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Columna invitada
Producir:
una gran responsabilidad
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En innumerables ocasiones hemos escuchado o leído a cerca del impacto tan profundo que tiene la música en el ser humano. Poetas, cineastas, científicos y artistas de diversas índoles han dedicado obras enteras a manifestar su importancia y expresar su respeto y admiración a la existencia de la música en nuestras vidas.
Un arte vital
La música tiene poder, mucho más poder del que comúnmente se cree; no solo es un medio de entretenimiento, sino también un lenguaje universal que puede transportarnos en el tiempo, evocar emociones, sensibilizar, concientizar y educar al ser humano. Su ubicuidad ha hecho que esté presente a manera de soundtrack de nuestra vida en todo momento, sembrando una influencia (positiva o negativa) en cada uno de nosotros, aportando elementos que complementan nuestra cosmovisión.
Lo que no es común escuchar es acerca de la responsabilidad tan grande que tiene el productor musical y su equipo, de hacerse cargo de crear música que aporte algo positivo a la sociedad que la consuma. No solo se trata de conocimientos técnicos y/o artísticos, sino de considerar la ética y analizar el impacto que ésta tendrá en la sociedad.
No pretendo escribir un articulo moralista ni mucho menos; si bien el contenido de las letras tiene su propio peso, no es la idea central de este texto. La responsabilidad profesional a la
que me refiero aquí va más enfocada a darle un sentido artístico a nuestras creaciones y que de alguna manera colaboren en el crecimiento o progreso social y humano, más que producir materiales a granel sin fondo alguno.
Cuando alguien se acerca a nosotros para pedirnos que produzcamos su material, normalmente recibimos un bosquejo del tema y una serie de ideas por parte del o la artista o autor. Solemos analizar la canción y previsualizar lo que creemos que puede funcionar para la misma, considerando como fin último la entera satisfacción de la o el autor o artista, dejando de lado que al mismo tiempo, el o la artista a su vez pretende impactar en un público; es decir, se trata de alimentar a un público con sensaciones, emociones y demás a través de una historia bien contada y utilizando como el vehículo ideal la música. Es por ello que en el productor recae la responsabilidad de conseguir un resultado que sea idóneo para todos, considerando los elementos musicales y técnicos necesarios para obtenerlo, si es preciso desencadenar sensaciones de nostalgia, desamor, alegría, júbilo y demás, pero siempre intentando penetrar a las mentes y espíritus receptivos.
La música tiene el poder de convencer a las masas, movilizarlas, influir en las formas de pensar de las personas, y es por ello que a través de la historia ha sido utilizada para diversos fines convenientes. Es ahí donde radica la ética: manipular no solo con la música, sino con la imagen comercial de los artistas ha sido siempre de beneficio en diversas campañas que pretenden llegar e influir en los públicos. Existen músicos con más poder e influencia que muchos gobernantes de altos mandos. Sin duda, este arte influye en todos y todas, pero se hace más evidente en la adolescencia, justo en la etapa de la búsqueda de identidad de las personas, donde podemos observar a los pequeños grupos de adolescentes comenzar a dividirse por intereses en común entre ellos y de los más importantes, sin duda es el gusto musical, ya que éste influye en su forma de hablar, de vestir e interactuar y se convierte en un aspecto decisivo en la formación de su personalidad. La influencia que la música tiene en un preadolescente puede ser tan fuerte que incline sus intereses de planes futuros para el resto de su vida. Un infante en edad preescolar ejercita su psicomotricidad a través del ritmo y aprende letras, fonemas e incluso números a través del canto, siendo la música la manera que más facilita el aprendizaje.
De igual forma, las emociones de un adulto suelen a menudo ser un gran refugio emocional para nuestras inseguridades, ilusiones o despechos. La manera en la que consumimos es el resultado de años de investigación mercadológica que nos despierta ciertos deseos o nos inventa necesidades para obtener ganancias y muy a menudo, a través del uso del mismo vehículo…la música. En fin, solo es necesario prestar atención a nuestro entorno y seremos conscientes de que no hay un solo día prácticamente en el que no escuchemos por
lo menos una nota musical. Escuelas, comercios, iglesias y demás espacios sociales buscan llegar a nuestro espíritu para desencadenar una emoción y facilitar la interacción entre los humanos al mismo tiempo que se pretende crear un mejor lugar para vivir. De ahí el famoso dicho popular de la leyenda de Orfeo: “La música amansa a las fieras”.
Lo que está en nuestras manos
Diversas investigaciones formales han demostrado que la música tiene poderes sanadores, influye no solo en el estado anímico de las personas, sino en su salud física y mental también. Es utilizada con frecuencia para calmar y relajarnos. Es parte inherente al ser humano y tiene un papel protagónico en cuanto a evolución se refiere. Incluso personas con limitaciones auditivas gustan de experimentar las vibraciones musicales en su cuerpo y expresarlas a través de su creación o el baile.
Es justo en este punto, en el conocimiento de ello, donde los profesionales de la grabación podemos influir con ética de manera socialmente responsable, porque tenemos el poder de colaborar con ello de manera contundente, pues en nuestras manos se encuentra un arma muy poderosa para llevar a buen término y con buena dirección nuestra música y que proyecte un futuro aún mejor con la ayuda de un equipo de trabajo profesional y responsable.
Sé que este texto puede resultar idealista; sin embargo, nos guste o no, ya influimos en la gente. Nuestros resultados impactan de una manera u otra en quien consume nuestras producciones y la única diferencia está en que lo hacemos consciente o inconscientemente, y de esta conciencia depende dar una dirección voluntaria al poder que tiene la música.
Entonces cambiemos nuestra forma de ver nuestra profesión, comprendamos que nuestro rol tiene poder; nuestros resultados importan ¡y mucho!, pero tomemos en cuenta que el tener cierto poder conlleva cierta responsabilidad, y si lo aceptamos y utilizamos positivamente y con conciencia de ello, podremos usar nuestro conocimiento y experiencia técnica y musical a favor de la humanidad, haciendo de este mundo un lugar mejor para vivir.
*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com
Matías Carbajal y Alex Abara
Cebiche de Sirenas Vol. 2:
coctel de voces femeninas
Con la producción y dirección musical de Matías Carbajal, el segundo volumen de “Ceviche de Sirenas”, proyecto que reúne doce canciones interpretadas por mujeres como Iraida Noriega, Patricia Carrión y Leika Mochán, entre otras, es una grabación hecha realidad gracias a la mancuerna generada con Alex Abara en su estudio, Fábrica de Éxitos.
Un estímulo necesario
El proyecto surgió como una forma de impulsar a las mujeres en la música. El primer volumen fue lanzado en 2015 y esta segunda entrega cuenta con una banda de acompañamiento en su totalidad femenina y las composiciones de Matías, quien así describe el proceso de preproducción: “Tenía muchas canciones inéditas; algunas las adapté y eso fue un ejercicio muy interesante, porque a cada una de las cantantes les mandé temas para que escogieran, más o menos seleccionadas en el estilo que yo sabía que tenía cada una. Con la canción seleccionada, se escogió el tono y luego nos sentamos al piano a revisar y construir un arreglo, acomodar la canción para como se estaba interpretando. Ese fue el proceso ideal, pero hubo otras con quienes no hubo oportunidad de hacerlo así y otras que fueron arreglos de las mismas cantantes, como la de Leika Mochán o la de Paty Carrión, que hicieron su versión”.
“Hay canciones muy pequeñas en producción: una que es a contrabajo, piano y voz; otras que tienen un montón de
cosas. El disco es un mosaico muy bonito de timbres de voz, de estilos diferentes, de arreglos que van a distintos lugares. Unas coquetean con el jazz, lo brasileño y lo conceptual, pero quedó más hacia el pop, me parece. La banda se formó con puras mujeres que son grandes músicos: Ilse Santana en la batería; Beca en el bajo, Pilar Sánchez en el contrabajo y Soilé en la guitarra. Todas de una calidad y profesionalismo increíble, del tipo de músicos con quien incluso uno anhela coincidir al momento de trabajar, porque además tienen una parte humana muy grande. Llegaron con las rolas estudiadas, con propuestas e ideas, su sonido y equipo al punto. De hombres estuvimos yo (piano, teclado, guitarras, composición y arreglos), Jorge Retana haciendo unas guitarras y Nico Maroto como invitado también en la guitarra, para la canción de Iraida Noriega”.
