CineMag SIGNIS - Africa

Publication trimestrielle multilingue Multilingual quarterly magazine Revista trimestral multilingĂźe

Afrique Africa

Dans les années 1960, Van den Heuvel propose à l’OCIC de donner son Grand Prix à Le Mandat d’Ousmane Sembene. Puis l’OCIC accepte, sur la proposition du professeur Victor Bachy, de faire de la promotion du cinéma africain une de ses priorités. Pour l’Unda, la diffusion des radios et des chaînes de télévision en Afrique est également une de ses préoccupations prioritaires. En 1973, l’OCIC installe son premier jury au FESPACO et décerne son prix à Sambizanga de Maldoror dénonçant le colonialisme et la barbarie des colonisateurs. Dès lors, des actions se développent autour de la diffusion du cinéma africain en Afrique et ailleurs.

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EDITO

Le cinéma en Afrique a toujours été une préoccupation d’OCIC/SIGNIS. Dès 1952, son membre en Egypte fait la promotion du cinéma local. Dans les années 1950, le service missionnaire de l’OCIC à Rome utilise le cinéma comme outil d’évangélisation.

Son directeur le Père Poitevin, un Canadien, refusait de faire de la propagande coloniale. Dès l’Indépendance, des missionnaires au Sénégal (le père Jean Vast), au Congo (le père Van den Heuvel) et le père Poitevin à Rome travaillent à décoloniser le cinéma, toujours dans un souci d’évangélisation, cherchant notamment à humaniser ces peuples déshumanisés par les médias occidentaux. Ils encouragent les Africains à réaliser leurs propres images et à raconter leurs propres histoires, non seulement pour le public en Afrique mais aussi pour le reste du monde.

Une nouvelle revue internationale du cinéma Le cinéma est omniprésent dans nos sociétés. SIGNIS tient compte de cette présence signifiante. Cet art, expression de la créativité humaine, est comme un média qui influence les cultures avec des valeurs et des visions sur la vie et le monde. Depuis 1947, l’association, alors appelée OCIC, a été invitée par les festivals internationaux pour mettre en place des jurys SIGNIS, œcuméniques et inter-religieux afin de promouvoir des films de qualités, traduisant artistiquement ses valeurs. Ainsi plus de 2000 films ont été primés ou distingués, la plupart étant devenu des classiques. Cette nouvelle revue veut marquer la présence de SIGNIS dans le monde professionnel du cinéma mais aussi être un outil pour ses membres, journalistes, critiques du cinéma et éducateurs aux médias travaillant dans plus de cent pays.

A new international film magazine Today, cinema is still very present in society. SIGNIS takes into account this significant presence. This art, an expression of human creativity, is like a medium that influences cultures with values ​​and worldviews Since 1947 the organization, called at this time OCIC, has been invited by international festivals to participate with juries (SIGNIS, Ecumenical and inter-religious) to promote quality films that artistically translate values.

In its 72 years, more than 2,000 films have been awarded or mentioned and most are now considered classics. This new journal wants to mark the presence of SIGNIS in the world of the cinema but also to be an organ for its journalists-critics and media educators working in more than one hundred countries.

Eddy Munyaneza

N°1/2019 Publication éditée par l’Association Catholique Mondiale pour la Communication Publication of the World Catholic Association for Communication Publicación editada por la Asociación Católica Mundial para la Comunicación SIGNIS – Rue Royale, 310 – 1210 Brussels – Belgium – Tel: 32 (0)2 734 97 08 E-mail: sg@signis.net – www.signis.net – @SIGNIS – facebook.com/signisworld – youtube.com/user/signisworld Secretary General: Ricardo Yáñez Chief Editor: dr Guido Convents – Lay-Out: Pascale Heyrbaut Photo Cover: Maman Colonelle by Dieudo Hamadi Team/Correspondents: Magali Van Reeth, Marc Bourgois, dr Walter Ihejirika, Charles Ayetan, dr Pierre Sanou, dr Dominic Dipio, dr Alan Foale,Yirga Teshome, Douglas Falheson, Gérard Marion, Petna Ndaliko Administration: Fabienne Deseau, Florentina Gonzalo, Nadia Tekal ISSN 0771-0461 Les articles signés expriment les opinions personnelles des auteurs.

EDITO

Cinema in Africa has always been a concern of OCIC / SIGNIS. Since 1952 its member in Egypt promotes local cinema. In the 1950s the OCIC missionary service in Rome used cinema for evangelization. His director Fr Poitevin, a Canadian, refused to make colonial propaganda. Since the independence of most African countries, missionaries in Senegal (Fr Jean Vast), Congo (Fr Van den Heuvel) and Poitevin in Rome have been working to decolonise the cinemagoing and -production. It was part of their evangelization and meant humanizing the former colonized peoples who had been dehumanized by Western powers and their media. They supported Africans to make their own images and tell their own stories, not only for the public in Africa but also for the rest of the world.

In the 1960s,Van den Heuvel proposed to OCIC to give Ousmane Sembene’s Mandabi his Grand Prix. Then the organisation accepted the proposal of Professor Victor Bachy to consider promoting African cinema as one of its priorities for the future. At Unda, broadcasting of radio and television channels in Africa was also one of its priority concerns. In 1973 OCIC installed its first jury at FESPACO and the first prize went to Sambizanga of Sarah Maldoror denouncing colonialism and its atrocities. Since then OCIC and now SIGNIS, developed actions to promote not only African cinema in Africa and elsewhere.

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FESPACO 50ème anniversaire Bilan du festival panafricain du cinéma et de la télévision de Ouagadougou Rencontre avec Soma Ardiouma Je suis Burkinabé et j’ai commencé ma carrière comme journaliste auprès la télévision nationale. En 1988, au moment de la naissance de la cinémathèque, j’ai été confronté au problème de la sauvegarde du patrimoine audiovisuel, non seulement pour le Burkina Faso mais de l’Afrique dans son ensemble. Puis, je suis devenu directeur artistique et directeur du cinéma et de l’audiovisuel au ministère de la Culture au Burkina Faso, entre autres. Fin 2014, j’ai été nommé délégué général du FESPACO. En cette période du 50ème anniversaire, on me demande souvent le bilan du Festival. Je pense qu’il est plutôt positif. Le Festival a été mis en place parce qu’il avait une sorte d’urgence à montrer des films africains, des histoires africaines à un public africain. Dans les années 1960, après l’indépendance de la plupart des pays africains, on projette dans les salles de cinéma uniquement des films américains, français, chinois et indiens. C’est comme si les pays étaient libérés politiquement du « colonialisme », mais que l’imaginaire et le monde du cinéma étaient encore aux mains des autres.

Pourtant au milieu des années 1960, des pionniers comme Sembene Ousmane et d’autres ont souligné que pour être indépendant on devait maîtriser ses images et son imaginaire. Ils réalisent alors des films avec les récits nécessaires à la construction de leur pays réduit en cendres par la colonisation. Ces films existaient mais n’étaient vus que par un public africain très restreint. Il faut savoir que, dans toute l’Afrique francophone, la distribution des films était aux mains d’entreprises françaises. C’est ainsi qu’en 1969 le Festival a été mis en place par quinzaine d’amis convaincus qu’il fallait montrer les films africains aux Africains, afin d’enrichir leurs identités culturelles, leur monde socio-politique. Ce fut un succès. Dans les années suivantes, nous avons reçu des appuis pour promouvoir les aspects culturels. Maintenant c’est clair qu’il faut aller plus loin, avoir un autre modèle que celui qui s’appuie uniquement sur des fonds extérieurs. Il y a « Nollywood » et d’autres « wood » qui montrent que même en Afrique, le cinéma a une importance économique. Alors le bilan n’est pas seulement positif au niveau culturel mais aussi économique.

Aujourd’hui, le défi est de développer le monde du cinéma africain dans le secteur de l’économie durable. Depuis plus de vingt ans, le Marché international du cinéma africain (MICA) existe. Nous travaillons de plus en plus avec les télévisions. Et nous sommes conscients de l’importance de réclamer aussi des droits auteurs chez les nouveaux diffuseurs numériques qui ont créé un public toujours grandissant pour nos produits. Bien que les cinéastes se soient fortement opposés à la présence des séries télévisées au Festival, elles seront là sur le Marché parce qu’elles créent de l’emploi et sont aussi socialement et culturellement importantes. Aujourd’hui, on ne parle plus de programmes de cinéma ou de télévision, mais on parle de « contenu audiovisuel ». Certains nous reprochent de ne rien faire pour la jeunesse. Mais c’est faux. Une bonne partie des films présentés au Festival depuis le début sont des premiers films. Dans les années 1970, nous avons lancé une école pan-africaine de cinéma. Malheureusement, nous avons dû l’arrêter étant donné l’importance des frais engendrés pour la formation d’un cinéaste ou d’un technicien en cinéma qui dure trois ans. Aujourd’hui, de nombreux pays africains ont des écoles du cinéma et nous avons même une compétition des films venant de près de vingt écoles de cinéma africain. Le simple fait que les Africains fassent des films et qu’ils prennent la parole pour montrer l’Afrique de leur point de vue est le signe d’un bilan positif.

A l’occasion de ce 50ème anniversaire de ce Festival bisannuel, le thème de la 26ème édition est « Mémoire et avenir des cinémas africains ».

C’est dire que nous voulons combiner l’expérience et le travail du passé avec l’ouverture et la créativité de la jeunesse d’aujourd’hui et de demain. Pour construire un avenir, on doit connaître ses racines et celles-ci doivent être fortes. Ainsi on pourra développer une culture cinématographique durable. Pour nous, la créativité est l’âme de la culture et de l’humanité. Une culture ouverte sur le monde est le meilleur antidote contre l’obscurantisme qui malheureusement se manifeste encore aujourd’hui dans certains coins d’Afrique mais aussi dans le monde entier.

