz deixa ver a banda que está

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Gaibiso Pompei

Súper tejido limbo, espectáculo colombiano de la Compañia Maldita Danza, propone un espacio coreográfico a propósito indefinido, en el cual diversas técnicas de baile pueden intercambiarse dentro de una lógica que enfatiza las polarizaciones: lo femenino y lo masculino, lo sagrado y lo profano, lo humano y lo animal, la unión y la separación, etc. Este lugar es recreado por la iluminación, que redimensiona el escenario con diseños que remiten a características espaciales específicas, como una aldea de rituales sagrados, un cubículo, pasillos, una arena de danzas típicas. La luz también opera recortes de partes de los cuerpos de los bailarines que, por momentos, gracias al maquillaje que utilizan sobre todo el cuerpo, cambian de color. Los bailarines Walter Cobos y Jorge Bernal exhiben movimientos extremadamente técnicos y necesarios que oscilan entre la inmovilidad y la explosión. El espectáculo se basa en una investigación que mezcla danzas influyentes de varias culturas y prioriza el diálogos entre la danza clásica y contemporánea; por ejemplo, danzas tradicionales colombianas (de la cultura tradicional y del folklore) y la cumbia (como

Súper tejido Limbo, a Colombian show by Compañía Maldita Danza, presents a deliberately undefined choreographic space, in which varied dance techniques can alternate in a logic that emphasizes polarizations: feminine and masculine, sacred and profane, human and animal, togetherness and separation etc. That place is recreated by lighting, which rescales the stage, creating designs that allude to specific spatial characteristics, such as a village of sacred rituals, a cubicle, hallways, a typical dance arena. Lighting also throws into relief parts of the dancers’ body, which allows them to change colors, given the makeup used to cover their skin. Dancers Walter Cobos and Jorge Bernal display extremely technical and precise movements that oscillate between stillness and explosion. The show is based on a research that mixes influential dances from various cultures, prioritizing dialogues between classical and contemporary dances, such as traditional Colombian dances (from cultural tradition and folklore) and the cumbia (as is samba or any

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Zoad Humar

posicionada atrás de um tecido fino no fundo do palco. Os músicos usam desde equipamentos e instrumentos de música eletrônica até clarinete, violoncelo e sax. A música ao vivo faz também uma trajetória por diversos ritmos de historicidades diversas, produzindo uma sonoridade bastante experimental. “Recuerda que morir y vivir siempre es lo mismo” é uma das frases eventualmente proferidas ao longo da dança, anunciada pelos artistas como um ritual de vida e morte. Nesse sentido, o título é bastante conciso quanto à estética do espetáculo, ao apresentar uma espacialidade – o limbo – onde um fio liga diversas referências formando uma super trama, um tecido, entre começos e fins.

es el samba u otro baile de salón en Brasil); e, incluso, el butoh, técnica surgida en el Japón de posguerra, y la danza hindú, que remite a una cultura ancestral. Acompañando la dramaturgia de la escena, se destaca la música original concebida por Carlos Romero. En los primeros minutos del espectáculo, la luz permite ver la banda posicionada tras un tejido fino en el fondo de la escena. Los músicos usan desde equipos e instrumentos de música electrónica hasta clarinetes, violonchelos y el saxofón. La música en vivo realiza también una trayectoria por diversos ritmos de historicidades varias, produciendo una sonoridad muy experimental. «Recuerda que morir y vivir siempre es lo mismo» es una de las frases eventualmente proferidas a lo largo de la danza, anunciada por los artistas como un ritual de vida y de muerte. En este sentido, el título es bastante conciso en cuanto a la estética del espectáculo, al presentar una espacialidad –el limbo– donde un hilo liga diversas referencias que forman una super trama, un tejido, entre comienzos y finales.

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other ballroom dance from Brazil), also butoh, a technique originated in post-war Japan, and Hindu dance, which refers to an ancestral culture. Following the dramaturgy of the scene, the original score conceived by Carlos Romero stands out. In the early minutes of the show, the light allows the audience to see a band positioned behind a thin veil at the background. Musicians use everything from electronic music equipment and instruments to clarinet, cello, and sax. The live music also makes a trajectory over rhythms from diverse histories, producing a very experimental sound. “Recuerda que morir y vivir siempre es lo mismo” (“Remember that dying and living is always the same”) is one of the phrases occasionally uttered throughout the dance, announced by the artists as a ritual of life and death. In this sense, the title is quite concise in regards to the show’s aesthetics, by presenting a space – the limbo – where a thread connects different references, interweaving a super web, a tissue, between beginnings 159 and ends.

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ESPETÁCULO FUNERAL PARA LA IDEA DE UN HOMBRE

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EQ UAD O R

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FUNERAL PARA LA IDEA DE UN HOMBRE

60 min

FUNERAL PARA A IDEIA DE UM HOMEM

COLECTIVO FUNERAL PARA UNA IDEA

DRAMATURGIA E ATUAÇÃO DRAMATURGIA Y ACTUACIÓN DRAMATURGY AND ACTING ZULLY GUAMÁN, JAVIER PÉREZ CAICEDO, JUAN LAUTARO VENEZIALE E LUIS MIGUEL CAJIAO DESENHO E OPERAÇÃO DE LUZ DISEÑO Y OPERACIÓN DE LUCES LIGHTING DESIGN AND OPERATION GERSON GUERRA CENOTECNIA TÉCNICO ESCÉNICO SCENIC TECHNICIAN EDSON LUNA E KIKO GOMES ASSISTENTE DE PRODUÇÃO ASISTENTE DE PRODUCCIÓN PRODUCTION ASSISTANT AMANDA MORETO PRODUÇÃO ORIGINAL PRODUCCIÓN ORIGINAL ORIGINAL PRODUCTION COLETIVOS FUNERAL PARA UNA IDEA, ALERTA NARANJA, CERO LATITUD DANZA E A LA RUEDA TEATRO PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL CARLA ESTEFAN (METROPOLITANA GESTÃO CULTURAL)

Pablo Toapanta

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EQUADOR

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EQUADOR

FUNERAL PARA LA IDEA DE UN HOMBRE PT

Funeral para la idea de un hombre é um título que evita suspenses. O ideal de homem dominador e proprietário dos saberes, dos territórios e das mulheres; herdeiro de deuses machistas; esse homem que separou o mundo em vencedores e vencidos – deve ser enterrado. Com direção e dramaturgia do chileno Javier Díaz Dalannais, o coletivo é um projeto interdisciplinar e internacional, formado por artistas que têm carreiras estabelecidas em outros grupos no México, Argentina e Equador. No modo de produção, a quebra das fronteiras já é uma resposta a essa ideia de homem que é umbilical e territorialista. No que diz respeito à linguagem, os limites também são rompidos. A peça fala a língua do circo, da dança e do teatro. Sobre o pó de terra batida, de um sepultamento metafórico ou de um lugar após completa destruição, quatro artistas se equilibram sobre alguns tijolos. Apoiando-se uns nos outros, de cima da pequena coluna que conseguem erguer, iniciam uma espécie de tratado sobre os últimos dias de predomínio desse homem no mundo. A dramaturgia verbaliza testamentos escritos por cada um dos artistas em cena, nos quais, em função da ideia da própria morte, descrevem seus últimos desejos e o que gostariam de enterrar. O enterro é tanto de aspectos exteriores ao indivíduo, como de valores éticos e morais das sociedades contemporâneas, mas também

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Pablo Toapanta

Funeral para la idea de un hombre es un título que evita el suspenso. El ideal de hombre dominador y propietario de los saberes, los territorios y de las mujeres; heredero de dioses machistas; ese hombre que separó el mundo en vencedores y vencidos debe ser enterrado. Con dirección y dramaturgia del chileno Javier Díaz Dalannais, el colectivo es un proyecto interdisciplinar e internacional, formado por artistas que cuentan con carreras establecidas en otros grupos de México, Argentina y Ecuador. En el modo de producción, el quiebre de las fronteras constituye una respuesta a esa idea de hombre que es umbilical y territorial. En lo que respecta al lenguaje, los límites también se rompen. La obra habla el lenguaje del circo, de la danza y del teatro. Sobre el polvo de tierra apelmazada, de un entierro metafórico o de un lugar tras una completa destrucción, cuatro artistas se equilibran sobre algunos ladrillos. Apoyándose unos en los otros, sobre la pequeña columna que logran erguir, dan inicio a una especie de tratado sobre los últimos días de predominio de ese hombre en el mundo.

Funeral for the Idea of a Man is a title that avoids suspense. The ideal of the domineering man that owns knowledges, territories, and women; heir to sexist gods; this man that separated the world between the winners and the defeated - must be buried. With the direction and dramaturgy of Javier Díaz Dalannais, from Chile, the collective is an interdisciplinary and international project, formed by artists with established careers in other groups from Mexico, Argentina and Ecuador. In their mode of production, the breakdown of boundaries is already an answer to this umbilical and territorialist notion of man. In terms of language, limits are also broken. The play speaks the language of circus, dance, and theater. Over the dust of the clay ground, of a metaphorical burial, or of a place after total destruction, four artists balance on some bricks. Leaning on one another, from above a small column they manage to raise, they begin a kind of treatise about the last days of the that man’s prevalence in the world.

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Pablo Toapanta

de características inerentes ao sujeito que fala. A ideia de homem que precisa ter fim não habita apenas os corpos dos outros: se existe real empenho em soterrála, deve-se começar pela autocrítica. O elenco produz um ritual que também funciona como velórios de si. O velório da mulher oprimida, do homem que não sai do armário, dos patriotas que não aceitam migrações... E de maneira ainda mais contundente que nos testamentos, a formação desse coletivo, que se chama Funeral para una idea, dá a ver como o trabalho estético-político começa antes do espetáculo estrear.

La dramaturgia verbaliza testamentos escritos por cada uno de los artistas en escena, en los cuales, en función de la idea de la propia muerte, describen sus últimos deseos y lo que les gustaría enterrar. El entierro es tanto de aspectos exteriores al individuo, como de valores éticos y morales de las sociedades contemporáneas, pero también de características inherentes al sujeto que habla. La idea de hombre que necesita tener fin no habita tan solo los cuerpos de los otros: si existe un verdadero empeño de enterrarla, se debe comenzar por la autocrítica. El elenco produce un ritual que también funciona como velatorio. El velatorio de la mujer oprimida, del hombre que no sale del armario, de los nacionalistas que no aceptan las migraciones... Y de manera aún más contundente que en los testamentos, la formación de este colectivo, llamado Funeral para una idea, permite ver como el trabajo estético-político comienza antes de que el espectáculo estrene.

The dramaturgy verbalizes testaments written by each of the artists on stage, in which, based on the idea of their own deaths, they describe their last wishes and what they would like to bury. What is buried is both aspects that are external to the individual and ethical and moral values of contemporary societies, but also characteristics inherent to the one who speaks. The idea of man that must come to an end inhabits not only the body of others: if there is a real effort to bury it, self-criticism must be the first step. The cast produces a ritual that also works as funerals of the self. The funeral of the oppressed woman, of the man who stays in the closet, of the patriots that don’t accept migrations… And in an even more incisive way than in the testaments, the formation of this collective, which is called Funeral for an Idea, unveils how the aesthetic and political work begins before the play premieres. 165

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ESPETÁCULO EURIA (LLUVIA)

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E S PA N HA

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EURIA (LLUVIA) 60 min

EURIA (CHUVA)

EURIA (RAIN)

MARKELIÑE

DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTOR IÑAKI EGILUZ E MARKELIÑE ELENCO INTÉRPRETES CAST FERNANDO BARADO, NATALIA GARCIA, ITZIAR FRAGUA CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN JON KEPA ZUMALDE FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN MARIETA SOUL ESPACIO CREATIVO CRIAÇÃO DE VÍDEO CREACIÓN DE VÍDEO VIDEO CREATION ALPHAXSTUDIO ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING PACO TRUJILLO RELAÇÕES INTERNACIONAIS RELACIONES INTERNACIONALES INTERNATIONAL RELATIONS JON KOLDO VÁZQUEZ PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL FELIPE FRANÇA GONZALEZ (DIFUSA FRONTEIRA)

ESPANHA

Luis Antonio Barajas

APOIO APOYO SUPPORT INSTITUTO EXTEPARE

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ESPANHA

EURIA (LLUVIA) PT

Com a delicadeza de tratar a infância como um período em que temas sérios podem ser abordados com responsabilidade e beleza, Euria (Lluvia), fala do tempo necessário para superar os períodos de tristeza. As perdas são naturais ao longo da vida, mas é preciso saber viver os dias de chuva para receber o sol quando este retornar. O espetáculo que traz novamente o grupo Markeliñe ao Mirada ganhou em 2017 o Prêmio FETEN (La Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas) de Melhor Espetáculo Familiar. Com maturidade estética para envolver públicos de todas as idades num espetáculo sem palavras, a dramaturgia se estabelece em uma cena com recursos interdisciplinares sofisticados. De números clássicos de clown – também citados na exibição de um dos primeiros episódios do desenho do Mickey Mouse – a projeções tão importantes para a narrativa quanto os objetos de manipulação do palhaço: lágrimas/gotas de chuva, um varal de chão, uma mala, um ferro de passar e dois guarda-chuvas que alteram o estado emocional do protagonista. Com os mecanismos da teatralidade em primeiro plano, produzindo imagens de pura simplicidade poética como o pendurar das lágrimas no varal, o espetáculo flui entre dança, teatro, circo, vídeo arte e cinema sem que nenhuma das linguagens se perca em suas

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Luis Antonio Barajas

Con la delicadeza de tratar la infancia como un período en el que temas serios pueden ser abordados con responsabilidad y belleza, Euria (Lluvia) habla del tiempo necesario para superar los períodos de tristeza. Las pérdidas son naturales a lo largo de la vida y es necesario saber vivir los días de lluvia para recibir el sol cuando éste regrese. El espectáculo que trae nuevamente el grupo Markeliñe a Mirada ganó en 2017 el Premio FETEN (La Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas) de Mejor Espectáculo Familiar. Con madurez estética para envolver públicos de todas las edades en un espectáculo sin palabras, la dramaturgia se establece en una escena con recursos interdisciplinarios sofisticados. De números clásicos de clown –también citados en la exhibición de uno de los primeros episodios del dibujo Mickey Mouse– a proyecciones tan importantes para la narrativa como los objetos de manipulación del payaso: lágrimas/gotas de lluvia, un tendedero de piso, una valija, una plancha y dos paraguas que cambian el estado emocional del protagonista.

Treating childhood as a delicate time in which serious issues can be addressed responsibly and beautifully, Euria (Rain) talks about the time needed to overcome periods of sadness. Losses are natural throughout life, but one needs to know how to live through rainy days to be able to enjoy the sun when it comes. Once again, the play brings to Mirada the troupe Markeliñe, winner of 2017’s FETEN Award (La Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas) of Best Family Show. With an aesthetic maturity to involve audiences of all ages in a show that does not require words, the dramaturgy establishes itself on a scene of sophisticated interdisciplinary resources. From classic Clown numbers – also presented in the screening of one of the first episodes of the Mickey Mouse cartoon – to projections as important to the narrative as the objects manipulated by the clown: tears/raindrops, a grounded clothesline, a suitcase, a clothes iron, and two umbrellas that alter the mood of the main character.

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essencialidades. Afinal, é sobre outras perdas que se trata Lluvia. É sobre a partida de uma pessoa querida, metaforizada na presença de um guarda-chuva pleno de recordações e tristeza. E sobre a chegada daqueles que nos ajudam na transição das fases de vida, como se fossem um outro guarda-chuva, mas que precisa de cuidados, reparos e remendos. Aos poucos, presente e passado dançam juntos e a música que era triste muda de compasso. Aprender a dar adeus é preciso e saudável. O tempo da superação, todavia, não se mostra em ritmo acelerado, nem conquistado com truques de mágica. É resignado e melancólico, esperançoso e pessimista, estando sozinho e acompanhado.

Con los mecanismos de la teatralidad en primer plano, produciendo imágenes de pura simplicidad poética como la de las lágrimas en el tendedero, el espectáculo fluye entre la danza, el teatro, el circo, el vídeo arte y el cine sin que ninguno de los lenguajes se pierda en su esencia. Al final de cuentas, es sobre otras pérdidas que se trata Lluvia. Es sobre la partida de una persona querida, metaforizada en la presencia de un paraguas lleno de remembranzas y de tristeza. Y también sobre la llegada de aquellos que nos ayudan en la transición de nuestras fases de vida, como si fuesen otro paraguas, pero que necesitan atenciones, reparaciones y remiendos. Poco a poco, presente y pasado danzan juntos y la música que era triste cambia de compás. Aprender a decir adiós es necesario y saludable. El tiempo de la superación, sin embargo, no se muestra en ritmo acelerado, ni conquistado por trucos de magia. Es resignado y afligido, esperanzador y pesimista, estando solo y acompañado.

With theatrical mechanisms in the foreground, producing images of pure poetic simplicity, like hanging tears on the clothesline, the show flows into dancing, theater, circus, video art and cinema with none of the languages losing its essentialities. After all, Rain is about other losses. It is about the departure of a loved one, metaphorically transformed in the presence of an umbrella full of memories and sorrow. It is about the arrival of those who help us in the transition between stages of life as if they were another umbrella, one that needs care, repairs and new patches. Little by little, past and present dance together, and the sad song playing changes its beat. Learning to say goodbye is necessary and healthy. Mourning time, however, is not presented in a fast beat, nor is it conquered with tricks of illusion. It is patient and melancholic, hopeful and pessimistic, both lonely and with company. 171

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ESPETÁCULO DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN

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MÉXICO

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DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN 75 min

DO MANANCIAL DO CORAÇÃO

FROM THE SPRINGS OF THE HEART

CONCHI LEÓN

DRAMATURGIA E DIREÇÃO DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN DIRECTOR AND PLAYWRIGHT CONCHI LEÓN ELENCO ELENCO CAST ADDY TEYER, CONCHI LEÓN, LOURDES LEÓN E RANDIA ESCALANTE FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN LOURDES LEÓN E SA’AS TUN TEATRO ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING ESAÚ CORONA MÚSICA MÚSICA MUSIC PEDRO CARLOS HERRERA PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION AYUNTAMIENTO DE MÉRIDA E SA’AS TUN PRODUÇÃO EXECUTIVA E ÁUDIO PRODUCCIÓN EJECUTIVA Y AUDIO EXECUTIVE PRODUCTION AND AUDIO OSWALDO FERRER PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL PAULA ROCHA (ARUEIRA PRODUÇÕES BRASILEIRAS)

MÉXICO

Lía Rueda

APOIO APOYO SUPPORT FONDO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES (FONCA)

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MÉXICO

DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN PT

A peça começa com três vizinhas conversando num banco de igreja durante a missa. Há determinadas imagens que facilmente nos encaminham para uma ideia de identidade, seja ela local, continental, ou até mesmo universal. Sobre o que conversam? Um tanto de fofoca sobre a vida alheia em tom irônico, um tanto de apoio para suportar dores, umas receitas, algumas críticas à religiosidade machista e muitas histórias que se atravessam. Do casamento forçado na adolescência, que sempre incluiu violência doméstica, à vida de mãe sozinha. Da perda de filhos para a fome ao nascimento do filho com Down. Do nascimento do menino, que “deixa a terra feliz” por ser mais uma mão para o trabalho, ao nascimento da menina, que faz os pássaros cantar com melancolia. Os rituais femininos que envolvem a gravidez, o parto e os primeiros momentos de vida da criança. Pode-se encaixar essa descrição em milhares de localidades do mundo, mas trata-se dos relatos das mulheres de ancestralidade maia do estado de Iucatã, no México. Sa’as Tun, grupo teatral fundado na cidade de Mérida em 2005 pela diretora, dramaturga e atriz Conchi León, parte das estruturas do biodrama, do teatro ritual e de testemunho para assegurar a necessidade de salvaguardar a linguagem própria do misticismo indígena, como também as memórias do seu

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Lía Rueda

La obra comienza con tres vecinas que convensan en un banco de iglesia durante la misa. Ciertas imágenes nos conducen fácilmente a una idea de identidad, ya sea local, continental o, incluso, universal. ¿Sobre qué conversan? En parte son chismes sobre la vida ajena en tono irónico, en parte es apoyo para sobrellevar los achaques, una que otra receta, algunas críticas a la religiosidad machista y muchas historias que se entreveran.

The play starts with three women that are neighbors sitting on a church’s bench, talking during the service. There are a number of images that easily lead us to a notion of identity, be it local, continental, or even universal. What are they talking about? A little bit of gossip in an ironic tone, a little bit of support for each other’s pain, some recipes, some criticism of sexist religiosity, and many other stories that traverse each other.

Del casamiento forzado en la adolescencia, que siempre incluyó violencia doméstica, a la vida de madre soltera. De la pérdida de los propios hijos por el hambre al nacimiento de un hijo con Down. Del nacimiento del niño, que «deja la tierra feliz» para ser una mano más para el trabajo, al nacimiento de la niña, que hace los pájaros cantar con melancolía. Los rituales femeninos que envuelven el embarazo, el parto y los primeros momentos de la vida del niño.

From the forced teenage wedding, that has always included domestic violence, to life as a single mother. From losing children to starvation to the birth of a son with Down’s syndrome. From the birth of a boy, that “makes the earth happier” for being an extra hand for work, to the birth of a girl, that makes birds sing melancholically. The feminine rituals that involve pregnancy, birth, and the early steps of a child’s life.

Se puede encajar esta descripción en miles de localidades del mundo, pero se trata de los relatos de las mujeres de ancestralidad maya del estado de Yucatán, México.

This description may fit thousands of societies around the world, but it is about women of Mayan ancestry in the state of Yucatán, Mexico. Sa’as Tun,

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povo – com destaque para a encenação feita na peça, com participação da plateia, do Hetzmeek, a cerimônia de batismo maia. A cena é simples: um banco central e, nos quatro cantos do tablado, um elemento ritualístico. Imagens de santos cristãos, flores vermelhas, ervas medicinais, enfim, um cenário que ilustra bem o sincretismo religioso pós-colonial na América Latina. Há uma pequena menina entre as cinco atrizes. Ela segue e ajuda as outras dentro das atividades possíveis para a sua idade. Sua presença sem fala demonstra a delicadeza dos saberes que as mulheres costumam compartilhar umas com as outras sem perceber. É dessa maneira que Del manantial del corazón mostra que para falar com todas as mulheres do mundo, basta cuidar da própria comunidade.

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Sea’las Tun, grupo teatral fundado en 2005 en la ciudad de Mérida por la directora, dramaturga y actriz Conchi León. Parte de las estructuras del biodrama, del teatro ritual y de testimonio para atender a la necesidad de salvaguardar el lenguaje propio del misticismo indígena, así como las memorias de su pueblo. Se destaca la escenificación –que se realiza junto a la platea– de Hetzmeek, la ceremonia del bautismo maya. La escena es simple: un banco central y, en los cuatro rincones del tablado, un elemento propio de los rituales. Imágenes de santos cristianos, flores rojas, hierbas medicinales, en fin, un escenario que ilustra el sincretismo religioso poscolonial en América Latina. Hay una niña pequeña entre las cinco actrices. Sigue y ayuda las otras en las actividades posibles para su edad. Su presencia sin palabras demuestra la delicadeza de los saberes que las mujeres suelen compartir unas con las otras sin percibir. Es de esa manera que Del Manantial del corazón muestra que, para hablar con todas las mujeres del mundo, basta cuidar de la propia comunidad.

a theatrical group founded in the city of Mérida in 2005, by the director, playwright and actress Conchi León, starts from the structures of biodrama, from ritual and testimonial theater to assure the necessity to safeguard the proper language of indigenous mysticism, as well as the memories of its people – highlighting the performance of Hetzmeek, a Mayan baptism ceremony, enacted in the play with the participation of the audience. It is a simple scene: a central bench and, on the four corners of the stage, a ritualistic element. Images of Christian saints, red flowers, medicinal herbs – a setting that well illustrates the postcolonial religious syncretism in Latin America. There is a little girl among the five actresses. She follows and helps the others within activities that are possible for her age. Her speechless presence shows the tenderness of knowledges that women usually share with each other without knowing. This way, From the Heart’s Wellspring shows that, in order to speak to every woman in the world, one only needs 177 to take care of their own community.

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ESPETÁCULO LA CIUDAD VACÍA

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N I C AR ÁG U A

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LA CIUDAD VACÍA 75 min

A CIDADE VAZIA

THE EMPTY CITY

TEATRO JUSTO RUFINO GARAY

TEXTO E DIREÇÃO ARTÍSTICA TEXTO Y DIRECCIÓN ARTÍSTICA SCRIPT AND ARTISTIC DIRECTION LUCERO MILLÁN ELENCO ELENCO CAST JHOSAY PERALTA, LUCERO MILLÁN, RENÉ MEDINA CHÁVEZ CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN CÉSAR ACOSTA ADEREÇOS ACCESORIOS PROPS TEATRO JUSTO RUFINO GARAY ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING FÉLIX GUTIÉRREZ MÚSICA MÚSICA SCORE CARLOS PUEBLA, PEAK ACIDITY, REY CANEY & HIS ORCHESTRA, FINK, CECILE SCHOTT E CALLE 13 EDIÇÃO DE SOM EDICIÓN DE SONIDO SOUND EDITING DANIEL QUEROL SOM SONIDO SOUND GABRIELA VEGA VOZES VOCES VOICES CÉSAR TÉLLEZ E MIA MARCE PONGAN ASSISTENTES DE DIREÇÃO ASISTENTES DE DIRECCIÓN ASSISTANT DIRECTORS GABRIELA VEGA, JHOSAY PERALTA E RENÉ MEDINA CONCEPÇÃO DO CARTAZ CONCEPTO DEL CARTEL CREATION OF THE POSTER LUCERO MILLÁN VÍDEO E FOTOGRAFÍA VIDEO Y FOTOGRAFÍA VIDEO AND PHOTOGRAPHY FX PRODUCCIONES PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL FELIPE FRANÇA GONZALEZ (DIFUSA FRONTEIRA) Sandra Zea

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NICARÁGUA

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NICARÁGUA

LA CIUDAD VACÍA PT

A Nicarágua participa pela primeira vez do Mirada em 2018, nesse momento em que o país passa por uma crise séria, agravada pela flagrante violência de estado que matou diversos estudantes em protestos contra uma reforma previdenciária, em abril desse ano. A diretora e dramaturga Lucero Millán chegou a ser ameaçada e precisou deixar o país. O funcionamento do Teatro Justo Rufino Garay, sede do grupo com o mesmo nome, espaço de incomparável importância no cenário local, chegou a suspender as suas atividades devido à situação atual. Parece, portanto, ainda mais importante que a produção teatral do país circule por outras paragens da América Latina. O espetáculo faz uma reflexão sobre a capital Manágua, referindo-se a ela como uma não cidade, um lugar desabitado, onde não há mais um centro, nem um lugar de referência para encontrar as pessoas, e onde as casas, protegidas por grades, mais parecem cárceres. Um olhar ingênuo poderia ver nessa peça um “futuro distópico”, mas quem vive em cidades em que a polícia mata estudantes, crianças, bebês, seja na Nicarágua ou no Brasil, sabe que o aqui e agora da América Latina é pura distopia. Mas La ciudad vacía, que estreou em 2015, não leva nos ombros a carga de tensão do momento. Há reflexão e crítica social na sua proposta, sem dúvida. Contudo, a teatralidade jocosa e o desejo por dias melhores impedem uma abordagem fatalista do contexto. O foco

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Sandra Zea

Nicaragua participa por primera vez en el Mirada en 2018, justo en este momento en que el país pasa por una profunda crisis, agravada por la flagrante violencia del Estado, que provocó la muerte de varios estudiantes en protestas contra la reforma previsional, en abril de este año. Parece, por lo tanto, aun más importante que la producción teatral del país circule por otros lugares de América Latina. El espectáculo escrito y dirigido por Lucero Millán hace una reflexión sobre la situación de la ciudad de Managua, capital de ese país, y se refiere a ella como una no ciudad, un lugar deshabitado, en el que no hay más un centro, ni siquiera un lugar de referencia para que las personas se encuentren, y en la que las casas, protegidas con rejas, más bien parecen cárceles. Una mirada ingenua podría ver en esta obra lo que comúnmente se llama «futuro distópico». Sin embargo, cuando vivimos en ciudades en las que la policía mata a estudiantes, niños, bebés, ya sea en Nicaragua o en Brasil, sabemos que la realidad del presente ya es considerablemente distópica. El aquí y ahora de América Latina es pura distopía.

Nicaragua participates in Mirada for the first time in 2018, precisely at this moment when the country is in a deep crisis, made worse by the blatant violence of the government that caused the death of many students in protests against the social security reform last April. Therefore, it seems it is even more important for the country’s theater production to visit other locations in Latin America. The show written and directed by Lucero Millán reflects upon the situation of the capital of Managua, referring to it as non-city, an uninhabited place, where there is no longer a city center, not even a reference point to meet people, and where the houses, protected by fences, look more prisons. A naive gaze would see in this play what is commonly called a “dystopian future”. But when we live in cities where the police kills students, children, babies, be it in Nicaragua or Brazil, we know that the reality of the present already is considerably dystopian. Latin America’s here and now is sheer dystopia.