Con una relación que inició en 2015 entre Alex y Matías, con la grabación en vivo del disco de Voz en Punto en la Fundación Sebastian, el trabajo en el estudio de grabación se siente en casa, con la confianza que da tener oídos y experiencia extra para materializar la creatividad: Matías, Ilse Santana y Beca
“Más allá de los fierros, una cosa es saber que lo que haces va a quedar bien grabado y registrado; lo que hay en Fábrica de Éxitos es un plus y que, por ejemplo, Alex me dirija cuando hago voces -que es capaz de opinar de manera bonita y respetuosa-, da una segunda perspectiva de que lo que estás haciendo es interesante y aporta”, destaca el productor. Al respecto, Alex Abara añade: “Con Matías tengo la confianza y eso propicia la creatividad y la magia que da el estudio”.
Carolina Urbano Iraida Noriega Iris Bringas Isabel Avellana Karen
Tiempos bien coordinados para un resultado sobresaliente
La grabación tomó varios meses por cuestiones de agenda de las artistas involucradas. Alex hizo la labor, con el apoyo de Jorge Trejo:
Jorge Trejo, Matías y Alex “La captura de la base rítmica fue muy padre, Ilse tiene muy buen tiempo y feeling. Utilizamos micrófonos condensadores y tuvimos dos baterías, una Mapex y una Yamaha. Combiné técnicas y ocupamos micrófonos AKG D112 y Neumann M147 en el bombo, en overheads unos Coles 4038 de listón y en toms los Sennheiser 421. En la Mapex pusimos en tarola Shure 57, arriba y abajo, y en la Yamaha metimos micros de condensador, el 414 de AKG. Overheads, tarola y bombo los pasamos por un preamplificador Rupert Neve 1073 y los API, los toms por pres Solid State. Luego, el contrabajo se grabó con un Neumann M147 arriba y un U87 abajo, pasados por pres Avalon y Neve. El bajo eléctrico fue por línea directo al Avalon, al igual que las guitarras eléctricas, todas con amplificador al que pusimos un Sennheiser 421 y un Shure 57 al centro del cono y de ahí a los API, para suavizar un poco y hacerle espacio a la voz”.
“El piano Petrof se fue a grabar al estudio donde lo tiene Matías. Nos llevamos los Neumann U87 como principales, unos ribbon, uno de condensador estéreo Townsend Labs como room y eso con la interfaz Apolo de Matías. En el estudio lo pasamos por Apogee y listo”.
“Por otra parte, para las voces hicimos un setting armado con el Neumann U87 pasado por el Avalon y otra versión con un Neumann M147 a la Neve 1073 o a la Focusrite Red6. Grabamos a todas con esos settings en simultáneo y luego escogimos la mejor. Lo que hemos aprendido es que para voces femeninas, como suelen ser agudas, los micros de bulbos les van mucho mejor. Recuerdo que para grabar la voz de Sonia Solórzano de Voz en Punto, le quedó increíble el RN1R de SE Electronics, el que diseñó Rupert Neve de listón, con un resultado súper bueno”, detalla entusiasta Alex.
Para la mezcla, que tuvo a cargo Alex también, se usaron plug ins de Universal Audio; Pultec y Solid State como externos, pasando todo por la consola análoga Allen & Heath, como describe él mismo:
Louise Phelan Mariana Vaz Martha Merino Patricia Carrión Pilar Sánchez
Con una relación que inició en 2015 entre Alex y Matías, el trabajo en el estudio de grabación se siente en casa, con la confianza que da tener oídos y experiencia extra.
“Me gusta mucho por cómoda; tenemos todo a la mano. Al mezclar sólo in the box, siento que todo se cierra y al pasar por la consola, aunque esté flat, se acomoda, crece y tiene más profundidad. Usamos nuestros monitores Genelec y vamos revisando bajos y detalles con otros Yamaha, checando también el analizador de frecuencias de la computadora. Usamos audífonos, pero no todo el tiempo, sino sólo para revisar a detalle. Son unos Sony MDR7500 y unos Sennheiser para los medios”.
El trabajo de masterización, comparte Alex, se dejó en oídos de Arcadio Hernández, uno de sus maestros y con quien ha colaborado hace más de veinte años: “Él y Jorge Avendaño son de casa, gente ganadora de Grammys y varias nominaciones. Luego de tantos años ya sabemos cómo trabajar y nos hemos acoplado bien. Casi siempre la primera sesión que manda queda al 85 o noventa por ciento, solamente se ajustan o mueven algunos detalles”.
El plan de distribución de este “Ceviche de Sirenas Vol. 2” contempla las plataformas digitales, así como el sitio web de Matías Carbajal, y el que podría ser un libro fotográfico con el adéndum de un booklet. En esa valoración está Matías, quien orgulloso compartirá esta platillo de mujeres cantoras en el último trimestre del año.
Redacción: Marisol Pacheco
Izotope Ozone 10 Advance
Ozone 10 ya tiene veinte años en la Industria; al principio parecía más un experimento que un software para masterización. Año tras año esta fantástica empresa siguió haciendo mejoras, (gracias por la persistencia y el compromiso), y hoy, sin duda alguna, es una herramienta indispensable para masterizar cualquier estilo de música.
La primera cachetada de inteligencia artifical
Quizá el mayor cambio en esta nueva versión de Izotope Ozone es el asistente de masterización; se le puede poner una canción de cualquier género musical y en unos pocos segundos, este magnífico programa la masterizará, algo impensado hace unos veinte años (cuando nació). Algo importante a tener en cuenta es que siempre se logrará un mejor resultado haciéndolo escuchar o analizar una sección de la canción armada; es decir, el último coro, por ejemplo, o si la canción es instrumental, la parte de la melodía principal. De este modo, el análisis estará basado en esa parte y seguramente lograrás un mejor resultado, aunque en las pruebas que he realizado también pude notar que puede funcionar también haciendo analizar otras partes y a veces funciona mejor con el primer verso.
Como si esto fuera poco, luego de escuchar la masterización sugerida, podrán ver lo que hizo, el tipo de módulos que utilizó y modificar algo si así lo desean. Este es un gesto maravilloso por parte de los programadores, porque permite hacer ajustes o modificaciones sobre lo que el software creó. De esta forma, Ozone puede servir como punto de partida hacia la búsqueda de un nuevo sonido o incluso como materia didáctica para aprender un poco más sobre algo que está hecho por un software.
Luego de varias pruebas he descubierto que más o menos utiliza las mismas herramientas con los mismos trucos, ejemplo Hi Shelf y Low Shelf en los ecualizadores. A veces es la decisión correcta, a veces no.
Una de las herramientas del Ozone 10 que más me impresionó fue que casi siempre “adivina” el género musical de la música que está masterizando, lo cual habla bastante bien de la intensa programación que hay detrás. Sin duda alguna, como ingenieros de masterización debemos incorporar estos nuevos recursos en nuestro arsenal, ya que nos puede servir para evaluar nuestro propio trabajo o simplemente tener otra perspectiva o versión. Es muy útil para masterizar demos o trabajos que no sean tan complejos o de bajo presupuesto y además añade un nuevo mundo a los músicos y productores que no necesariamente saben masterizar y que desean lograr un mejor sonido en sus estudios caseros.
Diversos usos
¿De qué se trata Ozone 10? Es un plug in que contiene otros 17; la versión Advance permite usar estos plug ins de forma individual, por ejemplo, para una mezcla.
Esto hace que la inversión monetaria sea realmente justificable, porque más allá de las capacidades de masterización, contiene módulos que pueden ser utilizados en mezcla en canales individuales o buses y ahí tendrán varios tipos de ecualización diferentes (fase lineal, dinámicos y vintage), más compresores vintage, multibanda y expansor, realzador de la imagen estéreo, excitador de armónicos y emulador de tape, además de incluir dos nuevos módulos que son fantásticos: Stabilizer, que permite hacer ajustes dinámicos y de resonancia con resultados muy complejos ya sean de incremento o atenuación, muy útil en la masterización, e Impact, expansor compresor multibanda como nunca he escuchado antes, también otra herramienta indispensable, para dar punch (Expansión) o controlar (Compresión) alguna parte de la mezcla.
Estos dos procesadores incluyen el nuevo botón Delta, que es para escuchar lo que el procesador está haciendo.
