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Desde el estudio
Los Olivos Recording Studios, versatilidad en producción
Compositor, arreglista y productor, Beto Hale reside en Los Ángeles, California donde ha hecho realidad el sueño de una vida: su propio estudio. Con la guía y diseño de Jay Kaufman (Kaufman & Associates: Arquitectural Acoustic Design and Consulting), este estudio abrió sus puertas en 2016, luego de tres años de construcción, integración y acabados.
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Mano de obra visionaria
Beto tuvo la oportunidad de construirlo en su casa, al tener un terreno amplio para ello. El estudio se compone de un live room, un par de cuartos de aislamiento, la cabina de control y una pequeña recepción con cocina, sala y baño completo. “Me puse en contacto con diferentes diseñadores de estudios y di con Jay Kauffman porque estuve en un estudio que me gustó mucho y me dieron su contacto. Nos reunimos y realmente logró cumplir la visión que tenía al cien por ciento. Quería grabar mis baterías, que fue como empecé en esto, y le dije a Jay que quería hacerlo como antes, a la manera en que hacían bandas como Led Zeppelin, así que me dijo que necesitaba techos altos y empezamos por eso: la altura es de 5.4 metros en el live room”. Beto Hale “La acústica es la especialidad de Jay. Le pedí considerar que pudiera grabar todo tipo de música y que se hiciera una fácil integración, así que me recomendó a Niky Trafalia quien, si no es la mejor, es una de las mejores personas que
se dedican al cableado, integración e interconectividad en estudios; como jefe de obra tuve a quien hizo el estudio Paisley Park de Prince. El cableado va bajo el suelo y entre cuartos hay lo que llaman en inglés, decoupling, una separación muy pequeña entre la base de concreto de cada cuarto para que no se trans eran las frecuencias graves de uno a otro; las paredes son doble o cuádruple del grosor de una pared normal. Tenemos interconectividad de audio y video, además de Ethernet para hacer cosas en la red interna, incluido Dante y este tipo de tecnologías que se han desarrollado muy rápido. Niky anticipó que venía eso y lo pusimos. No hemos ocupado todas las opciones que ofrecen los diferentes paneles y conexiones que nos puso, ¡pensó en todo! Fue fantástico tener gente tan visionaria”.
Selección de equipos
Otra aportación valiosa de Kauffman fueron los consejos respecto al equipamiento, llevando a Beto a optar por un camino digital, de fácil mantenimiento y para cubrir con los estándares en la industria musical, cinematográ ca y de televisión: “Nos fuimos por un sistema práctico que se pudiera crecer con periféricos e ir adecuando de manera modular. La base es la consola digital S6 de Avid con Pro Tools, que es el software estándar de la industria, lo que usan para grabación y postproducción en películas y televisión. Me hubiera encantado tener una consola análoga, tal vez la tenga en otro momento pero será por cumplir esta visión romántica”.
“En periféricos tengo preampli cadores como las Series 500, que son prácticos y fáciles de usar; un rack con una serie grande BAE, un 1073 de Neve, API, un MP5 de Tonelux, un Drawmer de bulbos y otro módulo con un Tube-Tech de compresor con otro preamp BAE con dos entradas estéreo. Algo que hizo Niky fue poner páneles a los que se puede conectar un productor o un ingeniero que esté de visita para que se traiga sus equipos y trabaje conectándose a la bahía de parcheo y listo. Es muy exible”.
“En el cuarto de máquinas tenemos la MTRX de Avid como interfaz principal, y si hacen falta entradas para sesiones grandes, está la HD I/O. Tenemos un distribuidor de Aviom para la mezcla de audífonos que va por red a las distintas cabinas,
mientras que en microfonía tenemos modelos de Shure, como el Beta 181; Peluso P87, P12; Mojave MA200, Schoeps M22, 414 de AKG y un Audio Technica 4050 que es un gran micrófono para guitarra acústica y voz. Además de esto, en la crisis sanitaria me hice de varios sintetizadores, como el Arp 2600, un Prophet 908, Overheim y el Jupiter 8, muy cotizados y con los que estoy haciendo mucha música”.
Multiservicios
En Los Olivos, además del servicio de grabación y postproducción como tal, se brinda la renta del espacio como set o locación para videos, como fue el caso del realizado por Emmanuel y Paul Anka. El mercado angelino permite atender distintas necesidades: “Han grabado artistas como Flor de Toloache, el productor Dany Venzi; Juan Galeano, de Diamante Eléctrico; Las Cafeteras o músicos clásicos como la California String Quartet, que participa en las bandas sonoras de cintas como Transformers. Es muy bonito como músico y dueño de este estudio ver cómo la gente puede venir a trabajar aquí y hacer cualquier cosa, aprovechando condiciones como la separación de cuartos”.
“Durante el paro por con namiento estuvimos inactivos y me dediqué a mis proyectos. Después colabore como productor y músico de Nancy Sánchez en un EP de tres canciones. Hubo cosas a distancia y hemos ido balanceando conforme las
Micrófonos, preampli cadores y compresores de Los Olivos
Micrófonos
Neumann U-47 Audio-Technica: AT4050, ATM 450 (pair) Royer R-122 (matched pair) AKG C-414 XL-II (matched pair) Mojave Audio MA-101 fet (pair) Earthworks SRO (pair), SR 69 (pair) Solomon Mics LoFreq Sub Røde: M1 Sony ECM 260 F (2) Schoeps M221B (matched pair) Shure: SM-58, SM 57, SM 8, SM 7, SM 81, Beta 52, KSM44A (2), KSM14SL Audix: D2 (2), D4 (2), D6, SCX-One (cardioid pair); SX-One
Preampli cadores
BAE 1073D; 312B (10); 312A (2); 1072 (2) API 512c Tonelux MP5A Burl B1 (2) Rupert Neve Designs 511 (2) Preampli cador Focusrite RedNet X2 P
Compressors
TubeTech CL 1B API 525
restricciones sanitarias y la economía nos deja uir e ir sobrellevando mejor las cosas. Seguimos siendo cautelosos y responsables”.
Finalmente, la losofía de este espacio de creación se cumple: “Que la gente venga y se sienta como en casa para crear a gusto; tener la creatividad al máximo y no preocuparse del mundo externo. Tenemos luz natural a través de ventanas y ¡se ven los olivos! Estos árboles con los que la gente se siente a gusto para crear”.
Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
sennlatam@sennheiser.com www.sennheiser.com
Arreglo lineal de gran formato Meyer Sound PANTHER
Como una promesa de una de las marcas con una vasta historia en la industria del espectáculo, Meyer Sound anuncia el futuro de los arreglos lineales de gran formato con la llegada de PANTHER, altavoz que integra tecnologías de sistemas grandes a un espacio excepcionalmente compacto y liviano. Con más de 150 dBs de SPL y solo 68 kilogramos de peso, el equipo signi ca un importante avance en el rendimiento de potencia, estableciendo un nuevo punto de referencia en la industria del audio para los altavoces de arreglo lineal compacto, liviano, potente y de bajo consumo de energía.
Con la visión por delante
Los escenarios de producción complejos y enfocados en lo visual, junto con normas de seguridad más estrictas, son las condiciones comunes en los eventos actuales, además de restringir a menudo el espacio y el peso permitidos para los altavoces. Al mismo tiempo, las políticas ambientales requieren una mayor e ciencia energética y una huella más pequeña para el transporte, a medida que más producciones cambian a una infraestructura de señal en red.
En respuesta a estas demandas, la salida acústica de PANTHER está muy cerca del altavoz de arreglo en línea LEO y es del mismo tamaño que el altavoz de arreglo en línea LYON.
“Esta es nuestra presentación de altavoces más importante en más de una década”, comenta John Meyer, presidente y director ejecutivo de Meyer Sound. “Estoy orgulloso de cómo nuestros ingenieros lograron ambiciosos puntos de referencia de rendimiento mientras reducían el peso y aumentaban la e ciencia de consumo eléctrico”.