Propos recueillis par Guido Convents

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Prix OCIC/SIGNIS à Ouagadougou (1973-2017) 1973 Sambizanga de Sarah Maldoror (Angola)

1989 Zan Boko de Gaston Kabore (Burkina Faso)

2005 Bats le tambour de David Hickson (Afrique du Sud)

1976 Muna Moto Enfant de l’autre (L’) de Jean-Pierre Dikongue-Pipa (Cameroun)

1990 Tilaï de Idrissa Ouedraogo (Burkina Faso)

2005 Un amour d’enfant de Ben Diogaye Beye (Sénégal)

1993 Yelema - Mutation (La) de Mamo Cisse (Mali)

2007 Tsotsi de Gavin Hood (Afrique du Sud)

1995 Sigida (L’environnement) de Salif Traoré (Mali-Royaume-Uni)

2009 La Maison Jaune de Amor Hakkar (Algérie)

1997 Buud Yam de Gaston Kabore (Burkina Faso)

2011 Voyage à Alger de Abdelkrim Bahloul (Algérie)

1999 Pièces d’identités de Mwézé Dieudonné Ngangura (Rép. Dém. Congo)

2013 Terre et fils de Fernand Lepoko (Gabon)

1979 Baara de Souleymane Cisse (Mali) 1981 Djeli, conte d’aujourd’hui de Kramo Laciné Fadika (Côte d’Ivoire) 1983 Wend Kûuni, le don de Dieu de Gaston Kabore (Haute-Volta) & Certificat d’indigence de Moussa Yoro Bathily (Sénégal) 1985 Jours de tourmentes de Paul Zoumbara (Burkina Faso)

2001 Sia, le rêve du python de Dany Kouyate (Burkina Faso)

1987 Yam Daabo - Choix (Le) de Idrissa Ouedraogo (Burkina Faso)

2003 Kabala de Assane Kouyate (Mali)

2015 Cellule 512 de Missa Hébié (Burkina Faso) 2017 The Lucky Specials de Réa Rangaka (Afrique du Sud)

Soma Ardiouma The Artistic director of Africa’s most important filmfestival Soma Ardiouma is a Burkinabe and he began his career as a journalist on national television. In 1988, when the cinematheque in Ouaga was founded he was confronted with the problem of safeguarding the audiovisual heritage, not only for Burkina Faso but for Africa as a whole.Then, he became artistic director and director of cinema and audiovisual at the Ministry of Culture in Burkina Faso, among others.At the end of 2014, he was appointed general delegate of FESPACO. Today, the challenge for Soma is to develop the world of African cinema in the sector of sustainable economy. For over twenty years, the International Market for African Cinema (MICA) exists. The festival is working more and more with television.

And Soma is aware of the importance of also claiming author rights not only from television channels but also from new

digital presenters who have created an ever-growing audience for our products like phone companies. He admitted that the filmmakers have strongly opposed the presence of television series at the Festival, they will be there on the market because they create employment and are also socially and culturally important. In 2019 at Fespaco one no longer talk about film or television programs, but one talks about ‘audiovisual content.’ “Some blame us for doing nothing for the youth. But it’s wrong.

A good part of the films presented at the Festival since the beginning are first films.

In the 1970s, we launched a pan-African film school. Unfortunately, we had to stop it because of the high cost of training a filmmaker or a film technician for three years.” He underlines that in 2019 many African countries have film schools and so he organised even have a film competition from nearly twenty African film schools.The simple fact that Africans make more than

ever films and present Africa from their point of view is a sign of a positive balance, an several films are travelling on the screens world wide.

Soma : “On this 50th anniversary of this Biennial Festival, the theme of the 26th edition is ‘Memory and Future of African Cinema’. This means that we want to combine the experience and work of the past with the openness and creativity of today’s and tomorrow’s youth. To build a future, one must know one’s roots and these must be strong. Thus, we will be able to develop a sustainable cinematographic culture. For us, creativity is the soul of culture and humanity. A culture open to the world is the best antidote against the obscurantism that unfortunately still appear today in some parts of Africa but also in the whole world.”

GC CineMag

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Silas: No More Business as Usual d’Anjali Nyar et Hawa Essuman (Canada/Afrique du Sud/Kenya) On voit peu de film dont l’action se situe au Liberia, petit pays anglophone situé en Afrique de l’ouest et entouré de pays francophones. Ce documentaire de deux jeunes réalisatrices, tourné juste avant l’élection du nouveau président, George Weah, montre bien le chemin difficile vers la démocratie.

A l’initiative d’une association dénonçant les illégalités et le népotisme du gouvernement de son pays, Silas Siakor, qui donne son prénom au film, est un activiste politique.

Depuis des années, il rassemble les preuves de la vente des biens nationaux aux entreprises commerciales internationales (comme les forêts pour l’exploitation de l’huile de palme) et des fraudes du gouvernement en place. Alors que nombreuses ONG et certaines démocraties occidentales ne tarissent pas d’éloges sur l’ancienne présidente Ellen Johnson Sirleaf (2005-2018), il rassemble patiemment et sans aucune violence les preuves de sa gestion quotidienne qui bafoue les droits fondamentaux des populations les plus vulnérables.

Avec une mise en scène rigoureuse et fluide, ce documentaire montre les conflits qui, au Liberia comme ailleurs, existent entre le développement économique, le respect des communautés locales et la protection de l’écosystème. Autour de Silas, les sympathisants et bénévoles qui veulent signaler et prouver des irrégularités, utilisent TIMBY. Cette appli, conçue et développée en Afrique, est disponible en 10 langues et utilisée dans de nombreux pays pour dénoncer et donc combattre les entreprises, individus, organismes ou gouvernements qui outrepassent leurs

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droits ou ceux de leurs concitoyens. C’est un outil efficace pour signaler les abus et en archiver les preuves.

Au dernier festival de Zanzibar, les deux réalisatrices Anjali Nyar et Hawa Essuman ont obtenu le prix du meilleur documentaire pour Silas : No More Business as Usual.

Avec une photo soignée et une narration à la fois très claire et prenante, elles ont su trouver le ton juste pour permettre au spectateur le plus néophyte d’entrer dans cette dénonciation politique, sans perdre du vue l’approche artistique et cinématographique.

Magali Van Reeth

Lors de l’édition 2018 du festival de Zanzibar, le jury SIGNIS a attribué le East African Talent Award à Kemiyondo Coutinho, pour son court-métrage Kyenvu (Ouganda). En 2014, l’Ouganda a voté une loi antipornographique que la population a maladroitement appelé la loi antimini-jupe et qui a servi de prétexte à des violences envers les jeunes femmes. Dans son court-métrage, réalisé avec une maîtrise technique remarquable, la jeune réalisatrice rappelle que ce ne sont pas les vêtements des femmes qui incitent au viol mais l’attitude des hommes. Son film, pudique et émouvant, montre qu’aucun changement de mentalité ne peut intervenir sans la participation des hommes.

Ce film montre qu’il n’y a pas de solutions rapides aux problèmes de viol mais qu’ils ne peuvent être résolus que si les hommes sont impliqués dans la discussion. (Jury SIGNIS)

Supa Modo de Likarion Wainaina (Allemagne/Kenya) Dans le monde entier, des enfants de tous âges rêvent d’être un jour des super héros. Lorsque la vie malmène Jo, son imaginaire lui permet de se raconter des histoires pour affronter le quotidien.

Jo a une dizaine d’années, c’est une petite fille pétulante et gaie. Et elle vit au Kenya.

On fait sa connaissance lorsque sa mère vient la chercher à l’hôpital pour la ramener au village, car aucun traitement ne pourra la sauver. Retrouvant sa chambre et ses jouets, Jo rêve de Superman et de super pouvoirs, lui permettant de s’envoler et de faire des choses impossibles. Par jeu, sa grande sœur réalise quelques trucages pour « faire semblant » et elles s’en amusent ensemble.

C’est bien sûr un film émouvant par son sujet – la mort d’un enfant – mais la mise en scène de Likarion Wainaina trouve le juste équilibre entre le drame, l’humour et la légèreté. La mort n’est pas effondrement mais un moment unique où les proches se rassemblent pour accompagner l’enfant et adoucir son départ. Sous la légèreté apparente que le réalisateur choisit pour dérouler son récit, il traite le deuil avec délicatesse et sans faux-semblant.

à créer et à recréer, avec les moyens du bord évidemment... Dans cette joyeuse cacophonie, on peut oublier l’issue fatale, ou mieux la préparer.

C’est un film qui utilise les couleurs et la magie du cinéma comme mise en scène.

Il montre combien le cinéma peut nous aider à affronter nos émotions en nous permettant de les voir et revoir avec ce qu’il faut de distance pour les apprivoiser.

Comme la mère de Jo, d’abord réticente à ce projet qui implique tout le village, puis

effrayée par ces images de l’enfant disparue, avant de trouver en elles une forme de consolation.

Lors de l’édition 2018 du festival inter­ national du film pour le jeune public de Zlin (République tchèque), le jury œcuménique a décerné son prix à Supa Modo, soulignant à quel point Jo est « une véritable superhéroïne du quotidien ». Un film tout public à partir de 8 ans.

Magali Van Reeth

A la suite de sa grande sœur, tout le village se mobilise pour réaliser le rêve de Jo : tourner un film de super-héros (le fameux « supa modo » du titre) dont elle sera le personnage principal. Costumes, lumière, décors, personnages et intrigue, il y a tout CineMag

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Wallay de Berni Goldblat (Burkina Faso/France/Qatar) Envoyé en pénitence au pays de son père, un jeune garçon européen découvre l’Afrique et l’origine de sa famille, dont il ignorait tout. Une jolie fable pour tous ceux qui vivent entre deux cultures et qui célèbre l’importance de la transmission.

