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Universo sonoro
Conversaciones sobre el arte de arreglar
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(Parte 2)
Para continuar acerca de la tarea de los arreglos musicales, comienzo diciendo que lo primero que hago es entender y ver en mi cabeza la idea global, el concepto y las referencias, si existen; saber qué estoy buscando, intentando ver el “cuadro completo”. Generalmente no comienzo con cosas especí cas y escucho el tema para adentrarme en él.
¿Cómo iniciar?
Puedo comenzar armando un score en el papel o en el programa de escritura, con todos los compases en blanco, secciones y demás. De esta manera logro ver el mapa o plano general donde voy a trabajar, percibo su tamaño total y veo “qué tan grande es la montaña”. Para mí, este paso es como el plano de un arquitecto. Si por el contrario, comenzara a detallar desde el principio sin haber tenido previamente la visión global del arreglo, perdería de vista dónde estoy parado y no sabría nunca si estoy detallando una milésima parte de un arreglo, que por ejemplo, debo entregar al día siguiente. Detallar sin ver la escena general es comenzar a trabajar para mí en el nivel microscópico del arreglo, cuando al principio creo conveniente comenzar con una visión macroscópica del mismo.
Las únicas ocasiones en las que detallo algo desde el principio, es cuando tengo una muy buena idea para una sección (una introducción, por ejemplo), tengo mucha claridad de cómo deseo orquestarlo y considero necesario hacerlo en ese momento para no perder esa idea en particular. Las buenas ideas pueden disolverse en el olvido si no las pasas pronto de la cabeza a un medio un poco más con able, es decir: grabarlas o escribirlas. Cuando se mira un objeto con una lupa, se ven los detalles imperceptibles y sutiles del objeto, pero se deja de ver el objeto completo. Hay tiempo para todo, pero yo recomiendo comenzar viendo primero el objeto entero. Dr. Krápula
En todo momento para mí es fundamental entender cómo suena lo que estoy escribiendo. Una de las barreras más importantes que existe para un arreglista y un compositor es que comúnmente no tiene a la mano los instrumentos para los que escribe; por lo tanto, no puede escuchar exactamente sus ideas y además, se enfrenta al hecho de escribir música para instrumentos que no ha tocado nunca. Hay una vieja y conocida distancia entre la idea que imaginas en tu cerebro y en el hecho de tenerla grabada como tú la imaginas o escrita, describiendo elmente la idea imaginada.
Puedes imaginar algo que suena maravilloso, pero al momento de producirlo, grabarlo o escribirlo, es decir, al momento de intentar aterrizar esa idea que suena increíble en el mágico mundo de la imaginación, fracasas cuando la idea aparentemente genial suena terriblemente mal en el contundente mundo de la realidad. Y comienza el ataque de las dudas:
¿Qué es lo que está mal: es la idea, o la idea es buena, pero está mal producida o escrita?
Con estos sutiles problemas, vivimos muchas veces.
Estoy convencido de que aún con un talento natural, lleva años a un músico minimizar esta distancia para saber exactamente cómo traducir estas ideas generadas en los momentos de inspiración, logrando que una idea suene exactamente como la imagina en su cabeza. Un problema común, por ejemplo, es estar generando una cantidad de ideas valiosas y de pronto darte cuenta de que te llevaría mucho tiempo escribir todo lo que estás tocando y de que es muy probable que olvides muchas partes al estarlas escribiendo.
Por ello, recomiendo siempre tener el botón virtual de REC a la mano y en todo momento estar en posibilidad de grabarte. Adicionalmente estoy a favor de tener siempre un instrumento a la mano, pues así estás en contacto en todo momento con la materia sonora.
Sela Oveson Live en KAXE Studios
Tengo un libro maravilloso que se llama “¿Cómo escribir una película en 21 días?”, de una autora llamada Viki King. En este ingenioso libro, la autora expone un concepto que me parece interesante, sobre el momento en el que alguien comienza a escribir una historia:
“Escribe primero tu idea con el corazón y re-escribe todo después con tu cabeza”.
Se re ere a algo muy simple y muy real: al estar creando una historia, lo mejor es dejar que tus ideas uyan sin pensar demasiado. Piensa solamente para resolver algo concreto, pero deja que las emociones y la inspiración te guíen para que expulses todo lo que sientas, todo aquello que nace directamente de tu impulso emocional. Una vez hecho esto, al día siguiente revisa todo lo que hiciste en la primera etapa emocional, pero ahora analizando, corrigiendo, cortando, añadiendo y demás.
En la composición y el arreglo sucede algo muy similar. Muchas veces escucho la base grabada de un tema y se me ocurre una buena línea para la trompeta y ya sea que la cante o que la toque en el piano, escribo, grabo o registro en MIDI la idea latente, sin mayor razonamiento, sin mucho análisis. Lo importante es captar esa primera idea creada, para ya luego analizarla, ver si técnicamente es posible y corregir los detalles.
Cualquiera que sea el proceso, es importante entender el proceso por medio del cual cada uno de nosotros escribimos o producimos música. En cada persona el proceso es diferente. En mi caso, a través del tiempo me he dado cuenta de que no tengo un solo método para escribir o crear música, aunque sí puedo enunciar en una lista algunos conceptos sobre mi proceso: Una idea puede surgir en tu cabeza, relacionando esa idea especí camente a un instrumento o voz. Te imaginas una línea con una trompeta, un ritmo con un tambor especí co, una melodía con tu propia voz o para ser cantada por alguien: imaginas la idea ligada a un timbre concreto. Una idea creada en tu cabeza sin estar necesariamente relacionada a ningún timbre, es solamente la idea musical que probablemente creas en un piano o guitarra y que después en tu estudio, buscando en librerías, orquestando o con un músico a tu lado, asignas a algún timbre concreto.
El timbre está muy relacionado con la tesitura. Imaginar ideas en una tesitura aguda, estará relacionada a ciertos instrumentos que son capaces de sonar en ese rango. Una idea puede comenzar siendo
un ritmo, una secuencia armónica, una textura, un arpegio o una melodía y a partir de ahí crear todo lo demás. Escucha todos los instrumentos musicales, en todas sus dinámicas y rangos posibles y de preferencia escucha estando al lado de un músico real y no con librerías. Pueden buscar videos de clases o demostraciones con músicos reales. Aquí dejo algunos links:
Guitarra: https://www.youtube.com/watch?v=A0yAeCxAfCU
Bajo: https://www.youtube.com/watch?v=uGJoEVcATEc
Instrumentos de viento-banda: https://www.youtube.com/ watch?v=CCTeSjpDsIs&t=866s
Instrumentos de orquesta: https://www.youtube.com/watch? v=zgaQFLUdUL0&list=PLqR22EoucCyccs5J639SCefaM7mD9d MSz
Además, escuchen mucha música: lo que componen y producen es un re ejo de su pensamiento musical, formado por todo lo que experimentan creando, improvisando, escribiendo y por supuesto, por la música que escuchan.
Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.
El metrónomo en el estudio: ¿amigo o enemigo?
El metrónomo es una herramienta que sirve para medir el tiempo de la música, así como darle exactitud y estabilidad a los compases que conforman la composición. Es una herramienta básica en la ejecución musical; sin embargo, para aquellos músicos que no están acostumbrados a utilizarlo en sus rutinas de estudio, puede ser una verdadera pesadilla trabajar con él, ya que al no tener incorporado el pulso, tiene que racionalizarse a la vez que se ejecuta cada nota y esto lo hace verdaderamente complejo al inicio. ¿Por qué es importante su utilización en el estudio?
Herramienta versátil
Como ya se mencionó, el metrónomo nos da precisión en la medida de la música, porque, sí, así es, la música tiene medida, y si bien existen músicos que tienden a desa ar los principios de la música, también a lo largo de la historia se han desarrollado reglas que hacen que esta funcione y es por ello que antes de querer romper cualquiera de ellas, es necesario conocerlas y dominarlas.
El metrónomo es de gran ayuda al momento de llevar a cabo una producción en el estudio, aunque no todos los géneros se prestan para utilizarlo de manera mecánica; aun así, la gran
Los productores deben tener en cuenta todas las maneras en las que se puede facilitar los procesos de los músicos en el estudio.
mayoría lo utiliza dándole una gran estabilidad a la música que se está produciendo, para evitar el fenómeno de ir a toda prisa, como cuando algunas bandas tocan en vivo.
