Universo sonoro

Suno Records

El insomnio creativo del artista

Acabo de hacer una actualización de mi estudio de grabación. Invertí una cierta cantidad de recursos para estar al día y como consecuencia lógica de que mi computadora anterior ya tenía unos ocho años de uso. Recordemos que en el concepto actual de la “vidacomputadora”, un equipo como estos absolutamente se encuentra más allá de su vejez: es una feliz o infeliz anciana en espera de la muerte, esa transición natural de la vida hacia el misterio de la no vida, cosa que sucederá en cualquier momento a través de algún infarto de su disco duro, una grave infección de su sistema, una metástasis en su tarjeta madre, un estado de coma por un inesperado apagón de la CFE, sin la ilusión aparente de poder aspirar a una vida eterna y digna después de la muerte en el paraíso de la computadoras.

Equipos nuevos. ¿Y las ideas?

Por ahora, mi vieja y anciana computadora sigue viva, ayudándome en todo lo que le pido, aunque ciertamente ya no estoy grabando audio en ella, pues en esta tarea es en la que comenzó a demostrarme los inevitables signos de su edad. Tal parece que hablo de un ser vivo cuando me re ero a ella aunque no lo sea, pero no podemos negar que nuestras computadoras actualmente son ítems de la vida diaria que nos acompañan como si estuvieran vivos, herramientas con las que estamos más en contacto que con algunos de nuestros seres queridos, sea esto último algo bueno, deseable, o no.

En medio de toda esta escena, llegó la nueva computadora: hermosa, inmaculada, limpia, joven y recién nacida. Y

comenzó entonces el ritual, ese ritual de prenderla, ingresar tus datos, ajustar las cosas que vienen de fábrica en el sistema para que aparezcan como a ti te gustan, instalar los programas, las actualizaciones y todo lo que conlleva el cambio. Finalmente, después de varias horas de trabajo logré tener mi estudio funcionando con algunas novedades, resultado de actualizarlo todo.

Si bien, encontrar nuevos recursos tecnológicos, nuevos sintetizadores, librerías y efectos ayuda a sentir que las posibilidades creativas que tenemos disponibles a partir de estos cambios es algo renovador y satisfactorio hasta cierto punto, hay una re exión que me aborda cada vez que suceden en mi vida estos cambios obligatorios: sigo siendo yo quien opera la máquina y sus nuevos recursos, el mismo personaje que usaba la anterior. Y es entonces cuando la operación re exiva se convierte en una pregunta: ¿Qué tanto cambio yo al tener un nuevo equipo para continuar creando?

Durante muchos años, a través de escribir, dar clases y tener mi propio proceso de búsqueda como artista, he manifestado la necesidad de observar mi proceso creativo y mantenerlo activo. Recuerdo que hace unos años, un amigo muy cercano me prestó su casa en Cuernavaca durante un mes para poder componer. La invitación fue seductora y por supuesto, acepté Santiago Cruz

Alfonsina la invitación. Me llevé mi teclado, mi computadora y me puse a componer en un entorno propicio para tal tarea: tenía yo mis herramientas creativas, tranquilidad, silencio, buena comida, árboles, una piscina, relajamiento y tiempo, ingredientes que todo artista busca para poder platicar y bailar un danzón creativo con las musas, al compás de la luna llena.

En aquella ocasión compuse varias cosas, pero mi mente giraba con cierta inquietud, una incomodidad de no saber si lo que estaba haciendo representaba libremente mi pensamiento musical. Regresé del viaje y no volví a escuchar nada de lo que en aquel viaje compuse, hasta veinte días después. La sesión de escucha fue decepcionante. Cuando escuché esta música me sentí completamente perdido. No había en ella más que esbozos de representar algo que ni yo mismo sabía lo que era. Guardé todo y me quedé con el recuerdo de la experiencia de este viaje, conservando la memoria de los árboles, la piscina y el maravilloso silencio que me acompañó en estos días de exilio. Aprendí algo muy importante que resumiré en los siguientes puntos: · El acto creativo exitoso depende de la condición luminosa y conciencia de quien lo crea, a reserva de las condiciones a su alrededor.

·En la búsqueda de las ideas, de un argumento o de un contexto musical, la solución para convertirlas en una realidad sonora y tangible, depende de la observación interna, no en la búsqueda exterior, ni en la imitación de modelos preestablecidos o en la necesidad de satisfacer el gusto de alguien más. El artista creativo atiende sus propios principios estéticos y conceptuales como consecuencia de un trabajo interior. ·La conciencia de crear algo es un acto único que, más allá de los lenguajes, estilos o prototipos, es una revelación de lo que el artista imagina, piensa, discute consigo mismo, resuelve y se mani esta como un discurso propio, con un vocabulario personal, con una visión particular de lo que percibe y siente.

·Existe un trabajo personal que antecede a la creación, que supone la necesidad de preguntarse por qué uno piensa lo que piensa, por qué uno hace lo que hace, por qué uno es capaz de uir creando algo y por qué no es posible en ciertos momentos.

Con estas conclusiones, me quedé sin poder componer un par de meses bastante deprimido. Me di cuenta de que ni en el entorno ideal, ni con su ciente tecnología a la mano, era yo capaz de encontrar un sentido a mi propia música. Me di cuenta de que componer música no es algo que uno puede abordar de un momento a otro sin ejercitarse a diario en la tarea y que el pensamiento musical depende de una introspección seria y constante. Leí un par de libros, leí a Kant, a Foucault (complicada decisión, por cierto) y seguí buscando.

Un día me encontré una caja de cartón cuyo destino era el bote de basura. La miré y en lugar de tirarla me la llevé a mi estudio. Abrí un cajón y me encontré una liga, misma que atravesé en la caja para formar un rudimentario instrumento de cuerda con su caja acústica. Conecté el micrófono y le puse un delay al canal de entrada. Y comencé a hacer ruidos. Lo grabé. Acto seguido, me encontré un bote de basura de plástico a mi lado y descubrí que al golpearlo, sonaba como un tambor seco y apagado. Grabé un ritmo que pudiera unirse musicalmente a la liga y la caja de cartón. Luego tomé una cuchara que golpeé en el cuerpo de la

taza de mi café y se armó una idea muy interesante. Y ocurrió entonces un momento mágico: comencé a escuchar una idea maravillosa e interesante para mis oídos que me producía una sonrisa. A partir de este experimento regresé a mi querido piano y las ideas volaron en mi cabeza como las ores amarillas que un día que cayeron sobre el suelo de Macondo.

La idea es ésta: nunca sabes cuando las cosas van a ponerse mal en términos creativos, pero eventualmente sucede. Salir de este insomnio depende de circunstancias que no conocemos ni podemos controlar. Lo que sí puedo a rmar es que puede ayudar de pronto buscar la solución en las cosas más simples, en la permisibilidad de poder experimentar sin estar atado a una idea o sistema jo y rígido. En mi caso, siempre había yo compuesto en el piano, pensando en la forma, en la armonía, en la melodía, en los sonidos y demás, pero ese día descubrí que la composición musical es en realidad una creación sonora, más allá de los elementos que puedan organizarse en ella de una u otra forma.

Y por eso hoy, aún teniendo una computadora nueva y los recursos maravillosos que me ofrece, con rmo que la creación musical no depende de ello, sino de una condición ideal como artista receptivo, perceptivo, analítico, intuitivo, sintético, re exivo, observador y de mi capacidad concluyente para no encerrar mi libertad al momento de crear. Cada quien escoge, conscientemente o no, la jaula que lo aprisiona.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.

El arma secreta en las producciones musicales

En tiempos de inmediatez, todos buscamos armas secretas que nos acerquen casi de manera instantánea a nuestro objetivo, sea cual sea, pero en la música y la producción, la combinación de in nitas posibilidades hacen que nuestro resultado sea extremadamente variable.

Hace unos meses, alumnos de una escuela de producción musical me preguntaban: “¿Cuál es aquella que podrías considerar como tu arma secreta, tu comodín, esa pieza, articulo, referencia, equipo, libro, software o lo que sea al que siempre que recurras no falle y te brinde un resultado con able? ¿Acaso existen combinaciones de elementos que te hagan sentir más con ado?”. Sin duda, existen muchos elementos que al combinarlos nos dan buenos resultados, haciendo de ellos un “comodín” técnico en el cual con ar en situaciones especí cas, pero, si he de tomar lo que en mi experiencia es el elemento más con able y aquel que una vez que esté en forma, difícilmente falla una vez que lo conocemos a fondo, será sin duda también tu mejor arma secreta. Se trata de…tu oído.

Vamos conociéndonos

Sé que suena algo trillado y cursi, pero desmenucemos el concepto. De manera burda podría decir que si por un momento pensamos en el oído como si fuera una parte de tu equipo profesional, te darías cuenta de que al utilizarlo críticamente durante mucho tiempo, entrenarlo, cuidarlo y demás, aprenderás sin duda a conocer cómo responde ante diversas circunstancias y con el tiempo será tu guía, lo que te diga si algo va bien o no y en combinación con tu experiencia y conocimiento técnico, puedes resolver o ser creativo de manera más con able.

Los alumnos que menciono protestaban por ponerlos a escuchar un tema musical de 3:30 minutos. A los 20 segundos ya atendían su celular y algunos preguntaban si escucharíamos todo el tema. ¡Y se quieren dedicar a la producción musical! Es ahí donde dije…tenemos que hablar.