A 13 ans, Ady a passé toute sa vie dans la banlieue lyonnaise dont il maîtrise parfaitement les codes de la petite délinquance. Dépassé par cet enfant qui part dans la mauvaise direction, son père, veuf et originaire du Burkina Faso, décide de l’envoyer au pays. Pour Ady, archétype de la racaille française, l’immersion soudaine dans cet univers qu’il ne soupçonnait pas, est plutôt déstabilisante.

Le ton du film est à la comédie mais une comédie dégagée de tout effet comique, qui décrit finement la réalité du décalage vécu par Ady. Il n’a jamais vu ces oncles, tantes et cousines qui semblent tout savoir sur lui et l’accueillent avec générosité et fermeté. Il ne parle pas leur langue, il ne connaît rien à la politesse en usage, et bien sûr il ne sait ni économiser l’eau ni l’électricité.

A travers l’expérience d’Ady, le film remet du lien là où il n’y avait qu’ignorance et oubli. La rencontre avec la grand-mère, si heureuse de rencontrer ce petit-fils qu’elle n’a jamais vu, permet à Ady de créer des liens affectifs mais aussi de dépasser sa colère pour pallier à l’extrême dénuement dans lequel vit cette femme. « À une époque où les pays veulent ériger des murs et vivent un repli identitaire, j’aspire à un monde sans frontières, plus cosmopolite », explique Berni Goldblat, le réalisateur. Ce sont nos choix et nos rencontres qui font

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notre identité et notre richesse intérieure, pas la couleur de la peau.

S’il a quelques défaillances dans le rythme du film, on apprécie de plonger entièrement dans l’ambiance d’une ville africaine, entre les couleurs des vêtements et de la langue, les attitudes corporelles et les traditions qui perdurent malgré la soif de modernité d’une génération plus jeune. « On est plus le fils de son époque que de son père » dit l’un des personnages, et cela vaut des deux côtés de la Méditerranée... Le jeune acteur Makan Nathan Diarra fait un excellent Ady, jeune adolescent à la peau noire et très français en dedans, de part sa façon de parler et de voir (ou de ne pas voir) le monde qui l’entoure.

Wallay, qui signifie «je te jure» et qui donne son titre au film, insiste sur l’importance du rituel à chaque étape de la vie. Si la circoncision est évoquée sous l’angle culturel et non religieux, l’initiation, primordiale dans la culture africaine, est traitée avec une justesse qui lui permet de garder tout son sens à notre époque Magali Van Reeth Ce film était en 2017 en sélection officielle de la Berlinale et du Fespaco.

Films en compétition au FESPACO 2019 Five Fingers for Marseilles de Michael Matthews (Afrique du Sud) Vingt ans après s’être enfui, un Sud-Africain, alors jeune membre d’un groupe d’amis nommé Five Fingers, revient dans le petit village de Marseilles où il a grandi. Les flics corrompus et abusifs ont cédé la place à un gang et la violence a fait des ravages parmi ses amis. Ce cinéaste transcende les codes du western pour évoquer les blessures du colonialisme.

Mabata Bata de João Luis Sol de Carvalho (Mozambique) Basé sur la nouvelle de Mia Couto, écrite en 1986, Le jour où a explosé Mabata Bata, ce film raconte l’histoire d’Azaria, un jeune berger orphelin, qui rêve d’aller à l’école mais doit garder le troupeau de son oncle Raul. Le plus bel animal, Mabata Bata, est destiné à payer la dot de la fiancée de Raul. Un jour, le bœuf s’éloigne du troupeau et explose sur une mine, laissée par les combattants d’une guerre civile qui dévaste le pays. Craignant les représailles de son oncle, le jeune homme s’enfuit dans la forêt…

Akasha de Hajooj Kuka (Soudan) Le Soudan est en guerre. Adnan, un rebel aime autant son fusil AK47 que sa compagne.

Comme il ne retourne pas à temps dans son unité militaire, le commandant ordonne son arrestation Adnan, pris au dépourvu, se rapproche du pacifiste Absi afin de retrouver son arme perdu. Ce film est un comédie et l’histoire se déroulent en une seule journée. Il parle du mode de vie dans les zones de conflit où on ne batte bas pendant la saison des pluies parce que se battre dans la boue est presque impossible.

Son documentaire Beats of the Antonov a reçu le prix de la Commission flamande de l’UNESCO à l’Afrika Filmfestival Leuven en 2016..

T-Junction de Amil Shivji (Tanzanie) Fatima et Maria se recontrent dans une file d’attente à l’hôpital. À première vue, elles ont peu de choses en commun. Néanmoins, elles vont se soutenir mutuellement et une amitié finit par naître entre elles. À travers les récits de Maria, nous faisons connaissance des propriétaires de stands au marché de T-Junction à Dar-es Salaam : en marge de la société, une communauté solide qui partage amours et peines. Fatima est issue d’une famille indo-tanzanienne aisée. Son histoire explore les thèmes de l’ethnicité et des classes sociales de la société tanzanienne.

Rafiki de Wanuri Kahui (Kenya) À Nairobi, deux lycéennes mènent deux vies bien différentes, mais cherchent chacune à leur façon à poursuivre leurs rêves. Leurs chemins se croisent en pleine campagne électorale au cours de laquelle s’affrontent leurs pères respectifs. Attirées l’une vers l’autre dans une société kenyane conservatrice, elles vont être contraintes de choisir entre amour et sécurité... La vivacité, et légèreté du film sont comme un antidote à l’intolérance dont elles sont victimes C’est une autre image du Kenya.

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RWANDA Une culture cinématographique émergente En 2000, Erik Kabera venait à Bruxelles (à l’OCiC) pour financer son film 100 Days, qu’il tournait avec Nick Hughes.

C’était le premier long métrage fait par un rwandais sur le génocide qui a eu lieu en 1994. Ce film a été fait en réaction à la production d’images télévisées du monde entier faites sur son pays et qui souvent faisait du tort à l’histoire.

Pour commémorer le dizième anniversaire du génocide, Hollywood est arrivé au Rwanda pour tourner Hôtel Rwanda, ce fut un succès mondial. Depuis lors, des dizaines de cinéastes internationaux ont pris le même chemin. L’importante présence d’équipes internationales a donné aux jeunes l’opportunité de découvrir le « grand » cinéma. Ils ont également compris l’importance de produire leurs propres images. Kabera devenait le pionnier et à travers son festival Hillywood, fondé en 2005, il a voulu créer une nouvelle culture cinématographique au pays en introduisant des films de art-house mais aussi en présentant ses propres productions au monde. Des workshops donnés par des spécialistes internationaux ont depuis lors eu lieu. Un partenariat avec des institutions allemandes et le cinéaste allemand Volker Schlondorff (Le Rwanda Media project) a aidé Kabera à réaliser son rêve de créer son centre de cinéma, l’Institute Kwetu à Kigali en septembre 2011. Depuis les quinze dernières années, des dizaines de court métrages ont été produits, des documentaires (Kabera a fait dernièrement Intore) et des jeunes rwandais talentueux ont suivi des cours du cinéma dans les meilleurs écoles du cinéma. Le résultat est que les Rwandais dispose d’une production cinématographique intéressante et variée,

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et qui se fait voir et entendre dans le monde entier. Cette année, au Fespaco, le film du Joel Karajeze a été sélectionné pour la compétition.

Sur le plan international, en 2011, le jeune Kivu Ruhorahoza a obtenu pour son long métrage Matière grise, le premier prix à TriBeCa Film Festival à New York, le prix SIGNIS au Festival du cinéma Africain à Cordoba ainsi qu’une mention œcuménique au festival de Varsovie.

Depuis 2003, SIGNIS a attribué une dizaine de prix et mentions à des films rwandais : mention SIGNIS à Zanzibar à Jacqueline Kalimunda pour Histoires de Tresses (2003), à Eric Kabera pour Gardiens de la Mémoire (2004), à Gilbert Ndahayo pour Behind this Convent (2008). A Milan, Yves Montand Niyongabo reçoit une mention pour Maibobo (2010). Le SIGNIS East African Prize est décerné à Aimé Philbert Mbabazi pour Ruhago (Le Destin) (2012), à Poupoune Sesonga pour Kivuto (2013) et à Clementine Dusabejambo pour Une Place pour moi (2016).

Joel Karekezi, né 1985 à Gisenyi, a obtenu en 2008 son diplôme en réalisation de film de Cinecours (programme canadien en ligne). En 2009, avec le Maisha Film Lab, il réalise son court métrage The Pardon, qui remporte le Golden Impala Award au Festival Amakula en Ouganda et le prix du meilleur court métrage au Silicon Valley AFF 2010. Ses projets de films ont été sélectionnés à Cannes pour La Fabrique de Cinéma du Monde 2013 et à Locarno Open Doors 2014. En 2014, son premier long métrage, Imbabazi:The Pardon remporte notamment le Grand Prix au Festival du film africain de Luxor.

2018 : The Mercy of the Jungle (long métrage) 2013 : Imbabazi:The Pardon (long métrage) 2009 : The Pardon (court)

The Mercy of the Jungle (La miséricorde de la jungle) de Joël Karekezi

La Miséricorde de la jungle 1998 : c’est le début de la deuxième guerre du Congo, conséquence du génocide rwandais commis 4 ans plus tôt.

