portifolio final de estetica by ShDamazio

portifólio Aluna:samantha damazio Matricula:uc21106934 Materia:estética e historia da arte

Índice Atividade 01- oque é arte para você? Atividade 02-os diversos conceitos da arte. Atividade 03-pequena historia da beleza. Atividade 04-leitura e releitura de uma obra de arte (etapa 1) Atividade 05-Arte primitiva, Antiguidade Egito e Mesopotâmia e Creta Atividade 06-O sagrado e profano. Antiguidade Clássica e Idade Média Atividade 07-Idade Média: Ocidente, Oriente, Igreja Militante e Triunfante.

Índice Atividade 08- A arte, o espaço e o tempo. Reforma, Contra-Reforma, Maneirismo, Barroco./ O corpo e a representação do espaço. Renascimento.

Atividade 09- arte e razão.neoclassicismo,iluminismo,romantismo. Atividade 10-arte e razão.realismo,impressionismo. Atividade 11-arte e oficio,art noveau,bauhaus. Atividade 12-modernismo Atividade 13-pós modernismo e contemporaneidade

Atividade 14-arte brasileira

Atividade 01- oque é arte para você?

Na sua opinião, qual é qualidade mais importante para uma obra de arte? Na minha opinião, a qualidade mais importante vai muito além do que apenas harmonia e beleza ,uma qualidade importante em uma obra para mim é a que mostre sentimentos, muitas vezes sentido por muitos e muito pouco compreendido ou explorada , uma pintura que tenha e passe sentimentos é muito mais complexa , pois é necessário entender-se oque se sente e saber expressar por meio de cores e figuras , que nem sempre serão compreendidas por todos. Além disso uma figura não padronizada ,não significa que não exista e sim que é vista e compreendida pelo artista daquela forma ,aliais todos nós vemos o mundo de forma diferente.

Noite estrelada autor

Vicent Van Gogh

ano

1889

tamanho

74cm X 92cm 01

Movimento artístico Pós-impressionismo

Local de exposição Museu da arte moderna de são Francisco

Atividade 02- os diversos conceitos da arte

Noite estrelada Vicent Van Gogh

7.Arte decorrente de neuroses, complexos e traumas dos artistas

Na minha opinião, a obra escolhida se encaixaria na arte decorrente de neuroses ,complexos e traumas do artista , tendo em vista ,o momento em que ela foi pintada e como o artista se expressou na obra, já que Van Gogh, se encontrava em um hospício e sofria de depressão e surtos psicóticos. Acredito eu ,que ele expressou o modo como via a vista da janela do hospício e os sentimento que a vista despertava nele , já que ele se encontrava a maioria do tempo sozinho e tinha apenas essa vista para o exterior. 07

bibliografia https://www.youtube.com/watch?v=bndwNO-QAIw https://pt.wikipedia.org/wiki/A_Noite_Estrelada https://www.culturagenial.com/quadro-a-noite-estrelada-de-vincent-van-gogh/

Atividade 03-pequena historia da beleza.

Pequena historia da beleza Corpo humano

Aluna:samantha damazio Materia:histetica e historia da arte Professora:aline stefania

30.000 a.c

Arte paleolítica

realizavam algumas esculturas do corpo humano, com predominância para o corpo feminino. Dentre essas esculturas damos destaque à Vênus de Willendorf, encontrada na Áustria, com a cabeça em prolongamento do corpo, seios volumosos e grandes nádegas. É visível a relação de maternidade, fertilidade e procriação do corpo feminino, por esse apresentar uma aparência avantajada nas regiões dos quadris e seios. A Vênus de Willendorf, esculpida entre 28 000 e 25 000 a.c

3.000 a.c

Arte egípcia

os artistas egípcios não buscavam ideais de beleza em suas representações do corpo humano, mas a única preocupação era de representar o modelo de vida dentro daquela sociedade. As estátuas sentadas deviam ter as mãos sobre os joelhos; os homens eram sempre pintados com a pele mais escura do que as mulheres; a aparência de cada deus egípcio era rigorosamente estabelecida. A organização da sociedade egípcia se dava através de regras, muitas direcionadas para a representação do corpo humano, estipulando que a imagem do homem deveria ser apresentada de forma bidimensional, na qual o juízo crítico era exibir o melhor ângulo do corpo humano. Pintura no Templo de Tebas exemplificando a lei da frontalidade na arte egípcia

473 a 1453

Idade media-arte gótica

O corpo na Idade Média ficava entre duas polaridades: ora glorificado como o corpo de Cristo, ora desprezado como fonte de desejos. As manifestações sociais mais ostensivas, assim como as exultações mais íntimas do corpo, são amplamente reprimidas.Há uma desmaterialização das figuras; tratando-se de uma arte descarnada, portanto, menos humanizada. Poucas vezes o movimento é representado, assim, as imagens apresentam um traço de atemporalidade. O corpo das figuras corresponde a cabeça, o rosto é a sede da expressã da espiritualidade que se dá por meio da intensificação do olhar.