Su correcto uso nos proporciona una serie de ventajas en la post producción, por ejemplo: Al momento de la edición, se ajustan las imprecisiones en la ejecución, en caso de ser necesario, así como al copiar partes y pegarlas y duplicar o extraer secciones o partes del audio con gran exactitud, ya que incluso visualmente hay marcas en la mayoría de los DAWs en cada uno de los tiempos de un compás y sus subdivisiones si así se desea, dando una representación gra ca a través de una red (grid) de divisiones en pantalla que nos indica en todo momento dónde es cada uno de los pulsos que estemos buscando dentro de un compás, además de ser una representación muy intuitiva y fácil de operar.
En la gran mayoría de los DAWs disponibles, el metrónomo, también conocido como click, es altamente con gurable, haciendo de este una herramienta extremadamente versátil. Podemos enviar un sonido estándar a los audífonos del músico o cambiarlo por un sonido personalizado, como claves, cencerros, pulsos, percusión y virtualmente todo aquello que se nos ocurra; de igual manera, podemos usarlo solo en los monitores si así lo deseamos o solo al grabar y no al reproducir, o en ambos momentos, con un sonido para monitor y otro para control room. Podemos tener diferentes niveles en cada retorno y en nuestro monitoreo, podemos automatizarlo o cambiar automáticamente de velocidades a lo largo de un tema, entre muchas otras opciones. Por supuesto, como cualquier herramienta en el estudio, también existen consideraciones a las que debemos prestar atención si deseamos tener el control, por ejemplo: los instrumentos con una intensidad acústica considerable, como una batería o una trompeta, requieren un mayor volumen en los audífonos de monitoreo del músico al escuchar la pista de referencia sobre la cual se graba, y esto a su vez hace que el volumen del metrónomo se fugue, capturándose de nuevo por el micrófono con alta sensibilidad y contaminando nuestra señal, dejando rastros lejanos de un metrónomo a lo lejos en nuestra toma nal.
Para solucionar lo anterior, existen diferentes alternativas de solución, como utilizar audífonos in ear, ya que al estar dentro del oído del músico, evitan mucho la salida de la señal, pero con la desventaja de que al ser audífonos que se utilizan dentro del oído se convierten en herramientas de uso personal, los cuales no suelen compartirse por temas de higiene y no todos
los músicos cuentan con unos, pero por eso existen otras opciones, como el uso de audífonos cerrados, que mientras más cerrados estén, menos dejarán escapar señales hacia el micrófono. Otra opción es cambiar el sonido del click por algo menos presente, como pulsos o bombos, haciendo que las fugas hacia el micrófono sean menos sencillas de escucharse. Por último, algo tan elemental como controlar el volumen puede ser de gran ayuda.
El conocimiento y la exploración, aliados de las producciones
Con gurar de manera estratégica el metrónomo puede ayudarnos a conseguir buenos resultados y facilitar el proceso de grabación con los músicos, así como un volumen adecuado y una con guración correcta; por ejemplo, a veces los percusionistas pre eren escuchar en corcheas por la sensación de velocidad y menos silencios al momento de tocar, curiosamente, los temas lentos pueden ser problemáticos para algunos instrumentistas de percusión si se con guran en negras, y aunque es común, no es regla general, pues cada músico funciona de forma distinta y es parte de nuestra habilidad en el estudio de grabación dominar el arte de la con guración del metrónomo para conseguir los resultados esperados, facilitándoles los medios.
En teoría, un músico profesional, tiene el tiempo musical incorporado como parte de su formación y eso favorece mucho los procesos, sin embargo, no todos cuentan con ese entrenamiento o talento rítmico y es por ello que los productores deben tener en cuenta todas las maneras en las que se puede facilitar esto para llegar al objetivo. Es importante también que, al momento de determinar las velocidades de los temas a producir, se veri que que el tema “camine” de forma natural en el ritmo; es decir, que no se sienta forzado a una velocidad que parece no uir con los músicos. Si el metrónomo se siente lento en relación a la ejecución, quizá en lugar de pedirles que toquen más lento, es mejor que se ajuste un poco el metrónomo, de tal manera que se sienta en un ujo más natural a la manera de tocar de la banda o el músico.
Como es de esperarse, un entrenamiento rítmico por parte del productor o ingeniero también es importante, ya que entender perfectamente el desarrollo del tiempo del metrónomo les permitirá incluso que sus punch in y punch out sean precisos (cuando inicia y termina la grabación) y así uyan de la misma manera con la banda.
En conclusión, el metrónomo es de gran utilidad; para algunos es una herramienta neurótica, pero para muchos otros es totalmente indispensable y funcional, obviamente, no todos los proyectos lo requieren para grabar, pero sí la gran mayoría. Hasta los proyectos más sincronizados, como una orquesta, cuentan con un director que hace las veces de un metrónomo, marcándoles el tiempo a todos y cada unos de los músicos participantes. Mi recomendación es que lo exploremos, conozcamos y experimentemos con él y sin duda nos llevaremos una muy grata sorpresa, sabiendo que es un gran aliado de nuestras producciones. El resultado nal nos dará grandes satisfacciones con esta arma invisible de la producción.
*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio. com y www.antenastudio.com
Compresores:
versatilidad y mucha utilidad
En esta última entrega de los clásicos de la ingeniería en audio, presentaremos a los compresores, este maravilloso invento, muchas veces incomprendido, abusado y maltratado.
En líneas generales, un compresor reduce el rango dinámico de una señal y viéndolo desde ese punto de vista, seguramente exista poca gente que quiera eso; sin embargo, es de mucha utilidad en una grabación, porque gracias a este procesador, podemos distinguir las diferentes sutilezas de una grabación que se escucha a niveles bajos, además de que también podremos añadir un determinado carácter a los sonidos, permitiéndonos resaltar ciertas características.
Cabe destacar que al igual que otros procesadores, no se deber abusar de él, porque obtendremos como resultado un sonido sobreprocesado.
Fairchild 660 / 670
Creado por Rein Nama y fabricado por Farchild Recording Equipment Corporation, este equipo salió a la venta en 1959 y rápidamente conquistó muchos estudios alrededor del
mundo. Está considerado el Santo Grial de los compresores, porque no solo comprime, sino que además añade calidad a la señal, gracias a su circuitería, que contiene 20 tubos y 11 transformadores, convirtiéndolo en el procesador más deseado y misterioso de la Industria.
Cabe decir que muchas marcas lo han emulado, pero se dice que cada modelo es único.
Teletronix LA 2A
Jim Lawrence fabricó su primer compresor en 1958 y luego de probar con varios modelos anteriores sin tanto éxito, en 1962 tomó forma este hermoso compresor, que hasta el día de hoy se sigue utilizando.
Es muy versátil y frecuentemente utilizado en voces, pero la realidad es que se comporta bien con cualquier fuente sonora, incluso para masterización. Su calidez y su forma “natural” en la compresión lo hacen una herramienta esencial para cualquier ingeniero. Además, tanto en hardware como en plug in, el LA 2A sigue brillando.
Urei LA 3A
Pariente del LA 2A, el LA 3A incorpora el circuito de detección del primero, pero el resto de su circuitería es de estado sólido. Es muy apreciado cuando se quieren añadir armónicos impares a la señal y la distorsión y existen excelentes emulaciones en el mercado de diversas marcas.
Urei 1176
Creado por Bill Putnam en 1966, incorporando en su circuitería los transistores FET, este compresor es versátil, pero muchos ingenieros lo utilizan para comprimir percusiones gracias a la ventaja que tiene en el control de ataque y release, permitiendo un mejor control.
Una de sus características más destacables es que si presionamos todos los botones de ratio del 1176 a la vez, entra en un modo “atascado”, que lo hace ideal para trabajar en paralelo.
Existen varias versiones y todas son excelentes; muchas empresas se han dedicado a emularlo hasta el día de hoy, incluso en el modo “atascado”.
dbx 165
Este es otro gran compresor de los primeros con tecnología Voltage Controlled Ampli er (VCA) y un sistema propio de regulación de ataque y release que se denomina Over Easy,
logrando una compresión natural y suave. Se ha convertido en otro clásico muy recomendable para bajas frecuencias y existen muchas buenas emulaciones disponibles en el mercado.
SSL Bus Compressor
La consola SSL 4000 trae en su master la opción de insertar este gran compresor que hasta hoy se utiliza para dar cohesión a los tracks de una mezcla. Hay otros también que suelen ser utilizados en buses de batería o cualquier otro tipo de instrumentos; se encuentran disponibles muchísimas emulaciones en el mercado e incluso otras marcas además del SSL lo fabrican en hardware.
API 2500+ Stereo Bus Compressor
Para seleccionar el mejor compresor para nuestras producciones, todo depende del tipo de música a tratar. En el caso del API 2500, es cierto que la tecnología es algo que debemos probar y sacar nuestras propias conclusiones, pero lo real es que este compresor tiene muchas opciones de parámetros y considero que eso ayuda mucho; por suerte, en las emulaciones existentes también se tomaron el trabajo de tomar muestras de esas características.
