Programa Abono nº 8 temporada 11-12 OSG

Programa 8

Palacio de la 贸pera de A Coru帽a

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I JOHANNES BRAHMS (1833-1897) Concierto para piano y orquesta nº 1, en re menor, op. 15 Maestoso Adagio Rondo. Allegro non troppo

II NIKOLAI MIASKOVSKY (1881-1950) Sinfonía nº 6, en mi bemol mayor, op. 23 (Primera vez por la OSG) Poco largamente – Precipitato – Allegro feroce Presto tenebroso – Andante moderato – Tempo I Andante appassionato Allegro vivace (quasi Presto)

Lars Vogt, piano Coro de la Sinfónica de Galicia Joan Company, director del coro Orquesta Sinfónica de Galicia Víctor Pablo Pérez, director

Patrocinado por

GADIS, copatrocinador OSG 2012

Palacio de la Ópera de A Coruña Viernes 16 de diciembre de 2011 - 20.30 horas

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O VALOR DUNHA BOA PROPAGANDA Maruxa Baliñas A primeira vista, semellan ser moitas as diferenzas entre os dous compositores que imos escoitar esta noite, especialmente no que se refire á súa fama. Johannes Brahms (1833-1897) é un dos grandes, mentres Nikolai Miaskovsky (1891-1950) significa para moitos afeccionados á música clásica pouco máis ca un nome e raras veces unha música concreta. Pero sería inxusto quedarmos nesta visión. Entre os moitos valores dunha obra musical, a miúdo tendemos a esquecer o monetario.

A música cómprase e véndese, e como todo obxecto comercial, non hai que desprezar o valor que ten unha boa propaganda á hora de lle dar valor. Os compositores do Grupo dos Cinco —coñecidos en Rusia como «A man poderosa»— son uns grandes compositores, pero contaron ademais co apoio do teórico Vladimir Stasov (1824-1906), que os converteu en paradigma do nacionalismo ruso e en figuras que debían ser imitadas polo resto dos compositores rusos. Por iso a Chaicovsqui lle custou gañar a fama ao principio da súa carreira e só se fixo realmente coñecido cando as súas obras comezaron a ser editadas en Alemaña por Fritz August Simrock (1837-1901), o mesmo editor que tiña no seu catálogo a Brahms e mais a Dvorák, mentres en Rusia o seu catálogo era levado por Jurgenson, o máis famoso dos editores de Moscova. Se saltamos no tempo, Prokofiev e Xostacóvich eran apoiados e «publicitados» non só polas súas editoriais, senón tamén por directores de orquestra tan importantes no mundo occidental como Kousevitzky, Stokowsky ou Toscanini. Miaskovsky, un compositor intermedio cronoloxicamente entre estes dous grupos de compositores, non contou con estas vantaxes; a súa reputación en Rusia era enorme pero fóra da Unión Soviética —descontados os primeiros anos trinta— as súas obras non se tocaron apenas ata despois da caída do Muro, e mesmo agora son pouco habituais.

Pero se deixamos á parte esta cuestión da fama e da pertenza ou non ao canon sinfónico habitual, hai moitos aspectos que vinculan a Brahms e Miaskovsky, principalmente a importancia que ambos os dous tiveron para o desenvolvemento sinfónico das súas respectivas contornas. As sinfonías de Brahms chegan despois dunha etapa, as décadas centrais do século XIX, na que a sinfonía fora un xénero moi escaso. Evidentemente non só Brahms é o responsable do seu renacemento, pero si o é dos primeiros compositores da súa xeración que se interesa profundamente por ela, ademais de tender pontes moi claras entre a sinfonía clásica e do primeiro Romanticismo —Haydn, Mozart, Beethoven Schubert— e a de finais do século XIX,

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EL VALOR DE UNA BUENA PROPAGANDA Maruxa Baliñas A primera vista, parecen ser muchas las diferencias entre los dos compositores que vamos a escuchar esta noche, especialmente en lo que se refiere a su fama.

Johannes Brahms (1833-1897) es uno de los grandes, mientras Nikolai Miaskovsky (1891-1950) significa para muchos aficionados a la música clásica poco más que un nombre y raras veces una música concreta. Pero sería injusto quedarnos en esta visión. Entre los muchos valores de una obra musical, a menudo tendemos a olvidar el monetario. La música se compra y se vende, y como todo objeto comercial, no hay que despreciar el valor que tiene una buena propaganda a la hora de darle valor. Los compositores del Grupo de los Cinco —conocidos en Rusia como «La mano poderosa»— son unos grandes compositores, pero contaron además con el apoyo del teórico Vladimir Stasov (1824-1906), que los convirtió en paradigma del nacionalismo ruso y figuras que debían ser imitadas por el resto de los compositores rusos. Por eso a Chaicovsqui le costó ganar fama al principio de su carrera y sólo se hizo realmente conocido cuando sus obras comenzaron a ser editadas en Alemania por Fritz August Simrock (1837-1901), el mismo editor que tenía en su catálogo a Brahms y Dvorák, mientras en Rusia su catálogo era llevado por Jurgenson, el más famoso de los editores de Moscú. Si saltamos en el tiempo, Prokofiev y Shostakovich eran apoyados y «publicitados» no sólo por sus editoriales, sino también por directores de orquesta tan importantes en el mundo occidental como Kousevitzky, Stokowsky o Toscanini. Miaskovsky, un compositor intermedio cronológicamente entre estos dos grupos de compositores, no contó con estas ventajas, su reputación en Rusia era enorme pero fuera de la Unión Soviética —descontados los primeros años treinta— sus obras no se tocaron apenas hasta después de la caída del Muro, e incluso ahora son poco habituales.

Pero si dejamos aparte esta cuestión de la fama y la pertenencia o no al canon sinfónico habitual, hay muchos aspectos que vinculan a Brahms y Miaskovsky, principalmente la importancia que ambos tuvieron para el desarrollo sinfónico de sus respectivos entornos. Las sinfonías de Brahms llegan después de una etapa, las décadas centrales del siglo XIX, en que la sinfonía había sido un género muy escaso. Evidentemente no sólo Brahms es el responsable de su renacimiento, pero sí es de los primeros compositores de su generación que se interesa profundamente por ella, además de tender puentes muy claros entre la sinfonía clásica y del primer Romanticismo —Haydn, Mozart, Beethoven Schubert— y la de finales del siglo XIX,

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a época gloriosa de Dvorák, Bruckner, Mahler, e os compositores periféricos, cuxas sinfonías terían sido, sen dúbida ningunha, moi distintas de non existir Brahms.

Entre estes compositores periféricos, que se incorporaron á corrente principal da música occidental a finais do século XIX estaban os compositores rusos. Pero, agás Chaicovsqui, o Grupo dos Cinco non cultivou demasiado a sinfonía. Miaskovsky, que precisamente decidiu dedicarse de xeito profesional á música despois de escoitar a estrea da Sexta sinfonía «Patética» de Chaicovsqui poucos días antes da súa morte, debe ser considerado o principal sinfonista da música rusa e soviética, e coas súas 27 sinfonías é sen dúbida un dos principais sinfonistas do século XX. De feito, as sinfonías de Xostacóvich, que escoitamos a miúdo coa OSG, non se poden entender na súa integridade sen a figura de Miaskovsky.

Unha obra de xuventude: o Concerto para piano nº 1 Publicado en 1861, o Concerto para piano nº 1 en re menor op. 15 é unha das principais obras dos anos de xuventude de Brahms —un compositor que non foi especialmente precoz— e para algúns autores debe ser considerado incluso unha especie de ensaio antes de se atrever con obras sinfónicas máis esixentes.

De feito, Brahms expuxo isto primeiro, cara ao ano 1854, como unha sonata para dous pianos e despois como unha sinfonía —fora a súa primeira sinfonía— antes de decidirse por utilizar o material que xa elaborara como un concerto para piano destinado a si mesmo.