1300 a 1650

Madonna emtronizada com santos e virtudes, de Giotto di Bondone (1267-1337)

Arte renascentista

O corpo humano foi apresentado como valorização da ciência e da racionalidade, em oposição ao divino e sobrenatural ,onde havia grande interesse pelo conhecimento do corpo e seu funcionamento. Os corpos aparecem nas obras de forma materializada, encarnada, humana. O homem e a natureza começam a ser representados juntos. O corpo humano passa a ser visto e apreciado, como fonte de beleza e realização. Foi como se a vida ideal, antes reservada para após a morte, tivesse se tornado palpável, ao alcance do homem. A perspectiva, a tridimensionalidade, o homem e a natureza agora estão presentes nas obras com riqueza .

A Criação de Adão é um fresco de 280 cm x 570 cm, pintado por Michelangelo Buonarotti por volta de 1511, que fica no teto da Capela Sistina.

O Homem Vitruviano , Leonardo da Vinci

1601 a 1768

Arte barroca

Na arte barroca era retratado o homem próxima à verdade em cenas ousadas que apresentavam suspense sobre um alto nível de realismo, considerado como mestre da dramaticidade: “O que ele queria era a verdade. A verdade tal como podia vê-la. Não lhe agradava os modelos clássicos nem tinha o menor respeito pela ‘beleza ideal’” a realidade que servia de ponto de partida para o pintor não era só a da nobreza, do clero e da burguesia, mas também a realidade da vida simples dos trabalhadores, camponeses.

1701 a 1800

Arte iluminista

Annibale Carracci - óleo sobre a tela - 51 x 68 cm - 1603 - (Musée du Louvre (Paris, France)

começa-se a representar o corpo humano através de temáticas heroicas. “Em sua forma básica, o movimento buscava reviver o espírito das grandes civilizações da Grécia e de Roma” “A Morte de Sócrates” (1787), do pintor Jacques-Louis David (1748-1825) é um exemplo de temática heroica entre as formas mais clássicas de representar a figura do homem dentro do movimento neoclássico. Representando a coragem necessária do homem em seu autosacrifício perante seus ideais. A Morte de Sócrates” (1787), do pintor Jacques-Louis David

1836

romantismo

Representavam um corpo de aparência onírica através de inspirações literárias e da música: Para eles, o mundo interior dos artistas era o conteúdo da esfera romântica. Segundo o autor, as representações do corpo humano no romantismo, são composições do mundo interior imaginário, como a obra O Pesadelo (1781) do pintor Henry Fuselli (1741-1825), representando um delicado corpo feminino em submissão ao seu pesadelo, tendo sobre seu corpo um demônio que encara o espectado. Johann Heinrich,1781,pintura a óleo 101,6 cm x 127,00cm

1880 a 1907

Arte Pós impressionista

Os pós-impressionistas valorizavam a expressão do lado subjetivo, humano, emocional e sentimental. Dessa forma, o novo espírito que surgia se distanciava do impressionismo, na medida em que não buscava somente elementos técnicos, estudos da luz natural nos objetos e reprodução da realidade, como fizeram seus antecessores. Não era representado mais o realismo no corpo humano.

Auto-Retrato,artista Vincent van Gogh, óleo sobre tela,1889

“Quando Você Casa?”pintura a óleo ,1892 ,artista Paul Gauguin

Referencias • • • • • • • • • • •

https://www.maisbolsas.com.br/enem/artes/o-que-foi-o-neoclassicismo https://www.coladaweb.com/artes/pos-impressionismo http://www.historiadasartes.com/nomundo/arte-seculo-19/impressionismo/ https://www.coladaweb.com/artes/neoclassicismo https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/artes/neoclassicismo https://pt.wikipedia.org/wiki/O_Pesadelo_(F%C3%BCssli) https://www.todamateria.com.br/romantismo-caracteristicas-e-contexto-historico/ https://brasilescola.uol.com.br/o-que-e/historia/o-que-e-iluminismo.htm https://pt.wikipedia.org/wiki/Iluminismo https://www.todamateria.com.br/barroco/ http://arteclassicaeterna.blogspot.com/2015/09/arte-barroca-e-suascaracteristicas.html

Atividade 04- leitura e releitura de uma obra de arte (etapa 1)

Leitura e releitura de uma obra de arte

Universidade católica de Brasília Aluna: samantha damazio Matéria: estética e historia da arte Professora: aline stefania

A Noite Estrelada O quadro A Noite Estrelada, de Vincent van Gogh, foi pintado em 1889. É um óleo sobre tela, com 74 cm X 92 cm, e se encontra no Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA). A pintura retrata a vista da janela do quarto do artista no hospício de Saint-Rémy-de-Provence.

A obra é dividida em duas linhas, na horizontal vemos a divisão pela linha do horizonte e na vertical pelo cipreste que foi colocado bem a frente da pintura ,assim criando um ponto para entender a perspectiva. A linha horizontal , cresce gradativamente. O ponto que chama atenção é a lua em contraposição ao cipreste que gera um equilíbrio para a obra.

O Céu gera tenções e movimento ,feito com tracejados que obedecem um fluxo, percebe-se um ritmo constante com formato circular,a igreja e a vila ao fundo da uma ilusão de profundidade ao colocar o cipreste mais a frente , assim como a distancia da linha do horizonte. a variação entre tons diferentes de uma mesma cor, no caso azul, possibilita criar uma ilusão de profundidade e preenchimento. Nos espaços que tem mais variações de tonalidade do azul escuro mais distante o elemento fica, assim, quanto mais variações de tonalidade do azul claro mais próximo fica.

pode-se perceber que o lado esquerdo aparenta ser pais pesado , por conta do cipreste que esta em primeiro plano e pela grande quantidade de estrelas.

