Ploop!

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P L O O P !


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Animadores Locales El Molinete Animación, Coop. Animadores de Rosario, Tembé, Bienteveo

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Juegos Opticos

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Animador Nacional Santiago Bou Grasso

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Revista Moushon!

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Talleres y Escuelas de Animación Escuela de Animadores de Rosario, Taller El Globo Rojo, Taller Vaivén, Taller Había una vez.

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Nota Leandro Arteaga Reseña histórica de la animación en Santa Fe

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Selección Oficial El Ventilador 2014

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Invitados de honor El Ventilador 2014 David O’Reilly, Vj Suave, Julia Pott Anina Yatay Salas Especial

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Festival El Ventilador (Origen, Ediciones, Equipos, Caracteristicas, Muestras Itinerantes + Multisoporte).

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IN DI CE

Nota Editorial de Cinema Lacalor


/ Nota Editorial

LA CALOR CINE AFUERA

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DEL CINE


Por aquel entonces, recién se popularizaban los pendrive y los archivos se descargaban en pequeñas partes y se compilaban en un disco. Por otra parte, ir a un cine con instalaciones nuevas era costoso para hacerlo regularmente, y las ofertas de la cartelera se limitaban a las grades productoras internacionales y argentinas y, con algo de suerte, algún ciclo de cine de autor o muestra de un festival en particular. De los ratos que nos pasábamos mirando películas salió la idea de comenzar a compartir el cine que nos gustaba. Pero, ¿cómo?, ¿dónde y con qué equipos? La oportunidad se presentó una noche calurosa de diciembre, allá por 2009, cuando nos llegó la invitación de programar una serie de cortometrajes para adultos en un evento cultural realizado por una agrupación independiente de nuestra ciudad. Compilamos una hora y media. Cuando la revisamos, caímos en la cuenta de que se trataba de un mismo lenguaje: la animación. A partir de ese momento, decidimos dedicarnos a difundir ese lenguaje de manera libre y gratuita, pensando en que todo el que deseara ver una película pudiera hacerlo. Y en que si el cine le quedaba lejos, había que acercarlo. Pasamos a llamarnos Cinema LaCalor, un poco porque remite a una característica de nuestra ciudad, Santa Fe, y otro poco porque el verano nos había puesto monotemáticxs. Pasamos, también, a recorrer distintos lugares de la ciudad y sus alrededores, llevando películas a diversas audiencias y articulando en conjunto con otros grupos y organizaciones que promue-

ven diferentes manifestaciones culturales a nivel local, y que conciben la cultura como algo que las personas crean y modifican constantemente en su vida cotidiana para poder expresarse y vehiculizar sus reclamos, deseos, sueños. Por otra parte, durante 2010 y 2011 trabajamos en forma autogestiva para adquirir nuestros equipos, los cuales a su vez son utilizados en cada función de cine itinerante que realizamos, y a menudo prestados a otras organizaciones amigas. En octubre de 2012 llevamos a cabo la primera edición de El ventilador. Primer festival de cine de animación de Santa Fe, que consistió en tres días de producciones locales, nacionales e internacionales para jóvenes, niñxs y adultxs. Asimismo, contamos con la presencia de realizadorxs santafesinxs, la presentación de un libro especializado y la exposición y exhibición de juegos ópticos artesanales que construimos previamente. La experiencia, a su vez, se replicó en muestras itinerantes posteriores, las cuales posibilitaron el acceso del público general a producciones realizadas en nuestra provincia. Plasmamos en estas páginas la sumatoria de nuestras experiencias previas, junto a los testimonios y opiniones de personas y grupos que eligen expresarse a través del cine de animación. Mediante pequeñas entrevistas, a modo de colección de citas, buscamos que quienes lean este material encuentren una introducción seductora al mundo de la animación argentina e internacional, contada por algunos de sus protagonistas. Desde Cinema LaCalor, concebimos la animación como una forma de arte que abre perspectivas plurales: medio de percepción, narración y representación de la realidad; espacio de exploración de nuevas posibilidades expresivas; forma de autoconocimiento, reflexión y emancipación de la identidad subjetiva. Estos lugares son los que nos motivan a redoblar la apuesta en esta segunda edición del festival El Ventilador pero además, nos impulsan a fomentar el acceso del público en general a un capital cultural que, por acciones de mercado, parece inaccesible. Al fin y al cabo, siempre hay un par de ojos, bocas y manos para cada historia.

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Hace algunos años, quizá unos siete, un grupo de amigxs, estudiantes de distintas carreras y admiradores del cine y sobre todo de la animación, comenzamos a reunirnos para mirar películas que nos gustaban. Había cortometrajes y largos, a veces algún videoclip, nombres nacionales y otros impronunciables, aunque a menudo muy conocidos en el circuito (Pavlatova, Svankmajer, Trnka), que, para nosotros, eran nuevos. Después de cada peli, nos quedábamos conversando sobre lo que habíamos visto, las sensaciones que nos dejaban, lo que se podía compartir la próxima vez.


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VENTI A D O R

/OTROS AIRES EN LA DIFUSIÓN DEL CINE ANIMADO

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/ Festival de Cine de Animación de Santa Fe. Con aires de programar una muestra itinerante del ANIMA -Festival Internacional de Animación de Córdoba en la ciudad de Santa Fe, es como se alzan los vientos de creación del Festival El Ventilador. Por una parte, su origen se caracteriza por la necesidad que teníamos de exhibir cine de animación de autor (fuera del mercado comercial) y en una sala oscura acondicionada para el rito. A esto se sumaba la intención de generar un espacio propio y alternativo a la experiencia de cine ambulante que veníamos desarrollando en diferentes barrios de la ciudad. También, el deseo de expandir la animación a nuevos espectadores y

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desmitificar el público infantil como el único destinatario de este cine.


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Señal Santa Fe, más una selección de cortos locales producto de una convocatoria propia. Por otro lado, charlas con personalidades santafesinas en el área de producción profesional, en el área de formación (talleres y escuelas), en lo que respecta a análisis crítico y sociológico del panorama animado local, y por último el montaje de tres muestras interactivas en el hall con juegos ópticos de precine, la “Anihistoria” (película que contenía una recopilación histórica general de la animación mundial) y la “Anitécnicas” (información sobre diversas técnicas de animación). Pero el proyecto incluyó una instancia más que corresponde a la creación de un circuito de proyecciones por diferentes lugares con una muestra itinerante conformada por una selección acotada del festival. El equipo de trabajo de la primera edición de El Ventilador estuvo conformado por jóvenes de entre 22 y 25 años: Sofia Basconcel, M. Victoria Cantero, Felicita Cersofio, Guillermo Estrubia, Florencia Lacorte, Ignacio Chaky Lillini, Manuel Quiñones y Paula Yodice. Esta experiencia abrió una nueva ventana para la difusión, producción y exhibición del cine de autor del “cuadro a cuadro” como poseedor de innumerables técnicas expresivas que necesita sumar pantallas como espectadores en la ciudad y alrededores. Actualmente nos encontramos trabajando en

El Ventilador II, Edición 2014. Este vez con nuevas incorporaciones tanto a nivel organizativo como por el equipo de trabajo que también se renovó. Como principal característica el festival amplía sus posibilidades de participación, como por ejemplo: la convocatoria pasó de ser provincial a internacional, se implementó la inscripción online y gratuita para los animadores en nuestra página web: hubo casi 100 inscriptos de diferentes partes del mundo. Contaremos con diferentes muestras de animadores internacionales que participarán con sus producciones. En lo relativo al público de menor edad, estaremos proyectando “Anina” de Alfredo Sordeguit, un largometraje de animación uruguaya-colombiana que está recorriendo los festivales más importantes del mundo. Por otro lado, también incluiremos una muestra de “Capelito” de Rodolfo Pastor que ha alegrado a miles de niños de todas partes. Redoblamos la apuesta en cada una de las propuestas planteadas en el primer festival, pero dándole una impronta diferente ya que implementamos nuevas secciones, articulamos un trabajo conjunto con las organizaciones sociales y culturales con las que trabajamos durante el año para recibirlos en nuestro festival, nuestra casa. También contaremos con la presencia de algunos invitados de otras provincias a presenciar el evento.

El equipo de El Ventilador 2014 está conformado por: Manuel Acosta Bellucci, Sofía Basconcel, Ma. Florencia Lacorte, Ignacio Chaky Lillini, Eliseo Micol, Manuel Quiñones, Fabricio Sola, Emilia Vergara y Paula Yódice . Además de la colaboración de muchos amigos de Cinema LaCalor que se suman aportando desde sus respectivos lugares y saberes: cineastas, músicos, artistas plásticos, organizaciones sociales, ONGs, instituciones, familiares, entre otros. Finalmente, nos interesa destacar que el año pasado resultamos favorecidos con el premio estímulo Espacio Santafesino Categoría Multisoporte que otorga el Ministerio de Innovación y Cultura de la provincia de Santa Fe. Esta circunstancia nos coloca frente a un nuevo desafío, que consiste en la creación de diferentes productos culturales derivados del festival (una separata o revista, un DVD multimedia, un sitio web y un set de juegos ópticos del precine). Los mismos podrán apreciarse en un pack que recorrerá diferentes lugares de la provincia y la región junto con una muestra itinerante audiovisual de El Ventilador 2014.