Coñecemos bastante ben as circunstancias vitais de Brahms na época en que empezou seriamente coa composición, no outono de 1856, xa que coincidiu coa morte do seu amigo Robert Schumann e polo tanto cunha época de abundante correspondencia. Foi unha obra que se prolongou durante máis de dous anos —cinco se temos en conta os primeiros bosquexos— e que lle custou moito traballo, xa que Brahms se sentía aínda moi inseguro respecto da orquestración e lles pediu axuda a varios amigos compositores, especialmente a Joseph Joachim (1831-1907), o famoso violinista pero tamén reputado compositor, cuxa influencia é clara especialmente no movemento final da obra.

O 22 de xaneiro de 1859 estreouse en Hannover a primeira versión do Concerto, pero a acollida do público e mais da crítica foi tan negativa —en Leipzig na segunda interpretación só houbo tres aplausos e o resto foron asubíos de repulsa— que Brahms se viu obrigado a revisalo antes da súa publicación. Pouco a pouco, o Concerto foise facendo un oco no repertorio, e Brahms mesmo o toca-

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la época gloriosa de Dvorák, Bruckner, Mahler, y los compositores periféricos, cuyas sinfonías sin duda hubieran sido muy distintas de no haber existido Brahms.

Entre estos compositores periféricos, que se incorporaron a la corriente principal de la música occidental a finales del siglo XIX estaban los compositores rusos.

Pero, salvo Chaicovsqui, el Grupo de los Cinco no cultivó demasiado la sinfonía.

Miaskovsky, que precisamente decidió dedicarse profesionalmente a la música tras escuchar el estreno de la Sexta sinfonía «Patética» de Chaicovsqui pocos días antes de su muerte, debe ser considerado el principal sinfonista de la música rusa y soviética, y con sus 27 sinfonías es sin duda uno de los principales sinfonistas del siglo XX. De hecho, las sinfonías de Shostakovich, que hemos escuchado a menudo con la OSG, no se pueden entender en su integridad sin la figura de Miaskovsky.

Una obra de juventud: el Concierto para piano nº 1 Publicado en 1861, el Concierto para piano nº 1 en re menor op. 15 es una de las principales obras de los años de juventud de Brahms —un compositor que no fue especialmente precoz— y para algunos autores debe ser considerado incluso una especie de ensayo antes de atreverse con obras sinfónicas más exigentes.

De hecho, Brahms lo planteó primero, hacia 1854, como una sonata para dos pianos y como una sinfonía —hubiera sido su primera sinfonía— antes de decidirse por utilizar el material que ya había elaborado como un concierto para piano destinado a sí mismo.

Conocemos bastante bien las circunstancias vitales de Brahms en la época en que empezó seriamente con la composición, en el otoño de 1856, ya que coincidió con la muerte de su amigo Robert Schumann y por lo tanto con una época de abundante correspondencia. Fue una obra que se prolongó durante más de dos años —cinco si tenemos en cuenta los primeros bocetos— y que le costó mucho trabajo, ya que Brahms se sentía todavía muy inseguro respecto a la orquestación y pidió ayuda a varios amigos compositores, especialmente a Joseph Joachim (1831-1907), el famoso violinista pero también reputado compositor, cuya influencia es clara especialmente en el movimiento final de la obra.

El 22 de enero de 1859 se estrenó en Hannover la primera versión del Concierto, pero la acogida del público y la crítica fue tan negativa —en Leipzig en la segunda interpretación sólo hubo tres aplausos y el resto fueron silbidos de repulsa— que Brahms se vio obligado a revisarlo antes de su publicación. Poco a poco, el Concierto se fue haciendo un hueco en el repertorio, y Brahms mismo lo tocaba

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ba a miúdo nos seus concertos. No entanto, semella que nunca chegou a estar moi orgulloso del, xa que nos anos seguintes, cando se refire ao Concerto na súa correspondencia, case sempre o fai dun xeito pouco entusiasta.

Desde o marco estilístico é unha obra moi clásica, que a primeira vista se asemella máis aos concertos para piano de Mozart e Beethoven, que aos dos seus inmediatos antecesores, especialmente Chopin e Liszt. Pero no caso de afondar algo máis, o Concerto nº 1 resulta ser unha obra moito máis complexa nos aspectos formais e harmónicos que os concertos para piano clásicos.

Miaskovsky: entre a Rusia tsarista e a Unión Soviética Nado en 1881 en Novogeorgiyevsk, preto de Varsovia —Polonia era, daquela, parte do imperio ruso—, o mozo Nicolai Miaskovsky recibiu a formación musical habitual nas familias de clase media-alta: piano, violín e seguramente canto, dado que tras a morte temperá da súa nai foi criado pola súa tía Yelikonida Konstantinovna Miaskovskaya, antiga cantante da Ópera Imperial do Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Na súa adolescencia a familia trasládase a San Petersburgo, onde Nicolai ingresa nunha das escolas militares destinadas a altos funcionarios e se forma como enxeñeiro, a mesma profesión do seu pai. Aínda que en 1896 decide dedicarse profesionalmente á música, continúa os seus estudos militares e é só en 1902, logo de se graduar e ingresar no Batallón Imperial de Zapadores con sede en Moscova, cando pode comezar a estudar harmonía seriamente con Reinhold Glière. Nos anos seguintes segue estudando harmonía privadamente dependendo dos destinos militares que se lle adxudican, ata que en 1906 ingresa no Conservatorio de San Petersburgo e abandona de modo definitivo a carreira de enxeñeiro. É o alumno máis vello do departamento de composición, pero rapidamente establece boas relacións cun dos máis novos, Serguei Prokofiev, e intégrase felizmente no ambiente do conservatorio.

Graduado en 1911, principia axiña a súa carreira profesional como profesor e crítico musical e publica as súas primeiras obras, principalmente música para piano e as súas primeiras sinfonías. Pero é entón cando as circunstancias políticas empezan a interferir na súa vida, e practicamente xa non deixarán de facelo ata a súa morte. A partir de 1914 loita na 1ª Guerra Mundial e resulta ferido na fronte austríaca ademais de sufrir un profundo trauma de guerra. Durante a recuperación compón as súas Sinfonías nº 4 e nº 5. Estala daquela a Revolución Rusa que ha de afectar moi directamente nel: o seu pai –que tiña xa o grao de xeneral– é

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a menudo en sus conciertos. Sin embargo parece que nunca llegó a estar muy orgulloso de él, ya que en los años siguientes, cuando se refiere al Concierto en su correspondencia, casi siempre lo hace de un modo poco entusiasta.

Estilísticamente es una obra muy clásica, que a primera vista, se asemeja más a los conciertos para piano de Mozart y Beethoven, que a los de sus inmediatos antecesores, especialmente Chopin y Liszt. Pero si se profundiza algo más, el Concierto nº 1 resulta ser una obra mucho más compleja en los aspectos formales y armónicos que los conciertos para piano clásicos.

Miaskovsky: entre la Rusia zarista y la Unión Soviética Nacido en 1881 en Novogeorgiyevsk, cerca de Varsovia —Polonia era entonces parte del imperio ruso—, el joven Nicolai Miaskovsky recibió la formación musical habitual en las familias de clase media-alta: piano, violín y seguramente canto, dado que tras la muerte temprana de su madre fue criado por su tía Yelikonida Konstantinovna Miaskovskaya, antigua cantante de la Ópera Imperial del Teatro Mariinsky de San Petersburgo. En su adolescencia la familia se traslada a San Petersburgo, donde Nicolai ingresa en una de las escuelas militares destinadas a altos funcionarios y se forma como ingeniero, la misma profesión de su padre.

Aunque en 1896 decide dedicarse profesionalmente a la música, continúa sus estudios militares y es sólo en 1902, tras graduarse e ingresar en el Batallón Imperial de Zapadores con sede en Moscú, cuando puede comenzar a estudiar armonía seriamente con Reinhold Glière. En los años siguientes sigue estudiando armonía privadamente dependiendo de los destinos militares que se le adjudican, hasta que en 1906 ingresa en el Conservatorio de San Petersburgo y abandona definitivamente la carrera de ingeniero. Es el alumno más viejo del departamento de composición, pero rápidamente entabla buenas relaciones con uno de los más jóvenes, Serguei Prokofiev, y se integra felizmente en el ambiente del conservatorio.