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Sandra Zea

está nas relações humanas. Os três personagens que se cruzam na peça estão imersos em buscas pessoais, enquanto a cidade se mostra desolada, um território em que, a princípio, não há o que encontrar. A personagem interpretada por Millán se pergunta onde está a luta. Mas mesmo que não haja resposta, é importante formular as perguntas. Se o que os personagens procuram não está ao seu alcance, a busca em si mesma já vale a pena. A luta, por mais árdua que seja, acaba por redesenhar uma geografia pela via do afeto. Os encontros e as amizades preenchem – em alguma medida – o vazio da cidade.

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Lucero Millán incluso llegó a recibir amenazas y debió abandonar el país. El funcionamiento del Teatro Justo Rufino Garay, sede del grupo que lleva el mismo nombre, espacio de enorme importancia para la escena local, se vio en la necesidad de suspender las actividades debido a la situación actual. Con todo, La ciudad vacía, estrenada en el 2015, no carga sobre sus hombros la tensión del momento. Sin dudas hay reflexión y crítica social en su propuesta. No obstante, la teatralidad jocosa y el deseo de días mejores impiden un abordaje fatalista del contexto. Los tres personajes que se encuentran están pasando por crisis personales profundas, mientras la ciudad se muestra desolada, pero el discurso de la obra no es de derrota. El personaje interpretado por la dramaturga y directora se pregunta dónde está la lucha. Aun cuando no haya una respuesta, es importante formular las preguntas. Si lo que buscan los personajes escapa a su alcance, la búsqueda en sí misma ya vale la pena. La lucha, por ardua que sea, redibuja la ciudad. Los encuentros, las amistades llenan –en cierta medida– su vacío.

Lucero Millán was even threatened and had to leave the country. Teatro Justo Rufino Garay, the headquarters of the group with the same name, a space of unparalleled significance in the local scene, was forced to cease its activities due to the current situation. But The Empty City, which premiered in 2015, does not carry the tension of the moment on its shoulder. Undoubtedly, there is reflection and social critique in the proposal. However, the playful theatricality and the desire for better days prevents a fatalist approach to the context. The three characters that meet are facing deep personal crises, while the city seems desolate, but the play’s discourse is not one of defeat. The character played by the playwright and director asks herself, “Where is the struggle?” Even if there are no answers, it is important to formulate the questions. If what the characters are looking for is not at their reach, the pursuit itself is worthwhile. The struggle, tough as it is, redesigns the city. The encounters, the friendships, fill – in 183 some measure – its emptiness.

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ESPETÁCULO CINE SPLENDID

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PA RA GUA I

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CINE SPLENDID

65 min

SARA PINHEIRO, PABLO LAMAR E RICARDO ALVES JR. (BRA/PAR)

Pablo Lamar

CONCEPÇÃO E DRAMATURGIA CONCEPCIÓN Y DRAMATURGIA CONCEPT AND DRAMATURGY SARA PINHEIRO DIREÇÃO DIRECCIÓN DIRECTION PABLO LAMAR E RICARDO ALVES JR. (BRASIL/PARAGUAI) DIREÇÃO DE ARTE DIRÉCCION DE ARTE ART DIRECTION RICARDO ALVES JR. ELENCO ELENCO CAST DIEGO MONGELÓS, DIRO ROMERO, GUADALUPE LOBO E NATALIA SANTOS ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO NO PARAGUAI ASISTENCIA DE DIRECCIÓN EN PARAGUAY ASSISTANT DIRECTOR IN PARAGUAY EDITH CORREA DIREÇÃO DE PRODUÇÃO DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN PRODUCTION DIRECTION MARIA MOURÃO PRODUÇÃO NO PARAGUAI PRODUCCIÓN EN PARAGUAY PRODUCTION IN PARAGUAY KAREN FRAENKEL PREPARAÇÃO DE ATORES PREPARACIÓN DE ACTORES ACTING COACH GERMANO MELO DESENHO DE SOM DISEÑO DE SONIDO SOUND DESIGN PABLO LAMAR ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING JÉSUS LATALIZA FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN MARIANA BLANCO IDENTIDADE VISUAL IDENTIDAD VISUAL VISUAL IDENTITY ESTÚDIO

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LAMPEJO REALIZAÇÃO DE “BOMBA NA SELVA DO TERROR” REALIZACIÓN DE “BOMBA EN LA SELVA DEL TERROR” PRODUCTION OF “BOMBA NA SELVA DO TERROR” LUIZ PRETTI ASSISTENTE ASISTENTE ASSISTANT GABRIELA ALBUQUERQUE CO-PRODUÇÃO CO-PRODUCTION COPRODUCCIÓN ENTREFILMES E ESPACIO E PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL EDINHO RODRIGUES (BRANCALYONE PRODUÇÕES)

PARAGUAI

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PARAGUAI

CINE SPLENDID PT

O projeto idealizado pela dramaturga brasileira Sara Pinheiro, de Belo Horizonte, tem com ponto de partida o livro El Crimen del Cine Splendid - Stroessner, los nazis y el Paraguay de la década del 60 de Juan Marcos González García e a história real de um assassinato numa sala de cinema em Assunção em 1961, durante a ditadura paraguaia. A linguagem cinematográfica é um dos eixos da encenação, assinada pelo cineasta mineiro Ricardo Alves Jr e por Pablo Lamar, nascido no Paraguai residente no Brasil. A fábula é atravessada por modos de narrar que dialogam com recursos do cinema. Na montagem, que articula simultaneidades e interferências entre os planos visual e sonoro, os fatos vão se revelando aos poucos e as imagens superpostas sugerem o contraste que baliza a dramaturgia: o horror da violência de estado camuflado pela propaganda de falsa tranquilidade nos regimes militares. Ao longo da peça, os episódios desconexos formam uma espécie de rumor, que expõe gradativamente as narrativas em disputa no imaginário de uma cidade sob uma ditadura. A dramaturgia opera por emparelhamentos de situações e discursos. Em um momento, o elenco simula o merchandising de produtos supérfluos vendidos como milagres e de armas de fogo como a proteção da família; em outro, ouvimos as

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Luiza Palhares

El proyecto creado por la dramaturga brasileña Sara Pinheiro, de Belo Horizonte, tiene como punto de partida el libro El crimen del cine Splendid, Stroessner, los nazis y el Paraguay de la década del 60 de Juan Marcos González García y la historia real de un asesinato en una sala de cine de Asunción en 1961, durante la dictadura paraguaya. El lenguaje cinematográfico es uno de los ejes de la escenificación, que lleva la firma del cineasta de Minas Gerais Ricardo Alves Jr. y por Pablo Lamar, nacido en Paraguay y residente en Brasil. La fábula es atravesada por modos de narrar que dialogan con recursos del cine. En el montaje, que articula simultaneidades e interferencias entre los planos visual y sonoro, los hechos se van revelando poco a poco y las imágenes superpuestas sugieren el contraste que distingue la dramaturgia: el horror de la violencia de estado camuflado por la propaganda de falsa tranquilidad en los regímenes militares. A lo largo de la obra, los episodios incoherentes forman una especie de rumor

The project conceived by Brazilian dramatist Sara Pinheiro, from Belo Horizonte, is based on Juan Marcos González García’s book El Crimen del Cine Splendid - Stroessner, los nazis y el Paraguay de la década del 60 and on the real story of a murder in a movie theater in Asunción in 1961, during the Paraguayan dictatorship. The language of cinema is one of the axes of the staging directed by Ricardo Alves Jr, from Minas Gerais, and by Pablo Lamar, who was born in Paraguay and lives in Brazil. The fable is intersected by ways of narrating that dialogue with film language resources. In this staging that articulates simultaneities and interferences between the visual and the sound dimensions, the facts are revealed little by little, and the juxtaposed images suggest the contrast that drives the dramaturgy: the horror of state violence camouflaged by the propaganda of false peacefulness in military regimes. Throughout the play, the disconnected

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Luiza Palhares

reportagens veiculadas nas salas de cinema alertando a população contra a ameaça “subversiva”; depois, o relato de uma cena de filme de terror; mais tarde, o horror real das torturas e assassinatos cometidos pelo estado. Assim, a peça ecoa muitas perguntas. Onde termina a reportagem e começa a propaganda nas narrativas midiáticas? Como foi construída a apatia e a cegueira da classe média latino-americana? Será que, como o vizinho que reclama do barulho tarde da noite, acabamos preferindo ouvir uma música que nos distraia do que enfrentar a escuta das narrativas do real?

que expone gradualmente las narrativas en contienda en el imaginario de una ciudad bajo una dictadura. La dramaturgia opera por emparejamientos de situaciones y discursos. En un momento, el elenco simula el merchandising de productos superfluos vendidos como milagros y de armas de fuego como protección para la familia; en otro, oímos los reportajes vehiculizados en las salas de cine que alertaban a la población contra la amenaza «subversiva»; a continuación, el relato de una escena de un film de terror; y, más tarde, el horror real de las torturas y los asesinatos cometidos por el Estado. Así, en la obra reverberan muchas preguntas. ¿Dónde termina el reportaje y comienza la propaganda en las narrativas mediáticas? ¿Cómo fue construida la apatía y la ceguera de la clase media latinoamericana? ¿Será que, como el vecino que se queja de los ruidos tarde a la noche, preferimos oír una canción que nos distraiga antes que atrevernos a escuchar las narrativas de lo real?

episodes compose a kind of rumor, which gradually exposes the competing narratives in the imaginary of a city under a dictatorship. The dramaturgy operates by pairing situations and discourses. In one moment, the cast simulates product placements of superfluous items sold as miracles and firearms as protection for the family; in another moment, we hear news reports screened in movie theaters warning the population against the “subversive” threat; then, the account of a horror movie scene; later, the real horror of the tortures and assassinations committed by the government. Thus, the play echoes many questions. Where does the news report end and the propaganda of media narratives begins? How were the apathy and blindness of the Latin-American middle-class constructed? Could it be that, like the neighbor who complains about the noise late at night, we end up preferring to hear a music that distracts us from the narratives of reality? 189

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ESPETÁCULOS MUCHO RUIDO POR NADA _ ÑAÑA

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MUCHO RUIDO POR NADA 140 min

MUITO BARULHO POR NADA

MUCH ADO ABOUT NOTHING

CHELA DE FERRARI

TEXTO TEXTO TEXT WILLIAM SHAKESPEARE DIREÇÃO E ADAPTAÇÃO DIRECCIÓN Y ADAPTACIÓN DIRECTION AND ADAPTATION CHELA DE FERRARI ELENCO ELENCO CAST CARLOS TUCCIO, CLARET QUEA, EMILRAM COSSÍO, ISMAEL CONTRERAS, JAVIER VALDÉS, LUIS SANDOVAL, ÓSCAR LÓPEZ-ARIAS, PABLO SALDARRIAGA, PAUL VEJA, PIETRO SIBILLE, RICARDO VELÁSQUEZ, RODRIGO SÁNCHEZ PATIÑO, RÓMULO ASSERETO E SERGIO GJURINOVIC DIRETOR ASSISTENTE DIRECTOR ASISTENTE ASSISTAN DIRECTOR FERNANDO CASTRO DIREÇÃO MUSICAL DIRECCIÓN MUSICAL MUSICAL DIRECTION SANTIAGO PILLADO-MATHEU CENOGRAFIA ESCENOGRAFÍA SET DESIGN LUIS ALBERTO LEÓN Y CHELA DE FERRARI FIGURINO VESTUARIO COSTUME DESIGN GUSTAVO VALDEZ ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING JESÚS REYES PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION NATALIA URRUTIA PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL PEDRO DE FREITAS (PÉRIPLO PRODUÇÕES) archivo Teatro La Plaza

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PERU

MUCHO RUIDO POR NADA PT

A montagem de Mucho ruido por nada de William Shakespeare produzida pelo Teatro La Plaza estreou em 2016, quando se completaram 400 anos da morte do autor. Na época de Shakespeare, as mulheres não podiam atuar; todos os personagens eram feitos por homens. A diretora peruana Chela De Ferrari optou por retomar essa tradição, mas sem imprimir uma ideia obvia de feminilidade aos papeis femininos. O elenco masculino não “imita” mulheres. As ideias de feminino e masculino são trabalhadas de maneira sensível, mostrando que o amor está muito além da normatividade da divisão binária de gêneros. A duração da peça é um convite ao disfrute do presente, a estar no teatro sem pressa, curtindo a companhia dos atores e dos músicos, que cantam versões em castelhano de canções românticas do Beatles. O clima é de descontração e informalidade, uma escolha que se expressa em todos os elementos. Os figurinos cotidianos, com elementos que apenas aludem aos personagens, aproximam os espectadores da intimidade de uma sala de ensaio. A disposição do público no espaço, que faz com que os espectadores estejam praticamente dentro da cena, também contribui para a criação de uma atmosfera de convívio. Mas a leveza que perpassa toda a montagem não deve ser confundida com descompromisso ou frivolidade.

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archivo Teatro La Plaza

El montaje de Mucho ruido por nada de William Shakespeare producida por Teatro La Plaza estrenó en 2016, a 400 años de la muerte del autor. En la época de Shakespeare, las mujeres no podían actuar; todos los personajes eran interpretados por hombres. La directora peruana Chela De Ferrari optó por retomar esta tradición, pero sin imprimir una idea obvia de feminidad a los papeles femeninos. El elenco masculino no “imita” mujeres. Las ideas de femenino y masculino son abordadas de manera sensible, mostrando que el amor está mucho más allá de la normatividad de la división binaria de géneros. La duración de la obra es una invitación a disfrutar del presente, a estar en el teatro sin prisa, disfrutando de la compañía de los actores y de los músicos, que cantan versiones en español de canciones románticas de los Beatles. El clima es descontracturado e informal, una elección que se expresa en todos los elementos. El vestuario cotidiano, con elementos que apenas aluden a los personajes, acercan los espectadores a la intimidad de una sala de ensayo. La disposición del público en

The staging of William Shakespeare’s Much Ado About Nothing produced by Teatro La Plaza premiered in 2016, at the 400th anniversary of the author’s death. In Shakespeare’s time, women were not allowed to act; all characters were played by men. Peruvian director Chela De Ferrari chose to rescue that tradition, but without ascribing an obvious notion of femininity to female roles. The male cast does not “imitate” women. The notions of feminine and masculine are addressed in a sensitive way, showing that love goes much beyond the normativity of the gender binary. The play’s running time is an invitation to delight in the present, to be in the theater unhurried, enjoying the company of the actors and musicians, who sing Spanish versions of romantic Beatles songs. The atmosphere is relaxed and informal, a choice that is expressed in every element. The quotidian costumes, with elements that only allude to the characters, bring the spectators into the intimacy of a rehearsal room. The audience’s disposition in space, which

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O entretenimento proporcionado pelo espetáculo é consequente: funciona como estratégia para construir com delicadeza uma predisposição à empatia que abre caminho para a escuta. Quanto mais o público se distrai com a narrativa, mais suave fica o caminho para as questões que Chela De Ferrari vai propor nos momentos finais da peça. Revisitando Shakespeare, como não questionar as velhas pressuposições sobre o comportamento da mulher e suas prioridades no mundo contemporâneo? E como não refletir sobre a presença dos corpos masculinos em cenas de amor romântico, especialmente neste conturbado início de século XXI, em que as pautas conservadoras estão arranhando os nossos calcanhares?

el espacio, que hace que los espectadores estén prácticamente dentro de la escena, también contribuye a crear una atmósfera de convivencia. Pero la levedad que atraviesa todo el montaje no debe ser confundida con falta de compromiso o frivolidad. El entretenimiento proporcionado por el espectáculo es consecuente: funciona como estrategia para construir con delicadeza una predisposición a la empatía que abre camino a la escucha. Cuanto más el público se distrae con la narrativa, más suave se vuelve el camino para las cuestiones que Chela De Ferrari va a proponer en los momentos finales de la obra. Revisitando Shakespeare, ¿cómo no cuestionar los viejos presupuestos sobre el comportamiento de la mujer y sus prioridades en el mundo contemporáneo? ¿Y cómo no reflexionar sobre la presencia de los cuerpos masculinos en escenas de amor romántico, especialmente en este conturbado inicio de siglo XXI, en que las pautas conservadoras están arañando nuestros talones?

places the spectators almost inside the scene, also contributes to create an atmosphere of togetherness. But the lightness that permeates the whole play should not be confused with frivolity or a lack of commitment. The entertainment afforded by the show has a purpose: it works as a strategy to delicately build a predisposition to empathy that opens the way for listening. The more the audience is distracted by the narrative, the smoother the path for the issues that Chela De Ferrari will propose in the final moments of the play. In revisiting Shakespeare, how can we not question the old assumptions about the behavior of women and their priorities in the contemporary world? And how can we not reflect upon the presence of male bodies in romantic love scene, especially at this troubled beginning of the 21st century, in which the conservative agenda is catching up to us? 195

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ÑAÑA 80 min

CLAUDIA TANGOA

acervo

DIREÇÃO E DRAMATURGIA DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA DIRECTION AND DRAMATURGY CLAUDIA TANGOA ELENCO ELENCO CAST ALEXA CENTURIÓN E VERONY CENTENO VOZ DO PAI VOZ DEL PADRE VOICE OF THE FATHER ALBERICK GARCÍA ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO ASISTENCIA DE DIRECCIÓN DIRECTION ASSISTANCE TELMO ARÉVALO PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION SILVIA TOMOTAKI ASSISTÊNCIA DE PRODUÇÃO ASISTENCIA DE PRODUCCIÓN PRODUCTION ASSISTANCE FRANCESCA BAXERÍAS DIREÇÃO AUDIOVISUAL E ILUMINAÇÃO DIRECCIÓN AUDIOVISUAL Y DISEÑO DE ILUMINACIÓN AUDIOVISUAL DIRECTION AND LIGHTING JULIÁN AMARU ESTRADA E RODO ARRASCUE DIREÇÃO MUSICAL DIRECCIÓN MUSICAL MUSICAL DIRECTION ALEJANDRO RIVAS E MARIA LAURA BUSTAMANTE DIREÇÃO DE ARTE E DESIGN DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO ART DIRECTION AND DESIGN JOSE IGNACIO BALAREZO FOTOGRAFIA FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY LESLIE HOSOKAWA PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL CÁSSIA DE SOUZA (SALA DE PRODUÇÃO)

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ÑAÑA PT

A dramaturga e diretora Claudia Tangoa conta a história real de duas mulheres nascidas em condições sociais muito diferentes. Elisa é de família pobre, trabalhava no campo desde pequena e era violentada pelo padrasto e pelos irmãos com a conivência da mãe. Depois de encontrá-la em sua propriedade e descobrir a sua situação, uma mulher entrega o caso à polícia e, anos depois, consegue adotá-la. Essa mulher é a mãe de Lucy, que vai ficar bem próxima de Elisa. Com poucos elementos cenográficos, as duas atrizes se apresentam e contextualizam a ação. Ao fundo, vemos em uma tela de projeção algumas imagens que parecem fazer referência direta à história real que está sendo ficcionalizada. As atrizes encenam diálogos e narram ações, sempre guardando alguma distância. A relação entre as duas revela as diferenças estruturais que marcam as condições de vida dessas mulheres. Com isso, a montagem atenta para o fato de que não há uma essência da natureza da mulher que possa aplainar reivindicações em discurso feminista único e coeso. As camadas de opressão variam radicalmente entre lugares sociais, produzindo visões de mundo que não podem ser conciliadas. Um dado interessante a se observar nesse trabalho é como o modo de narrar convida a um modo de olhar. A história de Elisa é contada pelo ponto de vista de

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Úrsula Pizarro

La dramaturga y directora Claudia Tangoa cuenta la historia real de dos mujeres nacidas en condiciones sociales muy diferentes. Elisa es de familia pobre, trabajaba en el campo desde pequeña y era violentada por el padrastro y por los hermanos con la connivencia de la madre. Después de encontrarla en su propiedad y descubrir su situación, una mujer entrega el caso a la policía y, años después, logra adoptarla. Esta mujer es la madre de Lucy, quien se volverá muy cercana a Elisa. Con pocos elementos escenográficos, las dos actrices se presentan y contextualizan la acción. Al fondo, vemos en una pantalla de proyección algunas imágenes que parecen hacer referencia directa a la historia real que es ficcionalizada. Las actrices escenifican diálogos y narran acciones, siempre guardando alguna distancia. La relación entre las dos revela las diferencias estructurales que marcan las condiciones de vida de estas mujeres. De esta manera el montaje señala el hecho de que no existe una naturaleza esencial de la mujer que pueda allanar sus reivindicaciones en un discurso feminista único y cohesivo. Las capas de opresión

Dramatist and director Claudia Tangoa tells the real history of two women who were born in very different social contexts. Elisa comes from a poor family, worked in the field since she was little and was raped by her stepfather and her brothers with her mother’s connivance. After finding her in her property and finding out about her situation, a woman hands the case over to the police and, years later, manages to adopt her. She is the mother of Lucy, who’ll become very close to Elisa. With few scenic elements, both actresses introduce themselves and contextualize the action. In a projection screen in the back, we see some images that seem to be a direct reference to the real story that is being fictionalized. The actresses enact dialogues and narrate actions, always keeping a distance. Their relationship reveals the structural differences that mark the conditions of the women’s lives. With that, the staging draws attention to the fact that there is no essence in women’s nature that can flatten out demands into a single

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acervo

Lucy, mulher branca de classe média – provavelmente o mesmo ponto de vista de muitas espectadoras de teatro no contexto de um festival. Mas a consciência das limitações do seu próprio lugar de fala parece proteger a dramaturgia do risco de impor um olhar paternalista à história de Elisa. É como se a cumplicidade costurada entre as duas personagens ao longo da peça fosse desarmando as camadas de julgamento que a narrativa feita por Lucy poderia trazer. O espetáculo não defende a ideia de que uma pode ser a “salvadora” da outra, não fetichiza a pobreza, nem a exclusão, e mostra que encaixar-se no padrão de uma vida burguesa pode simplesmente não ser possível – e nem mesmo desejável.

varían radicalmente entre lugares sociales, produciendo visiones de mundo que no pueden ser conciliadas. Un dato interesante a observar en este trabajo es cómo el modo de narrar invita a cierto modo de mirar. La historia de Elisa es contada desde el punto de vista de Lucy, mujer blanca de clase media –probablemente el mismo punto de vista de muchas espectadoras del teatro dentro el contexto de un festival. Pero la conciencia de las limitaciones de su propio lugar de enunciación parece proteger la dramaturgia del riesgo de imponer una mirada paternalista a la historia de Elisa. Es como si la complicidad cosida entre los dos personajes femeninos a lo largo de la obra fuese desarmando las capas de prejuicio que la narrativa contada por Lucy podría traer. El espectáculo, lejos de defender la idea de que una mujer puede ser la salvadora de otra, no fetichiza la pobreza ni la exclusión, sino que muestra que encajarse en los estándares de una vida burguesa puede simplemente no ser posible ni deseable.

cohesive feminist discourse. The layers of oppression vary radically across social places, producing worldviews that can’t be reconciled. What is interesting to observe in this work is how the way of narrating invites a way of gazing. Elisa’s story is told from the point of view of Lucy, a white middle-class woman – probably the same point of view of many theater spectators within the context of a festival. But the awareness of the limitations of its own perspective seems to protect the dramaturgy from the risk of imposing a paternalistic gaze on Elisa’s story. It is as if the trusting relationship built between the women throughout the play gradually disarms the layers of judgement that Lucy’s narrative could elicit. The play doesn’t defend the idea that one could be the “savior” of the other, doesn’t fetishize poverty or exclusion, and shows that fitting into a bourgeois lifestyle may simply not be possible – or even desirable. 199

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ESPETÁCULOS AMAZÓNIA _ UM MUSEU VIVO DE MEMÓRIAS PEQUENAS E ESQUECIDAS

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P O R T U G AL

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AMAZÓNIA 60 min

AMAZÔNIA

AMAZON

MALA VOADORA

TEXTO E DIREÇÃO TEXTO Y DIRECCIÓN WRITER AND DIRECTOR JORGE ANDRADE ASSISTÊNCIA DE ENCENAÇÃO ASISTENCIA DE PUESTA EN ESCENA STAGING ASSISTANCE MARIA JORGE ELENCO ELENCO CAST BRUNO HUCA, ISABÉL ZUAA, JANI ZHAO, JORGE ANDRADE, MARCO MENDONÇA, MARIA ANA FILIPE E WELKET BUNGUÉ CENOGRAFIA E FIGURINO ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO SET AND COSTUME DESIGN JOSÉ CAPELA TRILHA SONORA BANDA SONORA SOUNDTRACK RUI LIMA E SÉRGIO MARTINS ILUMINAÇÃO ILUMINACIÓN LIGHTING RUI MONTEIRO DIREÇÃO DE PRODUÇÃO DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN PRODUCTION DIRECTION SOFIA BERNARDO PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION LUNA REBELO COORDENAÇÃO DE MONTAGEM COORDINACIÓN DE MONTAJE COORDINATION OF ASSEMBLY DOMINGOS VARELLA MONTAGEM E OPERAÇÃO DE SOM MONTAJE Y OPERACIÓN DE SONIDO SOUND OPERATION AND ASSEMBLY PEDRO LIMA FOTOGRAFIAS DE CENA FOTOGRAFÍA DE ESCENA SCENE PHOTOS Jose Carlos Duarte

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JOSÉ CARLOS DUARTE VÍDEO DE DIVULGAÇÃO VÍDEO DE DIVULGACIÓN DISCLOSURE VIDEO JORGE JÁCOME E MARTA SIMÕES CENOTECNIA EDSON LUNA E KIKO GOMES COPRODUÇÃO COPRODUCCIÓN COPRODUCTION TEATRO MUNICIPAL SÃO LUIZ, TEATRO MUNICIPAL DO PORTO RIVOLI/CAMPO ALEGRE E THEATRO CIRCO PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL CARLA ESTEFAN (METROPOLITANA GESTÃO CULTURAL)

PORTUGAL

A MALA VOADORA É UMA ESTRUTURA FINANCIADA PELO GOVERNO DE PORTUGAL – MINISTÉRIO DA CULTURA/DIREÇÃO-GERAL DAS ARTES E ASSOCIADA D’O ESPAÇO DO TEMPO. MALA VOADORA ES UNA ESTRUCTURA FINANCIADA POR EL GOBIERNO DE PORTUGAL-MINISTERIO DE CULTURA/DIRECCIÓN GENERAL DE LAS ARTES Y ASOCIADA DE O ESPAÇO DO TEMPO. A MALA VOADORA IS A STRUCTURE FINANCED BY THE PORTUGUESE REPUBLIC – CULTURE MINISTRY / DIRECTORATE-GENERAL FOR THE ARTS AND ASSOCIATED WITH O ESPAÇO DO TEMPO.