A Preferência da leitura começa pelo cipreste que está em primeiro plano ,logo em seguida nossos olhos nos levam para o céu que chama atenção com suas linhas curvas ,depois para a lua seguindo para as montanhas ao fundo , depois para a igreja que aponta ao céu e por último a vila .

O uso de cores primarias como o amarelo cria um contraste e brilho fazendo com que se complementem. A variação de amarelo usada para representar as estrelas e a lua, transmite uma sensação de brilho, contrastando com o fundo azul do céu e a vila que realça o efeito vibrante do amarelo.

A harmonia e o equilíbrio é dado pelo formato, cor e composição. já o contraste é pela cor com a variação de tons e aplicação deles, possibilitando um aspecto visual agradável para o observador. A forma é simples tendo a construção de elementos figurativos, como o brilho da lua e das estrelas e a rajada de vento no céu, assim como elementos abstratos.

Etapa 02:linhas

Etapa 03:sem linhas

Etapa 04:planos

Etapa 05-A e B:fragmento e repetição

Etapa 06:nova composição

Etapa 07:parodia

a ideia foi fazer uma critica ao desmatamento ,pois como já sabemos o nosso cerrado está em ameaça.eu quis representar as arvores secas ao fundo com a ideia de que colocaram fogo no lugar , e alguns troncos de arvore e troncos ao chão para representar a derrubada das arvores , em primeiro planos eu representei a arvore da obra original , porém um pouco diferente , ela representa a ultima arvore sobrevivente do local,no seu pé um machado, para representar que ela seria a próxima.coloquei a lua que tem na obra original junto com os ventos , e também as montanhas , no lugar das casinhas troquei para prédios para representar a urbanização 19

Essa obra foi feita com pontilhismo, digitalmente em um equipamento. É muito interessante ver a obra como pontos , pois me sentir como se cada mínimo detalhe pudesse ser representado ,se igualando aos pixels, pois quanto você aproxima bem a cor de uma obra da para perceber que na verdade não é apenas uma cor pura , e com o pontilhismo senti que dava para fazer exatamente aquilo. essa obra foi a que eu menos gostei pois tive um pouco de dificuldade em representar tudo com pontos, não conseguindo separar cada fragmento já que a obra era basicamente inteira, por exemplo o ceu.porém gostei muito de utilizar e experimentar outras técnicas.

Nessa obra foi utilizado colagem , onde eu peguei a obra original e com um pincel preto digitalmente fui pintando o fundo formando a forma da arvore que estava em primeiro plano. essa obra mesmo sendo muito simples,eu gostei de fazer e ver o resultado , pois é como se vc estivesse olhando a pintura de uma janela com formato da arvore , gosto muito de formas com fundos que chamam mais atenção ,por isso achei a técnica bem interessante e diferente.

Essa obra eu fiz manualmente com caneta nanquim,é uma das casinhas que ficam ao fundo da obra original , e eu ultilizei as linhas como tecnica,e após isso passei para um editor de foto e repeti a figura ,intercalando-a para cima e para baixo . deixei ela em terceiro pois foi uma das obras que me surpreendi com o resultado ,já que não esperava que ia ficar tão legal a repetição por eu ter pegado um fragmento tão simples.A técnica de linhas é uma das que eu mais gosto,acho bem bonito e além disso forma tbm uma ilusão de optica dependendo da figura.

Essa obra foi feita manualmente com nanquim e utilizando a técnica de linhas ,e a ideia foi fazer uma coleção , foi uma das obras que eu tbm me surpreendi pois pensei que não iria da certo quando estava fazendo , eu representei os fragmentos e foi interessante observar pequenas coisas que normalmente não percebemos.

Essa obra eu fiz digitalmente desenhando com o dedo pelo celular,foi utilizado a técnica de linhas.essa foi uma das que eu mais gostei ,pois como já dito anteriormente eu gosto bastante dessa técnica, pois dá para perceber a luidez de cada fragmento ,dando tbm uma ideia de movimento.é bem interessante enquanto estamos desenhando ,pois é possível imaginas o percurso que a linha faria naquela figura. demorei bastante para fazer-la ,e acho que por ter tido mais paciência foi a que teve um melhor resultado.