Nos sentimos muy felices con esta nueva edición. ¡Gracias a todos por acompañarnos!

/Equipo del Festival El Ventilador II Cinema LaCalor/

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I

Por otro lado, observando el incremento de las producciones audiovisuales locales en animación impulsada por la inminente implementación de la ley de Servicios de Comunicación Audiovisual y el incentivo a las industrias culturales a nivel municipal, provincial y nacional, quisimos recopilar y aportar una pantalla santafesina a la visualización de este proceso. Nos interesaba compartir la potencialidad expresiva, discursiva y artística que posee el cine animado para ver, pensar y representar el mundo, el hombre y la vida. Finalmente porque nos gustaba -y sigue gustando- invitarlos a ver cine en casa. Sin lugar a dudas, la primera edición de El Ventilador- Festival de Cine de Animación de Santa Fe fue una experiencia nueva para el equipo, que implicó hermanarnos con nosotros mismos como grupo. A su vez, se intentaba realizarlo con un presupuesto muy bajo, conseguido a través de la autogestión. Aun así consideramos que fue un desafío maravilloso, gratificante y fructífero. Coronamos nuestra primera edición con tres jornadas maratónicas de cortos de animación para grandes y chicos con muestras itinerantes de ANIMA Córdoba, Ojo al Piojo de Rosario, Casa del Tantanakuy de Jujuy, Espacio Santafesino y


LINEA HISTORICA LA CALOR

Muestra itinerante del festival “El Ventilador”. Proyección de cortometrajes y taller de juegos ópticos, en colaboración con Gobierno de Santa Fe. Feria del libro. Reconquista. Octubre de 2013

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Ciclo de largometrajes en apoyo al Birri: ciclo de largometrajes para adultos y cortometrajes para niños, en apoyo al Centro Cultural y Social “El Birri” de la ciudad de Santa Fe. Febrero y marzo de 2013.

Proyecciones por el Día de la mujer. Evento organizado en colaboración con MST, PO y mujeres auto convocadas. 8 de Marzo.

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Ciclo en el Baldio Comunitario. Ciclo de cine conformado por cortos y largometrajes al aire libre. Tres funciones libres y gratuitas en una plaza junto al “Baldío Comunitario”. Arroyo Leyes.

Día de los Jardines. Proyección de cortometrajes animados en el Jardín No93 Lola Uranga (Santa Fe). 28 de Mayo.

Muestra itinerante del festival “El ventilador”. Proyección en el anfiteatro “La Luna” de la ciudad de Córdoba. Noviembre de 2013.

Ciclo de cine en colaboración con la Biblioteca Popular Osvaldo Bayer. Proyecciones semanales en las escuelas primarias Nº46, 21 y 880. Julio a noviembre de 2013.

20 11

Cine Blue LaCalor. Ciclo de cine de Animación al aire libre. 4 funciones libres y gratuitas bajo las estrellas. Cierre con acústicos musicales de artistas locales. Barrio Candioti Norte, Santa Fe. Abril de 2010.

Cinema Lacalor para que No cierren El Refugio: función de cortometrajes de animación para niños y adolescentes de El Refugio de la ciudad de Santa Fe.

Proyección de cortos en Bar Literario: selección de cortos temáticos para un evento cultural gratuito destinado a estudiantes de Letras de la UNL. Noviembre 2011.


Cinema Lacalor is back: ciclo de 4 funciones de cine de cortometrajes de animación y largometrajes de ficción y documental en un domicilio particular de Barrio Roma. Febrero y Marzo de 2012.

Muestra itinerante del festival “El Ventilador”. Proyección en la escuela No 389 “Julio Migno” de barrio El Pozo. Co-organizada junto al grupo cultural “El Pozillo”. Noviembre de 2012.

Cinema Lacalor por el Pueblo Amurallado: consiste en un programa de cortometrajes de animación en el marco del proyecto de extensión de la UNL, “Lado B” un espacio educativo interdisciplinario que trabaja con internos del penal de Las Flores II a cargo de Leticia Gerhauser. Marzo, Abril, Mayo, Junio de 2012.

9°Aniversario de la inundación del 29 de Abril de 2003: Proyección de cortometrajes de ficción, animación y documental de realizadores locales sobre la temática en cuestión en el marco del evento “A mí nadie me avisó, 9 años de impunidad” organizado por agrupaciones estudiantiles independientes de la UNL. Abril 2012.

Estreno del equipo proyección gratuita de dos largometrajes animados internacionales para estrenar los nuevos equipos. Octubre de 2011.

Cine Blue Lacalor II. Ciclo de cine de Animación al aire libre. 3 funciones gratuitas bajo las estrellas en un domicilio particular y colecta de libros para el proyecto de biblioteca de los internos del penal de Las Flores. Abril de 2011.

Cinema Lacalor en Arte Ciudad. Programación y exhibición de cortos locales e internacionales de Animación, Documental y Ficción en un evento cultural municipal. Ex – Estación Belgrano, Santa Fe. Abril de 2011.

Evento por la Memoria de Cultura Actio. Proyección de cortos en relación al Día de la Memoria, la Verdad y la Justicia, en colaboración con Cultura Actio. Anfiteatro Parque Sur. Marzo de 2011.

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/Productora Bienteveo

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S O F Í A D A I C H M A N F A C U N D O BELGRAD ¿Cómo surge la productora?

¿Por qué cine de animación?

La idea de conformarnos en productora surge en el año 2011 a partir de la producción de “Un Paseo…”, allí se conforma el núcleo de Bienteveo integrado por Sofía Daichman y Facundo Belgradi, profesionales del área audiovisual. Después la formación cambia con nuevos integrantes que llegan y se van, y finalmente se agregan al área de gestión y producción Mariana Ferger y Juan Manuel Pauletti.

Por qué es lo que nos gusta. Ambos amamos el dibujo como medio expresivo, y nuestros estudios de cine nos han dado herramientas narrativas, que en conjunto funcionan para contar “historias animadas”. ¿Qué técnicas utilizan? ¿Qué les resulta atractivo de ellas? En Bienteveo tenemos un amor profeso por la animación tradicional, ya sea en papel o con me-


¿Cuál es tu forma de pensar la producción en animación? (Cooperativa, Productora, Individual, Colectiva, Asociativismo)? En la ciudad de Paraná todavía no hay suficientes animadores ni mercado de demanda para generar ni una estructura empresarial tradicional (SA) ni una empresa cooperativa. En Bienteveo somos muy pocos para abordar por completo una producción de mediana escala y el asociativismo es la manera que hemos encontrado para encarar producciones más grandes. Hemos establecido redes entre productoras y realizadores independientes de otras ciudades de la región. ¿Por qué es bueno formar redes y asociarse entre productoras? La asociatividad nos ha aportado grandes beneficios, como la posibilidad de aprendizaje con otros artistas y profesionales del medio, buscar nuevas formas de trabajo y organización, enfrentar nuevos problemas y desafíos. Siempre ha resultado en experiencias de crecimiento y relaciones gratificantes. Ahora es el momento de encontrarse por más. ¿Existen espacios donde mostrar lo que haces? La mayoría de las producciones que hemos realizado ya tienen pantalla asignada desde la preproducción, pero en el caso de realizaciones independientes las pantallas escasean y el mejor lugar es, creemos, la web. En la ciudad de Paraná también hay mucho apoyo de espacios culturales para exhibiciones y muestras únicas. Por eso se agradece siempre los espacios de exhibición especializados como estos festivales. ¿De qué miedos o prejuicios se tiene que despojar una persona que desea iniciarse en la ani-

mación? El prejuicio principal es el que la animación es solo para los que saben. La noción de dar vida a un dibujo va más allá de las capacidades de dibujar, inclusive. Todo está en la sensibilidad y el entendimiento del movimiento y eso es algo que se logra con la práctica. ¿En qué estación del año prefieres animar y por qué? El otoño. O el regreso del frio. Vaya uno a saber. El calor y humedad litoraleña seguro que no. Presenta tu última producción: Nuestra última producción es la serie de docuficcion para niños “Los Rueda”. La serie busca retratar a los niños de la región de Paraná, ciudad de Santa Fe, Rosario y alrededores. La ficción animada funciona como marco del contenido documental. La protagonista de la ficción, Juana Rueda, junto a su primo Nacho Rueda deciden hacer un programa de TV en el garaje de su casa sobre su pasión: Las Ruedas. Los ayudaran a sortear dificultades y aventuras un hermanito menor Coqui Rueda, su mejor amiga Alexia Rulemanov y su tatarabuelo fantasma Tatán Rueda. ¿Qué tareas, recursos o herramientas intercambias con la productora compañera de tu proyecto? Desde Bienteveo desarrollamos durante la preproducción la primera carpeta de proyecto, el guionado, dirección general, dirección de animación y producción de contenidos. Tembé coordina la producción general y la dirección de arte. En la etapa de animación propiamente dicha participan ambas productoras (y animadores convocados). La Cooperativa entra en diseño de fondos y postproducción de imagen.

https://www.facebook.com/bienteveoweb http://www.bienteveoweb.com.ar/

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dios digitales. Nos resultan atractivas la fluidez y sensibilidad que se destacan en el resultado final. Igualmente consideramos que hay una técnica y una forma expresiva para cada mensaje, para cada historia y por eso hemos hecho cosas en diferentes técnicas como Rotoscopiado, Stop Motion, Motion Graphics, Animación 3D y recorte digital.