En conclusión: rentabilidad de la inversión
Al igual que con todos los altavoces Meyer Sound, PANTHER ofrece la longevidad del servicio que incluye los transductores, ampli cadores y procesamiento de los sistemas autoampli cados. Además, ofrece nuevas funciones que aseguran un mayor retorno de la inversión a largo plazo, como el estándar de entrada Milan AVB certi cado, haciéndolo el primer altavoz de arreglo lineal con esta certi cación en el mundo. Con este avance, la nueva creación de la marca extiende los sistemas en red basados en Milan, mientras que la entrada analógica paralela siempre activa asegura la compatibilidad con versiones anteriores de la infraestructura de cableado existente.
Gracias a todo lo anterior, la inversión continua de Meyer Sound en materiales y estándares de diseño signi ca que PANTHER es líder en su clase, no solo gracias a su rendimiento, sino que el precio es sustancialmente más bajo que la generación anterior, haciéndolo muy competitivo al tener en cuenta características como la ampli cación y el procesamiento.
En breve, la o cina de Meyer Sound en México estará realizando demostraciones de PANTHER para los clientes de nuestro país y Latinoamérica.
www.gonherpro.mx info@gonherpro.mx
Fotos: Cortesía SARA Producciones
Tengo un sueño:
gala de precisión técnica en audio
Una muestra del trabajo que realiza la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del programa Cultura Comunitaria y sus Semilleros Creativos a nivel nacional, es el evento Tengo Un Sueño, que ha tenido lugar en el Auditorio Nacional (2019, 2021), donde niñas, niños y jóvenes exponen lo aprendido en danza, artes visuales, teatro y música. Un espectáculo titánico que puso en escena a más de 600 niños en 2021 y que requirió un preciso control del trabajo en sala y monitores para coordinar equipos inalámbricos, sus frecuencias y la mezcla de voces y música: más de 100 canales simultáneos. La producción técnica del audio en la edición del 2021 estuvo a cargo de Annette Fradera, quien ya había participado en el proyecto en 2019 y que cuenta con una amplia trayectoria en la producción musical, de eventos, enseñanza y gestión cultural. Ella convocó a un equipo de audio de alta gama con Humberto Terán y Luis Quiñones en audio en sala, Jorge Soto y Everardo Cano en monitores y Alejandro Peralta en gestión de radiofrecuencias (RF).
La conquista del sueño
El antecedente en la producción de este tipo de eventos para Annette fueron el concierto Música en Armonía de 2014,
Hubo un inventario de 117 frecuencias que además coexistían con los requerimientos de la transmisión en video inalámbrico y cámaras en una frecuencia de 5Gigas.
Tengo Un Sueño ha tenido lugar en el Auditorio Nacional, y niñas, niños y jóvenes exponen lo aprendido en danza, artes visuales, teatro y música en un espectáculo titánico que puso en escena a más de 600 niños.
donde contó con Humberto Terán y Jorge Soto, y luego Tengo un sueño del 2019: “Llegamos a tener 150 niños en escena, entre coro y orquesta. Trabajé con Humberto en sala y Jorge en monitores y todo salió muy bien; después llegó este otro proyecto Tengo un sueño, al que primero fui como observadora y donde pude compartir a la dirección de Fomento Musical mis notas para mejorar ese evento, que tuvo 600 niños. Para mí, el reto estaba en la parte de audio, donde el secreto es uno y solo uno: tener el mejor equipo posible de ingenieros”.
“A este grupo de ingenieros los adoro; no había tenido el gusto de trabajar con Alejandro Peralta ni con Luis Quiñones, pero logramos muy buena química entre todos y eso fue fantástico. Se pidió una ampliación de proscenio de ocho metros para separar artes escénicas y los números musicales con el coro, la orquesta y los invitados. La orquesta requería poco monitoreo porque se usaron una gran cantidad de diademas, como ahora, y el manejo de RF fue extensísimo y complicado. Ahora se atendió mejor y pudimos entrenar a los niños sobre cómo usar su bodypack en los ensayos previos que hubo al concierto durante un campamento que se hizo en Oaxtepec y donde pudimos tener una parte importante del audio, particularmente RF, donde Alex y todo su equipo pudieron ir elaborando un guión y asignar los micrófonos”. “Además pudimos estar casi todos y observar cosas y detalles que había que tomar en cuenta para el Auditorio Nacional donde también se ensayó. Estos eventos son atípicos y por eso insistimos mucho en tener ensayos durante el campamento que se arma para reunir a los niños; no es un show donde estás girando a un mismo artista y lo conoces; aquí hubo mucha gente, muchos micrófonos y un espacio complicado. En mi opinión, este tipo de eventos es una celebración, la darle a los niños y jóvenes una experiencia distinta”.
Annette Fradera
Alejandro Peralta Humberto Terán
Luis Quiñones
El objetivo: precisión
Por la magnitud y necesidades del evento, la manera en que se optó por trabajar las labores en sala y monitores fue separar lo musical y lo vocal, asignándose una consola para cada tarea; así lo relata Humberto Terán:
“Al principio se pensó que serían más participantes, el doble de lo que tuvimos y fue entonces que separamos la parte musical de la parte vocal; reasignamos los roles, invitamos a Luis Quiñones para que se hiciera cargo de todos los inalámbricos porque había que abrirlos, cerrarlos, asignarlos y reasignarlos y se necesitaba un especialista y profesional de alta gama como Luis y Alex Peralta. La importancia del evento fue técnica, estrictamente porque todo fue precisión. El manejo de frecuencias de Alex, la continuidad de las escenas de Luis con
las voces de los niños y los monitores con Jorge y Everardo Cano lo elevaron a una alta gama y lo único que teníamos que hacer era cultivar y planear la precisión de las cosas”.
“Aquí se trataba de precisión y había que tener una coordinación en la que Annette fue el motor logístico, técnico y administrativo. Pudimos estar en los ensayos en Oaxtepec para trabajar con los niños y que aprendieran a usar los inalámbricos y las diademas. La prioridad, y lo manifesté desde un principio al equipo, era Alejandro Peralta con las frecuencias, con el rol de los inalámbricos y Luis abriendo las escenas puntualmente”.
Gestión de RF, el pilar
Con la petición de equipamiento cubierta como indicó Alex Peralta (Axient Digital de Shure, sistemas SR2050 de Sennheiser y el Spectrum Manager AXT600 de Axient), su labor de monitorear alrededor de 117 frecuencias fue posible: “El trabajo de Annette fue titánico en el aspecto de empujar para que tuviéramos lo que se necesitaba, yo estuve insistiendo mucho en que me dieran la información de los sistemas para poder determinar si se podía o no hacer. Era un reto fuerte porque en 2019 fueron 80 frecuencias y en esta ocasión yo tuve un inventario de 117 frecuencias que coexistían con los requerimientos de la transmisión en video inalámbrico, cámaras proyectando en tiempo real en una frecuencia de 5Gigas y estar atento a todo eso que aparece en el ambiente. El trabajo con los niños fue una cosa tremenda porque logramos que aprendieran a usar los equipos para que no movieran la posición o cambiaran la respuesta de frecuencia. Eso se hizo a un gran nivel, para el que conté con un equipo técnico del que estoy mega orgulloso porque dieron el ancho y todo se corrió como debía”. Este staff estuvo formado, ademas de Alejandro, por Jessica Alinne Acosta Garcia, Fermín Ramirez Sánchez, Santiago Morúa Quesada, Gustavo Cancino Guerra, Luis Rossell, Ilse Gabriela Casillas y Eréndira Contreras Santamaría.
Imagen sonora congruente
Encargado de monitores y hacer un ajuste del campo cercano del sistema de PA del Auditorio Nacional, Jorge Soto usó una consola Solid State Logic y así describe cómo ejecutó su tarea con el apoyo de Everardo Cano:
“Con las adecuaciones ya dadas de cuántos niños tendríamos junto con la orquesta e invitados como Eugenia León y Javier Camarena, creo que no hubiéramos salido tan bien librados si no hubiésemos estado en los ensayos desde el principio como estuvimos, prácticamente cinco días para checar por secciones (cuerdas, maderas y metales), luego el ensayo con la orquesta juntos y el coro... se fue creciendo y eso fue algo bonito de ver”.