Los programadores del Ozone 10 también incorporaron un soft clip integrado antes del limitador Brickwall, lo cual es fantástico, ya que muchos ingenieros de mastering estaban usando clippers para lograr estos resultados. El clipper que diseñaron está dentro del top cinco de clippers que he escuchado; es de gran calidad, con un oversampling incorporado. Otra gran adición es el recover sides en el módulo Imager que hace sonar los procesos en este procesador mucho más naturales. Además han rediseñado la estética y resulta muy agradable a la vista y cómodo para trabajar, y con la versión Advance viene incluido el Tonal Balance Control (reseña: soundcheck.com.mx/ izotope-tonal-balance-control-2-un-amigo-confiable/)
Uno de los detalles es que al tratarse de un plug in nuevo y tan completo, debo decir que es pesado para la mayoría de las computadoras personales.
En mi caso lo utilicé con una computadora MacBook Pro con M1 Pro con 16G de RAM y no tuve problemas de ningún tipo.
La inversión monetaria es realmente justificable, porque además de las capacidades de masterización, contiene módulos que pueden ser utilizados en mezcla en canales individuales o buses y ahí se tendrán varios tipos de ecualización diferentes.
Ozone 10 ya tiene veinte años en la Industria y hoy, sin duda alguna, es una herramienta indispensable para masterizar cualquier estilo de música.
También hice otras pruebas con MacPro con Xeon y 64G de RAM con resultados igual de satisfactorios.
Si tienen una máquina poderosa van a poder jugar durante mucho tiempo y realmente les van a impresionar, pero si su máquina no es tan eficaz, intenten investigar los plug ins uno por uno.
Si es una compra absolutamente recomendable, excelentes grabaciones para todes.
*Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.
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Una mirada a los auriculares electroestáticos
Carga, polarización y estatores: ¡increíble!
Si bien los auriculares dinámicos y planos constituyen la mayoría de los audífonos que usan los audiófilos, el sabor diferente de la resolución y el escenario sonoro aireado que ofrecen los electrostáticos a veces los convierte en los auriculares preferidos. Dado que los electrostáticos no tienen imanes y son muy livianos, los transductores parecen derretirse, lo que brinda una experiencia auditiva extremadamente cómoda e inmersiva.
El principio detrás del funcionamiento de un auricular electrostático es bastante simple. El transductor electrostático consta de un diafragma con una carga constante, intercalado entre dos estatores acústicamente transparentes separados por espaciadores. La señal se aplica a los estatores en forma de pulsos de alto voltaje iguales pero opuestos. En otras palabras, cuando se aplica un voltaje positivo a un estator, se aplica un voltaje negativo igual pero opuesto al otro estator. Como resultado, el diafragma se jala hacia el estator con voltaje negativo y se aleja del estator con voltaje positivo. Así, el diafragma se mueve con la señal y este movimiento produce sonido.
Se dice que un transductor diseñado de esta manera tiene una configuración push-pull. Cuando se implementa correctamente, esto da como resultado la misma cantidad de fuerza sobre el
diafragma, independientemente de dónde se encuentre el diafragma entre los estatores, lo que produce una respuesta lineal que no cambia con la ganancia y tiene una distorsión muy baja.
En un transductor electrostático convencional, el diafragma consta de una película delgada con un revestimiento resistivo que contiene una carga. Las variaciones en el grosor de este revestimiento provocan una fuerza impulsora no uniforme que da como resultado una distorsión. Recubrir ambos lados del diafragma puede empeorar esto, porque las variaciones de espesor entre los dos recubrimientos conducirán a una distorsión aún mayor. Por eso, el material de revestimiento debe ser muy estable y no deteriorarse ni perder adherencia con el tiempo, ya que esto provocará una degradación del rendimiento.
Diseños interesantes e innovadores
En este tenor, me gustaría platicarles un poco sobre el diseño de los audiófonos de la marca Audeze. Los últimos dos años he mezclado con varios modelos de esta marca y al adentrarme un poco más en su tecnología me fascinó. La fuente original de inspiración para la exploración de la tecnología electrostática de estos audífonos fue la mejora de la calidad de la atención de los pacientes que utilizan resonancia magnética en sus diagnósticos (MRI). Colaboraron con investigadores del Instituto Semel de Neurociencia y Comportamiento Humano de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), junto con los diseñadores industriales de BoomBang, para crear un auricular fácil de usar para el paciente en máquinas de resonancia magnética. El objetivo era facilitar a los médicos la entrega de instrucciones a sus pacientes y al mismo tiempo mejorar la precisión y la comodidad del proceso de resonancia magnética. Con base en el alto rendimiento de los auriculares médicos, la compañía decidió trasladar esta tecnología a un auricular para audiófilos de consumo, que se llamó CRBN.
Hay una serie de consideraciones de diseño para aprovechar al máximo un transductor electrostático. Con CRBN, Audeze fijó metas muy altas. Querían diseñar unos auriculares electrostáticos que fueran eficientes, con imágenes, claridad, resolución y transparencia que fueran las mejores de su clase, además de querer una respuesta en frecuencia que fuera
neutra, con agudos suaves y graves bien extendidos (¡esto último no es fácil!). La compañía optimizó todos los aspectos del diseño del transductor electrostático para cumplir con estos objetivos de diseño.
¿Por qué nanotubos de carbono?
CRBN es el primer auricular electrostático de consumo en el mundo que utiliza la innovadora tecnología de diafragma suspendido de nanotubos de carbono propietaria de Audeze, que resuelve muchos de los principales desafíos asociados con los transductores electrostáticos. Los CRBN utilizan un diafragma ultrafino con nanotubos de carbono directamente suspendidos dentro del material. Al controlar la densidad de los nanotubos de carbono en la película, es posible ajustar la resistividad del material del diafragma. Debido a que la carga se distribuye uniformemente por toda la película, esto da como resultado una fuerza impulsora uniforme. A diferencia de este material, el diafragma suspendido de nanotubos de carbono es inmune a los elementos y no se degrada con el tiempo.
Está bien, pero ¿por qué CRBN es especial?
El diafragma de nanotubos de carbono permite lograr una alta eficiencia al retener más carga y evitar la migración de la misma, lo que nos permite reducir la tensión del diafragma y aumentar el espacio entre éste y el estator, lo que proporciona una excursión más alta y una frecuencia de resonancia más baja, sin el riesgo de que el diafragma entre en contacto con el estator. Esta baja frecuencia resonante, combinada con un área de superficie de diafragma grande, material de amortiguación acústicamente transparente y almohadillas diseñadas a medida, brindan una respuesta de bajos extremadamente amplia, hasta 20 Hz.
Al diseñar el controlador CRBN, Audeze elegió un tamaño óptimo de diafragma y estator lo suficientemente grande como para proporcionar excelentes graves e imágenes sin comprometer los agudos. Sus estatores se fabrican utilizando una técnica de fabricación de PCB patentada que permite lograr una alta rigidez, un grosor uniforme y una planitud consistente, lo cual es importante para una distribución de fuerza equitativa y una respuesta lineal.
Por otra parte, la perforación del estator está optimizada para una excelente extensión de alta frecuencia y su
superficie conductora está especialmente recubierta para garantizar una alta rigidez dieléctrica, lo que permite un sonido abierto y aireado mientras se mantiene una alta eficiencia y durabilidad. El diafragma súper ligero tiene un interior naturalmente bajo que permite una aceleración extremadamente rápida. La compañía emplea una técnica especial de amortiguación de bordes para reducir aún más la distorsión y suavizar la respuesta de frecuencia y fase. Como resultado, CRBN es transparente y de alta resolución en todo el espectro audible, con una excelente respuesta transitoria, una claridad brillante y una respuesta de graves inigualable en el campo electrostático.
En conclusión, los auriculares planos magnéticos y electrostáticos son muy similares en cuanto a la forma en que producen el sonido: ambos usan un diafragma plano y flexible que se mueve por fuerza electromagnética o electrostática. Todas las similitudes terminan aquí, ya que la naturaleza de estas dos fuerzas es completamente diferente.
Por un lado, la fuerza electrostática está limitada por las dimensiones físicas del diseño; reducir la distancia entre el diafragma y los estatores aumenta la fuerza, pero también aumenta la posibilidad de que se pegue el diafragma a uno de los estatores. Al aumentar la tensión en el diafragma se reduce la elasticidad, pero pierde las frecuencias bajas, de manera que no es fácil encontrar el equilibrio adecuado entre estas dos demandas contradictorias. La fuerza electromagnética está limitada solo por la fuerza de los imanes utilizados y la configuración del circuito magnético. Sin elasticidad ni formación de arcos, y si su amplitud está dentro de los límites mecánicos, se pueden lograr niveles de sonido mucho más altos que con la electrostática. Con algunos de los auriculares más eficientes de Audeze, como los LCD-MX4, LCD-X y LCD-4z, es posible llegar fácilmente a 130 dB SPL (¡no recomendado!).