El principio básico: aprender a escuchar

Ser consciente de lo que se escucha y desarrollar la habilidad/ sensibilidad de escuchar de manera crítica, donde seas capaz de apreciar a voluntad el todo, pero al mismo tiempo cada una de sus partes, es sin duda el arma más poderosa. Si tu área es la producción musical, escuchar música de todos los géneros (aunque no sea la que mas te guste), desmenuzarla, comprender cada una de sus partes, prestar oídos a los elementos que la componen y demás, te dará una amplitud de criterio que se convierte en la gasolina de tu arma secreta. Escuchar, escuchar, escuchar es esencial; cada detalle importa, además de ser cien por ciento consciente de los sonidos en tu entorno, para que de una u otra manera seas sensible a los distintos escenarios que desearás recrear, la reverberación de un templo, el re ejo del sonido de una fuente en los cristales del centro comercial, el ataque y la pronunciación de las palabras cuando hablas con las personas, todo cuenta, todo importa y todo te nutre; verás que con el paso del tiempo te apropiaras del universo sonoro que en consecuencia, hará que tu entrenamiento auditivo sea cada vez mayor. El oído también se puede entrenar, usando los conocidos como “multitrack masters”, que se encuentran en internet y donde se publican los tracks separados de temas famosos para que conozcas cómo está conformada en su mayoría una producción musical y al mismo tiempo podrás practicar con ellos, creando tus propias mezclas. Te garantizo que jamás volverás a oír ese tema igual que antes. También existen programas de entrenamiento en audio que te permiten desarrollar aun más el oído, con la nalidad de a narlo para fortalecer tu arma. Programas que incluyen entrenamiento musical y entrenamiento de frecuencias, entre muchos otros.

Ser consciente de lo que se escucha y desarrollar la habilidad/sensibilidad de escuchar de manera crítica, es sin duda el arma más poderosa.

Sin embargo, no solo es la forma, sino también el contenido. Hay que escuchar sin interrumpir lo que los demás tienen que decir, lo que el productor está buscando, lo que el publico está buscando y demás, no solo da una dirección, sino que además, con tu sensibilidad podrás fácilmente tomar referencias basadas en tu entrenamiento y así replicarás lo que sea necesario para darle a quien corresponda aquello que está buscando obtener a través de ti.

Tu oído será el arma más poderosa: ¡aprovéchalo!

Experimentar la música a través de tus oídos es una práctica que toma tiempo y dedicación, pero al saber experimentarla, será mas fácil que repliques las experiencias en tus propias producciones, poniendo todo tu conocimiento al servicio de transmitirlas al espectador o espectadora. Por ejemplo: a un pianista que está acostumbrado a escuchar los sonidos reales de un piano acústico, le será mucho más fácil trabajar con instrumentos virtuales (si sabe cómo operarlos), obtener un sonido más cercano a lo que se busca, el ataque de los martillos o los armónicos que enriquecen la sonoridad del instrumento. He ahí los casos en los que los presets no son su cientes y obtienes más de la tecnología, pues le exiges aquello que sabes que es capaz de brindarte y tienes claro lo que por experiencia auditiva puedes obtener como resultado.

Confía en tu oído y recuerda que siempre, como hábito de vida, estaremos aprendiendo de él y nutriéndolo día a día.

Otro ejemplo común: una persona que nunca ha operado un compresor 1176 en físico, pero al ser tan popular en todos los DAWs y lo utiliza continuamente, será mas susceptible a usar los presets, limitando sus capacidades sonoras como consecuencia de su falta de experiencia auditiva y muy frecuentemente, tienden a sonar con coloraciones similares a muchos otros nuevos productores que caminan por el mismo sendero. ¿Cuántas veces hemos escuchado los mismos samples de los módulos de batería en diversas canciones? Y eso que la mayoría permite modificar hasta los

detalles más simples de cada sample, permitiendo obtener un sonido muy cercano a lo que sería el instrumento acústico como lo conoces en el campo físico. ¿Cómo emular correctamente un periférico o instrumento virtual si no se ha escuchado antes y no se tiene una referencia confiable? Es ahí donde los presets entran en juego y con esto no quiero decir que esté mal, sino que es una posibilidad más limitada que si se contara con un panorama más amplio y principalmente basado en la experiencia de tu oído. Aquí es cuando comúnmente vemos cómo otros músicos o productores hacen sonar increíblemente las herramientas, las mismas con las que tú cuentas, pero, ¿por qué es esto? Simplemente la experiencia de haber sometido al oído a una educación continua. Ningún oído escucha e interpreta los sonidos ni la música exactamente igual a otro y es justamente esto lo que vuelve tan subjetivo el punto central, pero si has de tener lo que se conoce como “un sonido propio”, lo mejor es que muestre tu identidad a través de un sonido creado genuinamente por ti, usando la experiencia de escuchar y escuchar y saber incorporar todos los elementos que te de nen en un sonido que te caracterice. Confía en tu oído: si algo suena mal, seguro va mal, aunque si suena bien, habrá que con ar, pero veri car, pues recuerda que siempre, como hábito de vida, estaremos aprendiendo y nutriendo nuestro oído día a día, canción tras canción, nota tras nota. Utiliza tu arma de manera sabia, y con el paso del tiempo, me darás la razón.

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@ antenastudio.com y www.antenastudio.com

¿Comprimir o no comprimir? Esa es la cuestión

Una de las herramientas más importantes de la ingeniería en audio es la compresión. Existen muchos tipos de compresores que fueron concebidos desde los años cincuenta y si bien la compresión es un invento desarrollado para la radio, en poco tiempo se volvió una herramienta indispensable en los estudios de grabación profesionales de música de todo el mundo.

Entender qué es la compresión

En nuestros días y con más de 20 años de Loudness War, la compresión lleva unos años siendo mal interpretada o mal usada, donde se abusa y se degrada tanto el sonido como la dinámica de lo que se está tratando; es por esta razón que muchos ingenieros actualmente nos preguntamos: ¿Comprimir o no comprimir? Hay 2 factores clave para volver a hablar de la compresión:

1. Las plataformas digitales. Como muchos de ustedes sabrán, las plataformas digitales aspiran a tener un nivel homogéneo que oscile entre los -14db LUFS; la razón de esto, aunque parezca increíble, son las listas de reproducción (playlists).

2. Cuando la música se masteriza extremadamente fuerte (con una oscilación en un promedio de -8db LUFS), después es imposible que coexista con otras canciones de otras épocas en una playlist, porque se escucharán mucho más fuerte. Esto, que no parece una razón tan importante, tiene mucho peso, porque en el mercado de la música actual todo se trata de playlists, de modo que una canción actual que esté masterizada

a -14db LUFS puede empatar sin problemas con una de los años setenta, porque en las plataformas, lo que está por debajo de este target (-14db UFS), lo sube y lo que está por arriba, lo baja, de manera que si decides masterizar a un nivel alto, es probable que tu música suene ligeramente más fuerte, pero seguramente también se escuchará más aplastada.

En cuanto a formatos de audio más recientes, como Dolby Atmos, muchos dicen que será lo mismo que se vivió en los sesenta con el paso del sonido mono a estéreo. Desde hace años con los videojuegos y ahora con el avance del metaverso (puerta de entrada para la mayoría de las experiencias digitales y sucesor natural de lo que es hoy internet y que involucra entretenimiento y trabajo) y el sonido inmersivo, no tiene vuelta atrás; de hecho, grandes marcas están invirtiendo en la fabricación de audífonos circumaurales, porque permiten una mejor transducción del sonido inmersivo a estéreo.

¿Qué tiene que ver esto con la compresión?

Mucho, porque los algoritmos de Dolby Atmos, que es una de las propuestas de audio inmersivo con más potencia (y la que es muy probable que quede como estándar), funciona con señales que no están muy comprimidas. De hecho, la recomendación de este formato es trabajar con masterizaciones que no superen los -16db LUFS; 2db incluso más abajo que las plataformas digitales. La razón es que para hacer la codi cación espacial se utiliza parte de la dinámica

de un sonido, y si está muy comprimida, la señal no será correctamente codi cada y tendrá problemas de transducción en el mundo inmersivo. Dolby Atmos permite trabajar el audio dentro de una esfera en la que los sonidos son tratados como objetos y en el centro de la esfera se encuentra quien está escuchando. Lo que quiero explicarles con estos puntos, es que en mi opinión, la compresión volverá a ser utilizada como se usó durante los ochenta y parte de los noventa, porque en este nuevo mundo de playlists y sonido inmersivo, la sobre compresión no tiene cabida.

La compresión tiene dos usos:

1. Controlar la dinámica de una señal. De hecho, para esto fue concebida, para que las radios pudieran transmitir su señal de forma uniforme y llegar más lejos, porque hace rendir mejor los ampli cadores de transmisión. En poco tiempo fue ganando adeptos en los estudios de grabación, porque los ingenieros de aquella época podían obtener grabaciones que sonaban más parejas.

2. Añadir carácter a un sonido. Este uso es más nuevo, porque no necesariamente el compresor tiene que estar comprimiendo, sino que el ingeniero decide utilizarlo para colorear la señal o añadir ciertas características propias del equipo que esté operando.

Veamos unos cuantos consejos aplicados a cada etapa de la industria musical.

En nuestros días y con más de 20 años de Loudness War, la compresión lleva unos años siendo mal interpretada o mal usada.