Manley Variable MU
Introducido en el mercado desde 1994, existen varias versiones de este compresor, aunque todas son bastantes parecidas entre sí. Se trata de una herramienta obligada para la masterización, ya que su calidez y su elegancia para comprimir lo hacen ideal y único para comprimir un programa de música completo, llevarlo a altos niveles de RMS y que siga sonando natural.
Distressor Empirical Labs
Este equipo fue desarrollado por Dave Derr e introducido en el mercado en 1995, ganando popularidad muy rápidamente. Hay ingenieros que son fanáticos y hay otros como yo, que pensamos que es bueno para ciertas cosas, pero lo que sí es cierto es que es distinto a todos los demás compresores y eso lo lleva a participar de esta lista. También existen emulaciones de él.
Espero que los equipos descritos en esta serie de artículos ayuden a conocerlos y que animen a los ingenieros de audio a experimentar con ellos cuando sea posible, en pro de sus proyectos. ¡Gracias por leer!
Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.
José El Soñador:
máxima experiencia teatral musical
Fotos: Ramés López
Con el sello de Gou Producciones, José El Soñador (JES) regresó en 2022 a las marquesinas del teatro musical en México con siete semanas de funciones en el Centro Cultural Teatro 1 para dejar en claro que la audacia, innovación y creatividad son la punta de lanza de esta productora que ha transformado la referencia del teatro musical en nuestro país, como lo han probado puestas en escena como “Hoy No Me Puedo Levantar” (HNMPL) y “Jesucristo Súper Estrella”.
Son las cabezas de la compañía y el equipo de producción técnica de JES, quienes develan cómo se hizo realidad esta magna producción teatral, una experiencia de entretenimiento que estimula al espectador por la convivencia inmersiva de un muro formado por más de 400 metros de pantalla con diez metros de altura, videomapping, escalones de veinte metros de largo, bambalinas que se dividen, patas que se mueven, 120 luminarias. Un diseño artístico y de producción que logró hacer coexistir todo para contar una versión nueva, mexicana, de este clásico del teatro musical.
Gou Producciones: Incursionar, arriesgar y dejar huella
Alejandro Gou es hombre de teatro y lo ha producido con su propia compañía desde 2008: “Todo lo que ven es un resumen de lo que veo por el mundo y comparto con mi equipo creativo, Armando Reyes y Guillermo Wiechers. Lo que hemos hecho es una mezcla entre un concierto y el teatro musical, donde lo importante es no olvidar la historia que queremos contar, porque no me gusta hacer obras de teatro que ya vienen hechas y sólo replicas. A mí me gusta crear”. Desde que compró los derechos de “Jesucristo Súper Estrella”, Alejandro Gou cuidó mucho que la tecnología no desmereciera a los actores y estableciera ese balance. “A la gente de Andrew Lloyd Webber les gustó lo que hicimos y hoy, quien quiera comprar la historia de Jesucristo Súper Estrella, tiene que comprar mi versión, lo que sin duda es un gran halago. Lo mismo pasó con JES”, menciona.
“Entonces, ¿cómo darle la vuelta a una historia tan clásica? Pues hablando de tecnología, ésta ha crecido maravillosamente bien y no está peleada con una buena historia, así que por ahí nos fuimos: Tenemos 420 metros de pantallas de LED, 200 luces robóticas y se logró un gran balance entre la iluminación, el video y los efectos especiales. Yo soy un soñador y ver esto, con el tiempo que estuvimos día y noche, y cuando se dio el primer acercamiento con el público y ver la reacción, fue increíble. Somos un gran equipo. Me rodeo de gente que me enseña, busco a los mejores en cada área y me convierto en un orquestador de todo”.
José Eduardo Mendoza, Alejandro Gou y Carlos Hernández Elemento clave en la visión y misión de Gou Producciones es Guillermo Wiechers, quien ostenta una carrera como productor independiente con 18 años de experiencia y 21 montajes a nivel profesional, en los que ha colaborado con artistas como Susana Alexander, Héctor Bonilla, Héctor Suárez, Víctor Trujillo, Ignacio López Tarso, Ari Telch y María Rojo. Desde el 2017 se unió a la producción ejecutiva junto a Alejandro Gou:
“Me toca ensamblar los brazos del pulpo”, comenta; “por un lado, soy el vínculo entre la empresa mexicana y la que
administra los derechos de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, The Really Useful Group, que está basada en Londres, y por otra parte, me toca supervisar la contratación del talento, así que me he convertido en una especie de abogado de entretenimiento para leer las licencias, los contratos, las letras chiquitas y saber a qué se obliga uno. También soy quien revisa qué es lo que debe salir del centro de costos asignado para la producción, las peticiones de los creativos, los mandos operativos y hacer una proyección de cuánto costará ese periodo de ensayos, porque detrás está el trabajo de Armando Reyes con cada creativo que eligió llamar para este proyecto. Esta producción nos tomó 18 meses y soy también quien está trabajando en lo que sigue”.
La crisis sanitaria hizo que se vieran interrumpidas las funciones de HNMPL y también se postergó la misión de School of Rock, un compromiso que todavía no tiene fecha; fue entonces que empezó a concretarse JES, como comparte Guillermo: “Lo que la gente ve sobre el escenario es la conjunción de Armando Reyes, a quien considero un amigo genio, quien unió esfuerzos con talento de amplísima y reconocida trayectoria, como el escenógrafo argentino Jorge Ferrari, el diseñador de video Maxi Veco, el coreógrafo español Carmelo Segura y Mariano Deitri, quien durante muchos años trabajó para Cameron Mackintosh, el gran zar del teatro musical mundial”.
“Somos en total alrededor de 130 personas para dar esta calidad de espectáculo, desde vestuaristas, peluquería y maquillaje, con personas como Ángel Bernal, que lleva 13 años en Gou Producciones; tenemos un director vocal, un coordinador de los swings, una directora residente que función tras función da notas, una orquesta de 11 elementos con el productor musical Alex Carrera, que sabe de también de tecnología y conectividad para operar en el foso y mandar a cabina, un director de orquesta coordinando la ejecución de los instrumentos en vivo, un dance capter, dando notas de pasos de baile y naturalmente, un área técnica con su production stage manager, a quien cariñosamente llamamos Marmota (Xio Sánchez), que está en todo, además de los anfitriones, taquilleros, el personal de seguridad y estacionamiento”.
Un sello distintivo en el diseño de producción
Su imaginario está en el teatro desde niño y por ello es actor y egresado de la carrera en Arquitectura de Espectáculos por la Escuela Superior de Artes y Espectáculos de Madrid, con especialidad en escenografía. Es Armando Reyes, director de Tycoon Gou -la división de espectáculos familiares de Gou Producciones-, que trabaja con licencias de televisión como Nickelodeon y Cartoon Network- y el director creativo de JSE: “Cada vez que venía un proyecto de gran formato, como Jesucristo Súper Estrella, le pedía a Alex que me dejara hacerlo completo, y así empezamos a cambiar la manera de hacer teatro. Esto nuevo que creamos es una combinación de espectáculo de Las Vegas con concierto y teatro musical, lo que nombré como el súper gran formato. Así es como llegamos a JES”, a rma.
Armando también comenta que el diseño de JES surgió en la crisis sanitaria a petición de Alejandro Gou y su inspiración fue innovar en el uso de recursos tecnológicos: “Desde muy chico conozco el musical y era de esos que diseñé y rediseñé millones de veces en mi cabeza. Empecé con una maqueta y mi idea era meter mucha tecnología: trabajar con pantallas, pero de una manera teatral, pues hay una guerra muy fuerte contra éstas en este ámbito, porque dicen que esto no es cine. Yo quería redigni carlas y explorar hacer un uso teatral con ellas y mostrar que con creatividad se pueden usar. Eso fue lo primero que hice: me puse a hacer cuadros como pantallas y a darles movimiento y versatilidad, porque no es sólo una pantalla ja y eso le da un uso teatral. De ahí concebí la primera idea, me junté con mi equipo creativo, Jorge Ferrari, mi escenógrafo, y Maxi Vecco, un diseñador de video maravilloso y empezamos a hacer un story board. Cuando lo tuve me senté con Alex y se lo mostré. También me dijo que si estaba loco, si creía que era posible, y yo le dije: ‘Más bien dime si tenemos el presupuesto para hacerlo, aunque el presupuesto no debe ser un obstáculo, porque para mí, la creatividad no sólo se aplica para poner buenas ideas, sino también para hacerlas realidad”.