El principio detrás del funcionamiento de un auricular electrostático es bastante simple. El transductor electrostático consta de un diafragma con una carga constante, intercalado entre dos estatores acústicamente transparentes separados por espaciadores.
Por otro lado, en los diafragmas de Audeze a escala nanométrica, el metal (no siempre aluminio) se deposita al vacío directamente sobre la película. Asimismo, también hay una diferencia entre los espesores del metal: el aluminio es muy difícil de encontrar más delgado que 4.5 micrones, mientras que una capa depositada al vacío del metal se puede aplicar fácilmente en espesores submicrónicos. En términos generales, un diafragma más liviano conduce a un sonido más rápido y preciso.
La fuerza impulsora es uniforme en todo el diafragma, mientras que los auriculares planos tienen fuerza impulsora solo debajo de la superficie de los conductores. Siempre hay partes del diafragma que simplemente siguen pasivamente y a veces, incluso se desfasan parcialmente.
Agradecemos a Audeze por compartir su investigación.
*Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.
La gira de más de sesenta ciudades por el interior del país y algunas de los Estados Unidos que tiene a Siddartha presentando su disco “00:00”, alcanzó uno de sus momentos cumbre al lograr dos llenos totales en el Palacio de los Deportes en Ciudad de México. Su equipo de management y producción comparten los detalles del show armado para esas fechas, al tiempo que exponen los factores que han permitido esta evolución en la carrera del compositor, productor y multi instrumentista tapatío.
Constancia y solidez
Con la certeza de que han sido el trabajo y la constancia los ingredientes que comulgan día con día para que creativos y management cumplan la visión que tiene Siddhartha de su carrera, el catalán Xavier Carrasco Mallol, su personal manager (quien también ha colaborado con Love of Lesbian y Carlos Sadness), confirma el trayecto en ascenso para conseguir llegar a nuevos públicos y continuar la internacionalización del proyecto:
“Me uní en 2016 y lo que está claro es que tanto Siddhartha como su equipo han tenido una visión en conjunto que han sabido trabajar con constancia. Claramente su talento y el de la gente con la que se rodea para hacer canciones son el motivo principal por el que poco a poco está llegando a más oídos. Previo a la pandemia estábamos muy activos y ya se sentía el siguiente paso, pues se habían tomado decisiones estratégicas a nivel comercial y musical que han ayudado mucho. La materia prima, que son las canciones, ya están, y el hecho de no parar, no darse por vencido y seguir dando conciertos ha sido muy importante. A nivel personal, me parece que es un proyecto donde los pasos que ha dado no serán tan largos como otros que de golpe crecen, pero sí que han sido pasos cortos sólidos, sin retroceder y ahí está la solidez del proyecto. La posibilidad de arriesgar con una canción como “00:00” con fusión de mariachi, otro género que atrae Siddhartha a su mundo y que quizás ha llevado a este paso gigantesco que hemos vivido este último año, ha sido muy valioso”.
“Llevamos más de sesenta fechas y lo que pasó en el Palacio de los Deportes fue un buen ejercicio, un gran show en Ciudad de México, que siempre ha recibido el proyecto con los brazos abiertos, pero hemos ido a otras plazas del país, de las que destacó Oaxaca, donde tocamos ante más de once mil personas, así como Guadalajara, donde también nos fue bastante bien, con lleno total en el Auditorio Telmex para diez mil personas, lo mismo en Monterrey en el Auditorio CitiBanamex y otros lugares como Saltillo, Los Mochis y Villahermosa, que son plazas que visitamos por primera vez. Además tuvimos una gira en el verano por los Estados Unidos, en lugares como Los Angeles, Sacramento San José, Houston, Dallas y Austin. En otros países nos
hemos presentado en Argentina y hay planes de ir a España y varios países más de Latinoamérica. Estamos cubriendo la necesidad de internacionalizar el proyecto y de buscar otros públicos”, detalla Xavi.
Las galas para el Palacio
Eduardo Ignacio Pérez Sandoval, production manager e ingeniero de sala, ha sido parte del proyecto de Siddhartha desde hace catorce años, luego de compartir tareas como sonidista de bandas como Azul Violeta, Plástico y Porter, y en foros como el Bar Fly y el Hard Rock Live de Guadalajara. La preparación de su quehacer en sala para el Domo de Cobre capitalino tuvo como pilares la consola Yamaha CL5 y como PA tuvo el sistema L-Acoustics K2 con altavoces Kara como downfill:
“La música de Siddhartha tiene mucha dinámica. Siento que cada canción tiene un sonido muy particular en el que muchos elementos van tomando diferentes momentos de protagonismo y eso me gusta, porque me permite acentuar ciertas partes de cada canción. Para mí ha sido fácil hacerlo, porque de origen los músicos trabajan muy bien sus procesos de ecualización y compresión de sus instrumentos y su ejecución es muy buena”.
“En general, en esta gira hemos podido trabajar ajustándonos porque somos muy flexibles: si la consola tiene las entradas y salidas requeridas, lo hacemos. Si un sistema de sonido no lo conozco ,pero funciona, adelante. Lo mismo aplicamos con el backline y la microfonía; mientras se cubra el mínimo de requerimientos, lo hacemos. A mí, por ejemplo, me gusta mucho el sonido de Digico, pero me acomodo perfectamente con Yamaha o la S6L de Avid”, puntualiza Nacho, egresado de las filas de estudiantes que Mauricio Ramírez “Magú” ha formado en Guadalajara a través de la escuela surgida en la década de los noventa, Dynamix. Junto a Nacho, Alfio Alejandro Gómez Trigueros cubrió la posición de ingeniero de monitores, tarea que ha tenido desde hace cinco años:
“Para esta tarea usamos la Yamaha CL5 a full, sus 72 entradas más 32 salidas, y jugamos con toda la dinámica del show. El reto para mí fue mantener a los músicos lo más cómodos posibles con su mezcla, con las características del lugar, la cantidad de canales y todo. Llevamos 38 o 42 conciertos con este show, casi recorrido todo México con más de la mitad del tour y la banda ya está acostumbrada al sonido de la CL5; también hemos usado Venue y he estado usando la LV1 de Waves por su portabilidad y sonido”.
Nacho Pérez
Alfio Gómez
“Desde que entré con Siddhartha me empapé de toda su forma de trabajar y los equipos y sistemas que usaba; soy muy clavado y algo que hemos estado implementando es prevenir lo que venga”. Oswaldo Rubio.
“Los músicos usan monitores personales en estéreo; tenemos tres técnicos en escenario que también traen su mezcla de in ears más mi referencia. A esto se agregan nueve mezclas cuando sale el mariachi en dos canciones, todas en estéreo, y a veces usamos monitores de piso para ellos. Usamos Axient Digital de Shure, que es muy fácil de usar y su sonido nos gusta mucho. Lo usamos con micrófonos DPA propios de la banda; micrófonos inalámbricos no traemos más que los de instrumento que son Sennheiser, para la guitarra acústica de Siddhartha y la eléctrica. Todo lo demás es con cable, él usa un Sennheiser MD445”.
Metas cumplidas
En la labor de stage manager estuvo Fernando Oswaldo Rubio Díaz, quien ha realizado dicha actividad desde hace un lustro, junto a dos compañeros más con quienes cubren las distintas áreas del escenario, cuyo diseño tuvo para esta ocasión una isla donde Siddhartha tiene un momento especial con su batería:
“Lo que hacemos es repartirnos por área; a mí me toca cubrir todo el frente, además de ser guitar tech y Fernando Rubio atender al bajista; como en estos conciertos se manejaron dos escenarios, se sumó otro compañero para esa zona, además del encargado de la parte trasera, cubriendo teclado y batería. Hemos estado muy activos; el Festival Vive Latino fue el
“Lo que pasó en el Palacio de los Deportes fue un buen ejercicio, un gran show en Ciudad de México, que siempre ha recibido el proyecto con los brazos abiertos”. Xavier Carrasco.
primer show masivo y, antes de eso, hicimos streamings y auto conciertos durante la crisis sanitaria. También hicimos el Festival Pa’l Norte virtual, que quedó muy bien”.