Grabación

La compresión en la grabación puede servir para tener control de la señal. Los sonidos con mucho contenido de frecuencias graves, como un bajo, o mucha dinámica, como una batería o instrumentos de percusión, son candidatos a comprimir ligeramente, porque de esta manera se logra un mejor nivel de grabación. El ratio puede ser de 4:1 y la reducción de ganancia que no supere los 4 dbs; en cualquier buen compresor, estos ajustes pasarán desapercibidos, siempre que el ataque y release no estén ni demasiado rápidos ni lentos, porque en el primer caso, la compresión se notará más, y en el segundo, el sonido se alargará quizá más de lo normal.

Un buen tip es pensar la compresión como un manipulador del ataque y sustain de un sonido. Si usas un release largo, las notas del bajo tendrán más sustain y si usas un ataque rápido, los picos de una tarola se atenuarán, pero ese efecto hará que nuestros oídos detecten más fácilmente que algo está “pasando” con el sonido.

Otra confusión con los compresores, es que algunos tienen el ataque y release al revés, y esto es porque como el compresor es un equipo que reduce los valores, por esta razón, los controles van hacia atrás. Aquí hay que tener cuidado con el UA1176, porque es un error muy común.

Mezcla

Aquí es donde más se debería utilizar la compresión en la batería, el bajo y la voz líder, sin importar el estilo de música. Los demás sonidos entran en la categoría estética; es decir, se comprime solo por el carácter y no tanto por el control de la dinámica. También puedes utilizar un bus compressor para los buses de la batería o de algún otro instrumento e incluso en el master bus, la compresión junta más los diferentes sonidos y hace que tu mezcla suena más compacta. A este proceso se le llama glue.

La compresión multibanda también puede ser una excelente herramienta para tus buses o para el master bus de tu mezcla, porque el control independiente de cada banda puede ayudarte a lograr el equilibrio frecuencial en tu mezcla.

Masterización

En el mastering todo depende del trabajo y el sonido que se esté buscando. No existen cadenas mágicas, pero usualmente, un ingeniero de masterización podrá utilizar un bus compresor o un compresor de bulbos, un multibanda y por último, un limitador o maximizador, que es un compresor con ratios extremos. Se dice que un compresor comienza a comportarse como limitador cuando se utilizan ratios más altos que 8:1.

Para saber más sobre compresores, les recomiendo leer este artículo: (insertar link: https://soundcheck.com.mx/compresores-versatilidad-ymucha-utilidad/

¡A comprimir más inteligentemente y en menor cantidad. Excelentes grabaciones para todos!

En cuanto a formatos de audio más recientes, como Dolby Atmos, muchos dicen que será lo mismo que se vivió en los sesenta con el paso del sonido mono a estéreo.

Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.

Monitores ADAM Audio A Series

Construido para revelar. La Serie A de ADAM Audio ofrece un sonido transparente y de alta precisión en una línea completa de monitores que se pueden controlar de forma remota y en tiempo real. Con cinco modelos (A4V, A7V, A44H, A77H y A8H), la gama es perfecta para una gran variedad de estudios, así como en broadcast, instalación ja, 3D, audio inmersivo y residencial. Innovaciones como la tecnología de guía de onda giratoria HPS (High-Frequency Propagation System), corrección del cuarto y voces basadas en DSP, permiten ajustar los monitores, mientras que el rmware actualizable permite que los monitores evolucionen para el futuro.

Una solución para cada espacio

Con cinco modelos de distintas dimensiones y especi caciones para elegir, encontrar el altavoz adecuado en la Serie A es una cuestión de gusto y de comprensión de los requisitos acústicos. Para mayor exibilidad en lo que respecta al posicionamiento de los gabinetes, la guía de onda giratoria HPS permite que cada altavoz se pueda usar en posición horizontal o vertical, comprometiendo al mínimo la calidad sonora. El A44H es un modelo único de esta línea como solución ideal para con guraciones multicanal, pudiéndose instalar encima o debajo de pantallas de visualización.

Desempeño de audio superior

Todos los aspectos del diseño, el material y los componentes de la Serie A contribuyen a lograr una calidad de sonido excepcional y una respuesta mejorada al compararse con modelos similares de la Serie AX anterior. Primeramente, la combinación de ampli cadores digitales de clase D utilizados en los woofers de la serie A y los ampli cadores analógicos de clase AB que se encuentran en los tweeters brindan un nivel de presión sonora impresionante en todo su rango y una respuesta en frecuencia ultra baja. El uso del procesamiento de señales digitales es una de las características más avanzadas que integran la Serie A.

Además, todos los monitores de la gama están equipados con un tweeter X-ART incluido en una guía de onda HPS. La alta calidad de los materiales del tweeter, hechos a mano en Berlín y combinados con el control preciso de la propagación de la guía de onda, da como resultado una dispersión superior de las frecuencias altas en distancias de escucha cortas y largas.

El elegante diseño de los gabinetes de la Serie A también contribuye a un desempeño de audio superior. Especí camente, los gabinetes tienen un biselado más profundo para minimizar la difracción y paredes más gruesas que reducen las vibraciones dentro del mismo. Además, el diseño de sus puertos de aire reduce el ruido en comparación con los altavoces de la Serie AX.

A Control (Control remoto en tiempo real)

Por otra parte, la funcionalidad basada en DSP de todos los monitores de la serie A se puede controlar de forma remota y en tiempo real a través de Ethernet, utilizando el software de descarga gratuita A Control. Esta aplicación está disponible para su descarga (ya sea Windows o MacOS) en el área MyADAM de www.adam-audio.com, para clientes que han registrado sus monitores de la Serie A. Una vez descargado e instalado, es posible controlar varios altavoces a la vez, ajustando con precisión la con guración de ecualización y delay desde varias posiciones de escucha en el espacio del cuarto a usarse. Mientras trabaja, puede controlar de forma remota los niveles del monitor si está lejos de un fader o una interfaz física. Las capacidades de control remoto son particularmente útiles en salas de usos múltiples, lo que le permite asegurarse de que la voz, el ecualizador y otras con guraciones sean exactamente como las desea.

A7V. Brinda un sonido detallado en un amplio rango de frecuencias, además de innovadoras opciones de ajuste. A4V. Ofrece un sonido preciso y con cuerpo en un formato compacto. Está diseñado para espacios de estudio pequeños y con guraciones inmersivas de múltiples altavoces. A44H. Cuenta con un diseño horizontal discreto, con un amplio rango de frecuencia. Es idóneo como altavoz central en con guraciones inmersivas y 3D. A8H. Como pináculo de la gama, está diseñado para entornos de escucha crítica. Es un altavoz de tres vías que produce un sonido muy detallado en un rango de frecuencia muy amplio, para estudios de tamaño mediano hasta espacios extensos. En cuanto a la mezcla, la Serie A presenta 2 opciones de voicing seleccionables que se encuentran directamente en el panel posterior de los monitores, mientras que Pure es una opción de sonido neutral y de alta precisión. Esta es una configuración súper plana, que ofrece una reproducción honesta de los altavoces y la hace ideal para aplicaciones de mezcla, masterización y escucha crítica. Para ofrecer el sonido característico de la marca, los monitores integran la tecnología Uniform Natural Response, para una dinámica y natural sonoridad de la voz, que puede seleccionarse en el panel posterior de los monitores. Esta configuración se presta tanto para la producción, composición y escritura de canciones, como en el uso de los monitores para el disfrute musical.

Los monitores de la Serie A fueron concebidos para ofrecer un sonido transparente y de alta precisión en una amplia gama de con guraciones y tamaños de altavoces; sus innovadoras tecnologías le permiten optimizar el sonido para cada espacio y con rmware actualizable y garantía extendida de cinco años, ofrece un soporte que garantiza resultados excepcionales en los años venideros.

Por otra parte, los altavoces de la Serie A están diseñados para adaptarse a requerimientos, preferencias y entornos cambiantes. Con A Control es posible enviar ltros directamente a una plataforma integrada que admite ltros del software Sonarworks en los monitores para ayudar a compensar la acústica de la sala, calibrando sus monitores para una nueva habitación o cambiar de gusto sónico.

Profesionales en Acústica y Soluciones en Audio S.A. de C.V.

Tel: 55 52435484 / www.paxsa.com.mx / ventas@paxsa.com.mx Facebook: @paxsaoficial / Instagram: @paxsamx

Layher México, garantía para el escenario

De origen alemán, con filiales y centros de servicio en más de 140 lugares del mundo, Layher es una compañía especializada en la fabricación de andamios y los procesos para su diseño, entre las que se encuentran escenarios de alto nivel para la industria del espectáculo. Su expertise en análisis estructural es uno de los baluartes de la compañía, el cual se aplica en su filial mexicana bajo la supervisión de expertos como Adriana Olvera, gerente del departamento de Ingeniería.

El análisis estructural y su importancia

En el medio del entretenimiento, un factor clave en el diseño de escenarios es establecer los factores críticos que dan estabilidad, funcionalidad y resistencia a las estructuras que dan forma a los entarimados, tal como lo explica Adriana: “La gente sólo ve lo bonito que luce sobre el escenario en un show, pero hay muchas cosas detrás de eso, de las que destacan tres elementos: primero: ¿Qué va a cargar el escenario? (equipo de luces, audio, video, las personas que van a estar sobre éste), porque de eso depende qué sistema vamos a usar; segundo: la altura, porque en eso estriban las dimensiones de la estructura y la altura, por estabilidad del escenario, para evitar el volteo de la estructura, y tercero: ¿En qué lugar estará el escenario? ¿Cerca del mar, la playa, en el centro de grandes ciudades? De eso depende el análisis de viento que aplicaremos a la estructura. Esos tres factores son los principales a considerar en el análisis estructural y son los que nos darán la pauta para empezar el diseño de un escenario”.