El siguiente paso fue exponer la idea a la gente de Media Center, Carlos Hernández y José Eduardo Mendoza, para hacer factible las pantallas en movimiento y demás ítems de producción técnica. Se sumó el equipo artístico y después se integró diseño de vestuario, iluminación y audio. Armando narra: “Fui guiándolos hacia un lenguaje de espectáculo, de show. Lo visualizaba como hacer un espectáculo de Las Vegas, contando una historia. Este es un espectáculo que nace de la dirección de arte, del diseño de producción. Nosotros le dimos fondo y forma a algo que estaba montado en un salón de ensayos y luego les pedimos que le dieran vida en el escenario”.
“Yo creo que esto fue una comunión perfecta en la que trabajamos todos; este montaje no viene de ningún lugar, ¡aquí lo inventamos! Es una experiencia multisensorial que me con rma que más que hacer teatro, conciertos o des les, hago experiencias de vida para las personas y creo que esto es muy impactante, porque es muy estimulante a nivel visual, auditivo... ¡ataca todos tus sentidos!”, concluye Armando.
Audio: mezcla en vivo de un show híbrido
Alejandro Zambrano ha girado alrededor del mundo realizando el audio de “Billy Elliot”, “Charlie y la Fábrica de Chocolates”, “El Fantasma de la Ópera”, “La Bella y la Bestia” y colaborado en México en “Chicago”, “Los Miserables”, “El Violinista en el Tejado”, “Mentiras”, “HNMPL” y “Jesucristo Súper Estrella”. En JES armó el diseño asociado de sonido y operador técnico del mismo:
Alejandro Zambrano “Armamos el proyecto, planteamos, programamos y realizamos la mezcla que escucha el público. Usamos el sistema de audio RCF autoampli cado del lugar y la consola Soundcraft Vi6 con actualización de software Vi600 y una segunda consola Yamaha CL5para los músicos e in ears. Todo está spliteado y en esa consola salen los in ears y las mezclas personales para los músicos. En microfonía tenemos Sennheiser y para los actores principales usamos cápsula DPA 6061 por una cuestión de presión: es un show que suena muy fuerte y necesitamos que esa presión la soporte bien el micrófono”. “En este show tenemos treinta micrófonos inalámbricos y los tres protagonistas usan doble, para prever cuando se obstruyen por el sudor o cuando se quedan sin pila; también están preparados micrófonos de mano en el escenario. Casi no hay monitoreo de voces en el escenario. Kalimba y Carlos Rivera usan in ear y Fela Domínguez se escucha y guía con la música. El artista se adapta, lo saben desde el primer día. La obra combina teatro y show, entonces hay un volumen considerable y su referencia está en sala. Todo está automatizado por escenas y se van abriendo al nivel necesario, pero no hay automatización de fader, se mezcla el show en vivo, a la banda y los actores. Casi no metemos efectos, solamente aplicamos un poco de compresor y ecualizador”.
Iluminación: el desafío
Convocado desde la puesta de HNMPL, Pablo Gutiérrez (de Life Entertainment Crew) asumió el reto de colorear con luces lo que para él no es teatro ni un concierto, sino la fusión de ambos en un contexto de metros y metros de pantallas para video:
“Es una aventura totalmente diferente. Fue muy difícil aterrizar el diseño de iluminación, porque hay 450 metros de pantalla atrás y fue complicado decidir desde dónde íbamos a tirar y colocar
las luces. Para hacerlas más presentes, hicimos un marco con las Elation Chorus Line como luces de calle (laterales, entre las piernas del teatro) y también usamos Vari-Lite VL2600 Pro le, VL2600 Spot, VL2600 Wash y VL10 Beamwash, provistas por Media Center y que cambiaron todo por sus colores, que nos dejaron lograr muchas cosas y usarlos como cortadoras, además de las Pro le en combinación con las Spot y arriba se usaron las VL10. Para el marco que está al frente se usaron las Chorus Line y unas Supersharpy de Clay Paky para dar profundidad y separación de la pantalla. Otro plus que metió Alex fueron dos luces RoboSpot de Robe como seguidores, que se controlaron desde arriba para los protagonistas. El diseño se hizo con Vectorworks y para operar se partió de una consola ETC, para pasar a MA Lighting grandMA2 full size. El balance con el contenido de video creado por Maxi Vecco se logró cuidando criterios como la temperatura y los colores, en relación con dimensión, perspectiva y sincronía”.
A Pablo le acompañan los programadores Andrés Campos y Luciano Marcos y en la operación Andrés Mendoza, Javier Hernández y Chalio, parte del crew del CCT1. “Para mí, JES fue un reto muy grande y estoy muy contento y orgulloso de participar”, a rma el iluminador.
Video: la clave para dar vida a un nuevo formato teatral José Eduardo Mendoza, Director comercial de Media Center, fue el proveedor de los sistemas de video e iluminación para JES. Como expuso Armando Reyes, fueron los segundos en
sumarse para hacer realidad las ideas de parte de la dirección creativa y ejecutiva y definir el tema visual, que es el ochenta por ciento de esta producción:
“Estamos hablando de un proyecto que nació con una idea de cerca de 400 metros de pantalla y quedó en 450 metros, equivalente a 29 millones y medio de pixeles. Cuando entramos a realizar el montaje de esta producción, ocupamos cerca de cinco mil horas hombre para tener las plantillas de montaje y programación presentadas para un previo del montaje final”.
“Se trata de 1,800 módulos de 50 por 50 centímetros de 3.9 milímetros de pitch; cableado, entre señal y corriente, de cerca de 15 kilómetros; más de nueve toneladas de pantalla móvil, porque es una producción donde la mecánica teatral y la automatización interfieren mucho y hay pantallas que se mueven de un lado a otro y otras bambalinas digitales que se parten. Tenemos cerca de cinco toneladas más de pantallas fijas, una escalera completamente visual tapizada de pantalla LED y siete kilómetros más de cableado para poder realizar esto, en algo que nosotros creamos de cero a cien. Son cerca de 180 mil watts, un generador que normalmente se usa sólo para video, así que acá tenemos tres centros de carga para video”.
Fela Domínguez, la tecnología como incentivo artístico
La intérprete y actriz, con participaciones en obras como “El Guardaespaldas” y “El rey león: el musical”, y en el papel de La Narradora en JES, señala acerca de la tecnología y su trabajo en este proyecto: “Mi relación con la tecnología es antes y después de esta obra, porque es la primera vez que se logra mimetizar de esta forma: tenemos el teatro con unas pantallas gigantescas que nos obligó trabajar distinto, por el reto que fue salir del salón de ensayos para ir al escenario y tener estos monstruos atrás que hacían que ciertos movimientos nuestros se vieran chiquitos. La tecnología llegó para quedarse y para hacernos crecer como artistas. Creo que la evolución en todo siempre ayuda y qué bonito que en el arte la tecnología se pueda meter de esta forma para crear cosas espectaculares”.
“Tenemos un jefe de video, Jorge Medrano, encargado de correr el show. Todo está automatizado por medio de LTC, un time code de SMTP que automatiza audio, video e iluminación. Tenemos dos servidores que, entre los dos, generan 60 millones de pixeles y se crearon para este proyecto. Hay dos servidores, un main y backup, que corren en tiempo real. Además tenemos cerca de 120 móviles, Vari Lite y ClayPaky, que están interactuando con todo el video. Fue un gran reto trabajar y generar luz de contra para eso pero nos hemos caracterizado como compañía, en tener las mejores soluciones para esas aplicaciones. La iluminación ha sido la punta de lanza de nuestra compañía y ahora el video que estamos logrando para realizar estos proyectos”.
El apartado de mecánica teatral en este entramado visual también fue clave: “Creamos rieles que fueron operados manualmente por técnicos de tramoya, porque si hubiéramos automatizado con motores toda esta producción, los tiempos del video no se hubieran logrado, pues éste interactúa con el movimiento físico de las pantallas, así que el video tiene que ir en el timing perfecto y no podíamos arnos de la tecnología. Fue más fácil retomar el tacto y experiencia humana. Lo único que sí es automatizado son las bambalinas: dos que se parten en un número del espectáculo y que bajan completamente al escenario con motores. Todo el rigging del escenario se tuvo que crear para esto y colgar todo. Este proyecto nos dejó poner todo el expertise acumulado en la vida; todo lo aprendido se resumió en este proyecto y vemos cómo todo ha valido la pena”, cierra orgulloso José Eduardo.