Sergent Xavier, héros de guerre rwandais, est envoyé sur le front congolais pour continuer à traquer ceux qui ont perpétré le génocide dans son pays. Faustin, jeune recrue, vit sa première guerre et compte bien venger les siens. Lorsque les deux hommes perdent leur bataillon, ils se retrouvent seuls et sans ressources face à l’inextricable jungle congolaise réputée pour être la plus vaste, la plus dense et la plus hostile du continent africain.

Pris en étau par les combats qui font rage tout autour d’eux et où on ne distingue plus les ennemis des alliés, ils n’ont d’autre choix que de s’enfoncer dans un enfer vert. En quête d’eau, de nourriture, et toujours à la recherche d’une issue, ils sont exposés à une hostilité omniprésente. Seuls, ils doivent surtout affronter leurs propres démons.

Film sur la guerre au discours antimilitariste, La miséricorde de la jungle expose les plaies béantes laissées par les affrontements et questionne la place de l’humanité dans les conflits armés.

Film de Joel Karekezi (Rwanda/Belgique/France) version originale en français & swahili avec sous-titres français

The Mercy of the Jungle Set in 1998 at the outset of the Second Congo War, Rwandan director Joël Karekezi’s second feature is a propulsive odyssey about a pair of Rwandan soldiers navigating both wilderness and personal existential crises while lost behind enemy lines.

Sergeant Xavier is a veteran of Rwanda’s ethnic conflicts, while Private Faustin is a fresh recruit eager to avenge the killing of his father and brothers. One night their battalion scrambles away to hunt down a group of rebels, and Xavier and Faustin are left behind just as Congolese militia begin swarming the area. They have no option but to head west, embarking on a long journey through a hostile landscape teeming with enemy patrols, wildlife, and mercenary mining operations. Thwarted by hunger and illness, the men must learn to rely on each other’s very different skill sets if they are to survive.

The Mercy of the Jungle excels as a propulsive, atmospheric odyssey about resourcefulness and camaraderie — an odyssey in which the jungle is itself a central character. But Karekezi also imbues the film with details that speak volumes about the myriad smaller tragedies that are the by-products of such wars, above all the forced recruitment of child soldiers. The senseless losses surrounding Xavier and Faustin accrue to the point where neither will be able to fight for their lives without also considering the toll their actions take on others.

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TOGO

Une marche encore longue vers le cinéma Depuis une quinzaine d’années, le secteur audiovisuel togolais connait un dynamisme sans précédent. Un constat avéré au regard de l’augmentation croissante des films produits dont hélas très peu peuvent se réclamer le titre d’œuvre cinématographique.

Il est difficile de dénombrer avec exactitude le nombre de films produits au Togo par an.

L’une des raisons est que tous les films ne sont pas déclarés à la Direction nationale de la cinématographie (DNC). Pourtant, la loi exige des réalisateurs et producteurs, l’obtention d’une autorisation de tournage.

Toutefois, selon une source officielle, plus de cinquante films sont produits entre 2017 et 2018, toutes catégories confondues. Cette filmographie est fortement dominée par des films courts et très courts dans l’intervalle de 45 à 2 minutes. Il est important de remarquer que la nouvelle génération de professionnels togolais de l’audiovisuel et du cinéma opte pour les films courts ou très courts et les séries tv. C’est le cas des séries Zem saison I (2010) et saison II (2016), Palabres (2012) et Hospital it (2016) d’Angela Aquereburu (Togo) et JeanLuc Rabatel (France), ainsi que Ton pied mon pied (2015) de Steven Af (Togo), entre autres.

Le court métrage est le format qui fait parler le plus du Togo dans les festivals du continent et ailleurs. En effet, depuis 5 ans, le Togo surprend dans la sous-région par les prix que remportent ses réalisateurs notamment au Festival concours international Clap Ivoire d’Abidjan, en Côte d’Ivoire. Pour l’édition 2018, le Grand prix Kodjo Ebouclé de Clap Ivoire est remporté

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par le film documentaire L’Or…dure de la jeune réalisatrice Anita Afatchao, un film produit par Les Films du siècle de Joël Tchédré, lui-même précédemment lauréat de Clap Ivoire de même que Maxime Tchincoun. Ce documentaire traite de la problématique des ordures à Lomé et de leur recyclage, en vue de la préservation de l’environnement.

M. Essohanam Koutom, directeur national de la cinématographique se réjouit des efforts des jeunes togolais dont plusieurs sont lauréats de festivals internationals. « Mais d’énormes efforts restent à founir par les acteurs du septième art dans notre pays en vue d’un cinéma de qualité », reconnait-il avant d’inviter les réalisateurs et producteurs à travailler davantage dans le but d’améliorer la qualité de leurs films.

En effet, quoique de plus en plus discuté avec l’émergence du numérique, le format cinéma ne doit et ne peut être réduit à toute game de production audiovisuelle.

Actuellement, il y a de nombreuses réalisations diffusées sur les chaînes togolaises qui ne peuvent être appelées « films », car elles sont beaucoup plus proches du sketch ou d’une pièce théâtrale filmée que du film. Ces œuvres ne peuvent être classées comme téléfilms, encore moins comme films cinématograhiques.

Ce n’est donc pas du cinéma. Les professionnels de l’audiovisuel devraient bien choisir le genre de leurs œuvres dès l’étape de projet et veiller à ce que le produit final soit conforme au format choisi.

Il faut absolument s’incrire dans la vérité artistique. C’est une condition minimale pour permettre l’analyse scientifique des œuvres.

En juillet 2018, a eu lieu une Semaine nationale du cinéma, un événement initié par la DNC en vue de promouvoir la production de films de qualité au Togo. Dans cette

même perspective, le groupe New World Tv composé de huit chaînes satellitaires a également lancé le 30 novembre 2018 à Lomé, un projet cinématographique pour la professionnalisation du septième art au Togo.

Charles Ayetan

Portrait Angela Aquereburu révolutionne l’audiovisuel togolais De nationalité togolaise, la réalisatrice et productrice Angela Aquereburu s’est lancée dans l’audiovisuel avec la mini-série humoristique Zem dont la première saison de 26 épisodes de 4 minutes met en scène les « Zémidjan », taxi-motos très populaires.

Angela s’est auto-formée en audiovisuel en même temps que Jean-Luc Rabatel (France) avec qui elle s’est lancée dans la production avec Yobo Studios. Ce duo a coproduit aussi la série Palabres diffusée sur Canal+, la saison 2 de Zem diffusée sur TV5 et la série Mi-temps diffusée pendant l’Euro 2016.

Avec Hospital it, elle passe à une série de 26 minutes qui montre en 26 épisodes le quotidien d’une unité de soins de santé où coexistent les médecines moderne et traditionnelle.

Folly-Bazi Essofa, réalisateur du film Le Messager de la lune

Filmographie croissante et défi de qualité Au Togo, le cinéma est face au défi de la qualité, au-delà de la production croissante dont voici un aperçu des nouveautés et des projets.

Parmi les films long métrage produits au Togo en 2017-2018, plusieurs abordent des thématiques relatives au mariage, à la famille et à l’éducation des enfants. Le Messager de la lune de Folly-Bazi Essofa, tourne ainsi les projecteurs sur les scènes de ménages polygames, notamment l’amour, la trahison, la réconciliation familiale. Dans le même sens, Corneille Da Silveira dans Ce n’est pas fini porte à l’écran les crimes d’une épouse en faveur du bonheur de son mari stérile, et Jean Etonam Ahonto de lèver le voile sur les crises conjugales d’un couple au bord de l’abîme dans son film La Peste.

La question de la violence faites aux enfants et aux jeunes est présente dans les films Djimitri à Sévagan d’Alexandre Mondé, une comédie dramatique sur les violences faites aux enfants et Les Stagiaires de Kodzo Xolanyo Obympe qui embarque le spectateur dans les méandres des enquêtes de quatre consoeurs journalistes sur des crimes commis sur des adolescentes.

Pobat de Boniface Yomenou porte sur les enjeux des projets de développement et la nécessité de tenir compte des réalités anthropologiques dans la localité.

Actuellement, cinq projets longs métrages de fiction sont en réécriture suite à une résidence organisée en juin-juillet 2018 à Lomé par le ministère en charge de la culture.

Il s’agit des projets La Matronne d’Abalotou Patchidi Komou, Les Ambitieux de Djoliba Gilbert Boukpessi, Sika de Ekoué Kangni, La Dernière lettre du facteur de Madjé Ayité et Aujourd’hui, je suis mort de Joël M’Maka Tchedré. Selon le directeur national de la cinématographie Denis Koutom, l’objectif est d’aider ces réalisateurs à réaliser des films de qualité compétitive à l’international.

CA

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DRCONGO

Cinema for Peace in a Warzone : Yole!Africa Yole!Africa is known throughout the Great Lakes region – and increasingly around the world – as one of the most celebrated hubs of cinema in central and eastern Africa. But it wasn’t always so. Founded in 2000 in Kampala, Uganda, and 2002 in Goma, Dr Congo,Yole!Africa began as a response to the wars and violence sparked by the genocide in rwanda that were displacing young people and depriving them of opportunities for education and professional development.

Concerned about the future of subsequent generations, internationally acclaimed filmmaker Petna Ndaliko Katondolo established Yole!Africa with the aim of uniting a fragmented community and creating professional opportunities for youth. Fully aware of the connection between media representation and international action campaigns, he also sought to change the way the world perceives the DRC – and the African continent – by introducing stories that counteract Congo’s centuries old reputation as a heart of darkness.

To that end, Yole!Africa began offering workshops that teach all aspects of film production to interested young people.