“En nuestra experiencia, muchas veces el cliente sí sabe qué quiere, pero en la mayoría de las ocasiones hay que ayudarlo a aterrizar su idea, preguntándoles si quieren áreas de trabajo para manejar el equipo, si la necesitan techada, si habrá lona, cual será la altura del templete, el tipo de accesos y los camerinos. Hacemos la labor de preguntar qué necesita el productor o empresa de espectáculos que nos busca y con base en la experiencia de hacer otros escenarios, orientarlos sobre lo que les puede servir y dónde es mejor colocar los puntos de carga”.

La seguridad en los escenarios

La experiencia con giras internacionales y el desempeño de los riggers en México expone un interés y cumplimiento adecuado respecto a los protocolos a seguir, a rma Adriana: “Las productoras que se han acercado o las empresas del espectáculo tienen en alta importancia la seguridad, porque siempre que hacemos algo con ese per l de compañías, nos piden una memoria de cálculo que avale el buen diseño del escenario y sobre todo, que indique lo que van a cargarle para que no haya ninguna complicación. Nosotros revisamos, analizamos y en esa memoria va todo. Estabilidad, cargas comparativas y análisis estático, y se hace un documento rmado por un ingeniero de nosotros con conocimiento amplio en el tema”. “Usamos programas de análisis estructural para diseñar esos escenarios y checar que se comporten de manera correcta con las cargas. Siempre nos piden memoria de cálculo y presencia para ver que se está armando correctamente y eso indica por sí mismo la importancia que se le da a la seguridad. Además, la gente que labora en ese proceso es bastante capaz y, al menos en los shows que me han tocado me han sorprendido, porque los montadores son personas bastante capaces y dispuestas a aprender; nunca se cierran a lo que ellos creen. Su nivel de seguridad y experiencia es bastante alta y ambos aprendemos”.

“Aunado al análisis estático que avale el buen diseño del escenario, en cuanto al montaje, otros factores de seguridad deben ser el arnés”, menciona Adriana y agrega: “es importante que sepan cómo manejarlo y dónde conectarse. En las capacitaciones que recibimos y damos, indicamos las

“Hay muchas cosas a tomar en cuenta en un escenario: ¿qué va a cargar? ¿qué altura va a tener? y ¿en qué lugar estará?

“El análisis que avale el bUen diseño del escenario, la memoria de cálculo y todo el método de montaje es lo que permite evitar accidentes y percances”.

capacidades de carga y dónde están los puntos para conectarse al momento de montar la estructura. Ese análisis, la memoria de cálculo y todo el método de montaje es lo que permite evitar accidentes y percances”.

Con prestación de sus servicios en giras internacionales como las recientes contrataciones para montajes en Honduras, Guatemala y Costa Rica, los sistemas de Layher son solicitados por la calidad y la atención en los protocolos de seguridad. Entre sus productos más destacados están el sistema Allround, que comprende todo el cascarón de un escenario (con sus bases, verticales, horizontales y diagonales que forman las paredes), y el sistema FW para techos con capacidad de hasta 40 toneladas de audio y videos, dependiendo de las longitudes.

“En Layher estamos comprometidos con la seguridad. Que todo sea seguro y esté correctamente bien montado, teniendo como respaldo el aval de una memoria de cálculo, para la cual somos expertos”, concluye la gerente del departamento de Ingeniería en la compañía, que crece ampliamente en nuestro país.

El conector FIBERFOX es un conector hermafrodita multimodo beam expandido y adecuado para una amplia gama de aplicaciones, que incluyen iluminación, red, audio, video, transmisión de datos.

El diseño innovador garantiza su capacidad de implementación en los entornos más difíciles, donde el rendimiento constante y la confiabilidad total son fundamentales. El conector está diseñado según el estándar MIL-DTL-83526 y se adapta a todos los demás conectores con este estándar los demás conectores con este estándar.

Semillero Estudios:

viveros de talento en Guadalajara

Fotos: Cortesía Semillero Estudios

Los centros de producción de México han sobrevivido a las adversidades sanitarias, y los avances tecnológicos hacen que la escucha de la música actual goce de lo mejor de ambos mundos: el digital y el análogo. A estas ventajas se empiezan a presentar nuevas opciones que anteponen una suprema calidad de audio al almacenamiento o manejo de la información. La visión, adaptación y la reinversión han abonanzado a los estudios, y las industrias culturales cuentan con mas aliados para incrementar la calidad de sus propuestas.

Semillero Estudios se fundó en 2013 en la Ciudad de México, y las circunstancias creativas y las bondades del trabajo a distancia propició que dieciséis años después, este centro de producción cambiara su sede a la capital tapatía. Actualmente el pujante crecimiento de la empresa y los nuevos retos profesionales requirieron de abrir un nuevo punto de servicios alterno a la matriz, ubicada en la Colonia Americana. La Ciudad Creativa Digital (primer complejo de empresas creativas en Jalisco) albergó las nuevas instalaciones, la cuales cuentan con una sala de mezcla Dolby Atmos certi cada. Para narrarnos la historia del emprendimiento, su fundador, el productor Álvaro Arce toma la palabra: “Semillero es un estudio boutique en el que ofrecemos servicios de música original, arreglos y producción musical especí camente dedicados a la industria audiovisual, pero también hacemos discos, así como diseño, sonoro y mezcla envolvente. Aquí tenemos 3 unidades de negocio, las cuales son música, publicidad y cine.”

El inicio

“Este estudio empezó en la Ciudad de México en un departamento en la colonia San Miguel Chapultepec, y siempre hubo un vaivén de comunicación entre Guadalajara y México, tanto de proyectos como de talento. Para muchas de las películas que hice estando aún en Ciudad de México, venía a Guadalajara a grabar con músicos tapatíos, ya que por ser oriundo, conocía exactamente al músico, o ensamble de músicos y músicas que eran los indicados para cierto proyecto, así como géneros y estilos musicales. En algún momento fue muy natural para mí abrir un estudio aquí, cosa que sucedió en 2019”.

La llegada de la emergencia sanitaria alteró las dinámicas del centro de producción y generó nuevos retos: “Con la pandemia entramos a una dinámica muy sana de no viajar para atender a tantos clientes en ciudades como Nueva York, Los Ángeles o Ciudad de México, a reserva de que quisiéramos hacerlo. En 2020 cerramos de nitivamente la sucursal de la Ciudad de México y nos enfocamos enteramente en Guadalajara. Pero fue el año pasado que inauguramos esta sucursal, también aquí, y que en realidad es un proyecto nuevo. Se llama la Sala de Arte Sonoro: es una sala Dolby Atmos 9.1.6, aunque también mezclamos en otros formatos surround e inmersivos”.

Después de plasmarnos la historia de la empresa, Álvaro Arce nos comparte un poco de su historia personal, y como se dieron las condiciones para el emprendimiento: “Yo estudié música desde joven con maestros privados, hasta que en los años 2000 y 2001 estuve un año y medio en el Powerhouse Institute en Londres, Inglaterra. Fue ahí donde decidí dedicarme a la música de tiempo completo. De ahí me brinqué a la carrera de Producción Musical e Ingeniería en el Berklee College of Music en Boston, y después decidí regresarme a México. Creo que en ese momento Guadalajara no me acomodó muy bien, ya que había cosas que aún no terminaban de amarrar en el aspecto de la industria musical. El terruño me pareció un poco chico y me fui a Ciudad de México, en donde estuve diez años. Ahí, mi carrera se tornó de ser un productor musical y músico de escenario a ser más un músico, compositor y productor musical de cine, películas y series de televisión: un mundo que me cautivó totalmente. Creo que en general el cine y el trabajo audiovisual me acogió muy bien y hubo mucha sinergia con directores y productores. La parte de la que me encargo mayormente, es hacer música original y por otro lado, hacer diseño sonoro y mezcla. En estas áreas contamos con un equipo de tres ingenieros y una estructura montada, con la cual podemos hacer varios proyectos al mismo tiempo”.

Regreso al terruño

Arce prosigue con su narración: “Mi regreso a Guadalajara tiene más que ver con el hecho de que la tecnología avanzó de forma en que ya no importaba tanto en qué parte del mundo estuvieras,

sino tu talento, estilo de trabajar y la forma en la que haces las cosas. Esto es lo que logra que nalmente tengamos esta sinergia entre personas y empresas para hacer proyectos juntos. Hace diez años, la tecnología ya estaba ahí. Ya existían Skype y les redes sociales. Había la forma de hacerlo, pero no había un trend para utilizarlas. La realidad era presencial y creo que cuando mudamos el estudio, ya era un momento en el que nos convencimos de que no necesitábamos estar físicamente en la Ciudad de México o en otro lugar del mundo, sino concentrarnos en seguir desarrollando y cultivando relaciones con las que tenemos un estilo de trabajo engranado y sinérgico. La grata sorpresa fue que, al estar más involucrados en la escena de Guadalajara, nos dimos cuenta de que va creciendo progresivamente junto con su talento. Actualmente hay un montón de proyectos y por ejemplo, en el tema de cine ya hay una ley fílmica en Jalisco, la cual por un lado permite las condiciones legales para que se puedan lmar proyectos en el estado y por el otro, hay un fondo para estos nes. Eso ha ido generando esta bolita de nieve que genera las facilidades para que la gente venga a radicar y a producir, y que gente talentosa que ha tenido su historia en el cine y la música, quienes están haciendo su carrera desde aquí, regresen luego de vivir fuera un tiempo”.

