AC.07 CONTAMINACIONES | GUILLERMO HEVIA G

CUANDO LA ARQUITECTURA / 07/ ENCUENTRA LA CIUDAD

Juan O´Gornam Autorretrato Múltiple 1950

CONTAMINACIONES GUILLERMO HEVIA GARCÍA.

¿Qué tienen en común Matta, O´Gorman, Goeritz y Jeanneret?

Todos ellos tienen estudios de arquitectura o al menos una formación arquitectónica, que en ciertos casos fueron más formales que en otros. En algunos de ellos el ejercicio profesional fue nulo, en otros parcial y en uno en particular muy fructífero, sin embargo dicha formación en algo determinó, influenció o contaminó su ejercicio y obra plástica, al punto de volverla singular.

Todos ellos fueron desde el arte, multifacéticos, es decir, su ejercicio no se reduce a un único medio o formato, sino que exploraron y desarrollaron múltiples técnicas, por lo que no podemos hablar de pintor, escultor o grabadista, sino que propiamente de artistas.

Todos ellos son reaccionarios a la corriente o espíritu de su época, y en ese sentido su ejercicio artístico será el manifiesto de dicha reacción. Matta reacciona contra el surrealismo onírico y el racionalismo, creando una nueva corriente del surrealismo subconsciente y que se entremezcla con la abstracción. O´Gornam reacciona “Matta”, Les classiques du XX siécle, pg. 306 éd. Centre Georges Pompidou, París. contra el movimiento moderno y el funcionalismo, siguiendo una corriente prehispánica y muralista, en el caso de Goeritz la reacción es contra el mismo funcionalismo, aunque el camino seguido es diferente, desarrolla un arte emocional, puro, casi religioso. Finalmente Le Corbusier reacciona contra el cubismo y sienta las bases de un corto purismo, para luego seguir con una línea expresionista.

2

01. ROBERTO MATTA La construcción del espacio surrealista.

La pintura y el trabajo de Roberto Matta debe ser entendido como una construcción, más que como una representación. Es precisamente en este aspecto donde se atisba su formación como arquitecto. Para Matta “la pintura tiene un pie en la arquitectura y un pie en el sueño”1 Uno de sus principales aportes, y probablemente el más relevante, es el de oxigenar y volver a dar vida a un movimiento surrealista agonizante en la década del 30. Sin embargo Matta no continua con el surrealismo como se había desarrollado hasta ese momento, en línea con de los trabajos de Dalí o Magritte, que son entendidos como paisajes imposibles, oníricos y hasta irónicos, sino que abre y explota una nueva alternativa, un campo aún inexplorado.

Para Matta, el surrealismo tiene que ver con cargar la realidad de mayor realidad, en lugar de representar imposibles, como si fueran posibles a modo de sueños. La construcción del espacio surrealista que realiza Matta, tiene que ver con una exploración espacial y subconsciente, más cercana a la ciencia, la matemática o la astronomía que tanto lo obsesionaban. Una nueva dimensión espacial que puede tener múltiples interpretaciones, por tratarse de construcciones que emergen de los aspectos psicológicos más profundos del artista.

Quizás las únicas pistas que Matta nos otorga para comprender su obra son sus propias explicaciones y los nombres de las obras mismas, que son una pieza clave y una construcción lingüística en sí misma.

Sus construcciones y su obra irán mutando a lo largo de su vida, así como también los múltiples medios de expresión. El espacio surrealista será más difuso en un primer periodo, década del 30 - 40, donde su residencia en Nueva York será fundamental. Será la construcción de un mundo interior y subconsciente, como se hace patente en la serie “Psychological Morphologies”, reflejos de su manifiesto “Mathématique Sensible Architecture du temps” escrito en 1937, y publicado en 1938 en Minotaure nº11.

Hacia la década del 50 - 60, ya de vuelta en Europa, sus pinturas serán construcciones en las que se empieza a entremezclar, lo surreal con lo abstracto, la presencia de planos estructuran las obras, pero en ellos comparecen múltiples perspectivas y diversos grados de profundidad, que se ven animados por objetos, máquinas o personajes construidos, que se encuentran en movimiento, generando mundos o situaciones, pero nunca representaciones.

La obra de Matta es un proyecto en continua transformación; como señala Octavio Paz “habría que interpretar y reinterpretar su obra una y otra vez.” 2 1 2

“Matta”, Les classiques du XX siécle, pg. 306 éd. Centre Georges Pompidou, París.

“Matta”, Les classiques du XX siécle, pg. 19 éd. Centre Georges Pompidou, París.

3

02. JUAN O´GORMAN El edificio como soporte.

Juan O´Gorman es considerado dentro de la arquitectura mexicana como uno de los precursores del movimiento moderno y del funcionalismo en México, con ciertos matices regionalistas, que son patentes en obras emblemáticas como la Casa para Cecil O´Gorman (1929) o la Casa Estudio para Diego Rivera y Frida Kahlo (1931) Sin embargo lo particular en O´Gorman, al margen de las obras modernas que realizó en la primera etapa de su carrera como arquitecto, es el quiebre que produce con la modernidad, el racionalismo y la abstracción, dando un vuelco hacia una arquitectura ecléctica de marcado carácter regionalista y prehispánico, lo que se hace patente en primer lugar en su obra plástica.