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PORTUGAL

AMAZÓNIA PT

Talvez a primeira questão a se observar nessa peça da mala voadora, companhia portuguesa dirigida por Jorge Andrade, é a natureza do humor quando usado como posicionamento crítico diante de alguma situação. Como se conclui em Moçambique, outro trabalho do grupo que já esteve no Brasil, qualquer posicionamento ou atitude crítica leva apenas à desistência, pois todas as lutas já estão perdidas de antemão. Mas o modo como o humor faz parte dessa equação em Amazónia é bastante particular. O intuito da narrativa é o de exibir os deslimites da mentalidade colonizadora, que extrai lucro de tudo e de todos, sem preocupação com a vida dos indivíduos, dos grupos ou da natureza que explora. Para isso, a encenação mostra, de maneira crua, personagens, situações, diálogos e ideias que explicitam o racismo, a ganância, a brutalidade e a estupidez das pessoas que participam de empreendimentos guiados por esses valores. O empreendimento em questão na peça é uma novela “ecológica”, em que atores negros fazem personagens que representam o pensamento branco europeu capitalista, que considera negros africanos e índios latino-americanos como meros objetos a explorar e descartar. Paralelamente, o espetáculo ironiza o conceito de reciclagem, ligado à noção de ecologia – talvez uma

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Jose Carlos Duarte

Quizás la primera cuestión a observar en esta obra de la compañía portuguesa dirigida por Jorge Andrade, Maleta Voladora, sea la naturaleza del humor cuando se toma una posición crítica ante una situación. Tal como se ve en Moçambique, otro trabajo del grupo que se presentó en Brasil, puede llegarse a la conclusión de que toda actitud o posicionamiento crítico lleva irremediablemente a desistir, ya que todas las luchas están perdidas de antemano. Sin embargo, el modo en que el humor forma parte de esta ecuación en Amazônia es muy particular. La narrativa trata de mostrar lo ilimitado de la mentalidad colonizadora, que lucra con todo y con todos, sin tener en cuenta la vida de los individuos, ni de los grupos, ni de la naturaleza que explota. Para tanto, con la mayor crudeza, la puesta exhibe personajes, situaciones, diálogos e ideas que dejan explícito el racismo, la ganancia, la brutalidad y la estupidez de las personas que participan en emprendimientos guiados por esos valores. El emprendimiento en cuestión en esta obra es una novela «ecológica» en la que los actores negros

Perhaps the first issue to observe in this play by Mala Voadora, a Portuguese company directed by Jorge Andrade, is the nature of humor when used as a critical stance before a situation. As concluded in Moçambique, another work of the company that was performed in Brazil, any position or critical attitude can only result in giving up, since all battles have already been lost beforehand. But the way humor is a part of this equation in Amazon is very particular. The purpose of the narrative is to show the lack of boundaries of the colonizing mindset, which extracts profits out of everything and everyone, without caring about the life of the individuals, groups and nature it exploits. For that, the play shows, in a raw manner, characters, situations, dialogues, and ideas that reveal the racism, greed, brutality, and stupidity of the people participating in enterprises guided by those values. The enterprise in question is an “ecological” soap opera, in which black actors play characters that represent white European capitalist thinking, one that considers

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ideia que vem à mente quando europeus pensam sobre a Amazônia. Transpondo para a criação teatral o princípio da reutilização, o grupo ironiza a proposta de reciclagem no teatro tomando-a como algo literal: usar um mesmo cenário, figurino ou iluminação em diferentes montagens. Com isso, a dramaturgia entra em um círculo de chistes autorreferentes, apontando que os artistas não poupam nem a si mesmos na sua visão de que nada se salva no mundo em que vivem. Os criadores de Amazónia não querem ser bem intencionados. Afinal, se o teatro é parte desse mundo em que tudo está perdido, só lhe resta ser tão niilista e cínico como as multinacionais mencionadas ao longo da peça.

interpretan a personajes que representan el pensamiento blanco europeo capitalista, que considera a los negros africanos e indios latinoamericanos como meros objetos a explotar y descartar. En paralelo, el espectáculo ironiza el concepto de reciclado, relacionado con la noción de ecología –tal vez, la idea que viene a la mente de los europeos cuando piensan en la Amazonia–. Con una transposición del principio de reutilización a la creación teatral, el grupo ironiza la propuesta de reciclado en el teatro y lo toma literalmente: usar un mismo escenario, vestuario o iluminación para diferentes montajes. Así, la dramaturgia entra en un círculo de chistes autorreferenciales, y señala que ni los propios artistas quedan afuera de su visión de que nada se salva en el mundo en el que viven. Los creadores de Amazônia no quieren ser bienintencionados. A fin de cuentas, si el teatro es parte de este mundo en el que todo está perdido, solo le queda ser tan nihilista y cínico como las multinacionales mencionadas a lo largo de la obra.

black Africans and Latin-American natives as mere objects to be exploited and discarded. In parallel, the show ironizes the concept of recycling, associated to the notion of ecology – perhaps an idea that comes to mind when Europeans think about the Amazon. Transposing the principle of reutilization to theatrical language, the group ironizes the use of recycling in theater, taking it as something literal: using the same set, costume or lighting in different scenes. That way, the dramaturgy enters a cycle of selfreferential jokes, pointing out that artists do not spare themselves in their view that nothing can be saved in the world in which they live. The creators of Amazon do not want to be well intentioned. After all, if drama is a part of this world in which everything is lost, the only way out is to be as nihilistic and cynical as the multinationals mentioned throughout the play. 205

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UM MUSEU VIVO DE MEMÓRIAS PEQUENAS E ESQUECIDAS 330 min

UN MUSEO VIVO DE MEMORIAS PEQUEÑAS Y OLVIDADAS

A LIVING MUSEUM OF SMALL, FORGOTTEN AND UNWANTED MEMORIES

TEATRO DO VESTIDO

CONCEPÇÃO, PESQUISA, TEXTO, DIREÇÃO E INTERPRETAÇÃO CONCEPCIÓN, INVESTIGACIÓN, TEXTO, DIRECCIÓN E INTERPRETACIÓN CONCEPT, RESEARCH, SCRIPT, DIRECTION AND ACTING JOANA CRAVEIRO COLABORAÇÃO CRIATIVA E ASSISTÊNCIA COLABORACIÓN CREATIVA Y ASISTENCIA CREATIVE COLLABORATION AND ASSISTANCE ROSINDA COSTA E TÂNIA GUERREIRO FIGURINOS VESTUARIO COSTUMES AINHOA VIDAL ILUMINAÇÃO E VÍDEO ILUMINACIÓN Y VÍDEO LIGHTING AND VIDEO JOÃO CACHULO OPERAÇÃO DE LUZ E VÍDEO OPERADOR DE LUCES Y VIDEO LIGHTING AND SOUND OPERATION CARLOS RAMOS OPERAÇÃO DE SOM E ASSISTÊNCIA TÉCNICA OPERACIÓN DE SONIDO Y ASISTENCIA TÉCNICA SOUND OPERATION AND TECHNICAL ASSISTANCE IGOR DE BRITTO PRODUÇÃO PRODUCCIÓN PRODUCTION CLÁUDIA TEIXEIRA E JOANA CORDEIRO / TEATRO DO VESTIDO EM CO-PRODUÇÃO COM O NEGÓCIO/ ZDB E O TEATRO SÃO LUIZ PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL CÁSSIA DE SOUZA (SALA DE PRODUÇÃO)

TUNA Tdv

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O TEATRO DO VESTIDO É UMA ESTRUTURA FINANCIADA PELA REPÚBLICA PORTUGUESA, MINISTÉRIO DA CULTURA, DIRECÇÃO GERAL DAS ARTES. JOANA CRAVEIRO É ARTISTA RESIDENTE DO TEATRO VIRIATO. TEATRO DO VESTIDO ES UNA ESTRUCTURA FINANCIADA POR LA REPÚBLICA PORTUGUESA, MINISTERIO DE CULTURA, DIRECCIÓN GENERAL DE LAS ARTES. JOANA CRAVEIRO ES ARTISTA RESIDENTE DEL TEATRO VIRIATO. TEATRO DO VESTIDO IS A STRUCTURE FINANCED BY THE PORTUGUESE REPUBLIC / CULTURE MINISTRY / DIRECTORATE-GENERAL FOR THE ARTS. JOANA CRAVEIRO IS A RESIDENT ARTIST AT TEATRO VIRIATO.

PORTUGAL

ESPETÁCULO EM PARCERIA COM FIT-BH. LA OBRA VIENE A BRASIL COMO RESULTADO DE LA COLABORACIÓN ENTRE EL MIRADA Y EL FIT-BH. THE PLAY COMES TO BRAZIL AS A RESULT OF A PARTNERSHIP BETWEEN MIRADA AND FIT-BH.

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PORTUGAL

UM MUSEU VIVO DE MEMÓRIAS PEQUENAS E ESQUECIDAS PT

Que epistemologias temos em mente quando pensamos no discurso historiográfico e nos seus modos de difusão? Embora as teorias da história tenham sido atravessadas por todas as crises das narrativas ao longo do século XX, o status quo do conhecimento científico ainda está bastante enraizado num modo de ver o mundo que é abstrato e racionalista, que se pretende neutro e universal. As noções comuns de conhecimento e ciência continuam sendo pautadas por critérios escorregadios como imparcialidade e objetividade. O teatro documentário contemporâneo e outras modalidades afins, como as conferências não acadêmicas, têm se mostrado modos instigantes de produção de saber que não excluem a inventividade, o afeto, a parcialidade e a subjetividade. Em Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, Joana Craveiro estabelece desde o início que vai falar sobre uma parte da história do seu país que ela não viveu. Em suas palestras performativas, ela reflete sobre os tempos da ditadura, sobre a Revolução dos Cravos e o período pós-revolucionário, justamente do ponto de vista de uma mulher da sua geração. O título é bastante significativo. Ela não consulta a história oficial, mas as memórias pessoais, com todas as subjetividades que carregam, e vai olhar para as

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¿Qué epistemologías tenemos en mente cuándo pensamos en el discurso historiográfico y en sus modos de difusión? Aunque las teorías de la historia hayan sido atravesadas por todas las crisis de las narrativas a lo largo del siglo XX, el estatus quo del conocimiento científico aún está bastante arraigado en un modo de ver el mundo que es abstracto y racionalista, que se pretende neutral y universal. Las nociones comunes de conocimiento y ciencia siguen siendo pautadas por criterios resbaladizos como la imparcialidad y la objetividad. El teatro documental contemporáneo y otras modalidades afines, como las conferencias no académicas, se han mostrado como modos instigadores de producción de saber que no excluyen la invención, el afecto, la parcialidad y la subjetividad. En Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, Joana Craveiro establece desde el inicio que hablará sobre una parte de la historia de su país que ella no vivió. En sus exposiciones performativas, reflexiona sobre los tiempos de la dictadura, sobre la Revolución de los Claveles y el período

What epistemologies do we have in mind when we think about the historiographic discourse and its modes of dissemination? Although the theories of history have been traversed by all the narrative crises throughout the 20th century, the status quo of scientific knowledge is still very much embedded in an abstract and rationalistic worldview that claims to be neutral and universal. The common notions of knowledge and science continue to be driven by slippery criteria such as impartiality and objectivity. Contemporary documentary theater and other similar modalities, such as nonacademic conferences, have proven to be thought-provoking modes of knowledge production that do not exclude inventiveness, affects, partiality and subjectivity. In Um museu vivo de memórias pequenas e esquecidas, Joana Craveiro makes it clear from the beginning that she is going to discuss a part of her country’s history she did not experience. In her

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Suzana Neves

coisas pequenas (que na verdade são imensas) e esquecidas (que a peça faz com que sejam lembradas). O seu museu é vivo: tem corpo, voz, sotaque, dúvida, emoção. Está aberto à escuta e ao convívio. Por mais profunda e legítima que seja a sua pesquisa, ela não assume o lugar de especialista. Sua fala é de artista: a sua capacidade de elaboração sobre os fatos é criativa e afetuosa. Uma das coisas que o Teatro do Vestido faz pensar com esse trabalho é que o teatro tem muito a dizer sobre as formas de produção e transmissão de conhecimento, sobre os modos tradicionais de compartilhamento de experiências, sobre a natureza mesma do saber e do pensar. Muito a dizer e, sobretudo, muito a fazer.

posrevolucionario, justamente desde el punto de vista de una mujer de su generación. El título es bastante significativo. Ella no consulta la historia oficial, sino las memorias personales, con todas las subjetividades que cargan, y detiene su mirada en las cosas pequeñas (que en verdad son inmensas) y olvidadas (que la obra hace que sean recordadas). Su museo es vivo: tiene cuerpo, voz, acento, duda, emoción. Está abierto a la escucha y a la convivencia. Por más profunda y legítima que sea su investigación, Craveiro no asume el lugar del especialista. Su discurso es el de una artista: su capacidad de elaboración sobre los hechos es creativa y afectuosa. Una de las cosas que el Teatro do Vestido hace pensar con este trabajo es que el teatro tiene mucho que decir sobre las formas de producción y transmisión de conocimiento, sobre los modos tradicionales de compartir las experiencias, sobre la naturaleza del saber y de pensar. Mucho que decir y, sobre todo, mucho que hacer.

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performative lectures, she reflects upon the times of the dictatorship, the Carnation Revolution and the postrevolutionary period, precisely from the point of view of a woman of her generation. The title is very significant. She does not consult the official history, but personal memories, with all the subjectivity they entail, and looks at the small things (which are actually huge) that are forgotten (and the play brings back to mind). Her museum is a living one: it has a body, a voice, an accent, doubts, emotions. It is open to listening and togetherness. Even though her research is profound and legitimate, she doesn’t assume the role of a specialist. Her speech is that of an artist: her ability to elaborate on the facts is creative and affective. One of the things Teatro do Vestido makes us think about with this work is that theater has a lot to say about the modes of knowledge production and dissemination, about the traditional ways of sharing experiences, about the very nature of knowing and thinking. A lot to say and, above all, a lot to do.

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ESPETÁCULOS EL BRAMIDO DE DÜSSELDORF _ LÍTOST, LA FRUSTRACIÓN

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EL BRAMIDO DE DÜSSELDORF 100 min

O BRAMIDO DE DÜSSELDORF

THE BELLOW OF DÜSSELDORF

SERGIO BLANCO

TEXTO E DIREÇÃO TEXTO Y DIRECCIÓN WRITTEN AND DIRECTED BY SERGIO BLANCO ELENCO ELENCO CAST GUSTAVO SAFFORES, SOLEDAD FRUGONE E WALTER REY VIDEOARTE VIDEOARTE VIDEO ART MIGUEL GROMPONE CENOGRAFIA, FIGURINO E ILUMINAÇÃO ESCENOGRAFÍA, VESTUARIO E ILUMINACIÓN SET DESIGN, COSTUME DESIGN AND LIGHTING LAURA LEIFERT E SEBASTIÁN MARRERO DESENHO DE SOM DISEÑO DE SONIDO SOUND DESIGN FERNANDO TATO CASTRO PREPARAÇÃO VOCAL PREPARACIÓN VOCAL VOCAL PREPARATION SARA SABAH PREPARAÇÃO DE BAIXO PREPARACIÓN DE BAJO BASS PREPARATION NICOLÁS ROMÁN COMUNICAÇÃO E IMPRENSA COMUNICACIÓN Y PRENSA PRESS RELATIONS AND COMMUNICATION VALERIA PIANA IMAGEM DE CAPA IMAGEN DE TAPA PROMOTION IMAGE RUBÉN LARTIGUE DESIGN DISEÑO DESIGN AUGUSTO GIOVANETTI FOTOGRAFIA FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY NARÍ AHARONIÁN ASSISTÊNCIA DE DIREÇÃO ASISTENCIA DE DIRECCIÓN DIRECTION ASSISTANT JUAN MARTÍN SCABINO Nairí Aharonián

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PRODUÇÃO E DISTRIBUIÇÃO PRODUCCIÓN Y DISTRIBUCIÓN PRODUCTION AND DISTRIBUTION MATILDE LÓPES ESPASANDÍN PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL RAQUEL DAMMOUS (ARTE RUMO PRODUÇÕES ARTÍSTICAS)

URUGUAI

APOIO APOYO SUPPORT INSTITUTO NACIONAL DE ARTES ESCÉNICAS (INAE) URUGUAY E TEATRO SOLIS

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EL BRAMIDO DE DÜSSELDORF PT

A autoficção é uma modalidade de escrita que tem sido mais discutida na crítica literária que no âmbito do teatro. O termo foi cunhado por um escritor francês nos anos 1970 e está ganhando espaço nos debates contemporâneos sobre as artes, talvez por conta do aprofundamento das questões relativas à elaboração da auto-imagem nas últimas décadas. Mas não há consenso sobre as suas premissas. A diferença para a autobiografia pode ser bastante tênue, afinal, qualquer biografia faz uso de procedimentos da ficção, por mais sério que seja o seu compromisso com a verdade. De qualquer modo, ela é parente da autobiografia na medida em que o “eu” de quem escreve é uma questão central para a obra. As encenações de Sergio Blanco já apresentam uma dobra a priori que a literatura não permite: um ator que fala por ele na primeira pessoa do singular. Isso acontece em A ira de Narciso, que esteve no Mirada em 2016, e em El bramido de Düsseldorf, que está na programação em 2018. Assim, o “pacto de mentira” – expressão usada por Blanco para definir a autoficção – fica mais evidente. Além do território indistinto da identidade, que oscila entre criação e autorreferência, o ator faz uma espécie de cover do autor. A montagem também joga com a ideia do cover quando o elenco dubla canções de um repertório pop.

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Nairí Aharonián

La autoficción es una modalidad de la escritura que ha sido más discutida en la crítica literaria que en el ámbito del teatro. El término fue acuñado por un escritor francés en los años 70 y está ganando espacio en los debates contemporáneos sobre las artes, quizás, debido a la profundización de las cuestiones relacionadas con la elaboración de la autoimagen en las últimas décadas. Sin embargo, no hay consenso sobre sus premisas. La diferencia con la autobiografía puede ser muy tenue, en definitiva, toda biografía utiliza los procedimientos de la ficción, por más serio que sea su compromiso con la verdad. De todos modos, es una pariente de la autobiografía en la medida en que el «yo» de quien escribe es un elemento central para la obra. La puesta en escena de Sergio Blanco presenta un pliegue que a priori la literatura no permite: un actor que habla por sí mismo en la primera persona del singular. Lo mismo sucede en La ira de Narciso, que pudo verse en Mirada en el 2016, y en El bramido de Düsseldorf, que está en la programación en el 2018. Así, el «pacto de mentira» –

Autofiction is a genre of writing that has been more discussed in literary criticism than within theater. A French writer coined the term in the 1970’s and it has since gained ground in contemporary arts debates, perhaps because of the deepening of matters related to the elaboration of self-images in the last decades. However, there is no consensus about its premises. The line dividing autofiction and autobiography can be thin; after all, any biography uses fictional procedures, however serious its commitment to the truth may be. Anyhow, autofiction is related to autobiography to the extent that the “I” of the writer is a central issue for the work. Sergio Blanco’s stagings already present an a priori fold that literature does not allow: an actor that speaks for him in the first-person singular. That happens in La ira de Narciso, which was presented in the 2016 edition of Mirada, and in El bramido de Düsseldorf, part of the 2018 edition. Thus, the “pact of lie” – an expression used by Blanco to define autofiction – becomes more

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Nairí Aharonián

Assim, um dos aspectos mais significativos do espetáculo é o humor na lida com a linguagem. Por diversas vezes, a peça ironiza a dimensão de egotrip dessa modalidade de escrita. Elogiando-se, o autor brinca com o aspecto egóico de tratar a si mesmo como um personagem que é um escritor reconhecido, importante, que recebe convites e tem uma carreira internacional. Além do chiste com o cover (que pressupõe o original como um astro), a ideia de que um escritor é uma pessoa culta e inteligente também é ironizada pelas referências a consultas à Wikipédia. Afinal, por mais reconhecido que seja um dramaturgo e diretor de teatro, ver-se como uma espécie de celebridade só é possível com disposição para rir de si mesmo.

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expresión que usa Blanco para definir la autoficción– se hace más evidente. Más allá del territorio indistinto de la identidad, que oscila entre la creación y la autorreferencia, el actor hace una especie de cover del autor. El montaje también juega con la idea de cover cuando el elenco dobla canciones de un repertorio pop. Así, uno de los aspectos más significativos del espectáculo es el humor en disputa con el lenguaje. En varias ocasiones, la obra ironiza la dimensión de egotrip de esta modalidad de escritura. Al elogiarse, el autor juega con el aspecto egoico de tratarse a sí mismo como un personaje que es un escritor reconocido, importante, que recibe invitaciones y que tiene una carrera internacional. Más allá del chiste del cover (que presupone que el original es un astro), se ironiza con la idea de que un escritor es una persona culta e inteligente a través de las referencias a consultas en Wikipedia. A fin de cuentas, por más reconocido que sea un dramaturgo y director de teatro, verse como una especie de celebridad solo es posible con buena disposición para reírse de sí mismo.

evident. Besides the indistinct territory of identity, which oscillates between creation and self-reference, the actor does a type of cover version of the author. The staging also plays with the idea of covering when the cast dubs songs from a pop repertoire. This way, one of the most significant aspects of the show is the humor in dealing with language. Many times, the play ironizes the ego trip dimension of this writing genre. Complimenting himself, the author plays with the egotistical aspect of treating yourself as a character that is an important well known writer, who gets invitations and has an international career. Besides the joke with the cover (which presupposes the original character as a star), the idea that a writer is a cultured, intelligent person is also ironized by the references to Wikipedia checks. After all, as much as a playwright and drama director could be recognized, seeing yourself as a type of celebrity is only possible if you are willing to laugh at yourself. 215

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LÍTOST, LA FRUSTRACIÓN 75 min

LÍTOST, A FRUSTRAÇÃO

LÍTOST, THE FRUSTRATION

JIMENA MÁRQUEZ

TEXTO E DIREÇÃO TEXTO Y DIRECCIÓN WRITER AND DIRECTOR JIMENA MÁRQUEZ ELENCO ELENCO CAST GABRIELA IRIBARREN, JIMENA VÁZQUEZ E SANTIAGO DUARTE ILUMINAÇÃO E AMBIENTAÇÃO DO ESPAÇO CÊNICO ILUMINACIÓN Y AMBIENTACIÓN DEL ESPACIO ESCÉNICO LIGHTING AND SCENIC SPACE AMBIENCE INÉS IGLESIAS SELEÇÃO MUSICAL E COREOGRAFIAS SELECCIÓN MUSICAL Y COREOGRAFÍAS MUSICAL SELECTION AND CHOREOGRAPHY SANTIAGO DUARTE DESIGN DISEÑO DESIGN VIRGINIA CABRERA FOTOS FOTOS PHOTOS GABRIEL PAEZ E MAURO MARTELLA PRODUÇÃO GERAL PRODUCCIÓN GENERAL GENERAL PRODUCTION MEDIO MUNDO GESTIÓN CULTURAL PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCER CAROLINA ESCAJAL PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL DORA LEÃO (PLATÔ PRODUÇÕES) ASSISTENTE ASISTENTE ASSISTANT GRAZI VIEIRA TÉCNICA TÉCNICA TECHNICAL RONALDO ZERO Mauro Martella

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APOIO: INSTITUTO NACIONAL DE ARTES ESCÉNICAS (INAE) URUGUAY. APOYO: INSTITUTO NACIONAL DE ARTES ESCÉNICAS (INAE) - URUGUAY. SUPPORT: INSTITUTO NACIONAL DE ARTES ESCÉNICAS (INAE) URUGUAY.

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LÍTOST, LA FRUSTRACIÓN Mauro Martella

As duas peças uruguaias que estão na programação da quinta edição do Mirada apresentam experimentações sobre a forma da narrativa no teatro. Lítost, la frustración é uma peça que fala, sobretudo, da linguagem. Mas não apenas da linguagem do teatro, das artes, mas também da linguagem do dia a dia – que geralmente não nos damos conta do quanto é elaborada, do quanto depende de uma série de convenções e pactos que naturalizamos sem perceber. A peça oferece diferentes versões da história de uma família, formada por uma mãe e dois filhos. As duas gerações não se entendem e, para piorar, a mãe desconta sua frustração nos dois. A diferença entre as gerações aparece especialmente no que diz respeito à expectativa de normatividade quanto ao gênero de cada um. A mãe insiste que a filha dance para ganhar dinheiro, mas quem tem talento para a dança é o filho, que não fala nada durante a peça, apenas se expressa pelo movimento. A mãe não aceita que o filho dance simplesmente porque ele é homem – sendo bastante agressiva por conta disso. A filha defende o irmão e fala a sua língua: ela consegue traduzir em palavras o que ele quer dizer pela dança. Ela se dedica a colecionar palavras que não têm tradução direta em outro idioma, que precisam ser traduzidas, por assim dizer, por extenso. Por exemplo,

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Las dos obras uruguayas que figuran en la programación de la quinta edición del festival Mirada presentan experimentaciones sobre la forma de la narrativa en teatro. Lítost, la frustración es una obra que habla, principalmente, del lenguaje. Pero no solo del lenguaje del teatro, de las artes, sino también del lenguaje del día a día –que generalmente no percibimos cuán elaborado es, cuánto depende de una serie de convenciones y pactos que naturalizamos sin darnos cuenta–. La obra presenta diferentes versiones de la historia de una familia formada por una madre y dos hijos. Estas dos generaciones no logran entenderse y, peor aún, la madre descarga su frustración en ambos hijos. La diferencia generacional aparece especialmente en lo que se refiere a la expectativa de normatividad en cuanto al género de cada uno. La madre insiste en que la hija baile para ganar dinero, pero el que tiene talento para la danza es el hijo, que no habla durante toda la obra, solo se expresa a través del movimiento. La madre no acepta que el hijo baile simplemente porque es hombre, y se muestra muy agresiva a causa de eso.

The two Uruguayan productions in the fifth edition of Mirada present experimentations upon the form of theatrical narrative. Lítost, la frustración is a play that speaks, above all, about language. Not only the language of theater, of the arts, but also everyday language – which we usually do not perceive as something highly elaborate and dependent on a series of conventions and pacts we normalize without noticing. The play presents different versions of the story of a family, consisting of a mother and two children. The two generations do not get along and, to make things worse, the mother takes her frustration out on the kids. The difference between the generations shows up specially when it comes to expectations about gender normativity. The mother pushes the daughter to dance in order to make money, but the one with a talent for dancing is the boy, who remains silent throughout the play, expressing himself only by moving. The mother does not accept her son’s dancing just because he is a man – and she is very aggressive about it.

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Lítost é um termo tcheco que designa o estado em que uma pessoa se encontra no momento em que se dá conta da própria infelicidade. Outras palavras como essa aparecem nos diálogos entre a mãe e a filha, de modo que a peça também funciona como um léxico de sentimentos complexos. Nada no espetáculo é tratado de maneira literal. As duas atrizes, que fazem mãe e filha, estão sempre comentando as situações. A violência que há no trato entre as personagens é colocada com humor e com leveza, mas nem por isso a brutalidade dessas relações deixa de aparecer. A busca por palavras que contenham emoções indizíveis é semelhante à investigação da cena, que procura dar conta de situações e sentimentos que escapam à representação.

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La hija defiende al hermano y habla su lengua: logra traducir en palabras lo que él intenta decir por medio de la danza. Ella se dedica a coleccionar palabras que no tienen traducción directa a otro idioma, que necesitan traducirse, por decirlo de alguna manera, explicadas. Por ejemplo, Lítost es un término checo que designa el estado en el que se encuentra una persona en el momento en el que se da cuenta de su propia infelicidad. Otras palabras por el estilo aparecen en los diálogos entre madre e hija, de manera que la obra también funciona como un léxico de sentimientos complejos. Nada en este espectáculo se trata de forma literal. Las dos actrices que hacen de madre e hija comentan en todo momento las situaciones. La violencia que existe en el trato entre personas se plantea con humor y levedad, pero no por eso deja de aparecer la brutalidad de esas relaciones. La búsqueda de palabras que contengan emociones indecibles es equiparable a la investigación de la escena, que trata de dar cuenta de las situaciones y de los sentimientos que escapan a la representación.

The daughter defends her brother and speaks his language: she is able to translate into words what he wants to say through dance. She dedicates herself to collecting words that have no direct translation to the other idiom, and need to be translated, so to speak, in full. For instance, lítost is a Czech term that designates the state in which people find themselves at the moment they become aware of their own unhappiness. Other words such as that one appear in the dialogues between mother and daughter, so that the play also works as a lexicon of complex feelings. Nothing in this play is treated in a literal way. Both actresses, playing mother and daughter, are always talking about what goes on. The violence in the way they treat each other is shown humorously and lightly, but the brutality of the relationship nevertheless appears. The search for words that contain unspeakable emotions is similar to the investigation of the scene, which seeks to account for the situations and feelings that escape the acting. 219

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INSTALAÇÃO

INSTALACIÓN

TOPOGRAFÍAS: UTOPÍAS Y DISTOPÍAS

TOPOGRAFIAS: UTOPIAS E DISTOPIAS

INSTALLATION EN

TOPOGRAPHIES: UTOPIAS AND DYSTOPIAS

MAPA TEATRO

Renato Bolleli Rebouças

CONCEPÇÃO E DESIGN CONCEPCIÓN Y DESIGN / CONCEPTION AND DESIGN MAPA TEATRO E RENATO BOLELLI REBOUÇAS DIREÇÃO TÉCNICA DIRECCIÓN TÉCNICA TECHNICAL DIRECTION JULIO CESARINI EQUIPE DE COORDENAÇÃO MAPA TEATRO EQUIPO DE COORDINACIÓN MAPA TEATRO COORDINATING TEAM MAP THEATER JEAN FRANÇOIS DUBOIS, JOSÉ IGNACIO RINCÓN E SANTIAGO SEPÚLVEDA COORDENAÇÃO DE ILUMINAÇÃO COORDINACIÓN DE ILUMINACIÓN LIGHTING COORDINATION PATRICIA SAVOY E IGOR SANE COORDENAÇÃO AUDIOVISUAL COORDINACIÓN AUDIOVISUAL AUDIOVISUAL COORDINATION RODRIGO GAVA CENOTECNIA ANDRÉ ROSSANEIS, ENRIQUE CASAS, FERNANDO ZIMOLO, LARA BORDIN, RAFAEL ALCÂNTARA, WANDERLEY WAGNER DA SILVA PRODUÇÃO NO BRASIL PRODUCCIÓN EN BRASIL PRODUCTION IN BRAZIL ANDREA CARUSO SATURNINO, RICARDO FRAYHA E RICARDO MUNIZ FERNANDES (PERFORMAS PRODUÇÕES E PROD.ART.BR)

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COLÔMBIA

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COLÔMBIA

TOPOGRAFIAS: UTOPIAS E DISTOPIAS PT

Em uma selva cenográfica, um drive-in exibe filmes antigos de ficção científica, nos quais as ideias de futuro não correspondem à realidade do presente. Na plateia, um carro dos anos 1940, reluzente como o consumismo imperialista, e duas carcaças de automóveis que lembram a destruição causada por esse mesmo projeto. A convivência de ideias conflitantes, como natural e artificial, realidade e ficção, e complementares, como tecnologia e progresso, problematizam as relações entre as expectativas de futuro (o sonho) e o colapso, a destruição. Criada especialmente para o Festival, nessa instalação do Mapa Teatro, o movimento da iluminação acelera a percepção do tempo. La no do de

despedida, peça que o grupo colombiano apresenta Mirada, também aborda o abismo entre as utopias passado e as situações distópicas da América Latina hoje.