Essa obra foi feita manualmente com caneta nanquim e grafite. a ideia foi fazer uma critica ao desmatamento ,pois como já sabemos o nosso cerrado está em ameaça.eu quis representar as queimadas e as derrubadas das arvores , coloquei a lua que tem na obra original junto com os ventos , e também as montanhas , no lugar das casinhas troquei para prédios para representar a urbanização.eu gostei muito de pensar na obra a um problema real a ser resolvido ,e foi bem interessante e diferente compor a obra assim , além de ter gostado muito do resultado , por isso foi a que eu mais gostei.

referencias • https://www.todamateria.com.br/a-noiteestrelada/#:~:text=A%20Noite%20Estrelada%20%C3%A9%20uma,o%20c%C3%A9u%20e%2 0as%20estrelas. • https://monografias.ufrn.br/jspui/bitstream/123456789/6266/1/TCC%20II.pdf • https://conversasdomano.blogspot.com/2016/09/noite-estrelada.html • https://br.pinterest.com/pin/141019032070399285/

• https://www.todamateria.com.br/a-noite-estrelada/ • https://www.culturagenial.com/quadro-a-noite-estrelada-de-vincent-van-gogh/

Atividade 05-Arte primitiva, Antiguidade Egito e Mesopotâmia e Creta

Grupo: Arte primitiva, Antiguidade Egito , Mesopotâmia e Creta A criação de Adão

Nome: a criação de adão obra renascentista feita por volta de 1511 artista: Michelangelo.

Possui influencia da arte grega mede 280cm x 570cm está localizada no Palácio Apostólico da Cidade do Vaticano.

A criação de Adão

O Renascimento foi um período da História europeia Caracterizado pelo retorno das referências culturais e artísticas da antiguidade clássica, se assumiu como um movimento de redescoberta do mundo e do Homem. A pintura foi realizada com a técnica do afresco, feitas no Teto da Capela Sistina, produzidas entre 1508 e 1512 , encomenda pelo papa Júlio II. A imagem representa o criador do mundo, Deus, dando origem à humanidade, simbolizada na figura do primeiro homem, Adão.

Paleta de coes da obra

A semelhança é com a arte grega , onde ambos valorizavam o ser humano, e representavam o corpo humano com beleza e perfeição, reproduzindo com grande riqueza de detalhes. Os membros são simétricos, Assim, através desta simetria, Michelangelo estabelece um equilíbrio entre os dois lados , entre a figura divina e a figura humana. A obra é uma imagem bíblica marcada pela contradição entre a matéria e o divino onde há relação com o simbolismo e o mundo ideal platônico. 26

Referencias

• http://tede.mackenzie.br/jspui/bitstream/tede/3329/5/Charles%20Willians%20Silveira.pdf • https://www.todamateria.com.br/a-criacao-de-adao-michelangelo/

Atividade 06- O sagrado e profano. Antiguidade

Clássica e Idade Média

grupo 02- O sagrado e profano. Antiguidade Clássica e Idade Média

Catedral de Durham-estilo românico A Catedral de Durham esta localizada em Durham na Inglaterra, fica em uma posição estratégica, em uma parte mais alta acima do rio Wear. é a sede do quarto bispo da hierarquia da Igreja da Inglaterra. Antigamente o bispado detinha os poderes de um bispo palatino, acumulando além da liderança religiosa, funções militares e a residência do bispo era o castelo de Durham. foi projetada e construída sob o comando do primeiro bispo palatino . A entrada principal da catedral está localizada na fachada norte, de frente para o castelo de Durham . A atual catedral foi iniciada em 1093, substituindo a Igreja Branca saxã e é considerada um dos melhores exemplos da arquitetura normanda na Europa.

Em 1170 funcionava como uma capela dedicada à Virgem Maria , cujo altar bloqueava sua grande porta oeste durante a Idade Média . Em 1538 O Santuário de São Cuteberto foi destruído e a riqueza do mosteiro foi tomada pelo rei. O corpo do santo foi enterrado sob uma lápide simples, hoje gasta pelos joelhos dos fieis, e apenas o pavimento à volta dela é original. Em 1650 Depois da batalha de dunbar a catedral foi utilizada como prisão temporária para deter prisioneiros de guerra escoceses ,estimasse que mais de 1700 pessoas morreram por falta de comida dentro da catedral. A Catedral possui as relíquias de Saint Cuthbert, transportadas pelos monges no século IX, a cabeça de Saint Oswald da Nortúmbria e os restos do Venerável Bede. Além disso, sua biblioteca contém um dos conjuntos mais completos de primeiros livros impressos na Inglaterra, os relatos monásticos pré-dissolução e três cópias da Magna Carta. E Hoje ela é considerada um patrimônio mundial da humanidade.

referencias

● ●

https://pt.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Durham https://pt.wikipedia.org/wiki/Antiguidade_Cl%C3%A1ssica#:~:text=A%20antiguidade%2 0cl%C3%A1ssica%20(tamb%C3%A9m%20chamada,como%20o%20mundo%20greco%2Droma no.

Atividade 07- Idade Média: Ocidente, Oriente, Igreja Militante e Triunfante

Grupo 3 :Idade Média: Ocidente, Oriente, Igreja Militante e Triunfante Igreja militante

Catedral de Durham, Reino Unido

Igreja triunfante

Catedral de Milão,italia

ambas tinham em comum o formato vertical e os detalhes de elementos decorativos que eram muito utilizados, porém na igreja militante era mais discreto ,onde era utilizado pequenas decorações esculpidas nas entradas, já a igreja triunfante tinha estátuas realistas no exterior que ilustravam as histórias bíblicas. as paredes do estilo gótico passou a ser mais fina e de aspecto leve com as janelas maiores e grandes vitrais e as torres em formato de pirâmide. a igreja militante tinha aparência mais pesada e escura, com paredes densas , já a triunfante era mais arejada e maior. a estrutura das duas eram grandes por isso tinham que ter fortes apoios. Nos dois estilos possuíam arcos , que se diferenciam pela forma,em que nas igrejas militantes os arcos eram redondos e nas triunfantes ogivais .

