sin Audio radio SinAudio Radio es una estación en línea que surgió tres años atrás, con el fiel propósito de mostrar la gran diversidad musical producida por artistas y agrupaciones que día a día arriesgan, proponen y nutren los movimientos y tendencias lideres en el mundo, carentes de un espacio en el foro comercial de la música. En este portal podrás encontrar el trabajo de los músicos indies de la región, ya que contribuye a la difusión de la producción musical de las bandas locales dándoles un espacio para expresar su opinión y transmitir su arte. El nombre SinAudio conlleva dos connotaciones. Por un lado, es un medio comunicativo que dedica parte de su espacio a toda la música que no es programada en la radio comercial, es decir, aquella que se queda sin audio en la escena musical cotidiana; por otro lado, el titulo hace alusión a la frase emitida por un radio escucha: "sería un pecado no escucharla", ya que la traduccion de su lectura en ingles sería algo como "audio-pecado". Se trata entonces, de un sitio en el que todas las expresiones culturales convergen e interactúan con el radioescucha; una invitación a la verdadera independencia musical, donde te aseguramos que escucharas propuestas novedosas y de excelente calidad. ! Ya basta de la misma música ! La gama de opciones es impresionantemente gigantesca como para seguir enfrascados en las mismas rolas de siempre. Es tiempo de darte la oportunidad de experimentar nuevos sonidos y darle click a www.sianudio.com que está revolucionando el concepto de la radio vanguardista en Mexicali. SinAudio Radio es tu mejor opción para escuchar mientras navegas en la red. Aprovecha todas las horas que pierdes en el Messenger, el Facebook y Twitter y sintonízate con este maravilloso sitio que te dejara con el mejor sabor de boca o, bueno, mejor dicho de oídos. Para contactar con nosotros vía e-mail: sinaudioradio@@gmail.com @ msn.com sinaudio@
www.sinaudio.com
on the rocks andrés calamaro En el momento exacto y con la cocción justa, On the rock es uno de esos discos a punto caramelo. La consecuencia del vértigo por transformar la vida en canciones y tener que pagar a diario, como canta Leonard Cohen, el alquiler por ocupar un piso completo en la Torre de la Canción. Andrés Calamaro conoce de memoria los recovecos de ese paraíso-prisión, y no queda duda de que es un inquilino ejemplar. Vivir ahí es escribir sin pausa con la intuición como aliada y unos cuantos amigos para levantar esas esculturas que, una vez de pie, caminan solas por el imaginario social. Desde sus investigaciones sobre el origen de las mejores melodías (Hotel Calamaro, Nadie sale vivo de aquí) hasta las cumbres expresionistas como piloto bonzo (Alta suciedad, Honestidad brutal, El salmón), el Comandante Andrés vive en excursión permanente por los géneros populares, un gentil ilusionista que durante la última década viajó al país del tango (Tinta roja) y del bolero (El cantante) sin perder una gota de identidad: esa voz, criticada y amada, canta como se le da la gana y es su naturalismo, sentimental y honesto, el bate de béisbol que derriba prejuicios y proclama con vigor heroico todo lo que piden las canciones propias y ajenas. Está atento como un observador comprometido, ya sea desde su blog de combate o en sus últimos trabajos, y su lectura es descarnada y romántica; qué otra cosa se puede pedir de un artista que mastica incomprensión (El palacio de las flores) y fervor de masas (La lengua popular). La última muestra lo encuentra en un momento ideal, protegido por una banda de músicos ilustrados que entrenó en la feliz rutina de las giras interminables. On the rock suena a banda de salón y de estadios repletos. Al frente del batallón, Candy Caramelo oficia de productor mientras AC se convierte en un Bryan Ferry barrial que no se quita el traje a pesar de la transpiración. Atrás defienden y abren juego José "Niño" Bruno (batería) y Diego García (guitarra), en la base de un equipo con un montón de relevos e invitados.