Pierre Planchenaut

En una selva escenográfica, un drive-in exhibe viejas películas de ciencia ficción, en las que las ideas acerca del futuro no se corresponden con la realidad del presente. Entre el público, se puede ver un automóvil de la década de 1940, reluciente muestra del consumismo capitalista, y dos carcasas de automóviles que remiten a la destrucción causada por ese mismo proyecto. La convivencia de las ideas en conflicto, como lo natural y lo artificial, la realidad y la ficción, y de las ideas complementarias, como la tecnología y el progreso, problematizan las relaciones entre las expectativas de futuro (el sueño) y el colapso, la destrucción. Creada especialmente para el Festival, esta instalación de Mapa Teatro, el movimiento de la iluminación acelera la percepción del tiempo. La despedida, obra que el grupo colombiano presenta en Mirada, aborda también el abismo que existe entre las utopías del pasado y la situaciones distópicas de la América Latina de hoy.

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In a scenic jungle, a drive-in theater screens old science fiction movies, in which the ideas about the future do not match the reality of the present. In the audience, a car from the 1940’s, sparkling like imperialist consumerism, and two carcasses of cars recall the destruction caused by that very project. The coexistence of conflicting ideas, like natural and artificial, reality and fiction, and complementary ones, like technology and progress, problematizes relationships between expectations for the future (the dream) and collapse, destruction. Created especially for the Festival, Mapa Teatro’s installation, the movement of the lighting speeds up the perception of time. The Farewell, the play the Colombian group performs at Mirada, also approaches the abyss between the utopias of the past and the dystopian situations of Latin America today.

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ATIVIDADES FORMATIVAS O Mirada chega em sua quinta edição cumprindo seu intuito de reunir um panorama de obras que representem a produção ibero-americana contemporânea em artes cênicas e, ao mesmo tempo, de realizar uma série de ações formativas que reverberem esse pensamento, promovendo um diálogo que envolva artistas, pesquisadores, curadores, jornalistas e o público interessado. Discussões, intercâmbios, trocas de experiências, reflexões sobre as poéticas, estéticas e políticas do fazer teatral são atividades que farão parte do festival. Temas como o colonialismo, os corpos e territórios políticos, as vozes femininas, a memória e a oralidade, tão presentes nos trabalhos dos 13 países representados no Mirada 2018, serão amplamente abordados nestes dez dias de trocas.

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ACTIVIDADES FORMATIVAS Llega la quinta edición del festival Mirada, cumpliendo su doble propósito de hacer confluir un panorama de obras que representen la producción iberoamericana contemporánea en las artes escénicas y, al mismo tiempo, de llevar a cabo una serie de acciones formativas que sean una reverberación de ese pensamiento, que promuevan el diálogo entre los artistas, investigadores, curadores, periodistas y el público interesado. El festival estará atravesado por las discusiones, los intercambios, la puesta en común de las experiencias, las reflexiones sobre las poéticas, estéticas y políticas del quehacer teatral. Los temas como el colonialismo, los cuerpos y los territorios políticos, las voces femeninas, la memoria y la oralidad, tan presentes en los trabajos de los 13 países representados en Mirada 2018, se discutirán en profundidad durante los días que dure este encuentro.

FORMATIVE ACTIVITIES Mirada reaches its fifth edition fulfilling the twofold mission of bringing together a panorama of works that represent the contemporary Ibero-American performing arts production and, at the same time, carrying out a series of training activities that reverberate that thinking, stimulating a dialogue involving artists, researchers, curators, journalists and the interested public. Debates, exchanges, shared experiences, and reflections about the poetics, aesthetics and politics of theater-making will be part of the festival. Issues like colonialism, political bodies and territories, feminine voices, memory and orality, so present in the works from the 13 countries represented in Mirada 2018, will be widely discussed in the ten days of exchanges.

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ATIVIDADES FORMATIVAS

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RESPOSTAS AO COLONIALISMO PT

Os diversos modos de elaboração artística no teatro contemporâneo acerca da herança colonial latino-americana são debatidos por Pedro Kosovski, Gustavo Colombini e Nicolás Espinoza à luz de suas obras Guanabara Canibal, Colônia e NIMBY – Nosostros somos los Buenos, presentes no Mirada.

RESPUESTAS AL COLONIALISMO ES

Pedro Kosovski, Gustavo Colombini y Nicolás Espinoza debaten los diversos modos de elaboración artística en el teatro contemporáneo en torno a la herencia colonial latinoamericana a la luz de sus obras Guanabara Caníbal, Colônia y NIMBY – Nosotros somos los buenos, que se presentarán en Mirada.

GUSTAVO COLOMBINI é dramaturgo e diretor teatral formado pela Universidade de São Paulo (USP). Integrou a terceira turma do Núcleo de Dramaturgia SESI - British Council, em São Paulo. É autor da peça O silêncio depois da chuva, indicada ao Prêmio Shell de Teatro de São Paulo e Colônia, ao prêmio APCA. É integrante e cofundador do grupo artístico Cinza, ao lado do dramaturgo João Turchi. Ministrou oficinas e cursos sobre dramaturgia e escrita experimental em diversas cidades brasileiras, e também na Argentina, Bolívia e Chile.

GUSTAVO COLOMBINI es dramaturgo y director de teatro recibido en la Universidad de San Pablo (USP). Integró el tercer grupo del Núcleo de Dramaturgia SESI-British Council, en San Pablo. Es autor de la obra O silêncio depois da chuva, nominada al premio Shell de teatro de San Pablo y de Colônia, nominada al premio APCA. Es integrante y cofundador del grupo artístico Cinza, junto al dramaturgo João Turchi. Dictó talleres y cursos sobre dramaturgia y escritura experimental en diversas ciudades brasileñas, y también en la Argentina, Bolivia y Chile.

NICOLÁS ESPINOZA é diretor de teatro chileno. Formado em teatro pela Universidad Católica Chile, com mestrado pela Universidade Bordeaux Montaigne, na França. Em 2012, fundou o Colectivo Zoológico com Laurène Lemaitre. Dirigiu Conversaciones sobre el futuro (2012), Un enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen (2014), No tenemos que sacrificarnos por los que vendrán (2015), DARK (2016) e NIMBY, nosotros somos los buenos (2017). Atualmente, está preparando novas criações com Laurène Lemaitre junto ao Colectivo Zoológico.

NICOLÁS ESPINOZA es un director de teatro chileno. Cursa sus estudios de teatro en la Universidad Católica de Chile y de Magister en la Universidad Michel de Montaigne, en Francia. En el 2012, fundó el Colectivo Zoológico junto con Laurène Lemaitre. Su trabajo toca diversos temas políticos y sociales. Dirigió Conversaciones sobre el futuro (2012), Un enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen (2014), No tenemos que sacrificarnos por los que vendrán (2015), DARK (2016) y NIMBY, nosotros somos los buenos (2017). Actualmente, prepara nuevas creaciones con Laurène Lemaitre junto al Colectivo Zoológico.

PEDRO KOSOVSKI é dramaturgo, diretor teatral e professor de Artes Cênicas da PUC-RIO. Mestre em Psicologia Clínica, integra a Aquela Cia. de Teatro, no Rio de Janeiro, com a qual montou peças como Outside, Cara de Cavalo, Edypop, Laio & Crísipo, Caranguejo Overdrive e Guanabara Canibal, espetáculos que receberam indicações em diversas categorias e prêmios como APTR, Cesgranrio, Questão de Crítica e Shell.

PEDRO KOSOVSKI es dramaturgo, director de teatro y profesor de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica de Río. Magister en Psicología Clínica, forma parte de Aquela Cia. de Teatro, en Río de Janeiro, con la cual montó obras como Outside, Cara de Cavalo, Edypop, Laio & Crísipo, Caranguejo Overdrive y Guanabara Canibal, espectáculos que recibieron nominaciones en diversas categorías y premios como el de la Asociación de Productores de Teatro de Río de Janeiro, Cesgranrio, Questão de Crítica y Shell.

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E N C O NTR O D E VOZE S E U R GÊN C IAS EN CU ENTRO D E VO CES Y U RG EN CIAS ENCOUNTERS OF VOICES AND URGENCIES

RESPONSES TO COLONIALISM EN

The different modes of artistic elaboration in contemporary theater around the Latin-American colonial heritage are discussed by Pedro Kosovski, Gustavo Colombini and Nicolás Espinoza in light of their works Guanabara Canibal, Colônia and NIMBY – Nosostros somos los Buenos, which are participating in Mirada. GUSTAVO COLOMBINI is a dramatist and theater director with a degree from University of São Paulo (USP). He was part of the third class of Núcleo de Dramaturgia SESI - British Council, in São Paulo. He is author of the plays O silêncio depois da chuva, nominated for the Shell theater award in São Paulo, and Colônia, nominated for the APCA awards. He is a member and cofounder of the artistic group Cinza, alongside dramatist João Turchi. He conducted workshops and courses about dramaturgy and experimental writing in several Brazilian cities, and also in Argentina, Bolivia and Chile. NICOLÁS ESPINOZA is a Chilean theater director. He studied theater at Universidad Católica Chile and holds a master’s degree from Bordeaux Montaigne University in France. In 2012, he founded Colectivo Zoológico with Laurène Lemaitre. His work addresses different political and social issues. He directed Conversaciones sobre el futuro (2012), Un enemigo del pueblo, by Henrik Ibsen (2014), No tenemos que sacrificarnos por los que vendrán (2015), DARK (2016) and NIMBY, nosotros somos los buenos (2017). He is currently preparing new creations with Laurène Lemaitre, alongside Colectivo Zoológico. PEDRO KOSOVSKI is a dramatist, theater director and professor of Performing Arts at PUC-Rio. With a master’s degree in Clinical Psychology, he is part of Aquela Cia. de Teatro, in Rio de Janeiro, with which he staged plays such as Outside, Cara de Cavalo, Edypop, Laio & Crísipo, Caranguejo Overdrive and Guanabara Canibal, shows that were nominated to several categories and awards, such as APTR, Cesgranrio, Questão de Crítica and Shell.

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INSURGÊNCIA DO CORPO – PROVOCAÇÕES PARA A CONSTRUÇÃO DE IMAGINÁRIOS PT

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O corpo como matéria dramatúrgica, política e poética na construção de simbologias contemporâneas no teatro, na performance e na dança é o tema da discussão entre os colombianos Jorge Bernal e Walter Antonio Cobos, de Súper tejido limbo, o diretor argentino Edgardo Mercado, de Topologías para cuerpos infinitamente inconquistables, e os diretores Artur Ribeiro e André Curti, da Cia. Dos a Deux. Mediação: André Guerreiro Lopes.

INSURGENCIA DEL CUERPO – PROVOCACIONES PARA LA CONSTRUCCIÓN DE IMAGINARIOS ES

El cuerpo como materia dramatúrgica, política y poética en la construcción de simbologías contemporáneas en el teatro, en la performance y en la danza es el tema de debate entre los colombianos Jorge Bernal y Walter Antonio Cobos, de Súper tejido limbo, el director argentino Edgardo Mercado, de Topologías para cuerpos infinitamente inconquistables, y los directores Artur Ribeiro y André Curti, de la Cia. Dos a Deux. Moderador: André Guerreiro Lopes.

ARTUR LUANDA RIBEIRO e ANDRÉ CURTI se conheceram durante um festival em Paris, em 1997, e um ano mais tarde, em 1998, nascia o primeiro trabalho, “Dos à Deux”, peça que deu nome à companhia e já foi apresentado em quase todos os países da Europa, além da África, América do Sul, Coréia do Sul e na Índia. O repertório é formado por: “Dos à Deux” (1998), “Aux pieds de la lettre” (2002), “Saudade em terras d’água” (2006), “Fragmentos do desejo” (2009), “Ausência” (solo com Luís Melo, de 2012), “Dos à Deux 2º ato” (2015) “Irmãos de sangue” (2013) e “Gritos” (2016).

ARTUR LUANDA RIBEIRO y ANDRÉ CURTI se conocieron durante en festival en París, en 1997. Un año más tarde, nacía su primer trabajo, Dos à Deux, obra que dio origen al nombre de la compañía y que ya se presentó en casi todos los países de Europa, además de África, América del Sur, Corea del Sur y la India. El repertorio incluye Dos à Deux (1998), Aux pieds de la lettre (2002), Saudade em terras d’água (2006), Fragmentos do desejo (2009), Ausência (unipersonal con Luís Melo, de 2012), Dos à Deux 2.o ato (2015), Irmãos de sangue (2013) y Gritos (2016).

EDGARDO MERCADO é diretor e coreógrafo, professor titular da UNA (Universidad Nacional de las Artes). Vive e trabalha em Buenos Aires, investigando inter-relações entre corpo, espaço e tempo com diferentes suportes e formas de apresentação. Seus trabalhos participaram de festivais internacionais como Bienal da Dança de Lyon, Festival de Dança Americana, Festival Panorama do Rio de Janeiro, Festival Lila López do México, FIBA (Festival Internacional de Buenos Aires).

EDGARDO MERCADO es director y coreógrafo, profesor titular de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Vive y trabaja en Buenos Aires, donde investiga las interrelaciones de cuerpo, espacio y tiempo con diferentes soportes y formas de presentación. Sus trabajos formaron parte de festivales internacionales como la Bienal de la Danza de Lyon, el Festival de Danza Americana, el Festival Panorama de Río de Janeiro, el Festival Lila López de México, y el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA).

JORGE BERNAL é bailarino e coreógrafo de dança contemporânea nascido em Bogotá, Colômbia. É cofundador e diretor artístico da companhia Maldita Danza, na qual investiga a arte sonora, a dança, as artes plásticas e o teatro desde 2011. Seu trabalho tem se desenvolvido através de projetos criativos e pedagógicos, em busca de uma exploração e uma expressão do movimento a partir da linguagem cênica. Realizou quatro espetáculos com a Compañía Maldita Danza, com as quais obteve recursos para a criação e a circulação de sua produção artística dos governos distrital e federal da Colômbia.

JORGE BERNAL es un bailarín y coreógrafo de danza contemporánea nacido en Bogotá, Colombia. Es cofundador y director artístico de la compañía Maldita Danza donde ha indagado en el arte sonoro, la danza, las artes plásticas y el teatro desde el 2011. Su trabajo se ha desarrollado a través de proyectos creativos y pedagógicos, en búsqueda de una exploración y expresión del movimiento desde el lenguaje escénico. Ha realizado cuatro piezas escénicas junto a la Compañía Maldita Danza, con las cuales ha obteniendo recursos para la creación y circulación de su producción artística por parte del gobierno distrital y nacional en Colombia.

WALTER ANTONIO COBOS é artista cênico, cofundador da Compañía Maldita Danza como intérprete-criador e coordenador pedagógico. É mestrando em educação (2019) e formado em psicologia e pedagogia (2012) pela Universidad Pedagógica Nacional. Entre as produções que desenvolveu, estão performances e peças que participaram ativamente de reconhecidos circuitos nacionais e internacionais. Realizou quatro turnês, compartilhando sua proposta cênica e pedagógica em locais como Equador, Chile, Argentina, México, Croácia, Turquia e Espanha.

WALTER ANTONIO COBOS es artista escénico, cofundador de la Compañía Maldita Danza como intérprete-creador y coordinador pedagógico. Es Candidato a Magister en Educación (2019) y Licenciado en Psicología y Pedagogía (2012) de la Universidad Pedagógica Nacional. Dentro de las producciones que ha desarrollado se encuentran performances y piezas escénicas que han participado activamente en reconocidos escenarios nacionales e internacionales. Ha realizado cuatro giras artísticas, logrando compartir su propuesta pedagógica y escénica en lugares como Ecuador, Chile, Argentina, México, Croacia, Turquía y España.

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E N C O NTR O D E VOZE S E U R GÊN C IAS EN CU ENTRO D E VO CES Y U RG EN CIAS ENCOUNTERS OF VOICES AND URGENCIES

INSURGENCY OF THE BODY – PROVOCATIONS FOR THE COUNSTRUCTION OF IMAGINARIES EN

The body as dramaturgic, political and poetic material in the construction of contemporary symbologies in theater, in performance art and in dance is the theme of the discussion between Colombians Jorge Bernal and Walter Antonio Cobos, of the play Súper tejido limbo, Argentinean Edgardo Mercado, director of Topologías para cuerpos infinitamente inconquistables, and Brazilian directors Artur Ribeiro and André Curti, from Cia. Dos a Deux. Mediated by: André Guerreiro Lopes. ARTUR LUANDA RIBEIRO and ANDRÉ CURTI met during a festival in Paris, in 1997, and a year later, in 1998, their first work, “Dos à Deux”, was born. The play that lent its name to the company has been performed in almost all European countries, as well as Africa, South America, South Korea, and India. Their repertoire is composed by: “Dos à Deux” (1998), “Aux pieds de la lettre” (2002), “Saudade em terras d’água” (2006), “Fragmentos do desejo” (2009), “Ausência” (solo com Luís Melo, de 2012), “Dos à Deux 2º ato” (2015) “Irmãos de sangue” (2013) and “Gritos” (2016). EDGARDO MERCADO is a director, choreographer and professor at UNA (Universidad Nacional de las Artes). He lives and works in Buenos Aires, investigating interrelations between body, time and space, in different platforms and presentation modes. His works have participated in international festivals such as the Dance Bienniale in Lyon, The American Dance Festival, Festival Panorama in Rio, Festival Lila Lopez in Mexico, and Fiba (International Theatre Festival in Buenos Aires). JORGE BERNAL is contemporary dancer and choreographer from Bogotá, Colombia. He is cofounder and artistic director of the company Maldita Danza, in which he has been investigating sound art, dance, visual arts and theater since 2011. His work has been developed through creative and educational projects, seeking to explore and express movement based on the scenic language. He has produced four pieces with Compañía Maldita Danza, with which he has obtained funds for the creation and circulation of his productions from the regional and national governments in Colombia. WALTER ANTONIO COBOS is a performing artist and cofounder of Compañía Maldita Danza as interpreter-creator and educational coordinator. He is a master candidate in Education (2019) and has a degree in Psychology and Education (2012) from Universidad Pedagógica Nacional. Among the productions he has developed, there are performances and plays that have actively participated in well-known national and international circuits. He has gone on four tours, sharing his educational and scenic proposals in places such as Ecuador, Chile, Argentina, Mexico, Croatia, Turkey and Spain.

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NARRATIVAS DO COMEÇO DO MUNDO: VOZES DA MULHER PT

Diretoras latino-americanas compartilham suas visões sobre a voz da mulher no teatro com base em suas obras e trajetórias pessoais. A peruana Claudia Tangoa, fala sobre sua obra Ñaña, inspirado em uma experiência pessoal, e a mexicana Conchi León apresenta a ancestralidade maia pelo ponto de vista das mulheres, tema de seu espetáculo Del manancial del corazón. Mediação: Dione Carlos CLAUDIA TANGOA é diretora, dramaturga, docente e produtora. Formada em artes cênicas pela Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Participou de residências artísticas internacionais como Lincoln Center Directors Lab em Nova York (2013) e Campus de la Bienal de Arte Joven en Buenos Aires (2017). Faz parte da equipe artística que acompanha o processo criativo dos autores do programa Sala de Parto del Teatro La Plaza. CONCHI LEÓN é atriz, dramaturga e diretora. É membro do Sistema Nacional de Criadores de Arte CONACULTA-FONCA. Formada em jornalismo, direção teatral e dramaturgia, é colunista do jornal Milenio Yucatán e pesquisadora do Ministério da Cultura e das Artes de Yucatán. Fundadora da Companhia Municipal de Teatro de Acapulco, é autora de mais de sessenta peças e ministra oficinas de dramaturgia focadas em biodrama, teatro ritual e de testemunho. DIONE CARLOS é orientadora do Núcleo de Dramaturgia da Escola Livre de Santo André - SP e integrante do Projeto Espetáculo, da Fábrica de Cultura da Brasilândia, como dramaturga. Cursou Jornalismo na Universidade Metodista de São Paulo. Em 2017, publicou seu primeiro livro de dramaturgia: Dramaturgias do Front, com três textos: Sete, Bonita e kaim. Bonita integra a lista de textos sugeridos em processos seletivos de duas escolas de teatro: A SP Escola de Teatro e a Escola Livre de Santo André. Em 2014, seu texto Oriki recebeu Prêmio Aplauso Brasil de Dramaturgia.

NARRATIVAS SOBRE EL COMIENZO DEL MUNDO: VOCES DE LA MUJER ES

Directoras latinoamericanas comparten sus puntos de vista sobre la voz de la mujer en el teatro con base en sus obras y en sus trayectorias personales. La peruana Claudia Tangoa habla sobre su obra Ñaña, inspirada en una experiencia personal, y la mexicana Conchi León presenta el universo ancestral maya desde la perspectiva de las mujeres, tema de su espectáculo Del manantial del corazón. Moderadora: Dione Carlos CLAUDIA TANGOA es directora, dramaturga, docente y productora escénica. Egresada de la especialidad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Ha participado en residencias artísticas internacionales como Lincoln Center Directors Lab en Nueva York (2013) y el Campus de la Bienal de Arte Joven en Buenos Aires (2017). Forma parte del equipo artístico que acompaña el proceso creativo de los autores del programa Sala de Parto del Teatro La Plaza. CONCHI LEÓN es actriz, dramaturga y directora. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte CONACULTA-FONCA. Graduada en Periodismo, Dirección teatral y Dramaturgia, es columnista del periódico Milenio Yucatán e investigadora del Ministerio de Cultura y de Artes de Yucatán. Fundadora de la Compañía de Teatro de Acapulco, es autora de más de sesenta obras y dicta talleres de dramaturgia orientados al biodrama, el teatro ritual y de testimonio. DIONE CARLOS es tutora en el Núcleo de Dramaturgia de la Escuela Libre de Santo André, en San Pablo, y es integrante, como dramaturga, del Proyecto Espectáculo de la Fábrica de Cultura de Brasilândia. Estudió Periodismo en la Universidad Metodista de San Pablo. En el 2017, publicó su primer libro de dramaturgia, Dramaturgias do Front, que incluye tres textos: «Sete», «Bonita» y «Kaim». «Bonita» integra la lista de textos sugeridos en los procesos selectivos de dos escuelas de teatro, La SP Escuela de Teatro y la Escuela Libre de Santo André. En el 2014, su texto Oriki recibió el premio Aplauso Brasil de Dramaturgia.

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E N C O NTR O D E VOZE S E U R GÊN C IAS EN CU ENTRO D E VO CES Y U RG EN CIAS ENCOUNTERS OF VOICES AND URGENCIES

NARRATIVES FROM THE BEGINNING OF THE WORLD: WOMEN’S VOICES EN

Latin-American directors share their views on the voice of women in theater based on their work and their personal background. Peruvian Claudia Tangoa talks about her work Ñaña, inspired by a personal experience, and Mexican Coinchi León presents Mayan ancestry from the point of view of women, the subject matter of her play Del manancial del corazón. Mediated by: Dione Carlos CLAUDIA TANGOA is a director, dramatist, teacher and producer, with a degree in Performing Arts from Pontifical Catholic University of Peru (PUCP). She has participated in artistic residencies such as the Directors Lab in New York (2013) and the Campus de la Bienal de Arte Joven en Buenos Aires (2017). She is part of the artistic team that accompanies the creative process of the authors in the program Sala de Parto del Teatro La Plaza. CONCHI LEÓN is an actress, dramatist and director. A member of the CONACULTA-FONCA National System of Art Creators. With degrees in journalism, theater directing and dramaturgy, she is a columnist at the Milenio Yucatán newspaper and a researcher for the Ministry of Culture and Arts of Yucatán. Founder of Compañía Municipal de Teatro de Acapulco, she is the author of more than sixty plays and conducts dramaturgy workshops focused in biodrama, and ritual and testimony theater. DIONE CARLOS is an advisor of Núcleo de Dramaturgia da Escola Livre de Santo André – SP and a member of the Projeto Espetáculo, of Fábrica de Cultura da Brasilândia, as a dramatist. She studied journalism at the Methodist University of São Paulo. In 2017, she published her first dramaturgy book called Dramaturgias do Front, with three scripts: Sete, Bonita e kaim. Bonita is on the list of recommended texts for the selection process of two theater schools: SP Escola de Teatro and Escola Livre de Santo André. In 2014, her script Oriki was awarded the Prêmio Aplauso Brasil de Dramaturgia.

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A MEMÓRIA PRESENTIFICADA PT

A memória herdada dos governos totalitários nos países da América Latina é o tema dessa mesa, que conta com a participação de Fabio Rubiano Orjuela, diretor do grupo colombiano Teatro Petra; a diretora Lucero Millán, do coletivo nicaraguense Teatro Justo Ruffino Guaray; a dramaturga Sara Pinheiro e a atriz Natália Santos, ambas do espetáculo Cine Splendid, cujas obras dialogam com as consequências das ditaduras militares no continente. FABIO RUBIANO ORJUELA é dramaturgo, diretor e ator. Formado em arte dramática pela Universidad del Valle. Recebeu o Premio Nacional de Dirección Teatral 2013. Escreveu mais de 20 obras de teatro, quatro das quais receberam o Premio Nacional de Dramaturgia: Gracias por haber venido (1996), Cada vez que ladran los perros (1997), La penúltima cena (1999) e El Natalicio de Schumann (2009). Recebeu cinco bolsas de criação do Ministério da Cultura, quatro de suas obras receberam prêmios de coprodução e duas foram escritas graças a residências no exterior (Espanha e México). Suas peças foram montadas por companhias da Eslovênia, do Chile, do México, dos Estados Unidos, da Espanha e da França. LUCERO MILLÁN é diretora de teatro, atriz, professora e promotora cultural. De origem mexicana, estudou Literatura Dramática e Teatro na Universidade Nacional Autônoma do México. É formada em Sociologia pela Universidade Centro-Americana da Nicarágua. Em 1979, criou o Teatro Justo Rufino Garay, que já esteve em diversos festivais em países como França, México, Colômbia, Argentina e Brasil.

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LA MEMORIA HECHA PRESENTE ES

La memoria heredada de los gobiernos totalitarios en los países de América Latina es el tema de esta mesa, que cuenta con la participación de Fabio Rubiano Orjuela, director del grupo colombiano Teatro Petra; la directora Lucero Millán, del colectivo nicaragüense Teatro Justo Rufino Garay; la dramaturga Sara Pinheiro y la actriz Natália Santos, ambas del espectáculo Cine Splendid, cuyas obras dialogan con las consecuencias de las dictaduras militares en el continente. FABIO RUBIANO ORJUELA es dramaturgo, director y actor. Licenciado en Arte Dramático de la Universidad del Valle. Recibió el Premio Nacional de Dirección Teatral 2013. Ha escrito más de 20 obras de teatro, cuatro de las cuales han recibido el Premio Nacional de Dramaturgia: Gracias por haber venido (1996), Cada vez que ladran los perros (1997), La penúltima cena (1999) y El natalicio de Schumann (2009). Merecedor de cinco becas de creación del Ministerio de Cultura; cuatro de sus obras ganaron premios de coproducción y dos han sido escritas gracias a residencias en el exterior (España y México). Compañías de Eslovenia, Chile, México, Estados Unidos, Perú, España y Francia han montado sus obras. LUCERO MILLÁN es directora de teatro, actriz, profesora y promotora cultural. De origen mexicano, estudió Literatura Dramática y Teatro en la Universidad Nacional Autónoma de México. Se graduó en Sociología por la Universidad Centroamericana de Nicaragua. En 1979, creó el Teatro Justo Rufino Garay, que ya participó en diversos festivales en países como Francia, México, Colombia, Argentina y Brasil.

NATALIA PATRICIA SANTOS VEGA é atriz, autora e diretora. Formada pela Escola Municipal de Arte Dramática do Instituto Municipal de Arte de Assunção, Paraguai (2002). Autora de obras apresentadas nos circuitos profissional e estudantil. Para o teatro, escreveu La puerta, Sala de espera, Había una vez hace 200 años, Una aventura em Tierra Linda, Clara quiere hablar (De Interés Municipal), Caballero y Centauro (com Diego Mongelós), Adiós Rohejata e – de forma coletiva – Las Mujeres de Shakespeare, según nosotras e Todos los sapos también van al cielo. Nomeada como Atriz Revelação dos Prêmios Arturo Alsina (2003).

NATALIA PATRICIA SANTOS VEGA es actriz, autora y directora. Egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático del Instituto Municipal de Arte de Asunción, Paraguay (2002). Autora de obras estrenadas en el circuito profesional y estudiantil. Para teatro escribió La puerta, Sala de espera, Había una vez hace 200 años, Una aventura en Tierra Linda, Clara quiere hablar (declarada de interés municipal), Caballero y Centauro (con Diego Mongelós), Adiós Rohejata y –en forma colectiva– Las mujeres de Shakespeare, según nosotras y Todos los sapos también van al cielo. Nominada para Actriz Revelación de los Premios Arturo Alsina (2003).