Catedral de Durham, Reino Unido

Catedral de Milão,italia

Atividade 08- a arte,o espaço e o tempo.reforma,contrareforma,maneirismo e barroco/renascimento

Exercicio 08-seminário 4:barroco/renascimento Ficha técnica Nome: as meninas Autor: Diego valázquez Mercury the Data :is1656 smallest planet

Técnica: óleo sobre tela

Localização : museu do prado,madrid

A pintura mostra um grande aposento no Real Alcázar de Madrid durante o reinado do rei Filipe IV da Espanha, mostrando várias figuras da corte espanhola contemporânea representadas, de acordo com alguns analistas, em um momento específico como se fosse em uma fotografia. A jovem infanta Margarida Teresa está cercada por um séquito de damas de companhia, chaperone, guarda-costa, duas anãs e um cão. As Meninas foi reconhecida como uma das pinturas mais importantes na história da arte ocidental. As semelhanças que vejo com a arte renascentista é a representação da realidade do ser humano, representando no caso a corte. no renascimento tambem eram representado muito as famílias reais , por serem ricos e patrocinarem os pintores , e podemos ver nessa obra do barroco essa representação tambem .

Atividade 09- arte e razão.neoclassicismo, iluminismo, romantismo.

Neoclassicismo •

tinha objetivo de reapresentar as belezas e formas das Artes Clássicas, passou a valorizar as tradições greco-romanas.

•

Se tornou uma tendência que se preocupava em criar padrões de beleza que perdurassem por longos tempos.

•

Os artistas procuravam inserir qualidade nas formas ao criar uma harmonia com a linha reta, equilíbrio entre as cores e simetria dos traços

•

Utilização de cores frias;

• Ênfase a pureza, harmonia e simplicidade estética dos quadros; • Destaque para o realismo e representação da realidade vivida pela sociedade.

Aista: Jacques-Louis David Drtimensões: 3,26 m x 4,2 m Material: Tinta a óleo Criação: 1784 Gênero: Pintura histórica Suporte: Lona

Renascimento •

natureza e homem como centro das preocupações

•

utilização do chiaroscuro, perspectiva e proporcionalidade no intuito de produzir obras com rigor científico

•

representação das emoções do ser humano, racionalidade e idealização da harmonia e da beleza (arte greco-romana).

•

preocupação em retratar a realidade da maneira mais fiel possível e a valorização do livrearbítrio.

Artista: Leonardo da Vinci Dimensões: 77 cm x 53 cm Localização: Museu do Louvre Criação: 1503 Material: Tinta a óleo Período: Renascimento

antiguidade Clássica •

A pintura estava presente em murais e paredes dos grandes edifícios gregos, para além de ser usada na decoração de estátuas e peças de cerâmica.

•

A maioria das pinturas que sobreviveram podem ser encontradas em peças de cerâmica, principalmente em vasos

•

representava cenas da vida comum e também de episódios da mitologia.

•

Os desenhos, que eram ricos em detalhes, privilegiavam as figuras humanas.

•

Inicialmente, as pinturas tinham um fundo alaranjado e as ilustrações numa cor escura ,depois foi alterada e o fundo passou a ser de cor negra e as figuras a surgir na cor laranja

Cílice (espécie de copo raso) pintado por Aison que representa a vitória de Teseu sobre o Minotauro, diante da deusa Atena

A arte do período clássico prezava mais a representação dos deuses olímpicos .já a arte romana, com funções mais políticas e figurativas, primava, assim como a arte praticada no período conhecido como Renascimento não só pela técnica apurada, a atenção aos detalhes da figura humana, e a perfeição do homem como obra de Deus. A dedicação ao ensino artístico foi maior no renascimento, pois poucos artistas clássicos geraram escolas permanentes. No renascimento há uma revalorização do ser humano, dos ideais clássicos, porém ainda submisso ao ideário cristão. Uma outra diferença é que os clássicos , já conheciam medidas como a proporção áurica, a perspectiva e a arte figurativa, e a arte possuía função religiosa sobretudo. A maioria dos artistas do renascimento inspirou-se nos clássicos, porém a arte era seu ofício pessoal, modo de vida e nem sempre um "sacro-ofício“.

Atividade 10- arte e razão.realismo,impressionismo.

Atividade 10 grupo 06

PLANTADORES DE BATATAS Autor: Jean François Millet localização: Museu de Artes Finas, em Boston Ano: 1861 Técnica: Óleo sobre tela Estilo: Realismo

A obra mostra um casal de camponês, o homem à esquerda segurando uma enxada, e arando a terra enquanto a mulher, à direita, joga na terra batatas para serem plantadas, Ambos usam roupas simples, de camponeses, aparentemente sujas pelo trabalho. Atrás deles, há, ao lado direito, o que parece ser uma pequena horta e, ao lado esquerdo, um bebê, provavelmente filho do casal, em uma cesta, e atrás da criança, uma árvore e um jegue. Podemos ver mais duas árvores ao fundo, um rebanho de animais, algumas montanhas e o que parece ser um vilarejo. As cores predominantes são marrom, amarelo e verde. Pelo céu azul, com algumas nuvens, temos a impressão de que a cena se passa de manhã, ou no início da tarde. Os contrastes são suaves, as pinceladas pesadas e figuras disformes e com contornos marcados. A imagem é assimétrica. A obra nos transmite um sentimento de leveza da rotina rotina. Pela expressão do casal em primeiro plano, podemos perceber equilíbrio e amenidade. Além disso, a imagem da pequena criança ao lado esquerdo, na obra, dá ideia de agricultura familiar, e nos dando a noção de dependência desta família para com a terra e seu cultivo.