José El Soñador en la versión de Gou Producciones ha marcado un refrescante y memorable referente para el teatro musical de nuestro país. Si usted se quiere sumar y describirlo como Armando, de super gran formato, bienvenido; aquí lo importante es saber que el talento mexicano sigue
José El Soñador: audio, iluminación y video al máximo de creatividad
Audio
Sistema de audio RCF Consola Soundcraft Vi6 con actualización de software Vi600 Consola Yamaha CL5 Microfonía Sennheiser DPA 6061 (para los actores principales)
Iluminación
(24) Luminarias Vari-Lite VL10 BeamWash (16) Vari-Lite VL2600 Wash (12) Vari-Lite VL2600 Spot (06) Vari-Lite VL2600 Pro le (14) SL Nitro 510 (12) Luminarias Clay Paky Sharpy Plus
Video
(420) Metros cuadrados de pantalla LED, Pitch de 3.9 milímetros (27,525,120 pixeles) (01) Videoproyector Barco láser de 35,000 lúmenes (02) Servidores de video custom con 6 salidas 4k 4096 por 2160 (04) Tarjetas de envío Nova MCTRL 4K con control de 35,389,440 pixeles
trascendiendo por su audacia, imaginario, profesionalismo y e ciencia: “Al nal, la gente agradece que hayamos traído a JES, pero yo les digo que lo hicimos en México. Está hecho por mexicanos y creativos extranjeros de muy alto nivel. Tengo 51 años y tendré veinte años más para producir; vienen más locuras”, a rma contundente Alejandro Gou, invitándonos a seguirle, indudablemente, la pista.
Redacción: Marisol Pacheco
Fotos: Yorch Gómez y Andy Jiménez
Sobrevivir en la barranca
I Poder sentirlo todo en todas partes
El primer concierto al que asistí fue a los trece años. En plena ebullición de bandas como La Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio, Café Tacvba o Cuca, yo fui a ver a los primeros mencionados y debo decir que, a partir de ese momento, me volví adicto a la música en vivo. Aquella euforia desbordada, los comportamientos carentes de todo freno por parte de los asistentes, aunado a la fuerte presencia escénica de los ejecutantes, creaban un imponente ambiente que mezclaba aromas, sonidos, luces, empujones y la acritud de la adrenalina en mi boca que me hicieron entender que mis sentidos tenían aún mucho por vivir.
Sentí miedo, sí, de nitivamente ver pasar botes de basura volando a un lado tuyo, o a tipos encender latas de aerosol a modo de sopletes, sentir que estás a merced del movimiento y designio de las masas es muy intimidante cuando eres un chiquillo que solo quería oír a uno de tus grupos favoritos de ese momento, pero luego entiendes que ahí tú también eres masa, eres parte de ese todo que no va a jarse en las reglas de la acústica o la moral, al menos por un par de horas, y eso te vuelve una persona distinta a la que generalmente eres, pero igual a lo que sientes dentro de ti cuando escuchas en tus audífonos una buena canción a todo volumen.
II Entonces sentimos lo que es estar vivos
Alguna vez dije que, para morir en paz, me bastaría con ver en vivo a cinco bandas; Sigur Rós, Radiohead, Pink Floyd, Portishead y Massive Attack. A las dos primeras ya las gocé en conciertos, la tercera es casi imposible (ya ni se hablan),
pero he podido ver dos veces a Roger Waters y ambas experiencias (“Dark Side of the Moon” y “The Wall”), han sido totalmente alucinantes. Portishead y Massive Attack, son asignaturas pendientes, pero por fortuna aún tocan juntos a veces.
El punto es que, cuando hice esa aseveración, me había quedado corto en mis expectativas, pues nunca imaginé la potencia de estar a unos metros de distancia de Deftones, o a unos centímetros de Foo Fighters, ni pensé en el escalofrío que me provocaría escuchar en directo “Hombre al agua”, de Soda Stereo o “Sledgehammer” de Peter Gabriel; tampoco había contemplado hacer grandes descubrimientos con teloneros como Dresden Dolls o The National. Ahora sé que aún al morir, me voy a quedar muy corto en cuanto a las experiencias que pudiera disfrutar en alguna tocada. Aun así, tengo mis bandas consentidas para ver en vivo y una de ellas es La Barranca.
III Pero tu canción es triste y hermosa
Yo escuché a La Barranca en concierto por primera vez en 1998, cuando tocaron en el extinto Bar Fly de Guadalajara, presentando el disco “Tempestad”. Aquella vez ya estaba tocando con ellos Alejandro Otaola, a quien conocía por Santa Sabina, y aún tenían en su alineación a Alfonso André, Federico Fong y a Jorge Gaytán acompañando al siempre barranqueño José Manuel Aguilera. Ese concierto fue impresionante, pues a pesar de que solo contaban con dos álbumes, dieron una presentación llena de buena vibra, con una ejecución impecable y haciendo que todos los que estábamos presentes cantáramos, bailáramos, nos abrazáramos y sintiéramos en cada vellosidad del cuerpo todo lo que ellos quisieron provocarnos.
Si es que aún hay alguien que no conoce a La Barranca, me permito comentar que es uno de los mejores grupos de rock que existen en México, siendo catalogados como la banda más elegante de ese género en el país y manteniéndose vigentes desde 1995, cuando durante un palomazo en Guadalajara siendo Semana Santa y tras grabar con Jaguares y Forseps, Aguilera, André y Fong decidieron crear un concepto que sigue vigente hasta la fecha. La banda cuenta con doce álbumes de estudio y por sus las han pasado numerosos músicos de alta calidad que tanto en vivo como en sus grabaciones, dan muestra de una impresionante creatividad y precisión, además de derrochar una energía que te envuelve desde el primer acorde hasta el momento en que se bajan del escenario, dejándote con ganas de mucha Barranca más.
Yo los he visto en teatros, en bares, en festivales, en la calle, en salas de conciertos. Los he oído sobrio, con sueño, deprimido, eufórico, ebrio, sin ganas, con muchas ganas. He sido testigo de su virtuosismo en acústicos, con invitados, musicalizando películas de cine mudo, tocando con mariachis, haciendo covers de Radiohead o hasta luchando con pésimas ecualizaciones. Sin mentir, es el grupo que más veces he visto en vivo.
IV La muerte que a mí me toca, sea el piquete del alacrán
Tomando en cuenta las tantas veces y de distintas formas que he sido testigo de la fuerza de La Barranca, quedaba claro que no me iba a perder la posibilidad de verlos cuando, debido a la pandemia que estamos sobreviviendo desde hace un par de años, anunciaron un concierto en línea para diciembre de 2020.
Debo confesar que me la pensé por un instante, yo sabía que no iba a ser igual. Me iban a faltar algunos litros de cerveza (aunque no soy a cionado a beber, despeñarme en La Barranca es inevitable), esta vez no iba a escuchar los clásicos gritos: “Aguilera, hazme un hijo”, ni me iba a cimbrar la piel en cada poro con las primeras distorsiones de guitarra al comenzar “El síndrome” y ni qué decir de no poder gritar a todo pulmón “¡Quémame coooooon tu pieeeeel!” al escuchar “Ser un destello”. No, no iba a ser igual, pero iban a ser ellos e iba a ser yo, y a n de cuentas, para que la magia de la música exista, es necesario quien esté dispuesto a tocarla y quien esté dispuesto a disfrutarla. Así que me dispuse.
Compré un cable HDMI para poder conectar mi laptop a la pantalla, un six de cervezas oscuras y acondicioné el cuarto de la televisión de manera que, si los vecinos decidían, como es
habitual, llevar grupo norteño a sus cocheras o prender sus bocinas con música a todo volumen, no me fuera a cortar mi trance barranqueño.
El concierto mencionado fue un recorrido por canciones emblemáticas de sus discos anteriores, más la presentación del álbum “Entre la niebla”, y aunque no fue realmente en vivo, sí era una grabación que se notaba hecha en una sola toma de cada tema, lo que daba esa sensación, con errorcitos y desa nadas incidentales incluidas, de que estabas ahí, viéndolos en un escenario interpretar con la emoción viva y no con los arreglos propios de un estudio, lo que esa noche habían decidido presentar.
Al nal no pude comprarme una playera o preguntarle a algún desconocido en el baño su impresión por el concierto, o manejar rumbo a casa oyendo a todo volumen las canciones que no hubieran tocado y que yo habría agregado al setlist, y mucho menos pude gritarle a la tele el clásico “¡Ooooooooootra! ¡Oooooooooooootra!”, pero si algo me quedó claro es que no debemos dejar de vivir mientras “El alacrán” no haya decidido picarnos.
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Ximena Constantino,
el futuro sonoro de una saxofonista
Vaya gratos recuerdos del futuro, charlando con un café en la mano y junto a la extraordinaria persona y gran saxofonista Ximena Constantino. En una década, dos o tres, seguramente alcanzará importantes dimensiones de consagración para nuestro país, algo así como el ejemplo del Maestro Flautista y Director de Orquesta, Horacio Franco. ¿Por qué no verla así? Por favor, coloquemos todos nuestra voluntad, imaginación y pensamiento, que hasta allá veremos a Ximena representarnos en el mundo y de esta manera, estaremos en el futuro recordando sus logros del pasado.