In its early years,Yole!Africa concentrated its energies on developing the professional skills of aspiring filmmakers and media producers. The center was simultaneously building a hub in Goma and offering satellite workshops in other regions, particularly Kisangani, in central Congo and Kampala, Uganda. The objective was to increase the number of filmmakers in the region with the hope that some would establish professional careers in the field. And it worked. Indeed

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there is a growing lineage of celebrated Congolese and Ugandan artists and filmmakers who trace their cinematic roots to early Yole!Africa workshops they attended including, Dieudo Hamadi, Alesh DRC, Modogo Mutembwi, Oreb Bulambo, Ali Mutaka, Amanda Wimana, Speranzia Sikuli, Abraham Bahakomerwa, Mugabo Baritegera, Jack Muhindo, and many others.

As the community of filmmakers expanded in the region, Yole!Africa’s next strategy was to develop platforms for production, distribution, and diffusion of their works. In 2006, Yole!Africa launched Alternative to TV, a project that provides advanced skills and international distribution opportunities (often via European television and USA) for filmmakers.

Also in 2006 Yole!Africa launched Congo’s first international film festival, the Salaam Kivu International Film Festival (SKIFF), which was renamed the Congo International Film Festival (CIFF) in 2016.

CIFF, which attracts acclaimed guests from around the world, has dramatically elevated the profile of Congolese cinema

and received celebratory media coverage that establishes Congo as a hub of cinematic production. In keeping with the digital turn, in 2013, Yole!Africa launched Art on the FrontLine, an online series of short films and music videos that capture stories of daily life from Congolese perspectives.

Most recently Yole!Africa has turned its focus toward research, education, and preservation. Having contributed significantly to developing the foundation for a cinema industry in Congo by recruiting and training filmmakers, establishing international platforms to promote films, and building networks for their dissemination, Yole!Africa’s leadership recognize the need to formalize film and media training and create an archive to preserve local histories and works. To this end, in collaboration with international organizations and universities, Yole!Africa is currently creating the Yole!Institute.

PND

Maman Colonelle by Dieudo Hamadid A feature-length documentary that highlights an unknown side of History: the courage of one person to fight against sexual abuse in a war-torn country which is the Democratic Republic of Congo. One of the most violent conflict is occurring in the east of the DRC. For more than twenty years, the violence has been omnipresent in that part of the immense country. One of the aspects of that war is the sexual violence towards women. There are hundreds of thousands of victims, young and old.The fact that they are sexually abused is terrible, with important psychological, physical and social consequences too. Society blames them, and doesn’t see them as the victims they are, and deny them of justice and their rights.The film obtained the international 2018 SIGNISWACC Prize.

Maman Colonelle is a film about this issue, about human rights. It is a film that gives a voice to the voiceless, restores human dignity - and peace- not only to women who suffered war crimes but also to the Africans in general because they are taken the initiative to work for a better society.In Maman Colonelle, the Congolese director Dieudo Hamadi follows a Congolese policewoman, Honorine Munyole, responsible for a special but small unit for the protection of women and children in Bukavu in Eastern Congo, known for its scandalously high frequency of rape. Hamadi couldn’t foresee that she would be transferred to Kisangani, where he lived.

The documentary begins with her transfer from Bukavu to Kisangani. In Bukavu she was respected by everyone and had authority.

Now she has to build structures and has to do everything to gain respect and the trust of the local population, the women and above all the administration and the police department. She is determined, and she proves one can make a difference in a corrupt environment. She is doing everything to empower the disillusioned women who are wanting to be recognized as war victims.

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MOROCCO

A stagnation of a promishing cinema production? in 1999, with the arrival of King Mohamed Vi, the cinema got attention, facilities and liberties as freedom of speech.

Filmfestivals everywhere in the country popped up, and the Marrakech international one became the new place to be for world cinema and for the Moroccan films.

Maryam Touzani in Nabile Ayouch’s Razzia (2017) In North Africa it was often the Tunisian, the Algerian and above all the Egyptian cinema which made their way to the (international) public.The last fifteen years a new generation of Moroccan filmmakers are making astonishing films. Some say they did got success at home as abroad because they «address issues without delving boldly into them – they talk about issues but make sure they don’t offend». The names have become familiar : Nabil Ayouch, Noureddine Lakhmari, Daoud Aoulad-Syad, Hicham Lasri or Faouzi Bensaidi. Among them there are several female directors giving an interesting inside in Moroccan society: Leila Kilani, Dalal El Araqi, Laïla Marrakhchi, Maryam Touzani and Narjiss Nejjar.

Women emancipation Morocco belongs to those countries in the Arab world in which emancipation of women has become an imminent issue for filmmakers. In 2005 Laila Marrakchi came with Marock. which is about young adolescent middle class girls searching for their way of life, and between the love a young Muslim girl with a Jewish morocco boy.

A light and colourful film that had success with Moroccan youth. It showed a modern, also Western Morocco that was averse to the image of a ruined country from which many poor emigrant workers were leaving for

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Europe. For the Islamist militants Marock was rather a blasphemy. These aggressive and open reactions made clear to the filmmaker Marrakhchi that the Muslim radicalisation was developing also in her country and that traditional religion had become a force. Here second film was Rock The Casbah (SIGNIS Prize at the Washington Filmfest 2014), in a certain sense a kind of sequel of Marock.

Now she focussed on female issues which are considered as controversial in her country: inequalities between men and women and sexual hypocrisy.

It is partly also the story of Aya goes to the Beach of Maryam Touzani (SIGNIS Commendation at the Besançon Lumières d’Afrique festival 2016). This beautiful short film talks about 10-year-old Aya, who does not go to school. Her family makes her work as a housekeeper for a wealthy woman. Cloistered in the apartment, she rotates between household chores and childish games.

The Belgo-Moroccan director Kadija Leclerc got the Ecumenical Prize at Mannheim in 2012 for The Bag of Flour which is about a young woman finding her way between the impertinences and the chances of life, between traditional roles and the longing for self-determination. Based on an autobiographical experience, with humour and passion, the director tells a Belgian-

Moroccan story which shows how people can take hold of their destiny.

With On the Edge (SIGNIS commendation at the Cine Africano festival in Cordoba 2012) Leila Kilani denounces the situation of young women who leave their village to work in a big city, where they must fight for their future and survival. While seeking a better life, the protagonists choose a dead end because they think they have no alternative. Combining documentary style with the thriller genre, the director follows these young women so closely that it evokes a sense of permanent constraint. Kilani underlined that she was aware that the audience knew that it was going to see a romantic film, but a disturbing one. It made waves at the Cannes film festival.

It was the director Nabile Ayouch who did put in Much loved (2015) strong women and men as weak ones on the screen. Situated in the world of prostitutes, he denounces the hypocrisy in Moroccan society, double morality and corruption among the police.

Result was that the film was banned. In 2017 Ayouch touched in Razzia, a compilation films of five stories all the issues which are considered as taboo in Morroco, such as sexual oppression, anti-Semitism or social class frictions. It is almost an explanation why a new Arab spring should succeed next time.

GC

Aya goes to the Beach by Maryam Touzani

Sofia, film director Meryem Benm’Barek

Sofia is the debut feature of the Moroccan actor/director Meryem Benm’Barek (see Foto). Starting at a family gathering in a middle-class Moroccan home, it transpires that the unmarried daughter Sofia is pregnant and on the point of giving birth.

In a country where extra-marital sexual relations are a criminal offence, there is an immediate threat to Sofia herself and a longer-term threat to her family’s

ambitions. The film explores the ways in which different members of the family set about resolving the problem, creating a broad picture of Moroccan society.

proceeds – Sofia apparently satisfied with her new status as a married mother with her own household, Omar resentful of being manipulated by others.

Sofia’s cousin Lena – half-French, training as a doctor, and a professed feminist – uses professional contacts to ensure safe delivery of the baby and initiate a search for the baby’s father. In her eyes Sofia is the victim of a patriarchal system and becomes a cause as much as an individual in distress.

Omar - young, evasive, working-class is identified as the father and eventually agrees to marry Sofia. But it transpires that the real father is Sofia’s French uncle by marriage, the largely unseen Jean-Luc. He is a crucial figure in her family’s efforts to raise themselves into a higher social stratum and denunciation would bring no clear benefit to anyone. Indeed, Sofia’s aunt admits that she married Jean-Luc largely for social and economic reasons, and Zohra (through her son Omar) is essentially doing the same. Each sector of society is seeking to profit from its relations with others. So the wedding

Sofia combines elements of thriller and social study and deploys an economy of means to great effect. Significant events in the story take place off screen. Location shooting and the skilful handling of different environments communicate emotions and states of mind which are left unstated in the dialogue and audiences are left to complete the picture for themselves. Sofia dramatises the sacrifices which individuals may make for a greater good. It is not a simple story of patriarchy and female emancipation but a complex account of conflicting values and ways in which oppression can be perpetuated unwittingly. Truth and expediency, honour, self-interest and loyalty to family all play a part. It offers no simple moral but prompts audiences to reflect on the complexity of the issues raised.

Alan Foale CineMag

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ETHIOPIA

What does Cinema Mean Today in Ethiopia? in Ethiopia, video film production started soon after the collapse of the Dergue regime in 1991. it accelerated quickly from that time until the present day whereby more than 100 feature films are now being produced every year. This large quantity of film productions makes Ethiopia the second largest film producing country in Africa, just behind Nigeria.

The Price of Love by Hermon Hailay

Films are independently funded and commercially motivated. They are primarily shot in the language of Amharic and target local and diaspora audiences. Most of the films are made by enthusiastic and talented young people who, unfortunately, lack the training to succeed in the long term and do not have the professional contacts required to gain international visibility. As with most African countries Ethiopia has practically no educational or governmental support for film production.