Os Neoclassicismo representavam a burguesia já no realismo eles Sentiam a necessidade de retratar a vida, problemas e costumes da classe média e baixa.nos dois períodos os artistas retratavam as figuras com bastante realidade. Para o neoclássico uma obra só seria perfeitamente bela na medida que imitasse as formas que os artistas gregos e renascentistas italianos criaram,assim as pessoas tinham que ser bonitas e perfeitas , já no realismo eles desenhavam a forma assim como ela era, com seus defeitos .

Atividade 11- arte e ofícios,art noveau,bahuaus

Atividade 11 grupo 7

Nome:balão vermelho Artista : paul klee Ano:1922 Localização :Museu Guggenheim em Nova Iorque

Aobra apresenta um balão infantil sobrevoando uma cidade. Paul Klee dava uma grande atenção às cores, comparando-as à notas musicais. Pintado em tons de um vermelho vivo, com um contorno negro e bem marcado, a forma do balão salta aos olhos do observador, em pleno voo. No entanto, as cores moduladas e delicadamente variadas são fruto da imaginação do artista, e não de uma realidade observada. No canto esquerdo superior da tela, uma forma sombreada que parece sugerir uma árvore.

É o único elemento da natureza presente na obra, que retrata uma cena tipicamente urbana.

Atividade 12- modernismo

Nome: Abaporu Artista: Tarsila do Amaral Criação: 1928 Témodernocnica: óleo sobre tela Localização: Museu de Arte Latino-americana; de Buenos Aires (MALBA) Dimensões: 85 cm x 72 cm Suporte: Lona Estilo:

Tarsila do Amaral

• Tarsila do Amaral nasceu na Fazenda São Bernardo, município de Capivari, interior de São Paulo, no dia 1 de setembro de 1886. • Era filha de José Estanislau do Amaral e Lydia Dias de Aguiar do Amaral tradicional e rica família de São Paulo. • foi uma pintora e desenhista brasileira. • estudou em São Paulo em uma escola de freiras e no Colégio Sion. • Completou seus estudos em Barcelona, na Espanha, onde pintou seu primeiro quadro, "Sagrado Coração de Jesus", aos 16 anos. • em 1906 casou-se com André Teixeira Pinto, com quem teve uma filha. • Tarsila do Amaral foi uma das artistas plásticas mais importantes da primeira fase do Modernismo, concretizando em sua obra todas as aspirações de vanguarda formuladas pelo grupo. • A artista rompeu completamente com o conservadorismo e sua obra encheu-se de formas e cores assimiladas em sua viagem de “redescoberta do Brasil”, realizada em Minas Gerais, com seus amigos modernistas.

A obra inspirou um novo movimento dentro do modernismo brasileiro: o movimento antropofágico. O quadro não seguia nenhum dos movimentos artísticos europeus da época, sendo símbolo da arte genuinamente brasileira. Na obra é retratada uma figura humana sentada numa posição pensativa em uma paisagem árida e ensolarada. Entretanto, o que se sobressai na obra é justamente a ênfase dada ao tamanho dos membros, em detrimento do tamanho da cabeça. Dessa forma, podemos perceber a importância que a artista dá à força dos pés e mãos que viabilizam o trabalho braçal do povo brasileiro. A cabeça menor pode indicar uma suposta falta de pensamento crítico e "apaziguamento" da população. Por conta desses elementos, tal pintura é vista como uma crítica social. Sobre as cores na composição, a escolha foi por tons vibrantes que remetem à brasilidade, com destaque para o verde, amarelo e azul cores da bandeira nacional. O cacto e o sol também fazem alusão direta à cultura brasileira, especialmente à região do Nordeste, que possui tal vegetação e sol o ano todo. A cabeça apoiada na mão e o cotovelo no joelho, nos indicam, além disso, um certo abatimento, infelicidade, apatia ou depressão.

Atividade 13- pós modernismo e contemporaneidade

Atividade 13-grupo 10 •

inspirei essa obra no pop arte e no hard edge. • no pop art os artistas pegavam coisas comuns e desenhavam diversas vezes como se fosse uma montagem. • no hard hedge eles estudavam cores , pegando uma mesma cor e alterando sutilmente sua matriz.