Dos sedes

El productor nos describe los dos centros de trabajo y sus funciones: “El estudio que está en la colonia Americana es el original, y se llama Semillero Estudios Guadalajara. Es un estudio mucho más enfocado a producción, tanto musical como sonora. Las instalaciones son una sala de grabación de 6 por 10, un control room de buen tamaño y bien calibrado en estéreo, y un sistema pequeño 5.1 para premezcla, además de otras dos salas de edición que están enfocadas tanto a diseño sonoro como para composición de música original. Es un estudio mucho más enfocado a edición”. Álvaro Arce continúa describiendo la génesis de la ampliación del proyecto original: “Nuestra idea original de montar una sala Dolby Atmos se derivó de una iniciativa de Álvaro Guízar, a su vez dueño de una empresa de animación llamada Ool Digital y cuya idea fue alquilar un espacio de 800 metros cuadrados entre cinco empresas, todas enfocadas en medios audiovisuales, para poder atraer proyectos locales y foráneos,

Microfonía

(2) Shure SM57 (2) Sennheiser MD 421-11 (1) AKG D112 (1) Shure SM58, Beta 57 (1) Neumann TLM 103, KM 184, KM 184 MT (1) Austrian Audio OC818 (1) AKG 420 (1) Beyerdynamic TG D 71, Beyerdynamic M 160 (2) AEA R84A Matched Pair

Backline

Cable Nelson Baby Grand Piano Batería Yamaha Beech Custom Absolute 10, 12, 14 y 16 pulgadas Tarola Pearl Signature Series Steve Ferrone y Firecracker Set de platillos Zildjian K Custom Bajo Epiphone Viola Guitarra Acústica Taylor GS mini Guitarra Eléctrica Fender Stratocaster American Deluxe Sintetizador Elektron Analog Keys Teclado Nord Electro 3 Sintetizador Korg MS-20 mini, MS-2000, DFAM Steel Drum

pero con un pool de empresas que pudiera dar más seguridad a clientes grandes, agencias de publicidad, productoras de cine y otras. Analizando las opciones, ya en ese momento sabíamos del formato Atmos, pero no lo habíamos estudiado a fondo, y nalmente decidimos irnos a la grande, a pesar de tener presente la incertidumbre de que despegara realmente el formato. Una de las razones determinantes por la que hicimos esta sala, fue que para mí como diseñador sonoro y músico de cine, no tenía disponible una sola sala de mezcla en la ciudad que a mí me convenciera. Entonces lo que acababa pasando era que yo, como otros diseñadores sonoros, muchas veces acabamos yendo a Ciudad de México a terminar proyectos. Ahí fue donde le dimos la oportunidad a este estudio primeramente. Posteriormente, con el nivel de producción cinematográ ca en Guadalajara que exige los servicios de postproducción, decidimos establecernos de nuevo aquí. La arquitectura fue autoría de Gabriel Beas Díaz y el diseño acústico lo realizó Alex Lepe”.

“También hay un nicho muy bueno en la música que estamos explorando. Rentamos el estudio a bandas de rock y de la escena independiente de Guadalajara, como Siddhartha, Caloncho, Radaid y el Mariachi Nuevo Tecalitlán, para hacer desde livestreams hasta grabaciones de discos, y eso nos ha mantenido vigentes de alguna forma en el tema de grabación de música. Eso motivó el diseño y la construcción de esta sala, en la que todo el equipo concentrado está dedicado enteramente a mezcla. Nos entusiasmó mucho la idea de generar un proyecto que fuera innovador, que pueda tener un futuro más a largo plazo, y hacer proyectos más interesantes, raros y que converjan en el mundo del cine y las artes visuales, la música e incluso como instalaciones para un set de arte sonoro, y es por ahí que le encontramos este giro al estudio que nos emocionó mucho”. Semillero es un estudio en el que ofrecemos servicios de música original, arreglos y producción específicamente; tenemos 3 unidades de negocio: música, publicidad y cine.

Equipamiento

Álvaro nos da un recorrido por el hardware y software destacados y utilizados en ambos centros de producción: “En el estudio de música, cuando lo armamos en 2019, compramos convertidores Burl Audio, que son una maravilla. Tienen mucho carácter, aparte de ser muy nos y de hacer una conversión de un archivo digital de calidad prístina hacia eso que nos encanta de las grabaciones análogas, que es muy difícil de obtener en grabaciones digitales. Tenemos 16 canales de conversión y un monitoreo que también nos encanta, que es una marca suiza boutique llamada PSI Audio. Ellos tienen la losofía análoga y nos pareció una buena combinación. También tenemos la serie A21, con el subwoofer A225, que combinan muy bien porque todos sus ltros son análogos. No hay chips ni tarjetas por dentro. Muchas bocinas lo que hacen después de tu conversión digital a análogo, es que reciben la señal, la convierten a digital y la vuelven a convertir a análogo para realizar el procesamiento. El procesamiento de estas bocinas es completamente análogo. Son muy parejas en respuesta de fase y de frecuencias. Esa es la idea del estudio de música: intentamos acercarnos al sonido análogo que más nos gusta”.

“En el tema de la Sala de Arte Sonoro, menciono que la única forma de hacer Atmos es a través de un protocolo digital llamado Dante, en el que en un solo cable de red puedes transferir 128 canales de audio, y eso es vital para el ujo de trabajo en este formato. El monitoreo en esta sala es Meyer Sound, del cual nos encanta el headroom. El subwoofer que tenemos aquí es el XL800, que es una joya. Tenemos una interfaz Avid MTRX, que es una interfaz modular y puedes ir sumándole los módulos que necesitas. Nosotros hacemos el procesamiento de las bocinas en un módulo de la interfaz que se llama SPQ, una tarjeta con la que podemos manejar la ecualización y los delays para tener las bocinas lo más homogéneas posible en cuanto a la calibración”. Entre las personas y compañías involucradas con la proveeduría de los equipos y su instalación, se encuentran Abelardo Yepez, de Solid Electronics; Isaí Belderrain, de Vari Internacional y Jesús Cardoso, de Audio Gate.

Sala A

Grabación y mezcla 5.1 Software Pro Tools HD Ultimate Ableton Live 10 Suite Native Instruments Komplete 12 Spit re Audio lnstrumentos Virtuales y Librerlas de Sonido EastWest lnstrumentos Virtuales Output

Hardware

Controlador Avid Dock

Convertidores AD/DA

Burl 880 Mothership 16 por 16

Compresores

Looptrotter Monster Compressor 2 (estéreo) Elysia - Xpressor 500 - discrete closes A stereo compressor

Procesadores

Elysia - Karacter 500 - discrete class A stereo saturator

Summing mixer

Burl 832 Vancouver

Controladores MIDI

NI Komplete Kontrol S49 Sistema de Monitoreo 5.1 PSI Audio: TTL·NI Maschine (2) PSI Audio A21-M (Principales Left-Right) Ableton Live Push (2) PSI Audio A14-M (L-R Surround) (1) PSI Audio A214-M (Center) Drawmer MC 7.1 Surround monitor controller

Preampli cadores

(2) Burl 81 (2) Burl 81D (8) EDAX MAX 800

Channel strips

(2) Neve VR88 Channel Strip (1) SSL Alpha Channel (1) Universal Audio 6176 Vintage Channel Strip

Ecualizadores

(2In) Ward Connections The Brat

Sala B Software

Pro Tools HD Ultimate Ableton Live 10 Suite Native Instruments Komplete 12 Spit re Audio lnstrumentos Virtuales y Librerías de Sonido East West lnstrumentos Virtuales Output

Convertidores AD/DA

Universal Audio Apollo 8

Monitores

Focal CMS 65 (L-R)

Semillero es un estudio en el que ofrecemos servicios de música original, arreglos y producción específicamente; tenemos 3 unidades de negocio: música, publicidad y cine.

Finalmente, la productora Lili Guadalajara menciona algunos de los clientes asiduos y proyectos alternos que Semillero ha habilitado: “A lo largo de los años, se ha ido conformando un equipo muy bueno con excelentes ingenieros. Además, producimos nuestros propios proyectos o entrevistas con personajes del medio, como Enrique Blanc, Kiko Cibríán o María Centeno, esto para aprovechar la gran red que estas tres unidades de negocio han ido abriendo. Algunos de nuestros clientes son Grupo Bimbo, Pepsico y algunos en Estados, además de haber hecho proyectos con HBO, Netflix y Amazon Prime”, finaliza.

Los proyectos destacados de Semillero Estudios

Cine

Gloria. (2014). Largometraje dirigido por Christian Keller, estrenado en 2014. Producción musical ejecutiva. Made in Bangkok. (2015). Largometraje documental dirigido por Flavio Florencio. Música original de Álvaro Arce / Semillero Estudios. El Remolino. (2016). Documental dirigido por Laura Herrero Garvin. Diseño sonoro y música original de Álvaro Arce / Semillero Estudios. Chivas, La Película. (2018). Largometraje dirigido por Iván López Barba y Rubén R. Bañuelos, estrenado en 2018, distribuida por Cinépolis. Diseño sonoro, música original y supervisión musical. Rendez-Vous (2019). Largometraje en plano secuencia dirigido por Pablo Olmos, estrenado en 2019. Música original de Álvaro Arce / Semillero Estudios.