“En este tiempo he aprendido justo de esos nuevos formatos virtuales, el acomodo de instrumentos, la conexión, todo fue distinto y eso nutre y nos ayudó a distinguir lo que haces para un evento en vivo. Desde que entré con Siddhartha me empapé de toda su forma de trabajar y los equipos y sistemas que usaba; soy muy clavado y perfeccionista y algo que hemos estado implementando es prevenir lo que venga, porque si bien hay cosas que son inesperadas y en el momento hay que reaccionar y solucionar, hacemos juntas para ver cómo estuvo el show y compartimos conocimiento. De eso ha salido aplicar cosas de mantenimiento preventivo para evitar los bomberazos en el show, no porque no se solucionen, sino anticiparnos”.
“Estos shows en el Palacio fueron muy especiales. Desde que empezamos a hacer las pruebas se sentía una vibra que la verdad se enchinaba la piel. Es una meta que hemos estado trabajando de tiempo atrás y me siento orgulloso y me da mucho gusto por Siddhartha como amigo y por ser parte de este crew que está haciendo las cosas bien”.
El camino de la iluminación
En la parte visual (luces y video), Jorge Alberto Espinoza Gonzalez “Oso” (quien también colabora con Cuca, Porter y Cielo Abierto), construyó el diseño de iluminación combinando spots, washes para iluminar, beams para efectos y tiros de diversos haces, así como washes de efectos con estrobos y blinders:
Jorge Alberto Espinoza "Oso" “Yo trabajaba en un proyecto de música católica junto con Nacho -audio en sala-, y estando de gira en Perú, de recién ingreso al proyecto, empecé a haciendo luces. Ha sido muy especial porque el otro día busqué una foto del primer show con Siddhartha donde teníamos ocho móviles y hoy tenemos más de 150. Da nostalgia ver cómo hemos crecido todos profesionalmente”.
El diseño de este show está basado en uno hecho para un Auditorio Nacional en 2019 con el software Show Designer de Martin, una de las herramientas favoritas del iluminador:
“En marzo de 2020 íbamos a hacer otro, así que me puse a diseñar, pero llegó la pandemia y luego tuve mucho tiempo para entretenerme haciendo ajustes. Cuando se retomó, resultó que ya no sería el Auditorio, sino un Palacio de los Deportes, así que tuve que cambiar porque tenía un rider que iba a costar servirnos con la cuchara grande, y felizmente nos dijeron que fuéramos con todo y, tal cual, todas las máquinas que pedimos estuvieron puestas”.
La configuración lumínica abarcó diez luces MAC Viper Profile de Martin, doce VL3500 Wash de Vari Lite, 64 Robe MegaPointe, 48 Robe Spiider, además de Color Strike M de Chauvet; para su operación, la elección fue una mesa NX4 de Elation Professional. “Normalmente uso un NX Wing, pero la gente de Elation nos hizo favor de prestarnos esa y fue muy cómodo y práctico, porque ya llevo todo programado para correr el show.
En cuanto al video, además de ser un rubro donde más se involucró Siddhartha, con sesiones de hasta cinco horas para revisar y seleccionar el contenido a proyectar, lo que utiliza el “Oso” es un servidor de medios Resolume, del que opina que su manera de mapear por DMX es muy sencilla: “Seleccionas, mueves un parámetro en la consola y listo. Tenemos un set de cuatro banners en los costados y una pared central, pero además tengo mil cosas mapeadas ahí. En el video estamos usando Resolume Marina amarrado vía Art-Net y ahí el show corre con código de tiempo de Obsidian Control Systems. Eso lo hacemos para que se comuniquen los dos softwares, amarrados a un código de tiempo que quiere decir que, desde que los músicos disparan la secuencia, ya están las luces para soltarse y empezar a disparar los cues”.
“En el tema de luces tengo la carta abierta, a Siddhartha le gusta mucho lo que hago, sé lo que sí y lo que no necesita. En la parte de video es donde él se involucró más para esta gira. Estuvimos revisando los contenidos para llegar al resultado final que quería lograr”, concluye quien también ha emprendido abriendo su compañía de renta LD2 y ofreciendo sus servicios de diseño.
Con más de 40 mil personas coreando las canciones del “00:00” y los éxitos que el tapatío ha regalado desde su disco debut “Why You?”, las dos noches en el Palacio de los Deportes marcan un precedente de lo que Xavi acertadamente vislumbra sobre construir una carrera ascendente en la música en estos tiempos:
“Hace seis años, en México había una Industria de la Música y el Espectáculo que, a pesar de ser de las más grandes en Latinoamérica, todavía era joven no sólo a nivel musical, sino de estructuras de negocio. En Europa hace tiempo ya hay cosas que acá apenas se están dando, pero lo que sí ocurre aquí es que el público abraza casi cualquier género y allá no; viniendo de un país como España, donde el negocio de la música se basa en el producto interno y estilos de género, me queda claro que México es una potencia de desarrollo grande para muchos artistas”.
“Y ahí está Siddhartha que tiene todo el talento, capacidad e inteligencia para saber para dónde quiere llevar su proyecto. Los managers y su agencia comulgamos con esos objetivos y estrategias para llegar al puerto que quiere. Somos afortunados en lograrlo”, finaliza.
Canal Instrumento Micrófono/D.I Base
1 Bombo Dentro Sennheiser e901 2 Bombo Fuera Sennheiser e902 Boom Corta 3 Tarola Arriba Sennheiser MD 421 Boom Corta 4 Tarola Abajo Shure SM57 Boom Corta 5 Contratiempos Sennheiser e914 Boom Corta 6 Tom Aire Sennheiser MD 421 Boom Larga 7 Tom Piso 1 Sennheiser MD 421 Boom Larga 8 Tom Piso 2 Sennheiser MD 421 Boom Larga 9 China Shure KSM 137 Boom Corta 10 Crash Stage Right Shure KSM 137 Boom Corta 11 Ride Shure KSM 137 Boom Corta 12 Crash Stage Left Shure KSM 137 Boom Corta 13 PAD L DI Active 14 PAD R DI Active 15 Bajo DI Active 16 Click XLR 17 Guitarra 1 Rul L Sennheiser e609 Boom Corta 18 Guitarra 1 Rul R Sennheiser e609 Boom Corta 19 Guitarra 2 Siddhartha DI Active 20 Guitarra Acústica DI Active 21 Teclado 1 L DI Active 22 Teclado 1 R DI Active 23 Teclado 2 L DI Active 24 Teclado 2 R DI Active 25 Microkorg L DI Active 26 Microkorg R DI Active 27 Secuencia 1 XLR 28 Secuencia 2 XLR 29 Secuencia 3 XLR 30 Secuencia 4 XLR 31 Secuencia 5 XLR 32 Secuencia 6 XLR 33 Secuencia 7 XLR 34 Secuencia 8 XLR 35 Ukelele DI Active 36 Voz Tecladista Shure Beta 58A Boom Larga 37 Voz Siddhartha L 38 Voz Siddhartha R Sennheiser MD445 Boom Larga 39 Guitarrón DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 40 Guitarra DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 41 Vihuela DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 42 Arpa DI Active 43 Trompeta 1 Shure Beta 98HC Inalámbrico 44 Trompeta 2 Shure Beta 98HC Inalámbrico 45 Trompeta 3 Shure Beta 98HC Inalámbrico 46 Violín 1 DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 47 Violín 2 DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 48 Violín 3 DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 49 Violín 4 DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 50 Violín 5 DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 51 Violín 6 DPA 4099 + VC4099 Inalámbrico 52 Voz Eunice L 53 Voz Eunice R 54 SMPTE XLR 55 Audiencia L Shure VP 89 Boom Corta 56 Audiencia R Shure VP 89 Boom Corta 57 Bombo Dentro Sennheiser e901 2 58 Tarola Arriba Sennheiser e904 1 59 Contratiempos Sennheiser e914 Boom Corta 60 Rack Tom Sennheiser e904 1 61 Floor Tom Sennheiser e904 1 62 Platillos L Sennheiser e914 Boom Corta 63 Platillos R Sennheiser e914 Boom Corta 64 Guitarra Acústica DI AR 133 1 OMNI 1 Teclado L DI AR 133 3 OMNI 2 Teclado R DI AR 133 2 OMNI 3 Voz Sidd L OMNI 4 Voz Sidd R Snake FOH Shure SM 58 Inalámbrico Boom Larga
¿Es el streaming una nueva piratería?