Graduado en 1911 empieza rápidamente su carrera profesional como profesor y crítico musical y publica sus primeras obras, principalmente música para piano y sus primeras sinfonías. Pero es entonces cuando las circunstancias políticas empiezan a interferir en su vida, y prácticamente ya no dejarán de hacerlo hasta su muerte. A partir de 1914 lucha en la 1ª Guerra Mundial y resulta herido en el frente austríaco además de sufrir un profundo trauma de guerra. Durante la recuperación compone sus Sinfonías nº 4 y nº 5. Estalla entonces la Revolución Rusa que le afecta muy directamente: su padre –que tenía ya el grado de general– es ase-

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asasinado mentres intentaba fuxir de San Petersburgo e poucos meses despois fina a súa tía Yelikonida debido ás dificultades que provoca a guerra civil entre revolucionarios e contrarrevolucionarios. Entre tanto Miaskovsky vese na obriga de loitar no Exército Roxo, aínda que os últimos meses da guerra civil os pasa xa como profesor no conservatorio de Moscova, cidade na que residirá o resto da súa vida. Ha de ser nestes primeiros meses en Moscova cando remate a Sinfonía nº 6 que vai soar esta noite.

Os anos vinte e os primeiros trinta son quizais a súa mellor época. Compón moitísimo, case sempre movéndose nas formas máis clásicas —sonatas, sinfonías, cuartetos de corda— pero ao mesmo tempo estreitamente conectado coas correntes máis vangardistas da composición soviética. Nesta época ademais a súa música é tocada con regularidade no mundo occidental e tamén aí é considerado un dos mellores compositores soviéticos. A súa Sinfonía nº 13 op. 36 (1933) estréase mesmo en EUA —Sinfónica de Chicago— antes que en Rusia.

Pero coa crise económica e inmediatamente política, as circunstancias cambian rapidamente e Miaskovsky pasa a ser considerado —xunto con Xostacóvich, Jatchaturian (alumno seu do Conservatorio) e outros compositores— unha figura excesivamente «liberal» no seu estilo e con demasiada fama e relacións no exterior, de modo que o Estado empeza a controlar estreitamente as súas actividades e a esixirlle obras máis marcadamente propagandísticas. Para Miaskovsky isto tradúcese nunha serie de obras sumamente convencionais no seu estilo (a musicóloga Marina Frolova titulou un dos seus libros Stalin ou a arte do aburrimento) onde o compositor semella renunciar mesmo ao seu propio estilo nalgunhas obras menores e propagandísticas. É tamén neste momento, en 1936, cando publica unha autobiografía súa na que rexeita incluso as súas obras de xuventude, entre elas a Sexta sinfonía, como «febles e neuróticas».

Coma no caso dos outros compositores, a 2ª Guerra Mundial significa un período de liberdade, xa que a aparición dun inimigo exterior fai que Stalin exerza moita menos presión sobre os seus propios compatriotas. Pero a posguerra significa novamente unha recrudescencia co control ditatorial e enormes problemas internos. En 1947 Miaskovsky sofre unha forte reconvención por parte da Unión Xeral de Compositores, pero mentres Prokofiev, Xostacóvich ou Jatchaturian —atacados na mesma reunión— mandan cadansúa carta de desculpa ao comité, Miaskovsky, máis vello ca eles, négase a facelo, creando sen dúbida unha situación difícil xa que era o compositor con máis Premios Stalin, cinco, e demais honores musicais. Os seus últimos

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sinado mientras intentaba escapar de San Petersburgo y pocos meses después fallece su tía Yelikonida debido a las dificultades que provoca la guerra civil entre revolucionarios y contrarrevolucionarios. Entretanto Miaskovsky se ve obligado a luchar en el Ejército Rojo, aunque los últimos meses de la guerra civil los pasa ya como profesor en el conservatorio de Moscú, ciudad en la que residirá el resto de su vida. Será en estos primeros meses en Moscú cuando termine la Sinfonía nº 6 que sonará esta noche.

Los años veinte y los primeros treinta son quizá su mejor época. Compone muchísimo, casi siempre moviéndose en las formas más clásicas —sonatas, sinfonías, cuartetos de cuerda— pero al mismo tiempo estrechamente conectado con las corrientes más vanguardistas de la composición soviética. En esta época además su música es tocada con regularidad en el mundo occidental y también ahí es considerado uno de los mejores compositores soviéticos. Su Sinfonía nº 13 op. 36 (1933) se estrena incluso en EEUU —Sinfónica de Chicago— antes que en Rusia.

Pero con la crisis económica e inmediatamente política, las circunstancias cambian rápidamente y Miaskovsky pasa a ser considerado —junto con Shostakovich, Jatchaturian (alumno suyo del Conservatorio) y otros compositores— una figura excesivamente «liberal» en su estilo y con demasiada fama y relaciones en el exterior, de modo que el Estado empieza a controlar estrechamente sus actividades y a exigirle obras más marcadamente propagandísticas. Para Miaskovsky esto se traduce en una serie de obras sumamente convencionales en su estilo (la musicóloga Marina Frolova tituló uno de sus libros Stalin o el arte del aburrimiento) donde el compositor parece renunciar incluso a su propio estilo en algunas obras menores y propagandísticas. Es también en este momento, en 1936, cuando publica una autobiografía suya en la que rechaza incluso sus obras de juventud, entre ellas la Sexta sinfonía, como «débiles y neuróticas».

Como en el caso de los otros compositores, la 2ª Guerra Mundial significa un período de libertad, ya que la aparición de un enemigo exterior hace que Stalin presione mucho menos a sus propios compatriotas. Pero la posguerra significa nuevamente un recrudecimiento del control dictatorial y enormes problemas internos. En 1947 Miaskovsky sufre una fuerte reconvención por parte de la Unión General de Compositores, pero mientras Prokofiev, Shostakovich o Jatchaturian —atacados en la misma reunión— mandan sendas cartas de disculpa al comité, Miaskovsky, más viejo que ellos, se niega a hacerlo, creando sin duda una situación difícil ya que era el compositor con más Premios Stalin, cinco, y demás honores musicales. Sus

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anos son de completo ostracismo, e só tras a súa morte por un cancro en 1950 se volve mencionar o seu nome e incluso se lle concede a título póstumo un último Premio Stalin. Miaskovsky, pola súa banda, segue compoñendo ata o último momento: a súa Sinfonía nº 27 data de 1949 e o seu Cuarteto de corda nº 13 de 1950.

Desde o punto de vista estético Miaskovsky débelle moito a Stasov, e ás súas propostas, que eran predominantes nos seus anos de formación no Conservatorio e entre os seus profesores, e que se poden resumir en que a arte rusa se debe liberar das influencias europeas; copiando a Occidente, os rusos soamente poden chegar a ser de segunda categoría; pola contra, no caso de centrárense nas súas propias tradicións, poden crear unha arte realmente nacional que impresione a Europa pola súa gran calidade e orixinalidade (Stasov entendía por «nacional» non só unha arte que retratase os rusos, senón tamén que fose significativa para eles e lles ensinase «como vivir», unha idea moi decimonónica e que nos lembra que Stasov era contemporáneo e amigo do novelista Lev Tolstoi).

Pero Miaskovsky tamén se viu influído por Alexander Scriabin (1872-1915), un dos compositores máis valorados nos seus anos de xuventude, cuxa actitude era totalmente distinta: a arte non coñece fronteiras nin escolas, é un agasallo divino ao que o artista responde independentemente das súas circunstancias.

Durante o resto da súa vida, Miaskovsky oscilou entrambas as dúas tendencias, entre as directrices de Stasov, que logo duns anos de liberdade artística se converteron na base da estética soviética da música (a filla de Stasov foi unha das grandes figuras do marxismo soviético), e a liberdade persoal fronte á música que era o único modo de sobrevivir que acharon os compositores soviéticos obrigados a someterse —polo menos de xeito aparente— a un réxime totalmente ditatorial.