¿Cómo ha sido tu carrera en el medio musical?
“Creo que no hemos logrado los objetivos todavía como mujeres; no se trata de estar en contra del otro género, pues tengo un hijo, sino que simplemente hay más hombres conocidos que mujeres en el sax” comenta. Ximena es la primera mujer en terminar y graduarse de la carrera de ocho años de Saxofón en el Conservatorio Nacional de Música, aunque en la Escuela Nacional de Música hay más chicas que se han graduado. Ximena comparte que hay un contraste de mujeres en la música académica y en la música comercial que admira por sus talentos y alcances, y explica que, sin embargo, en el ámbito de la academia, existe una falta de cátedra antigua, “un linaje de formación en saxofón”, ya que en la música clásica no hay una cátedra para este instrumento como tal. Ximena tiene a su amiga Sofía Zumbado, también saxofonista, en el Vórtice Ensamble, del compositor y director de orquesta Felipe Pérez Santiago y como un logro especial, Ximena estrenó en Perú una obra de Venus Rey Jr: una suite que compuso para ella, la cual pudo interpretar, pero que debido a la crisis sanitaria, no se ha podido grabar.
Ximena nos relata una experiencia, a modo de aprendizaje, que considera relevante. Le platicó a su profesor (del cual dependía en aquel entonces para terminar su carrera) sobre su embarazo, y éste le respondió que ella ya no iba a ser músico nunca y se negó a continuar dándole clases. Acto seguido, Ximena se dio de baja dos años y nalmente el Maestro Filomeno Ortíz, con quien se encuentra agradecida, rmó los documentos para que siguiera estudiando y se graduara; nos deja entonces la lección de que el que quiere, puede.
Audición, meritocracia y profesionalismo
Más allá de los géneros, a las orquestas se entra por meritocracia, por audición. Sería interesante proponer, de manera alternativa, por ejemplo, una orquesta de mujeres estatal o federal; en Oaxaca hay orquestas de mujeres y también bandas como la Banda Femenil Regional Mujeres del Viento Florido. Ximena agrega: “Estoy de acuerdo con las
orquestas mixtas, y también creé el Ensamble de Saxofones Mujeres de México; nalmente se trata de que el ejecutante sea bueno y profesional”.
Existen ambientes nada profesionales que pueden ser nocivos para los músicos y con pocos cuidados, aún siendo entre mujeres. Ambientes de personas negativas, drogas, alcohol, mala paga y condiciones de logística no profesionales, así cómo también tratar a los músicos con prejuicios y no brindarles hospedaje y condiciones adecuadas. “Debemos regirnos por la música más allá del género, como artistas tenemos la responsabilidad social de buscar y generar oportunidades, lo que está bien hecho, está bien hecho, no vayas a lugares, ni con gente en quien no crees, ni debes estar” sugiere Ximena en esta re exión.
Datos y visión para los músicos jóvenes desde la experiencia.
Antonie-Joseph Sax (1814-1894), hijo de Charles-Joseph Sax, ambos de Bélgica, es el creador del saxofón. Otro dato interesante es que a la dama del saxofón, Elise Hall, su doctor le recomendó tocar el sax y ella le pagó al compositor francés Claude Debussy para que compusiera para ella y aunque destacó, él se refería a ella con poca importancia. Desde su
origen, el sax ha sido un instrumento raro, hay un libro llamado “El Cuerno del Diablo”, de Michael Segel, que recomienda Ximena para quien comienza sus estudios en el sax (con una traducción al español que puede encontrarse en dialnet.uniroja. es). El abuelo de este instrumento es el clarinete y actualmente, el sax cabe en muchos estilos como el jazz, la salsa, la música contemporánea, la música comercial, el rock y el blues. Hay que estudiar esos estilos; hay que estudiar la teoría musical y no quedarse en un estilo”.
Estudio de grabación y home studio
Ximena graba en salas acústicas y en vivo y con su ensamble, colocan micrófonos al centro para sonar lo más natural posible. Lo que más le agrada son los micrófonos AKG y Shure, que también usa en casa con una interfaz Behringer y el programa Logic Pro, buscando el sonido lo más natural posible, sin cambiar a naciones, sino simplemente grabar bien para que quede de origen. “De Shure ocupo el modelo Blx14/b98 y actualmente me patrocina D’Addario. Además, a través de Casa Veerkamp, tengo instrumentos BG France y Victory Instruments, del cual uso un sax soprano.
Para evitar errores comunes en el sax, Ximena ofrece los siguientes tips:
1. Dar la su ciente importancia a las notas largas y a las escalas. 2. Los ejercicios de respiración se tienen que hacer toda la carrera del músico. 3. Hay distintas ofertas de boquillas, cañas y saxofones y se deben probar diferentes para encontrar la comodidad y el sonido deseado.
“Estoy de acuerdo con las orquestas mixtas y también creé el Ensamble de Saxofones Mujeres de México; nalmente se trata de que el ejecutante sea bueno y profesional”.
“Hay un contraste de mujeres en la música académica y en la música comercial que admiro por sus talentos y alcances, pero en el ámbito de la academia, existe una falta de cátedra antigua, “un linaje de formación en saxofón”.
Siempre agradecida con la música
Ximena sostiene en creer en lo que se haces, sin pasar por encima de nadie. La música le ha dado momentos maravillosos como viajar y está agradecida con su esposo, el Maestro Armando Cedillo, trompetista, por su apoyo emocional, musical, y por ser padre de su hijo. Ella naliza: “Le he dado a la música mi tiempo y me ha redituado; una persona que está en la música de manera verdadera, es difícil que sea una persona vacía.
Se puede contactar a Ximena en Facebook: Saxofonista Ximena Constantino, Instagram: Ximena Constan y en TikTok: Ximena Constantino Sax.
Germán Lobos
Músico, cantante y productor. Cantante de música virreinal y productor e ingeniero de grabación especializado en música de concierto. Este per l, con el que muchos colegas conocieron a Germán Lobos, es sólo una parte de lo que él signi có para muchas personas. Su sensibilidad fue muy apreciada y la amistad que prodigaba fue muy valorada para quienes disfrutaron de ella. Sin duda, su repentina partida de este plano de existencia es un muy difícil momento para su familia, amigos y colaboradores, y el siguiente escrito está hecho con todo el cariño para recordarlo. Estamos seguros de que Germán estaría feliz de saber que era tan querido, y desde aquí enviamos un fuerte abrazo a todos quienes él tocó con su sensibilidad y talento.
Hasta siempre, Germán.
“En 2018, mi vida cambió dramáticamente después de una separación muy dolorosa. Germán se acercó a mí un día y me dijo: ‘Estás callado, enojado y triste por todo lo que ya no será, pero querido Ica, piensa en todo lo bello que puede venir y todo lo que hermosamente puedes crear’. Germán pudo leer
mi corazón en pedazos sin que yo dijera una palabra, se acercó y me dio un abrazo, estuvo ahí para mí, para saber que yo iba anímicamente mejor. Generalmente, cuando una persona se va, decimos sólo lo bueno que él era porque ya no está y queremos honrar su partida. Yo quiero honrar su vida, Germán fue tres veces caballero, un ser excepcional y amó México con todo su ser. No tengo duda que toda vida que Germán tocó, cambió para bien. Él me ayudó a sanar y a ver todo ese mal momento de mi vida desde una perspectiva más constructiva. Aprendí mucho bueno de ti. Gestor cultural incansable, amante del arte y de las buenas formas. Sé que no soy el único que pensará así. Le hacías mucho bien al mundo, Germán. Hasta siempre, amigo”.
Icautli Cortés, ingeniero de audio
“Una de las más gratas experiencias como profesional del audio es encontrarse con colegas con quienes inmediatamente se crea una entrañable amistad. Germán es uno de esos maravillosos personajes. Nos conocimos en el Primer Encuentro Oídos de Oro en Tepoztlán, en 2011. Afable, de una gran conversación y siempre dispuesto a profundizar en el conocimiento de nuestra profesión. Acudió a varios de mis talleres. Después llamaba una y otra vez para rea rmar ideas. Inolvidable su sonrisa y trato caballeroso. Estaba en el camino correcto para ser una de las guras más destacadas en nuestra Industria. Fue siempre de los primeros en apuntarse para nuestras célebres comidas de n de año y de los últimos en retirarse de las mismas. Germán ha dejado un espacio difícil de reemplazar: a nivel profesional y como un buen amigo. Personalmente, es complicado transmitir a través de estas líneas todo el cariño que imprimió. Como sucede en casos así, es triste no haber tenido la oportunidad de agradecerle por todo lo que aportó. Germán querido… muchas gracias por todo y buen viaje.