Despite these difficult circumstances Ethiopia has witnessed the rapid growth of a local film industry where young filmmakers have begun to produce films utilizing contemporary digital filmmaking technologies. Since the establishment of the Ethiopian International Film Festival (EARTHOPIAN) in 2005, there have been significant developments in the field of film as a direct consequence of the festival itself.

The festival, along with the addition of an annual Award Competition and numerous training programs, has proven to be a great incentive for filmmakers in producing new video works.

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One of the peculiarities of Ethiopian cinema is that it relies primarily on the cinematic theatrical release. This has resulted in domestic film production companies increasingly targeting the big screen in order to penetrate the promising market.

It is significant to note that in the last ten years the number of production houses in Addis Ababa has more than doubled.

Approximately 504 film companies have been granted permission to produce films for the cinema screen in Ethiopia. There are a number of other film companies not formally registered in the government office but who produce films to be released straight to DVD/VCD. These informal films are scripted and shot quickly, often in a matter of months, then distributed on videodisc (VCD) through a network of small stores, markets and informal traders. Nobody knows precisely how many feature films are being produced in a year, but from 1992 to date there have been nearly 800 Ethiopian-made feature films.

Yirgashewa Teshome Amare

Yirgashewa Teshome Amare (born April 20,1977), is an Ethiopian actor, director, and producer for film & theatre and he is the founder/director of the Ethiopian International Film Festival. He graduated in Theatrical Art and received a Diploma from Mahader Art School in 1998 in Addis Ababa.

Since his graduation he has been very active in Ethiopian art and media activities as an actor, director, and producer of radio dramas, stage plays, and films, In 2002 he created an art and film production centre in Ethiopia, LINKAGE, for promoting and developing the continued and vital growth of Ethiopian and African film production.

Three years later he founded the annual Ethiopian International Film Festival (ETHIOIFF) in 2005. In 2018 he published A History of Cinema in Ethiopia, from Grand Palace to ETHIOFFEST. This book focuses on the development of the film industry in Ethiopia from the first introduction to the foundation of the Ethiopian International Film Festival (ETHIOFFEST). He still presides over the ETHIOFFES.

Ethiopian filmmakers awarded or commended by OCIC/SIGNIS In 1976 the Ecumenical prize in Locarno was given to Mirt Sost shi amit (Harvest 3000 Years). This film denounced the oppression of poor nations by rich countries and provides witness to the difficulties inherent in an authentic liberation. Deeply rooted in the life and in the culture of his country, the director Hailé Gerima, has been able to translate his experience into an exemplary narrative style. The distresses and hopes of these men have been made apparent who have known unchanging life conditions for the past three millennia.

At the Milan Africa film festival in 1993 he obtained an OCIC commendation for Sankofa. The Jury wanted to highlight the transcendent qualities and the power of evoking tragic memories of the black people of this film. ‘Sankofa’ means in Akan language “to return to one’s past, to rescue it from oblivion and to turn towards the future”.

In 2008 Teza received a SIGNIS commendation at Venice and in 2010

the SIGNIS Prize at the Besancon Africa film festival. It is a remarkable analytical presentation, moving and beautifully filmed of the years of communist dictatorship in his country. With this film the audience can dwell on the idea that there is a future spring for humanity and that there is a dew that quenches the fires that burn.

Other filmmakers Daniel Taye Workou - received a OCIC commendation in 2006 for Menged at the Amiens Film Festival in 2006.

This fable, filled with humour, invites everyone not to be led by an influential person of the moment but rather to pursue the path they think is best for themselves and their family, relying instead on what has been handed down from their ancestors.

Zelalem Woldemariam – received a SIGNIS commendation in 2011 for Lazare at the Milan Film Festival. This fine film, which the director uses to communicate effectively the tragedy

of individual hunger, the value of the corporate spirit, and the importance of tradition and the openness to innovation.

Zresenay Berhane Mehari – received the Ecumenical Award in 2014 for Diffret at the Kiev Film Festival. This is a film defending the freedom and rights of young females against traditional customs.

Hermon Hailay - received the SIGNIS Prize in 2015 for The Price of Love at the Besancon Africa Film Festival. Teddy, a taxi driver, defends a young prostitute and gets into trouble. He is backed by a priest from the Ethiopian Church acting in the name of his lost mother, a former prostitute. Discovering the strength of motherly love and helped by the sacrifice of the woman he loves, Teddy manages to overcome the suffering of his childhood. In this well-crafted film, director Hermon Hailay shows with subtlety the feelings between the characters and the emergence of a responsible adult.

GC CineMag

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UGANDA

Film industry: Beyond a Diamond in the rough At the inception of the Ugandan Film Festival (UFF) in 2013, the industry was described as ‘a diamond in the rough’. Six years down the line, the volume and quality of films entered for competition at the annual film festival, together with workshops have helped to sharpen and define the identity of the industry.

Steven Ayeny’s film, Kony: Order from Above (SEAT Award Zanzibar 2017) In 2019 Ugandan films have become visible within and outside of the country.The growth of the film industry is largely squarely tagged on the annual film festival organised by the Uganda Communication Commission (UCC), the government sector that promotes some of the activities of the industry.

From the onset, the filmmakers have engaged with features films that give them the opportunity to address themes with strong human interest that resonate with broader audiences, such as human trafficking; politics, gender relations; religious and ethnic intolerance; the blend of tradition and modernity; war and conflict; pandemic diseases like AIDS and cancer, all of which are borderless. In this predominantly sociorealist approach, the filmmakers tend to see themselves primarily as responsible to expose, analyse and challenge the status quo. This tendency to respond to social reality though valid has its own challenge of constraining creativity and fantasy that are equally significant ingredients of cinema. The fun, humour, and dream-beyond-reality side of cinema is still to be cultivated.

A Competitive Space for Filmmakers The film production space in Uganda is becoming more competitive by every turn of the year. In 2013, the best film, State Research Bureau that scooped nearly all the awards was easy to select. The director,

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Matt Bish who stood tall among his peers who were largely self-taught individuals was trained in a conventional film school in Europe.Today, they have themselves perfected their arts to win the highest awards at the UFF. The festival has brought a new lease of life, particularly, to the self-taught upcoming filmmakers who are curving themselves into professional filmmakers. A typical example is the today respected filmmaker Hassan Mageye, with the production of two of his recent films, Handcuffed (2016) that had 6 nominations; and Devil’s Chest (2017), that received 8 awards, including best director at the 2017 festival. This film that combined all the features of a good movie: plot, acting, cinematography, sound and lighting draws its story from Uganda’s painful and recent history of Joseph Kony’s Lord’s Resistance Army engagements in northern Uganda, that is also addressed in Steven Ayeny’s film, Kony: Order from Above, that received several nominations at the UFF 2017, and won the coveted SIGNIS Best East African talent Award at the ZIFF in 2017.

Governement support Government support through UCC has also boosted the growth of the industry. This support comes through different ways such as organising the annual festival. Annually, the month of August is becoming a time cineastes look up to as the opportunity to showcase their talents and get financially awarded for

it. Often these awards assist the filmmakers to make their next movies. UCC has made commendable effort to bring experts to the festival, to train filmmakers in the critical areas identified by the jury. This has helped to address, in a piece-meal manner, the recurrent weaknesses in the productions.

The workshops and master classes have tremendously narrowed the gap between the filmmakers who trained in conventional film schools, and those who have learned on the job. It is the quality of their outputs that matters. The UCC TV local content policy of up to 70% has also offered opportunities for the filmmakers to exhibit their works.

Local TV dramas and series are becoming a staple especially on local TV channels (Wakaliwood- production) the Including this genre on the annual award list has given the industry a boost. Local and global media companies like DSTV are showing interest by their participation and material support to the artists through awards. Producers are also beginning to emerge in the industry.

Although with the growing body and quality of Ugandan films, the diamond in the industry is becoming increasingly visible, the industry is obviously far from perfect.At the structural level, the need for a film commission as a body dedicated to the affairs of the industry remains an outcry from cineastes. Other film genres like the short, documentary and animation need attention.

Dominic Dipio

Veronica’sWish, filmdirector Nisha Kalema

Ugandan women and film

Although there are a few female filmmakers like Caroline Kamya, Irene Kulabako and Mariam Ndagire, up till 2017, the major role of females was predominantly in front of the camera as actresses, while the men held the defining role of director. This scenario changed dramatically in 2018 with the overall winning film, Veronica’s Wish, written, directed and produced by women. This

film that scooped eight awards, focuses on the endemic silent disease, cancer.

The film is based on a true story of a lovely couples whose hopes of getting married and living happily there after was rudely interrupted when it was discovered too late that Veronica, has Leukemia in irreversible stage. Besides exposing how this disease creeps in on its victims in such an imperceptible manner, the film dramatizes the depth of true love that transcends physical beauty, ugliness and death. While the objective of creating awareness about the disease is evident, the film steers away from the trap didacticism and promotionalism. With the production of this film, one can confidently say that Ugandan filmmaking has come of age, and the best among them can compete for the attention of global audiences.

That self-taught filmmakers like Nisha Kalema (photo) can rise up to such a level is attributed primarily their

enthusiasm to embrace the art and the humility to reach out to the more professional and trained filmmakers for help.

During the 2018 festival, the two contending films were Veronica’s Wish and Matt Bish’s Bella. At the award ceremony, both Nisha Kalema and other filmmakers paid particular tribute to Matt Bish who has mentored them in many ways to perfect their art over the years.

It was equally touching to hear Matt Bish, the master filmmaker, gracefully acknowledge that his mentee made a better film than he did this time round.

This spirit of teamwork has encouraged the filmmakers to collaborate and produce each other’s films as cast and crew in order to reduce the cost of production.