EL MOLINETE ANIMACIÓN /

P r o d u c t o r a

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elmolineteanimacion@gmail.com

Desde el año 97 Claudia Ruiz viene desarrollando, primero en el Taller El Pibe y luego en otros espacios de educación no formal (Taller El Creador, El Solar de las Artes, El Globo Rojo), educación audiovisual con niños y jóvenes, educación que sistematizó en el 2001 junto a Pablo Rodríguez Jáuregui en un TAP en la Escuela Mantovani. A medida que esos niños y jóvenes crecían, también crecían en Claudia las ganas y la necesidad no sólo de contar historias propias, sino también de generar un espacio creativo y laboral con estos jóvenes, donde todo el aprendizaje se capitalizara y desarrollara. Es así como, a partir del proyecto “La Bella Molinera” presentado por Mario Martinez, junto a Cristian Gomez y Claudia en las Becas de Extensión de la UNL, comenzó a gestarse el grupo que comenzaría lo que posteriormente se llamara “EL Molinete Animación”


Porque la animación es como la imaginación, no tiene límites, uno puede crear todo el mundo y las reglas, inventarlo, en la dimensión, con la textura, con los personajes que uno quiera, y como los imagine. ¿Qué técnicas utilizas? ¿Que te resulta atractivo de ellas? En El Molinete nos dedicamos al Stop Motion en particular. Varios de los integrantes somos egresados de la Escuela Pcial de Artes Visuales Juan Mantovani (Claudia Ruiz, Ignacio Lillini, Lucila Gerelli, Marcos Martinez, Malena Martinez, Itatí Romero, y varios más). Esta formación plástica nos hace por un lado conocer y manejar recursos pero sobre todo, nos genera mucho placer el trabajo con las texturas reales, los colores, la manipulación de objetos con todas sus características, particularidades, posibilidades. ¿Por qué directores o corrientes animadas, etc. te ves influenciado?¿Por qué? Por muchos! Creo que por todas las corrientes de animación. De chicos fuimos formados por Disney, creo que solo las nuevas generaciones podrían decir que no. Pero después descubrir la escuela de Jiri Trnka y la escuela Rusa gracias a Caloi en su Tinta, fue descubrir lo que quería hacer. La experimentación con distintos materiales y el trabajo a escala de maquetas, atrezzo, muñecos y todo ello contando bellas o terribles historias fue encontrar lo que uno quería hacer. Ahora hay toda una escuela francesa que está trabajando con el dibujo animado “a la manera tradicional” con el recurso digital pero explorando la animación y el cine desde otro lugar. En tal sentido “El ilusionista” de Sylvain Chomet o Ernest y Celestine son muy interesantes. Y sin dudas toda la producción inglesa nos ha marcado un rumbo, tanto Aardman como Barry Purves en dos líneas distintas nos han enseñado muchísimo de realización, narración, puesta en escena… Y si, no podemos olvidar el gran maestro Miyasaki

que nos conmueve tanto en la técnica como en el abordaje de las historias, con personajes tan entrañables, tan humanos en la dualidad que somos… ¿Cuál es tu forma de pensar la producción en animación? (Cooperativa, Productora, Individual, Colectiva)? ¿Por qué? En la animación, tal como en el cine, son muchos los que tenemos que trabajar para que el resultado sea bueno. Y cada uno es un artista de su disciplina. Por eso la forma cooperativa creemos que es la más justa, que reconoce en tanto cantidad de trabajo, pero asumiendo que el trabajo de todos es igual a la hora de recibir recompensa. En El Molinete aunque no esté conformada legalmente como cooperativa, en la cotidianeidad se maneja con el mismo principio. ¿De qué miedos o prejuicios se tiene que despojar una persona que desea iniciarse en la animación? El primer miedo es que la animación es para niños, el segundo que es solo entretenimiento fácil. La animación es mucho más que eso,… al conjugar el lenguaje del cine con la belleza plástica y el discurso sonoro, se vuelve un lenguaje muy complejo que nos permite llegar desde distintos lugares al espectador, así como poder contar como realizadores desde otros lugares. Presenta tu última producción: ¿Que significa El niño y la noche para vos? ¿Qué característica de la película es la que considerás que concentra el fuerte? ¿Existe alguna forma de colaborar en este proyecto para su concreción definitiva? El Niño y la Noche, es un guión que a lo largo de tres años fuimos trabajando con mi hija Malena. Y tiene que ver con muchas cosas que nos unen y reúnen, el juego, el pensar todo tipo de objeto con vida y personalidad, mi abuelo italiano que jugaba conmigo mucho, y se fue demasiado pronto. Sobre la importancia que ambas le damos al juego, en la educación y en nuestras vidas.

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¿Por qué cine de animación?


T E M B E /

C o o p e r a t i v a

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Lisandro Schurjin Manuel Allende ValentĂ­n Gatti Lucas Cid Ariana Beilis Sandra Abate AnalĂ­a Basaill


Tembe es un colectivo de trabajo cooperativo, radicado en la ciudad de Santa Fe. Somos un grupo de jóvenes venidos de las más variadas formaciones y experiencias, que desde 2011 damos curso a esta iniciativa con el objetivo de trabajar desde la comunicación, herramienta fundamental de rescate de la cultura como base de las identidades. Nos dedicamos a la gestión cultural y a la producción audiovisual y editorial. Tembe es una palabra de origen guaraní que significa orilla. Esta elección no es casual, somos nacidos a la vera del río Paraná, formamos parte de su universo y nos identificamos con su cultura litoraleña. ¿Cómo surge la productora? Todo empezó con un grupo de amigos que armaba eventos culturales porque desbordábamos de ganas de encontrarnos, de ideas locas, y de la idea de que nuestro campo de batalla para aportarle a la sociedad era el cultural. Un día nos planteamos por qué no, en vez de usar nuestros pocos tiempos libres para hacer las cosas que realmente nos gustaban y llenaban, darle forma a un espacio de tiempos más reales donde canalizar esa cantidad de ganas e ideas y, quien sabe, algún día eso se convierta en nuestra fuente de trabajo. Desde ese momento empezamos a darle forma a la cooperativa.

de encima. Algo fantástico de la animación, es que podes hacer producciones de la mayor calidad sin un peso. Podes con un pedazo de papel hacer una animación que compita con una superproducción 3D. Algo que es más difícil (sino imposible) en la ficción o el documental. Pero hay que ser paciente, jeje. ¿En qué situación de tu vida diaria utilizarías la animación para resolver, transitar o modificar un momento o acontecimiento de la cotidianeidad? La animación es un hermoso regalo. Pero además, permite transmitir ideas abstractas sencillamente, y muchas veces sirve para explicar de manera sencilla procesos que son difíciles de entender. Comida, bebida y música favorita para animar. Chizitos boom, coca y Les luthiers. Última producción: Relatos de la Orilla Buscando a la diosa Cauac, un anciano brujo emprende un viaje por extraños territorios. A cambio de información relata a los seres de la tierra una historia, la de los mancebos Arandu y Tekove, mestizos, sobrevivientes de una fallida rebelión contra los Isapun, los poderosos hijos del metal.

¿Por qué cine de animación? Varios de nosotros veníamos de estudiar animación en Rosario y en la Mantovani, obviamente porque nos gustaba, y ya habíamos impulsado algunos proyectos en ese campo y laburado en eso, y se dio que nuestro primer gran laburo como “productora” fue un corto animado (“Viaje a la Tierra del Quebracho”). Eso nos fue llevando a desarrollar la animación más que otras cuestiones (además de recodar que la productora también desarrolla otra parte que es la editorial).

Como en todo, hay que sacarse el “no se puede”

tembecoop@gmail.com http://tembecoop.blogspot.com.ar http://tembecoop.wix.com/sitio 15_

¿De qué miedos o prejuicios se tiene que despojar una persona que desea iniciarse en la animación?


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COOPER AT I VA ANIMADORES DE ROSARIO

Andrés Almasio Aniela Troglia Ariel Papich Belén Rodríguez Peña BK y Basta (José María Beccaría) Cristina Rosenberg Emanuel Gastaldi Florencia Evdemon Gonzalo Rimoldi Leticia Santa Cruz Maia Ferro Melisa Lovera Miguel Mazza Nestor Santoro Nicolas Ortiz Pablo Chaparro Pablo Rodríguez Jáuregui Diego Martín Rolle Sol Savoretti


Definan su concepción de Animación en un renglón, una palabra o una imagen.

bien aspirando a algún subsidio para la realización (las opciones son variadas e interesantes).

Animación es dar vida a dibujos u objetos inanimados, es crear un universo, es, como dice Pavlatova, jugar a ser Dios.