Recuerdo aquellas épocas cuando la relación músicaoyente era más profunda y comprometida, porque si querías escuchar o tener una canción específica, tenías cuatro opciones:
1. Esperabas a que sonara en la radio y la grababas. 2. Comprabas el CD. 3. Comprabas el vinilo. 4. Comprabas el casete.
Si se fijan, esta ecuación de las cuatro posibilidades le ofrecía un 75 por ciento de beneficio al artista, pues en la mayoría de las veces debías comprar su música. Hoy ya no es así.
Desde que nació el streaming hace unos años, la visita obligada que debías hacer a la tienda murió y la dinámica que el ser humano tenía con la música como objeto físico se distorsionó para convertirse en un extraño modelo de piratería con muchas lagunas legales.
Comencemos por definir streaming
Según Wikipedia, es la reproducción digital de archivos multimedia desde la red.
Mi definición es la siguiente: streaming es la práctica de escuchar gratis la música en formato digital desde diferentes lugares de la red, y quien lo hace se denomina streamer, que no compra lo que escucha y simplemente reproduce la música por inercia y de manera gratuita en sus dispositivos móviles (claro, a menos que pague una suscripción premium).
Esta dinámica, al haber sido desarrollada desde la óptica de programadores y no de músicos, desestabilizó la balanza de
la Industria y resultó ser un modelo donde los desarrolladores, por supuesto, ganaron mucho, pero los músicos, productores, disqueras y demás entes involucrados en la creación musical, se llevan muy poco o nada.
El ejemplo puntual de esto se ve en Spotify (la plataforma más popular de streaming), que año tras año ha incrementado sus ingresos considerablemente. Al cierre de diciembre de 2021, sus ganancias se aproximaron a los 12 mil millones de euros a nivel mundial, de los cuales solo pagaron un aproximado de 7 mil millones a todos los artistas y bandas en el mundo, lo cual es desproporcionado.
Al respecto, Tony Visconti, uno de los productores más importantes en la historia del rock, productor de David Bowie y T.Rex, dijo: “Es repugnante el dinero que Spotify gana con los artistas. Según su tabulador, 12 millones de reproducciones apenas alcanza para pagar el almuerzo de dos personas. Es ridículo, no sé por qué está permitido. Esta plataforma vive de la música, pero no hace nada para apoyar esta cultura”. Y si a la reflexión de Visconti le sumamos el hecho de que por ejemplo, en México (uno de los mercados más grandes) Spotify apesta el ambiente con sus billboards de Mansión Reggaetón, la afirmación “Spotify no hace nada para apoyar la cultura de la música”, se vuelve un presente más oscuro y literal.
Con todo esto en contexto, es evidente que el streaming se ha convertido en un problema económico para miles de artistas, ya que sin una normatividad clara por parte de la mayoría de plataformas, es un modelo que desangra a la Industria de la Música, a los artistas y a las disqueras; y aunque con los años se han venido encontrando mejores vías y modelos de remuneración, los artistas, sus derechos de autor, sus regalías y demás, se han visto afectados de manera profunda.
Frente a esta problemática, se ha creado un dilema interesante en el que varios de los actores involucrados creen que el mercado de la música se beneficia. Por un lado, Spotify estableció en una entrevista de hace años, que su servicio
gratuito evitaba que la gente pirateara los discos, pero la gran verdad es que estas plataformas son piratas disfrazadas de corporación, al permitir streaming gratuito y lucrar de la música, ganando dinero por reproducción, suscripciones y por anuncios transmitidos en su plataforma, sin darle a los artistas lo justo.
Por otra parte, Emmanuel Zunz, fundador de la plataforma ONErpm, afirmó en una entrevista, que “Por ejemplo, en México, la piratería musical estaba disminuyendo gracias a estos sistemas de streaming”, pero esto es solo un lado de la moneda. Mi verdad como productor y ente involucrado en el negocio de la música, es que al mismo tiempo también se ha dejado de comprar música legal y ahora los artistas simplemente trabajan duro para hacer música que va a terminar de manera gratuita en los oídos del público.
Toda esta situación también ha creado una dicotomía entre disqueras globales e independientes, pues la posición de ambas es muy diferente frente a esta problemática; por un lado, para los labels indie (independientes), esta es una suerte de oportunidad para que la música de sus nuevos artistas llegue a más público, pero en cambio, para las grandes corporaciones, el streaming es una manera fácil de perder miles y miles de dólares en regalías no percibidas. De hecho, toda esta gran realidad es la razón por la que muchos artistas han pedido a sus disqueras retirar su música de plataformas como Spotify.
Pero no todo es malo
Este caos gris fue el detonante para la creación, hace unos años, de la plataforma Tidal, el servicio que sale de este concepto de piratería streaming.
Para explicarlo rápidamente, Tidal es una plataforma que, al haber sido creada y administrada por artistas (Daft Punk, Calvin Harris, Jay Z, Madonna y otros), tiene varias cosas positivas:
1. Es un modelo que asegura que lo que genere la plataforma se quede en los bolsillos de los artistas y no como está pasando con Spotify. 2. La calidad sonora. Es una plataforma que da la certeza de que la música se escuchará lo más cercano posible a como fue creada por los artistas; de hecho, la ventaja principal de Tidal se centra en la alta calidad de audio ofrecida, porque a diferencia de sus competidores, que se limitan a ofrecer una calidad de audio aceptable (pero no elevada), esta plataforma ofrece algo realmente innovador que les contaré a continuación.
¿Qué pasa con la parte técnica del streaming?
Las plataformas de streaming funcionan con diferentes parámetros de calidades de audio y lo divertido del asunto, es que así como en el mundo de la piratería de la música física, en el streaming también hay calidades. Y aquí les presento la comparación entre los dos referentes del mercado: Spotify y Tidal.
En una prueba de campo de calidad hecha por MusicScope entre Spotify y Tidal, esto fue lo que sucedió: En la calidad de reproducción de Spotify, la medición de frecuencias medias tan altas y los agudos sin definición, hacen que las líneas graves no se destaquen, haciendo que el sonido general sea más bajo, más plano y sin matices; muy diferente a lo que se aprecia en la curva de sonido de Tidal, que al no eliminar frecuencias agudas del todo y controlar la parte media de la música, esta hace que el sonido tenga muchos más matices, que el grave sobresalga, que el volumen sea mejor y que aunque las frecuencias de los 16 a los 21 KHz que respeta son imperceptibles al oído, todo esto en sumatoria, hace el sonido más brillante y con cuerpo.
¿En términos mortales, esto que significa? Sin llegar al tecnicismo, les invito a que conecten su celular a un sistema de audio de calidad media, dejen sonar la misma canción reproducida desde Spotify y desde Tidal y escucharán inmediatamente la diferencia.
En palabras vulgares, escuchar la música en Spotify es como escuchar música grabada de la radio, en un casete y en una vieja grabadora estándar de los ochenta frente a escuchar música en Tidal, que es como haber ido a comprar el CD en una tienda y reproducirlo en un buen estéreo casero. Sin embargo, la calidad cuesta y por eso, la fidelidad de Tidal es más costosa. Por esta razón creo (y lo digo con una sonrisa), que Spotify es el casete pirata de las plataformas de streaming.
Les dejo esta liga para que en medio de tanta falta de calidad del sonido, puedan elegir unos audífonos que compensen esta deficiencia: auribluz.com/mejores-auriculares-escuchar-musica/
¿Qué pasará?
Creo que justo como cuando apareció Napster o como cuando Apple presentó el iPod, las plataformas de streaming han revolucionado el negocio de la música y la manera como interactuamos con ella. Y aunque la relación música-oyente ha cambiado, la Primea sigue haciendo su magia, aunque haya dejado de ser un producto tangible y haya perdido el misticismo de ser un objeto físico. A pesar de todo esto, definitivamente estamos en un momento interesante y lleno de oportunidades aún no exploradas para que los involucrados en el negocio del entretenimiento y de la música replanteen su modelo y tanto los artistas como las disqueras busquen nuevas interconexiones y sean creativos en la manera como se reinventa la experiencia de la música en el entorno digital y la forma como está llegando la música a las personas.