Atividade 14- arte brasileira

Atividade 14 grupo 11

• Data :1915 | 1916

• Coleção particular •Autores: Anita Malfatti

• Técnica utilizada para produzir a obra: óleo sobre tela • Dimensões: 61.00 cm x 51.00 cm

A Mulher de Cabelo Verde

a mulher de cabelo verde é uma retrato de uma mulher desconhecida, e romantiza o processo de envelhecimento. Ela mostra que as mulheres não devem se preocupar com os cabelos brancos, pois eles são a sua força.essa obra marcou o Modernismo Brasileiro, causando um grande alvoroço nesse movimento artístico, por ser uma obra que possui o uso de certa deformação, fugindo dos modelos clássicos,representando pessoas que não tem nenhuma ligação com o mundo artístico..a obra provocou indignação em Monteiro Lobato e na elite provinciana de São Paulo, mas, fascinou Mario de Andrade, um dos fundadores do Modernismo no Brasil. Monteiro Lobato escreveu um artigo“Paranóia ou Mistificação”onde expos a artista” Anita possuía talento, mas se deixou levar pelas “extravagâncias de Picasso e companhia” e que por isso colocou todo seu talento a serviço de uma nova caricatura’’ . Lobato afirma que as pinturas ditas modernas,não tinham nada de bonitas e que aqueles que tivessem elogiado a obra de Anita estariam tão seduzidos e errados quanto ela. essas críticas fizeram romper com uma velha tradição e se encontrar com o novo, com o moderno, estar afinado às mudanças estéticas que aconteciam em outras partes do mundo.

Slide pós modernismo e contemporaneidade

Pós-modernismo e Contemporaneidade Alunos: Gabriela Cintra, Camila Daya, Samantha Damazio, Lethícia Simões, Saulo Eduardo

ARTE CONTEMPORÂNEA OU ARTE PÓS-MODERNA • A arte contemporânea ainda está viva e em crescimento. • O fio condutor a todos os estilo é oposição ao Expressionismo •

• • •

Abstrato. Os pintores hard edge e os escultores minimalistas, criando formas semelhantes a máquinas, acabaram com o culto à personalidade da pintura de ação. Os artistas pop focaram nas imagens comerciais. Os conceitualistas reduziram a arte a mão ao nível zero, deixando a arte existir mais na mente do que na tela. Tudo isso aconteceu em Nova York, a Europa voltou à cena em 1980.

ARTE CONTEMPORÂNEA OU ARTE PÓSMODERNA

•

Pintores Italianos e Alemães, conhecidos como neo-expressionistas, devolveram a figura à pintura e imagem reconhecíveis à corrente principal, infundindo em telas intensas e emocionais.

•

À medida que o séc XX caminha para seu término, a arte se torna mais internacional, sem uma área geográfica dominante, e mais diversificada que nunca.

•

O legado agora é a LIBERDADE TOTAL.

Hard Edge (margem dura)

•Eles queriam algo semelhante feito por uma maquina , se definiam como tudo oque os expressionistas abstratos não tinham sido • Em vez de uma abstração espontânea subjetiva ,eles queriam uma abstração calculada e impessoal

Hard Edge (margem dura)

• Na pintura as formas são simples e com contornos rígidos

• Os quadros são precisos e frios como se feito em uma maquina

• Eles viam a obra de arte como um objeto independente e não como a visão da realidade, para eles uma superfície pintada nada mais é do que uma área coberta de tinta que termina no fim da tela” oque você vê é oque você ver “.

Hard Edge (margem dura) •

Eles queriam algo semelhante feito por uma maquina , se definiam como tudo oque os expressionistas abstratos não tinham sido.

•

Em vez de uma abstração espontânea subjetiva ,eles queriam uma abstração calculada e impessoal

•

Na pintura as formas são simples e com contornos rígidos

•

Os quadros são precisos e frios como se feito em uma maquina

•

Eles viam a obra de arte como um objeto independente e não como a visão da realidade, para eles uma superfície pintada nada mais é do que uma área coberta de tinta que termina no fim da tela”oque vc vê é oque vc ver “.

Josef Albers • Ensinava o efeito de uma cor sobre outra ,mostrando como a cor influenciava e modificavam umas as outras. • Ensinou a como fazer linhas absolutamente retas • Ensinava o controle e não a liberdade. • Seu trabalho refletia essa disciplina ,uma de suas obras chamadas “o quadrado” consiste em quadrados sobrepostos em matrizes sutilmente variadas ,demonstrando como as corem interagem causando a ilusão ótica da cor.

kenneth noland • Especialista em círculos concêntricos • Estabeleceu o centro da tela como um artificio estruturante • Na década de 60 mudou sua marca registrada,noland fazia as divisas em forma de asas que pareciam voar para fora da tela • Não retratar um formato regular nas pinturas

Ellsworth Kelly • delineava formas exatas que pareciam feitas por maquinas

• ele não queria bordas e sim massas • combinava formas simples que oscilavam ,o espectador não sabia oque estava em primeiro plano ou o que estava no fundo. • gostava de combinar duas cores arrojadas e intensas e formas básica em telas de tamanho mural.

Frank Stella • Os quadros dele são objetos autossuficiente • Quebrando os triângulos ,suas telas recortadas em outros formatos são a maneira de desfazer uma ilusão de que o quadro é uma janela num espaço ilusionista • Utilizava em suas telas tintas de parede e metálica • Nos anos 60 desenvolveu um novo formato em 3-d margeando a fronteira da pintura com a escultura.