Dominique Dipio CineMag

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Quand on sait que la vie et le courage des autres dépendent de votre vie et de votre courage, on n’a plus le droit d’avoir peur.

Les bouts de bois de Dieu de Ousmane Sembène

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Ousmane Sembene

The CIA’s interest in Ceddo or in the political role of Religion and Culture in Africa In October 1979 the CIA published its Sub-saharan Africa Report (FOUO No 653). It had articles on Mali with an interview of Didi Demba Medina Soumbounou, on the Benguela Railroad reopening an the damaging of the Cabinda Pipeline in Angola, on how solar energy was used in Niger for water pomps and irrigation, and about other political and economical news. And there was an article on Cinema out of the French magazine Jeune Afrique. For the CIA it was apparently important that his staff of intelligence agents and the American governement knew what the famous Senegalese film maker Sembene Ousmane had told in an interview about making films in Wolof and about Islam. The article was published under the heading ‘Culture is The Leaven Politics, but Integrism is Fascism’. The interview had been done after Sembene had finished his eight film Ceddo. Apparantly Sembene’s ideas were important and the American Central Inteligence Agents translated the interview from French into English. Some parts seem to be still highly topical and worthwhile to be quoted again.

Sembene was asked to explain why his film Ceddo which had been made three years earlier, hadn’t not been shown in Senegal.

He explained that first he had been asked to use the introductory formula: “This film has no connection with contemporary events, etc”, which was for him no problem. Ceddo was a film situated in the 17th century and was about a people in which the Ceddos were the guardians of their believes and traditions. The film brought a story of resistance against the religions coming from ‘elsewhere’, Christianisme and Islamisme.

It denounced the instrumentalisation of these religions for political aims to oppress and to dominate the local Senegalese population. But there was more. The film was not spoken in French but in Wolof, which as another clear statement of the filmmaker against ‘cultural imperialism’ and defending the own culture. In a certain way the CIA valued Semebene’s inside views how Africans resisted against ways of colonisation and domination.

In those years Sembene’s film had made international waves. In 1976 Léopold Senghor the president of Senegal had released a presidental decree stating that the film could not be released if the title was not changed. According the president

Ceddo had to be spelled with only one d.

So it was not ‘censorship’ only a matter of the writing ‘correctly’ the title, was officialy announced. Though for Sembene it was a more far reaching fundamental problem.

‘At stake are African culture and the Wolof Language’. He didn’t want to change the title because then he would respond to ‘neo-colonalism’ and the influence of the francophony. The film maker was firm in putting the question forward “Why did we gain independence, if we are to be uprooted withing our very own culture?” Wolof was the language of the huge majority of the Senegalese people and should be considered as its national language, not French. So he declared publicaly that the President had simply made a mistake. It was the same of Senghor’s concept of Negritude which Sembene rejected resolutely. He considered it as a fantasy without any sense.

As in Ceddo Islam is presented in a not so positive light, Sembene had no problem to declare that in itself Islam is a good thing, but that it is in its use that it becomes dangerous like the Moslem integrists do.

The main issue was to him to know if Black Islam could be democratic and in that sense be able to listen to others and accept certain controversies. He had seen

Ousmane Sembene en quelques dates • 1923 - Naissance • 1942 - Mobilisé par l’armée française et intègré par les tirailleurs sénégalais • 1946 - Arrivée clandestine à Marseille • 1956 - Publication de son premier roman Le Docker noir • 1963 - Premier court métrage, Borom Sarret, qui décrit le quotidien d’un charretier à Dakar • 1966 - Premier long métrage La Noire de..., l’histoire d’une domestique noire maltraitée par ses patrons blancs.

Couronné par le Prix Jean-Vigo, ce film est le tout premier long métrage produit et réalisé en Afrique noire • 1968 - Le Mandat, peinture drôle et sans concession de la société au temps de l’Indépendance • 1977 - Ceddo relate les conflits religieux au XVIIe siècle • 1988 - Le Camp de Thiaroye, Grand Prix du Jury à Venise, revient sur le massacre des tirailleurs sénégalais par des gradés français en 1945.

• 2004 - Moolaadé qui dénonce l’excision, obtient à Cannes, la Mention œcuménique de l’OCIC • 2007 - Décès de Sembene Ousmane

how individuals detaining both spiritual and temporal powers are capable to destroy everything: tolerance, freedom and cultural heritage. He denounced the islamic crusade from the rich Arab world, among them Khadafi, and how the political power in his country used this to dominate. In fact the real aspect of the ‘correct writing of the title’ was rather the Senegalese government trying to appease the religious authorities, especially Muslims, who felt themselves to be attacked in their faith. He did find the new ways of thinking of Cabral and Nyerere about building a society interesting and hopeful.

Finally, he stressed that African leaders were still afraid of the cinema and of filmmakers and that was the big problem.They do realize that the African people love the movies. At the Ouagadougou filmfestival, you could see people rushing into the theaters. The image has more impact than speech. Governement officials are aware, and afraid of this. He believed that one day one would speak about an African cinema as about an American or an italian cinema. Though he predicted that a different style for each country or each region in Africa would likely emerge because Africa is a vast continent.

GC CineMag

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Ceddo by Sembene Ousmane

Guelwaar by Sembene Ousmane

Sembene: “No faith is worth the life of a man or a woman. Neither Allah nor God are worth the life of a man or a woman”.

Sembene Ousmane was an Atheist and a Marxist but it didn’t mean that excluded the element religion out of his films. On the contrary in several films like like Ceddo and Guelwaar it is an essential part of the story. Sembene clearly recognized the importance of religion but also its power in society. Its constructive and above all its destructive power ! He denounced those who manipulated religion and the faithfull to create hate and division. In Guelwaar in which Sembène continues also the critique of the African leadership elite, his major protagonist Pierre Henri Thioune, popularly calles ‘Guelwaar’, a Catholic leader - even a Christ figure- is murdered for his political activism and is mistakenly buried in a Muslim cementery.

In a social context in which the Christian minority and a Muslim majority live in

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conflict, Sembène uses this fragment of reality to ponder crucial African questions.

In a scatching speech delivered before international donors who supply ‘hungerstricken’ Africa with food aid, Guelwaar openly condemns this trend of leadership that has humiliated the continent for decades. This speech goes against the thanksgiving ritual expected on such occasions. Hence the national leaders find it too disturbing to let Guelwaar live.

The death of Guelwaar, who is a symbol of Africa’s decency, self-reliance and sense of honor, opens a Pandora’s box for the continent and asks many questions about reclaiming its lost dignity.

Guelwaar’s death brings together his three living children, who are scattered around the globe and engaged in dfferent

occupations. His daughter Sophie, who works in the ity in association with her friend. Hélène is a professional prostitute.

Sembène uses these two women to addres the contradictions in which postcolonial Africa is caught and women especialy, are caught up in his web. Noble and Catholic Guelwaar, who fights for the dignity of Africa, is himself caught up in the contradiction of claiming the dignity of his family. He is fully involved in activist protests in the public life, but he does not pay close attention to the internal incongruities in his domicile. At home he and his wife, see ‘dignity» differently.

Dominique Dipio

SIGNIS East African Talents (SEAT) Award at the Zanzibar Film Festival Kemiyondo Coutinho (Uganda) In 2018 Kemiyondo Coutinho won the SEAT Award for her short film Kyenvu. Her film shows that there are no quick solutions to issues such as rape, but they can only be solved if men are involved in the discussion as well. With strong cinematography and gripping acting, she starts her film with humour to end dramatically. But there remains a spark of hope.

The judicious choice of soundtracks adds to the strength of this tension-filled film. Kemiyondo (28) is a Ugandan-born ‘artpreneur’ who believes that her superpower has always been storytelling. Kyenvu, a Luganda word for yellow, marks her debut as a film director.

Not only did she write, produce and direct the film, Coutinho is in front of the camera playing the lead role as well.

Steven Ayeni (Uganda) In 2017 the young Ugandan filmmaker Steven Ayeni obtained the SEAT Award for his short film Kony: Order from Above. The film captures the brutality of a religious fanatic Joseph Kony, a rebel who led the Lord’s Resistance Army (LRA) that terrorized Northern Uganda and neighbouring countries since 1986. As an adolescent Steven did stay in Lira amidst the Lord’s Resistance Army insurgence until 2004 when he moved to Kampala for High School, a more peaceful environment. He became an experienced freelance filmmaker director working for international broadcasters.

Marie Clementine Dusabejambo (rwanda) In 2016 Clementine Dusabejambo was awarded the SEAT Award for her short film A Place for Myself. It is a story told from the point of view of the suffering mother and the child that is stigmatized for being albino. The mother confronts the teacher and the parents without using violence but dialogue and letters. The film highlights the importance of being tolerant towards «people that are different from us and strives for «a recognition of the human rights of all». Marie Clementine, born in Kigali in 1987, is a self-taught filmmaker and an engineer in electronics and telecommunications. She is interested in gender conflict in African societies.

Poupone Kamikazi Sesonga (rwanda) In 2013 Poupone Sesonga received the SEAT Award for her short film Kivuto. Kivuto is the name of a disabled child who never had parental care like all the other children. He is not allowed to go to school, but nothing can stop him.The director brings a very powerful message that physical handicap is neither a curse to be hidden nor an impediment for personal and collective development: If one has the personal will to move forward, the future is bright. Poupone was born in Bujumbura but is Rwandan. In 2008 she studied Computer Science and Networking in Kigali. She worked on an American film in Rwanda and joined the Rwandan Company Almond Tree Films. In 2017 she organized the Urusaro International Women Film Festival (UWIFF) in Kigali.