“Por la magnitud de lo que íbamos a hacer y la complejidad de cómo se iban a manejar las mezclas y el monitoreo, con
peticiones especí cas tanto de Humberto como del maestro Eduardo García Barrios, el director de la orquesta, llegamos a 82 canales de receptores de Axient, más 16 unidades de ULXD; sumamos 20 canales duplicados al estilo teatro para no perder de vista a los niños, fueron más de 100 canales de inalámbricos y más de 100 canales que teníamos de orquesta. Everardo me ayudó mucho con la mezcla musical de Javier Camarena y para cuidar no contaminar los micrófonos de la orquesta y ahí Humberto trabajó un diseño puntual de microfonía; se asignaron diademas extra y tuvimos un guión lo más detallado posible”.
“Quisimos tener una sola consola de monitores y la otra como control remoto y respaldo para Everardo, pero necesitamos duplicar canales, meter efectos y mandar los auxiliares y hacer grupos que iban y venían. Ahí fue cuando nos fuimos con dos consolas que interconectamos vía MADI; tuvimos 32 canales para ir y venir y eso nos facilitó mucho que cada quien trabajaba a su ritmo. Fue a cuatro manos que estuvimos trabajando”. Sobre esta labor en monitoreo, Everardo Cano re exiona: “En lo personal es muy satisfactorio ver que hay gente que se está preocupando porque nuestras tradiciones y cultura se puedan manejar a un nivel de respeto y profesionalismo tan bueno como el que hubo en este evento. Técnicamente debía ser perfecto y como prácticamente me la pasé con una consola SSL en casa, la conozco muy bien y sabía que podíamos hacer o manejar todavía más, como el tema de los canales, que incluso
Jorge Soto Everado Cano
si hubiéramos tenidos los preamps, listos hubiéramos llegado hasta 280 canales, pero más que todo eso es el sonido de la mesa. Para mí en lo personal, las facilidades y lo que han hecho con la máquina y los plug-ins que trae, sé que no los tendré de ninguna otra: la conversión y el manejo interno son ventajas que llevo al máximo con esta consola”.
En sala, Humberto Terán optó por la consola Venue D-Show y puso énfasis en la selección y acomodo de micrófonos: “Se necesitaban ciertas características de direccionalidad y de resolución para que, si salía un violín o entraban jaranas, hubiera una máxima resolución del micrófono. Ahí puse el énfasis, en el diseño de micrófonos, porque no podíamos poner micros de clip a los músicos tradicionales. Opté por tener micros puntuales para esa sección central de la orquesta: una combinación de micros Schoeps y Neumann 184, que funcionó bien y puntual en las arpas; los tradicionales Shure SM58 y los clips de DPA. Me enfoqué en eso para cambiar la escena, llevar los compresores y regresar a la escena y desactivarlos. Con la D-Show he podido mejorar y controlarla dinámicamente, poniendo en la cadena entre el procesador de bocinas y la consola, el Finalizer de TC Electronic, y puedo utilizar al igual que en la SSL, mi TC Electronic 4000 como reverb principal”.
La contraparte vocal que llevó Luis Quiñones, la operó desde una consola Yamaha PM7D: “En el evento del 2019, junto con Humberto y Alex, hice monitores y teníamos 120 canales y, de hecho justo porque teníamos eso y no alcanzábamos más, Humberto hizo una mezcla de orquesta que me mandó a monitores y yo hice otra de los grupos de sones jarochos y se la mandé. En otro evento, donde también estuvo Humberto, ya habíamos usado esta consola y me acomodé muy bien, gracias a la capacidad que tiene de canales, procesamiento y demás”.
“En mi consola cayeron varias cosas. La microfonía inalámbrica de las intervenciones actuadas, voces, diálogos y cosas que llegaron y que ya no cupieron en la consola del evento, a las que les hice un par de mezclas para un par de actos con 7 u 8 arpas y las tubas y cosas adicionales, no sólo para el evento estrictamente, sino canales para maestros de ceremonias y los spares, entre otros. Ese fue mi complemento al trabajo musical que llevó Humberto. Fue una cuestión de repartir el trabajo en un evento tan complejo”.
La planeación, el tratamiento quirúrgico del factor técnico en el audio que debía imperar para llevar a buen puerto este magno evento, además del énfasis en cumplir procesos fundamentales como los ensayos y estar abiertos a incluir nuevos talentos que tomen el desafío con profesionalismo y aptitud, indican un camino de excelencia al que no se debe renunciar ni poner concesiones. Sabiendo, además, que lo dirigen y ejecutan profesionales de alta gama, como bien denominó Humberto Terán a los participantes de esta producción.
Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
TENEMOS EN RENTA LOS EQUIPOS MÁS ROBUSTOS PARA TU PRODUCCIÓN.
Fotos: Natalia Urbano
Tu Audio,
excelencia en el arrendamiento de equipo
Fundada por Guillermo Rosillo en 2009, Tu Audio es una compañía de renta de equipo para producciones de entretenimiento y corporativas que destaca por el manejo e ciente de aspectos clave como inventario, atención al cliente, capacitación y diseño de proyectos. Para ello ha sido fundamental contar con Representaciones de Audio como aliado comercial para la adquisición de equipo como de entrenamiento y así sacar el máximo provecho de la inversión realizada.
Una familia en la Industria del espectáculo
“Somos una empresa que afortunadamente todos los años nos hemos ido superando, a reserva de estos dos años de crisis sanitaria. Somos una familia donde la gente llega y se queda para siempre, con una base de 12 personas y un grupo de personal eventual que llega a ser de hasta 60 miembros por evento. Nos dedicamos a la producción de eventos atendiendo audio, luces y video, desde el PA, microfonía, consolas y demás, ya sea que produzcamos nosotros o a través del suministro de los equipos”.
En este sentido, una empresa como Representaciones de Audio es una guía, como explica Guillermo: “Es como un ángel de la guarda que siempre está con nosotros, brindando soporte y servicio. Su atención es extraordinaria y gracias a eso podemos tomar las mejores decisiones de los equipos a comprar y en qué tiempo hacerlo, lo que nos bene cia en mejores decisiones de inversión”.
“Además de hacer buenas inversiones, la capacitación que brindamos es tanto profesional como humana, porque aquí queremos hacer mejores personas todos los días. La formación humana la vemos con principios y valores y en el caso de Representaciones de Audio, su aportación son desde los cursos que nos dan hasta los eventos especiales para cada producto nuevo que llega con su especialista. Hemos tenido oportunidad
de ir a la fábrica de Shure, sabemos cómo está compuesto un equipo y eso es importante para saber cómo desarrollarlos y tener mejor resultado”, detalla el empresario.
Alto nivel en equipos
En el rider de Tu Audio destacan las marcas Shure, Allen & Heath, SGM y König & Meyer, rmas que son estándares en la industria y gozan de vanguardia tecnológica, certi cación, garantía y calidad premium, que las hacen factores para elegirlas, como expone Guillermo: “Para nosotros, en el área de microfonía, Shure es una llave en mano, algo que todos piden y que podemos garantizar en servicio y garantía. En cuestión de la inversión, el retorno es inmediato, porque no hay un evento que hagamos donde no esté un micrófono de ellos”.
“Por otro lado, Allen & Heath, si bien somos muy nuevos con la marca, nos encanta. La consola Avantis, que llegó justo con la crisis sanitaria, sabemos que va a revolucionar completamente el audio en vivo, porque es muy accesible y resuelve increíblemente en todo. Tiene un sonido característico”.
“De la marca SGM nos sentimos embajadores de la marca; contamos con un amplio repertorio en nuestro inventario. Tenemos el respaldo directo de la fábrica, que está al pendiente de nosotros para ver qué innovaciones tienen de equipo. Algo que nos ayuda mucho con los clientes es que SGM es la pionera en certi car los equipos IP65 para su uso en exteriores”. “König & Meyer, para quien no la conozca, es una marca de la que se hace una inversión importante, pero que durará para siempre. Son soportes para micrófonos, bocinas, partituras, sillas y pódiums de alta calidad y esa es una losofía que también tenemos en Tu Audio: manejamos equipos Premium para no tener fallas con nuestros clientes”.
“Algo muy importante también es el cableado que poseemos y nos hace sentir robustos porque es algo que el cliente no ve y no paga, pero somos muy robustos con eso”, comparte Guillermo.