¿Creen que es importante formar a niños, jóvenes y adultos para producir y consumir animación?

¿Cómo surge la Cooperativa de Animadores de Rosario? La cooperativa surge a partir de la necesidad de un grupo de animadores de la ciudad de tener un espacio de creación y producción que no esté atado a la lógica del mercado y que intente promover la horizontalidad y el trabajo afectivo.

Claro que sí, la aparición de nuevos realizadores de animación revitalizan el ambiente y está en sus manos seguir la tradición de animación independiente. Por otro lado sin público nuestras producciones no tendrían sentido, por lo tanto es importante acercar nuestros trabajos a nuevas generaciones, poder inspirarlos y que se acerquen a la animación local ya sea como espectadores o como realizadores.

¿Por qué cine de animación?

¿Existen espacios donde mostrar lo que hacen?

Porque es el medio más dúctil para crear. Todo se crea desde cero. Y si bien el proceso de producción es lento y trabajoso, pueden crearse animaciones prácticamente desde la nada y con equipos reducidos de personas.

Nuestra experiencia nos indica que existen muchos lugares, no solos los que ya están institucionalizados como pueden ser festivales o muestras, sino que también hay varios espacios independientes en donde mostrar nuestros dibujos animados. Creemos que es importante que cada realizador se preocupe en buscar espacios alternativos para mostrar sus trabajos.

Los directores y corrientes son variadas debido a que los socios conformamos un grupo heterogéneo con preferencias que van desde John Kricfalusi hasta Masaaki Yuasa. Pero quizás nos sintamos más cercanos y tomemos como ejemplos a realizadores de corte más independiente como Bill Plimton, Micaela Pavlatova, Paul Driessen o Don Hertzfeldt. También muchos de los socios estamos influenciados por la manera de producir y la estética de la UPA y Zagreb Films. ¿Cómo es la forma de pensar la producción en animación para ustedes? ¿Por qué? Para nosotros es importante generar contenidos, abarcando todas las etapas de producción. Nos interesa hablar de nuestro entorno, de nuestra ciudad, de nuestra cosmovisión. De ahí que pretendemos encarar nuestras producciones de manera modesta sin descuidar el nivel visual haciendo hincapié en planificar una producción realizable teniendo en cuenta nuestro contexto económico y cultural. ¿Cómo es hacer cine de animación en Santa fe? Cualquier persona que intente dedicarse a cualquier rama de lo audiovisual en nuestra provincia sabe que es una tarea ardua y complicada, y la mayoría puede desarrollarse gracias a la prestación de servicios al estado o

¿Cuáles son las alegrías con las que se va a encontrar una persona que elija realizar una experiencia en el mundo de la animación? El proceso de realizar una animación es difícil y lleva mucho tiempo y esfuerzo, pero ver el trabajo final es muy satisfactorio y compensa todo. El proceso de animar un personaje, un objeto o una figura es muy placentero, requiere de un ambiente tranquilo para poder concentrarse y por momentos es muy introspectivo. Lograr el movimiento perfecto, la expresión indicada, la actuación correcta, produce una fascinación (y una obseción) muy difícil de abandonar. ¿Animar es lo mismo que jugar? Animar es jugar. Jugar con el espacio y el tiempo. ¿A qué proyectos se encuentran abocados actualmente? Estamos terminando la producción del cortometraje La Gallina Clueca y comenzando la producción de la sexta temporada de Cabeza de Ratón, que incluirá la segunda parte de Guía de Rosario Misteriosa y una serie de cuentos infantiles animados.

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¿Por qué directores o corrientes animadas, etc. se ven influenciados?¿Por qué?


JUEGOS OPTICOS

TAUMATROPO

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El taumatropo, también llamado Rotoscopio, Maravilla giratoria o, en inglés, Wonderturner”, es un juguete que reproduce el movimiento mediante dos imágenes. Fue inventado por el inglés John Ayrton Paris en 1824. Consiste en un disco con dos imágenes diferentes en ambos lados y un trozo de cuerda a cada lado del disco. Ambas imágenes se unen estirando la cuerda entre los dedos, haciendo al disco girar y cambiar de cara rápidamente. El rápido giro produce, ópticamente, y por el principio de persistencia retiniana, la ilusión de que ambas imáge-

nes están juntas. John Ayrton Paris construyó este sencillo juguete para demostrar el principio de persistencia retiniana, ante el Real Colegio de Físicos de Londres, en 1824. En aquella ocasión, utilizó los dibujos de un papagayo y una jaula vacía para causar la ilusión de que el pájaro estaba dentro de la jaula. Fue muy popular en la Inglaterra victoriana; los taumatropos de la época solían incluir pequeños versos acompañando a las imágenes. Además, es el precursor de otros instrumentos más complejos, el zoótropo y el praxinoscopio, precursores a su vez del cine.

FENAQUISTISCOPIO (del griego espectador ilusorio), es un juguete inventado por Joseph-Antoine Ferdinand Plateau para demostrar su teoría de la persistencia retiniana en 1829. Consiste en varios dibujos de un mismo objeto, en posiciones ligeramente diferentes, distribuidos por una placa circular lisa. Cuando esa placa se hace girar frente a un espejo, se crea la ilusión de una imagen en movimiento. Poco después de su invención, Plateau descubrió que

el número de imágenes para lograr una ilusión de movimiento óptima era dieciséis, lo que con posterioridad aplicarían los primeros cineastas usando dieciséis fotogramas por segundo para las primeras películas. Para ver como cobran vida los personajes dibujados en el disco hay que hacerlo girar frente a un espejo, mientras se observa por una de las ranuras.


Zoótropo, de los étimos griegos ζωός (zoós), un adjetivo que significa “vivo” (aquí en el sentido de “activo”) y τροπή (tropé), un sustantivo que designaba tanto la revolución del sol o el punto en el que se vuelve, y el “solsticio” (de ahí el punto de fuga). Denominado en inglés zoetrope o daedalum, máquina estroboscópica creada en 1834 por William George Horner, compuesta por un tambor circular con unos cortes, a través de los cuales mira el espectador para que los dibujos dispuestos en tiras sobre el tambor, al girar, den la ilusión de mo-

PRAXINOSCOPIO vimiento. Fue un juguete muy popular en la época y uno de los avances hacia la aparición del cine que se crearon en la primera mitad del siglo XIX. Fueron famosos, fue una inspiración para la creación de lo que hoy conocemos como cine ya que es el mismo principio, una sucesión de imágenes que cuentan una historia.

Un praxinoscopio es un aparato similar al zoótropo inventado por Émile Reynaud en 1877 y patentado el 21 de diciembre de ese año.1 El espectador del tiempo dijo mira por encima del tambor, dentro del cual hay una rueda interior con unos espejos formando ángulo, que reflejan unas imágenes dibujadas sobre tiras de papel situadas alrededor. Como resultado la persona observa una secuencia nítida, una animación estable donde las imágenes se fusionan y logran el efecto animado. Para fabricar los praxinoscopios

que luego vendería como juguetes, Reynaud alquiló dos departamentos en París, uno de los cuales funcionaba como taller. El invento recibió una mención honorífica en la Exposición Universal de París de 1878.

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ZOOTROPO


SANTIAGO ‘BOU’ GRASSO. 20_

1979. Buenos Aires, Argentina. Diseñador en Comunicación Visual. Animador, ilustrador e historietista. Trabajó como animador en 7 largometrajes de animación tanto argentinos como internacionales. Ganador de más de 120 Premios en festivales de cine de todo el mundo por sus cortometrajes, en especial por su multipremiado corto “El Empleo”.


¿Técnicas de animación que utilizás?

para producir y consumir animación?

Básicamente es la animación tradicional y digital 2D, stop motion y cut out. Son las tres técnicas que más utilizo. Lo que más me gusta especialmente del 2D es quizás lo pictórico de la manera de animar y el stop motion lo espontáneo.

Sí. Para mi es importante la actividad cultural y que la gente tenga acceso a todo. No sé si formarla específicamente a que vea animación, sino que quizás lo que habría que hacer es que la gente se forme sin estar tan atravesada por estereotipos tan grandes como lo que es Disney, que terminan encasillando. Pero si sería positivo que la gente tenga otra mirada de la animación desde chico y eso me parece que más que pase por adoctrinarlos en animación sería más bien, “desadoctrinarlos” de lo que hay como discurso dominante.

¿Películas favoritas? “La vieja dama y las palomas” de Sylvain Chomet “Oh Willy” de Emma de Swaef “The Eagleman Stag” de Michael Please “Les triplettes de Belleville” de Sylvain Chomet ¿Qué animadores argentinos actuales recomendarías? No hay muchos. Juanpa Zaramella que es el más conocido por todos. Después los chicos del Can can. Yo hablo de animadores en relación a dirección, animadores que técnicamente trabajan muy bien pero haciendo trabajo para otros hay muchos. No hay directores que tengan una trayectoria. ¿Cuáles son para vos las características que diferencian al cine animado de la ficción y el documental? Básicamente creo que lo que separa a la animación de las otras disciplinas es la cantidad de trabajo que lleva y la preparación que requiere. Lo que no tiene la animación de espontaneidad y de real que puede tener el vivo o el documental, lo tiene en cuanto capacidad expresiva, sobre todo a potencialidades técnicas y narrativas. Sobre todo en la libertad, es la disciplina con mayor libertad del medio audiovisual.