Su “Autorretrato Múltiple” es casi un manifiesto del O´Gorman artista y arquitecto, sin distinciones o valorizaciones. Quizás su anhelo estético más emblemático, fue la unificación de la pintura y la arquitectura en un mismo acto creador y en un idéntico marco artístico.

En ese contexto O´Gorman construirá su obra más relevante, la Biblioteca Central de la UNAM (1950) en la que paradójicamente no es el edificio lo relevante, sino como este se vuelve el soporte de un gran mural de 4 caras ciegas y más de 4 mil metros cuadrados, titulado “Representación Histórica de la Cultura” El edificio o más bien el Mural de la UNAM se desmarca de la tradición muralista didáctica que había desarrollado hasta ese entonces el propio O´Gorman, y del trabajo de sus antecesores (Rivera, Siqueiros u Orozco) y se vuelve reaccionario con la comunidad universitaria de dicha época. Estilísticamente se pone en línea con una corriente más propia de la tradición azteca y en sentido último de la esencia mexicana. Estos murales están hechos con mosaicos de millones de piedras de colores obtenidas en todo el territorio mexicano y busca además ser comunicador de la historia mexicana.

El mural norte representa el pasado prehispánico, y pone de manifiesto la dualidad entre la vida y la muerte.

El mural sur representa el pasado colonial, y pone de manifiesto la dualidad entre la conquista religiosa y por las armas.

El mural oriente representa el mundo contemporáneo, y pone de manifiesto la dualidad entre la tradición y el progreso, la ciudad y campo.

El mural poniente representa la Universidad y el México moderno, y pone de manifiesto la dualidad entre la enseñanza y la cultura popular.

4

03. MATHIAS GOERITZ Atmósferas.

La obra de Mathias Goeritz comienza con su llegada a México en 1948, y marca un punto de quiebre, siendo pieza fundamental en la configuración del arte moderno mexicano. El desarrollo de su trabajo nace como una reacción al funcionalismo moderno y al muralismo postrevolucionario.

El trabajo de Goeritz se enfoca por lo tanto en la necesidad de crear objetos, obras y espacios que generen en el hombre moderno una profunda emoción, apelando a un crecimiento espiritual de carácter casi religioso como lo explicita en su “Manifiesto de la Arquitectura Emocional”. A Goeritz no le interesa ser buen arquitecto, buen pintor o buen escultor, el se vale del arte para resolver sus propias inquietudes y las de los demás.

Goeritz se pregunta “¿Dónde y cómo puede ocurrir el encuentro con nosotros mismos?, ¿Será posible que nuestra conciencia emotiva se extienda en otros espacios que no fueron destinados para ello y, en tal caso, qué situación la detona?, ¿Será que el espacio ritual contemporáneo dista mucho del religioso?, ¿Es en los espacios sociales, culturales y espectaculares donde ha recaído el peso de la recreación humana?”3 Su serie de trabajos titulados “Mensajes Dorados” serán fundamentales para entender la dimensión espiritual y al mismo tiempo doméstica de su trabajo. Se trata de una colección de obras bidimensionales y lumínicas, en las que la lámina de oro es el único material. Sobre esta base se inicia una serie de variaciones en los formatos, reflejos, texturas, brillos y perforaciones (clouages) que tienden a insistir sobre la misma búsqueda espiritual y estética, al punto de configurar una atmósfera divina, un cierto estado de pureza.

La lámina de oro será fundamental para configurar dichas obras. En primer lugar porque el oro tiene la particularidad de que su luminosidad parece venir de sí mismo y no del exterior, lo que refuerza la idea de una luz divina, y en segundo lugar porque a diferencia de otros metales es inmutable.

Estos dos aspectos son fundamentales en la configuración de pureza y emocionalidad que buscan construir los trabajos de Goeritz. De la misma manera fue trabajada la atmósfera monocroma en la arquitectura bizantina y su característica luz dorada. En su obra esa atmósfera interior es trasladada a la obra de arte puntual, pero que es capaz de modificar el espacio arquitectónico y sobre todo el estado interior de las propias personas.

En ese sentido los Mensajes Dorados o monocromos de Goeritz toman distancia con la pintura minimalista y monocroma de otros artistas contemporáneos, puesto que su fin es completamente diferente, a pesar de que la resolución puede ser bastante similar.

3

GOERITZ, MATHIAS, 1953, “Manifiesto de la Arquitectura Emocional”, Catálogo El Eco, México DF.

5

04. LE CORBUSIER Obra plástica, obra arquitectónica.

La obra gráfica y plástica de Charles Édouard Jeanneret se encuentra relegada a un segundo plano y a veces eclipsada por su obra arquitectónica, urbanística y teórica, sin embargo y no por ello debe considerarse de menor relevancia e influencia.