Tras la pausa por el con namiento sanitario, Tu Audio se enfocó en pulir la organización interna de su compañía, velar por sus colaboradores y mejorar su servicio con herramientas digitales que le resuelvan, tanto a los clientes potenciales como reales, las condiciones y características de sus servicios:
“Para nosotros, cada evento es único, de ahí que tenemos un sistema fuerte para cotizar y que la gente entienda los servicios que le daremos, y contamos con un área profesional que tiene un sistema para cotizar rápidamente o dar alternativas de contrarider para las producciones. Somos e cientes, tenemos un control total porque, hay que decirlo, debemos estar al nivel de la actualidad y atender con prestancia a las necesidades del personal que se requiere, los transportes y por supuesto el equipo”, expone orgulloso el directivo.
Enseñanzas para el futuro
La lección de la crisis sanitaria ha sido prepararse y valorar para lograr mantenerse y brindar un servicio de primera línea, como menciona Guillermo: “Estábamos muy atareados de trabajo antes del paro en marzo de 2020 y ante esta situación, lo primero que hicimos fue cuidar la salud y empezamos a capacitarnos en eso. Ver por el personal, que todos estuviéramos bien y seguir con el puesto de trabajo, que fue un gran reto lograr, pero que ahora nos da la oportunidad de estar listos para lo que viene”.
“Tu Audio llega a los doce años y la meta era llegar a 2020 usando el estuche mil, pero esperemos que este año podamos tener una edición especial de eso. Hemos llevado, en una salida, hasta 3 mil ítems, entre adaptadores, cables o luces robóticas de 10 mil dólares. Todo tiene un control e importancia por igual para nosotros. Buscamos ser muy disciplinados y tener excelencia. Queremos seguir logrando que las personas que están con nosotros crezcan y seamos estables. Queremos atender bien a nuestros clientes”, naliza entusiasmado Guillermo.
Los equipos de Tu Audio
Consolas
(02) Allen&Heath Avantis, (02) GX4816 epx
Soportes
König & Meyer (50) 21080, (07) 21337, (20) 25950, (06) 26200
Microfonía
Shure Beta 91A, 52A, 56A, 57A, 87A, 98H/C, 98AMP, 181, 87A,58A Beta 98 AMP/C Beta 53 Beta98WBAH/C, Beta 58 SM 81LC, SM 58LC, SM 58S, SM 57LC, SM 58 SUPER 55 KSM 137 KSM9 MX412, MX418 A412B
Antenas
UA874WB, UA870WB Shure AD AD4Q, AD4D, AD1, AD2BETA87 Shure in ear P9HW, P9T, P9RA+ Shure UVP VP 83F Shure BLX BLX1, BLX4R, BLX2, BETA58 Shure UR UR4, UR5, UR1, UR2BETA87A, UR2BETA58, UR2SM58
Luminarias
SGM Gspot, P10, P1
Metallica,
cuarenta años de música y escenarios
Fotos: Ralph Larmann
Metallica, una de las bandas de metal más influyentes y legendarias, invitó a sus fans a dos conciertos épicos en el Chase Center de San Francisco en diciembre pasado para celebrar 40 años increíbles de música y actuaciones provocativas e innovadoras.
El diseño del escenario incluye una impresionante arquitectura visual con 45 grandes superficies de video superpuestas y de varias capas.
Hambre de conciertos
Como en muchos otros conciertos masivos que se están produciendo en estos tiempos, con protocolos distintos y fechas modi cadas, el público se mostró ávido de ver a Metallica en todo su esplendor, por lo que la banda se lució para satisfacer tan amplias expectativas. Fue por eso que en aspectos como el diseño de iluminación fue elegido Rob Koenig, quien a su vez colaboró estrechamente con el diseñador de producción, Dan Braun, cuya impresionante arquitectura visual, presentó 45 grandes super cies de video superpuestas y de varias capas, estableciendo el tono visual para esta retrospectiva del grupo en vivo. Si bien las pantallas fueron clave para mostrar la reproducción de videos, entrevistas, obras de arte y otro material de archivo que abarca las últimas cuatro décadas, la iluminación destacó tanto a Metallica como a su audiencia, uniendo y energizando un vínculo enorme que los ha visto permanecer en la cima de la música desde la década de 1980.
Diseños escénicos de avanzada
El diseño lumínico se tornó exigente y requirió de una solución muy poderosa, dinámica y exible. Fue por esto que Rob y Dan eligieron 148 luces móviles Robe BMFL WashBeam para conformar el corazón de la plataforma de iluminación, más otras 16 luminarias BMFL WashBeam que se ejecutaron en cuatro sistemas RoboSpot.
Además de las 19 barras LED móviles, las BMFL fueron las únicas luces en la plataforma, a partir de las cuales el equipo de diseño creó 36 canciones con un aspecto y tratamientos únicos e impresionantes. El espectáculo comenzó con “Hit the Lights” y Rob hizo exactamente eso, disfrutando de la oportunidad de traspasar los límites creativos del teatro, el drama y la emoción pura para 16 primeras canciones, seguidas de otras 16, mezclando temas clásicos, éxitos de taquilla y rarezas codiciadas en el segundo concierto.
Uno de los momentos más especiales incluyeron la primera interpretación en vivo de “Fixxxer”, un favorito de los fanáticos que es oscuramente complejo y con ictivo, del álbum “ReLoad” de 1997 y que fue entregado en la primera noche.
En la opinión de Dan Braun, diseñador de producción
“He estado trabajando todo el tiempo en esto. Vi un espectáculo de Pink Floyd en 1975 y me decidí a hacer eso. Aprendí en el camino desde mis primeros días dirigiendo la música en un club, trabajé para tratar de hacer que el espectáculo se viera mejor.
Empecé a trabajar para Metallica en 1994, pero mis primeros shows con ellos fueron como promotor en 1985. Para esta ocasión especial, empecé a pensar en este espectáculo, porque íbamos a contar la historia de los primeros 40 años de la banda, pero también de sus fans. Este espectáculo fue único en diseño. Queríamos intencionalmente que cada asiento tuviera una experiencia personal y se necesitaron muchas pantallas para que eso sucediera.
Estuvimos en el Chase Center durante cinco días antes del primer concierto, pero pasamos varias semanas en la previsualización; Rob Koenig es un maestro en armar los espectáculos de esta manera. Cat West, con la asistencia de Joe Cabrera, programaron la iluminación. Lo mismo ocurrió con nuestro equipo de video; Gene McAuliffe, nuestro director, su asistente de dirección Naoki Ogawa y el programador de D3, Spencer Pokorski, también crearon gran parte de la magia antes de ingresar al lugar.
Por su parte, mi coproductor John “Lug” Zajonc, se ocupó de los desafíos de construcción; él hizo realidad el sueño y algo único que hizo en este show fue llevar todo el cableado hasta el techo para que el recinto no estuviera lleno de caídas de cables que obstruyeran las líneas del sitio. Debo agregar que fue un gran esfuerzo de equipo increíble hacer que estos shows fueran tan especiales como lo fueron para la banda y el público. Nadie hace algo así solo, y por supuesto, ¡trabajamos para una banda increíble!”
Rob y los programadores de iluminación, Joe Cabrera y Cat West, prepararon un grupo de 36 canciones. Sin embargo, sin una lista de canciones de nitiva disponible antes de las primeras semanas de la vista previa y una selección de comodines excepcionales que se tocarían por primera vez en más de 10 años, hubo mucha oportunidad para echar a volar la imaginación. Cuando llegó la hora del espectáculo, Rob también se encontró improvisando más de una vez, lo que lo mantuvo completamente lleno de energía y encerrado en un ujo de trabajo “completamente estimulante”, como menciona.
Luces y video: combinación para ganar
El punto de partida para el diseño de iluminación fue el diseño físico y estructural de los elementos de video que se proyectaron desde el techo del lugar sobre una serie de estructuras de forma elíptica.
A medida que el diseño del video evolucionaba, las discusiones también giraron en torno a la ubicación de la iluminación, ya que Rob necesitaba su cientes luces en diferentes ángulos y niveles para llegar al escenario y también iluminar a la audiencia durante toda la noche, sin cegarlos y sin tocar las pantallas. De esta forma, la iluminación tenía que armonizar y contrastar con el aspecto visual general.