SARA PINHEIRO é dramaturga e atriz. Graduada em Letras pela Universidade Federal de Minas Gerais - UFMG, e em Teatro pelo Centro de Formação Artística da Fundação Clóvis Salgado e pela École Philippe Gaulier, na França. Em Belo Horizonte, foi integrante da Cia. do Chá e colaboradora do grupo de teatro de bonecos Pigmalião Escultura que Mexe. É uma das idealizadoras da mostra Janela de Dramaturgia, que teve suas três primeiras edições publicadas em coletânea pela Editora Perspectiva.

SARA PINHEIRO es dramaturga y actriz. Graduada en Letras por la Universidad Federal de Minas Gerais (UFMG) y en Teatro por el Centro de Formación Artística de la Fundación Clóvis Salgado y por la École Philippe Gaulier, de Francia. En Belo Horizonte, integró la Cía. do Chá y colaboró con el grupo de teatro de títeres Pigmalião Escultura que Mexe. Fue una de las personas que concibieron la muestra Janela de Dramaturgia, cuyas tres primeras ediciones se publicaron en una colección de la editorial Perspectiva.

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E N C O NTR O D E VOZE S E U R GÊN C IAS EN CU ENTRO D E VO CES Y U RG EN CIAS ENCOUNTERS OF VOICES AND URGENCIES

ACTUALIZED MEMORY EN

The memory inherited from totalitarian governments in Latin American countries is the theme of this roundtable with the participation of Fabio Rubiano Orjuela, director of Colombian company Teatro Petra; director Lucero Millán, a member of Nicaraguan collective Teatro Justo Ruffino Guaray; dramatist Sara Pinheiro and actress Natália Santos, both part of the piece Cine Splendid; whose works dialogue with the consequences of the military dictatorships in the continent. FABIO RUBIANO ORJUELA is a dramatist, director and actor, with a degree in Performing Arts from University of Valle. He was awarded the Premio Nacional de Dirección Teatral 2013. He wrote over 20 theater pieces, four of which were awarded the Premio Nacional de Dramaturgia: Gracias por haber venido (1996), Cada vez que ladran los perros (1997), La penúltima cena (1999) and El Natalicio de Schumann (2009). He received five grant for artistic creation from the Ministry of Culture, four of his works received coproduction awards, and two were written thanks to residencies abroad (Spain and Mexico). Companies from Slovenia, Chile, Mexico, United States, Peru, Spain and France have staged his works. LUCERO MILLÁN is a theater director, actress, teacher and cultural promoter. Of Mexican origin, she studied Dramatic Literature and Theater at the National Autonomous University of Mexico. She has a degree in Sociology from the Central American University of Nicaragua. In 1979, she created Teatro Justo Rufino Garay, which has participated in several festivals in countries such as France, Mexico, Colombia, Argentina and Brazil. NATALIA PATRICIA SANTOS VEGA is an actress, author and director, with a degree from Escuela Municipal de Arte Dramático del Instituto Municipal de Arte de Asunción, in Paraguay (2002). Author of pieces staged in the student and professional circuits. For the theater, she wrote La puerta, Sala de espera, Había una vez hace 200 años, Una aventura em Tierra Linda, Clara quiere hablar (De Interés Municipal), Caballero y Centauro (con Diego Mongelós), Adiós Rohejata and – collectively – Las Mujeres de Shakespeare, según nosotras and Todos los sapos también van al cielo. She was nominated for Breakout Actress for the Premios Arturo Alsina (2003). SARA PINHEIRO is a dramatist and actress. With a degree in Languages from Federal University of Minas Gerais – UFMG and in Theater from Centro de Formação Artística da Fundação Clóvis Salgado and from École Philippe Gaulier, in France. In Belo Horizonte, she was a member of Cia. do Chá and collaborated with the puppet theater group Pigmalião Escultura que Mexe. She is one of the creators of the Janela de Dramaturgia showcase, whose first three editions were published in a collection by Editora Perspectiva.

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ORALITURA: POÉTICAS DA ORALIDADE PT

Na escrita teatral, a oralitura refere-se a uma poética da oralidade que necessita do corpo e da voz para se constituir enquanto linguagem. Para debater o tema, a pesquisadora, poeta e dramaturga Leda Maria Martins, criadora deste conceito, conversa com a dramaturga, atriz e diretora mineira Grace Passô, do espetáculo Preto, e com Marcela Salinas, dramaturga e atriz da peça chilena Estado Vegetal. Mediação: Rosane Borges

ORALITURA: POÉTICAS DE LA ORALIDAD ES

En la escritura teatral, la oralitura se refiere a una poética de la oralidad que necesita del cuerpo y de la voz para constituirse en lenguaje. Para debatir este asunto, la investigadora, poeta y dramaturga Leda Maria Martins, creadora de este concepto, conversa con la dramaturga, actriz y directora mineira Grace Passô, de la obra Preto, y con Marcela Salinas, dramaturga y actriz de la pieza chilena Estado vegetal. Moderadora: Rosane Borges

GRACE PASSÔ é dramaturga, diretora e atriz. Estudou no Centro de Formação Artística da Fundação Clóvis Salgado, em Belo Horizonte. Foi cronista do jornal O tempo e atuou em companhias teatrais de Belo Horizonte, como a Armatrux e a Cia. Clara. Em 2004, juntouse ao grupo espanca!. Por seus textos, recebeu prêmios como Cesgranrio, APCA, Questão de Crítica e Shell. Como atriz, atuou em espetáculos como Krum, dirigido por Marcio Abreu, e Vaga Carne, solo escrito e dirigido por ela mesma.

GRACE PASSÔ es dramaturga, directora y actriz. Estudió en el Centro de Formación Artística de la Fundación Clóvis Salgado, en Belo Horizonte. Fue cronista del periódico O tempo y actuó en compañías teatrales de Belo Horizonte, como Armatrux y la Cía. Clara. En el 2004, se unió al grupo Espanca! Por sus textos, recibió premios como Cesgranrio, APCA, Questão de Crítica y Shell. Como actriz, participó en espectáculos como Krum, dirigido por Marcio Abreu, y Vaga carne, unipersonal escrito y dirigido por ella.

LEDA MARIA MARTINS é poeta, dramaturga e ensaísta. Doutora em Letras e Literatura Comparada pela UFMG, é Mestre em Artes pela Indiana University, e pós-doutora em Estudos da Performance pela New York University. Professora dos cursos de Letras e de Teatro da UFMG, foi também professora visitante do Performance Studies Department, Tisch School of the Arts, New York University. Autora de vários livros, dentre eles: A cena em Sombras, Afrografias da Memória e Os Dias Anônimos. Autora de vários capítulos de livros no Brasil e no exterior, é também diretora de Ação Cultural da UFMG.

LEDA MARIA MARTINS es poeta, dramaturga y ensayista. Es doctora en Letras y Literatura Comparada por la UFMG y magíster en Artes por la Indiana University, y posdoctora en Estudios de la Performance por la New York University. Profesora en las carreras de Letras y de Teatro en la UFMG, fue también profesora visitante del Performance Studies Department, Tisch School of the Arts, New York University. Es autora de varios libros, entre ellos, A cena em Sombras, Afrografias da Memória y Os Dias Anônimos. Asimismo, es autora de varios artículos en libros publicados en Brasil y en el exterior, y es también directora de Acción Cultural de la UFMG.

MARCELA SALINAS é atriz formada pela Universidade do Chile. Participou de mais de 50 produções teatrais. É professora de técnica vocal e estudos da palavra na Universidade Mayor, e de outras disciplinas em cursos de graduação e pós-graduação. Aprofundou-se na investigação de performance musical como vocalista da banda Los Fetuchinni (2010-2013) e do grupo Lágrimas, Jealousy e Doubts (2007-2018), núcleo que desenvolve material criativo em diferentes plataformas. ROSANE BORGES é jornalista, tem pós-doutorado em Ciências da Comunicação e é professora colaboradora do grupo Estética e Vanguarda da ECA-USP. Foi coordenadora do Centro Nacional de Informação da Cultura Negra e conselheira de honra do grupo Reinventando a Educação. É articulista da revista Carta Capital Digital, do blog da Editora Boitempo e do site Jornalistas Livres. Autora de diversos livros, entre eles Espelho infiel: o negro no jornalismo brasileiro e Esboços de um tempo presente. 236

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MARCELA SALINAS es actriz graduada por la Universidad de Chile. Participó en más de cincuenta producciones teatrales. Es profesora de técnica vocal y de estudios de la palabra en la Universidad Mayor, y de otras materias en carreras de grado y de posgrado. Profundizó en la investigación de la performance musical como vocalista de la banda Los Fetuchinni (2010-2013) y del grupo Lágrimas, Jealousy y Doubts (2007-2018), núcleo que desarrolla material creativo en diferentes plataformas. ROSANE BORGES es periodista, realizó un posdoctorado en Ciencias de la Comunicación y es profesora colaboradora del grupo Estética y Vanguardia de la Escuela de Comunicación y Artes de la Universidad de San Pablo (ECA-USP). Fue coordinadora del Centro Nacional de Información de la Cultura Negra y consejera de honor del grupo Reinventando la Educación. Escribe artículos para la revista Carta Capital Digital, del blog de la editorial Boitempo y del sitio web Jornalistas Livres. Es autora de varios libros, entre ellos, Espelho infiel: o negro no jornalismo brasileiro y Esboços de um tempo presente.

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E N C O NTR O D E VOZE S E U R GÊN C IAS EN CU ENTRO D E VO CES Y U RG EN CIAS ENCOUNTERS OF VOICES AND URGENCIES

ORALITURA: POETICS OF ORALITY EN

In theater writing, oraliture refers to a poetics of orality that requires the body and the voice to be enacted as language. To debate the issue, researcher, poet and dramatist Leda Maria Martins, who created the concept, talks to dramatist, actress and director Grace Passô, from Minas Gerais, of the show Preto, and with Marcela Salinas, dramatist and actress of the Chilean play Estado Vegetal. Mediated by: Rosane Borges GRACE PASSÔ is a dramatist, director and actress. She studied at the Centro de Formação Artística da Fundação Clóvis Salgado, in Belo Horizonte. She was a columnist at the O tempo newspaper and acted in theater companies in Belo Horizonte, such as Armatrux and Cia. Clara. In 2004, she joined the group espanca!. For her scripts, she received awards such as Cesgranrio, APCA, Questão de Crítica and Shell. As an actress, she acted in plays such as Krum, directed by Marcio Abreu, and Vaga Carne, a solo she wrote and directed. LEDA MARIA MARTINS is a poet, dramatist and essayist, with a PhD in Language and Comparative Literature from UFMG, a master’s degree in Art from Indiana University, and a postdoctoral degree in Performance Studies from New York University. A professor in the Languages and Theater courses at UFMG, she was also a visiting professor at the Performance Studies Department, Tisch School of the Arts, New York University. Author of several book chapters in Brazil and abroad, she is also the director of Cultural Actions in UFMG. MARCELA SALINAS is an actress with a degree from University of Chile. She has participated in more than 50 theater productions. She teaches vocal techniques and word studies at Universidade Mayor, and other classes in undergraduate and postgraduate courses. She delved into the study of musical performance as lead singer of the band Los Fetuchinni (2010-2013) and the group Lágrimas, Jealousy e Doubts (2007-2018), which develops creative material on different platforms. ROSANE BORGES is a journalist with a postdoctoral degree in Communication Sciences and is a collaborating professor of the group Aesthetics and Avant-Garde at ECA-USP. She was the coordinator of Centro Nacional de Informação da Cultura Negra and an honorary advisor of the group Reinventando a Educação. She is a writer for the Carta Capital Digital magazine, for the blog of Editora Boitempo, and for the Jornalistas Livres website. Author of several books, including Espelho infiel: o negro no jornalismo brasileiro and Esboços de um tempo presente. 237

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M E SAS M ESAS ROUNDTABLES

CURADORIA: RELATOS DE RESISTÊNCIA E INVENÇÃO PT

Curadores nacionais e internacionais, representantes de festivais de teatro de diversas regiões e países, falam sobre o pensamento, a pesquisa e o olhar que envolvem a curadoria de festivais de artes cênicas em vários contextos.

COMISARIADO: RELATOS DE RESISTENCIA E INVENCIÓN ES

Curadores de Brasil y del exterior, representantes de festivales de teatro de varias regiones y países, hablan sobre el pensamiento, la investigación y la mirada que implica la curaduría de festivales de artes escénicas en diversos contextos.

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E N C O NTR O D E VOZE S E U R GÊN C IAS EN CU ENTRO D E VO CES Y U RG EN CIAS ENCOUNTERS OF VOICES AND URGENCIES

CURATORSHIP: ACCOUNTS OF RESISTANCE AND INVENTION EN

National and international curators, representing theater festivals from different regions and countries, talk about the thinking, the research and the gaze involved in curating performing arts festival in different contexts.

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M E SAS M ESAS ROUNDTABLES

AUTOFICÇÕES EM CENA PT

A autoficção, gênero no qual a autobiografia e a ficção se mesclam, é debatida do ponto de vista do teatro com o ator, diretor e dramaturgo Henrique Fontes, de A invenção do Nordeste; o ator, diretor e dramaturgo Nelson Baskerville, de A vida; e o diretor e dramaturgo uruguaio Sergio Blanco, de El bramido de Düsseldorf. HENRIQUE FONTES é ator, diretor e dramaturgo, sócio-fundador e diretor artístico do Espaço Cultural Casa da Ribeira. Nascido em Manaus, mora em Natal desde 1986. Como ator esteve em mais de 30 peças, com passagem pelos grupos Clowns de Shakespeare, de Natal, e Maine Masque Co., nos EUA. Dirigiu e escreveu, entre outras peças, Jacy, do Grupo Carmin, grupo natalense que fundou em 2007 e que atualmente está em turnê com A invenção do Nordeste. NELSON BASKERVILLE é formado pela Escola de Arte Dramática da ECA-USP. Foi professor de interpretação do Teatro-Escola Célia Helena e da Escola de Atores Wolf Maya. É diretor da AntiKatártiKa Teatral. Escreveu e dirigiu Luís Antônio-Gabriela, que ganhou o Prêmio APCA e o Prêmio Shell. Também recebeu indicações a prêmios pela peça As estrelas cadentes do meu céu são feitas de bombas do inimigo, criada com a Cia Provisório-Definitivo. SERGIO BLANCO é dramaturgo e diretor teatral franco-uruguaio. Depois de estudar filologia clássica, dediciu se dedicar à escrita e à direção teatral. Em 2017, sua peça Tebas Land recebeu o prestigiado prêmio britânico Award Off West End em Londres. Entre seus trabalhos mais conhecidos destacam-se Slaughter, .45’, Kiev, Barbarie, Kassandra, El salto de Darwin, Tebas Land, Ostia, La ira de Narciso, El bramido de Düsseldorf, Cuando pases sobre mi tumba e Cartografía de una desaparición. Muitas de suas obras foram encenadas em seu país e no exterior e a maioria foi traduzida para várias línguas e publicadas em diferentes países.

AUTOFICCIONES EN ESCENA ES

La autoficción, género en el cual la autobiografía y la ficción se mezclan, se debate desde el punto de vista del teatro con el actor, director y dramaturgo Henrique Fontes, de A invenção do Nordeste; el actor, director y dramaturgo Nelson Baskerville, de A vida; y el director y dramaturgo uruguayo Sergio Blanco, de El bramido de Düsseldorf. HENRIQUE FONTES es actor, director y dramaturgo, socio fundador y director artístico del Espacio Cultural Casa da Ribeira. Nacido en Manaos, vive en Natal desde 1986. Como actor, participó en más de treinta obras, y formó parte de los grupos Clowns de Shakespeare, de Natal, y Maine Mask Co., en los Estados Unidos. Dirigió y escribió, entre otras obras, Jacy, del Grupo Carmin, grupo que fundó en el 2007, en Natal, y que se encuentra actualmente de gira con A invenção do Nordeste. NELSON BASKERVILLE se graduó en la Escuela de Arte Dramática de la ECA-USP. Fue profesor de interpretación del Teatro-escuela Célia Helena de la Escuela de Actores Wolf Maya. Es director de Antikatártika Teatral. Escribió y dirigió Luís Antônio-Gabriela, que ganó el premio APCA y el premio Shell. Asimismo, fue nominado a diversos premios por la obra As estrelas cadentes do meu céu são feitas de bombas do inimigo, creada con la Cía. Provisório-Definitivo. SERGIO BLANCO es un dramaturgo y director teatral francouruguayo. Luego de realizar estudios de filología clásica, decidió dedicarse por entero a la escritura y a la dirección teatral. En el 2017, su obra Tebas Land recibió el prestigioso premio británico Award Off West End en Londres. Entre sus títulos más conocidos se destacan Slaughter, .45’, Kiev, Barbarie, Kassandra, El salto de Darwin, Tebas Land, Ostia, La ira de Narciso, El bramido de Düsseldorf, Cuando pases sobre mi tumba y Cartografía de una desaparición. Varias de sus obras han sido estrenadas en su país y en el extranjero y, la mayoría de ellas, traducidas a distintas lenguas y publicadas en diferentes países.

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E N C O NTR O D E VOZE S E U R GÊN C IAS EN CU ENTRO D E VO CES Y U RG EN CIAS ENCOUNTERS OF VOICES AND URGENCIES

AUTOFICTIONS ON STAGE EN

Autofiction, a genre in which autobiography and fiction merge, is discussed from the point of view of theater with actor, director and dramatist Henrique Fontes, of the play A invenção do Nordeste; actor, director and dramatist Nelson Baskerville, of the play A vida; and Uruguayan director and dramatist Sergio Blanco, of the play El bramido de Düsseldorf. HENRIQUE FONTES is an actor, director and dramatist, and founding partner and artistic director of Espaço Cultural Casa da Ribeira. Born in Manaus, he has lived in Natal since 1986. He acted in more than 30 plays, with participations in the groups Clowns de Shakespeare, from Natal, and Maine Masque Co., in the USA. He wrote and directed, among other plays, Jacy, with Grupo Carmin, a group from Natal he founded in 2007 and is currently touring with the play A invenção do Nordeste. NELSON BASKERVILLE graduated in Performing Prts from ECA-USP. He was an acting teacher at Teatro-Escola Célia Helena and at Escola de Atores Wolf Maya. He is the director of AntiKatártiKa Teatral, and wrote and directed Luís Antônio-Gabriela, which won the APCA and the Shell awards. He was also nominated for awards for the play As estrelas cadentes do meu céu são feitas de bombas do inimigo, created with Cia Provisório-Definitivo. SERGIO BLANCO is a French Uruguayan dramatist and theater director. After studying classical philology, he decided to dedicate himself fully to theater writing and directing. In 2017, his play Tebas Land received the prestigious Award Off West End in London. His best known works include Slaughter, .45’, Kiev, Barbarie, Kassandra, El salto de Darwin, Tebas Land, Ostia, La ira de Narciso, El bramido de Düsseldorf, Cuando pases sobre mi tumba and Cartografía de una desaparición. Several of his works have been staged in his country and abroad, and most of them have been translated to many languages and published in various countries.

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O FI C I NAS TALLERES WORKSHOPS

UM MUSEU VIVO DE MEMÓRIAS PEQUENAS E ESQUECIDAS DO BRASIL PT

Nesta oficina, destinada a criadores de qualquer área (bem como a interessados pela criação em geral), Joana irá desenvolver as matérias que estão na origem do seu trabalho e do Teatro do Vestido: memória política, histórias de vida e sua ligação às histórias dos lugares. Um mergulho em histórias apagadas, omitidas, reescritas. Reconstituindo histórias familiares perdidas, é possível dar voz a histórias que nunca acedem ao espaço público, traçando a genealogia de certas representações e construções. O processo irá desenvolver-se a partir das experiências pessoais dos participantes, dos seus arquivos, dos seus interesses, ou dos livros que foram colecionando, bem como filmes, imagens e inquietações. JOANA CRAVEIRO fundou em 2001 o coletivo Teatro do Vestido, do qual é diretora artística e onde dirigiu mais de 40 criações. É doutora em teatro pela Roehampton University e tem o master de encenação pela Royal Scottish Academy of Music and Drama. Tem ainda licenciatura em Antropologia pela Universidade Nova de Lisboa. Estudou também com os Goat Island (Chicago) e Third Angel (Sheffield). É apaixonada por história política, autobiografias, lugares e pessoas.

UN MUSEO VIVO DE MEMORIAS PEQUEÑAS Y OLVIDADAS DE BRASIL ES

Durante este taller, destinado a creadores de todas las áreas (como también interesados en la creación en general), la directora de teatro buscará desarrollar aquellos elementos que dan origen a su trabajo y al Teatro del Vestido: memoria política, historias de vida y su vínculo con las historias de cada lugar. Una inmersión en historias borradas, omitidas, reescritas. Al reconstituir las historias familiares perdidas, es posible hacer audibles los relatos que nunca llegan al espacio público, y trazar así una genealogía de ciertas representaciones y construcciones. Este proceso se desarrollará a partir de las experiencias personales de los participantes, de sus archivos, de sus intereses, o de los libros que fueron coleccionando, como también las películas, las imágenes y las inquietudes. JOANA CRAVEIRO fundó en el 2001 el colectivo Teatro do Vestido, del que es directora artística y en el que dirigió más de cuarenta creaciones. Se doctoró en teatro en la Roehampton University y realizó una maestría en dirección de escena en la Royal Scottish Academy of Music and Drama. Además, es graduada en Antropología por la Universidade Nova de Lisboa. Estudió, también, con los Goat Island (Chicago) y Third Angel (Sheffield). Es una apasionada de la historia política, de las autobiografías, los lugares y las personas.

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C O N STR U I N D O I MAG I NÁR I O S CO NSTRUYEN D O I MAG I NARI OS CONSTRUCTING IMAGINARIES

A LIVING MUSEUM OF SMALL FORGOTTEN MEMORIES OF BRASIL EN

In this workshop, aimed at creators in any area (as well as those interested in creation in general), Joana will develop the materials in the origin of her work and of Teatro do Vestido: political memory, life stories and their connection to the histories of places. A dive into erased, omitted, rewritten stories. Reconstructing lost family histories makes it possible to give voice to stories that never conform to the public space, tracing the genealogy of certain representations and constructions. The process will develop based on the personal experiences of the participants, their archives, their interests, or the books they have been collecting, as well as films, images and concerns. JOANA CRAVEIRO founded the collective Teatro do Vestido in 2001, of which she is the artistic director and where she directed more than 40 creations. She holds a PhD in Theater from Roehampton University and a master’s degree from the Royal Scottish Academy of Music and Drama. She also holds a degree in Anthropology from New University of Lisbon, and studied with Goat Island (Chicago) and Third Angel (Sheffield). She is passionate about political history, autobiographies, places and people.

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O FI C I NAS TALLERES WORKSHOPS

POLIFONIA SINGULAR, VOCALIDADE E CORPO EXPRESSIVO PT

A oficina tem como ponto de partida o conceito de monólogo polifônico e é ministrada pela atriz e dramaturga chilena de Estado vegetal, monólogo baseado em teorias revolucionárias de neurobiólogos vegetais. Um trabalho prático que propõe reconhecer bases orgânicas vocais mediante a investigação física e respiratória. A experiência abrange a conscientização e administração dos recursos do corpo. MARCELA SALINAS é atriz formada pela Universidade do Chile. Participou de mais de 50 produções teatrais no Chile e em outros países. É professora de técnica vocal e estudos da palavra na Universidade Mayor, e de outras disciplinas em cursos de graduação e pós-graduação. Aprofundou-se na investigação de performance musical como vocalista da banda Los Fetuchinni (2010-2013) e do grupo Lágrimas, Jealousy e Doubts (2007-2018), núcleo que desenvolve material criativo em diferentes plataformas.

POLIFONÍA SINGULAR, VOCALIDAD Y CUERPO EXPRESIVO ES

Este taller parte del concepto de monólogo polifónico y es dictado por al actriz y dramaturga chilena de Estado vegetal, monólogo basado en las teorías revolucionarias de neurobiólogos vegetales. Como resultado, el material dramatúrgico creado por los participantes se grabará y reproducirá en espacios del festival junto al texto escrito, dentro de un marco. MARCELA SALINAS es actriz graduada por la Universidad de Chile. Participó en más de cincuenta producciones teatrales en Chile y en otros países. Es profesora de técnica vocal y de estudios de la palabra en la Universidad Mayor, y de otras materias en carreras de grado y de posgrado. Profundizó en la investigación de la performance musical como vocalista de la banda Los Fetuchinni (2010-2013) y del grupo Lágrimas, Jealousy y Doubts (2007-2018), núcleo que desarrolla material creativo en diferentes plataformas.

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C O N STR U I N D O I MAG I NÁR I O S CO NSTRUYEN D O I MAG I NARI OS CONSTRUCTING IMAGINARIES

SINGULAR POLYPHONY, VOCALITY AND EXPRESSIVE BODY EN

The starting point for the workshop is the concept of polyphonic monologue and it is led by the Chilean actress and dramatist of Estado vegetal, a monologue based on revolutionary theories of plant neurobiologists. As a result, the dramaturgical material created by the participants will be recorded and reproduced in festival venues alongside the written, framed text. MARCELA SALINAS is an actress with a degree from University of Chile. She has participated in more than 50 theater productions. She teaches vocal techniques and word studies at Universidade Mayor, and other classes in undergraduate and postgraduate courses. She delved into the study of musical performance as lead singer of the band Los Fetuchinni (2010-2013) and the group Lágrimas, Jealousy e Doubts (2007-2018), which develops creative material on different platforms.

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O FI C I NAS TALLERES WORKSHOPS

CHULOS – O CORPO EM FESTA PT

O coletivo trabalha com os participantes o conceito de corpo-festa, entendendo o corpo como território político, de transformação, de escrituras e experiências não registradas, a partir da criação e montagem da peça Chulos, que se apresenta no Mirada. O coletivo DUAL CENA CONTEMPORÂNEA realiza trabalhos artísticos a partir de mitologias, fenômenos históricos e temas da cultura brasileira. Sua trajetória teve início com Duo para dois perdidos, de 2008, inspirado no universo de Plínio Marcos. Em 2014, estreou Terra trêmula, que propõe o encontro de Ogum com São Miguel Arcanjo. Em 2016, fez intercâmbios na aldeia Guarani Guyrapa-Ju para criar Profetas da selva. O grupo participou de mostras e festivais de teatro e dança na Bahia, Ceará, São Paulo, Pará e Rio Grande do Sul, e na Bolívia.

CHULOS – EL CUERPO DE FIESTA ES

Este colectivo trabaja con los participantes el concepto de cuerpo-fiesta, entendiendo el cuerpo como territorio político, de transformación, de escrituras y experiencias no registradas, a partir de la creación y el montaje de la obra Chulos, que se presenta en Mirada. El colectivo DUAL CENA CONTEMPORÂNEA realiza trabajos artísticos a partir de mitologías, fenómenos históricos y temas de la cultura brasileña. Su trayectoria se inició con Duo para dois perdidos, en el 2008, inspirado en el universo de Plínio Marcos. En el 2014, estrenaron Terra trêmula, que propone el encuentro del orixá Ogum con el arcángel San Miguel. En el 2016, realizaron un intercambio en la aldea guaraní Guyrapa-Ju para crear Profetas da selva. El grupo participó en muestras y festivales de teatro y danza en Bahía, San Pablo, Pará y Rio Grande do Sul, y en Bolivia.

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C O N STR U I N D O I MAG I NÁR I O S CO NSTRUYEN D O I MAG I NARI OS CONSTRUCTING IMAGINARIES

CHULOS – THE CELEBRATING BODY EN

The collective works with the participants on the concept of body-party, understanding the body as territory for politics, transformation, writing, and unrecorded experiences, based on the creation and staging of the play Chulos, which is part of the Mirada program. The collective DUAL CENA CONTEMPORÂNEA carries out artistic works based on mythologies, historical phenomena and themes of Brazilian culture. Its trajectory began in 2008 with Duo para dois perdidos, inspired by the universe of Plínio Marcos. In 2014, it premiered Terra trêmula, which proposes a meeting between Ogum and Saint Michael the Archangel. In 2016, the collective held exchanges in the Guarani village of Guyrapa-Ju to create Profetas da selva. The group participated in theater and dance showcases and festivals in the states of Bahia, Ceará, São Paulo, Pará and Rio Grande do Sul, and in Bolivia.

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O FI C I NAS TALLERES WORKSHOPS

RESIDÊNCIA: O CORPO TOPOLOGICAMENTE INTERPELADO PT

Profissionais brasileiros da dança e da performance, selecionados previamente por análise de currículo, participam de residência com o argentino Edgardo Mercado, que compartilha com o grupo o trabalho de pesquisa, reflexão e experimentação realizado para a criação da instalação performativa Topologías para cuerpos infinitamente inconquistables. Alguns dos participantes serão convidados a integrar o espetáculo argentino. EDGARDO MERCADO é diretor e coreógrafo, professor titular da Universidade Nacional das Artes - UNA. Vive e trabalha em Buenos Aires, investigando inter-relações entre corpo, espaço e tempo, com diferentes suportes e formas de apresentação. Seus trabalhos participaram de festivais internacionais como Bienal da Dança de Lyon, Festival de Dança Americana, Festival Panorama do Rio de Janeiro, Festival Lila López do México, Festival Internacional de Buenos Aires – FIBA, entre outros.