Juan Switalski, ingeniero de audio
“Además de haber sido un entregado y apasionado de la música, Germán Lobos fue un amigo que estuvo constantemente presente, dispuesto a ayudar en lo que fuera posible. Tuvimos muchas charlas y en ellas, un tema frecuente fue microfonía y técnicas de grabación, otra gran pasión de Germán. En los años de amistad que tuvimos hubo oportunidad de colaborar en varios discos, desde música para piano, coral y ensambles, hasta proyectos personales que hicimos por amor al arte. Afortunadamente deja una extensa lista de producciones en las que participó como cantante, productor y/o ingeniero, pero sobre todo nos dejó un ejemplo de amistad impecable”. Luis F. Herrera, ingeniero de audio
“Mi querido Germán Lobos, gran ser humano que pasó por el transitar de muchos y que dejó una huella importante en sus vidas, y para unos, como yo, tatuada en lo más profundo del corazón.
Integrante de Mexicalia, donde lo conocí, creamos una relación, que más de amigos y colegas, era como de una familia, con sus altibajos, con sueños y expectativas, pero sobre todo con mucho amor. Hombre con muchos talentos, pero sobre todo noble, generoso como él sólo y para mí, casi hermano del que recibí un amor incondicional y una radiante luz que alegraba mi alma”.
Lorena Barranco, cantante
“A mi querido hermano Germán Lobos Mendoza: Pido permiso al duende de la inspiración para que me permita expresar con delidad y en la medida justa el querido recuerdo y la huella imborrable que ha dejado la presencia en mi vida de un colega ejemplar, de un amigo insustituible, de un hermano en el mejor y más genuino sentido del término, pero esencialmente de un ser humano excepcional por su talento, inteligencia y generosidad, que quiso y supo estar a la altura de todos los escenarios que el arte y la vida le ofrecieron. Se ha ido muy temprano, me he repetido muchas veces, y sin embargo, recorriendo en mi memoria más de veinte años de historias compartidas, me convenzo de que la existencia no se mide en horas, días o cualquier sinónimo del tiempo, sino por las búsquedas y los aprendizajes emprendidos, las obras realizadas, las alegrías y la capacidad de dar y recibir amor; en esto, querido Germán, has sido generoso y fecundo y dejas constancia en todos aquellos que tuvimos el privilegio de tu presencia.
Mientras tenga memoria, te quedas conmigo, Hermano… Gracias in nitas… hasta siempre…”
Salvador Guízar cantante
“Nuestro querido Germán Lobos fue y es un ejemplo a seguir para muchos. Él era la mezcla perfecta entre un profesionista apasionado y un ser humano lleno de bondad y sencillez. De los recuerdos que me vienen a la mente en donde tuve la dicha de cruzar caminos con este ángel fue, en la labor de audio rescate del 19 de septiembre de 2017 en Ciudad de México, en donde por varios días dedicó destino, tiempo y energía para ayudar a encontrar víctimas debajo de los escombros con su equipo de audio. Meses después le fue otorgada la medalla “Audio rescate19” por sound:check Xpo por su gran mérito.
Por todo eso y mucho más, gracias, Germán”.
Novelli Jurado, ingeniero de audio
“Germán: A casi un mes de tu partida, todavía es difícil de creer. Un ser generoso, dispuesto a cooperar, hacer equipo, apoyar y siempre sumar. Era poco el tiempo que teníamos de haber empezado a tratarnos; muchos amigos músicos y muchos más en el fascinante mundo del audio y la producción nos unían. Hablábamos el mismo lenguaje y teníamos experiencias profesionales muy cercanas, escuchábamos tu nombre cada vez en más proyectos, tu participación en Oídos de Oro siempre estuvo presente aportando, echando porras y compartiendo proyectos, hasta que un día un proyecto nos puso frente a frente, sumando para sacarlo adelante y así, en un abrir y cerrar de ojos, ya sumábamos como socios. Compartimos equipos, escuchábamos proyectos mutuos y opinábamos para crecerlos. Tu entusiasmo siempre estuvo presente, fuiste un gran socio en las Noches de Ofelia y así fuimos generando contenido siempre de muy alta calidad. Nos cuesta trabajo no tenerte y sin duda hay un gran vacío que es difícil ocupar…creías en la música, en los músicos y sus proyectos. En las locuras que se nos ocurrían sin cuestionar qué tan complicado era, ahí estabas con una gran sonrisa”.
Gabriela Méndez y “Chacho Peniche”, ingenieros de audio
Chuck Ainlay, en lo nuevo de Albert Cummings
El productor e ingeniero ganador de varios premios Grammy, Chuck Ainlay, ha grabado y/o mezclado más de trescientos álbumes, incluido el trabajo con artistas legendarios y actuales como George Strait, Taylor Swift, Miranda Lambert, Peter Frampton y Mark Knop er, entre muchos otros y recientemente trabajó en el nuevo álbum de estudio, “TEN”, del aclamado bluesman Albert Cummings. Grabado en Nashville, en Phenix Studio, de Peter Frampton, el álbum presenta un equipo de ensueño de los mejores músicos de Nashville reunidos por Chuck, incluido el baterista Greg Morrow, el bajista Glenn Worf, el tecladista Michael Rojas y el guitarrista Rob McNelley, con una aparición especial del legendario artista Vince Gill.
“Lo primero que Chuck les dijo a los músicos cuando entramos al estudio fue que estaban ahí para darle a Albert algo que nunca tuvo, ¡y lo hizo!”, comenta Albert. “La música que comenzó a reproducirse en el estudio sonaba como si se estuviera creando en un nivel completamente nuevo”.
“Albert notó mi nombre y le gustaron las grabaciones que había estado haciendo”, menciona Chuck. “Estaba pensando en hacer otro álbum y me preguntó si estaría interesado, así que entablamos una conversación, me envió algunos CDs de álbumes anteriores y quedé realmente impresionado”.
En “TEN”, Albert se aventura en el rock, el country, el soul y la música americana, mientras que sus canciones van desde melodías que hacen sonar las paredes hasta baladas suaves, con la voz áspera y mundial de Cummings que toca todos los estados de ánimo adecuados”.
“Elegí Phenix Studio de Peter Frampton para grabar las pistas y mezclar el álbum, ya que el estudio está bendecido con todo lo que se necesita desde un punto de vista técnico, junto con un gran sonido y una gran vibra”, a rma Chuck. “Parecía el lugar perfecto para hacer este álbum, ya que no era una
banda súper grande. Además, siendo Albert un guitarrista, ¡realmente estaba emocionado con la idea de estar en el estudio de Peter Frampton!
Cummings y Ainlay habían hablado sobre algunos artistas invitados que podrían estar en el disco. Como gran admirador de Vince Gill, Cummings se preguntó si había alguna posibilidad de que Gill estuviera interesado. Ainlay recuerda: “Me preguntó qué pensaba sobre esa posibilidad y le dije: ‘Bueno, Vince es un buen tipo, ¡así que tal vez!’ .’” Gill terminó prestando su talento vocal en la bulliciosa canción “Last Call”. “Albert estaba en la luna”, a rmó Ainlay, “O como él dice, tener a Vince en el disco fue solo otro momento de ‘pellizcarme’”.
Al hablar sobre el seguimiento real del disco, Ainlay compartió detalles sobre las opciones de micrófonos, ampli cadores y preampli cadores: “A Albert le gusta mucho el ampli cador Fender llamado Vibro-King, con el que no estaba muy familiarizado, y lo emparejamos con uno de los Fender Vibroverbs de Frampton”, comenta Ainlay. “Ampli qué cada ampli cador con un Shure SM57 cerca del parlante en un ángulo de 40 grados. También utilicé un micrófono de cinta de estudio R-121 de Royer labs y un micrófono de cinta estéreo Royer SF-12 para el ambiente de la sala. Esa combinación es la forma en que he estado microfoneando guitarras eléctricas durante años y funciona. Los ejecuté a través de módulos API para preampli cadores de micrófono y luego directamente a la grabadora de disco duro. Generalmente no uso compresión cuando grabo guitarras eléctricas, ya que puede matar una actuación. Obviamente, Albert tiene una pedalera, por lo que haría algo de compresión en su extremo dependiendo de la pista, pero siempre trato de obtener el sonido que el guitarrista realmente escucha en la sala. Al trabajar con Mark Knop er a lo largo de los años, aprendí que realmente se trata del guitarrista, no de mí y de cualquier procesamiento que pueda hacer después”. “TEN” también presenta varias pistas en las que la guitarra acústica es el instrumento destacado, por ejemplo, “Hard Way” y “Meet the Man”. Ainlay continúa: “Peter Frampton tiene una Signature Series Martin, así que esa es la guitarra que terminamos usando. Para la microfonía, mezclé un micrófono de condensador multipatrón Neumann KM 86 dirigido al ori cio para capturar el cuerpo de la acústica junto con un micrófono de instrumento DPA 4099, que es de cuello de ganso. Lo coloco donde el mástil se une al cuerpo para obtener más ataque del instrumento”.