Bruno (batería) y Diego García (guitarra), en la base de un equipo con un montón de relevos e invitados. El disco puede escucharse como un soundtrack para el Bicentenario: aquí y ahora, en tiempo real, casi un grandes éxitos de las costumbres y pasiones argentinas ("Flor de samurái", "Gomontonera", "El perro"), desencanto y entusiasmo desmedido ("Me envenenaste") , melancolía existencial ("Insoportablemente cruel", "Todos se van") y ritmo de pueblo celebrando ("Tres Marías"). Como nunca antes, el Salmón oficia de maestro de ceremonia de un show continuado en que los invitados se lucen mientras él tiene el control total de la escena: el flamenco climático de "Los barcos", con el Niño Josele en guitarra y el gran Diego El Cigala en voz, es un ejemplo de genuina apropiación, en el que la letra es una gran versión moderna del tango "Como dos extraños" llevada más allá de nuestras fronteras oceánicas. Algo similar sucede con la bellísima "Te extraño", un bolero santanesco que admite sin contradicciones al rapero español El Langui. Menos feliz es la inclusión de Enrique Bunbury para interpretar la ranchera "Te solté la rienda" de José Alfredo Jiménez. Tanto los Calle 13 en "Insoportablemente cruel" como el crooner latino Vicentico en la cumbia "Tres Marías" ponen en juego aportes personales por encima de las típicas colaboraciones de rigor. Cada cual puede elegir su Calamaro para armar o unir todas esas facetas y disfrutar de un disco en total equilibrio o desequilibrio; es un simple juego de emociones, como cuando aparecen versos invencibles como los que acompañan la melodía flotante de "Todos se van": "Ataba con alambre los pedazos / de lo que alguna vez fue un corazón / del gran espejo interior / Y afuera donde es verano / todos se van / todos se van". Nota cortesia de: http://www.rollingstone.com.ar/
wolf parade
presenta: expo 86
In November of 2009, the members of Wolf Parade started writing songs for their third album. By late February they were recording and mixing them at Hotel2Tango under the direction of Howard Bilerman. What resulted from this superfluously quick effort is their best album thus far. Expo 86 Album Review Expo 86 is filled with a number of exquisitely well done tracks. Most of the songs on this album are purely exceptional. It's one of those albums that should be bought in it's entirety, not one in which only two or three songs should be downloaded. This album is a cohesive compilation, with each song brilliantly complimenting the next. Of course there are the "stand out" songs, the ones that will gain the most popularity, Ghost Pressure and What did My Lover Say both fit into that category. Then there's Cloud Shadow on the Mountain and Cave-o-sapien that fit into the "pleasantly surprised at how much these songs rock" category. Expo 86' Catchy Tracks The album starts off with the energetic, somewhat punk influenced Cloud Shadow on the Mountain, which will have post-punk, alternative music fans in an absolute frenzy. Then it tones down the energy ever so slightly on Palm Road, a track laden with distorted synths which speeds way up at the end. The third track, What Did My Lover Say, is a more raw, uninhibited track with a catchy beat that is destined for a strong following. While Little Golden Age is an upbeat track that sounds like it could have very well existed in 1986. In Direction of the Moon is the track that follows, it's an interesting song with haunting lyrics.
The next song on the album, Ghost Pressure is one of Expo 86' best tracks. It's a synth-filled song with layered guitar, and subtly seductive lyrics. This is one of those songs that can be listened to over and over again in an addictive music loving manner. After hearing Ghost Pressure, the next two songs Pobody's Nerfect and Two Men in New Tuxedos, don't quite compare but they're still good.
On the next track, Oh You, Old Thing, there is some heavy synth action going on, and the vocals don't even start until nearly a minute into the song. It's a solid track, but a little long. Then there's Yulia, which is not bad, but definitely weaker than the rest of the tracks on the album. The last song on the album, Cave-o-sapien, is an upbeat bowieesque track that purely rocks. It sounds as if they could have added a few "oh-oh-oh-oh's" from Billy Idol's Dancing with Myself and it would fit in just fine. The Story Behind the Album Title The Canadian indie supergroup's new release, Expo 86, is fittingly named after the 1986 World's Fair in Vancouver where the group's members first became friends. They made a pact during their youth to form a band called Wolf Parade, and it actually ended up becoming their real-life destiny. Expo 86 was released on June 29, 2010 by Sub Pop Records.
Nota cortesĂa de: http://www.suite101.com/
Cerveza y rock & roll ...qué más se puede pedir?