Unha obra xuvenil, pero de madureza: a Sinfonía nº 6 A Sinfonía nº 6 en mi bemol menor op. 23 foi composta —simultáneamente coa Sinfonía nº 7— entre os anos 1921 e 1923, un período de tempo bastante longo para un compositor tan rápido como adoitaba ser Miaskovsky, pero hai que ter en conta que se trata dunha obra extensa e que incorpora coro na súa parte final, recurso que Miaskovsky non usara nunca anteriormente. Desde o punto de vista biográfico correspóndese cos seus primeiros anos como profesor no Conservatorio de Moscova e o momento no que por primeira vez monta casa tras máis de seis anos loitando —sexa na fronte ou como enxeñeiro na retagarda—, e coa

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últimos años son de completo ostracismo, y sólo tras su muerte por un cáncer en 1950 se vuelve a mencionar su nombre e incluso se le concede a título póstumo un último Premio Stalin. Miaskovsky por su parte sigue componiendo hasta el último momento: su Sinfonía nº 27 data de 1949 y su Cuarteto de cuerda nº 13 de 1950.

Estéticamente Miaskovsky debe mucho a Stasov, y a sus propuestas, que eran predominantes en sus años de formación en el Conservatorio y entre sus profesores, y que se pueden resumir en que: el arte ruso debe liberarse de las influencias europeas; copiando a Occidente, los rusos solo pueden llegar a ser de segunda categoría; en cambio, si se centran en sus propias tradiciones, pueden crear un arte realmente nacional que impresione a Europa por su gran calidad y originalidad (Stasov entendía por «nacional» no sólo un arte que retratara a los rusos, sino también que fuera significativo para ellos y les enseñara «cómo vivir», una idea muy decimonónica y que nos recuerda que Stasov era contemporáneo y amigo del novelista Lev Tolstoi). Pero Miaskovsky también se vio influido por Alexander Scriabin (1872-1915), uno de los compositores más valorados en sus años de juventud, cuya actitud era totalmente distinta: el arte no conoce fronteras ni escuelas, es un regalo divino al que el artista responde independientemente de sus circunstancias.

Durante el resto de su vida, Miaskovsky osciló entre ambas tendencias, entre las directrices de Stasov, que tras unos años de libertad artística se convirtieron en la base de la estética soviética de la música (la hija de Stasov fue una de las grandes figuras del marxismo soviético), y la libertad personal frente a la música que era el único modo de sobrevivir que encontraron los compositores soviéticos obligados a someterse —por lo menos aparentemente— a un régimen totalmente dictatorial.

Una obra juvenil, pero de madurez: la Sinfonía nº 6 La Sinfonía nº 6 en mi bemol menor op. 23 fue compuesta —simultáneamente con la Sinfonía nº 7— entre 1921 y 1923, un período de tiempo bastante largo para un compositor tan rápido como solía ser Miaskovsky, pero hay que tener en cuenta que se trata de una obra extensa y que incorpora coro en su parte final, recurso que Miaskovsky no había usado nunca anteriormente. Biográficamente se corresponde con sus primeros años como profesor en el Conservatorio de Moscú y el momento en que por primera vez monta casa tras más de seis años luchando —sea en el frente o como ingeniero en la retaguardia—, y la muerte de su padre

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morte do seu pai e mais da súa tía, que fora na práctica a súa nai. Miaskovsky leva a vivir con el a súa irmá viúva e mais a súa sobriña e disponse a refacer a súa vida, pero aínda traumatizado segue a ter moi presente a idea de morte.

E entrambos os dous polos —vida e morte— móvese a sinfonía, que foi vista polo réxime soviético como un reflexo do desenvolvemento e das loitas por establecer a Revolución Rusa, pero que para Miaskovsky tiña un aspecto moito máis persoal e autobiográfico. Así o tema co que comeza a melodía é unha transcrición melódica dun discurso revolucionario no que se berra «Morte, morte aos inimigos da Revolución» (non esquecemos que o seu pai fora asasinado polos revolucionarios cando collía un tren), nos tres últimos movementos soa o Dies Irae, a música fúnebre por excelencia, e o movemento final baséase en boa medida nun himno funerario da Igrexa Ortodoxa, Como a alma deixou o corpo. Parece ser que Miaskovsky tamén se veu influído por unha obra de teatro belga de Emile Verhaeren (1855-1916), titulada Les Aubes (Os amenceres, 1918) onde se fala de inxustizas sociais, dun mundo rural que desaparece e que culmina coa morte do heroe e o seu enterro. As dúas cancións revolucionarias francesas que aparecen no último movemento mesturándose coa música funeraria, Carmagnola e Ça Ira, son seguramente un símbolo do forte contraste entre os fermosos ideais cos que comezou a Revolución Rusa e o baño de sangue en que se converteu en pouco tempo.

A estrea tivo lugar no Teatro Bolshoi de Moscova o 4 de maio de 1924, coa orquestra do teatro dirixida por Nicolai Golovanov (1891-1953) e obtivo un grande éxito. Os críticos comparárona mesmo coa Patética de Chaicovsqui, resaltando o feito de que parte da composición se realizou en Klin, a 85 km de Moscova, a mesma localidade en que Chaicovsqui escribira a súa sinfonía, mentres algunha xente no público choraba ao final do concerto pola emoción. A partitura foi publicada por Universal Edition en 1925, nunha edición reducida, de estudio. En 1947, cando xa estaba «retirado», Miaskovsky fixo unha revisión da Sinfonía na cal o coro pasa a ser opcional, pero o máis habitual segue sendo usar a edición orixinal.

Esta Sexta sinfonía é seguramente a obra máis persoal e pesimista de Miaskovsky, que nunha data tan temperá como 1923 xa semella anticipar o fracaso no que se converteu a Revolución Rusa. Nin sequera o final, que pretende ser un reflexo do paraíso visto como un ideal, máis que como unha realidade, pode borrar a tristeza da Sinfonía. Poucas veces se nos concede o privilexio de descubrir un novo compositor da categoría de Miaskovsky. Esta é unha desas ocasións, e estou segura de que ninguén vai saír decepcionado do concerto.

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y su tía, que había sido en la práctica su madre. Miaskovsky se lleva a vivir con él a su hermana viuda y su sobrina y se dispone a rehacer su vida, pero todavía traumatizado sigue teniendo muy presente la idea de muerte.

Y entre ambos polos —vida y muerte— se mueve la sinfonía, que fue vista por el régimen soviético como un reflejo del desarrollo y luchas por establecer la Revolución Rusa, pero que para Miaskovsky tenía un aspecto mucho más personal y autobiográfico. Así el tema con el que comienza la melodía es una transcripción melódica de un discurso revolucionario en el que se grita «Muerte, muerte a los enemigos de la Revolución» (no olvidemos que su padre había sido asesinado por los revolucionarios cuando cogía un tren), en los tres últimos movimientos suena el Dies Irae, la música fúnebre por excelencia, y el movimiento final se basa en buena medida en un himno funerario de la Iglesia Ortodoxa, Como el alma dejó el cuerpo. Parece ser que Miaskovsky también se vio influido por una obra de teatro belga de Emile Verhaeren (1855-1916), titulada Les Aubes (Los amaneceres, 1918) donde se habla de injusticias sociales, de un mundo rural que desaparece y que culmina con la muerte del héroe y su entierro. Las dos canciones revolucionarias francesas que aparecen en el último movimiento entremezclándose con la música funeraria, Carmagnola y Ça Ira, son seguramente un símbolo del fuerte contraste entre los bellos ideales con que comenzó la Revolución Rusa y el baño de sangre en que se convirtió en poco tiempo.

El estreno tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú el 4 de mayo de 1924, con la orquesta del teatro dirigida por Nicolai Golovanov (1891-1953) y obtuvo un gran éxito. Los críticos la compararon incluso con la Patética de Chaicovsqui, resaltando el hecho de que parte de la composición se realizó en Klin, a 85 km. de Moscú, la misma localidad en que Chaicovsqui había escrito su sinfonía, mientras alguna gente en el público lloraba al final del concierto por la emoción. La partitura fue publicada por Universal Edition en 1925, en una edición reducida, de estudio. En 1947, cuando ya estaba «retirado», Miaskovsky hizo una revisión de la Sinfonía en la cual el coro pasa a ser opcional, pero lo más habitual sigue siendo usar la edición original.