RESIDENCIA: EL CUERPO TOPOLÓGICAMENTE INTERPELADO ES

Profesionales brasileños de la danza y de la performance, seleccionados previamente a través del análisis de sus currículums, participan en esta residencia con el argentino Edgardo Mercado, que comparte con el grupo el trabajo de investigación, reflexión y experimentación realizado para crear la instalación performativa Topologías para cuerpos infinitamente inconquistables. Algunos de los participantes serán invitados a integrar el espectáculo argentino. EDGARDO MERCADO es director y coreógrafo, profesor titular de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Vive y trabaja en Buenos Aires, donde investiga las interrelaciones de cuerpo, espacio y tiempo, con diferentes soportes y formas de presentación. Sus trabajos formaron parte de festivales internacionales como la Bienal de la Danza de Lyon, el Festival de Danza Americana, el Festival Panorama de Río de Janeiro, el Festival Lila López de México, y el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), entre otros.

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C O N STR U I N D O I MAG I NÁR I O S CO NSTRUYEN D O I MAG I NARI OS CONSTRUCTING IMAGINARIES

RESIDENCY: THE TOPOLOGICALLY INTERROGATED BODY EN

Brazilian dance and performance professionals, previously selected by resumé analysis, participate in a residency with Argentinean Edgardo Mercado, who shares with the group the research, reflection and experimentation work undertaken for the creation of the performative installation Topologías para cuerpos infinitamente inconquistables. Some of the participants will be invited to join the Argentinean show. EDGARDO MERCADO is a director, choreographer and professor at UNA (Universidad Nacional de las Artes). He lives and works in Buenos Aires, investigating interrelations between body, time and space, in different platforms and presentation modes. His works have participated in international festivals such as the Dance Bienniale in Lyon, The American Dance Festival, Festival Panorama in Rio, Festival Lila Lopez in Mexico, and Fiba (International Theatre Festival in Buenos Aires).

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I N STALAÇÃO I NSTAL ACIÓN INSTALLATION

CASULO – LABORATÓRIO AUDIOVISUAL QUERÔ PT

O laboratório prevê o registro em vídeo das ações formativas do Mirada 2018. O material produzido vai formar um mosaico poético-documental das ações do festival, que será exibido em uma instalação audiovisual, localizada na Tenda do Sesc Santos. Coordenado pelo núcleo Querô, o laboratório tem como mentor o cineasta Lucas Bambozzi. O INSTITUTO QUERÔ tem como ferramenta de atuação estimular talentos e ampliar horizontes profissionais para jovens em situação de risco social. Sua história começou em 2004, quando o cineasta Carlos Cortez e a produtora Gullane Filmes iniciaram uma pesquisa nas áreas mais carentes de Santos para compor o elenco jovem do longa-metragem “Querô”. Hoje, a organização possui quatro projetos norteadores de sua ação: Oficinas Querô, Querô na Escola, Querô Comunidade e a Produtora Social Querô. LUCAS BAMBOZZI produz vídeos, instalações, obras site-specific, performances audiovisuais e projetos interativos. Seus trabalhos já foram exibidos em mais de 40 países. Foi curador de projetos como Life Goes Mobile (2004-2005), ON_OFF (Itaú Cultural, 2012-2015), Multitude (Sesc Pompeia, 2014), Visualismo (espaços públicos no RJ, 2015). É um dos criadores do Festival arte.mov (20062012), do Labmovel (2012-2016), do AVXLab (2017) e Prenúncios + Catástrofes (Sesc Pompeia, 2018). Concluiu o mestrado na Universidade de Plymouth, Inglaterra. É doutorando na FAU-USP e professor na FAAP, em São Paulo.

CASULO – LABORATORIO AUDIOVISUAL QUERÔ ES

El laboratorio prevé el registro en video de las acciones formativas de Mirada 2018. El material producido formará un mosaico poético-documental de las acciones del festival, que se exhibirá en una instalación audiovisual, ubicada en la Tienda del Sesc Santos. Coordinado por el núcleo Querô, el mentor de este laboratorio es el cineasta Lucas Bambozzi. El INSTITUTO QUERÔ tiene como herramienta de actuación estimular talentos y ampliar los horizontes profesionales de jóvenes en situación de riesgo social. Esta historia tuvo su inicio en el 2004, cuando el cineasta Carlos Cortez y la productora Gullane Filmes comenzaron una investigación en las zonas más pobres de Santos con la finalidad de formar un elenco joven para el largometraje Querô. En la actualidad, la organización cuenta con cuatro proyectos que orientan su accionar: Talleres Querô, Querô en la Escuela, Querô Comunidad y la Productora Social Querô. LUCAS BAMBOZZI produce videos, instalaciones, obras sitespecific, performances audiovisuales y proyectos interactivos. Sus trabajos se han exhibido en más de cuarenta países. Fue curador de proyectos como Life Goes Mobile (2004-2005), ON_OFF (Itaú Cultural, 2012-2015), Multitude (Sesc Pompeia, 2014), Visualismo (Espacios públicos en Río de Janeiro, 2015). Es uno de los creadores del Festival arte.mov (2006-2012), del Labmovel (2012-2016), del AVXLab (2017) y Prenúncios + Catástrofes (Sesc Pompeia, 2018). Finalizó una maestría en la Universidad de Plymouth, Inglaterra. Es doctorando de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de San Pablo y profesor en la Fundación Armando Alvares Penteado, en San Pablo.

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CASULO – QUERÔ AUDIOVISUAL LAB EN

The lab foresees a video recording of the training actions of Mirada 2018. The produced material will compose a poetic-documentary mosaic of the festival’s actions, which will be screened in an audiovisual installation located in the Tent of SESC Santos. Coordinated by the Querô hub, the lab is mentored by filmmaker Lucas Bambozzi. INSTITUTO QUERÔ’S tool for action is to stimulate talents and broaden the professional horizons of young people at social risk. The institute’s history began in 2004, when filmmaker Carlos Cortez and production company Gullane Films began to do research in the poorest areas of Santos to compose the young cast of the feature film “Querô”. Today, the organization has four guiding projects for its activities: Querô Workshops, Querô in School, Querô in the Community and the Social Production Company Querô. LUCAS BAMBOZZI produces videos, installations, site-specific works, audiovisual performances and interactive projects. His works have been exhibited in more than 40 countries. He curated projects such as Life Goes Mobile (2004-2005), ON_OFF (Itaú Cultural, 20122015), Multitude (Sesc Pompeia, 2014), Visualism (public spaces in Rio de Janeiro, 2015). He is one of the creators of Festival arte. mov (2006-2012), Labmovel (2012-2016), AVXLab (2017) and Prenuncios + Catástrofes (Sesc Pompeia, 2018). He holds a master’s degree from the University of Plymouth, in England. He is a doctoral candidate at FAU-USP and a professor at FAAP, in São Paulo.

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EXI B IÇÃO EXI BI CIÓN EXHIBITION

EXIBIÇÃO DO DOCUMENTÁRIO NO SE MIRA IMPUNEMENTE PT

de cristiano burlan

Inspirado na obra do diretor teatral polonês Tadeusz Kantor, cujo título em espanhol é No se mira impunemente por la ventana, o documentário foi gravado no Mirada 2016, com imagens da cidade de Santos, registros dos espetáculos e depoimentos de diversos participantes do festival.

PRESENTACIÓN DEL DOCUMENTAL NO SE MIRA IMPUNEMENTE ES

de cristiano burlan

Inspirado en la obra del director de teatro polaco Tadeusz Kantor, cuyo título en español es No se mira impunemente por la ventana, el documental fue grabado durante el Mirada 2016, con imágenes de la ciudad de Santos, registro de los espectáculos y testimonios de los participantes en el festival.

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SCREENING OF THE DOCUMENTARY NO SE MIRA IMPUNEMENTE EN

by cristiano burlan

Inspired by the work of Polish theater director Tadeusz Kantor, whose Spanish title is No se mira impunemente por la ventana, the documentary was shot in Mirada 2016, with images of the city of Santos, records of the shows and testimonies from various festival participants.

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VIVÊN C IAS VIVEN CIAS EXPERIENCES

SANSACROMA E SANKOFA: POÉTICAS DO CORPO NEGRO PT

O Mirada reúne e promove o intercâmbio entre dois coletivos de dança que investigam as poéticas do corpo negro: o grupo Sankofa, da Colômbia, no festival com La ciudad de los otros, e a Cia. Sansacroma, de São Paulo, convidada para essa vivência. A criação artística criada como resultado deste encontro será apresentada ao público. SANKOFA significa “voltar a raiz”; mais que uma palavra, é uma filosofia africana que propõe reconhecer o passado como condição para compreender o presente e poder dimensionar o futuro. Este pensamento guia o caminho da Corporação Cultural Afro-colombiana Sankofa, fundada por Rafael Palacios em 1997, como espaço dedicado à formação e criação em dança. Através de seus projetos pedagógicos e encenações, a Corporação intenta construir uma ponte entre os povos afro-colombianos e o continente africano. A CIA. SANSACROMA, formada há 15 anos, atua no Capão Redondo e tem como base de discussão e atuação as relações com o corpo, raça e classe nas realidades comuns das periferias da cidade. O projeto, criado e dirigido pela coreógrafa Gal Martins tem como metodologia de pesquisa a Dança da Indignação, uma linguagem estética em dança que pretende reverberar indignações coletivas.

SANSACROMA Y SANKOFA: POÉTICAS DEL CUERPO NEGRO ES

Mirada reúne y promueve el intercambio entre dos colectivos de danza que investigan las poéticas de los cuerpos negros: el grupo Sankofa, de Colombia, que participará en el festival con La ciudad de los otros, y la Cía. Sansacroma, de San Pablo, invitada para esta vivencia. La creación artística producto de este encuentro se exhibirá ante el público. SANKOFA significa «volver a la raíz»; más que una palabra, es una filosofía africana que propone reconocer el pasado como una condición para comprender el presente y poder dimensionar el futuro. Este pensamiento guía el camino de la Corporación Cultural Afrocolombiana Sankofa, fundada por Rafael Palacios en 1997, como espacio dedicado a la formación y a la creación en la danza. A través de sus proyectos pedagógicos y de sus puestas en escena, la Corporación intenta reconstruir un puente entre los pueblos afrocolombianos y el continente africano. LA CÍA. SANSACROMA, formada hace 15 años, actúa en Capão Redondo y tiene como base de discusión y actuación las relaciones con el cuerpo, la raza y la clase en las realidades que atraviesan la periferia de la ciudad. El proyecto, creado y dirigido por la coreógrafa Gal Martins, utiliza como metodología de investigación la Danza de la Indignación, un lenguaje estético en danza que pretende reverberar las indignaciones colectivas.

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PARTI LHAS I B E R O-AM E R I CANAS CO L ABO R ACI O N ES I BEROAM ERI CANAS SHARING IBERO-AMERICA

SANSACROMA AND SANKOFA: POETICS OF THE BLACK BODY EN

Mirada brings together and promotes an exchange between two dance collectives that investigate the poetics of the black body: the Sankofa group, from Colombia, participating in the festival with La ciudad de los otros, and Cia. Sansacroma, from São Paulo, which was invited to this experience. The artistic creation resulting from that encounter will be presented to the public. SANKOFA means “to return to the root”; more than a word, it is an African philosophy that proposes recognizing the past as a condition to understand the present and to be able to envision the future. That thought guides the path of the Afro-Colombian Cultural Corporation Sankofa, founded by Rafael Palacios in 1997, as a space dedicated to training and creation in dance. Through its educational projects and stagings, the Corporation intends to build a bridge between AfroColombian peoples and the African continent. CIA. SANSACROMA was created 15 years ago and operates in Capão Redondo. The company’s discussions and actions are based on relations between the body, race and class in the common realities of the peripheries of the city. Created and directed by choreographer Gal Martins, the project’s research methodology is the Outrage Dance, an aesthetic dance language that intends to reverberate collective outrages.

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AB E RTU R A D E PR O C E SS O S C R IATIVO S E R EVE R B E R AÇÕE S APERTU R A D EL PRO CESOS CREATIVOS Y REVERBER ACI O N ES

MANUFATURA DE MONÓLOGOS PT

Artistas da Baixada Santista apresentam ao público processos de criação de monólogos, fruto de um trabalho de investigação ao longo de três meses, sob a orientação dos diretores Nelson Baskerville, do espetáculo A Vida, e Luiz Fernando Marques, diretor da obra Hoje o Escuro vai Atrasar Para Que Possamos Conversar. A oficina partiu de duas questões sobre qual a estrutura mínima necessária para a realização teatral, e que profissionais e campos de conhecimento são imprescindíveis para gerar uma obra. LUIZ FERNANDO MARQUES (LUBI) Nascido em Santos, é formado pela Escola de Artes Dramáticas da Universidade de São Paulo e integra o Grupo XIX de Teatro, desde 2001, sendo diretor e co-criador dos espetáculos: Hysteria; Hygiene; Arrufos; Marcha para Zenturo e Nada aconteceu Tudo acontece Tudo está acontecendo; Teorema 21 e Estrada do Sul. Em parceria com outros coletivos, dirigiu diversos outros trabalhos. Suas peças foram encenadas em mais de 100 cidades no Brasil e 24 no exterior. Acumula prêmios e indicações nos principais prêmios de teatro país. Desde 2000, é orientador do Núcleo de Direção da Escola Livre de Teatro de Santo André. NELSON BASKERVILLE é formado pela Escola de Arte Dramática da ECA-USP. Foi professor de interpretação do Teatro da Escola Célia Helena e da Escola de Atores Wolf Maya. É diretor da AntiKatártiKa Teatral. Escreveu e dirigiu Luís Antônio-Gabriela, que ganhou o Prêmio APCA e o Prêmio Shell. Também recebeu indicações a prêmios pela peça As estrelas cadentes do meu céu são feitas de bombas do inimigo, criada com a Cia Provisório-Definitivo.

MANUFACTURA DE LOS MONÓLOGOS ES

Artistas de la Baixada Santista presentan al público los procesos de creación de sus monólogos, fruto de un trabajo de investigación a lo largo de tres meses, bajo la orientación de los directores Nelson Baskerville, del espectáculo A vida, y Luiz Fernando Marques, director de la obra Hoje o Escuro vai atrasar para que possamos conversar. El taller partió de las premisas acerca de cuál es la estructura mínima necesaria para la realización teatral y qué profesionales y campos del saber son imprescindibles para generar una obra. LUIZ FERNANDO MARQUES (LUBI), nacido en Santos, se graduó por la Escuela de Arte Dramática de la Universidad de San Pablo e integra el Grupo xix de teatro, desde el 2001, como director y cocreador de los espectáculos Hysteria, Hygiene, Arrufos, Marcha para Zenturo y Nada aconteceu Tudo acontece Tudo está acontecendo; Teorema 21 y Estrada do Sul. Dirigió diversos trabajos en colaboración con otros colectivos. Sus obras se pusieron en escena en más de cien ciudades de Brasil y en 24 en el exterior. Ha ganado premios y ha sido nominado para los principales galardones del teatro en Brasil. Desde el año 2000 es tutor en el Núcleo de Dirección de la Escuela Libre de Teatro Santo André. NELSON BASKERVILLE se graduó en la Escuela de Arte Dramática de la ECA-USP. Fue profesor de interpretación del Teatro de la escuela Célia Helena de la Escuela de Actores Wolf Maya. Es director de Antikatártika Teatral. Escribió y dirigió Luís Antônio-Gabriela, que ganó el premio APCA y el premio Shell. Asimismo, fue nominado a diversos premios por la obra As estrelas cadentes do meu céu são feitas de bombas do inimigo, creada con la Cía. Provisório-Definitivo.

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OPENING THE CREATIVE PROCESSES AND REVERBERATIONS

MANUFACTURE OF MONOLOGUES EN

Artists from Baixada Santista present to the public the creative processes of monologues, a result of a three-month research work, under the guidance of directors Nelson Baskerville, of the play A Vida, and Luiz Fernando Marques, director of the work Hoje o Escuro vai Atrasar Para Que Possamos Conversar. The workshop started with two questions about the minimum structure required for theater production, and which professionals and fields of knowledge are indispensable to create a work. LUIZ FERNANDO MARQUES (LUBI) Born in Santos, he graduated from School of Dramatic Arts of the University of São Paulo and has been part of Grupo XIX de Teatro since 2001, with which he directed and co-created the shows: Hysteria; Hygiene; Arrufos; March para Zenturo and Nada aconteceu Tudo acontece Tudo está acontecendo; Teorema 21 and Estrada do Sul. In partnership with other collectives, he directed several other works. His pieces have been staged in more than 100 cities in Brazil and 24 cities abroad. He accumulates prizes and nominations from major theater awards in Brazil. Since 2000, he is the director of the Núcleo de Direção da Escola Livre de Teatro de Santo André. NELSON BASKERVILLE graduated in Performing Prts from ECA-USP. He was an acting teacher at Teatro-Escola Célia Helena and at Escola de Atores Wolf Maya. He is the director of AntiKatártiKa Teatral, and wrote and directed Luís Antônio-Gabriela, which won the APCA and the Shell awards. He was also nominated for awards for the play As estrelas cadentes do meu céu são feitas de bombas do inimigo, created with Cia Provisório-Definitivo.

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PROJETO PROVAS ESTUDOS SOBRE A PERCEPÇÃO E MODELOS DE REPRESENTAÇÃO ( arg ) PT

O processo criativo e a pesquisa de linguagem desenvolvidos para a criação do Projeto Provas serão expostos ao público. O diretor argentino Matías Feldman apresenta cada uma das investigações realizadas nas diferentes partes deste projeto e os modelos de representação que vêm de cada um dos sete experimentos, dando uma maior ênfase à obra O Ritmo (Prova 5), presente no Mirada. MATÍAS FELDMAN é pianista, ator, diretor e dramaturgo. Diretor geral da Compañía Buenos Aires Escénica e fundador do Teatro Defensores de Bravard. Escreveu e dirigiu várias obras. Suas obras e ensaios foram publicados por Editorial Colihue, Editorial del Rojas, INT Editorial e Editorial Excursiones. É professor da Universidad Nacional de las Artes (UNA). Conduziu conferências, masterclasses e cursos de dramaturgia e atuação na América Latina e na Europa.

PROYECTO PRUEBAS ESTUDIOS SOBRE LA PERCEPCIÓN Y MODELOS DE REPRESENTACIÓN ( arg ) ES

El proceso creativo y la investigación del lenguaje desarrollados para la creación del Proyecto Pruebas se exhibirán al público. El director argentino Matías Feldman presenta cada una de las investigaciones realizadas en las diferentes partes de este proyecto y los modelos de representación que resultan de cada uno de los siete experimentos, y coloca un mayor énfasis a la obra El Ritmo (Prueba 5), presente en Mirada. MATÍAS FELDMAN es pianista, actor, director y dramaturgo. Director General de la Compañía Buenos Aires Escénica y fundador del Teatro Defensores de Bravard. Escribió y dirigió numerosas obras. Sus obras y ensayos han sido publicados por Editorial Colihue, Editorial del Rojas, INT Editorial y Editorial Excursiones. Es docente en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Ha dictado conferencias, masterclasses y cursos de dramaturgia y de actuación en Latinoamérica y Europa.

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TESTS PROJECT – STUDIES ON PERCEPTION AND REPRESENTATION MODELS ( arg ) EN

The creative process and the language research developed for the creation of the Tests Project will be presented to the public. Argentinean director Matías Feldman presents each of the investigations carried out in the different parts of the project, and the models of representation resulting from each of the seven experiments, giving a greater emphasis to the work Rhythm (Test 5), which is participating in Mirada. MATÍAS FELDMAN is a pianist, actor, director and dramatist. General Director of Compañía Buenos Aires Escénica and founder of the Teatro Defensores de Bravard. He wrote and directed numerous works. His works and essays have been published by Editorial Colihue, Editorial del Rojas, INT Editorial and Editorial Excursiones. He is a professor at the National University of the Arts (UNA). He has given lectures, masterclasses and courses in dramaturgy and acting in Latin America and Europe.

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AB E RTU R A D E PR O C E SS O S C R IATIVO S E R EVE R B E R AÇÕE S APERTU R A D EL PRO CESOS CREATIVOS Y REVERBER ACI O N ES

ANATOMIA DA VIOLÊNCIA PT

Os irmãos Heidi e Rolf Abderhalden discutem a anatomia da violência na Colômbia através de seu trabalho à frente do Mapa Teatro, companhia que fundaram em 1984, discutindo e refletindo o interesse pela relação entre festa e violência na Colômbia, pergunta que os levou a problematizar e elaborar artisticamente os dispositivos distintos e cenários festivos utilizados por três atores da violência em seu país: o narcotráfico, o paramilitarismo, e a guerrilha. MAPA TEATRO é um laboratório de artistas dedicado à criação artística interdisciplinar. Com sede em Bogotá desde 1986, foi fundada em Paris em 1984 por Heidi, Elizabeth e Rolf Abderhalden, artistas visuais e encenadores colombianos.

ANATOMÍA DE LA VIOLENCIA ES

Los hermanos Heidi y Rolf Abderhalden discuten la anatomía de la violencia en Colombia a través de su trabajo al frente de Mapa Teatro, compañía que fundaron en 1984, donde cuestionan y reflexionan el interés por la relación entre fiesta y violencia en Colombia, pregunta que los llevó a problematizar y elaborar artísticamente los diferentes dispositivos y escenarios festivos de que se sirven tres actores de la violencia en su país: el narcotráfico, los paramilitares y la guerrilla. MAPA TEATRO es un laboratorio de artistas dedicado a la creación artística interdisciplinaria. Con sede en Bogotá desde 1986, fue fundada en París en 1984 por Heidi, Elizabeth y Rolf Abderhalden, artistas visuales y directores de escena colombianos.

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ANATOMY OF VIOLENCE EN

Siblings Heidi and Rolf Abderhalden discuss the anatomy of violence in Colombia through their work in Mapa Teatro, the company they founded in 1984, debating and reflecting on the interest in the relationship between party and violence in Colombia, a question that led them to problematize and to artistically elaborate the distinct devices and festive scenarios used by three agents of violence in the country: drug trafficking, paramilitarism, and guerrilla warfare. MAPA TEATRO is an artists’ lab dedicated to interdisciplinary artistic creation. Based in Bogotá since 1986, it was founded in Paris in 1984 by Heidi, Elizabeth and Rolf Abderhalden, Colombian visual artists and directors.

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AB E RTU R A D E PR O C E SS O S C R IATIVO S E R EVE R B E R AÇÕE S APERTU R A D EL PRO CESOS CREATIVOS Y REVERBER ACI O N ES

BATE-PAPO ENTRE OS GRUPOS PONTO DE PARTIDA E EL GALPÓN PT

Criadores do espetáculo brasileiro Vou Voltar, do grupo Ponto de Partida, e integrantes do grupo uruguaio El Galpón, cujos depoimentos integram a dramaturgia, debatem sobre a obra. O PONTO DE PARTIDA é um grupo fundado em Barbacena, em 1980, por artistas que decidiram que não deixariam a cidade, mas também não aceitariam os limites da província. No espetáculo Vou Voltar, o grupo Ponto de Partida se debruçou sobre questões relacionadas a refugiados a partir de exílio do grupo de teatro mais antigo da América Latina, El Galpón.

CHARLA ENTRE LOS GRUPOS PONTO DE PARTIDA Y EL GALPÓN ES

Creadores del espectáculo Vou Voltar, del grupo Ponto de Partida, e integrantes del grupo uruguayo El Galpón, cuyos testimonios integran la dramaturgia, debaten sobre la obra. PONTO DE PARTIDA es un grupo fundado en Barbacena, en 1980, por artistas que decidieron permanecer en esa ciudad, pero se resistían a aceptar los límites provincianos. En el espectáculo Vou Voltar, el grupo Ponto de Partida asoma su mirada sobre cuestiones relacionadas con los refugiados a partir del exilio del grupo de teatro más antiguo de América Latina, El Galpón.

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CONVERSATION WITH THE GROUPS PONTO DE PARTIDA AND EL GALPÓN EN

Creators of the Brazilian piece Vou Voltar, from the group Ponto de Partida, and members of the Uruguayan group El Galpón, whose testimonies are part of the piece’s dramaturgy, discuss the work. PONTO DE PARTIDA is a group founded in Barbacena in 1980 by artists who decided that they would not leave the city, but also would not accept the limitations of the province. In the show Vou Voltar, Ponto de Partida explored issues related to refugees based on the exile of the oldest theater group in Latin America, El Galpón.

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BIOGRAFIAS ANDRÉ GUERREIRO LOPES é ator e diretor. Entre outros espetáculos, dirigiu Tchekhov é um Cogumelo, que celebra os 10 anos da Cia. Estúdio Lusco-Fusco, PT da qual é diretor artístico, indicado ao Prêmio APCA de Melhor Espetáculo e Prêmio Shell de Melhor Música. É também mentor do projeto cinematográfico POLARIS, parceria entre a Escola Livre de Cinema da Adaap e a Uniarts de Estocolmo. Atuou como assistente de direção do encenador americano Bob Wilson nas montagens de A Dama do Mar (2013) e Garrincha, uma Ópera das Ruas (2016). DIONE CARLOS é orientadora do Núcleo de Dramaturgia da Escola Livre de Santo André - SP e integrante do Projeto Espetáculo, da Fábrica de Cultura da Brasilândia, como dramaturga. Cursou Jornalismo na Universidade Metodista de São Paulo. Em 2017, publicou seu primeiro livro de dramaturgia: Dramaturgias do Front, com três textos: Sete, Bonita e kaim. Bonita integra a lista de textos sugeridos em processos seletivos de duas escolas de teatro: A SP Escola de Teatro e a Escola Livre de Santo André. Em 2014, seu texto Oriki recebeu Prêmio Aplauso Brasil de Dramaturgia.

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BIOGRAFÍAS

BIOGRAPHIES

ANDRÉ GUERREIRO LOPES es actor y director. Entre otras obras, dirigió Tchekhov é um cogumelo, con la que celebra los 10 años EN de la Cía. Estudio Lusco-Fusco, de la cual es director artístico, y fue nominado al premio de Mejor Espectáculo de la Asociación Paulista de Críticos de Arte (APCA) y al premio Shell de Mejor Música. Asimismo, es mentor del proyecto cinematográfico POLARIS, una alianza entre la Escuela Libre de Cine de la Adaap y la Uniarts de Estocolmo. Fue asistente del director de escena estadounidense Bob Wilson en los montajes de A dama do mar (2013) y Garrincha, uma ópera das ruas (2016).

ANDRÉ GUERREIRO LOPES is an actor and director. Among other pieces, he directed Tchekhov é um Cogumelo, which celebrates the 10 years of the company he artistically directs, Cia. Estúdio LuscoFusco, and was nominated for the APCA Awards for Best Show and the Shell Award for Best Score. He is also the mentor of the cinema project POLARIS, a partnership between Escola Livre de Cinema da Adaap and Uniarts, from Stockholm. He worked as assistant director of American director Bob Wilson in the stagings of A Dama do Mar (2013) and Garrincha, uma Ópera das Ruas (2016).

DIONE CARLOS es tutora en el Núcleo de Dramaturgia de la Escuela Libre de Santo André, en San Pablo, y es integrante, como dramaturga, del Proyecto Espectáculo de la Fábrica de Cultura de Brasilândia. Estudió Periodismo en la Universidad Metodista de San Pablo. En el 2017, publicó su primer libro de dramaturgia, Dramaturgias do Front, que incluye tres textos: «Sete», «Bonita» y «Kaim». «Bonita» integra la lista de textos sugeridos en los procesos selectivos de dos escuelas de teatro, La SP Escuela de Teatro y la Escuela Libre de Santo André. En el 2014, su texto Oriki recibió el premio Aplauso Brasil de Dramaturgia.

DIONE CARLOS is an advisor of Núcleo de Dramaturgia da Escola Livre de Santo André – SP and a member of the Projeto Espetáculo, of Fábrica de Cultura da Brasilândia, as a dramatist. She studied journalism at the Methodist University of São Paulo. In 2017, she published her first dramaturgy book called Dramaturgias do Front, with three scripts: Sete, Bonita e kaim. Bonita is on the list of recommended texts for the selection process of two theater schools: SP Escola de Teatro and Escola Livre de Santo André. In 2014, her script Oriki was awarded the Prêmio Aplauso Brasil de Dramaturgia.

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PONTO DIGITAL Das coxias à orla da Baixada Santista, acompanhe histórias sobre os espetáculos, criadores e artistas. Sob diferentes pontos de vista, os processos e fazeres PT do teatro ibero-americano, percepções e sensações de artistas e do público serão publicados diariamente em vídeos, fotos, entrevistas inéditas e ensaios para sua total imersão no Mirada 2018 . Críticos de diferentes regiões do Brasil, convidados especialmente para comentar as peças desta edição, também publicarão resenhas diárias no Ponto Digital. E, numa perspectiva única, uma web série inédita apresenta companhias e espetáculos convidados de forma poética. sescsp.org.br/mirada

PUNTO DIGITAL

DIGITAL SPOT

De los bastidores a la vera de la Bajada Santista, sigue las historias sobre los espectáculos, creadores y artistas. EN Desde diferentes puntos de vista, los procesos y haceres del teatro iberoamericano, percepciones y sensaciones de artistas y del público serán publicados diariamente en vídeos, fotos, entrevistas inéditas y ensayos para tu total inmersión en el Mirada 2018. Críticos de diferentes regiones de Brasil, invitados especialmente para comentar las obras de esta edición, también publicarán reseñas diarias en Punto Digital. Y, en una perspectiva única, una serie web inédita presenta compañías y espectáculos invitados de forma poética.