Próximamente
Miércoles a Sábado de 6p.m. a 3 a.m. Ave. Lerdo #699, Mexicali, Mexico
bigott
el principio de una hermosa amistad Borja Laudo es el alumno calladito que pasa desapercibido y apenas levanta la mano ni sale al encerado, pero que año tras año saca unas notas increíbles. No sé hasta qué punto es buena esta desmesurada esquivez a promocionarse, pero desde luego su discografía hasta la fecha no tiene tacha alguna. La fórmula parece bien sencilla cuando es él quien la aplica. Sin necesidad de chuletas en la calculadora, el zaragozano nos trae el folk y los aires fronterizos americanos ("Dead mum walking"), con influencias como las de los Byrds y sus guitarras ensoñadoras ("Cool single wedding") y, sobre todo, una honda añoranza y saudade, quién sabe si de tiempos mejores, de tardes en otro sitio o de caravanas de borrachos brindando sus petacas.
quién sabe si de tiempos mejores, de tardes en otro sitio o de caravanas de borrachos brindando sus petacas. También encontramos en este nuevo trabajo canciones más pop, como la saltarina "Sparkle motion", muy Divine Comedy, o "Pachanga" en la que al bailar con los Ruby Suns nos demuestra que aunque no lo parezca, Bigott es de esta época, para disfrute de todos. Una sucesión de pequeñas joyas delicadas sobre las que destacan "My my love", que con el complemento en la voz de Clara Carnicer huele a dueto clásico, como los de Jane Birkin y Serge Gainsbourg o el de Nico y la Velvet Underground. Borja Laudo... ¡presente! Nota cortesía de: http://lafonoteca.net/
balkan beat box
blue eyed black boy review Recorded in Belgrade, Vienna and Tel Aviv, Blue Eyed Black Boy takes BBB to the roots of their unique, "New Mediterranean" sound, going to the source and scouring the Balkans and beyond for unique collaborations and new inspirations for their globalized urban mashups. Featuring the singles "War Again" and "Move It," Blue Eyed Black Boy marks the return of Ori Kapan, Tamir Muskat and Tomer Yosef - a.k.a. Balkan Beat Box - with their first album of all new material since 2007, and the group's debut for the Nat Geo Music label. Blue Eyed Black Boy is due out on April 27th. Ori Kaplan, Tamir Muskat and Tomer Yosef are Balkan Beat Box. For the uninitiated, Balkan Beat Box first burst out of New York City's underground music scene in 2005, with their self-titled debut that introduced the world to their multikulti musical mashup. Founded by Israeli-born ex-pats Ori Kaplan (ex-Gogol Bordello) and Tamir Muskat (ex-Firewater), the band built their reputation on explosive live shows, becoming an audience favorite and a critic's darling. BBB soon added frequent collaborator Tomer Yosef as frontman -his wild onstage energy galvanizing live audiences ever since. The three emerged as a cohesive songwriting trio on 2007's Nu Med, and found that each had strengths that complimented the others. “It's always amazing when the three of us get together in the studio," says Kaplan. "It's a great dynamic that none of us ever had before in a band, a true collaboration. Each of us has his specialty, Tamir brings the beats and production, Tomer is the lyricist, and I do the melodies and the horns. We trigger off each other.""We have a natural dynamic in creating music," Tomer agrees, "everyone is well aware of what each of us does best, so we never really officially divided the responsibility?we always make decisions together about everything."
Together the three created an entirely new sound - equal parts Balkan-Mediterranean tradition, punk intensity, electronic cool, jazz discipline and hip-hop swagger - and now they take it to the next level on Blue Eyed Black Boy. "With every record we always want to surprise people and be ahead of the curve," says Ori. "We were one of the first 'Gypsy Punk' bands. But the Balkan Beat Box sound is totally our own. There's not even a name for it yet. We want to go way past trends and always go deeper and wider." But even though BBB have been living and creating abroad these past few years, they still retain a very New York attitude: "We can create the BBB sound anywhere - it can be in outer space - as long as the three of us are together in a room," says Ori. "But we're definitely still a New York band, it's where we first got together, where we had our education, our success, everything that defines us. You can't just shake off 17 years of your life and say 'okay, now we're something else'. The monster was unleashed in New York, and now it can go wherever it wants, but it needs to return home every few months, to pee on a few walls and mark its territory. " "I wouldn't call us just a NY band," adds Tomer. "In my opinion Blue Eyed Black Boy is the most international project there is, it contains so many elements of cultures and colors that makes it a kind of a happy homeless project." “I would say we are a very international band." Tamir concurs. "But BBB is NY born & raised. It all starts there with a bunch of immigrants bringing their music to a city that can take it all. What makes our sound different is that New York is very demanding on artists, we learned how to deliver our ideas very fast & focused. Now we're taking that sound and confidence and unleashing it on the world."