Esta Sexta sinfonía es seguramente la obra más personal y pesimista de Miaskovsky, quien en una fecha tan temprana como 1923 ya parece anticipar el fracaso en que se convirtió la Revolución Rusa. Ni siquiera el final, que pretende ser un reflejo del paraíso visto como un ideal, más que como una realidad, puede borrar la tristeza de la Sinfonía. Pocas veces se nos concede el privilegio de descubrir un nuevo compositor de la categoría de Miaskovsky. Esta es una de esas ocasiones, y estoy segura de que nadie saldrá decepcionado del concierto.

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LARS VOGT Piano «Reservado, concienciudo, discreto… o pianista alemán Lars Vogt acadou en poucos anos, apenas década e media, unha sólida carreira cimentada nunhas calidades —a seriedade, o gusto polo traballo meditado e ben feito, o puro pracer de facer música sen concesións á galería— cada vez máis escasas entre as últimas xeracións de pianistas» (Juan Manuel Viana, Scherzo).

Lars Vogt consagrouse, como un dos pianistas máis recoñecidos da súa xeración.

Nado en Alemaña, na cidade de Düren, en 1970, chamou por primeira vez a atención do público ao quedar en segundo lugar no Concurso Internacional de Piano de Leeds en 1990, e desde aquela realizou concertos e recitais a través de toda Europa, Asia, Australia e América do Norte.

Como artista de EMI, gravou 15 discos con este selo. As súas gravacións inclúen concertos de Schumann e Grieg, os dous primeiros concertos de Beethoven coa City of Birmingham Symphony Orchestra e Simon Rattle, que o describiu como «un dos máis extraordinarios músicos de calquera idade con quen tiven a fortuna de colaborar».

Durante a temporada 2003/4 foi nomeado pianista en residencia da Orquestra Filharmónica de Berlín.

Nas últimas tres temporadas colaborou coas seguintes formacións: Orquestra Filharmónica de Nova York, Sinfónica de Chicago, Sinfónica de Boston, NHK Symphony, Sinfónica de Londres, Orquestra do Concertgebouw, Orchestre de Paris, Chamber Orchestra of Europe, Filharmónica de Viena, Bayerische Staatsorchester, Staatskapelle de Dresde e Santa Cecilia de Roma.

Na temporada 2010-2011 presentouse baixo a dirección de Gustavo Dudamel, Daniel Harding, Yannick Nézet-Séguin e Paavo Järvi e con orquestras como a de París, a Filharmónica de Londres, a Sinfónica da BBC, a Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, a Filharmónica de Oslo, a Orquestra da Radio Sueca, a Sinfónica de Boston e a Sinfónica de Pittsburgh.

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LARS VOGT Piano «Reservado, concienzudo, discreto… el pianista alemán Lars Vogt se ha labrado en pocos años, apenas década y media, una sólida carrera cimentada en unas cualidades —la seriedad, el gusto por el trabajo meditado y bien hecho, el puro placer de hacer música sin concesiones a la galería— cada vez más escasas entre las últimas generaciones de pianistas» (Juan Manuel Viana, Scherzo).

Lars Vogt se ha consagrado, como uno de los pianistas más reconocidos de su generación. Nacido en Alemania, en la ciudad de Düren, en 1970, llamó por primera vez la atención del público al quedar en segundo lugar en el Concurso Internacional de Piano de Leeds en 1990, y desde entonces ha realizado conciertos y recitales a través de toda Europa, Asia, Australia y América del Norte.

Como artista de EMI, ha grabado 15 discos con este sello. Sus grabaciones incluyen conciertos de Schumann y Grieg, los dos primeros conciertos de Beethoven con la City of Birmingham Symphony Orchestra y Simon Rattle, quien lo ha descrito como «uno de los más extraordinarios músicos de cualquier edad con quien he tenido la fortuna de colaborar».

Durante la temporada 2003/4 fue nombrado pianista en residencia de la Orquesta Filarmónica de Berlín.

En las últimas tres temporadas ha colaborado con: Orquesta Filarmónica de Nueva York, Sinfónica de Chicago, Sinfónica de Boston, NHK Symphony, Sinfónica de Londres, Orquesta del Concertgebouw, Orchestre de Paris, Chamber Orchestra of Europe, Filarmónica de Viena, Bayerische Staatsorchester, Staatskapelle de Dresde y Santa Cecilia de Roma.

En la temporada 2010-2011 se presentó bajo la dirección de Gustavo Dudamel, Daniel Harding, Yannick Nézet-Séguin y Paavo Järvi y con orquestas como la de París, Filarmónica de Londres, Sinfónica de la BBC, Deutsches SymphonieOrchester Berlin, Filarmónica de Oslo, la Orquesta de la Radio Sueca, Sinfónica de Boston y Sinfónica de Pittsburgh.

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CORO DA Sinfónica de Galicia O Coro da OSG, fundado no ano 1998, deu o seu primeiro concerto o 21 de marzo do mesmo ano xunto coa Escola de Práctica Orquestral da OSG e baixo a dirección de James Ross. Actualmente, o coro está integrado por máis de oitenta voces procedentes de toda Galicia, e desde entón realizou unha intensa actividade artística centrada nos repertorios sinfónico-coral, operístico e a capella.

Joan Company —vinculado ao grupo desde a súa fundación e ao que dirixiu en concertos a capella coa Orquestra Sinfónica de Galicia e coa Orquestra Nova da Sinfónica de Galicia— é o director artístico do Coro.

A súa primeira xira de concertos fóra da comunidade galega levoulle ao Auditorium de Palma de Mallorca. Ademais participou en varias edicións do Festival Mozart, no Festival de Música da Coruña, nos ciclos de concertos Música en Compostela, Ou son dás catedrais, Festival Internacional de Organo Catedral de León e en diversos escenarios da Coruña, Santiago, Lugo, Pontevedra, Vigo, Ferrol, Ourense, Betanzos, Monforte etc. A finais do 2003, o Coro realizou a súa primeira xira ao estranxeiro, actuando nas catedrais do Porto e Lisboa. Coa Nova Orquestra Nacional de España, baixo a dirección de C. Hogwood, actuou por primeira vez en Barcelona, dentro das actividades do Forum 2004, onde a acollida foi excelente.

En canto ao seu variado repertorio hai que destacar a súa dedicación á música sinfónico-coral (Mozart, Schubert, Haydn, Beethoven, Mahler -2ª, 3ª e 8ª sinfonías-, Mendelssohn, Vivaldi, Shostakovich, Faure, Orff, Debussy, Britten...) e ao xénero operístico (Mozart, Rossini e Chaicovsqui...) baixo a direccción de mestres de renome

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CORO DE LA SINFÓNICA DE GALICIA El Coro de la OSG, fundado en el año 1998, dio su primer concierto el 21 de marzo del mismo año junto con la Escuela de Práctica Orquestal de la OSG y bajo la dirección de James Ross. Actualmente, el coro está integrado por más de setenta voces procedentes de toda Galicia, y desde entonces ha realizado una intensa actividad artística centrada en los repertorios sinfónico-coral, operístico y a capella. Joan Company —vinculado al grupo desde su fundación y al que ha dirigido en conciertos “a capella, con la Orquesta Sinfónica de Galicia y con la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia— es el director artístico del Coro.

Su primera gira de conciertos fuera de la comunidad gallega le llevó al Auditorium de Palma de Mallorca y desde entonces ha participado en varias ediciones del Festival Mozart, en el Festival de Música de A Coruña, en los ciclos de conciertos Música en Compostela, O son das catedrais, Festival de Ópera da Coruña, Festival Internacional de Organo Catedral de León y en diversos escenarios de A Coruña, Santiago, Lugo, Pontevedra, Vigo, Ferrol, Ourense etc. Con la Joven Orquesta Nacional de España, bajo la dirección de C. Hogwood, actuó por primera vez en Barcelona, dentro de las actividades del Forum 2004. También actuó en el concierto inaugural de la temporada 2006-07 de la Orquestra Simfònica de Balears. A finales del 2003, el Coro realizó su primera gira al extranjero, actuando en las catedrales de Oporto y Lisboa.