Así fue como veinticuatro luces BMFL WashBeam se desplegaron sobre el escenario, envolviendo una de las elipses más pequeñas que sostenían el monolito de video de forma cilíndrica central, A medida que el diseño del video evolucionaba, las discusiones también giraron en torno a la ubicación de la iluminación, ya que se necesitaban suficientes luces en diferentes ángulos y niveles.
con otros 48 dispositivos en una de las elipses más grandes que también fue dividida por elementos del sistema de audio.
En la audiencia, tres niveles de luminarias BMFL WashBeam fueron colocados estratégicamente para agregar profundidad y dimensión a la imagen, además de 24 dispositivos al nivel del piso y otros 24 equipos en el nivel de la explanada, con el tercer y más alto conjunto de 24 luces BMFL colgado sobre el público en posiciones óptimas para iluminar el escenario, que era una construcción en forma de diamante de trece metros en el centro del espacio.
“Una mentalidad y un enfoque ligeramente diferentes impregnaron este espectáculo”, comenta Rob, quien ha trabajado con Metallica desde 2008. Ese cambio estaba lejos de ser fundamentalmente oscuro, melancólico y amenazante,
como son algunas canciones de la banda, y aunque no fue menos intenso que los espectáculos a los que Metallica nos tiene acostumbrados, también hubo un aire de celebración. “Siendo un festejo de 40 años, esa vibra fue adoptada en la iluminación, siempre conservando las complejidades y características vitales de la banda”, explica Rob. Dan Braun y el director de videos en vivo, Gene McAuliffe, colaboraron estrechamente en la creación de esta estética casi metafísica.
Las canciones se entregaron cronológicamente desde la más antigua en la primera noche y en orden inverso para la segunda, lo que ofreció más oportunidades para la espontaneidad, manteniendo a todos alerta. Rob Koenig menciona: “¡Fue muy divertido! Me encantó porque no sabíamos qué podría pasar después. Usamos todos los trucos posibles de BMFL y eso fue mucho para mantener la energía y la vitalidad”.
Una historia de éxitos
Las luces BMFL WashBeam han sido equipos importantes para Metallica desde hace algunos años, después de que Rob se enamorara inicialmente de él en la gira de reunión “Not In This Lifetime” de Guns ‘n’ Roses de 2016. “Sigue siendo mi mejor opción actualmente, gracias a su alta potencia y gran versatilidad”, comenta. Por otra parte, las luces seguidoras son fundamentales para iluminar un espectáculo completo de la banda de manera efectiva; ellos pre eren esta modalidad para acercarlos más a sus fanáticos y aunque siempre es más desa ante para las producciones, los resultados siempre valen los esfuerzos creativos y técnicos adicionales.
Así las cosas, 16 BMFL WashBeam Follow Spot fueron colocadas a lo largo de las elipses más grandes, distribuidas para aprovechar parte del espacio en el techo, así como para la separación y profundidad de los haces luminosos, con cuatro unidades siguiendo a cada miembro de la banda.
Además de la continuidad y la combinación perfecta de colores, con los BMFL WashBeam en la plataforma, Rob podía controlar todos los parámetros principales del punto de seguimiento (color, intensidad, iris, y demás), desde su consola MA Lighting GrandMA2, lo que permitía a los operadores, ubicados en las pasarelas del lugar, para concentrarse en seguir a la banda. El control de seguimiento de enfoque RoboSpot fue muy útil cuando la banda se movía por el escenario, ya que los tamaños de los haces de iluminación de seguimiento permanecían intactos.
Por su parte, David Hunkins se encargó de con gurar y equilibrar los puntos para montar las luces. Rob estaba encantado de tenerlo en el equipo: “Fue de mucha ayuda y rompió las reglas para hacer que las cosas aparecieran absolutamente en la cámara”, lo que también fue crucial, ya que el programa se transmitió en vivo y fue grabado por 21 cámaras.
Iluminación diferente para emocionar más
Metallica tiene una larga historia de realizar conciertos únicos, de nidos por una operación de producción técnica y creativa de gran talento y un equipo con una enorme pasión y compromiso para hacer de esto un arte característico.
Los desafíos de iluminación especí cos para estos dos espectáculos incluyeron la programación. Incluso las canciones que se habían tocado cientos de veces anteriormente tenían que verse y oírse frescas, nuevas y diversas, mientras que era necesario agregar contexto a las que rara vez se tocaban. Todo esto requirió tiempo y energía y algunos riesgos imaginativos, al mismo tiempo que le dio a Rob la oportunidad de explorar y salir de su zona de confort.
La carga fue estimulante y aunque tenían cuatro días para hacerlo, todo era necesario y se usó de manera productiva y e ciente. El video fue manipulado primero mientras el equipo de iluminación esperó pacientemente hasta que todas las pantallas estuvieran en su lugar.
Estos conciertos de 40 años de carrera de Metallica son ejemplos de cómo el meticuloso avance en los detalles y la cooperación entre las dos disciplinas, entre el gerente de proyecto de PRG, Eric Geiger, y el jefe de equipo, John Moore, además del gerente de proyecto de Premier Global Productions, Anthony Kordyjaka y el jefe de equipo, Jason Lanning, dieron sus frutos, con el talento de Rob Koenig y las luminarias BMFL WashBeam, gracias a BMFL se colocaron en su lugar una vez que llegó su momento gracias al pensamiento y la plani cación e caces de Chad Koehler, jefe de rigging. Descrita como el brazo fuerte de la familia BMFL de la marca, la potente BMFL WashBeam integra una salida extra brillante y una gran cantidad de características sobresalientes, como framing shutters recientemente desarrollados, lentes frontales súper anchos y rueda de animación.
El BMFL WashBeam es capaz de realzar cualquier espectáculo con su haz lumínico producido a través de una amplia lente frontal de 180 milímetros. La rueda de gobos giratorios con gobos cuidadosamente seleccionados garantiza muchas combinaciones de animaciones en el aire, pero también puede producir proyecciones en forma de puntos en las super cies. Cuatro rápidas shutter blades, con movimiento suave y preciso, ofrecen posiciones en ángulo individuales dentro de un marco, que a su vez puede girar 90 grados, proporcionando un marco nítido o suave, repetible con precisión para la imagen proyectada. El movimiento rápido del sistema de encuadre también permite efectos de haz de aire únicos y agregar ltros de escarcha puede mejorar la proyección al agregar toques suaves al borde del haz lumínico.
El equipo de iluminación fue suministrado por Premier Global Productions desde Nashville, Tennessee. Los jefes de equipo de iluminación en el sitio fueron Anthony Kordyjaka y Jason Lanning y el equipo de video fue provisto por PRG. Los departamentos visuales también se fusionaron y administraron conjuntamente.
“Incluso después de 14 años y múltiples experiencias memorables de Metallica en todo el mundo, ser parte de estos dos espectáculos fue increíble”, recuerda Rob. “Se lograron redescubrir canciones como ‘Bleeding Me’ y ‘Dirty Window’, así como ‘Fixxxer’, que encendió miles de recuerdos de una actuación repleta de momentos memorables”.
“Sobre todo, fue muy disfrutable el trabajo en equipo, bajo el control del gerente de producción, John ‘Lug’ Zajonc. La sinergia natural, además de la experiencia y la imaginación de las personas y los departamentos involucrados en la creación y realización de estos espectáculos me hace sentir orgulloso”, concluye Rob.
Mariana De Horta,
guerrera y profesional guitar tech
En los inicios de mi enfermedad con la artritis reumatoide, durante la consulta médica, le platiqué a mi reumatólogo sobre las implicaciones corporales, psicológicas y emocionales que tenía para mí convivir todos los días con la enfermedad; de manera autoritaria, sin empatía alguna, fría y retadoramente me contestó: “Eso déjaselo a los expertos, no te corresponde a ti”, y a rmó: “¿Por ejemplo, siendo yo tu reumatólogo, me dejarías a nar tu guitarra?”, a lo que yo respondí: “Si supiera a narla, ¿por qué no?”. El doctor guardó silencio con una molestia evidente y cambió el tema. Cómo me hubiera gustado que Mariana De Horta le hubiera explicado y enseñado a mi doctor lo que implica manejar un set de guitarra, porque tan preparado es mi reumatólogo en su carrera, como preparada Mariana en la suya como técnica de guitarra.