Series / TV

Sr. Ávila. Música original de Álvaro Arce / Semillero Estudios. Producida por HBO y Lemon Films, ganadora del Emmy a Mejor Serie de Habla no Inglesa en 2017.

Desenfrenadas

Música original y supervisión musical de la serie original de Net ix producida por Caponeto y dirigida por Diego Martínez Ulanosky, estrenada en 2020.

IWC

Cineminuto producido por Altered LA. Mezclado en Sala de Arte Sonoro por Carlos Cortés, ganador del Óscar a Mejor Sonido en la edición 2021. Protagonizado por Tom Brady, estreno mundial en 2022.

Shure y Allen & Heath en el sonido de Edén Muñoz

El cantante Edén Muñoz se encuentra en consolidación de su carrera musical como solista, después de haber sido vocalista de la exitosa banda de regional mexicano Calibre 50. Consciente de lo que signi ca este paso y las necesidades en equipo y staff que hay que cubrir, Edén se ha rodeado de profesionales con la experiencia y el conocimiento su cientes para ofrecer a su público nada más que lo mejor y disfrutar sus conciertos, en los que Shure y Allen & Heath son parte esencial.

Expertise en distintos ámbitos

Alguien que forma parte del equipo técnico de Edén Muñoz tanto en el audio en vivo como en el estudio y así todo su talento es Sergio Vargas, que cuenta con una historia muy interesante en su profesión: “Yo tenía alrededor de 16 años cuando entré al Estudio Hugo’s, en Los Mochis, Sinaloa, y empecé como asistente de los ingenieros; poco a poco fui aprendiendo, empecé a estudiar por mi cuenta y aprendí en el campo de trabajo, microfoneando, cableando y conociendo los equipos.

“Usamos alrededor de 10 canales y todos los músicos usan los sistemas Shure PSM 1000. Estamos usando 28 canales de Axient Digital y vamos a crecer”.

Salía de trabajar y me quedaba, porque me empezó a llamar la atención lo que hacían. En el estudio vieron que me interesaba y me preguntaron si quería aprender y a dedicarme a eso, entonces poco a poco empecé con actividades relacionadas con la grabación. Dure así tres años en los que empecé a aprender -y aún lo hago-. En aquel tiempo grabábamos en cinta análoga; todavía no llegaba la grabación digital al país”, recuerda.

“Después de Hugo´s me fui a Mazatlán y con la empresa Andaluz Music y el grupo Calibre 50, empecé a trabajar en el estudio de grabación que ellos instalaron, hasta que hace cinco años, uno de sus ingenieros en vivo tuvo un problema y me invitaron a trabajar en una gira por Guatemala. ¡Yo conocía el proceso, pero nunca lo había hecho! Así que de nuevo aprendí sobre la marcha. Hice esa gira y fue cuando empecé a darme cuenta de las complicaciones del escenario, a conocer la microfonía y temas como RF. Seguí investigando de lo que se trataba el sonido en vivo y me quedé con ellos como ingeniero de monitores a partir de 2017”.

De izq. a der: David Sosa, Sergio Vargas, Carlos Vite, Pravda Garza y Juan Carlos Gamino

“Si bien es cierto que llegué a hacer monitores por la necesidad que había, anteriormente yo había hecho audio en sala con la banda Carnaval y se me había facilitado esta labor. También les grababa a ellos los discos y yo sabía el sonido que necesitaban, pero cuando empecé monitores con Calibre 50 me fui mucho más a las giras”, continúa Sergio.

Por lo que este profesional del audio ha investigado, ha podido conocer las distintas marcas y actualmente, las consolas Allen & Heath y los sistemas Shure son parte esencial de sus equipos de trabajo: “He tenido la oportunidad de recibir mucha ayuda e información útil de la gente de Representaciones de Audio –distribuidores de las marcas en México-. Hace cuatro años adquirimos consolas de esta rma y ahora empiezo a tener más capacitación. En ellas hemos encontrado lo que necesitábamos, porque son muy manejables, sencillas de operar, su interfaz es muy accesible, tienen muy buen sonido y para monitores, el ruteo es muy sencillo”.

Llegado el momento en el que Edén Muñoz salió de Calibre 50, Sergio salió también y empezó a trabajar en el estudio que él estableció, además del audio en vivo. “A la pregunta de los equipos que necesitábamos, pensamos rápidamente en Allen & Heath y Shure, así que hicimos la lista y eso fue lo que adquirimos. En cuanto a microfonía inalámbrica, siempre me ha gustado Shure, porque su operación es muy accesible. Anteriormente ya había trabajado con Spectrum Manager y al ritmo de trabajo que nosotros tenemos, que es de tres a cuatro veces por semana, llegamos a los eventos dos o tres horas antes de subir al escenario y casi nunca hay tiempo de hacer sound:check, entonces esta herramienta ayuda mucho a hacer el escaneo de frecuencias”.

“En cuanto a Allen & Heath, con Edén estoy trabajando con la consola dLive S5000 y el MixRack CDM64. Lo más importante es lo fácil que es manejarlos: llegamos, armamos y estamos listos. En el escenario son alrededor de 20 músicos y tengo 16

“En nuestros conciertos en la Arena Ciudad de México aprendí cosas nuevas; creo que somos privilegiados por tener estos equipos”.

mezclas, con retos en cuanto a los sonidos. La banda usa la tuba, instrumento que tiene un sonido particular que hay que respetar. Del MixRack, lo que nos gusta mucho es que guarda el procesamiento y la consola es la mesa de control, lo que nos da mucha seguridad por si pasa algo y la consola se va, porque todo seguirá funcionando en lo que se echa a andar la consola de nuevo, pero si deja de funcionar, también se puede sacar la computadora, poner el editor en línea y seguir trabajando, o usar el iPad. Esa versatilidad es lo que nos tiene muy contentos”.

En lo que a tarjetas externas de protocolos en las consolas se re ere, Sergio usa Waves: “Son dos: una para sala y otra para monitores. Preferí Waves porque estoy familiarizado con esos plug ins por mi trabajo en el estudio y ya los conozco todos, además de que conocí otras herramientas muy útiles para el audio en vivo, como el X Feedback, que es un plug in que ayuda a localizar las frecuencias que están dando problemas de este tipo, y el expansor, que ayuda a limpiar la fuente, como la voz, para tener menos contaminación y tenerla muy presente. Todo esto es aparte de los ecualizadores y los procesadores”.

“Además de la voz, con la banda sinaloense suele haber mucha contaminación en el escenario, por lo que estas herramientas ayudan a limpiar cada instrumento para poderlo sacar mejor y tenerlo presente en la mezcla”.

Los monitores

Sergio usa los sistemas inalámbricos Shure PSM 1000: “Usamos alrededor de 10 canales y todos los músicos están con el mismo equipo. Para Edén uso una mezcla estéreo. Desde hace 6 años, Sergio usa equipos de esta marca para monitoreo in ear, siempre con los mejores resultados.

Respecto a su experiencia en RF, Sergio está adquiriendo más conocimiento del tema y Axient Digital se lo está haciendo muy fácil: “Este equipo beneficia mucho a quienes no tenemos un gran conocimiento en esta área; yo no tengo tiempo para dedicarme a RF, pero el sistema se configura muy sencillo y me ahorro tiempo muy valioso. Estamos usando 28 canales de Axient Digital y vamos a crecer”.

“Los productos de Allen & Heath y Shure son muy accesibles y fáciles de configurar y manejar. En nuestros conciertos en la Arena Ciudad de México aprendí cosas nuevas que seguiré haciendo. Realmente creo que somos privilegiados por tener estos equipos, con los que no batallamos para nada. Se trata de una inversión fuerte, pero que nos beneficia sin duda para hacer las cosas bien”, concluye Sergio.

Fotos: Cortesía Kumbia Kings

Kumbia Kings:

360 grados de excelencia en producción

Con la producción técnica y renta de equipos de Audio Visual Sistemas (AVS) de Jaime Lobato, la coordinación logística de Carlos Barrón, la producción comandada por José Luis Flores (production manager) y con Pepe Mallén como stage manager (y músico de congas), se realizó con éxito el concierto con escenario en 360 grados de Kumbia Kings en la Arena Ciudad de México.

La unión de fuerzas

Además del reto que implicó acondicionar todo para un escenario giratorio, destacó la adaptación y efectiva multifuncionalidad del staff involucrado en éste, un concierto que tuvo como antecedente la presentación en la Arena de Monterrey, como expone José Luis Flores, “Pepo” production manager, iluminador y operador del show: “El diseño que usamos en Ciudad de México fue exactamente igual al de Monterrey, pero en esta ocasión cambiaron las dimensiones debido al tamaño de la Arena CDMX. La idea de este diseño fue de Cruz Martínez, quien me dijo: ‘Va a ser en 360, circular con movimiento’; fue muy especí co en eso, quería estar cerca de la gente, que los bailarines y cantantes tuvieran también ese alcance con el público y por eso también hubo pasarelas de 22 metros cada una. Se trataba de un cuadro gigante con entradas por los cuatro lados”. José Luis Flores, “Pepo”

“Así empezó la idea de ese diseño y la verdad, cuando es un show 360 es importante cumplir con que todos los asistentes vean y escuchen el espectáculo, porque no puede haber un lado que lo aprecie bien y otro que no. Debe ser completamente simétrico en cantidad y tamaño el diseño. Al principio fue complicada la idea del escenario giratorio, por el tiempo de montaje y lo que implica, pero las personas de AVS fueron muy profesionales y tuvieron todo calculado”.