Recorded in Belgrade, Vienna and Tel Aviv Blue Eyed Black Boy reflects BBB's recent travels by taking the group's very new world sound back to its old world roots. "We wanted to work in a different environment, refresh ourselves a little bit," says Ori. "We also wanted to collaborate with authentic Roma, gypsy musicians. Gypsy music and Balkan music have a very wild sound, and we're punks at heart, so naturally we look for that." Belgrade made a big impression on BBB, where riots in the streets contrasted with the creative calm of the recording studio. "While we were in Belgrade there were anti-Kosovo demonstrations and riots, and mobs tried to burn down the American embassy," Ori explains. "It was a very tense atmosphere, but we were in our studio, away from all that, translating that intense energy into something positive and good." "Belgrade was an amazing experience," adds Tamir. These sessions will stay with me. We landed on the biggest day of riots in the city, millions in the streets, political revolution; the spirit was intense, but during the day we were deep in the woods, in a recording studio from the 1950s - one that was used to make film music. We were meeting all this amazing gypsy musicians & managing to have a great musical dialog with them." Working with local artists like the Orkestar Jovice Ajdarevica brass band, Serbian singer Svetlana Spajic and members of gypsy band Kal, BBB mined the region for the raw, uncut Balkan soul. "We recorded the brass band in a very wild manner," says Tomer. "Like it was done 50 years ago. I knew its going to be chaotic but we went with it, and in the end it brought so much magic to the album." "But we didn't just want to make a Balkan brass extravaganza and take the hit songs of the Balkans and flatten them out for Western ears," adds Ori. "Whenever we work with other artists, we try to get them to do something they've never done before; to get them to come out of their comfort zones. The idea is to take the essence of what they do, and distill it to the hardcore, and work with that. So we were composing for these artists; they learned our music but played it their way, so in the end you didn't know where it came from. It was something totally new; and it was a real collaboration."The band also created a complete library of original beats for Blue Eyed Black Boy. Tomer explains: "I like to impose creative limitations before we start working on an album, to make us focus.
So on Blue Eyed Black Boy we recorded a full library of beats and drum sounds that we played by hand, and only used these - no premade samples or loops, it gives the album a very organic sound." This organic approach holds the album together under the weight of so many different styles - not just Balkan sounds, but electronica, cumbia and even a little Afrobeat get the BBB mashup on Blue Eyed Black Boy. The album's title track comes not only from BBB's constant assault on cultural boundaries, but also from some personal inspiration. "Tamir recorded a beat for the album," explains Tomer, "at the time my wife gave birth to our first child, and since I'm a dark skinned person and my wife has blue eyes, Tamir thought about us and named the beat 'Blue Eyed Black Boy'. This was such a strong image, that I immediately started writing lyrics about racism and outcasts." Tamir adds: "For me it symbolizes the absurdity of how, after thousands of years of clashes between people of different color - all colors, everywhere - we now find ourselves in a generation that's the ultimate mix of people, the way nature maybe wanted it to be." On "War Again," BBB comes out swinging on this balls-out, horns blaring, sirens wailing, bass-thumping anti-war polemic. Maybe the most danceable protest song ever recorded, "War Again" rages against the constant state of war that BBB finds their homeland of Israel embroiled in again and again. "We want people to understand that we are part of a loop of war and violence that is happening forever, and that it's up to us to get out of it." Explains Tomer. "We always wanted to break this stupid border and show how ridiculous it is," says Ori. "We've always thought that all borders are artificial, in music and in politics. We can achieve a brotherhood onstage with musicians from all over the world. If a bunch of musicians can do it, how hard can it be?" This is the question - and the challenge - that Balkan Beat Box poses to the world on Blue Eyed Black Boy: how hard can it be to tear down the borders that divide us? With BBB providing the soundtrack, it should be easy to unite one planet under a groove.