De Montevideo para el mundo
Mariana De Horta nació en Montevideo, la capital de Uruguay, país conocido por su interior verde y costa bordeada de playas. Esta ciudad se ubica en torno a la Plaza Independencia, donde alguna vez hubo una ciudadela española y que lleva a la Ciudad Vieja, con edi cios estilo art decó, casas coloniales y el Mercado del Puerto. Mariana inició trabajando en obras de teatro infantil donde operaba el audio y también trabajó con el Sexteto Mayor de Tango de Buenos Aires con Raúl Garello quien en ese momento, era el director. También compartió trabajo con el primer bandoneoista de la orquesta de Aníbal Troilo y participó en “palomazos” de audio, conocidos en Uruguay como “La Zapada”, que en realidad es una organización dedicada a impulsar la música en Uruguay desde su Instituto de Música y Sonido (IMS), fundado en 1998 y donde se formó Mariana como profesional en grabación, ampli cación y producción de música.
Expansión y crecimiento de una valiente profesional sonora
De los 23 a los 25 años, Mariana se quedó trabajando con las orquestas de tango y en un foro de rock con la banda “Triple Nelson” y “Once Tiros”, entre otras, cuando hubo una importante creciente en bandas de rock en Uruguay, así como un auge en las radios, entre los años 2000 y 2008. También colaboró con el Cuarteto Ricacosa, quienes reviven el tango, la milonga, el candombe, la samba y el vals criollo, entre otros ritmos. Ricacosa sigue la tradición melódica de Alfredo Zitarrosa, con tres guitarras y un guitarrón que se a na en B. “Los músicos buscan ese tipo de madera de las guitarras para sonar a esas épocas de las décadas de los años treinta, cuarenta y cincuenta”, menciona Mariana. Posteriormente, Brasil, Argentina y Paraguay se convirtieron en países de continuas giras para ella.
Desde Paraguay hasta México
“A mis amigos uruguayos les gustó México y me invitaron a venir”, recuerda Mariana. Ella inició trabajando con su paisana uruguaya, la cantante y guitarrista Mint Parker, y posteriormente conoció a Karla Molkovich, quien es una excelente compositora y bajista de sesión, quien sacó su disco instrumental “Electrofunk”. Mariana inició labores en el bar y restaurante Multiforo 246, en la Ciudad de México; ahí, ella empezó Mariana como suplente y conoció a los miembros de Panteón Rococó, a quienes les gustó su trabajo. Con el paso del tiempo, quedó como titular.
¿Siendo yo tu reumatólogo, me dejarías a nar tu guitarra?
Mariana recuerda sus inicios y comenta: “Como guitar tech suplente, me llamó Leonel de Panteón Rococó y me preguntó si sabía a nar guitarras. Sin saber todo lo que implicaba le dije que sí”. Acto seguido, fue a trabajar con la banda al Centro de Convenciones de Ecatepec, en el Estado de México. “No se trataba solo de a nar guitarras”, comenta; “sino de conocer y trabajar con las pedaleras y el orden de los efectos, el cableado, los tipos, colocación y marcas de micrófonos y los cambios de
guitarras según la canción durante el show, y los cambios eran complejos. Había que marcar la zona disponible para que el guitarrista se moviera en su espacio, además de revisar voltajes y otros compromisos técnicos que iban en coordinación con cada instrumento y los ingenieros de audio”.
En su re exión, Mariana agrega lo siguiente: “Como sonidista, hacer audio detrás de una consola es distinto, mientras que como guitar tech se está dando seguridad al músico y esa es otra función, ya que hay que a nar instrumentos, checar cables y evitar ruidos. Ese es el cincuenta por ciento del trabajo, mientras que el otro cincuenta es que el músico se sienta seguro; por eso me gusta trabajar cara a cara con los artistas”. Para Mariana, saber de audio y estar del lado de los ingenieros le da más seguridad y amplitud profesional. Ella también se preparó estudiando con Cruz Ramírez en a nación y octavación de guitarras y eso le ha brindado todos los elementos para continuar con su trabajo con Panteón Rococó hasta la fecha.
Durante el con namiento
Como sabemos, la actividad de la Industria de la Música y el Espectáculo paró completamente durante gran parte de 2020 y 2021, lo que por supuesto afectó la labor de Mariana. Sin embargo, eso ayudó para estar presente de diversas formas; ella formaba parte de la Asociación de Sonidistas del Uruguay (ASU), organización sin nes de lucro, y de la Red de Mujeres Sonidistas (RMS). “Además, en la crisis sanitaria se armó en las redes sociales un grupo de sonideras latinas de Colombia, Chile y Argentina en audio y video,” agrega con entusiasmo.
Una artista humanitaria y una mujer enfocada
Mariana toca la guitarra, canta y compone para sus amigos y en convivios privados. Tiene una fundación llamada “Manos Amigues”, que puede encontrarse en Facebook. Es el primer comedor comunitario LGBTTTIQ+ en la Ciudad de México y foro cultural, en la calle de Pedro Moreno, en la colonia Guerrero. Ella nos invita de viva voz: “Son totalmente bienvenides todes. Ahí se brindan más de 200 almuerzos diarios, apoyan con alimentos y llevan la cultura al barrio y la comunidad de la diversidad. Además, ahí la gente puede donar también cables, bocinas, stands, instrumentos musicales. Si se quiere apoyar, por supuesto es posible estar en contacto.
Mujeres ingenieras o sonidistas en México
Es una realidad que las mujeres son minoría en este campo. Mariana comenta: “Es una profesión de hombres y esto es un retraso”. Mariana asegura que debe juzgarse a las personas por sus capacidades profesionales y no por su género. “Desarrollarse en esta industria en México es más fácil para hombres que para las mujeres. Por ejemplo, hay una carga en los gastos de producción en vivo debido a que los managers y productores tienen que contemplar habitaciones separadas para hombres y mujeres y por lo tanto solo contratan hombres, cuando en la práctica se puede compartir habitación con buenos equipos de trabajo”.
“Más allá de las mujeres”, comenta Mariana finalmente, “es necesario tratarnos todes como seres humanes que perseguimos sueños, seas lo que seas, porque uno es lo que hace y lo que es. Es importante apoyarse en los afectos y en nuestra comunidad y así encontraremos un igual para compartir, porque es noble y valiente pedir ayuda”. Temas como estos deben visibilizarse, sobre todo en los profesionales de esta industria, que han estado tan vulnerables los años pasados. Acciones como las de Mariana De Horta reflejan las ganas de superar las dificultades actuales, haciendo uso de sus talentos.
*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, lántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.
La voz,
el instrumento de la emoción
De niña, yo tenía una voz muy peculiar y cuando hablaba, las personas se sorprendían porque mi voz era muy ronca. Era muy gracioso, porque les parecía muy tierna, pero el contraste con el tono de mi voz era muy drástico. Realmente mi voz era diferente y después de hacerme algunos estudios, resultó que tenía nódulos en la garganta. Los nódulos son lesiones que se tienen en las cuerdas vocales y hacen que la voz sea muy ronca; en ocasiones, dependiendo de la gravedad, pueden ocasionar otros síntomas. En mi caso no era nada grave y me recetaron terapia de la voz; es decir: ¡cantar! A mí me parecía muy divertido y relajante; no solo cantaba por diversión, como alguna vez todos lo han hecho, sino que fue una terapia que me dio muy buenos resultados en muchos sentidos. Primero comencé con ejercicios utilizando vibraciones especi cas, pero poco tiempo después comencé a tomar clases de canto y solfeo, lo que me ayudó mucho, no solo para deshacer los nódulos en mis cuerdas vocales, sino en generar más felicidad y bienestar en mí.
El canto y sus bene cios
El cerebro, los pulmones, la postura corporal y el estado de ánimo general resultan favorecidos cuando las personas entonan canciones. Lo que yo descubrí y seguramente muchos de ustedes ya lo experimentaron, es que sin importar qué estilo de música se interprete, ni cómo suene para los demás, cantar ofrece otros bene cios para la salud, tanto en aspectos psicológicos como emocionales.
Desde hace relativamente poco tiempo, la ciencia se ha dedicado a realizar estudios y experimentos acerca de los efectos de la música, que nos ayudan a entender por qué tal disciplina artística ha sido parte de la vida cotidiana desde las más antiguas culturas de la humanidad y hasta nuestros días. Uno de los principales hallazgos fue el hecho de que cantar hace que el cuerpo genere endor nas: neurotransmisores que levantan el ánimo y nos ponen de buen humor.