From the backstages to the seashore of Baixada Santista, follow the stories of the shows, creators and artists. From different points of view, the processes and practices of Ibero-American theater, and the perceptions and sensations of artists and spectators, will be broadcast daily in videos, photos, new interviews, and rehearsals for your total immersion in Mirada 2018. Critics from different regions of Brazil, specially invited to comment on this edition’s plays, will also publish daily reviews at the Digital Spot. And, from a unique perspective, a new web series introduces invited companies and shows in a poetic way.

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PONTO DE ENCONTRO PROGRAMAÇÃO Na Área de Convivência do Sesc Santos, um espaço onde o público poderá encontrar amigos, artistas e convidados do festival. Intervenções, performances e shows noturnos compõem a atmosfera propícia ao encontro, à celebração e à troca de impressões sobre o festival.

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PUNTO DE ENCUENTRO

MEETING POINT

P ROGRAMACIÓN

P ROGRAM

En el Área de Convivencia del Sesc Santos, un espacio donde el público podrá encontrar amigos, artistas e invitados del festival. Intervenciones, performances y shows nocturnos componen la atmósfera propicia para el encuentro, la celebración y el intercambio de impresiones sobre el festival.

In Sesc Santos’ Living Area, a space where the audience can meet friends, artists and festival guests. Interventions, performances and evening concerts create a favorable atmosphere for encounters, celebration and exchanging impressions about the festival.

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PONTO DE ENCONTRO

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DJ BETO MACHADO RARE GROOVES

BRASIL

A Rare Grooves, festa que acontece desde 2015 na Baixada Santista, é conhecida por seus sets elaborados que buscam resgatar a história de determinados estilos musicais. Entre música brasileira, reggae, dub, funk and soul e rap clássicos, DJ Beto Machado explora o Turntablism, a arte de manipular sons e criar músicas com um turntable fonógrafo e um DJ mixer.

Rare Grooves, fiesta que se realiza desde 2015 en la Baixada Santista, es conocida por sus sets elaborados que buscan rescatar la historia de determinados estilos musicales. Entre música brasileña, reggae, dub, funk and soul y rap clásico, el DJ Beto Machado explora el Turntablism, el arte de manipular el sonido y crear canciones con un turntable fonógrafo y un DJ mixer.

Rare Grooves, a party that has been held since 2015 in the Baixada Santista, is known for its elaborate sets that seek to rescue the history of certain musical styles. Between Brazilian music, reggae, dub, funk and soul and classic rap, DJ Beto Machado explores turntablism, the art of manipulating sounds and creating songs with a turntable and a DJ mixer.

URRAKA KUTUMPRA

ARGENTINA

O grupo argentino Urraka - Música com objetos apresenta o show Kutumpra, que mistura música ao vivo com momentos de pantomima. Os artistas usam objetos e o próprio corpo para tocar ritmos tradicionais argentinos, como a chacarera e a milonga, outras sonoridades latino-americanas, como a cumbia, além de ritmos como o reggae, o jazz e até o rock.

El grupo argentino Urraka - Música con objetos presenta el espectáculo “Kutumpra”, que mezcla música en vivo con momentos de pantomima. Los artistas usan objetos y su propio cuerpo para tocar ritmos tradicionales argentinos, como la chacarera y la milonga; otras sonoridades latinoamericanas, como la cumbia; además de ritmos como el reggae, el jazz y el rock.

The Argentinean group Urraka - Música con objetos performs the Kutumpra concert, which mixes live music with pantomime. The artists use objects and their own bodies to play traditional Argentinean rhythms, such as chacarera and milonga, and other Latin American sounds such as cumbia, as well as rhythms such as reggae, jazz and even rock.

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ANELIS ASSUMPÇÃO TAURINA

BRASIL

A cantora paulista Anelis Assumpção apresenta o show do seu terceiro e mais recente álbum, Taurina, que traz sons da música brasileira com influências de dub, reggae e afrobeat. O disco, com sua poética descompromissada, é inspirado na cidade de São Paulo e na alquimia da cozinha da cantora.

La cantante paulista Anelis Assumpção presenta el concierto de su tercer y más reciente álbum, “Taurina”, que proyecta sonidos de la música brasileña con influencias del dub, reggae y afrobeat. El disco, con su poética desembarazada, se inspira en la ciudad de São Paulo y en la alquimia de la cocina de la cantora.

Singer Anelis Assumpção, from São Paulo, performs the songs from her third and most recent album, Taurina, which brings Brazilian music sounds with dub, reggae and afrobeat influences. With uncompromising poetics, the album is inspired by the city of São Paulo and by the alchemy in the singer’s kitchen.

Jam con dos grupos de danza negra: La Cía. Sansacroma, que trabaja hace más de 15 años en São Paulo con creaciones poéticas y políticas del cuerpo negro, se encuentra con la Corporación Cultural Afrocolombiana Sankofa, grupo fundado por el coreógrafo Rafael Palacios en 1997, dedicado a la formación y a la creación de la danza negra.

A jam session with two black dance groups: Cia. Sansacroma, which has worked for more than 15 years in São Paulo with poetic and political creations based on the black body, meets the AfroColombian Cultural Corporation Sankofa, a group founded by choreographer Rafael Palacios in 1997, dedicated to black dance training and creation.

BRASIL JAM DE DANÇA: COLÔMBIA SANSACROMA E SANKOFA

Jam com dois grupos de dança negra: a Cia. Sansacroma, que trabalha há mais de 15 anos em São Paulo com criações poéticas e políticas do corpo negro, encontra a Corporação Cultural AfroColombiana Sankofa, grupo fundado pelo coreógrafo Rafael Palacios em 1997, dedicado à formação e à criação da dança negra.

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LA MAMBANEGRA

COLÔMBIA

Show com a orquestra colombiana La Mambanegra, de Cali, projeto do clarinetista e compositor Jacobo Vélez, que propõe um novo conceito de música latina, integrando elementos da música jamaicana, do funk e do hip-hop à salsa nova-iorquina dos anos 70.

Espectáculo con la orquesta colombiana La Mambanegra, de Cali, proyecto del clarinetista y compositor Jacobo Vélez, que propone un nuevo concepto de música latina, integrando elementos de la música jamaiquina, del funk y del hip-hop a la salsa neoyorquina de la década del 70.

Concert with the Colombian orchestra La Mambanegra, from Cali, a project of clarinetist and composer Jacobo Vélez, which proposes a new concept of Latin music, integrating elements of Jamaican music, funk and hip-hop, and New York salsa from the 70’s.

La música peruana es el foco de la DJ Cecilia Yzarra, natural de Lima, que vive hace algunos años en São Paulo, donde realiza fiestas gratuitas al aire libre. Coleccionadora de vinilos, presenta su set compuesto por diferentes variaciones de la cumbia, chicha, guaracha, salsa, merengue, bugalú y otros ritmos afroperuanos, con referencias a la música brasileña.

Peruvian music is the focus of DJ Cecília Yzarra, a native of Lima, who has been living in São Paulo for some years, where she hosts free outdoor parties. A vinyl collector, she performs a DJ set consisting of different variations of cumbia, chicha, guaracha, salsa and merengue, bugaloo and other AfroPeruvian rhythms, with Brazilian music influences.

DJ CECÍLIA YZARRA DISCOTECAGEM EM VINIL

PERU

A música peruana é o foco da DJ Cecília Yzarra, natural de Lima, que mora há alguns anos em São Paulo, onde realiza festas gratuitas ao ar livre. Colecionadora de vinil, ela apresenta seu set composto por diferentes variações de cumbia, chicha, guaracha, salsa e merengue, bugaloo e outros ritmos afroperuanos, com referências da música brasileira.

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LUEDJI LUNA UM CORPO NO MUNDO

BRASIL

Luedji Luna, baiana de Salvador, cantora, compositora e co-fundadora do Palavra Preta, mostra artística que reúne compositoras e poetas negras de todo o Brasil, apresenta o show Um corpo no mundo, realizado a partir do seu primeiro disco, lançado em 2017.

Luedji Luna, de Salvador de Bahía, cantante, compositora y cofundadora de Palavra Negra, muestra que reúne compositoras y poetas negras de todo Brasil, presenta el concierto “Un cuerpo en el mundo”, realizado a partir de su primer disco, lanzado en 2017.

Luedji Luna, from Salvador, Bahia, a singer, songwriter and co-founder of Palavra Preta, a showcase that brings together black female composers and poets from all over Brazil, performs the concert Um Corpo no Mundo, based on her first album, released in 2017.

La sonoridad de América Central, de África y de los varios interiores de Brasil se encuentran presentes en el repertorio del santista DJ Lufer, que está a cargo del proyecto Futuráfrica, una de las fiestas que agita la noche de Santos desde hace diez años.

The sounds of Central America, Africa and the interior of Brazil are part of the repertoire of DJ Lufer, from Santos, who’s ahead of the Futurafrica project, one of the parties that have been stirring up the nightlife in Santos for ten years.

DJ LUFER

BRASIL

As sonoridades da América Central, da África e dos interiores do Brasil estão no repertório do santista DJ Lufer, que está à frente do projeto Futuráfrica, uma das festas que tem agitado a noite de Santos há dez anos.

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QUIZUMBA LATINA E VICTORIA SAAVEDRA AFROLATINA

COLÔMBIA

Composta por Ugo Castro Alves, Theo Cancello, Rodrigo Vilela, Rich Nichols, Edison Kbeça e Luciano Rocha, experientes músicos da Baixada Santista, a banda Quizumba Latina junta o jazz contemporâneo aos batuques ancestrais nesta formação que conta com naipe harmônico e percussivo. O show Afrolatina conta com participação da cantora e compositora colombiana Victoria Saavedra.

Compuesta por Ugo Castro Alves, Theo Cancello, Rodrigo Vilela, Rich Nichols, Edison Kbeça y Luciano Rocha, músicos avezados de la Baixada Santista, la banda Quizumba Latina une el jazz contemporáneo con las batucadas ancestrales en esta formación que cuenta con un abanico de armonía y percusión. El espectáculo “Afrolatina” cuenta con la participación de la cantante y compositora colombiana Victoria Saavedra.

Concierto de la banda paulista de jazz con fuertes referencias africanas y latinas. Formada por Juçara Marçal (voz), Kiko Dinucci (guitarra) y Thiago França (saxofón), Metá Metá presenta un repertorio con varias canciones inéditas de compositores contemporáneos.

Concert of the São Paulo jazz band with strong African and Latin influences. Composed by Juçara Marçal (voice), Kiko Dinucci (guitar) and Thiago França (saxophone), Metá Metá performs a repertoire with several new songs by contemporary composers.

METÁ METÁ MM3

BRASIL

Show da banda paulistana de jazz com fortes referências africanas e latinas. Formada por Juçara Marçal (voz), Kiko Dinucci (guitarra) e Thiago França (saxofone), a Metá Metá apresenta um repertório com várias canções inéditas de compositores contemporâneos.

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MAURICIO FLÓREZ UM

COLÔMBIA

Solo do bailarino colombiano Mauricio Flórez, que faz um mergulho em corporeidades vigorosas, absurdas e caricatas que criam situações imprevistas e bem-humoradas, a partir da pesquisa por um corpo com intensidades cômicas e movimentos primitivos.

“Um” (Uno) es un solo del bailarín colombiano Mauricio Flórez, quien se sumerge en corporeidades vigorosas, absurdas y caricaturescas que crean situaciones imprevistas y humorísticas, desde la investigación de un cuerpo con intensidades cómicas y movimientos primigenios.

A solo by Colombian dancer Mauricio Flórez, who dives into vigorous, absurd and stereotypical corporealities that create unforeseen and humorous situations, based on the search for a body with comedic intensity and primitive movements.

“Soltasbruxa” es el concierto del disco de estrena la banda Francisco El Hombre, donde se mezclan ritmos brasileños y mexicanos con otros sonidos de América Latina, en una combinación bailable de sonoridades tradicionales y regionales, cantadas en español con acento brasileño y en portugués con acento latino.

Soltasbruxa is the concert of the debut album of the band Francisco El Hombre, which mixes Brazilian and Mexican rhythms with other Latin American sounds, in a dancing combination of traditional and regional sounds sung in Spanish with a Brazilian accent and in Portuguese with a Latin accent.

FRANCISCO EL HOMBRE SOLTASBRUXA

BRASIL

Soltasbruxa é o show do disco de estreia da banda Francisco El Hombre, que mistura ritmos brasileiros e mexicanos com outros sons da América Latina, numa combinação dançante de sonoridades tradicionais e regionais cantadas em espanhol com sotaque brasileiro e em português com sotaque latino.

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¡VENGA-VENGA!

BRASIL

Desde 2012, em São Paulo, a dupla Denny Azevedo e Ricardo Don tem promovido a festa ¡Venga-Venga!. Com live PA, DJ-set e performances, eles buscam a experiência sensorial da catarse coletiva, misturando o folclórico ao eletrônico em uma viagem sonora e um patchwork identitário.

Desde 2012, en São Paulo, el dúo Denny Azevedo y Ricardo Don viene organizando la fiesta ¡Venga-Venga!. Con live PA, DJ-set y performances, buscan la experiencia sensorial de la catarsis colectiva, mezclando lo folklórico y lo electrónico en un viaje sonoro y un patchwork identitario.

Since 2012, the pair Denny Azevedo and Ricardo Don has promoted the party Venga-Venga! in São Paulo. With live PA, DJ-set and performances, they seek the sensorial experience of collective catharsis, mixing the folkloric with the electronic in a sound journey and an identity patchwork.

El samba y distintas manifestaciones populares brasileñas son la base de la investigación musical de la DJ santista Nanne Bonny. En el set, los ritmos del carimbó, coco, samba de rueda y jongo se mezclan con la contemporaneidad de los timbres electrónicos.

Samba and popular Brazilian manifestations are the basis of the musical research of DJ Nanne Bonny, from Santos. In the set, the beats of carimbó, coco, samba de roda and jongo mix with the contemporaneity of electronic timbres.

DJ NANNE BONNY

BRASIL

Samba e manifestações populares brasileiras são a base da pesquisa musical da DJ santista Nanne Bonny. No set, as batidas do carimbó, coco, samba de roda e jongo se misturam à contemporaneidade dos timbres eletrônicos.

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INFORMAÇÕES

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TURISMO SOCIAL PT

Durante o Festival Mirada, teatros, ruas, praças, e prédios do patrimônio histórico da cidade de Santos são ocupados por atividades que convidam à reflexão e ao intercâmbio cultural por meio de temas relacionados às artes cênicas e à cultura. Os viajantes do Programa de Turismo Social do Sesc São Paulo são convidados a assistir aos espetáculos da programação, tornando as visitas a Santos ainda mais interessantes! sescsp.org.br/turismo

TURISMO SOCIAL ES

TURISMO SOCIAL EN

Durante el Festival Mirada, varios teatros, calles, plazas y edificios del patrimonio histórico de la ciudad de Santos albergan actividades que invitan a la reflexión y al intercambio cultural mediante temas relacionados con las artes escénicas y la cultura. Los viajeros del Programa de Turismo Social del Sesc São Paulo están invitados a ver los espectáculos de la programación, lo que hace que las visitas a Santos sean aún más interesantes.

During the MIRADA Festival, theaters, streets, squares and listed buildings in Santos will be taken over by activities that are invitations to reflection and cultural exchange through themes related to performing arts and culture. Travelers in the Social Tourism Program of the Sesc São Paulo are invited to watch all performances in the program, making their visits to Santos even more interesting!

sescsp.org.br/turismo

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PROGRAMAÇÃO DIA A DIA

29.08 QUARTA MIÉRCOLES WEDNESDAY 9H – 13H (DOCA VALONGO) RESIDÊNCIA: o corpo topologicamente interpelado RESIDENCIA: el cuerpo topológicamente interpelado RESIDENCY: the topologically interrogated body

30.08

02.09 DOMINGO DOMINGO SUNDAY 9H – 13H (DOCA VALONGO) RESIDÊNCIA: o corpo topologicamente interpelado RESIDENCIA: el cuerpo topológicamente interpelado RESIDENCY: the topologically interrogated body

05.09 QUARTA MIÉRCOLES WEDNESDAY

QUINTA JUEVES THURSDAY

20H (TEATRO SESC SANTOS)

9H – 13H (DOCA VALONGO)

ESPETÁCULO: Labio de Liebre Teatro Petra

RESIDÊNCIA: o corpo topologicamente interpelado RESIDENCIA: el cuerpo topológicamente interpelado RESIDENCY: the topologically interrogated body

06.09 QUINTA JUEVES THURSDAY 10H – 21H (TOCA DO SESC)

31.08 SEXTA VIERNES FRIDAY 9H – 13H (DOCA VALONGO) RESIDÊNCIA: o corpo topologicamente interpelado RESIDENCIA: el cuerpo topológicamente interpelado RESIDENCY: the topologically interrogated body

CASULO – laboratório audiovisual querô CASULO – querô audiovisual lab 18H (DOCA VALONGO) ESPETÁCULO: Topologías para Cuerpos Infinitamente Inconquistables Edgardo Mercado 19H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: NIMBY (Nosotros Somos los Buenos) Colectivo Zoológico e Theater Und Orchester Heidelberg 19H (C.A.I.S. VILA MATHIAS) ESPETÁCULO: Um Museu Vivo de Memórias Pequenas e Esquecidas Teatro do Vestido

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19H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO: Del Manantial del Corazón Conchi León 21H (TEATRO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: Labio de Liebre Teatro Petra 18H (DOCA VALONGO) ESPETÁCULO: Topologías para Cuerpos Infinitamente Inconquistables Edgardo Mercado 19H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: NIMBY (Nosotros Somos los Buenos) Colectivo Zoológico e Theater Und Orchester Heidelberg 19H (C.A.I.S. VILA MATHIAS) ESPETÁCULO: Um Museu Vivo de Memórias Pequenas e Esquecidas Teatro do Vestido 19H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO: Del Manantial del Corazón Conchi León 21H (TEATRO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: Labio de Liebre Teatro Petra 21H (TEATRO GUARANY) ESPETÁCULO: Funeral para la Idea de un Hombre Colectivo Funeral para Una Idea 21H (TEATRO COLISEU) ESPETÁCULO: Mucho Ruido Por Nada Chela De Ferrari

07.09 SEXTA VIERNES FRIDAY 10H – 21H (TOCA DO SESC) CASULO – laboratório audiovisual querô CASULO – querô audiovisual lab 11H – 12H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) MESA: Respostas Ao Colonialismo MESA: Respuestas Al Colonialismo ROUNDTABLE: Responses To Colonialism 10H – 21H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) INSTALAÇÃO: Topografías: utopías y distopias Mapa Teatro 16H (ITANHAÉM – PRAÇA NARCISO DE ANDRADE) ESPETÁCULO: Caliban – A Tempestade de Augusto Boal Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz (RS) 16H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) SHOW: Urraka - Kutumpra (ARG) 16H – 17H50 (MUSEU HISTÓRICO FORTALEZA DE SANTO AMARO DA BARRA GRANDE) OFICINA: Manufatura De Monólogos TALLER: Manufactura De Los Monólogos WORKSHOP: Manufacture Of Monologues 18H (DOCA VALONGO) ESPETÁCULO: Topologías para Cuerpos Infinitamente Inconquistables Edgardo Mercado

21H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS)

19H (AUDITÓRIO SESC SANTOS)

SHOW: DJ Beto Machado - Rare Grooves

ESPETÁCULO: Corpos Opacos Carolina Virgüez e Sara Antunes (RJ/SP)

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19H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO: Del Manantial del Corazón Conchi León 19H (C.A.I.S. VILA MATHIAS) ESPETÁCULO: Um Museu Vivo de Memórias Pequenas e Esquecidas Teatro do Vestido 21H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: NIMBY (Nosotros Somos los Buenos) Colectivo Zoológico e Theater Und Orchester Heidelberg 21H (TEATRO GUARANY) ESPETÁCULO: Funeral para la Idea de un Hombre Colectivo Funeral para Una Idea 21H (TEATRO COLISEU) ESPETÁCULO: Mucho Ruido Por Nada Chela De Ferrari 22H (TEATRO BRÁS CUBAS) ESPETÁCULO: Amazónia mala voadora 23H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) SHOW: Anelis Assumpção – Taurina

08.09 SÁBADO SÁBADO SATURDAY 10H – 21H (TOCA DO SESC) CASULO – Laboratório Audiovisual Querô CASULO – Querô Audiovisual Lab

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11H – 12H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) MESA: Insurgência Do Corpo – Provocações Para A Construção De Imaginários MESA: Insurgencia Del Cuerpo – Provocaciones Para La Construcción De Imaginarios ROUNDTABLE: Insurgency Of The Body – Provocations For The Counstruction Of Imaginaries

18H E 22H (CASA ROSADA )

DOMINGO DOMINGO SUNDAY

19H (AUDITÓRIO SESC SANTOS)

10H – 21H (TOCA DO SESC)

ESPETÁCULO: Corpos Opacos Carolina Virgüez e Sara Antunes (RJ/SP)

CASULO – Laboratório Audiovisual Querô CASULO – Querô Audiovisual Lab

19H (ARCOS DO VALONGO)

11H – 12H (INSTITUTO ARTE NO DIQUE)

11H (TEATRO ARMÊNIO MENDES – CENTRO CULTURAL PORTUGUÊS)

ESPETÁCULO: Del Manantial del Corazón Conchi León

ESPETÁCULO: Hoje o Escuro Vai Atrasar Para Que Possamos Conversar Grupo XIX de Teatro (SP)

21H (GINÁSIO SESC SANTOS)

14H – 19H (CADEIA VELHA – SALA 8) OFICINA: Um Museu Vivo De Memórias Pequenas E Esquecidas Do Brasil TALLER: Un Museo Vivo De Memorias Pequeñas Y Olvidadas De Brasil WORKSHOP: A Living Museum Of Small Forgotten Memories Of Brasil

ESPETÁCULO: Vou Voltar Ponto de Partida (MG) 21H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO: Cuando Estallan Las Paredes Teatro Petra 22H (TEATRO BRÁS CUBAS) ESPETÁCULO: Amazónia mala voadora

16H (PRAIA GRANDE – CALÇADÃO DA AV. CASTELO BRANCO)

22H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS)

ESPETÁCULO: Caliban – A Tempestade de Augusto Boal Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz (RS)

JAM DE DANÇA: Sansacroma (BRA) e Sankofa (COL)

16H – 17H50 (MUSEU HISTÓRICO FORTALEZA DE SANTO AMARO DA BARRA GRANDE) OFICINA: Manufatura De Monólogos TALLER: Manufactura De Los Monólogos WORKSHOP: Manufacture Of Monologues 17H (PARQUE ROBERTO MÁRIO SANTINI - EMISSÁRIO) ESPETÁCULO: Automákina - Universo Deslizante De Pernas pro Ar (RS)

09.09

ESPETÁCULO: Grande Sertão: Veredas Bia Lessa (RJ)

22H30 – 23H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) VIVÊNCIAS: PARTILHAS IBEROAMERICANAS Sansacroma E Sankofa: Poéticas Do Corpo Negro VIVENCIAS COLABORACIONES IBEROAMERICANAS Sansacroma Y Sankofa: Poéticas Del Cuerpo Negro EXPERIENCES: SHARING IBEROAMERICA Sansacroma And Sankofa: Poetics Of The Black Body 23H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) SHOW: La Mambanegra (COL)

VIVÊNCIAS: PARTILHAS IBEROAMERICANAS Sansacroma E Sankofa: Poéticas Do Corpo Negro VIVENCIAS COLABORACIONES IBEROAMERICANAS Sansacroma Y Sankofa: Poéticas Del Cuerpo Negro EXPERIENCES: SHARING IBEROAMERICA Sansacroma And Sankofa: Poetics Of The Black Body 11H – 12H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) MESA: Narrativas Do Começo Do Mundo: Vozes Da Mulher MESA: Narrativas Sobre El Comienzo Del Mundo: Voces De La Mujer ROUNDTABLE: Narratives From The Beginning Of The World: Women’s Voices 11H E 17H (TEATRO ARMÊNIO MENDES – CENTRO CULTURAL PORTUGUÊS) ESPETÁCULO: Hoje o Escuro Vai Atrasar Para Que Possamos Conversar Grupo XIX de Teatro (SP) 14H – 18H (CADEIA VELHA – SALA 8) OFICINA: Um Museu Vivo De Memórias Pequenas E Esquecidas Do Brasil TALLER: Un Museo Vivo De Memorias Pequeñas Y Olvidadas De Brasil WORKSHOP: A Living Museum Of Small Forgotten Memories Of Brasil

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16H (PARQUE ROBERTO MARIO SANTINI - EMISSÁRIO) ESPETÁCULO: Caliban – A Tempestade de Augusto Boal Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz (RS) 16H – 17H50 (MUSEU HISTÓRICO FORTALEZA DE SANTO AMARO DA BARRA GRANDE) OFICINA: Manufatura De Monólogos TALLER: Manufactura De Los Monólogos WORKSHOP: Manufacture Of Monologues 17H (CUBATÃO – PARQUE ANILINAS) ESPETÁCULO: Automákina - Universo Deslizante De Pernas pro Ar (RS)

20H (CASA ROSADA - SABESP) ESPETÁCULO: Grande Sertão: Veredas Bia Lessa (RJ)

ESPETÁCULO: Cuando Estallan Las Paredes Teatro Petra

PROCESSOS CRIATIVOS E REVERBERAÇÕES: Anatomia Da Violência PROCESOS CREATIVOS Y REVERBERACIONES: Anatomía De La Violencia CREATIVE PROCESSES AND REVERBERATIONS: Anatomy Of Violence

21H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS)

15H – 19H (SALA 32 - SESC SANTOS)

DJ Cecília Yzarra (PER) Discotecagem em vinil

OFICINA: Polifonia Singular, Vocalidade E Corpo Expressivo TALLER: Polifonía Singular, Polifonia Singular, Vocalidad Y Cuerpo Expresivo WORKSHOP: Singular Polyphony, Vocality And Expressive Body

21H (ARCOS DO VALONGO)

23H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) SHOW: Luedji Luna Um corpo no mundo

18H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: Vou Voltar Ponto de Partida (MG) 18H (CADEIA VELHA) ESPETÁCULO: Colônia Vinicius Arneiro (RJ) 19H (TEATRO GUARANY) ESPETÁCULO: La Ciudad Vacía Teatro Justo Rufino Garay 19H30 – 21H (GINÁSIO SESC SANTOS) PROCESSOS CRIATIVOS E REVERBERAÇÕES: Bate-Papo Entre Os Grupos Ponto De Partida E El Galpón PROCESOS CREATIVOS Y REVERBERACIONES: Charla Entre Los Grupos Ponto De Partida Y El Galpón CREATIVE PROCESSES AND REVERBERATIONS: Conversation With The Groups Ponto De Partida And El Galpón

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14H – 15H (CONVIVÊNCIA DO SESC SANTOS)

ESPETÁCULO: A Vida Companhia AntiKatártiKa Teatral (SP) 21H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: Guanabara Canibal Aquela Cia. de Teatro (RJ) 21H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) SHOW: DJ Lufer 22H (TEATRO BRÁS CUBAS) ESPETÁCULO: La Ciudad de los otros Sankofa

18H (CADEIA VELHA) ESPETÁCULO: Colônia Vinicius Arneiro (RJ)

10.09

21H (TEATRO COLISEU)

11.09

19H (AUDITÓRIO SESC SANTOS)

TERÇA MARTES TUESDAY

SEGUNDA LUNES MONDAY

ESPETÁCULO: C H A N C H O Chakana Teatro

10H – 21H (TOCA DO SESC)

19H (DOCA VALONGO)

CASULO – Laboratório Audiovisual Querô CASULO – Querô Audiovisual Lab

ESPETÁCULO: Odisseia Cia. Hiato (SP)

11H – 12H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) MESA: A Memória Presentificada MESA: La Memoria Hecha Presente ROUNDTABLE: Actualized Memory 12H30 (MONGAGUÁ – PRAÇA DOUTOR FERNANDO ARENS) ESPETÁCULO: Chulos Dual Cena Contemporânea (SP)

19H (TEATRO GUARANY) ESPETÁCULO: La Ciudad Vacía Teatro Justo Rufino Garay 19H (C.A.I.S. VILA MATHIAS) ESPETÁCULO: Preto companhia brasileira de teatro (PR) 20H (TEATRO SESC SANTOS)

CASULO – Laboratório Audiovisual Querô CASULO – Querô Audiovisual Lab 11H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) MESA: Oralitura: Poéticas Da Oralidade MESA: Oralitura: Poéticas De La Oralidad ROUNDTABLE: Orality: Poetics Of Orality 12H30 (PRAÇA MAUÁ) ESPETÁCULO: Chulos Dual Cena Contemporânea (SP)