Con más de 30 años de experiencia en el medio musical como periodista, productor de programas de radio especializada, editor de revistas de música, productor y DJ, es considerado uno de los artistas de música electrónica más reconocidos de nuestro país. Con más de 200 producciones firmadas en diferentes sellos discográficos, su propuesta sonora abarca desde ritmos para la pista de baile, hasta ensambles que generan puentes entre la música electrónica y la literatura. Actualmente es miembro de la Academia Latina de Grabación Latin Grammy, donde participa con “Madre Cumbia”, su más reciente disco. Contacto: www. soyjairoguerrero.com
ARTESTUDIO:
incubadora de talento mexicano
Sus egresados están en el elenco de “Aladdin”, “The Promp”, “José El Soñador” y “Ghost”, por mencionar puestas en escena recientes. Artestudio está convertido, en sus 16 años de existencia, en uno de los centros de enseñanza en teatro musical más importantes del país.
Por ello, con curiosidad acudimos al Teatro Xola para ver el resultado final de la versión de “Vaselina” que montaron con sus alumnos, como parte de la formación profesional que reciben y que incluye la producción técnica de primera línea junto a la empresa Soluciones de Audio, con Federico Anaya y Everardo Cano al frente de la misión en el audio y la iluminación.
Una educación integral
Efraín González y Mauricio Salas fundaron esta escuela de teatro musical, concebido como un espacio donde los alumnos pueden tomar clases de danza, actuación, canto. Tienen pues, una formación integral:
“Los chavos vienen a prepararse en teatro musical y, a la par tenemos las prácticas profesionales que son un montaje completo con director, coreógrafo, dirección musical y dirección vocal, lo más apegado a lo profesional. La idea es que se vayan enfrentando a un público y desarrollen un personaje apegados a como se montaría profesionalmente, porque pedimos los derechos para apegarnos a la partitura y las armonías originales.
Para nosotros es como la escuela donde hubiéramos querido estar, al tiempo que vas teniendo tablas”, expone Efraín.
El modelo escolar de Artestudio incluye una formación para los interesados en incursionar en la producción teatral, desde lo técnico, como detalla el actor: “Tenemos un taller de producción con diferentes maestros, donde se preparan los chavos para que nos ayuden siendo un poco el staff de nuestras producciones y nos ayuden con los micrófonos, el vestuario y la utilería, y reforzamos con gente experta. Por ejemplo, en este montaje de ‘Vaselina’, en el que colabora Federico Anaya con su empresa Soluciones de Audio y Everardo Cano haciendo el audio en sala. Nos vamos nutriendo con gente de la escuela y ha pasado que se enamoran del área de producción y ahora son stage, técnicos o creativos en ese ámbito”. Rafael Maza
Para Mauricio Salas, esta es una verdadera escuela de teatro y teatro musical:
“Cuando nosotros estudiamos no había algo así, tenías que buscar las clases por separado o irte al extranjero. Al regresar a México nos dimos cuenta de que no había un lugar donde estuviera todo concentrado o había escuelas que más bien son compañías donde se montan obras o musicales, pero es muy diferente a tener una escuela, un plan de estudios con esta estructura en clases y calidad de maestros”.
Mauricio Salas “En este montaje tenemos a Rafael Maza, en la dirección escénica (‘El Diluvio que Viene’, ‘Anita la Huerfanita’, ‘Vaselina’); Hugo Robles en la dirección vocal (‘Cats’, ‘Fiebre de Sábado por la Noche’, ‘The Horror Rocky Show’); María Fernanda Aldaz Perroni en la coreografía (‘Broadway Dance Center’, ‘Nueva York’) y Analí Sánchez Meri en la dirección musical (‘Reinas Chulas’, ‘Pequeña Voz’, ‘Cleopatra y Antonio’, ‘El Hombre de la Mancha’), todos están vigentes y trabajando en nuestro teatro”.
“Así que está funcionando lo que hacemos y lo constatamos, porque son las generaciones que están ya con Ocesa Teatro, en el Teatro Insurgentes, con Alejandro Gou, con Gerardo Quiroz... hay mínimo un alumno nuestro y es un honor”.
Equipos y staff, implicados al cien
La participación de Soluciones de Audio para esta versión abarcó proveer tanto los equipos de audio e iluminación, el diseño, como la operación de estos, como comparte Federico Anaya, su fundador:
“Con Artestudio nos involucramos al cien por ciento, desde la parte operativa hasta lo creativo en audio e iluminación, nos volvemos parte de su equipo de trabajo y hemos logrado tener una relación de amistad y profesional casi desde que iniciaron”.
Federico Anaya y Everardo Cano “Para esta versión de ‘Vaselina’ nos fuimos a 28 canales de micrófonos inalámbricos Sennheiser para todos los chicos en escena y usamos un diseño sonoro muy sencillo con equipos de
Meyer Sound: cuatro gabinetes Ultra X40, 2 subwoofers 650 y 4 UPM1 para el front fill; en la consola estamos mezclando juntos, Everardo Cano la sala y yo los monitores, con una Solid State 500 Plus. Con los músicos nos fuimos con micrófonos alámbricos y el monitoreo de ellos está hecho con sistema Aviom”.
Para Everardo Cano, el teatro es una pasión que le da vida y lo mantiene estimulado en la aventura del audio en vivo:
“Hacer teatro es algo que hace que me suden las manos de emoción y eso se lo debo a Julissa, que la educación que recibes de esa señora es impresionante, por el conocimiento que tiene de esto. Su visión y pasión son otra cosa. Ella fue la que me dijo que acá se trata de sentir y eso cambió muchas cosas en mi forma de hacer este trabajo. Aquí vengo a sumar para los que hacen teatro a buen nivel: una producción con músicos en vivo, directores increíbles y una consola L550 de Solid State Logic, que es la primera vez que se usa en teatro, así que para mí es muy divertido. Básicamente lo que hago es traer el conocimiento de lo que he hecho en estudio y en conciertos para dar vida a lo que ocurre aquí y es muy cambiante. Sentir el pulso de los chicos, hacer que la música suene como el protagonista que también es y aplicar locuras en cosas como el seteo de la batería es increíble, retando a lo que acústicamente no debería operar, pero que con el sonido, recursos y plugnins nativos de la consola que traemos, es otra cosa. Lo disfruto muchísimo y lo agradezco”.
“Con Arte Studio nos involucramos al cien por ciento, desde la parte operativa hasta lo creativo en audio e iluminación”. Federico Anaya.
Input list Canal Instrumento
1 Bombo in 2 Bombo out 3 Tarola Up 4 Tarola down 5 Hi Hat 6 Tom 1 7 Tom 2 8 Tom 3
Micrófono
Sennheiser e901 Sennheiser e902 Sennheiser e904 Sennheiser e904 DPA 2011 Sennheiser e 904 Sennheiser e904 Sennheiser e904
9 OH L
DPA 2011 10 OH R DPA 2011 11 Referencia batería DPA 2011 12 Bajo Caja directa Radial JDI 13 Guitarra Caja directa Radial JDI
14 Key L 15 Key R Caja directa Radial JDI Caja directa Radial JDI
16 Sax DPA 4099
17 Trombón
DPA 4099 18 Trompeta DPA 4099 19 TB directora musical Shure PGA 58 con switch (30) Sistemas inalámbricos EW 300 Sennheiser con micrófono lavalier MKE 2 Gold (04) Sistemas inalámbricos Sennheiser 5000 con micrófono Lavalier DPA 4061
PA principal, front fill y delay
(04. Gabinetes Meyer Sound Ultra X40 (02. Gabinetes Meyer Sound 650-P (04. Gabinetes Meyer Sound UPM-1P
Side fill
(02) Gabinetes Meyer Sound UPA 1-P
Mezcladora
(01) Solid State Live SSL 550 plus (02) Rack 32 X 32 con spliter
Monitoreo de músicos
(05) Mezcladoras personales modeo A-16 II sistema Aviom
Iluminación
(12) Cabezas móviles Martin Mac Aura (08) Cabezas móviles Clay Paky Sharpy Plus (02) Máquinas de Haze Martin Compact Pro (04) Spliter Elation (01) Consola de iluminación Hoglet 4 High End Systems (03) Seguidores Chauvet ST 120 (10) Radios Motorola DEP 450 con tubo acústico
El personal Audio
Ing. Everardo Cano Guzmán Federico Armando Anaya Anaya Carlos Cano Cortez Manuel Cortez Ceceña Fernanda Oviedo Rodríguez Oscar Báez Alvarado Guillermo De Lara Diego Facundo Álvarez
Iluminación
Armando Arturo Anaya Carrasco Edgar Jovan Hernández René Carranza Martinez Ángel Carranza René Anaya Alexys Juan Ramón Fuentes Administrativo en Soluciones en Audio Isabel Clemente Carmona Lic. María Fernanda Anaya Carrasco
“Lo que hacemos está funcionando y lo constatamos, porque hay generaciones que están ya con los productores de teatro más importantes de México. Es un honor”. Mauricio Salas.