TUS PRODUCCIONES ¿Qué fue lo que disparó la realización del cortometraje “El Empleo”? ¿Qué representa esa película para vos? Con Patricio teníamos la necesidad de hacer un cortometraje de animación lo mejor hecho posible, dentro de lo que podíamos en ese momento, que de alguna manera deje un precedente de lo que se podía hacer en Argentina, y justamente con la intención de hacer una animación que baje línea entre los adultos y que se despegue lo más posible de la animación comercial. Después lo que pasó fue una cosa completamente inesperada, el hecho de que en todo el mundo miles de personas lo usen para dar clases, para hacer obras de teatro, para hacer música en vivo, sobre todo para enseñar, es una cosa que se usa muchísimo para enseñar a chiquitos de primaria, en clases de guión en las universidades de todo el mundo, así que fue como algo que felizmente fue super sorprendente.

¿Qué temáticas te interesan contar en cine animado? Las que sean. Siempre me parece importante tener una postura ideológica respecto de lo que uno diga pero todo es válido de contar. Lo que me parece importante es no copiar ni emular cosas de otros. Eso me parece importante, tratar de contar cosas propias.

http://santiagograsso.blogspot.com.ar 21_

¿Es importante formar a niños, jóvenes y adultos


M S N !

O H

U O

/ Re v i s t a

M o u s h o n !

Moushon! nace para llenar un espacio que se encontraba huérfano. Un espacio que difunda y conecte a los realizadores del arte de la animación a lo largo y a lo ancho de todo el país. Moushon! nace en Octubre del 2012. Es presentada en comunidad durante el marco del Festival Expotoons 2012 y desde ese momento, Moushon! se convirtió en el medio de difusión y fomento para todos los realizadores del país.

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Director: Federico Moreno Breser Editor: Santiago Van Dam Coordinación General: Lucila Lehmann Producción: Noelia Martin Redacción y corrección: Sofía Poggi Fotografía: Lucas Ríos Diseño Gráfico: Federico Ribetto


¿Por qué una revista en formato digital que difunde animación?

¿Cómo ven el nuevo panorama de producción de animación santafesina?

Uno de los principales objetivos de Moushon es la difusión a nivel nacional de los contenidos de animación. El compromiso que tomamos desde que iniciamos el proyecto fue el de ayudar a federalizar la animación en nuestro país y sin duda que las tecnologías modernas y el avance de las redes sociales son un excelente medio de difusión para poder llegar a todos los rincones del país. No obstante, nos propusimos crear la revista digital de la misma manera que si lo fuera para una edición impresa, conservando los mismos criterios de lectura y presentación que una revista tradicional.

Santa fe y la región del Litoral siempre tuvo una fuerte identificación con la animación en lo que respecta al resto del país. Estamos convencidos por el sólo hecho de los relevamientos que obtuvimos durante el año pasado que la producción de animación está resurgiendo en todo el país, un factor impulsor de esto son las nuevas leyes y normativas de la TDA y la ley de medios. Creemos que también hay un coletazo de lo que fue la revolución de la animación en los fines de los 90 donde se empezó a ver a la animación como un medio de comunicación para todo tipo de productos y targets, dejando un poco de lado el concepto de animación es sólo para dibujitos y para chicos. Y por último el tercer factor fundamental es el avance y la fácil accesibilidad de la tecnología y la información especializada. Lo que genera nuevos jóvenes autodidactas diseminados por todo el país y con una fuerte necesidad de realizar y de hacerse ver. Santa fe no es una excepción a estos factores y sin duda podemos ver como ha crecido la oferta y demanda de la producción de animación acompañada con un crecimiento de los niveles de calidad.

Creemos que la animación es una de las artes visuales más estimulantes y de constante exploración y descubrimiento, sin duda nos ofrece un campo de acción de infinitas posibilidades y técnicas que nos permiten desafiar nuestros propios límites y nos alimenta a potenciar nuestra creatividad sin ningún tipo de limitación. ¿Qué descubrieron de la animación luego de recopilar información acerca de las diferentes productoras de distintos puntos del país? ¿Qué características de semejanza creen que atraviesa la animación argentina que pudieron observar? Fue muy interesante la experiencia que nos dejó este primer año de Moushon! en cuanto al relevamiento que obtuvimos a nivel nacional. Por un lado nos sorprendimos gratamente con la cantidad de animadores y pequeños estudios que se encuentran distribuidos en todo el territorio argentino y que están produciendo todo tipo de proyectos. Si tenemos que destacar algunos puntos en común, podemos remarcar que muchos estudios están produciendo su primer piloto para serie, es decir muchos están apostando a la producción de contenidos y no tanto de servicios. Otro punto que pudimos observar fue que la gran mayoría de las producciones son realizadas en Stop Motion, es un dato importante teniendo en cuenta el mundo digital en el que vivimos.

¿Cuál es el balance de la recepción del primer año de Moushon!? Estamos muy contentos y entusiasmados con la aceptación que tiene la revista. Es muy gratificante ver como en poco tiempo la revista logra además del interés y la atención de la comunidad, logra el respeto de la misma. Es muy lindo encontrarse con profesionales de renombre que tienen a Moushon! como una suerte de bandera en cuanto a ser el medio de difusión serio y especializado de la animación nacional. Coleccionables que van a estar saliendo cada 12 números para que de una manera u otra todos los contenidos de Moushon! terminen en papel.

www.revistamoushon.com revistamoushon@gmail.com 23_

¿Qué piensan de la animación?


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/ Pablo Rodríguez Jáuregui

E P A D R

S C U E L A A R A N I M A O R E S D E O S A R I O


La Escuela para Animadores de Rosario es una consecuencia directa de la preexistencia del taller de Luis Bras donde enseñó animación en las décadas del 70 y 80. Luego de la desaparición física de Bras en 1995, su sótano/taller fue ocupado por una nueva generación de animadores independientes atravesados por su mismo paradigma artesanal y rosarino. El taller del Sótano se cerró en 1998. En 2005 un grupo de animadores independientes junto con el Centro Audiovisual Rosario dependiente de la municipalidad, diseñaron una propuesta educativa y de producción que se concretó en 2006 con la apertura de la Escuela. La escuela es un curso de 8 meses para 30 dibujantes e intenta transitar todas las áreas de la realización audiovisual y del oficio de dibujante alentando la realización de nuevos cortos animados independientes rosarinos. Dinámica de trabajo: ¿lúdica o formal? ¿U otra? ¿Por qué? La dinámica de trabajo es la de un taller: entrenamiento, visualización, intercambio, crítica, gimnasia, expresión. Es bastante informal pero bastante demandante en el logro de resultados en las metas propuestas por cada estudiante. Todo apunta a transitar la experiencia de sacar de la cabeza diseños y movimientos y resolver los problemas necesarios para poner esas ideas en una pantalla y comunicarlas de forma efectiva. ¿Qué técnicas y temáticas son las que les interesa trabajar? Dibujo animado tradicional. Conociendo su máxima expresión desarrollada en EEUU en la década del 40, luego adaptarla a nuestra realidad y escala. Nos simpatiza mucho la experiencia de los estudios UPA en EEUU en la década del 50 y nos sentimos cercanos a sus búsquedas. Nos interesa el humor y la poesía visual. ¿Por qué es importante educar acerca de cine de animación? La animación es un soporte muy potente para rea-

lizar piezas de comunicación de ideas y emociones. Desde la animación se pueden abordar ideas abstractas o líricas y se puede realizar de forma autónoma y económica. Educar en animación es igual de importante que educar en cualquier rama de la expresión. Es saludable para el artista que la realiza y para la comunidad que recibe su propia imagen interpretada y poetizada por la obra. Se puede enmarcar como escuela de oficio pero la profesionalización en animación no es una meta que nosotros podamos garantizar desde la Escuela. Apostamos por la autogestión y el asociacionismo. ¿Cómo es recibida esta iniciativa por sus destinatarios y la sociedad en general? Con referencia a nuestros destinatarios, nosotros apostamos a trabajar “cuerpo a cuerpo” con 30 dibujantes por año (también tenemos 2 cursos infantiles). El contacto con la “sociedad en general” lo sentimos cuando salimos de la Escuela a dictar talleres itinerantes y proyecciones de nuestras producciones. En general, el público agradece la existencia de dibujos animados sobre temática local y lenguaje familiar. ¿Qué temáticas aparecen en las historias que suelen contar quienes concurren al taller? Mezcladas debido a la diversidad de edades y experiencias. Los provenientes de la carrera de cine suelen enfrascarse en planteos formales y de estilo. Los más chicos, consumidores de Manga y series de TV suelen volcarse a los códigos de género. Los que ya vienen con alguna experiencia en el campo de la plástica y tienen producción previa encuentran en la animación un vehículo para sus búsquedas personales . ¿Cualquier persona puede animar? ¿A qué debe arriesgarse alguien que quiere hacer animación por primera vez? ¿Con qué se puede encontrar? Obvio que cualquiera puede animar. Así como cualquiera puede dibujar o cantar. Lo único que hay para perder es tiempo. La claridad y efectividad del resultado depende de la precisión en las ideas visuales del animador de turno. Si no tiene ideas visuales y gráficas claras va a tener que invertir tiempo en pasarlas en limpio.