En cuanto a su extenso y variado repertorio, hay que destacar su dedicación a la música sinfónico-coral (Mozart, Schubert, Haydn, Beethoven, Mahler -2ª, 3ª y 8ª sinfonías-, Mendelssohn, Vivaldi, Shostakovich, Puccini, Faure, Orff, Debussy, Britten, Garcia Abril, Stravinsky etc.) y al género operístico (Mozart, Rossini, Donizetti,

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internacional como Víctor Pablo, López Cobos, Ros Marbá, Josep Pons, Alberto Zedda, Miguel Ángel Gómez Martínez ou Fabio Biondi.

Os compoñentes do Coro da OSG, ademais de ter a oportunidade de traballar grandes obras do repertorio universal da Música baixo a dirección de importantes batutas, tamén reciben unha formación vocal periódica con profesores e cantantes de recoñecido prestixio. A creación do coro infantil Nenos Cantores en 2000 e do Coro Novo en 2005, no seo do propio Coro, obedece á intención dun proxecto pedagóxico-coral máis extenso, serio e con vistas a un futuro vocal importante non só para a nosa Orquestra senón para toda Galicia.

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Chaikovski, Puccini, Wagner) bajo la dirección de maestros de renombre internacional como Víctor Pablo Pérez, Jesús López Cobos, Ros Marbá, Josep Pons, Alberto Zedda, Miguel Ángel Gómez Martínez o Fabio Biondi.

Los componentes del Coro de la OSG, además de tener la oportunidad de trabajar grandes obras del repertorio universal de la Música bajo la dirección de importantes batutas, reciben una formación vocal con profesores de reconocido prestigio.

La creación de los Niños Cantores en 2000 y del Coro Joven en 2005 obedece a la intención de un proyecto pedagógico-coral más extenso, serio y con vistas a un futuro vocal importante no sólo para nuestra Orquesta sino para toda Galicia.

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JOAN COMPANY Director Coro da OSG

Joan Company (Sant Joan, Mallorca) é un dos directores con máis presencia nos máis importantes circuítos corais de España, traballando, entre outros coros, con: Orfeón Donostiarra, Coro Nacional de España, Coro de Radio Televisión Española, Coro da Comunidade de Madrid, e estreando obras corais de J. Busto, A. Parera Fons, J. Vila, J. L. Turina.

Tamén preparou un variado repertorio orquestral e sinfónico-coral e, entre outras, dirixiu a Orquestra Sinfónica de Asturias, Orquestra de Cámara Reina Sofía, Orquestra Simfònica de Balears Ciutat de Palma, Nova Orquestra Nacional de España (director asistente na produción de Atlántida de Falla), Orquestra da Universidade de Portland (Oregon, EUA), Orquestra Sinfónica de Galicia, Camerata Anxanum (Italia) etc. Ademais, colaborou con directores como Trevor Pinnock, Victor Pablo, Salvador Mais, Edmon Colomer, Josep Pons, Franz P. Decker, Alberto Zedda, A. Ros Marbà, C. Hogwood eJesús López Cobos.

Desde o ano 1999 é o director artístico do Coro da Orquestra Sinfónica de Galicia, co que preparou un extenso repertorio sinfónico-coral, operístico e a capella, que permitiu ao Coro da OSG participar en ambiciosos proxectos artísticos (II, III e VIII de Mahler; óperas de Mozart e Rossini; actuacións por toda Galicia, Barcelona, Lisboa, etc.) e, á vez, iniciar a escola coral coa creación do seu Coro de Nenos (2.000) e do Coro Novo (2005). Pero a súa faceta coral máis recoñecida é a de director-fundador da Coral Universitat de lles Illes Balears (1977), coa que conseguiu importantes recoñecementos artísticos tanto nas Illas Baleares, como na península e no estranxeiro, destacando entre outros méritos: a creación de quince coros filiais; premios en concursos corais (Tolosa, Atenas...); actuacións nas principais salas de concerto do país e en importantes festivais de Europa; colaboracións coas orquestras máis importantes de España e algunhas europeas; gravacións discográficas; divulgación do patrimonio coral das Illas...

Licenciado en historia xeral, estudou dirección coral con P. Cao, M. Cabero e Ou. Martorell (realizando cursos en España, Francia e Bélxica). Profesor de música de

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JOAN COMPANY Director Coro de la OSG

Joan Company (Sant Joan, Mallorca) es uno de los directores con más presencia en los más importantes circuitos corales de España. Entre otros, ha dirigido al Coro Nacional de España, Coro de Radio Televisión Española, Coro de la Comunidad de Madrid, Orfeón Donostiarra, Coro da Camera Italiano... y también ha estrenado obras corales de J. Busto, A. Parera, J. Vila, J. L. Turina etc. y sinfónico-corales de A. Martorell, J. Martorell y J. Valent.

Ha dirigido un extenso repertorio orquestal y sinfónico-coral con: Orquesta Sinfónica de Asturias, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Orquestra Simfònica de Balears, Joven Orquesta Nacional de España (director asistente en la producción de Atlántida de Falla), Orquesta de la Universidad de Portland (Oregón, EUA), Orquesta Sinfónica de Galicia, Camerata Anxanum (Italia), Orpheon Consort de Viena... Además ha colaborado con directores, como: T. Pinnock, Víctor Pablo, S. Mas, J. Pons, F. P. Decker, A. Zedda, A. Ros Marbà, C. Hogwood, M. A. Gómez Martínez, K. Penderecki, J. López Cobos.

Desde el año 1999 es el director artístico del Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia, con el que ha preparado un extenso repertorio sinfónico-coral, operístico y a capella (obras de Beethoven, Britten, Haydn, Mozart, Orff, Shostakovich, Mendelssohn, Mahler, Satravinsky ; óperas de Mozart, Donizetti, Puccini, Rossini, Tchaikovsky, Wagner) y, a la vez, ha iniciado la escuela coral con la creación del Coro de Niños (2000) y del Coro Joven (2005). Pero su faceta coral más reconocida es la de director-fundador de la Coral Universitat de les Illes Balears (1977), con la que ha conseguido importantes reconocimientos artísticos, tanto en las islas como en la península y en el extranjero: creación de diez coros filiales; premios en concursos corales (Tolosa, Atenas ...); actuaciones en las principales salas de concierto españolas y en importantes festivales de Europa y América, de entre las que hay que destacar una gira por Italia -dirigiendo el Mesías de Händel e interpretando polifonía religiosa española ante el Papa Benedicto XVI-; colaboraciones con importantes orquestas españolas y europeas; grabaciones discográficas...

Licenciado en Historia General, estudió dirección coral con P. Cao, M. Cabero y O. Martorell. Profesor de música de Instituto (siendo el número 1 de su promo-

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Instituto (sendo o número 1 da súa promoción, 1985), na actualidade traballa na Universitat de lles Illes Balears (UIB) como director da Coral i da Partituroteca e Centro de Documentación Musical da UIB; é tamén fundador, director e profesor dos Cursos Internacionais de Música da UIB (1977) e das Colonias Musicais de Verán nas Baleares (1995). Publicou numerosos estudos e artigos sobre música e músicos das Baleares en libros, enciclopedias e revistas especializadas.

Recibiu, entre outras distincións, o Premio Rotary Mallorca. Humanidades 1995-96, por «o extraordinario labor pedagóxico e divulgativa da música coral», e o Premi Gabriel Alomar 2001 da Obra Cultural Balear.

No 2009 inaugurou, no Auditorio Nacional de Música de Madrid, o I Ciclo de Música Coral, como director invitado do Coro Nacional de España. Recentemente, dirixiu o Coro de Radio Televisión Española no primeiro concerto do IX Ciclo de Música Coral no Teatro Monumental de Madrid.

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ción, 1985). Actualmente, trabaja en la Universitat de les Illes Balears (UIB) como director de la Coral y de la Partituroteca y Centro de Documentación Musical de la UIB; es también fundador de los Cursos Internacionales de Música de la UIB (1977) y de las Colonias Musicales de Verano en las Baleares (1995). Ha publicado numerosos estudios y artículos sobre música y músicos de las Baleares en libros, enciclopedias y revistas especializadas.

Ha recibido, entre otros premios, el Premio Rotary Mallorca. Humanidades 199596, por «la extraordinaria labor pedagógica y divulgativa de la música coral», y el Premi Gabriel Alomar 2001 de la Obra Cultural Balear.