Mary-Beatrix Mugishagwe (Tanzania) In 2005 Mary-Beatrix Mugishagwe won the first SEAT for her film Tumani, which means HOPE in Kiswahili. In this film the resilience of the people struggling for social justice for a better future is evident in the midst of societal response to HIV/AIDS. There is a clear message of courage and hope for a brighter tomorrow. She is a film director, writer and producer. She was a TV journalist in Germany before she became a TV documentary director and a film director. After Tumani she made Unsung Heroines, a documentary series about female African leaders. She is one of the pioneer women filmmakers in Tanzania.

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La voix du peuple africain à l’écran Aujourd’hui, de plus en plus de cinéastes n’hésitent pas à donner la voix à la population africaine. Plusieurs films en témoignent ces dernières années. Une sorte de printemps arabe a eu lieu en Afrique sub-saharienne. Dans certains cas, les cinéastes ont filmé en mettant leur vie en péril afin de montrer que le peuple demande ses droits et exige la démocratie.

En octobre 2014, la population se soulève contre le comportement inconstitutionnel du président burkinabé Compaoré qui veut un cinquième mandat. C’est une vraie révolution que le peuple gagne. Le président fuit le pays. Ces événements ont été documentés par le cinéaste burkinabé Boubacar Sangaré et le Français Gideon Vinck dans Une Révolution africaine, les dix jours qui ont fait chuter Blaise Compaoré (2015). Cette révolution réussie a attiré d’autres cinéastes qui voulaient connaître les ingrédients de cette victoire. La Brésilienne Iara Lee tourne Burkinabé Rising (2018) pour le producteur américain Cultures of Resistance. Elle cherche les fondements de cette dynamique qui est à la base de cette révolte. Elle met en avant le rôle de la culture c’est-à-dire des artistes et des hommes et femmes engagés qui constitue une vraie communauté pour se transformer dans une force capable de réaliser un changement politique. Un

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des protagonistes est le rappeur Serge Bambara, dit Smockey, et membre actif du collectif « le Balai Citoyen ». Il a, pendant près de deux ans, sillonné le pays pour convaincre de la nécessité de reprendre le pouvoir par l’engagement citoyen.

La cinéaste sénégalaise Katy Ndiaye a dédié, à ce rappeur iconoclaste, artiste en mouvement et citoyen en marche, un documentaire poétique On a le temps pour nous (2019). Un homme qui trace une route faite de combats politiques et de rencontres artistiques quand le peuple basait son espoir et son inspiration sur le président icône Thomas Sankara, assassiné par Compaoré.

Le documentaire du Suisse Christophe Cupelin Capitaine Thomas Sankara. Il a osé inventé l’avenir sort aussi en 2012.

Il a été refusé au FESPACO en 2013 mais accepté après la révolution en 2015.

La revue Jeune Afrique remarque que

« Curieusement, s’agissant d’un dirigeant politique de son envergure, qui a laissé une trace indélébile dans l’Histoire, à tel point que l’on peut considérer qu’après Mandela il s’agit sans doute du plus grand héros de l’Afrique subsaharienne contemporaine, Sankara n’avait fait l’objet jusqu’ici d’aucun long-métrage ». Ce qui est certain c’est que ce triomphe de la révolution burkinabée a inspiré des Africains qui vivent dans une dictature semblable.

Le 26 avril 2015, la population burundaise manifeste contre la candidature de Pierre Nkurunzi-za qui se présente, inconstitutionnellement, pour un troisième mandat. Le cinéaste burundais Eddy Muynaneza est présent avec sa caméra. Il n’est pas seul. Lui et ses amis filment les événements avec enthousiasme.

Ils sont aux côtés des manifestants et dénoncent les crimes commis par l’armée et la police contre la population non

armée. Des centaines de jeunes sont tués, persuadés que la révolte du peuple allait faire partir le président. Ce ne fut pas le cas. Après les événements, la répression est sans merci. La plupart des cinéastes burundais détruisent leurs images. Pas Eddy. Comme des milliers de Burundais, il fuit son pays. Réfugié au Sénégal, loin de sa famille, il sort en 2016 son court-métrage Troisième vide qui documente la révolte du peuple (Prix Yafma d’Or et AFF Louvain 2016). Deux ans plus tard, en suivant des cours, il termine son documentaire : Les Lendemains incertains dans lequel il intègre les manifestations sanglantes et une recherche personnelle sur sa famille disloquée, ce qui renforce la situation dramatique des Burundais en exil et des événements.

Comme au Burundi, la population kinoise de RDC réagit en 2015 contre le président qui veut prolonger son mandat au mépris de la constitution et reporte les élections à l’année suivante.

Le cinéaste Dieudo Hamadi suit dans Kinshasa Makambo (2018) trois jeunes activistes qui se battent sans armes, en organisant des marches de protestations pour la tenue des élections fin 2016. Il donne la voix à Ben, Christian et JeanMarie. Ils savent tous qu’ils peuvent être tués, ou après l’arrestation, emprisonnés et torturés. Un film bouleversant qui montre le courage civil d’une jeunesse qui réclame la démocratie et un avenir. Leur sacrifice a aussi été un signe pour l’église catholique de s’engager dans ce combat.

Fin 2018 sort aussi le documentaire belge Congo Lucha, ou la lutte pour le changement de Marlène Rabaud et

Arnaud Zajtman tourné à Goma, où ils ont suivi pendant deux ans la lutte des jeunes.

Dans les premiers minutes, on apprend qu’en deux jours plus que 48 d’entre eux ont été tués dans une manifestation pacifique pour la démocratie et la paix à Goma. La plupart tire leur force de leur foi chrétienne. La journaliste Karin Tshidimba résume bien l’importance de ces films tournés au Congo : « Malgré les arrestations, les menaces, les brimades et les exactions, les jeunes de la Lucha (et du Kinshasa) ont prouvé que quelques hommes et quelques femmes déterminés et constants, semaine après semaine, mois après mois, pouvaient créer l’étincelle capable de faire plier un gouvernement réputé tout puissant et le forcer à respecter les échéances démocratiques, électorales. Fournissant l’exemple d’une lutte citoyenne sans précédent au Congo, ces films par leur narration à hauteur humaine, rendent un vibrant hommage à tous ces jeunes Congolais qui continuent à lutter pied à pied avec les autorités afin que soient enfin organisées des élections libres en RDC ». On découvre que leurs idées de résistance non violente, soutenu par Denis Mukwege, se répandent dans tout le pays.

Le rôle des artistes qui donnent une voix à leur communauté pour la défendre, comme Smockey et d’autres au Burkina Faso, se retrouve dans plusieurs films tournés ailleurs en Afrique. Somebody Clap for Me (2017) de la réalisatrice brésilienne Luciana Farah, offre une fenêtre fascinante sur la vie dans l’Ouganda contemporain qui relie la tradition orale du pays à sa culture de la poésie slam et du hip-hop. Farah l’a

Afrique du Sud Vingt ans après l’établissement de la démocratie en Afrique du Sud, il y a des cinéastes qui parlent de la « lutte » contre l’apartheid pour commémorer des héros du peuple inconnus et pour éviter que cet engagement populaire soit oublié. En 2016, Sifiso Khanyile réalise Uprize! autour des événements du 16 juin 1976 quand des étudiants se sont rassemblés pour protester contre l’utilisation de la langue afrikaans dans les écoles. Ce qui a commencé comme une manisfestation pacifique s’est transformé en une confrontation sanglante avec la police. Les manifestations étudiantes se sont étendues à d’autres régions d’Afrique du Sud, provoquant une instabilité économique qui a rapidement plongé le pays dans une crise. Uprize! examine les conditions politiques, sociales et culturelles à l’origine du soulèvement, et comment ces actions ont contribué à façonner la société démocratique. Mais la lutte pour la dignité humaine des ouvriers noirs de l’Afrique du sud n’est pas encore gagnée. Trois ans après le massacre de 34 miniers à Marikana par la police - parce qu’ils manifestaient pour une augmentation de salaire permettant une vie décente - le cinéaste sud-africain Rehad Desai sort Miners Shot down (2015). Comme si la lutte contre l’exploitation des miniers pendant l’Apartheid avait continué et que la démocratie n’avait pas encore atteint le monde économique et industriel.

réalisé avec le soutien de Maisha Film Lab à Kampala. En présentant des portraits individuels éclectiques des jeunes artistes, une vision d’un pays apparaît, qui tente de se défaire de son passé et de construire une réalité plus démocratique, malgré les forces conservatrices qui s’emparent du pouvoir. Tourné sur 3 ans, avec des étudiants en cinéma d’Afrique orientale (principalement Ougandais avec deux Kenyans et un Tanzanien), le documentaire suit la vie quotidienne des poètes qui utilisent leurs mots pour dire des vérités qui ne se trouvent plus dans les médias conventionnels.

Puis il y a Mali Blues (2016) de l’Allemand Lutz Gregor qui montre comment des artistes comme Fatoumata Diawara, Bassekou Kouyaté Master Soumy et Ahmed Ag Kaedi défendent avec leurs chansons et leur présence sur place la culture, la liberté d’expression et la tolérance au Mali, contre des mouvements touarègues et des groupuscules terroristes proches d’Al Qaida.

Certains disent que la démocratie est une affaire de l’Occident, de l’Europe et n’est pas applicable en Afrique. Le documentariste camerounais Pierre Loti Tawokam Simo a démontré avec Une démocratie africaine (2016) le contraire. Il a découvert dans le nord de son pays auprès des Bamouns un bon exemple d’un peuple qui appliquait la démocratie africaine bien avant l’arrivée des Européens. Les habitants, hommes et femmes imposent au chef des règles qu’il doit accepter afin de pouvoir diriger le royaume. Il y a même des rituels pour juger le chef et pour le destituer.

GC

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