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¿Cuándo, cómo, dónde y por qué se crea esta escuela?


/ Ta l l e r d e c i n e p a ra c h i c o ss .

EL GL BO ROJO

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/Coordi nadoras Claudia Ruiz y Carolina Tacca

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elgloborojo_taller@hotmail.com


El taller se crea en el año 2012 gracias al deseo de Cineclub Santa Fe de volver a tener un espacio para la enseñanza del cine para los chicos. Por cuestiones económicas y de espacio, primero trabajamos en la Asociación de Trabajadores del Estado y luego, y hasta nuestros días, en La Esquina Encendida, dependiente del Ministerio de Innovación y Cultura de Santa Fe. Dinámica de trabajo: ¿lúdica o formal? ¿U otra? ¿Por qué? LUDICA! Desde el juego, miramos y vivimos el cine y la animación, pasando por el cuerpo desde los distintos roles, inclusive el del espectador, e interiorizamos la teoría de la forma más disfrutable y divertida. Por supuesto que un acompañamiento teórico es fundamental para aprender el lenguaje audiovisual, pero siempre de la mano de lo lúdico. ¿Qué técnicas y temáticas son las que les interesa trabajar? En realidad nuestra intención es que los chicos puedan experimentarlas todas, apropiarse del lenguaje, para descubrir las características y particularidades de cada una y luego puedan utilizar el formato y la técnica que consideren más conveniente para abordar la tématica que quieran tocar en sus cortometrajes. Los materiales pueden ser muy variados e ir desde los papeles de colores, temperas, plastilina, alimentos, botones, arena, materiales de reciclaje, personas, etc. ¿Por qué es importante educar acerca de cine de animación en niños, adolescentes y adultos? Hoy día es necesario aprender el lenguaje audiovisual, tanto como a leer o escribir, pues tiente tanta pregnancia o importancia como la lectoescritura. En particular, la animación tiene la particularidad de habilitarnos “todo”, no tiene límites para crear personajes, escenarios, lógicas. Esa infinita capacidad de representanción, en particular en los niños, es además de disfruta-

ble para las coordinadoras, extremadamente rica, permitiéndonos explorar y desarrollar las inteligencias múltiples, nuestra imaginación, competencias lúdicas, sensoriales, emocionales y la autoestima.. A partir de la educación audiovisual se logra un doble objetivo: desarrollar la comprensión de los medios y la participación activa en la producción y realización de un film, es decir la apropiación del lenguaje. ¿Cómo es recibida esta iniciativa por sus destinatarios y la sociedad en general? La iniciativa es recibida con gran entusiasmo por el público infantil (y por los padres también!), hoy pequeños realizadores. Cada año, nuestros grupos de trabajo están conformados por entre 15 – 18 niños de 6 a 12 años, grupos que por el momento no podemos ampliar por las limitaciones en equipamiento y horarias. Es muy reconfortante ver no solo el entusiasmo a la hora de producir, sino también el orgullo con el que ellos exhiben sus realizaciones y el amor que hacia ellas tienen, … sí,…No sólo son sus realizadores, sino también sus fans! Para nosotras es una gran satisfacción comprobar el sentimiento de pertenencia de las obras, y es que para todos los docentes siempre es un desafío no interferir en el proceso creativo de los niños. ¿Qué temáticas aparecen en las historias que suelen contar quienes concurren al taller? Las temáticas son muy variadas, pero tenemos una constante que es el Terror. Varios chicos, fanáticos del género escriben historias sobre Zombies comecerebros, asesinos atrapados, árboles que devoran niños, matones misteriosos… También tiene que ver con la edad de los niños y las posibilidades que brinda el cine, y el arte en general de jugar con el miedo, como modo de conjurarlos, no? También podemos encontrar temáticas románticas, sobre todo en las niñas. En este sentido nosotras intentamos darles la total libertad a la hora de escribir sus historias. Podemos poner el género como disparador, o escribirla desde los mismos personajes, o desde donde tengan ganas de contar. Todo vale en esta etapa creativa. 27_

¿Cuándo, cómo, dónde y por qué se crea este taller?


/ Espacios en movimientos.

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CINEMAS VA I V E N /Coordinadoras M a r i n a R a m a y o M e r c e d e s R o n d i n a E m i l i a F r a i l e


El taller “Cine Más” se crea en el año 2009, en la ciudad de Santa Fe, como una propuesta grupal de los equipos que trabajan con jóvenes en la institución “Vaivén, espacios en Movimiento”, que tiene la particularidad de entender a la salud como una producción cultural, que se gesta de manera colectiva. El antecedente de este taller es el grupo “Historias de vida” que se dedicaba, desde el registro fílmico, a generar producciones autobiográficas. Luego se transforma en este grupo actual que se caracteriza por apostar a las realizaciones ficcionales. Dinámica de trabajo: ¿lúdica o formal? ¿U otra? ¿Por qué? Pensamos que la realización de los cortos, en esta experiencia grupal con jóvenes, se plantea como posibilidad para generar un espacio de apropiación del capital cultural. Las diferentes instancias del proceso de producción cinematográfica (por ej: conocer y distinguir géneros, trabajar sobre el guión y la composición de las historias o en la elaboración de diferentes tramas argumentativas, la actuación, etc) pueden resultar una ocasión para acercarse y/o animarse a descubrir algo diferente o desconocido. Cuando la ficción es el género elegido, en general se promueve intencionalmente la emergencia de sentidos inéditos que permiten a los jóvenes generar otras narrativas, aunque en realidad sea imposible anticipar los efectos de una propuesta.

el taller. Nos parece muy importante que se generen espacios de difusión, como este festival, para que los grupos que estén abocados a este tipo de actividades puedan compartir con otros sus producciones. Sabemos que es una tarea que implica mucho esfuerzo pero que, a la vez, es de suma relevancia por los circuitos de intercambio social que se generan. ¿Cualquier persona puede animar? ¿A qué debe arriesgarse alguien que quiere hacer animación por primera vez? ¿Con qué se puede encontrar? Si animar es animar-se, ¿cómo no podría cualquiera animar? Simplemente hace falta la paciencia y el acompañamiento de alguien que colabore a “lidiar” con las cuestiones más técnicas y de a poco el animador se irá encontrando con inconvenientes a resolver e ideas a plasmar. ¿Se puede hacer una animación en casa? ¿Cómo? Con el celular, con una cámara doméstica, con paciencia y cosas que nos rodean. Hasta se puede hacer sin necesidad de programas muy específicos en la computadora. Después siempre hay tiempo de perfeccionar.

¿Por qué es importante educar acerca de cine de animación en niños, adolescentes y adultos? La animación habilita de manera creativa el acercamiento a operaciones como el planificar, proyectar, ejecutar, comprender procesos, narrar, idear. Si esto sucede en grupo, además, se estimula el consensuar, acordar, respetar tiempos de otros, etc. ¿Cómo es recibida esta iniciativa por sus destinatarios y la sociedad en general?

mercedesrondina@gmail.com 29_

Esta iniciativa es recibida por los destinatarios con mucho entusiasmo. En varias oportunidades nos llegaron devoluciones muy reconfortantes acerca del trabajo que los jóvenes realizan en


Había

una

/Coordinadoras Victoria Saez y María Sol Rodrí guez

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vez...


Dinámica de trabajo: ¿lúdica o formal? ¿U otra? ¿Por qué? Para trabajar en el taller con los niños adoptamos una dinámica lúdica, porque consideramos que tanto animar como hacer cine de ficción tiene que ser un espacio divertido, cooperativo y creativo, en donde la participación y la expresión sean constantes. ¿Qué técnicas y temáticas son las que les interesa trabajar? A los niños les damos a conocer distintas técnicas de animación a lo largo del taller, como stopmotion con plastilinas, figura recortada, muñecos, objetos, pixilation, etc. Las temáticas son siempre libres y surgen de las necesidades y vivencias de cada animador, luego de acuerdo a las historias que se crean, se elige la técnica más adecuada. Si bien, como dijimos el proceso creativo es libre, la técnica de stopmotion y las historias de aventuras son nuestras preferidas.

tos, los niños, la reciben con mucha naturalidad. ¿Qué temáticas aparecen en las historias que suelen contar quienes concurren al taller? Las temáticas de zombies y de lucha en otras dimensiones, son las que surgen con más frecuencia. ¿Se puede hacer una animación en casa? ¿Cómo? En casa y en cualquier lugar podemos animar, sólo hace falta una cámara, que también puede ser la de un celular, y un objeto o persona que esté dispuesto a cobrar vida. Paso 1: pensar una acción; paso 2: elegir el objeto o persona para realizar esa acción; paso 3: elegir el fondo; paso 4: colocar el objeto o persona en el punto de inicio; paso 5: colocar la cámara fija frente a esta situación; paso 6: sacar una foto por movimiento hasta concluir la acción; paso final: reproducir en orden cronológico y rápidamente las fotografías y “voilà”.