La iluminación estuvo a cargo de Armando Arturo Anaya Carrasco, quien sigue la tradición de su padre Federico, uniéndose al personal de su compañía en el rubro visual:
“Empecé en 2018 en un proyecto del TEC de Monterrey y el CENART para una ópera que produjimos; fue mi primer acercamiento con esta parte del diseño de iluminación y luego se fueron dando algunos proyectos de la mano de Arte Studio y he ido evolucionando con eso”.
“Lo que hicimos en esta ocasión fue usar tiras de LED para dar vista a las escaleras que son importantes en la escenografía que se hizo: esta rocola al centro con la escalinata emulando las canciones de la época, jugar con matices, las secciones y todo eso combinarlo con colores más alegres por el tipo de obra que es. Tuvimos luces Sharpy de Clay Paky, MAC Aura combinadas con varios Pares y las tiras de LED que se fueron incluyendo, más el front del teatro. Para el control usé una Wing de HOG, porque es muy práctica para este tipo de proyectos donde no tienes tanto tiempo de programar y diseñar”.
Como expresa Federico, ser parte de esta misión formativa para profesionalizar nuestro teatro es fundamental: “Para mí ha sido un orgullo que Arte Studio nos sume, porque es una de las escuelas con las que tengo la fortuna de trabajar y que tratan cada vez más de ser profesionales, en tiempos en los que a veces los productores profesionales buscan ser más amateurs, porque al tratar de ahorrar pesos descuidan producciones y no invierten lo necesario a la parte técnica. Las escuelas están poniendo ese granito de arena y los chicos que están estudiando y saliendo de ahí son apasionados del teatro musical o cualquier tarea escénica, y valoran desde esa formación la importancia de las cuestiones técnicas que complementan lo que hacen en la tarima. Eso me encanta de esta institución y sus proyectos; siempre que podamos apoyar y nos permitan colaborar con ellos, seremos felices”, concluye.
Elation: 450 luces en Bavaria Sounds 2022
Los conciertos al aire libre más grandes jamás celebrados en Múnich, Alemania, y los más grandes del país este año, tuvieron lugar en el Centro de Exposiciones en agosto, con más de 300 mil fans en total que asistieron a los espectáculos de Andreas Gabalier, Helene Fischer y Robbie Williams. El iluminador Roland Greil iluminó los espectáculos épicos y el enorme escenario de 150 metros de ancho con un equipo que incluyó más de 450 luminarias Elation Professional.
Grandes multitudes, alto valor de producción
El rockero folclórico austriaco Andreas Gabalier abrió la serie de conciertos con la reina del pop alemana Helene Fischer, atrayendo más de 130 personas para su actuación, y la estrella del pop inglés Robbie Williams, con más de 100 mil para su espectáculo.
Producidos por Leutgeb Entertainment Group y una clara señal de que los eventos en vivo sin duda han regresado, los conciertos fueron muy especiales para el diseñador de iluminación y producción. Con un enorme escenario en forma de diamante de 150 metros de ancho, diseñado por Florian Wieder, los espectáculos fueron verdaderamente extraordinarios. “Fue un proyecto ambicioso del promotor Klaus Leutgeb y Leutgeb Entertainment Group”, comenta Roland. “Estos fueron espectáculos realmente emblemáticos; los elementos de producción funcionaron de manera ideal y todo salió muy bien”.
“Entramos con un buen diseño de iluminación y Florian hizo un trabajo increíble en el escenario y el diseño de producción. Él estaría de acuerdo conmigo en que si realiza espectáculos al aire libre en los meses de verano, donde es más difícil ocultar el equipo debido a la luz del día, es importante alejarse de la estructura de techo tradicional y construir algo más arquitectónico. Lo que sea que construyas debe verse impresionante y hacer una declaración por sí mismo y creo que lo logramos de una muy buena manera”, menciona Roland.
Acompañado magistralmente por un ensamble de músicos, y logrando una hipnótica calidad sónica a través del sistema DOLBY ATMOS, con esta producción titulada "Olas Altas" , Daniel Torres, DANTOR, nos invita a asomarnos a universos insospechados de los que es imposible retornar intactos después de haberlos habitado.
- Rosino Serrano
DISPONIBLE EN CD
A la venta en: www.saladeaudio.com @saladeaudiorecords @dantor _ music
Fue a fines de 2021 cuando Klaus Leutgeb se acercó a Roland Greil en busca de un socio para manejar el diseño de iluminación y video para los espectáculos. “El desafío”, dice Greil, “fue crear tres espectáculos complejos del tamaño de un estadio al mismo tiempo. Después de encontrar puntos en común, el diseñador dice que había algunos aspectos desde la perspectiva de la iluminación que era importante abordar. “Obviamente, debido al gran tamaño del escenario, todo lo que usamos tenía que tener una gran potencia para que funcionara. Además, cada unidad tenía que cumplir un propósito específico: iluminar la arquitectura, por ejemplo, o crear una apariencia específica. Y debido a que estos eran tres artistas muy diferentes, la plataforma tenía que ser lo suficientemente versátil para crear tres espectáculos de aspecto diferente”.
IP65, imprescindible
Además de eso, debido a que el diseño del escenario no tenía un techo real y, por lo tanto, no tenía protección contra la intemperie (Roland Greil dice que quizás el ochenta por ciento de las luminarias estaban completamente expuestas a la lluvia), las luminarias IP65 totalmente resistentes a la intemperie eran imprescindibles. El equipo contó con una gran cantidad de luces con clasificación IP de Elation, más de 450 en total: 171 Proteus Maximus, 106 Proteus Excalibur, 76 Proteus Hybrid y 100 Arena Zoom Q7IP. El proveedor de iluminación para el proyecto fue Clair Bros, con el apoyo de Christie Lites.
Roland ha usado la Maximus antes: “Es una luz híbrida probada, de alta potencia y versátil”. El profesional las colocó a lo largo de la estructura de la cabecera, en la pared posterior, en las diagonales que enmarcaron el escenario y en el piso. Proteus Hybrid, otra luminaria multifuncional con el que tiene experiencia, tiene un factor de forma pequeño que funcionó bien desde posiciones en el piso y también funcionó desde posiciones en las fascias del escenario”.
Proteo Excálibur
Además, un nuevo accesorio para Roland Greil fue la Proteus Excalibur, una luz súper brillante con todas las funciones de Elation. “Queríamos crear un marco de iluminación alrededor del escenario y también extender cualquier aspecto del escenario hacia el público y hacia el cielo. Buscábamos un sustituto del reflector de haz tradicional para exteriores, pero queríamos algo con una lente frontal grande y Excalibur lo tiene. Se ven y se sienten bien y realmente nos convencieron en este proyecto”.
La iluminación se extendió a la audiencia en forma de 20 torres de delay de sonido que también se usaron para iluminar las posiciones. Cada torre albergaba un par de Excalibur para sumergir a la audiencia en la apariencia general del espectáculo.
ArenaZoom Q7IP
En el extremo superior del escenario, detrás de la banda y el área de actuación, había una enorme pared trasera completamente revestida con tela negra. Aquí, Roland Greil integró las luces Proteus Maximus y LED wash/blinder/strobe, así como Elation Arena Zoom Q7IP y luces PAR RGBW para exteriores. “Quería tener un aspecto diferente allí, así que integré 100 ArenaZoom, que también es una luz muy agradable gracias a la salida y el brillo que entregan”.
El escenario también contó con una gran pared de video de fondo con grandes paredes de video a cada lado del escenario: piezas arquitectónicas que reproducían contenido de fondo integrado con IMAG. La pantalla central de la parte superior del escenario era semitransparente, lo que permitía que la luz brillara para obtener una apariencia de iluminación pura o en combinación con video. Seis pantallas adicionales para IMAG se distribuyeron por toda la propiedad.
Roland Greil ha tenido un año ajetreado trabajando con bandas como los Rolling Stones, Genesis y Rammstein, para quienes es co-diseñador de iluminación: “Definitivamente fue un desafío, pero gracias a un gran equipo luchamos todas las batallas y brindamos tres grandes espectáculos. Todos los que participaron en este proyecto deberían estar orgullosos de lo que logramos”, concluye.