ARTE PRÉ-POP

SURGIMENTO • Ao fim de dez anos, o Expressionismo Abstrato parecia inapelavelmente banal. • -Os jovens inovadores dos meados dos anos 50 se rebelaram contra essa falsa abstração: Já que, na verdade, o que os artistas faziam eram uma imitação… jogando galões de tinta sobre as telas para faturar sobre algo que rapidamente se tornou uma padronização. “N°1, 1950 (Lavender Mist)”. Pollock,Washington Expressionismo Abstrato

SURGIMENTO • Robert Rauschenberg e Johns lideraram a ruptura e deram fim ao domínio da abstração no mundo da arte. • -Somente os dois artistas não copiavam outros artistas.

“Desenho de kooning apagado, 1953”. Rauschenberg. Museu de Arte Moderna de São Francisco.

• -Rauschenberg produziu uma obra de arte apagando um desenho de Kooning. Isso foi um gesto de “cabeças vão rolar”, simbolizando o momento que o movimento iniciado pelos dois deu início.

RAUSCHENBERG • Foi o artista que mais contribuiu, no pós guerra, para libertar o artista da compulsão de registrar as próprias emoções.

RAUSCHENBERG “A FORMA É IGUAL AO FATO” • “Combinação”.

• -Forma híbrida de arte, que ele inventou. • -Consistia em uma arte de meia pintura e meia escultura (adicionando materiais excêntricos: reciclando sucata e lixo). • - Ele dizia que um par de meias não é menos adequado do que óleo sobre tela. -“Eu queria que as imagens guardassem o sentimento do mundo externo em vez de cultivar o incesto da vida de estúdio” “Monograma, 1955-56” Rauschenberg.

RAUSCHENBERG “FUSÕES E AQUISIÇÕES” • “Multiplicidade, variedade e inclusão”. • -Era como Rauschenberg chamava os temas de sua arte.

• - Ele adquiriu um estilo pessoal baseado no risco. “Se a arte não é surpresa, ela não é nada”. “Cama, 1955” Rauschenberg.

JOHNS • Conhecido como mestre Zen da arte Americana. • O frio cálculo de Johns era oposto à passional receptividade do caos de Rauschenberg.

“Três Bandeiras, 1958”. Johns, 78,42x115,5cm

Whitney Museum of American Art, NY

JOHNS “NÃO SÓ OLHAR, MAS VER” • Para ele, a arte era um exercício intelectual.

• Nos anos 50 e 60, ele elegeu como temas de suas obras, objetos bem conhecidos: bandeiras, alvos e mapas.

JOHNS “NÃO SÓ OLHAR, MAS VER” • Sua arte é um estudo da ambiguidade de da metamorfose. • -Ela era intencionalmente oblíqua, fria e distanciada… mas aberta a múltiplas interpretações.

“Bronze Pintado, 1960”. Johns.

• “Eu estava interessado na invisibilidade que as imagens tinham adquirido.”

HAPPENINGS • Como parte da cena pop, os artistas programavam happening com a finalidade de tirar a arte das telas e trazêlas para a vida. “Happening Spring Training” Rauschenberg

Arte Pop • Os quadros derivavam de historias de quadrinhos e tomaram como alvo a arte abstrata dos anos cinquenta • Vários artistas baseavam seus trabalhos nas imagens dos anúncios da time square • A arte pop tornou objetos comuns em ícones ,como sanitários, pilhas ,cortador de grama e etc. • Produziam arte impessoal ,reproduzindo embalagens como a caixa de sabão em pó em um estilo anônimo lustroso como um impresso.

Andy warhol • Pegava o tema de suas obras nas prateleiras dos mercados e nas manchetes • Fazia uma produção de massa com latas de sopa ,repetindo a imagem fazendo como se fosse uma montagem

Claes Oldenburg • Desenvolveu ampliações tridimensionais • Pegava objetos comuns do dia a dia e ampliava em grandes escalas mudando sua composição • Sua intenção era fazer com que as pessoa vissem pela primeira vez um objeto que olhamos todos os dias.

MINIMALISMO

SURGIMENTO

• Ficou conhecida como a escola da frieza. • O Minimalismo foi uma reação contra a presunção do Expressionismo Abstrato e a vulgaridade do Pop. • Surgiu pela conclusão inevitável, dos artistas modernos, de reduzir a arte ao básico. • Seus fundadores foram escultores americanos, que definiu o minimalismo como: “Se livrar daquilo que as pessoas costumavam achar essencial à arte”.

MINIMALISMO CARACTERÍSTICAS “GEOMETRIA SÓLIDA”

“Sem título, 1969”. Judd. Museum of Art

• Totalmente abstrata. • Fabricada industrialmente. • Sem conexão a personalidade e emoção do artista (efeito puro e anônimo). • Formas geométricas simples e frias. • Materiais: metal, tijolos...

MINIMALISMO “A SIMPLICIDADE DA FORMA”

“ Untitled, 1974” Robert Morris, NY.

• “A forma mínima garante a intensidade máxima”. • -Eliminando as distrações do detalhe, eles pretendem forçar a atenção total do espectador para o que sobrou. • “A simplicidade da forma não equivale necessariamente à simplicidade da experiência” -Robert Morris.