¿Por qué es importante educar acerca de cine de animación en niños, adolescentes y adultos? Es una forma divertida y efectiva de enseñar a las personas sobre el fenómeno y la magia del movimiento que nos regala el cine. Asimismo es importante porque es una disciplina que implica responsabilidad, volviendo a cada animador un sujeto activo, crítico y creativo de los procesos culturales y sociales en los que vive. ¿Cómo es recibida esta iniciativa por sus destinatarios y la sociedad en general? Este tipo de actividad suele ser recibida como novedad y con muchas expectativas por la sociedad en general y en cuanto a sus destinatarios direc-

tu_bito@hotmail.com msrodriguez.foto@gmail.com 31_

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El taller surge en el año 2008 en Santa Fe, cuando un grupo de nuevos realizadores audiovisuales nos propusimos buscar la forma de incentivar a través del juego y de la espontaneidad, la creatividad de los niños, expresándola a través del séptimo arte. El Jardín de Infantes “Había una Vez…” nos cedió el espacio para poder concretar este proyecto con alumnos y ex alumnos de la institución.


L E A N D R O A R T E A G A

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Leandro Arteaga (1974) es Licenciado en Comunicación Social (UNR). Ha estudiado Publicidad y Realización Audiovisual (EPCTV). Docente en UCSF, UAI, Escuela para Animadores. Se ha desempeñado en UNR y TEA Rosario. Redactor en Rosario/12. Conduce Linterna mágica (Radio Universidad Rosariohttp://linternamagicaradio.blogspot.com/). Ha publicado Historietas y Películas (cuadritos en movimiento) (comp.) (2011) y La pantalla dibujada. Animación desde Santa Fe (2012), ambos por Ciudad Gótica.


Hay distintos puntos de origen. Uno de ellos fue descubrir –sin vivir en Rosario- la tarea de Luis Bras a través del programa televisivo Caloi en su tinta. Otro es el posterior vínculo docente con la Escuela para Animadores (Centro Audiovisual Rosario, Secretaría de Cultura de la Municipalidad). A partir de allí, el diálogo fluido con su director, Pablo Rodríguez Jáuregui, discípulo de Bras, maestro de otros. Todo ello –entre tanto más, pero fundamentalmente desde el amor al cine– derivó en la posibilidad de investigar sobre el tema en una colección editada por Ciudad Gótica (Rosario), “Apuntes cinéfilos”, sobre la tarea cinematográfica en provincia de Santa Fe. ¿Cómo fue el proceso de sistematizar registros históricos del cine de animación santafesino en “La pantalla dibujada”? ¿Te resultó difícil la recolección de documentos o hechos significativos? Hay una actividad pionera que, sobre todo, ha llevado adelante Pablo Rodríguez Jáuregui. A él se deben los dvd’s con los 40 años de animación rosarina que ha editado la Municipalidad de la ciudad, a él se debe el rescate del material realizado por Luis Bras. Es decir, había una investigación previa sobre la cual profundizar. Igualmente, no existe –a nivel nacional o provincial– ningún ente que sistematice, preserve, el material audiovisual. Lo que lleva a una investigación conciente de sus limitaciones, de visualización en viejos vhs o digitalizaciones fortuitas. En este sentido, la alarma está dada por el vacío que el salto digital está sobrellevando sobre el celuloide. ¿Dónde irán a parar las películas? Por otra parte, mi investigación, si bien tiene un carácter descriptivo, es sobre todo de carácter analítico. Enumera 5 animadores o escuelas de animadores más representativos de la historia santafesina y describe en un renglón el por qué. Luis Bras: Es el padre de la animación en la región. Autodidacta, artista, publicista, maestro del oficio. A partir de él, todo lo demás.

El Sótano Cartoons: Propuso un trabajo coordinado, independiente, con conciencia grupal. Sus integrantes, todos talentosos. Pablo Rodríguez Jáuregui: Es un realizador autoral, distinguible. De él se desprende la Escuela para Animadores, él es la continuidad –en tanto animador preocupado por su entorno– de Luis Bras. Escuela para Animadores: Provoca el reconocimiento institucional de la animación. Habilita a nuevos realizadores, establece nexos con otros establecimientos y produce desprendimientos (Cooperativa de Animadores, Cabeza de Ratón). Claudia Ruiz: Su tarea se reparte entre trabajos propios y docencia. Ha establecido vínculos con los más jóvenes a través de talleres con especialización en el stop-motion. Enumera 3 cortos animados santafesinos que más te gustan. Bongo Rock (1971), Luis Bras. Trulalá City (2001), BK&Basta! Claustrópolis (2012), Pablo Rodríguez Jáuregui. ¿Cómo se desarrolla el crecimiento de la producción de cine animado en Santa Fe? ¿Qué factores crees que son los que facilitan y qué factores dificultan esta progresión? El desarrollo es, a veces, intuitivo; otras veces, con certeza. Hay, sea el caso que sea, mucho esfuerzo y poca retribución económica. Prácticamente, no existe el interés del sector privado. Los medios de difusión no dan cabida a los animadores. El programa televisivo Cabeza de Ratón (canal 5) existe porque hay impulso municipal. De hecho, sin el sostén que significa el municipio –a través de la EPA–, la animación en Rosario se dispersaría. Hay un grupo de trabajo que crece pero que no encuentra canales de inserción, lo que lleva a una especie de “meseta”. De todos modos, es inmanente la posibilidad que brinda Internet, en cuanto a la difusión y alternativas laborales. ¿Cómo crees que los santafesinos interesados en la animación asumen la historia que los precede? 33_

¿Cómo fue que te interesaste en investigar la historia de la animación santafesina?


En este sentido, la animación es una patria grande, no sólo santafesina; es fundamental que el animador se introduzca en los mundos de Bras, Pavlatova, Bakshi o Plympton. En medio de todo ello, encontrará una voz propia. ¿Qué es lo importante de la animación en la cultura de nuestra sociedad? Posibilita una concepción de mundo, provista de tanta pluralidad como artistas la promuevan. ¿Qué cosas te permite descubrir el trabajo que haces? Me permite acentuar mi sensibilidad porque hay intercambio con el otro (en la docencia); me permite practicar mi análisis y profundizar la reflexión (en la investigación). ¿Cómo ve la iniciativa de Cinema Lacalor con su festival El Ventilador? Es fundamental, porque legitima un espacio que reclama atención. Cuando el espacio aparece, cuando se visibiliza, es más fácil encontrarse y proseguir una misma tarea. Llevarlo adelante no es cosa fortuita, sino consecuencia de responsabilidades; algo que no toda persona está dispuesta a asumir. Defina su concepción de Animación en un renglón, una palabra o una imagen. Es un lenguaje específico, con reglas propias, con posibilidades múltiples. Ingresar en este mundo, en tanto autor o espectador, es despertar a otras posibilidades de realidad. Así como en los sueños. Por eso la animación es arte.

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arteagaleandro@gmail.com (341) 153021836 linternamagicaradio.blogspot.com.ar Rosario, Santa Fe. Argentina

Ficha técnica del libro “La pantalla dibujada” Arteaga, Leandro La pantalla dibujada: Animación desde Santa Fe – 1ª ed. – Rosario: Ciudad Gótica, 2012. 124 p.; 20x13 cm. ISBN 978-987-597208-7 Diseño: Bill & Ted Colección Estación Cine nº 17 Serie Apuntes Cinéfilos nº 2, 2012

LA PANTALLA DIBUJADA Breve reseña del libro “La pantalla dibujada” En la tarea realizada por el cine de animación santafesino se destaca una concepción de mundo – manera de entender y pensar–, es decir, qué es lo que está en juego –simbólica y socialmente– en la producción de estos contenidos culturales. A partir de la producción pionera de Luis Bras, el libro recorre la heterogénea tarea de los creadores santafesinos. Analiza qué rasgos se comparten y cuáles otros diferencian a las distintas obras y animadores que forman parte de este recorrido.


FESTI VA L EL VEN TILA DOR


/ EDICION 2 014 SELECCIÓN OFICIAL Antón

Duaa

Avec le temps

Duérmete Mingo. Capítulo 1: “Mosquito”

Maria Rosario Carlino | Argentina Ivan Diaz Barriuso | España

Bestia madre

Eugenia Catalina Gavilán Maldonado | Colombia

Adrian Quatrocchi | Argentina

Julianna Gal Csinos | España, Argentina, Hungria

El castigo

Breve Sueños con Globos

El chico que comía flores

Broett. De los alpes a tu ciudad

El origen de los ríos

Juan Pablo Boraso | Argentina

Taller de cine de animación para niños y niñas | Argentina

Dayane y Zé Firo

El trailer del horrpor

Dos buzos

La clase de baile

Daniela Alvarez | Argentina

Pietro Picolomini | Brasil Talleres Creativos “Habia una vez” | Argentina

Nelson Fernandes | España Taller de cine “Globo Rojo” | Argentina

Nicolás Ojeda | Argentina Camilo Cogua | Colombia

La fuga

Ignacio Lavizzari | Argentina


La gravedad

Peluquería

La historia del libro antorcha 2

La Piecita Perdida Conoce a la Gran O

Ariel Martinez Herrera | Argentina

Manuel Matheu | Argentina

La manzana

Carlos Montoya | Argentina

La rosa azul

Pablo Latorre | Argentina

Lana

Danila Veniani | Argentina

Keila Yael Santaella y José Matías Benassi | Argentina

Piedra papel y robot Daniel Duche

Pygmalion

Katalin Egely | Hungría

Cecilia Carolina Fontana y Pedro Bootz | Argentina

Planmeta

Mira mis ojos

Pornotopía

Mr. Postman

Quién no?