También se han hallado vinculaciones entre el canto y la producción de dopamina, oxitocina y serotonina, todas ellas sustancias que ayudan al cuerpo a tener una sensación de bienestar. Y además se reducen los niveles de cortisol, la hormona que el cuerpo libera como respuesta al estrés. Es decir, todos efectos alegres y positivos.
Por su parte, el canto colectivo brinda de igual forma grandes bene cios; esto me recuerda cuando visité templos budistas, donde al escuchar a las personas decir/ recitar los Sutras, estos igualmente causan de manera inmediata un estado de tranquilidad y paz, gracias a las vibraciones, además del signi cado de los textos que se están cantando. Cuando participé en estos “cantos”, amén de sentirme relajada, también mejoró mi estado de ánimo. Para personas con problemas de depresión y tristeza, esto puede ser de mucha ayuda.
Cantar requiere una concentración focalizada, que bloquea las preocupaciones y distrae de los problemas. Esto, sumado a la producción de endor nas y demás sustancias que propician el bienestar, contribuye con la reducción del estrés.
Ahora bien, la respiración es una parte fundamental de nuestro estado de ánimo; cuando nos sentimos nerviosos o tensos, nuestra respiración tiende a aumentar, sin embargo, cuando estamos tranquilos, nuestra respiración es pausada y calmada. Cuando cantamos, exigimos a nuestro cuerpo una respiración profunda y controlada que ayuda a contrarrestar la ansiedad, y cuando aprendemos canciones y las decimos, nuestro cerebro se ejercita, manteniendo una mente activa.
Los pulmones y el cerebro, favorecidos por el canto
Como mencionaba anteriormente, la respiración es fundamental para nuestro bienestar físico y emocional, pero también es primordial cuando cantamos. Actualmente hay varios estudios en curso que analizan los efectos especí cos del canto sobre el aparato respiratorio. En 2009, un artículo cientí co llegó a la conclusión de que la práctica regular del canto “puede mejorar la calidad de vida y preservar la presión respiratoria máxima” de pacientes con Enfermedad Pulmonar Obstructiva Crónica (EPOC).
Hay más ventajas. Las personas que cantan tienen más conexiones entre las distintas áreas del cerebro que aquellas que no cantan. Así lo a rma el neurocientí co Aniruddh D. Patel en su libro “Music, Language, and the Brain” (“La música, el lenguaje y el cerebro”), de 2008. ¿La razón? El lenguaje es una actividad que en la mayoría de los casos depende del hemisferio izquierdo del cerebro, mientras que la música -como la mayoría de las demás artes-, depende del derecho. Por eso, las canciones con letra favorecerían las interconexiones.
Además, diferentes estudios han concluido que cantar podría ayudar en el tratamiento de ciertos problemas del habla, como la tartamudez y la afasia, además de otros problemas neurológicos, como lesiones cerebrales no congénitas, mal de Parkinson o trastornos del espectro autista. El aprendizaje y el entrenamiento del canto, por otra parte, se torna en una “gimnasia mental” que promueve las nuevas sinapsis y por ende la neurogénesis y la plasticidad cerebral, algo que es clave, sobre todo en los adultos mayores, para prevenir o retrasar el deterioro cognitivo.
Mejor posición corporal y otras ventajas de cantar
Cantar también conlleva algunos bene cios plenamente físicos. Es el caso de la postura corporal: hay investigaciones que han demostrado que cantar de manera profesional corrige la posición de las vértebras cervicales y la hipolordosis (el aumento de la curvatura de la columna). Por otro lado, la persona que canta tiende por sí sola a adoptar posturas más correctas, gracias a que existe una relación entre la forma apropiada de colocar el cuerpo y el tono de la voz. Si a eso se suma la relajación, la mejor respiración y el menor estrés que también se derivan de cantar, suman factores para tener una postura mejor y por ende nuestro cuerpo lo agradecerá.
Otro hecho positivo de cantar, es que a menudo enseña a articular mejor los sonidos y, en consecuencia, a pronunciar mejor las palabras. Esto es aún más evidente cuando se trata de canciones en otros idiomas. Cantar también podría tener efectos positivos para la tensión arterial, debido a que tal actividad estimula una sincronización de los patrones cardiacos y respiratorios.
Cantar puede ayudarnos a mejorar el mundo
Cuando comprendemos quiénes somos en esencia y qué cualidades únicas poseemos, dejamos de compararnos entre nosotros. El miedo que nos impulsa a luchar, acaparar y oprimir se transmite al cantar en una energía más liviana: la de la compasión, la generosidad y el amor. Así, nuestra nueva creatividad nos permite ver soluciones a las que quizás no estábamos abiertos antes. Este cambio positivo tiene un efecto dominó que comienza en nuestras propias vidas, luego se extiende a nuestros amigos y familiares y nalmente al mundo en general.
Se ha sugerido que cantar en grupo puede resultar en un fenómeno llamado arrastre, en el que los pulsos de los cantantes se sincronizan como un latido colectivo. De la misma manera, permanecer rmes en quienes somos revela que somos parte de un sistema masivo: el corazón de la humanidad.
Sin pena alguna les invito a cantar para liberarse, relajarse, divertirse y sobre todo cuidarse emocionalmente. Sin saberlo tuve todos estos bene cios desde pequeña. No soy para nada buena cantante, pero de nitivamente cuando lo hago, se regenera mi energía, lo que también me pasa al estar en conciertos y escuchar a todas las personas entonando la misma melodía.
*Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.
La tecnología para crear música:
¿aliada o enemiga?
Para un productor musical, compositor o músico, la tecnología es indispensable en su trabajo diario. No podemos hoy imaginar el desarrollo de nuestro trabajo sin el apoyo de ella, ya que la tecnología constituye una herramienta fundamental en el quehacer de cualquier músico. De pronto comento con algunos colegas el hecho de que el uso de la tecnología está mas relacionado con productores musicales que, por ejemplo, con un músico ejecutante de una orquesta sinfónica que se mueve en el entorno de la música de concierto. De alguna manera esto es cierto: un músico ejecutante invierte la mayor parte de su tiempo tocando y practicando su instrumento, procurando día a día mejorar la calidad de su ejecución, su técnica y su capacidad interpretativa, actividades que además requieren mantenerse practicando de manera continua durante toda su vida. Involucrarse con la tecnología puede, en este caso, disminuir signi cativamente el tiempo de estudio que él mismo músico invierte buscando mantenerse como un buen ejecutante de su instrumento.
El valor del tiempo
También es cierto que la etapa en la que un músico construye su formación como ejecutante requiere de mucho tiempo. Al inicio, generalmente la etapa de estudiante, un ejecutante puede estudiar hasta ocho horas diarias con el propósito de dominar la ejecución de su instrumento. Aún recuerdo mis largas jornadas de estudio frente al piano en mi juventud. En etapas posteriores, cuando un músico se adentra en el ámbito profesional, las actividades inherentes al ejercicio profesional provocan una disminución natural del tiempo invertido para practicar. En estas etapas, los músicos continuamos
practicando, por supuesto, pero sin duda, tenemos menos tiempo que aquel valioso que teníamos en nuestras etapas como estudiantes.
Ahora bien, un productor musical se dedica de tiempo completo a crear música y dirigir proyectos, de tal forma que su relación con la tecnología es mucho más común y estrecha. Un productor musical necesita “practicar” a diario en su estudio de grabación para obtener un buen sonido, cómo desarrollar un cierto concepto musical, cómo combinar los distintos elementos musicales en un arreglo musical y muchas veces crear él mismo el arreglo musical o en colaboración con otros músicos. Los recursos tecnológicos actuales obligan a un productor musical a conocer y saber utilizar dichos recursos y a invertir cierto presupuesto en adquirir estas herramientas, con la meta de obtener un mejor resultado musical.