“Junto con Carlos Barrón, Rodrigo López, Pepe Mallén y el señor Lobato estuvimos hablando varios días para llegar al foro y hacer un buen trabajo. Toda la gente que estuvo trabajando con nosotros dio el cien por ciento para terminar; estuvimos un poco cortos de tiempo porque había mucho de todo, pero el escenario giratorio fue de las cosas que más valieron la pena en inversión de tiempo y costos”.

Para optimizar los tiempos de montaje, Carlos Barrón, quien llegó a la producción tres meses antes de la fecha del show, enfatiza la tarea de adaptación del rider usado para la Arena Monterrey: “Fuimos cambiando ese primer diseño para la Arena, considerando mejorar la velocidad del montaje, porque el recinto tiene sus Carlos Barrón tiempos marcados y tuvimos más cantidad de equipo, así que empezamos adaptando el rider. Luego lo crítico fue conseguir que todo estuviera disponible, porque afortunadamente, después de la crisis sanitaria, volvió el trabajo y hay mucha demanda de técnicos y de equipo”.

Con un montaje que tomó alrededor de 15 horas, el apoyo del personal de la Arena CDMX fue clave, porque conocen perfectamente el recinto, lo que Jaime destaca:

“Por la cantidad de equipo que tuvimos, no lo hubiéramos logrado sin ese impulso. En audio tuvimos 120 altavoces MILO, 36 MICA (front ll) y 36 HP700 subwoofers de Meyer Sound, mientras que en iluminación tuvimos Mythos de Clay Paky; Fuze Wash, Matrix 360, Sixbar 1000, Atomics y blinders de Elation Professional, más cuatro pantallas de formato 6 por 4 y microfonía inalámbrica Shure Axient Digital con in ears PSM 1000”.

Escenario ambicioso y correcto

Con créditos junto A Band of Bitches de Jonaz, como drum tech para diversas compañías y formación musical como baterista, Pepe Mallén es el stage manager y uno de los elementos de las percusiones en Kumbia Kings. Del reto que enfrentó para este show en la Arena CDMX, habla: “Originalmente sólo se usaba un raiser de 9.60 metros y se montaba ahí toda la base rítmica junto con los metales; el bajo y la guitarra iban abajo de éste y así lo estuvimos usando hasta febrero de 2022”. Pepe Mallén

“Cuando empecé el diseño para el 360 había cosas que no se iban a ver bien y fue cuando empecé a jugar usando niveles diferentes, de tal manera que tuviéramos un frente y aprovecharlo para no complicarnos tanto con que los músicos quedaran volteados, sin coherencia. Al momento del montaje, teníamos que tener cuidado con el charol sobre el escenario, poner el backline con cuidado y en este formato, los músicos y bailarines van al centro, así que se hizo una perforación para meter el cableado, pero en esta ocasión no podíamos hacerlo, porque nosotros ocupamos la mayor parte del escenario giratorio para que los bailarines hicieran su show, de modo que tuvimos que hacer perforaciones diferentes y con mucho cuidado, porque la estructura era bastante grande y pesada (2.5 toneladas)”.

Rodrigo López y José Luis Flores

Reto sonoro resuelto

El diseño de sistemas y audio en general quedó a cargo de Rodrigo López y Alejandro Delgado “Jano”, quienes optimizaron esa cantidad de cajas con las que se dio correcta cobertura, dejando la tarea de radiofrecuencias a Alberto Arellanes Casiano.

Con la operación de sala y diseño de sistemas en mando, Rodrigo compartió los desafíos de su labor: “La Arena CDMX es muy grande y debes tener más bocinas para llegar desde arriba hasta abajo. Tuvimos la suerte de tener muchas bocinas, tomando como base 120 cajas MILO para el diseño,

Los equipos del 360

Audio

01 Consola Yamaha Rivage PM7 64ch / sd 10 con sd rack 02 Galaxy de Meyer Sound 08 Bumpers Meyer Sound para MILO 120 Altavoces Meyer Sound MILO 32 Subwoofer HP 700 Meyer Sound 32 Altavoces Meyer Sound MICA (front ll) 16 Subwoofer HP 700 Meyer Sound 04 Altavoces Meyer Sound UPQ (front ll ) 02 Bumpers para MILO 24 Motores CM de una tonelada 02 Controladores de motor 01 Centro de carga 3 fases, 1 neutro, 1 física

Monitores

01 Consola Yamaha CL5 05 Monitores de piso Meyer Sound MJF 212 01 Side ll de 04 Altavoces Meyer Sound MSL4 y 04 subwoofers 700HP por lado colgado 01 Subwoofer Meyer Sound 700HP (drum ll) 14 Sistemas en ear Shure PSM-1000 con audífono SE535 07 Bodypacks Shure P10R 02 Distribuidores Shure PA-821 con antena helicoidal 01 Snake de 56 ch con splitter (dos vías) 04 Subsnake de 12 canales

Microfonía

(01) Shure Beta 91, (02) Beta 52, (04) Beta 57, (04) SM 57, (03) Beta 58, (02) SM 58, (05) SM 81, (04) Beta 56, (03) WB98H/C 04 Sennheiser 604 12 Cajas directas

Sistemas UHF

03 Sistemas Shure ULXD 07 Micrófonos Shure ULXD (cápsula SM 58), 04 WB98H/C 04 Transmisores Shure AD1 02 Cable de instrumento Shure WA306 02 Combinadores de antena Shure (in ears) 02 Antenas helicoidales (in ears) 02 Antenas de paleta Shure (micrófonos) 01 Distribuidor de antenas Shure (micrófonos)

que es una cantidad impresionante. En un principio estaba pensado tener 8 puntos con 15 bocinas y terminamos dejando 6 puntos con 16 altavoces y 2 puntos de 12 altavoces”.

“Para la parte cercana al escenario pusimos bocinas MICA, dos por cada cara, y en las esquinas otras más; tuvimos 12 puntos y en cada uno 3 bocinas. MICA es un altavoz muy potente que cubrió alrededor de 15 o 16 metros con ellas”.

“En cuanto al diseño del sistema, todo lo hicimos con un analizador basado en funciones de transferencia, que tiene las herramientas del RDNet de forma gratuita. Otra cosa que sumó fue tener a Jano con el SMAART y pudimos consultar a Óscar Barrientos de Meyer Sound para dejar todo el acomodo listo”. “Para la mezcla de sala usé una Digico SD10, estuve muy consentido con su última versión corriendo en bra óptica y además, con un rack a 32bits; realmente no podía pedir más, porque trabajar una sesión a 96 kHz a 32 bits es más de lo que puedo pedir y fue algo curioso, porque los Kumbia Kings tienen una base impresionante con batería, congas y el bajo, parece que está tocando uno solo, suenan con mucha energía. La mayoría del trabajo lo hacen los músicos, tengo muchos años en esto y claro que tengo mis compresiones paralelas que sí ocupo con ellos, pero no más que eso”.

En monitores lució otro elemento con una doble faceta del crew, con Carlos Barrón operando la consola: “Son seis músicos más cinco voces y es un show de mucho movimiento: bajan, suben, van al área de público e interactúan, todos traen sus in ears y micrófonos, así que es complicado, porque manejan niveles muy altos. Logramos tener buen entendimiento entre músicos e ingenieros y las cosas salieron bien. Usé una Yamaha CL5, que ya venía en el rider de la banda y me gusta mucho porque es muy práctica. Tuvimos in ears para todos los músicos, fueron 16 Shure PSM 1000 que cumplen un rango de frecuencia adecuado y que lo hace vigentes. A eso sumamos microfonía Axient”.

“Por supuesto que es un reto enorme tener estas actividades, pero con Jaime llevo años trabajando, soy como su productor de eventos y vamos de la mano, él con los erros y yo con la logística y la producción. Con el apoyo de todos se logró muy bien”.

Creatividad continua en Iluminación y video

En 2019, José Luis Flores llegó para atender la labor de iluminación para Kumbia Kings y correr todo el contenido multimedia, pero al salir quien fungía como production manager, también tomó ese control, asignando como su mano derecha a Pepe Mallén para atender las necesidades técnicas de los músicos en el escenario:

“En un escenario de 360 grados hay cuatro lugares distintos, y aquí tuvimos el extra de que estaba siempre en movimiento, lento pero se mueve, así que para hacer los solos en determinadas canciones debí usar seguidores y no pensar en el diseño sólo con las lámparas. Usé una consola Hog4 High End Systems para operar fuentes Clay Paky y Elation Professional, jugar con distintos tipos de lámparas para cuidar las sombras del piso, hacer el contraste con lo mostrado en video y cubrir con lekos bien el centro del escenario; había que dar color a puntos ciegos”.