Nahual

Razones para creer

Katalin Egely | Hungría Katalin Egely | Hungría Lula Gómez y Jordi Piulachs | Argentina

Naufragio

Alan Santamaria | Colombia

Nicolas Ortiz Mariana Lucía Torres Triviño Camila Navarrete Gabriel Quintana

Renán

Gaspar Perea Muñoz

Rodencia y el diente de la princesa David Bisbano

Té de manzana

Lula Gómez y Jordi Piulachs

Tengo

Cintia Eraso

Termonster

Matias Poggini

Un sueño muy gallo

Taller Vaiven, Grupo cineMas

Uróboros. Eterno Retorno Iria Cabrera

Zombirama

Ariel López V y Nano Benayón


/ INVITADOS DE HONOR EL VENTILADOR 2 014 M U E S T R A CORTOMETRAJES

DAVID O’REILLY

VJ SUAVE

JULIA POTT

Lista de cortos

Lista de cortos

Lista de cortos

Ident WOFL 2106 Octocat Adventures Please Say Something The External World

La cena Run Homless Trip Suaveciclo

Howard Belly My first crush

http://www.davidoreilly.com

http://www.vjsuave.com

http://www.juliapott.com

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(Irlanda)

(Brasil)

(Inglaterra)


DAVID O’REILLY

VJ SUAVE

JULIA POTT

Es un animador de nacionalidad irlandesa. Conocido por la creación de películas de animación 3D con un estilo distinto. Aparte de una película de un minuto titulado Ident del cual extrae su logo, el primer trabajo disponible en su sitio web es WOFL2106. Este corto se basa igualmente en los diseños originales y populares de los memes de Internet para crear un paisaje inquietante serenidad yuxtapuesto con el caos. Esta película marca el tono de toda su obra, a pesar de la inclusión directa de los memes exterior desaparece en su obra posterior.

Vjsuave esta integrado por Ygor Marotta y Ceci Soloaga, el dúo del arte de los nuevos medios de comunicación , que recide en Sao Paulo, Brasil. Son especialistas en animación, proyección y pintada digital en movimiento, Han realizado 3 cortometrajes, “Run”, “sin hogar” y “La Cena”.

Julia pott es una ilustradora y directora de animación londinense. Define su trabajo como la creación de “torpes personajes animados para representar su confusión interior.” Es egresada del Real Colegio de Arte este 2011, forma parte del colectivo de ilustradores y animadores Treat Studios.

Sus principales proyectos son: “suaveciclo” - un triciclo adaptado para proyectar en las calles, pintura y animación con el ipad en vivo, video mapping y instalaciones site-specific de A / V.

My First Crush fue el proyecto final que Pott presentó cuando aún estudiaba en la Universidad de Kingston, el cual, a un par de meses de estar expuesto en YouTube, ya contaba con más de un millón de vistas.

Creó varias secuencias de animación y los apoyos para la película de 2007 El hijo de Rambow. Además de animación para los “guías” secuencias en la guía del autostopista a la galaxia, con Shynola. Participo en la quinta temporada de Hora de Aventura haciendo el storyboard del episodio “A Glitch Is a Glitch”. Creó el primer video de la banda de rock irlandesa U2 ‘s sencillo “ Me vuelvo loco si no voy esta noche loca “.

Ellos quieren comunicar a través de la luz del amor. Sus imagenes son conmovedoras y cálidas , elaboradas a partir de dibujos realizados y pintados a mano, que luego cobran movimiento a partir animación digital. Estas proyecciones mapeadas en parecen darle vida a las calles de Sao Paulo con personajes que bailan y corren a través del paisaje urbano.

A pesar de usar extraños personajes, ambientes y colores para animar sus historias, Pott es capaz de transmitir argumentos muy humanos cargados de nostalgia y realidad. Es muy fácil envolverse e identificarse con las tramas por lo entrañable que resultan.

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Su cortometraje Please Say Something, fue galardonada con el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2009 Film, Mejor Narrativa Breve en 2009 el Festival Internacional de Animación de Ottawa y varios otros premios. Su último cortometraje, el mundo exterior, se estrenó en el Festival de Cine de Venecia 67a y el 2011 Festival de Cine de Sundance, y desde entonces ha ganado más de cuarenta premios en su circuito de festivales.

A pesar de su juventud, Julia ha trabajado para bandas como The Decemberists y Bat for Lashes, pero reconoce que su verdadera pasión está en crear y animar breves narrativas, en su mayoría protagonizadas por ilustraciones de animales que, de acuerdo con Julia, dan vida a sus propias batallas; Howard fue su iniciación en estas short-narratives.


/ LARGOMETRAJE DE HONOR CINE DE ANIMACIÓN LATINOAMERICANO EL VENTILADOR 2 014 BIOGRAFIA

ALFREDO SORDEGUIT (Uruguay)

Largometraje Anina Yatay Salas

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http://www.anina.com.uy

Ilustrador con interés especial en la narración gráfica, se dedica también al cine y dibujo animado. Trabaja como ilustrador de literatura infantil desde hace mas de 10 años para editoriales como Santillana y Sudamericana. Ha ilustrado mas de 30 títulos publicados en Uruguay y algunos en Argentina y Noruega. Ha recibido varias distinciones a nivel local; como ilustrador, como director de arte en cortometrajes de ficción, como director en piezas de animaciónIntegra “Palermo estudio”, colectivo de animadores e ilustradores donde se desarrollan proyectos vinculados a la ilustración de libros y al cine de animación. Entre los libros que ha ilustrado se destacan: Anina Yatay Salas (Sergio López Suárez, Ediciones Santillana), La increíble aventura de Gonzalo y la vaca feroz (Federico Ivanier, Editorial Sudamericana), Los cazaventura (colección de 6 tomos, Helen Velando, Ediciones Santillana), Historias de magos y dragones (Fernando González, Ediciones Santillana) Un resfrío como hay pocos (Magdalena Helguera, Ediciones Santillana).


Anina Yatay Salas es una niña de diez años. Su nombre es un palíndromo que provoca las risas de algunos de sus compañeros de escuela, en particular de Yisel, a quién Anina ve como una “elefanta”. Cuando su paciencia se agota, Anina se trenza en una pelea con Yisel a la hora del recreo. Este incidente termina con una llamada a sus padres para que se presenten en la dirección de la escuela y en una sanción para a las niñas. Anina recibe el castigo dentro de un sobre negro cerrado que no puede abrir hasta que vuelva a reunirse con la directora una semana después. Tampoco puede mencionar a nadie la existencia del sobre. Sus compañeros de clase la presionan para enterarse de qué se trata el castigo, e imaginan para ella torturas corporales terribles. La propia Anina, en su afán de

FICHA TÉCNICA conocer el castigo agazapado en el misterioso sobre negro se meterá en una maraña de problemas, entre amores secretos, odios confesados, amigas entrañables, enemigas terroríficas, maestras cariñosas y otras maléficas. Para Anina, entender el contenido del sobre se transforma, sin que ella lo sepa, en entender el mundo y su lugar en él.

PRODUCCIÓN EJECUTIVA

Germán Tejeira, Julián Goyoaga y Jhonny Hendrix (Colombia)

COPRODUCTORES

Palermo Estudio y Antorcha Films (Colombia)

ELENCO

Federica Lacaño, María Mendive, César Troncoso, Cristina Morán, Roberto Suárez y Petru Valensky

BASADO EN “Anina Yatay Salas” de Sergio López Suárez

FORMATO / DURACIÓN 80’ – Digital 2K – 35mm

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SINOPSIS


“Acto de parir” (Santiago Bou Grasso)

“Un truco de magia. Un mundo fantasmagórico”

“Creatividad e imaginación sin límites” (Revista Moushon!)

(Pablo Rodríguez Jáuregui, Escuela para Animadores de Rosario)

¿QUE ES LA ANIMACIÓN? / Según ellos

“Animación es dar vida a dibujos u objetos inanimados, es crear un universo, es, como dice Pavlatova, jugar a ser Dios.”

“Animar es la posibilidad de crear un mundo poético propio y darle vida.”

“Juego. Imaginación. Poesía. Paciencia”

(Diego Rolle, Cooperativa de Animadores de Rosario)

(Claudia Ruiz, El Molinete Animación)

(El Globo Rojo: Taller de cine para chicos)




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