Nota cortesĂa de: http://worldmusic.nationalgeographic.com/
TV on the Radio's
Dave Sitek got a new album maximum balloon
Maximum Balloon is TV on the Radio's Dave Sitek but, strictly speaking, it is not a Dave Sitek solo project. Sure, the Yeah Yeah Yeahs/Scarlett Johansson producer is pulling all the strings (as he seems to do on many albums he produces), but the debut from this project is less a chance for him to take centerstage as it is an opportunity to color outside the lines required by his day jobs. So, despite Sitek showing off his pipes on a cover of the Troggs' "With a Girl Like You" on last year's Dark Was the Night compilation, his own deep, dusky vocals are largely absent from these Maximum Balloon songs. Instead, he has called up old friends (like his TVOTR bandmates Kyp Malone and Tunde Adebimpe) and new (singer Holly Miranda) to jam on tracks that are meant for the dancefloor, but will, most likely, never have to be played live. The songs are, therefore, liberated from the shackles of needing to be recreated in real time, so Sitek can spackle on as many layers of noisy synthesizers as he likes, and he can gather an enviable group of singers to act as his mouthpiece, regardless of the fact that, logistically, they could never all be corralled for one big tour. The result is a dense, sultry collection that revels in the dissonance between its thick, synthesized arrangements and its emotive, earthy vocal performances. Despite being the work of a star producer, the rotating vocalists make the album feel relaxed and loose, with each guest shading the record in subtle new ways. Soulful Brooklyn rapper Theophilus London brings sex appeal to his neon-disco opener.
Swedish synth-poppers Little Dragon bring flirty fun, as Yukimi Nagano's coquettish coos and her bandmates' effervescent videogame synth figures sand over the hard edges of "If You Return". And Kyp Malone brings the serious, arty ambition; his "Shakedown" is a welcome weirdo slow jam, replete with falsetto howls. At its core, however, the album still belongs to Sitek. His fingerprints are all over each song-- in Nile Rogers-esque percussive guitars and hooks; harsh, aggressive synths; and shiny, maximumalist production flourishes. The Karen O-starring "Communion" picks up where It’s Blitz! left off, using one of her most restrained, lovely vocals (it could be the third part of a "Maps"/"Hysteric" trilogy). Sitek also indulges in his funky and arty muses (Chic, Prince, Talking Heads). A David Byrne collaboration, "Apartment Wrestling", which recalls David Bowie's "Fashion", is such a perfect imitation of the prickly, percussive funk of the Talking Heads (right down to the staccato horn bursts) that it transcends homage. Hearing this and Sitek's other aesthetic choices removed from a TVOTR record or an album he's producing for another artist reminds us that his work always does.
Nota cortesĂa de: http://pitchfork.com/
artistas incluidos en el album: Matias Aguayo // Popnoname // Walls // Wolfgang Voigt // Gusgus // Maxime Dangles // Jatoma // Jürgen Paape // Ada // Heiko Voss // Superpitcher // Justus Köhncke // Mugwump // It´s A Fine Line // The Field // Sog // Sebastien Bouchet // Jörg Burger // Thomas Fehlmann // Michael Mayer // Gui Boratto // Iggor Cavalera // Robag Wruhme // Jonas Bering // Coma // Pachanga Boys // The Three Lions
buzzard´s cover
Margot and the Nuclear So and So's The past few years have been tumultuous ones for Margot & the Nuclear So and So’s. After signing to Epic records in 2007, the band and the label had different ideas about their major label debut. As a compromise, both visions of the album were simultaneously released as Animal! and Not Animal, respectively. Since the release of the two Animal albums, however, the lineup of Margot & the Nuclear So and So’s has experienced drastic changes, and the band switched from the majors back to the indies, with their latest album, Buzzard, coming from their own home, Mariel Recordings.
If the simultaneous Animals release was a departure from the orchestral chamber pop sound of their debut, The Dust of Retreat, then Buzzard takes this shift in style even further. Gone are the sections of strings and horns, and in their place are guitar-driven songs. On Buzzard opener “Birds”, guitar and the falsetto of frontman Richard Edwards make the quiet-loud dynamic from chorus to verse without any help from baroque instrumentation. The raw melodies of “New York City Hotel Blues” and “Will You Love Me Forever” are vaguely reminiscent garage rock, but not enough to draw obvious comparisons to other bands currently on the scene, as the band had to endure with their chamber pop. When instrumental playfulness does surface, it’s in the form of a slide guitar on album highlight “Claws Off”. Most surprising about Buzzard is its humorous nature, such as on the surreally comical “Tiny Vampire Robot” and the absurdly titled “Earth to Aliens: What Do You Want?”. A clip that seems to have come from one of those unintentionally hilarious sexual education videos from yesteryear, warning of the dubious connection between intercourse and madness, serves as the intro to “Your
Lower Back”, and the song closes with a sampled recording of a girl disclosing in an interview that she began working at a strip club on her 18th birthday.