El 2009 inauguró, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el I Ciclo de Música Coral, como director invitado del Coro Nacional de España. Recientemente, ha dirigido el Coro de Radio Televisión Española en el primer concierto del IX Ciclo de Música Coral en el Teatro Monumental de Madrid.

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ORQUESTRA SINFÓNICA DE GALICIA Creada no ano 1992 polo Concello da Coruña, cidade en cuxo Palacio da Ópera ten a súa sede, a Orquestra Sinfónica de Galicia (OSG) é unha das agrupacións orquestrais de maior proxección en España.

A OSG, cuxo director é Víctor Pablo Pérez, foi orquestra residente do Festival Rossini de Pesaro de 2003 a 2005 e do Festival Mozart da Coruña a partir da súa creación no ano 1998. Ademais, realizou varias xiras por Alemaña e Austria e ofreceu concertos nas mellores salas e ciclos de concertos españois. Recentemente fixo a súa primeira xira de por Améric do Sur, con concertos en Chile, Arxentina, Brasil e Montevideo e a finais de 2009 fixo a súa presentación no Musikverein de Viena.

A OSG conta decote con solistas como Anne-Sophie Mutter, Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Gil Shaham, Sarah Chang, Grigory Sokolov, Leonidas Kavakos, Arcadi Volodos, Maria Joao Pires, F. P. Zimmermann, Mischa Maisky ou Christian Lindberg entre outros. Con ela cantaron Alfredo Kraus, Teresa Berganza, Plácido Domingo, María Bayo, Ainhoa Arteta, Juan Diego Flórez, Simon Estes, Mirella Freni, Ann Murray, Amanda Roocroft, Ildar Abdrazakov, Hildegard Behrens, Eva Marton, Giuseppe Giacomini, Philip Langridge, Carlos Chausson, Raúl Giménez, Isabel Rey, Carlos Álvarez, Ana María Sánchez, ou Giuseppe Sabbatini entre outros moitos, e sempre baixo a batuta de mestres como Daniel Harding, Guennadi Rozdestvenski, Maurizio Pollini, James Judd, Jean-Pascal Tortelier, Stanislaw Skrowaczeski, Libor Pesek, Peter Maag, Jesús López Cobos, Osmo Vänskä, Alberto Zedda, Emmanuel Krivine, Yoav Talmi, Raymond Leppard, Gabriel Chmura, Jean-Jacques Kantorow, Josep Pons, John Nelson, Gianandrea Noseda, Ron Goodwin ou Manfred Honeck.

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Orquesta Sinfónica de Galicia Creada en 1992 por el Ayuntamiento de A Coruña, ciudad en cuyo Palacio de la Ópera tiene su sede, la Orquesta Sinfónica de Galicia (OSG) es una de las agrupaciones orquestales de mayor proyección en España.

La OSG, cuyo director titular es Víctor Pablo Pérez y Jesús López Cobos su principal director invitado, ha sido orquesta residente del Festival Rossini de Pésaro de 2003 a 2005 y del Festival Mozart de A Coruña desde su creación en 1998.

Además, ha realizado varias giras por Alemania y Austria y ofrecido conciertos en las mejores salas y ciclos de conciertos españoles. En 2007 realizó su primera gira por América del Sur, con conciertos en Chile, Argentina, Brasil, Uruguay y Montevideo y a finales de 2009 se presentó en la histórica sala del Musikverein de Viena.

La OSG cuenta habitualmente con solistas como Anne-Sophie Mutter, Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Gil Shaham, Sarah Chang, Grigory Sokolov, Leonidas Kavakos, Arcadi Volodos, Maria Joao Pires, F. P. Zimmermann, Mischa Maisky o Christian Lindberg entre otros. Con ella han cantado Alfredo Kraus, Teresa Berganza, Plácido Domingo, María Bayo, Ainhoa Arteta, Juan Diego Flórez, Simon Estes, Mirella Freni, Ann Murray, Amanda Roocroft, Ildar Abdrazakov, Hildegard Behrens, Eva Marton, Giuseppe Giacomini, Philip Langridge, Carlos Chausson, Raúl Giménez, Isabel Rey, Carlos Álvarez, Ana María Sánchez, o Giuseppe Sabbatini entre otros muchos, y siempre bajo la batuta de maestros como Daniel Harding, Guennadi Rozdestvenski, Maurizio Pollini, James Judd, Jean-Pascal Tortelier, Stanislaw Skrowaczeski, Libor Pesek, Peter Maag, Jesús López Cobos, Osmo Vänskä, Alberto Zedda, Emmanuel Krivine, Yoav Talmi, Raymond Leppard, Gabriel Chmura, Jean-Jacques Kantorow, Josep Pons, John Nelson, Gianandrea Noseda, Ron Goodwin o Manfred Honeck.

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Na súa discografía para firmas como EMI, DECCA, Koch, Naïve, BMG e Arts figuran nomes como os de Juan Diego Flórez, Kaori Muraji, Peter Maag, Antonio Meneses, Manuel Barrueco —con quen foi proposta para o premio Grammy 2007 polo mellor álbum clásico do ano—, María Bayo, Plácido Domingo, Juan Pons ou Ewa Podles entre outros.

A OSG foi premiada coa Medalla de Oro da Real Academia Galega de Belas Artes e é Premio Cultura Galega da Música 2010.

A OSG está financiada polo Concello da Coruña e a Xunta de Galicia.

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En su discografía para sellos como EMI, DECCA, Koch, Naïve, BMG y Arts figuran nombres como los de Juan Diego Flórez, Kaori Muraji, Peter Maag, Antonio Meneses, Manuel Barrueco —con quien ha sido nominada al Grammy 2007 por el mejor álbum clásico del año—, María Bayo, Plácido Domingo, Juan Pons o Ewa Podles entre otros.

La OSG ha sido premiada con la Medalla de Oro de la Real Academia Galega de Belas Artes y es Premio Cultura Galega da Música 2010.

La OSG está financiada por el Ayuntamiento de A Coruña y la Xunta de Galicia.

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VÍCTOR PABLO PÉREZ Director Nado en Burgos, realizou os seus estudos no Real Conservatorio de Música de Madrid e mais na Hochschule für Musik de Múnic.

De 1980 a 1988 foi director artístico e titular da Orquestra Sinfónica de Asturias; en 1987 principal director invitado da Orquestra Nacional de España (ONE) e de 1986 a 2005 o director artístico e titular da Orquestra Sinfónica de Tenerife (OST).

Colabora habitualmente co Teatro Real de Madrid, co Gran Teatre del Liceu de Barcelona, co Festival Mozart da Coruña, nos festivais internacionais de Música de Canarias, Perelada, Granada, Santander, Schleswig Holstein, Festival Bruckner de Madrid, Rossini Opera Festival (ROF), Festival de San Lorenzo del Escorial e Quincena Musical de San Sebastián.

Desde 1993 e ata a actualidade é director artístico e titular da Orquestra Sinfónica de Galicia (OSG).

Recentemente foi designado como director titular e artístico da Orquestra e Coro da Comunidade de Madrid (ORCAM), cargo que ocupará a partir da temporada 2013-2014.

Ademais de dirixir de xeito habitual a práctica totalidade das orquestras españolas, Víctor Pablo Pérez colabora como director invitado con diferentes formacións internacionais e en colaboración habitual con grandes solistas de renome internacional como C. Zimerman, G. Sokolov, A. Volodos, L. O. Andens, P. Lewis, R. Blezatz, F. P. Zimermann, J. Rachlin, L. Kavakos, A. S. Mutter, Midori, Gil Saham, N. Zneider, S. Chang, A. Steinbacher, G. Kremer, M. Vengerov, R. Fleming, Mª Bayo, A. Arteta, N. Dessay, N. Stuzmman, E. Podleś, V. Kasarova, F. Cedolins, I. Mula, P. Domingo, R. Villazón, C. Álvarez, ,J. Bros, Mª J. Moreno, A. Murray ou M. Barrueco.

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VÍCTOR PABLO PÉREZ Director Nacido en Burgos, realizó sus estudios en el Real Conservatorio de Música de Madrid y en la Hochschule für Musik de Múnich.