Afro Peruvian Orchestra Por otro lado, un compositor actualmente requiere de igual forma de la tecnología. Las ventajas que hoy ofrecen los programas de escritura musical, gracias a los cuales hoy un compositor puede sonar sus ideas a través de ciertas librerías de sonidos que emulan instrumentos reales, es una herramienta invaluable. Debo mencionar en este punto que a pesar de estas ventajas descritas, el insustituible hecho de sonar la música que uno escribe con músicos reales, representa diferencias fundamentales con respecto al uso de las herramientas tecnológicas que también es necesario considerar. Es aquí donde muchas veces discutimos si la tecnología que puede representar una aliada conveniente para un creador musical, puede también representar un obstáculo por el hecho de que en el mundo real, las cosas son muy distintas.
La tecnología según los requerimientos
Yo personalmente considero que la tecnología bien aplicada es una gran herramienta creativa, y creo también que mucho depende del tipo de música que uno realiza. Para tener una idea equilibrada que plantee la posibilidad del uso de la tecnología o opción por no usarla, en el caso de la emulación de instrumentos, me parece necesario conocer ambos mundos. Si un músico conoce los fundamentos técnicos de un instrumento musical en la realidad, es mucho más probable que pueda emular ese mismo instrumento de manera virtual. De otra manera, la tecnología puede proveer los sonidos y librerías y la opción de programar un instrumento como le venga en gana, pero con el riesgo de que al intentar grabarlo con un músico real, sus ideas no puedan ser ejecutables por un instrumentista, por el simple hecho de desconocer la naturaleza misma del instrumento y los fundamentos de su ejecución.
Ahora bien, insisto en que mucho depende el éxito en el uso de la tecnología del tipo de música que uno compone, produce o ejecuta. La música electrónica nace naturalmente a través del uso de medios virtuales y electrónicos, de tal manera que el uso de la tecnología es parte indispensable del proceso creativo.
La música pop puede combinar el uso de la tecnología y la participación de elementos musicales que no se produzcan más que a través de una ejecución por parte de un músico invitado al estudio. Una banda de rock normalmente se fundamenta en la ejecución musical de los miembros de la banda, aunque pueda integrar otros elementos adicionales.
De cualquier manera, la tecnología no se limita exclusivamente al hecho de ejecutar instrumentos reales o virtuales. La tecnología hoy es necesaria para grabar cualquier fuente sonora a través de los programas de grabación llamados por sus siglas en inglés DAW (Digital Audio Workstation o Estaciones de Audio Digital): Pro Tools, Logic, Ableton Live, Reaper y demás. El uso de la tecnología igualmente ha tomado importancia en todos los procesos de grabación, edición, manipulación de las fuentes sonoras e incluso en todos los procesos de post-producción, sincronización a imagen y de manera fundamental en simpli car el trabajo colaborativo a distancia, almacenamiento en la nube, el envío y recepción de archivos, así como muchos otros procesos involucrados en el quehacer musical. Internet es parte fundamental de la realidad tecnológica que vivimos actualmente.
Por ello, considero que a reserva de que un músico se dedique profesionalmente a la producción musical, toque como instrumentista en una orquesta sinfónica o en una banda de blues, la tecnología está presente a disposición de cualquiera de nosotros para brindarnos herramientas que bien usadas, facilitan nuestro trabajo profesional.
En mi caso, la tecnología me asiste en las actividades esenciales que desarrollo como productor musical, compositor, arreglista y músico a través de distintos tipos de herramientas tecnológicas:
• Recursos tecnológicos para componer música: un controlador MIDI, micrófonos, DAW, sintetizadores virtuales, programas para crear música y librerías de instrumentos y sonidos especializados, como Komplete y otros en mi caso. • Recursos para grabar y mezclar música: una computadora, interfaz de audio, dos buenas bocinas, plug ins, DAW, Pro Tools y Logic, en mi caso.
• Recursos tecnológicos para escribir música: Sibelius y Note Performer 3 como librería de sonidos, en mi caso.
• Recursos tecnológicos para dar clases de música: Screen ow, Keynote, Classroom y varias herramientas de Google.
La conformación de todos estos recursos lleva tiempo y recursos económicos que deben invertirse paralelamente al ujo de los proyectos y del mismo trabajo, siendo un proceso que debe mantenerse en una constante actualización para garantizar que tu equipo de trabajo sea e ciente. Aunque sea un tema recurrente, la queja de muchos productores y músicos, incluido yo mismo, por la obsolescencia programada que las compañías fabricantes de estos recursos tecnológicos ejercen sobre nosotros, los usuarios, la realidad es que hoy necesitamos de la tecnología para poder desarrollar mucho de nuestro trabajo. Y considero como punto nal que si bien podemos depender en mayor o menor medida de las herramientas tecnológicas disponibles, estos recursos representan un gran apoyo para quienes saben usarlos; para quienes saben distinguir que detrás de cualquier uso tecnológico, existe siempre un ser creativo que las utiliza en favor de sus propios nes artísticos.
La China Sonidera
Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.
www.gonher.com administracion.ventas01@gonher.com
www.gonher.com administracion.ventas01@gonher.com
Un camino para descubrir el mundo del audio
Imaginemos que existe un lugar en el que podemos encontrar a personajes sobresalientes del audio profesional en Latinoamérica, en quehaceres como el sonido en vivo o en estudio y que nos cuentan parte de su historia profesional y cómo hacen uso de las distintas herramientas tecnológicas. ¿Verdad que sí nos lo imaginamos? Lo mejor es que ese espacio existe y que con una computadora o dispositivo portátil podemos acceder a las historias de estos profesionales en un momento. Estas historias se pueden conocer a través del blog de Avid llamado Canal Auditivo, que en la dirección connect.avid.com/canal-auditivo-lp nos ofrece testimonios de profesionales sonoros que nos llevarán a conocer los detalles de su trabajo con los equipos de la marca, que goza de una presencia fuerte en la región latinoamericana.
La actualización de Canal Auditivo ha sido constante y abarca distintas áreas del sonido; así, podemos encontrar una charla con Rubén López, productor e ingeniero mexicano de larga trayectoria y que narra un poco de los proyectos en los que ha participado, además del ujo de trabajo en Pro Tools a lo largo de su carrera y en concreto de su trabajo con Natalia Lafourcade. Rubén ha trabajado con artistas como Wilfrido Vargas, Juan Gabriel, Armando Manzanero y Luciano Pavarotti y entre los productos Avid que utiliza están las consolas Venue SC48 y S6L.
Otra de las ingenieras de audio entrevistadas para Canal Auditivo es Carolina Anton, que ha trabajado en sala y monitores en giras internacionales de Kool & The Gang, Janelle Monáe, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui, entre otros, y que además dirige SoundGirls México, organización que visibiliza el trabajo de las mujeres en la industria del audio. Carolina cuenta en este encuentro que usa Pro Tools, ya que goza de mucha compatibilidad con otros equipos y que la consola S6L para sonido en vivo lo refuerza, ya que se puede grabar directo a Pro Tools.
Dos historias que llaman la atención en el blog son las de Carlos Cortés y David London, quienes cuentan los desafíos que representó trabajar en Sound of Metal, la película ganadora del Oscar al mejor sonido, además de todas las anécdotas que compartió Gustavo “Pichón” Dalpont durante su entrevista, que enmarcó su carrera como un gran profesional del sonido que ha trabajado con artistas como Mercedes Sosa, Charly García, Chayanne, Marc Anthony y Jennifer López, entre muchos otros.
En Canal Auditivo también se pueden encontrar testimonios de la nueva generación del audio, que cuentan cómo se interesaron en el mundo del sonido, hacia dónde han dirigido sus carreras, cómo conocieron los equipos Avid y en qué proyectos los han usado. Ahí podemos conocer a jóvenes profesionales como Yanina Mora (música y postproductora de audio), Paulina Chiarantano (productora de audio), Carla Gatica (ingeniera de grabación, edición, mezcla y sonido en vivo), Natalia Sotelo (operadora de audio en vivo), Jimena Fama (compositora y productora musical), Maga Martinho (producción y sonido en vivo), Marisa (música y compositora), Raquel Castaño (postproductora de audio), Andrea Fernández Santillán (ingeniera de audio, productora musical y cantante) y Nico Morbelli (ingeniero de audio en Music hub).
Las historias de los profesionales del sonido son interminables y el blog Canal Auditivo de Avid ha tenido el buen tino de compartirlas, porque siempre habrá alguien que quiera saber cómo caminar para desarrollarse en el audio, o simplemente conocer quién y cómo ha creado esas obras sonoras que tanto admiramos.