Para el propio Le Corbusier “es en el ejercicio de las artes plásticas donde he encontrado la savia intelectual de mi urbanismo y mi arquitectura” 4 . Y bien podría decirse que su obra plástica comienza antes que su práctica arquitectónica moderna. Ya en 1911 comienza a realizar sus primeros dibujos y acuarelas de tendencia cubista, y en 1918, junto con Amédée Ozenfant publica “Après le cubisme”, su manifiesto acerca del Purismo, como reacción y ruptura con el Cubismo. Lo anterior en contraposición con la realización de la Maison Ozenfant en 1922 que podría considerarse como el inicio de su arquitectura moderna.

Es decir, podemos señalar que la obra plástica será en Le Corbusier el elemento de mayor constancia en su vida, frente a la arquitectura, que será posterior aunque de mayor alcance.

Su obra plástica se desenvolvió en diversos formatos, desde el ámbito doméstico, hasta el edificio en su totalidad y en diversas técnicas como la pintura, el dibujo, la acuarela, el collage, el grabado, la escultura o el mural. El arte no sólo tendrá en él un rol complementario e inspirador, sino que al mismo tiempo, y dado su temprano quiebre con la academia, será el vehículo mediante el cual buscará transmitir parte de sus conocimientos, teorías y enseñanzas, como es el caso de obras y series como “Le Modulor” 1950, “Poesie sur Alger” (1950), “Le Poeme de l´angle droit” (1955) o “Unite” 1963 y que no alcanzó a concluir en su totalidad.

Su obra pictórica es igual de relevante y complementaria, en donde sus aproximaciones fueron variando, siendo primero cubistas, luego puristas y finalmente expresionistas. Caso similar sucedió con el uso del color, el cual cada vez empieza a tomar mayor relevancia, primero en su obra plástica y posteriormente en sus edificios, como es el caso de la Unité d´habitation de Marseille o la de Berlín.

Finalmente y un aspecto que relaciona su producción plástica con su ejercicio arquitectónico es que en ellas siempre prevalece la composición por sobre la intuición, sean naturalezas muertas, desnudos femeninos, toros o en último termino sus manos abiertas, lo que pone de manifiesto su ejercicio como arquitecto.

"No hay escultores solos, pintores solos, arquitectos solos. El acontecimiento plástico se realiza en forma única”5 señalará Le Corbusier.

4 5

6

VVAA (2008). Le Corbusier. La pintura:ce labeur secret” ed. Sala Dalmau.

AAVV, “Le Corbusier El Artista” pg. 165 , ed. Fundación Pablo Atchugarry, Maldonado.

BIBLIOGRAFÍA -MATTA, ROBERTO, 1938, Mathématique Sensible - Architecture du temps, Revista Minotaure nº11, pg. 43, París.

-AAVV, 1985, Matta, Les classiques du XX siécle, éd. Centre Georges Pompidou, París.

-O´GORNAM, JUAN, 1983, La palabra de Juan O'Gorman (Investigación y coordinación documental Ida Rodríguez Prampolini, Olga Sáenz y Elizabeth Fuentes), ed. UNAM, México DF. -GONZALEZ LOBO, CARLOS, 2002, Guía O´Gorman, Editorial Arquine, México DF. -RODRÍGUEZ PAMPLONI, IDA, 1983, Juan O'Gorman, arquitecto y pintor, ed. UNAM-Instituto de Investigaciones Estéticas, México DF. -AAVV, 2007, “Arquitectura Moderna en México, Editorial Arquine, México DF. -GOERITZ, MATHIAS, 1953, “Manifiesto de la Arquitectura Emocional”, Catálogo El Eco, México DF. -GOERITZ, MATHIAS, 1960, “Manifiesto Please Stop”, Nueva York.

-GOERITZ, MATHIAS, 1960, “Manifiesto Estoy Harto”, México DF. -GOERITZ, MATHIAS, 1960, “L’art priere contre l’art-merde” (El arte plegaria contra el arte de mierda), París.

-AAVV, 2014, “El retorno de la serpiente. Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional”, ed Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid -JEANNERET, CHARLES ÉDOUARD; OZENFANT, AMÉDEE, 1918, “Aprés le cubisme”, éd. des Commentaires, París.

-LE CORBUSIER, 1955, "Le poeme de l'angle droit", Tériade éditeur, París, -AAVV, 2006, “Le Corbusier ou la Synthèse des arts”, éd. Skira, Génova.

7

CUANDO LA ARQUITECTURA ENCUENTRA LA CIUDAD

/ 07 /

ARQUITECTURA Y ARTES VISUALES CONTAMINACIONES

Edición: SKFandra /. Ma. Pilar Pinchart Saavedra.

Diseño Gráfico: Isaac Gimeno Pujabet Proyecto Financiado por Fondart Convocatoria 2015

Auspicia