The voice of Richard Edwards is perfectly suited for songs of longing, and when it’s coupled with a folksy strum on “Lunatic, Lunatic, Lunatic”, he comes across as truly despondent. However, as the story in “Lunatic” unfolds, it is revealed to be something darkly comedic, with the longing behind Edwards’ voice as the key element to the joke. While dark humor prevails, not everything on Buzzard is fun and games. Laughs take a backseat to sincerity on delicate album closer “I Do”, on which Edwards reveals an affecting vulnerability. When a band changes its musical direction, there is a tendency for fans and critics to either hail it as a brilliant artistic evolution or deride it as a failed experiment, an artist losing the plot, or even selling out. The new sound of Margot & the Nuclear So and So’s on Buzzard occupies a middle ground: It’s no better or worse than that which came before it. Buzzard is a sometimes disjointed album that feels more like a collection of songs than a cohesive unit when taken as a whole, but is a refreshing change of pace and includes some memorable moments.
Nota cortesía de: http://consequenceofsound.net/
Micah P. Hinson AND THE PIONNER SABOTEURS
Éste es su tercer cuarto disco de estudio Prefiero al Micah P. Hinson arrastrado, destrozado por las heridas psicológicas y físicas; prefiero al de Abilene outsider, peligroso, en cuyas canciones parecía que había dejado algo más que su corazón desgarrado. No ha perdido en Micah P. Hinson and The “Pionneer Saboteurs” su toque mágico pero ya no huelen a dolor. Éste es su tercer cuarto disco de estudio si no contamos el de versiones All Dressed Up And Smelling of Strangers, felizmente casado, algo tendrá que ver, en el tono de su nuevo material, ¿no? Tras dos obras maestras como Micah P. Hinson and The Gospel of Progress y Micah P. Hinson and The Opera Circuit, considero que sería injusto pedirle que el listón lo subiera varios centímetros más, pues el texano con poco que nos haya entregado después, que no la verdad no ha sido poco, nos deja satisfechos.
Ahora el desgarro es melodrama y el ejemplo más patente es ‘The Cross that Stole this Heart’, con una larguísima intro y un toque totalmente de banda sonora de David Lynch. Micah P. Hinson está en otra etapa personal y artística, entroncando con lo ya andado en ‘Take off That Dress for Me’ (YouTube) y ‘My God, My God’, la primera un single clarísimo, y la segunda un corte acústico con cuerdas, banjo y acústicas. nota8 Hay otro Hinson, que no habíamos conocido antes, el del nervio eléctrico, medio distorsionado al inicio de ‘2s and 3s’ a lo Jim O’Rourke como bien nos dicen en Houston Party Records, y superdistorsionado en ‘Watchers, Tell us of the Night’. O cantando un vals tabernario en ‘She’s Building Castles in her Heart’ (YouTube), y cerrando onírico, con un loop de serrucho envolvente y ruidista en ‘The Returning’.
El disco lo ha producido Matt Pence, batería de Centromatic, otra interesantísima formación que con Will Johnson al frente ha dado una nueva dimensión a la música de raíz norteamericana. Son doce cortes, el primero de ellos instrumental y ya en él advertimos que el Micah P. Hinson que conocíamos está en otra fase.
Nota cortesía de: http://jenesaispop.com/
Black Francis una vez mas a la carga con
Nonstoperotik
Cuando Black Francis anunció que su nuevo disco en solitario se llamaría 'NonStopErotik' e incluiría un tema titulado 'When I Go Down on You,' muchos fans y críticos asumieron que el disco tendría una marcada temática sexual, pero el frontman de The Pixies dice que no todo es tan sencillo.
"Creo que es una descripción demasiado literal," dice Francis. "Obviamente la sexualidad es compleja. No he escrito canciones sólo sobre follar, ¿entiendes? Trato el sexo pero también la muerte, la rendención, la lujuria, el romance, el amor y la abstracción sexual." Francis explica que el disco está inspirado en el descubrimiento del sexo durante su adolescencia. "No sé cómo fue para otra gente, pero cuando entré en la pubertad, en el mundo de la imaginación sexual, todo era muy abstracto y extraño," desvela. "Pero siempre había un elemento sexual básico, y todos los detalles podían ser bastante psicodélicos. Cuando pienso en ello ahora, en mi despertar sexual, me parece más extraño de lo que es ahora." Incluso a los 40, Francis sigue descubriendo cosas nuevas sobre el sexo, con frecuencia gracias a fuentes externas. "A veces, mientras estoy esperando mi café en mi bar habitual, me da por abrir una revista y ojear la sección de pareja o sexo. Y cada vez me digo, 'wow, esa no me la sabía. Wow!' Ni siquiera había oído hablar de ellos, pero ahí está sobre papel." "Por ejemplo, la noción de indentidad sexual en los colores que vistes, la forma de tus zapatos... pienso en la parte que juega todo eso en los fetiches." Continúa. Desde mi punto de vista de hombre de las cavernas, muchos de esos fetiches resultan abstractos cuando los comparas con la realidad de todo lo que ha existido desde hace tiempo. No lo digo en sentido negativo, es sólo extraño."