El paso nal del proyecto fue la masterización y Chuck Ainlay eligió a Mike Haynes de Ensõ Mastering, con sede en Nashville. “Como ingeniero de masterización, siempre debes honrar la visión del ingeniero de mezcla, y esto es especialmente cierto cuando masterizas un proyecto mezclado por el amigo e ícono de la industria, Chuck Ainlay”, a rma Mike.
A lo largo de su carrera, Cummings se ha esforzado por no poner límites a su música y con TEN ha subido el listón hasta un punto en el que todo parece posible. “He estado jugando durante muchos años y todavía encuentro nuevas formas de expresarme”, dice Albert Cummings. “De eso se trata este álbum para mí. Apoya mi creencia de que puedo lograr cualquier cosa que me proponga”.
Micrófono de condensador para voz Shure KSM11
Como una novedad para el registro de la voz, la cápsula del micrófono vocal inalámbrico KSM11 de la rma fundada en 1925 por Sidney Shure rede ne el rendimiento vocal al proporcionar una adecuada combinación de bajos plenos, medios claros y agudos detallados, sin necesidad de una amplia ecualización. El KSM11 es un micrófono de condensador cardioide diseñado especí camente para actuaciones en vivo, grabación de eventos y transmisión de alta calidad y permite que los sistemas inalámbricos digitales transmitan voces en vivo de forma extraordinaria.
Algunos detalles
Con los requerimientos que la transición a la tecnología digital han impuesto a los escenarios para espectáculos en vivo en la actualidad, el micrófono de condensador cardioide KSM11 fue desarrollado para aprovechar la alta linealidad del audio digital; es decir, la misma salida en toda la gama de frecuencias. El dispositivo ofrece un equilibrio de gama baja completa, gama media rica, detalles esenciales de agudos y un importante rechazo de los sonidos fuera del eje, ofreciendo a los usuarios una excelente representación de la interpretación vocal para construir sus mezclas, ecualizando por elección y no por default, todo esto de una manera inalámbrica. A continuación, un listado breve de sus características:
·La cápsula de condensador inalámbrica patentada del KSM11 utiliza un diafragma de oro de tres cuartos de pulgada y una electrónica de primera calidad para un rango dinámico excepcional. ·Su patrón polar cardioide profundo y altamente uniforme reduce la distorsión de fase fuera del eje y logra una reproducción vocal impecable y concentrada. ·El diseño rigurosamente perfeccionado hace que la cápsula ocupe un espacio más pequeño y ligero en comparación con las cápsulas inalámbricas convencionales. ·Cuenta con un avanzado sistema de aislamiento suspendido que elimina casi completamente el ruido de manipulación. ·Su rejilla de acero templado es resistente a la intemperie e incluye un ltro contra chasquidos, para voces uniformes y libres de efectos. ·Está disponible en acabados negro y níquel.
Si vamos un poco más a profundidad, veremos que el KSM11 cuenta con un condensador TypeElectret, patrón polar cardioide, respuesta en frecuencia de 50 a 20,000 Hz, salida de impedancia (1 kHz) de 250 ohms, sensibilidad a 1 kHz y un voltaje de circuito abierto de 46.5 dBV/Pa.
El nivel de presión sonora del KSM11 es de 151 dB, su relación señal a ruido es de 71.5 dBs y su rango dinámico es de 128.5 dB. Su nivel de clipping es de 10 dBV y la presión positiva en su diafragma produce un voltaje positivo en el transmisor con respecto a tierra.
Finalmente, con un peso de 150 gramos y dimensiones de 4.8 por 7.6 centímetros, este lanzamiento de Shure se integra a la gama de opciones que la marca pone a disposición de la Industria de la Música y el Espectáculo para responder a los retos de hoy, de una manera sencilla y efectiva. ¡A probarlo!
Ulises Hadjis: El Mundo y la Nada
De los años de pubertad, cuando tocaba la guitarra y adquirió el portaestudio de casete Tascam 424 con el que hizo sus primeras grabaciones, el venezolano Ulises Hadjis recuerda que aquel fue el camino que lo metió en la autoproducción: “En ese momento no me preocupaba ni la producción ni la ingeniería, sino más la música; ahora me doy cuenta de que, obviamente, estaba aprendiendo también a grabar y a usar lo que tenía para hacerlo”.
Con cuatro discos y varias colaboraciones, su reciente álbum “El Mundo y la Nada”, grabado en su espacio (Estudio Continuo), cambió el proceso con el que venía haciendo sus discos anteriores: “Pavimento” fue el primer disco en el que trabajé con más músicos; en los dos primeros yo grababa la mayoría de las cosas y este fue más colaborativo. Eso cambió el sonido y la visión de producción, que estuvo a cargo de Carles ‘Campi’ Campón, de la banda Vetusta Morla, quien quiso volver a la sonoridad de sus micrófonos Coles de listón pasados por preampli cadores Neve”, señala el cancionista”.
Sobre la relación que establece con los productores, a rma: “La visión que tengo del productor es como de psicoanalista: busco alguien que me muestre el punto ciego y desarrollamos
una dinámica de con anza. Me gusta seguir las directrices del productor, porque yo ya compuse la canción y estoy tocando los instrumentos, así que me interesa saber qué va a decir la otra persona”.
Las canciones de “El Mundo y la Nada” se escribieron entre 2017 y 2019 y algunas cuentan con colaboraciones junto a Gaby Moreno, Florencia Núñez y Xoel López. “Mi disquera sentía que había que sacar sencillo por sencillo y realmente es agotador. Produje un par de discos para Universal Music y el director me dijo, “hay que sacar discos enteros, salvo contadas excepciones de artistas”. Esa es una lección de la industria: el sencillo no construye un fan, mientras que el disco sí lo hace”.
Las voces del disco se grabaron en Estudio Continuo con un micrófono Neumann y una caja de poder: “La cadena que uso casi siempre pasar por un SSL y listo. No comprimimos ni ecualizamos nunca, porque cantamos de una manera tranquila, menos en la canción “Despiértame cuando llegues”, en la que mi voz la grabé con el Manley Reference que tenemos en el estudio”.
Para la mezcla, Ulises suele hacerla como trabajo previo junto a El David Aguilar, su socio y colega, o bien con Roy Cañedo o Nacho Sotelo; la masterización queda en los oídos de Juan García o Gerry Rosado: “Hago pre mezcla con David bastante cerca para cachar algo más técnico de frecuencia o compresión. Si voy con Roy y Nacho, Roy suele revisar todo y Nacho toma cosas de lo que hice y arma con eso una segunda visión; yo, antes de pedir cambios, lo dejo pasar un par de días. Con lo que estoy luchando ahora es en lograr presentarme en directo usando un MPC y un looper para mantener la magia del performance en vivo yo solo, porque no tengo fechas su cientes para ensayar con una banda”, naliza.
Solid State Logic, ganador del Queen’s Award
El procesador externo analógico Fusion fue reconocido con este prestigioso premio británico a la innovación para las empresas del Reino Unido y reconocen y celebran la excelencia empresarial en todo el país, además de marcar el segundo reconocimiento Queen’s Award de SSL en dos años.
Desde su lanzamiento en 2018, Fusion se ha utilizado en muchos estudios de grabación comerciales de todo el mundo y ha ganado popularidad entre la comunidad de producción, mezcla e ingeniería de audio, gracias a sus poderosas herramientas de modelado tonal. Fusion brinda detalles, calidez y delicadeza a las señales de audio que solo los circuitos analógicos reales pueden proporcionar.
El Director General de SSL, Nigel Beaumont, comenta: “Nos sentimos honrados de haber recibido este premio, el segundo en dos años. Expreso mi gratitud a todo nuestro personal por impulsar una cultura de innovación, y a nuestros clientes de todo el mundo que son extremadamente leales y exigentes con sus aplicaciones. Finalmente, como parte de la familia Audiotonix, somos afortunados de tener acceso a recursos y conocimientos adicionales que nos permiten ofrecer continuamente productos de clase mundial”.
Sin duda, SSL se merece éste y muchos premios más gracias a la creatividad con la que sus productos cuentan y han hecho evolucionar a la Industria de la Música y el Espectáculo. ¡Felicidades a todo el equipo!