De 1980 a 1988 fue director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Asturias; en 1987 principal director invitado de la Orquesta Nacional de España (ONE) y de 1986 a 2005 el director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Tenerife (OST).

Colabora habitualmente con el Teatro Real de Madrid, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Festival Mozart de A Coruña, en los festivales internacionales de Música de Canarias, Perelada, Granada, Santander, Schleswig Holstein, Festival Bruckner de Madrid, Rossini Opera Festival (ROF), Festival de San Lorenzo del Escorial y Quincena Musical de San Sebastián.

Desde 1993 y hasta la actualidad es director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Galicia (OSG).

Recientemente ha sido designado como director titular y artístico de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), cargo que ocupará a partir de la temporada 2013-2014.

Además de dirigir habitualmente la práctica totalidad de las orquestas españolas, Víctor Pablo Pérez colabora como director invitado con diferentes formaciones internacionales y en colaboración habitual con grandes solistas de renombre internacional como C. Zimerman, G. Sokolov, A. Volodos, L. O. Andens, P. Lewis, R. Blezatz, F. P. Zimermann, J. Rachlin, L. Kavakos, A. S. Mutter, Midori, Gil Saham, N. Zneider, S. Chang, A. Steinbacher, G. Kremer, M. Vengerov, R. Fleming, Mª Bayo, A. Arteta, N. Dessay, N. Stuzmman, E. Podleś, V. Kasarova, F. Cedolins, I. Mula, P. Domingo, R. Villazón, C. Álvarez, ,J. Bros, Mª J. Moreno, A. Murray o M. Barrueco.

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Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia Sopranos

Tenores

Hannah Boyce Ana Calvo Conchado Teresa Cantalejo Vázquez Feli Carballido Ponte Montserrat Expósito Cao María García Sánchez Teresa Guitián Alvarez Almudena Martínez Gálvez Aixa Merino Díaz Alicia Nuñez Vallejo Mª Luisa Pazos Freire Carolina Pérez Vázquez Ilduara Perianes Guitián Patricia Raso López Sofía Rodríguez Fernández Alba Romero Borrajo Cristina Trevín González Uxía Vilar Pazos

Sergio Añón Lijó Jesús Javier Celemín Santos Elixio César Silvent Daniel García Artés Juan Luís García Bonome José Antonio García Mato Joaquín Montes Couceiro Alfonso Tamayo Rodríguez José Angel Teijeiro Fraga Carlos Valencia Hentschel Eloy Vázquez Fontenla Julio Vázquez Rodríguez

Altos Mª Teresa Ayerdi Larreta Remedios Cruz Araujo Eva Díaz González Patricia Farto Ramos Myriam Fernández Fernández Ana Godoy Vega Isabel Gómez Alonso Puri López Quintela Isabel Pérez Garrido María Rivera Fraga Elena Ruíz Robles Adoración Sánchez Mata Ludmila Sánchez Mata Graciela Trevín González Dinorah Valdés Díez Mª Rosa Vázquez Vaamonde

Bajos Jesús Barrio Valencia Miguel Boga Martínez Pedro de Uña Alvarez Ubaldo Fernández Gómez Alfonso Fernández Suárez Angel Fuentes González Juan José Gordillo Campelo José Angel Lista Robles Daniel Mosquera Martínez Vicente Muñoz Hermida Juan Pérez Gómez Gonzalo Picado Bellas José Ramón Rodríguez Castellanos Manuel Tubío Fachado José Luís Vázquez López

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ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA Director titular: Víctor Pablo Pérez Principal director invitado: Jesús López Cobos

Violines I Massimo Spadano***** Ludwig Dürichen**** Vladimir Prjevalski**** Ruslan Asanov Iana Antonyan Caroline Bournaud Gabriel Bussi Vinka Hauser Dominica Malec de Martínez Benjamin Smith Stefan Utanu Florian Vlashi Roman Wojtowicz

Violines II Julian Gil Rodríguez *** Fumika Yamamura *** Lucica Trita* Gertraud Brilmayer Lylia Chirilov Marcelo González Kriguer Deborah Hambuger Enrique Iglesias Precedo Helle Karlsson Gregory Klass Adrián Linares Reyes Stefan Marinescu Mihai Andrei Tanasescu Kadar

Violas Eugenia Petrova*** Francisco Miguens Regozo*** Andrei Kevorkov* Raymond Arteaga Morales Alison Dalglish

Despina Ionescu Jeffrey Johnson Jozef Kramar Luigi Mazzucato Karen Poghosyan Wladimir Rosinskij

Violonchelos David Etheve*** Rouslana Prokopenko*** Gabriel Tanasescu* Mª Antonieta Carrasco Leiton Berthold Hamburger Scott Hardy Vladimir Litvihk Ramón Solsona Massana Florence Ronfort

Contrabajos Risto Vuolanne*** Diego Zecharies*** Todd Williamson* Mario J. Alexandre Rodrigues Douglas Gwynn Serguei Rechetilov Jose F. Rodrigues Alexandre

Flautas Claudia Walker*** Mª José Ortuño Benito** Juan Ibáñez Briz*

Oboes Casey Hill*** David Villa Escribano** Scott MacLeod*

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Clarinetes

Trombones

Juan Antonio Ferrer Cerveró*** Iván Marín García** Pere Anguera Camós*

Jon Etterbeek*** Eyvind Sommerfelt* Petur Eiriksson***

Fagotes

Tuba

Steve Harriswangler*** Mary Ellen Harriswangler** Manuel Alejandro Salgueiro García*

Percusión

Trompas David Bushnell*** Miguel Angel Garza*** Manuel Moya Canós* Amy Schimmelman*

Trompetas John Aigi Hurn*** Thomas Purdie** Michael Halpern*

Jesper Boile Nielsen*** Simon Levey*** José A. Trigueros Segarra** José Belmonte Monar* Alejandro Sanz Redondo*

Arpa Celine Landelle*** ***** Concertino **** Ayuda de concertino *** Principal ** Principal asistente * Coprincipal

MÚSICOS INVITADOS PARA ESTE PROGRAMA Violín I

Flauta

Viatcheslav Chestiglasov Orlov*****

Carlos Enguix Pelufo*

Violín II

Trompas

Mioara Alexandra Andreescu Sergio Aparicio Rodríguez Tania Capón González Bieito Vilar Pazos

Viola

Nicolás Gómez Naval* Pedro Miguel Pereira Fernandes*

Celesta Ludmila Orlova*

Sergio Sieiro Rey

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CONSORCIO PARA LA PROMOCIÓN DE LA MÚSICA

Presidente Carlos Negreira

Secretaría de producción Nerea Varela

Gerente Andrés Lacasa Nikiforov

Regidores José Manuel Ageitos Calvo Daniel Rey Campaña

Secretario-Interventor Juan José de Ozámiz Lestón Jefa de gestión económica María Salgado Porto Coordinadora general Ángeles Cucarella López

Programas didácticos Iván Portela López Prensa y comunicación Lucía Sández Sanmartín

Contable Alberto García Buño

Administración José Antonio Anido Rodríguez Margarita Fernández Nóvoa Angelina Déniz García Inmaculada Sánchez Canosa Noelia Reboredo Secades

Jefe de prensa y comunicación Javier Vizoso

Auxiliar de archivo Diana Romero Vila

Archivo musical Zita Tanasescu

Auxiliar de regidor José Rúa Lobo

Jefe de producción José Manuel Queijo

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PRÓXIMOS PROGRAMAS PROGRAMA 9 Abono otoño/invierno Viernes 20.01.12 fazil say 1001 Nacht im Harem, concierto para violín y orquesta (Primera vez OSG) EDWARD GRIEG Danza árabe albert ketelbey En un mercado persa (Primera vez OSG) carl nielsen Alladín, op. 34 Orquesta Sinfónica de Galicia Patricia Kopatchinskaja, violín Víctor Pablo Pérez, director

facebook.com/sinfonicadegalicia twitter.com/OSGgalicia

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Diseño y maquetación: María Verín Traducción: Roxelio Xabier García Romero Pilar Ponte Patiño Imprime: Alva Gráfica Edita: Consorcio para la Promoción de la Música A Coruña - Galicia - España, 2011

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