Nota cortesía de: http://es.spinner.com/
Fito Paez Fito Páez dice que el mundo es “una máquina diabólica desde hace mucho tiempo”. Por eso el cantautor argentino piensa que no hace falta que los músicos anden concientizando a la gente de nada, y que estos deben enfocarse en todo caso a liberar el espíritu a través de las palabras y los sonidos.
edita su nuevo disco y lo titula “confia”
De ahí que el roquero considere que el problema del narcotráfico en México es un tema “más épico, más delirante”. “Escuché la música de Charly García hace muchísimos años, y sus canciones me liberaron, hicieron un click en mi espíritu, entonces tomé la decisión de dedicarme a la música y eso fue maravilloso. El mundo es complejo, es una máquina donde hay muchas injusticias, pero no va a venir ningún cantante pop a resolver o a plantear la solución de conflictos, como el narcotráfico, que son de altísima complejidad”, opina Páez. En cambio, el autor de temas como Mariposa technicolor y El mundo cabe en una canción considera que hay más posibilidades de actuar en el tema de los inmigrantes y la llamada Ley Arizona. “Ésas son voluntades y leyes en donde se ponen de manifiesto lo que quiere cada una de las partes, en este caso México y Estados Unidos, si no se hace realmente hay mala leche de parte de ellos (los estadounidenses)”, explica el artista. “Hay algo en la naturaleza humana que es horroroso, que es lo que hacen los franceses con los argelinos, los argentinos con los paraguayos y uruguayos, los ‘gringos’ con los mexicanos, que es la xenofobia, y que es un mal humano. Me da la sensación de que Estados Unidos también ha sido un aparato de un alto poderío, y como le sucede a las máquinas de alto poderío, hay muchas cosas que se les salen de control”, apunta. “En un momento (los estadounidenses) se encontraron con que si toda la ciudadanía mexicana decidiera parar Estados Unidos lo podía hacer, y se les acababa la mano de obra, porque se dieron cuenta que los ‘gringos’ ya casi no trabajaban. Eso forma parte del fenómeno de la crisis que Estados Unidos ha ayudado a generar en los siglos XX y XXI en América. Las dictaduras latinoamericanas han sido financiadas por Estados Unidos, ésa es su forma de mantener el control en esta zona. Uno de los malestares más grandes es la migración, entonces eso sumado a los conflictos más específicos entre México y Estados Unidos, ha dado un coctel del horror, siniestro y de familias rotas, de mucho dolor, entonces, la migración es un tema que urge resolver”, puntualiza. El título de la nueva entrega discográfica del músico nacido en Rosario, Argentina, Confiá, obedece a la realización artística de dicho álbum: las 12 canciones que lo conforman fueron grabadas en distintos lugares elegidos especialmente por él. Con total afinidad a esos paisajes, a su gente y al clima musical que logran esos ambientes, Páez comenzó la grabación en La Cumbre, Córdoba, para continuar en Brasil, en San Salvador de Bahía y Río de Janeiro. “El álbum fue realizado durante la experiencia, se trataba de confiar en el resultado, y la confianza es una virtud del corazón humano, que después exista la desconfianza ésa es otra cosa, pero hay que pensar como el equilibrio de todas las cosas. Si se confía, se puede desconfiar, hay algo que genera mucha inquietud, confío, no me lo pregunto, en muchos de mis gestos de confianza obtengo placer. La naturaleza humana es muy sólida, parte de la naturaleza humana es esa garra que uno le mete a las cosas, que está ligado a una confianza que quizá no te conduzca a ningún lado, no está mal conducir a esa confianza, afirmarse sobre las ideas, sobre las experiencias”, concluye Fito. ''Confío en los ojos de los niños, hay algo ahí que te muestra esa posibilidad de que algo no volverá a repetirse'', Fito Páez, cantautor.