ESPETÁCULO: La Despedida Mapa Teatro

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14H – 18H (SALA 1 SESC SANTOS)

21H (TEATRO COLISEU)

17H (SALA 1 SESC SANTOS)

PROCESSOS CRIATIVOS E REVERBERAÇÕES: Abertura De Processo: Projeto Provas - Estudos Sobre A Percepção E Modelos De Representação (ARG) PROCESOS CREATIVOS Y REVERBERACIONES: Apertura Del Proceso: Proyecto Pruebas - Estudios Sobre La Percepción Y Modelos De Representación (ARG) CREATIVE PROCESSES AND REVERBERATIONS: Opening The Process: Tests Project – Studies On Perception And Representation Models (ARG)

ESPETÁCULO: A Vida Companhia AntiKatártiKa Teatral (SP)

EXIBIÇÃO DO DOCUMENTÁRIO: No Se Mira Impunemente PRESENTACIÓN DEL DOCUMENTAL: No Se Mira Impunemente SCREENING OF THE DOCUMENTARY: No Se Mira Impunemente

18H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO: Lítost, la Frustración Jimena Márquez

21H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: Guanabara Canibal Aquela Cia. de Teatro (RJ) 22H (TEATRO BRÁS CUBAS) ESPETÁCULO: La Ciudad de los otros Sankofa 23H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) SHOW: Metá Metá – MM3

18H (CADEIA VELHA) ESPETÁCULO: Colônia Vinicius Arneiro (RJ)

12.09

18H (PERUÍBE – PRAÇA MATRIZ SÃO JOÃO BATISTA) ESPETÁCULO: O Circo de Soleinildo Cia Operakata de Teatro (BA) 18H (ARCOS DO VALONGO )

ESPETÁCULO: A Invenção do Nordeste Grupo Carmin (RN)

10H – 21H (TOCA DO SESC)

ESPETÁCULO: Odisseia Cia. Hiato (SP)

19H (C.A.I.S. VILA MATHIAS) ESPETÁCULO: Preto companhia brasileira de teatro (PR) 19H (CADEIA VELHA) ESPETÁCULO: Ñaña Claudia Tangoa 20H (TEATRO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: La Despedida Mapa Teatro

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MESA: Curadoria: Relatos De Resistência E Invenção MESA: Curaduría: Relatos De Resistencia E Invención ROUNDTABLE: Curatorship: Accounts Of Resistance And Invention 15H – 18H (TESCOM) OFICINA: Chulos – O Corpo Em Festa TALLER: Chulos – El Cuerpo De Fiesta WORKSHOP: Chulos – The Celebrating Body

13.09 CASULO – Laboratório Audiovisual Querô CASULO – Querô Audiovisual Lab

ESPETÁCULO: C H A N C H O Chakana Teatro

11H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS)

SHOW: Francisco El Hombre – SOLTASBRUXA

19H (CASA ROSADA - SABESP)

19H (DOCA VALONGO)

ESPETÁCULO: Odisseia Cia. Hiato (SP)

23H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS)

QUINTA JUEVES THURSDAY

QUARTA MIÉRCOLES WEDNESDAY

CASULO – Laboratório Audiovisual Querô CASULO – Querô Audiovisual Lab

APRESENTAÇÃO: Mauricio Flórez (COL) – UM

ESPETÁCULO: Lítost, la Frustración Jimena Márquez

19H (AUDITÓRIO SESC SANTOS )

19H (DOCA VALONGO)

23H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS)

19H (CADEIA VELHA) ESPETÁCULO: Ñaña Claudia Tangoa 21H (TEATRO GUARANY) ESPETÁCULO: Cine Splendid Sara Pinheiro, Pablo Lamar e Ricardo Alves Jr. (BRA/PAR) 21H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: El Bramido de Düsseldorf Sergio Blanco

10H – 21H (TOCA DO SESC)

11H - 12H30 (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) MESA: Autoficções Em Cena MESA: Autoficciones En Escena ROUNDTABLE: Autofictions On Stage 16H – 17H50 (MUSEU HISTÓRICO FORTALEZA DE SANTO AMARO DA BARRA GRANDE) OFICINA: Manufatura De Monólogos TALLER: Manufactura De Los Monólogos WORKSHOP: Manufacture Of Monologues 17H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) ESPETÁCULO: O Circo de Soleinildo Cia Operakata de Teatro (BA)

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18H (C.A.I.S. VILA MATHIAS) ESPETÁCULO: Súper Tejido Limbo Compañía Maldita Danza 18H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: El Bramido de Düsseldorf Sergio Blanco 19H (CASA ROSADA - SABESP) ESPETÁCULO: A Invenção do Nordeste Grupo Carmin (RN) 19H (CADEIA VELHA) ESPETÁCULO: Ñaña Claudia Tangoa 20H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO: Dramas neo-costumbristas de carácter fatal: Nos hemos olvidado de todo (Drama 1) La Maldita Vanidad 21H (TEATRO GUARANY) ESPETÁCULO: Cine Splendid Sara Pinheiro, Pablo Lamar e Ricardo Alves Jr. (BRA/PAR) 21H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: El Ritmo (Prueba 5) Matías Feldman 21H (TEATRO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: Eu estava em minha casa e esperava que a chuva chegasse CPT – Centro de Pesquisa Teatral Sesc (SP) 22H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO: Dramas neo-costumbristas de carácter fatal: Promesa de Fin de Año (Drama 2) La Maldita Vanidad

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14.09 SEXTA VIERNES FRIDAY 10H – 21H (TOCA DO SESC) CASULO – Laboratório Audiovisual Querô CASULO – Querô Audiovisual Lab 16H – 17H50 (MUSEU HISTÓRICO FORTALEZA DE SANTO AMARO DA BARRA GRANDE) OFICINA: Manufatura De Monólogos TALLER: Manufactura De Los Monólogos WORKSHOP: Manufacture Of Monologues 18H (AUDITÓRIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: Fauna Quatroloscinco – Teatro do Comum (MG) 18H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO: Souvenir Asiático Los Animistas 18H (C.A.I.S. VILA MATHIAS)

21H (TEATRO COLISEU) ESPETÁCULO: La Miel es más Dulce que la Sangre L’Explose Danza 21H (GINÁSIO SESC SANTOS) ESPETÁCULO: El Ritmo (Prueba 5) Matías Feldman

ESPETÁCULO: Estado Vegetal Manuela Infante

18H (SÃO VICENTE – PRAÇA TOM JOBIM)

22H (ARCOS DO VALONGO)

ESPETÁCULO: O Circo de Soleinildo Cia Operakata de Teatro (BA) 18h Espetáculo O Circo de Soleinildo Cia Operakata de Teatro (BA)

ESPETÁCULO: Dramas neo-costumbristas de carácter fatal: Promesa de Fin de Año (Drama 2) La Maldita Vanidad 23H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) SHOW: ¡Venga-Venga!

15.09 CASULO – Laboratório Audiovisual Querô CASULO – Querô Audiovisual Lab

ESPETÁCULO: O Circo de Soleinildo Cia Operakata de Teatro (BA)

15H E 17H (TEATRO GUARANY)

ESPETÁCULO: Eu estava em minha casa e esperava que a chuva chegasse CPT – Centro de Pesquisa Teatral Sesc (SP)

20H (ARCOS DO VALONGO) ESPETÁCULO Souvenir Asiático Los Animistas 20H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS)

18H (GUARUJÁ – PRAÇA DOS EXPEDICIONÁRIOS)

21H (TEATRO SESC SANTOS)

18H (AUDITÓRIO SESC SANTOS)

22H (TEATRO BRÁS CUBAS)

SÁBADO SÁBADO SATURDAY

ESPETÁCULO: Dramas neo-costumbristas de carácter fatal: Nos hemos olvidado de todo (Drama 1) La Maldita Vanidad

ESPETÁCULO: Chulos Dual Cena Contemporânea (SP)

ESPETÁCULO: Fauna Quatroloscinco – Teatro do Comum (MG)

ESPETÁCULO: Súper Tejido Limbo Compañía Maldita Danza

20H (ARCOS DO VALONGO)

17H (BERTIOGA – PARQUE DOS TUPINIQUINS)

10H – 21H (TOCA DO SESC)

ESPETÁCULO: Euria (Lluvia) Markeliñe 16H – 17H50 (MUSEU HISTÓRICO FORTALEZA DE SANTO AMARO DA BARRA GRANDE)

DJ Nanne Bonny 21H (TEATRO COLISEU) ESPETÁCULO: La Miel es más Dulce que la Sangre L’Explose Danza 22H (TEATRO BRÁS CUBAS) ESPETÁCULO: Estado Vegetal Manuela Infante 20H (ÁREA DE CONVIVÊNCIA SESC SANTOS) Quizumba Latina e Victoria Saavedra (COL) – AFROLATINA

OFICINA: Manufatura De Monólogos TALLER: Manufactura De Los Monólogos WORKSHOP: Manufacture Of Monologues

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ENDEREÇOS SANTOS

BAIXADA SANTISTA

ARCOS DO VALONGO Rua Comendador Neto, 3. Centro.

TEATRO BRÁS CUBAS Av. Senador Pinheiro Machado, 48. Vila Mathias.

CADEIA VELHA (Sala Pagu e Sala 1) Praça dos Andradas, s/nº. Centro.

TEATRO GUARANY Praça Dos Andradas, 100. Centro.

C.A.I.S. VILA MATHIAS (Centro de Atividades Integradas de Santos) Av. Rangel Pestana, 184. Vila Mathias

TEATRO COLISEU Rua Amador Bueno nº 237, centro.

CASA ROSADA (SABESP) Alameda Doutor Adriano Neiva da Mota e Silva, 45. José Menino DOCA VALONGO Rua Tuiuti, 26. Centro Histórico. INSTITUTO ARTE NO DIQUE Av. Brigadeiro Faria Lima - 1349. Bairro Rádio Clube. PARQUE ROBERTO MÁRIO SANTINI (EMISSÁRIO) Av. Presidente Wilson, s/nº. José Menino.

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PARQUE DOS TUPINIQUINS Av. Tomé de Souza, s/nº. Centro. CUBATÃO

PARQUE ANILINAS Av. Nove de Abril, s/nº. Centro.. GUARUJÁ

Praça dos Expedicionários. Centro. MUSEU HISTÓRICO FORTALEZA DE SANTO AMARO DA BARRA GRANDE Av. Almirante Saldanha da Gama – Ponte Edgard Perdigão – Em frente ao nº 63. Ponta da Praia. ITANHAÉM

Praça Narciso de Andrade. Centro. MONGAGUÁ

Praça Doutor Fernando Arens. Centro. PERUÍBE

PRAÇA MAUÁ Centro Histórico.

Praça Matriz São João Batista. Centro. PRAIA GRANDE

SESC SANTOS Rua Conselheiro Ribas, 136. Aparecida.

Calçadão da Avenida Castelo Branco (Altura do Espaço Conviver). Boqueirão

TEATRO ARMÊNIO MENDES – CENTRO CULTURAL PORTUGUÊS Rua Amador Bueno, 188. Centro

SÃO VICENTE

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ciahiato.com.br @cia.hiato facebook.com/companhiahiato/ vimeo.com/user3535972 PRETO COMPANHIA BRASILEIRA DE TEATRO (PR)

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ximevar@gmail.com facebook.com/mapateatrolaboratoriodeartistas/ twitter.com/ MapaTeatro LA MIEL ES MÁS DULCE QUE LA SANGRE L’EXPLOSE DANZA

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daniel@vivemikey.com liliana@petrateatro.com @teatropetra facebook.com/teatropetra twitter.com/teatropetra SOUVENIR ASIÁTICO

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Wilson Garcia: wilsongarcia@tdeteatro.com Jorge Hugo Marín (diretor): lamalditavanidadteatro@gmail.com LA CIUDAD DE LOS OTROS SANKOFA

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SESC – SERVIÇO SOCIAL DO COMÉRCIO ADMINISTRAÇÃO REGIONAL NO ESTADO DE SÃO PAULO ADMINISTRACIÓN REGIONAL EN EL ESTADO DE SAN PABLO SÃO

MIRADA – FESTIVAL IBERO-AMERICANO DE ARTES CÊNICAS

PAULO STATE REGIONAL MANAGEMENT

CONSELHO DIRETIVO CONSEJO DIRECTIVO DIRECTIVE COUNCIL DANILO SANTOS DE MIRANDA, ISABEL ORTEGA, PEPE BABLÉ E RAMIRO OSÓRIO

PRESIDENTE DO CONSELHO REGIONAL PRESIDENTE DEL CONSEJO REGIONAL CHAIRMAN OF THE REGIONAL BOARD ABRAM SZAJMAN DIRETOR DO DEPARTAMENTO REGIONAL DIRECTOR DEL DEPARTAMENTO REGIONAL REGIONAL DIRECTOR DANILO SANTOS DE MIRANDA SUPERINTENDÊNCIAS SUPERINTENDENCIAS ASSISTANT DIRECTORS

TÉCNICO-SOCIAL TECNICO-SOCIAL SOCIAL-TECHNICIAL JOEL NAIMAYER PADULA COMUNICAÇÃO SOCIAL COMUNICACIÓN SOCIAL SOCIAL COMMUNICATION IVAN GIANNINI ADMINISTRAÇÃO ADMINISTRACIÓN ADMINISTRATION LUIZ DEOCLÉCIO MASSARO GALINA ASSESSORIA TÉCNICA E DE PLANEJAMENTO ASESORÍA TÉCNICA Y DE PLANIFICACIÓN PLANNING TECHNICAL SÉRGIO JOSÉ BATTISTELLI CONSULTOR TÉCNICO CONSULTOR TÉCNICO TECHNICAL CONSULTANT OLEGÁRIO MACHADO NETO GERÊNCIAS GERENCIAS MANAGERS AÇÃO CULTURAL ACCIÓN CULTURAL CULTURAL ACTION ROSANA PAULO DA CUNHA ESTUDOS E DESENVOLVIMENTO ESTUDIOS Y DESARROLLO STUDIES AND DEVELOPMENT MARTA COLABONE ARTES VISUAIS E TECNOLOGIA VISUAL ARTES VISUALES Y TECNOLOGÍA ARTS AND TECHNOLOGY JULIANA BRAGA DE MATTOS SAÚDE E ALIMENTAÇÃO SALUD Y ALIMENTACIÓN HEALTHY AND NUTRITION MARIA ODETE F. M. SALLES ARTES GRÁFICAS ARTES GRÁFICAS GRAPHIC DESIGN HÉLCIO MAGALHÃES CENTRO DE PRODUÇÃO AUDIOVISUAL CENTRO DE PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL AUDIOVISUAL PRODUCTION CENTER SILVANA MORALES NUNES DESENVOLVIMENTO DE PRODUTOS DESAROLLO DE PRODUCTOS PRODUCTS DEVELOPMENT ÉVELIM LÚCIA MORAES DIFUSÃO E PROMOÇÃO DIFUSIÓN Y PROMOCIÓN PUBLICITY AND PROMOTION MARCOS CARVALHO DIGITAL DIGITAL DIGITAL GILBERTO PASCHOAL RELAÇÕES COM O PÚBLICO RELACIONES CON EL PÚBLICO PUBLIC RELATIONS MILTON SOARES DE SOUZA CONTRATAÇÃO E LOGÍSTICA CONTRATACIÓN Y LOGÍSTICA HIRING AND LOGISTICS ADRIANA MATHIAS PATRIMÔNIO E SERVIÇOS PATRIMONIO Y SERVICIOS PROPERTY AND SERVICES JAIR MOREIRA DA SILVA JUNIOR ASSESSORIA DE RELAÇÕES INTERNACIONAIS ASESORÍA DE RELACIONES INTERNACIONALES INTERNATIONAL AFFAIRS AUREA LESZCZYNSKI VIEIRA GONÇALVES ASSESSORIA DE IMPRENSA PRENSA PRESS RELATIONS ANA LÚCIA DE LA VEGA ASSESSORIA JURÍDICA ASESORAMIENTO JURÍDICO LEGAL ADVICE CARLA BERTUCCI BARBIERI SESC SANTOS LUIZ ERNESTO FIGUEIREDO

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COORDENAÇÃO GERAL COORDINACIÓN GENERAL GENERAL COORDINATION LUIZ ERNESTO FIGUEIREDO CURADORIA COMISARIADO CURATORSHIP EMERSON PIROLA, FABRICIO FLORO, RODRIGO ELOI, TATIANA LAZARINI FONSECA CURADORIA DE ATIVIDADES FORMATIVAS COMISARIADO DE ACTIVIDADES FORMATIVAS FORMATIVE ACTIVITIES CURATORSHIP ANDRÉ GUERREIRO LOPES, DIONE CARLOS, EMERSON PIROLA, RANI BACIL FUZETTO, SILVIO LUIZ DA SILVA, TATIANA LAZARINI FONSECA EQUIPE SESC PRODUÇÃO EXECUTIVA PRODUCCIÓN EJECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION ALEXANDRA LINDA, EMERSON PIROLA, RANI BACIL FUZETTO, SILVIO LUIZ DA SILVA, TATIANA LAZARINI FONSECA RECEPTIVO RECEPTIVO GUEST SERVICE MARACÉLIA RAMOS TEIXEIRA, CARLA DE SOUZA, KATIA GONÇALVES SILVA, CAMILLA DE CARLI DA FONSECA, PAULA GUIMARÃES BOSQUETTI ENCONTRO DE PROGRAMADORES MEETING OF PROGRAMMERS ROBERTA LOBO, NATALIE KAMINSKI ATIVIDADES FORMATIVAS ATIVIDADES FORMATIVAS FORMATIVE ACTIVITIES MARINA ZAN, SÍLVIA CRISTINA GARCIA PRODUÇÃO E LOGÍSTICA PRODUCCIÓN Y LOGÍSTICA PRODUCTION AND LOGISTICS MARIA APARECIDA B. JUSTO, GISLAYNE SILVA DE O. PENA COORDENAÇÃO TÉCNICA DE ESPAÇOS CÊNICOS COORDINACIÓN TÉCNICA Y DE ESPACIOS ESCÉNICOS TECHNICAL AND STAGE COORDINATION ALEXANDRE AMORIM DE MELLO, CÁSSIO MURILO FIALHO, JOSÉ EDUARDO RUIZ SUPERVISÃO DE ESPAÇOS SUPERVISIÓN DE ESPACIOS VENUES SUPERVISION ALINE STIVALETTI BARBOSA, DÉBORA CRISTINA DACANAL, JOSÉ APARECIDO T. ANDRADE, JOSÉ OSVALDO T. JUNIOR, LÍGIA AZEVEDO, LILIAN RONCHI OLIVEIRA, MARCELO COFFANI, MARIANA MARIA B. FESSEL, PAULO HENRIQUE A. FERREIRA, SOLANGE ALBOREDA, JOÃO EVANDRO BIAZOTTO, MATEUS DE OLIVEIRA SANTOS, JOSÉ ROBERTO MOTTA, GIBRAN BUOSI FERREIRA, ROBERTO STURION SGARBIERO, BÁRBARA CRISTINA RONCATI GUIRADO, AMANDA PRADO DE OLIVEIRA, PRISCILA MODANESI, LERISSON CHRISTIAM NASCIMENTO, ANDRÉ LUÍS LOCATELI, RENATA M. CASTANHEIRA CELANO, ISABELA TRAZZI, MARCO VILLAS BOAS SECRETARIA SECRETARÍA SECRETARY ANDREA PINCELA, PRISCILLA MOREIRA DE SOUSA COORDENAÇÃO ADMINISTRATIVA COORDINACIÓN ADMINISTRATIVA MANAGEMENT COORDINATION OTTO TERZI A. AFFONSO COMPRAS E CONTRATAÇÕES COMPRAS Y CONTRATACIONES PURCHASING AND CONTRACTS MARINA VILLAR DE SOUZA, JUSSARA ELIAS DE BRITO, LAURA APARECIDA MAGALHÃES, TICIANA MARIA PARISI, ONÉSIO VIANA DA SILVA, MAYARA MARTINS DE CARVALHO, CRISTIANE ALVES VIEIRA, PAULO CESAR DOS SANTOS, ANA CAROLINA E. FRAGOSO, JACQUELINE FREITAS, MARTA COSTA BRAVO, CAMILLA DE CARLI DA FONSECA, ARIEUDA ALVES BARBOSA ALIMENTAÇÃO ALIMENTACIÓN HEALTH AND FOOD CARMEN LUCIA LELLI, ARIANE FELTRIN, FABÍOLA FREIRE INFRAESTRUTURA INFRAESTRUCTURA INFRASTRUCTURE EDUARDO ANTÔNIO DA SILVA SERVIÇOS SERVICIOS SERVICES EDVALDO PAULINO, RENATA BRAMMER DE MOURA GESTÃO DE RESÍDUOS

E SUSTENTABILIDADE GESTIÓN DE RESIDUOS Y SOSTENIBILIDAD WASTE MANAGEMENT AND SUSTAINABILITY MARACÉLIA RAMOS TEIXEIRA, LILIAN RONCHI OLIVEIRA TRANSPORTES TRANSPORTES TRANSPORTATION JOSÉ EDUARDO M. O. JUNIOR, WALDEMAR MARQUES JUNIOR GESTÃO DE CONTEÚDO E IMPRENSA GESTIÓN DE CONTENIDO Y PRENSA CONTENT AND PRESS ALINE RIBENBOIM, ANGELITA CELINA M. B. CORREIA, CORINA ASSIS MARIA, FELIPE VEIGA, JADE STELLA, RAFAELA OMETTO BERTO ARTES GRÁFICAS ARTES GRÁFICAS GRAFIC DESIGN ROGERIO IANELLI, TINA CASSIE, PABLO PEREZ, TAÍS HAYDEE PEDROSO PUBLICAÇÃO DIGITAL PUBLICACIÓN DIGITAL DIGITAL PUBLISHING ANA PAULA FRAAY PROJETO DE AMBIENTAÇÃO PROYECTO DE AMBIENTACIÓN SIGNAGE PROJECT SANDRA LEIBOVICI PROPAGANDA, MÍDIA E AMBIENTAÇÃO URBANA PROPAGANDA, PRENSA Y AMBIENTACIÓN URBANA ADVERTISING, MEDIA AND URBAN SIGNAGE DANIEL TONUS, EDUARDO RIBEIRO, JOSÉ GONÇALVES DA S. JÚNIOR, RENATO PEREZ DE CASTRO, ANDREA PINCELA, VANESSA FIDALGO DESENVOLVIMENTO DE PRODUTOS DESAROLLO DE PRODUCTOS PRODUCTS DEVELOPMENT FRANCISCO MANOEL SANTINHO, JACQUELINE ALVES COUTINHO ABE PRODUÇÃO AUDIOVISUAL PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL AUDIOVISUAL PRODUCTION ANDRÉ COELHO M. QUEIROZ, JOANA ROCHA EÇA DE QUEIROZ, THIAGO DE OLIVEIRA MACHADO, TATIANA BUSTO GARCIA CONTEÚDO DIGITAL CONTENIDO DIGITAL DIGITAL CONTENT MALU MAIA, ANDRÉ LUIZ DA COSTA DO ROSÁRIO, ALBERTO CERRI, ANDERSON CARVALHO, ANDRÉ VENÂNCIO, CLAUDIO EDUARDO, CRISTIANE KOMESU, DANILO CAVA, GUILHERME DE CARVALHO, JULIA PARPULOV, JULIANA RAMOS, JUNIOR PACHECO, MARCEL VERRUMO, RACHEL SCIRÉ, RONALDO DOMINGUES, THAIS AMENDOLA SITE SÍTIO SITE ERICA GEORGINO, FREDERICO ZARNAUSKAS, LEANDRO NUNES, TAMARA DEMUNER EQUIPE CONTRATADA PRODUÇÃO E LOGÍSTICA INTERNACIONAL PRODUCCIÓN Y LOGÍSTICA INTERNACIONAL INTERNATIONAL PRODUCTION AND LOGISTICS JOÃO CARLOS COUTO COORDENAÇÃO TÉCNICA DE ESPAÇOS CÊNICOS COORDINACIÓN TÉCNICA Y DE ESPACIOS ESCÉNICOS TECHNICAL AND STAGE COORDINATION HIDEKI MATSUKA SECRETARIA SECRETARÍA SECRETARY AVANY FIGUEIREDO E FIGUEIREDO ATIVIDADES FORMATIVAS ATIVIDADES FORMATIVAS FORMATIVE ACTIVITIES MARIANA NOVAES ENCONTRO DE PROGRAMADORES MEETING OF PROGRAMMERS ALINE MEDEIROS IDENTIDADE VISUAL E PROJETO GRÁFICO IDENTIDAD VISUAL Y PROYECTO GRÁFICO VISUAL IDENTITY AND GRAPHIC PROJECT RENAN COSTA LIMA - ESTÚDIO TROPICAL DIAGRAMAÇÃO DISPOSICIÓN DIAGRAMATION JULIA VALIENGO PROJETO DE AMBIENTAÇÃO PROYECTO DE AMBIENTACIÓN SIGNAGE PROJECT VALDY LOPES TEXTOS TEXTOS TEXTS DANIELE AVILA SMALL, MARIANA BARCELOS CONTEÚDO DIGITAL CONTENIDO DIGITAL DIGITAL CONTENT LÍVIA DEODATO, JÚLIO ADAMOR

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CONSELHO REGIONAL DO SESC EM SÃO PAULO – 2018-2022 CONSEJO REGIONAL DES SESC EN SAN PABLO – 2018-2022

REALIZAÇÃO

APOIO

REGIONAL COUNCIL OF SESC IN SÃO PAULO STATE – 2018-2022

PRESIDENTE PRESIDENTE CHAIRMAN ABRAM SZAJMAN

PARCERIA

MEMBROS EFETIVOS MIEMBROS PERMANENTES EFFECTIVE MEMBERS BENEDITO TOSO DE ARRUDA, CÍCERO BUENO BRANDÃO JÚNIOR, DAN GUINSBURG, ELÁDIO ARROYO MARTINS, EUCLIDES CARLI, JOSÉ CARLOS OLIVEIRA, JOSÉ DE SOUSA LIMA, JOSÉ MARIA DE FARIA, LUIZ CARLOS MOTTA, MANUEL HENRIQUE FARIAS RAMOS, MARCOS NOBREGA, MILTON ZAMORA, PAULO JOÃO DE OLIVEIRA ALONSO, PAULO ROBERTO GULLO, RAFIK HUSSEIN SAAB, REINALDO PEDRO CORREA, ROSANA APARECIDA DA SILVA MEMBROS SUPLENTES MIEMBROS SUPLENTES DEPUTY MEMBERS AGUINALDO RODRIGUES DA SILVA, ALDO MINCHILLO, AMILTON SARAIVA DA COSTA, ANA MARIA MAZARIN DA SILVA, ANTONIO COZZI JÚNIOR, CÉLIO SIMÕES CERRI, COSTÁBILE MATARAZZO JUNIOR, EDISON SEVERO MALTONI, EDSON AKIO YAMADA, LAÉRCIO APARECIDO PEREIRA TOBIAS, OMAR ABDUL ASSAF, PEDRO ABRAHÃO ALÉM NETO, SÉRGIO VANDERLEI DA SILVA, VALTERLI MARTINEZ, VITOR FERNANDES, WILLIAM PEDRO LUZ DIRETOR DO DEPARTAMENTO REGIONAL DIRECTOR DEL DEPARTAMENTO REGIONAL REGIONAL DEPARTMENT DIRECTOR DANILO SANTOS DE MIRANDA REPRESENTANTES JUNTO AO CONSELHO NACIONAL REPRESENTANTES EN EL CONSEJO NACIONAL REPRESENTATIVES ALONG TO THE NATIONAL COUNCIL

Prefeituras municipais: Bertioga, Cubatão, Guarujá, Itanhaém, Mongaguá, Peruíbe, Praia Grande e São Vicente

MEMBROS EFETIVOS MIEMBROS PERMANENTES EFFECTIVES MEMBERS ABRAM SZAJMAN, IVO DALL’ACQUA JÚNIOR, RUBENS TORRES MEDRANO MEMBROS SUPLENTES MIEMBROS SUPLENTES DEPUTY MEMBERS ÁLVARO LUIZ BRUZADIN FURTADO, FRANCISCO WAGNER DE LA TORRE, VICENTE AMATO SOBRINHO

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sescsp.org.br/mirada

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Mirada: Festival Ibero-Americano de Artes Cênicas, 2018 Realização do Serviço Social do Comércio. Santos: Sesc, 2018. 296 p.: il. fotografias. Trilingue. 5 a 15 de setembro de 2018. ISBN 978-85-7995-223-4 1. Artes Cênicas. 2. Teatro. 3. Teatro Ibero-Americano. 4. Catálogo. I. Título. II. Subtítulo. III. Serviço Social do Comércio de São Paulo. IV. Sesc.

Composto nas fontes Century Gothic e Berthold Akzidenz Grotesk e impresso em papel Pólen 90 g/m2, com tiragem de 1.200 exemplares, em agosto de 2018.

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F E S T I VA L I B E R O - A M E R I C A N O D E A R T E S C Ê N I C A S

27/08/18 18:14 AF_capa_CATALOGO_Mirada2018.indd 1

REALIZAÇÃO PARCERIA