“En el video, la proyección se hizo en cuatro pantallas de 6 por 4 metros y 2.9 milímetros, que van clonadas para que siempre se vea el mismo contenido y se pueda switchear con tomas del circuito cerrado. La creación del contenido la hace Mario, el que toca las pailas en la banda, porque es muy bueno y ha elaborado uno para cada canción que yo disparo vía MIDI, video y secuencia. También destaco la labor de mi esposa, Rocío Guerra, que también tiene participación en la parte de video. Nos hemos hecho de muy buenos conocidos en la capital, gracias también a la relación con personas como Rodrigo, Carlos y Jaime”, menciona el production manager.

La luz y el escenario

Iluminación

01 Consola Road Hog 4 40 Luminarias Clay Paky Mythos 2 24 Blinder de 4 celdas 24 Luces Elation Proton Color 3k, (40) HFX, (44) Fuze Z350 08 Leekos de LED Elation 24 Six bar 24 Elation ACL 360, (36) ZFX 04 Seguidores Lycian 04 Máquinas de humo hazer

Estructura

56 MKII de 3 metros para diseño y cable peak 01 Estructura circular MK de 8 metros de diámetro (para diseño de iluminación), 01 estructura circular MK de 6 metros de diámetro (para pantalla), 01 estructura circular MK de 3 metros de diámetro (para leekos) 50 Motores CM de media tonelada 04 Controladores de motor 01 Set de rigging

El éxito de reunir a 20 mil personas en Ciudad de México para corear y bailar con Kumbia Kings se logró y tuvo en su singular staff la misión cumplida: “Toda la planeación del show, los días que te lleva diseñando, programar, todo el cansancio que eso puede conllevar se borra apenas empieza la primer canción y ya no existe nada más, solo lo que estás viendo y escuchando. Siempre se sienten los mismos nervios y la gente se merece que todos demos lo mejor de nosotros mismos”.

Apple & Dolby LATAM en México,

tiempo de creación

La cita fue un lunes a las 10:00 AM, artistas y productores llegaron al estudio adentrándose a una aventura sónica, aun no sabían de que trataba la reunión…comenzamos a preparar las sesiones en el estudio para enseñarles y explicarles qué es el formato de sonido inmersivo…y fue entonces que todo cambió.

A partir de ese momento comenzaron siete días llenos de creación, música y diversión haciendo producciones y mezclas en Dolby Atmos.

Una breve historia de las personas LGBTQIA+ en la música

La representación de personas LGBTQIA+ en la música continúa aumentando y mejorando. Las historias que alguna vez se consideraron tabú ahora se reproducen en podcasts de todo el mundo, y los músicos LGBTQIA+ continúan iluminando las listas de reproducción de los oyentes. Sin embargo, este progreso no es universal y muchas historias queer aún no se cuentan en todo el mundo.

El Mes del Orgullo, que comienza en mercados selectos en junio, es una oportunidad anual para arrojar luz sobre esas historias no contadas y aumentar el conocimiento de los problemas que las comunidades LGBTQIA+ aún enfrentan a nivel mundial.

A continuación, les comparto tres géneros musicales donde los artistas queer encontraron espacio para expresar su identidad. Esta no es de ninguna manera una lista completa de músicos queer, ni destaca a todos los artistas queer en cada género respectivo.

Blues ( nales del siglo XIX y principios del XX)

El blues comenzó en la década de 1870 en el sur profundo de Estados Unidos. Sus raíces provienen de las tradiciones musicales y culturales establecidas por los pueblos esclavizados. A pesar de la rati cación de la Enmienda 13, que abolió la esclavitud tal como se manifestó en Estados Unidos desde el siglo XVI hasta mediados del siglo XIX, los afroamericanos continuaron enfrentando la opresión económica y social en todo el país. La lucha emocional experimentada inspiró algunos de los temas de la música blues temprana.

Mucha gente puede saber que el blues está intrínsecamente vinculado a la experiencia negra, pero también es un género que tuvo espacio para muchas personas queer, especí camente mujeres queer. En 2021, muchas personas corrieron a sus televisores para ver Black Bottom de Ma Rainey, una película protagonizada por Viola Davis que cuenta la historia de exactamente esto: una experiencia negra queer. Las canciones “Empress of the Blues’’ de Bessie Smith, “Prove It On Me Blues” de Ma Rainey y “B.D. Woman’s Blues”, (B.D. es un término del argot para las mujeres homosexuales) de Lucille Bogan hace referencia explícita al deseo entre personas del mismo sexo. Junto con estas expresiones abiertamente queerness, muchos artistas como Sister Rosetta Tharpe, Mamie Smith y Sippie Wallace desa aron las ideas tradicionales de feminidad que se tenían en Estados Unidos a principios del siglo XX.

A medida que avanzaba el siglo XX, las comunidades de jazz y blues continuaron brindando espacio para que algunos artistas expresaran su rareza. Esto se puede ver con artistas, compositores y productores como Billy Strayhorn, Francis Faye, Janis Joplin y Jackie Shane.

Electrónica, house y disco (décadas de 1970 y 1980 hasta ahora) Las décadas de 1970 y 1980 a menudo vienen primero a la mente cuando se habla del surgimiento de las identidades LGBTQ+ en la música: la música pop y rock se había vuelto más convencional; la llamada revolución sexual había comenzado a nes de la década de 1960 y la cultura disco de las décadas de 1970 y 1980 estuvo directamente asociado con músicos negros y queer pioneros.

El género y la uidez sexual eran más visibles que nunca, lo que permitió que artistas como Freddie Mercury, Grace Jones y David Bowie existieran de la forma en que lo hicieron.

Tayhana

En la primera edición del Apple Music Spatial Awareness Writing Camps se invitó a 3 artistas de la comunidad LGBTQIA+ a estar un paso adelante, con producciones pensadas en Dolby Atmos.

Para personas como Bowie y Prince, fue la ambigüedad de su sexualidad lo que hizo que la comunidad que rodeaba su música fuera un espacio seguro para las personas queer.

Sin embargo, estos grandes nombres del pop y el glam rock son solo la punta del iceberg, ya que existía una comunidad queer aún más grande en la música disco, electrónica y dance, que se tocaba en los clubes clandestinos de ciudades como Los Ángeles, Chicago y Nueva York. La cultura “house” queer y de drag ballroom de la década de 1980, narrada en el documental de 2005 “Paris is Burning”, fue acompañada por pistas de música disco, dance y funk.

La in uencia en artistas queer más recientes no se pierde hoy. Artistas como SOPHIE combinaron una distorsión de sintetizador bailable con melodías pop para crear algo completamente propio. Por otro lado, Honey Dijon, una artista transgénero de Chicago, ha sido la estrella del norte para cualquiera en la escena house o electrónica. En una entrevista con Ssense, dijo: “Esta es una subcultura de 30 años que ahora está en la super cie y trato de transmitir la música de donde vengo: la cultura negra queer”.

Valentina Moretti

Los músicos LGBTQIA+ iluminan las listas de reproducción de los oyentes. Sin embargo, este progreso no es universal y muchas historias queer aún no se cuentan.

Apple Music Spatial Awareness Writing Camps – México

Julio 2022, en el corazón de la Ciudad de México, Apple Music, Dolby LATAM y GoroGoro Immersive Lab, en conjunto con nuestros grandes aliados: Altafonte, NAFFI Collective y Lucerna Records, realizamos la primera edición del Apple Music Spatial Awareness Writing Camps, con el objetivo de invitar a 3 artistas de la comunidad LGBTQIA+ a estar un paso adelante de la industria, haciendo producciones pensadas en el formato Dolby Atmos. El camp de composición consistió en visitar un día el estudio de mezcla inmersiva GoroGoro IL, donde se hizo el primer acercamiento a esta tecnología y junto con los artistas y productores se comenzó a pensar el sonido en Dolby Atmos, para culminar el día siguiente en el estudio Lucerna Records, quienes nos enviaron el tracking para realizar la mezcla. Pensemos en sonido inmersivo…

La diferencia entre una mezcla estéreo y formato inmersivo consta en repartir diversos sonidos en el espacio. Cuando pensamos en estéreo, nuestro rango es mucho menor que en un formato inmersivo y la idea de pensar en Dolby Atmos es justo sumar más elementos para hacer una experiencia sonora diferente; es decir, aprovechar todo el espacio que nos brinda el formato inmersivo. Incluso si escuchamos en audífonos se marca una diferencia, porque podemos escuchar sonidos que viajan por arriba de nuestra cabeza, al igual que alrededor. Esto es la principal misión de Goro Goro IL. Como ingeniera de mezcla me divertí muchísimo ayudando en la producción e invitando a más artistas a que hagan sus canciones pensando en este formato.

Las artistas y sus producciones fueron:

Tayhana & Dolores – Fría y Derretida IG – tayhana_

Zemmoa – Sígueme IG - @zemmoa

Valentina Moretti – Think of you IG – valentinamoretti

En la primera edición del Apple Music Spatial Awareness Writing Camps se invitó a 3 artistas de la comunidad LGBTQIA+ a estar un paso adelante, con producciones pensadas en Dolby Atmos.

Nuestro objetivo es crear nuevas experiencias audiovisuales para proporcionar una fuente de narración, solidaridad e inspiración LGBTQIA+, apoyando a grandes artistas que con el poder de su música logran romper paradigmas.

Les invito a disfrutar de estas producciones que pueden escuchar en Apple Music; para mí fue una increíble experiencia, no solo por mezclar y tener nuevas experiencias, sino por conocer y hacer nuevas amigas dentro de la Industria del Espectáculo para crear esa red de apoyo que como seres humanos necesitamos.

*Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.