Nota cortesía de: http://www.informador.com.mx/
Ozomatli
fire away
Luego de presentarse en el festival Vive Latino 2010 y entregar sus tradicionales ritmos de hip hop y salsa, cumbia, funk, merengue y comparsa, R&B, el grupo Ozomatli lanza su quinta producción discográfica Fire away, la cual ya se encuentra disponible. La multicultural banda originaria de la ciudad de Los Ángeles asegura que este álbum es el más diverso en su carrera. En este trabajo los músicos estadounidenses cuentan con una variedad de temas que va desde las baladas “It’s only time” (Es sólo tiempo) y “Love comes down” (El amor baja), pasando por el “Stax”, influido por los años 60 de “45” hasta el spanglish de “Nadas por free”.
“Fire away se tardó entre tres y cuatro años en estar listo, así que ahora que lo presentamos estamos muy alegres y ojalá la gente lo disfrute como nosotros”, dijo, Ulises Bella, cantante del grupo. El nuevo álbum, que salió a la venta la semana pasada, contiene 11 temas que varían entre experiencias de sus integrantes y las denuncias sociales como “Malagasy shock” o “Gay vatos in love” (gays enamorados) la cual le dedican a una pareja homosexual. “Gay vatos in love” es la historia de lo que ocurre en la comunidad gay latina y al mismo tiempo es una declaración de lo que es el amor y que éste no discrimina. lo que queremos es poder acercar a esta comunidad a la sociedad, para que se respeten todos sus derechos humanos”, dijo el vocalista de la banda. Con la ayuda de un experto Tras obtener dos premios Grammy, un Latin Grammy y dos Billboard Latinos, la banda buscó a Tony Berg (Aimee Mann, Pete Yorn), quien inyectó un toque especial al trabajo Fire away y plasmar su experiencia en las diversas facetas en la escena musical.
“Le dio el acertado toque de señor maduro de lo que ha visto en toda su vida. Su oído nos ayudó a hacer esta producción que nos encantó”. dijeron.
En sus tres lustros de carrera, la banda ha hecho discos de excepción que reflejan la diversidad cultural de Los Ángeles, como Embrace the Chaos (2001), Street signs (2004) y Don’t mess with the dragon (2007), entre otros. De todos esos discos han salido muy famosos temas, como “Cumbia de los muertos”, “Chota”, “Dos cosas ciertas”, “Ya viene el sol”, “Can’t stop y city of angels”, entre otros. Embajadores culturales El año pasado, los integrantes de la agrupación californiaana fungió como embajadores culturales de Estados Unidos en un viaje patrocinado por el departamento de Estado, que incluyó acercamientos a la comunidad y presentaciones en Myanmar, Vietnam, y Tailandia. Los integrantes de Ozomatli también tuvieron el honor de tocar para el presidente Barack Obama y la primera dama, Michelle Obama, en el evento de gala para la entrega de premios número 32 del comité hispano del congreso, que se realizó en la ciudad de Washington en el mes de septiembre del año pasado. “Fuimos ahí como humanos y como artistas, con el alma abierta, la mente abierta y en otras palabras queríamos más llevar un mensaje de la importancia de la comunicación entre nosotros como humanos”, dijo Ulises a KI0SKO.
Nota cortesía de: http://jenesaispop.com/
Desde suecia pacific! y su increible narcissus
As synthetic harpsichord razors through Jean-Michelle Jarre futurism, the atmosphere conjured by Swedish duo Pacific! on opener Arcadia is so thick with ludicrous dramatics that you half expect Richard Burton to announce an impending Martian invasion. From the splendidly ridiculous new-age cover art to each track’s lengthy sub-titles (Halfheart – A Heartbroken Echo is Swallowed by the Rocks and Becomes a True Echo to offer one snappy example), Pacific! are boldly absurd. Yet they navigate their retro final frontier with great finesse; although conceived to soundtrack a modern ballet, Narcissus works sans choreography, particularly
if you harbour affection for Daft Punk (with the emphasis on Daft), Kate Bush (evoked on the delicate From Lips Divine) or aforementioned gallic electro-wizard Jarre. Even if those particular touchstones don’t tickle your fancy, give Venus Rising a try: echoing Goldfrapp’s calling card Lovely Head, its laid-back space-disco vibe constitutes the album’s finest interstellar segment. [Chris Buckle]
Nota cortesía de: http://www.theskinny.co.uk/
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Compilación: José Juan Bautista
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